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El 29
de marzo es el octogésimo octavo día del año en
el calendario gregoriano y el octogésimo
noveno en los años bisiestos. Quedan 277 días para finalizar el año. Podcast 2019
El vacío de poder que deja la muerte de Enrique III provoca
que, a la muerte de Víctor II, se ignoren los derechos recogidos en la Constitutio
Lotharii y en el Privilegium Othonis que
reconocían que ningún papa sería consagrado hasta que su elección hubiera sido
aprobada por el emperador.
Así es elegido Federico que en ese momento era abad de Montecassino y que tomará el nombre de
Esteban IX.
En 1058 se desplazó a Florencia para organizar junto a su
hermano Godofredo
III "el barbudo" una expedición militar contra los
normandos. En dicha ciudad enfermó de malaria y falleció el 29 de marzo.
Cuando todavía era
estudiante de la high school, Ahn visitó el plató del film The Thief of Bagdad,
donde conoció a Douglas Fairbanks. Fairbanks ofreció al joven
Philip la posibilidad de hacer una prueba, y después hacer un papel en la
película. Sin embargo, la madre de Philip se negó a aceptar que su hijo se
hiciera actor.
Ahn se graduó en
1923, y después empezó a trabajar en los arrozales de la zona de Colusa, California.
El campo era propiedad de la Joven Academia Coreana, un movimiento
independentista coreano que adiestraba a jóvenes coreanos para llegar a ser
líderes de su país una vez éste se viera liberado del dominio japonés. Debido a
que los coreanos no podían poseer tierras, la Academia aprovechó la ciudadanía
estadounidense de Ahn para poner la propiedad a su nombre. Sin embargo, a causa
de las lluvias la cosecha de arroz se echó a perder, y Ahn tuvo que enfrentarse
a problemas económicos. Por entonces, su padre se encontraba en Asia trabajando a
favor de la independencia, por lo que el joven Ahn tuvo que ayudar
económicamente a sui madre y a sus cuatro hermanos. Por ese motivo tuvo que
trabajar como ascensorista en Los Ángeles.
En 1934 empezó a
estudiar en la Universidad del Sur de California.
Aunque estaba interesado en el negocio de importación y exportación, su padre
le animó a ser actor, su verdadera vocación, y le convenció para que siguiera
cursos de cinematografía. Mientras estudiaba, actuó en una producción de la
obra Merrily We Roll Along que se representó por el oeste de
los Estados Unidos.
Además, en la
universidad era responsable de la organización de las visitas de muchos
dignatarios extranjeros, tales como la Princesa Der Ling de China, el periodista de
la IndiaChaman Lal, y el arqueólogo y explorador
Robert B. Stacey-Judd. Sin embargo, tras su segundo año en la universidad
abandonó el centro y se dedicó plenamente a su carrera como actor.
Su primera película
fue A Scream in the Night en 1935. Al año siguiente actuó en
el film de Bing CrosbyAnything Goes, aunque el
director Lewis Milestone inicialmente le había
rechazado ya que su inglés era demasiado bueno para el papel. Sus primeras
actuaciones acreditadas llegaron en 1936 con The General Died at Dawn y Stowaway,
con Shirley Temple. Ahn trabajó junto a Anna May Wong en Daughter of Shanghai (1937) y King of
Chinatown (1939).
Durante los años de
la Segunda Guerra Mundial, a menudo interpretó a
malvados japoneses en filmes bélicos como Back to Bataan (1945).
Debido al odio hacia los japoneses durante la guerra, recibió muchas amenazas
de muerte. En parte para contrarrestar su imagen, Ahn se sumó al Ejército de los Estados Unidos, aunque fue
licenciado a causa de una lesión de tobillo. Durante su breve estancia en el
ejército, trabajó en los Servicios Especiales entreteniendo a la tropa.
El último papel
importante de Ahn fue el de "Master Kan" en la serie televisiva Kung Fu. Ahn era presbiteriano, y afirmaba que el
pensamiento taoísta de su personaje no contradecía sus propias
creencias religiosas. Por su contribución a la industria cinematográfica, Ahn
fue premiado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6211
de Hollywood Boulevard, siendo el primer actor
estadounidense de origen asiático en recibir una.1
1918:
Nace Sam Walton,
magnate estadounidense, fundador de Wal-Mart (f.
1992).
Nace Jorge Hugo Chagra, compositor argentino de la zamba “Sapo
cancionero”. (fallecido en 2020).
Nació en San Salvador de Jujuy
el 29 de marzo de 1928; allí realizó la primaria y secundaria, además de
estudios incompletos de piano y violín, como así también su incursión en la
caricatura dibujando a sus compañeros en horarios de clase: algunos de ellos
aún las conservan.
En 1946 ingresa a la facultad
de odontología en Córdoba y conoce a Renato Aparicio, Director del conjunto
universitario jujeño "Los Arrieros de Coya Guayma" y demás
integrantes a saber: Washington Villagarcía (quena), Walter Aparicio (bombo)
Luciano Arrazabal (guitarra y canto), Manuel Iturbe (Charango), Tato Salomón
(quena), Duro González (Violín) y Marcos Paz (Guitarra) que justo en ese momento
se desvincula del conjunto para retornar a Jujuy convocado por el gobernador
electo, Ing. Iturbe, para ocupar el cargo de Secretario de la Cámara de
Diputados de la provincia de Jujuy. A partir de ese momento, Marcos Paz,
comienza una trayectoria fértil en la política, el periodismo y en las letras.
Incorporado a este conjunto
primero como violinista y luego como quenista y en plena bohemia estudiantil
comienza a enriquecerse musicalmente y a dialogar con el folclore y tímidamente
a componer.
En el año 1952 se recibe de
odontólogo y se radica en Apóstoles (Misiones), pueblo en ese entonces
fronterizo a Corrientes. Retorna a Jujuy en 1957, donde empieza a componer
sobre la temática lugareña.
El 31 de diciembre de 1.959 se
incorpora al Ejército Argentino con el grado de Teniente Odontólogo; trás un
año de capacitación en la Escuela General Lemos y Hospital Militar Central,
retorna a Jujuy.Destinado al Regimiento 20 de Infantería. Sus destinos
posteriores fueron: Regimiento de Infantería Monte 28 de Tartagal, Regimiento
20 de San Salvador de Jujuy y ya con el grado de Mayor, es trasladado al
Hospital Militar de Salta en 1.977. En 1.990 finaliza su carrera con el grado
de Teniente Coronel.
En 1974 graba diez temas
musicales de su autoría y los edita en un sello personal "Viltipoco"
y que lo tituló: "A Jujuy siempre se vuelve". De él dijo Marcos Paz:
"... Hugo Chagra no es un
cantor melódico ni un artista trovador de la microfonía. Es sobre todo un
auténtico intérprete de esas vivencias interiores que tensan su espiritualidad
y buscan escapársele en el canto, simple, comunicativo. El sabe cantar a su
manera, sin alambicadas entonaciones ni exaltativas sonoridades, con cálida
vibración humana, con ese ángel de sencillez que brota de sus propias comarcas
interiores..."
"... La temática del
cancionero nativista, constituye el itinerario de una geografía musical que nos
define y enaltece, por la autenticidad de su contenido y por el diáfano acento
de pasión que, por todo lo jujeño, se ha puesto en la augural concepción realizadora..."
"... Jujuy tiene
motivaciones para inducir al viajero a regresar a su tierra, a venir una y otra
vez. Quizás esta realización esté contribuyendo a fortalecer tales sugerencias
y entonces sí, se habrá justificado una faena creativa y la razón del título
inspirado en una de las composiciones incluidas en el disco: A JUJUY SIEMPRE SE
VUELVE".
Desde 1977 reside en Salta,
siendo ya adoptado por esta tierra convirtiéndose en un "Cónsul Honorario
de Jujuy en Salta" y representante del Norte Argentino para el mundo.
Su trayectoria, ampliamente
reconocida, está formada por temas tan conocidos como: "Sapo
Cancionero", "Quiero volver a Jujuy", "A Jujuy siempre se
vuelve" y "Viltipoco", "El Carnavalito de Chicoana"
cuyas letras son de Alejandro Flores, Rodolfo Aparicio, Marcos Paz y Luis
Clemente D'Jallad respectivamente.
Es autor en letra y música de
"Así es Jujuy", "Al Zapla me voy", "Zamba para
Medardo", "La 23 de agosto", "Sapukay", "¡Ay
carnaval como te espero !", "Zamba para mi viejo maestro",
"Jujuy que lejos estoy" y otras más que tienen una evidente raigambre
provinciana de tal suerte que en 1996 la Intendencia de San Salvador de Jujuy
le otorgó el Premio San Salvador "por contribuir y ser parte de nuestra
ciudad".
Su vena artística también se
transporta a la pintura; siendo un apasionado por la figura y el retrato,
utiliza la técnica del pastel para realizar sus obras pictóricas. Realizó
dieciséis exposiciones individuales entre 1987 a la fecha.
Mario Girotti, más conocido
como Terence Hill (Venecia, Italia, 29 de marzo de 1939), es un actoritaliano,
popular sobre todo por sus películas con Bud Spencer y
por protagonizar la serie Don Matteo,
en la que interpreta al padre Matteo Bondini, sacerdote católico, párroco de la
ciudad de Gubbio (Perugia),
famoso por investigar crímenes locales.1
Mario Girotti nació
el 29 de marzo de 1939 en Venecia, Italia. Su padre era un químico italiano,
y su madre era alemana.
En 1951, con tan
sólo 12 años, inició su carrera de actor con Vacanze col gangster.
Continuó actuando para financiarse aficiones, incluida una moto. Estudió
durante tres años Literatura clásica en la Universidad de Roma, pero decidió
dedicarse profesionalmente a actuar.
En 1963 tuvo su
primera aparición en el 'Gran Cine', actuando en El gatopardo dirigida por Visconti.
Además de películas italianas, también participó en películas alemanas y
españolas como Pecado de amor con Sara Montiel.
Su aspecto germánico le abrió las puertas a interpretar personajes anglosajones
en numerosas películas italianas ambientadas en el Oeste.
1967 fue un año que
marcó un antes y un después en su vida. Le pidieron que escogiera un nombre
anglosajón más comercial, él escogió Terence Hill (porque las iniciales
coincidían con el nombre de su madre, Hildegard Thieme; En otra versión, el
nombre de "Terence" es escogido por el actor en honor a Publio
Terencio Afro, comediógrafo romano (cuyas obras conocía y apreciaba Girotti).
Además, el 23 de julio de 1967, contrajo matrimonio con Lori Zwicklbauer, una
estadounidense de origen bávaro, que conoció durante el rodaje de una de sus
películas en Almería, España.
También conoció en España al actor italiano Bud Spencer,
con quien coprotagonizó Tú perdonas... yo no, y sus secuelas; desde
entonces se convirtieron en habituales compañeros y amigos inseparables.
El equipo formado
por Hill y Spencer alcanzó su primer gran éxito comercial en 1970 con el spaghetti
western en tono de comediaLe llamaban Trinidad, que, seguido
de Le seguían llamando Trinidad (1971)
y Trinidad y
Bambino: tal para cual (1995), formó un tríptico
popularmente llamado «la trilogía de Trinidad», aunque en la tercera película
Hill y Spencer ya no estaban en el reparto. Desde la primera película de
Trinidad, el papel de Terence Hill siempre será el de «pillo astuto» y el de
Bud Spencer el de «bruto bonachón y cascarrabias», en diecinueve comedias
conjuntas llenas de peleas y mamporros.
Terence Hill
también ha realizado numerosas películas en solitario, e incluso ha dirigido
películas protagonizadas por él mismo. En 1983, dirigió la conocida Don
Camilo, una versión filmográfica del libro de Giovanni Guareschi, donde
Terence Hill interpreta al peculiar cura. En 1991, dirigió y protagonizó la
película Lucky Luke (personaje de cómic creado por Morris y Goscinny),
y más tarde la correspondiente serie. En 1994, dirigió Y en
Nochebuena... ¡Se armó el Belén!, coprotagonizada de nuevo por Bud Spencer,
y en la línea de sus populares películas del oeste y mamporros.
Actualmente además
de participar en solitario en una serie llamada Don Matteo, para la
televisión italiana, en la que encarna a un sacerdote con aires de detective se
encuentra rodando su última película "La llamaban Maryam" rodada en
Italia, España y diferentes localizaciones en África.
Dos de los hijos de
Terence Hill, hijo biológico Jess Hill (1969) y el adoptado Ross Hill (1973-1990), han seguido
los pasos de su padre actuando con él en algunas de sus películas. Ross Hill murió en 1990 en un
accidente de coche tras lo cual Terence sufrió una gran depresión. Ross había
trabajado con pequeños papeles en dos películas junto a su padre Don
Camilo y Renegado Jim. En la época que se produjo el
accidente, se estaba preparando para tomar parte en uno de los capítulos de la
serie Lucky Luke, donde iba a interpretar el papel de Billy The Kid.
Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y, ocasionalmente, instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar sus composiciones dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas del "new age" o, más ampliamente, como músico clásico contemporáneo. La diversidad y complejidad de su discografía hace difícil su catalogación y también es considerado por la crítica como uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica que aconteció a mediados de los años 1970.8
Desarrolló una carrera paralela como pintor10 realizando varias exposiciones internacionales.11 Pese a sus reservas a divulgar su vida privada su aporte a diversos proyectos de interés cultural le afianzaron como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal.12
La posición acomodada de la familia Papathanassiou hizo que él, quien ya realizaba pequeños conciertos con sus propias composiciones a los seis años de edad, fuese uno de los primeros poseedores de un sintetizador en Grecia. Tenía un hermano, Nikos y dijo que su padre Odiseo era un "gran amante de la música" y su madre se había formado como soprano. A los 12 años, desarrolló interés en el jazz y el rock y desde los 15 comenzó a formar bandas escolares. Debuta en 1963 en el mercado discográfico como tecladista del grupo The Forminx, compuesto con tres amigos del colegio, y una de las muchas bandas juveniles que se formaron a mediados de los sesenta para seguir la estela musical y estética de The Beatles.14
Más tarde entró a formar parte de la banda de rock progresivo y pop psicodélicoAphrodite's Child, junto a su primo Demis Roussos en bajo y voz,16 y Lucas Sideras en batería.17 El trío consiguió notables éxitos -sobre todo en Europa- con canciones como «It's five o'clock», «Spring, summer, winter and fall», «Rain and tears», «I want to live» y «Let me love, let me live». Aphrodite's Child publicaron tres álbumes de estudio: End Of The World (1968),18 It's Five O'Clock (1969)19 y, el más destacado, 666 (The Apocalypse of John, 13/18) (1972).20 Se trató de un doble vinilo conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan que por un lado les vale el reconocimiento de la crítica como pioneros del rock sinfónico21 y, por otro, la censura en algunos países debido a los supuestos mensajes satánicos y/u obscenos que contendría dicha obra.22 En uno de los temas la actriz Irene Papas grita repetidamente una frase ambigua, en una mezcla de éxtasis alucinógeno y orgásmico, y el segundo vinilo concluye con la frase "do it" (lit. "hazlo"), que fue suprimida en Estados Unidos. 666 es considerado como uno de los álbumes más influyentes de su época y todo un hito de la música conceptual, alabado, entre otros, por el pintor Salvador Dalí.23
El rumbo experimental impuesto en este último disco por el, espina dorsal del grupo, trae como resultado su disolución para afrontar nuevas experiencias. A partir de este momento el tecladista iniciará una peregrinación por las principales capitales culturales europeas que le llevará a grabar varios álbumes en ciudades como París o Londres, llegando a construir en la segunda sus propios estudios de grabación, a los que bautiza como Nemo Studios.24
Es en esta época cuando publicó varios singles bajo pseudónimo, tal vez tanteando la reacción del público ante el sonido que podría adoptar para su carrera como solista, o quizá utilizando estas incursiones como una forma de dar salida a facetas poco conocidas de su creatividad en lo que a amplitud de géneros se refiere, sin comprometer con ello su imagen ante sus seguidores.
La inclusión de la música de Vangelis en la serie Cosmos: Un viaje personal de Carl Sagan (en la foto) fue decisiva para la popularización del artista a nivel global
Antes de que la banda Aphrodite's Child se disolviera Vangelis ya había publicado un primer álbum como solista, titulado Sex Power (1970),25 banda sonora de la película homónima dirigida por Henry Chapier, para quien también compondría la música de su filme Amore (1974).26
Tras este primer trabajo grabó varias sesiones de improvisación de jazz rock con músicos ingleses, que —aunque son piezas interesantes— serían publicadas años más tarde sin el permiso del artista que afirma no considerarlos representativos de su estilo. Hypothesis, el primero de ellos publicado por primera vez en 1978,27 es un experimento de jazz electroacústico. The Dragon, el segundo también publicado en 1978,28 se trata de una pieza de rock progresivo con un mayor grado de intencionalidad. Estos dos discos, usualmente considerados no oficiales, serían retirados del mercado tras el juicio entablado y ganado por Vangelis a la compañía editorial (Affinity).29
Por otra parte en álbumes siguientes como Fais que ton rêve soit plus long que la nuit (1972),30 un poema sinfónico en dos movimientos sobre las revueltas de mayo de 1968 en París, o el álbum Earth (1973),31 el músico incursiona nuevamente en el rock progresivo, al tiempo que propone —en Earth— una fusión de música rock con el folclore mediterráneo, un camino por el que no transitaría en sus siguientes creaciones.
Entre los años 1975 y 1980, afianzó su particular sonido mediante una serie de álbumes que, en muchos casos, surgen como evolución lógica unos de otros, y que lo ubican decididamente como pionero de la música electrónica y la new age. Heaven and Hell (1975)40 se destaca —al igual que los siguientes— como un álbum conceptual, en este caso con múltiples piezas corales ensambladas en dos largas suites, que ofrece un sonido cercano al de la música clásica en la primera cara del vinilo que concluye con el tema vocal «So Long Ago, So Clear» interpretado por Jon Anderson. La segunda cara contiene composiciones más experimentales.
Albedo 0.39 (1976)41 constituye una de las obras más conocidas de la llamada "música cósmica", fluyendo entre pasajes de rock progresivo y movimientos de vanguardia electrónica, y con un sonido más espontáneo y minimalista que el de Heaven and Hell. En España se utilizó durante años uno de sus temas, «Pulstar», como sintonía para los espacios informativosradiofónicos de Cadena Cope.42 No en vano se vio a menudo ligado al mundo de la ciencia-ficción, no solo por esta clase de sonido "espacial" que desarrolla en algunos álbumes, sino también por su participación en Blade Runner, en la serie Cosmos y en proyectos con la NASA o la Agencia Espacial Europea.43 El autor de 2001, Arthur C. Clarke le agradeció, además, su inspiración para la novela 2010: Odisea dos.
A la misma época pertenecen otros álbumes como el comercial Spiral(1977),44 que contiene el clásico «To the unknown man», junto a otras piezas electrónicas muy versionadas desde entonces como «Dervish D». Beaubourg (1978),45 hermético, envolvente y extremadamente provocador en su aparente ausencia de melodías o esquemas rítmicos, o China (1979)46 y Opera Sauvage (1979),47 ambos con abundancia de temas cortos y melódicos, fácilmente accesibles para el público general sin que por ello se renuncie a la búsqueda de profundidad artística. De estos dos últimos álbumes destacan, entre otros, los temas «Himalaya» y «Rêve». Cabe destacar que la película dirigida por Peter WeirThe Year of Living Dangerously (1982)48 adopta la pieza «L'enfant», incluida en Opera Sauvage, como su tema principal aunque el resto de la banda sonora está compuesta por Maurice Jarre.
Hugh Hudson (en el centro en la foto) director de Carros de Fuego por cuya banda sonora obtuvo su primer premio Oscar en 1982
En 1980 se edita el álbum See You Later,49 arriesgada reflexión sobre el convencionalismo de la vida cotidiana en la sociedad actual, abordada en algunos momentos con ademanes satíricos. Este álbum contiene una de las piezas emblemáticas del compositor griego, «Memories of Green», popularizada tras su inclusión como parte de la ambientación musical de la película Blade Runner.50 El disco había sido concebido en 1975, antes incluso de Heaven and Hell, pero su publicación fue postergada debido a conflictos con los derechos de autor de una poesía recitada en el mismo, algunas canciones fueron descartadas y se tuvieron que reorganizar las diferentes pistas.51
La expansión y aceptación de su música a nivel comercial y crítico recibe un gran impulso gracias a la inclusión de varios temas de sus álbumes de los años setenta (Heaven and Hell, Ignacio...) en la exitosa serie televisiva Cosmos: Un viaje personal.52 La serie documental, creada por Carl Sagan, Ann Druyan y Steven Soter para PBS, abordaba el universo y el origen de la vida en la Tierra.53 Su impacto y difusión en la fecha de su estreno, y en sus posteriores redifusiones, fueron notables y contribuyeron a popularizar las obras del compositor griego.54
En abril de 1982 consiguió, pero no recogió en la ceremonia, el Premio Óscar a la mejor banda sonora por la película Chariots of Fire, dirigida por Hugh Hudson, frente a otros compositores como John Williams y la partitura de Raiders of the Lost Ark.55 El contenido del álbum, tal y como sucederá con el resto de sus siguientes trabajos para el cine, no guarda relación estricta con las piezas utilizadas en la película: las piezas son reeditadas y reordenadas para crear una obra musical que funcione como álbum de estudio de cara a su escucha independiente. A menudo se tiene la sensación, mientras se visiona la película, que en ella se encuentran los temas del álbum parcialmente reinterpretados. También se incluyen en la película temas del griego, como «Hymne», compuesto para Opera Sauvage. En cualquier caso en las películas musicalizadas por Vangelis los temas utilizados en el montaje se corresponden exactamente con las versiones del álbum, con independencia de que en este haya temas inéditos o el orden de las piezas varíe.56
Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de «creación directa». Varios cineastas han comentado su asombro ante su capacidad para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.57
La banda sonora de la película de ciencia ficción Blade Runner, dirigida por Ridley Scott (en la foto) es una de las composiciones más populares de la trayectoria de Vangelis
A partir del momento de recibir el Oscar, y tal vez temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de bandas sonoras, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte, decisión que solo ha sido quebrantada en contadas ocasiones. Entre los ejemplos de sus bandas sonoras inéditas se encuentran las partituras para las películas Missing dirigida por Costa-Gavras (1982)58 o The Bounty dirigida por Roger Donaldson (1984).59 Del documental de Frederic Rossif Sauvage et Beau sí se publicó el tema homónimo en el recopilatorio Portraits.60
Su siguiente obra para la gran pantalla se convertirá la banda sonora de la película de ciencia ficción,61 controvertida en su estreno62 pero que con el tiempo derivó en título de culto:63 Blade Runner (1982) dirigida por Ridley Scott.64 El álbum se publicó en 1994, en una edición revisada si bien las ediciones piratas abundaron en este tiempo.65 Scott, en su faceta de director de anuncios para la televisión, ya había trabajado con música del griego. Aunque se contrató a Jerry Goldsmith, para suplir el retraso en el envío de la grabación requerida a Vangelis, finalmente esta es acoplada al montaje de la película antes del estreno oficial. Fue precisamente la presión de las fechas la que impidió al músico acudir a recoger el Oscar por Chariots of Fire. La partitura de Blade Runner se caracteriza por amalgamar música electrónica y étnica con sonidos del jazz y el blues, logrando ambientar el homenaje al cine negro desde un enfoque distópico que la película propone. El tema «Memories of Green», que ya apareció en el álbum See You Later, fue utilizado con posterioridad en otra película dirigida por Scott: Someone to Watch Over Me (1987).66
El resto de los años ochenta estuvieron marcados por la alternancia de trabajos muy comerciales con otros más arriesgados, en los que Vangelis amplía sus registros musicales, obteniendo una respuesta irregular por parte de crítica y público. Ejemplos del primer tipo son Antarctica (1983),67 banda sonora para la exitosa película japonesa dirigida por Koreyoshi Kurahara,68 y Direct (1988)69 primer disco publicado con Arista su nueva compañía discográfica, y que presenta un sonido algo más aséptico y despersonalizado destacándose temas como «Elsewhere», «Ave» e «Intergalactic Radio Station».70
Al segundo tipo de álbumes corresponden Soil Festivities (1984),71 con un carácter atmosférico y ambiental,72 e Invisible Connections (1985),73 primer disco publicado por el sello alemán de música clásicaDeutsche Grammophon de un compositor procedente de la esfera pop dominado por su carácter atonal e indescifrable de la música culta contemporánea.74
A medio camino entre ambas tendencias se encuentra Mask (1985),75 ambicioso en su sonoridad y accesible, por otra parte, para el público no iniciado. El álbum incluye sintetizadores, secuenciadores, coros y melodías fácilmente reconocibles. Este álbum influiría decisivamente en algunas de sus grabaciones más conocidas de la siguiente década, especialmente en Mythodea.76
En The City (1990),78 su primer disco con el sello East West Records, exploró la combinación de ambientes urbanos con el minimalismo electrónico. El álbum fue grabado en diferentes sesiones en el Hotel de la Ville (Roma) y se completó en Meca Studios (París). De su carácter da testimonio la pieza «Good to See You» que en sus primeros 23 segundos solo consiste en ruidos de ciudad. En este trabajo participan con sus voces el director de cine Roman Polanski y su pareja, la actriz Emmanuelle Seigner, con quienes el griego trabajará a continuación en la película Bitter Moon.79
"Este es un día en la vida de una ciudad, sus habitantes se quitan el sueño y se mueven por las concurridas calles y paseos solo para regresar a casa y (presumiblemente) comenzar el proceso una vez más. La ciudad de Vangelis es cosmopolita, mezclando con buen gusto sonidos exóticos y voces incorpóreas, a la vez futuristas pero tranquilizadoramente familiares. Donde Direct era remoto, The City es casi sensual".
En 1992, tras la tibia acogida comercial de The City, obtuvo uno de los momentos más populares de su trayectoria80 con la banda sonora de 1492: La Conquista del Paraíso81 dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Gerard Depardieu y Sigourney Weaver.82 El tema central, «Conquest of Paradise», es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams83 y Klaus Schulze84 han grabado sus propias versiones de este himno coral. También ha sido empleado en campañas publicitarias siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen.85
"De gran escala y de gran alcance en su alcance (...). 1492 se destaca junto al clásico Carros de Fuego de Vangelis debido a su capacidad innata de introducirse directamente en el material y proporcionar una parte integral de la película. Vangelis tiene éxito en capturar el ambiente del Siglo XV, mezclando complejas partes corales con elementos modernos, retratando algo más grande que la vida de Colón".
Vangelis compuso la banda sonora de la película de culto Blade Runner, que no fue publicada hasta 1992 con motivo del "montaje del director".
La colaboración con Ridley Scott en estos años no concluye con la película sobre Colón. El director británico estrena Blade Runner: el montaje del director (1992)86 en la que la eliminación de los monólogos de Harrison Ford87 da mayor notoriedad a la banda sonora.88 La trascendencia de este reestreno anima a Vangelis a publicar finalmente el álbum con su música original, aprovechando la ocasión para añadir algunos temas descartados en 1982, así como piezas totalmente nuevas que contienen fragmentos de diálogos entre los personajes.89 En la portada de Blade Runner no se especifica que se trate de la música original de la película pues el álbum en su conjunto se puede entender más como una obra conceptual que como una banda sonora al uso. Aunque los temas clásicos de la película son respetados escrupulosamente, ya que no son retocados ni regrabados, las diferentes pistas están enlazadas como venía siendo costumbre en sus obras.
A lo largo de los años noventa tuvo un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como hiciese previamente. El disco Voices (1995)90 explora las posibilidades sonoras de la voz humana. Las letras de los tres temas cantados fueron escritas por los propios vocalistas: Caroline Lavelle, Stina Nordenstam y el mencionado Paul Young.91
"Crea atmósferas amplias y paisajes sonoros dramáticos con ganchos de sintetizador, voces de canto y samplers. Vangelis también agrega algunas texturas experimentales y melodías suaves para cubrir sus paisajes sonoros. Este es un CD emocionante. Vangelis está en una liga con pocos compañeros. En términos de estatura y respuesta emocional, este disco atraerá a los fanáticos de Enya y Yanni".
Oceanic (1996),92 por otra parte, es un disco conceptual sobre los océanos inspirado por las películas de nadadoras de los años 50. Es difícil calificarlo como un trabajo arriesgado si bien cosechó un aceptable éxito comercial y crítico entre los seguidores de la música New Age. Coincidiendo con su publicación apareció en Internet la que iba a convertirse en página web oficial del músico, www.vangelisworld.com, que sin embargo nunca llegó a quedar terminada y en 2018 está retirado su acceso.
"Como su título indica, Oceanic de Vangelis es un trabajo silencioso y meditativo que evoca el mar".
Su siguiente álbum, basado casi íntegramente en una edición limitada de 3000 ejemplares para coleccionistas que se había publicado en 1995 bajo el título Foros Timis Ston Greco - A Tribute to El Greco, se trata de El Greco (1998),93 probablemente uno de los más logrados de su discografía. El Greco es un tributo al artista del manierismo y los sobrios ambientes religiosos y palaciegos de su época, capturando en diez movimientos el universo creativo del pintor cretense.94 Los movimientos III, V y VII, los relativamente más cálidos del disco, no corresponden a la partitura original del 95 sino que fueron añadidos en 1998.
"Este portentoso tributo a Domenikos Theotokopoulos divide sus diez pistas entre los movimientos separados y los explora con toda la emoción de un día en la galería de arte. Lo que significa que es muy estudioso, muy meticuloso y muy bueno para ti, pero en última instancia las (muy pocas) emociones aquí son intrínsecas".
Vangelis recibió el título de Doctor Honorario de la Universidad Nacional de Atenas.
En 2001 la NASA se pone en contacto con él95 para encargarle la composición de un tema que sirviera de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey.96 El encargo deriva en la elaboración de un álbum, Mythodea,97 en parte basado en una obra anterior no publicada oficialmente. Mythodea se presentó en un concierto en vivo en Atenas,98 y el evento supone la primera edición de un concierto de Vangelis -poco pródigo en conciertos- en formato DVD.
"La Mitología, la ciencia y la exploración espacial son temas que me han fascinado desde mi niñez. Y siempre estuvieron conectados de alguna manera con la música que compongo. Entiendo el mundo a través de la música y creo que la música da forma al universo. La humanidad siempre ha sentido fascinación sobre el espacio, siempre ha sido curiosa. Es algo que está implantado en nosotros. Es natural querer viajar y descubrir. Es, siempre ha sido y siempre va a ser así. Somos espacio".
Circulan también rumores sobre su participación en la película The Matrix Reloaded. No se sabe si él había creado temas originales para ella o si se pensaba utilizar temas clásicos de sus álbumes, aunque finalmente el músico aparece totalmente desligado del proyecto.100
En 2004 se publica la banda sonora original de la película Alejandro Magno101 dirigida por Oliver Stone, un trabajo muy ambicioso en el que su sonido se mezcla con el de una orquesta sinfónica completa. Una de sus pistas, Roxanne's Veil, había aparecido anteriormente en un álbum de Vanessa Mae, cuyo violín interpreta la melodía principal. Resultó enigmática la ausencia del músico griego en las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas de 2004, y al parecer esto se debió al trabajo que estaba realizando para la película de Stone. La posterior aparición de Alexander, the Final Cut revela que la partitura de Vangelis era mucho más extensa que la publicada en el álbum. Vangelis asegura sentirse atraído desde un principio hacia esta obra por la evidente herencia cultural que, como griego, le vincula al personaje principal de la misma.102
"Oliver (Stone) siempre ha incluido música en sus guiones y teníamos varias escenas con músicos en Macedonia, Persia, Balkh (Afganistán) y la India. A fin de lograr la autenticidad que Oliver buscaba en esas escenas, el compositor Vangelis – que tiene amplios conocimientos de la historia musical de estas zonas - compuso, grabó y produjo música original. Su potente banda sonora evoca el pasado e incorpora diversas influencias e instrumentación étnicas".
Budd Carr, supervisor musical de Alejandro Magno (2004) [7]
A lo largo de 2007 aparecen en el mercado dos nuevos discos suyos, el primero en homenaje a Blade Runner en el 25º aniversario de su estreno, y coincidiendo con el reestreno en cine y DVD de su versión definitiva (la quinta). El disco, llamado BR 25, expande el universo musical de la película con temas en los que colaboran Roman Polanski, Oliver Stone y Ridley Scott, entre otros personajes del mundo de la cultura y la política internacional. Forma parte de un estuche titulado Blade Runner Trilogy, y contiene también el álbum Blade Runner de 1994, junto a un tercer disco con temas de la película nunca publicados oficialmente.103
El segundo trabajo de 2007 es la banda sonora original de El Greco,104 una coproducción hispano-griega dirigida por Yannis Smaragdis sobre la vida y obra del pintor que le da título. Protagonizada por Nick Ashdon y Juan Diego Botto la música contenida en el álbum no tiene vinculación con El Greco que Vangelis publicó en los años 90. Esta obra, editada (en principio) solo en Grecia, supone la segunda colaboración de Vangelis con Smaragdis, tras Cavafy, para la que también compuso su partitura.105
La misión Rosetta, organizada por la Agencia Espacial Europea, sirvió de inspiración para el álbum temático homónimo (2016) compuesto por Vangelis
En 2008 aportó tres nuevas piezas musicales, tituladas Sanctus, In Aeternitatem y Humanum Est,106 para los títulos iniciales y finales de Swiadectwo107 (también llamada Testimony) un filme documental polaco creado para televisión sobre Juan Pablo II.108
Durante mayo de 2012 se estrenó en el Hampstead Theatre de Londres una adaptación teatral de Carros de Fuego dirigida por Edward Hall sobre una adaptación de Mike Bartlett.109 El mismo año Decca Records publicó el álbum bajo el título Chariots of Fire: The Play.110
"Para mí es muy gratificante saber que, a través de los años, esta música parece haber dado y todavía genera tanto placer y transmite un sentimiento de optimismo a tanta gente en todo el mundo. Como siempre estoy muy agradecido por su amor y aprecio".
Vangelis, en el libreto de Chariots of Fire: The Play (2012) [8]
Para un músico de su talla, poco se sabía de su vida personal y apenas concedía entrevistas a periodistas.115 En 2005, afirmó que "nunca estuvo interesado" en el "estilo de vida decadente" de sus días en bandas, eligiendo no consumir alcohol ni drogas. También tenía poco interés en el negocio de la música y en alcanzar el estrellato, al considerar que "el éxito y la creatividad pura no son muy compatibles. Cuanto más exitoso te vuelves, más te conviertes en un producto de algo que genera dinero". En cambio, usó su éxito para ser lo más libre e independiente posible y, a menudo, rechazó oportunidades de promover o capitalizar su fama.
Su lugar de residencia no se conocía públicamente, en lugar de establecerse en un lugar o país, optó por "viajar", aunque poseía una casa en Atenas, junto a la Acrópolis. No tuvo hijos, aunque algunas entrevistas mencionan que se casó dos veces, una de ellas con la fotógrafa Veronique Skawinska, quien produjo trabajos para algunos de sus álbumes. Una entrevista de 1982 en Backstage sugiere que antes estuvo casado con la cantante griega Vera Veroutis, quien proporcionó voces para algunos de sus discos.
Aunque era una persona muy reservada, según muchos relatos era un hombre "realmente accesible", "amable" y de "buen humor", que disfrutaba de largas reuniones amistosas, y estaba fascinado por la filosofía griega antigua, la ciencia y la física de la música y el sonido y la exploración espacial. Su principal actividad cotidiana era combinar y tocar sus instrumentos electrónicos y piano. También le gustaba pintar. Su primera exposición, con 70 pinturas, se llevó a cabo en 2003 en Almudín, Valencia, España, realizando luego una gira por América del Sur hasta finales de 2004.
En enero de 2013 circularon rumores sobre su muerte en las redes sociales Facebook y Twitter, los cuales resultaron ser absolutamente falsos. Si bien es cierto que al año siguiente, en el verano de 2014, falleció su hermano mayor, Niko, quien ejerciera labores de representación en The Forminx y fuera productor para Pentagram.116
El primer ministro de Grecia, Kyriakos Mitsotakis anunció el deceso del compositor a través de un mensaje en la red social Twitter:
"Vangelis Papathanassiou ya no está con nosotros. El mundo de la música ha perdido al internacional Vangelis".
Su funeral tuvo lugar el 3 de junio en el cementerio Pere Lachaise de la capital francesa. Asistieron entre otros su pareja Laura Metaxa, el director de cine Roman Polanski, la viuda del Sha de IránMohammad Reza PahlavíFarah Diba y la embajadora de Grecia en Francia, Aglaia Balta. Durante la ceremonia fueron escuchados por los asistentes diversos temas compuestos por el músico a lo largo de su carrera. Los restos de Vangelis fueron posteriormente incinerados, según información brindada por sus representantes legales.118
A lo largo de su carrera en solitario, posterior a su estancia con The Forminx y Aphrodite's Child, colaboró con numerosos artistas de renombre internacional.
La colaboración más conocida y de mayor trascendencia fue la creación del dúo Jon and Vangelis119 junto al cantante Jon Anderson, vocalista de la banda de rock Yes.120 Tras la desaparición de Aphrodite's Child y tras el abandono de Rick Wakeman de Yes, Anderson le ofreció la incorporación como tecladista opción que declinó el artista griego para volcarse en sus proyectos en solitario. Sin embargo, fruto de su colaboración mutua en el dúo, obtuvieron varios singles de éxito internacional a lo largo de los años 80 del siglo xx:121 «I Hear You Now», «State of Independence», «I'll Find My Way Home», «Italian Song» o «And When The Night Comes».
Esta formación fue responsable de los álbumes de estudio Short Stories (1979),122 The Friends of Mr. Cairo (1981),123 Private Collection (1983)124 y Page of Life (1991).125 Anderson también aparece como invitado otros temas publicados como obras solistas de él, como «So Long Ago, So Clear» -incluida en Heaven and Hell-, en Opera Sauvage -en cuyo tema final interpreta el arpa- o en See You Later -donde se puede escuchar su voz-. Dichas colaboraciones incluyen asimismo a Demis Roussos y al saxofonista de jazz británico Dick Morrissey, colaborador habitual tanto de Anderson como de Vangelis, y notablemente en el popular «Love Theme» de Blade Runner.
Tras la primera reunificación de Yes, sucedida en 1983, Anderson trabajó con el nuevamente en 1986, pero este material vio la luz más adelante.126 Su último álbum de estudio hasta 2018, Page of Life (1991), no se publicó en Estados Unidos hasta 1998 cuando Anderson dio la autorización modificando la lista de temas, con la desaprobación de él, lo que puso fin a su colaboración aunque, oficialmente, el dúo nunca hiciera pública su disolución sino hasta el fallecimiento de Vangelis.
Conocida por sus labores interpretativas Irene Papas colaboró en varias ocasiones con Vangelis: en el álbum 666 de Aphrodite's Child o en los álbumes Odes y Rapsodies.
"Él es una persona maravillosa y divertida, un gran músico. Hicimos música espontánea, un estilo muy opuesto a Yes. ¡Llegamos escribir cuatro canciones en un mismo día! Es un maestro en la producción, lo que hicimos aún suena maravilloso hoy en día. Grabamos cuatro álbumes, estoy muy orgulloso de eso".
Otra importante colaboración fue el dúo formado ocasionalmente con la cantante y actriz Irene Papas,127 componiendo y produciendo junto a ella128 los álbumes Odes (1979)129 y Rapsodies (1986).130 Ambos álbumes dedicados a recuperar para la modernidad las sonoridades del folclore tradicional helénico. El primero, Odes, se centra en las canciones populares de resistencia frente al empuje otomano de siglos pasados. El segundo, Rapsodies, a abordar aspectos de la tradición cristiana griega.
A lo largo de su trayectoria también colaboró con artistas de distintos estilos musicales como Montserrat Caballé, Vanessa Mae, Caroline Lavelle, Demis Roussos, Melina Mercouri, Suzanne Ciani, Riccardo Cocciante, Claudio Baglioni, Mariangela, Stina Nordenstam, Luz Casal, Michael Hoppé, Richard Anthony, Milva o Sean Connery (en el sencillo Ithaca donde el actor recita el poema homónimo de Cavafis). En 1986, la cantante internacional de origen griego Nana Mouskouri graba en francés, inglés, italiano y alemán el tema “Missing”, convirtiéndose en un título obligado de sus conciertos por el mundo, y en italiano, “Himno” (Ti ho perso). Durante su primera época como compositor, arreglista y músico de sesión también hay registros de colaboración con Vana Veroutis, Vilma Lado y Ricardo Credi, con el grupo Panda, con Patty Pravo (conocida cantante por su éxito La Bámbola), el grupo Nuovi Angeli, con Koitza Kouroukli y su grupo the Mins y con el dúo Chrisma. Generalmente dichas colaboraciones tuvieron lugar en Grecia e Italia, lugares que frecuentaba en su primera etapa, antes de su marcha a Reino Unido y la creación de su propio estudio de composición y grabación.131
Mención especial merece su colaboración con Michel Huygen yCarlos Guirao, integrantes del grupo electrónicoNeuronium, con quienes improvisó en directo en el programaMusical Expressdirigido porÀngel CasasenTelevisión Española.132 En 1996 se publicó el álbumA Separate Affair, integrado por tres piezas tituladasIn London, de carácter ambiental e improvisado, interpretadas por Neuronium y Vangelis.133
Terry creció dentro
del movimiento hippie, y siendo adolescente viajó a la costa oeste en donde se
dedicó a ser guitarrista y cantante del grupo The Chessmen de Vancouver.
El grupo tuvo algún éxito antes de separarse, después de lo cual Jacks se une
a Susan Pesklevits. Jacks
compone, arregla y produce su material y Pesklevits colabora con la voz
principal. El duo se dedica a tocar en clubes nocturnos, hasta que unen a un
guitarrista y un baterista para formar The Poppy Family.
Jacks y Pesklevits
se casaron, apenas sobrevivían con la música hasta que en 1969 llegaron a
listas nacionales con el álbum Which Way You Goin' Billy? que
generó un sencillo del mismo nombre que llegó al número 1 en Canadá y al 2 en
listas de Billboard de Estados Unidos,
vendiendo más de 3 millones de copias. El sencillo ganó un premio Juno ,
Jacks ganó dos Junos por mejor productor de sencillo y de álbum y The
Poppy Family ganó el Juno al mejor grupo. Posteriormente el grupo
lanzó el sencillo Poppy Seeds sin llegar al nivel de su éxito
inicial, sin embargo consiguieron otros dos sencillos de éxito "That's
Where I Went Wrong" (No. 29, 1970) y "Where Evil Grows" (No. 45,
1971). Posteriormente el grupo se disolvió, al igual que el matrimonio no sin
antes haber grabado otros dos álbumes antes de su fin oficial en 1973.
Susan lanzó su álbum en solitario "I Thought Of You Again" al
igual que Terry con el álbum "Season's In The Sun". Susan y Terry
habían trabajado con The Beach Boys para grabar la canción
"Seasons In The Sun" pero el proyecto nunca se materializó y por ello
Jacks decidió grabarla en 1973 en su propio sello disquero. La canción se
convirtió en el sencillo más vendido de la historia de Canadá y le reportó a
Jacks tres premios Juno. En Estados Unidos llegó al número 1 en 1974. Jacks lanzó otros
dos sencillos "If you go away" (una
versión en inglés de una canción de Jacques Brel lllamada
"Ne me quitte pas") y "Rock & Roll
(I Gave You The Best Years Of My Life)" que fracasaron en el intento de
llegar a listas.
Posteriormente
Jacks se dedicó a escrbir canciones y producir a otros artistas canadienses y
se involucró con movimientos ecologistas y ambientalistas enfocándose en temas
de contaminación en Canadá y Estados Unidos.
Se casó y separó
por segunda vez y tiene una hija llamada Holly. En 1996 Jacks lanzó el
álbum A Good Thing Lost 1968-1973 que era un recopilatorio de
canciones de The Poppy Family. Actualmente vive en Pender Harbour, Columbia Británica y sigue activo tanto
con la música como con los movimientos ambientalistas.
Estela no quería ser artista, su mamá también estaba en contra por lo difícil que era esa carrera, pero su padre al darse cuenta de su talento hizo todo lo posible por que lograra el éxito, llevándola a concursar en diversos concursos infantiles. El primero fue a los 10 años de edad. En uno de tantos concursos llega a Televisa a participar, pero no logró obtener el triunfo, le recomiendan utilizar otro tipo de vestuario que la haga verse de más edad, y regresa para ganar el concurso utilizando el nombre de Estela Rodríguez. Una de las primeras apariciones de Estela en TV fue en Monterrey, para el Canal 6, cuando Homero González (director musical y compositor) la contrata para el programa “Muévanse todos”, dicho programa tenía como conductora a Vianey Valdez, una multifacética cantante recordada por su tema que llevaba el nombre del programa, “Muévanse Todos”.
En 1967 Estela Núñez interpretó el tema “Sor Ye-Ye” en la película del mismo nombre, pero el papel le fue dado a Sor Ye-Ye se le dio a Hilda Aguirre, aunque Estela por su voz fue la elegida para grabar las canciones para dicha película. Hilda Aguirre mencionó en el programa “El Ojo del Huracán”, del Canal 13 de TV Azteca, que no grabó los temas por tener problemas de garganta.
Después del disco de Sor Ye- Ye, Estela grabó otro vinilo con algunos éxitos de otras cantantes como Rosario De Alba, sin embargo su carrera despuntó cuando graba el acetato que incluía uno de sus más grandes éxitos "Una Lágrima·, convirtiéndose esta canción en lo que es quizás su mayor éxito, este disco contenía también otras canciones que "sonaron" como fueron: Ruega Por Mí, Monsieur Dupont y Cuéntame(éxito en España del grupo Fórmula V), ya consolidada como una de las mejores baladistas, graba después a inicios de los 70's otros acetatos obteniendo gran éxito con canciones como: Volverás, Perdón Cariño Mío (canción italiana de Massimo Ranieri) y una versión de la habanera "La Paloma" cuya versión de Estela fue un "trancazo".
Graba su primer disco con mariachi donde da muestras de la calidad y potencia de su voz, al interpretar temas como: "La Malagueña", "Cielo Rojo" y "El Jinete" donde se luce con sus falsetes y se da el lujo de grabar con la Banda de El Recodo "El Sauce y la Palma" tema tradicional sinaloense.
Para demostrar que no solo cantaba bien las rancheras graba un disco con trío donde hace grandes versiones de: "Eternamente", "Rayito de Luna", "Sin Ti", pero el tema de este LP que se coloca en los 1ros lugares de popularidad es "Odiame" del cual Estela hace una magistral interpretación. El resto de la década de los 70s tiene éxitos con canciones de Juan Gabriel, siendo la primera baladista en grabar canciones de este gran compositor, temas como Lágrimas y Lluvia, No me Trates Mal, Nuestro Amor Es El Más Bello Del Mundo, etc, se convirtieron en éxitos en la voz de Estela.
En los 80's graba otro éxito escrito por Juan Gabriel "No Me Arrepiento De Nada", también le "sonaron" en esta década éxitos como: Vamos a Darnos Todo (de Ricardo Ceratto), por Amores Como Tù, Con las Manos Vacías y ¿Te Acuerdas?, participa además en esta década en el famoso Festival OTI con la canción "Vivir Sin Ti", obteniendo un polémico 2do.er lugar, el público lo rechazó con una rechifla a lo que Estela respondió encogiendo los hombros, ya que no era culpa de ella sino del jurado, la mejor canción en ese año fue la de Emmanuel "Al Final", la que se convirtió en una gran éxito radial, no así la de Estela, el público impuso su gusto.
Estos fueron tal vez los últimos éxitos radiales de Estela, en los 90's grabó de nuevo con mariachi y versiones frescas de éxitos románticos de los 70's como "Adiós, Adiós Amor", éxito en español del grupo "Los Jinetes", canción original del griego Demmis Rousos. Actualmente Estela conserva la frescura de su voz, a diferencia de otras cantantes contemporáneas, pero no ha vuelto a tener éxitos radiales, solo presentaciones en vivo, se presentò con éxito en el Auditorio Nacional, acompañada de otro grande de los 70's y 80's, Napoleón.
Después de la muerte de su padre a causa de un infarto, es víctima de una Neuritis óptica que la deja ciega, por cinco meses lucha contra esta ceguera hasta que logra salir de ella, lamentablemente los doctores le dieron cortisona pensando que era un tumor, solo para descubrir que los nervios habían causado la ceguera. La cortisona afecta negativamente su cuerpo aumentando considerablemente su peso, Estela había sido una mujer delgada hasta entonces, y le afectó su autoestima el cambio de figura, pero sigue su carrera artística.
Nació en Dublín
(Irlanda), y tuvo una vida alejada de la actuación hasta que terminó la
universidad, aunque su primer papel importante lo obtuvo con 34 años, en la película
irlandesa The Field, en 1990, una de las primeras en las que
trabajó. Antes de dedicarse a la actuación fue profesor de secundaria en un
instituto en Dublín.
Debido a The
Field consiguió papeles en Hollywood de
bajo presupuesto, haciendo siempre de inglés o irlandés, incluso en la pequeña
pantalla con la serie The Teatry, producida por la RTÉ One,
donde interpretó a Michael Collins. Por su participación en
esta película recibió el Jacob's Award, en 1992.
En 1994, Lambert actúa en la
película Mortal Kombat, haciendo el papel del
Dios del Trueno Raiden. También trabajó en películas como Fortress (1992) y Fortress 2 (2000).
En 2006 interpretó a un
corregidor en la época de la Inquisición española en la película Daay of Wrath, compartiendo el papel
protagonista con la actriz española Blanca
Marsillach. En 2007 protagonizó,
junto a Sophie Marceau, quien se convirtió en su
pareja, la película La disparue de Deauville.
En televisión se
destaca su papel como el Camaleón en la serie de la
cadena CBSNCIS: Los Ángeles.
1960:
Nace Oscar de La Rosa, cantante mexicano-estadounidense.
Oscar De La Rosa (nacido Oscar De La Rosa Gonzales el 29
de marzo de 1960) es un cantante tejano, cuatro veces ganador del premio
Grammy, del grupo musical La Mafia . También
es el hermano de Leonardo Gonzales, quien fue el guitarrista anterior de La
Mafia y fundador de Leonardo Gonzales y Los Magníficos.
La mafia fue fundada en 1980 en Houston, TX. De regreso a casa, La Mafia
se ha presentado frente a tres multitudes récord en el Houston Livestock Show y
Rodeo en el Houston Astrodome.
El lunes 15 de mayo de 2013, Oscar de la Rosa fue atacado frente
a un bar gay de Houston llamado Blur Bar. Después del ataque, De La Rosa
tenía cortes faciales, daños en los ojos y dos dientes perdidos. [1] La Sra. Delia Guebara Owens, ex
novia de Oscar y madre de sus dos hijos (Henri y Oscar Jr.), falleció el
viernes 27 de febrero a las 4:20 PM. Oscar le dedicó "Si Quiere
Dios" como un homenaje a la madre de sus hijos y a la mujer que lo inspiró
cuando comenzó, y que siguió siendo su querida amiga. [2]
Michel Hazanavicius es un
director, actor y guionista francés, conocido internacionalmente por ser el
creador de la película de 2011 The Artist,
con la que ha conseguido numerosos premios, incluyendo varios Globos de Oro y Óscar,
entre ellos, el de mejor director.1
Nació el 29 de
marzo de 1967 en París (Francia), en el seno de una familia de emigrantes judíoslituanos.
Sus abuelos, provenientes de Polonia y Lituania, se afincaron en Francia en
la década de 1920.2
Hazanavicius se
educó en el judaísmo en un ambiente bilingüe, pues con su familia hablaba francés y yídish.
Así, en el preestreno de The Artist en Los Ángeles
(California) sorprendió a todo el mundo cuando le hicieron una pregunta
en yídishaludiendo
a su incomprensión de esta lengua y él respondió definiéndose así: "Soy un
judío de París...Lo entiendo."3
Es hermano del también actor Serge Hazanavicius4
y está casado con la actriz franco-argentina nacida en Buenos AiresBérénice Bejo5
que ha participado en algunas de sus películas y es protagonista de The
Artist.
Desde muy pequeño
fue un gran aficionado al cine, ya fueran películas poco conocidas en versión
original o las más populares.6
Debutó como
director en 1999 con la película Mes Amis una comedia en la
que actuó su hermano Serge; el éxito lo alcanzaría en su país natal con sus
siguientes realizaciones OSS 117: El Cairo, nido de espías (2006)
y OSS 117: perdido en Río (2009),7
ambas narran en tono de comedia las desventuras del espía francés "Hubert
Bonisseur", y el reconocimiento mundial le llegaría en 2011 con la
película muda The Artist.
Es hermano del
actor Serge Hazanavicius y
pareja de la actriz Bérénice Bejo, que ha trabajado en sus
películas más importantes.
Desde niña le gustaba y sabía cantar, en el colegio la elogiaban con la frase "Tienes voz de negra, a pesar de ser blanca". Hace diez años empezó con la Orquesta Los Exclusivos de Alex, A partir de ese momento las puertas se empezaron a abrir; luego pasaría a otras agrupaciones como Chucho Nuncira y la Fuerza Mayor, La Orquesta Yajé, Juancho Torres y Los Diablos del Caribe. Cerró su ciclo de orquestas en el Grupo Fuego.
Después de este recorrido, decidió lanzarse como solista y fue el momento en que grabó Metamorfosis, un homenaje a Celia Cruz y a Celina González. Este disco le abrió puertas no sólo en nuestro país, sino en Estados Unidos.
La segunda producción se denominó Yolanda Rayo, donde la totalidad del disco eran temas inéditos y cuyo sencillo principal fue: Voy a Ganarme tu Amor, este álbum le permitió a la cantante colombiana visitar por primera vez Perú en el Festival de la Cerveza Cusqueña en el Cusco.
La tercera producción se tituló: Se Dice de Mí, de la telenovela Colombiana, Yo Soy Betty la Fea, fue un éxito en toda Latinoamérica.En este disco aprovechó y mostró su faceta como compositora, el cual se estrenó con el tema , Vamos a Celebrar, en el que expresó su forma de ver y sentir la Navidad.
Con este álbum, y su tema, Se dice de Mí, Yolanda se presentó en Estados Unidos, Perú, Ecuador, Puerto Rico, Canadá, Costa Rica, Panamá, Venezuela y Chile.
Su cuarta producción Tiempos Mejores presentó un estilo más personal y con un repertorio de 10 temas inéditos, complementado por la canción, Pecado, que es la cuota romántica del disco. Siguiendo con su búsqueda artística, en la producción Yolanda Rayo se involucró con los ritmos propios de Colombia, los que se habían convertido en su pasión musical.
Tuvo su primer hijo
con Francisco Mayor. Contrajo matrimonio en dos ocasiones, la primera con el
míster Venezuela José Faria y finalmente con su actual pareja, Antonio Navajas,
con el que también ha tenido una hija.
Lawless, hija de Julie, quien era maestra, y de Frank Ryan, un
banquero y alcalde de Mount Albert,2 fue la quinta de siete hermanos. Dio
sus primeros pasos interpretativos en el colegio a la edad de diez años en un
musical.3
Asistió a la universidad de Auckland y estudió ópera durante varios años, además de
aprender francés, alemán y un poco de italiano. Su pasión es el jazz y
el violín su instrumento favorito. Se fue
a Europa "para
recoger uvas en el Rhin".3
Cuando se quedó sin dinero, y "vivía a base de cigarrillos
y café", volvió a Australia y firmó
con una compañía minera de búsqueda de oro.
La compañía operaba en Kalgoorlie, una pequeña
ciudad a unos 800 km de Perth. Posteriormente fue recolocada en un
pequeño campo minero a dos horas de la civilización. Lucy Lawless era una de
las pocas mujeres mineras y hacía el mismo trabajo que los hombres.
Lucy Lawless se casó en 1987, en Australia, con Garth Lawless,
su antiguo novio del instituto. Regresó a Auckland, donde nació su hija Daisy,
en 1988. Se divorciaron en junio de 1995.
En 1987 Lucy fue invitada a formar parte del elenco en la
comedia Funny Business, permaneciendo en el show durante dos
temporadas y media.3 Fue coronada Mrs. New Zealand en
1989, y en 1991 se marchó a Vancouver, Canadá, para estudiar arte
dramático en el Williams Davis Center of Actor´s Studio durante
ocho meses.3 Recibió clases de William Davis,
popularmente conocido como Cigarette Smoking Man en The X-Files.4
Cuando volvió a Nueva Zelanda, a principios de 1992, Lucy
Lawless aceptó empleo como copresentadora de Air New Zealand Holiday,
un magazine de viajes retrasmitido desde Nueva Zelanda a toda Asia. Averiguar
que ganaba menos que su copresentador le hizo irse y aceptar el papel de Lysia
en el telefilme Hercules and the Amazon Women.
Poco después llegaría su momento cumbre; andaban buscando a la
mujer perfecta para dar vida a la indestructible Xena, la nueva y breve némesis de Hércules.
Originalmente para el papel se pensó en la por aquel entonces famosa Vanessa Angel, quien protagonizaba una
reconocida serie juvenil en el momento; pero el destino quiso que cayese
enferma a días de comenzar el rodaje, y los productores recordaron a aquella
joven alta de mirada furiosa que había hecho de amazona para
ellos poco antes. Así fue como Lucy Lawless se convirtió en la famosa Princesa
Guerrera.3
Originalmente, se pensaba que Xena moriría en el tercer capítulo
dentro de la serie de Hércules, pero Robert Tapert se decidió vender la idea
para otra serie, aun cuando le costó bastante. Con su debut en 1994, Xena
obtuvo ratings elevados para la televisión. La naturaleza sexual de Xena con
Gabrielle colaboró para obtener un fuerte público gay. En 1996, la revista Ms
describe a Xena como un icono feminista de la década de 1990.3
Su papel como Xena la volvió un fenómeno de masas y obtuvo
importantes premios por su desempeño interpretativo, entre los que se incluyen
los Premios Emmy.
Aunque practicó yoga por algún tiempo,
Lucy Lawless no tenía entrenamiento especial en artes marciales, espada o luchas de especialista. Apenas
poseía conocimientos de monta de caballos, habiendo corrido algún rodeo durante
su adolescencia. Durante
una breve visita a Los Ángeles entrenó
con el maestro de Artes Marciales Douglas Wrong, con quien aprendió movimientos
básicos de Kung-fu, así como técnicas de luchas a espadas
y con palos.[cita requerida]
En octubre de 1996, se fracturó la pelvis al caerse del caballo mientras
rodaba un sketch para el programa The Tonight
Show with Jay Leno. Lucy comenzó una rehabilitación usando el
método Pilates para "reconstruir inteligentemente mi cuerpo", el cual
sigue practicando hoy día.[cita requerida]
Fue elegida en 1997 por la revista People como una de las 50 personas más
hermosas del mundo,5 y se casó en Los Ángeles, en marzo de
1999, con Robert Tapert, cocreador y productor ejecutivo de Xena.
Lawless quedó embarazada de su segundo hijo, Julius, poco antes
de empezar el rodaje de la 5.ª temporada de Xena. Este hecho fue introducido
como argumento dentro de la serie y, por ello, Xena es la primera heroína
embarazada de la historia.[cita requerida] a
pesar de su embarazo, estuvo trabajando en la serie hasta su octavo mes de
gestación, volviendo al rodaje un mes después de dar a luz.
Al finalizar la serie de Xena: la
princesa guerrera en 2001, Lawless diría en una entrevista a
la CNN sobre la variedad de público y éxito
que la serie tuvo:
«Bueno, yo no... Yo no lo hice sola. Pero lo hicimos... Supongo
que fue una cuota de miradas dulces y la gran amistad de los dos personajes
principales, Gabrielle y Xena, y eso es en realidad el alma y corazón
de la serie. Eso... ya sea que lo sepamos o no, siempre tendemos a recurrir
hacia los héroes y las grandes amistades, y ésta fue una de ellas».6
Lucy Lawless, 2001.
Tras acabar Xena, rodó los dos primeros episodios de
la 9.ª temporada de The X-Files, en donde interpretaba a Shannon
McMahon.
Su tercer hijo, Judah Miro Tapert, nació el 7 de mayo de 2002 en
Nueva Zelanda.[cita requerida]
Participó en la 2.ª temporada de Agents of
S.H.I.E.L.D. la cual se estrenó el 23 de septiembre de
2014.9
Actualmente, participa en la serie Salem como
la condesa Marburg.
Apareció además en el capítulo "Treehouse of Horror X"
de la serie animada norteamericana Los Simpsons, llamado "La casa-árbol
del terror X" en España y "La casita del horror X" en
Hispanoamérica, capítulo para el cual prestó su voz.
1981:
Muere Siro
Rodriguez, Cantautor autodidacta con voz tenor,
que formó parte del Trío Matamoros.
Siro Rodríguez Forneaux. Cantautor autodidacta con voz tenor, que formó parte del Trío Matamoros.
Oriundo de Santiago de Cuba,
nació el 9 de diciembre de 1899.
Su infancia trascurrió en el barrio del Trivolí, donde aprendió el oficio de
herrero.
Teniendo muy poca edad Pepe Banderas reconoció sus magníficas
condiciones para el canto. En 1913Sindo Garay lo presentó por primera vez
en público en el teatro Oriente.
De adolescente, Sirio tenía voz de tenor, lo cual le posibilitó
hacer muchos dúos incidentales con algunos de los más destacados trovadores
santiagueros. Desde la juventud tuvo voz de barítono, entonces comienza a
presentarse como solista cantando romanzas y tangos.
Trayectoria profesional
En 1925 integra el legendario trío
Matamoros, en calidad de excepcional voz segunda.
Ramos se inició
como cantante y humorista con Carlinhos y su Bandita. En el
año 1957 conoce
a Palito Ortega, con quien traba amistad y componen
una serie de canciones que lanzarían a la fama al cantautor tucumano.
Murió en Buenos Aires, el 29 de marzo de 1984 a la edad de 57
años y su cuerpo descansa en el Cementerio de la Chacarita.123
Muere Sor Sonrisa (51),
monja y cantante belga (n. 1933).
Jeanne-Paule Marie
Deckers o Jeannine Deckers, en religión Hermana
Luc-Gabriel, de nombre artístico Sœur Sourire(Hermana Sonrisa
en francés) o The Singing Nun (La Monja Cantante, en inglés) y
posteriormente Luc Dominique (17 de octubre de 1933Bruselas, Bélgica-29 de marzo de 1985, Bélgica).
Fue religiosa de la
orden Dominica y
cantante, y su canción Dominique que
escribió, compuso e interpretó en 1963 a
beneficio de su orden, alcanzó un éxito mundial. Su vida llena de tribulaciones
encontró un final trágico.
Un dato interesante
y prácticamente desconocido es que en realidad Maurizio Bassi fue el que grabó
la voz principal del hit “Tarzan Boy”, con Silver
Pozzolli en los coros, aunque McShane fue el que brindó su
imagen y sincronización de labios en las presentaciones en vivo y en su
respectivo vídeo.1
Bassi, además era
el líder intelectual, y fue el principal compositor de las canciones de
Baltimora, junto con su compañera Naimy
Hackett. McShane se acreditó en sólo unas cuantas piezas, en
particular la balada "Survivor in Love".
A pesar de ello,
siempre ha existido alguna discrepancia y confusión sobre si "Baltimora"
era el nombre del grupo como tal (aunque con cierto anonimato), o si era el
pseudónimo asociado a la persona y figura del único integrante visible, Jimmy
McShane. La versión más aceptada entre los italianos es que Baltimora era un
grupo y no un solista.
En Estados Unidos y el Reino Unido, "Tarzan Boy" de
Baltimora es considerado como un "one-hit wonder" (en español: Maravilla de un éxito). En total
publicaron dos álbumes de estudio, ocho sencillos y cuatro vídeos musicales.
Maurice Jarre se
interesó bastante tarde por la música. En 1946 debutó en la compañía
Renaud-Barralt, formando un dúo con Pierre Boulez (piano y ondas Martenot).
Su carrera como
compositor se inició en 1948, con la música para el espectáculo Le Gardien
du Tombe, de Franz Kafka. Poco más tarde pasó a desempeñar la dirección
musical del Théâtre National Populaire de París (1951-1963).
En 1952 se
convirtió rápidamente en un compositor popular y respetado en Francia y
el continente europeo gracias a su primera banda sonora para película Hôtel
des Invalides.
El reconocimiento
mundial le vino una década más tarde, cuando fue contratado para componer la
banda sonora de la épica Lawrence de Arabia (1962), de David Lean,
con la que ganó un Óscar a
la mejor banda sonora original y que se convertiría en uno de los temas de cine
más reconocidos de todos los tiempos. De su colaboración con Lean también
surgirían obras como las bandas sonoras de Doctor Zhivago(1965) y Pasaje a la
India (1984)
(que le reportaron dos Óscarmás
en la misma categoría), así como La hija de Ryan (1970).
Jarre escribía
principalmente para orquestas, pero durante los años 80 empezó a probar la
música sintetizada. Por este motivo recibió algunas críticas acerca de que lo
hacía más por comodidad que por estética. Él mismo lo desmintió puntualizando
que su trabajo en Witness, por ejemplo, fue más laborioso que
si hubiese sido orquestal. Las bandas sonoras electrónicas de Jarre también
incluyen Atracción fatal, El año que vivimos
peligrosamente, No hay salida, Gorilas en la niebla, El club de
los poetas muertos (Dead Poets Society) y Jacob's Ladder.
En varios de estos trabajos recibió asesoramiento de su hijo Jean Michel,
compositor de música electrónica.
En 2003 anunció su
retirada definitiva de la composición musical para el cine.
Con ocasión del
festival de Cine de Berlín en 2009,
donde recibió un Oso de oro por toda su carrera, Jarre realizó su última
aparición en público. Víctima de un cáncer,
murió el 29 de marzo de ese mismo año en Los Ángeles, Estados Unidos.
Fue padre del
también compositor francés de música electrónica Jean-Michel
Jarre (nacido de su matrimonio con France Pejot), así como de
Stefanie Jarre (con la actriz francesa Dany Saval) y del guionista de cine
americano Kevin Jarre (adoptado tras su matrimonio con la americana Laura Devon).
2017:
Muere Aldo Guibovich, cantante peruano y fundador de "Los Pasteles Verdes".
El cantante y fundador de la
agrupación peruana Los Pasteles Verdes,Aldo Guibovich, falleció, a los 69 años de edad, la
madrugada del 29 de marzo del 2017 en México. El intérprete se encontraba
delicado de salud. Según contó su primo Percy Robles Guibovich,
el artista tenía un tumor cerebral que lo aquejaba desde hace meses.
La noticia de la
muerte de Aldo Guibovich la dio a
conocer su esposa Silvia Tenorio a través de su cuenta oficial de Facebook, así
como mediante la red social del cantante. Ella informó que el vocalista
de Los Pasteles Verdes falleció a la 1:20 a.m. en
México, donde radicaba desde hace 30 años.
Los Pasteles Verdes es un grupo musical surgido a inicios de los años 1970,
en la ciudad de Chimbote en Perú,
aunque desarrollaron gran parte de su carrera en Argentinay México.1
Los Pasteles
Verdes fue
fundado en 1970 en Chimbote (Perú). Originalmente estuvo integrado por Aldo Guibovich(voz)
, Hugo Acuña Lecca (guitarra), César Acuña(teclados), Miguel Moreno (bajo), Ernesto Pozo (batería), Raúl Padilla (percusiones)
y Germán Laos (cantante tropical), todos ellos estudiantes del
colegio San Pedro (GUE) donde dieron sus primeros pasos musicales,
convirtiéndose en una sensación entre compañeros de colegio y amistades.
Después de
numerosas presentaciones menores en fiestas y festivales, el 13 de octubre de
1973 los directivos de INFOPESA, la empresa discográfica de mayor proyección en
el Perú de aquel entonces, les da la oportunidad de grabar dos temas,
"Puertos Queridos" (tropical), interpretado por Germán Laos, y
"Angelitos Negros" (canción romántica), interpretado por Aldo
Guibovich. Para sorpresa de muchos, la dirección de la radio decidió
promocionar Angelitos Negros, llegando a convertirse en un éxito a nivel
nacional.
Al ver el gran
impacto que había causado su primer disco sencillo, INFOPESA les convoca para
completar el que sería su primer LP, con temas como "El reloj",
"Recuerdos de una noche" y "El presidiario" con los que
reafirmaron su triunfo.
Su primer Disco de Oro lo
recibieron por las altas ventas obtenidas de "El reloj" del autor
mexicano Roberto Cantoral. Su segundo Disco de Oro por
el álbum "Recuerdos de una noche" del cantautor chimbotano Fernando Arias Cabello .
Su primer éxito
reconocido en México y Estados Unidos fue "Esclavo y amo" del
jalisciense José Vaca Flores, que fuera grabado originalmente por Javier Solís,
cuyos arreglos en balada moderna les otorgó múltiples premios en su primer gira
a México y Estados Unidos en 1976, siendo denominados por las revistas Billboard y Cash Boxcomo "Los
románticos de América".
A fines de 1975
INFOPESA decide dividir al grupo para las giras nacionales e internacionales.
Por ello en los siguientes discos colocan el nombre de ALDO en
las grabaciones realizadas por Aldo Guibovich quien en 1976 viaja con Miguel
Moreno y Ernesto Pozo a México, Estados Unidos y Argentina en su primera gira
internacional. Al año siguiente graban el tema que les abre las puertas de la
fama a nivel mundial: "Hipocresía", logrando permanecer en el primer
lugar de los rankings internacionales durante varios meses; fue tal el impacto,
que en Argentina desbancó del primer lugar de popularidad a artistas
internacionales como los Bee Gees o Julio Iglesias.
"Mi amor imposible" fue el LP que les abrió las puertas del mundo
entero, logrando múltiples discos de oro e innumerables premios y
reconocimientos tales como el de Billboard, Record World, Notitas Musicales,
etc. Por otro lado, Hugo Acuña continuó con César Acuña, Germán Laos y Raúl
Padilla en Perú, en giras nacionales y grabaciones con la voz de Fernando
Arias.
El 29 de marzo
de 2017 fallece en México, Aldo Guibovich,23
cantante que diera todos los éxitos a Los Pasteles Verdes, dejando el legado de
su romanticismo para las siguientes generaciones. Antes de partir, pide que el
Grupo que el formó en México, continúen con sus presentaciones con la presencia
de Roberto Luján (Cantante) Martín Dante y los Músicos quienes estuvieron en su
Grupo "Aldo y Los Pasteles Verdes" en México y Perú y con quienes
también grabó muchos de sus éxitos. Hugo Acuña radica en Estados Unidos y sigue
trabajando exitosamente con su grupo "Los Pasteles Verdes de Chimbote,
Perú" al lado de sus hijos y el actual cantante Kike Gámez.
Como
consecuencia de su enorme popularidad alcanzada han sido imitados en diferentes
países de América Latina por lo que el nombre artístico "Los Pasteles
Verdes" es marca registrada a nivel internacional a
favor de los fundadores del grupo musical.
Su primera película
fue A Scream in the Night en 1935. Al año siguiente actuó en
el film de Bing Crosby Anything Goes, aunque el
director Lewis Milestone inicialmente le había
rechazado ya que su inglés era demasiado bueno para el papel. Sus primeras
actuaciones acreditadas llegaron en 1936 con The General Died at Dawn y Stowaway,
con Shirley Temple. Ahn trabajó junto a Anna May Wong en Daughter of Shanghai (1937) y King of
Chinatown (1939).
