El 14 de julio es el 195.º (centésimo nonagésimo quinto) día del añoen el calendario gregoriano y el 196.º en los años bisiestos. Quedan 170 días para finalizar el año.
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Santoral de la Iglesia Catòlica:
San Camilo de Lelis
1614:
Muere Camilo de Lellis, religioso y santo italiano (nacido en 1550).
Camilo de Lelis o Camillo de Lellis (Bucchianico di Chieti, 25 de mayo de 1550 - Roma, 14 de julio de 1614) primero dedico su vida a las armas, y después de su conversión a los enfermos, fue un sacerdote y religioso italiano, fue fundador de la Orden de los Camilos, orden hospitalaria dedicada a los enfermos, y precursor de la Cruz Roja.
Camilo de Lellis nació en el pueblo de Bucchianico (Chieti, Italia), en 1550. Su nacimiento tuvo lugar en un establo, ya que a pesar de ser de familia noble, su madre quiso imitar el nacimiento de Jesús. Quedó huérfano de madre cuando era muy niño, vivió con su padre, que era mercenario militar, hasta que quedó huérfano de padre, en su adolescencia. Durante su adolescencia tomó como vicio el juego de las cartas, lo cual le acarreó graves contratiempos. Hijo de un militar, elige esa misma profesión a los diecinueve años y participa en numerosas acciones de guerra por todo el Mediterráneo, donde tras ser herido trabajaría como enfermero.
Pronto volvió al ejército y al juego, lo que le hizo acabar mendigando. Antes de su conversión, Camilo vivió una vida disoluta, llena de vicios, hasta que un día, quedó pobre, solo y malvestido. Un caballero feudal lo lleva a caballo al Convento de Frailes Capuchinos de San Giovanni Rotondo en 1575 tiene lugar su conversión y decidió dedicar su vida a Dios, ingresando en los Capuchinos como fray Cristóbal; pero en 1582 un accidente en el empeine del pie derecho, hizo que abandonara el convento, rumbo al Hospital de Morcone.
Cuando procedía a embarcar a Roma, miró por la calle a un enfermo abandonado en el muelle, eso inspiró a Camilo a dedicar su vida al servicio de los enfermos. Se coloca como mayordomo en el Hospital de Santiago en Roma bajo la dirección de Felipe Neri. Viendo el trato negligente que se daba a los enfermos, piensa en una asociación que les dé una atención humana y cristiana, después de haber visto tantos heridos abandonados en los campos de batalla. A la edad de treinta años ingresa en el Colegio Romano (ahora Universidad Gregoriana), a pesar de la burla de sus jóvenes compañeros, que le discriminaban porque le encontraron demasiado viejo para decidirse por el sacerdocio. Para ello se ordena sacerdote el 26 de mayo de 1584pese a su avanzada edad.
Tras una larga andadura como enfermero, lo que lo llevó posteriormente a fundar la Congregación de "Hermanos Ministros de los Enfermos y Mártires de la Caridad" (Clericorum Regolarium Ministrantium Infirmis), más conocida como Camilianos, destinada al cuidado de los enfermos abandonados. La Orden de los Camilos o Camilianos, fue aprobada pronto, y que fue de gran ayuda cuando el tifus asoló Roma. En el mes de septiembre junto a un grupo de compañeros recibe el hábito de la nueva comunidad religiosa de los Ministros de los enfermos, que el 18 de marzo de 1586 sería aprobada por Sixto V y a la que Gregorio XIV elevaría a la categoría de orden religiosa, emitiendo Camilo los votos solemnes el día 8 de diciembre de 1591.
Murió en Roma, el 14 de julio de 1614, a la edad de 64 años, y su festividad se celebra el 14 de julio. Fue beatificado en 1742 en Roma por Benedicto XIV, y canonizado el 29 de junio de 1746 en Roma por Benedicto XIV.
Sus restos se encuentran en la Iglesia de Santa María Magdalena, donde Sebastiano Conca pintó un fresco sobre su vida. Tradicionalmente, también se ha asegurado siempre que en esta iglesia se encuentran los restos de Santa Marcela, San Maximino de Aixe incluso la propia María Magdalena.
En 1886, León XIII declaró San Camilo, juntamente con San Juan de Dios, protectores de todos los enfermos y hospitales del mundo católico; patrono universal de los enfermos, de los hospitales y del personal hospitalicio.
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Fiesta Nacional de Francia
El Día Nacional de Francia, Día de la Bastilla, o Fiesta Nacional de Francia (en francés, la Fête nationale), celebrado el 14 de julio, es una importante ocasión conmemorativa del aniversario de dos hechos: la toma de la Bastilla en 1789, acontecimiento considerado como el punto de inicio de la Revolución francesa, y el día de unión nacional en el Campo de Marte durante la Fiesta de la Federación en 1790.
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1789:
En París (Francia) se produce la Toma
de la Bastilla, que
supuso el fin del Antiguo
Régimen y el
comienzo de la Revolución
francesa.
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1860:
Nace Owen Wister, escritor estadounidense (fallecido
en 1938).
Owen Wister (Filadelfia, 14 de
julio de 1860 - 21 de
julio de 1938)
fue un escritor estadounidense, padre de las «novelas
del oeste».
Owen Wister nació en Germantown, un barrio muy conocido en la
zona noroeste de Filadelfia (Pensilvania). Su padre, Owen Wister Jones, fue
un médico rico, uno de una larga lista de Wisters que vivieron en la legendaria
finca Belfield en Germantown. Era primo lejano de la periodista nacionalista Sally Wister (1761-1804). Su
madre, Sarah Butler Wister, era la hija de la actriz británica Fanny Kemble, y de Pierce Mease Butler.
Wister inició su obra literaria en 1891. Había pasado varios
veranos en el oeste de Estados Unidos, haciendo su primer viaje a Wyoming en
1885. Al igual que su amigo Teddy
Roosevelt, Wister estaba fascinado con las violentas tradiciones de esa
región. En una visita a Yellowstone en 1893, Wister conoció al artista Frederic Remington, con quien siguieron siendo
amigos toda la vida. Cuando empezó a escribir, naturalmente se inclinó hacia el
escenario de la frontera con el Oeste.
La obra más famosa de Wister sigue siendo la novela The Virginian, que escribió en 1902. En
vez de presentar la versión mitificada de los vaqueros pobres, Wister elige
ponerse del lado de los grandes terratenientes: su vaquero en realidad es un
aristócrata. La suya se considera como la primera novela de vaqueros, y fue
reimpresa catorce veces en ocho meses. Está dedicada a Theodore Roosevelt.
Wister fue miembro de varias sociedades literarias y fue
miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias, y miembro de
la Junta de Supervisores de la Universidad de Harvard.
En 1898 se casó con su prima Mary Channing. Tuvieron seis
hijos. La esposa de Wister murió en el parto en 1913.
Su hija, la poetisa Mary Channing Wister, se casó con el
artista Andrew Dasburg en 1936. La escuela Mary Channing Wister School, en
Filadelfia, recibió ese nombre en su honor.
Wister murió en su casa en Saunderstown (Rhode Island). Fue
enterrado en el cementerio de Laurel Hill, en Filadelfia.
Desde 1978, la editorial University of Wyoming Student
Publications (publicaciones estudiantiles de la Universidad de Wyoming) ha
publicado la revista anual de literatura y las artes Owen Wister Review.
Hasta 1996 la revista se publicaba dos veces al año. En la primavera de 1997 se
convirtió en una publicación anual.
En el límite occidental del Parque nacional de Grand Teton (en
el estado de Wyoming) hay una montaña de 3500 msnm llamada monte Wister.
Cerca de La Mesa (California) hay una calle
llamada Wister Drive. Se encuentra cerca de la casa que hizo construir Wister,
pero que nunca ocupó debido a la muerte de su esposa. En el mismo barrio se
encuentran la calle Virginian lane (pasaje El Virginiano) y la Molly Wood
avenue.
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Índice
Datos biográficos[editar]
Primeros estudios[editar]
Primer reconocimiento: clarinetista[editar]
En la Ciudad de México[editar]
La Revolución mexicana[editar]
Matrimonio[editar]
Concurso de la canción mexicana de El Universal[editar]
Banda de Policía[editar]
Compositor[editar]
1862:
Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6 de febrero de 1918)1fue un pintor simbolista austriaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.2 Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,3 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres.
1889:
Nace José López Alavez, músico y compositor mexicano, autor de la Canción mixteca.
José López Alavez (Huajuapan de León, Oaxaca, 14 de julio de 1889 - Ciudad de México, 25 de octubre de 1974) fue un músico y compositor mexicano, autor de la Canción mixteca.
Índice
Datos biográficos[editar]
Primeros estudios[editar]
Nació en Huajuapan de León, Oaxaca, el 14 de julio de 1889, hijo de José López y Rita Alavés. A la edad de diez años fue impulsado por su hermano Abraham al estudio de la música, recibiendo enseñanzas de mandolina y guitarra. En 1900, forma parte de la banda infantil en Huajuapan, que integró el maestro Fidencio Toscano y donde fue clarinetista.
En 1907, su familia decide enviarlo a la capital donde termina, con mención honorífica, sus estudios en el conservatorio de música con las asignaturas de solfeo, piano, clarinete, armonia, francés, contrapunto, entre otras, hasta el año de 1927.
Primer reconocimiento: clarinetista[editar]
Durante este lapso y con motivo del Centenario de la Independencia de México, obtiene el primer premio como clarinetista que le otorgan el presidente de la República Mexicana, el general don Porfirio Díaz Mori, y el secretario de Educación Pública, Justo Sierra, aunado a una pensión por dos años, para continuar sus estudios en la Ciudad de México.
En la Ciudad de México[editar]
Radicó en la Casa del Estudiante "José Yves Limantour", ubicada en el Barrio del Carmen, en donde tuvo la oportunidad de conocer y relacionarse con músicos como el maestro Quiroz, Ángel Badillo y otros artistas, además de los maestros del Conservatorio como Oteo, Gabriel Unda, Ignacio Castillo, Isidro Jiménez, Rafael J. Tello, Antonio Gomenzada, Julián Carrillo y Alba Herrera y Ogazón.[cita requerida]
La Revolución mexicana[editar]
En un ambiente de inquietud estudiantil, compone en 1912 la melodía de la Canción mixteca, como parte del Álbum de Compositores Juveniles, en la Casa del Estudiante. En 1914, decide tomar parte activa en la Revolución mexicana, a través de una de las bandas de música pertenecientes a la División del Norte, de la Brigada del general Fernando Reyes. Teniendo estas fuerzas villistas ocupada la Ciudad de Querétaro, en 1915, el profesor José López Alavés, integrante de la banda de música, compone bajo la arboleda de la Alameda Hidalgo de Querétaro, la letra de la Canción Mixteca.
Matrimonio[editar]
En 1916, contrae nupcias con Carmen Monroy Molina, a quién conoció en el callejón del Estanquillo número 13, donde estuvo alojado. Le sobreviven siete hijos: Carmen, Luz María, José de Jesús, Ignacio, Guadalupe, Víctor Manuel y María Teresa.
Concurso de la canción mexicana de El Universal[editar]
En 1918, gana el concurso de la primera canción mexicana, convocado por el periódico El Universal, con la Canción mixteca y en segundo lugar con la canción La apasionada. En el mismo año, se efectúa un festival de música mexicana, en la Alameda Central de la Ciudad de México, con la cooperación de la Banda de Policía, dirigida por Arturo Rocha. Acudió a este evento el maestro Lerdo de Tejada, quien presenta al público al compositor oaxaqueño, como triunfador del concurso.
Banda de Policía[editar]
Cuando dejó de pertenecer a las bandas de la Revolución, causa alta como primer clarinetista en la nueva Banda de Policía, fundada por el Velino M. Preza en octubre de 1920, durante el gobierno de Álvaro Obregón. La Banda de Policía viajó a los Estados Unidos y a La Habana, Cuba, con el fin de celebrar diversos conciertos. Radicado en la Capital, se dedica a dar clases de piano, a formar coros y orquestas (en la Secretaría de Trabajo y Previsión Social y en la Consolidada, entre otras), así como a armonizar con el piano en las principales salas de películas mudas que se proyectaban.
Compositor[editar]
Además de la más conocida (la Canción mixteca), son de su autoría: Campanitas pueblerinas, Linda chiquita y ¡Cuánto te quiero, morena!, entre otras.
En 1947, compone un himno al general Antonio de León, nacido en Huajuapan, Oaxaca, y quien se distingue por haber formado parte del Ejército Trigarante. Destacan, entre sus hechos de armas, la toma del fuerte de Yanhuitlán, con lo que se hizo posible la entrada a la ciudad de Oaxaca, nombrándolo Coronel en 1821. En 1847, se ofreció como voluntario ante la invasión para combatir al frente de una brigada oaxaqueña muriendo en la batalla del Molino del Rey.
1901:
Nace George Tobias, actor norteamericano.
George Tobias
(New York City, USA, 14 de julio de 1901- Los Ángeles, California, USA, 27
febrero de 1980).
Sus papeles o
personajes se caracterizaban por no ser muy inteligentes o brillantes, aunque
también hizo de villanos y tipos étnicos.
Nativo de New York, comienza a actuar a los 15 años. Estudió en el teatro de la vecindad y
actuó en Broadway con el gremio del teatro, y con los actores de Provincetown. Llegó a Hollywood a
finales de los años treinta y rápidamente se convirtió en un actor recurrente
en las películas de todos los géneros, principalmente en Warner Bros. Fue una figura
frecuente para James Cagney y actuó en todo, desde comedias
a dramas y musicales. En la década de 1960, alcanzó mayor fama como el
sufrido vecino Abner Kravitz en la exitosa serie de televisión Bewitched (1964). Se
retiró en 1972. Murió de cáncer una década más tarde.
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1910:
Nace William Hanna, animador, cineasta y productor
estadounidense (fallecido en 2001).
William Denby Hanna (Melrose, Nuevo
México; 14 de julio de 1910-Los
Ángeles, California; 22 de
marzo de 2001)
fue un dibujante,
director, animador y productor de cine y televisión estadounidense.
Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la
crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Isingen
1930. Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le
permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria.
En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph
Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron
producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen
real.
En 1957 fundaron Hanna-Barbera,
que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso
en esa época, al producir series como Los
Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los
Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show
del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió
Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente
de la compañía hasta 1991. En ese año Turner Broadcasting System compró
la empresa, que se fusionó en 1996 con Time
Warner, propietaria de Warner
Bros.; Hanna y Barbera continuaron como asesores.
El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy,
y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales: los
protagonistas de estas series han aparecido en otros medios como películas,
libros y juguetes. Los programas creados por Hanna-Barbera eran vistos
por más de 300 millones de personas en la década de 1960, y han sido traducidos
a más de 20 idiomas distintos.
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1918:
Nace Ingmar Bergman, cineasta sueco (fallecido en 2007).
Ingmar Bergman (Upsala, 14 de
julio de 1918 - Fårö, 30 de
julio de 2007)
fue un guionista y director de teatro y cine sueco, considerado
uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX.
Segundo hijo del pastor luterano Erik Bergman (1886-1970) y de Karin Åkerblom, Ingmar Bergman nació en Upsala. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia. Su educación estuvo basada en los conceptos luteranos: «Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios», escribe en sus memorias. «Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba. A veces eran rápidos y sencillos como bofetadas y azotes en el trasero, pero también podían adoptar formas muy sofisticadas, perfeccionadas a lo largo de generaciones». Muchas de sus obras están inspiradas en esos temores y relaciones violentas. El ritual del castigo y otras anécdotas de su infancia aparecen escenificadas en una de sus más reconocidas películas, Fanny y Alexander, donde Alexander es un niño de 10 años que es trasunto del pequeño Bergman.
Progresivamente, el joven Bergman buscó la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual, pero, a lo largo de su vida, Bergman siempre mantuvo un canal abierto con su infancia, y en ella había penetrado con fuerza el cine con el regalo de un cinematógrafo elemental, que le condujo a todo tipo de ensoñaciones y conocimientos técnicos.
Progresivamente, el joven Bergman buscó la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual, pero, a lo largo de su vida, Bergman siempre mantuvo un canal abierto con su infancia, y en ella había penetrado con fuerza el cine con el regalo de un cinematógrafo elemental, que le condujo a todo tipo de ensoñaciones y conocimientos técnicos.
A partir de los 13 años estudió bachillerato en una escuela privada de Estocolmo; después se licenció en Letras e Historia del Arte en la Universidad. Encontró en el teatro, y luego en el cine, los dos medios más apropiados para expresarse y centrar su capacidad y potencial creativos. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, ya distanciado de su familia, inició su carrera como ayudante de dirección en el Teatro de la Ópera Real de Estocolmo. No obstante, las imágenes y valores de su niñez, que lo seguirían por el resto de su vida, y la proximidad con el quehacer de su padre, lo habían sumergido en las cuestiones metafísicas: la muerte, la autonomía, el dolor y el amor.
Cinematografía
La carrera cinematográfica de Bergman comienza en 1941 trabajando como guionista. Su primer guion lo concibió en el año 1944 a partir de un cuento suyo, Tortura (Hets), que sería finalmente un film dirigido por Alf Sjöberg. Simultáneamente a su trabajo como guionista ejerció como script; y en su segunda autobiografía, Imágenes, Bergman señala que él hizo el rodaje final de exteriores (fue su inicio como director profesional), y que su historia obsesiva y violenta fue retocada por Sjöbert, siendo este el que dio una tensión interior especial al personaje. La película estuvo producida por Victor Sjöström, por lo que Bergman tuvo de este modo un contacto próximo con dos grandes directores. Sjöström le apoyará, participando como actor en dos filmes suyos.
El éxito internacional de Tortura le permitió a Bergman iniciarse como director, un año después, con Crisis. Durante los siguientes diez años escribió y dirigió más de una docena de películas, que incluyen Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek), Prisión (Fängelse) en 1949, Noche de circo (Gycklarnas afton) y Un verano con Mónica (Sommaren med Monika), ambas de 1953. La actriz de la última, Harriet Andersson, era a su juicio uno de los «raros ejemplares respladecientes de la jungla cinematográfica».
Curiosamente, el primer reconocimiento internacional, tanto de público como de crítica, se dio en países periféricos de la industria cinematográfica, con la exhibición de Sommarlek (Juegos de verano en España y Juventud divino tesoro en Uruguay y Argentina) en el Festival de Cine de Punta del Este de 1952. El éxito obtenido en ese festival dio lugar a la exhibición de toda la obra inicial de Bergman en Río de la Plata así como inmediatamente en Brasil, cuando obtuvo una alta valoración tanto por el público como por la crítica, antes de su reconocimiento internacional en Europa y América del Norte. La adhesión del público y la crítica cinematográfica del Cono Sur latinoamericano persistió durante toda la obra posterior de Bergman.
El reconocimiento internacional en Europa y América del Norte le llegó con Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende) (1955), donde «hay una porción de nostalgia, una relación padre-hija reflejo de mi vida, la gran confusión y la tristeza», además del complicado amor; con ella gana el premio «Best poetic humor» y es nominado para la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1956.
Fue seguida por los rodajes de El séptimo sello (Det sjunde inseglet) y Fresas salvajes (Smultronstället), estrenadas con diez meses de diferencia en Suecia, en 1957. El séptimo sello —para muchos, su primera obra maestra, aunque Bergman, que la apreciaba, no la considerase impecable—ganó el Premio Especial del Jurado y fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Y Fresas salvajes ganó numerosos premios, como el Globo de Oro, el Oso de Oro en el Festival de Berlín y estuvo nominada al Óscar al mejor guion. Es el comienzo de la mejor etapa del director, que enlazaría numerosas obras maestras hasta finales de la década de 1960.
A continuación rodó dos películas: En el umbral de la vida (Nära livet) (1958), que recibió numerosos premios —es de las primeras obras de cámara del director (con pocos personajes y desarrollada prácticamente en un solo escenario)— y en 1959 El rostro (Ansiktet) —única incursión del director en el cine de misterio mezclado con humor negro— con la que ganó el premio BAFTA. El rostro, a pesar de no ser un gran éxito de crítica y público, es uno de los títulos más reivindicados de su filmografía, por el Bergman maduro o por su admirador Woody Allen, quien se inspira en su producción.
En 1960 rodó El manantial de la doncella (Jungfrukällan), una cruda fábula medieval basada en una vieja historia sueca de violación y venganza, por la que recibe el Óscar a la mejor película extranjera, el Globo de Oro y un premio especial en el Festival de Cannes. Bergman se encuentra en la cima y, justo en esta época, comienza a pasar largos periodos de tiempo en la isla sueca de Fårö, donde rodará muchos de sus filmes claves.
Tras filmar un divertimento El ojo del diablo (Djävulens öga) —una interesante comedia olvidada con el paso de los años sobre el mito de Don Juan—, Bergman dirigió tres de las películas más importantes de su filmografía: Como en un espejo (Såsom i en spegel) 1961, Los comulgantes (Nattvardsgästerna) 1963, y El silencio (Tystnaden) 1963, en las que explora temas como la soledad, la incomunicación o la ausencia de Dios.
Los críticos trataron las obras como un tríptico y Bergman inicialmente desmintió tal afirmación (argumentando que no había planeado sus rodajes como una trilogía y que no veía similitudes entre los tres filmes), pero terminaría aceptando dicho rótulo para los trabajos por su temática.
Los críticos trataron las obras como un tríptico y Bergman inicialmente desmintió tal afirmación (argumentando que no había planeado sus rodajes como una trilogía y que no veía similitudes entre los tres filmes), pero terminaría aceptando dicho rótulo para los trabajos por su temática.
Como en un espejo ganó nuevamente el Oscar a la mejor película extranjera, además de ser nominada a numerosos premios. La película abordaba con un cuarteto de personajes, un caso de locura histérico-religiosa, como escribiera el autor. Por su parte, El silencio se convirtió en una de las obras más aplaudidas del director y su mayor éxito de taquilla hasta la fecha. No obstante el precio de la fama fue caro, debido al contenido argumental desesperado (que anticipaba en su realización parte del estilo formal de obras posteriores de Bergman) y a sus explícitas escenas de sexo, El silencio fue prohibida en numerosos países, y Bergman recibió varias amenazas de muerte por parte del sector más conservador y cínico de los espectadores de la época, que veían la película como pornografía. En este periodo de creatividad desaforada y gran éxito de público y crítica, Bergman rodó en 1964 una comedia menor parodiando el cine de Fellini: ¡Esas mujeres! (För att inte tala om alla dessa kvinnor).
En 1966, tras un pasar unos meses hospitalizado, Bergman dirigió Persona, una película que el propio autor consideraría de las más importantes de su carrera, y que condensa de forma magistral todo el trabajo que venía haciendo desde comienzos de los años 60. La película tuvo una recaudación en taquilla modesta (110 725 suecos vieron Personafrente a 1 459 031 que vieron El silencio tres años atrás, tal como apunta Peter Cowe en Los Archivos Personales de Bergman); pero a pesar de su aire de cine experimental de arte y ensayo, y de que Persona apenas ganó premios, muchos la considerarían desde su estreno, la pieza cumbre de su carrera y seguramente es su trabajo hoy más reconocido. Además según escribió: «Durante el rodaje nos alcanzó la pasión a Liv y a mí; una grandiosa equivocación que nos llevó a construir la casa de Fårö, entre 1966 y 1967; ella se quedó allí unos años».
En 1967, Bergman rodó una de sus obras más crípticas y polémicas: La hora del lobo (Vargtimmen, 1967), un trabajo tan adorado como criticado por su público debido a su compleja narración y simbolismo. Ya en 1968 se despidió del blanco y negro (volvería a él en 1980) con la cruda película bélica: La vergüenza (Skammen, 1968) y el film para la televisión sueca El rito (Riten). «En el origen de La vergüenza hay un horror personal: vi un reportaje sobre Vietnam, antes de la gran escalada, basado en los sufrimientos de civiles; los personajes principales son dos músicos, y él pierde el equilibrio en una invasión bélica».
En 1969 Bergman estrenó la que es oficialmente (si no se tiene en cuenta ¡Esas mujeres!) su primera obra en color: Pasión (En passion, 1969), considerada por un sector otra de sus obras capitales (casi como todas las obras de los 60 de autor), en parte debido al cuidado y hermoso tratamiento de la fotografía. La película es un doloroso análisis del lado más amargo del amor y de las relaciones de pareja; y en ella repiten los mismos actores de La hora del lobo y La vergüenza. En ella, el director se permite la licencia de incluir en medio de su metraje un descarte de su anterior película (La vergüenza) en forma de sueño. Con Pasión se pone fin a una etapa ascendente cargada de experimentación y creatividad para Bergman, y a partir de aquí el director se dedicará a ahondar con mayor desasosiego y crudeza en los temas que ya venía tratando en sus trabajos anteriores, con mayor o peor fortuna.
En 1971 se estrenó La carcoma (Beröringen 1971), primera película rodada íntegramente en inglés y producto puramente pensado para el mercado hollywoodense, del que el propio director renegaría años después y que supuso uno de sus mayores fracasos de crítica. Fracaso que se subsanaría con el estreno de Gritos y susurros (Viskningar och rop, Susurros y gritos, 1972) un año después. Obra preciosista y atormentada, de intachable fotografía y escaso diálogo, que se encumbraría entre las más aplaudidas del director, con tres nominaciones a los Oscar y premios en Cannes, y que suponía un regreso más oscuro y onírico a temas tratados en películas anteriores como El silencio.
En estas fechas Bergman trabajó para la televisión sueca. Dos de los trabajos más memorables son Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap) y La flauta mágica(Trollflöjten, 1975). La excelente Secretos de un matrimonio tendría su estreno cinematográfico en versión acortada y sería recordada como uno de los mejores ahondamientos en las relaciones de pareja llevados a la pantalla. La flauta mágica, en sueco, dio una síntesis teatral sencilla y sabia de Mozart.
En 1976, Bergman dirigió Cara a cara (Ansikte mot ansikte), una película de una crudeza brutal y sumamente onírica, que ahonda de forma asfixiante en la psique de una protagonista perturbada. Nuevamente, fue nominado al Oscar al mejor director y ganó un Globo de Oro. Ese mismo año es acusado de evasión de impuestos, y el director tiene que ser internado en un psiquiátrico; con posterioridad se vería que era un problema de su contable y todo se resolvería pagando la diferencia. El escándalo fue internacional y tuvo muchos apoyos.
Tras el escándalo, Bergman decidió abandonar Suecia y asentarse en Alemania para rodar El huevo de la serpiente (Ormens ägg/Das Schlangenei) 1977, un curioso análisis del nazismo que quedaría ensombrecido por el éxito de su siguiente trabajo: Sonata de otoño (Höstsonaten) 1978, alabada por muchos como otra de sus cimas artísticas. Sonata de otoño recibe nominaciones a los Óscar y los César, y gana el Globo de Oro a la mejor película extranjera. La película contaría con la presencia de Ingrid Bergman y retomaría la temática de las relaciones familiares deterioradas que ya había trabajado el director en numerosas obras anteriores como El silencio (1963), Gritos y susurros (1972) o poco antes Cara a cara (1976).
La etapa alemana del director se cierra con De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten) en 1980. Rodada inicialmente para televisión, es el primer trabajo sin la intervención de Liv Ullman en el reparto desde los años 60. Un film severo, apreciado por el director, rodado en blanco y negro, que gira en torno al asesinato de una prostituta.
En 1982 Bergman estrenó su última película para cine Fanny y Alexander (Fanny och Alexander, 1982) que ganaría el Óscar, el Globo de Oro y el César a la mejor película extranjera, además de otras nominaciones. Esta película supondría la despedida del director del celuloide y sería considerada por muchos el broche de oro a una carrera llena de obras maestras.
A partir de entonces Bergman se dedicó al teatro (del que no se había desprendido nunca) y a rodar películas para televisión: tiene especial interés Saraband (2003), la última rodada por el director y en la que retoma los personajes de su obra Secretos de un matrimonio, para situarlos en la ancianidad. La concibe como un homenaje a Ingrid, recién desaparecida.
El director falleció el 30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, en la que se había retirado. Aquel mismo día falleció también el cineasta italiano Michelangelo Antonioni.
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1926:
Nace Harry
Dean Stanton, actor
estadounidense.
Harry Dean Stanton (West Irvine, Kentucky; 14 de julio de 1926-Los Ángeles, California; 15 de septiembre de 2017) fue un actor estadounidense. Se hizo conocido por su papel protagonista en Paris, Texas (1984) y por distintos papeles secundarios en películas de renombre, como In the Heat of the Night (1967), La leyenda del indomable (1967), Pat Garrett y Billy the Kid (1973), El padrino II (1974), Alien, el octavo pasajero (1979), Escape from New York (1981), Repo Man (1984), La última tentación de Cristo (1988), Corazón salvaje (1990), Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), The Straight Story (1999), The Green Mile (1999) o Inland Empire (2006), así como en las series Big Love (2006-2010) y Twin Peaks (2017).
Primeros años[editar]
Stanton nació en West Irvine, Kentucky, hijo de Ersel Moberly, una peluquera, y Sheridan Harry Stanton, un agricultor del tabaco y barbero.12 Sus padres se divorciaron cuando Harry estaba en la secundaria; luego se volvieron a casar. Tenía dos hermanos menores, Archie y Ralph, y un medio hermano menor, Stan. Asistió a la Universidad de Kentucky en Lexington, Kentucky, donde estudió periodismo y artes. Allí comenzó a hacer teatro participando en la obra Pygmalion. También estudió en el histórico teatro Pasadena Playhouse de Pasadena, California, donde fue compañero de Tyler MacDuff y Dana Andrews.
Stanton sirvió en la Armada de los Estados Unidos. Trabajó como cocinero en una nave tipo LST (Landing Ship Tank) durante la batalla de Okinawa en la Segunda Guerra Mundial.
Carrera[editar]
Su debut en el mundo del cine fue en la película Tomahawk Trail (1957) y, a partir de ahí, entre los años 1950 y 1960, comenzó a aparecer regularmente en películas bélicas y westerns. Su experiencia en la guerra hacía que los papeles de Stanton en películas de renombre como La leyenda del indomable (1967), Los violentos de Kelly (1970), Dillinger (1973) o Alien, el octavo pasajero (1979) resultasen muy verosímiles. Estas caracterizaciones llamaron la atención a Wim Wenders, que contó con Stanton para el papel protagonista de Travis en el film Paris, Texas (1984).
Trabajó tanto en películas independientes (Two-Lane Blacktop, Cockfighter, Escape from New York, Repo Man) como en grandes producciones como Cool Hand Luke, El padrino II, Red Dawn, Pretty in Pink, Christine y The Green Mile. Fue actor favorito de directores como Sam Peckinpah, John Milius, David Lynch y Monte Hellman, y además era amigo cercano de Francis Ford Coppola. Tuvo un pequeño papel en La conquista del Oeste (1962), interpretando a un integrante de la banda de Charlie Gant (Eli Wallach).
Su papel más memorable como protagonista fue en Paris, Texas de Wim Wenders. Su papel como Travis, con el que a menudo se le asociaba, en un principio iba a ser interpretado por Sam Shepard. Más tarde iba a ser homenajeado por la banda británica Travis nombrándose la banda al igual que su personaje.
En Lucky, la ópera prima como cineasta de John Carroll Lynch, Harry obtuvo su último papel protagonista, y por esta interpretación fue galardonado de forma póstuma como Mejor Actor en el Festival de Cine de Gijón en 2017.
Stanton era uno de los favoritos del crítico Roger Ebert, quien declaró que "ninguna película con Harry Dean Stanton o M. Emmet Walsh como actores de reparto puede ser mala del todo". Sin embargo, Ebert más tarde admitió que Dream a Little Dream (1989), en donde aparece Stanton, fue una "clara violación" a esta regla.3
Sus trabajos en televisión fueron extensos; incluyen ocho participaciones entre 1958 y 1968 en Gunsmoke y cuatro en Rawhide, como también un cameo interpretándose a sí mismo en Two and a Half Men, junto a Sean Penn y Elvis Costello. Desde 2006 interpretó a Roman Grant, el manipulador líder de una secta poligámica en la serie Big Love de HBO.
Tenía una banda llamada "The Harry Dean Stanton Band" en la que tocaba la guitarra. Regularmente tocaba temas de jazz, pop, y tex-mex en la zona de Los Ángeles y en el bar de Hollywood 'Jack's Sugar Shack'. También participó en el vídeo musical Dreaming of You, de Bob Dylan.
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1928:
Nace Nancy Olson, actriz estadounidense.
Nancy Ann Olson (n. Milwaukee; 14 de
julio de 1928)
es una actriz estadounidense,
nominada al Óscar a la mejor actriz secundaria por Sunset Boulevard en 1950.
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1936
Nace Héctor Ulloa, actor, compositor y cantante colombiano. (f. 2018).
Héctor Horacio Ulloa Rodríguez (La Vega, Cundinamarca; 14 de julio de 1936-Ibidem, 5 de octubre de 2018) fue un actor colombiano y una de las figuras más importantes de la historia de la televisión del país.1 Famoso por protagonizar Don Chinche, condecorada como la mejor serie del siglo XX en Colombia.23 Compuso uno de los boleros más famosos del país, Cinco centavitos4 cantado luego por consagrados artistas.5
Incursionó en la política y fue diputado a la Asamblea Departamental de Cundinamarca, alcanzando la votación más alta de la corporación.
En el año 2000, en el marco del Festival de Cine de Cartagena, recibió el galardón obtenido por la serie Don Chinche, como la mejor serie del siglo XX en Colombia.6 Asimismo, en 2012, se le otorgó el premio honorífico Víctor Nieto a toda una vida.7 El 22 de abril de 2016, recibió el premio honorífico Vida de Palabras.8
Su última aparición en pantalla fue un el documental El Culebro: La historia de mi papá, un largometraje sobre la vida de su mejor amigo Hernando Casanova.9 Sin embargo, su aparición final en una película de ficción, ocurrió en 2013, en la película Roa del director Andrés Baiz.10
Ulloa falleció a los 82 años, en una finca de su propiedad en su pueblo natal.
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1939:
Nace Alfons Mucha, pintor y artista decorativo checo.
Alfons Mucha ['alfɔns 'muxa] (Ivančice, Moravia, Imperio austriaco; 24 de julio de 1860 - Praga, Protectorado de Bohemia y Moravia; 14 de julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.
Biografía[editar]
Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo.
Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El conde de Karton Khuenta de Mikulov lo contrató para decorar con murales el castillo de Harusovany Emomahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Perteneció a la masonería y llegó a ser Gran Maestro de la Gran Logia de Checoslovaquia. Además de estar muy interesado en el esoterismo, teniendo relación con otras organizaciones esotéricas e iniciáticas aparte de la masonería, en la que también llegó a ostentar el grado 33° del Rito Escocés Antiguo y Aceptado.
1939:
Nace Sid Haig,
actor estadounidense.
Sid Haig (Fresno, , California, 14 de julio de
1939) es un actor estadounidense . Sus papeles han incluido actuar
en muchas películas de terror como House of 1000 Corpses y The Devil's Rejects. Ha aparecido en
muchos programas de televisión como Batman , Star Trek , Misión Imposible , Gunsmoke , The Rockford Files , Buck Rogers en el siglo 25 , Get Smart
(El Super Agene 86) , Fantasy
Island (La Isla de la Fantasía) , Sledge
Hammer! , The A-Team (Los Magníficos) , The
Fall Guy (Profesión peligro) , Los duques de Hazzard , MacGyver,
entre otras.
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1946:
Nace Vincent Pastore, actor estadounidense.
Vincent Pastore (n. el 14 de
julio de 1946)
es un actor estadounidense,
más conocido por su rol de Salvatore "Big
Pussy" Bonpensiero en la serie de TV Los
Soprano.
Vida cercana[editar]
Pastore nació en Bronx, Nueva York, de ascendencia italiana. Luego de su graduación, ingresó en la marina de Estados Unidos. Asistió a la Universidad de Pace (Pace University) por tres años antes de entrar en el mundo de la actuación, influido por sus amigos Kevin y Matt Dillon. Anteriormente había sido dueño de un club en New Rochelle, Nueva York.
Carrera[editar]
Actuación[editar]
Pastore ha tenido una carrera de actuación haciendo roles, generalmente, de gánsters italianos. Comenzó con pequeños papeles en Goodfellas (1990) y Carlito's Way (1993). En Goodfellas, dirigida por Martin Scorsese, se vio brevemente en una escena a través de una rejilla de la cocina de Copacabana, siendo acreditado como "Vincent Pastore - Hombre con capa de Rack". En Carlito's Way como uno de los amigos del italiano que baila con Gail, siendo acreditado como "Vinny Pastore - Copa Wiseguy".
Pastore obtuvo un gran papel en la película comedia/crimen de 1995, The Jerky Boys, como Tony Scarboni, uno de los tres gánsters clientes de Lazaro. Luego, en la película de 1996, Gotti, Pastore hizo el rol de Angelo Ruggiero, junto a sus compañeros dLos Soprano, Tony Sirico y Dominic Chianese.
En 1999, Pastore obtiene su gran rol en la serie de TV Los Soprano, donde interpretó a Salvatore "Big Pussy" Bonpensiero.
Luego de Los Soprano hizo papeles en Mickey Blue Eyes, Two Family House (con sus compañeros de Los Soprano Michael Rispoli, Kathrine Narducci, Matt Servitto, Michele Santopietro, Louis Guss, Rosemary De Angelis, y Sharon Angela), Under Hellgate Bridge, Riding in Cars with Boys, Deuces Wild, Made, Mafia!, The Hurricane, Serving Sara, Carlito's Way, American Cousins, A Tale of Two Pizzas, This Thing of Ours, El espantatiburones, Johnny Slade’s Greatest Hits, y Guy Ritchie’s Revolver. Luego se desempeñó como productor asociado en Doughboys. Los créditos televisivos también lo involucran en Grounded for Life (2002), Son of a Beach (2002), Law & Order, One Life to Live, Repo-Men/Stealing for a Living, Ed, Queens Supreme, Vegas y Everybody Hates Chris.
En 2007, protagonizó la película P.J., junto con sus compañeros de Los Soprano, John Heard y Robert Picardo.
En 2008, Pastore se unió al elenco durante el día, actuando en General Hospital, como Maximus Giambetti, otra vez, desarrollando un papel de gánster. Luego tuvo una aparición en Our Last Days As Children y en College Road Trip, con Martin Lawrence y Raven Simoné.
En 2009, Pastore protagonizará la película Alienated.
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1949:
Nace Tommy Mottola, productor musical estadounidense.
Daniel Thomas 'Tommy' Mottola (n. 14 de
julio de 1949)
es un empresario de la industria musical en Estados
Unidos y copropietario de la compañía discográfica Casablanca Records, en una operación conjunta
con Universal Music Group, es, además, el exmarido de la cantante Mariah
Carey y actual esposo de la cantante y actriz mexicana Thalía.
Encabezó Sony Music Entertainment, uno de los padres del sello Columbia,
durante casi 15 años. Tommy Mottola es un conocido hombre de negocios, famoso
por haber sido el jefe de Sony America Corp.
Además de su experiencia en la gestión de conjuntos de
música, Mottola es conocido como un mentor y exgerente de talento. Sus más
famosos protegidos fueron Hall
& Oates, Carly Simon, John
Mellencamp, Dr. Buzzard's Original Savannah Band, Diana Ross,
y Taylor
Dayne en los años 70 y 80, Mariah
Carey (su segunda esposa) en el decenio de 1990 y Jennifer
López a comienzos de 2000. Thalía (su
tercera esposa) y Tommy han celebrado el nacimiento de 2 hijos juntos, Sabrina
Sakae y Matthew Alejandro en 2007 y 2011 respectivamente.
Mottola nació en el Bronx, Nueva York.
Asistió a la Escuela Preparatoria de Iona en New
Rochelle, Nueva York, se graduó en 1967. Él asistió brevemente Hofstra
University en Hempstead, Nueva York antes de la deserción. Mottola tuvo
aspiraciones de una carrera musical, y puesto en libertad con CBS Records, pero
su carrera fue de corta duración.
Mottola comenzó Champion Entertainment Inc., organización
para la gestión de otros artistas. Mientras trabajaba en la empresa Chappell,
se convirtió en el mentor de artistas como Daryl Hall y John Oates. Su creencia
en el dúo le llevó a hacer apariciones descanso para las promociones y la
publicidad, entre ellos algunos de los primeros videos musicales especializados
y uno de los primeros modernos "patrocinado tours" para Beech-Nut's
Care Free Gum, Panasonic y Pontiac.
Hall & Oates le rindió homenaje en su canción
"Gino" en su disco autotitulado de 1975 y producido por RCA, que
obtuvo Disco de Plata.
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1954:
Muere Jacinto Benavente, dramaturgo español, premio nobel de
literatura en 1922 (nacido en 1866).
Jacinto Benavente y Martínez (Madrid, 12 de
agosto de 1866-ibídem, 14 de
julio de 1954)
fue un dramaturgo, director, guionista y productor
de cine español, Premio Nobel de Literatura en 1922.
(Jacinto Benavente Martínez; Madrid, 1866 - 1954) Dramaturgo
español cuyos comienzos en El nido ajeno (1894) permitieron
vislumbrar una profunda renovación del teatro en castellano. No obstante, la
situación de la escena española le aconsejó inclinarse por obras de gran éxito
en lugar de comprometerse con una producción exigente, pero minoritaria e incomprendida.
El valor de su extenso trabajo radica en la introducción de
referentes europeos y modernos en el teatro español. Benavente, quien conocía
muy bien la producción escénica que se desarrollaba más allá de los Pirineos,
entre autores tales como G. DAnnunzio, O. Wilde, M. Maeterlinck, H. Ibsen y B.
Shaw, supo incorporar con acierto influencias que resaltaron notablemente
muchas de las cualidades de su teatro, tales como la variedad y perfección de
los recursos que introdujo en la escena, una gracia inteligente que recorre la
sátira social que despliega, y unos diálogos vivos, chispeantes, muy dinámicos.
Sin embargo, la preeminencia de los aspectos escénicos sobre
lo dramático puro, así como un espíritu burlón y frívolo, le restan profundidad
y alcance a muchas de sus piezas, convirtiéndolas en brillantes fuegos
artificiales. Esa tendencia se puso de manifiesto en su segunda obra, Gente
conocida (1896), así como en las que le sucedieron: La comida de las
fieras (1898) y La noche del sábado (1903). En ellas puede
comprobarse cómo el autor amortigua de forma significativa el tono de su
crítica, centrada en las clases aristocráticas y acomodadas de la sociedad,
para sustituirla por una reprobación simpática, amable, casi paternal, que no
por casualidad obtuvo los favores del público.
Culminación de esta corriente de su trabajo sería la que está
considerada su obra más representativa y lograda: Los intereses creados (1907).
En ella presenta una afilada sátira del mundo de los negocios; particularmente
atractiva, desde un punto de vista técnico, por la sabia combinación de
elementos procedentes de la commedia dellarte con otros que brotan
del teatro clásico español. Esta pieza continuó en otra, menos conseguida, y
que a juicio de muchos críticos fracasó: La ciudad alegre y confiada (1916).
El punto de vista que adopta Benavente en esta franja de su producción es el de
un escéptico que desconfía profundamente de la naturaleza humana y de la
sociedad en la que aquélla se manifiesta con frívola hipocresía cuando no
simple crueldad.
Otra vertiente cultivada por el autor fue la del drama rural,
en obras que, como Señora Ama (1908) o La malquerida (1913),
contrastan frontalmente con el grueso de su producción. Esta faceta de su
trabajo proyecta tal intensidad trágica que sus trazos sombríos parecen hablar
de otro hombre, rastro de un primer Benavente que, tal vez, pretendía
un teatro más en consonancia con los valores de la Generación del 98. Son
dramas de grandes pasiones que se desarrollan en un medio aldeano asfixiante y
brutal, primario, y en los que palpita un clima de carácter naturalista.
Pero Benavente, cuya obra mantiene evidentes puntos de
contacto con el modernismo y con la Generación del 98, no pertenece a ninguno
de los dos movimientos. No posee la gravedad de M. de Unamuno, P. Baroja,
Azorín o R. de Maeztu; ni tampoco las cualidades necesarias para acercarse al
exquisito mundo poético de los discípulos de R. Darío. Le sobró ironía; le
faltó quietud y aliento poéticos. Fue un eminente continuador de la mejor
comedia del siglo XIX, de la cual elimina todo vestigio romántico para
enriquecerla con su espíritu culto e inteligente, y sus formidables recursos
técnicos.
En la última etapa de su vida literaria, dominada en algunos
aspectos por su familiaridad con el modernismo, escribió algunas obras de
teatro infantil, cuyo tono poético y fina ironía cristalizan en piezas tan
encantadoras como El príncipe que todo lo aprendió en los libros o La
novia de nieve (1934). Otro título importante de su producción durante
este período es Pepa Doncel (1928). En 1922 obtuvo el premio Nobel de
Literatura. Tal concesión ha estado siempre rodeada de polémica, pues para
algunos críticos, la de Benavente no deja de ser una obra menor comparada con
la que dejó el modernismo o la Generación del 98.
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1960:
Nace Jane Lynch, actriz estadounidense.
Jane Marie Lynch (14 de
julio de 1960)
es una actriz, escritora, comediante y cantante estadounidense,
reconocida por sus papeles en las comedias de Christopher
Guest, tales como Best in Show y por
su papel de Sue Sylvester en la serie de comedia y musical Glee, papel por el cual ha sido
merecedora de la aclamación de la crítica, ganando un Emmy y un Globo de Oro.
También es reconocida como la
psiquiatra de Charlie Harper en Two and a Half Men, y por ser la madre de Sam en
la serie iCarly.
Actualmente interpreta a Amy en la serie de televisión Angel From Hell.
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Semblanza biográfica[editar]
1960:
Muere Elpidio Ramírez Burgos, violinista, compositor, arreglista y revolucionario mexicano. (n. 1882).
Elpidio Ramírez Burgos, conocido como El Viejo Elpidio (Xoxocapa, Ilamatlán, Veracruz, 4 de marzo de 1882 - 14 de julio de 1960) fue un violinista, compositor, arreglista y revolucionario mexicano. Es considerado precursor del género musical conocido como huapango.1
Semblanza biográfica[editar]
Fue hijo de Luis Ramírez y Margarita Burgos. Participó en la Revolución mexicana, logrando obtener el grado de capitán primero de caballería en el Ejército mexicano. En su vida civil, continuó practicando equitación y charrería.
Como compositor, creó obras de manera individual y en coautoría con Humberto Betancourt, Nicandro Castillo, Roque Castillo y Pedro Galindo Galarza. Fue con este último con quien compuso el huapango internacionalmente conocido con el título de "La malagueña", y con quien participó en el grupo Los Trovadores Chinacos en 1932.2
Entre otras de sus obras se encuentran: "La leva" (el soldado de levita), "La petenera", "El caimán", "La rosa", "El sombrero", "Cielito lindo huasteco" —variación al "Cielito lindo" de Quirino Mendoza y Cortés—, "El fandanguito" y "El gusto", entre muchas otras.3
1961:
Nace Jackie Earle Haley, actor estadounidense.
Jackie Earle Haley (Jack Earle Haley;12 14
de julio de 1961) es un actor de cine estadounidense.
Comenzó como actor infantil y fue nominado al premio Oscar de
adulto. Es conocido por sus papeles como Moocher en El relevo,
Kelly Leak en la trilogía Los picarones, el pedófilo Ronnie
McGorvey en Juegos secretos el antihéroe Rorschach en Watchmen y el icono del terror Freddy
Krueger en el remake A Nightmare on Elm Street.
Además interpretó a Guerrero en la serie dramática de Fox, Human Target.
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1966:
Nace Matthew Fox, actor estadounidense.
Matthew Chandler Fox (n. Abington, Pensilvania, Estados
Unidos, 14 de julio de 1966) es un actor y
exmodelo estadounidense. Su primer papel protagonista fue el
de Charlie Salinger en Party
of Five en los años 1990,
junto a Scott Wolf y Neve
Campbell; pero saltó a la fama por interpretar al doctor Jack
Shephard en la serie de ABC Lost.
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1971:
Nace Nick
McCabe, guitarrista británico, de las bandas The Verve y The Black Ships.
Nick McCabe (n. Haydock, Lancashire; 14 de julio de 1971) es un guitarrista inglés. Su estilo musical incluye desde el britpop hasta el rock.
Fue, entre los años 1989 y 1999, guitarrista de la banda británica The Verve. Su mayor éxito con la misma fue la canción Bitter sweet symphony. A partir del año 1999 y hasta 2007 ha trabajado en diferentes proyectos, incluyendo colaboraciones con John Martyn y con la banda The Music.
En 2007, ocho años después de su separación, volvió a reunirse con The Verve para grabar un nuevo álbum. Este álbum, Forth, salió a la venta en agosto de 2008.
Biografía[editar]
Nick McCabe es el menor de tres hermanos. Creció influenciado por diferentes clases de música hasta que, tras terminar el colegio, conoció a Richard Ashcroft. Según Ashcroft, "McCabe podía hacer que la guitarra hablara". Junto con Simon Jones y Peter Salisbury, Ashcroft y McCabe formaron The Verve. Posteriormente se uniría Simon Tong.
1976:
La pena capital es
abolida en Canadá.
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1987:
Nace Dan
Reynolds, cantante estadounidense.
Daniel Coulter Reynolds (Las Vegas, Nevada, 14 de julio de 1987), más conocido como Dan Reynolds, es un cantante, compositor y músico estadounidense, reconocido por ser el vocalista principal de la conocida banda de rock Imagine Dragons.
Juventud[editar]
Dan, el séptimo de nueve hijos, nació el 14 de julio en 1987 en Las Vegas, hijo de Christene M. y Ronald Reynolds (ambos nativos de Nevada). En el año 2005 obtuvo el rango de Águila Scout. A los 19 años se ofreció voluntario a tiempo completo como misionero de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días en Nebraska durante dos años, donde escribió "I Bet My Life" reflexionando sobre la dura relación con sus padres.
Carrera[editar]
Imagine Dragons (2008–presente)[editar]
Dan era reacio a convertirse en un músico profesional en parte porque Wayne Sermon, su compañero de banda, le dijo: "Don't do music because you want to do music, do music if you have to do music." ("No hagas música porque quieres hacer música, haz música si necesitas hacer música"). Después de comenzar la escuela en la Universidad Brigham Young (BYU), Reynolds encontró que no podría "hacer nada más" que música y comenzó su carrera de músico profesional. En Utah, Reynolds conoció y reclutó a Wayne Sermon y al baterista Andrew Tolman para formar Imagine Dragons. Con Reynolds cantando, Imagine Dragons ganó "Battle Of The Bands" y otras competiciones locales. El bajista Ben Mckee se unió a la banda y el baterista Daniel Platzman reemplazó a Tolman que dejó la banda en 2012. En noviembre de 2012 firmaron con Interscope Records y empezaron a trabajar con el reconocido productor Alex da Kid.
Imagine Dragons sacó a la venta su primer álbum de estudio Night Visions y su primer sencillo "It's Time" en septiembre de 2012. Night Visions alcanzó el top 10 de álbumes en Estados Unidos en 2012, 2013 y 2014. El álbum obtuvo un Billboard Music Award de "Álbum Top de Rock" y fue nominado a un Juno Award por álbum internacional del año. Su segundo sencillo "Radioactive" alcanzó la posición #3 de Billboard Hot 100. "Radioactive", también estableció el récord de todos los tiempos para el reinado más largo en la parte superior de la tabla de "Billboard Rock Songs Chart", con 23 semanas consecutivas y el récord de mayor tiempo en el Billboard Hot 100, con 87 semanas. Rolling Stone la nombró "El mayor sencillo de Rock del año". Es la mayor venta en digital de la Historia, con ventas de más de 7,5 millones de copias en Estados Unidos. El tercer sencillo "Demons" alcanzó la posición #6 en el Billboard Hot 100, y es la octava canción más vendida digitalmente con más de 4 millones de copias en Estados Unidos.
Imagine Dragons lanzó su segundo álbum de estudio Smoke + Mirrors el 17 de febrero de 2015. Smoke + Mirrors debutó en la cima de Billboard 200, UK Albums Chart, y Canadian Albums Chart. Sus sencillos "I Bet My Life" y "Shots", ambos han alcanzado el Billboard Hot 100.
Imagine Dragons sacó a la venta su tercer álbum de estudio Evolve en junio de 2017. El 31 de enero, Imagine Dragons lanzó "Believer" como parte del Evolve. Imagine Dragons lanzó a la luz su nuevo single "Thunder" el 27 de abril de 2017, y su respectivo videoclip el 2 de mayo de dicho año. El 9 de mayo del mismo año, lanzó un nuevo single: Whatever it Takes, que en menos de 8 horas ya había obtenido más de medio millón de visitas en YouTube. El álbum llegó a la posición #2 en el Billboard Hot 100.
Egyptian[editar]
Dan fue invitado a cantar, abriendo una presentación del grupo estadounidense Nico Vega, donde conoció a su vocalista Aja Volkman, quien más tarde se convertiría en su esposa. Él la invitó a que le ayudara a terminar unos demos en los que estaba trabajando. Los dos comenzaron un proceso colaborativo al que ellos llamaron Egyptian. Ellos grabaron, produjeron y lanzaron independientemente un EP de 4 canciones digitalmente.[cita requerida]
1995:
MPEG-1 Audio Layer III o MPEG-2 Audio Layer III,
más comúnmente conocido como MP3 es un formato de compresión de audio digital patentado que usa
un algoritmo con pérdida para
conseguir un menor tamaño de archivo. Es un formato de audio común
usado para música tanto en ordenadores como
en reproductores de audio portátil.
MP3 fue desarrollado por el Moving Picture Experts Group (MPEG) para formar
parte del estándar MPEG-1 y del posterior y más extendido. Un MP3 creado
usando una compresión de 128kbit/s tendrá un tamaño de aproximadamente unas 11
veces menor que su homónimo en CD. Un MP3 también puede comprimirse usando una
mayor o menor tasa de bits por segundo, resultando directamente
en su mayor o menor calidad de audio final, así como en el tamaño del archivo
resultante.
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2000:
Muere Pepo (René Ríos Bottegier),
humorista chileno, creador de Condorito (nacido en 1911).
Aquí una entrada homenaje que le hiciera hace algunos años en mi antiguo blog:
2003:
Muere Compay Segundo.
Máximo Francisco Repilado Muñoz (Siboney, Santiago de Cuba, 18 de noviembre de 1907—La Habana, 14 de julio de 2003), conocido artísticamente por el seudónimo de Compay Segundo, fue un músico y compositor cubano de amplia trayectoria mundial.
Llegó a ser un popular compositor e intérprete, muy conocido entre los amantes de la música cubana. Comenzó tocando la guitarra, el tres cubano, el clarinete y el bongó. También tocó la tumbadora.
Fue creador de la melodía Chan-chan,1 e inventor del armónico, un híbrido de siete cuerdas entre la guitarra española y el tres cubano. Este instrumento pretende imitar el timbre del tres adicionando una cuerda octavada en la tercera cuerda (sol). Su afinación es igual a la guitarra. Primera cuerda mi, segunda si, tercera sol (cuerda doble octavada) y re, la, mi, afinados una octava por encima de la afinación propia de la guitarra.
Biografía[editar]
Comenzó su carrera musical muy joven cuando compuso sus primeras canciones y en los años treinta formó parte de diversas agrupaciones artísticas de Santiago como el Cuarteto de Trovadores Orientales y el Cuarteto Hatuey. También fue vocalista del conjunto de Miguel Matamoros.
En 1948, Repilado, como voz segunda y tocador de tres funda con Lorenzo Hierrezuelo el legendario dúo Los Compadres. Lorenzo, como primer vocal, se llamó Compay Primo y Repilado, como hacía la segunda voz, adoptó el sobrenombre de Compay Segundo, que le acompañaría hasta el día de su muerte. Los Compadres constituyeron todo un fenómeno de popularidad que se prolongó hasta 1955 cuando Reinaldo Hierrezuelo, hermano de Lorenzo, sustituye a Compay Segundo quien a su vez forma un nuevo grupo al que bautiza como 'Compay Segundo y sus muchachos'.
Su fama internacional le llegó en 1997 con su participación en el disco Buena Vista Social Club, que ganó varios premios Grammy y con su aparición en la película del mismo nombre realizada por Wim Wenders. En abril del 2002, compartió el escenario del Palacio de los Congresos de París, Francia, con el también destacado sonero Adalberto Álvarez en un concierto homenaje a la contribución sonora de Cuba en el aniversario 20 de la fundación de Radio Latina.2
En los últimos años actuó ante millones de espectadores y grabó nueve discos. No pudo cumplir su sueño de llegar a la edad a la que llegó su abuela, que fue persona esclavizada y murió libre a la edad de 106 años.3 Falleció en La Habana debido a una insuficiencia renal con 95 años.
2011:
Muere
2011:
Muere Antonio Prieto, cantante y actor chileno, muy popular internacionalmente durante las décadas de los 40, 50's y 60's en Hispanoamérica y algunos países de Europa.
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Juan Antonio Espinoza Prieto,1 más conocido por su nombre artístico Antonio Prieto (Iquique, 26 de mayo de 1926-Santiago, 14 de julio de 2011),2 fue un cantante y actor chileno, muy popular internacionalmente durante las décadas de los 40, 50's y 60's en Hispanoamérica y algunos países de Europa. Durante su carrera llegó a grabar más de 1000 canciones,3 siendo la más exitosa y recordada el vals «La novia», editada en 1961 y que se constituyó en su canción insignia.4
Biografía
[editar]Inicios
[editar]Sus inicios se remontan al año 1949, cuando participó en un popular show radial llamado La Feria de los Deseos, que conducía el conocido locutor Raúl Matas, en la Radio Minería de Santiago de Chile.1La interpretación del tema Tú ¿Dónde estás? le granjeó reconocimiento instantáneo y le permitió fundar su carrera el mismo año en que lo haría otro gran cantante popular: Lucho Gatica.
En 1953 fue crooner de la Orquesta Casino de Sevilla de España, que se presentaba desde comienzo de la década de los 50's en boites y restaurantes de Santiago. Con ellos Prieto grabó Las oscuras golondrinas y El mar y tú, las dos canciones iniciales de su carrera.1
Carrera internacional
[editar]Su primer éxito en el extranjero fue el tema Violetas imperiales, con que el cantante empezó su carrera en Argentina. Ya en 1957 era conocido en gran parte de América Latina.1
En 1957 interpreta boleros, grabando en México Sabrá Dios y El reloj, junto a la orquesta de Chucho Zarzosa y el conjunto vocal y de guitarras cubano Los Hermanos Rigual.1
Antonio Prieto comenzó en paralelo una carrera como actor de cine, filmando varias películas en Argentina.
En 1960 Prieto ya era un artista consagrado e internacional, dueño de un estilo caracterizado por la distinción y la galanura de sus interpretaciones. Es en esta época cuando graba su mayor éxito La novia, escrita por su hermano el compositor Joaquín Prieto, quien fuera el principal impulsor de su carrera como cantante.1
En la década de los 60's, se asienta en Argentina, donde además de seguir su carrera de cantante, conduce el programa televisivo El show de Antonio Prieto emitido durante los días domingo por Canal 13 de Buenos Aires entre 1960 y 1964. En este programa familiar, Prieto era anfitrión y cantante, y que obtuvo un Premio Martín Fierro en 1963 en la categoría Espectáculo musical.5
En ese país retoma su carrera de actor, con películas como La novia (1961), Cuando calienta el sol (1963) y La Pérgola de las Flores (1965) junto con la actriz española Marujita Díaz.
En 1964 participó en la decimocuarta edición del Festival de la Canción de San Remo, interpretando una canción del cantante y compositor italiano Gino Paoli titulada "Ieri ho incontrato mia madre" (Ayer he encontrado a mi madre). Para ese tiempo, Prieto llevaba al disco "Yo pecador" tema original de Domenico Modugno. Le siguieron "el amor" del verano de 1966. Sin embargo sus mayores éxitos en música internacional los obtiene entre 1967 y 1968. "Jesús", "La rosita", "Guapa", "El tiempo", "Cuidado" son sus mejores logros de aquellos dos años.
Fundó el sello disquero Fermata en Argentina, en el cual editó a mediados de los '60 el LP Antonio Prieto canta tangos. Años más tarde funda en Chile el sello Apri.
Regreso a Chile
[editar]De regreso en Chile, grabó canciones como Cómprate un tambor, Chuquicamata y Huija, testimonio de tintes autobiográficos hecho canción e incluido en un LP de igual título publicado en 1975. Hace una buena versión de la canción "A mi manera" y en 1976, hace una excelente versión de "El maestro del violín", otra gran canción de Modugno.1
Participó como invitado en varias oportunidades al Festival de la Canción de Viña del Mar, (1962, 1974 y 1980 y 1992. Homenajeado junto a Lucho Gatica en la versión 2002 del certamen viñamarino. Además fue reconocido por sus pares al ser honrado como Figura Fundamental de la Música Chilena por la Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD).6
Últimos años
[editar]En 2002, se le diagnosticó Alzheimer, lo que lo mantuvo alejado de los escenarios y actividad pública.
En 2008 apareció por última vez en televisión, en el programa Cada día mejor de Red TV, en compañía del cantautor argentino Alberto Cortez, quien le dedicó la canción Carta a un artista, de su autoría y compuesta en su homenaje.
Muerte
[editar]Su muerte se produjo el 14 de julio de 2011, alrededor de las 22:00 en la Clínica Tabancura de Santiago, debido a una falla multisistémica.24 Sus restos fueron velados en Parroquia San Francisco de Sales de Vitacura, siendo trasladado a Concón para ser sepultado en el Cementerio Parque del Mar.4
https://www.youtube.com/watch?v=0m_fMYy111k
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