miércoles, 4 de febrero de 2026

un día como hoy 5 de febrero


El 5 de febrero es el 36.º (trigésimo sexto) día del año en el calendario gregoriano. Quedan 329 días para finalizar el año y 330 en los años bisiestos.


Podcast 2019





Santoral de la Iglesia Católica:


Santa Águeda de Catania


VÍRGEN Y MÁRTIR (Año 251)





Agueda significa "la buena", "la virtuosa".

Un himno latino sumamente antiguo canta así: "Oh Agueda: tu corazón era tan fuerte que logró aguantar que el pecho fuera destrozado a machetazos y tu intercesión es tan poderosa, que los que te invocan cuando huyen al estallar el volcán Etna, se logran librar del fuego y de la lava ardiente, y los que te rezan, logran apagar el fuego de la concupiscencia.".
Agueda nación en Catania, Sicilia, al sur de Italia, hacia el año 230.
Como Santa Inés, Santa Cecilia y Santa Lucía,
decidió conservarse siempre pura y virgen, por amor a Dios.
En tiempos de la persecución del tirano emperador Decio, el gobernador Quinciano se propone enamorar a Agueda, pero ella le declara que se ha consagrado a Cristo.
Para hacerle perder la fe y la pureza el gobernador la hace llevar a una casa de mujeres de mala vida y estarse allá un mes, pero nada ni nadie logra hacerla quebrantar el juramento de virginidad y de pureza que le ha hecho a Dios. Allí, en esta peligrosa situación, Agueda repetía las palabras del Salmo 16: "Señor Dios: defiéndeme como a las pupilas de tus ojos. A la sombra de tus alas escóndeme de los malvados que me atacan, de los enemigos mortales que asaltan.
El gobernador le manda destrozar el pecho a machetazos y azotarla cruelmente. Pero esa noche se le aparece el apóstol San Pedro y la anima a sufrir por Cristo y la cura de sus heridas.
Al encontrarla curada al día siguiente, el tirano le pregunta: ¿Quién te ha curado? Ella responde: "He sido curada por el poder de Jesucristo". El malvado le grita: ¿Cómo te atreves a nombrar a Cristo, si eso está prohibido? Y la joven le responde: "Yo no puedo dejar de hablar de Aquél a quien más fuertemente amo en mi corazón".
Entonces el perseguidor la mandó echar sobre llamas y brasas ardientes, y ella mientras se quemaba iba diciendo en su oración: "Oh Señor, Creador mío: gracias porque desde la cuna me has protegido siempre. Gracias porque me has apartado del amor a lo mundano y de lo que es malo y dañoso. Gracias por la paciencia que me has concedido para sufrir. Recibe ahora en tus brazos mi alma". Y diciendo esto expiró. Era el 5 de febrero del año 251.
Desde los antiguos siglos los cristianos le han tenido una gran devoción a Santa Agueda y muchísimos y muchísimas le han rezado con fe para obtener que ella les consiga el don de lograr dominar el fuego de la propia concupiscencia o inclinación a la sensualidad.
Propósito: Digámosle a Dios: "Señor, aquí están todas mis concupiscencias y malas inclinaciones. Mi vida se puede convertir fácilmente en un desorden. Toma en tus manos estas mis malas inclinaciones y cálmalas y cúralas, tu que curaste las heridas de tu sierva Agueda y le diste fortaleza para resistir al fuego. Creo que el poder y la bondad de mi Dios podrán obtener lo que mis pobres fuerzas no han logrado. Dios puede mejorar radicalmente mi personalidad. ¿Cuántas veces pondré en manos de Dios mis concupiscencias y malas inclinaciones para que El las cure y las calme? ¿Cuántas veces cada día?


 https://www.youtube.com/watch?v=zhns1zyZaGg





1597:


En Japón, en la colina Nishizaka de Nagasaki, el Gobierno crucifica al jesuita Pablo Miki y a otros 25 religiosos y laicos japoneses y extranjeros conocidos como los 26 mártires de Japón, siendo la primera crucifixión colectiva en 15 siglos.



1881: 

Muere Thomas Carlyle, historiador, crítico social y ensayista escocés (n. 1795).



Thomas Carlyle (Ecclefechan, Escocia, 4 de diciembre de 1795-Londres, 5 de febrero de 1881) fue un historiador, crítico social y ensayista escocés.

Biografía[editar]

De familia estrictamente calvinista, estudió teología en la Universidad de Edimburgo con el deseo de transformarse en pastor, pero perdió la fe en una crisis que expuso en parte en su posterior novela Sartor Resartus, y abandonó esos estudios en 1814, aunque siempre siguieron vivos en él los valores que le inculcaron. Se dedicó entonces a la enseñanza de las matemáticas durante casi cuatro años. Después viajó a Edimburgo y empezó a estudiar leyes y a escribir diversos artículos (1819-1821). Su carácter se agrió profundamente desde entonces al ser víctima de una úlcera estomacal que lo acompañaría todos los días de su vida. Además empezó a apasionarse por la lengua y la literatura alemanas, que llegó a conocer perfectamente. En particular le impresionó profundamente el idealismo alemán (Fichte); animado por sus descubrimientos empezó a divulgar la literatura alemana entre sus compatriotas traduciendo obras de Goethe, escribiendo una Vida de Schiller (1825) y publicando numerosos artículos sobre Alemania y su cultura.
Tras un viaje a París y Londres, volvió a Escocia y ayudó en la revista literaria liberal Edinburgh Review. En 1826 se casó con Jane Baillie Welsh, una escritora a la que había conocido en 1821. A partir de 1828 vivieron en Craigenputtock (Escocia), donde Carlyle compuso el poioumenon o metanovela Sartor Resartus, traducible como El sastre resastrado, publicada originalmente entre 1833 y 1834 por la Fraser's Magazine. Se trata, en general, de una sátira del utilitarismo y materialismo de los ingleses que recurre ampliamente a la ironía con un estilo retórico y académico de amplio párrafo. Para Carlyle son una falsedad las riquezas materiales porque conducen a una crisis personal de la que solo puede salvar un idealismo espiritual. Con esta obra, Carlyle se perfila además como un crítico social de mirada preocupada por las condiciones de vida de los trabajadores británicos, en la que deja ver su profundo desencanto por los estragos que ha causado la Revolución industrial. Durante sus días en Craigenputtock entabló una amistad de por vida con Ralph Waldo Emerson, el célebre ensayista estadounidense. En 1834 se trasladó a Londres, donde recibió el apodo "el Sabio de Chelsea" y formó parte de un círculo literario en el que figuraban los ensayistas Leigh Hunt y John Stuart Mill.
En Londres escribió una exitosa Historia de la Revolución francesa (1837), estudio histórico basado en la opresión de indigentes que inspiró a Charles Dickens su Historia de dos ciudades. Luego publicó conferencias entre las que destaca Los héroes (1841), donde sostiene que el avance de la civilización se debe a los hechos de individuos excepcionales y no de las masas. Este desdén por la democracia y su alabanza de la sociedad feudal se advierten en buena parte de sus escritos posteriores, especialmente en El cartismo (1839) y Pasado y presente (1843). Escribió una vez: "La democracia es la desesperación de no encontrar héroes que nos dirijan". Para entender a este autor, en una gran reflexión que Ernst Cassirer realiza sobre el mito del héroe en su libro "El mito del Estado", nos recomienda poner atención en su devoción por Goethe y por Fichte para comprender su filosofía de la vida: "soy lo que hago".
Su concepto de la historia queda reflejado en obras como Cartas y discursos de Oliver Cromwell (1845) e Historia de Federico II de Prusia, que consta de 10 volúmenes escritos entre 1858 y 1865. Produjo también una autobiografía titulada Recuerdos, que se publicó en 1881. Falleció en Londres el 5 de febrero de 1881. En obras de Ruskin y Dickens encontraremos gran influencia de este pensador.
El pensamiento y las obras de Carlyle renovaron la escritura anglosajona; suele señalarse entre sus méritos indudables el haber conseguido que sus compatriotas se interesasen al fin por la literatura y la filosofía alemanas, que habían denostado tanto, y perdieran parte de sus prejuicios sobre las mismas.




1906:

Nace John Carradine, actor estadounidense (f. 1988).



John Carradine (Richmond Reed Carradine: Nueva York, 5 de febrero de 1906 - Milán, 27 de noviembre de 1988) fue un actor estadounidense conocido por su aparición en diferentes westerns y por ser el padre de los también actores David, Bruce, Keith y Robert Carradine.
John Carradine nació en la ciudad de Nueva York, en el seno de una familia acomodada, pues su madre era una prestigiosa cirujana y su padre un eminente abogado. Su idea inicial era dedicarse al mundo de la pintura y la escultura tras asistir a la Escuela de Arte Gráfico de Nueva York. Comenzó su vida en el mundo de la interpretación como actor dramático shakespiriano y realizó su debut como actor en 1930 con el nombre de Peter Richmond. No adoptaría el de "John Carradine" hasta 1933. Un año después se produciría su primer encuentro con John Ford, quien le sacaría del anonimato gracias a películas como Prisionero del odio (1936) y María Estuardo, un biopic protagonizado por Katharine Hepburn.
Carradine apareció en diez títulos de John Ford, incluyendo Las uvas de la ira (1940), La diligencia (1939) o El hombre que mató a Liberty Valance (1962). También interpretó el papel de Aarón en Los diez mandamientos (1956). Aunque era un buen actor de método, no tuvo muchas oportunidades de trabajar en contextos claramente dramáticos. En la década de los 40, viajó con una compañía teatral representando obras de William Shakespeare como Hamlet y Macbeth. Sus trabajos en Broadway incluyen papeles como Ferdinand en la producción de John Webster The Duchess of Malfi, Ragpicker en la obra de Jean Giraudoux La loca de Chaillot, Lycus en Golfus de Roma, y DeLacey en la versión de Frankenstein de 1981.
En 1935, John Carradine se casó con Ardanelle McCool, madre de Bruce y David, antes de divorciarse en 1941. La segunda esposa de John sería Sonia Sorel, madre de los también actores Keith y Robert y de la que se divorciaría en 1956. Sus otras dos esposas fueron Doris Rich (1957-1971) y Emily Cisneros (1975-1988).
Carradine apareció en más de 225 películas, algunas de ellas como un personaje excéntrico, loco o diabólico, especialmente en el género del terror donde se convertiría en toda una insignia en la década de los 40. En 1985, ganaría el Daytime Emmy award por su interpretación del excéntrico anciano que vive en el camino de Young People's Special, 'Umbrella Joe'.
Por su contribución al mundo del cine y el entretenimiento, John Carradine tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el número 6240 de Hollywood Blvd. En 2003, entró en el Western Performers Hall of Fame de la National Cowboy & Western Heritage Museum de Oklahoma City, Oklahoma. John Carradine falleció el 27 de noviembre de 1988 en Milán (Italia). Tenía 82 años









1916: 

Nace Daniel Santos, cantante puertorriqueño (f. 1992).


Daniel Doroteo de los Santos Betancourt (Santurce, Puerto Rico, 5 de febrero o 6 de junio de 1916 - Ocala, Florida, 27 de noviembre de 1992), más conocido como Daniel Santos, fue considerado como uno de los grandes intérpretes de géneros tropicales como el bolero, la guaracha y la guajira. Tuvo por sobrenombres artísticos El Jefe y El Inquieto Anacobero.1​

Biografía[editar]

«La guerra fue una triste realidad,
no solo para los miles de puertorriqueños que partieron sin destino,
sin saber si jamás volverían a ver su tierra,
sino también para aquellos que recuerdan la eterna despedida
de los soldados que murieron en nombre de la democracia.
Dice Don Pedro que durante la Segunda Guerra Mundial
la canción Despedida, fue prohibida,
por que causaba tal conmoción que los jóvenes
se negaban a marchar al frente de batalla.»
Pedro Flores, extracto de
«Despedida» que retractó muchos puertorriqueños
de unirse a las filas para la segunda guerra mundial.2​

En 1938, mientras trabajaba en un casino en Manhattan, cantó el tema Amor perdido sin saber que su compositor, Pedro Flores, estaba entre el público. A Flores le encantó la interpretación e invitó a Daniel a unirse a su grupo "El Cuarteto Flores".
En 1941, muchos puertorriqueños fueron enviados por el ejército de Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial. Entonces Daniel grabó uno de sus grandes éxitos: "Despedida", la cual fue compuesta por Pedro Flores donde cuenta la historia de un recluta firme que tuvo que dejar a su novia y a su madre enferma. La misma canción fue prohibida en la radio excepto en discos gramofónicos, discos de vinilo, discos de acetato y discos de LP ya que creaba conciencia en la ciudadanía y muchos no quisieron participar en el conflicto bélico, con la incertidumbre de su retorno. Daniel sufrió el mismo drama que el joven de la canción al saber que fue reclutado firme.
Después de la guerra, él se hizo partidario del Partido Nacionalista de Puerto Rico de Don Pedro Albizu Campos, que propugnaba por la independencia de Puerto Rico de los norteamericanos. Incluso grabó junto a Pedro Ortiz Dávila "Davilita"un disco de corte nacionalista con temas como Patriotas, La lucha por la independencia de Puerto Rico y Yanki, go home.
Este tipo de actitudes le acarrearía problemas con el FBI y el Departamento de Estado de Estados Unidos.3​
Luego de pasar una depresión muy fuerte, se unió a la inmortal Sonora Matancera realizando grabaciones con este conjunto entre 1948 y 1953,actuando en 2 peliculas :El angel caido (1948) y Ritmos del Caribe (1950), haciéndola famosa a nivel mundial. Con La Sonora ganó mucha fama y fortuna, a la vez que exhibió una vida desordenada envuelta en placeres, licor y prostitutas. Tuvo 12 hijos con distintas mujeres y además estuvo encarcelado en Cuba, Ecuador y República Dominicana acusado a veces de posesión de marihuana (se dice que tenía receta médica para consumir este producto).[cita requerida]
En la década de los 50's fue vocalista del grupo Los jóvenes del Cayo. También compuso la canción Sierra Maestra, la cual fue adoptada por Fidel Castro como himno de su movimiento.
En un programa de televisión dedicado exclusivamente a él, Santos contó una anécdota: en una ocasión, había tratado de suicidarse. Quería imitar a la poetisa argentina Alfonsina Storni, quien entró caminando en el mar hasta ahogarse, como se describe en la canción "Alfonsina y el mar". Pero cuando Santos sintió que no podía respirar se arrepintió y salió corriendo del agua.
Durante los años sesenta, su música se hizo muy popular en todo el Caribe. Fue tanta su popularidad en Medellín, que tanto él como Orlando Contreras fueron proclamados Los jefes por los clientes de los bares del centro de esa ciudad.
Durante sus últimos años de vida realizó algunas giras por Latinoamérica y grabó con Johnny Pacheco y el Conjunto Clásico.
Cantó junto a Héctor Lavoe la canción «Joven contra viejo».
Murió en su rancho de Ocala, Florida el 27 de noviembre de 1992 y fue enterrado en el cementerio de Santa María Magdalena de Pazzis en el Viejo San Juan, cerca de las tumbas del compositor Pedro Flores y del caudillo nacionalista Don Pedro Albizu Campos. Su tumba fue abierta en el 2000 para enterrar al también cantante Yayo el Indio.
Su particular estilo de interpretación influyó en cantantes como Charlie Figueroa, Tito Cortés y Tony del Mar.





1936:


En Estados Unidos se estrena la película Tiempos modernos, de Charles Chaplin.


Tiempos modernos (Modern Times en inglés) es un largometraje de 1936 escrito y dirigido, por Charles Chaplin, que fue también el actor principal. Esta película es un reflejo de las condiciones desesperadas de las cuales era víctima un empleado de la clase obrera en la época de la Gran depresión, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. Tiempos modernos muestra escenas de corte futurista de la fábrica en la que trabaja Charlot que podrían tener influencia de la película de Fritz Lang Metrópolis y de la famosa ilustración Mechanophobia de John Vassos, aparecida en 1931.
Es la primera película de Charles Chaplin en la que a éste se le puede escuchar su voz mientras canta en el bar.





1941:

Nace Stephen J. Cannell, productor televisivo americano, escritor, novelista y actor ocasional.



Stephen Joseph Cannell (5 de febrero 1941 – 30 de septiembre 2010) era un productor televisivo americano, escritor, novelista, actor ocasional, y el fundador de Cannell Entertainment (anteriormente Stephen J. Cannell Produtions) y Cannell Studios.
Después de empezar su carrera como escritor de guiones televisivos, Cannell creó varias docenas de series de televisión exitosas desde los años 70 a los años 90, a menudo con su socio creativo Frank Lupo. Cannell creó, por ejemplo, The Rockford Files, The A-Team, Silk Stalkings, The Greatest American Hero, 21 Jump Street, y The Commish. También escribió novelas, las más conocidas son las de misterio protagonizadas por Shane Scully.












1941:

Nace Barret Strongg, cantante y compositor estadounidense.


Barrett Strong (West Point, Misisipi; 5 de febrero de 1941-Detroit, 28 de enero de 2023)1​ fue un cantante y compositor estadounidense. Fue el primer artista que grabó un hit para la discográfica Motown, aunque fue más reconocido como compositor, particularmente asociado con el productor Norman Whitfield.2​ Escribió la letra de muchas canciones grabadas por la agrupación The Temptations.3​

Discografía[editar]

Álbumes[editar]

  • 1975: Stronghold
  • 1976: Live & Love
  • 1987: Love Is You
  • 2008: Stronghold II

Sencillos[editar]

  • 1959: "Let's Rock" / "Do the Very Best You Can" – Tamla 54022
  • 1959: "Money (That's What I Want)" / "Oh I Apologize" (No. 23 Pop / No. 2 R&B) – Tamla 540274​
  • 1960: "Yes, No, Maybe So" / "You Knows What To Do" – Tamla 540295​
  • 1960: "Whirlwind" (with The Rayber Voices)" / "I'm Gonna Cry (If You Quit Me)" – Tamla 540336​
  • 1961: "Money and Me" / "You Got What It Takes" - Tamla 54035
  • 1961: "Misery" / "Two Wrongs Don't Make a Right" - Tamla 54043
  • 1962: "Seven Sins" / "What Went Wrong" – ATCO 62257​
  • 1964: "Make Up Your Mind" / "I Better Run" – Tollie 9023
  • 1972: "Papa Was a Rollin' Stone" – The Temptations
  • 1973: "Stand Up and Cheer for the Preacher" – Epic8​
  • 1975: "Surrender" – Capitol 41209​
  • 1975: "Is It True" / "Anywhere" – Capitol 405210​






1942:

Nace  Fernando Sustaita: cantante, compositor y músico argentino, del dúo Bárbara y Dick (f. 2006).



Bárbara y Dick fue un dueto musical argentino conformado por Bárbara Virginia Bourse y Fernando Sustaita, apodado Dick. La fama del dúo trascendió las fronteras del país, consolidándose como un ícono musical de Latinoamérica en todo el mundo. El rápido ascenso dentro del gusto del público, los convirtió en figura mítica de la música popular. Su mayor éxito musical, a nivel mundial, fue el tema El funeral del labrador, que fue interpretado en diversos idiomas. Dicho tema les ganaría un lugar en la historia de la música pop. Otras dos canciones que tuvieron trascendencia son Ámame y Respirando.



https://www.youtube.com/watch?v=tFUYy-AtlOg&list=PLoxld8Hk7ki65So2Il5Ea7m74EOwqYg13





https://www.youtube.com/watch?v=KjGwUPA7ZgQ&list=PLoxld8Hk7ki65So2Il5Ea7m74EOwqYg13







1943: 

Nace Michael Mann, cineasta estadounidense.



Michael Kenneth Mann (Chicago, Illinois, 5 de febrero de 1943) es un director, guionista y productor cinematográfico estadounidense conocido especialmente por la serie para televisión Miami Vice, de la cual es — al igual que en su versión para la gran pantalla— creador, director, productor y guionista, entre otras funciones. También es conocido por películas como El último mohicano (1992), Heat (1995), la laureada El dilema (1999), Ali (2001), Collateral (2004) y Enemigos públicos (2009).1​ Cabe destacar que también produjo la ganadora de cinco Óscars y Globo de Oro El aviador(2005).2​











1946:

Nace Charlotte Rampling, actriz británica.



Tessa Charlotte Rampling, OBE (Sturmer, Reino Unido, 1946), es una actriz británica. Alcanzó la categoría de mito erótico gracias a la polémica película Portero de noche(1974) de Liliana Cavani.

Índice

·         1Biografía
·         2Filmografía
·         3Premios y candidaturas
·         4Referencias
·         5Enlaces externos

Biografía[editar]

Rampling nació en Sturmer, Essex, hija de Anne Isabelle (de soltera Gurteen; 1918-2001), y el pintor Godfrey Rampling, medallista olímpico de oro y del ejército británico. Creció en Gibraltar, España y Francia. Asistió a la Academia Juana de Arco en Versalles. Ella tenía una hermana, Sarah, que se suicidó 1966, a los 23 años de edad.
Debutó en la década de 1960 con roles menores en varios filmes, hasta que en 1969 tuvo un papel más destacado en La caída de los dioses de Luchino Visconti. Fue catapultada al estrellato y a la condición de sex symbol con Portero de noche de Liliana Cavani.
En su carrera artística ha rodado películas tanto en Estados Unidos como en Europatrabajando con directores reconocidos como Woody Allen, entre otros. Ha alternado el cine de autor (en ocasiones controvertido) con producciones de Hollywood y taquilleras como Orca (con Richard Harris), Adiós, muñeca (con Robert Mitchum), The Verdict de Sidney Lumet (con Paul Newman), El corazón del ángel de Alan Parker, Instinto básico 2(con Sharon Stone), Deception (con Hugh Jackman) y La duquesa (con Keira Knightley). Participó en la película española Caótica Ana de Julio Medem.
Con la película Swimming pool obtuvo el Premio de Cine Europeo. Fue jurado del Festival de Cannes de 1976.
En 2015, con la película 45 years ganó el Oso de Plata a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Berlín1​ y fue nominada al premio Óscar.
Estuvo casada en segundas nupcias con el músico Jean Michel Jarre.









1954: 

Nace Cliff Martínez, compositor estadounidense.



Cliff Martínez (5 de febrero de 1954; Bronx, Nueva York) es un compositor de bandas sonoras cinematográficas y músico estadounidense, reconocido por haber sido baterista de famosas bandas de los 70s y 80s como The Dickies, The Weirdos, Lydia Lunch, la agrupación de Captain Beefheart y Red Hot Chili Peppers, de la cual formó parte entre 1984 y 1986.
Crecido en Columbus, Ohio, el primer trabajo de Martínez fue la composición de música para el show de televisión estadounidense Pee Wee's Playhouse. Por aquel entonces, era baterista de varias formaciones de rock, principalmente de forma temporal. Paulatinamente su carrera se fue especializando en la composición de partituras para películas.
Su primera banda sonora fue para la película Sexo, mentiras y cintas de vídeo, estrenada en 1989 y dirigida por Steven Soderbergh, quien le llamó posteriormente para muchos de sus trabajos, como Traffic o Solaris. Martínez también compuso la banda sonora de las películas The Limey y Narc, entre otras.












1957:
Nace María Isabel Murillo, "Misi", pionera del teatro musical en Colombia.


Maria Isabel Murillo Samper (Misi) (Bogotá, 5 de febrero de 1957 - Bogotá, 23 de noviembre de 2018) es conocida por ser la creadora y directora de la escuela de teatro musical que lleva su nombre, pionera del teatro musical en Colombia.

Índice

·         1Biografía
·         2Musicales
·         3Otros Proyectos
·         4Referencias

Biografía[editar]

«Misi es hija de Josefina y Hernando, un ingeniero civil que le robaba tiempo a su profesión para tocar el tiple. La pareja, para dormirla de bebé, la dejaban al "cuidado" de compositores clásicos como Rachmaninoff, Tchaikovsky y, en especial, con La canción de cuna de Brahms. Definitivamente lo suyo era todo cuanto tuviera que ver con música.»1​
Durante su infancia, debido a una enfermedad que padecía su hermana, viajó en múltiples ocasiones durante 13 años a Boston, Massachusetts. En estos viajes los padres de Misi llevaban a las dos hermanas a diferentes obras de teatro musical, debido a la cercanía con la ciudad de Nueva York.2​
Desde los 16 años Misi ya componía canciones pero, como muchos enfrentados a la decisión de escoger una carrera profesional, creía que la música no podia ser mas que un pasatiempo. Al salir del colegio, Misi estudia educación preescolar en la Univerisidad San Buenaventura, pero pronto se da cuenta que su vocación real era la música. Se gradúa de la Universidad Pedagógica en pedagogía musical. Comienza a componer canciones para niños y en 1982 crea el coro infantil "Timpanitos". Su éxito en la década de los 80s la llevaría a convertirse en la compositora de la música para los programas "Pequeños Gigantes" y "Imagínate". Junto con María Angélica Mallarino crean la revista "Soñando Canciones" en 1986.3​
En 1987 lanza el proyecto que definiría su vida y la de miles de niños en Colombia "MISI: Escuela de Teatro Musical", dedicada a la enseñanza de artes escénicas para niños, adolescentes y adultos jóvenes, y la producción de obras de teatro musical en Colombia. Durante 30 años se dedica a crear musicales originales, así como hacer adaptaciones al español de grandes musicales como "West Side Story", "Annie, la huerfaníta" y "Jesucristo Superestrella".
Misi fue siempre crítica de la realidad de Colombia, buscaba por medio de su arte que su espectador pudiera cuestionarse sobre el pasado, presente y futuro del país. "Victoria", un musical de navidad compuesto para exponer la realidad de los niños habitantes de la calle en Colombia, fue recibido con grandes criticas por ser considerado demasiado triste e inapropiado para navidad. "Gaitán, el hombre qué ame" cuenta la vida del asesinado candidato a la presidencia: Jorge Eliezer Gaitán, construyendo la historia del personaje entre lo privado y lo público, es un homenaje a la vida de este importante político. 4​ Frente a la decisión de apoyar el acuerdo de paz con las FARC en 2016, Misi se pronunció por medio de la cuenta en Facebook de su escuela musical a favor de firmar dicho acuerdo: «"Desde el profundo convencimiento de decirle SÍ a la Paz, pero también desde el respeto al NO, pues el SÍ es justamente el respeto a las diferencias, quiero compartirles esta canción que escribí hace algunos años, y que hoy felizmente cobra un nuevo sentido. Desde lo personal, reitera mi compromiso conmigo misma y se hace extensiva a quienes crean, como yo, que esta luz de esperanza que abre el camino hacia la paz, se pueda por fin convertir en la luz de un nuevo día y disipar la oscuridad" María Isabel Murillo (MISI).»5​
Para cada una de las producciones de MISI, el elenco estaría conformado principalmente por estudiantes de la escuela que configuró. En total, se estima que más de 23,000 estudiantes han hecho parte de la escuela.
Misi falleció la noche del 23 de noviembre de 2018, durante el estreno del musical "30 Años de Navidad", mientras agradecía a su compañía y al público.6​

Musicales[editar]

·         30 Años de Navidad (en temporada)
·         Ella es Colombia (2018)
·         Cartas a papá Noel (2017)
·         El peter Pan de MISI (2016)
·         Un tributo a Michael Jackson (2015)
·         La novicia rebelde (2015)
·         Por siempre navidad (2013-2014)
·         Avenue Q (2014)
·         Aladdin (2013)
·         La más grande historia jamás cantada (2010-2012)
·         Oliver (2009-2010)
·         Gaitán, el hombre que amé (2008)
·         Son las doce, es Navidad (2007-2009)
·         Wow, el musical (2007)
·         Annie, la huerfanita
·         Jesucristo Superestrella (2006)
·         Grease (2005)
·         Fuego (2004-2006)
·         El Mago de Oz (2003-2004)
·         El guardián de la Navidad (2001-2003)
·         West Side Story (2000)
·         Sueño de Navidad
·         Victoria (1999)
·         Alas para soñar (1997)
·         Una ventana al amor (1995)

Otros Proyectos[editar]

·         Camino a la imaginación7​
·         La noche de navidad
·         Encuentro mágico
·         Imaginate, TV
·         Colorín ColorRadio
·         Pequeños gigantes, TV
·         El poder de los sueños





1959: 

Nace Francisco, cantante español.


Francisco, cuyo nombre real es Francisco González Sarriá (Alcoy , Alicante, 5 de febrero de 1959), es un cantante español. Ganó el Festival OTI de la Canción en dos oportunidades: con «Latino» en 19811​2​ y con «Adónde voy sin ti» en 1992.3​4​

Biografía[editar]

Francisco nació en el seno de una humilde familia, cuyo padre falleció cuando Francisco era niño. A sus dieciocho años participa, por primera vez, en un festival de cantantes noveles, en el pueblo valenciano de Bugarra ganando el certamen. Más tarde participa en varios festivales y certámenes, como el celebrado en la I Feria de Muestras de Valencia o el concurso de Televisión Española Gente joven, en el que queda clasificado en segunda posición. Su primer nombre artístico fue Frango, compuestos por las raíces de su nombre y su primer apellido.
Su primer gran éxito y el lanzamiento a la fama le llega en 1981, cuando participa con la canción «Latino» en el Festival de la OTI, celebrado en México, tema compuesto por los compositores Pablo Herrero y José Luis Armenteros. En plena cresta de la ola, publica su segundo disco en 1982, titulado Cariño mío. En él se incluyen otros de sus grandes éxitos comerciales, «La chica del póster» o «Tú ni te imaginas».
Graba el Himno de la Comunidad Valenciana.
Entre 1984 y 1985, Francisco graba dos nuevos trabajos: A vueltas con el amor y Por puro amor, con la canción «Ya no me duele estar sin ti».
En 1986, Francisco es acompañado al piano por el maestro Augusto Algueró, en una gira conjunta, en un espectáculo en el que se entremezclan canciones propias con otras de Nino Bravo, Frank Sinatra, etc.
La segunda mitad de la década de las ochenta supone un bache en su vida artística y personal, pese al éxito alcanzado: problemas sentimentales, un accidente de tráfico e incluso algún problema con la justicia. Se traslada a EE. UU., donde graba un trabajo con canciones de Manuel Alejandro ya popularizadas por cantantes como Raphael, Rocío Jurado o Julio Iglesias, grabado en forma de popurrí.
A comienzos de los noventa, se instala en Barcelona para recibir una disciplinada educación lírica, participando con la soprano Montserrat Caballé en importantes coliseos. En España, su presentación como intérprete lírico tiene lugar en la celebración del décimo aniversario del Palau.
En 1992 vuelve a representar a España en el Festival de la OTI, que se celebró en Valencia, donde de nuevo se alza como el gran triunfador, con la canción «Adónde voy sin ti», de su trabajo Bandera blanca, con canciones en su mayoría de José María Purón.
En 1999 con motivo del año Xacobeo en Galicia graba en gallego y en castellano la canción "Torres de Compostela" de José María Purón conjuntamente con la Coral Polifónica el Eco.
En 2011 ha soprendido a muchos al interpretar al villano Rocamora en Torrente 4: Lethal Crisis (Crisis letal) de Santiago Segura. Además participa como concursante en las galas de Tu cara me suena, interpretando «Vivir así es morir de amor» de Camilo Sesto, «Nessun dorma» de la ópera Turandot de Puccini, «Como una ola» de Rocío Jurado, «Are You Lonesome Tonight?» de Elvis Presley, «Dos gardenias» de Antonio Machín, «It's not unusual» de Tom Jones, «Maldito duente» de Enrique Bunbury(Héroes del silencio), «Vivo cantando» de Salomé, «Cobarde» de David Bustamante y junto con Toñi Salazar protagonizó un dúo en el que interpretaron «Como yo te amo» de Raphael y Rocío Jurado. En el especial de Navidad interpreta junto con Sylvia Pantoja «Olvídame y pega la vuelta» de Pimpinela.


https://www.youtube.com/watch?v=o53G9J4Yb0Q









https://www.youtube.com/watch?v=M33Zf5OYD4k



1964: 

Nace Duff McKagan, músico estadounidense, de la banda Guns N Roses.



Michael Andrew "Duff" McKagan (Seattle, Washington, Estados Unidos; 5 de febrerode 1964) es un músico, compositor y productor discográfico estadounidense, es el bajista y segundo vocalista de la banda de hard rock Guns N' Roses y guitarrista de Loaded. McKagan empezó a tocar la guitarra a los 2 años. En 2011 publicó su autobiografía. En 2014 se reintegró de manera temporal a Guns N' Roses para la gira sudamericana y en el 2016 regresó de manera total a la banda después de casi 18 años.




https://www.youtube.com/watch?v=8SbUC-UaAxE





https://www.youtube.com/watch?v=1w7OgIMMRc4






1964:

nace 

Laura Leggett Linney (Nueva York, 5 de febrero de 1964), conocida como Laura Linney, es una actriz estadounidense, nominada a los Premios Óscar en tres ocasiones, además de tener dos nominaciones para los Globos de Oro, cuatro galardones de los Premios Emmy y cinco a los Premios Tony.

Linney hizo su debut en Broadway en 1990. Posteriormente, recibió diferentes nominaciones a los Premios Tony por The Crucible (2002), Sight Unseen (2004), Time Stands Still (2010), My Name Is Lucy Barton (2020) y The Little Foxes de 2022. En televisión, ganó su primer Premio Emmy por el telefilm Wild Iris (2001), por la sitcom Frasier (2003–2004) y la miniserie John Adams (2008). De 2010 a 2013, protagonizó la serie para el canal Showtime The Big C, por el que ganó su cuarto Emmy en 2013, y de 2017 a 2022 la serie de Netflix, Ozark.

Linney también fue en referente en el cine. Hizo su debut con un papel pequeño en El aceite de la vida (Lorenzo's Oil) (1992) y recibió su primera nominación a los Óscar por los dramas Puedes contar conmigo (You Can Count on Me) (2000), Kinsey (2004) y La familia Savage (The Savages) (2007). También es conocido por sus papeles en películas como Primal Fear (1996), El show de Truman (The Truman Show) (1998), Mystic River y Love Actually (ambas en 2003), El exorcismo de Emily Rose (The Exorcism of Emily Rose) (2005), Sully o Animales nocturnos (Nocturnal Animals) (ambas de 2016).

Biografía

Primeros años

Linney nació en Manhattan, Nueva York. Su padre, Romulus Zachariah Linney IV era profesor y dramaturgo, y su madre Miriam Anderson "Ann" Perse (de soltera, Leggett), era enfermera en el Memorial Sloan Kettering Cancer Center. Su tatarabuelo fue el congresista republicano Romulus Zachariah Linney. Linney pasaba los veranos con su padre en New Hampshire y se enamoró de los escenarios, incorporándose en un grupo teatral local a los once años.[1]​[2]​ Laura tiene una medio hermana llamada Susan del segundo matrimonio de su padre.

Linney se graduó en 1982 en el Northfield Mount Hermon School en Massachusetts. Posteriormente, iría a la Universidad del Noroeste antes de trasladarse a la Universidad Brown, donde estudiaría interpretación con Jim Barnhill y John Emigh. Allí, entró en el Production Workshop, el grupo teatral de estudiantes de la universidad. Durante ese año en Brown, pudo interpretar una de las obras de su padre Childe Byron, un drama en el que el poeta Lord Byron repara una relación tensa y distante con su hija Lady Ada Lovelace (papel que interpreta Linney).[3]​

Linney se graduó en Brown en 1986.[4]​ y se fue a estuiar intepretación en la Juilliard School como miembro del Group 19 (1986–90), donde coincidió con Jeanne Tripplehorn.[5]​ En 2003, Linney recibió el doctorado de bellas artes de Brown.[6]​ Recibió el doctorado honorario de bellas artes de Juilliard cuando pronunció el discurso de graduación de la escuela en 2009.[7]​

1990-1998: Inicio de su carrera

Linney hizo su debut en el teatro en 1990 como Nina en la adaptación para el Off Broadway de The Seagull. Conceibda y dirigida por Jeff Cohen, La aclamada producción se montó en el RAPP Arts Center en Alphabet City con gran éxito de crítica. De hecho, The New York Times escribió: "Lo mejor de todo es la Nina de Miss Linney. De una groupie de artista ingenua e idealista con una veta de loca determinación, su Nina emerge como una mujer mucho más fuerte y más complicada que la mujer pájaro gravemente herida que es la interpretación tradicional del personaje. Aunque está profundamente amargada al final de la obra, también se siente fortalecida por un conocimiento de sí misma adquirido con tanto esfuerzo. Linney proyecta las ambigüedades del personaje con fuerza y claridad. Claramente es un talento de enorme potencial."[8]​

Al mismo tiempo, Linney comenzaba a tener pequeños papeles a principios de los 90 en algunos films como El aceite de la vida (Lorenzo's Oil) (1992), En busca de Bobby Fischer (Searching for Bobby Fischer) (1993) y Dave, presidente por un día (Dave) (1993). En 1993, Linney protagonizó la adaptación a la televisión de Tales of the City de Armistead Maupin como Mary Ann Singleton. Volvería a meterse en ese papel en 1998 en More Tales of the City. En octubre de 1994, Linney apareció en un capítulo de Law & Order (episodio "Blue Bamboo") como Martha Bowen. Interpretó a una cantante estadounidense que reivindicó con éxito el "síndrome de la mujer maltratada" como defensa ante el asesinato de un empresario japonés.

Durante de esa época estuvo en el reparto de una serie de thrillers como Congo (1995), Las dos caras de la verdad (Primal Fear) (1996) y Poder absoluto (Absolute Power) (1997). Aunque su salto a la fama absoluto llegaría en 1998, donde hace el papel de falsa mujer de Jim Carrey en la exitosa El show de Truman (The Truman Show).

1999-2007: Proyectos de primer nivel y múltiples nominaciones

Su trayectoria ascedente seguiría con el cambio de siglo. En 2000, protagonizaba el film de Kenneth Lonergan Puedes contar conmigo (You Can Count on Me) junto a Mark Ruffalo y Matthew Broderick. El film cosechó un reguero de buenas críticas.[9]​ Por este trabajo, Linney fue nominada al Óscar a la mejor actriz por este papel de madre soltera en un pequeño pueblo. En 2001, volvería a ponerse en la piel de Mary Ann Singleton por tercera vez con Vecinos peculiares (Further Tales of the City). En 2002, encabezaba el reparto de Desaliento (Wild Iris) junto a Gena Rowlands y donde ganó su primer Premio Emmy[10]​ en la categoría de mejor actriz en miniserie o telefilme.

En 2002, vuelve a Broadway para representar The Crucible junto a Liam Neeson en el Virginia Theatre, que estuvo en cartelera entre marzo a junio de 2002. Por este papel de Elizabeth, recibió la nominación al Premio Tony a la mejor actriz principal en una obra de teatro.[11]​[12]​ También en 2002, Linney apareció en el CD para niños de Sandra Boynton Philadelphia Chickens junto a Meryl Streep, Kevin Kline y Patti LuPone. Linney cantaba la canción "Please Can I Keep It?".[13]​

Laura Linney en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2007

Estos fueron los mejores años de Linney ya que estaba en muchas de las producciones importantes de la época. Así, en 2003, Linney apareció en la película de Clint Eastwood Mystic River junto a Sean Penn, Tim Robbins y Marcia Gay Harden. Linney recibió la nominación al Premio BAFTA por su personaje de Annabeth Markum, la devota segunda esposa del personaje afligido y vengativo de Sean Penn.[14]​ Ese mismo año también aparecería en la aclamada película vocal Love Actually con grandes nombres como Hugh Grant, Emma Thompson, Alan Rickman, Colin Firth o Liam Neeson.[15]​ También aparecería en la película de Alan Parker La vida de David Gale (The Life of David Gale) (2003) junto a Kate Winslet y Kevin Spacey.

En 2004, se volvió a unir con su compañero de reparto de Love Actually Liam Neeson en Kinsey, como la esposa del protagonista. Por este papel, fue nominada al Óscar a la mejor actriz de reparto, al Screen Actors Guild Award y a los Globos de Oro. Ese mismo año Linney estuvo presente en algunos capítulos de Frasier como Charlotte, el último flirteo amoroso de Frasier Crane (Kelsey Grammer) de la serie. Por este papel, ganó su segundo Premio Emmy en el apartado a la mejor actriz invitada - Serie de comedia. También en 2004, volvió a Broadway para protagonizar Sight Unseen en el Biltmore Theatre que estuvo en cartelera entre mayo a julio de 2004. Por ello, ganó su segunda nominación a los Premios Tony.[16]​[17]​

En 2005, Linney siguió en la pantalla con una comedia de Noah Baumbach Una historia de Brooklyn (The Squid and the Whale) junto a Jeff Daniels y Jesse Eisenberg. Recibió la nominación a los Globos de Oro a la mejor actriz en comedia o musical.[18]​ Un año después, apareció en la sátira política El hombre del año (Man of the Year) (2006) junto a Robin Williams y la comedia The Nanny Diaries junto a Scarlett Johansson y Chris Evans, basada en la novela de Emma McLaughlin y Nicola Kraus.[19]​ También en 2006 Linney hizo el papel de Claire en la producción australiana Jindabyne, junto a Gabriel Byrne. En 2007, apareció en la película The Savages (The Savages) de Tamara Jenkins con Philip Seymour Hoffman. Ella interpreta a Wendy Savage, una dramaturga atormentada. Por esta actuación, recibió la tercera nominación a los öscar a la mejor actriz.[20]​

2008-2016: Entre el cine y la televisión

Laura Linney y Tom Hooper en la 68.º Annual Peabody Awards en mayo de 2009

En 2008, Linney hizo el papel de Abigail Adams en la miniserie de HBO John Adams dirigida por Tom Hooper . Paul Giamatti interpretaba a John Adams. La serie fue todo un éxito de público y crítica y ganó 13 Premios Primetime Emmy, convirtiéndose en la miniserie con más galardones en la historia de los Emmy.[21]​ ella ganó su tercer Premio en esta ocasión a la mejor actriz de miniserie o telefilme. También en 2008, volvió al teatro para hacer el papel de la marquesa de Merteuil en la famosa obra Las amistades peligrosas de Christopher Hampton. Completaban el reparto Mamie Gummer y Benjamin Walker en la Roundabout Theatre Company.[22]​ Desde 2009, Linney es la presentadora de la serie de televisión PBS Masterpiece Classic. Se convirtió en muy popular su entradilla inicial "Hi, I'm Laura Linney and this is Masterpiece Classic".[23]​

En 2010, Linney siguió en el teatro con otra producción de Broadway Time Stands Still de Donald Margulies junto a Brian D'Arcy James y Alicia Silverstone en el Samuel J. Friedman Theatre. que estuvo en cartel desde el 28 de enero hasta el 27 de marzo de 2010. Por ello, recibió su tercera nominación de los Premios Tony. La obra volvería al escenario con el reparto original y estaría en cartel desde septiembre de 2010 hasta el 30 de enero de 2011.[24]​ Ese mismo año, Linney volvería a la televisión con la serie de Showtime The Big C. Se desempeñó como actriz y productora ejecutiva en el programa. Ella interpretó a una esposa y madre suburbana que explora los altibajos emocionales de sufrir cáncer y los cambios que esto trae a su vida y a su sentido de quién es.[25]​ En 2011, ganó el Globo de Oro por esta actuación y dos años más tarde, ganó su cuarto Premio Emmy por la temporada final.

En 2012, protagonizó el film de Roger Mitchell Hyde Park on Hudson junto a Bill Murray en el papel de Franklin D. Roosevelt. También figuraban en el reparto Olivia Colman, Olivia Williams y Samuel West. En 2015, encabezó el reparto de Mr. Holmes de Bill Condon junto a Ian McKellen. En 2016, aparecería en la cinta de Clint Eastwood Sully con Tom Hanks como Lorraine Sullenberger, la mujer de Chesley Sullenberger. La película fue un éxito de taquilla recaudando 240 millones en taquilla.[26]​

El 2016 siguió trabajando en El editor de libros (Genius) (2016) junto a Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman, Guy Pearce y Dominic West. Hizo una breve aparición en el film de Animales nocturnos (Nocturnal Animals) dirigido por Tom Ford junto a Amy Adams, Jake Gyllenhaal y Michael Shannon.

Desde 2017: Últimos papeles

Linney en la premier de The dinner en el Festival de Cine de Berlín de 2017

Entre 2017 y 2022, Linney se centró en la serie thriller Ozark junto a Jason Bateman.[27]​ Por este trabajo, fue nominado al Premios del Sindicato de Actores por las primeras dos temporadas y a los Emmy a la mejor actriz en serie dramática por las temporadas tres, cuatro y cinco.

En 2017, volvió al teatro para representar en Broadway The Little Foxes junto a Cynthia Nixon en el Manhattan Theatre Club del 19 de abril al 2 de julio de 2017. En ella, alternó los papeles de Regina y Birdie con Nixon.[28]​ Recibió su cuarta nominación a los Premios Tony por estas interpretaciones.[29]​

Linney volvió a meterse en el papel de Mary Ann Singleton en la miniserie de Netflix Historias de San Francisco basada en la serie Tales of the City junto a Olympia Dukakis y Elliot Page.

En 2020, Linney volvería al cine con numerosos proyectos. El primero de ellos fue Falling película protagonizada y dirigida por Viggo Mortensen.[30]​ Fue presentada de manera mundial en el Festival de Cine de Sundance el 31 de enero de 2020.[31]​ Su siguiente trabajo para la gran pantalla fue Los caminos que no escogemos (The Roads Not Taken), dirigida por Sally Potter, junto a Javier Bardem y Elle Fanning.[32]​ La cinta fue presentada en el Festival de Cine de Berlín el 26 de febrero de 2020.[33]​ Se tenía previsto su estreno mundial el 13 de marzo de 2020 pero a causa de la pandemia por el COVID-19, trastocó sus planes y se puso en video bajo demanda el 10 de abril.[34]​

También en ese año Linney volvería a Broadway con My Name Is Lucy Barton. Las críticas del 6 de enero de 2020 fueron positivas como la del The New York Times que describió su actuación como "luminous".[35]​ De hecho, por esta acutación recibiría un Drama Desk Award y su quinta nominación a los Premios Tony.[36]​

En 2020, se dio a conocer que Linney entraría en el reparto del drama The Miracle Club, con Maggie Smith y Kathy Bates. Su trama fue descrita como un viaje "alegre e hilarante" de un grupo de mujeres desenfrenadas de clase trabajadora de Dublín, cuya peregrinación a Lourdes en Francia las lleva a descubrir la amistad de cada una y sus propios milagros personales. En preproducción, habiendo recibido financiación sostenible del Fondo Global Screen del Reino Unido.[37]​

En 2022, Linney hizo su debut como directora al hacerse cargo del decimoprimero y último episodio de la temporada de Ozark ("Pound of Flesh and Still Kickin'").[38]​ Posteriroemnte, volvería a Broadway con la obra Summer, 1976 escritra por David Auburn junto a Jessica Hecht. Las funciones comenzaron el 25 de abril de 2023 en el Manhattan Theatre Club y acabaron el 18 de junio de 2023.

Vida privada

Linney se casó con el actor David Adkins en 1995. Se divorciaron en 2000.[39]​[40]​ En 2007, se comprometió con Marc Schauer, un consejero sobre drogas y alcohol.[41]​ El día de su boda en mayo de 2009, el actor Liam Neeson la acompañó hasta el altar.[42]​ El 8 de enero de 2014, un mes antes de su cincuenta cumpleaños, Linney dio a luz un hijo.[43]​


1967: 

Muere Violeta Parra, cantante chilena (n. 1917).



Violeta del Carmen Parra Sandoval (San Fabián de Alico1​ o San Carlos,2​ 4 de octubre de 1917-Santiago de Chile, 5 de febrero de 1967)3​4​ fue una cantautora, pintora, escultora, bordadora y ceramista chilena, considerada una de las principales folcloristas en América del Sur y gran divulgadora de la música popular de su país, a la que enriqueció con su obra. Es miembro de la prolífica familia Parra.
Su contribución al quehacer artístico y musical chileno se considera de gran valor y trascendencia. Su trabajo sirvió de inspiración a varios artistas posteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música del campo chileno y las manifestaciones constituyentes del folclore de Chile y América Latina. Sus canciones han sido versionadas por diversos artistas, tanto chilenos como extranjeros.
En conmemoración de su natalicio, el 4 de octubre fue elegido el «Día de la música y de los músicos chilenos».5​

Biografía[editar]

Nacimiento e infancia[editar]

Artículo principal: Familia Parra
Hija del profesor de música Nicanor Parra Alarcón7​ y de la campesina Rosa Clarisa Sandoval Navarrete, Violeta tuvo cinco hermanos y dos medio hermanos.
Existe controversia sobre su lugar de nacimiento. La Municipalidad de San Carlos afirma —en su sitio oficial y un cartel a la entrada de la ciudad— ser «la cuna de Violeta Parra»2​ y la casa ubicada en la calle El Roble #531-535 fue declarada monumento histórico en 1992 porque supuestamente allí nació la cantante.6​ En cambio, la familia de Violeta Parra no ratifica este dato y en el sitio de la Fundación Violeta Parra se afirma que la folclorista nació en San Fabián de Alico, localidad ubicada al este de San Carlos.1​ Sin embargo, Isabel Parra, presidenta de la institución en honor a su madre, apoyó en 2013 la casa de San Carlos al afirmar que ella «será una sucursal de la fundación en el sur».8​
Su infancia transcurrió principalmente en el campo. Entre 1919 y 1921, la familia residió en Santiago, pero regresó ese mismo año al sur, a Lautaro; después se trasladó a Chillán y finalmente se instaló en Villa Alegre.
Su madre se afanaba sobre la máquina de coser para cooperar a la mantención de la numerosa familia. Violeta sufría continuamente de enfermedades, incluyendo un ataque de viruela a los tres años. Mientras mejoraba, se divertía junto a sus hermanos en las aguas del vecino río Ñuble y en los aserraderos y barracas del sector.
Los niños revelaron precozmente su inclinación al espectáculo. Imitaban a los artistas de los circos que se instalaban en las proximidades del hogar. Se disfrazaban con atuendos de papel; Violeta y su hermano Lalo, cantaban a dúo y montaron varias representaciones por las que cobraban entradas a los niños. Violeta empezó a tocar la guitarra a los 9 años, mientras que a los 12 compuso sus primeras canciones.
Realizó los cursos primarios y estuvo un año en la escuela normal, que abandonó para trabajar en el campo y ayudar a su familia debido a que su padre enfermó gravemente. Los hijos de la familia lucharon por sobrevivir saliendo a cantar en restaurantes, posadas, circos, trenes, campos, pueblos, calles e incluso burdeles.




https://www.youtube.com/watch?v=w67-hlaUSIs







1969:

Muere Thelma Ritter, actriz secundaria del cine estadounidense de las décadas de 1940, 1950 y 1960.





Thelma Ritter (14 de febrero de 1902–5 de febrero de 1969) fue una sólida actriz secundaria del cine estadounidense de las décadas de 1940, 1950 y 1960, conocida mayormente por sus papeles de comedia y su fuerte acento de Brooklyn. Recibió seis nominaciones a los premios Óscar de la Academia como mejor actriz de reparto siendo nominada como ninguna otra actriz en la historia, solo superada después por Glenn Close con siete nominaciones. Ganó un premio Tony a mejor actriz principal en un musical.





1969:

Nace Bobby Brown, cantante estadounidense de hip-hop, dance-pop, urban, new jack swing y R&B.



Robert Barisford Brown (Boston, Massachusetts, 5 de febrero de 1969) es un cantante estadounidense de hip-hop, dance-pop, urban, new jack swing y R&B.
Índice
1Biografía
2Discografía
3Colaboraciones
4Referencias
Biografía[editar]
Bobby Brown fue una de las mayores estrellas del R&B a finales de los 80 y principios de los 90, popularizando el estilo musical New jack swing, estilo que acercó al gran público con su álbum Don't be cruel y convirtió en la tendencia dominante en el R&B de principios de los 90. Pero conforme los gustos en el R&Bfueron cambiando, llegó a ser más conocido por su vida privada (su matrimonio con Whitney Houston y sus problemas con la justicia) que por su música.
Brown nació el 5 de febrero de 1969 en Boston y empezó a cantar con sus compañeros de escuela Michael Bivins y Ricky Bell en 1978, formando el grupo New Edition, del que Brown se separa en 1986 para iniciar su carrera en solitario. En 1987, publica su primer álbum en solitario, King of Stage, que, aunque logra un gran éxito con el single Girlfriend, todavía está lejos del éxito que tendría posteriormente.
Fue con su segundo álbum, Don't Be Cruel, con el que logró el éxito masivo, ingresando a las diez primeras posiciones, sobre todo gracias al sencillo "My Prerogative".
En 1992, contrae matrimonio con la diva del R&B Whitney Houston y sale a la luz su nuevo álbum, Bobby, con unas ventas muy por debajo de su anterior disco. En 1993, es arrestado tras un concierto, iniciando una larga trayectoria de problemas legales, con las drogas y maritales que la prensa sensacionalista se encargó de airear.
En 1997, publica su cuarto álbum, Forever, un fracaso comercial no entrando siquiera en el Top 50. Entretanto, continúan sus problemas legales. En 2001, su quinto álbum no llega a ver la luz debido a enfermedad de Brown. En 2002, Brown vuelve a estar de actualidad debido a un dueto con Ja Rule y una nueva detención por posesión de marihuana.
El 24 de abril de 2007 se divorcia de Whitney Houston, obteniendo ella la custodia de su hija.1​


Él era el componente más joven de New Edition. En 1987, tras abandonar el grupo, comenzó su carrera en solitario con el álbum King of stage. Pero su obra cumbre fue Don’t be cruel (1988). En 1992 se casó con Whitney Houston.




https://www.youtube.com/watch?v=pd7dCbEfTs4








1972:

En Colombia, el programa de televisión Sábados Felices emite su primer capítulo al aire bajo el nombre «Campeones de la risa».




Sábados Felices es un programa humorístico de la televisión colombiana, producido por Caracol Televisión. Tiene 53 años al aire.1​ Su actual director es Francisco Javier Bohórquez, tras la salida de Alí Humar en 2019.2​ Es actualmente el programa de humor más longevo de la historia de la televisión a nivel mundial,tal como fue otorgado un premio por parte de la organización de los Guiness World Records.3​4​5​

Historia[editar]

La primera emisión de Sábados Felices fue vista el 5 de febrero de 1972 con el nombre de «Campeones de la risa», bajo la dirección de Alfonso Lizarazo. El nombre del programa cambió el 31 de enero de 1976 por el de «Sábados Felices» cuando fue ubicado en la parrilla de programación de los sábados.6​7​8​

El gran gestor del programa fue Alfonso Lizarazo, quien estableció un estilo propio y estimuló el talento de personas con sentido del humor, ligado a las actividades cívicas en beneficio de los niños en edad escolar.[cita requerida]

El elenco desde un comienzo ha estado integrado por comediantes naturales los cuales han explotado su habilidad para el humor, los rasgos físicos y sus raíces. Personajes como Jaime «El Flaco» Agudelo, Hugo Patiño «El Príncipe de Marulanda», Carlos «El Mocho» Sánchez, Óscar Meléndez,«Rabiol Pedrero» Jacqueline Henríquez " La señorita pía" y Hernando Latorre «El chato», hicieron parte del grupo inicial.[cita requerida] Se han venido sumando más de 50 cómicos colombianos a lo largo de su permanencia en la televisión colombiana,[cita requerida] donde se considera el programa de producción nacional de mayor permanencia en los hogares colombianos.[cita requerida] El 12 de enero de 1980 Sábados Felices transmitió su primer capítulo a color, en los estudios Gravi.[cita requerida]. Por iniciativa de Alfonso Lizarazo, el programa ha sido la escuela de libretistas y formación de un sinnúmero de comediantes y humoristas de Colombia. De este espacio han salido figuras a formar su propio programa o a protagonizar otros del mismo género. [cita requerida].

En un comienzo los personajes se caracterizaban por tener ciertos dichos, estos son algunos:

  • Oscar Meléndez (Rabiol Pedrero) "Es que con gente de mal genio, no se puede tratar"
  • Pedro Nel Martínez (Surrucuca) "¡Ay Juejulia... me extrovertí!"
  • Álvaro Lemmon (Negrito) "¡Yoooo! y que mi Dios se lo pague"
  • Humberto Martínez Salcedo (Maestro Salustiano Tapias) "¡Ja jay...! pa' más piedra"
  • Jaime Agudelo (El Flaco) "Oíste, ¿a vos no te conocí en Palmira?"
  • Jaime Santos (Dr. Climaco Urrutia) "¿Cuándo almorzamos?"

A finales de 1981 Álvaro Lemmon «El hombre Caimán», Jaime Agudelo «El Flaco», Carlos Agudelo (Hermano del Flaco) Humberto Martínez Salcedo «Maestro Salustiano Tapias», y Pedro Nel Martínez «Surrucuca» , Conformaron el grupo musical llamado "Los Ruanetas", de música popular, con temas como "Kokoroyó", "Cinturita de avispa", "Los apagones", "Una buena Nochebuena" y "Coplas del Ja ja ja", entre otras, recopiladas en el disco "Llegaron los ruanetas".[cita requerida]

El 4 de julio de 1998, Sábados Felices alcanzó 1.323 emisiones en la televisión pública.9​ Con la privatización de este medio, cambió su formato, inicialmente bajo el mando de Enrique Colavizza, luego de Jota Mario Valencia, y después por Alí Humar. Después de Jota Mario Valencia, su presentador fue Hernán Orjuela. Actualmente, la presentación está a cargo de Humberto Rodríguez. La antigua sección «Los Pesos Pesados de la Risa» (donde los humoristas consagrados del país se enfrentaban entre sí para declarar al mejor) era presentada por Fernando «''Kevin''» Colmenares.10​11​12​

El 20 de febrero de 2016,13​14​ el programa Sábados Felices recibió el Récord Guinness como el programa de humor en el aire más antiguo de la televisión mundial.15​16​


1983:

“Africa”, de Toto, ocupa el primer lugar en el Billboard Hot 100.




 https://www.youtube.com/watch?v=FTQbiNvZqaY



«Africa» es una canción interpretada por el grupo de rock Toto. La canción fue lanzada en su álbum Toto IV. También fue publicada como sencillo, alcanzando la primera posición en el Billboard Hot 100 en febrero de 1983 y la posición 3 en la UK Singles Chart en ese mismo mes.1​ La canción fue escrita por el teclista David Paich y el baterista Jeff Porcaro. Paich cantó los versos de la canción, acompañado por Bobby Kimball y Steve Lukather en el coro.






1984: 

Muere El Santo (Rodolfo Guzmán Huerta), luchador y actor mexicano (n. 1917).



El Santo (Tulancingo, Hidalgo, México; 23 de septiembre de 1917-Ciudad de México, 5 de febrero de 1984) fue el nombre artístico de Rodolfo Guzmán Huerta, un luchador profesional y actor mexicano. Con el sobrenombre de El enmascarado de plata, es uno de los luchadores más famosos de México y el mundo y uno de los iconos en la cultura mexicana del siglo XX.1​2​3​4​ En palabras de Carlos Monsiváis, El Santo fue «el rito de la pobreza, de los consuelos peleoneros dentro del gran desconsuelo-que-es-Ia-vida, la mezcla exacta de tragedia clásica, circo, deporte olímpico, comedia, teatro de variedad y catarsis laboral».5​
Como luchador peleó de 1942 a 1982, periodo de cuatro décadas en el que nunca fue desenmascarado. Desde los años 50 en México era un héroe popular y un símbolo de la justicia para las personas, ya que su personaje trascendió el ámbito de la lucha libre y se transformó en un superhéroe5​ al lograr un manejo muy hábil de su imagen en diversos medios masivos.1​2​ Fue transformado hacia 1952 en héroe de historieta con la publicación semanal Santo, El Enmascarado de Plata ¡Una aventura atómica!, editada por José G. Cruz y que llegó a vender miles de ejemplares semanales. Pero El Santo se convirtió en un referente mediático internacional debido a su incursión en el cine en 1958, protagonizando 52 filmes en los cuales peleó contra distintos enemigos como hombres lobo, mujeres vampiro y extraterrestres.6​2​4​ Dichas películas fueron un éxito de taquilla no sólo en México, sino en gran parte de América Latina, Europa y algunos lugares tan distantes como Líbano o Turquía.4​
El género de luchadores fue inaugurado en 1952 por otro luchador profesional enmascarado,"El Médico asesino", en una película cuyo título fue, irónicamente, "El Enmascarado de Plata". Pero fue hasta 1958 cuando Santo se convirtió en personaje de cine, logrando un éxito arrollador puesto que venía precedido por el éxito logrado en la historieta que se publicaba desde 1952. Otras figuras del cuadrilátero como Huracán Ramírez, Blue Demon y Mil Máscaras también incursionaron en el cine, pero nunca tuvieron la fama de Santo, a quien podemos considerar el primer gran producto mercadológico surgido de la lucha libre.1​ Después del fallecimiento de Rodolfo Guzmán, uno de sus hijos, Jorge Guzmán Rodríguez, adoptó la máscara de su progenitor, dándose a conocer como El Hijo del Santo.






1987: 

Nace Darren Criss, actor y cantante estadounidense.



Darren Everett Criss (n. San Francisco, 5 de febrero de 1987) es un actor, cantante y compositor estadounidense, principalmente reconocido por haber interpretado a Blaine Anderson en la serie televisiva Glee.1​También es conocido por sus representaciones de Harry Potter en los musicales A Very Potter Musical, A Very Potter Sequel y A Very Potter Senior Year. En 2018 interpretó el papel de Andrew Cunanan en la serie de televisión American Crime Story.










1991: 

Muere Pedro Arrupe, jesuita español (n. 1907).


Pedro Arrupe y Gondra (Bilbao; 14 de noviembre de 1907 – Roma, Italia; 5 de febrero de 1991) fue un sacerdote jesuita español y Prepósito General de la Compañía entre 1965 y 1983.

Biografía[editar]

Infancia y estudios[editar]

El 30 de febrero de 1918 ingresa en la Congregación Mariana de S. Estanislao de Kostka, "los Kostkas", dirigida por el P. Basterra. En 1923 comienza el primer curso de Medicina en la Facultad de San Carlos de Madrid. Allí fue discípulo de Juan Negrín. Al cabo de los años, este famoso profesor, de ideas muy de izquierdas y que llegó a ser Presidente del Gobierno, preguntó dónde estaba aquel alumno tan brillante que él recordaba. Cuando le dijeron que se había hecho jesuita se quedó sorprendido ya que la República había expulsado a los jesuitas de España. Sobresale por sus notas extraordinarias: en casi todas las asignaturas, sobresaliente y matrícula de honor. Severo Ochoa, que llegaría a ser Premio Nobel de Medicina, y que entonces era condiscípulo de Arrupe, confesaría más tarde: "Pedro me quitó aquel año el premio extraordinario".
Muere su padre en 1926 y, poco después, decide hacer un viaje a Lourdes con sus hermanas. Allí asiste a más de una curación milagrosa que él tiene ocasión de analizar desde su categoría de estudiante de medicina. Diría: "Sentí a Dios tan cerca en sus milagros, que me arrastró violentamente tras de sí".


https://www.youtube.com/watch?v=mGfyqKz_ot8







1993: 

Muere Joseph L. Mankiewicz, cineasta estadounidense (n. 1909).



Joseph Leo Mankiewicz (Wilkes-Barre, Pensilvania, 11 de febrero de 1909-Bedford, Nueva York, 5 de febrero de 1993) fue un director de cine, guionista y productor estadounidense. Mankiewicz tuvo una larga carrera en Hollywood y ganó dos veces el premio Óscar tanto por mejor director como por mejor guion adaptado, por Carta a tres esposas(1949) y All About Eve (1950).

Biografía[editar]

Su padre, Franz Mankiewicz, judío berlinés que emigró a los 17 años de Alemania en 1885, llegó a ser en los Estados Unidos un famoso profesor en el New York City College. Enseñó lengua, teología hebrea y educación; además frecuentó la élite cultural de Nueva York. Tuvo tres hijos con una mujer judía proveniente de Curlandia. El mayor, Herman Mankiewicz (n. 1897), sería un importante guionista y productor de cine, autor del guión de la película Ciudadano Kane. Tras su hermana Erna, nació el benjamín, Joseph Leo; Franz quiso que todos ellos tuviesen una esmerada formación.
El joven Joseph comenzó la carrera de medicina, en la rama de la psiquiatría, pero la baja puntuación en una asignatura le impidió terminar esos estudios, aunque leería luego mucho psicoanálisis. Por contraste, en 1928 estudió la rama de Arte de la Universidad de Columbia. A los 19 años, una vez terminados los estudios, viajó a Berlín para estudiar, enviado por su padre, pero empezó a aficionarse por el teatro —le entusiasmaron Max Reinhardt, Piscator y Brecht—, y el cine —en aquellos momentos estaba en pleno apogeo la corriente expresionista del cine alemán—. Trabajó como corresponsal del Chicago Tribune y fue traductor de intertítulos para la productora UFA. Fue su única aportación al cine alemán. En 1929, su hermano Herman lo llamó desde Hollywood, donde trabajaba como guionista, así que Joseph, refugiado en París con escasos medios, decidió aceptar la invitación de su hermano e ir a Hollywood.1​
Los primeros pasos en el cine estadounidense los dio en los estudios Paramount donde su labor fue secundaria y apenas sin relevancia profesional. Poco después, y ya bajo contrato de la Metro-Goldwyn-Mayer, obtuvo su primer éxito profesional al colaborar en el guion del melodrama negro El enemigo público número uno (1934) dirigida por W. S. Van Dyke, película que consiguió el Óscar al mejor guion, aunque el premio fue concedido a Arthur Caesar, ya que fue quien firmó finalmente el guion. Pero aquel primer paso dio resultados positivos, que se consolidaron con otros dos guiones para el mismo director pensados como vehículos para el lucimiento de la actriz Joan Crawford: Cuando el diablo asoma (1934) y Vivo mi vida (1935).
Alentado por su éxito inicial, intentó que Louis B. Mayer lo dejara dirigir sus propios guiones, pero éste sopesaba bien la valía de cada uno de sus empleados antes de embarcarlos en un proyecto diferente al que habitualmente desempeñaban. A pesar de que no cedió a sus intentos, Mayer accedió no obstante a nombrarlo productor y desempeñó muy notablemente este cargo entre 1935 y 1942, periodo durante el cual produjo 19 film para MGM, entre los que destacan dos títulos: Furia (1936), dirigida por Fritz Lang, alegato contra la intolerancia y el racismo en una lectura claramente política, e Historias de Filadelfia (1940), una comedia sobre la lucha de sexos dirigida por George Cukor.
Decepcionado por no poder dirigir sus propias películas, Mankiewicz dejó la MGM y se puso al servicio de la 20th Century Fox. En este estudio realizó su ópera prima como director, El castillo de Dragonwyck (1944), dirigiendo a la fascinante Gene Tierney con secundarios del calibre de Jessica Tandy o Vincent Price. En 1947 logró otra obra maestra con la poética El fantasma y la señora Muir, con Gene Tierney, Rex Harrison y una Natalie Wood de ocho años, más una excelente fotografía de Charles Lang y una impagable música de Bernard Herrmann. Aprendió de Ernst Lubitsch, su maestro, que le «enseñó lo que no hay que hacer»2​
En 1949 estrenó Carta a tres esposas, película donde se pone de manifiesto su interés por la psicología femenina y con la que obtuvo dos premios Óscar, el de mejor guion adaptado y el de mejor dirección; cuenta con las interpretaciones de Kirk Douglas y Linda Darnell en una historia tan innovadora como El crepúsculo de los diosesen cuanto a narrativa fílmica.
El éxito que obtuvo fue refrendado con su siguiente película, uno de los considerados clásicos del séptimo arte, Eva al desnudo (1950), sobre las ambiciones sin piedad en el mundo teatral. Con este film, Mankiewicz obtuvo seis Óscar, entre ellos el de mejor película, mejor dirección y mejor guion adaptado; el éxito de la película hizo que se creara el premio «Sarah Siddons» que él había inventado para el relato.3​
Luego se sucedieron otras películas destacadas y de muy distinto tipo (de hecho, fue denominado un «director inclasificable»), como Operación Cicerón (1951), con James Mason y Dannielle Darrieux, de espías; un clásico, Julio César (1952), con algunos de los mejores actores de la época en el reparto (Marlon Brando, James Mason, Deborah Kerr, Greer Carson y Louis Calhern); La condesa descalza (1954), sobre el mundo devorador del cine, con la mejor actuación de Ava Gardner hasta ese momento; Ellos y ellas (1955), el único musical que dirigió, y De repente, el último verano (1959), adaptación a la pantalla de una historia de Tennessee Williams.
Pero llegó lo que Mankiewicz llamaría su «pesadilla»: Cleopatra. Tras un desastroso prólogo en Londres, pues tuvo que desechar todo el material filmado, en septiembre de 1961 se reinició en Roma el rodaje de la epopeya histórica basada en la vida de la reina egipcia, y cuyo rodaje se prolongó hasta 1963. Fue la primera vez que una actriz (Elizabeth Taylor) cobraba un millón de dólares por su trabajo, lo que encareció el proyecto. Además, desastres de toda índole que rodearon la preparación y el rodaje del film quebrantaron la salud de Mankiewicz, quien necesitó dos años para recuperarse, aunque en medio dirigió una película para la TV. Pese a la espectacularidad de Cleopatra, decepcionó a crítica y público en su estreno, convirtiéndose en uno de los mayores desastres de taquilla de la historia.
En 1967 dirigió Mujeres en Venecia, película que fue recibida fríamente por la crítica y el público; en 1970 realizó su único western, El día de los tramposos. Y en 1972puso fin a su carrera cinematográfica al filmar la adaptación de la obra teatral de Anthony Shaffer La huella.
Los nuevos directores han cometido un grave error al aprender a hacer cine en escuelas y universidades. Que se cultiven, que lean, que aprendan de Shakespeare, de Molière o de Cervantes, que han sido formidables guionistas.
Joseph Mankiewicz (años 1970)
Mankiewicz pasó sus últimos años de vida retirado en su granja de Willow Pond, rodeado de los recuerdos que guardaba de todas sus películas, y falleció el 5 de febrero de 1993 en Bedford (Nueva York) cuando estaba a punto de cumplir 84 años, a causa de un ataque al corazón.
Licenciado en Historia del Arte y crítico teatral para el New York Times en Berlín, leyó hasta su muerte innumerables libros de psiquiatría, pero Mankiewicz es considerado sobre todo como un gran y culto guionista, experto en adaptaciones literarias (Graham Greene en El americano impasible, William Shakespeare en Julio César, Tennessee Williams en De repente, el último verano (1959) y Anthony Shaffer en La huella). Cuidaba la estructura de sus historias y la caracterización de sus personajes y era un gran director de actores, que llegaba al virtuosismo en los diálogos de sus filmes.
Creo que sinceramente se puede decir que he estado en el comienzo, el ascenso, la cima, la caída y el fin del cine sonoro.
Joseph Mankiewicz









2003:

Muere

René Cardona Jr. (Ciudad de México, 11 de mayo de 1939-Ciudad de México, 5 de febrero de 2003) fue un actor y director de cine mexicano.

Biografía

Cardona Jr. comenzó actuando en las películas de René Cardona y luego se hizo cargo del oficio de su padre a mediados de la década de 1960, dirigiendo, escribiendo y produciendo más de cien películas a lo largo de los años. Disfrutó de cierta notoriedad y éxito particularmente a finales de la década de 1970 como resultado de su película inspirada en Tiburón (1975), Tintorera (1977), que se convirtió en un clásico de culto.[1]​[2]​

Aprovechó el espíritu de cooperación entre las industrias cinematográfica mexicana, española e italiana que prevalecía a fines de la década de 1970 y pudo hacer una gran cantidad de películas de explotación de gran presupuesto con actores y equipos profesionales internacionales. También logró contratar a varios actores estadounidenses alguna vez populares durante este período, como Joseph Cotten, John Huston, Gene Barry, Stuart Whitman, John Ireland, Anjanette Comer, Arthur Kennedy y Lionel Stander para ayudar a impulsar la venta de entradas internacionales.[3]​

Este breve período de éxito internacional decayó a mediados de la década de 1980, y volvió a las "películas B" mexicanas en español durante las siguientes décadas hasta su muerte. Frecuentemente trabajaba con el actor mexicano Hugo Stiglitz, quien brevemente disfrutó de cierta fama internacional mientras era habitual en las películas de Cardona Jr.[3]​





2020:

Muere  Kirk Douglas,  actor y productor de cine estadounidense.



Issur Danielovitch Demsky, conocido profesionalmente como Kirk Douglas (Amsterdam, Nueva York; 9 de diciembre de 1916-Beverly Hills, California; 5 de febrero de 2020),1​ fue un actor y productor de cine estadounidense. Entre sus papeles, destacaron su interpretación del pintor Vincent van Gogh, en El loco del pelo rojo, y su papel protagonista en Espartaco, película de Stanley Kubrick. Por su extensa y reconocida carrera, recibió un Premio Óscar honorífico en 1996. Fue padre del actor Michael Douglas.

Fue el penúltimo intérprete más longevo del cine clásico de Hollywood, tras la actriz Olivia de Havilland (fallecida 5 meses después que él), al superar ambos los 103 años de edad.2​

Biografía[editar]

Sus padres eran campesinos judíos, procedentes de Chavusy, en la región de Maguilov, en el Imperio ruso (actualmente, en Bielorrusia). El padre de Douglas, Herschel Danielóvich, se ganaba la vida vendiendo alimentos y madera en las calles de Amsterdam, Nueva York,3​ pero eso no alcanzaba para mantener a seis hijas y un hijo varón, por lo que Kirk Douglas tuvo que empezar a trabajar desde muy joven, pues aún iba al colegio. En aquel entonces vendía refrescos y dulces en la calle y también repartió periódicos durante una temporada.3​ Su padre abandonó el hogar familiar cuando Kirk tenía cinco años.3​

Kirk Douglas tuvo su primer contacto con el mundo de la actuación en la escuela primaria y en el instituto de educación secundaria (Wilbur Lynch High School), donde ganó una medalla por recitar el poema Across the Border.4​ En ese mismo tiempo se inició en la oratoria y el debate, uniéndose al equipo del instituto.4​

A los 17 años terminó la secundaria y quiso matricularse en la universidad, pero su salario de dependiente (por aquel entonces trabajaba en unos almacenes) no le alcanzaba para ingresar. Aun así, Douglas decidió solicitar su admisión en la St. Lawrence University de Nueva York directamente al decano, que le aceptó en la universidad a cambio de que Douglas trabajase allí como jardinero (posteriormente como bedel) mientras estudiase allí.5​ Douglas estuvo en St. Lawrence desde 1935 hasta 1939, donde se graduó en letras con un título de «Bachelor of Arts» (equivalente al actual grado en Filosofía y Letras).5​

Foto de graduación universitaria de Kirk Douglas en 1939.

En esos cuatro años de universidad, Douglas además destacó en otras actividades, en especial en lucha libre, llegando a ser campeón invicto del St. Lawrence y ganador del "Campeonato de Lucha Libre Universitario".5​ Se dedicó también al debate y al teatro, uniéndose al grupo de teatro de la universidad, The Mummers.5​ Durante un verano participó en un número teatral de una feria, actuando como luchador, como el propio Kirk Douglas describió: «Teníamos un número donde yo era un chico del público que salía al escenario para enfrentarse al campeón. A efectos interpretativos fue un gran aprendizaje».6​

Tras graduarse en la Universidad de St. Lawrence consiguió una beca en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, lugar en el que permaneció hasta 1939, con 23 años de edad. Durante su estancia allí, Douglas impartía clases de arte dramático a los niños del centro y, durante los veranos, trabajaba en teatros veraniegos como actor de repertorio.5​ Fueron sus inicios en la actuación como profesional, y fue durante esta época en la que Kirk Douglas adoptó su nombre artístico.5​ Fue también allí, en la Academia Norteamericana de Arte Dramático, donde Douglas conoció a Lauren Bacall.5​

Douglas centró entonces su objetivo en los escenarios teatrales de Broadway, donde debutó en 1941 en una obra llamada Spring Again, protagonizada por sir Charles Aubrey Smith,6​ y en 1942 participó como regidor en la obra Las tres hermanas de Katharine Cornell.6​ Ese mismo año fue llamado al servicio militar, y se incorporó a la Armada de los Estados Unidos, incorporándose a la escuela de guardamarina de la Notre Dame University, donde se graduó como alférez.6​ Acto seguido fue destinado a la Unidad Antisubmarina 1139, en el océano Pacífico, donde estuvo dos años (1942-1943) como oficial de telecomunicaciones.6​

Cuando fue licenciado con honores, volvió a Nueva York y en casa de una amiga[cita requerida] hojeó una revista (Life), donde aparecía una hermosa modelo y actriz llamada Diana Dill, con quien además había coincidido en la American Academy of Dramatic Arts,6​7​ y con quien se casaría el 2 de noviembre de 1943.6​ La pareja tuvo dos hijos: Michael y Joel.






2020:

Muere Kevin Conway, actor y director de cine estadounidense.



Kevin John Conway (Nueva York, 29 de mayo de 1942-ibíd., 5 de febrero de 2020)1​ fue un actor y director de cine estadounidense.

Carrera artística

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En su primera aparición en cine interpretó a Roland Weary en la película de 1972 Matadero cinco, basada en la novela Matadero cinco de Kurt Vonnegut. En 1987 dirigió el film independiente The Sun and the Moon.

Entre otros papeles en cine, Conway interpretó a Crum Petree en la película Funny Farm de 1988, Frank Papale en el drama Invincible y al general Curtis LeMay en la película de 2000 Thirteen Days.2​

Confirmado por sus publicistas, el actor murió el 5 de febrero de 2020 debido a un ataque al corazón a los 77 años.









2021:


Muere Christopher Plummer, actor canadiense.



Christopher Plummer (Toronto, Ontario; 13 de diciembre de 1929-Weston, Connecticut; 5 de febrero de 2021)1​ fue un actor canadiense ganador de los cuatro principales galardones interpretativos de Estados Unidos: Oscar, Emmy, Globo de Oro y Tony.

Con 82 años, se convirtió en el galardonado más longevo en ganar un Premio Óscar en 2011, tras superar a George Burns y Jessica Tandy, respectivamente.2​

Biografía[editar]

Christopher Plummer en 1959

Christopher Plummer, bisnieto del Primer ministro de Canadá John Abbot, nació el 13 de diciembre de 1929 en Toronto, ciudad que abandonaría para mudarse con su madre a Senneville, cerca de Montreal. Durante su infancia estudió para ser pianista, pero pronto nace en él el deseo de ser actor. Debido a esta afición, en su juventud conoció a su compatriota, el pianista de jazz Oscar Peterson, al que le unió siempre gran amistad. Para desarrollar su carrera teatral se une a la Canadian Repertory Company, en la que alcanza cierta notoriedad en parte gracias al dominio del francés y el inglés. La actriz Eva Le Gallienne le ofrece su primera oportunidad de lucimiento en The Constant Wife, según la pieza de William Somerset Maugham, en 1954. Al año siguiente estrena The Dark is Light Enough, The Lark y Medea, cuyas representaciones le llevan hasta París. Dos años después se casa con Tammy Grimes con la que tiene una hija, la actriz Amanda Plummer.

A su regreso de la capital francesa, Sidney Lumet le contrata para la película Stage Struck (1958), tras la cual se divorcia y vuelve al teatro, en el que interpreta papeles como Enrique II de Inglaterra en Becket (1962), donde un rey se enfrenta a su mejor amigo (Thomas Becket), con el que antaño había compartido juergas.

Christopher Plummer junto a Julie Andrews en The Sound of Music (1965)

Después de contraer segundas nupcias en 1962 con Patricia Lewis, en 1964 su rostro se popularizó gracias al estreno de La caída del imperio romano donde encarna a un Cómodo, corruptor, que se siente traicionado, más pendiente de organizar fiestas para el pueblo que de mantener la paz, y que muestra recelos a la hora de conceder la ciudadanía romana a unos bárbaros —a los que más tarde asesina a traición— mientras Siria se rebela contra el Imperio romano. Su composición de un emperador romano de carácter autoritario y chulesco le abre las puertas para otros papeles. Entre estos destaca el capitán Von Trapp de The Sound of Music (La novicia rebelde en Hispanoamérica y Sonrisas y lágrimas en España), un viudo con siete hijos cuya rigidez se desmorona al entrar en su vida la institutriz María (Julie Andrews), con la que llega a casarse y huir de Austria tras despedirse de sus amigos en un festival de música donde entona la canción Edelweiss. A pesar de su enfado ante la sustitución de su voz en las secuencias musicales, el filme hace disparar su cotización gracias a su éxito comercial. A partir de entonces los directores le encomiendan personajes más o menos elegantes, a veces bondadosos, otros villanescos. Mientras tanto en 1967 se divorcia de Patricia Lewis y en 1972 se casa con Elaine Taylor.

Durante los setenta, Plummer combina sus apariciones cinematográficas con las teatrales. De esta manera tras ganar el premio Tony por Cyrano de Bergerac (1974), se mete en la piel de Rudyard Kipling en El hombre que pudo reinar (1975) y hereda de David Niven el papel de Charles en El regreso de la pantera rosa bajo las órdenes de Blake Edwards. En Asesinato por decreto (1979) pasa a engrosar la lista de actores que han encarnado a Sherlock Holmes en el cine.

En los años ochenta centra su actividad profesional en el teatro, donde llega a interpretar a Yago en Otelo (1982) y Macbeth (1988). También realiza algunas películas románticas como Somewhere in time de (1980) junto a Christopher Reeve y Jane Seymour. Realiza un magistral rol en la notable cinta histórica The Scarlet and the Black (1983), basada en hechos reales, donde da vida al ambicioso, cruel y sanguinario coronel y jefe de la SS en Roma Herbert Kappler y su feroz rivalidad con un adversario muy particular: monseñor Hugh O'Flaherty (papel interpretado por Gregory Peck), oficial de alto rango de la Santa Sede, protector de refugiados, aliados y judíos en la Italia ocupada por los nazis en 1943.

A mediados de los años noventa "regresa" al cine con breves cometidos: el empresario de Lobo (1994), el detective de Dolores Claiborne (1995), el virólogo de Doce monos (1996).

En 1997 gana su segundo Tony por Barrymore, interpretación que junto a la realizada en la película The Insider (El dilema en España, El informante en Hispanoamérica) inicia una nueva etapa profesional. En efecto su papel de Mike Wallace, un reconocido periodista norteamericano (recientemente retirado) le vale varios premios de la crítica cinematográfica, aunque no logra quedar candidato a los Óscar. Hollywood empieza a reclamar sus servicios con mayor regularidad: lo reúne de nuevo con Julie Andrews en la versión para televisión del filme On Golden Pond —donde interpreta a un hombre de la tercera edad que aprende a disfrutar de la compañía de su nieto—, y tiene también un papel en A Beautiful Mind (2001).

Plummer vuelve al cine más pequeño e intimista con Lucky Break, donde interpreta al jefe de una cárcel, y Ararat, donde defiende el papel de un guardia de seguridad de un aeropuerto.

En 2004 combina las representaciones de Rey Lear con sus papeles cinematográficos en Nicholas Nickleby y Alexander, la superproducción de Oliver Stone. A estos títulos le siguen ...Y que le gusten los perros (2005), Plan oculto —donde defiende el papel de banquero que se enriqueció gracias a los nazis y que oculta su pasado—, Syriana —donde encarna a un empresario con intereses en el petróleo—, y El nuevo mundo donde presta su cuerpo a un capitán que defiende la disciplina de los oficiales de a bordo durante la colonización de Virginia.

En 2008 publicó su autobiografía In Spite of Myself.3​ que fue bien recibida tanto por la crítica como por el público.4​

Entre sus últimos y notables trabajos, hay que citar El imaginario del Doctor Parnassus de Terry Gilliam, y Beginners, donde encarna a un anciano viudo que desvela a su hijo que es homosexual. Por este trabajo ganó un Globo de Oro y el citado Oscar al mejor actor secundario en 2011.5​

En 2017 trabajó en la película Todo el dinero del mundo de Ridley Scott, donde interpretó al empresario Jean Paul Getty. Plummer reemplazó al actor Kevin Spacey luego de que este fue denunciado por abusos sexuales; dado que Spacey ya había filmado su parte y la película estaba terminada, fue necesario rodar nuevas escenas con Plummer para sustituirlo.6​ Por su trabajo en la película, recibió nominaciones a los premios Óscar, Globo de Oro y BAFTA.7​

Falleció en su hogar de Weston el 5 de febrero de 2021 a los noventa y un años de edad.8​





2022:


Muere


Rubén Fuentes Gassón (Ciudad Guzmán, Jalisco; 15 de febrero de 1926-5 de febrero de 2022),1​ conocido como Rubén Fuentes, fue un violinista clásico y compositor mexicano, que es mejor conocido por contribuciones a la música de mariachi. Sus aportes a los géneros del bolero ranchero, bolero moruno y canciones románticas, tanto rancheras como boleros, además de la creación del Mariachi sinfónico, fueron un significativo aporte a la internacionalización de la música mexicana en el mundo. Pertenece además a la llamada Época de Oro del Cine mexicano.

Rubén Fuentes escribió docenas de canciones famosas y conocidas internacionalmente como: El son de la negra, La culebra, Las alazanas, Como si nada, La Bikina,2​ Que bonita es mi tierra,3​ Flor sin retoño, Ni princesa ni esclava. Sabes una cosa, Cien años y Camino real de Colima, muchas compuestas conjuntamente con Silvestre Vargas. Fue el productor de cabecera de Pedro Infante, Miguel Aceves Mejía y Marco Antonio Muñiz. También bajo su batuta surgieron importantes trabajos musicales de Flor Silvestre, Amalia Mendoza, Lola Beltrán, Lucha Villa, Estela Núñez, Lucero, Vikki Carr y Linda Ronstadt, entre otros. Fuentes fue, asimismo, el arreglista de la mayoría de las canciones del cantante y compositor mexicano José Alfredo Jiménez.

En 1944 se unió al Mariachi Vargas de Tecalitlán como violinista y más tarde como arreglista. En 1955 terminó de tocar activamente con el grupo, pero mantuvo su posición de productor, arreglista y director musical en el grupo hasta hoy, constituyendo un referente como influencia tanto para el Mariachi Vargas como para la música de mariachi en general.

Sus canciones han sido ejecutadas por numerosos intérpretes como Miguel Aceves Mejía, Jorge Negrete, Pedro Infante, Flor Silvestre, Lola Beltrán, Marco Antonio Muñiz, Javier Solis, Julio Iglesias, Estela Núñez, Amalia Mendoza, Sonia la Única, María de Lourdes, Mauro Calderón, Rocío Dúrcal, Fernando de la Mora, Guadalupe Pineda, Cristian Castro, Luis Miguel, Alejandra Orozco "la Guadalajareña", y Los Tres Huastecos, Hatsune Miku (cantante virtual), entre otros. Fuentes ha sido asimismo el creador de gran número de temas musicales para producciones cinematográficas.

Biografía[editar]

Nació el 15 de febrero de 1926 en Ciudad Guzmán, Jalisco, donde hizo sus primeros estudios, recibiendo de su padre, el concertista de violín Agustín Fuentes, la enseñanza musical, y con el apoyo de su madre, también músico, Tommy Gasson, la enseñanza en la ejecución del piano y el violín. Fue miembro de la primera generación de la Escuela Secundaria Federal Benito Juárez en Ciudad Guzmán, Jalisco y al terminar sus estudios secundarios estudió la preparatoria en Guadalajara, donde continuó sus estudios musicales. Se integró al Mariachi Vargas de Tecalitlán en la Ciudad de México en 1944, primero como ejecutante, luego como productor, arreglista y director musical.

Fuentes fue director musical de RCA Víctor de México durante las décadas de 1950 a 1960. Por ello fue el arreglista y productor musical de muchos de los más grandes cantantes de música ranchera, la mayoría de ellos acompañados por el Mariachi Vargas de Tecalitlán. Cuando fue nombrado director artístico en la filial mexicana de RCA Víctor, renunció solamente como ejecutante, continuando como hasta la fecha en su cargo de productor, arreglista y director general del Mariachi Vargas de Tecalitlán.

Fue declarado el mejor compositor del año en 1954, 1958, 1959 y 1971; discos de platino por sus producciones Lucero de México y Cariño de mis cariños.4​ Recibió el codiciado Disco de Oro y ha recibido varios reconocimientos internacionales por su labor como compositor y arreglista. Su canción Ni princesa ni esclava cantada por Vikki Carr, recibió un Grammy, y como productor recibió otro por su labor con Linda Ronstadt en Canciones de mi padre.

Se le concedió el premio Jalisco por el Gobierno del Estado, que así honra a los Jaliscienses destacados. Sus trofeos son innumerables, sin embargo, el haber sido nombrado por el ayuntamiento de Ciudad Guzmán en 1967 Hijo preclaro y predilecto, es el que más orgullo y satisfacción le ha dado. Pedro Infante le grabó 44 canciones, entre ellas: Cartas a Ufemia, Copa tras copa, en coautoría con Rubén Méndez del Castillo; Cien años, Ni por favor, en coautoría con Alberto Cervantes; El muñeco de cuerda, en coautoría con Mario Molina Montes.

Javier Solís popularizó temas clásicos del bolero ranchero como Escándalo, Luz y sombra, Gorda, la ranchera Viva Quien Sabe Querer y el huapango Qué bonita es mi tierra.

Miguel Aceves Mejía popularizó sus huapangos: La verdolaga, Tres consejos, Ruega por nosotros, en coautoría con Alberto Cervantes; Ni contigo ni sin ti, La del rebozo blanco, en coautoría con Rafael Cárdenas; El pecador, Qué bonita es mi tierra, en coautoría con Mario Molina Montes.

Su mariachi acompañó a Flor Silvestre en seis de las primeras grabaciones de la cantante para Discos Columbia en 1950 y también fue arreglista de sus grabaciones para el cine. Flor le grabó Con un polvo y otro polvo, Mi última canción, Río crecido y El despertar.

Marco Antonio Muñiz se inició como solista precisamente con: Luz y sombra, Que murmuren y Escándalo, en coautoría con Rafael Cárdenas; El despertar, en coautoría con Martha Roth, y así hasta llegar a 60 canciones, rematando con La Bikina.

Fue productor y arreglista en varios discos de Lucha Villa con quien tenía una profunda amistad, le escribió a ella canciones como:"Amor Fiel","Hoy No Me Toques Hoy No", "Quiérame Señor" "El Rincón", Lucha le grabó también "Que Bonita Es Mi Tierra", "La Bikina".

Pedro Vargas, Javier Solís, Libertad Lamarque, Sonia y Myriam, José José, José Alfredo Jiménez, Amalia Mendoza, Lucha Villa, Domenico Modugno, Caterina Valente, Antonio Prieto, Pepe Jara, Cristian Castro, Luis Miguel, Lucero, Los tres huastecos y desde luego el Mariachi Vargas; solo por mencionar algunos, han sido intérpretes de su música.5​ Él es sin lugar a dudas uno de los más destacados compositores mexicanos de las últimas cinco décadas, su creatividad artística como compositor, arreglista y productor, han marcado la vanguardia de la canción vernácula.6​

Muerte[editar]

Rubén Fuentes falleció el 5 de febrero del 2022. Hasta ahora se desconocen las causas de su fallecimiento.

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