Santoral de la Iglesia Católica:
San Pío X (latín: Pius PP. X; Treviso, Reino de Lombardía-Venecia (actual Italia); 2 de junio de 1835-Roma, 20 de agosto de 1914) fue el 257.º papa de la Iglesia católica entre 1903 y 1914.
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Día
Internacional de Conmemoración y Homenaje a las Víctimas del Terrorismo[editar]
El terrorismo tiene claramente una repercusión real y directa, con consecuencias devastadoras, que afecta el pleno ejercimiento de los derechos humanos y las libertades fundamentales.
En 2003, un ataque terrorista a la Sede de las Naciones Unidas en Bagdad, cobró la vida de 22 miembros del personal de la ONU entre ellas la del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Derechos Humanos y Enviado Especial de las Naciones Unidas en Iraq, Sergio Vieira de Mello, de Brasil.
Ante este y otros deprorables actos de terror, en 2011, el Consejo de Derechos Humanos de las Naciones Unidas recomendó que la Asamblea General proclame un Día Internacional dedicado a la conmemoración y homenaje para las víctimas del terrorismo. Es así que, el 19 de diciembre de 2017, la Asamblea General adoptó la resolución A/RES/72/165 por la que se proclama el 21 de agosto como el Día Internacional de Conmemoración y Homenaje a las Víctimas del Terrorismo, con el cual las Naciones Unidas honran y apoyan a las víctimas y sobrevivientes del terrorismo, y renuevan su compromiso de reforzar la cooperación internacional para prevenir y combatir este flagelo.
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Primeros años[editar]
Compositora[editar]
Bésame mucho[editar]
Biografía[editar]
Fallecimiento[editar]
Sus novelas mayores[editar]
El Premio Nobel[editar]
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Historia[editar]
Controversias[editar]
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Patrick Juvet (Montreux, 21 de agosto de 1950 - Barcelona, 1 de abril de 2021)1 fue un cantante y compositor suizo que tuvo una serie de discos de éxito en Francia. Si bien su carrera temprana se centró en la música pop, llegó al éxito internacional como intérprete de música disco en la última mitad de los años 1970.
Biografía[editar]
Nacido en Montreux, Suiza, Juvet creció en la cercana La Tour-de-Peilz, con sus padres Robert y Janine, su hermano Daniel y su hermana Nancy.2 El padre de Juvet vendía radios y televisores, lo que provocó un interés temprano por la música para el joven Juvet.3 Juvet comenzó a estudiar piano a los 7 años; Más tarde desarrolló un interés en la música de The Beatles.3
Juvet se mudó a París en 1968 a la edad de 18 años con poco dinero.3 Un amigo lo animó a convertirse en modelo en Alemania, y Juvet siguió esta carrera en Düsseldorf durante dos años.3 Regresó a París en 1970.3
En Saint-Tropez conoció al productor de música francés Eddie Barclay, quien le permitió grabar un primer sencillo en 1971. Escribió el tema Le Lundi au soleil, cantado por Claude François.2
Representó a Suiza en el Festival de la Canción de Eurovisión 1973 con el tema "Je vais me marier, Marie", obteniendo el duodécimo puesto.2 En 1977 colaboró con el compositor y músico francés Jean-Michel Jarre en el álbum en francés, Paris by Night, que contó con su hit "Où sont les femmes?". En 1978, trabajó con los productores de música disco Jacques Morali y Henri Belolo. Como resultado, Juvet pronto experimentó el éxito internacional con las canciones disco "Got a Feeling" y "I Love America".
El mencionado tema "Où sont les femmes?" fue grabado nuevamente en inglés bajo el título "Where Is My Woman?", y fue presentado en el debut en inglés de Juvet en Casablanca Records en los Estados Unidos. Victor Willis, cantante original de Village People, fue el letrista del proyecto. Participó en la banda sonora de la película de David Hamilton, Laura, les ombres de l'été.
Con el declive de la música disco a principios de la década de 1980, regresó a la escena musical francesa en 1982 con el álbum Rêves immoraux. Si bien este se vendía respetablemente, el álbum no pudo igualar el éxito comercial anterior. Siguió una época de decadencia financiera y personal, con Juvet sufriendo periodos de depresión y alcoholismo y trasladándose de la Europa continental a Londres, luego a Los Ángeles y finalmente, en la segunda mitad de los años ochenta, a Suiza.4
Juvet regresó a París en 1991 con el álbum Solitudes. El disco incluyó canciones más personales y emotivas como "Et si on recommençait?",5 y fue acompañado por intérpretes francófonos como Françoise Hardy, Luc Plamondon y Marc Lavoine.4
En 2005, Juvet lanzó su autobiografía Les bleus au cœur: Souvenirs, en la que hablaba de su carrera y su bisexualidad.6 Falleció como consecuencia de una parada cardíaca7 el 1 de abril de 2021 en su apartamento de Barcelona, ciudad en la que residía intermitentemente desde 1998. Sus restos mortales serán incinerados en Barcelona y trasladados a Suiza.8910
Biografía[editar]
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Trayectoria[editar]
Stephen McDannell Hillenburg (Lawton, Oklahoma; 21 de agosto de 1961-San Marino, California; 26 de noviembre de 2018) fue un animador, guionista, productor, director, actor de doblaje y divulgador de biología marina estadounidense. Es conocido sobre todo por haber creado la serie de televisión animada Bob Esponja para Nickelodeon en 1999. La serie se ha convertido en la cuarta serie de animación estadounidense con más años en antena. También prestó su voz al personaje de Potty, el loro mascota de Patchy el Pirata.
Hillenburg nació en Lawton, Oklahoma, y creció en Anaheim, California. Desde niño le fascinaba el océano y desarrolló un interés por el arte. Comenzó su carrera profesional en 1984, impartiendo clases de biología marina en el Instituto Marino del Condado de Orange, donde escribió e ilustró The Intertidal Zone, un libro ilustrado divulgativo sobre los animales de las pozas de marea, que utilizaba para enseñar a sus alumnos. Tras dos años dedicándose a la enseñanza, en 1989 se matriculó en el Instituto de las Artes de California, en Santa Clarita, para dedicarse a la animación. Más tarde le ofrecieron un puesto en la serie de animación de Nickelodeon La vida moderna de Rocko (1993-1996), tras el éxito de sus cortometrajes de 1992 The Green Beret y Wormholes, realizados como parte de sus estudios.
En 1994, Hillenburg comenzó a desarrollar los personajes y conceptos de The Intertidal Zone, que más tarde se convertiría en Bob Esponja, serie que se emite ininterrumpidamente desde 1999. También dirigió Bob Esponja: la película (2004), que en un principio pretendía que fuera el final de la serie. Posteriormente, dimitió como showrunner, pero siguió figurando en los créditos como productor ejecutivo en las temporadas posteriores (incluso tras su fallecimiento). Más tarde volvió a crear cortometrajes, entre ellos Hollywood Blvd., USA (2013). Fue coguionista del guion de la segunda adaptación cinematográfica de la serie, Bob Esponja: Un héroe fuera del agua (2015), y recibió un crédito póstumo como productor ejecutivo de la tercera película, The SpongeBob Movie: Sponge on the Run (2020).
Además de sus dos premios Emmy y sus seis premios Annie por Bob Esponja, Hillenburg también recibió otros reconocimientos, como un galardón de Heal the Bay por su labor en la sensibilización sobre la vida marina y el Premio a la Animación Televisiva de la Sociedad Nacional de Dibujantes. En 2017 le diagnosticaron esclerosis lateral amiotrófica (ELA), pero siguió trabajando en Bob Esponja todo el tiempo que pudo. Falleció el 26 de noviembre de 2018, a los 57 años.
Infancia y educación
Stephen McDannell Hillenburg[1] nació el 21 de agosto de 1961 en Fort Sill,[2][3][4][5] una base del Ejército de los Estados Unidos en Lawton, Oklahoma, donde su padre, Kelly Nathaniel Hillenburg Jr. (1936-2006),[6] trabajaba para el ejército; Kelly Hillenburg era metodista.[7] La madre de Stephen, Nancy (de soltera Dufour),[6] daba clase a alumnos con discapacidad visual y procedía de una familia metodista.[2][3][4][8] Cuando tenía un año,[7] la familia se mudó al condado de Orange, en California,[2][4] donde su padre comenzó su carrera como delineante y diseñador en la industria aeroespacial.[7] Su hermano menor, Bryan,[6] con el tiempo, también se convirtió en delineante y diseñador.[4]
Cuando un entrevistador le preguntó a Stephen Hillenburg cómo era de niño, él respondió que «probablemente era bienintencionado e ingenuo, como todos los niños».[9][10] Su pasión por la vida marina se remonta a su infancia, cuando las películas de Jacques Cousteau, un oceanógrafo francés, le causaron una gran impresión.[4][7][11] Hillenburg afirmó que Cousteau «le permitió conocer ese mundo», cuya existencia desconocía.[7] De niño le gustaba explorar las pozas de marea y se llevaba a casa objetos que «deberían haberse quedado allí y que acababan muriéndose y oliendo muy mal».[10]
Hillenburg también desarrolló su interés por el arte desde muy joven.[7][12] Su primer dibujo fue el de una rodaja de naranja. Una ilustración que dibujó en tercero de primaria, en la que representaba «un grupo de soldaditos... besándose y abrazándose en lugar de pelearse», le valió el primer elogio por su trabajo artístico, cuando su profesora lo alabó. «Claro, estamos en 1970... A ella le gustó porque, bueno, obviamente estábamos en plena [guerra de Vietnam]. Supongo que ella, al igual que mucha gente de entonces, no apoyaba la guerra al cien por cien... Yo no tenía ni idea de lo que eso implicaba, la verdad, porque solo me pareció una idea divertida. Todavía recuerdo ese momento en el que ella dijo: «¡Dios mío, mira eso!», explicó Hillenburg. Fue entonces cuando se dio cuenta de que «tenía cierto talento [creativo]». Afirmó que su talento artístico provenía de la familia materna, a pesar de que su padre era dibujante, y señaló que su abuela materna tenía «muchísimo talento» y era una «gran pintora».[7] En la década de 1970, alguien llevó a Hillenburg a la Gira Internacional de Animación del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Quedó «impresionado» por las películas de animación extranjeras, entre ellas The Killing of an Egg (1977), del animador holandés Paul Driessen. «Esa fue la película que me pareció singularmente extraña y que se me quedó grabada en la cabeza desde el principio», recordaba.[13]
«Siempre me ha interesado el arte y crear cosas, pero decidí no estudiar en una escuela de arte porque pensaba que tenía que dedicarme a otra cosa. El arte era una forma difícil de ganarse la vida. Siempre he compaginado ambas cosas. Simplemente pensé que la biología marina sería mi carrera profesional y que el arte sería algo que haría para expresarme personalmente». —Stephen Hillenburg[9] |
Estudió en el instituto Savanna High School de Anaheim, California,[4][9][14] diciendo que era un «friki de la banda» que tocaba la trompeta.[7] A los 15 años, practicó snorkel por primera vez;[3][4][9] Hillenburg participó en un «programa de buceo»[7] en Woods Coves[9] en Laguna Beach,[3][4] como parte del Programa Regional de Formación Profesional de Savanna. Esta experiencia, así como las inmersiones posteriores,[7] reforzó su interés por la biología marina y le llevó a decidir estudiarla en la universidad.[a] «De repente, algo hizo clic en mi cabeza y decidí que quería ser bióloga marina, pero también me gustaba ser artista».[12] Algunos de sus profesores de instituto, que conocían su interés por el arte y su fascinación por el océano, le aconsejaron lo contrario, diciendo: «Deberías limitarte a dibujar peces».[7][15] Sin embargo, la idea de dibujar peces le parecía aburrida y le atraía mucho más «hacer cuadros pequeños y raros».[7] Durante unos cuantos veranos tras terminar el instituto, trabajó como freidor y cocedor de langostas[16] en un restaurante de comida rápida especializado en marisco[4] en Maine. —Esto sirvió más tarde de inspiración para la profesión de Bob Esponja en la serie de televisión—.[16]
Hillenburg estudió en la Universidad Estatal de Humboldt, en Arcata (California), donde se especializó en ciencias marinas. Se especializó en arte[7] y dijo: «[Él] alcanzó su plenitud como pintor en Humboldt».[17] En 1984, obtuvo su licenciatura en planificación e interpretación de recursos naturales, con especialización en recursos marinos.[3][4][14][18] Tenía la intención de cursar un máster, pero dijo que sería en arte:[7] «Al principio, creo que daba por hecho que, si estudiaba arte, nunca podría ganarme la vida con ello, así que pensé que quizá fuera más sensato que el arte siguiera siendo mi pasión y mi afición, y que estudiara otra cosa. Pero cuando llegué al final de la carrera, me di cuenta de que mi lugar estaba en el mundo del arte».[4]
Inicio de su carrera
Tras graduarse en la universidad, Hillenburg desempeñó diversos trabajos en 1984, entre ellos el de asistente del servicio de parques en Utah y el de director artístico en San Francisco, antes de conseguir el trabajo que deseaba: dar clase a niños.[7] Esperaba trabajar en un parque nacional de la costa y, finalmente, encontró un puesto en el Instituto Marino del Condado de Orange —ahora Instituto Oceánico—,[12] una organización con sede en Dana Point, California, dedicada a divulgar al público conocimientos sobre ciencias marinas e historia marítima.[19] Hillenburg fue profesor de biología marina allí durante tres años:[3][4][20] «Enseñábamos ecología de las pozas de marea, historia náutica, diversidad y adaptación. Al trabajar allí, pude comprobar lo mucho que les fascina a los niños la vida submarina, sobre todo las criaturas de las pozas de marea».[9][21] Se alojó en el puerto deportivo de Dana Point[14] y además era artista de plantilla.[7][16][22] Aunque «fue una experiencia estupenda» para él,[12] se dio cuenta de que le interesaba más el arte que la profesión que había elegido.[20]
Mientras trabajaba allí, uno de los directores educativos le preguntó si le interesaría crear un cómic educativo sobre la vida animal de las pozas de marea.[7][12][23] Creó un cómic titulado The Intertidal Zone, que utilizaba para enseñar a sus alumnos.[23] En ella aparecían formas antropomórficas de vida marina, muchas de las cuales acabarían convirtiéndose en los personajes de Bob Esponja,[24] entre ellos «Bob la Esponja», el copresentador del programa, que se parecía a una esponja marina realista, a diferencia de su posterior personaje, Bob Esponja, una esponja marina cuya forma cuadrada estilizada se asemeja a una esponja de cocina.[25] Intentó publicar el cómic, pero las editoriales a las que se dirigió le rechazaron.[7][12]
Durante esa época, Hillenburg también empezó a asistir a festivales de animación como el International Tournée of Animation y el Spike and Mike's Festival of Animation, donde se proyectaban películas de estudiantes del Instituto de las Artes de California —conocido coloquialmente como CalArts—. Decidió que quería dedicarse profesionalmente a este campo.[7][13] Tenía pensado cursar un máster en arte, pero en lugar de «volver a la universidad para estudiar pintura»,[7] dejó su trabajo en 1987 para convertirse en animador.[24][25]
Hillenburg se matriculó en el Programa de Animación Experimental de CalArts[4][24][25] en 1989.[12] Sobre la decisión, comentó: «Cambiar de carrera así da miedo, pero lo irónico es que la animación es un sector bastante próspero en estos momentos, mientras que la enseñanza de las ciencias es más complicada».[26] Estudió con Jules Engel,[27][28] el director fundador del programa,[28][29] a quien consideraba su «papá artístico» y mentor.[28][30][31] Impresionado por The Intertidal Zone, Engel lo admitió en el programa.[7][25] Hillenburg dijo: «[Engel] también era pintor, así que creo que vio mis cuadros y pensó sin dudarlo: "Vaya, este chico encajaría bien en este programa". La verdad es que no tengo ninguna [experiencia previa en] animación».[7] Hillenburg se licenció en 1992,[4][9] cursando un máster en Bellas Artes especializado en animación experimental.[4]
Carrera en animación
Obras tempranas
Hillenburg realizó sus primeras obras de animación, los cortometrajes The Green Beret (1991) y Wormholes (1992),[32] mientras estaba en CalArts.[3][4][6][26] The Green Beret trataba sobre una Girl Scout con discapacidad física y unos puños enormes que derribaba casas y destrozaba barrios mientras intentaba vender galletas de las Girl Scouts.[3][4][6] Wormholes fue su película de tesis de siete minutos,[25][33] sobre la teoría de la relatividad.[3][4][33] En su solicitud de subvención presentada en 1991 a la Fundación Princesa Grace, describió esta última como «una película de animación poética basada en fenómenos relativistas»,[34] que apoya a artistas emergentes en los ámbitos del teatro, la danza y el cine estadounidenses.[35] La fundación aceptó financiar el proyecto, concediendo a Hillenburg una beca de posgrado en cine.[34][36] «Significó mucho para mí», dijo en 2003. «Financiaron uno de los proyectos de los que me siento más orgulloso, incluso con Bob Esponja. Me brindó la oportunidad de hacer una película que fuera personal, y lo que yo llamaría independiente, libre de algunas de las exigencias comerciales».[34] Wormholes se proyectó en varios festivales internacionales de animación,[26][34] entre los que se incluyen el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, el Festival Internacional de Animación de Hiroshima, la Celebración Internacional de Animación de Los Ángeles y el Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen,[37] y el Festival Internacional de Animación de Ottawa,[37] y el Festival Internacional de Animación de Ottawa,[38] donde ganó el premio al Mejor Concepto.[39] LA Weekly calificó la película de «viaje por carretera» y «cómica al estilo Zap»,[40] mientras que Manohla Dargis de The New York Times la calificó de «original».[29]
Hillenburg explicó que en la animación experimental «todo vale». Aunque esto le permitía explorar alternativas a los métodos convencionales de realización cinematográfica, se atrevió a emplear «un estilo industrial»; prefería animar sus películas de forma tradicional —dibujando cada fotograma a mano— en lugar de, por ejemplo, crear dibujos animados «filmando montones de arena en movimiento».[7] Realizó al menos otro cortometraje cuando era estudiante de animación,[13][22] titulado Diario de animación, que constaba de 365 dibujos realizados a lo largo de 1991 —un dibujo al día—.[41]
La vida moderna de Rocko
El primer trabajo profesional de Hillenburg en el sector de la animación fue como director[22][25] en La vida moderna de Rocko (1993-1996),[3][22][24] la primera producción propia de dibujos animados de Nickelodeon.[42] «Acabó encontrando trabajo en el sector y consiguió un puesto» en la cadena de televisión después de conocer al creador de la serie, Joe Murray,[34] en el Festival Internacional de Animación de Ottawa de 1992,[13][22] donde tanto Wormholes como My Dog Zero de Murray, participaban en la competición.[38] Murray, que en aquel momento estaba buscando gente para dirigir La vida moderna de Rocko,[22] vio la película de Hillenburg y le ofreció un puesto de director en la serie de televisión.[7][22][25] «Tenía amigos que [le] metían caña por [la oferta]... pero se le abrieron nuevas puertas cuando [él] se adentró en el mundo de la animación», así que la aceptó.[22] «Tenía pensado ser un artista sin un duro»: «[Me gasté] varios miles de dólares en hacer una película y [me di cuenta] de que quizá no recuperaría la inversión; tenía préstamos pendientes. Por suerte, Joe Murray vio mi película... y se arriesgó muchísimo», contó Hillenburg.[13]
Hillenburg colaboró estrechamente con Murray[43] durante toda la emisión de La vida moderna de Rocko. Además de dirigir, también se encargó de la producción, el guion y el storyboard de algunos episodios, y ejerció de editor ejecutivo de guion.[3][4] En concreto, el episodio «Fish-N-Chumps» de la tercera temporada fue coescrito y dirigido por Hillenburg, y en él Rocko, Heffer y Filburt se van de pesca, sin darse cuenta de que un par de criaturas marinas antropomórficas intentan capturarlos desde el fondo del mar; esto sería un presagio de su trabajo posterior con Bob Esponja.[25] En 1995,[4][43] durante la cuarta y última temporada de Rocko,[44] Hillenburg fue ascendido a director creativo, cargo en el que ayudó a supervisar la preproducción y la posproducción.[3][4][43] Trabajar en la serie le permitió saldar sus préstamos.[12] Más tarde contó que «aprendió mucho sobre cómo escribir y producir animación para televisión» gracias a su paso por La vida moderna de Rocko.[45]
Bob Esponja
Creación
Hay indicios de que la idea de Bob Esponja se remonta a 1986, durante la etapa de Hillenburg en el Instituto Marino del Condado de Orange.[46] Señaló que series de televisión infantiles como Mighty Mouse: The New Adventures (1987-1988) y Pee-wee's Playhouse (1986-1991) «despertaron algo en [él]». Y continuó: «No sé si esto es así para todo el mundo, pero a mí siempre me parece que, cuando empiezo a pensar en algo, tardan unos diez años en hacerse realidad o en que alguien más crea en ello... Me llevó unos cuantos años poner en marcha [Bob Esponja]».[22]
Durante la producción de La vida moderna de Rocko, Martin Olson, uno de los guionistas, leyó The Intertidal Zone y animó a Hillenburg a crear una serie de televisión con un concepto similar. En aquel momento, él ni siquiera se había planteado crear su propia serie:[7] «Después de ver a Joe [Murray] tirarse de los pelos tantas veces al tener que lidiar con todos los problemas que surgían, pensé que nunca querría producir un programa por mi cuenta».[43] Sin embargo, se dio cuenta de que, si alguna vez lo hiciera, esta sería la mejor forma de proceder:[7][25][47] «Durante todos esos años me parecía que estaba haciendo dos cosas totalmente distintas. Me preguntaba qué sentido tenía todo aquello. No veía cómo encajaban. Fue estupendo cuando [mis dos intereses] se unieron en [una serie]. Me sentí aliviado al darme cuenta de que no había perdido mucho tiempo haciendo algo que luego abandonaba para dedicarme a otra cosa. Ha sido muy gratificante», declaró Hillenburg en 2002.[4] Contó que un día, mientras conducía hacia la playa por la autopista de Santa Mónica, decidió por fin crear una serie.[43]
«Por fin me di cuenta de que, si iba a hacer mi propio programa, todas esas cosas sobre las que daba charlas y que me obsesionaban darían lugar a un mundo interesante». —Stephen Hillenburg[44] |
Mientras desarrollaba el concepto de la serie, Hillenburg recordó su experiencia como profesor en el Orange County Marine Institute y lo fascinados que quedaban los niños con los animales de las pozas de marea, como los cangrejos, los pulpos, las estrellas de mar, los copépodos cíclopes y las esponjas.[3][4][43] Se le ocurrió que la serie debería desarrollarse bajo el agua, centrándose en esas criaturas: «Quería crear un pequeño pueblo submarino donde los personajes se parecieran más a nosotros que a los peces. Tienen fuego. Dan paseos. Conducen. Tienen mascotas y se van de vacaciones». Encajaba con lo que a Hillenburg le gustaba para una serie: «algo fantástico, pero creíble».[43] Además, quería que su serie destacara entre los dibujos animados más populares de la época, representados por comedias de amigos como Ren y Stimpy (1991-1995). Por ello, decidió centrarse en un único personaje principal: la criatura marina más extraña que se le ocurriera. Esto le llevó a la esponja:[7] «Quería hacer un programa sobre un personaje inocente, así que me centré en una esponja marina porque es un animal gracioso, un bicho raro».[44] En 1994,[16] Hillenburg empezó a desarrollar más a fondo algunos personajes de The Intertidal Zone,[7][16] entre ellos Bob la Esponja,[7] quien se asemeja a una esponja marina realista; al principio, Hillenburg mantuvo este diseño[7][22][25][48] porque «era lo correcto desde el punto de vista biológico, como profesora de ciencias marinas».[43] Para definir la personalidad del nuevo personaje, se inspiró en figuras inocentes e infantiles que le gustaban, como Charles Chaplin, El Gordo y el Flaco, Jerry Lewis, Pee-wee Herman, Abbott y Costello y Los Tres Chiflados.[7][22][46][49] Aunque Hillenburg «mantuvo la idea de una esponja marina viva»,[16] pronto se planteó darle al personaje una forma cuadrada —como una esponja de cocina— y se dio cuenta de que esa idea encajaría a la perfección con la personalidad cuadrada del personaje:[7][22][25] «Tenía un aspecto muy gracioso. Creo que, en cuanto al lenguaje de los dibujos animados, era más fácil de reconocer. Parecía encajar con el tipo de personaje que buscaba: un bicho raro un poco empollón y de una limpieza impecable».[43][50] Para poner voz al personaje principal de la serie, Hillenburg recurrió a Tom Kenny, cuya carrera en el mundo de la animación había comenzado con su papel en La vida moderna de Rocko. Se utilizaron algunos rasgos de la propia personalidad de Kenny para desarrollar aún más el personaje.[51][52]
Mientras presentaba la serie de dibujos animados a los directivos de Nickelodeon, Hillenburg se puso una camisa hawaiana, llevó consigo un «terrario submarino con maquetas de los personajes» y puso música hawaiana para crear el ambiente adecuado. El directivo de Nickelodeon, Eric Coleman, describió la puesta en escena como «bastante impresionante». Aunque Derek Drymon, director creativo de Bob Esponja, describió la presentación como estresante, afirmó que había ido «muy bien».[25] Nickelodeon dio su visto bueno y proporcionó fondos a Hillenburg para producir la serie.[53]
Emisión
Bob Esponja es la primera serie de dibujos animados original de Nickelodeon que se emite los sábados por la mañana.[15][54] Se emitió por primera vez como avance el 1 de mayo de 1999,[11][55] y se estrenó oficialmente el 17 de julio de ese mismo año.[11][15] Hillenburg señaló que la premisa de la serie «es que la inocencia prevalece, algo que no creo que ocurra siempre en la vida real».[53] Ha recibido críticas positivas y destaca por su atractivo para diferentes grupos de edad.[4][44][53] James Poniewozik, de la revista Time, describió al personaje principal como «el antítesis de Bart Simpson, tanto en carácter como en aspecto físico: su cabeza es tan cuadrada y ordenada como la de Bart es desordenada, y tiene una personalidad a juego: concienzudo, optimista y ajeno a los defectos del mundo y de quienes le rodean».[56] Por otro lado, la crítica de The New York Times, Joyce Millman, afirmó que la serie «es ingeniosa sin resultar incomprensible para los espectadores jóvenes y divertida sin aburrir a los adultos hasta las lágrimas». Es la serie de dibujos animados más encantadora de la televisión y una de las más extrañas [...]. Al igual que Pee-wee’s Playhouse, Bob Esponja baila alegremente en la delgada línea que separa la infancia de la edad adulta, la inocencia de lo extravagante, lo retorcido de lo entrañable».[57]
Bob Esponja fue un éxito inmediato.[53] En su primer mes en antena, superó a Pokémon (1997–actualidad) como la serie infantil de los sábados por la mañana con mayor audiencia.[54] A finales de 2001, el programa ostentaba los índices de audiencia más altos de todas las series infantiles de la televisión.[14][58][59] Nickelodeon empezó a incluir Bob Esponja en su franja horaria de máxima audiencia, de lunes a jueves. Este cambio en la programación aumentó considerablemente el número de espectadores de más edad. En mayo de 2002, la audiencia total del programa superaba los 61 millones de espectadores, de los cuales 20 millones tenían entre 18 y 49 años.[60] Hillenburg no esperaba que la serie tuviera tanto éxito ni siquiera entre los adultos: «Nunca imaginé que llegaría a este punto. Cuando te propones hacer una serie sobre una esponja, no puedes prever este tipo de furor. Simplemente intentamos hacernos reír a nosotros mismos y luego nos preguntamos si es apropiada para los niños. Puedo decirte que esperábamos que gustara a los adultos. Pero, en realidad, pensábamos que lo mejor que podíamos esperar era un público universitario».[61] Bob Esponja se ha convertido en la serie más longeva de Nickelodeon.[62] «Diez años. Nunca imaginé que seguiría trabajando en la serie hasta hoy y durante tanto tiempo. Nunca se me habría ocurrido que [...]. De verdad pensaba que quizá tendríamos una temporada y un grupo de seguidores fieles, y que eso sería todo», declaró Hillenburg en 2009, con motivo del décimo aniversario de la serie.[13] Su popularidad la ha convertido en una franquicia mediática, que es la propiedad con mayor distribución de MTV Networks.[63] Hasta 2015, ha generado 25 000 millones de dólares en ingresos por comercialización.[64]
Salida
En 2002, Hillenburg detuvo la producción de la serie tras finalizar la tercera temporada para centrarse en la realización de Bob Esponja: la película, que se estrenó en 2004:[65] «No quiero intentar hacer una película y la serie al mismo tiempo. Tenemos sesenta episodios y probablemente sean tantos como [Nickelodeon] realmente necesita. Es un número habitual para una serie como esta. He investigado un poco y la gente dice que es una locura hacer una serie y una película al mismo tiempo. Prefiero concentrarme en hacer un buen trabajo con la película», señaló.[32] Dirigió la película a partir de una historia que ideó junto con otros cinco guionistas y animadores de la serie: Paul Tibbitt, Derek Drymon, Aaron Springer, Kent Osborne y Tim Hill.[66] Los guionistas crearon la aventura de un héroe mítico: la búsqueda de una corona robada, que lleva a Bob Esponja y a su mejor amigo, Patricio, a la superficie.[67] En 2003, durante la producción, su mentor, Jules Engel, falleció a los 94 años.[68] Hillenburg dedicó la película a su memoria.[69] Afirmó que Engel «fue, sin duda, la figura artística más influyente de [su] vida».[30][31] Bob Esponja: La película recaudó 140 millones de dólares en todo el mundo,[70] y recibió críticas positivas por parte de la crítica. La web de recopilación de críticas Rotten Tomatoes le otorga un 68 % de opiniones positivas basadas en 125 reseñas, con una puntuación media de 6,2/10. Su consenso resume así: «Surrealmente disparatada y entretenida tanto para los niños como para sus padres».[71]
«Llegó un momento en el que sentí que había aportado mucho y dicho todo lo que quería decir. En ese momento, la serie necesitaba sangre nueva, así que elegí a Paul [Tibbitt] como productor. Confiaba plenamente en él. Siempre me gustó cómo captaba el sentido del humor del personaje de Bob Esponja. Y, como guionista, hay que seguir adelante: estoy desarrollando nuevos proyectos». —Stephen Hillenburg habla sobre su salida de Bob Esponja como showrunner[13] |
Tras terminar la película, Hillenburg quería poner fin a la serie «para que no saltara al tiburón».[13][72] «Ahora mismo estamos trabajando en los episodios del 40 al 60, y siempre he considerado que esa es la duración habitual de una serie de animación. [Ren & Stimpy], por ejemplo, duró más o menos eso. Y pensé que era un buen momento para dar un paso al lado y dedicarme a otro proyecto. Personalmente, creo que es mejor no llegar al punto en el que la gente ya no quiera ver tu serie», declaró Hillenburg en 2002.[4] Sin embargo, Nickelodeon quería producir más episodios: «La serie era una auténtica mina de oro para la cadena, por lo que no podía permitirse no hacerlo», señaló el director de storyboards, Sam Henderson.[72] Al principio, Hillenburg dudaba de que la cadena fuera a continuar con la serie sin él, y afirmó: «Creo que [los directivos de Nickelodeon] reconocen que mi aportación es importante. Creo que querrán mantener el concepto y la calidad originales».[4] En consecuencia, dimitió de su cargo de showrunner[73] y nombró para el cargo a Paul Tibbitt, uno de sus colaboradores de confianza.[13][74][75] Aunque ya no participaba directamente en la producción de Bob Esponja, siguió ocupando su cargo de productor ejecutivo[46] y desempeñó una función consultiva, revisando cada episodio.[73][76] Tibbitt comenzó como productor supervisor, pero ascendió a productor ejecutivo cuando Hillenburg se jubiló parcialmente en 2004.[74] Mientras estuvo en el programa, prestó su voz al personaje de Potty, el loro[77] y estuvo presente junto a Derek Drymon en el estudio de grabación para dirigir a los actores de doblaje mientras grababan.[78] Durante la cuarta temporada, Tibbitt se encargó de poner voz al personaje de Potty,[79] mientras que Andrea Romano ocupó el puesto de directora de doblaje en sustitución de ambos.[78]
En 2014, Tibbitt anunció en su cuenta de Twitter que Hillenburg volvería a la serie. Sin embargo, no especificó qué cargo ocuparía el antiguo showrunner.[80] Ya en 2012, Hillenburg había colaborado en otra película basada en la serie,[7] que se dio a conocer por primera vez en 2011[81] y se anunció oficialmente al año siguiente,[82] con Tibbitt como director. Tibbitt también escribió el guion junto con Hillenburg,[83][84] que «había estado en el estudio todos los días trabajando con [el equipo]».[84] Además de escribir, Hillenburg también fue productor ejecutivo.[85] En 2014 dijo: «La verdad es que, cuando termine [la película], quiero volver a la serie... Cada vez es más difícil idear historias. Así que Paul [Tibbitt] y yo vamos a ponernos a pensar a fondo para crear material nuevo».[12] Titulada Bob Esponja: Un héroe fuera del agua, la segunda adaptación cinematográfica se estrenó en 2015[86] ha recibido críticas positivas y, en estos momentos, cuenta con un índice de aprobación del 80 % en Rotten Tomatoes y una puntuación media de 6,5/10.[87] Recaudó 323,4 millones de dólares en todo el mundo,[88] convirtiéndose así en la segunda película basada en una serie de televisión de animación que más recaudación ha obtenido, solo por detrás de Los Simpson: la película (2007).[89]
Otras aficiones
| United Plankton Pictures, Inc. | ||
|---|---|---|
| Tipo | Privada | |
| Campo | biología marina, animación e historieta | |
| Industria | Entretenimiento | |
| Fundación | 01 de abril de 1998 (28 años, 4 meses y 19 días) | |
| Fundador | Stephen Hillenburg | |
| Sede central | Burbank, California | |
| Personas clave | Karen Hillenburg (CEO) | |
| Productos | Bob Esponja | |
El 1 de abril de 1998, Hillenburg fundó United Plankton Pictures, Inc.,[90] una productora independiente de cine y televisión que produce Bob Esponja y otros contenidos relacionados. Entre 2011 y 2018, la empresa publicó SpongeBob Comics, una serie de cómics basada en la serie de dibujos animados. Hillenburg anunció el proyecto en un comunicado de prensa de 2011, en el que afirmó: «Espero que los fans disfruten por fin de un cómic de Bob Esponja creado por mí». Varios dibujantes de cómics, entre ellos James Kochalka, Hilary Barta, Graham Annable, Gregg Schigiel y Jacob Chabot, han colaborado en distintos números de la revista.[91][92]
Según Jeff Lenburg, en su libro Who's Who in Animated Cartoons, Hillenburg estaba coescribiendo y codirigiendo un segundo largometraje de animación basado en la serie de cómics de Rob Zombie, The Haunted World of El Superbeasto, cuyo estreno estaba previsto para 2006.[93] Colaboró en el guion de Diggs Tailwagger, un episodio piloto de 2007 dirigido por Derek Drymon.[94][95]
En 2010,[7] empezó a trabajar en Hollywood Blvd., USA,[17] un nuevo cortometraje para festivales de animación.[7] Para rodar el vídeo de dos minutos,[12] grabó en vídeo a personas caminando y les aplicó animaciones en ciclos de marcha.[7][12] Hillenburg dijo en 2012: «Espero poder terminar [la película]. Se tarda una eternidad». Su objetivo era terminarla ese otoño.[7] En 2013,[96] tres años después de que comenzara la producción, Hollywood Blvd., USA se estrenó en los festivales.[12] Hillenburg la describió como una «película personal» y afirmó que «no es una historia. Simplemente trata sobre la gente de nuestro pueblo».[7]
Vida personal
En 1998, Hillenburg se casó con Karen Jean Umland, una chef que impartía clases en la New School of Cooking de Culver City.[b] La consideraba la persona más divertida que conocía, y bautizó al personaje de Bob Esponja con el nombre de Karen Plankton en su honor.[100][101] Karen dio a luz a un hijo, Clay, también en 1998.[5][100] Hillenburg vivió en Hollywood y Pasadena antes de instalarse con su familia en San Marino, California, donde residió hasta su fallecimiento.[c] Entre sus aficiones se encontraban el surf, el snorkel, el buceo, la natación, la observación de aves y tocar «música rock ruidosa» con su guitarra.[d] Solía tocar música con su hijo, que era baterista, lo que le servía a Hillenburg para estrechar lazos con él.[105]
Según sus compañeros, era «un perfeccionista adicto al trabajo»,[20] y también era conocido por su carácter reservado.[97] Julia Pistor, coproductora de Bob Esponja: la película, señaló que Hillenburg era «muy tímido». Dijo: «No quiere que la gente sepa nada de su vida ni de su familia. Es simplemente un tipo muy divertido y con los pies en la tierra, con un sentido del humor seco, que antepone a su familia a todo lo demás y nos mantiene alerta para que conservemos nuestra integridad corporativa».[20] Hillenburg dijo sobre sí mismo: «Hago animación porque me gusta dibujar y crear cosas. No me interesa en absoluto salir en cámara ni ser famoso. No es que no me guste la gente, pero me gusta tener mi intimidad».[65]
Filantropía
Hillenburg, junto con su esposa Karen, financió numerosos proyectos y organizaciones a través de la fundación United Plankton Charitable Trust,[103][106] que fundaron en 2005,[107] que lleva el nombre de United Plankton Pictures, de Hillenburg. Apoya ámbitos de su interés personal, que donaban menos de 500 000 dólares al año en 2017.[103][106] Entre los beneficiarios se encuentran grandes organizaciones consolidadas del ámbito artístico, como el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y la Sociedad para la Activación del Espacio Social a través del Arte y el Sonido,[103] en la que Karen es copresidenta.[108] La salud representa la mayor parte de sus subvenciones;[103] habían hecho una donación a Planned Parenthood —donde Karen forma parte de la junta directiva desde 2014—[109] y la Sociedad Nacional de Esclerosis Múltiple, entre otras organizaciones sanitarias nacionales.[103]
En el ámbito educativo, han realizado donaciones a centros como la Escuela Politécnica de Pasadena —a la que asistió su hijo—, CalArts y la Universidad Estatal de Humboldt.[106] Las donaciones destinadas a esta última organización contribuyeron a financiar el Laboratorio Marino de la HSU[17] y el Fondo del Premio Stephen Hillenburg a la Investigación en Ciencias Marinas, que la pareja creó en 2018 para apoyar a los estudiantes de investigación en ciencias marinas de la universidad.[110] El año anterior, la Fundación Princesa Grace presentó la Beca de Animación Stephen Hillenburg, una ayuda económica anual concedida por los Hillenburg a animadores noveles.[111]
Enfermedad y muerte
Hillenburg reveló a la revista Variety en marzo de 2017 que le habían diagnosticado esclerosis lateral amiotrófica —ELA, también conocida como enfermedad de Lou Gehrig—, aunque también afirmó que seguiría trabajando en Bob Esponja mientras pudiera. Añadió: «Mi familia y yo estamos agradecidos por el aluvión de cariño y apoyo. Pedimos que se respete nuestra sincera petición de privacidad durante este tiempo». Según una fuente cercana a él, Hillenburg se encontraba en las primeras fases de la enfermedad en aquel momento.[112] Durante sus últimos días como productor ejecutivo, tenía dificultades para hablar y, finalmente, llegó un momento en el que dejó de acudir a su oficina debido al avance de la enfermedad.[113]
Hillenburg falleció el 26 de noviembre de 2018, a los 57 años.[97] Según el certificado de defunción al que ha tenido acceso TMZ, falleció en su domicilio de San Marino, California. En él también se indica que su cuerpo fue incinerado y que sus cenizas fueron esparcidas al día siguiente en el océano Pacífico, frente a la costa de California.[114] El tercer especial televisivo de Bob Esponja, de una hora de duración, titulado SpongeBob's Big Birthday Blowout, se estrenó en 2019, seguido de la tercera película para cine, The SpongeBob Movie: Sponge on the Run, en 2020. Ambos proyectos estuvieron dedicados a Hillenburg, quien también ejerció de productor ejecutivo de la película.[115][116]
Legado
Durante el espectáculo de medio tiempo de la Super Bowl LIII, el grupo Maroon 5 decidió incluir un fragmento del episodio de Bob Esponja titulado «Band Geeks» —en el que se utiliza la canción «Sweet Victory» como parte de una parodia de un espectáculo de medio tiempo de un partido de fútbol americano— en su actuación, como homenaje a Hillenburg.[117] En el Mercedes-Benz Stadium se reprodujo, durante las horas en las que no había público, un vídeo completo de la canción «Sweet Victory», que incluía una dedicatoria a Hillenburg.[118] La canción se incluyó posteriormente en un anuncio promocional del servicio de streaming Paramount+ de ViacomCBS, durante la Super Bowl LV.[119] Antes de la retransmisión de la Super Bowl LVIII por Nickelodeon, se emitió una versión completa realizada íntegramente con imágenes generadas por ordenador (CGI).[120][121]
Al día siguiente de la Super Bowl LIII, los Dallas Stars de la National Hockey League publicaron en su página de Twitter una versión modificada de la secuencia completa de «Sweet Victory», en la que los uniformes de la banda se habían cambiado de rojo a verde para que coincidieran con los colores de los Stars, con el título «El espectáculo del descanso de la #SuperBowl que los aficionados se merecen». El vídeo de los Stars ya se había proyectado anteriormente durante su partido del 1 de febrero contra los Minnesota Wild.[122][123]
En 2019 comenzó la producción de Kamp Koral, un spin-off de Bob Esponja, en el que aparecen versiones más jóvenes de los personajes asistiendo a un campamento de verano. El antiguo showrunner Paul Tibbitt afirmó que a Hillenburg no le habría gustado la idea; comentó: «Steve siempre me decía: "Ya sabes, uno de estos días querrán hacer Bob Esponja Bebés. Ahí es cuando me largo de aquí"».[113] Tibbitt también publicó un comunicado en el que afirmaba: «No pretendo faltar al respeto a mis compañeros que trabajan en esta serie... [pero] todos saben perfectamente que a Steve le habría horrorizado esto».[124] La idea de Kamp Koral surgió en una reunión de la duodécima temporada celebrada en octubre de 2018, un mes antes de la muerte de Hillenburg.[125] A Hillenburg se le atribuye la creación de Kamp Koral, y en otros spin-offs figura como creador de los personajes.[126][127]
Premios y distinciones
En 1992, una de las primeras obras de Hillenburg, Wormholes, ganó el premio al Mejor Concepto en el Festival Internacional de Animación de Ottawa.[39] Por Bob Esponja, Hillenburg fue nominado a 17 premios Emmy, ganando en las categorías de «Mejor programa de animación de categoría especial» y «Mejor edición de sonido — Animación» en 2010 y 2014, respectivamente. La serie también ha recibido otros premios y nominaciones, entre ellos 17 nominaciones a los premios Annie, de los que ganó seis, así como dos premios de la Academia Británica de Cine e Televisión para Niños, de un total de cuatro nominaciones. En 2002, Bob Esponja obtuvo su primera nominación a los Premios TCA en la categoría de «Logro Destacado en Programación Infantil».[39][128]
En 2001, Heal the Bay, una organización medioambiental sin ánimo de lucro, galardonó a Hillenburg con el premio Walk the Talk.[4][129] Se le reconoció por su labor de sensibilización de la población sobre la vida marina[4] a través de Bob Esponja.[129] Al año siguiente, Hillenburg recibió el Premio a la Animación Televisiva otorgado por la Sociedad Nacional de Dibujantes,[4][130] y el Premio «Estatua de la Princesa Grace», otorgado por la Fundación Princesa Grace.[4][36] En 2018, Hillenburg recibió el Premio Winsor McCay en la 45.ª edición de los Premios Annie,[131] y un reconocimiento especial en la 45.ª edición de los Premios Daytime Emmy «por su contribución y su influencia en el ámbito de la animación y en el sector de la radiodifusión».[132] La especie de demospóngea marina Clathria hillenburgi, conocida en los hábitats de manglares de la costa de Paraíba (Brasil), recibió su nombre en honor a Stephen Hillenburg.[133][134]
El 18 de noviembre de 2021, se rindió homenaje a Hillenburg con un banco y una placa conmemorativa en su antiguo instituto, el Savannah High School de Anaheim (California). El proyecto fue fruto de la colaboración entre la familia Hillenburg, la Sociedad Histórica de Anaheim y el influencer de YouTube Griffin Hansen.[135] Karen Hillenburg eligió expresamente un banco de color amarillo brillante que «le parecía que reflejaba a la perfección la calidez y el carácter divertido de su marido».[136] El monumento se inauguró un día antes del 60.º aniversario del instituto Savanna High School, en una asamblea de todo el centro organizada por Hansen y el director Michael Pooley. Al acto asistieron Karen y Clay Hillenburg, así como miembros del reparto y del equipo de Bob Esponja, entre ellos Tom Kenny, Jill Talley, Rodger Bumpass, Bill Fagerbakke, Clancy Brown, Mr. Lawrence, Marc Ceccarelli y Derek Drymon.[137
Hayden Lesley Panettiere (Palisades, Nueva York, 21 de agosto de 1989-Greenville, Carolina del Sur, 16 de agosto de 2026)[1]fue una actriz, cantante y modelo estadounidense, conocida por haber interpretado a Claire Bennet en la serie de TV Héroes, Kirby Reed en la franquicia de terror Scream y Juliette Barnes en Nashville. También realizó papeles de voz, en películas como Bichos, y en videojuegos como Kingdom Hearts y Until Dawn.
Biografía
Nació en Palisades, Nueva York, el 21 de agosto de 1989. Fue hija de Alan Lee "Skip" Panettiere, un capitán de bomberos, y de Lesley R. Vogel, exactriz de telenovelas. Tenía ascendencia italiana, inglesa y alemana. Tenía un hermano menor, el también actor Jansen Panettiere (1994-2023).[2][3][4] La familia de su madre vive en Indiana.[5][6]
Después de que Panettiere asistiese a la Escuela Secundaria South Orangetown en Nueva York, fue educada en casa desde el noveno grado hasta la terminación de la escuela secundaria.[7]
Carrera
Como actriz
Comenzó rodando varios spots publicitarios a la edad de 11 meses, siendo el primero de ellos uno de un tren de juguete Playskool.[8] Más adelante, consiguió un papel como Sarah Roberts en la telenovela de la ABC, Una vida para vivir entre 1994 y 1997; posteriormente encarnó a la niña Lizzie Spaulding en la telenovela de la CBS Guiding Light entre 1997 y 2001, cuando aún contaba con solo 8 años de edad. En La luz de guía, el personaje padece Leucemia. Su interpretación recibió una concesión especial del reconocimiento de la sociedad de la leucemia y del Linfoma, por ayudar a concienciar al gran público de la importancia de la enfermedad y difundir su existencia.
Panettiere interpretó el personaje de Claire Bennet en la serie Héroes de la NBC, donde interpretaba a una animadora de un instituto de secundaria con un poder especial que le permitía regenerarse. Gracias a su papel en la serie, fue una invitada regular en el circuito de convenciones de ciencia ficción, asistiendo a numerosas convenciones populares en 2007 en diferentes países, incluyendo la Gen Con, la New York Comic Con y la Fan Expo Canadá. Con respecto a los papeles que ha interpretado, Hayden admitió que a veces las opciones son limitadas porque la gente la miraba como «la típica animadora de pelo rubio».
Apareció en varios largometrajes, así como varias películas para TV. Interpretó la voz de Dot en la película de Pixar y Disney Bichos. Además, tenía el papel en el videojuego Kingdom Hearts como la voz de Kairi y Xion. También apareció en la famosa serie de Fox, Ally McBeal, como la hija de la protagonista, y en Malcolm in the middle interpretando a Jessica, un personaje recurrente en la serie. También apareció en la serie Law & Order e interpretó a Sheryl Yoast en la película Remember the Titans. Hayden apareció otra vez como animadora en la película Bring It On: All or Nothing. También apareció en el cine en Ice Princess como Gennifer "Gen" Harwood, junto a Michelle Trachtenberg quien interpretó el papel de Casey Carlyle.
Más adelante haría la película dramática Fireflies in the Garden como la versión joven del personaje de Emily Watson, Jane Lawrence. Coincidentemente, George Newbern, que interpretó a Sephiroth en Kingdom Hearts II (junto a Panettiere y Hudgens) y en Final Fantasy VII: Los Niños del Advenimiento, también apareció en la película. En junio de 2007, Hayden firmó contrato con la agencia de representantes William Morris Agency, habiendo sido previamente representada por United Talent Agency. El 15 de abril de 2011 se estrenó Scream 4, en donde interpreta a Kirby Reed, trabajando además, junto a Neve Campbell, David Arquette, Courteney Cox y Emma Roberts. El 29 de abril de 2011 se estrenó Hoodwinked Too! Hood vs. Evil, junto con Glenn Close, Patrick Warburton, Andy Dick, Cory Edwards, Martin Short, David Ogden Stiers, Bill Hader y Amy Poehler, donde Hayden interpreta a Caperucita Roja, sustituyendo a Anne Hathaway.
En julio de 2012, fue lanzado directamente a DVD el drama The Forger junto a Josh Hutcherson, donde ella interpreta a Amber. Y próximamente tiene previsto comenzar a rodar el thriller Over The Wall, junto a Freddy Rodríguez y Melissa Leo. Además, Panettiere pretende participar en la película de terror adolescente Downers Grove con Lucy Hale, Nikki Reed y Rebecca De Mornay. En 2015 hizo una aparición como protagonista del videojuego Until Dawn (PS4) dando su voz y actuación.
En marzo de 2012, se anunció que Panettiere había sido elegida para la serie musical Nashville de la ABC. El 10 de octubre de 2012 se presentó el episodio piloto de la serie, donde Hayden interpreta a Juliette Barnes, una cantante de Nashville que intenta conquistar el trono de "Reina de la Música Country" de su rival Rayna Jaymes. El programa concluyó su emisión el 26 de julio de 2018.
En abril de 2015, Panettiere se unió al reparto de Custody, junto a Viola Davis, con quien apareció en The Architect de 2006.
En mayo de 2022, se anunció que Panettiere volvería a interpretar, luego de 12 años a Kirby Reed en Scream VI, en lo que supuso su primera aparición en pantalla desde 2018 tras una pausa en su carrera.
Sus últimos trabajos en cine fueron los estrenos directamente en video: Amber Alert (2024), A Breed Apart (2025) y Sleepwalker (2026).
Como cantante
Panettiere fue nominada para un Grammy en 1999 por el mejor álbum infantil por Bichos (2000). Hayden, estaba trabajando en su álbum debut, que fue planeado originalmente para lanzarse a la venta el 8 de mayo de 2007. El CD, sin embargo, se retrasó varias veces. Primero se atrasó hasta agosto y luego hasta diciembre. Entertainment Weekly confirmó más adelante, que el álbum al final sería lanzado en 2008. Lanzó un primer sencillo "Wake Up Call" que incluyó un videoclip promocional siendo rostro de Candie's. Este videoclip cuenta con la participación del actor Sebastian Stan, pero el disco debut nunca ha visto la luz hasta la fecha. Panettiere participó en la banda sonora de Triunfos Robados 3: Todo o Nada en colaboración con Solange Knowles, con la canción "Your New Girlfriend".
Panettiere también grabó una canción titulada "Try" para la película, Un puente hacia Terabithia. También participó en el final de la película La Cenicienta 3: Un giro en el tiempo, con la balada "I Still Believe"; entre otras canciones para bandas sonoras. En septiembre de 2010, aceptó la realización de un mix, con el desconocido Dj, Thierry Leveque, de France, del género Trance, con los temas "New your girlfriend" y "The same", publicando su nuevo disco en enero de 2010, tanto del DJ como de Hayden.
Hayden apareció en los diversos discos de la banda sonora de Nashville de las 5 temporadas.
Activismo ecologista en Japón
El 31 de octubre de 2007, Panettiere estuvo implicada en un enfrentamiento violento con pescadores japoneses, cuando intentó interrumpir la caza anual de delfines, en Taiji, Wakayama.
Panettiere se enfrentó a ellos subida en una tabla de surf, acompañada de otros protestantes de Australia y Estados Unidos, entre ellos la actriz Isabel Lucas, con el fin de evitar que atraparan y cazaran un banco de delfines, pero fueron interceptados por los pescadores antes de lograrlo. Los pescadores emplearon sus propulsores para evitar que los surfistas se acercaran y así obligarlos a volver a la playa, desde donde fueron llevados al aeropuerto de Osaka y sacados del país para evitar que fueran detenidos por la policía japonesa. Este acto fue considerado por algunos japoneses como un ataque hacia su cultura y, según la unión cooperativa de la industria pesquera de Taiji, los manifestantes "tergiversan los hechos sobre esta industria pesquera". Por su parte, Hayden exige que se prohíba la caza de delfines en Japón.
En noviembre de 2007, el grupo por los derechos de los animales PETA concedió un premio, "La Compasión en Acción", a Hayden Panettiere, por sus esfuerzos para evitar la caza del delfín en Japón. (Ver página de PETA).[9]
Vida personal
En 2009, Panettiere conoció al entonces campeón mundial de boxeo de peso pesado Wladimir Klitschko en la fiesta de lanzamiento del libro "Room 23". Pronto empezaron a salir. En mayo de 2011, anunció que se habían separado. Ambos citaron la naturaleza a distancia de su relación como motivo y dijeron que seguirían siendo amigos cercanos. Panettiere confirmó los informes de que ella y Klitschko habían retomado su relación romántica en una entrevista en abril de 2013. En octubre de 2013, anunció su compromiso con Klitschko. En diciembre de 2014, Panettiere dio a luz a su hija. [10]
En agosto de 2018, la madre de Panettiere confirmó que Panettiere y Klitschko habían vuelto a romper, manteniendo una relación amistosa. Panettiere cedió la custodia total de su hija, Kaya, a Klitschko en 2018, en medio de luchas contra la adicción y la depresión posparto. Describió la decisión como una "pesadilla viviente" y "desgarradora", pero necesaria para su recuperación. A fecha de mayo de 2026, mantenía una buena relación de coparentalidad con Klitschko y visitaba frecuentemente a su hija.
Después de romper con Klitschko, empezó a salir con Brian Hickerson. En 2020, rompieron después de que él fuera arrestado por lesiones corporales a un cónyuge/compañero de convivencia, agresión e intimidación a un testigo (Panettiere). Los cargos se derivaron de supuestos incidentes entre mayo de 2019 y junio de 2020. Se declaró bisexual en 2026.[cita requerida]
Fallecimiento
Panettiere falleció en Greenville, Carolina del Sur, el 16 de agosto de 2026, a los 36 años.[11] Un comunicado policial indicó que fue declarada muerta en el lugar de los hechos y que los hallazgos preliminares no mostraron indicios de violencia.[12] La autopsia de la oficina forense determinó que la causa de la muerte fue paro cardíaco y no encontró signos de trauma.[13]
Homenajes
Su excompañera de reparto, Viola Davis, la describió como «un talento increíble... con un don extraordinario» y como «un alma sabia y madura con un corazón profundo». [14]Bryan Fuller, guionista de la primera temporada de Heroes, afirmó que era «más que una actriz, era una musa». [15]Otras figuras públicas, como Bethany Joy Lenz, Kelly Osbourne, Ashlee Simpson, Frankie Muniz, Amanda Bynes, Alexa PenaVega, Selma Blair, Melissa Barrera, David Arquette, Hilary Duff y Rosie O'Donnell, también le rindieron
Índice
Biografía[editar]
La Invención del Sintetizador Moog
Índice
Biografía[editar]
2020:
Muere Antonio Bayter Abud, sacerdote católico colombiano.
Carrera[editar]
Fallecimiento[editar]
John Allen Amos Jr. [ 1 ] (27 de diciembre de 1939 - 21 de agosto de 2024) [ 2 ] fue un actor estadounidense. Fue mejor conocido por su papel del adulto Kunta Kinte en la histórica miniserie Roots y por interpretar a James Evans Sr. en la serie de televisión de CBS Good Times . [ 3 ] Otros trabajos televisivos de Amos incluyen The Mary Tyler Moore Show , un papel recurrente como el almirante Percy Fitzwallace en The West Wing y el papel del alcalde de Washington, DC, Ethan Baker, en la serie The District . Amos ha aparecido en Broadway y en numerosas películas en sus cinco décadas de carrera.
Amos fue nominado a un premio Primetime Emmy y a un premio NAACP Image . En el cine, interpretó numerosos papeles secundarios en películas como The Beastmaster (1982), Coming to America (1988), Lock Up (1989), Die Hard 2 (1990) y Coming 2 America (2021). Antes de su carrera como actor, Amos jugó fútbol americano universitario en la Universidad Estatal de Colorado . También tuvo una breve carrera profesional en el fútbol americano, que incluyó pasar una parte de la temporada baja de 1967 para los Kansas City Chiefs de la Liga de Fútbol Americano .
Primeros años de vida
Amos nació en Newark, Nueva Jersey , el 27 de diciembre de 1939, hijo de Annabelle y John A. Amos Sr., un mecánico de automóviles. [ 4 ] Creció en East Orange , Nueva Jersey, y se graduó de East Orange High School en 1958. [ 5 ] Se inscribió en Long Beach City College y se graduó de Colorado State University , obteniendo la calificación de trabajador social con un título en sociología . [ 6 ] Amos jugó en el equipo de fútbol de la escuela . [ 7 ] Después de la universidad, fue campeón de boxeo Golden Gloves. [ 6 ]
Carrera futbolística
En 1964, Amos firmó un contrato como agente libre con los Denver Broncos de la American Football League (AFL). Incapaz de correr las 40 yardas debido a una distensión en el tendón de la corva, fue liberado el segundo día del campo de entrenamiento. [ 8 ] Luego jugó con los Canton Bulldogs y Joliet Explorers de la United Football League . En 1965, jugó con los Norfolk Neptunes y Wheeling Ironmen de la Continental Football League . En 1966, jugó con los Jersey City Jets y Waterbury Orbits de la Atlantic Coast Football League . [ cita requerida ]
En 1967, Amos firmó un contrato como agente libre con los Kansas City Chiefs de la AFL . El entrenador Hank Stram le dijo: "No eres un jugador de fútbol, eres un hombre que está tratando de jugar al fútbol". [ 9 ] Regresó a la Liga Continental, donde jugó ese año con los Victoria Steelers . [ cita requerida ]
Carrera de actuación
Amos se hizo muy conocido en su primer papel importante en la televisión, interpretando a Gordy Howard , el hombre del tiempo en The Mary Tyler Moore Show, desde 1970 hasta 1973. Tras la muerte de Betty White , Amos y Joyce Bulifant (que interpretó a Marie Slaughter) se convirtieron en los últimos miembros supervivientes del reparto semirregular de ese programa (sin contar a los actores infantiles). En 1971, apareció con Anson Williams en un anuncio de McDonald's , y actuó en un pequeño papel como ingeniero de radio en la película de culto , Vanishing Point , con Cleavon Little . [ cita requerida ]
Buenos tiempos (1974-1976)
Amos es mejor conocido por su interpretación de James Evans Sr. , el esposo de Florida Evans , apareciendo por primera vez tres veces en la comedia Maude antes de continuar el papel en 61 episodios de Good Times de 1974 a 1976. [ cita requerida ]
Aunque fue elegido para interpretar a un padre de mediana edad y trabajador con tres hijos, Amos tenía 34 años cuando el programa comenzó a producirse en 1973, solo ocho años mayor que el actor que interpretó a su hijo mayor ( Jimmie Walker ) y 19 años menor que su esposa en la pantalla ( Esther Rolle ). Al igual que Rolle, Amos quería retratar una imagen positiva de una familia afroamericana, luchando contra las adversidades en un vecindario pobre, pero vio que la premisa se veía menoscabada por una comedia de menor calidad, y expresó su insatisfacción. [ 10 ]
Durante su paso por Good Times , Amos chocó abiertamente con los guionistas del programa, debido a la falta de autenticidad de los guiones al retratar la experiencia afroamericana. En particular, criticó lo que sintió que era un énfasis excesivo en el personaje de Jimmie Walker, JJ, y un mayor desprecio por los otros dos hijos de Evans, así como la forma en que JJ fue retratado con una personalidad bufonada estereotipada. [ 11 ] [ 12 ] [ 13 ] [ 14 ] Esto llevó a su despido por parte del productor ejecutivo Norman Lear al final de la temporada 3 en 1976. En una entrevista de 2017, Amos dijo que le había dicho a los escritores, quienes, según Amos, no entendían a los afroamericanos, "Eso simplemente no sucede en la comunidad. No pensamos de esa manera. No actuamos de esa manera. No dejamos que nuestros hijos hagan eso ". [ 15 ]
Los guionistas mataron a su personaje , lo que dio lugar a una famosa escena en la que su esposa en la pantalla grita: "¡Maldita sea! ¡Maldita sea! ¡Maldita sea!".
Películas, música y otros papeles en televisión
En 1977, Amos protagonizó la miniserie de ABC-TV Roots , como el adulto Kunta Kinte, basada en el libro del autor Alex Haley. [ 16 ]
En 1980, protagonizó la película para televisión Alcatraz: The Whole Shocking Story . Amos interpretó a un personaje al estilo de Archie Bunker en la comedia de situación de 1994 704 Hauser , un spin-off moderno de All in the Family , pero fue cancelada después de solo cinco episodios (en la serie interpretó un personaje diferente al que hizo en el spin-off de All in the Family Maude ). También interpretó al capitán Dolan en el programa de televisión Hunter de 1984 a 1985. Coprotagonizó el drama policial de CBS The District . Amos fue un invitado frecuente en The West Wing , interpretando al almirante Percy Fitzwallace , quien se desempeña como presidente del Estado Mayor Conjunto durante la mayor parte del programa. Interpretó a Buzz Washington en la serie de ABC Men in Trees . Amos coprotagonizó con Anthony Anderson la serie de televisión de corta duración All About the Andersons en 2003. [ cita requerida ]
En 2010, Amos también apareció como el personaje recurrente Ed en Two and a Half Men , y en 2016 como otro personaje recurrente, también (casualmente) llamado Ed, en la comedia de Netflix The Ranch . Ha aparecido como estrella invitada en varios otros programas de televisión, incluidos Police Story , The A-Team , The Cosby Show , The Fresh Prince of Bel-Air , In the House , Martin como el sargento Hamilton Strawn (el padre de Tommy), Touched by an Angel , Psych , Sanford and Son , My Name Is Earl , Lie to Me y Murder, She Wrote . También ha aparecido como portavoz de Cochran Firm (una firma de abogados nacional de lesiones personales). [ 17 ]
Amos escribió y produjo Halley's Comet , una obra unipersonal aclamada por la crítica [ 18 ] que ha interpretado en todo el mundo. Amos actuó en Gem of the Ocean de August Wilson en Broadway y más tarde en el Teatro McCarther en Princeton, Nueva Jersey . [ cita requerida ]
Amos apareció en El atleta más grande del mundo (1973) de Disney con Tim Conway y Jan-Michael Vincent en su primer papel protagónico en una película, y también protagonizó a Kansas City Mack en Let's Do It Again (1975) con Bill Cosby y Sidney Poitier . Sus otras apariciones en películas incluyen Punto de fuga (1971), El avión del presidente ha desaparecido (1973), Touched by Love (1980), El señor de las bestias (1982), La danza de los enanos (1983), American Flyers (1985), Un príncipe en Nueva York (1988), Lock Up (1989), Two Evil Eyes (1989), Duro de matar 2 (1990) y Ricochet (1991). [ cita requerida ]
Apareció en la película de 1995 For Better or Worse e interpretó a un oficial de policía en The Players Club (1998). Interpretó al tío Virgil en My Baby's Daddy (2004) y protagonizó a Jud en Dr. Dolittle 3 (2006). En 2012, Amos tuvo un papel en la película Madea's Witness Protection , como el padre de Jake. Apareció en el video de 1994 de Ice Cube y Dr. Dre para " Natural Born Killaz ". [ cita requerida ]
En 2009, lanzó We Were Hippies, un álbum de canciones country originales de Gene y Eric Cash. [ 19 ]
En 2021, Amos protagonizó Because of Charley, como el patriarca de una familia ensamblada separada que sobrelleva el huracán que arrasó Florida en 2004. [ 20 ]
Vida personal
Amos era un veterano de la 50.ª División Blindada de la Guardia Nacional de Nueva Jersey y Jefe Maestro Honorario de la Guardia Costera de los Estados Unidos . [ 21 ] [ 22 ]
Amos se casó dos veces. Su primer matrimonio, de 1965 a 1975, fue con el artista y jinete Noel Mickelson, con quien tuvo dos hijos: Shannon Amos, escritora/productora y fundadora de Afterglow Multimedia, LLC, y el director nominado al Grammy KC Amos. La tensa relación entre Shannon y KC por el cuidado brindado a sus padres ha sido documentada por The Hollywood Reporter . [ 23 ]
Su segundo matrimonio, en 1978-79, fue con la actriz Lillian Lehman . [ 24 ]
Amos vivió durante muchos años en Tewksbury Township, Nueva Jersey . [ 25 ] En 2018, se mudó a Colorado. [ 23 ] En 2023, residió en Westcliffe, Colorado , donde la Oficina de Investigaciones de Colorado estaba investigando acusaciones de abuso de ancianos . [ 26 ] El mismo año, dejaría Colorado y establecería su residencia en Los Ángeles. [ 23 ]
Amos murió por causas naturales en Los Ángeles el 21 de agosto de 2024, a la edad de 84 años. Su muerte no fue anunciada hasta el 1 de octubre de 2024. [ 27 ] [ 28 ]
Premios
Además de su nominación al Emmy por Roots , Amos fue nominado a un premio CableACE, un premio NAACP Image y un premio DVD Exclusive. Amos ganó tres premios TV Land , llevándose trofeos a casa por sus papeles en The Mary Tyler Moore Show , Good Times y la miniserie de televisión Roots . [ cita requerida ]
En 2020, Amos fue incluido en el Salón de la Fama de Nueva Jersey . [ cita requerida ]
