viernes, 19 de junio de 2026

Un día como hoy 19 de junio


El 19 de junio es el centésimo septuagésimo día del año en el calendario gregoriano y el centésimo septuagésimo primero en los años bisiestos. Quedan 195 días para finalizar el año.


Podcast 2019



Santoral de la Iglesia Católica:

San Romualdo, abad


Abad

Martirologio Romano: San Romualdo, anacoreta y padre de los monjes Camaldulenses, que, habiendo nacido en Rávena, deseoso de la vida y disciplina eremítica, viajó por Italia durante varios años, durante los cuales fundó pequeños monasterios y promovió la vida evangélica entre los monjes, hasta que terminó su labor en el monasterio de Val di Castro, en el Piceno († 1027).
Fecha de canonización: Fue canonizado por Benedicto IX en 1032
Etimologicamentte: Romualdo significa: glorioso en el mando. El que gobierna con buena fama. (Rom: buena fama Uald: gobernar).
Breve Biografía

En un siglo en el que la relajación de las costumbres era espantosa, Dios suscitó un hombre formidable que vino a propagar un modo de vivir dedicado totalmente a la oración, a la soledad y a la penitencia, San Romualdo.

San Romualdo nació en Ravena (Italia) en el año 950. Era hijo de los duques que gobernaban esa ciudad.

Educado según las costumbres mundanas, su vida fue durante varios años bastante descuidada, dejándose arrastrar hacia los placeres y siendo víctima y esclavo de sus pasiones. Sin embargo de vez en cuando experimentaba fuertes inquietudes y serios remordimientos de conciencia, a los que seguían buenos deseos de enmendarse y propósito de volverse mejor. A veces cuando se internaba de cacería en los montes, exclamaba: "Dichosos los ermitaños que se alejan del mundo a estas soledades, donde las malas costumbres y los malos ejemplos no los esclavizan".

Su padre era un hombre de mundo, muy agresivo, y un día desafió a pelear en duelo con un enemigo. Y se llevó de testigo a su hijo Romualdo. Y sucedió que el papá mató al adversario. Horrorizado ante este triste espectáculo, Romualdo huyó a la soledad de una montaña y allá se encontró con un monasterio de benedictinos, y estuvo tres años rezando y haciendo penitencia. El superior del convento no quería recibirlo de monje porque tenía miedo de las venganzas del padre del joven, el Duque de Ravena. Pero el Sr. Arzobispo hizo de intermediario y Romualdo fue admitido como un monje benedictino.

Y le sucedió entonces al joven monje que se dedicó con tan grande fervor a orar y hacer penitencia, que los demás religiosos que eran bastante relajados, se sentían muy mal comparando su vida con la de este recién llegado, que hasta se atrevía a corregirlos por su conducta algo indebida y le pidieron al superior que lo alejara del convento, porque no se sentían muy bien con él. Y entonces Romualdo se fue a vivir en la soledad de una montaña, dedicado sólo a orar, meditar y hacer penitencia.

En la soledad se encontró con un monje sumamente rudo y áspero, llamado Marino, pero éste con sus modos fuertes logró que nuestro santo hiciera muy notorios progresos en su vida de penitencia en poco tiempo. Y entre Marino y Romualdo lograron dos notables conversiones: la del Jefe civil y militar de Venecia, el Dux de Venecia (que más tarde se llamará San Pedro Urseolo) que se fue a dedicarse a la vida de oración en la soledad; y el mismo papá de Romualdo que arrepentido de su antigua vida de pecado se fue a reparar sus maldades en un convento. Este Duque de Ravena después sintió la tentación de salirse del convento y devolverse al mundo, pero su hijo fue y logró convencerlo, y así se estuvo de monje hasta su muerte.

Durante 30 años San Romualdo fue fundando en uno y otro sitio de Italia conventos donde los pecadores pudieran hacer penitencia de sus pecados, en total soledad, en silencio completo y apartado del mundo y de sus maldades.

El por su cuenta se esforzaba por llevar una vida de soledad, penitencia y silencio de manera impresionante, como penitencia por sus pecados y para obtener la conversión de los pecadores. Leía y leía vidas de santos y se esmeraba por imitarlos en aquellas cualidades y virtudes en las que más sobresalió cada uno. Comía poquísimo y dedicaba muy pocas horas al sueño. Rezaba y meditaba, hacía penitencia, día y noche.

Y entonces, cuando mayor paz podía esperar para su alma, llegaron terribles tentaciones de impureza. La imaginación le presentaba con toda viveza los más sensuales gozos del mundo, invitándolo a dejar esa vida de sacrificio y a dedicarse a gozar de los placeres mundanos. Luego el diablo le traía las molestas y desanimadoras tentaciones de desaliento, haciéndole ver que toda esa vida de oración, silencio y penitencia, era una inutilidad que de nada le iba a servir. Por la noche, con imágenes feas y espantosas, el enemigo del alma se esforzaba por obtener que no se dedicara más a tan heroica vida de santificación. Pero Romualdo redoblaba sus oraciones, sus meditaciones y penitencias, hasta que al fin un día, en medio de los más horrorosos ataques diabólicos, exclamó emocionado: "Jesús misericordioso, ten compasión de mí", y al oír esto, el demonio huyó rápidamente y la paz y la tranquilidad volvieron al alma del santo.

Volvió otra vez al monasterio de Ravena (del cual lo habían echado por demasiado cumplidor) y sucedió que vino un rico a darle una gran limosna. Sabiendo Romualdo que había otros monasterios mucho más pobres que el de Ravena, fue y les repartió entre aquellos toda la limosna recibida. Eso hizo que los monjes de aquel monasterio se le declararan en contra (ya estaban cansados de verlo tan demasiado exacto en penitencias y oraciones y en silencio) y lo azotaron y lo expulsaron de allí. Pero sucedió que en esos días llegó a esa ciudad el Emperador Otón III y conociendo la gran santidad de este monje lo nombró abad, Superior de tal convento. Los otros tuvieron que obedecerle, pero a los dos años de estar de superior se dio cuenta que aquellos señores no lograrían conseguir el grado de santidad que él aspiraba obtener de sus religiosos y renunció al cargo y se fue a fundar en otro sitio.

Dios le tenía reservado un lugar para que fundara una Comunidad como él la deseaba. Un señor llamado Málduli había obsequiado una finca, en región montañosa y apartada, llamada campo de Málduli, y allí fundo el santo su nueva comunidad que se llamó "Camaldulenses", o sea, religiosos del Campo de Málduli.

En una visión vio una escalera por la cual sus discípulos subían al cielo, vestidos de blanco. Desde entonces cambió el antiguo hábito negro de sus religiosos, por un hábito blanco.

San Romualdo hizo numerosos milagros, pero se esforzaba porque se mantuviera siempre ignorado en nombre del que los había conseguido del cielo.

Un día un rico al ver que al hombre de Dios ya anciano le costaba mucho andar de pie, le obsequió un hermoso caballo, pero el santo lo cambió por un burro, diciendo que viajando en un asnillo podía imitar mejor a Nuestro Señor.

En el monasterio de la Camáldula sí obtuvo que sus religiosos observaran la vida religiosa con toda la exactitud que él siempre había deseado. Y desde el año 1012 existen monasterios Camaldulenses en diversas regiones del mundo. Observan perpetuo silencio y dedican bastantes horas del día a la oración y a la meditación. Son monasterios donde la santidad se enseña, se aprende y se practica.

San Romualdo deseaba mucho derramar su sangre por defender la religión de Cristo, y sabiendo que en Hungría mataban a los misioneros dispuso irse para allá a misionar. Pero cada vez que emprendía el viaje, se enfermaba. Entonces comprendió que la voluntad de Dios no era que se fuera por allá a buscar martirios, sino que se hiciera santo allí con sus monjes, orando, meditando, y haciendo penitencia y enseñando a otros a la santidad.

Veinte años antes el santo había profetizado la fecha de su muerte. Los últimos años frecuentemente era arrebatado a un estado tan alto de contemplación que lleno de emoción, e invadido de amor hacia Dios exclamaba: "Amado Cristo Jesús, ¡tú eres el consuelo más grande que existe para tus amigos!". Adonde quiera que llegaba se construía una celda con un altar y luego se encerraba, impidiendo la entrada allí de toda persona. Estaba dedicado a orar y a meditar.

La última noche de su existencia terrenal, fueron dos monjes a visitarlo por que se sentía muy débil. Después de un rato mandó a los dos religiosos que se retiraran y que volvieran a la madrugada a rezar con él los salmos. Ellos salieron, pero presintiendo que aquel gran santo se pudiera morir muy pronto se quedaron escondidos detrás de la puerta. Después de un rato se pusieron a escuchar atentamente y al no percibir adentro ni el más mínimo ruido ni movimiento, convencidos de lo que podía haber sucedido empujaron la puerta, encendieron la luz y encontraron el santo cadáver que yacía boca arriba, después de que su alma había volado al cielo. Era un amigo más que Cristo Jesús se llevaba a su Reino Celestial. Era el 19 de junio de 1027.

Todos estos datos los hemos tomado de la Biografía de San Romualdo, que escribió San Pedro Damián, otro santo de ese tiempo.

Al recordar los hechos heroicos de este gran penitente y contemplativo se sienten ganas de repetir las palabras que decía San Grignon de Monfort: "Ante estos campeones de la santidad, nosotros somos unos pollos mojados y unos burros muertos".

Fue canonizado por el Papa Gregorio XIII en el año 1582.




https://www.youtube.com/watch?v=DWYFJw5kD24



Día para la Eliminación de la Violencia Sexual en los Conflictos
La Asamblea General de las Naciones Unidas declara el 19 de junio Día Internacional para la Eliminación de la Violencia Sexual en los Conflictos.

Día Internacional para la Eliminación de la Violencia Sexual en los Conflictos 2020[editar]

El 19 de junio de 2015 la Asamblea General de las Naciones Unidas en la Resolución 69/293 "adoptó una resolución que declara el 19 de junio como Día Internacional para la eliminación de la violencia sexual en los conflictos, con la intención de generar conciencia al abordar ese flagelo.1​
El impacto de COVID-19 en los supervivientes de la violencia sexual en los conflictos
La pandemia de COVID-19 afecta drásticamente la vida de las víctimas y supervivientes de la violencia sexual relacionada con los conflictos, así como todos los aspectos del trabajo realizado por las oficinas de la Representante Especial del Secretario General sobre la Violencia Sexual en los Conflictos y la de la Representante Especial del Secretario General para la Cuestión de los Niños y los Conflictos Armados, y las Naciones Unidas en su conjunto.
La violencia sexual relacionada con los conflictos es un tipo de crimen que, lamentablemente, se denuncia poco, y la pandemia lo pone aún más en la sombra. El COVID-19 obstaculiza la posibilidad de que las víctimas denuncien la violencia sexual y exacerba aún más las barreras estructurales, institucionales y socioculturales existentes para denunciar tales delitos. El 23 de marzo, el Secretario General hizo un llamamiento mundial a un alto el fuego por el COVID-19 porque este "traería esperanza a los lugares más vulnerables a COVID-19".
Combatir la impunidad por la violencia sexual es un aspecto imprescindibñe para disuadir y prevenir este tipo de delito. Es, además, un elemento central en materia de reparación de las víctimas. En este sentido, el COVID-19 afecta de manera significativa y tiene un impacto perjudicial en todos los aspectos de la respuesta al estado de derecho, incluida rendición de cuentas en materia de protección de las víctimas y supervivientes de la violencia sexual relacionada con los conflictos. Esto conlleva limitaciones en la disponibilidad y capacidad para recibir y procesar informes sobre incidentes de violencia sexual por parte de las autoridades policiales y judiciales.
Organización de las Naciones Unidas
Temas del Día Internacional para la Eliminación de la Violencia Sexual en los Conflictos
AñoTema
2020El impacto de COVID-19 en los supervivientes de la violencia sexual en los conflictos
2018«Los sufrimientos y los derechos de los niños nacido de la guerra»
2017«Prevenir los delitos de violencia sexual mediante la justicia y la prevención»






https://www.youtube.com/watch?v=_FOfjjuSX60




1747: 

Muere Alessandro Marcello, compositor veneciano (n. 1669).

Alessandro Ignazio Marcello (Venecia, República de Venecia, 1 de febrero de 16731​ — ib., 19 de junio de 1747) fue un noble y diletante italiano que se interesó por diversas áreas, como la poesía, filosofía, matemáticas y, quizás en la que fue más notable, en música. Su obra más conocida es, tal vez, el Concierto para oboe en re menor.

Biografía[editar]

Coetáneo de Antonio Vivaldi, Marcello daba conciertos en su ciudad natal de Venecia. Compuso y publicó varios grupos de conciertos, incluyendo conciertos bajo el título de La cetra (la lira), así como cantatas, arias, canzonettas y sonatas para violin. Marcello a menudo componía bajo el pseudónimo de Eterio Stinfálico, su nombre como miembro de la famosa Academia de la Arcadia (Pontificia Accademia degli Arcadi).
Aunque sus obras se tocan con escasa frecuencia hoy en día, Marcello está considerado como un compositor muy competente. De acuerdo con el diccionario Grove Dictionary of Music and Musicians: «Sus conciertos de La cetra son inusuales por sus partes de instrumento de viento solista, junto con un conciso empleo del contrapunto al estilo vivaldiano, elevando su categoría a la más reconocida dentro del concierto clásico veneciano barroco».


Motivo principal del 1er movimiento: Andante.
Fue dada a conocer gracias a la transcripción en Re menor para clavecín de Johann Sebastian Bach (BWV 974).

Benedetto Marcello (1686 - 1739), hermano de Alessandro, fue compositor asimismo.

https://www.youtube.com/watch?v=rqoNPwAOBOw

1897: 

Nace Moe Howard, actor y comediante estadounidense (f. 1975).


Moe Howard (Bensonhurst, Nueva York, 19 de junio de 1897 - Los Ángeles, California, 4 de mayo de 1975) fue un actor estadounidense cinematográfico y de teatro, principalmente reconocido por formar parte del trío cómico Los Tres Chiflados.

Índice

  [ocultar] 
·         1Biografía
o    1.1Infancia
o    1.2Carrera actoral
o    1.3Los Tres Chiflados
o    1.4Muerte
·         2Enlaces externos

Biografía[editar]

Infancia[editar]

Sus dos hermanos mayores, Irving y Jack, fueron los únicos que no hicieron carrera en el mundo del espectáculo. Por esa razón, Irving fue el único que no "americanizó” su nombre cambiándolo a Howard.
Niño extremadamente inteligente y con gran capacidad de memoria, que luego aplicaría en su carrera, Moe se vio atraído muy pronto por el teatro y faltaba a menudo a la escuela para escabullirse a las representaciones durante la semana. De forma novedosa, Moe diseñó su propio estilo de peinado para escapar del look afeminado que su madre le imponía (20 bucles castaños) y que le era merecedor de burlas en el colegio. A los trece años de edad, se refugió en el baño de un amigo y cortó por lo sano, diseñando de casualidad el corte tipo taza que lo iba a caracterizar de por vida. Cuando volvió a su casa al verse en un espejo se largó a llorar y a medida que los otros integrantes de la familia llegaban se iban riendo del nuevo peinado del pequeño Moses. Moe estaba aterrorizado de lo que diría su madre. Cuando ella llegó y lo vio, lo único que alcanzó a decir entre lágrimas fue: "Suerte que tuviste el valor para hacerlo, yo no lo hubiera tenido".
Su primer contacto con el teatro fue en su etapa escolar, cuando dirigió y protagonizó una pequeña obra. A partir de ese momento sus calificaciones bajaron, a tal punto, que abandonó los estudios, sin completarlos en toda su vida. Por esta época sus padres no aprobaban demasiado la decisión de su hijo. Moe trataba de complacerlos estudiando cosas como electricidad, que luego abandonaba. Será en 1909 cuando Moe conocería a Ted Healy, desarrollándose entre ellos una amistad, que los llevó a que en 1912 consiguiera su primer papel en un acto circense.

Carrera actoral[editar]

Siguieron varios roles menores en bares y otros centros de entretenimiento, en algunos de los cuales comenzó a hacer pareja con su hermano mayor, Shemp, con quien empezó a recorrer distintos puntos de los Estados Unidos. El día que debutaron Moe y Shemp con el dúo "Howard y Howard", el último número luego de una veintena de artistas que actuaron durante horas, en la sala había quedado una sola persona que aplaudió de pie y con lágrimas en los ojos: el pequeño Curly.
De esta manera se vincularon a los circuitos de teatro de Lowe y RKO. En 1922 Moe y su hermano volvieron a encontrarse con Ted Healy, con quien representaron un número teatral bajo el nombre de Ted Healy and his Racketeers, conociendo los primeros éxitos de público desde entonces.
Éste fue el principio de la carrera de Moe como stooge, que, traducido al español significa chiflado, aunque en realidad, en la jerga teatral norteamericana de la época aludía a otra situación. El stooge era el actor (aparentemente secundario) que con su intervención daba pie a la respuesta o a la acción cómica del protagonista principal, papel más importante de lo que pudiera pensarse.
En 1925 Moe se casó con Helen Schonberger, prima del famoso mago y actor Harry Houdini, y que sería su compañera sentimental para el resto de su vida. A fines de 1926, su esposa le reclamó a Moe que abandonara el trabajo actoral para pasar más tiempo en la vida familiar, a lo que éste accedió, trabajando un tiempo en el negocio inmobiliario y en otros trabajos más "normales", sin demasiado éxito. Moe abandonó a Ted Healy en 1927, año en el que nació su primera hija, Joan Howard, la cual luego completaría un libro biográfico que escribió su padre. Su otro hijo, Paul Howard, nació en 1935.
Después de dos años de ausencia de la actuación, Moe retornó con Ted Healy en 1929 para realizar un acto en Broadway llamado "Una noche en Venecia". Por ese tiempo el grupo de Healy (Ted Healy and his Stooges), se componía de Moe, Shemp Howard, Larry Fine y Fred Sanborn. Con esta integración filmaron su primera película en 1930: "Soup to Nuts". Sin embargo, las desavenencias con el líder del grupo, al que se sumaba el alcoholismo de éste, hicieron que pronto Shemp se marchara para iniciar una carrera individual por varios años, hasta 1946.

Los Tres Chiflados[editar]

El reemplazo de Shemp fue su hermano Curly ("Babe"), su hermano menor, el cual desde entonces asumió su aspecto posteriormente conocido, afeitándose la cabeza y el bigote que hasta entonces usaba. El grupo de Ted Healy realizó algunas películas más para la MGM, hasta su disolución definitiva en 1934, año en que Moe, Larry y Curly pasaron a Columbia Pictures, en donde conocerían la fama con el nombre de Los Tres Chiflados, realizando (con los de Shemp y Joe Besserincluidos), 190 cortos hasta 1958.
Moe asumió en el trío el papel central, haciendo gala de un humor agresivo y violento en ocasiones que desarrolló en todos los años de su actuación al frente del mismo. Sin embargo, esta postura era la antítesis de lo que era el actor en la vida privada: sereno, sentimental y generoso tanto en la vida familiar como en la amistad. Este contraste era aún más manifiesto si se lo comparaba con sus compañeros en la pantalla: Larry era un jugador empedernido y Curly llevó una vida nocturna y rumbosa. Moe además fue el director financiero del trío, y quien se ocupaba de las negociaciones del mismo.
Su primera película para Columbia, Woman Haters (conocida en español como Los odiamujeres), de 1934, aún no mostró los caracteres definitivos de Los Tres Chiflados. En su siguiente corto, Punch Drunks (el único cuyo guion estuvo íntegramente escrito por ellos), la situación cambió por completo. Incluso en aquella primera época, considerada por muchos entusiastas del trío como la mejor del mismo, hasta 1940 aproximadamente, uno de sus cortos, Men in Black (1934), fue candidato a un Oscar de la Academia.
En la primera parte de la década de 1940, y como parte del "esfuerzo de guerra" con que Hollywood contribuyera a la causa de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, los Tres Chiflados realizaron varios cortos de contenido anti nazi, como You Nazty Spy (1940), (el corto favorito de Moe, según éste lo declararía después), su secuela I'll Never Heil Again (1941), y They Stooge to Conga (1943). En los dos primeros, Moe realizaría una hilarante caracterización del dictador alemán Adolf Hitler.
Tras la guerra, en 1946, a Curly se le había diagnosticado hipertensión, además de una hemorragia en la retina, lo cual, complicado con su obesidad y su régimen de vida muy desordenado, fue la causa que sufriera un accidente cerebral durante la filmación de Half-Wits' Holiday. A pesar de que Moe trató de obtener la mejor atención médica para su hermano menor, éste hubo de ser reemplazado por su hermano Shemp, quien retornó al grupo en 1947. A pesar de que Curly hizo un cameo en el corto Hold that Lion! ese año, no retornaría más a la actuación, muriendo en 1952.
Los Tres Chiflados continuaron realizando cortos para Columbia. En 1955, Shemp murió inesperadamente, siendo sustituido por Joe Besser, con quien se filmarían 16 cortos más hasta 1958. Por entonces, el estudio traspasó los cortos a una de sus empresas subsidiarias (Screen Gems) que los estrenó en televisión, conociendo los Tres Chiflados una mayor popularidad desde entonces, sobre todo entre audiencias más juveniles.
En los años 60 los Tres Chiflados participaron en varios largometrajes propios, la mayoría para Columbia, como por ejemplo Have Rocket, Will Travel (1959), Blancanieves y los Tres Chiflados (Snow White and the Three Stooges) (1961) (para 20th Century Fox), Los Tres Chiflados conocen a Hércules (The Three Stooges Meet Hercules) (1962), Los Tres Chiflados en Órbita (The Three Stooges In Orbit) (1962), The Three Stooges Go Around the World in a Daze (1963), y The Outlaws IS Coming! (1965). Moe tuvo algunas apariciones individuales en papeles menores, como el de un conductor de taxi en Space Master X-7 (1958), película de clase B donde un hongo misterioso invadía la Tierra. Por la época de los largometrajes mencionados el tercer chiflado fue Joe DeRita, a quien Moe eligiera por un cierto parecido físico con Curly, quien ya era visto por muchos en ese entonces como el chiflado más popular.
Durante esos años, Moe Howard trató de persuadir a Columbia Pictures para que le vendieran los derechos de los cortos de los Tres Chiflados por varios millones de dólares. Columbia prácticamente se rio de él fuera de la oficina. No es de extrañarse... el estudio ganaba cientos de millones de dólares por aquellos viejos filmes, y el dinero continuaba entrando a raudales Cada uno de los Chiflados hizo menos de la mitad de un millón de dólares, en total, sobre ese período de 24 años en el estudio. Hoy, la mayoría de las estrellas principales de televisión ganan más que eso en unos pocos meses.
También Los Tres Chiflados realizaron algunas apariciones en otras películas como artistas invitados: como bomberos, en el film de Stanley Kramer It's a Mad Mad Mad Mad World (1963) y 4 for Texas (1964), de Robert Aldrich, participando en una escena junto a Dean Martin y Ursula Andress. Sin embargo, el trío no era inmune al paso de los años, que hizo mella en el tipo de humor violento que siguieron cultivando. Tras varias presentaciones televisivas y algún piloto para TV, se retiraron a principios de la década de 1970.

Muerte[editar]

Moe murió en Los Ángeles, California, el 4 de mayo de 1975, de cáncer de pulmón, poco antes de cumplir los 78 años de edad.





1904:
Nace

Alberto Gómez (Lomas de Zamora, Buenos Aires, Argentina, 19 de junio de 1904-Lomas de Zamora, 1 de mayo de 1973) fue un cantante, compositor y actor argentino. Compositor del tango "Novia mía", también interpretado por El Caballero Gaucho.


https://www.youtube.com/watch?v=guur9mlE2-0




https://www.youtube.com/watch?v=PbwMzINQcNQ


Carrera

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Hijo de Francisco Aducci y Josefina Maurino, desde niño sintió influencia por el canto lírico que estudió desde muy joven. Era aún adolescente cuando le encomendaron personajes centrales de Cavalleria Rusticana y de La Traviata.[1]​

Alberto Gómez fue un popular cantante de tangos, que incursionó notablemente en la industria cinematográfica argentina junto a figuras eximias de la escena nacional como Tita Merello, Libertad Lamarque, Luis Sandrini, Azucena Maizani, Mercedes Simone, Alicia Vignoli, Domingo Sapelli, Nelo Cosimi, Perla Mux, Antonio Ber Ciani, entre otros.[2]​

Filmografía

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Etapa como cantor

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En 1927 surgió integrando el trío Parada- Gómez-Vila, sucedido por Gómez-Vila, un dúo junto a su amigo Augusto (Tito) Vila.[5]​ Actuaron como aficionados en cafés y teatros de Lomas de Zamora. Luego pasaron a los cines de la calle Corrientes, donde se unieron con el consagrado guitarrista Manuel Parada, con quien debutaron en la radio.[6]​

Si bien Alberto Gómez grabó su repertorio mayoritariamente acompañado por excelentes guitarristas, también realizó muchas versiones acompañado por los músicos de la casa Víctor e inclusive tuvo destacada participación como estribillista de la Orquesta Típica Víctor y de Adolfo Carabelli, cantando estribillos con el seudónimo de Nico.[7]​

Dueño de una voz refinada y con registro de tenor, popularizó varios tangos a lo largo de su carrera. Fue el cantor preferido de Enrique Santos Discépolo para interpretar su obra, Alma de bandoneón y Soy un arlequín.[8]​

Su apodo, El Pingo de Lomas, fue puesto por el zorzal Carlos Gardel, con quien tuvo la oportunidad de trabajar tanto en cine como en el escenario.

En su debut cinematográfico en 1933, en el film Tango!, se lució con el tema Mi desdicha.[9]​

En las décadas de 1940 y 1950, recorrió toda América Latina como Uruguay, Chile, Brasil, México, Colombia, Venezuela y Cuba donde hizo importantes giras, al igual que otros cantantes como Charlo, Ignacio Corsini, Agustín Irusta, Anita Palmero y Hugo del Carril.

Fue cantor nacional, estribillista y solista, nunca cantor de orquesta, por el mismo hecho de estar ausente cuando esta condición se instituyó con las grandes orquestas. También hizo temas para el sello Odeón, la RCA Víctor y la compañía TK.

Cantó también acompañado por Pedro Maffia en 1959 por Radio Belgrano y en los discos TK, con quien presentó los tangos Tinta verde, Orgullo tanguero, La mariposa, El Marne y Duelo criollo, entre otros.[10]​

También hizo interpretaciones de temas compuestos por autores mexicanos, como el bolero Traicionera, de Gonzalo Curiel, grabado en los años treinta o cuarenta, y la canción clásica mexicana La casita, una grabación realizada poco antes de su muerte. Esta última composición se debe a Felipe Llera y el poeta potosino Manuel José Othón.[11]​

Otros de sus temas fueron el vals Raquel, y los tangos Ventarrón, Ahora no me conoces, El pensamiento, Como abrazao a un rencor, Carillón de la Merced, Garúa, Déjame, no quiero verte más, Volvió la princesita, Ausencia (Vals, con la Orquesta Típica Victor, 1931), entre otros.

Etapa como compositor

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Además de su voz prodigiosa, Gómez fue un destacado compositor de tangos, entre ellos están:

Fallecimiento

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Alberto Gómez falleció a los 68 años el 1o de mayo de 1973 en una hospital de la provincia de Buenos Aires. Sus restos velados en la calle Gallo al 700 de la Capital, descansan en el Cementerio de la Chacarita.





1914: 

Nace Lorenzo Morales, compositor colombiano (fallecido en  2011).


Lorenzo Miguel Morales Herrera (n. Guacoche, Magdalena Grande el 19 de junio de 1914 - f. Valledupar, Cesar el 26 de agosto de 2011), conocido como Lorenzo Morales o por su apodo de "Moralito", fue un músico colombiano, acordeonero y cantautor de música vallenata.1 2 3
Es considerado una de las grandes leyendas vallenatas. El Festival de la Leyenda Vallenata de Valledupar lo homenajeó como «rey vitalicio».4
Morales fue con Emiliano Zuleta Baquero el protagonista del más famoso duelo musical de Colombia, el cual fue inmortalizado en la canción "La gota fría" e internacionalizado por el cantante colombiano Carlos Vives y el cantante español Julio Iglesias.
Como respuesta a Zuleta y su canción La gota fría, "Moralitos" compuso el tema La carta






1927:


Nace  Bernarda Seitz, religiosa, escritora, cocinera y presentadora de televisión argentina (fallecida en 2014).
María Bernarda Seitz, nacida como Florentina Seitz y más conocida como La Hermana Bernarda (General Acha, Argentina; 19 de junio de 1927 - Quilmes, Argentina; 16 de junio de 2014), fue una monja de la Iglesia católica, escritora, cocinera y presentadora de televisión argentina.1
Se hizo famosa y estrella de la televisión culinaria por sus programas en donde daba a conocer recetas de origen alemán, y compartía sus creencias e impresiones acerca de Dios, la Iglesia, el amor y la familia.
Tuvo su propio programa de televisión que la hizo saltar a la fama, el clásico programa Dulces Tentaciones en el canal Elgourmet.com durante varios años con gran éxito y en el canal de aire América 2. Uno de sus libros, titulado Hermana Bernarda 100 recetas: cocina y meditación, se encuentra entre los cuatro superventas argentinos.


1928:


Nace  Nancy Marchand, actriz estadounidense (fallecida en 2000).


Nancy Marchand (19 de junio de 1928 – 18 de junio de 2000) fue una actriz teatral, cinematográfica y televisiva estadounidense. Es quizás más conocida por su interpretación de Margaret Pynchon en la serie Lou Grant y el de Livia Soprano en Los Soprano.









1931: 

Nace Juan Carlos Moreno (1931-), guitarrista y cantante folclórico argentino, de Los Fronterizos.



Los Fronterizos es un conjunto folclórico argentino que se formó en la ciudad de Salta (en el norte argentino) en 1953.

Carrera[editar]

La primera formación era un trío, integrado por: Gerardo López ―quien sería llamado «la voz de Los Fronterizos»―, Carlos Barbarán y Emilio Solá.
En 1954, Solá se retiró y fue reemplazado por Cacho Valdez. Después Valdez se retiró y fue reemplazado por Eduardo Madeo, quien finalmente quedaría como integrante definitivo. Casi simultáneamente se sumó el guitarrista Juan Carlos Moreno,1​ el tercer «histórico» que ―junto a López, Madeo y Barbarán― conformó el cuarteto que grabaría los primeros simples.
En 1956, Carlos Barbarán se retiró del grupo y fue reemplazado por el cantante, compositor y arreglador César Isella. Sus extraordinarias voces y los novedosos arreglos musicales fueron grandemente admirados y sus discos alcanzaron altos niveles de ventas.
Tras unos primeros años de actuaciones locales, Isella, López, Madeo y Moreno viajaron a Buenos Aires para participar en programas de radio.
En 1964 les llegó la consagración internacional, tras la grabación de la Misa criolla de Ariel Ramírez. El gran éxito cosechado por esta obra les llevó a actuar en los más importantes auditorios del mundo. De aquí en adelante, el conjunto fue consolidándose y haciéndose conocido entre el gran público, con la colaboración del guitarrista y cantautor Eduardo Falú, del pianista y compositor folclórico Ariel Ramírez y del percusionista Domingo Cura.
En esos años se desarrolló en la música popular argentina el movimiento de la Nueva Canción, con fuerte raigambre popular y política. Dentro del grupo se generaron tensiones debido a las diferentes ideologías políticas de sus miembros. Esto llevó en 1966 al alejamiento de César Isella, quien comenzó una exitosa carrera solista, siendo sustituido por Eduardo Yayo Quesada (1941-2012). Sin embargo, el cuarteto siguió activo por todo el mundo y participó en viajes y presentaciones, especialmente por Latinoamérica y Europa. Presentaron su célebre Misa Criolla en Nueva York, desde Manhattan hasta la Estatua de la Libertad, mostrando sus característicos trajes de gaucho. Durante este recorrido fueron entrevistados para el programa conducido por Pipo Mancera, Sábados circulares.
En 1977, Eduardo Madeo se retiró del conjunto. En su lugar, ingresó el cordobés Omar Jara, con el que grabaron una segunda versión de la "Misa criolla", junto a la Orquesta Indoamericana - dirigida por Oscar Cardozo Ocampo - y al Coro de jóvenes del Collegium Musicum de Buenos Aires.
En 1979, Juan Carlos Moreno le ganó un juicio a Gerardo López por la posesión de la marca registrada Los Fronterizos. Gerardo López, Eduardo Madeo y Yayo Quesada se retiraron del grupo, para formar el conjunto de Las Voces de Gerardo López. Provisionalmente, Moreno integró a Fernando Xamena en lugar de Jara, a César Isella en lugar de Quesada y a Germán Sánchez en lugar de López. Ambos conjuntos habían convivido con el nombre de Los Fronterizos durante 1978.
En 1981, Moreno contrató al dúo Abramonte (Juan Cruz y Segundo Rodas) y a Miguel Quintana. Esta formación firmó su contrato con EMI Odeón Argentina.
En 1987, Juan Carlos Moreno, Segundo Rodas y Miguel Quintana abandonaron el conjunto. Ese año obtuvieron el Premio Konex (Diploma al Mérito) como uno de los cinco mejores grupos de folclore de la década. Juan Carlos Moreno traspasó la titularidad del nombre "Los Fronterizos" a Juan Cruz.
Tres años después, en diciembre de 1990, Juan Cruz activó de nuevo el conjunto, contratando a Pepe Berrios, Roberto Medina - exintegrantes del conjunto Los de Salta - y David Apud.
En 1992 grabaron el álbum Lo mejor por los mejores donde recordaron los viejos éxitos. En 1993 falleció Pepe Berrios y su lugar fue ocupado por el mendocino Miguel Mora. En 1994 salió a la luz el disco Romance de luna y flor, grabado en el sello Magenta. A principios del año siguiente falleció trágicamente Roberto Medina y su lugar fue ocupado por el bonaerense Nacho Paz. Con esta formación grabaron tres discos: Pinturas de mi tierra (1996), Por tanto amor (1997), 50 años: un canto a la vida (2004) y una nueva versión de la "Misa criolla" (2005) junto al coro de la Catedral de San Isidro.
En diciembre de 1999 se reunió nuevamente la formación original de Los Fronterizos: César Isella, Juan Carlos Moreno, Eduardo Madeo y Gerardo López. Realizaron un concierto en el Estadio Chateau Carreras, en la ciudad de Córdoba, para interpretar la Misa criolla junto al pianista Ariel Ramírez (compositor de la música). El evento congregó a más de 35.000 espectadores que aclamaron a la formación. En 2000, Eduardo Madeo, Gerardo López y Yayo Quesada, junto con el guitarrista Óscar Espeche, grabaron un disco llamado Nuevamente juntos, donde recordaron éxitos de las viejas épocas. En 2002 viajaron a Castellón y Palma de Mallorca, España, presentándose con el nombre de Los Fronterizos, y cosecharon un éxito destacable.
En 2009, Nacho Paz abandonó el grupo y fue reemplazado por Sergio Isella (sobrino de César Isella) y así continuaron las giras por Argentina y Latinoamérica.
En 2011, Sergio Isella abandonó el conjunto y se integró a Las Voces de Gerardo López (quien había fallecido en 2004). Su lugar fue ocupado por José Muñoz, de Los Altamirano. Durante todo ese año Los Fronterizos viajaron por el sur de la Argentina.
En noviembre de 2015 falleció Juan Cruz, propietario hasta entonces del nombre "Los Fronterizos". Su puesto en el conjunto fue ocupado por Nestor De Volder. También reingresó en el grupo Nacho Paz, puesto que José Muñoz tuvo que ocupar el puesto de David Apud. En 2017, salió el más reciente trabajo discográfico, hecho con Garra Records.



https://www.youtube.com/watch?v=XKfxER33Bcw&list=PLKy2PMKItbbXP4s1Wuxu9vUoEMcfW7Esh



1937: 

Muere James Matthew Barrie, novelista y dramaturgo británico (nacido en 1860). Creador de Peter Pan.



Sir James Matthew Barrie, comúnmente conocido como J. M. Barrie (9 de mayo de 1860 - 19 de junio de 1937), fue un novelista y dramaturgo británico. Es especialmente famoso por haber creado el personaje de Peter Pan, basado en sus amigos, los niños Llewellyn Davies.
Segundo de diez hermanos, Barrie nació en Kirriemuir, Angus y fue educado en The Glasgow Academy y la Universidad de Edimburgo. Ejerció de periodista en Nottingham, luego en Londres, y luego pasó a ser novelista y posteriormente autor teatral.
Nombrado baronet en 1913, Barrie está enterrado en Kirriemuir junto a sus padres, su hermana y su hermano mayor David, quien había muerto en un accidente de patinaje justo antes de cumplir los 14 años.






1944: 

Nace Chico Buarque, cantautor, poeta y escritor brasileño.

Francisco Buarque de Hollanda (Río de Janeiro, 19 de junio de 1944), más conocido como Chico Buarque, es un poeta, cantante, guitarrista, compositor, dramaturgo y novelista brasileño.
Se le conoce principalmente por sus canciones de refinada armonía, deudoras en parte de Antônio Carlos Jobim[cita requerida], y por sus letras, que oscilan entre una temática de carácter intimista, hasta cuestiones como la situación cultural, económica y social de Brasil. A lo largo de su vida ha ido alternando su carrera musical con la de novelista y dramaturgo. Sus tres últimas novelas, Budapeste (2005), Leite derramado (2009) y El hermano alemán (2016), han sido muy aclamadas y merecedoras del importante Premio Jabuti.

Biografía[editar]

Nació en el seno de una familia intelectual y privilegiada. Su padre, Sergio Buarque de Hollanda, era un conocido historiador y sociólogo. Buarque fue un niño estudioso con un interés precoz en la música y la escritura. Desde temprano le impresionó la música, sobre todo la bossa nova y en especial el trabajo de João Gilberto.
Se casó con la actriz Marieta Severo, con quien tiene tres hijas.

Su obra[editar]

El debut público de Buarque como músico y compositor ocurrió en 1964 y pronto se hizo una reputación a través de su participación en festivales musicales y programas de televisión. Su primer álbum, Chico Buarque, mostraba el trabajo por venir, con sambas pegadizos, caracterizados por juegos de palabras creativos y un trasfondo de nostalgia trágica.
Después del Golpe de Estado en Brasil de 1964, Chico empezó a escribir sobre la situación y evitó la censura al usar analogías crípticas y juegos de palabras. Su cada vez mayor actividad política y su colaboración con cineastas, dramaturgos y músicos en trabajos que protestaban contra la dictadura militar de Brasil le valió ser arrestado en 1968 y lo movió al exilio a Italia en 1969. Chico Buarque regresó a Brasil en 1970, donde empleó su fama y habilidad para escribir canciones como protesta contra la dictadura. Un ejemplo de ello fue la canción "Cálice" (1973), que fue compuesta por el en conjunto con Gilberto Gil, ya que juega con las palabras portuguesas para "cállese" y "cáliz" para cantar sobre la opresión militar bajo la apariencia de relato bíblico.
Durante esa época su sencillo de protesta (ligeramente disimulada) "A pesar de você" pasó desapercibido de alguna manera por los censores militares y se convirtió en el himno del movimiento democrático. Después de vender 100.000 copias, el sencillo fue finalmente censurado y todas las copias fueron retiradas del mercado. A pesar de la censura, canciones como "Samba de Orlý" (1970), "Acorda amor" (1974) y "Vai passar" (1983) hicieron patente la continua oposición de Chico. También es cierto, sin embargo, que sus letras abordan temas de carácter más personal, con un aire sutil, y en un contexto musical hondo y refinado.

Silvio Rodríguez lo nombra en su canción "Quién Fuera (Corazón)", también Fito Páez lo menciona en su canción "Carabelas Nada". En 1998, la escuela de samba de Mangueira ganó el primer lugar del carnaval carioca con un tema de homenaje a Chico Buarque.

https://www.youtube.com/watch?v=33-bMTOlvx0



https://www.youtube.com/watch?v=kb8bGEiW1k4



1944: 

 Nace Peter Bardens, tecladista británico, de la banda Camel.


Peter Bardens (19 de junio de 1944 - 22 de enero de 2002) fue un músico británico, reconocido por haber sido pianista, tecladista y uno de los miembros fundadores del legendario grupo de rock progresivo Camel.
Nació en Westminster, al sur de Londres, y se integró en la banda desde sus comienzos en el año 1971. Junto a Andrew Latimer, marcó el rumbo y la definición de la línea conceptual del grupo y participó en la creación de casi todos los temas. En 1978 decidió dejar la banda por sus crecientes diferencias con el propio Latimer, en el momento de mayor creatividad del grupo.
Como era habitual en los teclistas progresivos de los años 70, Bardens basaba su trabajo en el sonido característico del órgano Hammond, los sintetizadores analógicos, el Mellotron y también el piano.

Comienzos[editar]

Bardens estudió en el St. Marylebone Grammar School y luego en la escuela de arte Byam Shaw. Su primer instrumento fue el violín y más tarde el piano clásico. Con el tiempo se iría acercando hacia el blues y el jazz, aunque también vivió intensamente el surgimiento del pop.
Comenzó su carrera en un trío llamado Hamilton King's Blues Messengers, en el año 1962, donde también estaba Ray Davies. Posteriormente, junto con Mick Fleetwood, formó el grupo llamado The Cheynes, entre 1963 y 1965.
En 1965 fue teclista de la banda Them, que también integraba Van Morrison. Luego formó el grupo denominado Peter B's Looners, que se convertiría más tarde en The Shotgun Express, entre 1966 y 1967, una banda de pop rock integrada asimismo por Rod Stewart, Peter Green y su gran amigo Mick Fleetwood, estos dos últimos luego fundadores de Fleetwood Mac.
En mayo de 1968 formó el trío Village, y dos años más tarde inició un período como solista, editando su primer álbum, "The Answer", en septiembre de 1970. Su siguiente obra se llamó "Write My Name in the Dust" y fue editada en julio de 1971, en la cual participaron Peter Green, Vic Linton, Reg Isadore, Bruce Thomas y John Owen.
En 1971 se unió a Andrew Latimer, Doug Ferguson y Andy Ward para fundar el grupo Camel, lo que representó el período más trascendente de su prolongada actividad como músico y compositor de rock progresivo y sinfónico.

Trayectoria posterior a Camel[editar]

En 1978 Bardens dejó Camel y se unió a la banda de Van Morrison para grabar su álbum de estudio Wavelength y realizar la consecuente gira de presentaciones en directo. Tuvo diversas incursiones en la experimentación con música electrónica, hasta que en 1984 formó el grupo llamado Keats, cuyo único álbum contó con Alan Parsons como productor. En el mismo año, y ante una ovación del público, fue invitado a tocar teclados en dos temas (Rhayader y Rhayader Goes to Town) en el concierto Pressure Points que Camel brindó en Hammersmith Odeon, Londres.
En 1985 dejó Inglaterra y se mudó a Malibú, California. A finales de los ochenta y principios de los noventa continuó con algunos trabajos solistas basados en música electrónica. De este período puede nombrarse el álbum Seen One Earth, de 1986, con relativo éxito comercial. En 1988 editó Speed of Light, para el cual invitó nuevamente a Mick Fleetwood, quien tocó la batería en varios temas.
En 1994 Peter Bardens dejó transitoriamente su residencia en Malibú y regresó a Inglaterra para unirse al proyecto de Andy Ward, exbatería de Camel, y junto a Dave Sinclair, Steve Adams y varios ex miembros del grupo Caravan formaron la banda "Mirage", viajando en diversas giras por Europa durante el invierno de 1995. Principalmente interpretaban temas de Camel y Caravan, y de esta época queda un álbum doble grabado en directo con el mismo nombre del grupo.
De regreso en California, durante un tiempo Bardens continuó utilizando el nombre "Mirage" para su propia banda y luego adoptó el de "Peter Barden's Speed of Light".

Últimos años[editar]

En 2001 le fue diagnosticado un tumor cerebral. Su último concierto fue realizado en el verano del mismo año, en Los Ángeles, inmediatamente después de dicha contingencia. Durante la emotiva presentación compartió escenario junto a su amigo de toda la vida, Mick Fleetwood, y, además, con John Mayall, John McVie, Ben Harper y otros. Murió en Malibú el 22 de enero de 2002.
En el mes de julio del mismo año, Andrew Latimer dedicó a la memoria de Peter Bardens el álbum de estudio A Nod and a Wink, el último editado por Camel hasta el presente.



 https://www.youtube.com/watch?v=El9GSoOvcD4





1947: 

 Nace Sir Salman Rushdie, escritor indo-británico.


Salman Rushdie (en cachemir अहमद सलमान रुशदी (Devanagari), احمد سلمان رشدی (Nastaʿlīq) Bombay; 19 de junio de 1947) es un escritor y ensayista indio-británico, cuyas dos novelas más famosas son Hijos de la medianoche (Midnight's Children, 1981) y Los versos satánicos (The Satanic Verses, 1988). Su estilo ha sido comparado con el realismo mágico hispanoamericano, y la mayor parte de sus obras de ficción han suscitado varias polémicas por su crítica a las diferentes ideologías políticas y sociales.

Biografía[editar]

Ahmed Salman Rushdie nació en Bombay el 19 de junio de 1947, solo dos meses antes de que la India se independizase del dominio colonial británico,1​ en una acomodada familia de cachemires de cultura musulmana, aunque su padre, Anis Ahmed Rushdie —un hombre de negocios que había estudiado en Cambridge—2​ no era creyente.3​ Su madre, Negin Butt, era maestra. En su hogar se hablaba tanto inglés, la principal lengua de cultura de la joven nación india, como urdú.1​
El apellido “Rushdie” fue una invención de Anis, el cual adoptó por su admiración a Ibn Rush (“Averroes” en occidente) por considerar al filósofo como un pensador a la vanguardia del argumento racionalista contra el literalismo islámico4​.
A los trece años, en enero de 1961, Rushdie fue enviado por sus padres al Reino Unido, donde estudió en Rugby School, uno de los más prestigiosos internados británicos. Allí fue atormentado por sus compañeros a causa de su origen indio y de sus escasas dotes deportivas.2​ Más tarde estudió en el King's College de la Universidad de Cambridge, donde obtuvo la maestría en historia en 1968 especializándose en temas islámicos.5​
Antes de ser escritor, Rushdie se desempeñó como publicista en diferentes agencias, la influencia de esta experiencia se puede ver en sus obras. En Los versos satánicos se pueden leer algunas como "Send your voice on a magic-carpet to India, no djiins or lamps required" o "SCISSORS- FOR THE MAN OF ACTION, SATISFACTION"5​
En 2004 se casó por cuarta vez con la conocida modelo y actriz india Padma Lakshmi, de la cual se divorció en 2007.
Miembro del PEN Center de Estados Unidos (lo presidió en 2005-20066​), asociación de escritores perteneciente a PEN Club Internacional.

Carrera literaria[editar]

La primera novela de Rushdie fue Grimus (1975) con la editorial Jonathan Cape, de la cual Liz Calder editora (y fue el primer libro editado por ella) y su agente británica era Deborah Rogers. Grimus no tuvo gran impacto. Rushdie cree que se equivocó de método y la repudia como trabajo mal realizado.Según Miguel Saénz aunque intentó convencer al autor de traducir la novela al español, este se ha negado a dar su aprobación5​.
Su siguiente obra, sin embargo, lo catapultaría a la fama. En 1980, la novela Hijos de la medianoche, una de las obras de ficción en inglés más importantes y conocidas del siglo XX, marcó un hito en la narrativa india en lengua inglesa y le valió el Premio Booker , el galardón literario más prestigioso del Reino Unido, en el año 1981. En 1993, esta obra fue premiada con el llamado Booker of Bookers, premio concedido al mejor de todos los libros galardonados con el Premio Booker en sus primeros 25 años de existencia. Años después Joan Bakewell reveló que temía que Malcom Bradbury intentará convencer al resto de jurados a votar por El hotel blanco de D.M. Thomas, sin embargo, Bekewell con otros miembros del jurado se mantuvieron firmes en la decisión de votar por Hijos de la medianoche. La votación quedó 3-2 a favor de Rushdie4​. Hijos de la medianoche es considerada por muchos como la mejor obra de Rushdie hasta la fecha, y una de las grandes obras de la literatura universal.
La novela narra la historia de un niño con poderes paranormales que nace precisamente en la medianoche del 15 de agosto de 1947, en el momento exacto de la independencia de India y Pakistán. El libro provocó una cierta controversia en la India por contener referencias consideradas despectivas hacia la entonces primera ministra Indira Gandhi.
La BBC TV intento adaptar Hijos de la medianoche a una miniserie de cinco capítulos, pero la complejidad de la novela dificultó la realización del guion, además de contar con poca disposición política. El 29 de junio de 2018, Netflix ha anunciado que hará una adaptación original de la novela.7​
Dos años después, se publicó Vergüenza (Shame). La novela tiene lugar en un país imaginario que coincide con Pakistán, en donde fue censurada por la crítica que presenta la novela al régimen fundamentalista y militar del general Muhammad Zia-ul-Haq, a Zulfikar Ali Bhutto y su hija Benazir Bhutto, primera ministra de Pakistán recién depuesta5​.Vergüenza refleja los sentimientos de rechazo del autor hacia Pakistán cuando hace referencia a este país como “recordando a la Roma de los césares, donde tiranos dementes se acostaban con sus hermanas y nombraban senadores a sus caballos y tocaban lira mientras la ciudad ardía”.4​
En 1987 publicó La sonrisa del jaguar (The Jaguar Smile: A Nicaraguan Journey), un libro de viajes sobre Nicaragua, país en el que se interesó debido a que Hope Portocarrero, mujer del dictador, se mudó a la misma calle donde vivía el narrador en Londres y, durante algunas semanas tuvo que soportar las fiestas, las aceras ocupadas por los Rolls-Royce y numerosos personajes de la realeza que frecuentaban a Madame Somoza. Hasta cuando Rushdie se mudó y tuvo un hijo exactamente un mes antes del 17 de julio de 1979, cuando los Somoza cayeron y huyeron. Cuando la administración Reagan inició su ofensiva contra los sandinistas, Rushdie se interesó por el tema y en julio de 1986 permaneció durante tres semanas investigando, preguntando, hurgando. Un año después, en 1988, apareció su novela Los versos satánicos, obra que generó gran revuelo cultural y político, le valdría una condena a muerte en un edicto religioso, o fatwa, emitido por el ayatolá Ruhollah Jomeiní, por el supuesto contenido blasfemo del libro.8​
La novela de Los versos satánicos se desarrolla en Londres y toca el problema del racismo del cual el autor sufrió sus consecuencias cuando estudió en el Rugby School. La novela mezcla la realidad y la ficción para cuestionar parámetros que se creen fijos e invariables como las nociones del bien y el mal. La novela habla de una religión de la “Sumisión” con su profeta Muhammad, el arcángel Gibreel y otras similitudes con la historia del islam. Estos paralelismos se asumieron como blasfemia contra el islam y Mahoma, lo cual trajo consecuencias políticas y culturales sobre la obra y su autor.  Los versos satánicos quedó como finalista en el premio Booker de 1988.
Martínez Bernardo rescata el comentario de Rushdie en que Hijos de la medianoche, Vergüenza y Los versos satánicos forman una trilogía, aunque sin un personaje en común, sobre los origines del autor, su impresión sobre temas como el de la emigración, la política y la sociedad de cada uno de los mundos donde se desarrolla cada novela.5​
En 1990 publicó Harún y el mar de las historias (Haroun and the Sea of Stories), obra alegórica infantil que trata los problemas sociales del subcontinente indio. El libro se vio afectado por la polémica de la novela anterior, Viking se negó a publicar el libro. Hubo negociaciones con Random House para publicarlo, pero nunca llegaron a feliz término por las exigencias de la editorial para cambiar partes del contenido a las que Rushdie se negó. Finalmente, el libro fue publicado por Granta Books. El libro recibió el premio del Guilda de Escritores de Gran Bretaña por mejor libro infantil del año.  A esa obra le seguirían el libro de relatos Este, oeste (East, West) en 1994, y las novelas El último suspiro del moro (The Moor's Last Sigh) en 1995, el cual para principios de 1996 una venta de 200 000 ejemplares en tapa dura. Sin embargo, surgieron conflictos en India y el gobierno prohibió la importación en la aduana, pero la editorial Rupa, editorial india, interpuso una demanda lo que obligó al gobierno a levantar la prohibición4​. El libro recibió el premio British Book Award y el premio Aristeion de la Unión Europea.
En 1999 publicó El suelo bajo sus pies (The Ground beneath her Feet), Furia (Fury) en 2001. En 2005 se publicó su octava novela para adultos, Shalimar el Payaso (Shalimar the Clown), a la que seguirían La encantadora de Florencia (The enchantress of Florence) tres años después y, en 2010, la infantil Luka y el fuego de la vida (Luka and the Fire of Life).

Realismo mágico[editar]

El estilo de Rushdie ha sido comparado con el realismo mágico latinoamericano, por la mezcla de ficción, magia y no ficción en sus relatos. La mayor parte de sus obras de ficción están ambientadas en el subcontinente Indio y están influidas por las diversas religiones (musulmana,  hinduista y otras), el ambiente socio-político de la India, Pakistán e Inglaterra, países en los que ha vivido, la mezcla de idiomas urdú e inglés. Rushdie logra fusionar la realidad con la magia de los mitos y leyendas del continente indio con tanta naturalidad que lo mágico termina siendo parte de la cotidianidad.

El problema de la libertad de expresión[editar]

Rushdie en sus escritos siempre ha planteado críticas frente a los gobiernos de los países en los que ha vivido y contra el extremismo religioso. "Nunca me consideré un escritor preocupado por la religión, hasta que una religión empezó a perseguirme", afirma en su artículo El problema de la religión, en el que agrega que el problema no reside solo en el integrismo islámico sino también en el fanatismo cristiano encarnado en la figura de Tony Blair, y en el gobierno estadounidense de George W. Bush.9​ Además, se ha mostrado en contra de la ley que prohíba "la incitación al odio religioso", por considerarla extremadamente restrictiva y contraria a la libertad de expresión. Pese a ser votante del laborismo, se ha referido a Blair como un primer ministro autoritario.
Por otra parte, Rushdie ha señalado que una sociedad libre y civilizada debería ser juzgada por su disposición a aceptar la pornografía, y que su situación en la cultura musulmana (censurada y prohibida en varios países) es el resultado de la segregación de sexos y discriminación de las mujeres.

Polémica sobre Los versos satánicos[editar]

La publicación de Los versos satánicos, en 1988, provocó una polémica inmediata en el mundo musulmán debido a la supuesta irreverencia con que se trata a la figura del profeta Mahoma. India prohibió el libro el 5 de octubre, y Sudáfrica el 24 de noviembre. Al cabo de varias semanas, Pakistán, Arabia Saudita, Egipto, Somalia, Bangladés, Sudán, Malasia, Indonesia y Qatar también habían prohibido la novela.
Debido a las diferencias económicas, Rushdie rompió sus lazos profesionales con Liz Calder y Deborah Rogers, cuando Calder abandonó la editorial Jonathan Cape para cofundar la editorial Bloomsbury. Tomó como representantes a Andrew Wylie, quien inicialmente solo lo representaba en USA y luego paso a ser su representante mundial, y Gillon Aitken. Así que Rushdie debió buscar una nueva editorial. La oferta más alta para los derechos de publicación la realizó la editorial manejada por Rupert Murdoch, sin embargo, Rushdie la rechazo por el consejo de sus representantes. Finalmente, los derechos de publicación en lengua inglesa se vendieron en Viking el 15 de marzo de 1988, el libro se publicó en Londres el 26 de septiembre.4​
El 14 de febrero de 1989, un edicto religioso, o fatwa, instando a su ejecución fue leído en Radio Teherán por el ayatolá Ruhollah Jomeiní, líder religioso de Irán. El edicto acusaba al libro de "blasfemo contra el Islam". Además, Jomeiní acusó a Rushdie del pecado de "apostasía", el abandono de la fe islámica que según los ahadiz, o tradiciones del profeta, debe castigarse con la muerte. La acusación de apostasía se debió a que Rushdie a través de la novela afirmaba no creer ya en el Islam. Jomeiní hizo un llamamiento a la ejecución del escritor, y también a la ejecución de aquellos editores que publicaran el libro conociendo sus contenidos. A pesar de que Irán ya no busca la ejecución de la fatwa, esta solo podría haber sido revocada por la persona que la emitió, Jomeiní, fallecido en 1989. Por ello, aún hoy en día algunos grupos fundamentalistas consideran que sigue siendo válida independientemente de la postura del gobierno iraní.
Esto tuvo una repercusión en el mundo editorial a nivel global. La editorial Kiepenheuer und Witsch rescindió el contrato e intento cobrar los costes de seguridad. Al final la edición alemana fue publicada por un consorcio de editores, libreros y demás, bajo el nombre de Artikel, método utilizado también por España. En Francia, el editor Christian Bourgois rehusó varias veces sacar la edición en francés, pero finalmente cedió a la presión. A pesar de la prohibición, en varias emisoras piratas en Irán se hacían lecturas de Los versos en farsi. La traducción al turco fue realizada por Aziz Nesin de manera pirata y publicada en el periódico de izquierda Aydinlik.
El procedimiento normal de una edición de cualquier libro es primero sacar la versión en tapa dura y luego lanzar su versión en rústica. Sin embargo, para el caso de Los versos la edición en rústica, planeada para finales de 1989, se demoró en aparecer en el mercado más tiempo del normal, pues Viking se mostraba cauto e intentó postergar su publicación durante el mayor tiempo posible. En el primer año de aniversario de la quema del libro en Bradford, una encuesta realizada a las librerías británicas mostraba que 57 eran partidarias de la publicación en rustica, 27 se oponían y 16 no opinaban. Las primeras ediciones en rústica aparecieron en Países Bajos, Dinamarca y Alemania. Finalmente, la primera edición en rústica se publicó mediante la creación de una sociedad llamada The Consortium, Inc., conformada oficialmente por Gillon Aitken, Andrew Wylie y Salman Rushdie; George Craig, editor de HarperCollins, concedió apoyo económico y administrativo. La primera tirada fue de 100 000 ejemplares.4​
Rushdie, en Joseph Anton, relata que una publicación en la revista India Today fue "la cerilla que prendió el fuego". El artículo puso de relieve los aspectos "controversiales" de la novela dándole una interpretación imprecisa del contenido del libro. Este artículo fue leído por el parlamentario indio y conservador islámico Syed Shahabuddin, el cual escribió una "carta abierta" titulada "Señor Rushdie, ha hecho usted esto con premeditación satánica"4​.

1948: 

Nace Nick Drake, cantautor folk británico (f. 1974).












https://www.youtube.com/watch?v=aXnfhnCoOyo
Nicholas Rodney «Nick» Drake (Rangún, Birmania; 19 de junio de 1948-Warwickshire, Inglaterra; 25 de noviembre de 1974) fue un cantautor y músico británico. A pesar de que tuvo poco éxito comercial durante su vida, su trabajo es muy apreciado en la actualidad por los críticos y por otros músicos, y es considerado uno de los más grandes artistas del siglo XX.1​2​
El instrumento principal de Drake fue la guitarra, pero también sabía tocar el piano, el clarinete y el saxofón. Drake firmó un contrato con Island Records cuando tenía veinte años, y en 1969 editó su primer álbum, Five Leaves Left. Editó otros dos discos, pero inicialmente ninguno vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake rehusaba realizar presentaciones en vivo y entrevistas.1​ Drake luchó contra la depresión y el insomnio durante su vida, hecho que se reflejó en sus letras. Tras completar su tercer álbum, Pink Moon (editado en 1972), dejó de tocar y grabar y se fue a vivir a la casa de sus padres en Warwickshire.
Drake cursó Literatura Inglesa en la Universidad de Cambridge, pero abandonó sus estudios nueve meses antes de terminarlos para dedicarse a su carrera musical. Murió el 25 de noviembre de 1974 a los veintiséis años de edad, como resultado de una sobredosis de antidepresivos que tomaba para poder dormir. No ha podido establecerse si su muerte fue accidental o suicidio. Pasó los últimos años de su vida sumido en una honda depresión, por la que llegó incluso a ser hospitalizado.1​
Si bien no recibió reconocimiento en vida, en la actualidad es considerado un artista de culto,3​ y ha influido a músicos como Badly Drawn Boy, Robert Smith (de The Cure), Peter Buck (de R.E.M.), Kate Bush, Paul Weller, The Black Crowes y Mikael Åkerfeldt (Opeth).4​3​5​6​ En 1985 The Dream Academy llegó a las listas británicas y estadounidenses con "Life in a Northern Town", una canción sobre Drake y dedicada a él.7​ La primera biografía sobre Drake fue escrita en 1997 y al año siguiente se editó un documental llamado A Stranger Among Us.









1948: 

Nace Phylicia Rashād, actriz estadounidense.



Phylicia Rashād (nacida como Phylicia Ayers-Allen; Houston, Texas, 19 de junio de 1948) es una actriz, cantante y directora de escenografía estadounidense.
Índice
·         1Biografía
·         2Filmografía
o    2.1Televisión
o    2.2Películas
o    2.3Teatro
·         3Enlaces externos
Biografía[editar]
Rashād es hija de un indio Cherokee, y una afroamericana, y es hermana de la también actriz Debbie Allen. Pasó buena parte de su infancia en México, por lo que domina a la perfección el idioma español.
Se graduó en la Universidad de Howard donde posteriormente impartió clases de interpretación. Comenzó a cobrar notoriedad como actriz al participar en diversos montajes teatrales estrenados en Broadway, como Dreamgirls (1981) y The Wiz.
Además, en 1978, editó un disco, Josephine Superstar, musicalizando la vida de la vedette Joséphine Baker.
En televisión, se hizo popular gracias a su participación en la serie One Life to Live(1983), pero el auténtico éxito le llega de la mano de Bill Cosby, con el papel de su esposa, la abogada Clair Huxtable en la famosa sitcom La hora de Bill Cosby. Rashād interpretó el papel durante los ocho años de emisión de la serie, entre 1984 y 1992, alcanzando notables cuotas de popularidad en Estados Unidos y en muchos otros países en los que se transmitió la serie. Gracias al papel obtuvo dos Premios Emmy.
Tras la cancelación de la serie, volvió a repetir con Cosby dando vida de nuevo a su esposa, Ruth Lucas, en la comedia Cosby (1996-2000) y posteriormente en la serie de dibujos animados Little Bill (2000-2002).
En 2004 su interpretación en la obra A Raisin in the Sun le valió un Premio Tony, convirtiéndose en la primera mujer afroamericana en conseguir el galardón a la mejor interpretación de actriz protagonista. Estuvo nominada a un Premio Emmy por su interpretación del mismo papel en la adaptación televisiva de la obra.


En 2008 protagonizó el espectáculo Big Mama, en Broadway, una adaptación de la obra de Tennessee Williams La gata sobre el tejado de zinc, interpretada con actores afroamericanos.
1950: 

Nace Ann Wilson, música estadounidense, de la banda Heart.


Ann Wilson, es una cantante y compositora de rock nacida el 19 de junio de 1950 en San Diego, California (Estados Unidos).
Ann tuvo una formación musical clásica, su padre un oficial de la marina estadounidense, era un gran aficionado a la opera y a la buena música popular y siempre se escuchó en casa en su niñez a Judy Garland, Ray Charles, Frank Sinatra, Peggy lee y otros grandes artistas. Por el trabajo de su progenitor vivieron en diferentes ciudades como Seattle, Washington o países como Panamá, pero nunca faltaba un buen disco para alentar su pasión musical que se acrecentaba en su adolescencia, sobre todo el Rock and Roll.

Ella junto a su hermana Nancy Wilson formaron la legendaria banda Heart en 1973. Se destacó en el canto y la composición, pero también toca la guitarra y bajo. Ann es una de las mejores vocalistas femeninas de Rock de la historia y está en la lista "Top Heavy Metal Vocalists of All Time" (Los mejores vocalistas de Heavy de todos los tiempos), hecha por "Hit Parader Magazine" en 2006.

Dejando a un lado su carrera dentro de Heart y el grupo paralelo The Lovemongers, Ann Wilson ha sacado un disco en solitario recientemente, destacando su excelente voz que supo perdurar a pesar de los años:

Hope & Glory (2007).

HEART

Heart es una banda estadounidense de rock de Seattle compuesta por las hermanas Ann y Nancy Wilson, formada en los años 1970. Entre 1973 y 1976 la agrupación estuvo radicada en Vancouver, Canadá.
Atravesando diversos cambios en su formación, los únicos miembros constantes del grupo son las hermanas Wilson. El grupo se hizo famoso en los años 1970 con su música, principalmente las canciones «Magic Man», «Crazy On You» y «Barracuda», en la que se notaba la influencia de grupos de hard rock, como Led Zeppelin, incluso el estilo de música folk. Luego en los ochenta tuvieron un resurgimiento y gran éxito comercial gracias a temas como «Alone», «All I Wanna Do Is Make Love To You», «These Dreams», «What About Love?» o «Never», entre otros. La banda vendió cerca de 30 millones de discos en el mundo entero.


https://www.youtube.com/watch?v=1Cw1ng75KP0







1953: 

Nace Larry Dunn, músico estadounidense, de la banda Earth, Wind & Fire.





Larry Dunn (nacido Lawrence Dunn el 19 de junio de 1953) es un teclista, director musical y uno de los primeros miembros del grupo de música Earth, Wind & Fire . Dunn, junto con otros miembros de Earth, Wind & Fire, fue incluido en el Salón de la Fama de Rock & Roll en 2000.

Contenido

·         1carrera
o    1.1Tierra, viento y fuego
o    1.2carrera en solitario
·         2lanzamientos en solitario
·         3referencias
·         4enlaces externos

Carrera [ editar ]

Earth, Wind & Fire [ editar ]

Nacido como Lawrence Dunn, asistió a East High School en Denver , Colorado. Durante 1972 Dunn se unió a una nueva banda liderada y fundada por un músico de Chicago conocido como Maurice White con el nombre de Earth, Wind & Fire . Como tecladista, Dunn tocó con la legendaria banda durante los siguientes 11 años hasta su partida en 1983. [1]
Dunn hizo una aparición especial en el álbum de EWF 2013 Now, Then & Forever . [1]

Carrera en solitario [ editar ]

Como artista solista Dunn coprodució el álbum de Ramsey Lewis , Tequila Mockingbird [2], y el álbum de Lenny White , 1978, Streamline . [3]
Dunn también tocó los teclados en Ronnie Laws 1978 LP Flame , [4] Hubert Laws 1979 LP Land of Passion [5] y el álbum de 1979 de Dee Dee Bridgewater , Bad for Me . [6] Luego coprodujo el Best of Friends [7] de Twennynine en 1979 y su álbum de 1980, Tweennynine con Lenny White. [8]
Dunn continuó tocando en el LP Every Generation [9] de Ronnie Laws en 1980 y en su álbum de 1981 Solid Ground. [10] También produjo el LP Tender Togetherness de Stanley Turrentine en 1981 , [11] coprodució el álbum de 1983 de Level 42 Standing in the Light [12] y actuó en el LP de 1983 de Jennifer Holliday Feel My Soul [13]
Dunn más tarde apareció en el álbum de Morris Day , Color of Success, y Ronnie Laws, 1986 LP Mirror Town. Luego apareció en el álbum de Ramsey Lewis, Keys to the City, y Ronnie Laws, 1989 LP True Spirit. [14] [1]

Earth, Wind & Fire (en español: Tierra, Viento y Fuego), conocidos también como EWF, es un grupo musical estadounidense, formado en Chicago (Illinois) en 1970. Fue fundado por Maurice White. Utiliza varios géneros de música, una fusión de disco, R&B, funk con el jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y rock and roll. Durante su carrera han sido 20 veces candidatos a los Grammy, ganando 6 premios.1​ También obtuvieron su propia estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, junto a la del jamaicano Bob Marley.




https://www.youtube.com/watch?v=Gs069dndIYk


1954: 

Nace Kathleen Turner, actriz estadounidense.


Mary Kathleen Turner (Springfield, Misuri, Estados Unidos, 19 de junio de 1954) es una actriz estadounidense conocida en la década de 1980 como un sex symbol del cine de Hollywood.











1962: 

Nace Paula Abdul, cantautora estadounidense.


Paula Abdul (19 de junio de 1962, San Fernando, California) es una coreógrafa de la industria del espectáculo de Estados Unidos, de religión judía. A finales de los ochenta y comienzos de los noventa desarrolló una exitosa carrera como cantante. Conformó el jurado fundador del cotizado programa de talentos American Idol.



https://www.youtube.com/watch?v=El1kgCqD7Xk






 1963: 

Nace Katia Cardenal, cantautora nicaragüense.


Katia Eugenia Cardenal Barquero (Managua, 19 de junio de 1963) es una cantautora nicaragüense.

Carrera musical[editar]

Dúo Guardabarranco[editar]

Desde inicios de 1980, con apenas 16 años, junto a su hermano Salvador Cardenal (Distrito Federal, 6 de octubre de 1960 - Managua, 8 de marzo de 2010) y con el nombre de Dúo Guardabarranco (pájaro nacional de Nicaragua), empezó a presentarse públicamente en Nicaragua revolucionaria, recorrieron escuelas, fábricas, teatros, pueblos, campamentos, etc.
La frescura de sus armonías y la originalidad poética y melódica de sus canciones fueron reconocidas, no solo por el público, sino por la comunidad internacional del Movimiento de la Nueva Canción Latinoamericana. Con solo un año de experiencia empezaron a realizar giras internacionales por América y Europa, participando en festivales de Música Folk, Canción Política, Estudiantiles, del Arte o de la Canción, Campañas de Solidaridad, del Medio Ambiente o los Derechos Humanos.
Katia y Salvador estuvieron haciendo música juntos durante 30 años, desde el 8 de febrero de 1980 hasta el 8 de febrero del 2010, un mes antes de que Salvador ingresara al hospital a causa de una septicemia causada por una infección a consecuencia de una enfermedad que le causó la muerte el 8 de marzo del 2010.
Juntos grabaron 12 álbumes: Un trago de horizonte 1982, Si buscabas 1985, Días de amar 1991, Casa Abierta 1994, Antología 1995, Una noche con Guardabarranco 2001, Verdadero pan 2003, Cancionero 2004, Transparente NICARAGUA 2007, Dale una luz 2007, Soy Juventud 2009, Cronología 2011.

Educadora Musical[editar]

Simultáneamente con su labor como cantante y a ratos compositora, logró graduarse como Educadora Musical en la Escuela Nacional de Música de Managua, en 1984, y trabajó como maestra de flauta dulce y solfeo para niños y adolescentes en diferentes escuelas de 1984 a 1994.

Solista[editar]

En 1996 graba en Nicaragua Brazos de Sol, su primer disco como solista, donde reafirma su vocación de trovadora al interpretar algunos temas de su autoría así como otros de variados cantautores hispanoamericanos. En 1996 se muda a Noruega y graba 6 discos más como solista con la disquera noruega Kirkelig kulturverksted
Navegas por las costas en 1999, disco que permanece más de 15 semanas en el Top 40 de popularidad en Noruega y la hace ganadora de un Disco de oro, En Reveslandia 1999, ambos discos contienen canciones de Alf Prøysen en español, Ven a mi casa esta Navidad 2000, Fragancia (canciones de Evert Taube en español) 2001, Sueño de una noche de verano (canciones de Silvio Rodríguez) 2002 y Messe for Kari og Ola 2008, versión bilingüe de la Misa Campesina Nicaragüense con el coro noruego Skruk.
En el año 2000 se muda de regreso a Nicaragua. Crea su propio sello disquero MOKA DISCOS y graba Hojarasca 2004, Mariposa de alas rotas 2007, Misa campesina nicaragüense 2008, Trampolin 2017, Basta un suspiro 2019.

En Noruega[editar]

Desde diciembre de 1996 se mudó a Noruega y dio inicio a su carrera como solista. Las grabaciones que lanzó la disquera Kirkelig Kulturverksted, representan nuevas facetas en su carrera, incursionando nuevos tópicos y ritmos con músicos de Noruega, Nicaragua, Suecia y Latinoamérica, pero siempre fiel a la canción que la inspiró desde hace dos décadas.
Katia se convirtió en una de las artistas extranjeras de Kirkelig Kulturverksted, en Noruega, más reconocidas en ese país y quizás la única latinoamericana que logró una posición alta, habiendo alcanzado a vender cerca de 80,000 copias de su catálogo como solista, logró cantarle a la Reina de Noruega, y realizó cientos de conciertos por todo el país.
Los dos primeros discos grabados en Oslo, Noruega y lanzados en 1999: "Navegas por las Costas" (Disco de Oro, sobrepasó las 25000 copias vendidas en Noruega) y "En Reveslandia", contienen traducciones al español de canciones del trovador noruego Alf Prøysen (1914-1970) realizadas por Katia. Los temas de estos discos y sus traducciones, abrieron una puerta de comunicación entre dos culturas, acercándolas de una manera inusitada.

Regreso a Nicaragua[editar]

"Sueño De Una Noche De Verano", grabado en Nicaragua, Cuba y Noruega entre 1998-2000, contiene canciones de Silvio Rodríguez (el mismo Silvio le acompaña en dos temas), es uno de los discos más gustados de Katia, debido a que sus interpretaciones han sido acogidas incluso por los seguidores más estrictos del trovador cubano.
"Ven A Mi Casa Esta Navidad" (2000) fue grabado en Cuba, recoge canciones del repertorio navideño hispanoamericano, incluyendo además dos nuevas traducciones de canciones noruegas y canciones tradicionales de Norteamérica y Europa.
En 2001 grabó "Fragancia", el cual es una colección de canciones del trovador sueco Evert Taube (1895-1976) traducidas al español por Katia y grabadas en Cuba con ritmos autóctonos, tradicionales de la isla por Kirkelig Kulturverksted

Moka Discos[editar]

Logotipo de Moka Discos
En el 2003 fundó su propio sello disquero en Nicaragua: Moka Discos, sello independiente que promueve la música de autor nicaragüense y que hasta el año 2018 ha publicado más de 30 títulos.
"Hojarasca" 2004, álbum que fue grabado entre Nicaragua y Noruega, recoge temas de compositores nicaragüenses y chilenos así como canciones propias y es su segundo disco independiente, donde también trabaja como productora.


"Mariposa De Alas Rotas" (2008) es su más reciente grabación, grabado en Nicaragua, Dinamarca y Noruega, es el álbum que presenta su faceta de cantautora, álbum doble que presenta dos etapas de su carrera como cantautora, 12 temas nuevos y un álbum bono que recoge sus primeras canciones, 14 temas inéditos hasta ahora que datan de 1984 a 1986 y se presentan en sus grabaciones originales de la época.

En sus 40 años de carrera artística ha hecho presentaciones en: Estados Unidos, España, Alemania, Dinamarca, Noruega, Suecia, Checoslovaquia, Cuba, Rusia, Panamá, Ecuador, México, Costa Rica, Honduras, Suiza, Canadá, Chile, El Salvador, Guatemala, Holanda, Austria, Puerto Rico, Finlandia, Francia,Italia, Japón, Luxemburgo, Bélgica, Colombia y las Islas Feroe.

Actualidad[editar]

Actualmente realiza conciertos como solista, continúa interpretando sus canciones, las de su hermano y las de compositores hispanoamericanos y escandinavos. Desde 2019 vive en Noruega.
Katia estuvo casada dos veces (con el Noruego Parvez Kapoor, y el cantautor nicaragüense Moisés Gadea), tienen cuatro hijos, tres de ellos son Músicos: Nina Cardenal, Sebastián Cardenal/Sid hart (ambos hermanos forman el Duo Nina y Sebastián) y Alex Cardenal/Alpaca Beats.
En el 2007 recibió el premio «Sang til friheten» de la Fundación Bjorn Afzelius en Dinamarca por su compromiso con la paz a lo largo de tres décadas como cantautora.
En julio de 2008, la Asociación de Artistas de Nicaragua Rafael Gastón Pérez en conjunto con la Asamblea Nacional le otorgan el reconocimiento denominado «Premio a la Trayectoria».
En el 2011, la Asociación de Artistas de Nicaragua Rafael Gastón Pérez en conjunto con la Asamblea Nacional le otorgan el reconocimiento denominado «Cantante femenina del año».
Su disco La Misa Campesina Nicaragüense de Carlos Mejía Godoy, fue grabado en Nicaragua y en Noruega con músicos de ambos países. Katia compartió en este álbum con el reconocido coro SKRUK y salió al mercado nicaragüense Moka Discos y noruego Kirkelig Kulturverksted en 2008. El álbum es una versión bilingüe de la Misa, en castellano y noruego.
Katia es fundadora y directora de la Fundación Dúo Guardabarranco, dedicada a mantener viva la obra que realizó junto a su hermano Salvador Cardenal Barquero.
Es gerente-propietaria de la Promotora Cultural TU CANTO, y el sello disquero MOKA DISCOS, el cual pertenece a una red de sellos centroamericanos independientes junto a PAPAYA MUSIC (Costa RIca), STONE TREE RECORDS de Belice y COSTA NORTE RECORDS de Honduras.
Es directora y fundadora del Festival Internacional de Cabtautoras/FIDCAN desde el año 2007 que se lleva a cabo en NICARAGUA anualmente.

Es directora y fundadora del Festival Salvador Cardenal Barquero in Memoriam desde el año de 2010, y se celebra cada 6 de octubre, día del natalicio de “Boyoy”, en Nicaragua, en homenaje a su hermano luego que este falleciera el 8 de marzo del 2010, después de padecer una mortal enfermedad por casi 10 años (crioglobulinemia).




 https://www.youtube.com/watch?v=8E_s0xraZHo




 https://www.youtube.com/watch?v=d-fH-ZgSaQE




https://www.youtube.com/watch?v=UB4yLpNNkyE&list=OLAK5uy_lQltWyChpZvBqpQXSqqbLYpsdOu0uJXOY





1966: 

 Muere Ed Wynn, actor estadounidense (n. 1886).

Isaiah Edwin Leopold (Filadelfia, Pensilvania; 9 de noviembre de 1886 - Beverly Hills, California; 19 de junio de 1966), conocido con el nombre artístico de Ed Wynn, fue un popular actor y comediante estadounidense, quien realizó una formidable carrera de casi 65 años donde participó en vodevils y teatros, en shows de televisión, en radio y en el cine. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, por su actividad en cine y televisión, respectivamente.1​
Ed Wynn inspiró la grabación de voz en inglés del dibujo animado el Lagarto Juancho.

Biografía[editar]

Isaiah Edwin Leopold nació en Filadelfia, Pensilvania, el 9 de noviembre de 1886, hijo de una pareja de judíos de Bohemia, emigrados a finales del siglo XIX. Siendo un adolescente se escapó de casa. En su juventud trabajó como ayudante de W. C. Fields. Luego, en los años 1910, actuó en diversos vodevils y, desde 1914, en los Ziegfeld Follies, una serie de producciones teatrales de Broadway basadas en el Folies Bergère parisino. El primer éxito de Ed Wynn llegó en Broadway algunos años más tarde, con The Perfect Fool (1921).
Posteriormente, dirigió un programa de radio llamado Texaco's Fire Chief, de 1932 a 1939, antes de debutar en la pequeña pantalla en 1950. Ese mismo año ganó un premio Emmy a la Personalidad viva más destacada.1​
También participó en cine y llegó a ser nominado al Óscar por su actuación en El diario de Ana Frank (1959).1​ Puso la voz al personaje del Sombrerero Loco en la versión de Disney de Alicia en el país de las maravillas (1951). Actuó asimismo en Mary Poppins (1964) y La historia más grande jamás contada (1965). Además participó en la serie Dimensión desconocida, de Rod Serling, interpretando a un vendedor ambulante que se enfrentaba a la muerte.
Ed Wynn era masón y pertenecía a la logia número 9 de Filadelfia.2​ Murió de cáncer en el esófago el 19 de junio de 1966, en Beverly Hills, California, a los 79 años de edad.









1972:

Nace Robin Tunney, actriz estadounidense.



Robin Tunney (Chicago, Illinois; 19 de junio de 1972) es una actriz estadounidense de televisión y cine, conocida por su papel de Teresa Lisbon en la serie de televisión El Mentalista.
Índice
·         1Primeros años
·         2Carrera
·         3Vida privada
·         4Filmografía (cine y televisión)
·         5Referencias
·         6Enlaces externos
Primeros años[editar]
Tunney nació en Chicago (Illinois) y se crio en el sur del estado. Durante su primer año de preparatoria asistió al St. Ignatius College Prep (Colegio Preparatorio de San Ignacio), un colegio católico en Chicago. Estudió interpretación en la Chicago Academy for the Arts.
Carrera[editar]
Desde que era un bebé aparecía en anuncios de televisión.2​ Más tarde, con 18 años, Tunney se mudó a Los Ángeles, California, donde obtuvo unos cuantos papeles como personaje recurrente en series como Life Goes On (1989), Law & Order (1990), Dream On (1990) y Class of '96 (1993).
Uno de sus papeles más importantes fue en Empire Records (1995), donde encarnó a una adolescente suicida. Luego recibió el rol estrella de una bruja gótica en The Craft(1996), donde trabajó con las actrices Fairuza Balk, Neve Campbell y Rachel True. Robin perdió su cabello en la grabación de Empire Records, por lo que debió usar una peluca en The Craft.
En 1997, Tunney actuó en Niagara, Niagara, de Bob Gosse, junto con Henry Thomas, ganando el premio a «Mejor Actriz» en el Festival Internacional de Cine de Venecia de ese año. Tunney también actuó junto a Arnold Schwarzenegger en la película de acción de 1999 End of Days.
En 2000 trabajó en las películas Supernova y Límite vertical, teniendo en esta última uno de los papeles protagonistas. En 2003 trabajó junto a Michael Douglas en Hasta que la muerte nos separe, remake del film original homónimo de 1979 dirigido por Arthur Hill. En 2004actuó en las películas Shadow of Fear y Paparazzi, realizando el papel coprotagonista en esta última; también actuó en los dos episodios piloto de la serie de Fox House. En 2005 interpretó al personaje de Veronica Donovan durante la primera temporada de la serie Prison Break y el primer episodio de la segunda.
Desde septiembre de 2008 protagonizó la serie de CBS El Mentalista junto a Simon Baker, dando vida a la agente Teresa Lisbon. La serie concluyó en febrero de 2015.
Actualmente en 2019, da vida al papel de Maya Travis en la serie The Fix, producida por la cadena televisiva ABC.









1972: 

Nace Jean Dujardin, actor francés.



Jean Edmond Dujardin (Rueil-Malmaison, 19 de junio de 1972), más conocido como Jean Dujardin, es un actor francés, ganador de los premios Óscar, Globo de Oro, BAFTA y del Sindicato de Actores. Diplomado en Filosofía y Artes Plásticas, trabajó de cerrajero hasta que fue al servicio militar, donde escribió sus primeros sketches.1​ Jean Dujardin ha participado en la serie Un gars, une fille junto a su mujer. También estuvo nominado, en 2007, al premio César por su papel en OSS 117: le Caire, nid d'espions. Su vida cambió cuando el director francés Michel Hazanavicius confió en él para protagonizar The Artist (2011), al lado de su compatriota Bérénice Bejo. Por este papel ganó el premio a mejor actor en el Festival de Cannes y a mejor actor principal en comedia o musical en los Globos de Oro. Por él, también se ha ganado el Premio Óscary el Premio del Sindicato de Actores.2​


1975: 

Nace Hugh Dancy, actor y modelo británico.



Hugh Dancy (Staffordshire, 19 de junio de 1975) es un actor y modelo británico.
Actor de cine, teatro y televisión conocido por ser el protagonista de la serie de NBCHannibal (2013-2015) y por papeles en películas como Adam (2009), Hechizada (2004), El atardecer (2007), Conociendo a Jane Austen (2007) o Hysteria (2012).
En 2006 fue nominado a un premio Emmy por su interpretación del Conde de Essex en la miniserie Elizabeth I. Es hijo del filósofo Jonathan Dancy.




  


1978: 

Nace Zoe Saldana, actriz estadounidense.



Zoe Yadira Saldaña Nazario (Passaic, Nueva Jersey; 19 de junio de 1978),1​2​ conocida como Zoe Saldana o Zoe Saldaña, es una actriz y bailarina estadounidensede ascendencia dominicana. 3​ En ocasiones su nombre se encuentra escrito como Zoë Saldana.
Saldaña tuvo papeles de importancia en las películas Center Stage del año 2000 y Crossroads, de 2002. Más tarde ganó prominencia por su papel de Anamaría en Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl de 2003, como Nyota Uhura en la película Star Trek de 2009, como Neytiri en la película Avatar, de James Cameron, en 2009, y como Gamora en Guardianes de la Galaxia en 2014.









1978:

En Estados Unidos nace la tira cómica Garfield



Garfield es el nombre de la historieta creada por Jim Davis, que tiene como protagonistas al gato Garfield, al no muy brillante perro Odie, y a su dueño, el inepto Jon Arbuckle (Jon Bonachón en el doblaje hispanoamericano). El protagonista se llama así por el abuelo de Davis, James Garfield Davis, que fue bautizado en honor al presidente estadounidense James A. Garfield.


1986: 

Muere Michel Colucci, «Coluche», actor y humorista francés (n. 1944).

Michel Gérard Joseph Colucci, alias Coluche, (París, 28 de octubre de 1944 - cerca de Cannes, 19 de junio de 1986) fue un humorista francés y activista por los derechos sociales, candidato a la Presidencia de la República en las elecciones de 1981, fallecido en un accidente automovilístico.

Biografía[editar]

Empezó en el Café de la Gare, un café-teatro que Romain Bouteille había creado en 1969. Allí Coluche trabajó con Patrick Dewaere, Henri Guybet, Miou-Miou, entre otros. Dejó la escena del cabaret para ir ante las cámaras de cine, trabajando en numerosas películas francesas. También hizo una incursión en la política: había empezado una campaña para ser candidato a las elecciones presidenciales de Francia de 1981.
Coluche fue el provocador de los años 1980, admirado, temido y denigrado, al atreverse a decir groserías en cada una de sus apariciones en la televisión. Dio un nuevo rostro a la televisión, informal y con un uso osado del lenguaje. Coluche reivindicaba su grosería: «Toujours grossier, jamais vulgaire» (siempre grosero, nunca vulgar).
Procedía de una familia modesta («Je ne suis pas un nouveau riche, je suis un ancien pauvre»: no soy un nuevo rico, soy un antiguo pobre). Percibió la insuficiencia de la ayuda francesa hacia los más pobres y creó un organismo caritativo que existe todavía: Los Restos du Coeur (los restaurantes del corazón). Estuvo en el origen de una ley (la llamada «Loi Coluche»), votada en 1988, y que permite deducciones fiscales a través de las donaciones.
En el verano de 1986, Coluche viajaba con unos amigos en moto, cuando de repente un camión se les atravesó en el camino. El humorista no tuvo tiempo de frenar y se estrelló violentamente, falleciendo.

Citas célebres[editar]


La dictature c'est « Ferme ta gueule ! » , la démocratie c'est «Cause toujours»
La dictatura es: ¡cállate! La democracia es: habla todo lo que quieras, que...
Un pays neutre, c'est un pays qui ne vend pas d'arme à un pays en guerre, sauf si on paie comptant.
Un país neutral es un país que no vende armas a un país en guerra, excepto si paga al contado.
Camarades ! Le capitalisme, c'est l'exploitation de l'Homme par l'Homme. Le syndicalisme, c'est le contraire.
Camaradas, el capitalismo es la explotación del hombre por el hombre. El sindicalismo es lo contrario.
Un spermatozoïde avec un attaché-case, c'est un représentant de mes couilles.
Un espermatozoide con un maletín es un representante de mis cojones.
Dieu a dit : il y aura des hommes grands, il y aura des hommes petits, il y aura des hommes beaux et il y aura des hommes moches, il y aura des hommes noirs et il y aura des hommes blancs... Et tous seront égaux ; mais ça sera pas facile tous les jours... Et il a ajouté : il y en aura même qui seront noirs, petits et moches et pour eux ce sera très dur !
Dios dijo : habrá hombres grandes, habrá hombres pequeños, habrá hombres guapos y habrá hombres feos, habrá hombres negros y habrá hombres blancos... Y todos serán iguales; pero no será fácil todos los días... Y añadió : también habrá hombres que serán negros, pequeños y feos, y para ellos, será muy difícil!
1991: 

Muere Jean Arthur, actriz estadounidense (n. 1900).



Jean Arthur (Gladys Georgianna Greene: Plattsburgh, del estado de Nueva York; 17 de octubre de 1900-Los Ángeles, de California; 19 de junio de 1991) fue una actriz estadounidense; en la comedia, una de las preferidas por el público.
Se estrenó en el cine mudo con la película Cameo Kirby (1923), de John Ford, y se encargó del papel principal femenino en algunas películas mudas más. Con la llegada del sonoro, su peculiar voz nasal la convirtió en una estrella. En 1935, trabajó junto a Edward G. Robinson en la película Pasaporte a la fama (en los Estados Unidos, The Whole Town's Talking; en el Reino Unido, Passport to Fame), también de John Ford, con la que empezó a hacerse popular.
En 1936, Jean Arthur tuvo como compañero a Gary Cooper en el film El secreto de vivir (Mr. Deeds Goes to Town), dirigido por Frank Capra. En 1939 encarnó al personaje principal femenino de otra película de Capra: Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington), que sirvió para consolidar su carrera.
En 1943 consiguió una candidatura al premio Oscar a la mejor actriz por la película El amor llamó dos veces(The More the Merrier), de George Stevens. Fue una de las elegidas para la prueba del papel de Scarlett O'Haraen la película Lo que el viento se llevó.
Su carrera empezó a decaer a finales de los años 40 y se retiró de la escena. Su último papel fue en una película considerada ya clásica dentro del género del western Raíces profundas (Shane) (1953).
Tras retirarse se dedicó a la enseñanza de la interpretación en el Vassar College. Retornó brevemente a la interpretación en la década de los años 60 al interpretar una comedia televisiva.1​
Jean Arthur, la actriz de voz quebrada que protagonizó algunas de las comedias de mayor éxito en las décadas de los años treinta y cuarenta, murió en una residencia de ancianos en Carmel, California, al fallarle el corazón. Tenía 90 años y desde hacía 35 años vivía retirada, cuidando su jardín.2​1​ Por su expreso pedido no hubo ceremonia funeraria.2​ Fue cremada y sus restos arrojados en la costa de Punta Lobos, California.3








1993: 

Muere William Golding, escritor británico, Premio Nobel de Literatura en 1983 (nacido en  1911)



Sir William Gerald Golding, CBE (Newquay, Cornualles, Reino Unido, 19 de septiembre de 1911-Perranaworthal, Cornualles, Reino Unido, 19 de junio de 1993) fue un novelista y poeta británico, galardonado con el premio Nobel de literatura en 1983, conocido especialmente por su obra El señor de las moscas.








1995:



Infancia en Zacatecas[editar]

Fue hijo de Juan Méndez y María Sosa, su padre era minero y murió de tuberculosis. Su familia era numerosa, tuvo seis hermanos: Agripina, Ángela, Amada, Antonio, Juan y Manuel. A la edad de once años comenzó a trabajar repartiendo canastas de comida en el tiro de la mina Buenos Aires. Casi al terminar la escuela primaria, obtuvo trabajo en la Hacienda Proaño cuyo dueño era el estadounidense Joe Wright Terral. Tomás Méndez trabajó como niñero del hijo de tres años de edad, de Wright. Durante la ausencia de Méndez, el pequeño murió en un trágico accidente. Wright y su esposa decidieron abandonar el pueblo, recomendando a Méndez para un trabajo en el hospital del cual eran dueños.1​

Primeras composiciones[editar]

Influido por la vida campirana comenzó a componer sus primeras canciones, las cuales dio a conocer en el burdel local. Entre las primeras composiciones destaca “Pervertida” de título homónimo a la de Agustín Lara pero de diferente contenido.
Estudió un poco de solfeo con su gran amigo, el pianista y organista Manuel Almanza Angón, quien fuera director de la reconocida Sonora Zacatecana, pero al poco tiempo abandona las clases por ser un músico lírico que componía de oído, y que prefería seguir tocando así.
Se trasladó a Ciudad Juárez donde conoció a Gabriel Gómez, quien años más tarde le grabó un disco de acetato. Viajó a la Ciudad de México en donde vivió con una tía de nombre Elena Aguilera en la calle de Rosales muy cerca de la lotería nacional. Obtuvo un trabajo en la XEW como jalador de aplausos del programa de Severo Mirón. Durante su primer año en la capital, compuso una canción dedicada a la Virgen de Guadalupe, la cual fue interpretada por Lola Beltrán repetidas ocasiones el 12 de diciembre en la Basílica. Se dice que “Paloma negra” fue escrita para Herminia Salas.1​

Incursiones en la radio[editar]

Trabajó en Cinebos Company como ayudante de productores, siendo sus jefes Juan Gabriel Martínez y Margarita Michelena. Pudo conocer a los jefes de escritores de los programas Ley Mex, Gracias doctor y La hora mejor con Mejoral. En el departamento de radio compaginaba y sellaba los guiones.
Mediante la ayuda de Jorge "Polilla" Gutiérrez se acercó al programa La hora mejor con Mejoral de la XEW. Conoció a Los Tres Diamantes y como su maestro de ceremonias los acompañó en una gira a través de Estados Unidos y Cuba. Fungiendo como su secretario compuso una canción para el trío. Tiempo después conoció a Mariano Rivera Conde y a Miguel Aceves Mejía quien interpretó algunas de las composiciones de Méndez.1​

Lola Beltrán[editar]

Durante una reunión en la casa de Emilio "el Indio" Fernández, conoció a Lola Beltrán, a partir de ese momento se convirtió en su compositor. En 1952, las canciones “La luna dijo que no”, “Habana”, “Que me toquen las golondrinas”, “Tres días”, “Puñalada trapera”, “Desafío”, “El tren sin pasajeros”, “Las rejas no matan” y “Huapango torero” se habían dado a conocer por medio de la cantante. Compuso además “Gorrioncillo pecho amarillo”, “Cucurrucucú paloma”, "La muerte" y “La muerte de un gallero”. Méndez también fue escritor de libretos para programas folklóricos de televisión, destacando el programa Dos gallos en palenque.1​

Otros intérpretes[editar]

Entre sus más importantes intérpretes se encuentran:

Reconocimientos y muerte[editar]

Su trayectoria como compositor fue reconocida por medio de diplomas, homenajes y discos de oro. Fue miembro de la mesa directiva de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM). Era diabético y a consecuencia de complicaciones por su enfermedad, sufrió un infarto y embolia. Murió el 19 de junio de 1995. [cita requerida]

Algunas canciones famosas de Tomás Méndez[editar]

  • “Bala perdida”
  • “Gorrioncillo pecho amarillo”
  • “Cucurrucucú paloma”
  • “Golondrina presumida”
  • “Huapango torero”
  • "La muerte"
  • “Las rejas no matan”
  • “Que me toquen las golondrinas”
  • “Paloma negra”
  • “Puñalada trapera”
  • “Tres días”
  • "A los Cuatro Vientos"
  • "El tren sin pasajeros"https://es.wikipedia.org/wiki/Ayuda:Control_de_autoridades


1997: 

Muere Bobby Helms, cantante estadounidense (n. 1933).



Robert Lee "Bobby" Helms (n. 15 de agosto de 1933 - 19 de junio de 1997), fue un cantante estadounidense de country que encontró su punto álgido en la fama en 1957con su canción "Jingle Bell Rock", por lo que fue conocido por el resto de su vida. Algunos de sus otros éxitos fueron Fraulein y My Special Angel.

Está nominado en el Salón de la Fama del Rockabilly y ha sido interpretado por Brad Hawkins en la película de 2007 Crazy.







2007:

Muere  Antonio Aguilar, cantante, actor y charro mexicano (nacido en 1919).



José Pascual Antonio Aguilar Márquez Barraza2 (Villanueva, Zacatecas, México, 17 de mayo de 1919-Ciudad de México, 19 de junio de 2007),3 mejor conocido como Antonio Aguilar, fue un cantante, actor, compositor, productor, intérprete, guionista y cineasta mexicano. Su discografía ha sobrepasado los 160 álbumes con ventas de más de 25 millones de copias.4 Al despuntar la década de los 50 debutó como actor en el cine, al tiempo que se inició como cantante, faceta de su carrera que se extiende hasta los primeros años de la década de 2000. Es considerado una leyenda de la música popular mexicana. Actuó en 167 películas y recorrió el mundo en diversas giras junto a su esposa, la también cantante y actriz Flor Silvestre, y sus hijos Antonio Aguilar, hijo y Pepe Aguilar. Es reconocido como la persona que dio un gran impulso al deporte y talento mexicano de la charrería a nivel nacional como internacional, y es por esto que lo conocen con el apodo de «El Charro de México».

Aquí una antigua entrada, homenaje en sus 95 años, en mi blog:

https://padregusqui.blogspot.com.co/2014/05/en-los-95-anos-del-nacimiento-de.html

https://www.youtube.com/watch?v=faFVSS6OllQ






2012: 

Muere Richard Lynch, actor estadounidense (nacido en 1940).


Richard Hugh Lynch (Brooklyn, 12 de febrero de 1940 - Yucca Valley, 19 de junio de 2012)1 2 fue un actor estadounidense, mejor conocido por interpretar a villanos en el cine y la televisión. A menudo apareció en producciones de ciencia ficción, como Battlestar Galactica (como Wolfe) y su secuela, la serie Galactica 1980 (como el comandante Xaviar). También ha aparecido en series como Starsky y Hutch (1975-1979), The A-Team (1983-1987), Charmed y Star Trek: The Next Generation.











2013: 

Muere James Gandolfini, actor estadounidense (nacido en  1961).


James Joseph Gandolfini, Jr. (Westwood, Nueva Jersey, 18 de septiembre de 1961 – Roma, Italia, 19 de junio de 2013)1 fue un actor estadounidense, conocido principalmente por su papel de Tony Soprano en la serie Los Soprano de la cadena HBO, un jefe de la mafia que lucha por equilibrar su vida familiar y su carrera criminal. Por este papel, Gandolfini fue galardonado en tres ocasiones con el premio Emmy al mejor actor en una serie dramática.






2016:

Muere

María del Rosario Valdez Campos (Orba, Bamoa, Sinaloa, 28 de mayo de 1946 - San Diego, California, 20 de junio de 2016), conocida como Chayito Valdez, fue una cantante y compositora mexicana. Estuvo vinculada y contribuyó a la música folklórica de México; como intérprete, se especializó en los géneros de ranchera y corrido.

Biografía y carrera

Comenzó su carrera musical a una edad infantil, participando en competencias de aficionados que se efectuaban en cines populares en las ciudades de Guasave y Los Mochis, en Sinaloa, en donde siempre obtuvo los lugares de honor, con canciones como «La cigarra», «Historia de un amor» y «La Bikina».

Contó con Amalia Mendoza como su madrina, La Tariácuri, la que le pidió cantar a capella «Leña de pirul». Chayito, muy pequeña, andaba vendiendo empanaditas (pan de harina de trigo con dulce) a la entrada del cine Murcia en Guasave, donde se presentaba la Caravana Vallejo, y esa noche Amalia la presentó como una voz infantil con gran futuro. La Tariácuri, viendo el potencial artístico de la niña, le pidió a doña María Zacarías Campos, madre de Chayito, le permitiera darle educación y prepararla artísticamente. Doña María se negó por el dolor que le causaba separarse de su hija.

Chayito fue la quinta de doce hermanos; ayudó al sustento familiar vendiendo comidas, frituras, lavando ropa ajena, trabajando de doméstica y hasta en pizcas de algodón y verduras en los campos agrícolas de Guasave. Desde muy niña supo lo que era trabajar para sobrevivir. Chayito, después, se fue a radicar a Hermosillo, Sonora, y estando allá conoció a Manuelita Acuña, formando el dúo "Las Guerrilleras del Norte", y como tal tuvieron que sortear todas las peripecias de una carrera artística, con carencias económicas y a veces sin trabajo, al grado que no tenían ni dónde dormir, o lo que ganaban no alcanzaba para cubrir a músicos y gastos. En poco tiempo ese dúo se disuelve.

Chayito regresa a Guasave y se casa con Bárbaro Bojórquez, con el que tuvo a Kleila Cristina, Eva María y Cecilia del Carmen, y no continúa con la actividad artística debido a los celos que esta actividad despertaba en su marido. Pero al sobrevenir la separación vuelve en ella la necesidad de cantar, por el talento tan grande que poseía y más aún por los sentimientos que le dejó dicha separación, así como por la necesidad económica de sacar adelante a sus tres hijas.

Doña María Zacarías, en el templo de Nuestra Señora del Rosario de Guasave, Sinaloa, le hace jurar a Chayito que sería la última vez que intentaría hacer carrera artística. A principios del decenio de 1970, empeñó una máquina de coser de Doña María y grabó cuatro canciones en la ciudad de Los Mochis, Sinaloa: Besos y copas, Una noche me embriagué, Una sombra y Amor que muere, en la cabina donde se grababan los anuncios de la XETNT, buscando alguna disquera que la apoyara, todas las puertas se le cerraban, pero como es una mujer de objetivos, consiguió que una pequeña disquera de la ciudad de Guadalajara le hiciera un tiraje de 50 discos sencillos. Ella personalmente entregó el sencillo (Besos y copas / Una noche me embriagué) a las radiodifusoras, y vendió los primeros tirajes, diciéndole a la gente: "Te vendo el disco, escúchalo, si no te gusta, te regreso tu dinero", y así fue cuando empieza a escucharse con fuerza inusitada el tema "Besos y copas", fue contratada inmediatamente por la disquera y grabación que hacía, grabación que se escuchaba en numerosas radiodifusoras de diversos géneros. Sus nuevas canciones eran esperadas con mucha ansiedad por su público, era la iniciadora de un nuevo estilo de cantar la música ranchera.

En toda la República Mexicana y el sur de Estados Unidos, había programas de radio a todas horas dedicados a las canciones de Chayito Valdez; inició presentaciones en programas de variedades nacionales y presentaciones personales, en eventos, bailes, palenques, ferias, lienzos charros, plazas de toros, ganándose así la reputación de la máxima cantante popular mexicana.

Participó en el Primer Festival de la Canción Ranchera, con el tema "El amor de tu vida" de Julio Fernando Paz, siendo la reina sin corona del pueblo y se le nombró la mejor intérprete del festival, y los medios de comunicación la proclamaron la sucesora de Lucha Reyes; en una semana colocó más de 50.000 copias vendidas, del LP que incluía dicha canción.

Valdez, a lo largo de su carrera artística, tuvo más de 40 producciones y 450 canciones grabadas, las cuales fueron fruto de su arduo trabajo, contribuyendo al patrimonio musical de México; dejándonos corridos como Caballo Prieto Azabache, El alazán y el rosillo, al igual que otras piezas más tradicionales como San Juan del Río, Mi Soldadita, Pelea de Gallos, etcétera. Entre los boleros románticos que grabó destacan Compréndeme, Mía Nomás, Sentencia, Besos Callejeros, No Vuelvas, Ojazos Negros, y cientos de canciones más que todos los días se escuchan a lo largo y ancho de México, la parte hispana de Estados Unidos de América y otros países.[1]

Fue en esa época que conoce al amor de su vida, el ingeniero Ramón Guardiola, con el que procrea a su cuarta hija, María del Pilar, y vuelve a surgir la sombra de los celos y ella opta por continuar su carrera artística, pero sin duda fue el ingeniero Guardiola, el amor de la vida de Chayito Valdez. Construye en Orba, su pueblo natal, un templo a Nuestra Señora del Rosario, por los favores concedidos, y su protección a ella, su familia y su carrera artística. Siguió participando en los Festivales Ranchero y como ella dice -No hay quinto malo- ganó el Quinto Festival de la Canción Ranchera con la canción No me pregunten por él, de Carlos Peña. El arreglista musical de la canción "No me pregunten por él" fue el señor Yin González, para el Quinto Festival de la Canción Ranchera.

Fue la máxima vendedora de discos en las décadas de los setenta y los ochenta, siendo la competencia más fuerte de Vicente Fernández, en venta de discos, y encabezó muchos eventos en el que Vicente también participó, Chayito Valdez estaba en la cumbre.

Accidente

En 1982 se mudó a Los Ángeles, California y adquirió la ciudadanía estadounidense. El 17 de septiembre de 1985 sufrió una aparatosa volcadura en su camioneta cuando el chófer se quedó dormido al volante en la carretera de Zacatecas a Saltillo, en un lugar llamado "La Morita", después de su presentación en el palenque de Zacatecas; Chayito se dirigía a McAllen, Texas, en donde residía en ese momento, después de una agotadora gira por toda la República. En este percance se fracturó la columna vertebral, quedando sin movilidad en sus extremidades inferiores; toda su recuperación inicial la llevó a cabo en Monterrey, debido a que los servicios médicos en la Ciudad de México estaban devastados por el terrible terremoto de 1985.

Una vez parcialmente restablecida, reanudó su carrera como de la nada. Todas las puertas se le cerraron por su condición física (radio, televisión, palenques, lienzos charros), pero con esa entereza característica de la sinaloense nada le impidió seguir, aun postrada en silla de ruedas. De su tremenda experiencia vivida la única artista que se acercó a ella en su convalecencia fue la señora Lucha Villa, por la cual Chayito sentía un cariño muy especial.

En 1997 fue asaltada en su propia casa en Guadalajara, Jalisco y después de ese tremendo susto, donde perdió muchas cosas de valor, ella decidió cambiar su residencia a San Diego, California.

Después del año 2000, Chayito empieza a trabajar nuevamente con fuerza, se le abren las puertas de las televisoras, inclusive a escala nacional, empieza a presentarse en palenques e inicia la promoción de sus dos últimos materiales discográficos, "Las canciones de mi corazón" y "Las que me llegan al alma", con el mismo empeño de los inicios de su carrera, las cosas volvían a sonreírle, siempre amiga, siempre compañera, estrechó más sus lazos con compañeras del folklore como Yolanda del Río, Rozenda Bernal y Beatriz Adriana, ayudándose mutuamente en el quehacer artístico.

Última presentación

En mayo de 2003, se presentó en el Palenque de la Expo Sonora en Hermosillo, con llenos totales, un exitazo. En el Aeropuerto de Guadalajara al trasladarla a la terminal, el personal de tierra, debido a un descuido no la sujetó correctamente y Chayito se les cayó en la pista, se dio un golpe en la nuca, no hubo ningún problema aparente.

Su última aparición artística se dio en Nogales, Sonora. De regreso en Guadalajara, Jalisco en junio del año 2003 sufrió una deshidratación, fue llevada al hospital, ella entró por sí misma, y por negligencia médica aparente (según dijo su hija en entrevista televisiva) convulsionó y su cerebro dejó de recibir oxígeno por más de cuatro minutos, entrando la Alondra en un sueño profundo del cual nunca despertó, fue trasladada a San Diego en un avión ambulancia especial, donde se le daba atención médica en un hospital de Chula Vista, California.

Muerte

La cantante murió a las 23:30 del 20 de junio de 2016 en un hospital de San Diego, California a la edad de 70 años. Estuvo 13 años en estado vegetativo persistente, desde que fue hospitalizada por una severa deshidratación en 2003. El cuerpo de Chayito Valdez fue sepultado en la tierra que la vio nacer, en Orba, municipio de Guasave Sinaloa.[2] Se realizó un humilde homenaje como despedida, donde acudieron cientos de personas para dar el último adiós a la "Alondra de México" en el estadio de béisbol de Guasave, Francisco Carranza Limón, a petición como última voluntad de Chayito, y se realizó una misa de cuerpo presente en el santuario de la Virgen del Rosario rodeada de familiares, amigos y personas de distintos lugares de la república.

Discografía

  • Besos y Copas (Discos Cronos)
  • Se marchó (Discos Cronos)
  • Son Habladas (Discos Cronos)
  • Corridos Famosos (Discos Cronos)
  • Día tras Día (Discos Cronos)
  • Las Mañanitas con Chayito Valdez (Discos Cronos)
  • Sigue cantando los corridos de México (Discos Cronos)
  • Libro de Recuerdos (Discos Cronos)
  • Polvo Maldito / Nada gano con quererte (Discos Cronos)
  • La Gallera (Discos Cronos)
  • Pedro el de Guadalajara (Discos Cronos)
  • No cumplí mí Juramento (Discos Cronos)
  • El amor de tu vida (Discos Cronos)
  • Tres Veces te engañé (Discos Cronos-Arpegio)
  • Cambio Total (Discos Cronos-Arpegio)
  • Estamos mejor sin ti / Así es la Vida (Discos Cronos)
  • Los 10 Éxitos de Chayito Valdez (Discos Yuriko)
  • Los 10 Éxitos de Chayito Valdez Vol. 2 (Discos Yuriko)
  • 15 Éxitos con la Banda la Costeña (Discos Cronos)
  • Éxitos con la Banda El Salitre (Discos Cronos)
  • La Sopa del Bebé (Discos Yuriko)
  • 15 Éxitos con la banda La Costeña (Discos Yuriko)
  • 15 Éxitos con la banda la Costena Vol. 2 (Discos Yuriko)
  • La Primera Mujer (Discos Yuriko)
  • No me pregunten por él 5.º Festival de la Música Ranchera (Discos Yuriko)
  • 15 Éxitos con grupo norteño (Discos Yuriko)
  • Las Mañanitas con el Mariachi Vargas de Tecalitlán (Discos Yuriko)
  • Me escapé de la Muerte (Discos Yuriko)
  • Cuando llora un corazón (Discos Yuriko)
  • Recordar es volver a vivir (Discos Yuriko)
  • La loba catrina (Discos Yuriko)
  • Chayito Valdez con tambora (Discos Musart)
  • La moneda se volteó (Discos Musart)
  • 15 Éxitos (Discos Musart)
  • 15 Éxitos de Oro (Discos Musart)
  • Voces del Pueblo Chayito Valdez y Cornelio Reyna (Discos Musart)
  • Chayito Valdez en Vivo (Discos Musart)
  • Hoy y Siempre (Discos Platino-Fonovisa)
  • Las canciones de mí corazón (Discos Continental)
  • Las que me llegan al alma (Discos Continental)
  • Las que siempre quise cantar (Discos Continental)

No se incluyeron los títulos de las cientos de recopilaciones que se han hecho de sus grabaciones.

Programas de televisión y radio

Chayito Valdez participó en programas de televisión, tales como Siempre en Domingo (de Raúl Velasco), Noches Tapatías, El Estudio de Lola, Hoy mismo, Para gente Grande (del periodista Ricardo Rocha), Aún hay más (de Raúl Velasco), Nuestra Gente, Programas en todas las televisoras locales tanto en México como en Estados Unidos, y Latinoamérica, así mismo en muchas ciudades y pueblos de México, en las estaciones de radio del género ranchero y balada, se dedicaba una hora diaria a programas con las canciones de Chayito.

Giras y presentaciones

En los años 70 y parte de los 80, fue la reina indiscutible de los palenques y las ferias regionales en todo el país y en el extranjero, la prensa la reseñaba como la mujer que tenía oro en la garganta, Chayito ha sido de las cantantes que ha recorrido incansablemente la geografía mexicana, desde la ciudad más grande, hasta el pueblo más pequeño, siempre llevando su canto y estilo al pueblo que tanto la adoraba.

Premios

Guasave, Sinaloa la Nombró Hija Predilecta en la feria de la Amistad "CHAYITO VALDEZ", después de su triunfo en el festival ranchero, en mayo de 1983.

El Gobierno del Estado de Sinaloa la nombró Sinaloense Ejemplar y le hizo un homenaje en 2004, en el cual se presentó su Biografía Testimonial "Entre Besos y Copas" escrita por Doña Leonor Mena y una semblanza en video de su exitosa carrera artística.

Las fiestas patrias del Bicentenario (septiembre de 2010), en el Estado de Sinaloa, dentro de su esencia patria, homenajearon a las 3 figuras más representativas de ese Estado y que con su quehacer artístico, talento y cariño de todo el pueblo, han sido pilares de la Música Ranchera Mexicana ellos son: Chayito Valdez, Lola Beltrán y Pedro Infante, para lo cual se compusieron sinfonías alusivas al repertorio de estas tres figuras y sus canciones fueron interpretadas por solistas y coros, acompañados por mariachis y la tradicional banda sinaloense.





2020:

Muere Carlos Ruiz Zafón, escritor español.



Carlos Ruiz Zafón (Barcelona, 25 de septiembre de 1964-Los Ángeles, 19 de junio de 2020)1​ fue un escritor español. Su obra más importante fue La sombra del viento, ganadora de numerosos premios y seleccionada en la lista confeccionada en 2007 por 81 escritores y críticos latinoamericanos y españoles entre los 100 mejores libros en lengua española de los últimos 25 años.[cita requerida]

Biografía[editar]

Estudió con los jesuitas en el colegio de San Ignacio de Sarrià,2​ después se matriculó en Ciencias de la Información, y ya en el primer año le surgió una oferta para trabajar en el mundo de la publicidad. Llegó a ser director creativo de una importante agencia de Barcelona, hasta que en 1992 decidió abandonar la publicidad para consagrarse a la literatura.
Decía no saber a qué se debía su vocación tan temprana, pero recordaba que, aunque en su familia no había ninguna tradición literaria (su madre era ama de casa), para su padre, un exitoso agente de seguros, "el mundo de la lectura y de los libros era muy importante".3​
Comenzó con literatura juvenil. Su primera novela, El príncipe de la niebla, la publicó en 1993 y obtuvo el premio Edebé. Carlos Ruiz Zafón, que desde pequeño había sentido fascinación por el cine y Los Ángeles, usó el dinero del galardón para cumplir su sueño y partió a Estados Unidos, donde se radicó; pasó allí los primeros años escribiendo guiones al tiempo que continuaba sacando nuevas novelas. Las tres siguientes también estuvieron dedicadas a lectores jóvenes: El palacio de la medianoche (1994), Las luces de septiembre (1995) (estas, con su primera novela, forman la La trilogía de la niebla, que posteriormente serían publicadas en un solo volumen), y Marina, publicada en 1999, a la que guardaba especial predilección.4​ En palabras de Zafón, este libro es quizá la más personal de entre todas sus obras.5​
En 2001 publicó su primera novela 'para adultos', La sombra del viento, que Ruiz Zafón presentó al premio Fernando Lara 2000. Aunque este lo ganó Ángeles Caso con Un largo silencio, Ruiz Zafón quedó finalista y Editorial Planeta decidió publicarla a insistencia de Terenci Moix, que fue uno de los miembros del jurado de aquel concurso literario. Traducida a numerosos idiomas, la novela, cuya introducción en España fue en un principio difícil y lenta, se ha convertido en una de las obras españolas más vendidas en el mundo, con más de 10 millones de ejemplares.6​ A pesar de las numerosas ofertas que ha recibido, el escritor se ha negado a autorizar que la novela sea llevada a la pantalla. Dice no necesitar el dinero que eso le daría, considera que sería casi como una "traición" hacer de ella una película, y cree "que es imposible hacer una mejor película que la que uno va a ver cuando empiece a leer la novela", por eso, "sería redundante, irrelevante y totalmente innecesario".3​
La segunda novela 'para adultos' El juego del ángel fue publicada en 2008. La tirada inicial fue de un millón de ejemplares acompañada de una campaña mediática.7​ En Cataluña, el libro vendió 250 000 ejemplares.8​
Ambas novelas forman parte de la tetralogía El cementerio de los libros olvidados. El tercer libro, «más optimista y menos derrotista que el anterior», según afirman los editores,6​ se titula El prisionero del cielo publicada en 2011.
En 2012 se publica Rosa de fuego. Situado en la época de la Inquisición española en el siglo XV, el relato apunta el origen del legendario Cementerio de los libros olvidados, lo que redondea el universo creado por el autor.
En 2016 se publica El laberinto de los espíritus, la cuarta y última entrega de la saga iniciada con La sombra del viento. Con una tirada inicial de 700 000 ejemplares, este libro es en palabras de Ruiz Zafón “La piedra de encaje del laberinto, el más laborioso, lo que había soñado muchos años antes.”9​
Sobre su laboratorio creativo, Ruiz Zafón dijo: «Mi método de trabajo está dividido por capas. Escribo como se hace una película, en tres fases. La primera es la preproducción, en la que creas un mapa de lo que harás, pero cuando te pones a hacerlo ya te das cuenta de que vas a cambiarlo todo. Luego viene el rodaje: recoger los elementos con los que se hará la película, pero todo es más complejo y hay más niveles de los que habías previsto. Entonces, a medida que escribes, ves capas y capas de profundidad, y empiezas a cambiar cosas. En esa fase es cuando empiezo a preguntarme: '¿Y si cambiase los cables, o el lenguaje, o el estilo?'. Ahí creo la tramoya, que para el lector ha de ser invisible: el lector ha de leer como agua, le ha de parecer todo fácil... Pero para que sea así hay que trabajar mucho.»10​
Falleció el 19 de junio de 2020 en Los Ángeles (California), a los 55 años de edad, debido a un cáncer de colon que padecía desde 2018.11​







2020: 

Muere Ian Holm, actor británico (88)


Ian Holm Cuthbert (Goodmayes, Ilford, Inglaterra; 12 de septiembre de 1931-Londres, 19 de junio de 2020)1​ fue un actor británico con una trayectoria de más de cincuenta años de carrera en cine, televisión y teatro. Fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE) por la reina Isabel II.

Primeros años[editar]

Ian Holm nació en el hospital psiquiátrico de Goodmayes, Ilford, en el condado de Essex, situado al este de Londres. Perteneciente a una familia de ascendencia escocesa, fue el segundo hijo de Jean Holm, que era enfermera y su padre, el doctor James Harvey Cuthbert, que era un psiquiatra que trabajaba como superintendente en la West Ham Corporation Mental Hospital. Un aspecto importante a resaltar de él fue que fue un pionero en la terapia de electroshock.2​
Su hermano mayor, Eric (fallecido en 1949), y él asistieron a la Chigwell School, una escuela primaria y secundaria. Poco tiempo después de finalizar sus estudios decidió que quería ser actor.

Carrera como actor[editar]

Formado en la Royal Academy of Dramatic Art (RADA), de Londres, se unió a la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon en los años cincuenta. Hizo su debut en el teatro en 1954 con Otelo. Su carrera teatral abarcó interpretaciones en todas las principales obras de William Shakespeare, así como también en clásicos como El jardín de los cerezos y Tío Vania y obras contemporáneas como Ondine, de Jean Giraudoux.
En 1967 debutó en Broadway con la obra de Harold Pinter Retorno al hogar (The Homecoming), por el que ganó un Premio Tony y un Premio del Círculo de Críticos de Londres por su trabajo. En 1997 interpretó el papel que da título a El rey Lear en el Royal National Theatre y le reportó otro Premio del Círculo de Críticos de Teatro y el Premio Laurence Olivier. Repitió ese mismo papel en un capítulo de la serie Performance, en 1998, siendo posteriormente candidato a un Premio Emmy.
En cuantos sus papeles cinematográficos, cabe destacar su papel en 1979 como el robot Ash en la película Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott, lo cual llevó su rostro a figurar entre las carteleras de los Estados Unidos, y Chariots of Fire (1981), donde interpretó al entrenador Sam Mussabini y que le valió un Premio BAFTA al mejor actor de reparto y el premio al mejor actor secundario en el Festival de Cannes, además de una candidatura al Óscar. En 1984 realiza un gran papel en Greystoke, la leyenda de Tarzán, el rey de los monos, como el capitán belga Phillipe D'Arnot, quien descubre y es el maestro de John Clayton (Tarzán).
Otro papel destacado fue el de Bilbo Bolsón en la trilogía épica que adaptó la novela El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien; obra que ya conocía por haber dado voz anteriormente al sobrino de ese personaje, Frodo Bolsón en el serial radiofónico de la novela que la BBC emitió en 1981. Retomó el papel de Bilbo anciano en El hobbit: un viaje inesperado, introduciendo el trabajo de Martin Freeman, que protagoniza la película interpretando al mismo personaje de joven.
Algunas de sus películas recientes más destacadas son El quinto elemento, El aviador o el film protagonizado por Johnny Depp y Heather Graham, y dirigido por los hermanos Hughes Desde el infierno, basado en la historia de Jack el Destripador y el cómic de Alan Moore.
Fue nombrado por la reina Isabel II comendador de la Orden del Imperio Británico en 1990, y fue nombrado Caballero o Sir en 1998, debido a sus servicios como actor.

Vida personal[editar]

En lo referente a su vida personal, ha estado casado cuatro veces. Su tercera esposa fue la actriz Penelope Wilton (1991-2001). Tuvo cinco hijos, de tres mujeres diferentes, habiendo sido dos de ellas sus esposas. En 2001 le diagnosticaron cáncer de próstata, sin embargo la quimioterapia resultó exitosa y no desistió de sus proyectos cinematográficos.
Padecía la enfermedad de párkinson.3​ Falleció a los ochenta y ocho años en un hospital de Londres el 19 de junio de 2020 a causa de complicaciones derivadas de esta enfermedad.4​5​




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