Un día como hoy 23 de octubre

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El 23 de octubre es el 296.º (ducentésimo nonagésimo sexto) día del año en el calendario gregoriano y el 297.º en los años bisiestos. Quedan 69 días para finalizar el año.
Podcast 2018





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Santoral de la Iglesia Católica:


San Juan Capistrano,

fraile, predicador y teólogo italiano muerto en 1456. Promotor de una cruzada contra los Otomanos.


San Juan de Capistrano (en italiano: Giovanni da Capestrano; en húngaro: Kapisztrán Szent János) (24 de junio de 1386 - 23 de octubre de 1456) fue un fraile napolitano que predicó de forma ambulante por casi toda Europa, sobre todo en el Este. Fue canonizado en 1690 por el papa Alejandro VIII. Ha sido llamado el "Santo de Europa" y su fiesta se celebra el 23 de octubre.


Etimológicamente significa “Dios es misericordia”. Viene de la lengua hebrea. 
Nació en Capistrano, diócesis de Sulmona, Italia, en 1385.
Hijo de un caballero francés o alemán que murió cuando Juan era joven.
Estudió con esmero en la Universidad de Perugia (Cerca de Asís).
Fue abogado y juez. En 1412 fue nombrado gobernador de Perugia por Landislaus rey de Nápoles, quien tenía control de esa ciudad. Luchó contra la corrupción y el soborno.

Cuando estalló la guerra entre Perugia y Malatesta en 1416, Juan trató de conseguir la paz, pero en vez lo tomaron prisionero de guerra. En la cárcel decidió entregarse del todo a Dios. Tuvo un sueño en el que vió a San Francisco que le llamaba a entrar en la orden franciscana. Juan se había casado justo antes de caer preso, pero el matrimonio nunca se consumió y fue anulado.

Entró en la orden franciscana en Perugia el 4 Octubre de 1416. Tenía 30 años por lo que el maestro de novicios lo puso a prueba dándole los más humildes oficios. 
Fue discípulo de san Bernardino de Siena quien le enseñó teología. Se distinguió como predicador aun siendo diácono. Ordenado a los 33 años. Por 40 años fue predicador itinerante por Italia y otros países. Una vez en Brescia (Italia) predicó a una multitud de 126,000 personas que habían venido de las provincias vecinas. Por su radical llamada a la conversión y su sencillez, la gente lo relacionaba con San Juan Bautista. Traían las cosas de superstición y ocultismo y las quemaban en hogueras públicas. Tenía gran fama por su don de curación y le traían a los enfermos para que les haga la señal de la cruz. Como San Bernardino, propagó la devoción al nombre de Jesús, por lo ambos, junto con otros franciscanos, fueron acusados de herejes. El defendió al grupo con éxito.

Muchos jóvenes le seguían a la vida religiosa. Estableció comunidades franciscanas. Escribió extensivamente, sobre todo contra las herejías de su época. Muchos de sus sermones se conservan.

Dormía y comía poco. Hacía mucha penitencia.
Dos veces la comunidad franciscana lo eligió como vicario general. En visita en Francia conoció a Sta. Colette, reformadora de la orden de las clarisas, con la que simpatizaba.

Juan tenía gran don para la diplomacia. Era sabio y prudente, sabiendo medir sus palabras para que estas sirvan la voluntad de Dios. Cuatro Pontífices (Martín V, Eugenio IV, Nicolás V y Calixto III) lo emplearon como embajador en muchas y muy delicadas misiones diplomáticas con muy buenos resultados. Tres veces le ofrecieron nombrarlo obispo de importantes ciudades pero prefirió seguir siendo un pobre predicador. 
Fue nuncio apostólico en Austria donde predicó extensivamente y combatió la herejía de los husitas. También predicó con gran fruto en Polonia, invitado por Casimiro IV.

Los cruzados defienden Europa 
En 1451 el Sultan Mahoma II se lanzó una campaña con el fin de lograr la conquista de Europa. Conquistó a Constantinopla en 1453 y entonces se preparó para invadir a Hungría. En 1454 Servia cayó en sus manos. Las noticias procedentes Servia eran horribles: quienes se resistían a renunciar a Cristo eran torturados. Todo lo que fuese cristiano era destruido o confiscado.

En 1454 Juan Capistrano participó en la dieta de Frankfort y se dispuso a preparar la defensa de Hungría. Fue a Hungría y predicó una cruzada en defensa de la cristiandad. A la edad de 70 años el Papa Calixto II lo comisionó para dirigirla. En Szeged unió el ejercito de campesinos que había reunido con el ejército de Hunyady y ambos se dirigieron a Belgrado. Se decía que los cuarteles parecían casas de religiosos más que campamentos militares porque en ellos se rezaba y se predicaba la virtud. Se celebraba misa diaria. A Juan Capistrano le tenían un gran respeto.

Batalla de Belgrado, 1456, salva a Europa de los musulmanes. 
Los musulmanes atacaban a Belgrado Contaban con 200 cañones, 50,000 de caballería y una gran flota que penetró por el río Danubio. Ante la superioridad de las fuerzas enemigas, los cristianos pensaban retirarse. Pero intervino Juan de Capistrano convenciendo a Hunyady a que atacara la flota turca a pesar de ser mucho más numerosa. En el momento en que los defensores de la ciudad se iban a retirar dándose por vencidos, Juan los animó llevando en sus manos una bandera con la cruz y gritando sin cesar: "Jesús, Jesús, Jesús". Recorrió todos los batallones gritando entusiasmado: "Creyentes valientes, todos a defender nuestra santa religión". Juan nunca utilizó las armas de este mundo sino la oración, la penitencia y la predicación. 
Mientras se luchaba en Belgrado, el Papa pidió rezar el Angelus por la victoria. Los musulmanes fueron vencidos y tuvieron que retirarse de la región. Así se ganó la batalla de Belgrado el 21-22 de julio de 1456.

San Juan de Capistrano había ofrecido a Dios su vida por salvar la cristiandad. Dios le aceptó su oferta y pronto murió junto con Hunyady víctimas del tifo. Los cadáveres de los muertos en batalla causaron una epidemia de tifo que también contagió al santo que ya estaba débil y anciano. Murió en Villach, Hungría, unos meses más tarde, el 23 de octubre.

En Estados Unidos su nombre es famoso por la misión franciscana en California que lleva su nombre.

Beatificado: 19 Diciembre 1650 por Inocente X
Canonizado: 16 Octubre 1690 por Alejandro VIII



https://www.youtube.com/watch?v=CzgkbRhhruE




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Día Mundial de Acción para la Supervivencia Infantil





Este 23 de octubre se celebra el Día mundial de la acción para la supervivencia infantil. En la “Declaración mundial sobre la supervivencia la protección y el desarrollo del niño”, Unicef señala que “día a día, innumerables niños de todo el mundo se ven expuestos a peligros que dificultan su crecimiento y desarrollo
Padecen grandes sufrimientos como consecuencia de la guerra y la violencia; como víctimas de la discriminación racial, el apartheid, la agresión, la ocupación extranjera y la anexión; también sufren los niños refugiados y desplazados, que se ven obligados a abandonar sus hogares y sus raíces”.
La desnutrición, la falta de agua potable y la propagación de enfermedades fácilmente prevenibles matan cada día a 40.000 niños en el mundo.
La Unicef recuerda que la humanidad cuenta ya con los medios y los conocimientos suficientes como para “proteger la vida y mitigar considerablemente los sufrimientos de los niños, fomentar el pleno desarrollo de su potencial humano y hacerles tomar conciencia de sus necesidades, sus derechos y sus oportunidades”.
Sin embargo, el problema de la mortalidad por malnutrición y patologías prevenibles persiste y las proyecciones para millones de niños tampoco son mejores. “Hay más de 100 millones de niños que no reciben instrucción escolar básica y dos terceras partes de ellos son del sexo femenino”.
La organización no gubernamental “Save the Children”, asegura que se han alcanzado grandes logros: en 1990 había 90 muertes por cada mil niños nacidos, mientras que en 2012 se llegó a bajar el índice a 48.
Sin embargo esta caída de la mortalidad infantil ha sido insuficiente para cumplir el Objetivo del Desarrollo de Milenio, que apuntaba a reducir en dos tercios la mortalidad entre 1990 y 2015.
Unicef añade que la posibilidad de supervivencia de un niño es todavía hoy muy diferente según el lugar donde nace. África Subsahariana tiene la mayor tasa de mortalidad en menores de cinco años en el mundo: un niño de cada 12 muere antes de cumplir los cinco años, una tasa 12 veces superior a la media, que en los países de altos ingresos se sitúa en un niño fallecido de cada 147.
Sin embargo y a pesar de los bajos ingresos, Eritrea, Etiopía, Liberia, Madagascar, Malawi, Mozambique, Níger, Ruanda, Uganda y Tanzania han cumplido con la meta de los Objetivos del Milenio.
Con información de Unicef




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1491: 

Nace Ignacio de Loyola, religioso español, canonizado por la Iglesia católica, fundador de la Compañía de Jesús (fallecido en 1556).


Ignacio de Loyola (Azpeitia, c. 23 de octubre de 1491-Roma, 31 de julio de 1556) fue un militar y luego religioso español, surgido como un líder religioso durante la Contrarreforma. Su devoción a la Iglesia católica se caracterizó por la obediencia absoluta al papa. Fundador de la Compañía de Jesús de la que fue el primer general, la misma prosperó al punto que contaba con alrededor de mil miembros en más de cien casas —en su mayoría colegios y casas de formación— repartidas en doce provincias al momento de su muerte.3​ Sus Ejercicios espirituales, publicados en 1548, ejercieron una influencia proverbial en la espiritualidad posterior como herramienta de discernimiento.4​ El metodista Jesse Lyman Hurlbut consideró a Ignacio de Loyola como una de las personalidades más notables e influyentes del siglo XVI.5​ La Iglesia católica lo canonizó en 1622, y Pío XI lo declaró patrono de los ejercicios espirituales en 1922.3​
Íñigo López de Loyola inició su carrera como hombre de armas formando parte de las tropas oñacinas del reino de Castilla. En mayo de 1521, a los treinta años de edad cae herido en la Batalla de Pamplona cuando defendía la ciudad de las tropas navarras de Enrique II de Navarra.6​ Este hecho sería determinante en su vida, pues la lectura durante su convalecencia de libros religiosos lo llevaría a profundizar en la fe católica y a la imitación de los santos. Propuso entonces peregrinar a Jerusalén, para lo cual necesitaba llegar antes a Roma, pero antes pararía en Montserrat y Manresa, donde comenzó a desarrollar sus Ejercicios espirituales, base de su espiritualidad.7​
A su vuelta de Tierra Santa, comenzó sus estudios y a dedicarse a la predicación, basándose en el método de sus Ejercicios. Sus actividades le hicieron sospechoso de heterodoxo e incluso llegó a ser procesado en distintas ocasiones. Tras ver cerradas las puertas a la predicación, decidió continuar sus estudios en París, donde cursó filosofía y tuvo por compañeros a Pedro Fabro y Francisco Javier, entre otros.7​
Ignacio y sus compañeros acabaron pronunciando un voto de pobreza, iniciaron la Compañía de Jesús y decidieron peregrinar a Jerusalén, pero esta empresa resultó imposible y finalmente optaron por ponerse a disposición del papa. Ignacio partió a Roma junto con Pedro Fabro y Diego Laínez, experimentando durante todo el viaje multitud de sentimientos espirituales y una especial confianza en que Dios les sería favorable en esa ciudad.7​
Allí se dedicó a impartir sus Ejercicios, pero pronto sufrió las críticas de personalidades influyentes que difundieron rumores en su contra, acusándolo de ser un fugitivo de la Inquisición. Para impedir que las acusaciones prosperasen y acabasen impidiendo su actividad, Ignacio quiso que se abriese un proceso formal para así ser declarado públicamente inocente.7​
Después de esto se procedió a designar al primer general de la Compañía de Jesús, resultando Ignacio elegido unánimemente por sus compañeros. Sin embargo, rechazó la designación y pidió que la votación se repitiese tras madurarlo más profundamente. Volvió a ser elegido en segunda votación y, tras reflexionar y confesar sus pecados, finalmente aceptó.7​
Estuvo quince años al frente de la Compañía de Jesús como General, permaneciendo en Roma. Murió el 31 de julio de 1556 y su cuerpo, que fue inicialmente sepultado en la iglesia de Santa María de la Strada, fue trasladado a la iglesia del Gesù, sede la Compañía. El papa Gregorio XV lo canonizó el 12 de marzo de 1622 junto con Francisco Javier, Felipe Neri, Teresa de Jesús e Isidro Labrador.7​




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1817:

Nace  Pierre Athanase Larousse, lexicógrafo francés (fallecido en 1875).


Pierre Athanase Larousse (Toucy, 23 de octubre de 1817-París, 3 de enero de 1875) fue un gramático, pedagogo y lexicógrafo francés.
Biografía[editar]
A la edad de dieciséis años ganó una beca en la escuela de enseñanza de Versalles. Cuatro años más tarde, Pierre regresó a Toucy para enseñar en una escuela primaria, pero este oficio le frustró debido en parte a los métodos de enseñanza que encontraba arcaicos y demasiado rígidos. En 1840 se trasladó a París para mejorar su propia educación tomando cursos libres. Durante el periodo de tiempo que va desde 1848 hasta 1851 enseñó en un colegio de internos privado, donde pudo encontrar a la que sería su futura esposa, Suzanne Caubel (aunque no se casarían hasta 1872). Ambos colaboraron de tal forma que en 1849 publicaron un curso de idioma francés para niños.
En 1851 se encontró con Augustin Boyer, otro exprofesor desilusionado, y juntos fundaron la Librairie Larousse et Boyer (Librería de Larousse y de Boyer). Publicaron libros de textos progresivos para los niños, y manuales de instrucción para los profesores, haciendo énfasis siempre en desarrollar la creatividad y la independencia de los alumnos. En 1856 publicaron el Nuevo Diccionario de la Lengua Francesa, el precursor del Petit Larousse. Sin embargo Larousse comenzaba ya a planear su siguiente proyecto, mucho más ambicioso. El 27 de diciembre de 1863 apareció el primer volumen del gran diccionario enciclopédico, Enciclopedia Larousse. La obra fue elogiada por Victor Hugo y pronto se convirtió en una obra clásica. Todavía se tiene gran respeto a su formato moderno, en revisión. En 1869 Larousse dio por terminada su sociedad con Boyer y pasó el resto de su vida trabajando en el gran diccionario. La enciclopedia fue acabada por su sobrino Julio Hollier de Larousse en 1876, tras la muerte de Larousse a causa de un derrame cerebral debido al agotamiento de intentar publicar dentro de los plazos.
Obra[editar]
·         Grand dictionnaire universel du XIX. siècle (1864-76, 15 Bde.; Supplemente 1878 y 1887), obra que llegó a estar en el Índice de libros prohibidos por la Iglesia católica. Conocida hoy en día como la Enciclopedia Larousse que distribuye la Editorial Larousse.



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1916:

Nace David Dortort, el creador de la serie 'Bonanza', productor y guionista estadounidense.


El creador de la serie de televisión 'Bonanza', David Dortort, falleció a los 93 años en su apartamento de Los Ángeles, en California. Dortort, productor y guionista, fue el artífice de la historia de los Cartwright, una familia de vaqueros que vivía en el rancho 'La Ponderosa' y cuyos miembros se hicieron muy populares en la pequeña pantalla durante los años 60.
La serie 'Bonanza' se estrenó sin mucho éxito en 1959 en la cadena estadounidense NBC, justo a la misma hora que el programa del momento, 'Perry Mason', pero, tras unos cambios en la parrilla, logró enganchar a la audiencia.
Entre 1964 y 1967 fue el programa más visto de media en la televisión del país.
La serie, filmada en el lago Tahoe, en el estado de Nevada, se emitió en color como parte de una campaña para promocionar los nuevos televisores de la empresa RCA, dueña de NBC.
Los principales actores de 'Bonanza' fueron Michael Landon, Lorne Greene, Dan Blocker y Pernell Roberts.
El programa fue cancelado en 1973, un año después de la muerte de Blocker (Eric 'Hoss' Cartwright) por complicaciones tras una operación de vejiga, pero Dortort continuó con la franquicia con títulos como 'Bonanza: The Next Generation' (1988).
Dortort creó también series famosas como 'Lassie' o 'El Gran Chaparral'.


David Dortort (nacido David Solomon Katz ; 23 de octubre de 1916 - 5 de septiembre de 2010), [2] fue un guionista y productor de Hollywood , ampliamente conocido por su papel como productor en dos exitosas series de televisión de NBC : Bonanza (1959-1973) y El Gran Chaparral (1967-1971). El enfoque de Dortort cambió a finales de la década de 1960 a la serie más nueva, dejando la producción de Bonanza en gran parte a sus asociados durante los últimos cinco años y medio (1967-1973).

Desde 1954-1955, Dortort participó en la dirección y redacción de The Public Defender . Produjo The Restless Gun (1957-1959), la versión para televisión de The Cowboys (1974) y una serie de precuelas con versiones más jóvenes de los personajes de Bonanza llamada Ponderosa (2001), que fue producida con Beth Sullivan . En 1979-1980, creó la miniserie de CBS de 13 semanas , The Chisholms . Michael Landon apareció en un papel secundario en el piloto de The Restless Gun , protagonizada por John Payne., emitido el 19 de marzo de 1957, como un episodio de The Schlitz Playhouse of Stars y Dan Blocker interpretó varios papeles en cinco episodios de The Restless Gun . [3]

Alan W. Livingston de NBC contrató a Dortort para escribir el guión del episodio piloto de Bonanza . [4] Lo hizo de noche, mientras producía The Restless Gun durante el día. [5]

En 2001, la asociación de ex alumnos de City College of New York , donde había estudiado historia , lo honró con su premio John H. Finley . [6]




http://www.elmundo.es/elmundo/2010/09/08/obituarios/1283902575.html


1918: 

Nace James Daly, actor estadounidense (fallecido en 1978).



James Daly (n. 23 de octubre de 1918 - f. 3 de julio de 1978), fue un actor estadounidense.
Carrera[editar]
Nacido en Wisconsin, Estados Unidos. Daly se graduó en Cornell College en Mount Vernon, Iowa. Él comenzó su carrera en los años 50s, teniendo pequeños papeles en series de televisión como The Clock (1950), Suspense (1953), Kraft Television Theatre (1954).
En 1955, tiene un pequeño papel en la película de Gary Cooper, Consejo de guerra, donde interpreta al Teniente Coronel Herbert White. A partir de la década del 60s y comienzos de los 70s, hace apariciones en las películas Wernher von Braun (1960), El planeta de los simios (1968), como el Doctor. Honorious, The Big Bounce (1969), Ejército de cinco (1969), como el Capitán Nicolas Augustus, The Resurrection of Zachary Wheeler (1971), Wild in the Sky (1972).
El pasó como invitado estrella, en las más grandes series de televisión como: La dimensión desconocida (1960), Dr. Kildare (1965), El fugitivo (1966), Combate (1967), El Virginiano (1967), La ley del revólver (1967), Misión imposible(1967), Los Invasores (1968), Viaje a las estrellas (1969), Ironside (1970).
Centro Médico[editar]
En el año 1969, James Daly interpreta el papel del Doctor.Paul Lochner, en la nueva serie dramática de la cadena televisiva CBS Medical Center, la serie gira en torno a un equipo de médicos que atienden en un hospital de Los Ángeles, California, lo acompañaban el Doctor Joe Gannon, que era interpretado por Chad Everett. La serie fue un éxito inmediato y se mantuvo en el aire por 7 temporadas entre (1969-1976). Se filmaron 171 episodios de Centro Médico.

Muerte

Daly murió el 3 de julio de 1978 de insuficiencia cardíaca en Nyack, Nueva York , [ 8 ] dos años después de que terminara Medical Center , y mientras se preparaba para protagonizar la obra Equus en Tarrytown, Nueva York. [ 3 ] Sus cenizas fueron esparcidas en el Océano Atlántico .







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1919:

Nace  Rodrigo Arenas Betancourt, escultor colombiano (f. 1995).


Rodrigo Arenas Betancourt (El Uvital, área rural de Fredonia, Antioquia, 23 de octubre de 1919 - 14 de mayo de 1995) fue un escultor colombiano.1​
Muchas de sus obras son monumentos públicos. Fue uno de los artistas colombianos más prolíficos y apreciados nacional e internacionalmente. Sus bronces se caracterizan por ser gigantes, melodramáticos y espectaculares; se encuentran en ciudades a lo largo y ancho de la geografía colombiana. Fue un escultor en serie.
El 18 de octubre de 1987 fue secuestrado por las FARC en Caldas, Antioquia, cuando viajaba junto a su esposa y sus hijos. Fue liberado el 1.° de enero de 1988, tras 81 días de cautiverio.2​

Falleció en 1995 en la clínica a causa de cáncer en el hígado. Sus restos reposan en Fredonia.3​



Monumento a la vida


1920:

Nace Bob Montana,  artista de tira cómica estadounidense.



Robert William " Bob " Montana (23 de octubre de 1920 - 4 de enero de 1975) fue un artista de tira cómica estadounidense que creó las imágenes originales de los personajes publicados por Archie Comics y en la tira de periódico Archie . [4] [5] [6]

Comics de MLJ (Archie) [ editar ]

Artículo principal: Archie Comics
Mientras trabajaba de manera independiente en True y Fox Comics , Montana creó una tira de aventuras sobre cuatro adolescentes y trató de venderla sin éxito. Luego comenzó a trabajar para MLJ Comics, donde más tarde se le pidió que desarrollara una historia de cómic al estilo de la escuela secundaria, con Archie Andrews .
Según Jane (Donahue) Murphy, una compañera de secundaria de Montana, Archie y sus amigos se basaban en personas de su ciudad natal, Haverhill y Haverhill High School . Ella dijo que Archie Andrews estaba basado en el primo de Donahue, Richard Heffernan; Veronica Lodge en Agatha Popoff, hija del doctor del equipo de fútbol local; Jughead Jones en un adolescente travieso llamado "Skinny" Linnehan; mientras que la Srta. Grundy puede haberse basado en una maestra de escritura secundaria y taquigrafía llamada Lundstrom. [7]
El éxito de la historia de Archie y sus amigos en MLJ 's Pep Comics (Dic 1941) llevó MLJ asignar Montana para dibujar el primer número de Archie (noviembre de 1942).
Montana pronto comenzó a dibujar la tira cómica de Archie , haciendo tanto la tira diaria como la de domingo , que en los próximos 35 años corrió en más de 750 periódicos. [ cita requerida ]
Montana murió de un aparente ataque al corazón mientras esquiaba a campo traviesa cerca de su casa en New Hampshire a la edad de 54 años. [8]






1925:

Nace Johnny Carson,

John William Carson (Corning, Iowa, 23 de octubre de 1925-West Hollywood, California, 23 de enero de 2005) fue un presentador, comediante, escritor y productor de televisión estadounidense. Es conocido sobre todo como el presentador de The Tonight Show, protagonizado por Johnny Carson (1962–1992). Carson recibió 6 Premios Emmy, el Premio del Gobernador de la Academia de Televisión de 1980 y un Premio Peabody en 1985. Fue incluido en el Salón de la Fama de la Academia de Televisión en 1987. Fue galardonado con la Medalla Presidencial de la Libertad en 1992 y recibió un Kennedy Center Honor en 1993.[1]

Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en la Armada. Después de la guerra comenzó una carrera en la radio. Aunque su programa ya tuvo éxito a fines de la década de 1960, durante la década de 1970 Carson se convirtió en un ícono estadounidense y se mantuvo así incluso después de su retiro en 1992. Adoptó un enfoque informal y conversacional con una amplia interacción con los invitados, un enfoque iniciado por Arthur Godfrey y el anterior Tonight Show de Steve Allen y Jack Paar. El expresentador y sucesor, David Letterman, ha citado la influencia de Carson en su trabajo.[2]

Biografía

John William Carson nació el 23 de octubre de 1925, en Corning, Iowa, hijo de Ruth Elizabeth (Hook) Carson (1901–1985) y Homer Lloyd "Kit" Carson (1899–1983), gerente de una compañía eléctrica.[3][4] Creció en las ciudades cercanas de Avoca, Clarinda y Red Oak en el suroeste de Iowa antes de mudarse a Norfolk, Nebraska, a la edad de 8 años.[5] Allí creció y comenzó a desarrollar su talento para el entretenimiento. A la edad de 12 años encontró un libro sobre magia en la casa de un amigo e inmediatamente compró un kit de mago por correo. Después de la compra del kit practicó sus habilidades de magia con los miembros de su familia con trucos de cartas. Era conocido por seguir a los miembros de su familia que decían: "Elija una tarjeta, cualquier tarjeta".[6] La madre de Carson le cosió una capa y su primera actuación se realizó frente al Club Kiwanis local. Debutó como "The Great Carsoni" a los 14 años y le pagaron $3 por espectáculo.[6] Pronto, muchas otras actuaciones en picnics locales y ferias de campo le siguieron. Después de graduarse de la escuela secundaria tuvo su primer encuentro con Hollywood.[6] Hizo autoestop a Hollywood, donde fue arrestado y multado con $50 por hacerse pasar por un guardiamarina, una historia que a menudo se considera apócrifa.[6] "Johnny se embarcó en una aventura, tan llena de implicaciones para su futuro, que algunos se han preguntado si la aventura podría no ser realmente una leyenda".[7]

Servicio militar

Retrato de la marina de guerra de Carson [3]

Carson se unió a la Armada de los Estados Unidos el 8 de junio de 1943, y recibió capacitación de oficiales del Programa de Capacitación de V-12 Navy College en la Universidad de Columbia[8] y en la Universidad Millsaps.[9] Llevando una bandera al final de la guerra, fue asignado al USS Pennsylvania en el Pacífico. Mientras estaba en la Marina, consiguió un récord de boxeo amateur de 10-0, con la mayoría de sus peleas hechas a bordo del Pennsylvania.[10] Estaba de camino a la zona de combate a bordo de un barco de tropas cuando el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki terminó la guerra. Trabajó como oficial de comunicaciones a cargo de la decodificación de mensajes cifrados. Dijo que el punto más alto de su carrera militar fue realizar un truco de magia para el Secretario de la Armada de los Estados Unidos, James V. Forrestal. En una conversación con Forrestal, el secretario le preguntó a Carson si planeaba permanecer en la Marina después de la guerra.[11] En respuesta, Carson dijo que no y le dijo que quería ser un mago. Forrestal le pidió que actuara y Carson respondió con un truco de cartas.[11] Carson descubrió que podía entretener y divertir a alguien tan irritable y sofisticado como Forrestal.[11]

Educación

Para aprovechar las oportunidades educativas de la Armada, asistió a la Universidad de Nebraska-Lincoln,donde se unió a la fraternidad Phi Gamma Delta[12] y continuó realizando magia (luego cobró $25 por actuación).[3]Se especializó en periodismo con la intención de convertirse en un escritor de comedia. En su lugar, cambió su especialidad a habla y drama unos meses después, porque quería convertirse en un intérprete de radio.[13] Su tesis universitaria, titulada "Cómo escribir chistes de comediantes", fue una recopilación de dramas y chistes grabados de programas de radio populares en los que Carson explica la técnica de la comedia en voz en off. Le permitió graduarse en 3 años.[13] Carson se graduó con una licenciatura en radio y habla con un menor en física en 1949.[13]

Inicios en la radio y televisión

Comenzó su carrera televisiva en 1950 en la radio y televisión WOW en Omaha.[14] Pronto presentó un programa de televisión matutino llamado El Nido de la Ardilla.[15] Una de sus rutinas consistía en entrevistar a palomas en el techo del palacio de justicia local que informaría sobre la corrupción política que habían visto. Complementó sus ingresos sirviendo como maestro de ceremonias en las cenas de la iglesia local, a la que asistieron algunos de los mismos políticos y líderes cívicos a los que había engañado en la radio.[16]

Carson como invitado en el programa de televisión de Jack Benny, 1955
Carson en 1957

La esposa de una de las figuras políticas de Omaha, Carson, falsificó sus acciones en una estación de radio en Los Ángeles, y en 1951 refirió a Carson a su hermano, quien era influyente en el mercado de televisión emergente en el sur de California. Carson se unió a la cadena de televisión KNXT de Los Ángeles, propiedad de la CBS.[17] En 1953, el cómico Red Skelton, fan del programa de comedia de dibujos animados de bajo presupuesto "Carult Success" de Carson, Carson's Cellar (1951 a 1953) en KNXT, le pidió a Carson que se uniera a su programa como guionista.[18] En 1954, Skelton accidentalmente se quedó inconsciente durante el ensayo una hora antes de que comenzara su show en vivo. Carson lo sustituyó con éxito.[3]En 1955, Jack Benny invitó a Carson a aparecer en uno de sus programas durante los segmentos de apertura y cierre. Carson imitó a Benny y afirmó que Benny había copiado sus gestos. Benny predijo que Carson tendría una exitosa carrera como comediante.[19]

Organizó varios espectáculos además de Carson Cellar, incluido el programa de juegos Earn Your Vacation (1954) y el programa de variedades de la CBS The Johnny Carson Show (1955–1956). [3][20] Fue un panelista invitado en el programa original To Tell the Truth a partir de 1960, y luego se convirtió en un panelista residente desde 1961 hasta 1962. Después de la cancelación de The Johnny Carson Show, se mudó a la ciudad de Nueva York para ser presentador de la ABC. -¿En quién confías? (1957–1962), anteriormente conocido como ¿Confías en tu esposa?. En 1958, apareció como estrella invitada en un episodio titulado "Confía en su esposa" en el programa de variedades de corta duración de la NBC, The Polly Bergen Show.[21] En quién confías?, Carson conoció a su futuro compañero y hombre heterosexual, Ed McMahon. Aunque creía que pasar a la televisión diurna perjudicaría su carrera, ¿en quién confía? Fue un éxito. Fue el primer programa donde pudo anunciarse y entrevistar a los invitados, [22]y debido al ingenio de Carson en la cámara, el programa se convirtió en "el artículo más candente en la televisión diurna" durante sus 6 años en la ABC. [3]

The Tonight Show

Con Dick Cavett y Alan King en 1968.

Tonight, de la NBC, fue la contraparte de la noche en su programa Today de la mañana. Comenzando en 1954 con el presentador Steve Allen, Tonight fue algo experimental en ese momento, ya que el único programa nocturno de la cadena NBC fue el Broadway Open House de la NBC, protagonizado por Jerry Lester y Dagmar.[23][24] The Tonight Show tuvo éxito, y cuando Allen pasó a los programas de variedades de comedia en 1956, Jack Paar lo reemplazó como presentador de Tonight. Paar dejó el espectáculo en 1962.

El éxito de Carson en ABC's Who Do You Trust? llevó a la NBC a invitarlo a asumir The Tonight Show unos meses antes de la partida de Paar.[25] Carson rechazó la oferta porque temía la dificultad de entrevistar a celebridades durante 105 minutos cada día. Bob Newhart, Jackie Gleason, Groucho Marx y Joey Bishop también declinaron. La NBC finalmente convenció a Carson para que firmara a principios de febrero de 1962. Se puede ver a Carson discutiendo su próximo trabajo por primera vez el 11 de febrero de 1962, episodio de ¿Cuál es mi línea?.[26] Debido a que a Carson le quedan seis meses en su contrato con la ABC, la NBC usó varios anfitriones invitados hasta que pudo hacerse cargo. Los anfitriones invitados fueron Merv Griffin, Art Linkletter, Joey Bishop, Arlene Francis (la primera mujer que presentó The Tonight Show), Bob Cummings, Jerry Lewis, Groucho Marx, Donald O'Connor y otros. [22] [3]

A pesar de que seguía teniendo dudas sobre su nuevo trabajo, Carson se convirtió en el anfitrión de Tonight (más tarde se convirtió en The Tonight Show Starring Johnny Carson) el 1 de octubre de 1962. Después de un difícil primer año, superó sus temores. [22] Si bien The Tonight Show bajo sus anfitriones anteriores había sido exitosa, especialmente bajo Paar, la versión de Carson finalmente tuvo un muy buen desempeño en las calificaciones. Billy Wilder dijo de Carson:

Por la simple ley de supervivencia, Carson es el mejor. Él encanta a los inválidos y los insomnes, así como a las personas que tienen que levantarse al amanecer. Él es el Valium y el Nembutal de una nación. No importa qué tipo de imbéciles hay en el programa, tiene que hacerlos divertidos y emocionantes. Él tiene que ser su enfermera y su cirujano. Él no tiene engreimiento. Él hace su trabajo y viene preparado. Si está hablando con un autor, ha leído el libro. Incluso sus rutinas ensayadas suenan improvisadas. Es la crema de la elegancia de la clase media, pero no es un maniquí. Ha cautivado a la burguesía estadounidense sin ofender nunca a los intelectuales, y nunca ha dicho nada que no fuera liberal o progresista. Cada noche, frente a millones de personas, tiene que hacer el salto mortal [un lenguaje de circo para una voltereta aérea realizada en la cuerda floja]. Además, lo hace sin red. No reescribe. No se retoman. Los chistes deben funcionar esta noche.[3]
Billy Wilder

McMahon siguió a Carson de Do You Trust? como su locutor y compañero y Skitch Henderson fue instalado como el maestro de la orquesta de la NBC. La famosa introducción de McMahon, "¡Aquí esta Johnny!" [27] Fue seguido por un breve monólogo de Carson. Esto fue seguido a menudo por sketchs de comedia, entrevistas y música. La marca de Carson era un swing de golf fantasma al final de sus monólogos, dirigido hacia el escenario que se dirigía hacia la orquesta del estudio. Los anfitriones invitados a veces parodiaron ese gesto. Bob Newhart lanzó una bola de bolos imaginaria hacia la audiencia.)[28]

Paul Anka escribió el tema musical ("Johnny's Theme"), una revisión de su "Toot Sweet"; dada la letra, fue rebautizada como "It's Really Love" y grabada por Annette Funicello en 1959.[29] Antes de hacerse cargo de The Tonight Show, Carson escribió la letra de la canción, por lo que reclamó el 50% de los royalties de la canción (aunque la letra nunca se usó). El tema se escucha en las grabaciones de sonido del primer Tonight Show de Carson y se usó sin interrupción hasta su última emisión el 22 de mayo de 1992.[30]

El programa fue producido originalmente en los estudios de televisión 30 Rockefeller Plaza de la NBC en la ciudad de Nueva York, con temporadas ocasionales en California.[31] El programa comenzó a grabar en video por adelantado durante los días de Jack Paar, aunque durante la década de 1970, la NBC transmitió la grabación en vivo de Burbank a Nueva York por satélite para su edición (ver más abajo). Carson tenía talento para hacer quips rápidos para resolver problemas. [3]Si al monólogo de apertura le iba mal, la banda empezaría a tocar "Té para dos" y Carson bailaba en un sillón para reírse de la audiencia del estudio. Alternativamente, Carson podría acercar al operador de micrófono a su cara y anunciar: "¡Atención, compradores de K-Mart, limpien en el pasillo cuatro!"[32]

Mudandose a Burbank

El 1 de mayo de 1972 el espectáculo se trasladó de 30 Rockefeller Plaza a Burbank, California, debido a la proximidad del estudio a las celebridades.[33] Carson a menudo bromeaba sobre el "hermoso centro de Burbank"[34] y se refería al "hermoso centro de Bakersfield", lo que hizo que la alcaldesa de Bakersfield, Mary K. Shell, reprendiera a Carson y lo invitara a su ciudad para ver las mejoras realizadas a principios de los años ochenta.[35]

A partir de julio de 1971, Carson dejó de albergar 5 espectáculos por semana. En cambio, los lunes contó con un anfitrión invitado, dejando a Carson para albergar las otras 4 noches de la semana. Los programas se grabaron en video en Burbank a las 5:30 p. m., se enviaron desde allí a las estaciones de zona horaria del Centro y Este a través de la línea de televisión a las 8:30 p. m. hora del Pacífico (11:30 p. m. hora del Este), y luego se enviaron desde Burbank a Las estaciones de la zona horaria del Pacífico a las 11:30 p. m. hora del Pacífico. Como solo 2 fuentes se originaron en Burbank, las estaciones de la zona horaria central recibieron la hora del Este una hora antes a las 10:30 p. m. hora local, y las estaciones horarias de la Montaña recibieron la zona horaria del Pacífico una hora más tarde a las 12:30 a. m. hora local.

En 1980, a pedido de Carson,[36] el programa redujo su formato de 90 minutos a 60 minutos el 16 de septiembre;[37] Tom Snyder's Tomorrow agregó media hora para llenar el tiempo vacante. Joan Rivers se convirtió en el anfitrión invitado "permanente" desde septiembre de 1983 hasta 1986. The Tonight Show volvió a utilizar hosts invitados rotativos, incluido el cómico George Carlin. Jay Leno se convirtió en el anfitrión invitado exclusivo en el otoño de 1987. Leno bromeó diciendo que aunque otros anfitriones invitados habían aumentado sus tarifas, él había mantenido la suya baja, asegurándose a sí mismo más reservas. Finalmente, el lunes por la noche fue para Leno, el martes para The Best of Carson: retransmisiones que generalmente datan de un año antes, pero en ocasiones de los años setenta.

Aunque el horario de trabajo de Carson se hizo más atenuado, Tonight tuvo tanto éxito que su sueldo de la NBC siguió aumentando; a mediados de la década de 1970, se había convertido en la personalidad mejor pagada de la televisión, ganando alrededor de 4 millones de dólares al año ($15,365,000 en la actualidad), sin incluir apariciones en clubes nocturnos y sus otros negocios. Rechazó muchas ofertas para aparecer en películas, incluyendo papeles de título en The Thomas Crown Affair y el papel de Gene Wilder en Blazing Saddles. [3] También rechazó la oferta del director Martin Scorsese de coprotagonizar con Robert De Niro en la película de 1983 The King of Comedy, el papel del presentador de un programa de entrevistas de televisión para luego ir a Jerry Lewis.

En reconocimiento a su 25⁰ aniversario en The Tonight Show, Carson recibió un Premio Peabody personal, y la junta dijo que se había "convertido en una institución estadounidense, una palabra familiar, [y] el estadounidense más citado". También dijeron que "sentían que había llegado el momento de reconocer las contribuciones que Johnny ha hecho a la televisión, al humor y a los Estados Unidos".[38]

Uri geller

En 1973, el mago, personalidad de la televisión y el autoproclamado psíquico Uri Geller aparecieron en The Tonight Show. En el documental de NOVA, James Randi - Secretos de los psíquicos, mago y activista escéptico James Randi dice que Carson "había sido un mago y era escéptico" de los supuestos poderes paranormales de Geller, por lo que antes de la fecha de grabación, se preguntó a Randi "Para ayudar a prevenir cualquier engaño". Según el consejo de Randi, el programa preparó sus propios accesorios sin informar a Geller y no permitió que Geller o su personal "estuvieran cerca de ellos". Cuando Geller se unió a Carson en el escenario, pareció sorprendido de que no iba a ser entrevistado, sino que se esperaba que mostrara sus habilidades usando los artículos provistos. Geller dijo: "Esto me asusta" y "estoy sorprendido porque antes de este programa llegó su productor y él me leyó al menos 40 preguntas que me iba a hacer". Geller no pudo mostrar ninguna habilidad paranormal, diciendo "No me siento fuerte" y expresó su disgusto al sentir que Carson lo estaba presionando.[39] Según el artículo del 7 de noviembre de 2014 de Adam Higginbotham en el New York Times:

Sin embargo, esta aparición en The Tonight Show, que Carson y Randi habían orquestado para desacreditar las habilidades de Geller, fracasó según Higginbotham.

Personajes cómicos

Carson interpretó varios personajes continuos en bocetos durante el show, incluyendo:

  • Art Fern fue el locutor de "Tea Time Movie",[40] cuyo tema principal fue " Hooray for Hollywood ". Una vez, Carson admitió ante la cámara que este era su personaje favorito, basado en los presentadores de televisión de la tarde que emitirían anuncios publicitarios durante la película. Cada boceto usualmente mostraba tres comerciales largos interrumpidos por clips silenciosos de cuatro segundos de películas antiguas. Cuando la cámara regresó de cada clip, Art siempre fue tomado por sorpresa y de inmediato recordó a los espectadores que estaban viendo una película favorita. Las películas siempre tuvieron inverosímiles títulos e incluso menos títulos probables: " Slim Pickens, Patti Page, Duke Wayne y Charlton Heston en otro clásico occidental: 'Kiss My Saddle Horn'!" Carson originalmente jugó al huckster de voz rápida en su propia voz (como el Honesto Bernie Schlock o Ralph Willie), y finalmente se conformó con un zumbido nasal, de tono alto y elegante, que recuerda al personaje "Reginald Van Gleason III" de Jackie Gleason. El personaje, ahora conocido permanentemente como Art Fern, llevaba un toupee lujoso, chaquetas ruidosas y un bigote de lápiz. La actriz Carol Wayne se hizo famosa por sus más de 100 apariciones (1971–1982) como la asistente de arte de Matxée Lady. Mientras Art daba su discurso, ella entraría en el escenario detrás de él. El arte reaccionaría ante su cuerpo atractivo haciendo una mueca, gritando en voz alta "Ho - ¡leeeee!" Y convirtiendo casi todo lo que dijo en un doble sentido sexual. Después de la muerte de Carol Wayne en 1985, Carson mantuvo a Art Fern fuera del aire durante casi todo el año siguiente, y finalmente contrató a Danuta Wesley y luego a Teresa Ganzel para interpretar a la Dama Matinée. Carson también usó estos bocetos para burlarse del intrincado sistema interestatal de Los Ángeles, usando un puntero y un mapa para dar direcciones confusas a los compradores, a menudo incluyendo puntos donde desplegaría el mapa de cartón para señalar, a través de la imagen correspondiente, cuando el comprador llegaría a "la bifurcación en el camino". Otra rutina de autopista en el mismo tema se centró en "Slauson Cutoff", un término de argot que Carson popularizó para describir la Marina Freeway truncada (que terminó abruptamente en Slauson Avenue en Culver City). Art Fern recomendaría a los conductores que tomen una serie de autopistas hasta que lleguen a Slauson Cutoff, y luego les recomendará que "salgan de su automóvil, corten su slauson, regresen a su automóvil", seguido a menudo de carcajadas. El público, dirigido por McMahon.
  • Carnac el Magnífico, un psíquico con turbante, podía responder preguntas antes de verlas. Carnac tenía una entrada de marca registrada en la que siempre giraba en la dirección equivocada al subir al escenario y luego tropezaba en el escalón hasta el escritorio de Carson. (En un episodio, los técnicos armaron el escritorio de Carson para que se derrumbara cuando Carnac cayó sobre él.) Estos errores cómicos fueron una indicación de las verdaderas habilidades prescientes de Carnac. McMahon le entregaría a Carson una serie de sobres con preguntas, que se dice que fueron "herméticamente sellados y guardados en un frasco de mayonesa en el porche de Funk & Wagnall desde el mediodía de hoy". Carson colocaría cada sobre contra su frente y predeciría la respuesta, como "Gatorade". Luego, leería la pregunta: "¿Qué obtiene un caimán con el bienestar?" Algunos de los chistes eran débiles, y McMahon utilizó pausas después de terribles juegos de palabras y gemidos de la audiencia para aclarar la falta de éxito cómico de Carson ("Carnac debe usarse para calmar los alrededores"), lo que incita a Carson a devolver un insulto igual. Pat McCormick escribió algunos de los más locos materiales de Carnac. El que hizo que McMahon y Carson casi rodaran por el suelo con una risa prolongada fue "Sis, boom, bah" Respuesta: "Describe el sonido que se hace cuando explota una oveja". McMahon siempre anunciaría cerca del final, "Tengo en mis manos el último sobre", en el que el público aplaudiría violentamente, lo que llevó a Carnac a pronunciar una "maldición" cómica entre el público, como "Que una manada de gansos salvajes se vaya". ¡Un depósito en tu desayuno!, "¡Que tu hermana se fugue con un camello!", "Que un yak enfermo tenga un gusto por tu hermana", o el más famoso: "¡Que la ave del paraíso vuele por la nariz!". El personaje fue tomado del segmento "Answer Man" esencialmente idéntico de Steve Allen, que Allen realizó durante su gestión como presentador de The Tonight Show en la década de 1950.[41] Como Allen reconoció en su libro The Question Man, este bit fue creado en Kansas City en 1951 por Bob Arbogast y utilizado en The Tom Poston Show en Nueva York, donde finalmente terminó en The Steve Allen Show, para sorpresa de ambos. Bob y Steve. El carácter y la rutina de Carnac también se parecen mucho al "Mr. Question Man" de Ernie Kovacs.[42][43]
  • Floyd R. Turbo, estadounidense (sin pausa entre las palabras) era un hombre de trabajo estereotipado común, vestido con una chaqueta y gorra de caza a cuadros, que ofrecía "respuestas editoriales" a las causas de la izquierda o eventos noticiosos. Barrando contra los derechos de las mujeres en el lugar de trabajo, por ejemplo, Turbo gritaba: "Esto plantea la pregunta: ¡besa mi dictáfono!"[44]
  • La tía Blabby, una anciana cantankerous y a veces amorosa, fue invariablemente entrevistada por el hombre directo Ed McMahon sobre asuntos de ancianos.[40] McMahon usaría inocentemente una expresión común como "retirar", solo para que la tía Blabby le advirtiera: "¡No le digas 'retirar' a una persona mayor!". La tía Blabby era una copia obvia de la creación más famosa de Jonathan Winters, Maude Frickert, incluyendo su vestido negro y su peluca.
  • El mouldo, un mentalista, intentaría realizar hazañas de lectura de la mente y de mente sobre la materia, todo lo cual fracasó. A menudo, sus trucos incluyen un intento de robarle el dinero a Ed McMahon o terminan con su mendicidad por un dólar, o al menos una tarifa de autobús.[45]
  • El Maharishi, cuyo tema principal era "Canción de la India", era un "hombre santo" de cabello muy rizado que hablaba en un tono tranquilo y agudo, saludó al locutor McMahon con una flor y respondió preguntas filosóficas.[46]

Carson sin censura en satélite

Aunque el programa de Carson se basó en Burbank a partir de 1972, los servicios de edición y producción de la NBC para el programa permanecieron en Nueva York, lo que requiere que el programa se transmita entre las dos ciudades. En 1976, la NBC usó el satélite Satcom 2 para lograr esto, alimentando la grabación en vivo (que comenzó alrededor de las 5:30 p. m. hora local) directamente a Nueva York, donde se editaría antes de la transmisión de la noche. Esta transmisión en vivo duró generalmente de dos a dos horas y media por noche y no tuvo censura ni fue comercial. Durante las ranuras para cortes comerciales, la alimentación de audio e imagen continuaría, capturando en ocasiones un lenguaje atrevido y otros eventos que sin duda se editarían antes de la transmisión.[47]

Al mismo tiempo comenzaron a aparecer estaciones satelitales terrestres propiedad de individuos, y algunos encontraron la transmisión en vivo. Los propietarios de antenas parabólicas comenzaron a documentar sus avistamientos en revistas técnicas, dando a los espectadores el conocimiento de cosas que no debían ver. Carson y su equipo de producción se preocuparon por esto y presionaron a la NBC para que dejara de transmitir las transmisiones satelitales de la grabación en vivo a principios de los años 80. El enlace del satélite fue reemplazado por la transmisión de microondas hasta que las instalaciones de edición del programa se trasladaron a Burbank.[48]

El show de Carson inició las carreras de muchos artistas, especialmente comediantes y músicos.[49] Para un comediante que aparecía en el programa, hacer que se riera y ser invitado a la silla invitada se consideraban los más altos honores. [3] Los más notables entre ellos fueron David Letterman, Jay Leno, Jerry Seinfeld, Jeff Foxworthy, Ellen DeGeneres, Joan Rivers, David Brenner, Tim Allen, Drew Carey y Roseanne Barr. Carson fue sucedido por The Ed Sullivan Show como un escaparate para todo tipo de talento, además de continuar con un espectáculo de variedades al estilo vodevil.[50]

En 1966, Carson popularizó el juego Twister, de Milton Bradley, cuando lo jugó con la actriz Eva Gabor.[51] Poco conocido en su momento, el juego se disparó en popularidad después de la transmisión.[52]

Controversias y disputas

Carson a menudo hacía bromas a expensas de otras celebridades. En 1980, Carson se retiró de un acuerdo para adquirir el Aladdin Hotel & Casino en Las Vegas, y un grupo competidor dirigido por Wayne Newton compró la propiedad con éxito. Según el abogado Henry Bushkin, a Carson le molestaba que los medios de comunicación lo consideraran "perdido" en el trato y reaccionara contando chistes en su programa sobre Newton, que había hecho un gran esfuerzo para construir una imagen masculina. Esto creó algo así como una pelea de alto perfil entre Carson y Newton. Años más tarde, Newton apareció en Larry King Live, declarando que "Johnny Carson es un ser humano mezquino. Y hay personas que él ha lastimado y que la gente nunca conocerá. Y por alguna razón, en algún momento, decidió dirigir ese tipo de atención negativa hacia mí. Y me negué a escucharlo".[53] Newton habló a menudo de confrontar personalmente a Carson; y después de la última gota, Newton irrumpió en su oficina en el estudio y amenazó con darle una paliza a menos que se detuvieran los chistes, y así lo hicieron.[54]

El veterano actor de la NBC Raymond Burr se enojó por las continuas bromas de Carson y solo apareció en The Tonight Show [55] en 1968 y en 1976.

El 2 de julio de 1969, Carson lanzó un ataque al aire contra The New York Times después de su monólogo nocturno, criticando al periódico por un artículo que decía que él era el artista mejor pagado de la televisión, ganando $75,000 por semana. Negó que eso fuera así, mientras se negó a revelar su compensación en una entrevista posterior con el periódico, y calificó el artículo de "condenadamente injusto".[56] The Times publicó un artículo de seguimiento que decía que su informe inicial "erró" y que $75,000 por semana era poco probable.[57]

Al parecer, Carson detestaba lo que él percibía como una deslealtad, y estaba furioso cuando John Davidson y Joan Rivers, anfitriones del anterior The Tonight Show, comenzaron a presentar sus propios programas de entrevistas. El programa de Rivers en Fox Network compitió directamente con Carson durante la temporada 1986-1987, antes de ser cancelado. El 24 de junio de 2009, luego de la muerte de Ed McMahon, Rivers alabó a McMahon en Larry King Live, pero dijo que después de que ella obtuvo su propio programa, Carson nunca volvió a hablarle.[58]

En diciembre de 1973, Carson bromeó en Tonight sobre una supuesta escasez de papel higiénico. Los espectadores creyeron en la historia y los consumidores comenzaron a vaciar las tiendas,[59] causando una escasez real que duró semanas. Las tiendas y los fabricantes de papel higiénico tuvieron que racionar los suministros hasta que terminó el pánico.[60][61] Carson se disculpó en enero de 1974[62] por el incidente, que se convirtió en lo que The New York Times llamó un "estudio clásico" de cómo se propagan los rumores.[63]

Carson demandó con éxito a un fabricante de inodoros portátiles que quería llamar a su producto "Aquí está Johnny" (por "Here's Johnny", su frase de cabecera en inglés).[64]

Carson hizo una parodia del personaje de "Mr. Rogers", donde interpretó a un malvado Mr. Rogers que quería que los niños robaran el dinero de sus padres para que su show continuara. Fred Rogers no estaba impresionado con el sketch. Carson luego se disculpó con Rogers por burlarse de él.[65]

Empresas de negocios

Carson fue un importante inversor en la fallida DeLorean Motor Company.[66]

Carson fue jefe de un grupo de inversionistas que compraron y operaron dos estaciones de televisión.[67] La primera fue KVVU-TV en Henderson, Nevada, una estación independiente que sirve a Las Vegas, adquirida por el grupo Carson en 1979. Poco después de comprar la estación, se rumoreaba que KVVU estaba adquiriendo una afiliación de NBC, ya que la afiliada de larga data KORK-TV estaba en proceso de ser reemplazada por KVBC (y ahora KSNV), pero nunca sucedió.[68] La segunda estación de Carson, KNAT-TV independiente en Albuquerque, Nuevo México, fue comprada en 1982. A diferencia de la operación en Las Vegas, KNAT enfrentó una competencia más dura por la programación sindicada de alta calidad. Carson vendió sus dos estaciones en 1985 y 1986 con KVVU-TV (FOX 5) para James Meredith Corporation y KNAT para Trinity Broadcasting Network.[69]

Las otras empresas comerciales de Carson incluyeron el exitoso Johnny Carson Apparel, Inc. [3] sus cuellos de tortuga se convirtieron en una tendencia de moda y en una franquicia fallida de restaurantes.[70]

Jubilación

Carson en la década de 1990

Carson se retiró del mundo del espectáculo el 22 de mayo de 1992, a los 66 años, cuando se retiró como presentador de The Tonight Show.[71] Su despedida fue un evento mediático importante, a menudo emotivo para Carson, sus colegas y el público, y se prolongó durante varias noches. En homenaje a Carson y su enorme influencia, varias cadenas que tenían programas de entrevistas de variedades nocturnas "se apagaron" durante toda la hora en que hizo el último programa. The Tonight Show finalmente ganó el Emmy por su sobresaliente final de la serie de Late Night después de 13 intentos, impulsado por la penúltima emisión que presentó a los dos últimos invitados de Johnny, Robin Williams y Bette Midler.[72][73]

La NBC le dio el rol de anfitrión permanente a Jay Leno. Leno y David Letterman pronto compitieron en cadenas separadas.[74]

Aspectos posteriores a la jubilación

En un viaje a Tanzania en 1994.

Al final de su último episodio de Tonight Show, Carson indicó que podría, si así lo inspirara, regresar con un nuevo proyecto. En su lugar, optó por retirarse por completo, rara vez dio entrevistas y se negó a participar en las celebraciones del 75⁰ aniversario de la NBC. Hizo una aparición ocasional, incluyendo su voz en el episodio del 13 de mayo de 1993 de Los Simpson ("Krusty Gets Kancelled"), telefoneando a David Letterman en un episodio de noviembre de 1993 de Late Show con David Letterman[75] y apareciendo en la NBC de 1993 Bob Hope especial: Los primeros 90 años.[76]

El 13 de mayo de 1994 Carson apareció en el Late Show con David Letterman. Durante una semana de shows en Los Ángeles, Letterman hizo que Larry "Bud" Melman (Calvert DeForest) entregara sus "listas de los diez mejores" bajo el pretexto de que una personalidad famosa estaría entregando la lista. En el último show de la semana, Letterman indicó que Carson estaría entregando la lista. En su lugar, DeForest entregó la lista, insultó a la audiencia (de acuerdo con el gag cómico) y se le dirigió a un amable aplauso.[77] Letterman luego indicó que la tarjeta que le dieron no tenía la lista adecuada y pidió que se sacara la lista "real". En ese momento, el verdadero Carson emergió de detrás de la cortina (mientras la banda de Letterman tocaba "Johnny's Theme"), una aparición que provocó una ovación del público. Carson luego pidió sentarse detrás del escritorio de Letterman; Letterman obedeció, mientras la audiencia seguía animando y aplaudiendo. Después de algunos momentos, Carson se fue del show sin haber hablado con la audiencia. Más tarde citó la laringitis aguda como la razón de su silencio. Esta resultó ser la última aparición televisiva de Carson.[77]

Letterman

Justo unos días antes de la muerte de Carson, The New York Times publicó una historia que revelaba que ocasionalmente enviaba chistes a David Letterman.[78] Letterman usaría estos chistes en el monólogo de su programa, del cual Carson recibió "una gran patada", según Worldwide Pants Inc. El vicepresidente sénior Peter Lassally, quien anteriormente produjo ambos programas para hombres, también afirmó que Carson siempre había creído que Letterman, no Leno, era su "legítimo sucesor".[78] En su primera emisión después de la muerte de Carson, Letterman entregó un monólogo compilado en su totalidad de bromas enviadas por Carson, un hecho que el anfitrión reveló más adelante en el programa.

Influencias

Las influencias de Carson incluían a Jack Benny, Red Skelton, Fred Allen, Bob Hope,[79] Groucho Marx y Jack Paar.

Los comediantes que han reclamado a Carson como influencia incluyen a David Letterman,[80] Jay Leno,[81] Conan O'Brien,[82] Dennis Miller, Bill Maher,[83] Joan Rivers,[84] Larry Wilmore,[85] Ray Romano, Don Rickles, Bob Newhart, Angie Dickinson, Carl Reiner, Mel Brooks, Dick Cavett, David Steinberg, Jerry Seinfeld, Ellen DeGeneres, Garry Shandling, Steve Martin, Arsenio Hall, Craig Ferguson, Jimmy Fallon[86] y Vince Vaughn.[87]

Vida personal

A pesar de su comportamiento ante la cámara, Carson era tímido fuera de cámara. Era conocido por evitar la mayoría de los partidos grandes y se le conocía como "el hombre público más privado que jamás haya existido". [3][88] Dick Cavett recordó: "Sentí pena por Johnny porque se sentía tan incómodo socialmente. Casi nunca he conocido a alguien que lo haya pasado tan mal como él". [22] Además, George Axelrod dijo una vez de Carson: "Socialmente, no existe". La razón es que no hay cámaras de televisión en las salas de estar. "Si los seres humanos tuvieran pequeñas luces rojas en medio de sus frentes, Carson sería el mejor conversador de la Tierra". [3]

Su lujosa residencia en la playa de Malibú, valorada en 81 millones de dólares en 2017, contenía solo un dormitorio. Los amigos y miembros de la familia que se quedaban a dormir dormirían en la casa de huéspedes al otro lado de la calle.[89]

Normalmente se negaba a hablar de política, controversias sociales, su infancia o su vida privada con los entrevistadores, y ofreció la siguiente lista de respuestas escritas a los periodistas que querían hacerle preguntas:[3]

  1. Sí, lo hice.
  2. No, no lo hice.
  3. No hay un poco de verdad en ese rumor.
  4. Sólo dos veces en mi vida, ambas veces el sábado.
  5. Puedo hacer cualquiera de las dos cosas, pero prefiero la primera.
  6. No. Kumquats.
  7. No puedo responder a esa pregunta.
  8. Sapos y tarántulas.
  9. Turquestán, Dinamarca, Chile y las islas Komandorski.
  10. Tan a menudo como sea posible, pero no soy muy bueno todavía. Necesito mucha más práctica.
  11. Le sucedió a algunos viejos amigos míos, y es una historia que nunca olvidaré. [3]

Política

Carson se opuso a la guerra de Vietnam[79] y la pena de muerte, favoreció la igualdad racial y se opuso a la criminalización del sexo y la pornografía extramatrimoniales. Evitó mencionar explícitamente sus puntos de vista en The Tonight Show, diciendo que "odia ser inmovilizado", ya que eso "me haría daño como artista, que es lo que soy". [3]Como explicó en 1970, "En mi sala de estar abogaría por la liberalización de las leyes sobre el aborto, las leyes sobre el divorcio, y hay ocasiones en las que me gustaría expresar una opinión desde el aire. Me encantaría haber tomado a Billy Graham. Pero estoy en la televisión cinco noches a la semana; No tengo nada que ganar con ello y todo que perder".[90] También rara vez invitaba a figuras políticas a Tonight Show porque "no quería que se convirtiera en un foro político" y no quería que el programa, por sí mismo o por otros, influyera en las opiniones de los espectadores.[79]

En su libro, el exabogado de Carson, Henry Bushkin, declaró que "fue por instinto y crianza definitivamente republicano, pero de un tipo Eisenhower del que ya no vemos mucho". Carson sirvió como maestro de ceremonias para la gala inaugural de Ronald Reagan en 1981 a petición de Frank Sinatra.[91][92]

Religión

Carson nunca hizo ver que ir a la iglesia fuera una parte recurrente de su estilo de vida adulto, aunque durante su infancia fue criado como metodista y durante la escuela secundaria asistió a las reuniones de Christian Endeavor en la iglesia local.[93]

Matrimonios

En 1948 se casó con Jody Wolcott. [3] El matrimonio fue volátil, con infidelidades cometidas por ambas partes y terminó en divorcio en 1963.[94]

Carson se casó con Joanne Copeland el mismo año, el 17 de agosto. Después de un segundo divorcio prolongado en 1972, Copeland recibió un pago de $6,000 por mes en pensión alimenticia hasta que se volvió a casar o hasta la muerte de Carson (lo recibió hasta su muerte en 2005). Ella también recibió "una bonita colección de arte". [3][95] Más tarde tuvo un segundo matrimonio que también terminó en divorcio y murió en California, a los 83 años, en 2015. Ella no tenía hijos.[96]

Al Carson Tonight Show fiesta de 10.º aniversario el 30 de septiembre de 1972, Carson anunció que la exmodelo Joanna Holland y que se había casado en secreto por la tarde, [3]sorprendiendo a sus amigos y asociados. El 8 de marzo de 1983, Holland presentó una demanda de divorcio. El caso de divorcio finalmente terminó en 1985 con un acuerdo de 80 páginas, Holland recibió 20 millones de dólares en efectivo y propiedades.[97]

El 20 de junio de 1987, Carson se casó con Alexis Maas. El matrimonio duró hasta su muerte en 2005.[98]

Al parecer, Carson bromeó: "Dar consejos sobre el matrimonio es como el capitán del Titanic dando lecciones sobre navegación".[99]

Hijos

Carson leyendo una historia a sus tres hijos en 1955: De izquierda a derecha: Chris, Cory y Richard (Ricky)

Carson tuvo 3 hijos con su primera esposa: Christopher, Cory y Richard.[100] Su hijo mediano, Richard, murió el 21 de junio de 1991, cuando su automóvil se precipitó por un empinado terraplén a lo largo de una carretera de servicio pavimentada en la carretera 1 cerca de Cayucos, California.[101] Al parecer, Richard había estado tomando fotografías cuando ocurrió el accidente. En el primer Tonight Show después de la muerte de su hijo, Carson rindió homenaje a la obra fotográfica de Richard mostrando sus diapositivas de la naturaleza, acompañado por Stevie Ray Vaughan en la guitarra de blues que toca "Riviera Paradise".[102] Además, la imagen final del programa, así como algunas de las cortinillas "Más que vienen", del último programa de Carson el 22 de mayo de 1992, mostraban una foto que Richard había tomado.

Caridad

En 1981 creó la Fundación John W. Carson, dedicada a apoyar a los niños, la educación y los servicios de salud. La fundación sigue apoyando causas benéficas.[103] A su muerte, dejó a la Fundación 156 millones de dólares (257164764 de dólares en dinero actual).[104]

En noviembre de 2004, Carson anunció una donación de 5.3 millones de dólares a la University of Nebraska Foundation para apoyar al Departamento de Bellas Artes y Artes Escénicas de Hixson-Lied, que creó la Escuela de Teatro y Cine Johnny Carson. El estado de Carson a la Universidad de Nebraska anunció otra donación de 5 millones de dólares después de su muerte,[105][106] mientras que una donación de 1 millón de dólares se anunció el 4 de noviembre de 2011, creando el Fondo de Becas de Oportunidad Johnny Carson.[107]

Carson también donó a causas en su ciudad natal de Norfolk, incluido el Centro de Cáncer Carson en Faith Regional Health Services, el Museo del Valle de Elkhorn y el Teatro Johnny Carson en la Escuela Secundaria Superior de Norfolk. Carson también donó al Centro de Aprendizaje Permanente de Northeast Community College en honor a su maestra favorita, Miss Faye Gordon. Miss Gordon había aparecido en su programa varias veces. Su última visita conocida a Norfolk fue para celebrar la fiesta de los 100 años de la señorita Gordon, que Carson había prometido hacer varios años antes.[108]

En agosto de 2010, la fundación de caridad creada por Johnny Carson informó haber recibido 156 millones de dólares de un fideicomiso personal establecido por el artista años antes de su muerte en enero de 2005. La fundación de Carson era ahora, con mucho, la más grande de las organizaciones benéficas de Hollywood.[109]

Otras notas

Carson, un astrónomo aficionado, era un amigo cercano del astrónomo Carl Sagan, quien a menudo aparecía en The Tonight Show. La forma única en que Sagan tuvo que decir ciertas palabras, como "miles de millones" de estrellas, llevaría a Carson a acosar a su amigo, diciendo "BILL-iones y BILL-iones". Carson fue la primera persona en contactar con la esposa de Sagan, Ann Druyan, con sus condolencias cuando el científico murió en 1996. Poseía varios telescopios, incluyendo una unidad de primera línea.[110] En 1981, el planeta menor 1981 EM 4 fue nombrado en su honor, 3252 Johnny .[111]

Carson apareció en un segmento de 60 minutos de 1978 practicando en casa con un tambor que le regaló su amigo cercano Buddy Rich, que era el músico de jazz con más apariciones en The Tonight Show. Gore Vidal, otro invitado y amigo frecuente de Tonight Show, escribió sobre la personalidad de Carson en sus memorias de 2006.[112]

En 1982, se encontró que Carson conducía su DeLorean bajo la influencia del alcohol. Se declaró nolo contendere a un cargo de delito menor y recibió una sentencia de tres años de libertad condicional. Carson estaba obligado a asistir a un programa de alcohol para conductores y se le permitía usar su automóvil solo para ir al trabajo y regresar, sin transportar personas ni animales en su vehículo.[113]

Carson era un ávido jugador de tenis. Cuando le vendió una casa en Malibu a John McEnroe y Tatum O'Neal,[114] los términos del fideicomiso requerían que McEnroe le diera a Johnny seis clases de tenis. El maestro de tenis de Carson fue Bob Trapenberg, quien le enseñó durante un tiempo y viajó con él a Wimbledon.

Muerte y homenajes

La estrella de Johnny Carson en el Paseo de la Fama de Hollywood.

El 19 de marzo de 1999, Carson sufrió un grave ataque al corazón en su casa en Malibú, California, y fue hospitalizado en las cercanías de Santa Mónica, donde se sometió a una cirugía de baipás cuádruple.

Carson fue un gran fumador durante décadas, y en los primeros días de su mandato en The Tonight Show, a menudo fumaba en la cámara. Se informó que a mediados de la década de 1970, repetidamente decía: "Estas cosas me están matando". Su hermano menor recordó que durante su última conversación, Carson seguía diciendo: "Esos malditos cigarrillos".[115]

A las 6:50 a. m. hora del Pacífico, el 23 de enero de 2005, Carson murió en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Ángeles por insuficiencia respiratoria debido a un enfisema.[116][117][118] Tenía 79 años y había revelado su enfermedad terminal al público en septiembre de 2002. Su cuerpo fue incinerado y las cenizas fueron entregadas a su esposa, Alexis Maas. De acuerdo con los deseos de su familia, no se llevó a cabo ningún servicio conmemorativo público. Carson también es sobrevivido por su hermano menor, Dick, que es un director ganador del Premio Emmy, entre otras cosas, del concurso Merv Griffin Show y Wheel of Fortune.[119][120]

A su muerte se le prestaron numerosos tributos a Carson, incluida una declaración del entonces presidente George W. Bush, todos reconociendo el profundo y duradero afecto que sentía por él.[121]

El 31 de enero, The Late Show with David Letterman rindió homenaje al exproductor ejecutivo de The Tonight Show, Peter Lassally, y al director de orquesta Doc Severinsen. Al comienzo de este programa, Letterman dijo que durante 30 años, sin importar lo que sucediera en el mundo, ya sea que la gente haya tenido un día bueno o malo, querían terminar con el hecho de que Johnny lo "metiera". También les dijo a sus espectadores que el monólogo que acababa de hablar, que fue muy bien recibido por la audiencia del estudio, consistió enteramente en bromas que Carson le envió en los últimos meses de su vida.[122] Doc Severinsen terminó el show de Letterman esa noche dirigiendo y tocando, junto con Tommy Newsom y Ed Shaughnessy, una de las dos canciones favoritas de Carson, "Here That That Rainy Day" (la otra fue "I'll Be Seeing You"). The Tonight Show con Jay Leno también rindió homenaje a Carson con los invitados Ed McMahon, Bob Newhart, Don Rickles, Drew Carey y KD lang.[123]

En su última presentación de The Tonight Show, el mismo Carson dijo que si bien a veces las personas que trabajan juntas durante largos períodos de tiempo en la televisión no se gustan necesariamente, este no fue el caso de McMahon y él; eran buenos amigos que iban a tomar una copa y cenar juntos, y la camaradería que tenían en el programa no podía ser falsificada. Carson y McMahon fueron amigos durante 46 años.[124]

La película de 2005 The Aristocrats fue dedicada a Carson.[125]

Los Simpson, temporada 16, episodio siete, "Mommie Beerest", fue dedicado a su memoria.

En los primeros Premios de Comedia en Comedy Central, el Premio Johnny Carson fue otorgado a David Letterman. En los 2 Premios Anuales de Comedia en Comedy Central, el Premio Johnny Carson fue otorgado a Don Rickles.

Un documental de 2 horas sobre su vida, Johnny Carson: King of Late Night, se emitió en PBS el 14 de mayo de 2012, como parte de su serie American Masters. Está narrado por Kevin Spacey y presenta entrevistas con muchos de los familiares de Carson, compañeros cómicos y protegidos.[126][22]

Referencias

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Johnny Carson: Documental de Maestros Americanos (Referencia 4 matrimonios)

Otras lecturas

Libros sobre el trabajo y la vida.

Libros de humor

Enlaces externos

Programas





1936: 

Nace Philip Kaufman, cineasta estadounidense.



Philip Kaufman, (Chicago, 23 de octubre de 1936), es un director de cine y guionista estadounidense.
Nació en el seno de una familia judía, su madre se llamaba Elizabeth (Brandau de soltera) y Nathan Kaufman era su padre; siendo por ambos lados nieto de emigrantes judíos alemanes.1​2​
Estudió en la Universidad de Chicago y en el Colegio de Abogados de Harvard. Antes de decidirse por el cine, ejerció varios oficios, y tuvo varios empleos. Cuando era muy joven viajó de mochilazo por toda Europa, y en uno de esos viajes conoció a Anaïs Nin, autora de The Journal of Love - The unexpurgated Diary of Anaïs Nin 1931-1932, historia que más tarde filmaría como Henry y June.
En su desarrollo artístico, Kaufman optó por la dirección cinematográica, pero también por la escritura de guiones. En 1964, en colaboración con Benjamin Master, escribió, produjo y realizó Goldstein, ópera prima que mereció el Prix de la Nouvelle Critique en el festival de cine de Cannes. En los años setenta escribió el guion de The Outlaw Josey Wales(1976) e iba a dirigirla, pero finalmente fue reemplazado por Clint Eastwood, quien también la protagonizó. Invasion of the Body Snatchers (La invasión de los ultracuerpos) (1978) fue su primer éxito comercial.
En los años ochenta, con una idea original de su autoría, fue escrito el guion de En busca del arca perdida e Indiana Jones y la última cruzada, filmes pertenecientes a la famosísima saga de las aventuras de Indiana Jones, protagonizada por Harrison Ford, y que en las manos de George Lucas y Steven Spielberg se convirtieron en todo un éxito cinematográfico. En 1988, Kaufman dirigió La insoportable levedad del ser, adaptación de la novela de Milan Kundera, multinominada a varios premios, entre estos el Oscar. Inició la década de los 90 con Henry y June, nominada también a un Óscar.
Su última cinta es Twisted (2004), protagonizada por Ashley Judd, Samuel L. Jackson y Andy García.










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1940: 

Nace Pelé (Edson Arantes do Nacimento), futbolista brasileño.




Edson Arantes do Nascimento[4] (Três Corações, Minas Gerais, 23 de octubre de 1940-São Paulo, 29 de diciembre de 2022),[5] más conocido como Pelé, fue un futbolista brasileño que jugó como delantero, siendo el primer jugador más joven en debutar para la Copa Mundial de 1958 en Suecia con 17 años. O Rei, está reconocido por muchos especialistas, exfutbolistas y aficionados como uno de los mejores futbolistas de todos los tiempos,[n. 1][6][7][8][9][10][11]descrito por la FIFA como «el mejor de todos».[12] En 1999 la Revista Olympic, órgano del Movimiento Olímpico, lo distinguió como uno de los cinco «mejores atletas del siglo XX», el único futbolista en alcanzar dicho reconocimiento.[n. 2][13] En 2000 fue elegido como el «mejor futbolista del siglo XX» con el 73 % en una votación realizada por la Comisión de Fútbol de la FIFA y los suscriptores de la Revista FIFA,[n. 3][14] luego de que el organismo abriera la votación al público, que optó por Diego Maradona. Fue reconocido con ese galardón por la Federación Internacional de Historia y Estadística de Fútbol, así como en una encuesta respondida por los ganadores del Balón de Oro.[15] En 2014 recibió el FIFA Balón de Oro Honorífico.[16] En 2016 el Comité Olímpico Internacional, en ocasión de los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro, le otorgó la Orden Olímpica.[17][6]

Pelé inició su carrera profesional en 1956 en el Santos, club en el que militó hasta 1974 y con el que ganó un título de la Supercopa de Campeones Intercontinentales, dos de la Copa Intercontinental, dos de la Copa Libertadores de América, seis del Brasileirão, cuatro del Torneo Río-São Paulo y diez del Campeonato Paulista. Es el máximo goleador de la historia del equipo paulista con 643 goles en 659 partidos, la segunda mayor cifra en un club en partidos oficiales;[n. 4][18][19] sumando los encuentros no oficiales en el Santos convirtió 1091 goles en 1116 partidos.[20] En 1975 fichó por el New York Cosmos de la North American Soccer League (NASL), donde conquistó un título de liga. Debutó con la selección brasileña en 1957 a los 16 años y es junto con Neymar el máximo goleador de la Seleção con 77 goles. Acuñó el término «jogo bonito» para designar el estilo que practicó Brasil en los años que integró su selección[21][22] y disputó cuatro ediciones de la Copa Mundial, de las que fue campeón en 1958, 1962 y 1970, siendo el futbolista que más veces la ha ganado y el más joven en lograrlo. Anotó doce goles en mundiales[23][24] y fue elegido mejor jugador en 1970.[25][26] En 1959 alcanzó el subcampeonato de la Copa América en su única participación en el certamen.[27] Se retiró en 1977. Sus 1279 goles en 1363 partidos, incluyendo amistosos, son reconocidos como un récord mundial Guinness.[28][29][30] El registro de goles oficiales realizado por la Federación Internacional de Historia y Estadísticas de Fútbol (IFFHS) contabiliza para Pelé 762 goles en partidos oficiales, que considera récord mundial para el siglo XX,[31] mientras que según los registros oficiales de la FIFA fue superado por Josef Bican con 805 goles en el mismo siglo.[32] Otros registros, como el de la RSSSF, le han computado hasta 778 goles en partidos oficiales.[33] Entre sus goles célebres se destacan el gol de los cuatro sombreros y el gol de placa.[34]

Tras su retiro como jugador, fue actor y cantante.[35][36][37] Fue nombrado Ciudadano del Mundo por la Organización de las Naciones Unidas (ONU) en 1977, Embajador para la Ecología y el Ambiente por la ONU en 1992, Embajador de Educación, Ciencia, Cultura y Buenos Deseos de la Unesco en 1994, ministro extraordinario de Deportes por el gobierno de Brasil entre 1994 y 1998, Caballero de Honor del Imperio Británico en 1997 y Embajador del Deporte en el Foro Económico Mundial de 2006.[38][39][40] En 2004 la FIFA le encargó la elaboración de la lista de los «125 mejores futbolistas vivos» por la celebración de su centenario. A pesar de no haber ganado el Balón de Oro en su carrera, al que en aquella época solo podían optar europeos, la revista France Football le concedió uno honorífico por su gran trayectoria en la gala de premiación de 2013.[41][42] En 2010 fue nombrado presidente honorario del refundado Cosmos.[43] En 2020 fue incluido como mediocentro ofensivo en el Dream Team histórico del Balón de Oro.[44

El 29 de diciembre de 2022 a las 15:27 horas (hora local), murió en el Hospital Israelita Albert Einstein, a los 82 años.[5][105] Según el reporte médico dado ese día, su muerte se debió a una falla multiorgánica resultado del avance del cáncer de colon asociado a su condición médica previa,[105][111] mientras que el acta de defunción dada a conocer un día después señala como causas de su muerte una Insuficiencia cardíaca, una Insuficiencia renal, Bronconeumonía y el propio cáncer de colón.[112]

Su cuerpo fue llevado al Estadio Vila Belmiro en donde fue montada una capilla ardiente abierta al público durante 24 horas a partir del 2 de enero de 2023 a la que acudieron 230 000 personas,[113][114] El 3 de enero de 2023 se realizó una caravana fúnebre rumbo al Cementerio Memorial Necrópolis Ecuménica en donde fue sepultado ese mismo día.[115


 https://www.youtube.com/watch?v=yevlk-vm7sM



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1942:

Nace Michael Crichton, escritor estadounidense (fallecido en 2008).


Michael Crichton /ˈmaɪkl̩ ˈkɹaɪtn̩/ (Chicago, Illinois; 23 de octubre de 1942-Los Ángeles, California; 4 de noviembre de 2008) fue un médico, escritor y cineasta estadounidense, considerado el iniciador del estilo narrativo llamado tecno-thriller.
Se han vendido más de 150 millones de copias literarias de sus obras,2​3​4​ la mayoría best-sellers, que han sido traducidas a más de treinta idiomas y de las cuales doce se han llevado al cine. Quizá principalmente conocido por ser el padre de Parque Jurásico, lo es también de la prestigiosa5​6​ serie de televisión, ER (Urgencias).
Es la única persona que ha tenido simultáneamente, en Estados Unidos, el libro más vendido (Acoso), la película número uno en la taquilla (Parque Jurásico) y la serie de televisión con mayor audiencia (ER (Urgencias)).7​8​







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1951: 

Nace Charly García, músico, compositor y multinstrumentista argentino de rock.


Carlos Alberto García Moreno (Buenos Aires, 23 de octubre de 1951), conocido por su seudónimo Charly García, es un influyente y reconocido músico: cantante, intérprete, compositor y productor argentino de rock.
Es considerado una de las figuras fundamentales del Rock en español, tanto por su talento como por su personalidad. Fundó dos de las bandas más importantes del rock argentino, Sui Géneris y Serú Girán, una banda de culto como La Máquina de Hacer Pájaros, y tiene una amplia carrera como solista. Con 47 discos oficiales grabados en 48 años (1969-2017) como músico profesional, más otros discos de recopilaciones con temas inéditos, discos semioficiales, ediciones limitadas y otros participando como músico invitado de diferentes artistas y en diferentes épocas, García es considerado uno de los íconos del rock en español.
Ha ganado varios premios a lo largo de su trayectoria como el Grammy a la Excelencia Musical en Las Vegas, otorgado por la Academia Latina de la Grabación, que entrega los Premios Grammy Latinos; el Premio a la Trayectoria en la entrega de los Premios Clarín Espectáculos 2009 y el Premio Konex en varias oportunidades, incluyendo el de platino en 1985 como «mejor instrumentista» / «conjunto de rock» de la historia en la Argentina. En 2010 fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires por la Legislatura Porteña y en 2013 recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de General San Martín.


https://www.youtube.com/watch?v=-VeBQs9VUl8&list=PL19EA91FF0A8A93E3&index=12



https://www.youtube.com/watch?v=njgGMPw7XmQ&index=15&list=PL19EA91FF0A8A93E3




https://www.youtube.com/watch?v=Gy9XLOB4f_A&list=PL19EA91FF0A8A93E3&index=22

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1951:

Nace

Federico Moura (Berisso,[1] Buenos Aires, 23 de octubre de 1951-Buenos Aires, 21 de diciembre de 1988) fue un músico, cantautor, compositor, productor discográfico y diseñador de ropa argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock hispanoamericano.



Fue líder de Virus, grupo musical fundamental dentro del estilo musical new wave de los años 80 en Sudamérica.[2] Tuvo un rol importante dentro de la música popular, ya que su grupo dio una apertura a otros estilos e incorporó la electrónica y letras camufladas en sus canciones.[2]

Biografía

Federico José Moura Oliva, el cuarto de seis hermanos, nació en el hospital de Berisso,[1] hijo de Jorge Federico “Pico” Moura, un abogado que se especializaba en derecho civil, y Velia Oliva, maestra y pianista aficionada.[3] El mayor de los hermanos, Jorge, era miembro del Ejército Revolucionario del Pueblo y fue secuestrado durante la dictadura cívico-militar en 1977; desde entonces se encuentra desaparecido.[4] Desde pequeño, Federico mostró interés por la música, y a los cuatro o cinco años aprendió acordes de guitarra y piano.[3] Su primera experiencia artística transcurrió en plena adolescencia con el grupo Dulcemembriyo, con el que llegó a realizar algunas giras por América Latina, en el rol de bajista, luego formó parte de Las Violetas y finalmente Marabunta.[3]

Federico cursó sus estudios primarios en su ciudad natal. De joven practicó rugby en La Plata Rugby Club al igual que sus demás hermanos. Además, era aficionado al atletismo y al vóleibol de playa. Terminó el secundario en el Colegio Nacional de La Plata, dependiente de la UNLP.[3]

Militó en el siloísmo, corriente político filosófica fundada por Mario Rodríguez Cobos, alias Silo, origen de lo que hoy es el Movimiento Humanista,[5][6] donde militaba su hermano Jorge, quien más adelante se afiliaría a las juventudes del ERP.[7][8]

En busca de nuevos desafíos, incursionó por la arquitectura junto a su hermano Jorge y la moda de vanguardia durante la década de 1970;[6] a finales de esta fue convocado para ocupar la voz líder del conjunto new wave Duro, que integraban sus hermanos Julio (guitarrista) y Marcelo (tecladista), además de Enrique Muguetti (bajista), los hermanos Ricardo (guitarrista segundo) y Mario Serra (baterista) y la cantante Laura Gallegos.[3][8] Con idéntico repertorio, pero ya con el nombre definitivo de Virus, y nacido tras la fusión de Las Violetas y Marabunta, la banda tuvo su debut oficial el 11 de enero de 1980.[9]

Federico lideró esa formación musical en los discos Wadu Wadu (1981), Recrudece (1982), Agujero interior (1983), Relax (1984),[10] Locura (1985), Virus Vivo (1986) y Superficies de placer (1987), en una carrera ascendente, signada por el éxito en Argentina, Chile, Paraguay y Perú, alcanzando más de cuatrocientas mil copias vendidas, sin incluir posteriores reediciones digitales. También tuvo una participación decisiva en la profesionalización del grupo Soda Stereo, estando a cargo de la producción de su disco debut en 1984.[11]

Hedonistas, provocadoras y ambiguas, con letras sensuales y ritmos bailables, muchas de las canciones incluidas en esos discos en estos días son consideradas verdaderas piezas clásicas del rock argentino:[12] «Pecado para dos» «Wadu Wadu», «El 146», «El probador», «Hay que salir del agujero interior», «¿Qué hago en Manila?», «Amor descartable», «Me puedo programar», «Pronta entrega», «Sin disfraz», «Una luna de miel en la mano», «Imágenes paganas», «Mirada Speed» y «Superficies de placer», entre otras, representan un notable testimonio del destape musical que llegó a Buenos Aires en los años 80, de la mano del renacer democrático.[12]

Fallecimiento

La verdadera identidad sexual de Moura siempre se mantuvo en secreto durante su vida para no afectar su popularidad con las mujeres. Aunque transitó su vida privada con discreción, su círculo de familia y amigos más cercanos sabían que era homosexual. Pese a algunas creencias erróneas, Federico Moura tuvo noviazgos con mujeres por lo cual es más preciso decir que era bisexual.

Después de pasar por problemas de salud a principios de 1987, Moura recibió la noticia de que vivía con VIH, en el mejor momento de su carrera musical y en una época en la que aún no había tratamientos efectivos contra la enfermedad.[12] Pese a los malos presagios,[4] reunió fuerzas para lograr que Virus siguiera trabajando en una nueva producción, ahora junto a su hermano Marcelo como cantante, mientras que él decidió iniciar la grabación de un disco solista que jamás llegaría a completar y que aún permanece inédito.[4]

Su último registro oficial son las canciones folclóricas «A mí me dicen el tonto» y «En Atamisqui», incluidas en el compilado Grito en el cielo (1988). Este proyecto, organizado por la musicóloga tucumana Leda Valladares, logró reunir a diferentes cantantes de diferentes géneros para rescatar antiguas coplas, vidalas y bagualas del Noroeste argentino.

Tras un último concierto en el Teatro Fénix del barrio porteño de Flores, el 21 de mayo de 1988, Federico Moura optó por alejarse discretamente de los medios para transitar estas instancias de su enfermedad. Murió en la madrugada del 21 de diciembre de ese año, como consecuencia de una insuficiencia cardiorrespiratoria en su departamento del barrio de San Telmo a la edad de 37 años.[12] Sus restos fueron sepultados el 22 de diciembre en el Cementerio de Chacarita. En 2004, sus hermanos Marcelo y Julio lo retiraron, cremaron y arrojaron sus cenizas al Río de la Plata para acompañar a su hermano Jorge, desaparecido durante la última dictadura cívico-militar en el mismo lugar.

Su fallecimiento cerró una de las épocas más fatídicas de la historia del rock argentino. En el transcurso de los últimos años de la década de 1980, también fallecieron Luca Prodan (22 de diciembre de 1987; 34 años) y Miguel Abuelo (26 de marzo de 1988; 42 años).

Legado

Su legado sigue vigente a través de diferentes reconocimientos realizados en estos años: a la edición de tres discos tributo (Soy moderno: Bandas de los noventa cantan a Virus, 2000; Tomo lo que encuentro: 19 versiones de Virus, 2004; e Intimidó mi corazón, 2008, que recrea las canciones del disco Superficies de placer, con la particularidad de ser el primer disco gestado a través de Facebook), se sumaron la concreción de dos muestras retrospectivas (MuseoRock, 1993, y Centro Cultural San Martín, 2008), la edición de dos libros biográficos (Virus, una generación, 1994, y Virus, 2015, escrito este último por su hermano Marcelo) y el montaje de dos esculturas (Homenaje a Federico Moura, Chaco, 2006, y Federico Moura, Paseo de la Prevención, Buenos Aires, 2006). Todos estos homenajes coinciden en recordarlo como una influencia decisiva en la modernización del rock posterior a la última dictadura cívico-militar en Argentina.

Entre el hedonismo y los juegos de palabras, sus letras hablan de encuentros entre la gente, de sexo y contacto físico, siendo una de las más lúcidas respuestas contra la asfixia imperante tanto durante la dictadura como durante el regreso a la democracia en Argentina, cuando hubo «tantos odios para curar».[13]

Discografía

Discografía con Virus
Discografía como solista
  • 1988: Grito en el cielo (compilatorio)

Referencias

  1. Carcacha, Damián (26 de septiembre de 2021). «Oro en polvo». Radar. Página/12. Consultado el 31 de mayo de 2022. «Velia Oliva: “Federico nació el 23 de octubre de 1951 a las 10:30 de la mañana en el hospital de Berisso.”».
  2. «Federico Moura: Amores perpetuos». La historia del rock. Consultado el 29 de agosto de 2016.
  3. «Biografía de Federico Moura». Consultado el 29 de agosto de 2016.
  4. Seis cosas que no sabias de Virus Archivado el 24 de agosto de 2018 en Wayback Machine. Consultado el 29 de agosto de 2016
  5. http://www.pagina12.com.ar/1998/98-12/98-12-21/pag18.htm
  6. «Música y dictadura». Sudestada. Consultado el 10 de septiembre de 2016.
  7. https://books.google.com.ar/books?id=IlM2CgAAQBAJ&pg=PT41&lpg=PT41&dq=%22Federico+Moura%22+%22silo%22&source=bl&ots=5gjEGF8A4D&sig=7rYfhXUFPpMxh9PtgZBQTIG8oxM&hl=es-419&sa=X&ved=0ahUKEwiQ69mnw-rYAhWIF5AKHXXLA9gQ6AEITDAK
  8. Lahiteau, Luciano (28 de enero de 2024). «Un destape en el corazón de la ciudad: la prehistoria de Virus». 0221. Consultado el 17 de febrero de 2024.
  9. «A 27 años de la muerte de Federico Moura». 21 de diciembre de 2015. Archivado desde el original el 12 de marzo de 2016. Consultado el 11 de marzo de 2016.
  10. «Federico Moura». Consultado el 11 de marzo de 2016.
  11. «Marcelo Moura, los nostálgicos recuerdos y lo ambiguo de la muerte de Cerati». TN. 4 de septiembre de 2014. Consultado el 11 de marzo de 2016.
  12. Virus en la enciclopedia del Rock Argentino Consultado el 28 de agosto de 2016
  13. Adrián Melo (2005). El amor de los muchachos. Ediciones LEA. p. 146. ISBN 9872177651.


https://www.youtube.com/watch?v=mCEbVR7VZxc







1954: 

Nace Ang Lee, cineasta taiwanés.


Ang Lee (en chino, 李安; pinyin, Lǐ Ān) (Pingtun, Taiwán; 23 de octubre de 1954) es un director de cine taiwanés.
Muchas de sus películas han enfocado las interacciones entre la modernidad y la tradición. Sus obras también tienden a tener un tono de comedia ligera que marca una ruptura con el realismo trágico que caracteriza el cine de Taiwán tras el fin del período de ley marcial en los años 1990. Fue el primero en introducir temas homosexuales en el cine asiático y también fue pionero en las películas de artes marciales/exotismo oriental de gran presupuesto de Hollywood.
Ha estudiado teatro en la universidad de Illinois e hizo su máster en la escuela de arte Tisch de la Universidad de Nueva York, donde en 1984 realizó una película titulada Fine Line como tesis. Fue compañero de clase de Spike Lee.
En 2013, el presidente de Taiwan, Ma Ying-jeou, le condecoró con la Orden de la Estrella Brillante con Cordón Especial, el máximo rango por la difusión internacional de Taiwán y la importante impulso que dio a la industria cinematográfica local, convirtiéndose en la primera persona del mundo de la cultura que logra esta distinción desde que se creó la condecoración.1​

Trayectoria[editar]

En 1992 se da a conocer internacionalmente en un film sobre un anciano que no sabe/puede adaptarse a la vida occidental moderna (Manos que empujan), y obtiene la etiqueta de "prometedor". Al año siguiente, presenta una película que afianza su carrera y le revela como uno de los máximos exponentes de su generación dentro del cine taiwanés: la co-producción El banquete de bodas, en la que revela una frescura inusual y un talento aún por calibrar. Su siguiente producción va a consagrarle a nivel mundial: Comer, beber, amar (1994), le proporciona uno de sus mayores éxitos personales, logrando que su universo cinematográfico trascienda el film de cintas coétaneas que fracasaban en mayor o menor medida en su intento por conjugar las culturas oriental-occidental dentro de historias intimistas y familiares donde se da la consabida ruptura-dominación por la tradición (Cómete una taza de té de Wayne Wang, 1988, es un buen ejemplo).
En 2001 fue profesor visitante en la universidad de Dartmouth y allí estrenó Wò hǔ cáng lóng, un auténtico fenómeno a nivel mundial que se convirtió casi desde su estreno en un clásico moderno instantáneo.
Por Brokeback Mountain ganó el León de Oro del Festival de Venecia del 2005. Repitió éxito en el mismo festival, dos años después, con una obra totalmente distinta, que aborda la historia de su país: Lujuria y traición.
En 2019 estrenó la película Géminis, una cinta con Will Smith como protagonista, rodada en 4K, a 120 fotogramas por segundo y en el que se utilizó la tecnología 3D+. [1]
Por todo ello, Ang Lee es un cineasta poco corriente en el panorama actual.

Filmografía[editar]


1955:

Nace Graeme Revell (nacido el 23 de octubre de 1955 en Auckland, Nueva Zelanda) es un compositor neozelandés.1​ Su música es predominantemente electrónica y basada en ordenador, a menudo usa instrumentos clásicos y arregla piezas. Algunas de sus composiciones para el cine más conocidas son Calma total (1989), La mano que mece la cuna (1992), El cuervo (1994), Street Fighter: La última batalla (1994), Power Rangers: La película (1995), Días extraños (1995), Abierto hasta el amanecer (1996), Jóvenes y brujas (1996), El cuervo: ciudad de ángeles (1996), El Santo (1997), Spawn (1997), El negociador (1998), La novia de Chucky (1998), Planeta rojo (2000), Titan A.E. (2000), Lara Croft: Tomb Raider (2001), Daño colateral (2002), Freddy contra Jason (2003), Daredevil (2003), Las Crónicas de Riddick (2004), Sin City o Æon Flux (ambas del 2005).

También es conocido por sus frecuentes colaboraciones con el director David Twohy, con el que compuso Below (2002) y la franquicia Riddick.






1956:

Nace 

Dwight Yoakam

Dwight David Yoakam (Kentucky; 23 de octubre de 1956) es un músico, actor y director de cine estadounidense.

Carrera

Como músico

Yoakam inició su carrera a mediados de los años ochenta, y desde entonces ha grabado más de veinte álbumes de estudio y álbumes recopilatorios de música country, ubicando más de trece sencillos en la lista Billboard Hot Country Songs y vendiendo más de 25 millones de discos. Ha grabado cinco álbumes Top No. 5 Billboard y un Top No. 1 en la misma lista, además de tener certificados doce discos de oro y nueve discos de platino, incluyendo el triple platino This Time.

Es uno de los músicos con mayor cantidad de presencias en el popular programa The Tonight Show.[1]

Como actor

Yoakam también ha participado en muchas películas, entre las que destacan sus actuaciones en Sling Blade (1996), La habitación del pánico (2002), Hollywood Homicide (2003), The Three Burials of Melquiades Estrada (2005), Crank (2006), Bandidas (2006) , Dirty Girl (2010) y Cry Macho (2021).

Vida personal

Yoakam comenzó a salir con la fotógrafa Emily Joyce a finales de 2010. Se comprometieron en 2011 y se casaron en una ceremonia privada en Santa Mónica, California, en marzo de 2020. Su hijo, Dalton Loren Yoakam, nació el 16 de agosto de 2020.[2]

Discografía

Estudio

  • Guitars, Cadillacs, Etc., Etc. (1986)
  • Hillbilly Deluxe (1987)
  • Buenas Noches From a Lonely Room (1988)
  • If There Was a Way (1990)
  • This Time (1993)
  • Gone (1995)
  • A Long Way Home (1998)
  • dwightyoakamacoustic.net (2000)
  • Tomorrow's Sounds Today (2000)
  • South of Heaven, West of Hell (Banda sonora) (2001)
  • Population Me (2003)
  • Blame the Vain (2005)
  • 3 Pears (2012)
  • Second Hand Heart (2015)
  • Swimmin' Pools, Movie Stars (2016)[3][4]

Filmografía

Cine

AñoTítuloRolNotas
1993Red Rock WestConductor
1993Rhythm & JamÉl mismoPelícula para TV
1994RoswellMac BrazelPelícula para TV
1995The Little DeathBobby Lomax
1996Don't Look BackSkipperPelícula para TV
1996Sling BladeDoyle Hargraves
1997Painted HeroVirgil Kidder
1998The Newton BoysBrentwood Glasscock
1998When Trumpets FadeGeorge RickmanPelícula para TV
1999The Minus ManBlair
2001South of Heaven, West of HellValentine CaseyDirector y guionista
2002La habitación del pánicoRaoul
2003Hollywood HomicideLeroy Wasley
2004Three WayHerbert Claremont/Clarkson
2005Wedding CrashersMr. Kroeger
2005Los tres entierros de Melquiades EstradaSheriff Belmont
2006BandidasTyler Jackson
2006CrankDoc Miles
2008Two:ThirteenSandy
2008Four ChristmasesPastor Phil
2009Crank: High VoltageDoc Miles
2010Dirty GirlJoseph
2010The Last Rites of Ransom PrideReverend Early Pride
2010BloodworthBoyd Bloodworth
201590 Minutes in HeavenJon
2021Cry MachoHoward Polk

Televisión

AñoTítuloRolNotas
1986Hee HawÉl mismoEpisodio: "18.7"
1991P.S. I Luv UHarlan JusticeEpisodio: "I'd Kill to Direct"
1997EllenThe Bag BoyEpisodio: "The Puppy Episode - Part 2"
1998King of the HillLane PratleyEpisodio: "Nine Pretty Darn Angry Men"
2002Dinner for FiveÉl mismoEpisodio: "1.8"
2011-2013WilfredBruce3 episodios
2013To AppomattoxGeorge Meade7 episodios
2014Under the DomeLyle Chumley7 episodios

Referencias

  1. «Dwight Yoakam». Musicmarketingtools.com. Archivado desde el original el 2013. Consultado el 15 de junio de 2013.
  2. «Singer Dwight Yoakam becomes first-time dad at 63». Consultado el 3 de septiembre de 2020.
  3. «New Album, 'Swimmin' Pools, Movie Stars…" Available September 23». DwightYoakam.com. 16 de febrero de 2016. Archivado desde el original el 11 de agosto de 2016. Consultado el 3 de agosto de 2016.
  4. «Dwight Yoakam to Release Bluegrass Album "Swimmin' Pools, Movie Stars" Including Amazon Pre-Order». SavingCountryMusic.com. 2 de agosto de 2016. Consultado el 3 de agosto de 2016.









1959: 

Nace Sam Raimi, cineasta estadounidense.


Sam Raimi (Royal Oak, 23 de octubre de 1959) es un director, productor y guionista estadounidense.1​ A Raimi se lo reconoce mayormente por su trabajo en la dirección de la primera trilogía del personaje Spider-Man, estrenada entre los años 2000's. Ademas también por su labor como director con filmes de terror de bajo presupuesto como la trilogía de The Evil Dead, el cual fue uno de sus primeros proyectos.1​
También participó en filmes realizados por sus compañeros,1​ como los hermanos Coen, para quienes también ha sido ayudante de dirección. Raimi es una estrella de culto que no abandonó ese género hasta 1999 con For Love of the Game.1​ En 1990, Raimi también trabajó para la televisión, como productor de series como Hércules los viajes legendarios y Xena: la princesa guerrera. Raimi tiene un hermano mayor; Ivan, guionista y un hermano menor, el actor Ted Raimi.1​





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1959:

Nace

Alfred Matthew Yankovic (Lynwood, California, 23 de octubre de 1959), más conocido como «Weird AI» Yankovic, es un humorista, cantante y músico estadounidense, conocido por sus humorísticas letras que iluminan la cultura popular y parodian canciones específicas de artistas musicales contemporáneos. Saltó a la fama en 1984 con su canción «Eat It», parodia de «Beat It», de Michael Jackson.

Biografía

Ha parodiado a tanta gente que incluso ha llegado a aparecer en Los Simpson dándose voz a sí mismo. También actúa en los tres filmes de The Naked Gun, tuvo una actuación principal en My Little Pony: Friendship Is Magic como Cheese Sandwich y tuvo su propio espacio en la MTV, al igual que otros humoristas. Además, aparece como estrella invitada en un capítulo de Scooby-Doo and Guess Who?.

Aparece también en el videoclip del grupo punk estadounidense The Ramones de la canción «Something to Believe In», y además ha aparecido en un capítulo de How I Met Your Mother, en el cual supuestamente Ted Mosby le da, a través de una carta, la inspiración para crear su parodia de Madonna «Like a Surgeon».

Sin embargo, existe una gran cantidad de temas musicales en el Internet que se le atribuyen a él como: «Barney's On Fire», «I Ran Over the Taco Bell Dog», «Weenie in a Bottle», «I'm a Wigga», «The Beer Song», «The Devil Went Down to Jamaica», «Elmo's Got a Gun», «Which Backstreet Boy Is Gay», «I'm Fat», «My Grandmother Is a Bitch» y «What If God Smoked Cannabis», los cuales no fueron cantados por él, como se aclara en su sitio oficial de MySpace. También hay temas en YouTube, que se le atribuyen a un tal "Weird Al" Short Cheesy que en realidad son temas cantados por Yankovic.

Yankovic se volvió vegetariano en 1992, después de que un admirador le entregara el libro Diet for a New America y sintió que «es [...] un argumento que impele a convertirte a una dieta vegetariana estricta».[1] Cuando le preguntan cómo puede «racionalizar» actuar en eventos como Great American Rib Cook-Off siendo vegetariano, responde: «De la misma manera que racionalizo actuar en un colegio incluso cuando no voy a ser estudiante nunca más».[2]

Fue sometido a una operación de cirugía láser correctiva que le curó de su miopía, por lo que ya no necesita usar gafas.

En octubre de 2022 se estrenó la película Weird: The Al Yankovic Story, una parodia de su propia biografía, de la que es coautor del guion, pone voz a las canciones e interpreta al productor discográfico Tony Scotti. El personaje de Al es protagonizado por Daniel Radcliffe.[3]

Discografía

«Weird Al» Yankovic, disfrazado de Kurt Cobain en 2007, interpretando su canción «Smells Like Nirvana», parodia de «Smells Like Teen Spirit» de Nirvana.

Álbumes

Álbumes recopilatorios

Videografía

  • 1985 - The Compleat Al
  • 1989 - UHF
  • 1992 - The "Weird Al" Yankovic Video Library
  • 1993 - Alapalooza: The Videos
  • 1993 - "Weird Al" Yankovic: The Ultimate Collection
  • 1996 - Bad Hair Day: The Videos (
  • 1998 - "Weird Al" Yankovic: The Videos
  • 1999 - "Weird Al" Yankovic Live!
  • 2003 - "Weird Al" Yankovic: The Ultimate Video Collection
  • 2006 - The Weird Al Show - The Complete Series
  • 2011 - "Weird Al" Yankovic Live! - The Alpocalypse Tour
  • 2011 - Alpocalypse HD
  • 2014 - Epic Rap Battles of History: Sir Isaac Newton vs. Bill Nye

Otros trabajos

Véase también










1964: 

Nace Robert Trujillo, roquero estadounidense, de la banda Metallica.


Roberto Agustín Miguel Santiago Samuel Trujillo Veracruz, más conocido como Robert Trujillo (23 de octubre de 1964, Santa Mónica, California, Estados Unidos), es un músico estadounidense de ascendencia mexicana, actualmente bajista de la banda Metallica.
Antes de ingresar en la mencionada banda, el 24 de febrero de 2003, Robert había tocado con artistas como Suicidal Tendencies, Black Label Society, Infectious Grooves, Ozzy Osbourne o Jerry Cantrell, entre otros. Entró a formar parte de Metallica, reemplazando al anterior bajista Jason Newsted.



https://www.youtube.com/watch?v=CD-E-LDc384




https://www.youtube.com/watch?v=Ckom3gf57Yw





 https://www.youtube.com/watch?v=tAGnKpE4NCI






1972: 


Nace Kate del Castillo, actriz mexicana.






Kate del Castillo-Negrete Trillo (Ciudad de México, 23 de octubre de 1972), llamada artísticamente Kate del Castillo, es una actriz mexicana de cine y televisión.

Es conocida por interpretar el papel de Teresa Mendoza en la telenovela La reina del sur, transmitida inicialmente por la cadena Telemundo en 2011.


Índice


·         1Biografía

·         2Carrera
·         3Vida personal
o    3.1Relaciones sentimentales
o    3.2Amistad con «El Chapo»
o    3.3Fortuna
·         4Filmografía
o    4.1Cine
o    4.2Producciones televisivas
o    4.3Colaboraciones en televisión
·         5Premios y reconocimientos
o    5.1Premios Ariel
o    5.2Premios Diosa de Plata
o    5.3Premios TVyNovelas
o    5.4Festival de Cine Iberoamericano de Huelva
o    5.5Premios People en Español
o    5.6Galardón a los Grandes 2011
·         6Referencias
·         7Enlaces externos

Biografía[editar]

Kate del Castillo es hija de Eric del Castillo, una leyenda de la época dorada del cine mexicano y actor de telenovelas y de Kate Trillo Graham. Hermana de la presentadora Verónica del Castillo. Radica en la ciudad de Los Ángeles, California. Cuenta con la nacionalidad estadounidense desde 2015.1​

Carrera[editar]

Kate participó en diez telenovelas, debutando en 1980 en la película El último escape. Se dio a conocer en 1991, en la telenovela Muchachitas en el papel de Leticia.
En 1992, obtuvo su primer protagónico en Mágica juventud, a lado de Héctor Soberón.
En 1996 participó en el video de Ricky Martin del tema Fuego de noche, nieve de día.
En 2002 y 2003, comenzó una gira internacional junto al actor argentino Saúl Lisazo, otra figura bien conocida en México, con su obra Cartas de amor.
En noviembre de 2007, fue nombrada una de las "Estrellas del año" por la revista People en español.2​
Para el 2011 interpreta a Teresa Mendoza en la La reina del Sur la cual inició filmaciones en julio de 2010.3​
En el 2015 protagonizó Dueños del Paraíso como Anastasia Cardona.
En 2017, Netflix estrena la serie Ingobernable, que tiene a Kate como protagonista.


1976: 


Nace Ryan Reynolds, actor y comediante canadiense.




Ryan Rodney Reynolds (Vancouver, Columbia Británica; 23 de octubre de 1976) es un actor canadiense.

El éxito y el reconocimiento le llegaron con su participación en la comedia titulada Two Guys and a Girl (1998-2001), antes de que iniciara su carrera de comediante y actor dramático para la industria de cine de Hollywood. Es reconocido por sus intervenciones en producciones como Blade: Trinity (2004), The Amityville Horror (2005), Definitely, Maybe (2008), X-Men Origins: Wolverine(2009), The Proposal (2009), Buried (2010), Linterna Verde (2011) y en la adaptación cinematográfica del cómic Deadpool (2016) y su secuela, Deadpool 2. En 2010 la revista estadounidense People lo eligió como el hombre más sexy del año.1​








1980:

Barbra Streisand alcanza el nº 1 de Billboard con “Woman in love”


 https://www.youtube.com/watch?v=H6Mg1oPhPug

El single se incluía en el álbum Guilty del que se vendieron más de 20 millones de copias en todo el mundo. Fue el disco de más éxito de la diva estadounidense y además le valió un Grammy. Barry Gibb, además de escribir y realizar coros, hizo dos duetos con Streisand en los temas “Guilty” y “What kind of fool”, que también estaban incluidos en el álbum.
Ganadora de dos Premios Oscar, uno como mejor actriz y otro como compositora, además de múltiples premios Emmy, Grammy, y Golden Globe, entre otros muchos reconocimientos. Precisamente, en la década de los 80, el crítico del New York Times, Stephen Holden, escribió que Streisand era “la cantante más influyente en la música americana desde Frank Sinatra.”
De hecho, la década anterior, Barbra Streisand se había convertido en la cantante femenina con más discos vendidos en los Estados Unidos. Solamente Elvis Presley y The Beatles están por encima de ella, los Rolling Stones son los cuartos. Este ranking continúa estando vigente en 2008.




1984:

 Muere Oskar Werner, actor austriaco (n. 1922).


Oskar Werner (Viena, 13 de noviembre de 1922 - Marburg an der Lahn, 23 de octubre de 1984), nacido Oskar Josef Bschließmayer, fue un actor de teatro y de cine austríaco, que intervino en numerosas películas internacionales.

Índice

·         1Biografía
·         2Carrera
·         3Premios
·         4Enlaces externos

Biografía[editar]

Oskar Werner nació en el seno de una familia humilde. De adolescente, la mayor parte de su tiempo libre lo pasaba con su abuela, cuando no participaba en montajes teatrales en su colegio. A los 15 años de edad, Werner fue testigo de las persecuciones nazis de los judíos, lo cual le influyó para convertirse de adulto en pacifista, luchador contra los nacionalismos y contra el antisemitismo. Un tío suyo le proporcionó la ocasión de participar como comparsa en una película, gracias a lo cual consiguió pequeños papeles en el cine. El joven tomó entonces lecciones de dicción y comenzó a aparecer en la radio, así como en obras teatrales. Al abandonar Werner el colegio prematuramente, fue reclutado para el servicio militar.
En 1944 Werner se casó con Elisabeth Kallina y tuvo con ella una hija, Elinore. En diciembre de ese mismo año decidió desertar y se mantuvo oculto hasta el final de la guerra.
En 1952 se trasladó a Liechtenstein, donde adquirió una pequeña parcela y construyó una casa, que con el tiempo fue ampliando según sus propios diseños. Más tarde compró otra vivienda en los alrededores de Krems, en Austria, en la que, al igual que en la primera, pasaba largas temporadas solo. Werner adquirió la fama de ser complicado y excéntrico. Así, en la puerta de su casa colocó un cartel que decía "Concedédme que os pida de no visitarme sin previo aviso".
Entre 1970 y 1979 Werner mantuvo una relación con la actriz Antje Weisgerber.
Durante los últimos años de su vida, Werner padeció depresiones y alcoholismo. Murió en 1984 en un hotel a causa de un infarto, cuando estaba preparando una gira de lecturas por Alemania.









1986: 

Nace Emilia Clarke, actriz británica.


Emilia Clarke (Londres, Inglaterra, 23 de octubre de 1986),1​2​ es una actriz inglesa.

Es principalmente conocida por interpretar a Daenerys Targaryen en la serie de HBO Juego de tronos. Entre sus otros papeles destacados se encuentran Sarah Connor en Terminator Génesis (2015), Louisa Clark en Me Before You (2016) y Qi'Ra en Han Solo: una historia de Star Wars (2018).










2006:

Muere Bruno Lauzi, cantautor italiano.


Bruno Lauzi (Asmara, 8 de agosto de 1937 - Peschiera Borromeo, 23 de octubre de 2006) fue un cantautor italiano.

Índice

 [ocultar] 
·         1Biografía
·         2Canciones para otros artistas
·         3Canciones infantiles
·         4Libros
o    4.1Poesía
o    4.2Prosa
·         5Enlaces externos

Biografía[editar]

Nacido en Asmara pero criado en Génova, se trasladó en 1951 a Varese donde conoció y colaboró con Piero Chiara en la creación de la publicación quincenal L’Altolombardo, de contenido político liberal. Posteriormente conoció la canción francesa, especialmente la obra de Georges Brassens, Jacques Brel y Charles Aznavour. Influido por ellos, compone Il poeta (El poeta), canción que marcará la impronta de toda su producción artística futura.
Con Umberto Bindi, Gino Paoli y Luigi Tenco fue uno de los fundadores y mayores representantes de la llamada «escuela genovesa» de cantautores. Frecuentó el ambiente artístico milanés y trabajó en el famoso local Derby.
A finales de los años sesenta conoció a Lucio Battisti y fue contratado por su casa discográfica (Número Uno). En estos años interpreta alguna de sus obras más populares, como E penso a te (Y pienso en ti), L’aquila (El águila) o Amore caro, amore bello (Amor querido, amor bello).
Los últimos años de su vida hizo pública su enfermedad de Parkinson y luchó por sensibilizar a la sociedad sobre este mal. También fundó su propia casa discográfica y junto a Maurizio Fabrizio publicó uno de los álbumes más significativos de su carrera: Il dorso della balena.

Canciones para otros artistas[editar]

Lauzi es el autor de canciones popularizadas por otros importantes artistas, como Lo straniero (El extranjero) cantada por Georges Moustaki, Quanto t’amo (Cuánto te amo) de Johnny Holliday, L’appuntamento (La cita) de Ornella Vanoni, Píccolo uomo (Hombrecito) de Mia Martini.

Canciones infantiles[editar]

También compuso canciones para niños. Las más populares son La tartaruga (La tortuga), Johnny Bassotto, La buona volontà y La gallina brasiliana.



https://www.youtube.com/watch?v=ilwhR3w1yC8







2016: 

Muere Pete Burns, cantante británico (n. 1959).








Peter Jozzepi Burns, más conocido como Pete Burns (Bebington, Cheshire, Inglaterra, 5 de agosto de 1959-23 de octubre de 2016),1​ fue un cantante y compositor británico, principalmente conocido por su trabajo como líder de la banda Dead or Alive, la cual logró fama internacional en 1985 con su éxito You Spin Me Round (Like a Record), posteriormente versionado varias veces. Burns mantuvo después cierta popularidad, por su participación en el concurso Celebrity Big Brother en el Reino Unido en 2006 y por varias peripecias de su vida privada.

 https://www.youtube.com/watch?v=PGNiXGX2nLU





2024:

Muere

Jack Jones, fue un cantante y actor estadounidense.


John Allan Jones (Hollywood, Los Ángeles; 14 de enero de 1938-Rancho Mirage, California; 23 de octubre de 2024),[1] más conocido como Jack Jones, fue un cantante y actor estadounidense.

Sus éxitos incluyen «Lollipops and Roses», «Wives and Lovers», «The Race Is On», «The Impossible Dream», «Call Me Irresponsible», «The Love Boat», entre otros temas.

Trayectoria artística

Primeros años y Capitol Records

Jones nació en Hollywood. Durante su juventud asistió a la Escuela Preparatoria University en West Los Ángeles; estudió teatro y canto.

En 1959, Jones firmó con Capitol Records y lanzó el álbum This Love of Mine y algunos sencillos. Una pista de ese álbum se tituló, proféticamente, "Esto podría ser el comienzo de algo grande".

Años de Kapp Records

En agosto de 1961, grabó la balada "Lollipops and Roses", que se convirtió en un éxito al año siguiente. Su mayor éxito fue " Wives and Lovers", escrita por Burt Bacharach y Hal David.[2]

Grabó casi veinte álbumes, incluidos Shall We Dance, This Was My Love, Call Me Irresponsible, Bewitched, Wives and Lovers, Dear Heart, Where Love Has Gone, The Jack Jones Christmas Album, My Kind of Town, The Impossible Dream, The In Crowd, Lady, Our Song y ¡Tengo mucho por vivir! y entre otras.

Jones fue una destacada figura de la escena del pop de los años 60, alejándose un poco del rock and roll y optando por el sonido de big band y baladas románticas. Sus mayores éxitos fueron "The Race Is On" del músico country George Jones (sin relación).

Años RCA Victor y MGM

Su primer álbum para el sello fue Sin ella publicada en 1967. Los siguientes lanzamientos fueron If You Ever Leave Me, LA Break Down y Where Is Love tenían aproximadamente el mismo estilo de los discos de Kapp, pero con un estilo vocal algo más contemporáneo.

Comenzó a grabar material más contemporáneo, incluidas versiones de compositores tan conocidos como Randy Newman, Harry Nilsson, Carole King, Paul Williams, Richard Carpenter, Gordon Lightfoot y Gilbert O'Sullivan.

Jones c. 1960

El álbum Bread Winners (1972) fue un homenaje tributo a la banda Bread, con ocho canciones escritas por David Gates y dos por Jimmy Griffin y Robb Royer.

Su último LP para RCA fue With One More Look at You (1977), que incluye una interpretación del éxito de Little Feat " Dixie Chicken "; esta actuación reapareció más tarde en Golden Throats 2: More Celebrity Rock Oddities . En 1979 se trasladó a MGM Records, grabando el álbum Nadie lo hace mejor, que incluía una versión disco de " The Love Boat ", el tema de apertura de la serie de televisión del mismo nombre, y su ganador del Grammy "Wives and Lovers".

Últimos años

Lanzó el álbum Live at the London Palladium en 1995, grabado en Londres en el sello Emporio. Jones ha recibido reconocimiento en Japón, donde muchos de sus discos anteriores fueron lanzados en CD . En 1982 grabó un álbum para Applause Records, versionando canciones de The Beatles, Billy Joel y Eagles .

En 1997 llegó New Jack Swing (Honest Entertainment), con tratamientos de big band de viejos estándares y una variedad de canciones de pop/rock. 1999 vio el lanzamiento de Jack Jones Paints a Tribute to Tony Bennett (Honest Entertainment), que fue nominado a los premios Grammy por Mejor Interpretación Vocal Pop Tradicional y Grabación del Año. En 2010 grabó un álbum centrado en el trabajo de los Bergman llamado Love Makes the Changes . También lanzó un álbum con nuevas grabaciones de algunos de sus éxitos originales, titulado Love Ballad . El lanzamiento fue seguido por una gira con fechas en Los Ángeles y el Reino Unido en 2016. Jones comenzó su gira de celebración del 80 cumpleaños en 2018.

Cine, televisión y teatro

Jones hizo su debut cinematográfico en Juke Box Rhythm (1959) interpretando a Riff Manton, un joven cantante que tiene una relación sentimental con una princesa (Jo Morrow). Canta tres canciones en la película. Jones actuó en películas menores como The Comeback (1978), Condominium (1980) y Cruise of the Gods (2002). Se convirtió en un elemento básico en los programas de variedades de las décadas de 1960 y 1970, actuando en The Dinah Shore Chevy Show, The Ed Sullivan Show, The Andy Williams Show, The Dick Cavett Show, The Hollywood Palace, The Smothers Brothers Comedy Hour, The Carol Burnett Show, The Jerry Lewis Show, American Bandstand, This is Tom Jones, The Dean Martin Show, The Judy Garland Show, Playboy After Dark, The Jack Benny Program, The Steve Allen Show y The Morecambe and Wise Show en Gran Bretaña. También apareció en el programa de televisión Password (programa de juegos estadounidense) con Carol Lynley en 1964 y varias veces con Joan Fontaine en 1967.

Se interpretó a sí mismo en el episodio "The Vegas Show" de It's a Living . Jones cantó el tema de apertura de la serie de televisión The Love Boat desde 1977 hasta 1985, y también hizo varias apariciones especiales en el programa, incluida una con su padre Allan. También apareció en el programa de televisión de Chris Elliot Get a Life en Fox.

En las décadas de 2000 y 2010, Jones participó activamente en el teatro musical, apareciendo en Guys and Dolls, South Pacific y otros. En 2013, apareció como él mismo como el cantante de un club nocturno en la película American Hustle.

Vida personal

Jones es hijo del actor y cantante Allan Jones y la actriz Irene Hervey. En la segunda mitad de la década de 1960, Jones tuvo una relación muy publicitada con la actriz Jill St. John, y los dos estuvieron brevemente casados.

De 1982 a 2005 estuvo casado con la británica Kim Ely y tuvieron una hija, Nicole (nacida en 1991). Jones tiene otra hija, Crystal Thomas, de un matrimonio anterior con Lee Fuller. Vivió con su esposa Eleonora en Indian Wells, California.





2025:

Muere:

June Lockhart (Nueva York, 25 de junio de 1925-Santa Mónica, California, 23 de octubre de 2025)[1] fue una actriz estadounidense conocida por su papel en la serie de televisión Lassie y por el de Maureen Robinson en Perdidos en el espacio. También interpretó a la doctora Janet Craig en la sitcom de CBS Petticoat Junction (1968-1970). Fue nominada para dos Premios Emmy[2][3] y fue ganadora de un Premio Tony.

Primeros años

June Lockhart y Lassie (1963)

Nacida en la ciudad de Nueva York, Lockhart era hija del actor canadiense Gene Lockhart, quien saltó a la fama en Broadway en 1933 en Ah, Wilderness!, y de la actriz inglesa Kathleen Lockhart.[4][5][6]

Carrera

Lockhart como Maureen Robinson en Perdidos en el espacio.

Hizo su debut actuando junto a sus padres en una versión cinematográfica de Un cuento de Navidad, en 1938. También interpretó papeles secundarios en películas como Meet Me in St. Louis, Sergeant York, All This, and Heaven Too y The Yearling.

En 1948, Lockhart ganó un premio Tony a la Mejor Interpretación por un recién llegado (una categoría que ya no existe) por su papel en Broadway en For Love or Money. En 1955, apareció en un episodio de la CBS Cita con la aventura. En esta época también hizo varias apariciones en la NBC en el drama Justicia Legal, basado en los expedientes de la Sociedad de Ayuda Legal de Nueva York. A finales de 1950 Lockhart fue estrella invitada en varios programas de televisión, en populares westerns como: Wagon Train y Cimarron City (en el episodio "Medicine Man", con Gary Merrill) en NBC y Gunsmoke, Have Gun – Will Travel y Rawhide en CBS. Uno de los trabajos más recordados en su carrera fue su interpretación de la Dra. Maureen Robinson, en Perdidos en el espacio 1965, en la cadena CBS.[7]

El 25 de junio de 2025, Lockhart cumplió 100 años.[8]

El 23 de octubre de 2025, Lockhart falleció a la edad de 100 años.[9




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