Miembro de una
familia hidalga, ingresó
en el noviciado de la Compañía de Jesús en Salamanca en 1564,
aunque fue rechazado en un principio a causa de su falta de vivacidad
intelectual. Recibido, sin embargo, con el estatuto de indiferente,
que equivalía a que se determinaría con posterioridad su valía como sacerdote o
como hermano, demostró luego suficiente genio como para desarrollar una de las
carreras intelectuales más brillantes de su tiempo. Allí fue discípulo del
padre Martín Gutiérrez y
estudió filosofía y teología.
Enseñó teología en
Segovia y Ávila en 1575; en Valladolid en 1576; y entre 1580 y 1585 filosofía y
teología en Roma, donde estuvo muy unido al cardenal Belarmino, antiguo discípulo de Juan de Mariana, así como al papa, Gregorio XIII; luego se trasladó a enseñar
a Alcalá de Henares,
entre 1585 y 1592, donde sus primeros libros le valieron dificultades con
censores dominicos como Avendaño y
sus cofrades Vázquez y Lessius. En 1593 volvió
a Salamanca, para enseñar, y terminó al fin su carrera en la Universidad de
Coímbra, donde entró en 1597, el mismo año en que se editaron sus
famosísimas Disputationes metaphysicae. La jubilación le llegó
en 1615; entonces fue a Lisboa, donde dos años después falleció. Fue
enterrado en dicha ciudad, en la Iglesia de
San Roque, que se encuentra en el Bairro Alto.
Hombre de una gran
cultura y erudición griega, latina, árabe y hebrea, pudo asimilarla toda,
ordenarla, simplificarla y eliminar de ella verbalismos ociosos. Fue
llamado Doctor Eximius et Pius y gozó de enorme autoridad,
revitalizando la ya decaída escolástica, que compendió en su obra
principal, sus Disputationes metaphysicae (1597), donde
repiensa toda la tradición especulativa anterior, sintetizando además la metafísica grecorromana como una
disciplina autónoma e independiente. Puede considerarse este libro como la
primera construcción sistemática de la metafísica después de Aristóteles. Por ello ejerció una influencia
considerable en el pensamiento posterior como el más moderno de los
escolásticos.
Dentro de la
escolástica surgió una escuela que se conoce con su nombre, el Suarismo,
que se considera seguidora del pensamiento de Tomás de Aquino,
pero en varios puntos no concordante con el resto de los tomistas. Es de especial relevancia su consideración
del modo de existencia en la relación
criatura-Creador que, por ser esencial, fundamenta una razón última y
suficiente.
En su gran obra
jurídica Tractatus de legibus ac Deo legislatore, muy fecunda para
la doctrina iusnaturalista y
el derecho internacional,
se encuentra ya la idea del pacto social, y realiza un análisis más
avanzado que sus precursores del concepto de soberanía: el poder es dado por Dios a toda la
comunidad política y no solamente a determinadas personas, con lo que esboza el
principio de la democracia contra
cesaristas, legistas, maquiavelistas y luteranistas. Distingue entre ley
eterna, ley natural, derecho de gentes, ley positiva humana (derecho civil y
derecho canónico) y ley positiva divina (la del Antiguo y Nuevo Testamento).
También escribió De
anima, De Deo uno et trino y Defensio fidei
catholicae et apostolicae adversus Anglicanae sectae errores.
Estudió en las
universidades de Gotinga y Berlín. Después de trabajar cinco años como
maestro en una escuela, en 1871 fue nombrado
profesor de filosofía de la
Universidad de Basilea (Suiza),
donde permaneció hasta 1874, año en que fue nombrado
profesor de la Universidad de Jena (Alemania), lugar
en el que permanecería hasta su jubilación en 1920.
En 1911 explicó filosofía en Inglaterra y entre 1912 y 1913 en
la Universidad Harvard.
En su doctrina se
mostró idealista: el alma de su sistema fue
la vida espiritual, cuya manifestación absoluta es Dios.
El individuo alcanza la vida espiritual por el vencimiento de las fuerzas
oponentes del mal y revive el pasado en el presente, tomando libremente de
aquél todo lo que puede serle útil en la lucha. Eucken llamó «activismo ético»
a esta vida espiritual activa, no contemplativa.
Junto con William James, Henri Bergson y otros pensadores de su
tiempo, declaró la guerra al «intelectualismo». Su filosofía fue una
interpretación de la vida como un todo, en que la religión desempeña un papel predominante,
aunque nunca menospreció el trabajo intelectual y lógico.
A
Gillette se le atribuye la creación del llamado modelo de maquinillas de
afeitar y cuchillas, en el que se venden maquinillas de afeitar a precios bajos
para aumentar el mercado de las hojas,2 aunque en realidad solo adaptó este
modelo de negocio después de que lo hicieran sus competidores.3
Para
comercializar sus productos, fundó en 1901 la empresa The American Safety Razor Company, que cambió
su nombre a Gillette Safety Razor
Company en julio de 1902. Comenzó la producción en 1903, en que
vendió 51 maquinillas y 168 cuchillas, mientras que al año siguiente, con una
política de precios bajos, vendió 90 884 maquinillas y 123 648
cuchillas. En 1908, la empresa ya se había establecido en Estados Unidos,
Canadá, Francia y el Reino Unido. En 1915 las ventas de cuchillas superaban los
setenta millones de unidades.4
En su honor, uno de los
cráteres lunares del lado opuesto al visible desde la Tierra, fue bautizado con
su nombre en el año 1970.2
1904:
Muere Temístocles
Carreño,músico
y compositor colombiano.
Temístocles Carreño (Onzaga, 28 de abril de 1861
- Bucaramanga, 5 de enero de 1904) fue un músico
y compositor colombianoque sería
miembro fundador y posterior director de la Banda del Departamento de
Santander.
Temístocles Carreño nace el 28 de abril de 1861 en Onzaga,
Santander. Fueron sus hermanos Antonio, Telmo, Trino, Moisés y Elena; sus
padres, Juan B. Carreño y Juana María Rodríguez. Temístocles Carreño sería
miembro fundador y posterior director de la Banda de Músicos del Departamento
de Santander, en cuyo puesto lo sorprendió la muerte el 5 de enero de 1904. La
Banda de Santander se fundaría gracias a la Ley especial del 4 de noviembre de
1878, de la Asamblea Legislativa, que autorizaba al Presidente del Estado de
Santander para que estableciera una banda compuesta hasta de 16 músicos que
haría parte de la fuerza pública del Estado. La Banda se posesionaría el día 14
de noviembre de ese año. Años más tarde, el 28 de enero de 1895, según decreto
del Gobernador del Estado de Santander quien declararía turbado el orden
público en el Departamento y asumiría las funciones del Jefe Civil y militar
quedando el territorio de su mando bajo la ley marcial, Temístocles Carreño
sería reclutado con el grado de Sargento Mayor junto a la Banda, que debió
incorporarse transitoriamente al Batallón Neira, convirtiéndose así en la Banda
de músicos del Ejército del Norte, denominación que se le daría según decreto
del 15 de febrero de 1.895.
Su hermano el General Moisés Carreño moriría en el asalto a
Piedecuesta, una de las primeras acciones del ejército liberal en la Guerra de los Mil
Días. Otro de sus hermanos, el General
Antonio Carreño, quien en el año de 1.886 sería uno de los firmantes
de la Constitución Nacional, participaría del más sangriento de todos los combates
de la Guerra de los Mil Días que se libraría en la meseta de Palonegro del 11
al 26 de mayo de 1900. Sobreviviendo a esa catástrofe, el General Antonio
Carreño moriría tres meses más tarde en Ocaña de fiebre amarilla.
Temístocles Carreño compuso una Misa Solemne, la danza Las
Gaviotas, la marcha Palonegro y el pasillo Los adioses entre muchas otras
obras.1
Nació el 5 de enero de 1906,
en la ciudad de Monterrey, Nuevo León. Sus padres fueron el actor Félix Medel y
la cantante de óperaConcepción
Ruiz. Inició su carrera actoral en las carpas,
sobre las tablas. Durante esas actuaciones se volvió popular con su personaje
"Don Mamerto", en la década de 1920. Durante la primera mitad
de la siguiente década,
participó en la comedia musical El Quelite. Además, colaboró con
la XEW, donde realizó los programas Los
medelarios y Medel en el corazón de la jungla, este último
al lado de Pedro de
Lille.
George Reeves (5 de
enero de 1914-16 de junio de 1959) fue un actor estadounidense de cine, teatro y televisión que apareció
en importantes películas de finales de la década de 1930 a la década de 1950 y
en una larga lista de películas
tipo B, es más
conocido por su papel de Superman en la exitosa serie de televisión Aventuras de Supermande
la década
de 1950 y por
las especulaciones referentes a las circunstancias de su muerte. Fue una de las
primeras figuras importantes de la entonces naciente industria de la televisión
en los Estados Unidos.
Su debut en el mundo de cine fue en el papel de Boo Radley en la famosa película To Kill a Mockingbird (1962), protagonizada por Gregory Peck. En los años siguientes participó en otras películas ya clásicas, como La jauría humana y Bullitt, pero su verdadero salto a la fama fue cuando interpretó al personaje de Tom Hagen en El padrino (1972) y El padrino II (1974).[5]
En ese tiempo, estuvo trabajando durante seis meses en una oficina de correos de Manhattan como oficinista. Duvall aseguró que él no quería trabajar en el mismo sitio durante veinte años.
1952-1958ː Inicios en el teatro
Duvall comenzó su carrera profesional en el Gateway Playhouse, un grupo de teatro de verano de Bellport, Long Island. Su debut en el escenario fue en 1952 cuando hizo el papel de Piloto en Laughter In The Stars, adaptación de El principito en Gateway Theatre.[20]
Después de un año ausente para cumplir con el servicio militar (1953-1954), volvería a Gateway en la temporada estival de 1955, con papeles como el de Eddie Davis en Time Out For Ginger de Ronald Alexander (julio de 1955), Hal Carter en Picnic de William Inge (julio de 1955), Charles Wilder en The Cat And The Canary de John Willard (agosto de 1955), Parris en The Crucible de Arthur Miller (agosto de 1955), y John the Witchboy en Dark of the Moon de William Berney y Howard Richardson (septiembre de 1955). El programa de Dark of the Moon indicaba que había interpretado al Witchboy antes y que "repetirá su famosa interpretación" de este personaje para la reposición de esta obra en la temporada de 1955. Para la temporada de 1956 de Gateway (su tercera temporada con Gateway Players), interpretó el papel de Max Halliday en Dial M for Murder de Frederick Knott (julio de 1956), Virgil Blessing en Bus Stop (agosto de 1956), y Clive Mortimer en I Am a Camera de John van Druten (agosto de 1956).[20] Los carteles de la temporada de 1956 lo señalaron como "el favorito de la audiencia" en la última temporada y por haber "aparecido en el Neighborhood Playhouse en Nueva York y estudiado actuación con Sandy Meisner el invierno pasado".
En la temporada de 1957, apareció en papeles como el de Mr. Mayher Witness For The Prosecution de Agatha Christie (julio de 1957), Hector en Thieves' Carnivall de Jean Anouilh (julio de 1957), y el papel que él mismo calificó como el "catalizador de su carrera": Eddie Carbone A View from the Bridge de Arthur Miller (del 30 de julio al 3 de agosto de 1957, y dirigida por Ulu Grosbard, que fue el director habitual en el Gateway Theatre). El propio Miller asistió a una de las actuaciones de Duvall como Eddie, y durante esa actuación conoció a personas importantes que le permitieron, en dos meses, conseguir un "protagonista espectacular" en la serie de televisión Naked City.[15]
Mientras apareció en el Gateway Theatre en la segunda mitad de los 50, también apareció en el Augusta Civic Theatre, el McLean Theatre en Virginia y el Arena Stage de Washington D.C. En los libretos de 1957 lo describían como "un graduado del Neighborhood Playhouse" (indicando que había completado sus estudios allí en el verano de 1957), "miembro del taller profesional de Sanford Meisner" y que había trabajado con Alvin Epstein, un mimo y miembro de la compañía de Marcel Marceau. En ese momento (también en julio de 1957), sus créditos teatrales incluían actuaciones como Jimmy en The Rainmaker y de Harvey Weems en The Midnight Caller de Horton Foote.[21][22] También hacía obras punteras en el Gateway Playhouse en 1959, como el de Stanley Kowalski en A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams (julio-agosto de 1959), Maxwell Archer en Once More with Feeling, Igor Romanoff en Romanoff and Juliet de Peter Ustinov y Joe Mancuso en The Happiest Millionaire de Kyle Crichton (agosto de 1959).
En el Neighborhood Playhouse, Meisner lo eligió para el reparto de la representación Camino Real de Tennessee Williams y el papel de Harvey Weems de la obra The Midnight Caller.[21][22][23][24][25][26][27]
Su debut en el cine fue estelar. Encarnó a Boo Radley en la aclamada por la crítica Matar a un ruiseñor (To Kill a Mockingbird) (1962). Pudo entrar en el elenco gracias a la recomendación del guionista Horton Foote, que coincidió con Duvall en el Neighborhood Playhouse durante la producción de 1957 The Midnight Caller. Foote, que colaboró con Duvall muchas veces más a lo largo de sus carreras, dijo que creía que Duvall tenía un amor particular por la gente común y la capacidad de infundir revelaciones fascinantes en sus papeles. Foote ha descrito a Duvall como "nuestro actor número uno."[32]
Después de To Kill a Mockingbird, Duvall apareció en varias películas de la década de los 60, sobre todo con papeles pequeños o secundarios. Entre sus papeles más importantes se incluyen el de Capitán Paul Cabot Winston en Capitán Newman (1963), Nestor en El detective (The detective) (1968) y Gordon en Llueve sobre mi corazón (The Rain People), la primera colaboración con Francis Ford Coppola. Duvall también tuvo un pequeño papel como taxista que lleva a McQueen en la escena de persecución de Bullitt (1968). También tuvo papeles de villano como el de "Lucky" Ned Pepper en Valor de ley (True Grit) (1969), en el que tiene un intenso tiroteo con John Wayne.
La década de los 70 comienza con mucho trabajo. Centra muchas de las miradas por su interpretación del Mayor Frank Burns en la película MASH y por protagonizar THX 1138 en 1971 donde interpreta a un fugitivo que intenta escapar de una sociedad controlada por robots.
Su carrera interpretativa dio un giro transcendental en 1972 cuando encarnó a Tom Hagen en El padrino (The Godfather) (1972) y El Padrino II (The Godfather Part II) (1974). Por la primera de la secuela, Duvall conseguiría la nominación al Óscar al mejor Actor de reparto.[33]
A partir de ese momento, el actor comenzó a ser un actor habitual tanto en su faceta de actor principal como secundaria. Así, lo pudimos ver en 1976, en películas como Ha llegado el águila (The Eagle Has Landed) y como Dr. Watson en Elemental, Doctor Freud (The Seven-Per-Cent Solution) con Nicol Williamson, Alan Arkin, Vanessa Redgrave y Laurence Olivier. A mediados de los 70, Duvall estaba entre los actores de carácter más valorados. La revista People lo describió como "El número uno o dos de Hollywood".[34] Duvall recibió otra nominación al Óscar y ganó el Premio BAFTA y el Globo de Oro por su interpretación del teniente coronel Kilgore en Apocalypse Now (1979). Su frase "Me encanta el olor del napalm por la mañana" ("I love the smell of napalm in the morning") es un momento icónico del cine.
Duvall recibió una nominación a los BAFTA por su interpretación del detestable ejecutivo de televisión Frank Hackett en la aclamada Network de 1976. Tres años después, consiguió su primera nominación al Óscar al mejor actor por El don del coraje (The Great Santini) (1979) como el duro e implacable teniente coronel "Bull" Meechum. La década de los 70 acabó con otros papeles destacables como el de La saga de los Henderman junto a Laurence Olivier y Tommy Lee Jones (1978) y el del Presidente Dwight D. Eisenhower en la serie de televisión Ike (1979).
Francis Ford Coppola elogió a Duvall como "uno de los cuatro o cinco mejores actores de todo el mundo". Alternando con el cine, en 1977 Duvall volvió a Broadway para aparecer en la obra American Buffalo de David Mamet, diciendo "espero que esto me consiga mejores papeles en películas".[34] Recibió la nominación a los Premios Drama Desk.
"No puedes inventar o impulsar algo más que lo que tienes en ese momento como tú mismo, como ese personaje. Eres tú en ese momento en el tiempo. ... Entre la acción y el corte, es un mundo agradable, pero no puedes forzar eso más de lo que puedes forzarlo en la vida."[32]
1980-1989ː Década de altibajos... y de Óscar
Duvall en su piso de Nueva York en 1984
La década de los 80 siguió trabajando pero su gran momento de esta década fue la consecución del Óscar al mejor actor como el cantante de country Mac Sledge en Gracias y favores (Tender Mercies) (1983). Duvall compuso sus propias canciones, insistiendo en que apareciera en su contrato que él mismo cantase las canciones. Duvall dijo, "¿Qué gracia tiene si no vas a poder cantar? ¿Simplemente van a doblar a alguien más? Quiero decir, no tiene sentido eso."[32] La actriz Tess Harper, coprotagonista en el film, dijo que Duvall se hizo propio el personaje tan completamente que solo llegó a conocer a Mac Sledge y no al propio Duvall. El director Bruce Beresford confirmó que la transformación fue tan creíble que podía sentir que la piel se le erizaba en la nuca el primer día de filmación con Duvall. El director añadió "Duvall tiene la capacidad de sentir por completo a la persona que está actuando. Se convierte total y completamente en esa persona hasta un grado que es asombroso."[32] A pesar de estas palabras, Duvall y Beresford no se llevaron bien durante la producción y, a menudo, se enfrentaban durante el rodaje, incluido un día en el que Beresford abandonó el plató frustrado.[32]
A pesar del Óscar, esto no se tradujo ni en mejores ofertas ni en mejores papeles para Duvall. A pesar de que tuvo algunos papeles atractivos como el del ácido comentarista de deportes Max Mercy en El mejor (The Natural) (1984) o el del policía de Los Ángeles Bob Hodges en Colors (1988), en general las apariciones de Duvall en la segunda mitad de los 80 fueron bastante mediocres y con poco éxito en taquilla.
En 1989, Duvall apareció en la miniserie Paloma Solitaria (Lonesome Dove) en el papel de Capitán Augustus "Gus" McCrae, Texas Rangers. Por su papel como ex oficial de paz de Texas Ranger, Duvall fue entrenado en el uso de revólveres por el tirador Joe Bowman. El actor considera este papel como uno de sus papeles favoritos.[35] Por este papel, ganó las nominaciones para el Globo de Oro y el Emmy.[36]
1990-2000 Trabajo frenético y debut como director
La década de los 90 comenzó con el rechazo a uno de sus papeles más icónicos. Para El padrino III (1990), Duvall no aceptó volver a hacer el papel de Tom Hagen, a menos que le pagaran un salario comparable a los de Al Pacino. En 2004, Duvall explicó en una entrevista en 60 Minutes el motivo de su rechazo. El actor dijo "si a Al Pacino le pagan el doble de lo que me pagaban a mi, me parece bien. Pero no tres o cuatro veces, que es lo que hicieron"[37] En 1992, Duvall creó su propia productora, Butcher's Run Films.[38]
En 1997, ejerció las funciones de guionista, director y productor (tuvo que poner cinco millones de su patrimonio después de que muchas productoras rechazaran el proyecto[31]) con The Apostle, película que narra la historia del predicador evangélico Euliss "Sonny" Dewey que huye de la ley. Esta actuación le valió una nominación al Óscar al mejor actor. Al año siguiente, recibiría otra nominación, en esta ocasión como mejor actor de reparto con A Civil Action (1998).
Duvall empezó a espaciar sus intervenciones en la gran pantalla. A pesar de que empezó la primera década del siglo XXI con muchas intervenciones como el de oficial de policía en John Q. (2002), el jefe de una banda en Open Range (2003), el de un entrenador de fútbol americano en la comedia Un entrenador genial (Kicking & Screaming), el de un anciano de espíritu libre en El secreto de los McCann (Secondhand Lions) (2003), el de campeón de póker en Las Vegas en Lucky You y el jefe de policía de Nueva York en La noche es nuestra (We Own the Night) (ambas de 2007), su presencia fue menguando al llegar a los 80 años. También se puso detrás de la pantalla en 2002 con su segundo filmː Assassination Tango un thriller sobre una de sus aficiones favoritas, el tango. En esta película, dirige a su esposa, la actriz Luciana Pedraza y está rodada en Buenos Aires.
En 2014, protagonizó en El juez (The Judge) junto a Robert Downey Jr. A pesar de que la película recibió críticas ambivalentes,[41] la interpretación de Duvall fue aclamada unitariamente. De hecho, fue nominado para el Globo de Oro, al Screen Actors Guild y al Óscar como actor de reparto. A sus 84 años, Duvall se convirtió en el actor de más edad en conseguir una nominación al Óscar en este apartado,[42] superando a Christopher Plummer, que ostentaba ese honor.
En 2018, apareció en el thriller dirigido por Steve McQueenViudas (Widows) como un corrupto. La película obtuvo elogios de la crítica. En la década de los 20, cuando el actor ya contaba con 90 años, todavía lo pudimos ver en algunos proyectos como los de Doce huérfanos (12 Mighty Orphans) (2021), Garra y Los crímenes de la academia (The Pale Blue Eye) de 2022.
Vida personal
Relaciones
Duvall con su actual mujer Luciana Pedraza (derecha) dando la mano a los miembros del "The Black Stallions" del Escuadrón del Helicóptero de Combate en el Festival de Cine de Taormina en Sicilia.[43]
Duvall se casó cuatro veces aunque nunca tuvo hijos. "Creo que tengo disparos de fogueo (I guess I’m shooting blanks)" bromeó en 2007.[44] En otra ocasión dijo, "[Lo he intentado] con muchas mujeres, dentro y fuera del matrimonio".[44] Duvall conoció a su primera esposa Barbara Benjamin,[2] bailarina del The Jackie Gleason Show, durante el rodaje de Matar a un ruiseñor.[45] Ella aparecería en Guys and Dolls (1955) y The Courtship of Eddie's Father (1963) con el nombre artístico de Barbara Brent[46] y tenía dos hijas de un matrimonio anterior.[45] La pareja se casó en 1964 y se divorciaron en 1975.[2] Su segunda esposa fue Gail Youngs, con la que estuvo casado de 1982 a 1986.[2] Producto de este matrimonio, fue temporalmente cuñado de John Savage,[10][47] Robin Young y Jim Youngs. Su tercer matrimonio fue con la bailarina Sharon Brophy, matrimonio que duró de 1991 a 1995.[2]
En 2004 se casó con la actriz argentinaLuciana Pedraza, con quien convivía desde 1996.[48] Pedraza es nieta de la pionera de la aviación argentina Susana Ferrari Billinghurst.[48] Se conocieron en Argentina, donde el actor recordaba, "La floristería estaba cerrada por lo que fui a la panadería. Si la floristería hubiera estado abierta, nunca la habría conocido".[49] Ambos nacieron el 5 de enero con 41 años de diferencia.[50] Es gracias a ella que dominaba el español con fluidez y tenía una casa en Argentina, que visitaba varias veces al año[31] y era un diestro bailarín de tango. De hecho, tenía una academia de tango en Estados Unidos.[51][48][52]
Duvall tenía su hogar permanente en el estado de Virginia.
Nació en la ciudad
de Alessandria el 5 de enero de 1932 en
el norte de Italia,
en la región del Piamonte. Su padre,
Giulio Eco, fue contable antes de la Segunda Guerra
Mundial, cuando fue llamado a servir en las fuerzas armadas. Durante
la guerra, Umberto y su madre, Giovanna Bisio, se mudaron a un pequeño poblado
piamontés. Eco recibió educación salesiana.2
Después de su
doctorado, Eco trabajó como editor cultural para la RAI,
la radiotelevisión italiana; y también comenzó a trabajar como profesor en las
universidades de Turín y de Florencia antes
de ejercer durante dos años en la de Milán(1956–1964).
En este periodo entró en contacto con el grupo de artistas (pintores, músicos,
escritores) denominado Gruppo 63, que influirían en su futura
carrera de escritor.2
En septiembre de 1962 se
casó con Renate Ramge, una profesora de arte alemana con la cual tuvo un hijo y
una hija.2
Novelista, poeta y autor
dramático español, además de cuentista, ensayista y periodista. Destacó en
todos los géneros que cultivó y fue un modernista de primera hora que satirizó
amargamente la sociedad española de su época. Nació en Villanueva de Arosa (Pontevedra)
y estudió Derecho en Santiago de Compostela, pero interrumpió sus estudios para
viajar a México, donde trabajó de periodista en El Correo Español y El
Universal. A su regreso a Madrid llevó una vida literaria, adoptando una
imagen que parece encarnar algunos de sus personajes. Actor de sí mismo,
profesó un auténtico culto a la literatura, por la que sacrificó todo, llevando
una vida bohemia de la que corrieron muchas anécdotas. Perdió un brazo durante
una pelea. En 1916 visitó el frente francés de la I Guerra Mundial, y en 1922 volvió a viajar
a México. Por su vinculación con el carlismo en
1923 fue nombrado caballero de la Orden de
la Legitimidad Proscrita por Jaime de
Borbón y Borbón-Parma.1
Respecto a su nombre público y
literario, Ramón del Valle-Inclán es el que aparece en la mayoría de las
publicaciones de sus obras, así como en los nombramientos y ceses de los cargos
administrativos institucionales que tuvo en su vida. El nombre de Ramón
José Simón Valle Peña solo aparece en los documentos de la partida de
bautismo y del acta de matrimonio. Como Ramón del Valle de la Peña solo firma
en las primeras colaboraciones que realiza en su tiempo de estudiante
universitario en Santiago de Compostela para Café con gotas. Semanario
satírico ilustrado. Con el nombre de Ramón María del Valle-Inclán se le
encuentra en algunas ediciones de ciertas obras su época modernista,nota 4 así como en un texto igualmente
de su época modernista, que responde a una particular «autobiografía».nota 5 No solo él mismo toma a veces
este nombre durante esta época literaria, sino que también Rubén Darío igualmente así le declama en
la «Balada laudatoria que envía al Autor el Alto Poeta Rubén» (1912).nota 6 Por otra parte, tanto en la
firma ológrafa que aparece en todos sus textos manuscritos, como en el membrete
del papel timbrado que utiliza, solo indica Valle-Inclán, a secas.
Siendo una adolescente, a mediados de la década de 1950,
participó en un concurso buscatalentos en Radio Minería, la radioemisora chilena más popular de
entonces. Su voz y estilo cautivaron a la audiencia y se convirtió rápidamente
en una de las principales estrellas de los shows en vivo de
dicha radio. Era reconocida por su habilidad de cantar baladas románticas con
un estilo de jazz y blues, cualidad poco vista en
los artistas latinos.
En 1956 fue invitada por Roberto Inglez para
unirse a su grupo vocalista durante tres semanas en el Hotel Waldorf Astoria en Nueva York. Su éxito fue tal que su temporada
se amplió por un año completo en la Gran Manzana. Luego inició una gira por
Europa y, después de una muy buena oferta del centro de espectáculos Pasapoga, el más famoso del Madrid de la época, permaneció ahí una
buena temporada, convirtiéndose en una gran favorita de la audiencia hispana.
En 1959 grabó con Los Platters la
famosa canción «Mi oración»
(My Prayer),
que fuera el tema de la película Anastasia, para Hispavox, entre muchas otras románticas. Ese
año fue invitada a aparecer en la primera edición del Festival Internacional de la Canción de Benidorm en
el balneario de Benidorm (Alicante, España), donde se presentó con la canción «Un telegrama»,2 que ganó todos los premios. Su
grabación de «Un telegrama» se convirtió pronto en un éxito internacional,
tanto en Europa como en América Latina, haciendo de Monna Bell una de
las máximas artistas de la época.
Posteriormente, grabó temas como «La montaña» (favorita de Juan Gabriel), «Silencio corazón», «Aún te
sigo amando», «Envidia» y «Tómbola», entre otras, que acrecentaron su fama
mundial. Grabó con grandes orquestas dirigidas por grandes directores de la
talla de Augusto Algueró Jr, Gregorio García
Segura, Bebo Valdez y Ray Conniff. Monna Bell combinó sus
actividades con presentaciones en vivo y presentaciones en televisión.
Entre 1962 y 1964 realizó tres películas en México: Las
recién casadas (1962), Los secretos del sexo débil (1962)
y Buenas noches año nuevo (1964). En esta época, conoció
a Alex
Philips Jr., con quien se casó y tuvo dos hijos; sin embargo, la
relación con su esposo terminó en una separación. Los éxitos siguieron
acumulándose año tras año. Fue invitada a participar del show del Festival
de la Canción de Viña del Mar en 1965.3 En 1968 se separó de Hispavox para
firmar con Musart,
firma que en aquellos años tenía otras prioridades en artistas americanos y
europeos.
En 1970, dejó Musart y firmó con Orfeon, donde materiales
mediocres, malos arreglos y producción de baja calidad sabotearon su carrera.
Ni aun el lanzamiento de la versión disco en 1977 de «Un telegrama» pudo
revivir la popularidad de una de las más grandes voces de todas épocas de la
música latinoamericana. Hubo también rumores de que el veto de Televisa (cadena prácticamente
monopolista mexicana de televisión, radio, grabación, clubes nocturnos, prensa
e impresos) impidió que continuara con su exitosa y ascendente carrera.
Para 1980 su carrera había perdido toda velocidad y se reportaba
que ella vivía «felizmente retirada y disfrutando el fruto de sus éxitos». Fue
rápidamente olvidada por el público y por la industria discográfica, ignorando
el hecho de que ella era una de las más grandes voces del siglo y que había
sido inspiradora de toda una nueva generación de vocalistas y compositores.
Entre esos compositores, se encontraba el cantautor mexicano Juan Gabriel, quien quiso acabar con el retiro
de Monna Bell, invitándola a participar como estrella invitada en sus
presentaciones en Estados Unidos y América Latina, surgiendo amistad entre
ambos.
En 1992 Manuel Calderón, director del Departamento de Artistas y
Repertorio de Sony Music-México, la contrató y a través del director general de
la empresa, Fernando Hernández tomaron contacto con Juan Gabriel para realizar
un álbum que se tituló Ahora. El disco fue terminado y lanzado al
mercado, pero en meses posteriores Manuel Calderón fue invitado a trabajar en
POLYGRAM Discos (posteriormente, Universal Music) y Fernando Hernández fue
invitado a trabajar en la hoy extinta discográfica Rodven Discos, por lo que el
disco no fue promocionado como hubiese sido preciso por los nuevos ejecutivos.
Juan Gabriel tampoco pudo ayudar en la promoción, tenía conflictos con su
propia empresa discográfica por sus derechos de autor, por lo que la industria
no veía sus proyectos con el valor que tenían. Juan Gabriel compró el máster
del álbum de Monna, pero, desgraciadamente, ya no lo volvieron a publicar.
A inicios de 2008, Monna Bell fue intervenida de un cáncer de colon,
pudiendo recuperarse satisfactoriamente; sin embargo, el 21 de abril del mismo
año sufrió una embolia que provocó su deceso.
La canción «Un telegrama», «El telegrama» o «Un telegrama de
amor», compuesta por los hermanos Gregorio y
Alfredo García Segura, fue la ganadora en 1959 del primer premio de la primera
edición del Festival Español de la Canción de Benidorm,2 posteriormente conocido como Festival Internacional de la Canción de Benidorm.
Esta melodía hizo que la cantante Monna Bell fuera conocida a
nivel mundial y principalmente entre la comunidad latina e hispana, ya que,
además, este tema fue utilizado para ambientar películas de esa época, como
música de moda por los jóvenes y adultos; y como música para televisión y radio
novelas.
A finales de la década de 1960, esta canción ya era conocida por
más de 5 millones de personas sólo en el continente americano, lo cual, produjo
que Monna Bell recibiera un disco de oro en 1968 por sus ventas a nivel
nacional e internacional y, además, fuera condecorada como «hija pródiga»
de Chile.
Posteriormente esta canción fue remasterizada en 1982 en un
disco póstumo en homenaje a Monna Bell.
Phil Trim, de nombre real
Theophilus Philip (Trinidad y Tobago, 1940
A diferencia de otros
artistas, no siente amargura por su inactividad. “Yo disolví a los Pop Tops, en
1993, cuando algunos se pusieron insoportables. Tocábamos por Finlandia y todo
eran quejas”. Que nadie lo olvide: los Pop Tops fueron populares en la Europa
continental, sobre todo en los países nórdicos. La única queja de Trim hace
referencia al escaso dinero que recibió como autor: “Vendimos seis millones
de singles. Y todavía sonamos en series y películas, hasta
en Volver a empezar, de Garci. Pero las liquidaciones de la SGAE
siempre han sido ridículas”. Aunque puntualiza: no es una crítica a Teddy
Bautista, al que considera “un amigo”.
antes que el disco de Procol Harum”.
Así fue como Phil se
convirtió en una rareza: triunfaba en un país donde los únicos negros
visibles eran los estudiantes guineanos y los soldados de las bases
estadounidenses. “No había rechazo, solo curiosidad. Especialmente por parte de
las mujeres, aunque yo no me dedicaba al ligue”. Hay tres mujeres importantes
en su vida: “La primera, de Trinidad. La segunda, suiza. La tercera, sueca.
Tengo una familia extensa: cinco hijos, cinco nietos y, desde hace poco, la
primera bisnieta”.
Hasta afincarse en España,
Phil había llevado la existencia del músico trashumante. Formó parte de la
Trinidad Steel Band, agrupación que tocaba tambores caribeños hechos a partir
de barriles de petróleo. “Representábamos a la Oficina de Turismo de Trinidad y
Tobago; en una feria en La Habana nos vio el director del Lido de París y nos
vinimos para Europa”. Tiene recuerdos de haber girado por todo el mundo, bajo
los auspicios de la aerolínea Pan Am, animando incluso una fiesta de cumpleaños
del sha de Persia en Teherán.
Phil pasó al rock con The
Handfuls, ingleses con base en Roma. En 1967 estaba en Madrid, cantando con Los
Tifones. Participaron en un concurso en León, y Milhaud escuchó la transmisión
por la radio, donde Phil interpretó ese pináculo del soul lento que
es When a man loves a woman, de Percy Sledge. En cuestión de
semanas, los había fichado, cambiado de nombre –lo de Pop Tops sonaba
más in– y encaminado hacia una dirección musical insólita.
Inspirado por A whiter
shade of pale, que contenía ecos de J. S. Bach, Milhaud sugirió acoplar
melismas de soul sobre melodías barrocas: así surgieron aciertos
como Oh lord, why lord. Había además un componente de reivindicación
de los derechos civiles de los afroamericanos que pasó inadvertido para el gran
público, pero que era importante para Phil. “Estábamos en el estudio cuando me
enteré del asesinato de Martin Luther King y cambié la letra que iba a cantar”.
Todavía hoy, Phil rechaza la sociedad estadounidense: “Odio su prepotencia, su
desprecio por el mundo, su política exterior e interior. Sé de lo que hablo,
tengo familia en Miami y en Nueva York”.
No
se equivoquen: el mensaje iba oculto y bien oculto. Los Pop Tops eran una
banda festiva y obediente que ocasionalmente padeció las ocurrencias
publicitarias de Milhaud. En 1969, para la portada de Pepa,aparecieron
cubiertos de dibujos multicolores. El problema fue llevar esa imagen a sus
directos. En Pamplona, durante los sanfermines, los espectadores se soliviantaron.
Phil ríe: “No íbamos desnudos, llevábamos trajes de baño, pero querían
lincharnos, gritaban lo de ‘maricones, a la piscina’. Nos multaron por
escándalo público”.
Los Pop Tops disfrutaron de
buenos años, pero no saltaron a la primera división. Solo editaron un elepé en
1971 con el impacto de Mamy blue. “Pasábamos más tiempo fuera que
dentro de España. Editábamos discos en italiano y actuábamos en el Festival de
San Remo o en el Cantagiro. Vivíamos bien, pero no nos quedaba dinero”. A mediados
de los setenta se disolvieron.
Phil recuerda que entonces
mandaban los solistas y que no le costó hacer la transición. “En 1976 volví a
mi tierra, a Trinidad, y me di cuenta de que mi vida estaba en España”.
Entonces sacó varios elepés, alternando el inglés y ese español que se le
resistía. “Trabajaba con Ramón Arcusa, que también producía a Julio Iglesias, y
compartíamos repertorio. Mi Summer love fue su Como
tú. Gran tipo Julio”.
No hubo grandes éxitos,
aunque probó con canciones de siempre, desde Ron y Coca Cola hasta Angelitos
negros; incluso regrabó Mamy blue. Ya en los ochenta, Phil se
incorporó a Alcatraz, orquesta con instrumentistas salidos de Los Canarios.
“Fueron cinco años muy buenos, cantaba mis temas y los éxitos del momento. Un
artista debe estar agradecido de tener un público, aunque solo venga a bailar”.
A principios de los noventa, los Pop Tops volvieron. Actuaron por el norte de
Europa, pero no duró mucho.
Phil
Trim buscó entonces un trabajo fijo y le salió lo de vigilante nocturno,
perdón, conserje. No se avergüenza de ello: “Tuve la suerte de hacer buenos
amigos cuando cantaba y me dieron la oportunidad de ganarme la vida
honradamente. ¿Que si echo de menos cantar? No todos podemos ser Miguel Ríos,
que ha aguantado hasta ahora”. Trim confiesa una lesión incómoda: unos arreglos
dentales deficientes le causan dolores. “Es una vergüenza que la Seguridad
Social no cubra reponer la dentadura”. Hace tres años pidió la nacionalidad
española y todavía está esperando: “Fue divertido, me hicieron unas preguntas
un poco absurdas para alguien que vive y que cotiza aquí desde 1967”. Si
pudiera hacer un disco, seguramente retomaría el repertorio de Sinatra o Nat
King Cole, “lo que escuchaba cuando era crío”.
Risueño, Phil Trim no se
reconoce en el tópico del juguete roto. Por el contrario, cree que la
vida ha sido buena con él. “Estoy contento. Me he movido en el momento
oportuno, sin nostalgia ni resentimiento. Dejé el pueblo en que nací a los 13
años, me marché del Caribe, cambié Roma por Madrid, siempre he buscado mis
lentejas. A veces olvido que fui importante en la música de este país. Pero el
otro día estuve grabando en la calle con un equipo de Tele 5 para Qué
tiempo tan feliz. Mucha gente se paró a saludarme, a contarme que se
enamoró con mis canciones, a pedirme nuevos discos”. Otra carcajada: “No me veo
empezando de nuevo… a mi edad”.
Diane Keaton comenzó su carrera
en el teatro y debutó en la pantalla grande en 1970. Su primer papel importante
fue como Kay Adams en la película El Padrino,
pero las películas que formaron sus primeros años fueron las que hizo con su
director y coestrella Woody Allen. Sus
primeras dos películas para Allen, El dormilón (Sleeper, 1973)
y La
última noche de Boris Grushenko (Love and Death,
1975), la establecieron como una actriz cómica. Su tercera, Annie Hall (1977), le significó ganar
el premio Óscar a la mejor
actriz. Keaton ha declarado que ella está: "hecha a medida para
la comedia".1
Diane Keaton aceptó a
continuación papeles diferentes para evitar quedarse como el estereotipo de su
personaje de Annie Hall. Se
convirtió en una consumada actriz dramática, empezando con Buscando al
Sr. Goodbar (Looking for Mr. Goodbar, 1977) y fue candidata a
los premios Óscar por Rojos (Reds,
1981) y Marvin's Room (1996). Algunas de sus películas
populares más recientes incluyen a El
padre de la novia (Father of the Bride, 1991), El club de
las primeras esposas (The First Wives Club, 1996),
y Alguien tiene que
ceder o Cuando menos te
lo esperas(Something's Gotta Give, 2003). Las películas
de Keaton han recaudado en total más de $1.100 millones sólo en América del
Norte.2 Además de actuar es fotógrafa,
corredora de propiedades inmobiliarias y cantante ocasional. Su actuación
en Buscando
al Sr. Goodbar convirtió a Keaton en sex symbol, del mismo
modo su particular forma de vestir hizo de la actriz un icono de la moda en los
años 70.
1948:
Nace Ted Lange,actor estadounidense de
televisión.
Theodore William Lange, conocido como Ted Lange (5 de enero de 1948, Oakland, California)
es un actor estadounidense de televisión.
Comienza a
ser conocido en 1974 gracias
al personaje de Junior en la serie de TV That's My
Mama, protagonizada por Theresa Merritt.
En 1977 es seleccionado
para interpretar al camarero Isaac Washington en la
serie Vacaciones en el mar. Esta producción
televisiva llegó a ser una de las más populares durante las décadas de los
setenta y ochenta, no sólo en Estados Unidos,
sino también en muchos otros países. Los miembros del reparto, incluido Lange,
se convirtieron en verdaderas estrellas de la pequeña pantalla, conocidos y
populares en todos los países en los que se emitió la serie.
El personaje
de Lange fue uno de los que mejor aceptación obtuvo por parte del público y el
actor lo interpretó hasta la cancelación definitiva de The Love Boat en 1986.
Con
posterioridad, ha interpretado pequeños papeles tanto en cine como en
televisión y ha desarrollado igualmente una carrera teatral que incluye la
dirección de la obra George Washington's Boy, que él mismo escribió
y que narra la relación entre el primer
presidente de Estados Unidos y su esclavo favorito.
Christopher Stein (Brooklyn, Nueva York,
5 de enero de 1950) es un músico, compositor, productor cinematográfico y
fotógrafo estadounidense, reconocido principalmente por ser uno de los
fundadores de la banda de punk y new waveBlondie.1
Fue
el productor de la película clásica sobre hip hopWild Style y el compositor de la
banda sonora de la película Union City.2 Además es un reconocido fotógrafo,
habiendo captado miles de imágenes que documentan la escena de la música punk de
la ciudad de Nueva York y el atractivo visual de Debbie Harry y Blondie.
También registró colaboraciones en fotografía con reconocidos artistas
como Andy Warhol y H.R. Giger.3 Gran parte de su trabajo fue
publicado en 2014 en el libro Chris Stein Negative: Me, Blondie, and
the Advent of Punk.45
Se gradúa en la Staples High
School en febrero de 1971 y comienza a
trabajar en una hamburguesería.
Se inicia profesionalmente como
modelo a la edad de 17 años en Nueva York y con 19 debuta en el cine en
la película To Find a Man (1972), que protagoniza con Lloyd Bridges. Ese mismo año interviene en una
de las más populares películas sobre catástrofes, tan de moda en el
momento: La
aventura del Poseidón (1972), en la que comparte cartel con
nombres consagrados como Gene Hackman, Shelley Winters y Ernest Borgnine.
En la temporada 1977-1978 pasa
a la televisión, protagonizando la serie Nancy Drew Mysteries, en
la que dio vida al personaje principal.
Tras protagonizar la película The
Lady in Red (1979) junto a Robert Conrad, le ofrecen el papel que la
conduce a la cumbre de su popularidad: el de la caprichosa y maquiavélica Fallon
Carrington, hija en la ficción de John Forsythe y Joan Collins en la soap operaDinastía.
Interpreta el personaje durante las tres primeras temporadas de la serie,
entre 1981 y 1984.
En ese momento abandona la serie, siendo sustituida para el mismo papel por la
actriz británica Emma Samms.
Con posterioridad ha
intervenido en títulos menos relevantes tanto estrenados en cine como rodados
especialmente para la pequeña pantalla, como Flicks (1987), A
Cry in the Wild (1990) o McTaggart's Fortune (2008).
Ha estado mucho tiempo
comprometida con causas de defensa del medio ambiente y tiene su propia
compañía de teatro en Idaho.
Peter René Baumann (Kölliken, Suiza, 5 de enero de 1968),
conocido como DJ BoBo, es un exitoso músico de Europop y Eurodance suizo. Ha vendido más de 14
millones de discos en todo el mundo y ganado 11 World Music Awards.
Como un prometedor productor de música dance,
su primer gran éxito vino con el single "Somebody Dance with
me" ("Alguien baila conmigo"), que es similar en sonido
a "Somebody's Watching Me", de Rockwell. El
single llegó a ser número uno en China.
Luego de eso, se posicionó bien con los singles "Keep on
Dancing" ("Mantén el movimiento") y "Take
Control" ("Toma el control"). También recibió un disco
de oro por los singles Freedom y Love Is The Price (con
participación de la cantante Natascha
Wright en ambas canciones).
René ha recibido diversos discos de oro y platino por sus canciones y ha alcanzado
el éxito en Europa (principalmente Alemania y Suiza), Israel y Sudamérica). Las canciones más recientes de
René son una desviación del Eurodance, pero continúa produciendo decentes
canciones de Eurodance como en "Moscow" ("Moscú", 2001), "No
More Pain" ("No más dolor", 2003),
y "Amazing situation" ("Vida
asombrosa", 2005).
Uno de sus singles, "Chihuahua", fue usado
en un comercial español de Coca-Cola. En 2003 fue
relanzado debido a su gran éxito y pasó a ser el segundo single mejor vendido
en el año a nivel mundial. En diciembre de 2004,
la versión cantonesa de Chihuahua fue
escrita por Wyman Wong como
la canción principal del mismo producto. Esta versión fue cantada por Jony Yung.
En 2004, como resultado del éxito de "Chihuahua",
René fue galardonado con el Premio Suizo del Espectáculo en los Premios Suizos,
un evento anual dedicado a reconocer los grandes logros alcanzados por gente
nacida en ese país.
En diciembre de 2007, la televisión suiza le
eligió como representante helvético para el Festival
de Eurovisión Helsinki 2007 en el que interpretó "Vampires
are alive". Aunque partía como uno de los claros favoritos para
hacerse con la victoria, finalmente no pudo acceder a la final, alcanzando una
decepcionante vigésima posición en la semifinal. Este resultado se debió en
parte la pésima actuación de la solista femenina, que sustuyó a la original por
motivos de salud.
En 2008 se edita el álbum "Vampires" en conjunto con
el Tour "Vampires the Show".
Para el año 2010, se espera el lanzamiento del nuevo disco de
estudio llamado "Fantasy", el cual contiene temas inéditos,
Pop/Dance, el primer single será "Superstar", un tema lleno de
energía, bailable al 100%.
También se realizó el 27 de noviembre el preestreno del
"Tour Fantasy", un gran escenario con un enorme personaje de fondo,
lleno de color, vida y alegría, el cual se llevará a cabo durante el año 2010
en partes de Europa y posiblemente podría llegar a Sudamérica.
Chacho Gaytán (nacido Gonzalo Gaytán Barragán 5;
de enero de 1969) es un músico mexicano , compositor y miembro de Sentidos
Opuestos , un dúo
de pop latino mexicano prominente durante la década de 1990. [1] Actualmente es juez en La
Academia , [2] un famoso programa de canto en TV
Azteca .
Sentidos Opuestos es el nombre de un dúo mexicano de electro-pop-dance
integrado por Alessandra Rosaldo y Chacho Gaytán durante la década de
los 90's y principios del 2000.
Su primer
disco fue Sentidos opuestos en el año 1993. Que tuvo como
sencillo "Historias de amor", "Atrévete" y "Escríbeme
en el cielo".
Un año
después se lanzó el disco Al sol que más calienta pero no tuvo
la aceptación del público y al igual que su antecesor tuvo sencillos como
"Cuando la pobreza", "Bajamar" "Hecho para mí" y
"Ding Dong" en el año 1994.
En el
año 1996 salió
el disco Viviendo del futuro con los sencillos "Dónde
están?", "Mirame" "A dónde" y "Fuego y
pasión", con este disco fue el regreso súbito de Sentidos opuestos a las
listas de popularidad.
Dos años más
tarde Viento a favor del año 1998, fue el éxito total
con los sencillos "Amor de papel", "Fiesta", "Tu y
Yo", y "Ardiente tentación", además con la oportunidad de
interpretar el tema de entrada de la telenovela Soñadoras.
El último
disco de estudio seria Movimiento perpetuo que fue lanzado en
septiembre del 2000, fue al cambio de ritmos musicales de Sentidos Opuestos al
dejar atrás la onda dance para dar a paso a sonidos más americanos; acústicos,
Alessandra fue llamada en el 99 para interpretar la canción de la película Toy
Story 2 "cuando ella me amaba" que fue incluido en este 5.º disco,
tuvo como sencillos "Tu loco amor" "Eternamente" "Yo
por ti" y "Nada".
Tras más de
10 años de separación, el dueto accedió a reunirse. Su lanzamiento de retorno
fue el álbum en vivo Zona Preferente,
que incluye temas inéditos.
Emilia Rydberg (5 de
enero de 1978, Estocolmo), es una cantante sueca.1 Fue especialmente conocida por su éxito a nivel
internacional "Big big world" a finales de los años noventa. Emilia fue descubierta
en 1996 por Lars Andersson, hijo del ex-manager de ABBA, Stig Anderson. En 2009 concursó en el popular Melodifestivalen, intentando así representar a Suecia en el Festival de Eurovisión y llegó a la final.
January nació
en Sioux Falls,
Dakota del Sur, pero se crio en el pueblo de Mount
Rushmore durante sus diez primeros años. Luego su familia se
mudó de nuevo a Sioux Falls,
la ciudad más grande de Dakota del Sur. Es hija de Karen Jones, una
administradora de una tienda de artículos deportivos, y Marvin Jones, un
entrenador y profesor de educación física. Tiene dos hermanas, Jacey y Jina.
Después de
graduarse de la Escuela Secundaria
Roosevelt en Sioux Falls,
se mudó a Nueva York para
convertirse en modelo. A pesar de no haber tenido una altura suficiente para la
misma profesión, obtuvo trabajos de modelaje, incluyendo anuncios de Abercrombie &
Fitch, debido a su buena apariencia.
Jones
consiguió su primer trabajo de actuación en comerciales de televisión, y
descubrió que tenía talento para ello, a pesar de que no actuó en la escuela
secundaria y no tenía ningún entrenamiento. Apareció en un par de pilotos de
televisión y un show de televisión por cable antes de hacer su debut en la
pantalla grande en It's the Rage en
1999, una película independiente para televisión. Su próximo papel fue en la
película de suspenso The Glass House en 2001.
En ese mismo año apareció junto a Bruce Willis, Cate Blanchett, Billy Bob Thornton en Bandits (2001).
También
protagonizó Love's Enduring
Promise y apareció en el episodio de la temporada 18
de Law & Order "Quit
Claim" interpretando a una estafadora. El 14 de noviembre de 2009,
Jones fue anfitriona de un episodio de Saturday Night Live,
que contó con el invitado musical The Black Eyed Peas,
dando una actuación que fue recibido con críticas negativas.
Fue parte del
reparto de la serie dramática original de AMCMad Men como la joven esposa y madre
suburbana Betty Draper.
Jones ocupó
el puesto número 82 en la lista de la revista Maxim de las 100
mujeres más atractivas de 2002.1 Ella mantuvo una relación con Josh Groban desde 2003 hasta 2006, pero
se separaron en el verano de ese año, aunque todavía «son amigos».2
January
mantuvo una relación durante tres años con el actor Ashton Kutcher y estuvo en una relación
con Jason Sudeikis desde
julio del 2010 hasta enero del 2011.
Jones dio a
luz a su primer hijo, Xander Dane Jones, el 13 de septiembre de 2011 en
el Centro Médico St. John en Santa Mónica,
California. El padre del niño es desconocido. Tenía 8 meses de
embarazo de su hijo Xander cuando tomó la licencia de maternidad desde el
rodaje de la quinta temporada de Mad Men. Volvió a trabajar 2 meses
después de dar a luz a su hijo Xander.
Fue
descubierto por el actor James Cagney. Su primer papel fue el de
hermano menor de Cagney en Ciudad de Conquista (City for Conquest) (1940).
Interpretó papeles tanto de héroe como de villano, apareciendo en películas del oeste y películas policiacas.
Fue hijo
de inmigrantes
italianos, Jean y Santo, Bono comenzó su carrera en la música
trabajando para el legendario productor Phil Spector en los comienzos de los
años 60como promotor. Una
de sus primeras composiciones fue “Needles and Pins”.
Más adelante en la misma década, alcanzó éxito comercial, junto con su entonces
esposa la cantante Cher, como parte del
dúo Sonny & Cher.
Bono escribió, arregló, y produjo varios hits como “I Got You Babe” y “The Beat
Goes On” aunque Cher recibió más atención. Sonny y Cher protagonizaron un
programa de televisión de variedad llamado el The Sonny
& Cher Comedy Hour, fue transmitido por la CBS de 1971 a 1977.
Bono continuó
su carrera de actor, haciendo pequeños papeles en películas como Fantasy
Island y The Boat Love. También hizo la parte de Joe
Seluchi en Airplane II: The Sequel y la parte de Franklin von
Tussle en Hairspray, de John Waters. En la película Men in
Black Bono es una de las varias celebridades vistas en una pared de
pantallas de vídeo que los extraterrestres vigilan.
Desde finales
de los 60 Sonny estuvo centrado en la composición y producción de música para
su esposa, alcanzando ésta el número uno en las listas norteamericanas y
británicas en más de una ocasión; destacan entre ellos Bang-Bang (reeditada
por Cher en el año 1987 bajo la producción de Bon Jovi). Los esfuerzos de Sonny en la árdua
tarea de convertir a Cher en una actriz de éxito sumieron al matrimonio en una
bancarrota a causa de sus inversiones en películas de baja categoría
(curiosamente Cher en el año 1987 conseguiría un Oscar como mejor actriz principal por la
película Hechizo de luna).
Fueron rescatados por un productor de la CBS a
principios de los 70 para que pusieran en marcha el programa de
variedades The Sonny
& Cher Comedy Hour, que en el momento de su estreno era un
programa de verano, que dejó de serlo a la luz de su enorme éxito para
prolongarse durante varias temporadas. Convirtiéndose en líder de audiencia
semanal durante mucho tiempo.
A mediados de
los 70 el matrimonio de Sonny y Cher hace aguas, y como consecuencia sus
proyectos en común naufragan. Siguen sus carreras por separado, y la carrera de
Sonny Bono va perdiendo auge, así el programa televisivo de entretenimiento de
Sonny en solitario, es aplastado por el de Cher en la competencia; las
publicaciones musicales de Sonny, fueron aplastadas también por las ventas de
Cher en solitario, hasta el punto de acuñarse una frase en EE. UU. que
decía "Eres un Sonny sin Cher".
Sonny
desapareció del mundo del espectáculo a excepción de su última aparición junto
a Cher en el año 1987 en el conocido programa de
entrevistas de David Letterman,
donde ambos rememoraron su archiconocida canción I Got You Babe.
Muere Antonio Valdez Herrera, compositor
mexicano.
Antonio Valdez Herrera, hijo
de Tomás Valdez y Carlota Herrera, nació el 13 de septiembre 1922 en la población de
Cócorit, Sonora.
En 1940 se trasladó a la ciudad de Mexicali, B.C., en donde se desempeñó como
locutor durante varios años. Para el año de 1953, cuando vio la luz su canción
ranchera Sin fe, inició formalmente su carrera de compositor, y a partir de ese
momento decidió que lo suyo era la música, así que continuó por esa vereda,
dejando fluir su inspiración.
En 1957 se trasladó a la Ciudad de México. Aquí continuó con su carrera de
locutor, además de que se integró al dueto Amanecer, y al año siguiente, 1958,
creó la canción que lo dio a conocer como intérprete y compositor,
Renunciación, que es la que más satisfacciones le ha dado dentro de toda su
obra.
Más adelante haría valiosas alianzas con Antonio Cantoral García, José Vaca
Flores y Ramón Ortega Contreras.
De entre sus grandes composiciones, destacan: Por si Voy a Morir (Ya Me Voy),
con Chelo, el dueto Amanecer y El Coyote y Su Banda; Después de Amarnos, con
Javier Solís; Renunciación, con Vicente Fernández, Javier Solís y el dueto
Amanecer; Con mis propias manos, con Javier Solís, el dueto Amanecer y Aída
Cuevas; Tu camino y el mío; con Vicente Fernández, Antonio Aguilar y Pepe
Aguilar, y Esta tristeza mía, con Javier Solís, Lola Beltrán, Vicente
Fernández, el dueto Amanecer, Lupillo Rivera, Yoshio y Los Tiranos del Norte.
Son numerosos los reconocimientos que el Mtro. Valdez ha cosechado a lo largo
de su exitosa trayectoria, tales como Trofeo Domingos Alegres, en Mexicali,
B.C.; Pípila de Oro, en Irapuato, Gto.; Micrófono de Oro de los Locutores, en
la Ciudad de México; Medalla de Oro, en León, Gto.; Venado de Oro, en Cd.
Obregón, Son.; Trofeo Joaquín Pardavé, en Pénjamo, Gto.; Tres Liras de Oro, de
Mundo Musical, y la Medalla Agustín Lara, de la Sociedad de Autores y
Compositores de Música (SACM).
En 1969 le ofrecieron un homenaje en Sahuayo, Mich.; en 1971 recibió otro
Reconocimiento de la SACM, por su participación en el 1er. Festival Ranchero de
Televisa; en 1972 la cadena restaurantera Denny’s le hizo entrega de un
reconocimiento, por su labor en pro de la Música Mexicana. Asimismo fue reconocido
y premiado en las ciudades de Torreón, Coahuila.; Guadalajara, Jalisco; Los
Mochis, Sinaloa, y Los Ángeles, California, además de diversas poblaciones del
país.
El Mtro. Antonio Valdez Herrera se describía con estas palabras: “Mi carácter
es fuerte, tal vez por proceder del norte de la República; sin embargo, me
gusta ayudar a mis semejantes. Soy estrictamente fiel a mis principios y
responsabilidades, amigo respetuoso y vertical, un padre y esposo amoroso”.
En cuanto a su trayectoria como compositor, dijo: “Estoy agradecido por haber
recibido de Dios la gran virtud de poder comunicarme con mi pueblo a través de
la composición de canciones, que han quedado en el gusto popular, y que
artistas de todas las categorías, si es que las hay, se hayan molestado en
grabar mis modestas canciones. Y que mi carrera como compositor me haya
permitido dar a mis hijos una formación, educación y una relativa comodidad”.
El Mtro. Valdez Herrera falleció el 5 de enero del 2007 en la Ciudad de México,
pero se mantendrá vivo en nuestros corazones gracias a su rica herencia
musical.
Muere Nelson Ned,
bolerista brasileño (nacido
en
1947).
Nelson Ned D'Ávila
Pinto (Ubá, 2 de marzo de 1947 - Cotia,
5 de enero de 2014),1 conocido con el apodo de "El
Pequeño Gigante de la Canción", fue un cantante y compositorbrasileño. Es considerado una de las más
potentes voces de
Brasil en el ambiente de la música romántica y cristiana, con
ventas de 45 millones de discos en su carrera.2
Nelson Ned nació con
el tamaño de un bebé normal, con una condición llamada displasia espóndilo-epifisiaria, comúnmente
conocida como enanismo. La estatura de
Nelson alcanzó los 1,12 m.3 A los 5 años sus padres lo llevan a
las audiciones de la Radio Educadora Laborista, consagrándose como una pequeña
celebridad para el auditorio.4
Hizo su primera
aparición a los 14 años en la Tele Itacolomi, en Belo Horizonte, Minas Gerais, de su natal Brasil, comenzando así su carrera. A los 16
años la mencionada televisora le ofreció ser el principal conductor en un
programa que se llamó: "Gente, el tamaño no importa". Ganó el
concurso "Un cantante por un millón" y, cuando menos se
esperaba, apareció en São Paulo para presentarse en la
"Discoteca la Chacrinha".
En la década de 1960 comenzó a presentarse y
grabar discos, inclusive
en los países de América Latina, donde fue muy popular. Con un
repertorio ligado a la músicaromántica, sus
presentaciones atrayeron multitudes en estadios y teatros. Como compositor,
algunas de sus canciones fueron grabadas por Moacyr Franco, Antônio Marcos,
Agnaldo Timóteo, Ismael Miranda, Matt Monro, entre otros. Su primer LP contenía
solo 2 canciones "No sabía que estabas tan linda" y "Preludio
a la vuelta", grabado en 1960,
las cuales se convirtieron en grandes sucesos años más tarde.
En 1964, fue llamado
por la Polygram para grabar su primer LP, titulado Un Show de 90
Centímetros. Luego, en 1968 resultó ganador del Festival de la Canción
realizado en Buenos Aires, Argentina con la canción Todo
Pasará.4
En 1970 participó en
el Festival de la Canción Latinoamericana, realizado en Nueva York. En 1976, lanzó el álbum "O
Poder Da Fé", producida por la grabadora "Celestial". En
1977, realizó un trabajo instrumental para la "Orquesta Electrónica de
Moog".
Su estilo musical
comprendía las baladas, boleros y todo lo que concierne a la
música romántica. Ha realizó Se presentó en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Madison Square Garden y
en el salón Megaeventos de México. Internacionalmente, fue el primer
artista de América Latina en
vender un millón de discos en Estados Unidos, con el éxito Happy
Birthday My Darling (Feliz cumpleaños mi amor) en 1974. También
enriqueció los archivos de las grabadoras internacionales de Copacabana,
Poligram, Polidor, EMI y Philips, entre otras. Se retiró de la música popular
habiendo vendido 50 millones de discos en todo el mundo, que lo hicieron
merecedor de título El Pequeño Gigante de la Canción.13
En México fue conocido
por la interpretación realizada por el grupo chileno "Los Ángeles
Negros" llamada "Si las flores pudieran hablar", y
posteriormente por el rotundo éxito "Happy Birthday My Darling",
"Como duele" y "Aquellos ojos negros", ya interpretados por
él.
En 1993, Nelson se
convirtió al cristianismo, y comenzó a concentrar su carrera en la música cristiana,
componiendo canciones espirituales que expresaban su fe cristiana.5 Lanzó en 1996 su auto-biografía
denominada "El Pequeño Gigante de la Canción", que fue editada
en primer término en portugués. Este
libro es una recopilación de sucesos en la vida de Nelson Ned realizado por
Jefferson Magno Costa.
Nelson logró vender 50
millones de discos en diversos países, tanto en lengua portuguesa como en
español. Ganó discos de oro y
también disco de platino en Brasil. Cantó bajo la dirección de Aldair
Pinto y también en la Radio Guarani. Su discografía contó con más de treinta
discos en el estilo libre y ocho en el estilo gospel.
En 1993, salió el
álbum "Jesús Está Vivo" bajo el sello discográfico "Line
Records", que es una grabadora evangélica de Brasil. Este CD fue el
primero en ser editado también en español. En 1994, Nelson grabó el álbum
"Jesús Te Ama", editado por Warner Capell Brasil, siendo su
segundo álbum grabado también en español.
En 2002, realizó el
álbum "Jesus é Vida". Este fue su tercer CD traducido al
español con el título "Jesucristo es Vida", este álbum contó
con la participación especial para la versión en portugués de Luis de Carvalho,
ambos grabados y distribuidos por "Bom Pastor" de Brasil.
En 2004 lanzó su
último trabajo de música cristiana llamado "Jesus Ressuscitou"
bajo el sello "Zekap Gospel" de Brasil, con el cual prácticamente
desapareció de los medios artísticos.
La salud de Nelson
estuvo muy deteriorada en los últimos años de su vida. En el año 2003 sufrió
un derrame cerebral que
lo mantuvo en cama durante 7 meses, el cual casi le costó la vida y le provocó
la pérdida de la visión en el ojo derecho. Tenía además diabetes e hipertensión,
y comenzó a desarrollar la enfermedad de
Alzheimer.
En 2006 formó parte
del selecto grupo de maestros de la tercera edición del reality mexicano Cantando por un sueño,
en el cual tuvo como alumnos al cantante y comediante Gustavo
Munguía y a Jacqueline Carrillo. Ned renunció al término de la
segunda gala por considerar injustos los comentarios y las evaluaciones del
jurado del programa.6
El cantante vivió en
el hogar de reposo de ancianos São Camilo en Granja Viana, desde el 24 de
diciembre de 2013. Fue en este asilo que se enfermó y tuvo que ser trasladado
por una ambulancia al Hospital Regional de Cotia en São Paulo.7
Ned murió el 5 de
enero de 2014 en dicho Hospital, donde se encontraba ingresado por
complicaciones de una grave neumonía, problemas respiratorios y una
infección en la vejiga. Tenía 66
años.8
Su cuerpo fue cremado y sus restos descansan en el
Cementerio Horto da Paz de la ciudad paulista. 9
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