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San Juan Bosco (1815-1888),
fundador de los salesianos
Era natural de la aldea de
los Becchi, a 25 kilómetros de Turín. En esta historia no puede faltar la
figura de la madre, Margarita, mujer incomparable, que educó a sus hijos en la
pobreza y fortaleza del más alto nivel.
Cuando era jovencito, Juan
iba con su madre al mercado a vender los productos del campo. Era un mozarrón
despierto y vigoroso que aún no sabía leer.
En esto, se le ocurre ser
sacerdote. Y para iniciar sus experiencias, atrae los domingos a la gente junto
a su casa, en un predio donde crecían dos perales. Allí hace de saltimbanqui y
prestidigitador. Así entretiene santamente a todos los convecinos.
Empieza a estudiar en una
escuela pública, a 5 kilómetros de su pueblo. Luego entra a estudiar en el
liceo de Chieri. Para pagar sus estudios trabaja en toda clase de oficios. Por
fin, a sus 26 años celebra la primera misa en Turín. Lo primero que hace es
recoger chiquillos de la calle. Le siguen como si fuera un titiritero. Para eso
funda los Oratorios de San Francisco de Sales. Más tarde, para atender a esa
gente pequeña, funda la Congregación de los Padres Salecianos, que se extiende
pronto por toda Italia, Francia y España. Es el educador de los tiempos
modernos; se hace periodista, predica, confiesa, escribe y propaga la devoción
a María Auxiliadora, publica libros de ciencia y religión. Es el auténtico tipo
de audaz soldado de Cristo.
En la Italia del siglo
pasado, uno de los divertimentos más esperados de los pobres era los que traían
los titiriteros.
Hubo cierta
"troupe" que, a sabiendas, representaba sus obras a la hora de la
misa y, claro, las gentes, en especial los niños, se "salteaban" la
misa.
Pero había un niño, Juan
Bosco, que se decidió a hacer algo para que los niños volvieran a la misa.
Se las arregló para aprender
trucos de prestidigitación, malabarismos y otras habilidades por el estilo. Para
eso, observó mucho, entrenó más y se ejercitó con los amigos.
Más tarde llegó a desafiar a
los titiriteros y malabaristas, les ganó las apuestas y se tuvieron que ir de
allí humillados.
Juan se hizo dueño del
domingo, de los compañeros y amigos. Comenzó de niño los domingos y acabó
moviendo masas de jóvenes, organizando su tiempo libre, montando talleres y
escuelas profesionales...
Se inventó el sistema de
"educar jugando y aprender gozando".
Su espíritu de saltimbanqui
le daba agilidad al cuerpo y ponía alas a su vocación de educador.
Les decía a los niños:
"Haremos muchos juegos y entretenimientos sin que tengan que pagar nada,
pero con una condición: que vengan después todos conmigo a la iglesia".
Schubert fue uno de los
principales músicos austríacos que vivió a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue
capital musical europea a finales del siglo XVIII y principios del XIX: Viena.
Vivió 31 años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical
excelente, en especial en la última etapa de su vida, en la cual estaba ya
tremendamente enfermo. Su música no fue reconocida durante toda su vida y es a
partir de finales del siglo XIX cuando la música de Schubert suena con más
frecuencia. Se abre camino con pequeñas obras para piano, para más tarde
empezar con sinfonías. En la historia ha estado siempre escondido, a la sombra
de Beethoven, solo se dice que su música es muy bella, pero resulta que no
encontró ninguna orquesta que la tocara y prácticamente solo en las
"schubertiadas" podía exhibir su música. Escribió más de
seiscientos lieder, de los cuales gran parte, después de su
fallecimiento, quedaron inéditos. Siempre ha sido visto como un compositor
"frágil" que hacía bellas melodías, pero si analizamos su música, nos
damos cuenta de que está repleta de tristeza. "No existe música alegre"
-Franz Schubert.
Desde que nació, la muerte
estuvo presente en la vida de este compositor. Eran trece hermanos aunque diez
de ellos murieron al nacer, otro de ellos murió prematuramente y su madre
falleció en su último parto cuando él tenía apenas quince años. La única familia
que le quedaba era su padre y su otro hermano. Residían en el barrio de
Liechtental. Su padre era profesor y gozaban de unos escasos ingresos para
vivir.
Es un gran cantante e ingresa
en Stadtkonvikt, la escolanía de la Catedral de Viena como soprano,
institución la cual le becaba y mantenía aparte de darle la oportunidad de
tener como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se
reveló con fuerza en el joven Schubert durante estos años y sus primeras piezas
fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que
él mismo era violinista.
En 1813 le cambia la voz y no
puede seguir estudiando en la escolanía, así que no le queda más remedio que
trabajar como asistente de su padre en la escuela, a pesar de que no le
agradaba la idea de tener que hacerlo, puesto que quería dedicarse a la música
por completo.
1814 es una época de
creatividad para Schubert, ya que conoce a su primer amor, Therese Grob.
Estrena la Misa en la mayor con Therese de soprano. En estos años es cuando ven
la luz sus primeras obras maestras, como el lied El rey de los elfos,
inspirado en un poema de Goethe, uno de sus escritores más frecuentados.
Después de abandonar sus funciones en la escuela paterna, Schubert intentó
ganarse la vida únicamente con su música, con escaso éxito en su empresa. La
principal meta que tenía Schubert estos años era encontrar trabajo como fuera y
ganar dinero para que el padre de la chica de la que se había enamorado le
dejara estar con ella, y el único campo que podía darle dinero de verdad era la
ópera. Aunque éste fue un género que Schubert abordó con insistencia a lo largo
de toda su vida, bien fuera por la debilidad de los libretos escogidos o por su
propia falta de aliento dramático, nunca consiguió destacar en él. Sus óperas,
entre las que merecen citarse Los amigos de Salamanca, Alfonso y Estrella, La
guerra doméstica y Fierabrás, continúan siendo la faceta
menos conocida de su producción.
Si Schubert no logró sobresalir
en el género dramático, sí lo hizo en el lied. Un solo dato da constancia de su
absoluto dominio en esta forma: sólo durante los años 1815 y 1816 llegó a
componer más de ciento cincuenta lieder, la mayoría de una calidad asombrosa.
Escritos muchos de ellos sobre textos de sus amigos, como Johann Mayrhofer y
Franz von Schober, eran interpretados en reuniones privadas, conocidas
famosamente como «schubertiadas», a las que asistía, entre otros, el barítono
Johann Michael Vogl, destinatario de muchas de estas breves composiciones.
Pese a sus talentos, su padre
pretendía que heredara su profesión, lo que motivó el enfrentamiento entre
ellos y desencadenó la mala relación entre ambos y el abandono de la casa
paterna. Fuera del hogar y habiendo decidido ganarse la vida con la música,
Schubert se refugió en la casa de Franz
von Schober. Así comenzó el peregrinaje. Nunca logró mantenerse sólo
con sus composiciones y necesitó de la generosidad de amigos, que lo acogían en
sus respectivas casas. Schubert tampoco mantuvo una relación duradera ni tuvo
hijos, pero se adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindaba muchas
satisfacciones personales, además de constituir un público fiel y sensible a su
arte.
Schubert no pudo estrenar ni
publicar ninguna de sus obras operísticas u orquestales. A lo sumo se
interpretaron algunas composiciones vocales o pianísticas en las célebres schubertiadas.
En estos años Schubert contrajo
sífilis. Habitualmente pasaba estrechez económica. Se volvió inseparable de sus
gafas, que conformaron parte indisoluble de su apariencia y acentuaron su
fisonomía tímida.
En Viena, Schubert llevó una
vida bohemia rodeado de intelectuales, amante de las tabernas y de los
ambientes populares, alejado de los salones y de la etiqueta nobiliaria. De
este entorno procede el famoso término de schubertiadas: reuniones
de artistas de todos los ámbitos que formaban un círculo brillante y animado
dedicado a la música y a la lectura.
Cuando la sífilis comenzó a
trastornar su vida fue, lógicamente, cuando apareció el lado más amargo y
melancólico de Schubert. Así, no puede sorprendernos que, necesitado de
comprensión, escribiese en 1824 estas líneas estremecedoras a su amigo Leopold
Kupelwieser:
Hace tiempo que quería
escribirte, pero nunca sabía desde dónde, adónde. Ahora se me ofrece la
oportunidad y por fin puedo abrir mi corazón a alguien. Tú eres bueno, y seguro
que me vas a perdonar lo que otros se habrían tomado a mal. En una palabra, me
siento el hombre más infeliz, más miserable del mundo. Imagínate un hombre cuya
salud ya no mejorará nunca y que en su desesperación sólo empeora todo en lugar
de mejorarlo, imagínate un hombre cuyas más brillantes esperanzas han quedado
reducidas a nada, al que la felicidad del amor y la amistad no ofrecen otra
cosa que sumo dolor, al que el entusiasmo (al menos estimulante) por la belleza
amenaza con desaparecer, y pregúntate si no es éste un hombre miserablemente
infeliz. Mi tranquilidad ha desaparecido, mi corazón está oprimido, no lo
encuentro nunca; así ahora puedo cantar todos los días, pues todas las noches,
cuando me voy a dormir, confío en no despertar ya nunca, y cada mañana me
anuncia sólo la misma pena del día anterior. De esta manera, sin alegría ni
amigos, paso los días, a excepción de cuando me visitó Schwind y me trajo un
rayo de aquellos dulces días pasados.
Durante sus últimos años escribió
piezas magistrales, fruto y reflejo de sus experiencias personales y siempre
con el sello inconfundible de una inagotable inspiración melódica. Por ejemplo,
una tensa profundidad marca la Wanderer-Fantasie, D. 760, para piano solo
(1822) o el ciclo de liederLa bella molinera (Die schöne Müllerin)(1823),
estos últimos inspirados en poemas de Wilhelm Müller. En 1824 escribiría La muerte
y la doncella, uno de sus cuartetos más conocidos, y ya hacia el
final de su vida el intenso dolor y el aislamiento dejaron su impronta en
el Winterreise, D. 911, Op. 89 (1827), también con textos de
W. Müller.
Por aquel entonces, Schubert
tenía solamente treinta y un años y acababa de matricularse para estudiar fuga. Pero una gonorrea,2 complicada finalmente con una fiebre tifoidea, lo condujo a la muerte
el 19 de noviembre de 1828.
Se decía de Schubert que hacía tiempo ya «andaba por el mal camino», se hablaba
de su afición al alcohol y la «sensualidad» —que lo llevó a tener relaciones
esporádicas—. Pero esa debilidad no ensombrece de ningún modo la figura de un
hombre que en sus años de madurez padecía, según muchos biógrafos, de lo que
actualmente llamaríamos trastorno bipolar.3 Esto explicaría que grandes obras
quedaran incompletas sin una razón explícita.
El 30 de octubre de 1822
comenzó su Sinfonía en si menor pero, tras dos movimientos en
una partitura de orquesta cuidadosamente pasada a limpio, y de empezar el
tercero, la abandonó. El manuscrito con ambos movimientos completos pasó a
manos de su amigo, An. Hüttenbrenner, quien los conservó en un cajón durante
más de cuarenta años. En 1865 se los entregó al director de orquesta Johann von Herbeck,
quien en diciembre de ese mismo año dirigió en Viena el estreno de la obra
incompleta.
No hay una conclusión a la
cuestión sobre los motivos que condujeron a Schubert a dejarla inconclusa; una
posibilidad sugiere que parte del manuscrito se perdiera. También se ha
sugerido que el poderoso Entreacto en si menor de la música de escena
para Rosamunda, de
1823, fuera en realidad el último movimiento sinfónico. A favor de esta tesis:
las coincidencias en orquestación con ambos movimientos existentes, incluido el
añadido de los tres trombones incorporados a la orquesta clásica convencional,
así como la tonalidad. A pesar de todo, la explicación más verosímil para la
crítica es la que cuestiona la madurez autorial para completar dos movimientos
más con la misma altura y calidad expresiva de los previos. Así, la obra queda
tal como la conocemos hoy: un díptico asimétrico, pero equilibrado: primero
un Allegro moderato, en el que se contraponen la tensión dramática
inicial y la naturalidad lírica, seguido de un Andante con moto en mi
mayor, pleno de un agitado y tumultuoso vagabundeo, que alcanza al final el
descanso en una coda, cuya
serenidad parece trascender el mundo.
Nació el 31 de enero de 1908 en
el Campo de la Cruz (de la familia Segoburo, sus tíos abuelos vascos). Era una
antigua posta rural, equidistante del pueblo de Colón y
de la ciudad de Pergamino,
al norte de la provincia de
Buenos Aires.3 Su padre mestizo de origen quechua,
era oriundo de Monte
Redondo, en la provincia argentina de Santiago
del Estero, y su madre, de apellido Aramburu, era criolla de padres
vascos. Su infancia transcurrió en Agustín Roca(partido de Junín),
donde su padre trabajaba en el ferrocarril como telegrafista y se dedicaba
también a la doma de caballos. Inicialmente estudió violín con el padre
Rosáenz, el cura del pueblo. Más tarde aprendió a tocar la guitarra en la
ciudad de Junín con
el concertista Bautista Almirón, quien sería su único maestro. Inicialmente
vivió en Junín en la casa de Almirón; posteriormente regresó al pueblo de Roca
y viajaba 16 km a caballo para tomar las lecciones en la ciudad.4 Con Almirón, Roberto Chavero
descubrió la música de Sor, Albéniz, Granados y Tárrega, y también las
transcripciones para guitarra de obras de Schubert, Liszt, Beethoven, Bach y
Schumann.
En 1917 con su familia pasó
unas vacaciones en la provincia de Tucumán,
y allí conoció un nuevo paisaje y una nueva música, con sus propios
instrumentos, como el bombo y el arpa india, y sus propios ritmos, la zamba,
entre ellos.2 La temprana muerte de su padre lo
convirtió prematuramente en jefe de familia. Fue improvisado maestro de
escuela, luego tipógrafo, cronista y músico. Jugó tenis, boxeó y se hizo
periodista. A los 19 años de edad, compuso su canción «Camino del indio».3 Conoció Jujuy,
los valles calchaquíes y
el sur de Bolivia.
En 1931 se casó con su prima
María Alicia Martínez, quien tenía un hijo nacido en 1923 de una pareja
anterior. No le había ido bien en la ciudad de Buenos Aires, así que se fueron
a la provincia de Entre
Ríos, donde nació su primera hija, Alma Alicia Chavero, y se
afincaron un tiempo en Tala.
En enero de 1932 participó en
la fallida intentona revolucionaria de los hermanos Kennedy, en La Paz (Entre
Ríos), en la cual estuvieron envueltos también el coronel Gregorio Pomar y el escritor Arturo Jauretche, quien inmortalizó la
patriada en su poema gauchesco El Paso de los Libres.
Después de esta derrota debió
exiliarse. Tuvo que refugiarse un tiempo en Montevideo (Uruguay), y luego en otras
localidades del interior oriental y
el sur de Brasil. Mientras tanto su esposa había regresado a Junín (provincia
de Buenos Aires), donde el 11 de enero de 1933 nació su segundo hijo, Atahualpa
Roberto Chavero. Finalmente en 1936 en Rosario nació Lila Amancay Chavero. Al
año siguiente, se separó de su mujer. Ella y los cuatro hijos volvieron a
Junín.
En 1934 reingresó a la
Argentina por Entre Ríos y
se radicó en Rosario (provincia de Santa Fe).
En 1935 se estableció en Racó, un
caserío a unos 40 km al noroeste del pueblo de Tafí Viejo (provincia de Tucumán).
Pasó brevemente por la ciudad de Buenos Aires ―donde diversos intérpretes
comenzaban a popularizar sus canciones― para actuar en radio. Recorrió
después Santiago del
Estero, para retornar por unos meses a Raco en 1936. Realizó una
incursión por Catamarca, Salta y Jujuy.
Más tarde visitó nuevamente el altiplano en busca de testimonios de las viejas
culturas originarias. Retornó a los valles calchaquíes, recorrió a lomo de mula
los senderos jujeños y residió por un tiempo en Cochangasta (una aldea a dos kilómetros
del ciudad de La
Rioja).
En Tucumán, en 1942, conoció a
la pianista y compositora sampedrina francocanadiense Nenette Pepín (1908-1990),
con la que convivió los siguientes 48 años.5
Como en Argentina no existía el
divorcio, tuvieron que casarse vía Montevideo (en 1946), por lo que legalmente
Yupanqui era bígamo. Con Nenette tuvo su último hijo, Roberto Chavero, el cual
fue el único que Atahualpa Yupanqui mostró como tal, tal vez influido por
Nenette, quien llevaba las riendas en la pareja.6
A causa de su afiliación
al Partido
Comunista, Yupanqui sufrió la censura durante la presidencia de Juan Domingo Perón.
Fue detenido y encarcelado varias veces. Al respecto ha dicho Yupanqui:
En tiempos de Perón estuve
varios años sin poder trabajar en la Argentina... Me acusaban de todo, hasta
del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de
la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de
escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la
mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para
tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay
tonos como el si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo
ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan.
Chavero se fue a Francia en
1949, ya utilizaba el seudónimo Atahualpa Yupanqui.8 La cantante Edith Piaf lo invitó a actuar en París el
7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con Chant du Monde, la compañía de grabación que
publicó su primer LP en Europa, Minero soy, que obtuvo el
primer premio de mejor disco de la academia Charles Cros, que incluía
350 participantes de todos los continentes en el Concurso Internacional de
Folclor. Posteriormente, viajó extensamente por Europa.
En 1952, Yupanqui regresó
a Buenos Aires, donde rompió su relación con el
Partido Comunista, lo que hizo más fácil para él concertar actuaciones en
radio. Mientras que con su esposa Nenette (Paule
Pepín Fitzpatrick) construía su casa de Cerro Colorado
(Córdoba), Yupanqui recorría el país. Musicalizó las películas Horizontes de piedra(1956),
basada en su libro Cerro Bayo y Zafra (1959),
actuando también en las mismas.9
https://www.youtube.com/watch?v=w9g9jvZ4yJ0
https://www.youtube.com/watch?v=sdg5g2eFt04
1915:
Nace Thomas
Merton, escritor y poeta religioso francés (f. 1968).
Thomas Merton (31
de enero de 1915 - 10 de diciembre de 1968) fue un escritor católico y místico. Fue monjetrapense de la Abadía
de Getsemaní, Kentucky, fue poeta,
activista social, y estudiante de religiones comparadas. En 1949 fue ordenado
sacerdote y se le dio el nombre de Padre Louis.123
Merton escribió más de 70
libros, en su mayoría sobre la espiritualidad, la justicia social y una pacifismo cristiano, así como decenas
de ensayos y opiniones. Entre las obras más
perdurables de Merton está su autobiografía bestseller La montaña de
los siete círculos (1948), que envió a decenas de veteranos de la Segunda
Guerra Mundial, los estudiantes, e incluso los adolescentes que acuden a los
monasterios en los EE.UU.,45 y también fue presentado en la lista
de la Nacional revisión de
los 100 mejores libros de no ficción del siglo.6 Merton fue un defensor entusiasta de
las religiones y de su entendimiento. Fue pionero en el diálogo con las figuras
espirituales asiáticas prominentes, entre ellos el Dalai Lama, el escritor japonés DT Suzuki ,
el monje budista tailandés Buddhadāsa, y el monje vietnamita Thich Nhat Hanh , y es autor de libros
sobre el budismo zen y el taoísmo. En los años transcurridos desde su
muerte, Merton ha sido objeto de varias biografías.
Los eventos y experiencias que José G. Cruz vive en su infancia, en la época de la Guerra Cristera en México, darán lugar a su fascinación con los personajes que representan a esta época; a los que dará vida en varias de las historietas que más tarde creará y publicará a lo largo de su carrera, como "Adelita y las Guerrillas", "Juan Sin Miedo" y "La Tigresa del Bajío".
A partir de los 18 años, José G. Cruz se inicia como historietista, siendo su carrera una de las más exitosas y fructíferas dentro del campo de la historieta mexicana. Inicialmente colabora en las revistas Paquín, Paquito y Pepín, con muchas historias que cautivan a sus lectores, siendo uno de sus primeros grandes éxitos Adelita y las guerrillas.1
El 10 de febrero de 1940, José G. Cruz se casa con Doña Ana María Ayala Cornejo, con quien tiene a su primogénito José Gustavo.
En 1943, José G. Cruz empieza a utilizar el sistema del fotomontaje para hacer historietas; creando melodramas de gran arrastre como Carta brava, Percal, Tango, Ventarrón, Tenebral, Dancing y Malevaje.
En 1952, funda su propia empresa editorial Ediciones José G. Cruz, en la que publica muchas historietas de gran popularidad; entre ellas, Muñequita, La pandilla, Rosita Alvírez, El vampiro tenebroso y Canciones inolvidables, así como la revista Santo, el enmascarado de plata;1 logrando esta última tal éxito y difusión que creará uno de los grandes íconos de la cultura popular mexicana y será publicada ininterrumpidamente durante más de treinta años.
A la edad de 72 años, fallece José Guadalupe Cruz Díaz en la ciudad de Los Ángeles, California, el día 22 de noviembre de 1989, dejando un legado de trabajo de cerca de seis décadas.
Nacida en el barrio londinense de Crouch Hill, desde niña quiso ser actriz y consiguió debutar en el cine en su adolescencia, apareciendo en la película Give us the moon (1944), de Val Guest y Caryl Brahms. Su fama en el Reino Unido tampoco tardaría mucho en llegar, ya que su figura se hizo reconocible gracias a su intervención en la película de David LeanCadenas rotas (Great Expectations, 1946).
De todas maneras, esa nominación hizo de Jean Simmons una actriz atractiva para las superproducciones estadounidenses. En 1950, su popularidad aumentó aún más cuando se casó con Stewart Granger, un matrimonio que duró hasta 1960.
En 1960 se casó con el director Richard Brooks. Su esposo la dirigió en una de sus mejores películas: El fuego y la palabra (1960), y posteriormente la volvería a dirigir en 1969 en Con los ojos cerrados, por el que Jean fue candidata al Premio Oscar, en la categoría de mejor actriz principal.
En la década de 1970, fue apartándose del cine para dirigir sus pasos profesionales hacia la televisión. Así, los papeles de la actriz británica serían recordados en series como Norte y Sur o El pájaro espino. La interpretación en esta última le valdría un premio Emmy. Todavía a principios de la década de 2000, seguía trabajando esporádicamente, aportando su voz a películas de animación.
Trabajó con muchos directores, pero no faltaron figuras de relieve como Lean, Olivier, al inicio, y luego los estadounidenses Wyler, Curtiz, Preminger, Daves, Mankiewicz, LeRoy, Brooks, Kubrick, Cukor, Donen, King y Wise.
Murió de cáncer de pulmón a los 80 años, en su hogar de Santa Mónica, California. Sus restos mortales fueron incinerados.
En 1899 se
publicó su primera novela, Jocelyn, bajo el seudónimo de «John
Sinjohn» que habría de utilizar durante algún tiempo. En 1906 se
estrenó su primera obra teatral, The Silver Box (La caja de
plata), que resultó un éxito, seguida de A Man of Property (El
propietario) con la que inició la famosa serie La saga de los
Forsyte, pensada inicialmente para 5 volúmenes. En esta serie se
muestra toda un conjunto de situaciones de la vida familiar de la alta clase
media inglesa, tanto de la época victoriana como de la moderna. Tras el título
inicial, publicó El veranillo de San Martín de un Forsyte (1918), En
el tribunal (1920), Despertar (1920)
y Se alquila (1921).
Amplió este ciclo narrativo en
otras novelas y relatos cortos de los mismos caracteres y temas, entre los que
destacan The White Monkey (El mono blanco, 1924), The
Silver Spoon (La cuchara de plata, 1926)
y Swan Song (El canto del cisne, 1928),
publicados bajo el título de Una comedia moderna en 1929.
A éstas siguieron a su vez Esperanzas juveniles en 1931.
Instalado en Sussex, Galsworthy escribió muchas obras
teatrales y novelas, confirmándose como uno de los escritores más prolíficos de
su tiempo. Entre sus obras de teatro están Justice (1910), The
Skin Game (1920) y Old English (1924).
Entre sus novelas también se destacan The Patrician (1911), The
Dark Flower (1913), The Freelands(1915)
y Saint's Progress (1919).
Sus relatos cortos fueron reunidos y publicados en 1927 bajo
el título de Caravan.
En 1967 la BBC realizó
y emitió una serie televisiva basada en la saga de los Forsyte que alcanzó una
enorme popularidad tanto en Gran Bretaña como en otros muchos países.
1933:
Nace Pete "El Conde"Rodríguez, cantante puertorriqueño de Salsa.
Pedro Juan Rodríguez Ferrer (Ponce, 31 de enero de 1933 - Bronx, 2 de diciembre de 2000)
fue un cantante puertorriqueño de Salsa.
Por su forma de interpretación del son, apegado a las raíces se le conoce «el
más cubano de los soneros boricuas».[cita requerida]
Fue el segundo de los tres
hijos procreados por Emiliano Rodríguez y Anatilde Ferrer Colón. Músico por
intuición, a la edad de diez años ya tocaba el bongó en el conjunto El
Gondolero dirigido por su padre. A los trece años, fue a vivir con su
familia al barrio latino de Nueva York y a los 17 años comenzó a trabajar en
una imprenta, empleo que mantuvo hasta que fue reclutado por el ejército
norteamericano para cumplir su servicio militar en el conflicto bélico de
Corea. Durante dicho período (1953-1956) fue paracaidista de la Fuerza Aérea Estadounidense.
A su regreso a New York, formó
parte del conjunto de Johnny Soler y poco después se unió a la Orquesta
Oriental Cubana, cuyo repertorio seguía la más genuina tradición sonera.
Más tarde se unió a la orquesta Jóvenes Estrellas de Cuba, dirigida
por el trompetista y cantante Roberto Rodríguez, quien más adelante sería pieza
clave de la Orquesta de Ray Barretto y la Fania All Stars. En esta agrupación cubrió el
periodo entre (1959-1961) y realizó sus primeras grabaciones.
Luego de un breve lapso en
la Orquesta Típica Novel del pianista Willie Ellis
(1961-1962), fue reclutado junto a Chirivico Dávila y Monguito "el único" para
remplazar a Rudy Calzado y Elliot Romero en la charanga de Johnny Pacheco. En su primera etapa grabó
temas como Suavito, Como Mango, Yo soy Guajiro, Alto Songo, Guachinango y Soy
del Monte.
A raíz de algunos conflictos
con Monguito dejó el grupo de Pacheco y se unió al Conjunto Sensación del
pianista Ray Roig (1964-1966). Pero cuando Monguito decidió pasar a las filas
de la Orquesta de Larry Harlow, se
reintegró a la charanga de Pacheco. El binomio Pacheco - Rodríguez bautizado
como La Perfecta Combinación y Los Compadres ha
sido uno de los más influyentes de la historia de la salsa.
El Conde hizo su última
grabación en 1999 junto a Tito Puente & Eddie Palmieri (master piece),
donde se aprecia el tema "marchando bien". el dúo con Cheo Feliciano
interpretando el tema Soneros de bailadores fue grabado en
1993 para el sello RMM y su agrupación de estrellas "LA COMBINACION
PERFECTA".
El Conde sufrió problemas
cardíacos por muchos años pero fue renuente a una cirugía de corazón abierto.
Pete “El Conde” Rodríguez falleció de un ataque al corazón el sábado 2 de
diciembre de 2000 y sus restos fueron llevados a su natal Puerto Rico. Le
sobrevivieron su esposa Francis, sus dos hijos Cita y Pedro Emilio y sus
nietos.
Kenzaburo Oe nace el 31 de enero de 1935 en
la localidad de Ose (en la actualidad es parte del Pueblo de Uchiko) de la prefectura de Ehime,
donde pasa su infancia y adolescencia hasta que, en 1954,
se traslada a Tokio para iniciar la carrera de
Filosofía y Letras. Finaliza su licenciatura cuatro años después,
especializándose en literatura europea.
En 1958 recibe
el Premio Akutagawa por
su novela "La Presa", en la que narra sus vivencias infantiles.
En 1963 nace
su hijo Hikari (luz), discapacitado por una hidrocefalia y con diagnóstico de autismo. Este acontecimiento se va a convertir
en el eje principal de su vida y de su obra. Sus títulos más importantes,
como Una cuestión personal, Dinos
cómo sobrevivir a nuestra locura o El grito silencioso girarán,
en mayor o menor medida, en torno al tema de su hijo, como también ¡Despertad,
oh jóvenes de la nueva era!.
Buena parte de su obra,
asimismo no se puede entender sin los efectos de la Segunda Guerra Mundial en
Japón y la modernización de este.
Emilio González del Castillo y López (* Madrid, 4 de abril de 1882 - 31 de enero de 1940) fue un poeta, comediógrafo y libretista de zarzuela y de revistas musicales.
Nacido en el seno de una familia de clase media, y educado en un ambiente de gran inquietud intelectual y artística, desde muy temprana edad se inclinó por la vocación literaria. Sus primeros poemas (inéditos), de temática metafísica, humorística o incidental, exhiben una profunda huella modernista, así como algunas de las características que marcarán toda su obra: el ingenio vivo, la fluidez del verso y una prodigiosa "vis cómica".
Siendo muy joven, ganó una plaza como Interventor de los Ferrocarriles del Estado, pero dedicó la mayor parte de su tiempo a su gran pasión: el teatro. Cultivó los géneros más variados: comedia, drama, melodrama, juguete cómico y género lírico. Se granjeó una sólida reputación en el oficio, siendo pronto considerado como uno de los mejores libretistas de Zarzuela y revista musical de su tiempo.
Aunque trabajó con casi todos los grandes compositores del momento, le unió una íntima amistad con el maestro Francisco Alonso, con quien estrenó más de quince títulos a partir de 1911. El primer gran éxito conjunto llegó con La Calesera, obra estrenada en el Teatro de la Zarzuela el 12 de diciembre de 1925; la pieza cobró rápidamente una popularidad enorme, especialmente el "Pasacalles de los Chisperos", hasta el punto de que en las representaciones se bajaba durante dicho número un telón con los versos escritos en grandes letras de imprenta, para que el público lo cantase a la vez que el coro. Ambos cosecharon un nuevo triunfo con La Picarona, Zarzuela de ambiente segoviano estrenada en el Teatro Eslava en 1929.
Los años treinta fueron especialmente productivos para Alonso y González del Castillo, comenzando por el estreno de la revista musical Las Leandras (1931). Algunos de sus números ("Los nardos", "El Pichi", "Las Viudas", etc) siguen figurando entre las creaciones más célebres del género. En la misma década vieron la luz La de los ojos en blanco, ¡Que se diga por la radio!, Mujeres de fuego, Las guapas, Las de Villadiego, Los Laureanos y La suerte negra; durante esos años, González del Castillo firmó casi todos sus libretos junto a José Muñoz Román, uno de sus más asiduos colaboradores.
Además de la música escénica, Alonso y González del Castillo compusieron la popular canción Maitechu mía, versionada en múltiples ocasiones. Alfredo Kraus, Plácido Domingo y "Mocedades" han sido sus más famosos intérpretes.
Otros compositores que pusieron música a sus libretos fueron Rafael Calleja (Fenisa la Comedianta y La reina del Albaicín); Tomás López Torregrosa (Las Bandoleras, Sol y Alegría); Vicente Lleó (La maja de los claveles); Jacinto Guerrero (Cómo se hace un hombre, Teodoro y Compañía, Los Bullangueros) y Pablo Luna (Sangre y arena, Sybill, Jack, Los calabreses, La joven Turquía, ¡Dios salve al Rey, El caballero del guante rojo). La lista de sus piezas líricas registra más de ochenta títulos.
Sin embargo, su obra más aclamada fue Katiuska, la mujer rusa, escrita en colaboración con Martí Alonso, con música de Pablo Sorozábal y estrenada en el Teatro Victoria de Barcelona el 27 de enero de 1931. La noche del estreno, según relata Sorozábal en sus memorias, fue más que accidentada, pues, tras un clamoroso éxito en el primer acto, el público acogió el segundo con suma frialdad, hasta el punto de que se temió que retirasen la pieza del cartel; para evitar el desastre, Sorozábal y González del Castillo tuvieron que rehacer el acto en una sola noche.
El maestro Sorozábal, al relatar la noche maratoniana, describe al veterano libretista con unas líneas llenas de admiración y gratitud: "Era un hombre de gran sensibilidad y un gran poeta. Todos los cantables y versos de la obra eran suyos. No sabía música, pero tenía una noción del ritmo asombrosa. En pocos libretistas he encontrado yo unas cualidades tan magistrales. (...)". Describe su respiración dificultosa y asmática, su infinita paciencia con las exigencias del músico, su artística caligrafía. Cuenta cómo, a eso de las cuatro de la mañana, encerrados ambos en la habitación de trabajo y tras haber agotado el termo de café, los versos empezaron a salirle "a borbotones", y escribió de un tirón el bellísimo diálogo final, en romance. Luego, se lo leyó al compositor, que lo abrazó emocionado.
La obra, tras su revisión, obtuvo un triunfo resonante, confirmado al año siguiente en Madrid, con Marcos Redondo y Conchita Panadés en los papeles protagónicos.
Emilio González del Castillo falleció prematuramente en Madrid, en 1940, dejando una abundante producción inédita y un gran número de bosquejos de comedias y revistas.
En la actualidad, sus obras siguen reponiéndose con frecuencia y, aunque su nombre sea escasamente recordado por el gran público, algunas de sus piezas ("El Pichi", "Los Nardos", "El Pasacalles de los Chisperos", "el Canto a Segovia"...)han adquirido tal celebridad que trascienden, con mucho, el círculo de los aficionados al género lírico, y son conocidas por gran parte de la comunidad hispanohablante.
"Maitechu mía"
https://www.youtube.com/watch?v=JPU2reag1Zg
1945: Nace
Jairo Alonso Vargas Prieto (Bucaramanga, Santander, 31 de enero de 1945-Bogotá, 31 de mayo de 2019) fue un periodista de la asociación colombiana de locutores, locutor, presentador de televisión colombiano. Fue unos de los primeros presentadores del Concurso Nacional de Belleza entre 1980 y 1992.2
Se interesó por hacer periodismo en la radiodifusión y en 1969 entró al programa Buenos días viejo sol en la cadena Radio Tequendama, con contenido caracterizado por presentar segmentos a la juventud y niñez. Se incorporó a RCN Radio, donde fue la voz comercial y dirigió noticias. Incursió en la televisión como voz de Teletigre y más tarde en RCN Televisión, cuando este era programadora. Asimismo dirigió el programa Noches de conciertos. Entre 1980 y 1992 animó el Concurso Nacional de Belleza con Gloria Valencia de Castaño, Fernando González Pacheco y Pilar Castaño.3
Fue la voz oficial de Jorge Barón Televisión desde 1996 hasta el 30 de abril de 2017 fecha en la que desaparece como programadora y que también, fue la voz oficial del noticiero Telepaís, dirigido por Jorge Barón presentando la sección de noticias.
Tras unos años de retiro en los medios, reapareció en 2004 hasta 2017.
En 2017 fue hospitalizado tras contraer una bacteria después de una intervención quirúrgica.4 El 31 de mayo de 2019 falleció a consecuencia del cáncer en la médula espinal en una clínica de Bogotá.5
Banks nació y se crio en Washington D. C. y asistió a la Universidad de Indiana Bloomington, pero finalmente abandonó sus estudios, aunque en abril de 2016 le fue otorgado el título de doctor honoris causa. Es hijo de Elena Adams, que estudió en dicha institución y fue profesora en la Indiana State University de Terre Haute.12 Está casado con Gennera González Cebian, una mujer oriunda de Priego, España, y a la que conoció en 1989 mientras rodaba For Better or For Worse, en Madrid, y con la que tiene dos hijas, Ruth y Rebecca, y un hijo.23
1950:
Muere Alfonso
Esparza Oteo, compositor
mexicano.
Alfonso Esparza Oteo nació
el 2 de agosto de 1894 en la ciudad de Aguascalientes, Aguascalientes. Fue el
segundo de los 10 hijos de los señores Luis R. Esparza y Concepción Oteo. Su
talento musical fue heredado de su padre, músico distinguido y reconocido por
su versatilidad —sabía tocar varios instrumentos— quien en la época en que nace
Alfonso se desempeñaba como director de bandas y de una escuela de música.
Desde temprana edad Alfonso
muestra su inclinación por actividades relacionadas con el arte como organizar
funciones de títeres y cantar. A los siete años aseguraba que había heredado de
su papá la afición por la música y tocaba el piano ante audiencias pequeñas que
lo aplaudían y motivaban.
Del señor Luis Esparza
recibe las primeras lecciones de solfeo y piano. Más adelante asiste a la
academia del presbítero Fermín Ramírez, en donde tiene la oportunidad de
instruirse con maestros como Juan María Cisneros, Arnulfo Miramontes y Manuel
M. Ponce, de quienes recibe clases de piano, órgano y canto, y composición,
respectivamente. Es el maestro Ponce a quien Alfonso reconoce como principal
apoyo en su formación musical.
En 1912 trabajó como
pianista en el Teatro Actualidades, en donde improvisaba temas para las
películas que ahí se exhibían y, al mismo tiempo, se desempeñaba como
organista.
En 1914 llegan a
Aguascalientes los efectos de la Revolución Mexicana y Alfonso, partidario de
dichos ideales, se enlista en las filas del general Francisco Villa; tras dos
años de campaña es distinguido con el grado de Mayor.
Una vez calmados los ánimos,
en 1917 Alfonso Esparza Oteo regresa a la vida artística con su primera obra
musical, el foxtrot Plenitud, escrita en la Escuela de Artes y Oficios de
Aguascalientes. Dos años después viaja a la Ciudad de México en busca del
triunfo que le permitiera, además de alcanzar sus metas, apoyar a sus padres;
su único equipaje eran sus composiciones, una mente plena de inspiración y un
ánimo avasallador.
Ya en la capital del país se
instala en una casa de huéspedes y decide buscar oportunidades, consiguiendo
así un empleo en Casa Wagner, una de las más reconocidas de la época en la que,
poco tiempo después, es distinguido por su capacidad, sentido de
responsabilidad y don de gente.
Como en aquellos días no
había radio ni sinfonolas, sus amigos y él se valían de medios ingeniosos para
difundir su trabajo; publica por cuenta propia las partituras de sus
composiciones. Entregaba personalmente sus obras a los distribuidores del
interior de la República, concediéndoles el 33 por ciento de comisión y
obteniendo buenos resultados económicos.
Como inicio de este
proyecto, en 1919 imprime y lanza a la venta Plenitud, más
adelante Flores de tentación,Stambul, La indita
bonita y Vals galante, entre otras. En 1920 estrena en el Teatro
Lírico su obra de mayor proyección internacional: Un viejo amor, en
coautoría con el Güero Adolfo Fernández.
A finales de ese año viaja a
su tierra natal, Aguascalientes, por el triste fallecimiento de su padre. Poco
después regresa a la Ciudad de México, ahora con la responsabilidad económica
de su madre y hermanos.
En la época del gobierno del
general Álvaro Obregón (1920-1924), Alfonso Esparza Oteo se convierte en el
compositor de moda en nuestro país, gracias a ello conoce al entonces
Presidente de la República quien lo nombra Director de la Orquesta Típica
Presidencial, disuelta posteriormente por Plutarco Elías Calles.
Por tal motivo, Alfonso
forma una nueva agrupación que lleva su nombre y con la que emprende una serie
de giras artísticas por toda la República, presentándose como compositor y
pianista. En una de sus actuaciones en Acámbaro, Guanajuato (1925), conoce a
Blanca Torres Portillo, con quien contrae nupcias un año después.
El 17 de julio de 1928, en
atención a la invitación de Álvaro Obregón, asiste al restaurante La Bombilla
con la antigua Orquesta Típica para amenizar una comida en honor al presidente
electo. Mientras interpretabanLimoncito se
acerca a la mesa del general el caricaturista José de León Toral; inmediatamente
después se escuchan varios disparos y Obregón cae sin vida sobre la mesa.
De los cargos que desempeñó
el maestro Esparza Oteo destacan los de director artístico de la Casa Wagner y
de la radiodifusora XEB —en su época de oro—, director de la Southern Music
Co., jefe del Departamento de Recopilación de Música Folklórica de la
Secretaría de Educación Pública y director de Notables Programas de la XEW.
Asimismo, formó parte del
cuarteto Los Ases de la Canción junto con los maestros Ignacio Fernández EsperónTata
Nacho, Mario Talavera y Miguel Lerdo de Tejada, quien desafortunadamente
fallece y por lo que el grupo toma el nuevo nombre de Trío Veneno.
Alfonso Esparza Oteo estaba
consciente de la problemática y las necesidades de los compositores mexicanos
de esa época y anhelaba mejorar su situación económica; se rehusaba a vender
los derechos de sus obras, iniciando así un cambio importante. Así, después de
convocar a diversos autores y vencer incontables obstáculos, fundan el
Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM),
ubicado en República de El Salvador número 31, en el Centro Histórico de la
Ciudad de México.
Como primer secretario
general del SMACEM Esparza Oteo trabajó con dedicación por la causa y sin
escatimar esfuerzos, dejando a un lado su empleo, contratos personales y hasta
sus composiciones. Poco tiempo después fue fundada la Sociedad de Autores y
Compositores de México, institución de la que fue primer presidente del Consejo
Directivo.
El maestro Alfonso retoma su
actividad como compositor, sus presentaciones, sus conciertos, los programas en
la XEW y produce Así es mi tierra, proyecto al que imprime su personalidad
y por el que recibe la Medalla al Mérito como reconocimiento a su labor en
favor de la música mexicana.
Entre sus canciones más
populares están Un viejo amor (en coautoría con Adolfo
Fernández), La Rondalla, Dime que sí (con letra de Alfonso
Espriú), Te he de querer, Albur de amor, Déjame llorar, No
vuelvo a amar, El quelite, Mi gusto es y Por esa calle
vive (Su mamá tuvo la culpa), entre muchas otras.
Alfonso Esparza Oteo
falleció el martes 31 de enero de 1950 cuando ponía en marcha su automóvil para
dirigirse a un homenaje que le rendiría la Casa Madero. Su nombre ha sido
inmortalizado en numerosas calles de las principales ciudades de la República
Mexicana, en bustos y estatuas de bronce, en un parque de la Colonia Nápoles
del Distrito Federal y, principalmente, a través de su obra, patrimonio de la
cultura popular mexicana.
En 2009 la Sociedad de Autores
y Compositores de México lo galardona con el Reconocimiento Póstumo Juventino
Rosas, una presea post mortem instituida para honrar a los autores mexicanos
cuya obra ha trascendido las fronteras lingüísticas y culturales para gloria de
México en el mundo, permaneciendo vigente hasta nuestros días.
Por su parte, el Ferial
Aguascalientes 2011, máximo evento cultural de la tradicional Feria de San
Marcos, estuvo dedicado al maestro Esparza Oteo con más de 25 presentaciones,
incluida una en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México.
https://www.youtube.com/watch?v=6ZR3raOrpXQ
https://www.youtube.com/watch?v=K81vpzbYXts
https://www.youtube.com/watch?v=k9l98fXZNr4
1951:
Nace
Harry Wayne "K.C." Casey (Opa Locka, Miami; 31 de enero de 1951) es un solista, pianista, cantautor y productor estadounidense, conocido en todo el mundo por ser el vocalista, tecladista y fundador de la banda KC & The Sunshine Band -KC por su apellido Casey- Es de ascendencia irlandesa por parte de padre e italiana por parte de madre.
Harry Wayne Casey y su banda triunfaron en todo el mundo en la década de los años 70 gracias a sus pegadizos y bailables temas.
Ha producido muchos éxitos para otros artistas.
A principios de los años ochenta, como resultado de la creciente popularidad de New Wave y el Synthpop, Casey disolvió KC and The Sunshine Band y grabó varios discos como solista.
En enero de 1982, sobrevivió a un grave accidente de coche - el coche que conducía fue impactado de frente - Sufrió parálisis y tuvo que volver a aprender a caminar, bailar y tocar el piano. Al final del año estaba de vuelta en el estudio de grabación. "Give It Up", fue lanzado como un éxito en solitario y lo disparó al número uno en el Reino Unido y fue ascendió hasta el Top 20 en los Estados Unidos (1984).
En 1985 decide retirarse del negocio de la música.
A mediados de la década de 1990, debido al renovado interés por la música y la moda de la década de 1970, Casey refunda the Sunshine Band. Hace unas 200 conciertos al año en todo Estados Unidos, Canadá y el Caribe. También hace giras por Inglaterra, Italia, Australia y América del Sur.
Hoy Casey continúa produciendo a otros artistas y se dedica a obras benéficas en su adorada ciudad natal, Miami.
Armstrong inventó la radio
en Frecuencia
modulada (FM). También inventó el circuito regenerativo (mientras
que era un joven estudiante en la Universidad de Columbia, y patentado en 1914),
el circuito Súper-regenerativo (patentado en 1922),
y el receptor superheterodino (patentado
en 1918).1
Muchas de las invenciones de
Armstrong fueron reclamadas por otros en última instancia en pleitos de
patente. La vida de Armstrong es tanto una historia sobre los grandes inventos
que él realizó como una tragedia acerca de los derechos reclamados por otros
sobre esos mismos inventos.2
En particular, el circuito
regenerador, que Armstrong patentó en 1914 fue
posteriormente patentado por Lee De Foresten 1916.
De Forest vendió entonces los derechos de su patente a AT&T. Entre 1922 y 1934, Armstrong se
encontró envuelto en una guerra por las patentes, entre él, RCA,
y Westinghouse por un lado, y De Forest y AT&T en el otro. Este pleito de
patentes fue el litigio más largo hasta la fecha, 12 años. Armstrong ganó el
primer "round" del pleito, perdió el segundo, y quedó "en
tablas" en un tercero.
El Tribunal Supremo de los Estados Unidos, concedió a De Forest la
patente de la regeneración en lo que hoy se cree que fue un malentendido de los
hechos técnicos por el Tribunal Supremo.
Incluso mientras que el pleito
del circuito de regeneración continuaba, Armstrong creó otra invención significativa:
la modulación de la frecuencia (FM), que fue patentada en 1933.
En vez de variar la amplitud de una onda de radio para crear un sonido, el
método de Armstrong variaba la frecuencia de la onda portadora.1
Los receptores de radio de FM
demostraron generar un sonido mucho más claro y libre de parásitos atmosféricos
que los de amplitud modulada (AM), dominante de la radio en ese momento.
Para probar la utilidad de la
tecnología de FM, Armstrong movió influencias con éxito ante la Comisión
Federal de Comunicaciones (FCC) para crear una banda de radio
en FM, entre 42 y 49 MHz.
A principios de los años 40,
poco antes del comienzo de la Segunda Guerra
Mundial, Armstrong entonces ayudó a poner en marcha un número
pequeño de potentes estaciones de radio en FM en los estados de Nueva
Inglaterra, conocido como la red Yankee. Armstrong había comenzado un camino
para convencer a los Estados Unidos de que la radio en FM era superior a la de
AM y esperaba recoger derechos de patente por cada radio con tecnología FM
vendida.
Alrededor de junio de 1945,
la Corporación de Radio de América, (RCA) había presionado fuerte a
la FCC sobre la asignación de las frecuencias para la nueva industria de la
televisión. Aunque ellos negaron malas artes, David Sarnoffy RCA maniobraron para conseguir
que la FCC moviera el espectro de radio FM desde la banda de 42 a 49 MHz, a la
de 88 a 108 MHz, mientras que conseguían que los nuevos canales de televisión
fueran asignados en el rango de los 40 MHz.
Consecuentemente, esto dejó a
todos los sistemas FM de la era de Armstrong sin uso, mientras que protegía el
amplio mercado de radio en AM de RCA.
La red de radio de Armstrong no sobrevivió al cambio de frecuencia a la banda
las altas frecuencias; la mayoría de los expertos creen que la tecnología de FM
fue retrasada décadas por la decisión de la FCC.
Además, RCA reclamó y consiguió
su propia patente en tecnología FM, y ganó, en última instancia, el pleito por
la patente que subsistía entre ellos y Edwin Armstrong, dejando a Armstrong sin
capacidad para demandar derechos por las radios de FM vendidas en los Estados
Unidos. El constante debilitamiento de la Yankee
Network (Red Yankee) y la lucha por las patentes que lo dejaron
sin un centavo destruyeron a Armstrong emocionalmente.
En este estado, Armstrong se
suicidó el 31 de enero de 1954 saltando
por la ventana de su apartamento, en el piso 13, deprimido por lo que él vio
como el fracaso de su invención de la radio en FM. En su nota de suicidio decía
a su esposa: "Que Dios te ayude y tenga piedad de mi alma".2
Su segunda esposa y viuda
Marion continuó la lucha por la patente contra RCA, y finalmente la obtuvo
en 1967. Después de la muerte de Armstrong
transcurrieron décadas para que la radio FM se igualara y sobrepasara la
saturación de la AM, y todavía le falta para hacerse lo suficientemente
económica para sus radiodifusores. Edwin Armstrong fue definitivamente el
creador de la tecnología FM y por esa razón no debe ser olvidado. Por ello fue
póstumamente elegido para figurar en la lista de los "grandes" de la
electricidad junto a figuras tales como Alexander Graham Bell, Nikola Tesla, Marconi y Michael Pupin, por la Unión
Internacional de Telecomunicaciones(UIT) en Ginebra.
Escritor de cuentos infantiles,
Milne escribió varias obras de teatro de fantasía que fueron famosas durante
los años veinte y
parte de los treinta, cuando la
gente empezó a conocerle como escritor infantil. Aunque no se inició como tal,
ya que escribió varias novelas de su época y una policíaca en 1922.
Intentó abarcar el teatro con
una obra basada en el libro de "El viento en los sauces" de Kenneth Grahame, pero se decantó por el estilo
que le marcaría como un gran maestro: poesías y relatos.
Fue por querer escribir cuentos
para su hijo Christopher (1920-1996),
cuando en 1926 nació un oso llamado Winnie the Pooh. Era un osito de trapo que
tenía su hijo y, utilizando ese oso de peluche como protagonista, le contaba a
su hijo Christopher cuentos sobre el maravilloso mundo de fantasía de Pooh y
sus amigos. Después de cautivar la atención de todo el mundo, Winnie de Pooh y
sus amigos Kanga y Roo, Eeyore el burro, el travieso Tigger, Rabbit y Owl y el
compañero inseparable cerdito Piglet fueron llevados al cine de la mano
de Walt Disney.
LaPaglia nació en Adelaida, Australia, hijo de Maria Johannes Brendel, una
secretaria, y Gedio "Eddie" LaPaglia, un mecánico y vendedor de automóviles.12 Su madre era neerlandesa y su padre italiano, inmigró desde Bovalino, Calabria, a los 18 años de edad.2 Su hermano menor, Jonathan LaPaglia, también es actor, y su
hermano mayor, Michael, es vendedor mayorista de autos en Los Angeles. LaPaglia
asistió al Rostrevor College en Adelaida.
LaPaglia comenzó a formarse
como actor durante los últimos años de su adolescencia, cuando se unió a un
curso de actuación de una agencia de casting (SA Castings) en Adelaida. Después
de completar un año y medio (el curso duraba dos años y medio con tres meses
suplementarios), LaPaglia dejó Adelaida para viajar a Los Ángeles.
Durante los años 1997 y '98,
LaPaglia participó de la producción de Broadway de Panorama desde el
puente de Arthur Miller, y recibió el premio Tony por su papel de Eddie
Carbone, el protagonista. Antes de que se estrenada la obra, LaPaglia recibió
el guion para el piloto de la serie Los Soprano y se reunió con su
creador, David Chase, para
hablar sobre el papel protagónico, Tony Soprano. Sin embargo, varios factores,
incluido su rol en Broadway, impidieron que LaPaglia consiguiese el papel.
"Lo de Los Soprano no funcionó... y sí funcionó
perfectamente, porque la persona indicada terminó en el papel. No puedes
imaginar esa serie sin James Gandolfini", declaró LaPaglia. Más
tarde, en 2002, La Paglia haría un cameo como un actor al estilo Los
Soprano en una serie dentro de la película Analyze That.
1967:
Nace Chad
Channing, baterista estadounidense, de la banda Nirvana.
En su infancia sus padres
cambiaban constantemente de hogar, pues su padre era un DJ de radio,
frecuentemente redirigido a diferentes ciudades, finalmente se instalaron
en Bainbridge Island,
Washington. Tras un intento por dedicarse al fútbol, Chad se decidió finalmente
por la música, empezando a tocar la guitarra y la batería. Comenzó trabajando
de chef en un restaurante de mariscos (en inglés "seafood", de ahí el
nombre de la canción de Incesticide "Mexican Seafood"). Channing
acudió a un concierto en Malfunkshun una tarde de 1988,
donde conoció a Kurt Cobain y
a Krist Novoselic.
Por aquel entonces Chad tocaba en un grupo llamado Tic-Dolly-Row, (formado por
componentes del futuro grupo de grunge Soundgarden) pero pronto accedió a unirse a
Cobain y a Novoselic en Nirvana. Con Nirvana colaboró en el álbum Bleach y en "Polly"
de Nevermind a la batería.
Justin Randall Timberlake (Memphis; 31 de enero de 1981) es un cantante, compositor, productor discográfico, actor, bailarín y empresarioestadounidense. Criado en la comunidad de Shelby Forest, ubicada entre Memphis y Millington, comenzó su carrera como cantante en los programas de televisión Star Search y Mickey Mouse Club. A finales de los años 1990 adquirió fama internacional al pertenecer a la boy band'N Sync, cuyos dos primeros álbumes fueron certificados con disco de diamante tras vender más de 10 millones de copias solo en los Estados Unidos, además de haber alcanzado la cima de numerosos listados alrededor del mundo.12
Tras anunciar que 'N Sync se separaría temporalmente, Timberlake comenzó una carrera como solista con la publicación de Justified (2002), que incluyó los temas «Cry Me a River» y «Rock Your Body», que alcanzaron un puesto entre los cinco primeros del Billboard Hot 100.1 El álbum obtuvo reseñas positivas por parte de los críticos y fue certificado multiplatino en Norteamérica y varios países de Europa.3 Años después, lanzó su segundo álbum FutureSex/LoveSounds (2006), que fue elogiado por la crítica y estuvo caracterizado por su diversidad de géneros musicales. Llegó al número uno del Billboard 200 y en las listas de otros países, además de contener los éxitos «SexyBack», «My Love» y «What Goes Around... Comes Around», que alcanzaron el primer lugar del Billboard Hot 100.41 Tras ello, anunció un hiato musical para dedicarse a la actuación, donde participó en películas taquilleras como Shrek tercero (2007), The social network (2010), Bad Teacher (2011), Friends with Benefits (2011) e In Time (2011).5
En 2013, regresó a la música con el lanzamiento de The 20/20 Experience y su secuela The 20/20 Experience (2 of 2), ambos número uno en el Billboard 200 y certificados de platino.3 El primero se convirtió en el álbum más vendido de 2013 en Estados Unidos e incluyó los éxitos «Suit & Tie» y «Mirrors», mientras que del segundo se desprendió «Not a Bad Thing». Los tres sencillos entraron a los diez primeros puestos en el Billboard Hot 100 y en otros listados del mundo.41 Para promocionarlos, se embarcó en su The 20/20 Experience World Tour, que fue la segunda gira más exitosa de 2014 tras recaudar 231.6 millones de dólares.6 En 2016 lanzó «Can't Stop the Feeling!» como sencillo de la banda sonora de Trolls, en la que le dio voz al personaje principal; la canción llegó al primer puesto de numerosos conteos musicales alrededor del mundo, entre estos el Billboard Hot 100.17 Su quinto álbum, Man of the Woods (2018), también llegó al número uno en el Billboard 200 e incluyó los sencillos «Filthy» y «Say Something», que alcanzaron los diez primeros puestos en el Billboard Hot 100. Fue promocionado con una actuación en el Super Bowl LII y la gira Man of the Woods Tour, que recaudó 226.3 millones de dólares.8
Desde su victoria en el festival se ha convertido en la cantante más exitosa de Grecia, entrando también en las lista de éxitos de numerosos países europeos, especialmente en Chipre y Suecia gracias a temas como Opa Opa (con Antique), Mambo, Heores o Survivor, con la que compitió en el Melodifestivalen en 2014.
https://www.youtube.com/watch?v=rcOwvZ26KFQ
1987:
Nace Tyler Hubbard,
Tyler Reed Hubbard (nacido el 31 de enero de 1987) es un cantautor y músico estadounidense, mejor conocido como ex miembro del dúo Florida Georgia Line con sede en Nashville . [1] Después de que ese dúo hizo una pausa en 2021, Hubbard comenzó a grabar como solista en EMI Nashville . Su primera entrada en las listas como solista fue como vocalista invitado en " Undivided " de Tim McGraw , seguido de su primer sencillo en solitario " 5 Foot 9 ", que encabezó las listas Billboard Country Airplay en 2022.
https://www.youtube.com/watch?v=RK9rT1ck90E
1988
Primera emisión de la
serie " The Wonder Years", Los Años
maravillosos.
Estuvo seis temporadas en
antena, en la cadena estadounidense de
televisión ABC,
de 1988 a 1993.
TV Guide nombró al programa como uno de los 20 mejores de la década de 1980.
Después de sólo seis episodios emitidos, ganó un Emmy por mejor serie de comedia
en 1988. Además, a los 13 años, Fred Savage se convirtió en el actor más
joven jamás nominado como Mejor Actor Principal en una Serie de Comedia. La
serie también fue galardonada con un premio Peabody en 1989. En total, la serie
ganó 22 premios y fue nominada para 54 más.
The Wonder Years presentaba
algunos de los problemas sociales y acontecimientos históricos de 1968 a 1973,
vistos a través del personaje principal, Kevin "Kev" Arnold, quien
también afrontaba conflictos sociales de adolescentes (principalmente con su
mejor amigo Paul, y Winnie Cooper, de quien estaba enamorado) problemas
familiares y otros temas.
Mientras las historias se
desarrollaban, la serie era narrada por un Kevin adulto (cuya voz es la
de Daniel Stern en
la versión original, la de Mario Castañeda en
el doblaje al español americano y la de Armando Carreras en español europeo)
que describía lo que iba pasando y lo que había aprendido de sus experiencias.
En Hispanoamérica se televisó a principios de los noventa.234
Nació el 18 de Marzo de
1908, en Guadalajara, Jalisco. Hijo de Rosalío Ruiz y Aurelia Galindo de Ruiz.
Radicó en Guadalajara hasta 1930 y posteriormente en la ciudad de México.
Realizó estudios musicales en Guadalajara y más adelante estudió dos años en la
Facultad de Medicina. En 1930, ganó una beca para estudiar en el Conservatorio
Nacional de Música. Cuatro años después se presentó en el teatro Abreu, con la
Sinfónica Nacional, bajo la dirección del Mtro. Carlos Chávez.
Sus primeras obras fueron las canciones Inútil y Reto, ambas en coautoría con
Ricardo López Méndez.
Los temas que le brindaron las mayores satisfacciones son Amor,
Desesperadamente y Mar, que también realizó en coautoría con Ricardo López
Méndez; Usted y Perdóname mi vida, con José Antonio Zorrilla Monís; Despierta,
en mancuerna con Gabriel Luna de la Fuente; Soberbia, en coautoría con Rodolfo
Sandoval; Mazatlán, La Parranda, y La Cita, principalmente porque son las que
lograron mayor internacionalización y gusto del público hasta la fecha.
También realizó obras en coautoría con Mario Molina Montes, Rodolfo Chamaco
Sandoval, Teddy Fregoso y Elías Nandino, entre otros.
De los reconocimientos que le hicieron por su obra y su brillante trayectoria
destacan la Medalla José Clemente Orozco, otorgada por el Congreso del Estado
de Jalisco, cuando Agustín Yáñez era Gobernador, en 1956.
En 1978, una calle del Puerto de Mazatlán recibió su nombre. El H. Ayuntamiento
del Puerto le entregó las llaves de la cuidad y lo nombraron Hijo Predilecto de
Mazatlán, por sus melodías Mazatlán y Noches de Mazatlán (ésta última en coautoría
con Gabriel Luna de la Fuente).
En 1962 fue nombrado Delegado Internacional para la Conferencia de Roma,
Italia, de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y
Compositores (CISAC), en representación de la Sociedad de Autores y Compositores
de Música (SACM).
En 1967 recibió tres diplomas y medallas de oro, de la Broadcast Music Inc.
(BMI), de Nueva York, otra en el teatro de las Bellas Artes, por haber llegado
al millón de ejecuciones de las canciones Amor, Mar y La Parranda.
En 1980 fue merecedor del premio Jalisco, que se convirtió en una de sus
mayores satisfacciones, ya que le fue otorgado precisamente por el gran número
de reconocimientos que recibió a través de su muy brillante trayectoria y su
aportación al patrimonio artístico de México.
En un gran homenaje en el Teatro Degollado, recibió una presea que le entregó
personalmente el Gobernador Flavio Romero de Velasco.
En esa misma oportunidad fue nombrado El melodista de América. Fue para él un
homenaje inolvidable en el que un elenco multiestelar interpretó sus canciones.
Y otro de los galardones más relevantes a los que el Mtro. Gabriel Ruiz se hizo
acreedor, fue el Premio Nacional de Ciencias y Artes 1989, en el campo de Artes
y Tradiciones Populares, que es el reconocimiento más importante que otorga el
gobierno mexicano para enaltecer a aquellas personas cuyas destacadas
aportaciones contribuyen al desarrollo nacional. En esa ocasión, el Mtro. Ruiz
lo recibió de manos del Presidente de la República, Carlos Salinas de Gortari,
junto al Mtro. Manuel Esperón y la Mtra. Consuelito Velázquez, quienes asimismo
fueron honrados con este importante premio.
A manera de anécdota, narraba que en su juventud, en pleno ascenso de su
popularidad, en una Feria del Libro, vio al Maestro Carlos Chávez; Gabriel
trató de que no lo viera, pero el director se acercó preguntándole por qué se
escondía. Gabriel Ruiz contestó que le apenaba haber dejado la música seria por
la romántica popular, a lo que el Maestro Chávez le respondió que había escuchado
algunas de sus canciones y las consideraba muy bonitas y musicales,
asegurándole que iba por buen camino.
Pensaba que las canciones deben ser aceptadas por el público, lo que no es
fácil, pero una vez que se logra, la música popular se convierte en un
extraordinario reflejo de creatividad, sensibilidad y arte, donde es igual de
válido el éxito y muy meritorio el triunfo.
El Mtro. Gabriel Ruiz formó parte del grupo de compositores que fundaron la
Sociedad de Autores y Compositores de México que luchaba por la unión del
gremio y la defensa de los derechos autorales.
Gabriel Ruiz Galindo falleció el 31 de enero de 1999.
https://www.youtube.com/watch?v=yaDa2RP_vCg
https://www.youtube.com/watch?v=FNHOfXHd97A
1999
Primera emisión de la serie
de tv Family Guy, "Padre
de familia".
Family Guy (conocida
en español como Padre de familia) es una serie de televisión animada
estadounidense para adolescentes y adultos creada por el director, guionista y
cantante Seth MacFarlane en
1999. La serie se centra en los Griffin, una familia disfuncional cuyos
componentes son: los padres Peter y Lois; sus hijos Meg, Chris, y Stewie; y su perro antropomorfoBrian. La serie está situada en la ciudad
ficticia de Quahog, Rhode Island. La clasificación varía en TV PG
y TV 14.
La serie fue creada por
MacFarlane tras haber hecho dos cortometrajes The Life of Larry y Larry & Steve. MacFarlane rediseñó los
protagonistas de los cortos hechos por él; Larry y su perro Steve, llamándolos
Peter y Brian, respectivamente. MacFarlane entregó un piloto de 15 minutos a la
FOX que lo emitió el 20 de diciembre de 1998. Después de la emisión del piloto
la serie recibió luz verde y comenzó su producción. Poco después de terminar la
tercera temporada de Padre de familia en 2001, FOX canceló la
serie, pero debido a la demanda del público y el incremento de las ventas de
los DVD1 más las reposiciones en Adult Swim, la serie volvió en 2004
convenciendo a la cadena de que reemitieran la serie.
https://www.youtube.com/watch?v=fX-jDoqxKAA
2004: Muere José Pepito Maduro, compositor e integrante del "Trío Vegabajeño".
A Pepito Maduro se le recuerda y se le reconoce no sólo por haber sido uno de los pilares de Fernandito Álvarez y su Trío Vegabajeño – calificado como nuestro Trío Nacional – durante su época esplendorosa (1945-1967), sino también como uno de los más finos melodistas románticos puertorriqueños del Siglo 20. También, como un extraordinario vocalista, a quien cierta noche de 1956 – luego de haber sostenido junto a sus compañeros un “mano a mano” con el Trío Los Panchos en el Teatro Matienzo – el virtuoso requintista de este grupo mexicano, Alfredo «El Güero» Gil, le expresara admirado: “¡muchacho, tú sabes segunda voz para enseñarle a nosotros!”.
Por la línea paterna, este gran músico provenía de una familia de misioneros protestantes holandeses. Su abuelo fue predicador en Palestina y su padre, el reverendo Julio Maduro Godet, llegó a Puerto Rico en 1897 también como evangelizador, estableciéndose en el municipio oriental de Humacao. Como era muy buen organista y poseía amplios conocimientos musicales, llegó a dirigir la Banda de este pueblo. Hacia 1903 se casó con la joven junqueña Florentina Rivera Sanabria. Más tarde, don Julio se dedicó al oficio de contable, el cual ejerció para las empresas Rocafort, Bustelo y Roig. La infancia de Pepito transcurrió en la barriada Pueblo Nuevo Otero, de Humacao. Contaba nueve años cuando su progenitor lo matriculó en la academia dirigida por el insigne maestro Juan Peña Reyes. Éste le enseñó lo básico en la lectura del pentagrama y lo inició en el estudio formal de la guitarra. Para entonces, ya cantaba, haciéndole segunda voz a su tío materno, Cecilio Rivera, a quien se le promocionaba en su región natal como «El Gran Cantor de Juncos».
Desafortunadamente, en 1921, poco después de que llegara a la adolescencia, nuestro biografiado quedó huérfano de padre. Entonces, su madre y él quedaron en el desamparo económico. Luego de padecer grandes penurias, ambos se trasladaron, a pie, hasta Santurce. Primero se radicaron en la barriada Trastalleres, Y, mientras doña Florentina se dedicó al oficio de planchadora, Pepito – que, a la sazón, contaba 15 años – comenzó a trabajar como obrero de la construcción. Más adelante, fue empleado de un taller de recauchamiento de gomas en Puerta de Tierra, a donde se mudó con su progenitora. Después laboró en la marmolería de los hermanos José y Víctor Cott, especializada en la fabricación de lápidas. Durante aquellas fechas, en la Ferretería Millón del Viejo San Juan, compró una guitarra española marca Telesforo Julbe – por la cual pagó $4.50 – y un ejemplar del Método de Guitarra Ríos con el cual reanudó su aprendizaje del instrumento. Ya cercana la década de 1930 se hizo plomero.
Mientras tanto, en 1927 emprendió su trayectoria artística formando dueto con el catañés Santiago «Chago» Miranda. Ambos imitaban al Trío Borinquen, de Rafael Hernández, cuyo repertorio interpretaban. Luego (1928-1929), al tiempo que ejercía su oficio de plomero a domicilio, formó otro dúo con Federico Aybar. Junto a éste debutó en la radio, específicamente en WKAQ. En 1929 se incorporó al Cuarteto San Luis, del guitarrista José «Diplomacia» Díaz, en calidad de tercera voz y guitarra acompañante. Esta formación era completada por Luis Seccolo (voz prima); Blas Hernández – padre del que llegaría a ser famoso bolerista, del mismo nombre – (segunda voz). Con este grupo, cuya vigencia resultó efímera, actuó en programas radiales y en festejos sociales celebrados en salones del Condado y Miramar. En 1930 integró el Cuarteto Estrellas Boricuas, de Johnny Rodríguez, cuya plantilla original completaron Miguel Ángel Torres – más adelante reemplazado por Chencho Moraza – (segunda voz); Pellín Boria (segunda guitarra) y Fernando Pizarro (bongosero).
En 1932 se unió al Grupo Puerta de Tierra, dirigido por el clarinetista y saxofonista José «Jossie» Henríquez. Ejercía las funciones de primera voz y acompañante, formando dueto con Ramón «Moncho» Vías. Con esta formación grabó por primera vez el 16 de septiembre de 1932. Fueron tres composiciones originales de Vías: los boleros “Ausencia” y “Lejos de ti” y la criolla “En mi canoa”, editadas por la etiqueta Brunswick.
En 1934, junto a Avilés (primera voz) y Libertad Alfaro (guitarrista acompañante) completó el Los Gauchos, cuyo repertorio se nutría de tangos, milongas y valses argentinos. Entonces hacía la segunda voz y ejecutaba la primera guitarra. Además de recorrer todo el país presentándose en teatros, fue atracción fija del programa “La Correspondencia”, que Rafael Quiñones Vidal mantenía en WKAQ. Crónicas de la época dan fe que este grupo llegó a ser elogiado por el propio Carlos Gardel. Incluso, éste quiso tenerlo como telonero del espectáculo que presentaría en el Teatro Paramount el 3 de abril de 1935. Su deseo no se materializó debido a la oposición de Alfredo Lepera, el más cercano colaborador del mítico «Zorzal Criollo». Luego de la desintegración de aquella trilogía en 1937, se empleó como carpintero en la compañía de vapores Bull Lines, que tenía como sede el muelle de Puerta de Tierra. Permanecería ocho años alejado de las lides artísticas.
En 1945, el locutor Mariano Artau fue a buscarlo para convencerlo de que dejara su trabajo permanente en aquella empresa y se uniera a Fernandito Álvarez y su Trío Vegabajeño como sustituto de Octavio «El Colorao» González (segunda voz y acompañante), quien había sido reclutado por el Ejército. A partir de 1952, con la incorporación a este trío del requintista Jorge Hernández, pasó de ser la segunda guitarra a ejercer la función de acompañante. Por otro lado, es importante recalcar el dato de que, hasta aquellas fechas, fue el principal compositor del grupo, habiendo aportado a su repertorio, entre muchas selecciones más, las tituladas “Lucerito de plata” (RCA Victor, 1946); “Luto en el alma” (Seeco, 1949); “Negra visión” (Verne, 1950) y, editadas bajo la etiqueta Mar-Vela, las siempre recordadas “Fatal desilusión” (1952); “Ave sin rumbo” y “Triste camino”, rancheras (1953); “Cosas de ayer”, vals (1954); “Corazoncito de papel” y “No la celes de mí” (1955). Claro: ninguna generó tanto impacto como “Lindo querubín”, un jitazo de 1957. Después, tal mérito recayó en su compañero Benito De Jesús, segunda guitarra y tercera voz. A lo largo de su pasantía de 22 años por el Trío Vegabajeño de Fernandito Álvarez se presentó en los más exclusivos escenarios de Puerto Rico y plazas hispanas del este norteamericano. También desarrolló una valiosa discografía que confirma a cabalidad sus quilates como autor musical y su calidad como segunda voz.
A raíz de la desintegración del grupo original en 1967, Pepito Maduro – ya con 59 años de edad – intentó proseguir su carrera musical formando parte del Cuarteto Borinquen, encabezado por el legendario Pedro Ortiz Dávila «Davilita» en la primera voz, con Nito Rivera en la primera guitarra y Miguelito Carrillo en la trompeta. Con estos compañeros llegó a grabar cuatro canciones: dos originales de Davilita y dos de sus autoría: “Hoy es tu día” y “Madre mía”. Desafortunadamente, tales registros no se editaron. Tras la pronta desaparición de dicho colectivo, se vio forzado a emplearse en otro menester ajeno a la música. Consiguió empleo como guardia de seguridad en Telemundo / Canal 2, empresa que tantas veces visitó en calidad de artista estelar. Allí laboró hasta 1981 cuando un infarto cardíaco lo obligó al retiro definitivo. Irónicamente, a pesar de que desde entonces padeció constantes quebrantos de salud e, incluso, estrecheces económicas, fallecería casi centenario – faltándole cuatro meses para cumplir 96 años – en el Centro de Envejecientes La Margarita, en Fajardo.
Además de las melodías que estrenó como miembro del Trío Vegabajeño, es preciso destacar otras de sus obras que, en determinadas etapas, recibieron intensa difusión a nivel internacional. : Por ejemplo, el tango “Cita en la iglesia”, cuyo título original fue “Agua bendita”, fue estrenado por el argentino Roberto Quiroga bajo la etiqueta Odeón en 1942. Dos décadas más tarde, esta misma pieza recobró vigencia en voz del boricua Blas Hernández, quien la incluyó en el álbum de igual título (ALP-1267), editado por el sello neoyorquino Ansonia en 1961. En 1953, Felipe Rodríguez «La Voz» le estrenó, frente a su Trío Los Antares y bajo el sello Mar-Vela, el bolero “La canción de mis recuerdos”, que nunca ha perdido vigencia. Durante las mismas fechas, otro compatriota, Tommy Figueroa, se anotó uno de los máximos jitazos de su carrera con el ya conocido bolero “Lindo querubín” – que dedicó a Gladys, la esposa de su compañero Jorge Hernández – mismo que aparece en su álbum “Sonámbulo” (Mar-Vela, MVLP-100).
En ritmo más guapachoso, su “Bomba navideña” fue perpetuada por El Gran Combo en voz de Andy Montañez en el álbum “El Gran Combo en Navidad” (Gema, LPG-3021), lanzado en 1965. Una de sus guarachas, “Meleque”, fue grabada por Willie Rodríguez y Su Trío Voces de San Juan (Bohio, 1967); Danny Rivera (DNA, 1986) y Harry Fraticelli (EMI, 1988). Por su parte, el dúo Quique y Tomás le grabó “Pobre corazón” (Ritmo y Sonido, 1993).
Pepito Maduro falleció el 31 de enero de 2004 en Fajardo, Puerto Rico. Sus restos reposan en el Cementerio Nuevo de Río Grande.
Autor:
Miguel López Ortiz para la Fundación Nacional para la Cultura Popular
El compositor Demetrio Guarin Mercado, famoso por ser el autor
del fandango "20 de enero" murió en Sincelejo, su ciudad natal, a los
91 años de edad, víctima de una afección cardiovascular.
El destacado músico deja
cinco hijos entre ellos dos herederos de su arte, jorge y el "Pipe"
Guarin, quienes trabajan con destacadas agrupaciones del país.
La composición "20 de
enero" es el tema que obligatoriamente deben bailar las candidatas al
Reinado Nacional del Fandango que se realizan en el marco de las fiestas de
enero o del Dulce Nombre de Jesús en Sincelejo.
Fue el primer director
periodístico del noticiero Telenoche.
Como editor de revistas, puso por primera vez en su país a un escritor en
portada, el caso de Jorge Luis Borges en Primera
Plana.2
Nació en el barrio de Punta Arena, en la ciudad de Guaymas (estado de Sonora), hijo de don José María Montiel Álvarez, nativo de Cananea, y doña Chanita Álvarez Talamante, oriunda de Los Mochis (Sinaloa). Fueron ocho hermanos, Rosendo fue el cuatro de la familia.1
Estudió la primaria y la secundaria en Guaymas, y a los 13 años comenzó a escribir de manera lírica, sus primeras canciones. Como nació a la orilla del mar, aprendió primero a nadar que a caminar, y así también su inspiración siempre fue, desde muy joven, el amor y la naturaleza.1
Al ir creciendo, y por razones primordialmente económicas que le dificultaban estudiar una carrera, tuvo que combinar los estudios con el mar, trabajando como pescador durante varios años.
Cuando cumplió 17 años se trasladó a la ciudad de México. Como equipaje llevaba tan sólo un poco de ropa y varias canciones que tenía compuestas con letra y música.1
La primera canción de Rosendo Montiel llevada al acetato fue «Mejor me quedo», producida por Rubén Fuentes, con un cantante que se hacía llamar El Charro del Misterio, originario de Lagos de Moreno (estado de Jalisco); el mismo que al inicio de su carrera se hacía llamar José Martín, y grababa para discos Eco-Peerless. Posterior a la muerte de Javier Solís, se dio cuenta de que su timbre de voz era parecido a este y se enmascaró presentándose como el Charro del Misterio, haciendo temporadas en la desaparecida Taberna del Greco, en la Ciudad de México. Con el seudónimo José Martín grabó para Discos Tambora, Falcon Récords y Eco. Ya como El Charro del Misterio, grabó para discos Sono Mex.
La siguiente grabación, «Para que seas feliz», con la Sonora Santanera, se constituyó en su primer éxito. Esta canción hasta la fecha se sigue programando en las estaciones de radio que tocan ese género musical.
En 1965 pudo dejar de trabajar en el mar, porque ya tenía más de 20 canciones grabadas que eran muy populares, entre ellas «Mi silencio» con Sonia López, y «Quiero» con Yolanda y su Trío Perla Negra.1
Pero quizá el mayor éxito lo obtuvo con la canción «Hambre», en la voz de Magda Franco, que con este tema logró una gran proyección como cantante dentro y fuera de México; posteriormente la grabó la intérprete cubana, Blanca Rosa Gil, quién la convirtió en un éxito mundial.
Otro de los intérpretes de la obra del maestro Rosendo Montiel es Vicente Fernández (el Charro de Huentitán). Precisamente de las cuatro primeras canciones que grabó, una era suya, «Quién te preguntó», y algún tiempo después «Yo quiero ser», tema imprescindible en el repertorio del Vicente Fernández desde hace más de 30 años.
Posteriormente siguieron muchos temas que el pueblo hizo suyos, como «Cállate», «Un minuto de silencio», «Por qué no fui tu amigo», «Yo quiero ser tu amante» y «Porque fuiste tú».1Bajo el seudónimo de Roberto Monna, el maestro Montiel, en coautoría con Homero Aguilar, compuso las canciones «Si acaso vuelves», «El cariño que perdí» y «Es mejor decir adiós» que fueron grandes éxitos grabado por el grupo Los Freddy's. También en coautoria con Homero Aguilar compusieron las canciones «Ya no viene» y «No nos vamos a olvidar» que juntas fueron grabadas por el grupo Bronco en el primer disco de esta agrupación que vendió un millón de copias.1
Rosendo Montiel ha sido objeto de múltiples reconocimientos y homenajes. En 1996 pusieron su nombre a una calle de Ciudad Obregón. En 2009, el Ayuntamiento de Guaymas le rindió un homenaje por su aportación a la música durante más de 50 años, en el que asimismo su nombre quedó inmortalizado en la antigua Calle 11, de esa su ciudad natal.
También en 2009, el maestro Montiel fue distinguido con la Medalla al Orgullo Sonorense, galardón instituido por el gobierno de Sonora, para reconocer a personajes destacados en diferentes campos y áreas de la actividad humana, nacidos en ese estado. Y por otra parte, la Sociedad de Autores y Compositores de México lo reconoció con la presea Trayectoria, por 50 años como socio activo de esa institución.
En sus propias palabras, las satisfacciones más grandes las recibe de los artistas que escogen sus canciones para grabarlas y del público que las convierte en éxitos al adquirir los discos y solicitarlas en la radio.
Otro motivo de satisfacción del maestro Rosendo Montiel es haber pertenecido al Consejo Directivo de la Sociedad de Autores y Compositores de México durante 15 años, donde tuvo la oportunidad de contribuir a favor de los autores y compositores mexicanos.
En septiembre de 2011 fue hospitalizado en el hospital IMSS, en Ciudad Obregón.2Allí falleció el 31 de enero de 2012.2
En coautoría con Homero Aguilar "Si acaso vuelves"
https://www.youtube.com/watch?v=FWO31mEYPZM
https://www.youtube.com/watch?v=jFsa_bBstFY
2020:
Muere:
Mary Theresa Eleanor Higgins Clark Conheeney, más conocida como Mary Higgins Clark (El Bronx, Nueva York, 24 de diciembre de 1927-Naples, Florida, 31 de enero de 2020),12 fue una escritora de novelas de misterioestadounidense. Cada una de sus novelas de misterio se ha convertido en un éxito de venta en los Estados Unidos y en varios países europeos y continúan en imprenta. Su primera obra, ¿Dónde están los niños?, ha sido reimpresa hasta en setenta y cinco ocasiones.34
Clark comenzó a escribir de muy joven. Después de un largo período trabajando como secretaria y editora, trabajó durante un año como auxiliar de vuelo en Pan-American Airlines; poco después, abandonó su empleo para casarse y formar una familia. Para contribuir a los ingresos familiares, se dedicó a escribir cuentos cortos. En 1959, tras el fallecimiento de su esposo, Clark trabajó durante años escribiendo diálogos rdadiofónicos de cuatro minutos, hasta que su representante la convenció de intentar escribir novelas. Su primera novela, un relato ficticio de la vida de George Washington, no fue un éxito de ventas, por lo que decidió dedicarse al género de las novelas de misterio y suspense. Estas obras lograron una enorme popularidad: en 2018 sus libros habían vendido más de cien millones de copias solo en los Estados Unidos.5 Su hija, Carol Higgins Clark y su nuera, Mary Jane Clark, también escriben novelas de suspense.
Falleció por una meningitis en Naples (Florida) a los noventa y dos años el 31 de enero de 2020.67
Inició su carrera como declamadora de La voz de Antioquia, un programa de radio local. Mientras trabajaba en dicho programa, fue descubierta por el productor Fausto Cabrera, quien la vinculó en la obra teatral Doña Inés vuelve al convento. Más adelante montó su propia emisora en Medellín, llamada Ondas Femeninas. También es reconocida por ser la primera mujer en realizar un comercial televisivo en vivo, el cual fue hecho para la marca de postres Royal.5
Es tía, por línea materna, de María Cecilia Botero. Fue dirigida, también, por Jaime Botero Gómez.
En 1954 tuvo su primer papel en una telenovela, en una producción titulada Espectros. Sin embargo, continuó con su labor radial, vinculándose profesionalmente a RCN Radio. Sus primeras interpretaciones importantes fueron El club de la cocina y Bavaria invita. En 1958 grabó su primer álbum musical con la discográfica Sonolux.5
Tras registrar apariciones en las series de televisión Candó y Una vida para amarte, en 1970 se fue a México a estudiar teatro.6 Aprovechando su estadía grabó su segundo disco con la musicóloga Tongi Cambell. En 1980 regresó a Colombia, radicándose en Bogotá y vinculándose inmediatamente al elenco de la serie Rasputín. En la década de 1980 figuró en otras producciones para televisión como Hato Canaguay, Señora Bonita, Heroínas, Romeo y Buseta y Bodas de sangre.7
Yo soy Betty, la fea y producciones posteriores[editar]
Luego de aparecer en telenovelas como Café con aroma de mujer,8 Amores como el nuestro, Francisco el matemático y Victoria, se vinculó al elenco de la telenovela Yo soy Betty, la fea, escrita por Fernando Gaitán y dirigida por Mario Ribero.29 La producción, en la que interpretó el papel de Inés Ramírez, se convirtió con el paso del tiempo en la telenovela colombiana más exitosa de todos los tiempos,10 dándole una mayor repercusión internacional a su carrera.1112 Tras su participación en la serie, que se emitió por el canal RCN entre 1999 y 2001, la actriz repitió su papel en un spin-off titulado Ecomoda, que no tuvo la misma acogida que la producción original.13
Estuvo casada con José Luis Córdova, el cual murió en 1993. Su hijo Moisés, actor y director teatral, falleció en el año 2012.141516 Durante sus últimos años de vida, Cadavid residió en un hogar de ancianos.171819
Falleció en la Clínica Shaio de Bogotá el 31 de enero de 2022 a los 84 años de edad, a causa de problemas respiratorios.20
