Un día como hoy 14 de enero

El 14 de enero es el 14.º (decimocuarto) día del año del calendario gregoriano. Quedan 351 días para finalizar el año y 352 en los años bisiestos.

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1742:

Muere  Edmund Halley, matemático y astrónomo británico (nacido en 1656).

Edmund Halley o Edmond Halley (Londres, 29 de octubre (juliano) / 8 de noviembre (gregoriano) de 1656-Greenwich, 14 de enero de 1742) fue un astrónomo, matemático y físico inglés, conocido por el cálculo de la órbita del cometa Halley. Fue amigo de Isaac Newton y miembro de la Royal Society.

Biografía[editar]

Era hijo de un acaudalado fabricante de jabón. A los 17 años se trasladó a Oxford. Desde muy joven sintió una gran inclinación por las matemáticas e interesado en la investigación de los cielos por el astrónomo real, John Flamsteed. En 1676 publicó en Philosophical Transactions una disertación sobre la teoría de los planetas.

El mismo año se trasladó a la isla de Santa Elena para observar las estrellas del cielo austral y hacer un catálogo de las mismas. Llevó relojes, micrómetros y un gran telescopio refractor de 7,3 metros de longitud que utilizó con gran provecho, pese a las malas condiciones atmosféricas. El resultado fue el Catalogus stellarun australium, publicado en Londres en 1679, obra que tabula la posición de 341 estrellas australes.

Amigo de Isaac Newton, le animó a escribir sus Philosophiæ naturalis principia mathematica. Es posible que en la época de Newton no se hubieran publicado de no haber sido por su amistad con Halley, pues se sabe que al primero no le preocupaba la publicación de su obra. Halley no solo pagó la impresión sino que se encargó de corregir pruebas y de otras labores editoriales. El libro original se vendió a las librerías por seis chelines, sin encuadernar.

A su regreso de Santa Helena, en 1678, recibió su maestría en Oxford. El mismo año fue elegido miembro de la Royal Society, de la que llegó a ser, sucesivamente, clerk en 1686 y secretario en 1702, pero nunca fue su presidente. Ese honor recayó en Newton en 1703.

La teoría de la gravitación universal de Newton le impulsó a calcular por primera vez la órbita de un cometa, el de 1682, anunciando que era el mismo que había sido visto en 1531 y 1607, y anunciando que volvería a pasar en 1758. En su honor se dio al cometa su nombre y que hoy día se le conoce como 1P/Halley.

1753: 

Muere George Berkeley, filósofo irlandés (nacido en 1685).

George Berkeley (Inglés británico:/ˈbɑː.kli/; Inglés irlandés: /ˈbɑɹ.kli/) (Dysert, Irlanda, 12 de marzo de 1685 - Cloyne, id., 14 de enero de 1753), también conocido como el obispo Berkeley, fue un filósofo irlandés muy influyente cuyo principal logro fue el desarrollo de la filosofía conocida como idealismo subjetivo o inmaterialismo, dado que negaba la realidad de abstracciones como la materia extensa. Escribió un gran número de obras, entre las que se pueden destacar el Tratado sobre los principios del conocimiento humano (1710) y Los tres diálogos entre Hylas y Philonus(1713) (Philonus, el «amante de la mente», representa a Berkeley, e Hylas, que toma su nombre de la antigua palabra griega para designar a la materia, representa el pensamiento de Locke). En 1734 publicó El analista, una crítica a los fundamentos de la ciencia, que fue muy influyente en el desarrollo de la matemática.

La ciudad de Berkeley, California toma su nombre de este filósofo, en cuyo honor fue denominada la universidad en torno a la que creció.

También han tomado su nombre una residencia universitaria de la Universidad de Yale y la biblioteca del Trinity Collegede Dublín.

Biografía[editar]

Berkeley nació en Dysert, cerca de Thomastown, Irlanda. Fue el hijo mayor de William Berkeley, miembro de la familia nobiliaria de Berkeley. Recibió su educación en el Kilkenny College, y asistió a las clases del Trinity College de Dublín, donde acabó sus estudios en 1707. Permaneció en el Trinity College hasta lograr un título de profesor de Griego. Su primera publicación fue de carácter matemático, pero la primera que le ganó notoriedad fue su Ensayo hacia una nueva teoría de la visión, publicado en 1709. Aunque levantó mucha polémica en su momento, sus conclusiones forman parte en la actualidad de la óptica. En 1710 publicó el Tratado sobre los principios del conocimiento humano y en 1713 los Tres diálogos entre Hylas y Philonus, en los que desarrolló su sistema filosófico, cuyo principio fundamental es que el mundo que se representa en nuestros sentidos sólo existe si es percibido. El Tratado es una exposición, mientras que los diálogos constituyen su defensa. Uno de sus objetivos principales fue combatir el materialismo, teoría dominante en su época. Aunque sus teorías fueron ridiculizadas, algunos, como S. Clarke, le consideraron un genio. Poco después visitó Inglaterra donde fue recibido por Addison, Pope y Steele. En el periodo entre 1714 y 1720 alternó sus trabajos académicos con viajes por Europa. En 1721 recibió un doctorado en teología, y decidió permanecer en el Trinity College de Dublín dando clases de Teología y Hebreo. En 1724 se le hizo deán de Derry.

En 1725 se embarcó en un proyecto de fundar una escuela en las islas Bermudas para los misioneros de las colonias, dejando el deanato que le reportaba unos ingresos de 1100£ por un salario de 100£. Desembarcó cerca de Newport (Rhode Island), donde compró una plantación. El 4 de octubre de 1730, Berkeley compró «un negro llamado Philip de aproximadamente catorce años». El 11 de junio de 1731, «el deán Berkeley bautizó a tres de sus negros como Philip, Anthony y Agnes Berkeley»¹​

Los sermones de Berkeley explicaban a los colonizadores que el cristianismo permitía la esclavitud, y en consecuencia los esclavos debían ser bautizados: «sería una ventaja para sus negocios (de los patrones) tener esclavos que deban "obedecer en todo a sus patrones desde las entrañas, no sólo cuando les observan, sino de todo corazón, temerosos de Dios"; que la libertad del evangelio concuerda con la servidumbre temporal, y que todos sus esclavos sólo serán mejores esclavos siendo cristianos».²​

Vivió en la plantación mientras aguardaba a que llegaran los fondos para su escuela. Sin embargo, estos fondos no parecían ir a llegar pronto, así que en 1732 volvió a Londres. En 1734 fue designado obispo de Cloyne. Poco después publicó Alciphron, o el filósofo insignificante, contra Shaftesbury, y en 1734-1737 The Querist. Sus últimas publicaciones fueron Siris, un tratado sobre las virtudes medicinales de la infusión de resina de pino, y Further thoughts on tar-water (más pensamientos acerca de la infusión de resina de pino).

Permaneció en Cloyne hasta 1752, fecha en la que se retiró y se fue vivir con su hijo a Oxford.

1874:

Nace Thornton Burges, conservacionista y escritor de literatura infantil estadounidense.

Thornton Waldo Burgess fue un conservacionista y escritor de literatura infantil estadounidense nacido en Sandwich (Massachusetts) el 14 de enero de 1874 y fallecido el 5 de junio de 1965 en Hampden (Massachusetts). Fue conocido con frecuencia como Bedtime Story-Man. Escribió alrededor de 170 libros y publicó más de 15.000 relatos en distintos periódicos y revistas. De 1912 a 1960 escribió a diario una columna en el periódico Bedtime Stories.

Biografía[editar]

Nacido en Sandwich (Massachusetts),¹​ Burgess era el hijo de Caroline F. Haywood y Thornton W. Burgess Sr., un descendiente directo de Thomas Burgess, uno de los primeros pobladores de Sandwich en 1637. Thornton W. Burgess Sr. murió el mismo año en el que nació su hijo, el joven Thornton Burgess. Fue criado por su madre en humildes circunstancias con parientes o de alquiler. Trabajó en diversos oficios para ahorrar dinero como atender vacas, la venta de dulces o la caza de ratas almizcleras. William C. Chipman, uno de sus jefes, vivía en Discovery Hill Road, un lugar silvestre con bosques y pantanos que se convertiría en un escenario privilegiado de sus obras. Además, muchas de sus experiencias de infancia y de sus conocidos influyeron en su interés por la vida silvestre.

Al graduarse en la Sandwich High School en 1891, Burgess vivió en Boston de 1892 a 1893 donde asistió a una escuela de negocios durante algún tiempo viviendo en Somerville (Massachusetts) al mismo tiempo, pero no le gustaban los negocios y quería dedicarse a escribir. Después se trasladó a Springfield (Massachusetts) donde obtuvo un trabajo como asistente editorial en la Phelps Publishing Company. Sus primeras obras fueron escritas bajo el seudónimo de W. B. Thornton.²​

Burgess se casó con Nina Osborne en 1905, pero murió apenas un año más tarde, dejándolo sólo para criar a su hijo. Se dice que comenzó a escribir cuentos para entretener a su hijo pequeño, Thornton III.³​ Burgess se volvió a casar en 1911. Su esposa Fannie tenía dos hijos de un matrimonio anterior. La pareja más tarde compró una casa en Hampden (Massachusetts), en 1925, que se convirtió en la residencia permanente de Burgess hasta 1957. Su segunda esposa murió en agosto de 1950. Burgess regresó con frecuencia a Sandwich, que él siempre afirmó que era su lugar de nacimiento y hogar espiritual.

https://www.youtube.com/watch?v=Q0aaEWmQZe4

1886:

Nace  Hugh Lofting, escritor británico (f. 1947).

Hugh John Lofting (Maidenhead, Berkshire, 14 de enero de 1886 - Topanga, California, 26 de septiembre de 1947) fue un escritor e ingeniero civil inglés quien creó el personaje de Doctor Dolittle —uno de los clásicos de la literatura infantil.

Después de servir en la primera guerra mundial, en la cual fue seriamente herido, él y su familia se mudaron a Connecticut en EE.UU. Estuvo casado tres veces y tuvo tres hijos, uno de los cuales, Christopher, fue su albacea literario.

"Durante años fue una constante fuente de asombro para mí encontrar mis escritos entre "Juveniles", Lofting informó. "Ya no me molesta, pero todavía siento que debería haber una categoría de "Seniles" para compensar el epíteto."

1896: 

Nace John Dos Passos, novelista estadounidense (fallecido en 1970).

John Rodrigo Dos Passos (Chicago, Illinois, 14 de enero de 1896 –Baltimore, Maryland, 28 de septiembre de 1970) fue un novelista y periodista estadounidense. Viajero, intelectual y artista culto de ideología independiente cercana al socialismo, está considerado como uno de los miembros esenciales de la generación perdida norteamericana. Cultivó una profunda amistad con E. E. Cummings, Scott Fitzgerald y Ernest Hemingway entre otros muchos contemporáneos, dejando agudos retratos en su autobiografía Años inolvidables.¹​

Biografía[editar]

Nacido en Chicago (Illinois), en una familia descendiente de portugueses, su abuelo era un comerciante de la isla de Madeira. Hijo natural del segundo matrimonio de un jurista y político republicano,²​ amigo de Mark Twain y Edison, siempre consideró a su padre, con quien mantuvo una estrecha relación, su primer y más incansable maestro. En su juventud viajó, junto a sus padres, por México y algunos países de Europa (en especial Portugal, Bélgica, el Reino Unido y España). En 1916 se graduó en Artes por la Universidad de Harvard.

Con 18 años se unió al cuerpo de voluntarios de Richard Norton (sección 60) en su servicio de ambulancia«»s para la Primera Guerra Mundial y al entrar Estados Unidosen la contienda se integró en el cuerpo de la Cruz Roja siendo destinado a Italia.³​ Es durante la guerra cuando comienza a escribir una novela conjuntamente con otros dos compañeros, proyecto que no llegó a culminarse. No obstante, Dos Passos publicaría en 1919 una novela de corte autobiográfico, La iniciación de un hombre. Tras la guerra, volvió a viajar por España (de ese periodo es su libro de retratos Rocinante vuelve al camino) y vivió en París durante varias temporadas. En la capital francesa entró en contacto con las corrientes innovadoras en todos los frentes artísticos, llegando a participar como pintor de decorados en los ballets rusos. Tras su regreso a Nueva York considera la posibilidad de dedicarse al teatro como dramaturgo y director. Pero en 1921 se embarca de nuevo hacia Europa dispuesto a llegar hasta Persia, iniciando la travesía en el Orient Express y viviendo un viaje alucinante hasta Bagdad y Damasco que incluyó una movida travesía del desierto en una caravana de camellos.⁴​

Tras el modesto éxito de Tres soldados (1922), publicó en 1925 la novela que le dio fama y relevancia mundial: Manhattan Transfer, escenario por el que deambulan los diversos personajes, con breves relatos fragmentarios cuyo conjunto dan una idea coral del Nueva York de los «locos años 20». El mismo recurso literario que utilizaría luego en su trilogía U.S.A.

En 1927 hizo pública su postura contraria a la ejecución de los anarquistas Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti, compromiso que le anclaría de forma definitiva en la lista negra. Dos Passos, que siempre mantuvo una ideología independiente, cercana al socialismo, decidió visitar la Unión Soviética en la primavera de 1928. Viajó hasta Helsinki vía París y Londres, y pasó una corta temporada en la nueva Leningrado (desde donde en una carta a Cummings escribe: «He visto los perros de Pavlov en Lenningrado»). Se traslada luego a Moscú donde a través de los círculos del nuevo teatro soviético, toma contacto con los realizadores del cine ruso, de los que destaca en sus memorias a Pudovkin y Eisenstein. Una gestión personal del ministro Lunacharski le permitió unirse a la expedición Narkompross que iba a explorar perdidas regiones del Daghestan. Tras sobrevivir (estuvo a punto de morir de hambre) a tan intenso viaje por el Caucaso y después de un periodo en el que llegó a ser retenido en Moscú por «gestiones burocráticas» pudo por fin salir de la Unión Soviética: «...admiraba al pueblo ruso. Me había fascinado su país, enorme y variado, pero cuando a la mañana siguiente crucé la frontera polaca me sentí como si saliera de la cárcel».⁵​

En 1929, conoció en el círculo familiar de Hemingway a Katherine Smith, con la que se casó en agosto de 1929. Juntos iniciaron un largo viaje hacia la vieja Europa, donde vivían, trabajaban o pasaban temporadas muchos de sus mejores amigos (los Fitzgerald y los Hemingway entre ellos, además de los aristocráticos Gerald y Sara Murphy o intelectuales como Blaise Cendrars o Dorothy Parker). De regreso en Estados Unidos, sin sufrir los reveses de la Gran Depresión que marcaría a toda una generación artística, Dos Passos y Kate alternaron residencia entre Nueva York y Key West, donde solían coincidir los inviernos con la familia Hemingway.

En 1932, recién estrenada la Segunda República, Kate y John vuelven a visitar España, recuperando su relación con José Giner, entonces conservador del Palacio Real de Madrid (convertido en «palacio nacional»), y entrevistándose con el presidente Azaña. Tras comprar un pequeño automóvil, «la Cucarachita», recorrieron parte del país aquel verano. En Santander, acuden a un mitin del ya anciano pedagogo Francisco Giner de los Ríos recibido en la plaza de toros «con gritos de "Vivan los hombres honrados" y palomas blancas con lazos rojos en el cuello». Pero frente a la alegría de «mineros, mecánicos y agricultores», Dos Passos percibe también «el odio en los rostros de las gentes elegantemente vestidas, sentadas en las mesas de los cafés de la calle más importante de Santander, mientras contemplaban a los sudorosos socialistas volviendo de la plaza de toros con sus hijos y sus cestas y sus banderolas. Si los ojos fueran ametralladoras, ni uno solo hubiera sobrevivido aquel día.»⁶​ Estas y otras observaciones y reflexiones cierran el relato de sus «memorias informales», publicadas cuatro años antes de su muerte.

En 1937 volvió de nuevo a España para colaborar con Ernest Hemingway en el guion del documental La tierra española,⁷​ pero al conocer la desaparición de su amigo y traductor de su obra José Robles Pazos, presumiblemente a manos de los servicios secretos soviéticos, rompió de forma definitiva con la ideología comunista. ⁸​⁹​¹⁰​¹¹​¹²​ En ese mismo viaje se produce su alejamiento de Ernest Hemingway, por la escasa sensibilidad del escritor ante el sufrimiento humano (tal y como recuerda Dos Passos en su obra Años inolvidables).

En su recopilación de artículos Viajes de entreguerras,¹³​ Dos Passos cierra sus amargas y lúcidas reflexiones con estas palabras: «¿Cómo pueden ganar?, pensaba yo. ¿Cómo puede el nuevo mundo, lleno de confusión y desencuentros e ilusiones y deslumbrado por el espejismo de las frases idealistas, derrotar a la férrea combinación de hombres acostumbrados a mandar, a quienes une sólo una idea: aferrarse a lo que tienen?».¹⁴​

1898: 

Muere Lewis Carroll, escritor y matemático británico (nacido en 1832).

Charles Lutwidge Dodgson (Daresbury, Cheshire, Reino Unido, 27 de enero de 1832-Guildford, Surrey, Reino Unido, 14 de enero de 1898), más conocido por su seudónimo Lewis Carroll, fue un diácono anglicano, lógico, matemático, fotógrafo y escritor británico. Sus obras más conocidas son Alicia en el país de las maravillas y su continuación, Alicia a través del espejo.

Biografía[editar]

Familia, infancia y estudios[editar]

Los antepasados de Dodgson procedían principalmente del norte de Inglaterra, con algunas conexiones irlandesas. Conservadores y miembros de la High Church anglicana, la mayoría de ellos se dedicaron a las dos profesiones características de la clase media-alta inglesa: el ejército y la Iglesia. Su bisabuelo, llamado también Charles Dodgson, su abuelo, otro Charles, fue capitán del ejército y murió en batalla en 1803, cuando sus dos hijos eran todavía muy pequeños.

El mayor de ellos —también llamado Charles— escogió la carrera eclesiástica. Estudió en Westminster School y más tarde en Christ Church, Oxford. Con grandes dotes para las matemáticas, obtuvo una doble titulación que prometía ser el comienzo de una brillante carrera académica. No obstante, el futuro padre de Lewis Carroll prefirió, tras casarse en 1827 con su prima, convertirse en párroco rural.

Su hijo Charles nació en la pequeña parroquia de Dareso, en Cheshire. Fue el tercero de los hijos del matrimonio Dodgson, y el primer varón. Después seguirían ocho hijos más y, lo que resulta más insólito para la época, todos ellos —siete chicas y cuatro chicos— sobrevivirían hasta la edad adulta. Cuando Charles tenía once años, su padre fue nombrado párroco de la localidad de Croft-on-Tees, en North Yorkshire, y toda la familia se trasladó a la espaciosa rectoría que sería la morada familiar durante los siguientes 25 años.

Dodgson padre fue haciendo progresos en el escalafón eclesiástico: publicó varios sermones, tradujo a Tertuliano, se convirtió en archidiácono de la catedral de Ripon y tomó parte activa en las apasionadas discusiones que por entonces dividían a la Iglesia de Inglaterra. Era partidario de la High Church y favorable al anglo-catolicismo; admiraba a John Henry Newman y al movimiento tractariano, e hizo lo que pudo para transmitir a sus hijos sus puntos de vista.

El joven Charles inició su educación en su propia casa. Las listas de sus lecturas conservadas por la familia, atestiguan su precocidad intelectual: a los siete años leyó The Pilgrim’s Progress de John Bunyan. Se ha dicho que sufrió un trauma infantil cuando se le obligó a contrarrestar su tendencia natural a ser zurdo; no hay, sin embargo, ninguna evidencia de que haya sido así. Sí sufrió de un tartamudeo que tendría efectos perjudiciales en sus relaciones sociales durante toda su vida. También padeció sordera en el oído derecho a consecuencia de una enfermedad. A los doce años fue enviado a una escuela privada en las afueras de Richmond, donde parece que se integró bien, y en 1845, fue trasladado a Rugby School, donde fue evidentemente un tanto infeliz, según él mismo escribió algunos años después de abandonar el lugar:

Creo ... que por nada en este mundo volvería de nuevo a vivir los tres años que pasé allí ... Puedo decir, honestamente, que si hubiese estado ... a salvo de la molestia nocturna, la dureza de la vida diurna se me hubiera hecho, en comparación, muchísimo más soportable.¹​

La naturaleza de esta «molestia nocturna» nunca será, quizá, correctamente interpretada. Puede ser una forma delicada de hacer referencia a algún tipo de abuso sexual. Académicamente, sin embargo, Charles se las arregló bastante bien. Su profesor de matemáticas, R. B. Mayor, dijo de él: «No he conocido a un chico más prometedor desde que estoy en Rugby».¹​

Abandonó Rugby a finales de 1850 y en enero de 1851 se trasladó a la Universidad de Oxford, donde ingresó en el antiguo college de su padre, Christ Church. Llevaba sólo dos días en Oxford cuando tuvo que regresar a su casa porque su madre había muerto de «inflamación del cerebro» (posiblemente meningitis) a los cuarenta y siete años de edad.

Cualesquiera que hayan sido los sentimientos que la muerte de su madre le produjo a Dodgson, no permitió que le apartaran del objetivo que le había llevado a Oxford. Tal vez no siempre trabajó duro, pero estaba excepcionalmente dotado y obtuvo con facilidad resultados excelentes. Su temprana carrera académica osciló entre sus éxitos, que prometían una carrera explosiva, y su tendencia irresistible a la distracción. A causa de su pereza, perdió una importante beca, pero, aun así, su brillantez como matemático le hizo ganar, en 1857, un puesto de profesor de matemáticas en Christ Church que desempeñaría durante los 26 años siguientes (aunque no parece haber disfrutado especialmente de su actividad^{[cita requerida]}). Cuatro años después fue ordenado diácono.

En Oxford se le diagnosticó epilepsia, lo cual por entonces constituía un estigma social considerable. Sin embargo, recientemente John R. Hughes, director de la Universidad de Illinois (Chicago), ha sugerido que pudo haber habido un error de diagnóstico^{[cita requerida]}.

1920: 

Nace  Chava Flores, actor y compositor mexicano (fallecido en 1987).

Salvador Flores Rivera (Ciudad de México, 14 de enero de 1920 - íd., 5 de agosto de 1987), conocido como Chava Flores, fue un prolífico compositor e intérprete de canciones mexicanas populares o folklóricas.

Datos biográficos[editar]

Nació en el antiguo barrio de La Merced, en el Centro de la Ciudad de México, en la calle de La Soledad. Se presume que creció en Tacuba, en la colonia Roma y en Santa María la Ribera, aunque también se le ubica en Azcapotzalco y en la Unidad Cuitláhuac, lugar en donde vivió hasta 1983, año en que se mudó a Morelia, Michoacán. Su padre murió en 1933, por lo que tuvo que comenzar a trabajar para contribuir con el sostén de su familia.

El Álbum de Oro de la Canción[editar]

Chava Flores tuvo infinidad de empleos desde su infancia; fue costurero, encargado de almacén, cobrador, vendedor de puerta en puerta, administrador de una ferretería, propietario de una camisería y de una salchichonería e impresor, entre otras cosas. Ocupaciones, todas ellas, que implican movilización por toda la ciudad, lo que fue de gran utilidad para su etapa como compositor pues, debido a sus empleos, recorrió barrios, calles y colonias, y fue testigo de diversas situaciones que posteriormente plasmaría en su obra, gracias a la cual se le otorgó el título de Cronista Cantor de la Ciudad de México.^{[cita requerida]}

Fue esencialmente un trabajador incansable: cuando las cosas no funcionaban bien en su empleo, inmediatamente buscaba una alternativa que le permitiera continuar trabajando; ese fue el caso en 1946, cuando desafortunadamente tuvo que cerrar su camisería. Tuvo, así, una racha de empleos breves y mal remunerados. Fue así como, sin saberlo, se fue enfilando a lo que sería su carrera como compositor. Con sus compañeros de trabajo en la ferretería, inició su labor en una imprenta; en un principio, las cosas funcionaban de manera regular pero, a raíz de una idea suya, la imprenta empezó a mejorar: se trataba, nada menos, que de El Álbum de Oro de la Canción:

“Mi amor por las canciones de México y sus compositores fluyó a mi mente. Me sabía miles de ellas, aunque no conociera personalmente a ningún autor, y de mi mente desesperada por el infortunio surgió el Álbum de Oro de la Canción. Una revista quincenal que desahogara mis ansias guardadas por ese hermoso arte que tanto amé y que nunca fue mío.” (Flores Rivera Salvador, 1994:26.)

Se trató, sin duda, de un esfuerzo importante que tuvo un periodo corto de vida, debido principalmente al hecho de que la imprenta en la que trabajaba decidió dejar de lado el proyecto, y el precio del papel se elevó a tal grado que el álbum se volvió prácticamente incosteable. Salvador Flores Rivera comenzó a editar, en 1949, una colección de decorosos y útiles cuadernos de 32 páginas que llamó El Álbum de Oro de la Canción. El precio de cada cuaderno era de sesenta y cinco centavos, y en ellos aparecían las canciones más gustadas de todos los tiempos. Circuló durante cuatro años, al lado del Cancionero Picot.”¹​

Es justamente este episodio- de la creación del álbum- el que marcó definitivamente a Chava Flores y el que le abrió las puertas para incorporarse a las filas de compositores e intérpretes de aquella época pues, debido a su publicación, el trato con intérpretes y compositores fue despertando en él la vocación. La imposibilidad de continuar con el álbum lo orilló a buscar un nuevo campo de trabajo y, una vez que había conocido un poco más a fondo el ámbito musical, se percata de que su gusto por la música iba más allá del placer de escuchar y cantar, y comenzó a optar por crear sus propias canciones.

Primeras canciones exitosas[editar]

Se dio a conocer con la canción "Dos horas de balazos". A esta canción sumó "La tertulia", y ambas fueron grabadas por RCA Victor en 1952. Actuó en las carpas y cabarets de la ciudad, y ganó fama en el resto del país, en América Latina y en los Estados Unidos. Para 1976, había grabado ya siete discos de larga duración, y era dueño de la disquera Ageleste.^{[cita requerida]}

Mudanza a Morelia y fallecimiento[editar]

En 1983, se mudó a la ciudad de Morelia, Michoacán, donde tenía un programa de televisión. Al año siguiente, fue trasladado de urgencia a la Ciudad de México, y falleció pocos días después.^{[cita requerida]}

 https://www.youtube.com/watch?v=U5XWJ9HuqJI

https://www.youtube.com/watch?v=hClPUkBfV_k

https://www.youtube.com/watch?v=hZENdFgWaN8

1924: 

Nace Guy Williams, actor estadounidense (fallecido en 1989).

Armand Joseph Catalano, conocido artísticamente como Guy Williams (Nueva York, 14 de enero de 1924 - Buenos Aires, 30 de abril de 1989), fue un actor de cine y televisión estadounidense de ascendencia italiana. Fue famoso por interpretar el personaje de El Zorro en la clásica serie homónima de Disney, al igual que otros héroes de televisión en los años 1950 y '60.²​

Durante la segunda mitad de su carrera residió y trabajó mayormente en Argentina, donde se lo consideraba un ídolo popular.¹​ Vivió sus últimos años en un barrio de Buenos Aires, donde falleció inesperadamente a los 65 años.

Biografía[editar]

Infancia y estudios[editar]

Guy Williams nació en Washington Heights, en la isla de Manhattan (dentro de la ciudad de Nueva York). Sus padres Attilio y Clara habían migrado desde Mesina, una ciudad de Sicilia (Italia), debido a la pobreza. Attilio era hijo de un maderero; trabajando como vendedor de seguros logró comprar un lote de tierra en Nueva Jersey. Williams (a quien sus padres llamaban con el nombre italiano Armando) creció en el barrio Little Italy (pequeña Italia), de Manhattan. Cuando tenía siete años empezó a aprender esgrima con su padre, quien era un experto por una tradición heredada de sus ancestros italianos.²​

En la Escuela Pública 189 de la ciudad de Nueva York, Williams se destacó en matemáticas. Hizo la secundaria en la escuela George Washington High School, donde ocasionalmente trabajó en la cafetería. Luego fue a la academia militar Peeskill, pero nunca mostró demasiado interés por el estudio. Sus intereses eran el fútbol americano y el ajedrez, y siempre se esforzó por conseguir trabajo en los meses de vacaciones.

Primeros pasos[editar]

Williams, de 1,90 m de estatura, quería ser actor. Cuando decidió abandonar la academia, su madre (que más tarde sería ejecutiva en una empresa de películas extranjeras) se sintió desalentada, ya que esperaba que su hijo fuera vendedor de seguros, una carrera tradicional.

Después de trabajar como soldador, contador de libros e inspector de partes de aviones, Williams fue vendedor en el departamento de maletas de Wanamakers. Mientras tanto envió sus fotos a una agencia de modelos. Encontró un relativo éxito en la prensa gráfica: sus fotos aparecían en revistas (como Harper's Bazaar o True Romance), periódicos, y cubiertas de libros, propagandas comerciales (como los colchones Simmons Beautyrest, donde se le ve durmiendo plácidamente, o copas y vasos Heisey, o lociones Jergens), empezó a recibir buena paga y se volvió bastante famoso. Cuando un director se negó a aceptarlo por su aspecto latino, su agente, en ese momento Henry Wilson, le cambió el nombre de Armand Catalano al de Guy Williams. En 1946 (a los 22 años de edad) consiguió un contrato por un año de la MGM, y se mudó a Hollywood. Sólo interpretó pequeños papeles, y al finalizar el período volvió a Nueva York.

En 1948, para hacer un comercial de cigarrillos, Guy Williams hizo un extenso viaje de filmación (donde debía esquiar) acompañado de Janice Cooper, una hermosa modelo publicitaria de Powers. Durante las largas sesiones fotográficas se enamoraron y se casaron apenas volvieron a Nueva York, el 8 de diciembre de 1948. Tuvieron dos hijos: Guy Steve Catalano (Guy Williams Jr., 18 de diciembre de 1952) y Anthony Tony Catalano (1956).

En 1950, Guy Williams empezó a filmar sus primeros comerciales de televisión, por lo que se volvió muy popular. Su padre murió en 1951, por lo que no pudo ver el ascenso de su hijo a la fama. Williams obtuvo otro contrato por un año en Universal Studios en 1952 y se volvió a mudar a Hollywood, esta vez con su familia.

Principios en Hollywood (1952 a 1957)[editar]

Guy Williams hizo pequeños papeles de reparto en las producciones de la Universal Studios:

·         Bonzo goes to college, como Ronald Calkins

·         The Mississippi gambler, como André

·         The golden blade, como un poblador de Bagdad

·         The man from The Alamo, como un sargento

·         Take me to town, como un pequeño héroe.

En 1953, Williams sufrió un accidente serio: se cayó de un caballo y fue arrastrado más de 200 metros, lo que le dejó una larga cicatriz en el hombro derecho. Debido a eso retornó a Nueva York (actuando y posando como modelo allí) ya pensando en abandonar su carrera. Ese mismo año dejó la Universal y se volvió un actor independiente para películas producidas por Allied Artists y Warner Brothers.

El Zorro (1957-1959 / 1960-1961)[editar]

Tuvo que pasar casi una década para su gran oportunidad como estrella de la clásica serie de la compañía Walt Disney, El Zorro (1957-1959). Este papel le granjeó una gran fama como héroe romántico y espadachín. El origen del programa se dio cuando la Compañía Disney llevó a cabo un casting para una nueva serie de televisión basada en el personaje creado por Johnston McCulley. El Zorro ya era famoso en la pantalla tanto por la película protagonizada por Douglas Fairbanks como por la de Tyrone Power.

Para realizar el Zorro se necesitaba que el actor fuera atractivo, con un aire latino y con alguna experiencia en esgrima. El mismo Walt Disney entrevistó a Guy Williams (de 33 años de edad), e inmediatamente le pidió (cómicamente) que se dejara «un bigotito no muy largo ni muy grueso». El pago que pidió Williams era muy alto (2500 dólares a la semana), pero se le otorgó. Williams retomó su entrenamiento profesional de esgrima con el campeón belga Fred Cavens (que también había entrenado a Douglas Fairbanks, Errol Flynn y Tyrone Power), ya que —según el pedido de Walt Disney— en el programa utilizarían espadas reales sin protección.

Disney le ordenó que —para interpretar al Zorro a la perfección— tomara clases de guitarra con el famoso Vicente Gómez, pero Williams nunca llegó a tocar el instrumento.

La serie, con episodios de media hora, finalmente debutó en la red televisiva American Broadcasting Company el 10 de octubre de 1957. Tuvo un instantáneo éxito en EE. UU., alcanzando el ráting más alto hasta ese momento en un programa de televisión.

Williams utilizaba un caballo negro (llamado Tornado en los cómics), pero en una filmación donde había disparos, el animal cayó en un barranco y tuvo múltiples fracturas, por lo que tuvo que ser sacrificado. Después del accidente con el primer Tornado, trabajó con dos caballos. Uno era fantástico en las escenas de corridas, pero no le gustaba saltar. Tampoco le gustaban los closeups, cuando el Zorro hablaba con el sargento García, Tornado quitaba la cabeza y la escondía hacia atrás. Entonces tuvieron que usar otro caballo negro más fotogénico.

Hubo también un caballo blanco llamado Phantom (Fantasma), debido a que el director pensaba que para las escenas en la oscuridad, el Tornado negro prácticamente se hacía invisible. Pero este Fantasma no duró mucho tiempo, y volvieron al Tornado negro. El show duró 78 episodios (dos temporadas, del 1957 a 1959) y una película editada de los episodios de televisión: La marca del Zorro (1958). El tema musical (compuesto por Norman Foster y George Burns, y cantado por The Chordettes (‘los acordecitos’) alcanzó el número 17 en el hit parade.

Williams no hacía las escenas de peligro, pues en caso de lastimarse hubiera demorado la producción de la serie. Entonces, mientras él grababa en estudio, su doble hacía las escenas de cabalgatas entre las montañas, en exteriores.

Esta serie creó una verdadera epidemia de grafitos de la letra Z en los pupitres de las escuelas en todo Estados Unidos. Se pueden ver ejemplos de estos en los escritorios y mesas de esa época.

Problemas contractuales y personales entre Disney y la cadena televisiva hicieron que la exitosa serie se cancelara.

Cuando terminó la serie, Williams hizo otras dos películas:

·         Damon and Pythias (una producción de la MGM en Italia en 1962, dirigida por Curtis Bernhardt), donde hizo de Damón, quien ofrece su vida como garantía por la palabra de su amigo Fitias, que había sido condenado a muerte por cuestiones políticas.

·         Captain Sindbad (una superproducción de la MGM, filmada en Alemania en 1962, dirigida por el director estadounidense de aventuras Byron Haskin), basada en el cuento clásico de Las Mil y Una Noches, donde Williams hace de Simbad el marino.

Más tarde Williams describiría esta época como «uno de los mejores momentos de mi vida».

Bonanza (1964)[editar]

En 1964, ya de vuelta en los Estados Unidos realizó algunos trabajos menores, como su aparición en varios episodios de la serie de televisión Bonanza (1959-1973), como el primo mexicano Will Cartwright. Williams abandonó la serie al terminarse su contrato, después de cinco episodios.

Los cinco episodios de Bonanza donde apareció Guy Williams fueron:

·         Return to Honor

·         The Roper

·         The Companeros

·         The Pressure Games

·         Triangle

Perdidos en el espacio (1965-1968)[editar]

En 1965 se le ofreció el papel del profesor John Robinson en el programa televisivo de ciencia ficción Perdidos en el espacio(1965-1968), en inglés Lost In Space, de la red CBS. El profesor Robinson era experto en astrofísica, geología y ministro religioso, y comandaba la misión de la nave Júpiter 2 con su familia en un viaje para colonizar el sistema planetario de Alfa Centauro (la estrella más cercana al sistema solar).

La serie presentaba una gran cantidad y calidad de producción artística, a pesar de que no poseía ninguna pretensión científica. Se basaba principalmente en las divertidas aventuras de la familia (incluyendo hippies espaciales y zanahorias inteligentes). La serie catapultó y encasilló a Jonathan Harris, el memorable doctor Smith.

Dos elementos memorables de la serie eran los avisos de peligro «¡Danger, Will Robinson!», del androide Modelo-B9, y también la clásica canción de la serie, compuesta por el legendario John Williams (quien también hacía la música de fondo de los episodios). La actuación de Williams en esa serie fue más bien cosmética, no proyectándose del todo en ella.

Primera visita a Argentina (1973)[editar]

Williams lucía siempre un temperamento franco y abierto, era un gran conocedor de vinos, entusiasta del ajedrez y la esgrima y muy aficionado a viajar. Desde 1959, al finalizar la serie, se sintió decepcionado al ver que no se materializaba ninguna oferta de trabajo. Entonces decidió retirarse para disfrutar su pequeña fortuna conseguida mediante la inversión en varios negocios.

Desde el 2 de enero de 1968, el Canal 13 de televisión de Buenos Aires (Argentina) emitió El Zorro todos los días de 19:00 a 19:30, con un gran éxito. En 1970, en las jugueterías y los kioscos de todas las provincias de Argentina se vendían muñequitos, disfraces y toda clase de objetos relativos al Zorro. El canal tuvo la idea de presentar a Guy Williams, con la idea de hacer un programa especial y hacerlo participar en varios programas para niños.

El periodista porteño Leo Gleizer fue el encargado de viajar a EE. UU. para hacer los contactos:

Cuando llegué a Nueva York era muy difícil saber dónde viviría Williams. Después de varias investigaciones fallidas, se me ocurrió buscar en el directorio telefónico. Cuál no sería mi sorpresa al ver que mi Guy Williams vivía en California. Lo llamé y me respondió una mujer (Janice, esposa de Williams). Hablé con él, diciéndole que había venido desde Argentina para buscarlo y que me parecía que a él le iba a atraer la idea. Me dijo que fuera a verlo a su casa en California. Me fue a buscar al aeropuerto. Cuando lo vi sin bigote, le sugerí que se lo dejara crecer. Quince días después de esa primera llamada, fuimos a Buenos Aires.

La llegada al Aeropuerto Internacional Ministro Pistarini de Ezeiza, el domingo 1 de abril de 1973 fue apoteósica. Varios miles de niños con sus padres saludaron al actor. Guy accedió a disfrazarse del Zorro en varios programas de Canal 13 (algo que en EE. UU. había rechazado enfáticamente) y a hacer una pequeña exhibición de esgrima en el programa Teleshow (Canal 13, lunes a viernes de 14:30 a 17:00) conducido por Víctor Sueiro.

Fue tal el éxito de la presentación en el programa de Sueiro que el departamento de vestuario del canal confeccionó un traje semejante al de la popular serie, con el que Williams se presentó además en Porcelandia (los miércoles de 21:30 a 22:30), donde Jorge Porcel tenía un sketch llamado «El Sorro con S»; en este programa necesitaban recrear una escena de esgrima. El contendiente de Williams era el jovencísimo campeón argentino de esgrima Fernando Lupiz (quien en 2005 presentó un programa diario de televisión donde enseñaba esgrima y exhibía dibujos animados del Zorro), quien en esa época tenía sólo 20 años de edad.¹​

Cada programa donde aparecía Williams alcanzaba más de 40 puntos de rating, por lo que se planeó otro viaje ese mismo año.

Segunda visita a Argentina (1973)[editar]

El sábado 14 de julio de 1973 Guy Williams realizó su segunda visita a la Argentina. Unas 3000 personas (entre niños y adultos) se amontonaron en la pista de aterrizaje del aeropuerto internacional de Ezeiza, al grito de «¡Zorro, Zorro!», esperando la llegada del vuelo 201 de Pan Am. Primero bajó Williams y su esposa Janice, quienes fueron recibidos por Leo Gleizer, el periodista que había concretado el primer viaje de Williams a la Argentina.

De repente se escuchó un atronador rugido de la multitud: a la portezuela del avión se asomó el barítono lírico y actor Henry Calvin —el obeso sargento Demetrio López García de la serie El Zorro—, quien fue reconocido a pesar de su apariencia demacrada (tenía un cáncer de garganta no diagnosticado). Cuando le preguntaron cómo había dejado de ser gordo, Calvin dijo que se había propuesto bajar 80 kilos, y lo había logrado. Había comenzado su carrera en los años treinta como cantante (tenía una hermosa voz de barítono, que alguna vez mostró en El Zorro).

El canal destinó a una asistente, una traductora y un chófer para atenderlos. Ese día cenaron en un carrito de la costanera sobre el Río de la Plata. El miércoles asistieron a una tanguería. Allí Williams probó el mate, mientras su compañero seguía bebiendo cerveza y vino blanco mendocino. Ambos coincidieron en las comidas: el lechón adobado fue el plato preferido. También visitaron escuelas y hospitales públicos, donde firmaron autógrafos para los niños. Durante esta estancia, el Zorro peleó un duelo en el Circo Mágico de Carlitos Balá y fue visto por primera vez en el show de Mirtha Legrand, lo cual se repetiría a lo largo de los años. (Ella sería una de las celebridades que asistirían a su funeral en 1989).

Calvin lo acompañó al canal 13, donde hicieron un show (cada uno con su disfraz). Guy y Henry volvieron a California, donde Guy siguió manejando su empresa de elaboración de panetonne (pan dulce).

Tercera visita a Argentina y gira circense por Latinoamérica (1979)[editar]

La tercera visita fue en diciembre de 1974, esta vez solo y de incógnito. En 1979 Guy Williams retornó a Buenos Aires, no por un contrato con el Canal 13, sino para producir sus propios shows. Se había separado de su mujer, y su nuevo compañero era ahora Fernando Lúpiz, disfrazado como el Capitán Monasterio (o «Monastario», como le decían en inglés). Aunque llevaba un bigote como su personaje, el muchacho era demasiado joven para el papel. Para promover el espectáculo, el Zorro apareció en los programas Patolandia (protagonizado por el cómico Rafael Carret) y el Capitán Piluso (protagonizado por el cómico Alberto Olmedo). Williams presentó su show durante dos meses en todo el país, con excelentes críticas.

Este show se presentó en varios circos, donde se reservaba para el gran final al personaje que todos los niños argentinos querían ver en persona. En la arena, el presentador lo anunciaba con pompa. Aparecía el Zorro (mucho más alto de lo esperado, con su 1,90 m) en su caballo negro, saludando con la mano derecha alzada. Después de unas palabras, aparecía el capitán Monasterio (Lúpiz), comenzando la pelea, que duraba varios minutos, con la esperada victoria de Williams. La participación del Zorro era corta, de aproximadamente 15 minutos, pero todos los presentes estaban maravillados de ver a su héroe (cuyas aventuras seguían a diario a través de la pantalla chica). En la avenida Sarmiento había un gigantesco cartel publicitario con la silueta del ídolo y una letra Z.

Película cancelada con Palito Ortega[editar]

En 1977, los productores Carlos Montero (de canal 13) y Enrique García Fuertes anunciaron el proyecto El Zorro y su hijo, una película que protagonizarían Williams y Lúpiz. En esta época, el productor Carlos Patiño comenzó las negociaciones para contratar al Zorro para el circo Real Madrid de los hermanos Seguras, un espectáculo en el que se acostumbraba a ver figuras famosas. El Real Madrid fue el mayor éxito en Mar del Plata durante 1977 y 1978. De diciembre de 1977 a marzo de 1978, 250 000 personas aplaudieron al Zorro en persona.

La fiebre del Zorro no se acababa. Williams hizo muchos amigos argentinos, y estaba encantado con el país. El proyecto de la película se volvió una obsesión para Guy. Había comenzado como un proyecto secundario, pero pronto Williams se dio cuenta de que sería la resurrección de su carrera. Empezó a trabajar en el guion y los escenarios. Su intención era usar sitios naturales reales de Argentina. El título provisional de la historia era Zorro. El proyecto era muy ambicioso, estimado en dos millones de dólares, demasiado caro para la inestable economía de Argentina, pero él insistía que se vería al mismo tiempo en 65 países.

El único que podía financiar la película era el cantante y actor Palito Ortega. "El Rey" Ortega hizo muchos cambios al guion y a los sitios de filmación que había elegido Williams. Ortega también ordenó que el papel de Bernardo lo hiciera Carlitos Balá. También se había decidido que el papel del capitán Monasterio sería del actor argentino Alfredo Alcón (y no de su compañero Lúpiz). Para Guy esto fue demasiado, no porque no le gustaran Balá o Alcón, sino porque veía desaparecer su trabajo de tres años bajo los deseos de Ortega. De esta forma el proyecto quedó abortado.

Sin el filme, Williams no tenía nada que hacer en Buenos Aires y volvió a California a principios de los años ochenta. El guion del proyecto puede verse en el Museo del Cine de Buenos Aires.

Debido a un error de traducción de una página web, se ha reproducido en varios portales que la película que Guy Williams y Fernando Lúpiz iban a filmar en la Argentina se llamaría "El Rey", para evitar problemas legales. Ello es inexacto. El texto original de la referida página web decía que "El Rey" Ortega hizo muchos cambios en el guión (en alusión al conocido sobrenombre del cantante y productor argentino Ramón Ortega). Los traductores norteamericanos no entendieron ésto y tradujeron como que la película se llamaría "El Rey". Vuelta a traducir al español, el error se repitió una y otra vez. La película se llamaría "El Zorro vivo o muerto", con argumento de Guy Williams, Aracelli Lisazo, Doris Band y Juan Carlos Torres.

Último viaje a Argentina y últimos años (1980-1989)[editar]

Williams pronto volvió a la ciudad que le había abierto los brazos y lo había adoptado como un ídolo. En esta última etapa en Buenos Aires, Guy cultivó un perfil bajo. Sólo raramente salía una nota en la revista Radiolandia la cual afirmaba que El Zorro vivía en Buenos Aires. Le gustaba tomar café en La Biela, en el barrio de Recoleta, leyendo The Buenos Aires Herald. Se lo veía caminando desde el hotel Alvear al edificio donde vivía y donde todos lo conocían. Continuó haciendo amigos argentinos.

En 1983 Williams regresó a Los Angeles para dos últimas apariciones en televisión. Se reunió con los otros miembros del reparto de Perdidos en el espacio, June Lockhart, Angela Cartwright, Bob May y Marta Kristen, y juntos participaron del programa de concursos Family Feud, compitiendo contra los miembros del reparto de La isla de Gilligan.³​ Luego apareció como invitado en el programa Good Morning America.⁴​

Durante sus últimos años, Williams invirtió en propiedades en Argentina y gastó sus horas caminando o tomando café en los bares de la Recoleta. En el medio tuvo una embolia en 1983 de la que fue recuperándose lentamente, y después de la cual desistió de su intento de volver a Los Angeles.¹​

Fallecimiento[editar]

En abril de 1989, mientras pasaba su vida en Buenos Aires, Guy Williams, quien contaba entonces 65 años de edad, repentinamente desapareció. El 6 de mayo de 1989 los vecinos —que habían notado su desaparición— llamaron a la policía, que ese mismo día forzó la entrada de su apartamento en el exclusivo barrio de Recoleta, hallando su cuerpo sin vida. Había sufrido un aneurisma cerebral,⁵​ aproximadamente una semana antes, el 30 de abril, mientras estaba solo en su apartamento de la calle Ayacucho 1964, y no sobrevivió. Ya había sufrido otro aneurisma con anterioridad en 1983, en California.

Gracias a los esfuerzos de su compañero Fernando Lúpiz, sus restos quedaron dos años en el panteón de la Asociación Argentina de Actores (a pesar de la regla de que es sólo para actores argentinos). En 1991 su hijo Steve recibió sus cenizas en California y cumplió el deseo de su padre de que fueran esparcidas en las montañas de California, en la playa de Malibú y en el océano Pacífico.

1940: 

Nace Georgie Dann, cantante francés afincado en España.

Georges Mayer Dahan (París, 14 de enero de 1940 - Majadahonda, España, 3 de noviembre de 2021), reconocido artísticamente como Georgie Dann, fue un compositor y cantante francés naturalizado español.¹​²​

Trayectoria artística[editar]

Nacido en el seno de una familia de músicos y artistas, tuvo formación musical en su infancia. Estudió nueve años en el Conservatorio de París, y se convirtió en un experto clarinetista, tocaba también el saxo y el acordeón y era diplomado en magisterio. Inició su trayectoria artística en Francia, donde formó parte de grupos de pop. Llegó en 1965 a España para representar a su país en el VI Festival de la Canción Mediterránea, con la canción "Tout ce que tu sais".³​ Se estableció en España y se especializó en la denominada canción del verano, de la que fue uno de sus principales representantes, icono popular de la canción ligera.⁴​

Su primer gran éxito fue "El casatschok", en 1969⁵​ y cosechó un gran éxito en las décadas de 1970 y 1980 con canciones de estribillos pegadizos y bailables y letras a veces picantes, como "El Bimbó", "Macumba", "Carnaval, carnaval", "El africano", "El chiringuito", "La barbacoa", "El Koumbo", "La paloma blanca", "Cuando suena el acordeón", "Coctel tropical", "El dinosaurio", "Mi cafetal", "La cerveza", "El negro no puede" y otras.⁶​ Los primeros videoclips musicales que se emitieron en RTVE correspondieron a temas de su autoría.⁷​

Su canción de 2007 'Mecagüentó' parece ser una autoparodia de la temática veraniega que tantos éxitos le dio, ya que cuenta de la historia de un padre que se va de vacaciones y todo le sale mal.⁸​

Vida privada[editar]

Durante la mayor parte de su vida residió en Madrid. En 1974 contrajo matrimonio con la española Emilia García Emy, una de sus bailarinas, con quien tuvo tres hijos, nacidos en Madrid. Dos de sus hijos, Patricia y Paúl, formaron el dúo Calle París.⁹​

Georgie Dann que padeció durante sus últimos años un cáncer de pulmón, falleció el 3 de noviembre de 2021 en el quirófano del Hospital Puerta de Hierro de Majadahonda (Comunidad de Madrid), durante una operación de cadera,¹⁰​ fue enterrado en el Cementerio de Majadahonda, localidad madrileña en la que residía.¹¹​

https://www.youtube.com/watch?v=YoQLowFKgpQ

https://www.youtube.com/watch?v=cvaiLxjX0T0

1941: 

Nace Faye Dunaway, actriz estadounidense.

Dorothy Faye Dunaway (Bascom, 14 de enero de 1941) es una actriz estadounidense ganadora del premio Óscar así como de un premio Emmy, tres Globos de Oro y un BAFTA. Fue uno de los iconos sexuales más reconocidos de las décadas de 1960-70 y es una de las actrices con más películas en la lista de las 100 mejores de la historia. Figura controvertida en su profesión, de carácter «difícil» y con una carrera tan larga como llena de altibajos comerciales, se la considera, junto con Marlene Dietrich, Barbara Stanwyck y Lauren Bacall, como una de las más famosas «mujeres fatales» de la historia del cine.

Biografía[editar]

Hija de un sargento del Ejército de los Estados Unidos, estudió teatro en la Universidad de Boston y posteriormente se graduó en la Universidad de Florida.

Comenzó a trabajar en la Lincoln Center Repertory Company, donde se labró una buena imagen como actriz.

Bonnie & Clyde[editar]

Su debut en el cine fue en 1967, año en que encadenó tres filmes. Participó con roles menores en The Happening (El suceso) protagonizado por Anthony Quinn, y en La noche deseada (Hurry Sundown) de Otto Preminger, con un elenco encabezado por Michael Caine y Jane Fonda. Fue también ese año cuando consiguió el papel que marcaría su ascenso en Hollywood: el de la ladrona y fugitiva Bonnie Parker en Bonnie & Clyde de Arthur Penn, donde tuvo por pareja a Warren Beatty. Este filme, considerado hoy un clásico del cine, le supuso a la actriz su primera nominación al Óscar.

En 1968 coprotagonizó junto a Steve McQueen El caso de Thomas Crown (también participaría en un remake dirigido por John McTiernan 30 años después) y en 1969 intervino en The Arrangement (El compromiso) de Elia Kazan, ambicioso filme que fracasó pese al protagonismo de Kirk Douglas y Deborah Kerr.

Década de 1970[editar]

Durante la década de los años setenta se consagró como actriz y se codeó con los principales actores del momento en películas hoy consideradas magistrales. Es el caso de: Pequeño gran hombre (1970) con Dustin Hoffman; Chinatown (1974) con Jack Nicholson y John Huston (por la que obtuvo su segunda nominación al Óscar); El coloso en llamas (1974) con Paul Newman y Steve McQueen; Three Days of the Condor (1975) con Robert Redford; y Network, un mundo implacable (1976) con William Holden, Peter Finch y Robert Duvall, película por la que finalmente consiguió ganar la estatuilla de Hollywood, y un Globo de Oro, gracias a una actuación memorable.

También incursionó en el cine europeo: dirigida por René Clement rodó en 1971 La mansión bajo los árboles, con Frank Langella, y en 1973 participó en la superproducción Los tres mosqueteros de Richard Lester.

En 1977 trabajó en El viaje de los malditos, dentro de un extenso reparto de estrellas (Orson Welles, Max von Sydow, Ben Gazzara, James Mason, Maria Schell, Fernando Rey...) y en 1978 coprotagonizó con Tommy Lee Jones Los ojos de Laura Mars, un thriller para cuya banda sonora cantó la balada "Prisoner", que no tuvo el éxito esperado. Cerrando la década actuó en otro éxito de taquilla: El campeón de Franco Zeffirelli, junto a John Voight y Ricky Schroder.

Década de 1980[editar]

En 1981 fue notable su histriónica actuación en Mommie Dearest (Mamita querida), donde encarnó a la mítica actriz Joan Crawford. Este filme, basado en un durísimo libro de memorias escrito por una hija de Crawford, recibió críticas mixtas en el momento de su estreno, pero fue un éxito de taquilla (recaudó 39 millones de dólares, habiendo costado solo 8) y se ha convertido con el tiempo en película de culto.

En 1984 Faye Dunaway tuvo menos suerte al participar en la fallida adaptación de Supergirl protagonizada por Helen Slater y dirigida por Jeannot Szwarc; aunque este filme contó con otras estrellas como Peter O'Toole y Mia Farrow, fracasó en taquilla.

Ya con una reputación de diva (a la que contribuyó su fama de actriz «difícil» o «temperamental») Faye Dunaway dosificó sus tiempos y proyectos, si bien hizo muchas apariciones en televisión, miniseries y en varias obras teatrales. Destaca una serie italo-norteamericana sobre Cristóbal Colón (1985), dirigida por Alberto Lattuada, donde encarnó a Isabel la Católica. El reparto lo encabezó Gabriel Byrne e incluyó a viejas glorias europeas y americanas como Raf Vallone, Elli Wallach, Virna Lisi, Max von Sydow y Elpidia Carrillo.

Dunaway también participó en una mini-serie de tres capítulos sobre los emigrantes que llegaban a la Isla Ellis en su viaje a Nueva York (Ellis Island, 1984) donde tuvo por compañero a Richard Burton. Ganó su segundo Globo de Oro por este trabajo. En 1985 colaboró también en dos telefilmes adaptando aventuras de Agatha Christie, donde se codeó con Donald Sutherland y Peter Ustinov. En 1987 rodó con Mickey Rourke Barfly (El borracho), dirigido por Barbet Schroeder según un argumento de Charles Bukowski; por este papel la actriz fue nominada a un Globo de Oro. Al año siguiente trabajó junto a Klaus Maria Brandauer en Burning Secret.

En esos años se le ofreció un papel relevante en la soap opera Los Colby, pero lo rechazó.

Desde 1990[editar]

En 1993 tuvo un papel destacado en el elogiado filme de Emir Kusturica El sueño de Arizona.

Como actriz secundaria ha participado en gran número de películas, como Cámara sellada (The Chamber, 1996) de James Foley, Juana de Arco (1999) de Luc Bessono Don Juan de Marco (1995), donde tuvo por partenaire al mítico Marlon Brando en uno de sus últimos papeles. En 1997 protagonizó una película española: En brazos de la mujer madura, de Manuel Lombardero.

En 1993 Faye Dunaway se enzarzó en un conflicto judicial debido al musical Sunset Boulevard de Andrew Lloyd Webber: cuando dicha obra se representaba en Los Ángeles, ella fue elegida para reemplazar a Glenn Close, pero los productores cambiaron de opinión anunciando el final de las funciones cuando Close terminase su contrato, y argumentaron que Dunaway no satisfacía las exigencias vocales del papel. Ella consideró que tal afirmación perjudicaba su imagen y emprendió un litigio. Finalmente fue indemnizada en un acuerdo privado y el proceso se archivó.

En 1998 Dunaway colaboró con Angelina Jolie en el telefilme Gia, historia real sobre una top model drogadicta; ambas actrices ganaron el Globo de Oro. Por las mismas fechas, la veterana actriz participó con un papel secundario en The Yards (La otra cara del crimen), película de James Gray con Mark Wahlberg, James Caan, Joaquin Phoenix y Charlize Theron. Si bien recibió diversos galardones, esta producción fracasó en taquilla.

En los últimos años Faye Dunaway ha participado principalmente en películas independientes y en series de televisión como CSI y Anatomía de Grey. Hacia 2009 anunció que planeaba financiar y protagonizar una adaptación al cine de la obra teatral Master Class (sobre la diva de la ópera María Callas) pero el filme no se hizo realidad.

1942:

Muere  Porfirio Barba Jacob, poeta y escritor colombiano (nacido en 1883).

Porfirio Barba Jacob (Santa Rosa de Osos, 29 de julio de 1883 - Ciudad de México, 14 de enero de 1942) fue uno de los seudónimos del poeta colombiano Miguel Ángel Osorio Benítez.¹​

Historia[editar]

Porfirio Barba Jacob nació en Santa Rosa de Osos, Antioquia, el 29 de julio de 1883, hijo de Antonio María Osorio y Pastora Benítez, se crio con sus abuelos en Angostura y en 1895 inició su peregrinaje, que lo llevó por varias ciudades del país y, a partir de 1907, a América Central y a Estados Unidos. Cambió su nombre real Miguel Ángel Osorio Benítez por Porfirio Barba-Jacob, que conservó hasta su muerte.

La razón de cambiar su nombre por el original y enigmático Porfirio Barba Jacob se debió a muchos problemas judiciales ocasionados por un homónimo de Ricardo Arenales.

Su vida fue un continuo y desgarrado peregrinaje por diversos países de América. Estuvo radicado en Guatemala, Honduras, Costa Rica, El Salvador, Cuba, Perú y México, colaborando con toda suerte en publicaciones literarias y políticas. Contradictorio, siempre propenso al escándalo, enriqueció la leyenda sobre su extravagante persona con una producción poética peculiar. Su espíritu errabundo, lleno de pasión y de nostalgia, formó parte esencial de su obra, signada además por la angustia y la sensualidad.

Lírico como ninguno, dice de él Nicolás Bayona Posada que poseyó el arte maravilloso de unir a la música de las estrofas una embriagadora melodía de pensamientos originales y alucinantes. Murió en 1942 de tuberculosis en la Ciudad de México. Cuatro años después de su fallecimiento, en 1946, el gobierno colombiano trasladó sus restos a Colombia.

Barba Jacob fue abiertamente homosexual.²​ La primera referencia a su homosexualidad se encuentra en el libro «El hombre que parecía un caballo y otros cuentos», obra maestra del escritor guatemalteco Rafael Arévalo Martínez, escrita en 1914.

Frases[editar]

·         «El corazón del campo te dará su vigor para entrar en el último sueño puro».

·         «La dama de los cabellos ardientes».

·         «Nadie puede impedir que un perro callejero se orine en el monumento más glorioso».

·         «Vale más el oro del sonido, que el sonido del oro»

 https://www.youtube.com/watch?v=waqsjtCa5Lc

1943:

Nace José Luis Rodríguez, El Puma, cantante venezolano.

José Luis Rodríguez González (Caracas, 14 de enero de 1943), más conocido por su apodo artístico El Puma, es un cantante, actor, empresario y productor discográfico venezolano.

Biografía[editar]

Es el último de los once hijos del matrimonio entre el comerciante español José Antonio Rodríguez y el ama de casa venezolana Ana González. Su padre murió cuando José Luis tenía 6 años de edad. Su madre era activista del partido Acción Democrática, por lo que durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez decidió exiliarse en Ecuador con sus hijos. A su regreso, José Luis ingresó en la Escuela Técnica Industrial de Caracas, donde cursó estudios de técnico electricista.

Inicios musicales[editar]

Sus inicios como cantante se remontan a esta época, primero dando serenatas y luego ingresando como reemplazo del vocalista Ariel Rojas en el conjunto de voces juveniles denominado "Los Zeppy", inspirado en The Platters y Los Cinco Latinos, también integrado por la futura bolerista Estelita del Llano, Nicolás Alvarado, Agustín Calzadilla y Alberto Lewis.¹​ Este grupo ganó entre otros premios el Guaicaipuro de Oro e hizo presentaciones en Venezuela y Curazao. A pesar del éxito alcanzado, la carrera de la agrupación fue corta y a finales de 1962 se produce la separación del grupo por razones personales. Esta experiencia le sirvió a Rodríguez para decidirse a continuar en la música por lo que comenzó a participar en concursos de aficionados y presentarse en diferentes locales caraqueños. Uno de sus amigos, el compositor y músico José Enrique "Chelique" Sarabia lo integra a su programa de TV de aficionados llamado "Media hora con Chelique" donde comienza a cantar regularmente percibiendo un sueldo. También es este compositor quien lo anima a grabar su primer disco solista, para la empresa discográfica venezolana "Productora de discos Velvet", en formato EP titulado "Chelique Sarabia presenta su nueva voz: José Luis Rodríguez". Como confesaría años después Rodríguez, siendo artista consagrado, nada pasó con este disco de escasas ventas y su situación económica era difícil.

Carrera artística[editar]

Es en el programa de Chelique Sarabia, donde el director de orquesta, músico y arreglista dominicano Luis María "Billo" Frómeta lo descubre en septiembre de 1963 y lo contrata como cantante en su orquesta, "Billo's Caracas Boys", reemplazando al bolerista Felipe Pirela quien realizaba sus últimas presentaciones con la orquesta antes de iniciar su carrera solista. Con la orquesta pasa cuatro años interpretando boleros y ocasionalmente merengue dominicano, música navideña y cha-cha-chá, viajando por el Caribe, Centro y Sudamérica grabando 6 LP y algunos sencillos los cuales constaron de 34 canciones y 9 mosaicos de temas bailables diversos. Es durante esta época, que incursiona en la actuación, interviniendo en la comedia musical de la televisora RCTV "Cantando llega el amor", junto a Mirtha Pérez y Mirla Castellanos.²​

En esta actividad conoce en 1965 a la joven cantante y actriz zuliana Lila Morillo con quien contrae matrimonio civil en 1966. Logra su primera oportunidad de actuar como solista en el 1º Festival de la Fundación del Niño (1965), organizado por la "Fundación del Niño", certamen en el cual José Luis Rodríguez interpreta el tema "Amor, laurel y luz" bajo dirección y arreglos del propio Billo Frómeta. Luego participa en el siguiente Festival (1966) con "Caracas de Ayer", contando una vez más con Billo Frómeta en los arreglos y dirección orquestales.³​ Finalmente, en octubre de 1966, al separarse por consejo de Billo Frómeta de la orquesta, decide continuar su carrera como solista, siendo recibida esta decisión con escepticismo por parte de algunos periodistas que dudaban de que tuviera una carrera exitosa. Es durante esta época cuando se inicia en la actuación, interviniendo en la comedia musical de RCTV "Cantando llega el amor", junto a Mirtha Pérez y Mirla Castellanos.

En 1967, nace la primera hija del matrimonio, Liliana. Firma su primer contrato discográfico con la empresa "Productora de discos Velvet" y graba su primer LP titulado "José Luis...favorito!", en el cual siguiendo la tendencia marcada por Felipe Pirela, graba boleros además de los temas por los cuales había participado en los festivales de la Fundación del Niño, hasta que decide mudarse a las baladas y otros géneros pop. Su siguiente LP "Lo Romántico de José Luis", grabado en 1968 marca este cambio en el estilo del artista. Entonces su rango de acción comprendía su país y naciones vecinas, salvo Brasil. Las telenovelas en las cuales participó comienzan a darle una nueva figuración artística. Sin embargo, la carrera de Rodríguez comienza a ser marcada más por el seguimiento de los medios de farándula que por su talento natural, casi desde el mismo momento de su noviazgo con Lila Morillo.

Internacionalización[editar]

En 1969, es seleccionado para representar a Venezuela en el "Primer Festival de la Canción Latina en el mundo" que se celebró en la Ciudad de México, entre los días 19 y 23 de marzo de ese año.⁴​ La canción que presentó, titulada "No, no puede ser", escrita por el compositor, guitarrista y creador del grupo venezolano "Los Naipes", Luis Cruz, autor de la versión castellana del "Cumpleaños Feliz" (Ay, qué noche tan preciosa, interpretada por Emilio Arvelo), obtuvo el tercer lugar y ganó la medalla de oro a la mejor canción, obteniendo Rodríguez, por su parte, igual galardón como mejor intérprete masculino. Esta experiencia, le sirve para grabar un LP titulado "Grito al mundo" (1969) y, a la vez, para obtener un contrato de grabación con la filial mexicana del sello CBS Columbia, con la cual graba su álbum titulado "José Luis Rodríguez". Posteriormente, disuelve su contrato con "Velvet" y es contratado por la discográfica venezolana, hoy desaparecida, "TOP HITS-La Discoteca", e incluye en sus producciones temas musicales para las telenovelas que él empezó a protagonizar. Ese mismo año, nace su segunda hija con Lila Morillo, Lilibeth Morillo.

En 1972 orienta su carrera musical hacia géneros pop de la mano del cantautor venezolano Edgar Enrique Quintero, apodado Edgar Alexander, quien compuso canciones especialmente para él en su álbum "El hombre de la cima". En 1973, Rodríguez, hace pública su decisión de abandonar el catolicismo y se bautiza por el rito protestante, en San Juan de Puerto Rico. En ese año, hacía promoción a productos detergentes y apoyó junto a Lila Morillo la candidatura del político venezolano Lorenzo Fernández, del partido COPEI, en las elecciones presidenciales de ese año, las cuales perdió. Incluyó su contrato con esta agrupación política, su aparición en propagandas y la grabación de un disco de 45 RPM junto con su esposa, con temas usados en la campaña de esa organización. Al margen de esta actividad, inicialmente, la música de Rodríguez se adaptará a su nueva fe religiosa, volviendo después a su repertorio habitual y participando en algunos programas de televisión de organizaciones protestantes como Club PTL, presentado en Puerto Rico.

Coprotagoniza en 1974 la telenovela venezolana "Una muchacha llamada Milagros", de Delia Fiallo, en la cual interpreta a un personaje denominado "El Puma" al igual que el tema musical que interpretó el cantante argentino Sandro, entonces de moda. A partir de entonces se le conocerá por ese sobrenombre. El 26 de octubre de 1974representa a Venezuela en el tercer Festival de la OTI con el tema "Vuélvete", ganando en esta competencia el tercer lugar y siendo ésta su última participación en festivales artísticos.⁵​ Luego, en 1975 protagoniza al lado de Ada Riera la telenovela "La Señorita Elena" para el canal de televisión Venevisión. En 1976, firma un contrato con la empresa puertorriqueña Salvation Records, empresa creada por los músicos Richie Ray y Bobby Cruz con la cual graba su único disco de carácter religioso titulado "Una nueva canción".⁶​ Sin embargo, como cantante su carrera sufría cierto estancamiento, en comparación a la popularidad de su esposa como artista. En 1976 también participa en las telenovelas "Carolina" y "Angélica" para RCTV.

Esta situación se revierte en 1976, cuando conoce al empresario deportivo argentino Héctor Maselli, quien decide internacionalizarlo. En 1977 logra ser protagonista en Puerto Rico en la telenovela "Cristina Bazán" junto a la actriz Johanna Rosaly, telenovela que le abre las puertas internacionales.

Éxito mundial con la canción española[editar]

Definitivamente la etapa mas conocida e importante del artista y las canciones que le conocemos de su repertorio como cantante. Renuncia a su contrato en Venezuela y firma con la división española de Ariola Records, grabando en España su primer disco en dicho país cuyo título es:

"Una Canción De España" producido por el compositor Manuel Alejandro, del cual la balada "Voy a perder la cabeza por tu amor" se convierte tema central de la telenovela "Cristina Bazán" y su primer éxito en esta etapa.

A este álbum le sucede en 1978 "Por si volvieras" también grabado en los estudios Eurosonic de Madrid, e igualmente producido y compuesto por Manuel Alejandro. De este disco, se convierten en temas promocionales las canciones "Tendría que llorar por ti" y "Este Amor Es Un Sueño De Locos".

En 1980, edita el álbum titulado en España, "Me vas a echar de menos" y "Atrévete" en otros mercados latinoamericanos, el cual fue producido por los compositores españoles Pablo Herrero y José Luis Armenteros. En el álbum fue incluida una canción venezolana titulada "Pavo Real", del cantante y compositor César del Ávila, conociéndosele al artista por un tiempo con este apodo.

En 1981, firma con la división española de la empresa discográfica CBS (actualmente, Sony Music) y se da a conocer en Venezuela un álbum titulado José Luis Rodríguez cantando éxitos de siempre,⁷​ que fue una reedición parcial de su álbum grabado en México en 1969.

Al año siguiente, nuevamente con el respaldo del compositor español Manuel Alejandro y sus colaboradores Ana Magdalena (seudónimo de Purificación Casas Romero, esposa del compositor) y David Beigbeder, se lanza el álbum "Dueño de nada" donde la balada que da el nombre al álbum se convierte en un tema representativo del cantante.

Gracias a CBS, Rodíguez es lanzado al mercado discográfico de Brasil con el LP "Dono de nada", que contiene versiones en idioma portugués de temas del anterior disco y con algunos temas del álbum "Atrévete", convirtiéndose en el primer cantante venezolano que graba en ese idioma. La estrategia es respaldada por su presentación en algunos programas de televisión emitidos en Brasil. En 1981 participa como artista invitado en el Festival de Viña del Mar, estrenando allí la canción "Chile, aquí se respira amor", que nunca figuró en su discografía oficial. Durante su actuación en el último día del festival, tuvo un encuentro con el cantante español Julio Iglesias, ya que la prensa destacaba una supuesta rivalidad entre ellos dado sus estilos distintos de cantar y principalmente por la popularidad que ambos conseguían. Posteriormente, ambos grabaron a dúo en una sola ocasión el tema Torero.

En 1983 se edita el disco "Ven" respaldado nuevamente por los compositores Pablo Herrero y José Luis Armenteros, del cual son temas promocionales "Culpable soy yo", "Shalom" y "No te pareces a nadie" del cantautor José María "Chema" Purón.

Posteriormente, comienza a residir en Miami, (Estados Unidos). En 1984, marca un nuevo hito en su carrera al presentarse como invitado en el Festival de San Remo(Italia) y grabar en idioma italiano el LP "Due Come Noi" ("Dos como nosotros") que contiene el tema del mismo nombre compuesto por Toto Savio y Amerigo Casella, versionado en español posteriormente por Luis Gómez Escolar e intenta llegar al mercado de habla inglesa de Estados Unidos, sin lograrlo. Sin embargo se hizo algo conocido, como lo denota su presencia en la Casa Blanca invitado por Nancy Reagan, para el almuerzo anual en honor de las esposas de los congresistas, en celebración de las bodas de oro del humorista estadounidense Bob Hope y en la Teletón organizada por el actor humorístico Jerry Lewis. Igualmente, apareció en el programa de la cantante Ann Murray y se presentó en el teatro Radio City Music Hall de Nueva York, el Teatro Griego de Los Angeles y el Summit de Houston. Abandona después su intento por conquistar a los mercados europeos y brasileños.

Igualmente, participa en la grabación de la melodía "Cantaré, cantarás" compuesta por Juan Carlos Calderón y Albert Hammond, con diversos artistas españoles como Julio Iglesias, Rocío Jurado, Miguel Gallardo, Ramon Arcusa y latinoamericanos como Emmanuel, Lucía Méndez, Pedro Vargas, José José, Vikki Carr, Roberto Carlos y Simone, en un fin muy parecido al del álbum "We are the world".

En 1985 se graba su último álbum en España titulado "El Último Beso", que incluyó un dúo con la cantante brasileña Simone en lo que marca el inicio de sus eventuales colaboraciones con otros artistas, y los temas promocionales fueron el tema venezolano de Celestino "Tino" Carrasco titulado "Amalia Rosa" y el éxito "Agárrense de las manos" del cantautor español Chema Purón.

Empresario y cantante[editar]

Sin embargo, su ascenso repentino, generó problemas en su entorno familiar ya que la carrera de su esposa ya había iniciado su declive y estancamiento, además de las ausencias del artista, debido a sus múltiples compromisos. Estas crisis concluyen con su divorcio en junio de 1986. Al año siguiente, inicia una relación de pareja con la modelo cubana Carolina Pérez, con quien se casaría en 1996 y con quien procreó a su hija menor, Génesis Rodríguez, nacida en 1987. En 1988, siendo ya un artista reconocido internacionalmente, El Puma arriesga su prestigio apoyando abiertamente al polémico político venezolano Carlos Andrés Pérez quien aspiraba a ser reelegido presidente de Venezuela, lo cual logró. Ya en este período, "El Puma" consolida su carrera de cantante en los mercados hispanos y solo vuelve a su país para hacer la telenovela "Piel" junto al lanzamiento de su tercer Disco Compacto "Piel de hombre" (1992) y en (1988) protagoniza para Venevisión la telenovela "Sueño contigo".

En 1995, Rodríguez se inicia como empresario al fundar el primer canal venezolano de videos musicales denominado "Bravo TV", el nombre después cambia a Puma TV, el cual posteriormente es vendido a un grupo empresarial venezolano. En 1997, José Luis Rodríguez vuelve al género del bolero con el álbum "Inolvidable" en el que rindió tributo al Trío Los Panchos. El disco es respaldado de tal modo que, después de lanzar su siguiente disco, titulado "El Puma en ritmo" (1999), ese año se aboca a grabar "Inolvidable II: Enamorado de ti" y en 2001 presenta "Inolvidable III: Algo contigo", álbumes que reciben apoyo del público y de la crítica.

En 2002, José Luis Rodríguez es contratado por la empresa discográfica transnacional BMG, haciendo que a esta compañía pase el catálogo de sus grabaciones con Ariola y Polygram. Inicia entonces la grabación de un álbum con baladas en español de los años 70, titulado "Champagne", lanza su propio sitio en Internet y en 2003 presenta "Clave de amor" respaldado por orquesta y por el pianista argentino Raúl Di Blasio. Pero el alejamiento de Venezuela y otros países en los últimos tiempos, sumadas al supuesto decaimiento de sus facultades vocales y al avance del copiado no autorizado de discos, hacen que estos álbumes sean recibidos casi con indiferencia.

El 10 de mayo de 2004, el cantante adoptó la ciudadanía estadounidense sin renunciar a la venezolana.⁸​⁹​ Posteriormente, se enfrenta a una nueva crisis familiar, motivada a la supuesta violación y embarazo de su hija menor, Génesis Rodríguez por parte del actor Mauricio Islas. Su anterior esposa, Lila Morillo, denunció que el cantante ocultó un hecho similar ocurrido a la mayor de sus hijas cuando aquella tenía 6 años de edad.¹⁰​

En 2005, José Luis Rodríguez firmó contrato con la compañía discográfica transnacional Universal Music y como admirador del cantautor español Camilo Sesto, graba varios temas en homenaje a él y, con la asistencia del compositor Roberto Livi, grabó un nuevo álbum que, en algunos países fue titulado "Distancia" y en otros "Sabor a México", el repertorio incluye boleros rancheros compuestos por el propio Livi. Este disco, presentó un número grabado al lado del grupo vocal argentino "Los Nocheros". Sin embargo, pese a la dimensión internacional del cantante, por razones que no son del dominio público, los CD grabados por el artista desde que se realizó este álbum, no fueron distribuidos en otros países latinoamericanos, como Venezuela.

En septiembre del mismo año, presentó el álbum "15 éxitos de José Luis Rodríguez" que contiene sus más sonados éxitos desde los inicios de su internacionalización, en nuevas versiones, respaldado por el sello estadounidense Líderes Entertainment.

El cantante, buscando que su hija menor incursionara en el cine, se mudó a la ciudad de Los Ángeles. Allí aprovechó para hacer una participación en una película, rodada en idioma español, destinada al mercado hispano de Estados Unidos. Esta es la cuarta incursión del artista en el cine, pues la primera fue en una brevísima actuación en la cinta venezolana "El reportero" (1966), en los inicios de su carrera solista, luego "Las golfas" y "Los juniors" ambas rodadas en México en 1969.

Actualidad[editar]

En 2005 participó en un episodio de la serie televisiva argentina Casados con hijos. A principios de septiembre de 2006, desde Argentina, fue lanzada, en convenio con la empresa de cosmética argentina Arbell, una línea de perfumes con su nombre destinada a su venta en América Latina, Estados Unidos y España. Igualmente, en dicho lanzamiento, Rodríguez expresó estar cansado de la piratería y de los manejos de las empresas discográficas. Por ello, renunció a mantener contratos discográficos y estableció su compañía disquera propia denominada Elpuma.com mediante la cual lanzó en 2006 su álbum titulado "Homenaje a José Alfredo Jiménez" el cual fue editado en formato de archivo mp3, lo que marcó la incorporación del cantante a los formatos digitales de distribución musical. El álbum fue incluido en un reproductor mp3 llamado Evolución. Sin embargo, dado que dicho reproductor no estuvo disponible en países como Venezuela, el cantante decidió firmar nuevamente un contrato discográfico con la transnacional Sony BMG con la cual presentó, en julio de 2007, un álbum grabado con orquesta de metales en el que rindió homenaje a las figuras de su mentor Billo Frómeta, Felipe Pirela y sus excompañeros en la orquesta Billo's Caracas Boys, José "Cheo" García y Guillermo "Memo" Morales. El álbum apareció en formato de CD bajo el título de "Trópico" y e igualmente, bajo el título "Homenaje a Billo’s" en otro reproductor mp4 igualmente denominado Evolución. Luego, en septiembre del mismo año, presentó la versión en disco compacto de su álbum en homenaje a José Alfredo Jiménez.

En el lado actoral, José Luis Rodríguez formó parte del elenco de voces en español de la película de los estudios Walt Disney "La familia del futuro" (Meet the Robinsons, en idioma inglés) estrenada en marzo de 2007 en la cual se mencionó su nombre, y concluyó su participación en Trópico una telenovela grabada en República Dominicana la cual fue distribuida en América Latina, coincidiendo con el lanzamiento del álbum homónimo, ya mencionado. También fue en 2007 el presentador del programa internacional de Televisión Azteca llamado "Disco de Oro" junto a la cantante y presentadora de televisión María Inés Guerra.¹¹​¹²​¹³​

El 13 de mayo de 2009, Rodríguez se incorporó al reparto de la miniserie televisiva “Gabriel” producida para la audiencia de habla española en los Estados Unidos, por la empresa Megafilms y emitida por la empresa Mega TV basada en los temas del vampirismo y el ocultismo. Esta miniserie se estrenó en septiembre del mismo año.¹⁴​¹⁵​

En 2011 participó en Argentina de la publicidad "Fiesta de la P" de la compañía de celulares Personal, en la que alguien invita a todos sus amigos de Facebook sus nombres comienzan con la letra «P» apareciendo como Puma Rodríguez.¹⁶​ Además, en 2012 prestó su voz y su imagen para una publicidad de Banco Hipotecario S. A.en la que canta su tema Dueño de nada.

En julio de 2012 fue jurado y entrenador de voz en el concurso de franquicia La voz Argentina que se emitió en la televisora argentina Telefe.¹⁷​

Junto con los presentadores Fernán Martínez y Carolina Ramírez, sirvió de jurado de un programa de baile llamado La pista, que fue emitido por Caracol Televisión en Colombia.

En agosto de 2013, Rodríguez formó parte de la primera temporada de la La voz Perú, en el que cumplió el papel de tutor de uno de los cuatro equipos de vocalistas aficionados participantes. El 18 de septiembre de ese año, en una entrevista con el diario peruano "La República", Rodríguez, manifestó seguir activo realizando presentaciones pero descartó seguir grabando música, debido al incremento del copiado ilegal de discos.¹⁸​¹⁹​

En septiembre de 2014 reveló en una entrevista con el periodista peruano Jaime Bayly que padece fibromatosis pulmonar, una enfermedad incurable y que su salud está «al 80%».²⁰​Este año, firmó con la empresa InnerCat Music Group un contrato para grabar el disco Directo al espíritu, con el cual celebró su mejoría de la fibromatosis pulmonar, el cual contiene versiones nuevas de temas previamente grabados como "El hombre de la cima", "Desiderata", "El Guía" y el "Himno a la alegría", además de otros temas de corte cristiano. ²¹​También anunció el lanzamiento de su autobiografía titulada "El Puma y yo", además de tres proyectos discográficos más, lo que contradijo su declaración de no hacer más grabaciones.

El día 4 de febrero de 2015, Rodríguez al llegar a Chile para realizar una serie de presentaciones, ofreció una entrevista en la cual afirmó que lo único que no podía controlar el Gobierno de Venezuela "es el precio del petróleo, que afortunadamente gracias a Dios, va a seguir bajando”, al referirse al gobierno del presidente de Venezuela Nicolás Maduro al cual se opone, declaración que causó polémica. ²²​²³​El día 21 de abril de 2017, el artista presentó a los medios de comunicación su más reciente álbum titulado "Inmenso" editado por Sony Music Latin, en el cual hizo duetos con Ricardo Montaner, Vicente Fernández, Fonseca, Yordano y Amaia Monteroentre otros colegas suyos. ²⁴​

 https://www.youtube.com/watch?v=y96olukMtfg

 https://www.youtube.com/watch?v=U7RZAGObhCw

1945: 

Muere Arthur Wynne: constructor de crucigramas y editor británico (nacido en 1871).

Arthur Wynne (Liverpool, 22 de junio de 1871-Clearwater, 14 de enero de 1945)¹​ fue un editor y periodista británico y constructor de crucigramas en Estados Unidos.

Biografía[editar]

Era hijo de George Wynne, editor del periódico Liverpool Courier, y su esposa Ann Eliza Delicia Sheldon. Tenía un hermano y una hermana.¹​

Wynne emigró a Estados Unidos el 6 de junio de 1891, a la edad de 19 años. De acuerdo con la tradición familiar ―sus antepasados habían sido agricultores―, trabajó por primera vez para un granjero de cebollas en Texas. Pronto, sin embargo, como su padre, se convirtió en periodista, con su primer trabajo como editor de un diario en Liverpool (Ohio). Después se mudó a Pittsburgh (Pensilvania), donde fue nombrado editor de deportes del periódico local McKeesport,¹​ y el diario Pittsburgh Press.²​

Dos pasiones de la vida de Wynne fueron siempre la música y los rompecabezas.¹​ Demostró su versatilidad cuando fue nombrado editor musical y crítico musical del Pittsburgh Despatch. Incluso trabajó como segundo violín en la Orquesta Filarmónica de Pittsburgh.¹​

Más tarde, Wynne se mudó a Cedar Grove (Nueva Jersey), y a fines de 1913 consiguió trabajo como director editorial de la sección de entretenimientos de un periódico dominical de la ciudad de Nueva York, llamado New York World.²​

Invención del crucigrama[editar]

El domingo 21 de diciembre de 1913, Wynne fue presionado para ocupar un espacio en una página a punto de ser impresa. Utilizó el espacio para revivir el juego de palabras acróstico con palíndromos que conocía desde su infancia,²​ denominado «cuadrado mágico» o cuadrado sator. Este poseía un sistema similar al de un crucigrama (aunque utilizaba bustrofedones), y ya se utilizaba en la antigua Pompeya en el siglo I.³​ Construyó una cuadrícula hueca en forma de diamante con palabras entrelazadas, y le puso de nombre «word-cross» (‘cruz de palabras’).¹​ Más tarde, el nombre fue cambiado a «crossword» (‘crucigrama’ en inglés).²​

Había un par de antecedentes a este invento:

Cuarenta años antes, en 1873, un tal Hyperion empezó a publicar en la revista infantil St. Nicholas los «Double Diamond Puzzles» (rompecabezas de doble diamante), que eran una especie de crucigrama en el que no se proporcionaban los cuadritos, sino que el usuario debía entrelazar las palabras por sí mismo, en un papel aparte.⁴​ Posiblemente estos crucigramas se siguieron publicando durante varios años.⁵​

El 14 de septiembre de 1890 ―un año antes del supuesto invento de Wynne―, Giuseppe Airoldi publicó un crucigrama de su invención en la revista italiana Il Sécolo Illustrato della Doménica. Se titulaba «Per il tempo passare» (‘para pasar el tiempo’). Se trataba de una rejilla de cuatro por cuatro letras, sin cuadritos sombreados. Incluía pistas horizontales y verticales para las palabras ripa, oder, sera, amen y rosa, idem, pere, aran.⁶​ No tuvo ningún éxito, así que no volvió a publicarse ninguna nueva versión.⁶​

Se desconoce por qué se le atribuye a Wynne la autoría del primer crucigrama del mundo.⁷​

Quedó claro desde el principio ―a partir del volumen de cartas enviadas por los lectores― que las palabras cruzadas de Wynne se hicieron muy populares. Diez años después, dos jóvenes aspirantes a editores, R. L. Simon y M. Lincoln Schuster, publicaron el primer libro de crucigramas, creados por Margaret Petheridge ―sucesora de Wynne―. Este libro se convirtió en una moda nacional. Simon y Schuster vendieron más de dos millones de copias en los primeros 24 meses.¹​

La locura por los crucigramas se extendió al Reino Unido, cuando el London Sunday Express comenzó a publicar rompecabezas el 2 de noviembre de 1924. El periódico logró establecer que durante los años de guerra, con sus largas horas en los refugios antiaéreos, cuarteles, y las cubiertas de los comedores, uno de cada veinticinco británicos hizo un crucigrama todos los días.¹​

Wynne se convirtió en empleado de la empresa King Features Syndicate. Él no se benefició directamente de los muchos periódicos que utilizaron este servicio de distribución. No había podido patentar el concepto de crucigrama, porque este tenía demasiados antecedentes en la Antigüedad.

1948:

Nace Carl Weathers, actor estadounidense y ex-jugador de fútbol americano en Estados Unidos y Canadá.¹

Carl Weathers (Nueva Orleans, Luisiana; 14 de enero de 1948-Los Angeles, California;2 de febrero de 2024)¹​²​ fue un actor estadounidense y jugador de fútbol americano en Estados Unidos y Canadá.³​ Se hizo conocido por haber interpretado a Apollo Creed en la saga de películas Rocky y por su interpretación de Dillon en la primera película de Depredador. Su último trabajo como actor fué Greef Karga en la serie The Mandalorian de Disney+.

Trayectoria[editar]

En 1974 Weathers se retiró del fútbol profesional y dejó el equipo de los Oakland Raiders por su verdadera vocación, la actuación.

Sus dos primeras películas fueron Kung Fu y Friday Foster, ambas en 1975. Pero realmente su éxito en taquilla se produjo cuando los productores Irwin Winkler y Robert Chartoff lo eligieron para el papel de Apollo Creed en la película Rocky (1976). Weathers desempeñaría este papel en las cuatro primeras películas del boxeador italiano, mutándose desde ser su enemigo hasta ser su principal amigo, asesor y entrenador. El productor Joel Silver le dio luego un importante papel en Depredador, película de 1987 protagonizada por Arnold Schwarzenegger. De ahí en adelante tendría altibajos en su carrera, pasando por la gran pantalla y por series televisivas de los Estados Unidos entre las que destaca Street Justice (Justicia callejera).

Weathers fue miembro de la Big Brothers Association y del Comité Olímpico de Estados Unidos.

Vida personal y muerte[editar]

Weathers y su ex esposa, Mary Ann, tuvieron dos hijos.

Weathers murió en su casa de Los Ángeles, California el 1 de febrero de 2024, a la edad de 76 años. Su familia emitió un comunicado diciendo que murió "pacíficamente mientras dormía". ⁴​⁵​

1949: 

Nace Lawrence Kasdan, director de cine estadounidense.

Lawrence Edward Kasdan (Miami, Florida; 14 de enero de 1949) es un director y guionista estadounidense. Se hizo famoso por ser el guionista de las dos secuelas de Star Wars, y por participar en la creación, junto con George Lucas y Steven Spielbergdel personaje de Indiana Jones, del cual escribió el guion de la primera película, Raiders of the Lost Ark.

Biografía[editar]

De familia judía, se crió en Morgantown, Virginia Occidental. Tras ganar fama como guionista de la primera secuela de La guerra de las galaxias, en 1981 Kasdan, escribiría el guion de su primera película como director, Body Heat [Fuego en el cuerpo], película que fue un éxito de crítica y de público. En ella trabajaban actores jóvenes que se convertirían estrellas de la década tales como William Hurt, Kathleen Turner, Mickey Rourke, así como el televisivo Ted Danson. En el mismo año de 1981, también participaría junto con Steven Spielberg y George Lucas en la creación del personaje de Indiana Jones, y participaría en su guion.

Su siguiente película como director, de 1983 sería la película Reencuentro, una comedia coral en la que aparecían actores destacados como Tom Berenger, Jeff Goldblum, Glenn Close, Kevin Kline, y William Hurt, con el que ya había trabajado en la película anterior. En esta película aparecerá también Kevin Costner, al que convertiría en estrella en su siguiente película, un western titulado Silverado, además de Costner, en esta película trabajarían muchos actores famosos y conocidos del momento tales como Kevin Kline, Scott Glenn, Danny Glover, Brian Dennehy, Rosanna Arquette o Jeff Goldblum. Silverado de 1985 volvió a cosechar un éxito comercial si bien, no logró el objetivo de revitalizar el Western que llevaba años de capa caída tras el fracaso de La puerta del cielo de Michael Cimino. La crítica consideró que la película con ser entretenida, poco aportaba al género y era más bien una recopilación de western anteriores.

En 1988 adaptaría la novela de Anne Tyler The Accidental Tourist, en esta película volvería a reunir a la pareja protagonista de fuego en el cuerpo, William Hurt y Kathleen Turner, junto a ellos completaba el triángulo amoroso Geena Davis, que ganaría un Óscar como mejor actriz de reparto por esta película. En 1990 repite con una comedia coral Te amaré hasta que te mate donde vuelve a trabajar con viejos conocidos como Kevin Kline ó William Hurt y con nuevas estrellas en ciernes como Keanu Reeves o el malogrado River Phoenix.

En 1991, realizaría, la que para algunos es su obra maestra, Grand Canyon, una película coral, llena de grandes interpretaciones y de grandes momentos, la película narra la historia de varias familias de la ciudad de Los Ángeles que se entrecruzan constantemente.

En 1994 Kasdan, volvería a dirigir un western, Wyatt Earp, una ambiciosa película protagonizada por Kevin Costner que daba vida al famoso Sheriff, y que contaba con un gran número de estrellas, sin embargo, en esta ocasión la película no está a la altura de las expectativas, y su desmedido metraje, la convierten en una película aburrida, si bien siempre se puede destacar la gran interpretación de Dennis Quaid en el papel de Doc Holliday. Puede darse el dato curioso que Costner, que había empezado a convertirse en una estrella con el primer western de Kasdan, comenzaría su declive justamente con esta película.

Escarmentado del Western y de las superproducciones, la siguiente película de Kasdan French Kiss sería una comedia menor, aunque entretenida, en ella volvía a contar con Kevin Kline y lo emparejaba con Meg Ryan, actriz siempre eficaz en la comedia romántica.

Sus dos últimas películas, Mumford y El cazador de sueños no han cubierto las expectativas que siempre crean una película de Kasdan, que si bien tiene una filmografía corta como director si es en la mayoría de los casos bastante más que interesantes.

The Hollywood Reporter informó el 20 de noviembre de 2012 que Kasdan estaba cerca de cerrar un acuerdo para escribir y producir los episodios VIII y IX de la saga Star Wars junto con Simon Kinberg.¹​

1957: 

Muere Humphrey Bogart, actor estadounidense (nacido en 1899).

Humphrey DeForest Bogart (Nueva York, Nueva York; 25 de diciembre de 1899-Los Ángeles, California; 14 de enero de 1957) fue un actor de cine y teatro estadounidense. El estilo cínico y moralmente dudoso de muchos de sus personajes, el eterno cigarrillo siempre entre sus dedos y su condición de galán poco convencional son algunos de los rasgos más recordados de su filmografía. Según la lista del American Film Institute, está considerado la primera estrella masculina más importante de los primeros cien años del cine estadounidense.

1961:

Nace Mike Tramp, músico danés.

Michael Trempenau, más conocido como Mike Tramp (14 de enero de 1961) es un músico danés, conocido por su trabajo con la banda White Lion.¹​

Carrera[editar]

Tras haber sido el vocalista de la banda "Mabel", Tramp conoció a Vito Bratta y formó White Lion en 1983; dicha agrupación logró gran impacto en la década de los ochenta. Con White Lion ha grabado seis discos de estudio hasta la fecha. Después de su participación con dicha banda, formó la agrupación "Freak of Nature", la cual se mantuvo en activo hasta 1996, y logró compartir escenario con bandas como Dio y Helloween. También ha grabado algunos discos como solista. Debido a problemas legales, Mike reformó a White Lion con músicos diferentes, bajo el nombre de "Tramp's White Lion", con los que grabó un disco en directo.

https://www.youtube.com/watch?v=3-0E2oFhPwQ

 https://www.youtube.com/watch?v=duOhA717Qs8

1963: 

Nace Steven Soderbergh, director de cine y guionista estadounidense.

Steven Andrew Soderbergh (Atlanta, Georgia, 14 de enero de 1963) es un productor cinematográfico, guionista, director de fotografía, editor y director de cine estadounidense. Ganó el Premio Óscar al mejor director en 2000 por la película Traffic.

1967:

Nace Emily Watson, actriz británica.

Emily Margaret Watson, OBE (Islington, Londres, 14 de enero de 1967) es una actrizbritánica de teatro, cine y televisión.

Inició su carrera en las tablas e ingresó a la Compañía Real de Teatro de Shakespeareen 1992. Su rol debut en la película Breaking the Waves de 1996 la convirtió rápidamente en estrella, otorgándole su primera candidatura al premio Óscar. Volvió a ser candidata por su papel en la drama Hilary y Jackie en 1998. En 2002 protagonizó con éxito las obras teatrales Noche de reyes y Tío Vania, recibiendo el premio Olivierpor la última. Su papel principal en el drama de televisión Appropriate Adult de 2011 la premió con un BAFTA a la mejor actriz.

A lo largo de su extensa filmografía ha interpretado tanto papeles protagónicos como secundarios en películas de diversa índole y género. Algunas de sus películas más importantes son: Las cenizas de Ángela de 1999, The Luzhin Defence de 2000, Gosford Park de 2001, Embriagado de amor de 2002, Dragón rojo de 2002, Equilibrium de 2002, Llámame Peter de 2004, Corpse Bride de 2005, Miss Potter de 2006, The Water Horse: Legend of the Deep de 2007, Synecdoche, New York de 2008, Oranges and Sunshine de 2010, War Horse de 2011, La ladrona de libros de 2013, La teoría del todo de 2014, Everest de 2015 y Genius de 2017.

1969: 

Nace Jason Bateman, actor estadounidense ganador de un Globo de Oro.

Jason Kent Bateman (Rye, Nueva York, Estados Unidos, 14 de enero de 1969) es un actor estadounidense ganador de un Globo de Oro. Después de haber actuado en varias series de comedia durante la década de 1980, Bateman adquirió fama por su trabajo como Michael Bluth en la serie Arrested Development. Desde la finalización de la serie, ha aparecido en varias películas de Hollywood, tales como Juno, Quiero matar a mi jefe y Hasta que la muerte los juntó. Le dio su voz a Nick Wilde, el zorro de la película animada de Disney Zootopia.

1976:

Muere Juan D'Arienzo, músico y director de orquesta argentino (f. 1976).

Juan D'Arienzo (Buenos Aires, 14 de diciembre de 1900-Ibíd 14 de enero de 1976) Nació en Balvanera, en la Calles Victoria (hoy, Hipólito Yrigoyen) y Virrey Cevallos. Juan D'Arienzo fue un músico y director de orquesta argentino de tango, conocido como “El rey del compás”. A diferencia de otras orquestas de la época de oro (1940-1950), D’Arienzo retornó al sentimiento del 2 × 4 característico de la “guardia vieja”, pero con arreglos e instrumentación modernos. Sus orquestas “típicas” grabaron centenares de discos. Considerado una de las mejores orquestas junto a la de Alfredo de Angelis, Francisco Canaro, Héctor Varela (músico), Anibal Troilo, Ricardo Tanturi, Osvaldo Fresedo entre otros.

Su música se escuchaba en las milongas de Buenos Aires y Montevideo , y los instrumentos acusaban el clásico ritmo duro de los tangos con fuertes staccatos. También grabó milongas y valses.

Fue artista exclusivo del sello RCA Victor durante 40 años, de 1935 a 1975.

Falleció en 1976, y está sepultado en el Cementerio de la Chacarita en Buenos Aires.

Índice

·         1Tangos populares

·         2Grandes Cantores

·         3Canciones

·         4Filmografía

·         5Notas

·         6Bibliografía

Tangos populares[editar]

Sin lugar a dudas, La cumparsita del compositor uruguayo Matos Rodriguez, es el más representativo de todos los tangos grabados por su orquesta.^{[cita requerida]} El arreglo original de su versión es quizá la más característica de todas las grabaciones realizadas del Tango de los Tangos. ^{[cita requerida]} Además, es el tango que más veces grabó, ya que lo hizo en siete ocasiones: En 1928 con Carlos Dante, en 1929 con Raquel Notar (Ambas para el sello Electra) y las cinco restantes, todas para el sello RCA Victor y todas instrumentales: 1937, 1943, 1951, 1963 y 1971.

Otro tema de similar importancia es la milonga La Puñalada, que al igual que La Cumparsita ha sido interpretada por numerosas orquestas y también conjuntos, y que D'Arienzo registró en cuatro oportunidades: 1937, 1943, 1951 y 1963.

https://www.youtube.com/watch?v=C0yzvOO8GZE

1976:

Se estrena en USA la serie de tv  "The Bionic Woman" ( "La Mujer Biónica").

La mujer biónica (The Bionic Woman) es una serie de televisión estadounidense que nació como un spin-off de la popular The Six Million Dollar Man (El hombre nuclear en Hispanoamérica) o El hombre de los seis millones de dólaresen España).

Sinopsis[editar]

El personaje era Jaimie Sommers, tenista profesional de 28 años que —tras un accidente en paracaídas del que quedó discapacitada— fue convertida en un organismo cibernético por Oscar Goldman (funcionario del gobierno estadounidense) y el Dr. Rudy Wells, quien le implantó un oído mejorado ultrasensible, un brazo artificial de enorme fuerza y ambas piernas biónicas que le permitían correr a altas velocidades.

Al final de la temporada, se presentó en el episodio doble "The Bionic Woman" la historia de Jaimie Sommers (Lindsay Wagner), antigua novia de Steve con quien planeó casarse hasta que un severo accidente en paracaídas dejó a Jaime al borde de la muerte.¹​

Se produjo el reemplazo biónico, pero víctima del rechazo biológico, Jaime falleció (o eso es lo que a Steve y al público les hicieron creer). El capítulo tuvo el mayor rating de la temporada y el público respondió en masa ante tal injusticia, con cientos de cartas que abogaban por la continuidad de Jaimie. Los telespectadores querían que se salvase y a Lindsay en el papel, no aceptarían a otra mujer en su reemplazo. Así, gracias a la magia de la televisión, Jaime fue revivida a comienzos de la tercera temporada.

En el primer episodio de la temporada 3 ("The Return of the Bionic Woman") se reveló que Jaimie no había muerto, sino mantenida en animación suspendida mediante un proceso criogénico desarrollado por el doctor Michael Marchetti (asistente de Rudy Wells). Recuperada y a consecuencia de este proceso, Jaimie no recordaba su pasado ni su relación con Steve.

Historia[editar]

La serie fue creada por el guionista Kenneth Johnson en 1975 para un episodio doble de The Six Million Dollar Man. El personaje fue interpretado por la actriz Lindsay Wagner —quien en el estreno tenía 26 años—, que consiguió un notable éxito y un Emmy por este trabajo.

El primer episodio fue transmitido en los Estados Unidos en enero de 1976. Continuó por tres temporadas con 58 episodios (a los que deben sumarse algunos en coproducción con El hombre nuclear). Las dos primeras temporadas fueron emitidas por la cadena ABC con mucho éxito; la tercera, por la NBC.

A tanto llegó su popularidad, que su título fue usado como referencia cultural en la serie de televisión Futurama, segunda temporada, con el episodio "La mujer criónica".

1977:

Nace  Yandel, cantante puertorriqueño, del dúo Wisin & Yandel.

Llandel Veguilla Malavé (Cayey, Puerto Rico, 14 de enero de 1977), mejor conocido como Yandel, es un cantante puertorriqueño de reguetón. Yandel es conocido por haber formado parte del dúo Wisin & Yandel. Emergió en la escena musical en 1995.¹​ Lanzó su primer álbum en solitario titulado Quién contra mí en 2003, 10 años después, en 2013, lanzó su segundo álbum de estudio titulado De líder a leyenda, que incluyó singles como «Hasta abajo», «Plakito», y «Moviendo caderas» con Daddy Yankee, que fue certificado con disco de oro por la RIAA en 2014.²​ En 2013 fue entrenador, junto a Wisin, en la tercera temporada del reality show La Voz México.³​ En 2014 estrenó un EP llamado Legacy: De líder a leyenda tour (EP). En noviembre de 2015 lanzó su cuarto álbum de estudio llamado Dangerous,mientras que en septiembre de 2017 lanzó su quinta producción discográfica llamada Update que se lanzó bajo el sello Sony Music Latin.⁴​

1977:

Se estrena en USA la serie de tv  "Island Fantasy"  ("La Isla de la Fantasía").

La isla de la fantasía (Fantasy Island, en el original en inglés) es el título de una serie de televisión estadounidense trasmitida por la ABC entre 1977 y 1984.

La serie original[editar]

Originalmente se televisaron dos películas donde el Sr. Roarke y Tattoo tenían papeles menores. Entre 1978 y 1984, la serie fue protagonizada por el actor mexicano Ricardo Montalbán como el Sr. Roarke, enigmático anfitrión de una isla misteriosa en algún lugar del océano Pacífico, donde la gente piensa cumplir sus fantasías sin importar su índole, previo pago de 50 000 dólares y a condición de que no revelarán nada acerca de su visita al lugar.

Roarke fue conocido por su famoso traje blanco y modales refinados e inicialmente estuvo acompañado por su enérgico asistente, el pequeño "Tattoo" (Hervé Villechaize) quien acostumbraba anunciar la llegada de los visitantes con su frase "¡el avión, el avión!" mientras repiqueteaba una campana. Luego se uniría una chica de nombre "Julie" (Wendy Schaal) y finalmente "Tatoo" sería reemplazado en 1983 hasta el final de la serie en 1984 por "Lawrence" (Christopher Hewett) actor que posteriormente se haría famoso por Mr. Belvedere.

Al momento de la llegada del hidroavión a la isla los huéspedes desembarcaban y Roarke le explicaba a Tattoo la fantasía de cada uno de ellos y que las cosas no saldrían siempre como esperaban. Posteriormente se les daba la bienvenida:

«Mis queridos huéspedes, soy su anfitrión el Sr. Roarke, bienvenidos a la isla de la fantasía»

1981:

Nace  Rosa López, cantante española.

Rosa María López Cortés (Peñuelas, Granada, 14 de enero de 1981),¹​ conocida como Rosa López, es una cantante española de diversos géneros musicales. Su incursión en la música comenzó durante la adolescencia, trabajando como vocalista principal de varios grupos locales por la provincia y ciudad de Granada.²​ Pocos años después, se convirtió en una celebridad al concursar en la primera edición de Operación Triunfo 2001, ganándose el apodo de «Rosa de España».³​⁴​ Tras ganar el concurso,⁵​ representó a su país en el Festival de la Canción de Eurovisión 2002 en donde logró la séptima posición con la canción «Europe's living a celebration»,⁶​ siendo el mejor resultado de España en el Festival de la Canción de Eurovisión de los últimos dieciséis años.

Rosa López inició su carrera musical en 2002 con el álbum Rosa, que llegó hasta el número uno en la lista Promusicae,⁷​⁸​ misma posición que al año siguiente consiguió su segundo disco Ahora.⁹​ Siguió activa en los años siguientes publicando una serie de grabaciones musicales que alcanzaron todas ellas los primeros puestos de dicha lista.¹⁰​¹¹​ Sus ventas cuentan con certificaciones de siete discos de platino y cuatro de oro, además de los cuarenta y tres discos de platino y dos de oro en su etapa de Operación Triunfo 2001. Por su parte, dos de sus canciones —«Europe's living a celebration» y «La esencia de tu voz»— se han posicionado en el primer lugar en el conteo de la radio Los 40 Principales,¹²​¹³​ lo siguió «Don't stop the music, baby» que alcanzó la quinta posición.¹⁴​ A lo largo de su carrera ha obtenido algunos galardones como por ejemplo el premio Dial,¹⁵​ Antena de Oro,¹⁶​ y dos distinciones otorgado por la Junta de Andalucía.¹⁷​¹⁸​

Más allá de lo musical, Rosa López tuvo presencia mediática en la televisión participando en varios programas de entretenimiento, en la tercera edición de ¡Mira quién baila! proclamándose vencedora,¹⁹​ y en la quinta edición de Tu cara me suenaquedando subcampeona.²⁰​ Además de su propio programa de telerrealidad Soy Rosa.²¹​ También ha realizado anuncios de productos comerciales y se ha dedicado a causas humanitarias.²²​

https://www.youtube.com/watch?v=lgKDomG5AU8&index=3&list=PLSlwqid27iMkjS7sDgzhFE9KbtKohk8hw

1986: 

Muere Donna Reed, actriz estadounidense (nacida en 1921).

Donnabelle Mullenger (27 de enero de 1921-14 de enero de 1986), más conocida como Donna Reed, fue una actriz estadounidense de gran popularidad en las décadas de 1950 y 1960 por sus trabajos en cine y en TV. Ganó un Óscarcomo mejor actriz de reparto por su papel en De aquí a la eternidad (1953).¹​

Biografía[editar]

Donnabelle Mullenger nació en una granja de la localidad de Denison, del estado de Iowa. Era hija de William Richard Mullenger y Hazel Jane Shives. Ya de joven, Donna destacó por su gran belleza, ganando algunos concursos de 'miss' de provincias. Después de acabar el instituto se trasladó a California para estudiar en la Universidad de Los Ángeles, donde fue elegida "Reina del Campus". Debutando en la gran pantalla en 1941, no es hasta mediados de 1945 cuando su rostro comienza a ser reconocido entre críticos y espectadores de cine por su presencia y buen hacer como jovencita enamorada, vecina amable y sufridora o damisela en apuros. Generalmente se la recuerda por dos títulos que inmortalizan su paso por el celuloide, ¡Qué bello es vivir! (1946) y De aquí a la eternidad (1953), con la que se hizo con la estatuilla Óscar a la mejor actriz secundaria, pero su carrera abarca también algunas otras interpretaciones dignas de mención.

Casada en varias ocasiones, dejó de ser la joven bonita y dulce de los 40 y 50 para convertirse en la televisión en una bella y tierna madre de familia como ya lo había sido en películas muy anteriores como ¡Qué bello es vivir!, y que es uno de los motivos básicos por lo que está aún presente en la memoria de varias generaciones de espectadores. Tras retirarse a principios de los 70, todavía reverdecería en los años 80 en la TV con un contrato eventual en la teleserie "Dallas".

Donna Reed moría el 14 de enero de 1986 a la edad de 64 años en Beverly Hills, víctima de un cáncer pancreático y fue enterrada en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles.

La actriz conseguiría después su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, situada en el 1610 de Vine Street.

Carrera[editar]

La belleza de la que hacía gala Reed le abrió las puertas al cine con extrema facilidad y fue contratada por la Metro Goldwyn Mayer en 1941. Su primer trabajo en el celuloide fue The Get-Away de Edward Buzzell, un film que pasó desapercibido. A partir de ahí, Reed aparece en pequeños papeles en títulos de primera línea como La sombra de los acusados (1941, última entrega de las adaptaciones del serial de Dashiell Hammett conocido como "El hombre delgado" que protagonizaron William Powell y Myrna Loy desde 1934), Los chicos de Broadway (1941, por detrás de los míticos Judy Garland y Mickey Rooney en su tercer musical juntos), Los romances de Andy Hardy (1942, de nuevo junto a Mickey Rooney en un episodio de la entrañable serie sobre Andy y el juez Hardy), Ojos en la noche (1942, unánimemente reconocida como una de las joyas del melodrama de suspense de los años 40, y donde Reed se codeaba con dos estrellas del momento injustamente olvidadas como Edward Arnold y Ann Harding), La comedia humana (1943, donde ya tenía un papel más largo y realiza una interpretación reseñable y nuevamente al lado de Rooney), o Thousand cheer (1943, musical donde coincide con Judy Garland y algunas promesas del género por aquel entonces).

Desde 1944, la entidad de los personajes que le ofrecen a la actriz sube de nivel y Reed ya interviene como co-protagonista en varios clásicos de alcance como la comedia de ambiente militar See Here, Private Hargrove (1944) de Tay Garnett, teniendo a Robert Montgomery como compañero de cast; el genial film bélico No éramos imprescindibles(1945) de John Ford, junto a Montgomery y John Wayne; y El retrato de Dorian Grey (1945) de Albert Lewin, o la mejor adaptación al cine de la novela de Oscar Wilde, al lado de George Sanders y Angela Lansbury. Pero sin duda, el primer gran papel por la que sería recordada Donna Reed sería el de Mary Bailey del gran clásico de Frank Capra ¡Qué bello es vivir! (1946).

En 1947 obtiene un fracaso comercial con un lujoso melodrama donde compartía protagonismo con Lana Turner y Van Heflin titulado La calle del delfín verde, y dos años más tarde obtiene otro revés en taquilla con El misterio de una desconocida (donde interpretaba a la esposa de Alan Ladd), hoy considerado un pequeño clásico del suspense. Esto no significa que disminuya su popularidad, puesto que en los años siguientes rueda varios éxitos del thriller, el western o el cine de aventuras que nos permiten apreciar su buen hacer interpretativo: Trágica información" y Los forasteros en 1952, este último junto a Randolph Scott y Lee Marvin; De aquí a la eternidad, El pirata de los siete mares (con John Payne y Qué par de golfantes (tercera comedia de Dean Martin y Jerry Lewis como pareja) en 1953; Horizontes azules (en compañía de Charlton Heston y Fred MacMurray) y La historia de Benny Goodman en 1955; Más allá de Mombasa y El sexto fugitivo (junto a Richard Widmark) en 1956, etc.

Destacan de esta época, por encima de todo, su papel de prostituta en De aquí a la eternidad (1953) y que le valdría el Óscar al mejor actriz de reparto; el drama costumbrista Saturday's hero (1951), con John Derek; la fallida pero nada desdeñable adaptación de la novela de Francis Scott Fitzgerald La última vez que vi París(1954), donde Richard Brooks la dirigía en un reparto completado por Elizabeth Taylor, Van Johnson y Walter Pidgeon; o el inteligente western dramático Tres horas para vivir (1954) de Alfred Werker, donde la actriz acompañaba a Dana Andrews.

En 1959, Donna Reed se centró en el mundo de la televisión con su The Donna Reed Show (Pero es Mamá quien manda, 1959-1966), encontrando el medio idóneo de encarnar a la ama de casa media norteamericana, que le valdría la nominación al premio Emmy durante 4 años consecutivos.

A partir de ahí, sus apariciones en la televisión fueron cada vez más frecuentes, incluso en sus últimos años sustituyó a Barbara Bel Geddes en el papel de Miss Ellie en la célebre serie Dallas en la temporada de 1984-1985. Esto, unido a otros factores, provocó una bajada de audiencia de la serie, y cuando Bel Geddes recuperó la salud, Reed fue despedida pese a no haber completado su contrato. Su airada reacción fue demandar a los productores, lo que provocó un sonado escándalo.

2009: 

Muere Ricardo Montalbán, actor mexicano (nacido en 1920).

Ricardo Gonzalo Pedro Montalbán y Merino, (Ciudad de México, 25 de noviembre de 1920-Los Ángeles, California, 14 de enero de 2009) fue un actor mexicano de televisión, teatro, y cine.

Biografía[editar]

Nació en la Ciudad de México, hijo de los inmigrantes españoles Genaro Montalbán y Ricarda Merino, tuvo tres hermanos, Pedro, Carlos y Carmen. Su familia se trasladó a Torreón, Coahuila, donde creció y realizó sus estudios comerciales en la Escuela Comercial Treviño. Luego, regresó a la ciudad de Torreón por última vez, cuando su generación de esa escuela cumplió 50 años de haberse graduado y como miembro más distinguido o conocido de esa generación, se le rindieron varios homenajes, de los cuales existen los registros gráficos en los periódicos de la ciudad.

Matrimonio e hijos[editar]

Se casó en 1944 con la actriz Georgiana Young, hermana de Loretta Young, con la que tuvo cuatro hijos: Mark, Víctor, Laura y Anita. Católico practicante, afirmaba que la religión era la cosa más importante en su vida.¹​ Montalbán también era conocido por sus actividades filantrópicas. Mantuvo su nacionalidad mexicana por propia elección, sin jamás haber solicitado la ciudadanía estadounidense.

Vida artística[editar]

Comenzó su carrera en México en la década de 1940 y se hizo conocido en EE. UU. en 1948; el año anterior había rodado la película Fiesta. Entre 1957 y 1959 actuó en Broadway en el musical Jamaica junto con Lena Horne. Por su actuación fue nominado para el premio Tony como mejor actor en musicales. Durante los años 60 actuó en diferentes programas y series de televisión, como actor invitado, siendo un rostro familiar en la pantalla chica y siguió trabajando en el cine en roles secundarios.

Una de sus grandes apariciones en el celuloide fue en 1969, cuando actuó junto a Shirley MacLaine en el famoso musical de Broadway hecho para el cine Sweet Charity de Bob Fosse, aquí hizo el papel del seductor playboy y actor "Vittorio". Este papel lo hizo conocido en la industria de Hollywood y le dio cierta fama.

Entre los años 1975-1986 realizó varios comerciales para Chrysler entre los que destacan el Chrysler "Córdoba"(1975), la presentación de la línea Chrysler "E-CLASS"(1984) y Chrysler "New Yorker"(1984) (no se sabe con exactitud el año de realización del comercial del New Yorker pero se cree que fue realizado entre 1983 y 1985), al igual que el comercial del Chrysler New Yorker, en 1984 realizó el comercial del Chrysler "LeBaron"(1984) y "LeBaron GTS"(1985).

Tal vez su actuación más celebre fue la del entrañable personaje del "Sr. Roarke" en la serie de tv La isla de la fantasía(1978-1984) (al lado del actor francés Hervé Villechaize quien hizo el personaje de Tattoo). Gracias a esta serie, se hizo famoso en el mundo entero. Según los fanáticos de la saga Star Trek, fue el mejor villano en esta serie de películas : Khan Noonien Singh en el filme Star Trek II: La ira de Khan.²​³​ Recibió un Emmy por mejor actor secundario en la serie How the West Was Won (La conquista del Oeste) en 1978.

A propósito de su casa construida en 1985 en las afueras de Los Ángeles, California, recuerda el autor de la misma, el afamado arquitecto mexicano Ricardo Legorreta: “En una ocasión, el actor mexicano Ricardo Montalbán me dijo: ‘Vamos a hacer una casa en Los Ángeles para demostrarles que no somos la arquitectura de adobe, techos de teja y vidrios dormidos’.⁴​ Y el arquitecto Legorreta proyectó una casa que representa a México sin ser ostentosa y que es como una escultura, una serie de volúmenes y paredes que surgen desde desde la tierra y contrastan con el azul del cielo.⁵​

Montalbán continuó trabajando, incluso en silla de ruedas en sus últimas películas debido a sus dolencias lumbares. A mediados de los años 80 recuperó auge con la serie Los Colby, derivación de la más famosa Dinastía, y después participó en la de Murder, She Wrote (Reportera del crimen / Se ha escrito un crimen) protagonizada por Angela Lansbury. Murió en Los Ángeles, California, Estados Unidos a consecuencia de una complicación de cáncer linfático.

2013: 

Muere Conrad Bain, actor canadiense de nacionalidad estadounidense (nacido en 1923).

Conrad Stafford Bain (Lethbridge, 4 de febrero de 1923 - Livermore, 14 de enero de 2013) fue un actor canadiense.

Biografía[editar]

Bain nació en Lethbridge, Alberta, hijo de Jean Agnes (de soltera Young) y Harrison Stafford Bain, que era un mayorista. Bain estudió en la Banff School of Fine Arts antes de servir en el ejército canadiense durante la Segunda Guerra Mundial. A continuación, estudió en Nueva York en la American Academy of Dramatic Arts, donde sus compañeros de clase incluyeron al actor Charles Durning y al comediante Don Rickles, quien se convirtió en un ciudadano naturalizado de los Estados Unidos en 1946, luego se graduó en 1948.

Bain tuvo tres hijos y una hija con Monica Sloan, y estuvo casado con ella desde 1945 hasta la muerte de esta en 2009. Tiene un hermano gemelo idéntico llamado Bonar Bain, quien también es actor, que una vez actuó como su gemelo malvado en ficción ("Hank Bain") en un episodio de SCTV.

Carrera[editar]

A principios de los años 1970, Bain apareció en Nueva York, en películas como Lovers and Other Strangers y Bananas(de Woody Allen) antes de alcanzar el reconocimiento nacional por su trabajo en la televisión. Es más conocido por sus papeles televisivos como el doctor Arthur Harmon en Maude (1972-78) y Phillip Drummond en Diff'rent Strokes(1978-86), el padre adoptivo de los hermanos Jackson, Arnold y Willis (Gary Coleman y Todd Bridges).

Fallecimiento[editar]

Conrad Bain falleció el 14 de enero de 2013 a los 89 años de edad debido a causas naturales en su casa en California.¹​

2016:

Muere Alan Rickman, actor británico (n. 1946).

Alan Sidney Patrick Rickman (Hammersmith, Londres, 21 de febrero de 1946 - Londres, 14 de enero de 2016)¹​ fue un actor y director de cine británico.

Índice

·         1Biografía

o    1.1Fallecimiento

·         2Filmografía

o    2.1Como actor

o    2.2Como director

·         3Premios

·         4Referencias

·         5Enlaces externos

Biografía[editar]

Era el segundo hijo de una familia de clase trabajadora compuesta por un padre irlandés y una madre galesa. Tenía un hermano mayor (David) y dos hermanos menores (Michael y Sheila).

Estudió gracias a una beca en la Latymer School, donde comenzó a intervenir en producciones escolares. Influenciado por su fallecido padre, un pintor y decorador que murió de cáncer cuando Alan tenía solamente 8 años, decidió convertirse en diseñador gráfico estudiando en la Chelsea College of Art. Al mismo tiempo realizaba sus primeros pinitos como intérprete en la compañía amateur teatral The Brook Green Players, donde actuaba también su futura novia Rima Horton.

Tras probar fortuna con una empresa de diseño con varios amigos, a los 26 años decide solicitar una beca para estudiar en la Royal Academy of Dramatic Art o RADA (Londres), de la que fue su vicepresidente desde 2003 hasta su muerte. Fue aceptado tras interpretar un pasaje de Ricardo III, de William Shakespeare.

En 1975, tras pasar tres años en RADA, empezaría su carrera como actor profesional. Los dos primeros años, por ley, los actores recién graduados sólo podían hacer teatro de repertorio.

En febrero de 1978 debutó en su primer papel televisivo como Teobaldo en la obra de teatro Romeo y Julieta en formato de miniserie para la cadena BBC. En 1982 protagonizó su primera película para televisión, Busted. Ese mismo año alcanzó el reconocimiento de público y crítica por su papel de Reverendo Obadiah Slope en una adaptación de Las torres de Barchester, de Anthony Trollope llamada The Chronicles of Barsetshire, también para la BBC.

Otros trabajos notables para la televisión incluyen: The Preacher, dentro de la serie Revolutionary Witness (1989), que conmemoraba los doscientos años del inicio de la Revolución francesa; Rasputín (1996), película para la HBO sobre la vida de Grigori Rasputín y por la que recibió, entre otros premios, un Emmy y un Globo de Oro; Something the Lord Made (2004), también para la HBO; y A Song for Lunch (2010). La película Truly, Madly, Deeply (1990), traducida a veces como Un fantasma enamorado, fue grabada para emitirse por televisión, pero después del gran éxito cosechado en el Reino Unido, se adaptó al formato cinematográfico en 1991.

En teatro saltó a la fama en Les liaisons dangereuses (Las amistades peligrosas, 1985-1987), una novela epistolar de Pierre Choderlos de Laclos, adaptada por Christopher Hampton y dirigida por Howard Davies. Rickman interpretó al Vizconde de Valmont y Lindsay Duncan a la Marquesa de Merteuil. Su enorme éxito en el West Endy Broadway llamó la atención de las productoras de Hollywood, que en seguida quisieron hacerse con los derechos de la obra para realizar una película en la que no contaron con ninguno de los actores de la obra de teatro.

Entró en la Royal Shakespeare Company por primera vez en 1978 y, tras abandonar la compañía unos años después, volvería de nuevo en 1985. En esta segunda etapa interpretó papeles como: Henrik Hoefgen, en la adaptación teatral de la novela Mephisto (1986); Jacques, en Como gustéis (1985); Aquiles, en Troilo y Crésida(1985); Hamlet, en su homónima (1992); Antonio, en Antonio y Cleopatra (1998).

Otras representaciones importantes incluyen Private Lives (2001-2002), de Noël Coward, de nuevo con Howard Davies de director y Lindsay Duncan de co-protágonista; John Gabriel Borkman (2009) de Henrik Ibsen, junto a Lindsay Duncan y Fiona Shaw; y Seminar(2011-2012), con guion original de Theresa Rebeck, dirigida por Sam Gold y coprotagonizada por Jerry O'Connell, entre otros.

En 1988, y tras una dilatada carrera teatral, actuó en su primera película: Die Hard, a las órdenes de John McTiernan, lo que supuso el inicio de una destacada carrera cinematográfica. En la cinta interpreta al villano Hans Gruber, un genio alemán y terrorista que planea el secuestro de un edificio llamado Nakatomi Plaza, con el fin de sustraer todas las riquezas que en este se encontraban mientras a la postre toma a todos sus empleados como rehenes cuando estos celebraban la fiesta de Navidad.

Durante los años siguientes actuó en varias películas, entre ellas Robin Hood: príncipe de los ladrones (1992), Sentido y sensibilidad (1995) , Dogma (1999), la parodia de Star Trek titulada Héroes fuera de órbita (1999), Love Actually (2003), la película de Tim Burton Sweeney Todd (2007) -basada en el musical de Broadway, en la que interpreta al juez Turpin- y todas las entregas de la saga de Harry Potter (2001, 2002, 2004, 2005, 2007, 2009, 2010, 2011), basada en las novelas de la autora británica J. K. Rowling, donde interpretó al profesor de pociones Severus Snape y por la que recibió numerosos elogios y se lo califica como uno de sus mejores trabajos. Cabe destacar que fue Rowling quien propuso a Rickman para el papel y es uno de los pocos actores a los que ha contado algunos secretos sobre sus personajes antes de que fuesen revelados en los libros.

En 1997 rodó su primera película como director cinematográfico, El invitado de invierno, protagonizada por Phyllida Law y Emma Thompson. En 2014 estrena su segundo film como director, A Little Chaos, en el que Rickman interpreta al rey Luis XIV. La cinta contó con las actuaciones de Kate Winslet, Matthias Schoenaerts, Stanley Tucci, Helen McCrory y Steven Waddington, entre otros.

En cuanto a su vida personal, en 2012 contrajo matrimonio con la política Rima Horton, con quien mantenía una relación desde 1965. La ceremonia se celebró en secreto en Nueva York y el hecho fue revelado solo tres años después.²​³​ Hasta el año 1977 mantenían residencias separadas, pero ese año adquirieron una residencia común en Hammersmith.

Fallecimiento[editar]

Rickman falleció el 14 de enero de 2016 en Londres a causa de un cáncer de páncreas a los 69 años.¹​⁴​

2020:

Muere

Benjamín Correa, más conocido por su nombre artístico Chamín Correa (Ciudad de México, 4 de diciembre de 1929-14 de enero de 2020),¹​²​ fue un músico mexicano especializado en tocar música romántica con diversos grupos y cantantes, célebre por su forma virtuosa de tocar el requinto.³​

Índice

• 1Semblanza
• 2Premios y distinciones
• 3Referencias
• 4Enlaces externos

Semblanza[editar]

Nació en el seno de una familia amante de la música, arte que a temprana edad tomó como carrera, fundando en 1951 el trío musical "Los Tres Caballeros" junto con Roberto Cantoral y Leonel Gálvez. En 1956 el grupo firmó contrato de exclusividad con Discos Musart lanzando su primer álbum con “El reloj” y “La barca", entre otras melodías que de inmediato se convertirían en favoritas del público.

En 1964, su guitarra acompañó a Flor Silvestre en doce de sus éxitos: las canciones rancheras «Aquel amor», «Cariño santo», «El tren sin pasajeros», «Mi casita de paja», «Mi destino fue quererte» y «Viejo nopal»; y los boleros «Pensando en ti», «Toda una vida», «Falsa», «Amar y vivir», «Mi pensamiento» y «Ya no te quiero». Estas doce canciones fueron incluidas en el álbum "La sentimental Flor Silvestre", disco que fue un gran éxito de ventas.

Dirigió y produjo con sus arreglos a figuras como Lucía Méndez, Dulce (cantante), Enrique Guzmán, Rocío Dúrcal, Gloria Estefan, Óscar Chávez, Julio Iglesias, Tehua y Lucho Gatica, entre otras luminarias.

En 1991 participó junto al maestro Armando Manzanero en los arreglos musicales del álbum "Romance" de Luis Miguel.

En 1998 participó con su requinto en la grabación del disco "Entrega total" del grupo norteño "Los Tiranos del Norte".

En 2003, participó como productor y arreglista del triple álbum "El Príncipe con Trío" de José José, en cuya producción se usó únicamente la voz de gran cantante de versiones originales anteriores que fueron remasterizadas con los arreglos de "Los Tres Caballeros", habiendo ejecutado Chamín en el requinto.

Se desempeñó como arreglista y productor de cantantes como Julio Iglesias, Rocío Dúrcal, Tania Libertad, Gloria Estefan, Olga Guillot, Luis Miguel entre muchos otros. También grabó varios discos instrumentales.

Padecía enfisema pulmonar desde hacía tiempo, sin embargo, el 14 de enero de 2020 falleció a los noventa años a consecuencia de un infarto de miocardio.⁴​⁵​