El 30 de junio es
el 181.º (centésimo octogésimo primer) día del año en
el calendario gregoriano y el 182.º en
los años bisiestos. Quedan 184 días para finalizar
el año.
Podcast 2020
Podcast 2020
Hoy, 30 de
junio, recordamos a los “Santos Protomártires de la Santa Iglesia Romana”.
Estos murieron durante la primera persecución de la historia organizada contra
la Iglesia Católica (segunda mitad del s. I). Padecieron terribles tormentos y
entregaron la vida solo por llamarse “cristianos”, seguidores de Jesús de
Nazareth. Se les ha concedido, en consecuencia, el título de “protomártires”
-término proveniente del griego antiguo- que quiere decir “primeros mártires” o
“primeros testigos”.
Una multitud vestida de blanco
Las fuentes históricas que dan cuenta de
su martirio son tanto paganas (no religiosas) como cristianas. Así, por
ejemplo, Tácito (c. 55-c. 120), político e historiador romano, registró lo
sucedido en sus “Anales”; mientras que lo propio hizo el Obispo de Roma de ese
entonces, el Papa Clemente (f.d.-97).
“A estos hombres [Pedro y Pablo],
maestros de una vida santa, vino a agregarse una gran multitud de elegidos que,
habiendo sufrido muchos suplicios y tormentos también por emulación, se han
convertido para nosotros en un magnífico ejemplo”, escribe el Papa San Clemente
en su carta a los Corintios.
Mentira y crimen de odio
Con el anuncio de la Buena Nueva
encabezado por los Apóstoles, el número de fieles fue cada vez más en aumento.
Lamentablemente, el clima anticristiano suscitó que el senado romano rechazara
la “nueva religión” por considerarla contraria a las tradiciones romanas,
declarándola “ilícita” en el año 35 d.C.
Posteriormente, el emperador Nerón, para
librarse de la acusación de haber mandado incendiar Roma, se aprovechó de la
situación y culpó a los cristianos de ser los verdaderos autores del incendio.
Nerón acusó a los cristianos de practicar una religión maléfica, que incluía el
canibalismo -alusión distorsionada y perversa a la Eucaristía-, y de promover
el incesto, debido a la costumbre de llamarse hermanos entre cristianos y darse
entre ellos el beso de la paz.
De esta manera, Nerón desencadenó una
infame persecución en la que muchos perecieron por proclamar y creer en el Dios
verdadero, el Dios de amor, revelado en Jesucristo.
En la memoria de la Iglesia
El Martirologio jeronimiano es el primero
en registrar la conmemoración del martirio de más de 900 cristianos en tiempos
de Nerón. En dicho documento se señala el 29 de junio como el día destinado a
la memoria de estos hombres y mujeres, coincidiendo con la efeméride de San
Pedro y San Pablo. Se le atribuye a San Pío V, en el s. XVI, la primera mención
en el Martirologio Romano de estos protomártires, con fecha 24 de junio. En la
actualidad, la Iglesia los conmemora cada 30 de junio, un día después de la
Solemnidad de San Pedro y San Pablo.
1905:
Albert
Einstein publica cuatro investigaciones de enorme valor científico,
entre ellas la teoría especial de la relatividad.
La teoría general de la relatividad o relatividad
general es una teoría del campo gravitatorio y de los sistemas de
referencia generales, publicada por Albert
Einstein en 1915 y 1916.
El nombre de la teoría se debe a que generaliza la llamada teoría especial de la relatividad.
Los principios fundamentales introducidos en esta generalización son
el principio de equivalencia, que describe
la aceleración y la gravedad como
aspectos distintos de la misma realidad, la noción de la curvatura del espacio-tiempo y el principio de covariancia generalizado.
La intuición básica de Einstein fue postular que en un punto
concreto no se puede distinguir experimentalmente entre un cuerpo acelerado
uniformemente y un campo gravitatorio uniforme. La teoría general de la
relatividad permitió también reformular el campo de la cosmología.
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1906:
Nace Anthony
Mann, actor y cineasta estadounidense (fallece en 1967).
Anthony Mann,
nacido con el nombre de Emil (o Anton) Bundesmann (San Diego, 30 de
junio de 1906 - Berlín, 29 de
abril de 1967),
fue un director de cine, productor y actor estadounidense.
Trayectoria[editar]
Se desconocen muchos datos iniciales, aunque se supone que nació en 1906 en San Diego (o en Point Loma). Pero se sabe que su padre, Emile Theodore Bundsmann, era un emigrante austríaco; y que su madre, Bertha Waxelbaum (apellido original: Weichselbaum), provenía de una familia judía de Macon, Georgia. Hacia 1917, la familia se trasladó a Nueva York. Mann inició sus estudios, que tuvo que abandonar en 1923 tras la muerte de su padre,1
Anthony Mann comenzó su carrera como actor en Nueva York, en pequeñas salas del Off-Broadway. Esa experiencia sería decisiva para su futuro quehacer. Entre 1926 y 1933 fue contratado como jefe de producción del Teatro Guild; ese último año dirigió dos producciones para dicho teatro. En 1936 dirigió Cherokee Night para el Teatro de Harlem; en 1937, otra pieza para el teatro de la Calle 46; y en 1938 otras tres para el teatro federal.1
En 1938 se trasladó a Hollywood contratado por David O. Selznick, como descubridor de talentos y director de reparto. En 1942 empezó a trabajar como asistente de dirección. Hizo pruebas para filmes famosos, como Lo que el viento se levó, Intermezzo y Rebecca.
Sus primeros filmes, de 1942, fueron Dr. Brodway (para la Paramount) y Moonlight in Havana (para la Universal). Rodó con habilidad la comedia Two O'clock Courage (1945). Destacó pronto en el cine negro clásico —así con He Walked by Night (1948), Railroaded!, T-Men y Raw Deal—, lo que le permitió hacerse un hueco en la capital del cine. También hizo Reign of Terror, 1949, sobre la Revolución francesa.
A continuación obtuvo un éxito significativo en el género del wéstern durante su etapa en los Estudios Universal, así con La puerta del diablo (1950); y sobre todo destacó en un ciclo de colaboraciones con James Stewart: Winchester '73 (muy alabada), Horizontes lejanos, The Naked Spur, The Far Country, El hombre de Laramie y El hombre del oeste, con Gary Cooper, considerada por muchos críticos su obra maestra. En el estilo cinematográfico de Mann resalta cómo subraya a un personaje por encima de los restantes.2
Aunque sea un campo menos logrado, destacó su Música y lágrimas (The Glenn Miller Story, 1954), de género musical (y también biográfico, sobre Glenn Miller) con guion de Valentine Davies y Oscar Brodney; tuvo como protagonistas a James Stewart y June Allyson. En 1958 rodó una violenta película en blanco y negro, La pequeña tierra de Dios, basada en la novela homónima de Erskine Caldwell.
En los años 60 se concentró en realizar dos grandes producciones épicas, ambas con Sofía Loren, producidas por el rumano-estadounidense Samuel Bronston. El Cid (1961), por un lado, tuvo gran éxito comercial, no sólo en España; y algunos críticos valoran especialmente su factura pictográfica.3 Aunque con menos éxito de crítica, pero sí de público, realizó La caída del Imperio romano (1964), una gran película tétrica y extensa, que arranca de los últimos años del emperador sabio, Marco Aurelio (su funeral sería la culminación del relato), y se detiene justo en el ocaso de su hijo Cómodo, cuyo desorden vital y público o su muerte en el año 192 preanunciarían, antes de dos siglos, el fin del Imperio. El guion, dice en los créditos, estaría inspirado por la Historia de la decadencia y caída del Imperio romano de Edward Gibbon, cuyo arranque es precisamente el mandato de Marco Aurelio.
Por su trabajo, tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en el 6229 de Hollywood Bulevard. Estuvo casado con Mildred Mann (1936–1956); en segundas nupcias, desde 1957 con Sara Montiel, y trabajaron juntos en Serenade, con otras estrellas como Joan Fontaine, Mario Lanza y Vincent Price. Tras anular ese matrimonio se casaría con la bailarina rusa Sadlers, con la que tuvo un hijo.
En 1964 fue presidente del jurado en el 14.º Festival International de Cine, en Berlín. Murió de un ataque al corazón en la capital alemana, en 1967, cuando grababa una película de espionaje, Sentencia para un dandy (A Dandy in Aspic). El encargado de asumir la labor de dirección de la película tras el fallecimiento de Mann fue Laurence Harvey, actor protagonista de la obra.
Estuvo cierto tiempo olvidado y no se le situaba junto a los grandes directores estadounidenses. Andrew Harris, en 1968, lo destacó en su libro The American Cinema, 1929-1968, y señalaba que ese olvido afectaba entre otros a Douglas Sirk, Nicholas Ray, Samuel Fuller y Otto Preminger.
Pero a finales de los setenta, en 1979, la crítica americana Jeanine Basinger escribió una monografía sobre Mann, que sería el texto, bien ilustrado 25 años después, que se presentó en el Festival de San Sebastián en 2004, que se centró en su obra. Este evento proyectó de nuevo a Mann en el siglo XXI (y se han recuperado en DVD muchos de sus filmes).
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1911:
Nace Czeslaw Milosz, escritor y poeta
polaco-estadounidense, premio nobel de literatura en 1980. (f. 2004).
Czesław Miłosz (ˈt͡ʂɛswafˈmiwɔʂ (?·i); Šeteniai, Lituania, 30 de
junio de 1911-Cracovia, 14 de
agosto de 2004) fue un poeta, traductor y escritor polaco; premio Nobel de Literatura de 1980.
Biografía[editar]
Su familia era originaria de Lituania, aunque de lengua, tradición y cultura polacas. Durante toda su vida se mantuvo muy unido al que consideraba su territorio histórico: el Gran Ducado de Lituania. Nació en la Lituania del Imperio zarista unida desde hacía tiempo a Polonia. Las independencias de 1918 eliminarían la precaria unión entre ambos territorios y levantarían fronteras antinaturales que llevarían, con el conflicto de 1939-1945, al extrañamiento total de lituanos y polacos. En sus memorias, Otra Europa, dice “Se comprende mal desde el exterior la intensidad de los odios nacionales en la Europa del Este. Cuanto más tardíamente se despertó el nacionalismo, tanto más intentó afianzarse con pasión en los tiempos semilegendarios”.1
Hijo de un ingeniero civil, cursó sus estudios superiores de Derecho en Vilna. Miembro del grupo literario Żagary, debutó como escritor en 1930, publicando en esa década dos volúmenes de poesía: Tres inviernos y Poema sobre el tiempo congelado, por el que consiguió una beca para París donde trabó relación con el que sería una de sus mayores influencias literarias y filosóficas: su familiar y poeta francés de origen lituano Oscar Venceslas de Lubicz-Milosz. Trabajó en la Polskie Radio.
Perteneció a la generación literaria siguiente a la de Stanislaw Ignacy Witkiewicz (1885), Bruno Schulz (1892) y Witold Gombrowicz (1904), los grandes escritores polacos de entreguerras. Fue de la misma generación que la compositora Grazyna Bacewiz y los compositores Witold Lutoslawski y Andrzej Panufnik y
Durante la II Guerra Mundial, Miłosz quedó en Varsovia; vio el horror en "la ciudad más castigada de Europa" (según escribió en El pensamiento cautivo), y prestó apoyo a los perseguidos por el régimen nazi: ya antes de la guerra se había enfrentado claramente a los antisemitas, y fue testigo de la aniquilación del ghetto de esa capital.
De la posguerra al exilio[editar]
Trabajó en el servicio diplomático de la Polonia Popular desde 1945 hasta 1951. En 1951 Miłosz rompió con ese Gobierno y se instaló en Francia, para huir del llamado 'realismo' artístico del Este. A partir de entonces sufrió el destino de los intelectuales que, en aquella época, hicieron frente al estalinismo. Pero Milosz afrontó la adversidad con valentía.2 Su evolución ideológica y rechazo al régimen polaco de entonces la plasmó en la colección de ensayos El pensamiento cautivo, que escribió estando Stalin aún en vida. Fue un libro muy difundido, y Karl Jaspers lo prologó. En 1953 recibió el Prix Littéraire Européen por su novela El poder cambia de manos.
En 1960 se trasladó a Berkeley, Estados Unidos, invitado por la Universidad de California, y fue desde 1961, profesor de Lenguas y Literatura Eslavas. Durante su estancia ahí, escribió, sobre todo, poesía. De temática muy variada, la obra más apreciada de esta época fue concerniente a la política. En la República Popular Polaca fue oficialmente reconocido como un traidor de su patria, y despreciado por la Unión de Escritores Polacos.
Recibió el título de doctor honoris causa en Letras por la Universidad de Míchigan en 1977 y el Premio Nobel de Literatura en 1980.
El poeta y también premio nobel Seamus Heaney3dice de su trayectoria: "Nacido en el seno de una familia católica en las tierras boscosas de Lituania, creció en una cultura que aún tenía memoria de ciertas creencias populares y oscurantistas y de los fulgentes sistemas de la escolástica medieval y el neoplatonismo renacentista. Su experiencia de las crisis ideológicas y militares provocadas por el marxismo y el fascismo hacia mediados de este siglo podría equipararse a las crisis de la Reforma y las guerras de religión que marcaron el ecuador del milenio, del mismo modo que su abandono del extremismo ideológico en los años cincuenta en beneficio de una mentalidad más volteriana podría corresponder al periodo de la Ilustración. Le siguió una etapa romántica, signada por una adhesión absoluta a la poesía y una confianza plena en su 'alma profética', y ha terminado instalándose en lo alto de una colina con vistas a la Bahía de San Francisco, como un sabio en su montaña, manteniendo la gravedad del ser al tiempo que respira el aire cada vez más ingrávido, tardo-capitalista y posmoderno de California."
En los años 90, tras la transición pacífica de Polonia del comunismo a la democracia, el poeta volvió a vivir en su país y se instaló en Cracovia donde falleció como consecuencia de una aguda insuficiencia cardio-respiratoria el sábado, 14 de agosto de 2004, a los 93 años.4
Catolicismo[editar]
Aunque Miłosz cuando era joven llegó a adoptar una "posición en su mayor parte científica y atea", más tarde regresó a la fe católica.5 Tradujo partes de la Biblia al polaco, y las alusiones al catolicismo impregnan su poesía, culminando en un largo poema de 2001, "Un tratado teológico".
En su libro de 1997 Piesek przydrożny ("Perro Callejero"), escribió acerca de la idea de religión:6
"El verdadero opio del pueblo es la creencia en la nada después de la muerte ;
el gran consuelo que trae pensar que no vamos a ser juzgados
por nuestras traiciones, avaricia, cobardía y crímenes".
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1912:
Nace Leopoldo
Zea, filósofo mexicano. (fallecido en 2004)
Leopoldo Zea Aguilar (Ciudad de México, 30 de
junio de 1912 - 8 de junio de 2004) fue un filósofo mexicano, uno
de los pensadores del latinoamericanismo integral en la historia. Se hizo
famoso gracias a las tesis de grado El positivismo en México (1945), con la que
aplicó y estudió el positivismo en el contexto de su país del mundo en
transición de los siglos XIX y XX. Con
ello, inició la defensa de la integración
americana, concebida por el libertador y estadista, Simón Bolívar y le dio un significado propio,
basado en la ruptura con el imperialismo estadounidense y el neocolonialismo.
En sus planteamientos demuestra que los hechos históricos no
son independientes a las ideas y, en la misma forma, no se manifiesta en lo
abstracto, sino como una simple reacción a una determinada situación de la vida
humana y popular.
En su idea de una Latinoamérica unida,
defendió el pensamiento sobre el papel del hombre en la región, aclarando que
el descubrimiento de 1492 no fue sino un encubrimiento en términos
culturales y de saberes, producto del mestizaje ideológico para la configuración
de la identidad latinoamericana, cosa que expuso en el V centenario, en 1992. Luego, estudió
el análisis ontológico de Latinoamérica en los planos cultural y
geohistórico.
De origen humilde, laboró en 1933 en la
oficina de Telégrafos Nacionales para
sufragar los costos de su educación secundaria
y universitaria.
Fue miembro de la Universidad Nacional Autónoma
de México (UNAM) desde su formación, como maestro y filósofo. Junto
con Alí Chumacero, José Luís Martínez y Jorge González Durán fundó la revista Tierra
Nueva. En 1954 fue
designado investigador de tiempo completo del Centro de Estudios
Filosóficos de dicha universidad. En 1947 fundó, en la Facultad de
Filosofía y Letras, el "Seminario sobre historia de las ideas en
América". En 1966 fue
nombrado director de la facultad, cargo en el que se mantuvo hasta 1970. Durante su
periodo como director fundó el Colegio de
Estudios Latinoamericanos en 1966; más adelante fundaría el Centro
Coordinador y Difusor de los Estudios Latinoamericanos de la UNAM (1978).
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1913:
Nace Alfonso López Michelsen, político y
presidente colombiano (fallece en 2007).
Alfonso Antonio Lázaro López Michelsen (Bogotá, 30 de
junio de 1913 - Bogotá, 11 de
julio de 2007)
fue un político liberal, abogado, catedrático y columnista colombiano.
Hijo del presidente de Colombia Alfonso López Pumarejo. Fue elegido Presidente de Colombia en el período
1974-1978 por el Partido Liberal.
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Muerte[editar]
1917:
Nace Susan Hayward, actriz cinematográfica y modelo estadounidense, ganadora de un Óscar y tres Globos de Oro.
Susan Hayward, nacida Edythe Marrenner (Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos; 30 de junio de 1917 – Hollywood, Los Ángeles; 14 de marzo 1975) fue una actriz cinematográfica y modelo estadounidense, ganadora de un Óscar y tres Globos de Oro. Después de trabajar como modelo, en 1937 fue a Hollywood, donde obtuvo un contrato cinematográfico que le permitió ir apareciendo en pequeños papeles a lo largo de varios años.
A fines de los años 1940, la calidad de sus papeles y sus dotes interpretativas le proporcionaron la primera de sus cinco nominaciones para el Premio de la Academia a la Mejor Actriz por la interpretación de una alcohólica en Smash-up, la historia de una mujer destruida (1947). Su exitosa carrera se prolongó a través de los años 1950 con nominaciones por sus papeles en My Foolish Heart (1949), With a Song in My Heart (1952), y I'll Cry Tomorrow (1955). Finalmente ganó el Premio de la Academia Oscar como mejor actriz por su interpretación de la condenada a muerte Barbara Graham en I Want to Live! (1958)
Después de su segundo matrimonio y mudanza a Georgia, sus apariciones en el cine se hicieron más esporádicas, aunque continuó activa en películas y en televisión hasta 1972. Murió en 1975 debido a un tumor cerebral.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Susan, cuyo nombre real era Edythe Marrenner, nació en Brooklyn, Nueva York, en 1917, hija de Walter Marrenner y Ellen Pearson. Sus abuelos maternos eran de origen sueco. Comenzó su carrera como modelo fotográfica y allí fue donde George Cukor se fijó en ella al ver un reportaje en una revista donde aparecía como modelo1. Poco después se mudó a Hollywood en 1937, buscando conseguir el papel de Scarlett O'Hara en el filme Lo que el viento se llevó. Su nombre artístico fue elegido por su representante porque "sonaba parecido" al de Rita Hayworth y la sonoridad le dotaba de una cierta asociación.
Carrera[editar]
Pese a no haber sido elegida para encarnar el papel femenino principal de Lo que el viento se llevó, Hayward encontró trabajo al interpretar pequeños papeles hasta que fue seleccionada para el filme Beau Geste, en el que tuvo como coprotagonista a Gary Cooper. Durante la segunda guerra mundial, tuvo dos papeles protagonistas junto a John Wayne en Reap the Wild Wind (1942) y en The Fighting Seabees (1944).
Una vez concluido el conflicto bélico, se estableció como una de las damas actrices principales de Hollywood, en películas como My Foolish Heart (1949), David and Bathsheba (1951) y With a Song in My Heart (1952).
En 1947, recibió su primera nominación al Óscar por su papel de cantante alcohólica de un club nocturno en Una mujer destruida (Smash-Up, The Story of a Woman).
Durante los años 50 fue aclamada por papeles dramáticos como la melancólica esposa del presidente Andrew Jackson en la película The President's Lady (1953), la actriz alcohólica Lillian Roth, en I'll Cry Tomorrow (1955), basado en la autobiografía de la actriz, y a la asesina californiana de la vida real Barbara Graham, en el filme ¡Quiero vivir! (1958). Este último papel, difícil y nada atractivo, le granjearía la estatuilla dorada como Mejor Actriz. También recibió múltiples elogios por su interpretación en Las Vegas de la obra Mame, pero abandonó la producción porque no se sintió preparada para cubrir los requisitos del papel, por cuanto su voz no valía para cubrir las líricas de la obra. Después lamentaría profundamente no haber invertido en un curso de canto que le hubiera permitido continuar con el papel. Loretta Swit interpretó a Agnes Gooch en la misma producción.
Tras verse obligada a abandonar la puesta en escena, fue remplazada por Celeste Holm. Hayward advirtió a Holm, que si ella era maltratada por la "gran" compañía a la que se unía, entonces ella (Hayward) le «daría tal patada en el #@ que saldría volando a Toledo» (aunque Holm no era originaria de Toledo).
Continuó actuando en los años 1960 y 1970, y fue al principio de esta última década, cuando se le diagnosticó un tumor cerebral. Su último papel fue el de la doctora Maggie Cole en el drama para televisión Say Goodbye, Maggie Cole (originalmente se había planeado que fuera el piloto de una serie televisiva, pero el que a su protagonista se le diagnosticara un tumor cerebral hizo que se cancelase el proyecto). La última aparición pública fue en 1974 al participar como presentadora del premio a la mejor actriz, durante la entrega de los premios Óscar. A pesar de verse bastante enferma –por lo que fue auxiliada por Charlton Heston– y de haber recibido fuertes dosis de dopamina, logró cumplir su cometido. Hayward afirmaría posteriormente: «Es la última vez que lo hago».
Muerte y descendencia[editar]
Susan Hayward murió a la edad de 57 años en marzo de 1975, a causa de complicaciones de una neumonía relacionada con el tumor cerebral que padecía, habiendo superado las expectativas de vida que los médicos le habían pronosticado. Fue sepultada cerca de su segundo y último esposo, Eaton Chalkley, con quien se había convertido al catolicismo, en Carrollton, Georgia. Le sobrevivieron sus dos hijos. Chalkley fue en todos los sentidos el amor de su vida y vivieron felizmente juntos en Carrollton hasta la muerte de Eaton, acaecida en 1966. El 30 de junio de 1966, fue bautizada como católica en la iglesia de San Pedro y San Pablo en Pittsburgh, Pensilvania, por el sacerdote McGuire2. Hayward había conocido al sacerdote en China y le prometió que, si se convertía a la religión católica, sería él quien la bautizara.
The Conqueror, el filme radiactivo[editar]
Existen muchas sospechas de que el cáncer que Hayward desarrolló fue el resultado de haberse visto expuesta a residuos nucleares durante la filmación del malogrado filme The Conqueror (1956), rodado en las proximidades de St. George, en el desierto de Utah. Durante 13 semanas de filmación en el verano de 1955, el reparto y el equipo fílmico fueron probablemente contaminados con polvo radiactivo residual del ensayo nuclear Zucchini (mayo de 1955) y posiblemente también del ensayo Tesla (marzo de 1955). De hecho, los principales actores del film y su director murieron en la década siguiente de diferentes tipos de cáncer: Agnes Moorehead (cáncer de útero), John Hoyt (cáncer de pulmón), Dick Powell (cáncer de las glándulas linfáticas) y Pedro Armendáriz (que se suicidó cuando le diagnosticaron metástasis).
El número de casos detectados (91) y el número de muertes (46) entre los actores y equipo de filmación (220) están dentro de la media de riesgo de desarrollar cáncer entre la población blanca (alrededor del 20%), según la publicación del National Cancer Institute.[cita requerida]. Sin embargo, otro estudio del profesor de Biología de la Universidad de Utah, el doctor Robert Pendleton, describió la incidencia de cáncer entre el personal de filmación y el reparto como una «epidemia». Es preciso destacar que 91 miembros del reparto y del equipo habían contraído cáncer para 1984, con más de la mitad de ellos muriendo. El doctor Pendleton señaló:
«Con estos números este caso podría ser calificado como una epidemia. La conexión entre la radiación por lluvia radioactiva y cáncer en casos individuales ha sido prácticamente imposible de demostrar concluyentemente. Pero en un grupo de este tamaño la expectativa sería de 30 individuos con posibilidad de desarrollar alguna forma de cáncer... Creo en referencia a la exposición de reparto y equipo fílmico en la filmación de The Conqueror que podría llevarse a un Tribunal de Justicia.»
1943:
Nace Florence
Ballard, cantante estadounidense, de la banda The Supremes. (f. 1976).
The Supremes, Florence Ballard, Mary Wilson y Diana Ross (1965)
Florence Glenda Ballard Chapman, apodada como Flo o Blondie (Detroit, Míchigan, Estados Unidos, 30 de junio de 1943 – 22 de febrero de 1976), fue una
cantante estadounidense afroamericana, conocida por
ser la fundadora, y durante un corto período de tiempo la vocalista principal
de la banda femenina de la Motown, The Supremes,
de la cual fue parte hasta el año 1967, cuando fue
sustituida por Cindy Birdsong.
Muerte[editar]
El 21 de
febrero de 1976, Ballard ingresó al Mt. Carmel Mercy Hospital, quejándose de
entumecimiento en sus extremidades. Murió a las 10:05 de la mañana siguiente de
un paro cardíaco causado por una trombosiscoronaria
(un coágulo obstruyendo una de las arterias coronarias), a la edad de 32 años.
Fue enterrada en el Detroit Park Cemetery de Warren, Michigan.1
1953:
Nace Hal Lindes, músico británico-estadounidense, de la banda
Dire Straits.
Hal Lindes (30 de
junio de 1953, Monterey, California, Estados
Unidos) es un guitarrista y compositor, miembro de la banda Dire
Straits durante los años 1980.
Ha compuesto un gran número de bandas sonoras para películas y televisión.
Biografía[editar]
Harold Andrew (Hal) Lindes nació en California en 1953. A finales de los años 70, formaba parte de la banda Darling con los que publicó un álbum Put It Down To Experience (1979).
A comienzos de los años 80, la banda británica Dire Straits estaba buscando un guitarrista rítmico para que sustituyera a David Knopfler, hermano del líder de la banda, Mark Knopfler, con el que se había enfrentado debido al protagonismo del mismo dentro del grupo. Hal Lindes pasó a formar parte de Dire Straits, con los que publicó una serie de álbumes hasta 1985, año en el que abandonó la formación para dedicarse a la composición de bandas sonoras.
Ha compuesto una larga lista de bandas sonoras para películas. También ha compuesto música para series de TV como Between the lines (BBC) y Band of Gold (ITV). Además, fue músico de sesión para Tina Turner (Private Dancer en 1985 y Break Every Rule en 1986) y para el músico escocés, Fish (Virgil In A Wilderness Of Mirrors en 1989, Yin en 1995 y Yang en 1995).
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1959:
Nace Vincent D'Onofrio, actor estadounidense.
Vincent D'Onofrio (Brooklyn, Nueva York, 30 de
junio de 1959)
es un actor y productor
de cine estadounidense. Se dio a conocer por su papel del
Soldado Leonard "Gomer Pyle" ("Patoso", en el doblaje
español castellano) Lawrence en Full
Metal Jacket, luego por ser el Detective Robert Goren en Law & Order: Criminal Intent y
como el antagonista principal de la serie Daredevil.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
D'Onofrio, de ascendencia italiana, nació en Bensonhurst, barrio de Brooklyn, Nueva York, uno de los barrios con mayor concentración de italianos.2 Es hijo de Gennaro (Gene) D'Onofrio, un diseñador de interiores y asistente de producción teatral, y Phyllis, una camarera y mánager de un restaurante. Sus padres se conocieron mientras Gennaro estaba en Hawái con la Fuerza Aérea de los Estados Unidos; la pareja volvió a los Estados Unidos, donde tuvieron tres hijos. Vincent es el menor y el único hombre. Su hermana del medio, Elizabeth D'Onofrio, es actriz y profesora de actuación, reside en Florida. Su hermana mayor, Toni, posee una cadena de restaurantes en Utah. Su hermanastra, Connie, falleció en el año 2004. Sus padres se divorciaron varios años después de su nacimiento.3 Su madre se volvió a casar en 1978.
Durante su adolescencia su familia se mudaba frecuentemente, D'Onofrio creció en Hawái, Florida y Colorado. En 1977 se graduó en la Secundaria Hialeah-Miami Lakes y asistió a la Universidad de Colorado en Boulder durante 18 meses. Luego abandonó la universidad para dedicarse a la actuación. Fue aceptado para estudiar en American Stanislavsky Theatre en Nueva York.4
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1959:
Muere José Vasconcelos Calderón, historiador y
político mexicano.
José Vasconcelos Calderón (Oaxaca, 27 de
febrero de 1882-Ciudad de México, 30 de
junio de 1959)
fue un abogado, político, escritor,
educador, funcionario público y filósofo mexicano.
Autor de una serie de novelas autobiográficas que retratan detalles singulares
del largo proceso de descomposición del porfiriato, del desarrollo y triunfo de
la Revolución mexicana y del inicio de la
etapa del régimen post-revolucionario mexicano que fue llamada «de construcción
de instituciones».
Fue nombrado primer Secretario de Educación Pública del país;
además fue el 9º rector de la Universidad Nacional condecorado como Doctor Honoris
Causa por la misma institución y por las de Chile, Guatemala y otras
latinoamericanas. Fue también miembro de El Colegio Nacional y de la Academia Mexicana de la Lengua
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1959:
Nace Brendan Perry, cantante, compositor y guitarrista británico, de la banda Dead Can Dance.
Brendan Michael Perry (nacido en Whitechapel, Londres el 30 de junio de 1959) es un músico, intérprete, compositor e integrante principal, junto a Lisa Gerrard, del grupo musical Dead Can Dance. Comenzó su carrera musical como vocalista y bajista de la banda australiana The Scavengers (posteriormente The Marching Girls), con la que nunca alcanzó un contrato discográfico. En 1981 formó en Melbourne (Australia) el grupo Dead Can Dance junto a Lisa Gerrard, Paul Erikson y Simon Monroe, una de las bandas de culto más importantes de las escenas del rock gótico, dark wave, post-punk y world music; si bien su estilo fue evolucionando hasta convertirse en una banda ecléctica mostrando influencias del dark ambient, música medieval, africana y oriental.
En 1992 adquirió Quivvy Church, una antigua iglesia de 1885 situada en Belturbet, County Cavan, Irlanda, la cual convirtió en estudio de grabación. En 1998, Dead Can Dance se disolvió, por lo que Brendan Perry y Lisa Gerrard tomaron caminos separados hasta 2005, año en el que realizaron un tour de reunión temporal. Parte del setlist presentado fue material que posteriormente se lanzó en su disco Ark (2010). Para 2012, Perry consolidó la reunión de Dead Can Dance. Producto de este relanzamiento, la banda grabó un nuevo disco, Anastasis (2012), y se fijaron fechas internacionales para promocionarlo.
El 21 de abril de 2018, Brendan Perry anunció la grabación de un nuevo álbum de Dead Can Dance. Con el título de Dionysus, fue lanzado el 2 de noviembre de 2018. En septiembre de 2018 anuncian una nueva gira por Europa para los meses de mayo y junio de 2019.
1960:
Nace Diego Trujillo, arquitecto, actor y comediante colombiano.
Diego Ignacio Trujillo Dangond (Bogotá D.C. Cundinamarca, 30 de junio de 1960)1 es un arquitecto, actor y comediante colombiano.
Biografía[editar]
Estudió en el Colegio Gimnasio Moderno, en Bogotá, donde de vez en cuando hacía teatro por hobbie. Al terminar su bachillerato decidió estudiar arquitectura en la Universidad Piloto de Colombia y ejerció su profesión por doce años, donde empezó a trabajar en una oficina de arquitectos, después paso a la empresa Oxy como asistente técnico, en supervisión de obras y en el oleoducto Caño Limón-Coveñas. Más tarde se asoció con su jefe y montó una oficina de arquitectura y construcción.
En 1993 comenzó su trabajo en el teatro con la obra En carne propia del director Miguel Torres. En televisión ha tenido una larga trayectoria, desde el año 1992 ha participado en novelas como: La maldición del paraíso, El manantial, Mascarada, Perro amor, ¿Por qué diablos?, El fiscal, Pobre Pablo, La costeña y el cachaco, Todos quieren con Marilyn y Los reyes, entre otras. También participó en seriados de la televisión colombiana como De pies a cabeza, Tiempos difíciles y Amas de casa desesperadas. En el 2007 participó en las series Tiempo final e Infieles anónimos, ambas coproducciones con el canal internacional Fox Telecolombia.
En el 2008 incursionó en una nueva faceta como presentador del programa de concurso El poder del 10 del canal RCN.
Su carrera en el cine comenzó en el 2002 con el filme Proof of life del director Taylor Hackford, protagonizado por Meg Ryan y Russell Crowe, donde fue escogido por su excelente manejo del inglés. Un año después participó en Cuando rompen las olas del director Ricardo Gabrielle, y en 2005 realizó El trato dirigida por Francisco Norden y Dios los junta y ellos se separan de Harold Trompetero.
Paralelamente a la televisión y el cine ha seguido trabajando en teatro en obras como: Muelle oeste del director Rolf Abderhalden, La noche árabe de Adela Donadio y Cita a ciegas de Nicolás Montero.
Trujillo fue escogido por Trompetero para trabajar su más reciente película Riverside. En ella encarna a un empresario barranquillero de la alta sociedad, quien junto a su esposa rusa terminan por circunstancias de la vida viviendo como indigentes a la orilla del río, en la Gran Manzana. Según Diego "Me he podido dar el lujo de rechazar papeles en películas por las historias y este guion me encantó".
En 2013 protagonizó como Patricio Umaña la telenovela ¿Dónde carajos esta Umaña?.
En 2014 interpretó al cocinero de metanfetamina Walter Blanco (Walter White) en la serie dramática Metástasis (adaptación de la serie dramática estadounidense Breaking Bad)
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1971:
Nace Monica Potter, actriz estadounidense.
Monica Louise Brokaw (Cleveland, Ohio, Estados Unidos; 30 de junio de 1971) es una actriz de cine y televisión estadounidense. Candidata al Premio del Sindicato de Actores.2 Conocida por su participación en películas como Con Air (1997), Patch Adams (1998), Head Over Heels (2001), Along Came a Spider (2001), Saw (2004), The Last House on the Left (2009) o la serie Boston Legal.
Biografía[editar]
Monica Potter nació el 30 de junio de 1971 en Cleveland, Ohio, Estados Unidos, en el seno de una familia obrera y católica.3 Acudió a la Villa Angela Catholic School, que era sólo para mujeres. Trabajó como modelo en Miami y Chicago, antes de mudarse a Los Ángeles.3 Ha estado casada en dos ocasiones, la primera de ellas con Tom Potter (1990-1998), con el que tuvo dos hijos, Daniel (1990, cuando la actriz tenía sólo 19 años) y Liam, nacido en 1994. Posteriormente se casó con Daniel Christopher Allison (2005), cirujano ortopédico, con el que tiene un hijo.3 Es vegetariana. Adam Duritz escribió la canción Mrs. Potter Lullaby, que trata sobre ella y que es interpretada por Counting Crows.3
Carrera[editar]
En agosto de 1993 , Monica Potter viajó a Perú para hacer el piloto del programa Nubeluz en inglés,4 en donde se convertiría en una dalina, lamentablemente solo quedó como piloto ya que a los directores del canal estadounidense no les gustó la versión anglosajona de Nubeluz, sin embargo fue doblado a este idioma. Tras participar en numerosos proyectos sin relevancia cinematográfica Monica Potter tuvo su primer papel importante en Con Air (1997), protagonizada por Nicolas Cage y John Cusack, obteniendo su primer éxito mundial con más de 220 millones de dólares en todo el mundo.5 Después vendría el drama Patch Adams (1998), junto a Robin Williams, que no fue bien recibida por la crítica, pero aun así recaudó 202 millones en las taquillas mundiales.67 En 2001 participaría en dos nuevas películas, la comedia Cómo Perder la Cabeza (Head Over Heels) (2001) al lado de Freddie Prinze, Jr., siendo vapuleada por la prensa especializada y recaudando apenas 10 millones;89y el thriller La Hora de la Araña (Along Came a Spider) (2001), con Morgan Freeman.
Posteriormente intervendría en la primera película de la saga, con Saw (2004), y en la película de terror The Last House on the Left (2009), remake de la película de título homónimo de 1972.10 También intervino en una temporada de la serie Boston Legal, protagonizada por James Spader y que le valió una candidatura al Premio del Sindicato de Actores al mejor reparto en televisión - comedia;2 y en las series Trust Me (2009) y Parenthood (2010-2011).
1983:
Nace Brendon James, baterista británico, de la banda Thirteen Senses.
Thirteen Senses es una banda proveniente de Penzance, Cornualles, Inglaterra. El grupo lanzó el álbum The Invitation el 27 de septiembre de 2004 junto con los sencillos Thru The Glass, Do No Wrong, Into The Fire y The Salt Wound Routine, de los cuales los tres primeros alcanzaron a estar en el Top 40 británico. Su segundo álbum, Contact, fue lanzado en abril de 2007 y su tercer álbum Crystal Sounds fue lanzado el 21 de febrero de 2011. En diciembre de 2013 anunciaron la salida de su cuarto álbum "A Strange Encounter" vía Youtube, publicado el 5 de mayo de 2014.
Historia[editar]
Amigos desde la época estudiantil. Will South (músico) escribía canciones y decidió mostrárselas a su amigo Adam Wilson, éste expresó que le agradaban las letras y composiciones (Adam estaba en otra banda previamente), más tarde conocieron a Tom Welham, quién sería, el futuro guitarrista de la banda, y finalmente a Brendan James (batería). Esta banda se formó en el verano de 2001 con el nombre original de "Soul Magician", y sacaron el EP "Inside A Healing Mind" de forma independiente en el 2002 bajo el nombre ya mencionado. Ese mismo año después de grabar el EP, ellos decidieron que el nombre no reflejaba lo que la banda era en realidad, cambiándole el nombre a "Thirteen Senses".
En diciembre de ese mismo año volvieron a sacar otro EP titulado "No Other Life Is Attractive" bajo su nombre actual "Thirteen senses", y en el 2003 grabaron su material final de forma independiente: un álbum llamado "Falls In The Dark". Para el 2004 firmaron con Vertigo Records, una división de Mercury Records, y bajo esa firma su primer material fue el sencillo "Thru The Glass", luego "Do No Wrong" y en septiembre de ese mismo año sacaron su sencillo "Into The Fire" junto con el que es considerado su álbum debut "The Invitation".
En enero de 2005 salió relanzado a la venta el álbum "The Invitation" y también la versión nueva del sencillo de la canción "Thru The Glass", y en marzo del mismo año salió a la venta el sencillo de la canción "The Salt Wound Routine" y la versión japonesa de "The Invitation", ésta tenía dos canciones más: "No Other Life Is Attractive" y "Falling To The Ground" y contenía los vídeos de: "Do No Wrong", "Into The Fire", "Thru The Glass" y "The Salt Wound Routine.
Estuvieron grabando gran parte del año 2006 en su estudio su segundo disco, que estaba programado para salir a la venta el 22 de enero de 2007, pero un repentino cambio de parecer del grupo, pospuso la fecha ya que quitaron una canción de la lista original para sustituirla por otra, y por fin el 2 de abril de 2007 sacaron a la venta su segundo álbum "Contact".
El 28 de agosto de 2007 anunciaron a través de su sitio web que habían comenzado a trabajar en su tercer álbum, y entre abril y julio de 2008, ellos publicaron muestras de 8 canciones en versión demo en su página oficial de MySpace. Después de varios meses sin palabra oficial de la banda, el 28 de mayo de 2009, el baterista Brendon James anunció que su tercer álbum está cercano a completarse y que saldrá, si todo sale bien, dentro de los próximos 2 a 3 meses.
Pero no fue sino hasta el 16 de marzo de 2010 que la banda empezó a dejar escuchar 9 temas completos de su tercer álbum: "Crystal Sounds", vía su página web oficial: www.thirteensenses.com, y un día después lo anunciaron en su página de MySpace, dijeron que el álbum estará disponible para escucharlo sólo por un período limitado de tiempo y no dieron detalles de cuando podría salir de forma física al mercado.
La versión final en CD y descarga de archivos de "Crystal Sounds" fue publicada en el mercado el 21 de febrero de 2011 e incluye 4 canciones no incluidas en la versión antes disponible en su página web.
El 27 de febrero de 2013, la banda anunció vía Facebook y Twitter que: "el trabajo en un nuevo álbum está llegando a su conclusión... más noticias llegaran pronto...!"
El 23 de diciembre el año 2013 se anunció el cuarto álbum de la banda,"A Strange Encounter", que se publicará en febrero de 2014, y junto con la noticia, se publicó una versión "Times Like These" (Originalmente de la banda Foo Fighters) Realizada por Thirteen Senses. Sin embargo, el 6 de febrero de 2014 (vía Twitter y otras redes) hicieron público que el lanzamiento del álbum estaba retrasado y (ahora dando una fecha concreta) saldría el 5 de mayo de 2014. "@thirteensenses: There's been a little delay, but today we announce that 'A Strange Encounter' will be released 5th May 2014! #strangeencounter"
1983:
Nace Cheryl Cole, modelo, bailarina y cantante británica, de la banda Girls Aloud.
Cheryl Ann Tweedy (Newcastle, Inglaterra, 30 de junio de 1983), mejor conocida como Cheryl Cole o simplemente como Cheryl, es una cantante británica integrante del exitoso grupo británico Girls Aloud, el quinteto que se formó en 2002 a partir de Popstars: The Rivals.2 Con Girls Aloud, Cheryl ha conseguido materializar 21 Top 10, 20 de ellos consecutivos en la lista de ventas británica (incluyendo cuatro números 1) y dos álbumes que también obtuvieron la máxima posición en dicha lista. Además, el grupo ha sido nominado en cuatro ocasiones a los Brit Awards, consiguiendo el primero de ellos en 2009 con el sencillo «The Promise» como mejor canción del año.345
En octubre de 2009, Cheryl publicó «Fight for This Love», su primer sencillo como solista.67898 a la vez que firmó contratos con Elle,10 Harper's Bazaar y L'Oréal.11 La canción alcanzó el puesto número 1 en el Reino Unido y en Irlanda y fue reconocida como la tercera canción con las ventas más rápidas en su primera semana de todo el año 2009 (292.845 copias)[cita requerida]. El sencillo ha sido el 4 más vendido del año en Reino Unido por detrás de «Poker Face» y «Just Dance» de Lady Gaga y «I Gotta Feeling» de Black Eyed Peas. Fue nominado en la categoría de mejor sencillo del año en los Brit Awards de 2010.
Cheryl se embarcó en una carrera como solista y lanzó su primer álbum de estudio como solista, 3 Words (2009), el álbum se convirtió en un éxito comercial y generó tres sencillos de gran éxito, incluyendo el primer sencillo del álbum, "Fight for This Love", que debutó en el número uno de las listas de Reino Unido, convirtiéndose en el sencillo más vendido del año. En 2010 se produce el lanzamiento del segundo álbum de estudio de Cheryl, Messy Little Raindrops, con dos sencillos, el primero es "Promise This", y "The Flood" que también debutó en el número uno. Cheryl lanzó su tercer álbum en solitario, A Million Lights, el 18 de junio de 2012, con el primer sencillo, "Call My Name", convirtiéndose en su tercer número uno como solista. Only Human fue lanzado en 2014 y tuvo tres sencillos "Crazy Stupid Love", "I Don't Care " y "Only Human". Los dos primeros llegaron al número uno en Reino Unido y convirtieron a Cheryl en la única mujer británica que tiene cinco números uno en Reino Unido.
1984:
Nace Fantasia Barrino, cantante estadounidense.
Fantasía Monique Barrino (High Point, Carolina del Norte; 30 de junio de 1984), mejor conocida como Fantasia, es una cantante de R&B y neo soul. Fue la ganadora de "American Idol" en 2004. Venció en la final con el tema "I Believe", pero la canción que más la hizo triunfar en el concurso fue "Summertime" de George Gershwin. Con una voz con raíces gospel, su mezcla entre temas actuales y grandes clásicos de la música negra dejó ver su versatilidad como cantante.
Biografía[editar]
Fantasia nació en High Point (Carolina del Norte), y creció escuchando a Mónica, Brandy, Aretha Franklin, Pink; y una pasión lejana a estas otras; Aerosmith. Con apenas 19 años y siendo madre soltera, Barrino tuvo el cambio más radical en su vida. Lo de ser madre soltera desde los 17 años, fue uno de los motivos que más la impulsó para presentarse al casting de Atlanta. en un casting de más de 70.000 personas Fantasía fue elegida por la versatilidad y potencial de su voz, y su fuerza en el escenario. Frente a otra de las favoritas, Diana DeGarmo, Fantasía hizo suyo al público con su espontaneidad, sobre todo con uno de los hechos más recordados en el concurso, justo en el momento que se presentaba uno de sus tacones se rompió, pero ella supo salir del apuro sin más. Otra de sus apariciones más sonadas fue cuando apareció en "American dreams", interpretando el papel de Aretha Franklin. Fantasía Barrino fue la primera artista de American Idol en conseguir que su primera canción fuera directamente un número uno, "I Believe", escrita por Tamyra Gray. J-Records lanzó su debut, "Free Yourself" en noviembre de 2004.
Una de las primeras imposiciones de Clive Davis en el debut fue cambiar el nombre de Fantasía Barrino por simplemente Fantasia, ya que, según él, las divas solo debía de llevar un nombre. Clive Davis llevaba hasta el momento a todos los ganadores de American Idol, y también aquellos que a pesar de no haber ganado habían triunfado. Bajo su dirección estaban Kelly Clarkson, Justin Guarini, Ruben Studdard y Clay Aiken entre otros, pero todos en fin eran meras estrellas o cantantes de pop; pero con Fantasia se intentó buscar un estilo personal dentro del R&B y el urban. En otros álbumes de concursantes americanos había colaboraciones como Matthew Wilder (debut de Kelly Clarkson) o Neil Sedaka y Aldo Nova (en el debut de Clay Aiken); pero en el de Fantasía eran colaboraciones de lujo como Missy Elliott, Jermaine Dupri y Rodney Jerkins; tres de los más grandes productores de música negra actualmente; algo que ayudó al álbum a tener un sonido nuevo y muy fresco. Su paso por el concurso no se olvidó; se demuestra con la nueva grabación de "Summertime", mucho más pulida que la de su memorable actuación en el programa. La voz de Fantasía que radiaba las televisiones en espectaculares actuaciones de unos minutos, ahora se podía oír en trece tracks. Algunos pensaban que su timbre fino, no era bueno para cantar, e incluso muchos opinaban que su voz no era demasiado buena, pero a sus fanes su especial timbre les parece parte de su idiosincrásico estilo. En 2011 consiguió hacerse con su primer Grammy en la categoría de mejor "Vocal Performance Femenina" con la canción Bittersweet, primer single de su tercer disco.1
Muere Chet Atkins, músico y productor estadounidense (n. 1924).
Chester Burton "Chet" Atkins (20 de junio de 1924 – 30 de junio de 2001) fue un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo —inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul— le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que llevó el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos.
Biografía[editar]
Chet Atkins nació en Luttrell, Tennessee, y creció con su madre, dos hermanos y una hermana. Sus padres se divorciaron cuando él tenía seis años. Comenzó tocando el ukelele y posteriormente violín; a los nueve años, negoció con su hermano Lowell una vieja pistola y algunas tareas a cambio de una guitarra. Se vio forzado a trasladarse a Georgia para vivir con su padre debido a una casi fatal condición asmática; por esta enfermedad le era necesario dormir sentado en una silla para poder respirar adecuadamente; durante esas noches se acostumbró a tocar la guitarra hasta dormirse, hábito que conservó el resto de su vida.
Se transformó en un guitarrista dotado mientras estaba en educación media. Atkins era autodidacta y, más tarde, la vida le concedió junto a Tommy Emmanuel, Jerry Reed y John Knowles el graduado honoris causa "CGP", significando "Guitarrista Certificado" (en inglés, Certified Guitar Player). Su hermanastro Jim fue también un guitarrista exitoso que llegó a trabajar con el Trío de Les Paul en Nueva York.
Atkins no tuvo un estilo propio hasta 1939, cuando, todavía viviendo en Georgia, oyó tocar a Merle Travis en la radio (la WLW). Esta temprana influencia formó su estilo propio de tocar. Mientras que la mano derecha de Travis utilizó su índice para la melodía y el pulgar para apuntes de bajo, Atkins amplió su estilo de mano derecha para incluir una pulsación a las cuerdas con sus tres primeros dedos, y con el pulgar sobre el bajo. El resultado fue una claridad y complejidad que hizo su sonido inequívoco. Después de dejar el colegio en 1942, consiguió un trabajo en WNOX la radio de Knoxville. Allí tocó el violín y la guitarra con el cantante Bill Carlisle y el cómico Archie Campbell así como también se hizo miembro de la estación "Dixieland Swingsters", un pequeño combo instrumental de swing.
Después de tres años, se movió a la radio WLW en Cincinnati, Ohio, donde Merle Travis anteriormente había trabajado. Después de seis meses él se movió a Raleigh y trabajó con Johnnie y Jack antes de dirigirse a Richmond, Virginia, donde tocó con la banda "Sunshine Sue Workman". La personalidad tímida de Atkins trabajó contra él, dándose el hecho de que su estilo sofisticado condujo a muchos a dudar que fuera realmente un intérprete "country". Fue despedido a menudo, pero también fue capaz de conseguir otro trabajo en otra emisora de radio debido a su manera única de tocar. Atkins hizo sus propios discos, que por lo general tomaban normas de pop y de jazz, en un estudio propio sofisticado en su casa, a menudo grabando las pistas de ritmo en la radio RCA, pero añadiendo sus partes de solo en casa, refinándolo todo hasta que el resultado lo dejara satisfecho. Los guitarristas de todos los estilos llegaban de todas partes para admirar sus álbumes debido a sus ideas musicales únicas y en algunos casos, sus ideas electrónicas experimentales. En este período Atkins se hizo conocido internacionalmente como "Mister Guitar" (Señor Guitarra), que es también el nombre de uno de sus álbumes. Su marca registrada para tocar, "el Estilo de Atkins", es muy difícil de dominar para un guitarrista. Consiste en usar el pulgar y los primeros dos -a veces tres- dedos de la mano derecha. Atkins desarrolló este estilo al escuchar a Merle Travis de vez en cuando de una radio primitiva. Él estaba seguro de que nadie podría tocar esto articuladamente con solamente el pulgar y el índice (que en realidad era exactamente como Travis lo tocaba) y asumió que para esto se requerían el pulgar y dos dedos. Así llegó al estilo que él promovió y dominó.
El hit más grande de Atkins fue el sencillo de 1965, "Yakety Axe" una adaptación de su amigo saxofonista Boots Randolph, "Yakety Sax". Él raras veces se presentaba en vivo en aquel tiempo, y eventualmente tuvo que contratar a otros productores de RCA como Robert Ferguson y Felton Jarvis para aliviar su carga de trabajo. Un combate en 1973 contra el cáncer de colon, sin embargo, condujo Atkins a redefinir su papel en RCA y permitir a otros manejar la administración mientras que él volvió a su primer amor, la guitarra, a menudo grabando con Reed o incluso con Homer y Jethro en Jethro Burns (el cuñado de Atkins) después de que Homer muriese.
Hasta finales de los años 70, Atkins trabajó como productor. Nuevos ejecutivos en la RCA tenían ideas diferentes. Primero se retiró de su posición en la empresa, y luego comenzó a sentirse incómodo como artista porque la RCA no le dejaría diversificarse en el jazz. Al mismo tiempo se molestó con la dirección Gretsch ya sin posesión familiar sobre ella. Retiró su autorización para que usaran su nombre y comenzó a diseñar guitarras Gibson. Finalmente abandonó la RCA en 1982 y firmó con Columbia Records, para la cual produjo un álbum de estreno en 1983. Mientras estaba con Columbia, mostró su creatividad y gusto en la guitarra de jazz, y en varios otros contextos. El jazz siempre fue su amor y, a menudo, en su carrera fue criticado por músicos "puros" de country del país, por sus influencias de jazz. También dijo en muchas ocasiones que no le gustaba ser llamado un "guitarrista country", insistiendo que él era un guitarrista nada más. Aunque tocase 'de oído' y fuese un improvisador magistral, también fue capaz de leer la música y hasta realizó algunos arreglos de guitarra clásicos con gusto y distinción. Más tarde, volvió al country con álbumes que él registró junto a Mark Knopfler y Jerry Reed. Siendo requerido para nombrar a los diez guitarristas más influyentes del siglo XX, nominó a Django Reinhardt en primera posición de la lista, y él mismo se ubicó quinta posición.
En años posteriores volvió a la radio, apareciendo en Garrison Keillor's Prarie Home Companion, llegando incluso al punto de tocar un violín de tiempo en tiempo.
Atkins recibió numerosos premios, incluyendo once Premios Grammy y nueve premios de la Country Music Association. Mientras hacía más y más actos, en los años 1990 su salud se resintió y el cáncer volvió y esta vez empeorado. Chet Atkins moriría el 30 de junio de 2001 en su casa en Nashville.
El legendario guitarrista de música country Chet Atkins, que ayudó a dar a conocer el "Nashville Sound" (el sonido Nashville, la capital de la música country en EE UU) con toques pop, murió a la edad de 77 años. Atkins, que llevaba varios años luchando para vencer el cáncer que padecía, murió en su casa de Nashville, después de haber superado un cáncer de colon en 1973 y un tumor cerebral en 1997. El guitarrista intervino en cientos de discos incluyendo los de Elvis Presley y los Everly Brothers además de haber sido muy importante en las carreras de Dolly Parton y Roy Orbison.
Atkins fue citado muchas veces en todas partes de su carrera, y en su propio legado él una vez dijo:
"Años después, luego de que me haya ido, alguien escuchará lo que hice y sabrá que yo estuve aquí. A ellos no les importará quién era yo, pero ellos oirán a mis guitarras hablando por mí."
https://www.youtube.com/watch?v=aqGtGKNNIAk&list=PLyDIhtuvZGwNjR3JWeROxZHaaefWj94C2
https://www.youtube.com/watch?v=43dK4edJ4XA&list=PLyDIhtuvZGwNjR3JWeROxZHaaefWj94C2&index=2
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