El 19 de noviembre es el 323º (tricentésimo vigesimotercer) día del año en el calendario gregoriano y el 324.º en los años bisiestos. Quedan 42 días para finalizar el año. Podcast 2019
Ponciano es el primer obispo de Roma, en la historia de la
Iglesia que no permaneció en la silla de San Pedro hasta su fallecimiento ya
que renunció el 28 de septiembre de 235, fecha que además constituye la primera de la
historia papal totalmente confirmada por documentos históricos.
Procedió a confirmar la condena que Demetrio de Alejandría lanzó sobre los
textos de Orígenes sobre la Resurrección
y ordenó el canto de los Salmos en las iglesias y
la recitación del Confiteor antes de morir y
el uso del saludo Dóminus vobiscum (‘El Señor esté con
vosotros’).
Al igual que sus antecesores, se enfrentó al antipapaHipólito que mantuvo el
cisma que había iniciado al negarse a reconocer a Ponciano como obispo
legítimo. Ponciano formaba parte de los amigos del emperador Alejandro Severo,
y a su destitución y muerte y la consiguiente subida al trono del imperio
de Maximino el Tracio, que reactivó las
persecuciones contra los cristianos, provocó que tanto Ponciano como Hipólito
fueran deportados a las minas de sal de Cerdeña donde lograron reconciliar sus posturas poniendo fin al
primer cisma que había sufrido la Iglesia al renunciar ambos a favor de Antero.
Poco después de la renuncia, Ponciano e Hipólito fueron
martirizados al ser azotados hasta la muerte, tras lo cual sus cuerpos fueron
trasladados a Roma donde fueron inhumados en las catacumbas de San Calixto
De su tiempo es la virgen y mártir santa Cecilia, patrona de la música. Bajo el pontificado de Ponciano, Valeriano (quien se cree que
era el mismo Valeriano esposo de santa Cecilia) se convirtió al cristianismo y fue martirizado.
Nace Wilhelm
Dilthey, filósofo, psicólogo e historiador alemán (fallecido en 1911).
Wilhelm Dilthey (Biebrich, Renania, 19 de noviembre de 1833-Seis am Schlern, Tirol del Sur, 1 de octubre de 1911) fue un filósofo, historiador, sociólogo, psicólogo y
estudioso de la hermenéutica (estudio de las interpretaciones y significados de
textos) alemán. Dilthey estudió en Heidelberg y Berlín. Como profesor de
filosofía en las universidades de Basilea, Kiel, Breslau (actual Wrocław,
Polonia, ciudad llamada puristamente "Breslavia" en español) y Berlín
combatió el dominio ejercido en el ámbito del conocimiento por las ciencias
naturales ‘objetivas’; pretendía establecer una ciencia ‘subjetiva’ de las
humanidades (Geisteswissenschaften o "Ciencias del Espíritu") como disciplina
metodológicamente diferenciada de las "Ciencias de la Naturaleza".
Según Dilthey, estos estudios humanos subjetivos (que incluyen derecho,
religión, arte e historia) deberían centrarse en una “realidad histórica-social-humana”. Afirmaba que el estudio de las ciencias humanas
supone la interacción de la experiencia personal, el entendimiento reflexivo de
la experiencia y una expresión del espíritu en los gestos, palabras y arte.
Dilthey razonó que todo saber debe analizarse a la luz de la historia; sin esta perspectiva el conocimiento y el entendimiento
sólo pueden ser parciales. La vida es una misteriosa trama de azar, destino y carácter es un
pensamiento suyo considerado por José Ortega y Gasset en su ensayo sobre Dilthey y la idea de la vida.
*****************
1904:
Nace Polo Giménez,
compositor argentino.
Polo Giménez, nombre artístico
de Rodolfo Lauro María Giménez, (1904-1969), fue un compositor y pianista, intérprete de música folklórica de Argentina, identificado con las provincias de Córdoba donde se crio y Catamarca, donde vivió de adulto. Está considerado como uno de los
precursores del boom del folklore argentino producido a partir de la década de 1950. Es autor de
canciones que integran el cancionero folklórico tradicional como la célebre zamba"Paisaje de Catamarca". Escribió 72 canciones registradas y un total de unas
350. Murió en 1969 durante el acto de celebración de sus 50 años con la música,
en el momento que presentaba su álbum Bodas de oro con la música popular Argentina y su libro De este lado del recuerdo.
Nace Peter F. Drucker, teórico y escritor austríaco
(fallecido en 2005).
Peter Ferdinand Drucker (Viena, 19 de noviembre de 1909-Claremont, 11 de noviembre de 2005) fue un abogado y tratadista austriaco, considerado el mayor filósofo de la administración (también conocida como management) del siglo XX. Fue autor de más de 35 libros, y sus ideas
fueron decisivas en la creación de la Corporación Moderna. Drucker escribió
múltiples obras reconocidas a nivel mundial sobre temas referentes a la gestión
de las organizaciones, sistemas de información y sociedad del conocimiento, área en la cual es reconocido como padre y mentor en
conjunto con Fritz
Machlup. Drucker dejó en
sus obras la huella de su gran inteligencia y su incansable actividad. Hoy es
considerado el padre del management como disciplina y sigue siendo objeto de estudio en las
más prestigiosas escuelas de negocios.
Hijo del funcionario de Ferrocarriles Nacionales de México José López
Moctezuma y de María Pineda, Carlos nació el 19 de noviembre de 1909 en la
Ciudad de México siendo el último de los hijos de un total de 11. Sus padres y
hermanos mayores eran originarios de San Luis Potosí por lo que a menudo él mismo afirmaba ser potosino. Debido
al importante puesto que desempeñaba su padre, su primer trabajo lo encontró
como mensajero de "Ferronales". Sus estudios básicos los desempeñó en
un colegio marista, en el mismo lapso efectuó estudios en administración, lo que
le permitiría continuar laborando en instituciones gubernamentales, y así
lograr sufragar sus pagos en la Escuela de Teatro y actuación en Bellas Artes.
Discípulo de Virginia Fábregas y de Fernando Soler, debutó en el Teatro Orientación en la
obra Antígona, ahí fue donde conoció
a quien sería la compañera de su vida, la actriz Josefina Escobedo. Fue ella quien pisó
por primera vez los sets cinematográficos en 1934; López Moctezuma lo haría un
año después desempeñando un papel pequeño, dentro de la película Dos cadetes. Su primer estelar lo consiguió participando en el filme Los millones de Chaflán comenzando su ascenso dentro de los
repartos de la pantalla de plata del cine mexicano.
William Russell nombre de pila, William Russell Enoch,1(Sunderland, Condado de Durham, 19 de noviembre de 1924 - 3 de junio de 2024)2 fue un actor británico, conocido principalmente por su trabajo televisivo.
Su gran debut fue como protagonista en The Adventures of Sir Lancelot para la ITV en 1956, que al estar destinada a la venta a la emisora estadounidense NBC se convirtió en la primera serie del Reino Unido filmada en color. En 1963 fue elegido en Doctor Who para interpretar a uno de los acompañantes, el profesor de ciencias Ian Chesterton, apareciendo en la mayor parte de los episodios de las dos primeras temporadas del programa.
Siguió asociado con Doctor Who, aportando su voz como narrador de varias ediciones en audiolibro de los episodios perdidos de los sesenta. Apareció también en historias producidas directamente en audio por Big Finish Productions, en adaptaciones a CD de novelizaciones de la serie publicadas originalmente por Target Books.
A finales de los noventa, volvió al papel de Ian para el lanzamiento en VHS de la historia The Crusade, de la cual están perdidos el segundo y el cuarto episodio. Grabó varias escenas interpretando al personaje que ayudaban a rellenar los huecos entre los episodios existentes.
También participó en publicaciones en DVD de la serie, en varios comentarios de audio y entrevistas desde 2002. En febrero de 2012, apareció en la convención Gallifrey One en Los Ángeles, su segunda convención en los Estados Unidos tras otra en Chicago en 1993.
Russell ha aparecido en el cine británico desde los años cincuenta, en producciones como They Who Dare (1954), One Good Turn (1955), The Man Who Never Was (1956), y The Great Escape (1963). Después tuvo papeles menores en Superman (1978) y Death Watch (1979) con Harvey Keitel y Harry Dean Stanton.
Apareció en muchos dramáticos y series de televisión, incluyendo Disraeli, Testament of Youth y el papel de Ted Sullivan, el breve segundo marido de Rita Sullivan en Coronation Street. También tuvo un pequeño papel en un episodio de La víbora negra, haciendo un reemplazo de emergencia de Wilfrid Brambell, que se había impacientado por retrasos en su escena y se fue del plató sin rodarla. Otros papeles incluyen a Lanscombe en un episodio de la serie de 2005 Agatha Christie's Poirot titulado After the Funeral.
Hizo varios papeles teatrales con la Royal Shakespeare Company, el Royal National Theatre y en la sesión de apertura del Globe Theatre. En los ochenta, mientras era miembro de la Actor's Touring Company, usó el nombre artístico Russell Enoch, y al abandonar la compañía recuperó el nombre de William Russell.
Alfred Enoch, el hijo de Russell de su matrimonio con la doctora brasileña Balbina Gutiérrez, interpretó a Dean Thomas en la saga cinematográfica de Harry Potter.
King, nacido Lawrence Harvey Zeiger, era hijo de la unión de Jennie Gitlitz, una costurera, y Edward Zeiger, dueño de un restaurante y empleado en una planta de defensa.1 Fue criado en una familia "culturalmente judía".2 Su padre falleció a los 44 años de un ataque al corazón cuando King tenía 9 años,3 y su madre tuvo que acudir a los servicios sociales en busca de ayuda para Larry y su hermano menor. La muerte de su padre afectó mucho a King hasta el punto que perdió su interés por la escuela, malgastando así la oportunidad de ir a la universidad. Tras acabar la educación secundaria, se puso a trabajar para ayudar a mantener a su familia. Siendo veinteañero, King trabajó como chico de los recados para UPS y pensó que nunca trabajaría en la radio, con lo que ya comenzaba a soñar.
Un buscador de talentos para la CBS, a quien King conoció de pura casualidad, le dijo que fuera a Florida, donde había mercado para medios de comunicación que se encontraban en auge y en el que había vacantes para gente de radio con poca experiencia. King no se lo pensó dos veces y tomó un autobús para Miami. Tras algunos problemas iniciales, obtuvo su primer trabajo en la radio gracias a su tenaz persistencia. Una pequeña emisora, WIOD en Miami Beach, Florida, le ofreció contrato para limpiar y realizar tareas menores. King salió finalmente en antena para rellenar el hueco que había dejado un locutor local que se había dado de baja. Su primera emisión radiofónica fue el 1 de mayo de 1957, cuando trabajó como disc jockey de 9 de la mañana hasta mediodía. También hizo dos noticieros y una retransmisión deportiva. Su sueldo era de cincuenta y cinco dólares a la semana. Tomó el nombre Larry King cuando el director general le dijo que Zeiger era algo étnico y difícil de recordar, a lo que le sugirió el apellido King, que había visto en un anuncio de Licor Mayorista King en The Miami Herald. Empezó haciendo entrevistas en un programa de media mañana para WIOD, en el restaurante Pumpernik's en Miami Beach. Su trabajo consistía en entrevistar a quienquiera que se encontrara caminado por la zona. Su primera entrevista fue a una camarera del propio restaurante. Dos días después, el cantante Bobby Darin, que se encontraba en Miami para dar un concierto, entró en Pumpernick's para estar en el show de King, siendo la primera celebridad entrevistada por King.
Su show de Radio Miami lo convirtió en una estrella local. Pocos años después, en mayo de 1960, presentó Miami Undercover, que se salía a antena los domingos a las 23:30 por el canal 10 de WPST-TV (en la actualidad WPLG). En el show, King era moderador de debates sobre asuntos importantes de la época. WIOD le dio a King mayor exposición como el analista de color de las presentaciones de los Miami Dolphins durante su temporada perfecta de 1972.
A comienzos de los 70 estuvo involucrado en problemas legales relacionados con dinero. Fue detenido el 20 de diciembre de 1971 y acusado de latrocinio. Los cargos partían de un acuerdo hecho con Louis Wolfson, quien estuvo condenado en 1968 por vender productos no registrados.
Las circunstancias de lo ocurrido entre ambos no están del todo claras. King, según su versión, le dijo a Wolfson que podía conseguir una investigación especial por John Mitchell, el fiscal general entrante, para trabucar la condena. Wolfson aceptó y le pagó a King cuarenta y ocho mil dólares, quien jamás cumpliría lo prometido, ni tampoco devolvería el dinero a Wolfson. Cuando este fue puesto en libertad, se dedicó a perseguir a King, pues mantenía que King sirvió como intermediario entre Wolfson y el Fiscal del Distrito de Nueva Orleans, Jim Garrison, quien estaba investigando el asesinato del presidente Kennedy, y necesitaba aumentar los fondos para continuar con la investigación. Wolfson ofreció pagarle $25000 en patrocinio de la investigación. El plan acordado era que Wolfson le daría a Larry King un dinero (cerca de $5000 por visita), y se suponía que este le daría el dinero a Richard Gerstein, el Fiscal del Condado de Dade, en Florida y este a su vez le transferiría el dinero a Garrison. Esto duró uno o dos años. Wolfson finalmente se dio cuenta de que no todo el dinero que le había dado a King le había llegado a Garrison. El cargo por latrocinio fue retirado debido a que el estatuto de limitaciones ya había vencido. Sin embargo, King nunca respondió a ninguno de los 14 cargos que se le imputaban por los cheques recibidos de Wolfson. A consecuencia de tales tejemanejes legales, a King se le apartó de la redifusión durante tres años, periodo en el que realizó varios trabajos. Fue el director en Louisiana Downs, una pista de carreras en Luisiana y escribió algunos artículos para la revista Esquire, incluyendo un artículo importante sobre el mariscal de campo de los New York Jets, Joe Namath.
King entrevistando a Vladímir Putin, 8 de septiembre de 2000.
King aceptó volver a la radio y fue el analista de color de las presentaciones de los Shreveport Steamer en la Liga Mundial de Fútbol, en KWKH. Finalmente, fue contratado de nuevo por WIOD en Miami. En 1978, emitió un programa a nivel nacional, heredando un espacio en el programa de tertulias nocturno de Mutual Radio Network, que se retransmitía costa a costa y cuyo pionero fue Herb Jepko, realizada por "Long John" Nebel hasta su muerte.4 Una de las razones por las que King consiguió este puesto en Mutual fue que en el pasado había sido locutor de WGMA-AM en Hollywood, Florida, que luego fue propiedad de C. Edward Little, quien posteriormente llegaría ser presidente de Mutual y sería quien contrataría a King tras el fallecimiento de Nebel. El programa de King en Mutual se hizo con una audiencia de fieles seguidores.
Era presentado en vivo de lunes a viernes, e iba de medianoche a 5:30 a. m. (hora del Este). King entrevistaba a un invitado los primeros noventa minutos, permitiendo a los oyentes que llamaban al programa continuar con la entrevista otros noventa minutos.5 A las 3:00 a. m., King dejaba a tales oyentes debatir con él cualquier tema que quisieran exponer hasta que la conclusión del programa, en la que King siempre daba sus propias opiniones políticas.6 Ese segmento se llamaba "Open Phone America" (en español "Teléfono Abierto América").7 Algunos de los que llamaban eran "The Portland Laugher",6 "The Miami Derelict",8 "The Todd Cruz Caller",[cita requerida] "The Scandal Scooper"9 y "The Water is Warm Caller".[cita requerida] El programa tuvo bastante éxito, teniendo en sus principios 28 afiliados para luego crecer y tener más de quinientos. Estuvo en antena hasta 1994.
King en septiembre de 2010.
En el programa en su último año fue movido a horario de mañana pero, debido a que la mayor parte de las emisoras radiofónicas tenían una política establecida de horario local (3:00 a 6:00 p. m. hora del Este) en el momento en que Mutual propuso el programa, un porcentaje muy bajo de oyentes nocturnos continuaron escuchándolo, por lo que imposibilitó que el programa generara el mismo número de oyentes. El programa matutino fue finalmente dado a David Brenner y los oyentes de la radio tuvieron la opción de ver el próximo programa de King en CNN, que comenzó en junio de 1987, y la radio Westwood One se encargó de la emisión simultánea del mismo.
En el programa Larry King Live, King presentaba invitados para debatir un extenso rango de temas, entre quienes se incluían figuras polémicas en teorías conspirativas sobre ovnis y supuestos psíquicos. Una invitada notable fue Sylvia Browne, que en 2005 dijo a Newsweek que Larry King, que era creyente de lo paranormal, le había pedido a Browne cita privada para una sesión psíquica con ella.10 En el 2000, realizó una entrevista a Vladímir Putin quien, preguntado acerca de lo sucedido en la reciente tragedia del naufragio del submarino K-141 Kursk, respondió sonriente con la célebre frase "Se hundió".11 En 2017, el periodista regresó a la televisión para hacer su programa Larry King Now.
A diferencia de muchos entrevistadores, Larry King tenía una cercanía directa y evitaba la confrontación. Su estilo de entrevista fue característicamente franco y serio, pero con ocasionales estallidos de irreverencia y humor. Su cercanía atrajo a algunos invitados al programa que de lo contrario no habrían venido. King, que era conocido por su falta de preparación previa para entrevistar a sus invitados, una vez alardeó que jamás relee los libros de los autores que aparecen en su programa. En un show dedicado a los miembros de The Beatles aún en vida, King le preguntó a la viuda de George Harrison acerca de la canción Something que fue escrita sobre la primera esposa del cantante, de lo que King quedaría muy sorprendido cuando ella le dijo que no conocía demasiado dicha canción.
King entrevistó a muchas de las figuras líderes de su época. CNN sostiene que el presentador realizó más de 40.000 entrevistas en toda su trayectoria profesional.12
El 27 de febrero de 1987, King sufrió un grave infarto y posteriormente se sometió a una quíntuple cirugía de baipás. Casualmente, esto tuvo lugar el día después de que Larry King tomara el control de Don and Mike Show. Fue un episodio médico que cambiaría su vida. El cigarrillo fue una de sus marcas registradas y no estaba arrepentido de ser fumador. King solía fumarse tres cajetillas diarias y acostumbraba a dejar un cigarrillo encendido durante las entrevistas para no tener que tomarse el tiempo para hacerlo durante los descansos. Casualmente promovió el cese de fumar a fin de reducir el riesgo de enfermedades cardiovasculares.
King escribió dos libros sobre vivir con cardiopatía. Mr. King, You're Having a Heart Attack: How a heart attack and bypass surgery changed my life (1989, ISBN 0-440-50039-7) fue escrito con el editor de ciencia del New York's Newsday, B. D. Colen. Taking on Heart Disease: Famous Personalities Recall How They Triumphed Over the Nation's #1 Killer and How You Can, Too (2004, ISBN 1-57954-820-2) muestra la experiencia de varias celebridades con enfermedades cardiovasculares, incluyendo a Peggy Fleming y Regis Philbin.
King comenzó su carrera en Court TV en 1991. Colaboró en la presentación del programa King & Chung Nightly y trabajó como corresponsal para la red hasta 1992. Desde que se fue, mantuvo el título de «colaborador de Court TV». Simultáneamente daba sus comentarios en juicios en el programa de Court TV Banfield & Ford: CourtSide.
A consecuencia de sus infartos, estableció la Fundación Cardiaca Larry King, una organización en la que David Letterman, a través de su Fundación Americana de Cortesía y Acicalado, también contribuía. King donó 1 millón de dólares a la Escuela de Medios de comunicación y Asuntos Públicos de la Universidad George Washington para dar becas a estudiantes socialmente desfavorecidos.
El 3 de septiembre de 2005, King transmitió, "How You Can Help," un especial de tres horas concebido para proporcionar un foro e información de la cámara compensadora al público para recabar y unir esfuerzos para ayudar al país y al mundo. Esto tuvo lugar tras la devastación de la Costa del Golfo por el Huracán Katrina. El invitado Richard Simmons, un nativo de Nueva Orleans, le dijo, "Larry, ni siquiera sabes cuánto dinero recaudaste hoy. Cuando reconstruyamos la ciudad de Nueva Orleáns, vamos a nombrar algo importante con tu nombre."
A finales de diciembre de 2020 fue ingresado en el hospital Centro Médico Cedars-Sinaí de Los Ángeles por COVID-19, comunicándose además que era una persona de alto riesgo al tener diabetes mellitus tipo 2 y haber padecido varios infartos, cáncer de pulmón y angina, una enfermedad causada por la reducción del flujo sanguíneo al corazón.13
Falleció el 23 de enero de 2021 a los 87 años de edad. El comunicado oficial no recogió la causa de su muerte.14 Los medios de comunicación señalaron que murió tras una dura batalla contra el COVID-19.15 A la semana su esposa, Shawn King, explicó que, aunque Larry King fue hospitalizado cuando fue diagnosticado de COVID-19, había fallecido a consecuencia de una infección, sepsis, y no por causa del COVID-19.1617
El 10 de septiembre de 1990, en The Joan Rivers Show que presentaba Joan Rivers, a King le preguntaron qué concursante del desfile fue "la más fea", a lo que él respondió: Miss Pennsylvania, que era una de las 10 finalistas y había realizado una gran ventriloquia [...] El muñeco era más lindo".18 King formó parte del jurado del certamen, celebrado el 8 de septiembre de 1990. Posteriormente, King enviaría a Miss Pennsylvania, Marla Wynne, una docena de rosas y un telegrama de disculpas por haber dicho que era la concursante más fea en el certamen de Miss América de ese año.19
El 23 de septiembre de 2004, John Clark demandó a King y a CNN tras la transmisión de una entrevista con su ex-esposa, Lynn Redgrave. Clark argumentó que fue difamado por las declaraciones en los mensajes mostrados en la parte inferior de la pantalla, y que el programa, que había sido pregrabado, no le permitió la oportunidad de aparecer en él para defenderse. Los tribunales no permitieron el pleito tras fallar que no fue difamado. Dos años después, el tribunal de apelaciones de los Estados Unidos por el Noveno Circuito, basado en San Francisco, descartó la apelación presentada por Clark.
En los años 1970 figuró asiduamente en los polls de mejores instrumentistas de las revistas Down Beat y Playboy, y ha compuesto un gran número de bandas sonoras para cine y televisión.
Héctor Mario Mautino, más conocido por
su nombre artístico Fernando de Madariaga (nacido el 19 de
noviembre de 1944 en el barrio porteño de Palermo) es un cantante popular
argentino de género melódico.
Ganador 2 veces del
Festival Mundial de la Canción Popular en Tokio, Japón en 1975. Compartiendo
premios con Tom sullivan, cantante y compositor no vidente Norteamericano y
Nidia Caro de Venezuela. La canción con la que obtuvo el premio fue
"Búscame Llámame" de Richard Moschulske y el conocido cantante y
compositor Charlie Leroy.
También participó del
mismo festival en el año 1979, con la canción Sin Amor Nada Soy de su propia
autoría junto con Richard Mochulske. Compartiendo premios también con: Homero de
Perú , Boni Tylor y Cisie Houston de EEUU.
Ganador de varios
discos de oro y platino en la República Argentina con "Adiós, Hoy Sobran
las Palabras" en el año 1974, con "Una Sonrisa Una Lágrima" y
"Búscame, Llámame" en el año 1975 con Por Mañana Por Después en el
año 1976 tema con el cual participó del Festival Internacional de Palma de
Mallorca junto a Paloma San Basilio, Julio Iglesias y Romina Power.
En el año 1977 también
con una canción de Charly Leroy y Richard Mochulske logro un tremendo suceso en
el verano de ese año la canción era "Ese Amor Soy Yo".
En el año 1978
participó en una serie de películas producidas por el sello discográfico
Microfón. En la primera película de la serie debutaron Claudio Levrino y Graciela Alfano.
En la segunda Mónica Gonzaga, Ricardo Darín y Cacho Castaña.
Y en las siguientes participaron los más importantes cantantes de esa época.
En los años '80 con el
advenimiento de la democracia en la Argentina y el retorno de Alejandro Romay a
canal 9, condujo el programa Sexitante, en el cual debutaba como
cómico Nito Artaza con el excelente actor Darío Vittori y
la conocida Adriana Aguirre estando en el tope del
rating del canal 9.
Con la inauguración de
las transmisiones televisivas con coaxil en directo a todo el país Fernando de
Madariaga tuvo su espacio exclusivo durante 2 años a las 5 de la tarde junto
con Leonardo Simons en Sábados de la
Bondad recibiendo llamadas de cualquier parte del país y dedicándolas
personalmente a los televidentes.
En 1984, por primera
vez, un teleteatro escrito por Luis Gayo Paz tomó el álbum completo de "Amores
de Mi Vida" y cada personaje y cada pareja tenían su canción exclusiva.
El Teleteatro se llamaba: "No es un juego vivir" con la participación
de Elizabeth Kilian, Aldo Pastur, la
desaparecida Graciela Zimer con Marcos Stell, Horacio Ranieri y Cristina Alberó. Contando con el máximo de
audiencia, lo que le permitió obtener con la empresa grabadora, nuevamente un
disco de oro y otro de platino que pusieron a Fernando de Madariaga otra vez,
en los primeros puestos de los rankings de ventas en toda la Argentina,
manteniéndolo hasta fines de los '80 con el LP "Dile Que Tu Estas Enamorada"
y "Me Tienes Entre La Espada y La Pared" con la misma vigencia que en
la década del ‘70.
Quinlan nació en Pasadena (California), hija de Robert
Quinlan, director de televisión, y de Josephine (Zachry), militar en la
reserva. Kathleen creció en el pueblo californiano de Mill Valley, donde acudió al Tamalpais
High School y donde comenzó su carrera de interpretación. Se
casó en 1994 con Bruce Abbott, también actor,
relación de la cual nacieron dos hijos.
Quinlan debutó en la obra American Graffiti, de George Lucas, a la edad de 19 años
(aunque trabajó en una obra anterior, de 1972, One
is a Lonely Number, pero no apareció en los créditos). A partir
de ahí, ha intervenido en casi 50 películas. A pesar de todo, sus
interpretaciones más notables son: como Deborah, una esquizofrénica, en Nunca te prometí un jardín de rosas, y como Marilyn Lovell,
en Apolo 13, papel por el que consiguió una nominación a los Óscar, en
1995. También es recordada por su interpretación de la amante pagana Patricia Kennealy-Morrison, en la obra The Doors,
de Oliver
Stone.
Sus más recientes trabajos incluyen capítulos de la serie de televisión House, y en la película del 2007, Breach. Especial mención merece, dentro de
la pequeña pantalla, su participación en la serie Leyes de familia, en la que interpretó a una abogada especializada en crisis
matrimoniales.[cita requerida]
COMO CANTANTE, MANUEL
FERNANDO nace a la vida pública con su primera grabación en 1980. Desde
entonces, ha tenido múltiples reconocimientos en Hispanoamérica, alcanzando en
innumerables ocasiones los primeros puestos de éxito con su música. Por primera
vez se hablaba de un Colombiano Cantante, Compositor y Productor en mercados
como el Europeo.
Sus éxitos son
reconocidos por críticos de diferentes países, en diferentes idiomas. Se habló
del primer Cantante Colombiano que había “conquistado” el corazón de la “JET
SET” más exclusiva del Mundo en Europa. Grandes éxitos como “ CONTRA MI”,
“HAGAMOS EL AMOR”, “EMBRUJO”, “EL LOCO”, “TE PROMETO”, “AMOR DE POBRE”, “AMORES
SECRETOS”, “SER”, “NADIE COMO TÚ”, “LO QUE EL ORO DA” y muchos más, alcanzaron
primeros lugares y se convirtieron en verdaderos Clásicos. Nacía para Colombia
una nueva era musical. MANUEL FERNANDO nos enseñó a ser ganadores en la música.
Tras los grandes pasos dados por éste Artista fueron apareciendo nuevas
propuestas de Colombia para el mundo. Generó durante los 80's e inicios de los
90's las mejores noticias a nivel Internacional que tuvo Colombia en lo
referente a la música Moderna y Romántica, así como sobre la carrera de un gran
Cantante y generador de propuestas artísticas integrales para el Nuevo Talento
Latinoamericano.
Su carrera,
relativamente corta para el aporte que logró, lo mantuvo con gran éxito durante
15 años en los escenarios del mundo, brindando a la historia musical
colombiana, igual número de éxitos: más de 15 canciones, la gran mayoría de su
autoría, que hasta la fecha han ido creciendo como grandes clásicos. En 1995,
sin dar muchas explicaciones, y en medio del gran éxito que había logrado con
su introducción en una veintena de países, decidió retirarse de los escenarios,
mas no de la música donde hasta la fecha se dedica a trabajar por el Nuevo
Talento latinoamericano. Para fortuna del cancionero Colombiano e
Hispanoamericano, MANUEL FERNANDO está de regreso y de qué manera.
Después de muchos
años, MANUEL FERNANDO decidió “hablar” en el lenguaje que más conoce, la
música, a través de un video revelador que subió a YOUTUBE, titulado “QUIERES
ENTRAR EN MI HISTORIA?”. También ha presentado un Video Reel, MANUEL FERNANDO
EL CONCIERTO donde se puede apreciar diversas etapas de su carrera y en
especial, sus producciones actuales, con una voz que no sólo tiene presente al
MANUEL FERNANDO que conocemos, sino a un intérprete que sorprende con su
extraordinaria evolución y calidad interpretativa.
COMO PRODUCTOR
ARTÍSTICO Y MUSICAL, MANUEL FERNANDO ha trabajado en innumerables proyectos
internacionales al lado de los más grandes de la Música Hispanoamericana, casi
desde el mismo momento en que apareció en la escena internacional como Cantante,
Autor y Compositor. Sus producciones e ideas hicieron noticia creando una
verdadera conmoción al conseguir entre muchas cosas que, por primera vez,
personalidades de la Nobleza Europea ingresaran al mundo del Disco bajo su
dirección, generando verdaderas “revoluciones”, que colmaron centenares de
páginas en las revistas más exclusivas del mundo durante varios años.
En Colombia, ha
realizado centenares de trabajos, exitosas producciones para Teatro con grandes
Artistas. Puede decirse que no menos del 70% de los Artistas Colombianos de
éxito en los últimos treinta años, tanto Actores como Cantantes, han tenido que
ver con su trabajo ya sea como Autor y Compositor, Productor, Arreglista,
Fotógrafo, Empresario, Disquero o como Director Artístico.
En la década de los
80’s e inicio de los 90’s, MANUEL FERNANDO fue el Artista y Productor
Colombiano que más logró impactar en el ámbito internacional, siendo su trabajo
reconocido en diferentes campos del Arte. Con su celo y su sello
inconfundibles, ha logrado crear Escuela en el campo de la Canción y de la
Producción en Colombia. Su trabajo integral con Cantantes y Actores a todos los
niveles cambió el concepto de “Artista Todero” por el de “ARTISTA INTEGRAL”.
Bajo éste nuevo concepto, nos presenta las diferentes facetas de un Artista
Integral que ha dedicado su vida a producir buenas noticias y a trabajar por el
Talento Nuevo de su tierra colombiana, expandiéndolo directa o indirectamente a
toda Latinoamérica. MANUEL FERNANDO llevó con orgullo, por los más importantes
escenarios donde actuó, la Bandera Nacional Colombiana, sentando un precedente
para las nuevas generaciones artísticas: el Orgullo Patrio.
Éste gran Artista se
convirtió en el eje de las nuevas generaciones artísticas en Colombia durante
las décadas de los 80´s y 90’s. Creó la primera Escuela Artística Integral de
Colombia y ésta a su vez cambió para siempre la fórmula que hasta entonces se
llevaba en escuelas y academias no sólo de Canto, sino de Actuación y de artes.
Entre decenas de empresas que creó, generó el primer Banco de Pistas musicales,
que fue realizando para los grandes trabajos musicales integrales que realizaba
con centenares de artistas jóvenes en su Escuela y que al poco tiempo se abrió
paso en grandes publicaciones con lo que hoy llamamos Bancos de Pistas y luego
generara el famoso Karaoke. Impuso el sistema de Preproducción Musical en los
80’s. Creó y ayudó a hacer grandes algunas de las Asociaciones Artísticas que
más protegieron a los Artistas Colombianos. A través de su Empresa de Producción
Musical MF MUSIC en Colombia y hasta hace muy poco tiempo su Corporación MF
ESTUDIOS con base en Miami, FL. EEUU, se convirtió en puente entre el Nuevo
Talento de Colombia y el Mundo Artístico Exterior. Sus fórmulas fueron
adoptadas por innumerables empresas de todos los niveles, las que muy poco
tiempo después fueron presentando sus gigantescas propuestas artísticas
inclusive, en "innovadores" Realities... Aun así, MANUEL FERNANDO no
deja de crear y lanzar propuestas al mundo. Al fin y al cabo, son muchísimos
los nuevos artistas que siguen recibiendo, como en estos casos, INDIRECTAMENTE,
el aporte inagotable que ha hecho MANUEL FERNANDO, no sólo al arte colombiano,
sino universal.
Desde su ESCUELA DEL
ARTE NUEVA GENERACIÓN -creada en 1988 y lanzada nacionalmente en 1989- marcó el
inicio de una nueva era para el Artista Colombiano: el ARTISTA INTEGRAL. Por
ella pasaron más de un millar de jóvenes talentos que recibieron -por primera
vez- una preparación artística integral. Con la creación de “CONQUISTADORES” en
el 2000, MANUEL FERNANDO le vuelve a dar otra oportunidad a decenas de nuevos
talentos, para incursionar en el Disco a muy alto nivel, sirviéndoles ello de
basamento profesional para el inicio de sus carreras artísticas. Su Colección
Navideña “RENACER DE VILLANCICOS” (desde 1996), prensada por varios sellos
discográficos, se convirtió durante casi una década en plataforma musical para
los jóvenes actores de mayor éxito en el país. A finales del 2006, presentó una
nueva propuesta, con “LEGADO DE NAVIDAD I”, original y bella producción de 17
canciones, interpretadas por personalidades de diversas áreas del Arte y las
Comunicaciones, donde por primera vez gente muy destacada de los Medios y el
Arte cantaba hermosas canciones con sus hijos y sus nietos.
Quince años después de
su retiro, MANUEL FERNANDO regresa, para entregar a un artista maduro, más
romántico y con una voz que sorprendentemente se escucha más fresca y
especialmente más poderosa y bella. Ahora regresa con el ánimo de cumplir con
todos aquellos que no pararon de preguntarse qué había pasado con él. MANUEL
FERNANDO, no sólo es un excelente Cantante, sino un gran Artista que lo deja
todo en el escenario. Se entrega sin reservas, como si fuera la primera vez...
como si fuera la última oportunidad de cantar en su vida.
Lo más distintivo del
camino de éste Artista Integral, es que nunca se detiene. Siempre estuvo por
delante de su tiempo y sigue así. Con una voz inmensa que va hasta lugares
impredecibles y bellos... opinó la Prensa. Siempre está creando un proyecto, o
preparando la carrera de alguien que, al igual que él, inicia su sueño de
Artista, cada día. MANUEL FERNANDO no se detiene a mirar lo recorrido, siempre
tiene algo nuevo qué contar, qué cantar, que trabajar, qué sacar adelante... Qué
soñar y a quién hacer soñar.
MANUEL FERNANDO...
ROMÁNTICO POR EXCELENCIA! Con un trabajo impecable, canciones de su propia
autoría y Producción Integral, y la Producción Musical de AMAURY LOPEZ JACKSON
en Miami, un sonido internacional y unas interpretaciones que lo reconfirman
como el poseedor de una de las más bellas y mejores voces románticas y modernas
de Latinoamérica, MANUEL FERNANDO regresó con su estilo romántico y moderno,
lleno de esos matices que lo han hecho grande como Intérprete, presentando
"ROMÁNTICO POR EXCELENCIA", un disco con 16 cortes, de los cuales 15
son de su propia autoría. Hoy trabaja en la producción de su nuevo disco, como
siempre con sus propias canciones y ésta vez, con la adaptación de algunos
clásicos al estilo que presentará en su nueva etapa.
LINKS MÁS IMPORTANTES
DE MANUEL FERNANDO
TODO DESDE LA PÁGINA
OFICIAL DE MANUEL FERNANDO: www.manuelfernando.net
Nace Sam Hamm, guionista y productor estadounidense.
Sam Hamm (nacido
el 19 de noviembre de 1955) es un guionistaestadounidense cuyos trabajos más conocidos posiblemente
sean los guiones para las películas de Batman dirigidas por Tim
Burton. A consecuencia de dichos
trabajos, se lo invitó a escribir el cómic de Batman para DC
Comics. El resultado fue Batman:
Blind Justice (Justicia ciega), donde hizo su primera
aparición Henri Ducard, el mentor de Bruce Wayne, quien luego aparecería en Batman
Begins. Entre otras obras de
Hamm se incluyen Never Cry Wolf y Monkeybone.
También escribió borradores para las adaptaciones cinematográficas de El planeta de los
simios y Watchmen, aunque estos no fueron
utilizados.
1958:
Nace Charlie
Kaufman, director, productor y guionista estadounidense.
Nace Matt Sorum, baterista estadounidense, de la banda Guns
N' Roses.
Matt Sorum (n. 19 de noviembre de 1960)
es un baterista estadounidense, que formó parte del grupo The Cult durante varias encarnaciones de
la banda, siendo una de sus épocas más recordadas con esta formación la
correspondiente al disco Sonic Temple;
a continuación, formó parte de la banda Guns N' Roses, sustituyendo a Steven Adler, cuando éste fue expulsado de la
banda por su fuerte adicción a la heroína a principios de los años 1990.
Fue el guitarrista Slash el que se fijó en él durante un
concierto de The Cult al que
asistió, grupo del que en ese momento Sorum formaba parte. Debutó con Guns N' Roses en las grabaciones de Use Your Illusion I y Use Your Illusion II;
en el momento en que se incorporó al grupo, ya habían sido compuestos temas
como "Civil War"
o "Don't Cry", dado que incluso Steven Adler llegó a interpretar
"Civil War" en su última actuación con la banda; por ello, Matt Sorum
volvió a grabar las pistas de batería que había dejado su predecesor; participó
también en The Spaghetti
Incident?, permaneciendo en la banda hasta su despido en 1997.
Tras unos años erráticos de proyectos musicales de poca repercusión mediática,
ha vuelto a reunirse con dos de sus compañeros en Guns N' Roses (Slash y Duff) para formar junto con otros músicos la
banda Velvet Revolver,
que en la actualidad ya ha grabado dos discos, Contraband y Libertad.
En el 2009 colaboró
con la banda costarricense Gandhi (banda) en la producción de su
nuevo álbum Arigato No!, en
el cual Matt toca la batería en la canción "Rocket".
Foster nació como la hija más
joven de Evelyn Ella "Brandy" (née Almond) y Lucius Fisher Foster
III. Su padre provenía de una familia rica de Chicago, cuyos antepasados
incluyeron a John Alden, que había llegado en Norteamérica en el Mayflower en 1620.
Nació en Los Ángeles, California, pero a la edad de dos años fue llevado y criado en Hawaii. Es hijo de Sylvia y Robert Lee, un
conductor de autobús. Tiene tres hermanos y una hermana. Es de origen
chino-hawaiano. Pertenece a la tercera generación de chinos-americanos.
A mediados de la década de 1990, Lee interpretó algunos papeles
importantes en largometrajes. La ascensión de Lee responde, además, a un
resurgir del género de aventuras exóticas y a una clara revalorización de los
orientales en la pantalla. Gracias a su impresionante forma física, fruto de su
afición al surf, ganó el papel de Dragón después
de que le rechazaran en El último mohicano (1992), porque no tenía el aspecto de amerindio. Así, el actor dio su
salto a la fama en el año 1993 de la forma más tópica, encarnando al mítico
maestro de las artes marciales y luchador Bruce Lee en Dragón: La historia de Bruce Lee. Aunque tenía poco o
ningún parecido con la leyenda del Kung Fu y ningún
entrenamiento previo en artes marciales, logró capturar las características y
gestos personales de Bruce Lee y lo convirtió en una figura romántica.
Tuvo un duro trabajo por delante, mostrar la esencia del Jeet Kune Do. Para ello se entrenó con Jerry
Poteet, que estudió durante tres años con el maestro del Jeet Kune Do, Bruce
Lee, y de quien llegó a ser un gran amigo. De ese modo Jerry Poteet lógicamente
se convirtió en tutor de Jason Scott Lee (sin relación familiar con Bruce Lee).
Gran parte de su tiempo juntos lo dedicaron a revisar el estilo de Bruce Lee y
a sus movimientos básicos de pies, así como los mejores métodos para esgrimir
el nunchaku. No presentó un gran reto, dice Jerry
Poteet, porque Jason era tan atlético que, naturalmente, llegó a la realización
de todas las escenas de artes marciales.
Desde entonces, no se ha bajado de las listas del éxito, pero
sigue recibiendo todo tipo de papeles para todo tipo de actuaciones. Su
creación de Bruce Lee impresionó tanto al director Stephen Sommers que no dudó en
ofrecerle el papel protagonista de El libro de la selva: la aventura continúa (1994), al que
hasta ahora sólo había dado vida el actor indio Sabu en 1944. Jason logró representar la
espiritualidad inherente y la personalidad de Mowgli.
Actualmente vive en la Isla Grande de Manua Loa en Hawaii, cerca del Parque nacional de los Volcanes, en una granja de estilo sostenible de 25 acres de tierra rodeada de bosques nativos. Lee ha llamado a su
granja "Pu Mu", representado por dos caracteres chinos que simboliza
"Pu” 普 "Simplicidad" y “Mu" 萬畝 "Nada",
basándose en la filosofía e ideología de llevar una vida más sencilla y con
menos posesiones materiales.
Jason cuida su granja utilizando sólo los métodos naturales de
la agricultura tradicional china. Una técnica desarrollada por su maestro
de agricultura japonesa, Sensei
Masanobu Fukuoka. Ha creado un arte en la agricultura que es lo más cercano al
patrón de crecimiento natural de los cultivos, una manera semi-salvaje. Una
forma de agricultura y una forma de vida, que curan el espíritu humano y la
tierra al mismo tiempo. El cuidado de la tierra, es fundamental en Pu Mu.
Jason no está solo en la granja. A menudo también le visitan
huéspedes, cualquier persona, agricultores interesados, así como niños de
primaria y estudiantes de la escuela secundaria para ver lo que está pasando
allí. El documental "Living
Pono" fue grabado el 1 de octubre de 2007 y fue emitido por la televisión a nivel
internacional y en festivales
internacionales de cine a partir de 2009.
También es propietario del Teatro Ulua en Honolulu, que se inauguró en el
2005, con la producción de la obra "Burn This" y donde además se
realizan conciertos de música de origen hawaiano, en los que participan entre
otros la controvertida banda, Sugah Daddy e'Hawaiianrockband.
Lee se siente limitado artísticamente por su apariencia física.
Como todos los actores de tipo racial, estará siempre limitado a los personajes
exóticos. Como un actor no caucásico con una apariencia étnica ambigua, ha sido
llamado a representar distintas razas como por ejemplo interpretando a un esquimal en Map
of the Human Heart (1993), un nativo polinesio de la Isla de Pascua en Rapa Nui (1994) y un indio en El Libro de la Selva.
Lee es uno de los actores, productores y directores que
intervinieron en el documental The
Slanted Screen(2006), dirigida por Jeff Adachi, sobre la representación de los hombres asiáticos y
asiático-americanos en Hollywood a lo largo del tiempo.
Muere Cantalicio
Rojas Gonzâlez, compositor colombiano.
Cantalicio Rojas
González1 (músico, compositor) Nació el 27 de marzo de 1896 Tomo
VI,Folio 220,Registro 638,Agosto 31 de 1896 del Libro Parroquial. Murió
en Ibagué el 19 de noviembre de 1974.
Prolijo compositor Huilense y uno de los más importantes del folklore de Colombia. Su obra musical agrupa su principal
genero La Caña,el bambuco, sanjuanero, torbellino, rumba criolla, pasillos,
cañas y rajaleña.
Nació en el municipio
de Colombia, que para esta época formaba parte del departamento del Tolima y hoy hace parte del departamento
de Huila el 27 de marzo de 1897, cuando
todavía Huila pertenecía al departamento del Tolima Grande; era hijo de personas
humildes. Desde muy niño sintió afición por la música y ya interpretaba guitarra, tiple y bandola. En el año 1904 se
traslada a Dolores, Tolima, donde realiza estudios primarios.
Luego de prestar servicio militar en Popayán se traslada a Aipe,
pero pronto se residencia en Natagaima, es allí donde pasa gran parte de su
vida y donde realiza gran parte de su obra musical, junto con la banda de éste
pueblo. En 1938 inicia su trabajo de compositor, ese año compone con Luis Enrique Lis el sanjuanero tolimense
'El Contrabandista', su principal obra folclórica, una de las composiciones más
insignes de ese departamento. En 1950 el dueto Garzón y Collazos graba 'El
Contrabandista', convirtiendo esta composición suya en una de las más conocidas
a nivel nacional. En 1958 recorre los Estados Unidos llevando a conocer sus
composiciones, en las que también sobresalen sus cañas, 'Mi despedida', 'Sara
María', un total de 65 composiciones.
Luego de ser objeto de
numerosos reconocimientos, Cantalicio Rojas fallece en Ibagué el 19 de noviembre de 1974. Hoy en
día es recordado como uno de los autores más prolíficos y creativos del
Departamento del Tolima
Muere Tom Evans,músico y compositor británico, integrante del grupo Badfinger y compositor, entre otros, del tema "Without You".
Thomas Evans Jr (5 de junio de 1947 – 19 de noviembre de 1983) fue un músico y compositor británico, integrante del grupo Badfinger y compositor, entre otros, del tema "Without You".
Evans nació en Liverpool en 1947, allí formó la banda The Calderstones, con los que tocó hasta que en julio de 1967, los miembros de The Iveys (Pete Ham, Ron Griffiths, Mike Gibbins) los vieron actuar y le ofrecieron a Evans la posibilidad de audicionar en Londres para ellos, con el fin de unirse a la banda como sustituto del guitarrista Dave Jenkins, que había abandonado la formación unos meses antes.1 Evans debutó con The Iveys el 20 de agosto de 1967 en un concierto celebrado en el Starlite Ballroom de Crawley.
El 23 de julio de 1968, The Iveys firmaron un contrato discográfico con el sello de The Beatles, Apple Records. El primer sencillo que la banda publicó fue Maybe Tomorrow, una composición de Tom Evans dedicada a su novia Leslie Sandton. El 15 de noviembre de 1968, "Maybe Tomorrow" fue publicado en el Reino Unido y el 27 de enero de 1969 en Estados Unidos, alcanzando el número 67 en la lista Billboard. En Europa y Japón tuvo también una gran acogida. En julio de 1969 se publicó en Japón, Italia y Alemania el álbum Maybe Tomorrow, en el que se incluyeron otras composiciones de Evans, como "Beautiful and Blue", "Fisherman" y "Angelique".
En noviembre de 1969, The Iveys cambiaron su nombre a Badfinger. Paul McCartney dio impulso al grupo ofreciéndoles el tema "Come and Get It", que él mismo produjo para la banda. La canción fue incluida en la película The Magic Christian, protagonizada por Ringo Starr y Peter Sellers. Evans fue elegido por McCartney como vocalista principal en este tema, que alcanzó el Top 10 mundial. Para la cara B del sencillo se utilizó el tema compuesto por Evans, Pete Ham y Mike Gibbins, "Rock of All Ages" con Tom Evans como principal vocalista. Paul McCartney que también produjo este tema, participó realizando coros en la grabación.2
Tras la marcha del bajista Ron Griffiths, la banda se reestructuró, entró el guitarrista Joey Molland, y Evans, que hasta ese momento había tocado la guitarra pasó a ocuparse del bajo3 quedando de esta manera establecida la formación más conocida de Badfinger Ham, Evans, Gibbins y Molland.
Badfinger tuvieron un enorme éxito a comienzos de los años 70 con temas como "No Matter What," "Day After Day" y "Baby Blue". Sin embargo el mayor éxito de su carrera lo consiguió con "Without You," una canción coescrita con Pete Ham y que el cantante norteamericano Harry Nilsson llevaría al número 1 de las listas de éxitos.
Badfinger se separaron tras el suicidio de Pete Ham en 1975. Evans fundó entonces el grupo the Dodgers junto a su compañero en Badfinger, Bob Jackson. The Dodgers publicaron tres sencillos producidos por Muff Winwood y un álbum producido por Pat Moran, aunque Evans abandonó la formación a mitad de las sesiones de grabación para retirarse durante un tiempo de la industria musical.
Evans regresó en 1977 junto a Joey Molland para grabar dos nuevos álbumes bajo el nombre de Badfinger. El primer sencillo que se extrajo del álbum Airwaves, fue una composición de Evans, "Lost Inside Your Love", que se publicó en marzo de 1979 pero que no llegó a entrar en las listas de éxitos. Del segundo album, Say No Morese extrajo el tema compuesto por Evans y Tansin, "Hold On," que alcanzó el número 56 de la lista Billboard en 1981. Evans y Molland se separaron después de que este segundo álbum fuera lanzado, y ambos fundaron sus propias bandas con el nombre de "Badfinger" en los Estados Unidos.
En 1983, tras una amarga discusión con el guitarrista Joey Molland sobre los derechos de autor del tema "Without You", Evans se ahorcó en el jardín. Quienes le conocían aseguraron que nunca llegó a superar el suicidio de su compañero Pete Ham.4
En 1993, una recopilación de grabaciones realizadas a comienzos de los años 80 por Evans fue póstumamente publicada en el Reino Unidos por Gipsy Records bajo el título de Over You (The Final Tracks).
Nació en el hogar de
Pedro Arvizu y Trinidad Santelices. Hacia 1922 viaja a la capital mexicana
donde ingresa al Conservatorio Nacional de Música para estudiar solfeo y
armonía bajo la dirección del maestro José Pierson. Hizo su debut en el Teatro
Esperanza Iris, en compañía de Consuelo Escobar y Ángeles Ottein; esto sucedió
en 1924. Dos años después hace sus primeras incursiones discográficas para el
sello Brunswick con las canciones «Varita de nardo» y «Ventanita morada»
de Joaquín Pardavé.1
Juan Arvizu comenzó a
cantar en el Orfeón Infantil que dirigía Antonio González, en Querétaro.2
Mientras ayudaba a su
padre en el menester de telegrafista, Arvizu se dedicaba en sus tiempos libres
al estudio del canto, especialmente solfeo y armonía, en el Conservatorio Nacional
de Música. Sus dotes artísticas llamaron la atención de varios directores de
música, entre ellos el maestro José Pierson, quien impulsaría su carrera.
Juan Arvizu, como otros cantantes de la época, comenzó a cantar en las óperas.
Arvizu debutó con la compañía de ópera Pierson, compartiendo escenarios con la
famosa soprano española Ángeles Ottein.
Su primera actuación
se produjo en el Teatro Iris, con la opera llamada La sonámbula de Vincenzo Bellini. Pepe
Cantillo ―quien dirigía una de las más célebres revistas de
México― incluyó a Juan Arvizu en su elenco.3 Sus apoteósicas actuaciones en el
teatro Lírico llamaron la atención de la industria fonográfica. En aquel
entonces la música popular se abría campo. Artistas operáticos, tales
como Margarita Cueto, Pedro Vargas, Juan Pulido, Carlos Mejía, José Mojica, Carlos Almenar Otero, Alfredo Sadel, Tito Schipa, entre otros, incursionaron en el
mundo farandulero con gran éxito. Juan Arvizu no fue la excepción, prensando su
voz con el sello discográfico Brunswick en 1928. Su primera obra, Varita
de nardo, del maestro Joaquín Pardave, causó una grata sensación en el
público. La RCA Victor lo incluyó en su exquisita nómina comenzando así una de
las carreras más prolíficas de la música popular. El compositor Jorge del Moral
le confió una de sus obras, Por unos ojos. La versatilidad de su
voz y sus cualidades musicales le generó el apodo de «El Tenor de la Voz de
Seda». A partir de ese momento, Arvizu solo conoció el éxito.
Debido a su
popularidad, en 1930, la emisora XEW invitó a Juan Arvizu a inaugurar su
primera transmisión radial. No sería esta la única vez que el Tenor de la Voz
de Seda tuviera semejante reconocimiento. Arvizu tendría el honor de inaugurar
otras emisoras de renombre; por ejemplo, en 1935, la LR1, Radio el Mundo de
Buenos Aires, y en 1942, la Cadena de las Américas de la Columbia Broadcasting
con Alfredo
Antonini - director de Pan American Orquesta y Elsa Miranda (vocalista puertoriqueña)
y Terig Tucci (compositor argentino)
y John
Serry, Sr. -acordionista norteamericano.45 6 Pero uno de los mayores logros de
Juan Arvizu fue el de descubrir a unos de los más grandes compositores de
México, Agustín Lara.
Durante las décadas de
los veinte y treinta, el tango era muy popular en México. Arvizu estrenó muchas
de esas canciones en la revista musical de Pepe Cantillo. En una de esas
actuaciones, el célebre cantante contrató, para que lo acompañara, a un
desconocido y bohemio pianista que trabajaba en el mundano Café Salambo. Aquel
pianista, con sus canciones arrabaleras, sensuales y sentimentales, conmovió al
ya famoso Arvizu, quién, virtualmente, lo lanzó a la fama. Aquel personaje fue
Agustín Lara el autor, entre otros temas, de María Bonita y Madrid.
Las obras de este compositor, que inmortalizó Arivizu, fueron Santa, Granada, Cuando
vuelvas, Tus pupilas, Enamorada, Aventurera, Concha
Nácar, entre otras. Al inicio Agustín Lara era tanguista, pero sus
obras carecían del acompañamiento suntoso de las orquestas tangueras así que
sus obras se clasificaban dentro del género de «canción criolla». Las
actuaciones del dúo Lara-Arvizu en la XEW fueron casi míticas. El estilo
musical de Lara fue una reacción contra la invasión del tango argentino.
La fama de Juan Arvizu
ya había traspasado fronteras. En 1935, el cantante realizó su primera gira
internacional. En Buenos Aires inauguró Radio el Mundo. Pero su estadía en Argentina
que estaba programada solamente por dos meses se extendió por año y medio. Fue
una temporada triunfal para Juan Arvizu. Esta gesta se repetiría luego cuando
terminó su contrato en Nueva York con la RCA Victor.
Para Juan Arvizu el
mejor año de su carrera fue en 1944. Solamente en Argentina, el cantante llegó
a percibir 60.000 dólares libres. El público se volcaba a los escenarios,
grilles y confiterías donde Arvizu actuaba
El séptimo arte
también contó con la presencia de Juan Arvizu. El participó en las
películas Santa y Reír llorando las cuales
fueron producidas en México. En Cuba, Arvizu protagonizó la película más
importante de su carrera: Ahora seremos felices con la
escultural y carismática artista puertorriqueña Mapy Cortés. En 1939, Arvizu ya estba en el
cenit de la fama. Aunque el argumento de la película era sencillo, la cinta
alcanzó ventas fabulosas. Arvizu cantó boleros del maestro Rafael Hernández tales
como «Quiero decirte», «Las palomitas», «Purísima» y «Ahora seremos felices».
Entre tantos temas
recordados, hay uno actualmente poco conocido, pero que es conmovedor: «Serpentina
doble», que habla de un chiquillo que vendía en las calles esas tiras coloridas
de papel, que después de sufrir un accidente ocasionado por el vehículo
conducido por un pierrot, muere en un hospital justo cuando el carnaval también
moría. (Quien esto escribe, era un niño muy pequeño, cuando escuchaba cantar a
su padre en el hogar provinciano, aquel bello tema. Quizás la nostalgia sumada
a la sencillez de su letra y música,lo han convertido en algo valioso y
familiar.).
Fue inaugurado el 19 de noviembre de 1997 y su nombre fue
dado en honor al presidente número 40 de Colombia, César Gaviria, que nació en la ciudad de Pereira.
Es una estructura mixta de 704 m de longitud
constituida por tres componentes: Un puente atirantado central y dos módulos de
acceso.
El puente atirantado tiene una longitud de 440 m y está soportado
en dos pilones de concreto estructural con alturas de 96 m y 105 m, la luz principal es de
211 m.
Los dos módulos de acceso están soportados en 17 pilas de
concreto y el ancho del tablero es de 24 m, el cual se encuentra a
una altura de 55 m sobre el Río Otún.
El volumen total de concreto estructural empleado en el proyecto
fue de 19.500 metros cúbicos y la estructura metálica pesa 2.758 toneladas, de
las cuales 177 corresponden al acero de los tirantes.
La longitud de su tramo central es de 211 m. El puente
constituye un punto de referencia para la ciudad convirtiéndose junto con el
monumento al Bolívar desnudo en uno de sus
principales iconos.
Debido al terremoto de 1999 tuvo serias afectaciones que con el
pasar del tiempo fueron reconstruidas.[cita requerida]
Comenzó su carrera en el cine
como productor, para luego pasar a la dirección, aunque nunca dejó la
producción, tanto de las películas que el dirigía como la de otros directores.
Destaca su labor como productor en Matar a un
ruiseñor.
Debutó como director con una
joven Liza Minnelli (El
cuco estéril, 1969) y siguió contando con importantes estrellas para muchas
de sus películas, pero probablemente la película por la que será recordado
sea Todos los
hombres del presidente con Robert Redford y Dustin Hoffman
de 1976 en la que contaba la investigación
del caso Watergate por
dos periodistas del periódico Washington Post, y el "El informe
Pelícano" con Julia Roberts, Denzel Washington y Sam Shepard.
Pakula murió en un accidente
automovilístico el 19 de noviembre de 1998, en Nueva York, cuando se estrelló
su auto contra una barra de metal que lo golpeó en la cabeza.
Siendo niño Manuel
Zapata Olivella , su padre, el profesor Antonio María Zapata Vásquez, se
trasladó con su familia a Cartagena de Indias,
en donde refundó el Colegio "La Fraternidad" donde el ser humano y su
entorno, eran los ejes fundamentales de estudio desde una óptica científica y
humanista, que reñía con la cátedra religiosa imperante para la época.
Estudió Medicina en la
Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá. De 1943 a 1947 viajó por América
Central y México ejerciendo los más diversos oficios. En la ciudad de México
trabajó en el Sanatorio Psiquiátrico del Dr. Ramírez y después en el Hospital
Ortopédico del cantante Alfonso Ortiz Tirado, para la revista Time y para la
revista Sucesos para Todos. Discutía contra su hermano Virgilio defendiendo a
los Estados Unidos, cambiando de manera de pensar después de un viaje a este
país donde sufrió discriminación racial.
Durante su estancia en
México, escribió la novela no publicada "Arroz Amargo". Como
etnógrafo, publicó varios estudios sobre las culturas de los negros de
Colombia. Enseñó en varias universidades de Estados Unidos, Canadá, Centroamérica, y África. Fundó y dirigió la revista de
literatura Letras Nacionales.
El tema principal de
la narrativa de Zapata Olivella es la historia y la cultura de los habitantes
del Caribe colombiano, en especial la vivencia de los negros e indígenas. Su
obra más importante es la novela Changó, el Gran Putas (1983),
una extensa obra que se propone como la epopeya de los afroamericanos, narrando sus orígenes en
África, las historias de los negros cimarrones en Cartagena y la
independencia de Haití, hasta llegar a la
lucha contra la segregación en Estados Unidos. Su novela anterior En
Chimá nace un santo (1964) fue finalista en dos concursos legendarios,
el Esso de 1963, en que fue derrotada por Gabriel García
Márquez con La mala hora y el Premio de Novela
Breve Seix Barral, cuyo primer puesto fue para La ciudad y los
perros, de Mario Vargas Llosa.
Sus obras tratan fundamentalmente la opresión y la violencia.En su larga
trayectoria como narrador se pueden distingir dos tendencias una de caracter
realista y denuncia social y otro de caracter mitológico en la que priva la
visión magica del negro
**************
2014:
Muere Mike Nichols,
cineasta, actor, productor y guionista alemán-estadounidense (nacido en 1931).
Nichols falleció el 19 de
noviembre de 2014, a los 83 años.2
2017:
Muere Abelardo
Pulido Buenrostro, compositor mexicano.
Abelardo Pulido Buenrostro
nació el 5 de mayo de 1933 en Villa Venustiano Carranza, hoy San Pedro Caro,
Michoacán; hijo de los señores Rafael Pulido y Elodia Buenrostro. En 1941 se traslada
a la Ciudad de México para realizar sus estudios, pero debido a necesidades
económicas familiares emigra a Texas, Estados Unidos, para trabajar en las
piscas de algodón.
A los 15 años de edad
compone su primera canción Un sueño de tantos, la cual inscribe en 1957, a
sugerencia de su hermano Luis, en el programa Aficionados de la XEW, resultando
ganadora. A partir de ese momento unieron talentos y formaron el dueto Los Dos
Oros, con el que consolidan su carrera en 1962 al convertir en éxito y grabar
con estilo romántico dicho tema, bajo el sello Columbia (hoy Sony).
Así fue llegando la fama y
el dinero. Al respecto, el maestro Abelardo recordaba emocionado: “Un día de
1962 recibí un buen pago por mi trabajo, y parte de ese dinero lo utilicé para
amueblar mi casa. Cuando llegaron para entregar los muebles mi esposa no los
quería recibir pensando en que había un error, pero al mostrarle las facturas a
nombre de ella pagadas por mí, aceptó, y cuando llegué la encontré llorando de
felicidad”.
Sus obras más destacadas
son Carta perdida, interpretada por Mario Moreno Cantinflas en
la película Entrega inmediata; Un sueño de tantos, grabada por Elvira
Quintana en la cinta Tres palomas alborotadas; Entrega total,
popularizada por Javier Solís en Campeón del barrio; Infierno y
gloria, también llevada a la pantalla grande por Javier Solís en Amor a
ritmo de Go-Go; La gallera, tema incluido en el filme El rey de los
tahúres; Sangre caliente, grabada por Los Dos Oros y título que inspiró
para dar nombre a una película protagonizada por Valentín Trujillo.
Entre las distinciones a las
que ha sido acreedor a lo largo de su carrera se encuentran un Disco de Plata
(1966) por el primer lugar en ventas de Entrega total con Javier
Solís, y otro más otorgado por Discos Musart por su canción Un sueño de
tantos, interpretada por José Alfredo Jiménez y Amalia Mendoza La
tariácuri. En 1990 EMI Music lo galardona por su éxito Sangre caliente, en
la voz de Lola Beltrán, y la Sociedad de Autores y Compositores de México
(SACM) le entrega el reconocimiento Trayectoria 50 Años (2007).
La música, aseguraba
Abelardo Pulido, le regaló innumerables e inolvidables vivencias, dos de las
cuales tuvieron lugar en Guadalajara, Jalisco: “Durante una gira que realizamos
mi hermano Luis y yo para promover un nuevo material discográfico, llegamos al
sitio en donde se llevaría a cabo el evento y vimos que estaba abarrotado de
gente, apenas si se podía caminar por las estrechas calles. Estábamos
sorprendidos, por lo que Luis Manuel preguntó a una señora qué pasaba, y ella
le respondió: ‘Como será tonto, ¿no ve que se van a presentar Los Dos Oros?
Hubo mucha publicidad en radio y televisión y ya queremos verlos’, y se fue
antes de decirle que éramos nosotros.
“Otra ocasión llegamos al
restaurante Mesón del Mariachi; estaba más adornado de lo habitual y con varios
empleados de la aerolínea Mexicana. Me acerqué a una aeromoza para preguntar el
motivo del festejo, entonces me dijo que varias de sus oficinas a nivel
nacional se habían puesto de acuerdo para reunirse en ese lugar con la
intención de armar una parranda con Los Dos Oros. Y qué sorpresa se llevó
cuando después de unos minutos nos vio subir al escenario”.
El maestro Abelardo Pulido,
quien aseguraba que su mayor satisfacción fue haber hecho de sus hijos hombres
de bien para la sociedad y la patria a costa de sus canciones, falleció el 19
de noviembre de 2017 en la Ciudad de México.
.jpg)
.jpg){kind=link}
0 comentarios:
Publicar un comentario