El 26 de junio es el 177.º (centésimo septuagésimo séptimo) día del año en el calendario gregoriano y el 178.º en los años bisiestos. Quedan 188 días para finalizar el año.
Podcast 2020
Santoral de la Iglesia Católica:
San Josemaría Escrivá, sacerdote español, fundador del Opus Dei.6
Fundador
Año 1975
San José María Escrivá es
uno de los más populares fundadores y apóstoles del siglo XX. Nació en
Barbastro Aragón, España, de un hogar sumamente creyente y ejemplar y fundó en
1928 una de las asociaciones apostólicas más fuertes del mundo, el Opus Dei.
Desde muy pequeño tuvo una
gran cualidad: su espíritu de servicio a los demás. Parecía que su oficio más
agradable era poder ser útil a los demás en todo lo que le fuera posible
ayudarles. La frase de Jesús que más le impresionaba era esta: "El hijo
del hombre no ha venido a ser servido, sino a servir, y a dar la vida en
redención de muchos" (Mt. 20, 28). Y le impresionaba el meditar que Jesús
desde su nacimiento en el pesebre hasta su muerte en la cruz, no tuvo otro fin
que el de dar gloria al Padre Dios y hacer el mayor bien a las criaturas
humanas. Y él se propuso emplear también todas sus cualidades al servicio de
Dios y de las personas humanas.
San José María se propuso
pues imitar el espíritu de servicio de Jesús, y dedicar su vida entera a lograr
hacer el mayor bien posible a toda clase de gentes.
Después de obtener su
doctorado en la universidad, fue ordenado de sacerdote en 1925 y se dedicó al
apostolado con todas las fuerzas de su alma, tendiendo como lema aquella frase
de la S. Biblia: "El sacerdote está constituido a favor de los
hombres" (Hebr. 5, 1).
Su madre, Doña Dolores, le
había enseñado una frase que ella repitió muchas veces y que a él le fue muy
útil en el apostolado: "Para lo único que hay que tener vergüenza es para
pecar". Así que al joven sacerdote no le dio jamás vergüenza hablar de
Cristo y de su mensaje en todas partes y ante toda clase de personas. Y esto
mismo enseñó con la palabra y el ejemplo a sus millares de discípulos de todo
el mundo.
Cuando Dios encamina a una
persona hacia una gran obra le concede todas las cualidades necesarias para
desempeñar bien el oficio que le ha encomendado. Al Padre Escrivá le concedió
un espíritu sumamente alegre y jovial que le ganaba la simpatía a todos los
ambientes. Una alegría que se contagiaba a los que lo escuchaban. Lo dotó
también la Divina Providencia de un corazón sumamente generoso para amar a
todos. Uno de sus socios, que lo acompañó por muchos años, declaró: "Me
consta que jamás Monseñor Escrivá se sintió enemigo de nadie". Quiso bien
a todos y los seguía queriendo aún después de que lo trataran mal. Su única
moneda de cambio con quienes se dedicaban a atacarlo, era rezar por ellos.
San José María fue un
instrumento en las manos de Dios, por medio del cual la Iglesia Católica logró
conseguir líderes apostólicos en todos los continentes y empezó nuevas obras de
apostolado en muchas naciones. Pero él siempre se consideraba un simple
instrumento en manos de Dios. Ninguno de sus triunfos apostólicos lo atribuía a
sus cualidades o a sus esfuerzos personales, sino todo solamente a la bendición
de Dios. Recordaba la famosa frase del libro de los proverbios: "Lo que
nos produce éxitos es la bendición de Dios. Nuestros afanes no le añaden
nada". Sabía que cuanto mejor preparado está el instrumento (por ejemplo
el pincel, con el cual le agradaba mucho compararse) mejor saldrá la obra del
artista. Por eso trataba de prepararse lo mejor posible siempre, pero también
estaba convencido de que sin la acción del artista, (que siempre en el apostolado
es Dios) el instrumento nada logra conseguir por sí mismo.
Pero la humildad de Escrivá
no era un apocamiento, un creerse sin valor o un inútil y sin cualidades
(porque eso sería mentira. Y la humildad es la verdad). Su humildad no era un
no atreverse a proponer nuevas iniciativas o dejar de exigir derechos que son
deberes. Era un estar convencido de que se es incapaz de realizar nada valioso
sin la bendición de Dios, pero a la vez una convicción de que entre más
preparado y calificado esté el apóstol, mayores éxitos podrá obtener si confía
plenamente en la ayuda divina.
Siendo muy joven en Logroño
en pleno y terrible invierno vio sobre la nieve las huellas de unos pies de un
religioso capuchino, que por amor de Dios y por salvar almas andaba descalzo
sobre ese hielo tan temible. Y San José María se preguntó: "Todo esto
hacen los demás, y yo ¿qué voy a hacer por Cristo y por las almas?". Desde
entonces se propuso gastarse y desgastarse por hacer amar más a Dios y por
conseguir salvar almas.
El 2 de octubre de 1928 San
José María sintió que Dios le iluminaba una idea maravillosa (durante unos
Ejercicios Espirituales), fundar una asociación en la cual cada persona,
siguiendo sus labores ordinarias en el mundo, se dedicara a conseguir la
santidad y a propagar el reino de Cristo. Y fundó entonces la famosa
organización llamada Opus Dei (Obra de Dios) que ahora está extendida por todos
los países del mundo. Su lema era la frase de San Pablo: "Esta es la
voluntad de Dios: vuestra santificación" (1 Tes. 4, 3).
El famoso fundador repetía:
"El creyente, ya sea barrendero o gerente, ya sea pobre o rico, sabio o
ignorante, conseguirá su santificación y un gran puesto en el cielo si todo lo
que tiene que hacer lo hace por amor de Dios y con todo el esmero que le sea
posible. En el servicio de Dios no hay oficios de poca categoría. Todos son de
gran categoría si se hacen por amor a Nuestro Señor".
Desde 1928 hasta su muerte
en 1975, San José María Escrivá dedicó todas sus energías y sus grandes
cualidades y todo su tiempo, a extender y a perfeccionar la obra maravillosa
que Dios le había encomendado: El Opus Dei, una asociación para llevar hacia la
santidad a las personas, pero permaneciendo cada cual en su propia profesión y
oficio.
Fue beatificado por S.S.
Juan Pablo II en Roma el 17 de mayo de 1992.
Escribió Monseñor Escrivá un
librito pequeño pero hermosísimo que ha influido en millones de personas en el
mundo entero. Se llama "Camino". Son mil pensamientos (numerados)
acerca de los temas más importantes para conseguir la santidad. Su estilo es
simpático, impactante, incisivo y muy agradable. Y como antes de escribir rezó
mucho por lo que iba a redactar, las frases del libro "Camino" llegan
hasta el corazón de sus lectores y lo conmueven profundamente.
He aquí algunos de esos
pensamientos cortos de su libro "Camino": Acostúmbrate a decir No a
lo que es malo... ¿Qué no puedes hacer más? ¿No será que no puedes hacer
menos?... ¿Virtud sin orden? ¿Y a eso llamas virtud?... ¡Qué hermoso desgastar
la vida por Dios y por los demás!... Tu mayor enemigo es: tu egoísmo... Si no
te dominas a ti mismo, aunque seas poderoso, eres poca cosa... Al que puede ser
sabio no se le perdona que no lo sea... Tu orgullo: ¿de qué?...
Dios le concedió la gracia
de ser muy simpático para los universitarios, para los profesionales y para los
de las clases dirigentes. Y él empleó este don tan especial para conseguir que
muchísimos líderes de diversos países aprovecharan sus notables influencias en
los demás para llevarles los mensajes de la Iglesia Católica y extender así
nuestra Santa Religión. La simpatía personal del Padre Escrivá le atraía amigos
en todas las naciones a donde llegaba su influencia y muchos de ellos ocupan
ahora puestos influyentes, para gloria de Dios.
El 17 de mayo de 1992, en
Roma, S.S. Juan Pablo II eleva a Josemaría Escrivá a los altares, en una
multitudinaria ceremonia de beatificación. El 21 de septiembre de 2001, la
Congregación Ordinaria de Cardenales y Obispos miembros de la Congregación para
las Causas de los Santos, confirma unánimemente el carácter milagroso de una
curación y su atribución al Beato Josemaría. La lectura del relativo decreto
sobre el milagro ante el Romano Pontífice, tiene lugar el 20 de diciembre. El
26 de febrero de 2002, Juan Pablo II preside el Consistorio Ordinario Público
de Cardenales y, oídos los Cardenales, Arzobispos y Obispos presentes,
establece que la ceremonia de Canonización del Beato Josemaría Escrivá se
celebre el 6 de octubre de 2002.
Padre José María: pídele a
Dios que sigamos tu ejemplo y tus enseñanzas.
¿Por qué escogimos el 26 de junio?
El Día
Internacional de las Naciones Unidas en Apoyo de las Víctimas de la Tortura,
que se conmemora el 26 de junio, evoca la fecha en que, en 1987, entró en vigor
la Convención de las Naciones Unidas contra la tortura y
otros tratos o penas crueles, inhumanos o degradantes.
El uso de la
tortura está absolutamente prohibido por el derecho internacional, en todo
momento y en cualquier circunstancia. El Artículo 14 de la Convención, ratificada
hasta hoy por 159 países, afirma que los Estados deben velar por que las
víctimas obtengan reparación. Esto abarca los medios para lograr la
rehabilitación más plena posible para todas las víctimas, tanto si son adultos
como si son niños. En el Artículo 39 de la Convención de los Derechos del Niños
se estipula que los Estados deben adoptar todas las medidas apropiadas para
promover la recuperación física y psicológica y la reintegración social de los
niños que han sido víctimas de la tortura.
El uso de
la tortura todavía está generalizado
Miles de
víctimas y sus familias necesitan de la asistencia especializada que a menudo
los Estados no llegan a proporcionarles. El Fondo de Contribuciones Voluntarias de las Naciones
Unidas para las Víctimas de la Torturacolma esta brecha mediante la
asistencia financiera a organizaciones que, a su vez, proporcionan ayuda
directa médica, psicológica, humanitaria, social y jurídica a las víctimas y
sus familias.
Hemos
venido ayudando a las víctimas de la durante 35 años
El Fondo de
Contribuciones Voluntarias de las Naciones Unidas para las Víctimas de la
Tortura, creado por la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1981, es el
fondo más antiguo en el ámbito de los derechos humanos. En 2016, el Fondo
canalizará financiación por un total neto de 7,1 millones de dólares a 178
proyectos que proporcionan servicios a más de 47.000 víctimas de la tortura,
tanto adultos como niños, en más de 81 países.
El 26 de junio
es una fecha para renovar y aumentar el respaldo a este mecanismo fundamental.
Es asimismo un recordatorio del sufrimiento continuo de decenas de miles de
víctimas que necesitan ayuda urgente.
1541:
Muere Francisco
Pizarro, explorador y conquistador español (nacido en 1476).
Francisco Pizarro
González (Trujillo, 16 de
marzo de 1478-Lima, 26 de
junio de 1541) fue
un noble y explorador castellano, conquistador del Perú, gobernador de Nueva Castilla, con sede de gobierno
en la Ciudad de
los Reyes.
Se le recuerda por haber
logrado imponerse sobre el Imperio
incaico con ayuda de diversos cacicazgos locales, conquistando el mencionado Estado imperial cuyo
centro de gobierno se ubicaba en el actual Perú, además de
establecer una dependencia española sobre él. Si bien tuvo el título de marqués,
fue realmente «marqués sin marquesado». Tras la emancipación de la Corona de Su
Majestad el Rey, sus descendientes tuvieron el título de marqueses de la Conquista, pero con el
nombre de Atavillos. Sin embargo, es muy posible que en razón de su lealtad a
la Corona le fuera como honra concedido el título de marqués de los Atavillos,
siendo este el título utilizado por el cronista don Francisco López de Gomara
en su Historia General de las Indias,
capítulo CXXXII. También fue referido como marqués por Pedro Cieza de León en su
libro Chrónica del Perú. Para sus huestes indígenas era conocido
como Apu (‘jefe’, ‘señor’, ‘general’) o Machu
Capitán (‘viejo capitán’).
1810:
Muere Joseph Montgolfier,
inventor francés (n. 1740).
Joseph-Michel Montgolfier (Annonay, 26 de agosto de 1740-Balaruc-les-Bains, 26 de junio de 1810)
y Jacques-Étienne Montgolfier (Annonay, 6 de enero de 1745-Serrières, 2 de agosto de 1799)
fueron dos hermanos franceses conocidos
por ser considerados los inventores del globo aerostático.12
Índice
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Biografía[editar]
Eran hijos de
un fabricante de papel y mientras jugaban un día con bolsas de papel invertidas
sobre el fuego, descubrieron que las bolsas subían hasta el techo. Esto los
llevó a experimentar con bolsas más grandes y materiales más ligeros. En 1782 hicieron
pruebas a cubierto con seda y lino. El 14 de diciembre de 1782consiguieron
un lanzamiento al aire libre de una bolsa de seda de 18 m³, que alcanzó
una altitud de 250 m.3
El 4 de junio de 1783 llevaron
a cabo su primera demostración pública; hicieron subir una bolsa esférica de
lino forrada de papel de 11 metros de diámetro, 800 m³ y un peso de unos
226 kilogramos llena de aire caliente. Su vuelo recorrió 2 km, duró 10
minutos y alcanzó una altitud estimada entre 1600 y 2000 metros.3
Los
siguientes ensayos enviaron los primeros seres vivos (una oveja, un pato y un
gallo)3 en una cesta enganchada al globo, para
investigar los efectos del aire en altura. Esto se realizó en Versalles ante Luis XVI de Francia,
con objeto de que diera su permiso para un siguiente ensayo de vuelo con
humanos. Se realizó un ascenso alrededor del 15 de octubre a una altitud de 26 m.
El 21 de noviembre de 1783, Pilâtre de Rozier y
el marqués d'Arlandes hicieron
el primer vuelo tripulado por humanos. Volaron durante 25 minutos a una altura
de unos 100 metros sobre París, logrando una distancia de nueve
kilómetros.3
A estos
globos se los llamó montgolfière o «mongolfiera».
A partir de
ahí se sucedieron diferentes vuelos, incluyendo uno a través del canal de La Mancha el 7 de enero de 1785con Jean Pierre Blanchard y John Jeffries a bordo.4
Pronto los
globos de aire caliente fueron reemplazados por globos de hidrógeno, y no
volvieron hasta los años 1960,
cuando una empresa, Industrias Raven,5 mejoró la seguridad del diseño del clásico
globo de los Montgolfier, utilizando nailon para el globo y propano como
combustible por el quemador.
Eponimia[editar]
·
El cráter lunar
Montgolfier lleva este nombre en su memoria.6
·
El asteroide (5864) Montgolfier también
conmemora su nombre.7
1836:
Muere
Claude-Joseph Rouget de Lisle, o Rouget de l'Isle (Lons-le-Saunier, Franco Condado, 10 de mayo de 1760 - Choisy-le-Roi, 26 de junio de 1836), fue un militar y compositor francés, oficial del cuerpo de ingenieros del ejército francés. Como militar llegó a alcanzar la graduación de capitán del ejército francés.
Licenciado en la Escuela de Mézières y destinado en Estrasburgo, compone en el salón de Philippe-Frédéric de Dietrich, alcalde de la ciudad, le Chant de guerre pour l'armée du Rhin (Canto de Guerra para el Ejército del Rin) el 25 de abril de 1792. Este himno, cantado por el batallón de los marselleses durante su marcha hacia París en julio de 1792, es rápidamente rebautizado como La Marsellesa, y el 14 de marzo de 1879 se convertirá en el himno nacional francés durante la III República. Encarcelado durante el periodo de la Revolución francesa conocido como el Régimen del Terror y condenado a muerte, se dice que se libró por ser el autor de este himno tan popular y patriótico. Posteriormente combatió en Vendée, se licenció en 1796 y vivió con dificultad en Lons-le-Saunier. Luis Felipe I le había concedido una pequeña pensión correspondiente a la Legión de Honor.
Sus cenizas fueron trasladadas al Hôtel des Invalides en 1915. Sin embargo, todavía puede verse su tumba en el cementerio de Choisy-le-Roi, ciudad que le recuerda con una estatua en su honor situada en la plaza que lleva su nombre.
Rouget de Lisle vivió en el n.º 24 actual de la Rue du Commerce de Lons-le-Saunier. En esta ciudad hay un teatro que tiene un reloj con carrillón que, antes de dar las horas, toca la melodía de dos compases de La Marsellesa. Falleció en la pobreza.
1892:
Nace Pearl S. Buck, escritora estadounidense, premio nobel
de literatura en 1938 (fallece en 1973).
Pearl Comfort Sydenstricker
Buck (Hillsboro, Virginia Occidental; 26 de junio de 1892-Danby, Vermont; 6 de marzo de 1973) fue una escritora estadounidense,
ganadora del Premio Nobel de
Literatura en 1938. Pasó la mitad de su vida en China, donde la
llevaron sus padres misioneros con tres meses de edad y donde vivió unos
cuarenta años. Es conocida por el apellido de su primer marido, puesto que su
apellido de soltera era Sydenstricker.
László Löwenstein (Rózsahegy, Imperio austrohúngaro; 26 de junio de 1904nota 1 - Hollywood, California; 23 de marzo de 1964), de nombre artístico Peter Lorre, fue un actor de cine y teatro austríaco de origen húngaro.
Trayectoria[editar]
László Löwenstein, judío húngaro, en cuya familia se hablaba yídish y húngaro, estudió en un colegio de habla alemana y posteriormente en Viena cuando su familia se trasladó allí. Por expreso deseo de su padre, buscó trabajo en el ambiente bancario. Tras trabajar un tiempo en este sector, ingresó en el "Teatro de la Improvisación" del psiquiatra Jacob Levi Moreno, quien cambió su nombre por el de "Peter Lorre". Allí estudió el método de la improvisación, y comenzó su interés por el psicoanálisis, el cual no le abandonará nunca y se hará patente en su única película como director, Der Verlorene.
Posteriormente actuó en el teatro Lobe, en el Thalia Theater en Breslau, en el Züricher Schauspielhaus, de 1926 a 1927 en el Kammerspiele y en 1928 en el Karl-Theater de Viena.
En la primavera de 1929 Bertolt Brecht le contrata para el papel de "Fabian" en Pioneros en Ingolstadt de Marieluise Fleisser, en un teatro de Berlín. Allí y en el Volksbühne interpreta obras como La muerte de Dantón, de Georg Büchner, o El despertar de la primavera, de Frank Wedekind. Poco a poco se va haciendo un nombre en la escena berlinesa.
Es precisamente en el teatro donde lo descubre Fritz Lang, dándole el papel que lo lanzaría a la fama en M, el vampiro de Düsseldorf (1931), donde realiza la interpretación, ya clásica, de un psicópata asesino de niñas.
El historiador cinematográfico Fernando Méndez-Leite, en su obra Fritz Lang, cuenta que Lang se presentó en su camerino del teatro para felicitarle por su trabajo en escena, y proponerle el papel de protagonista de la película, con la sola condición de que no participase en ningún otro filme sonoro, la cual, naturalmente, fue aceptada por Lorre.
En cualquier caso, Lorre interpretó su papel en M, el vampiro de Düsseldorf con poco entusiasmo —según Méndez-Leite. Las disputas con Lang eran continuas, puesto que Lorre consideraba que su papel en una obra de Brecht era mucho más importante que en el cine, del cual desconfiaba, al igual que otras personalidades del teatro de aquella época. Sin embargo, poco tuvo que esperar para salir de su error: M, el vampiro de Düsseldorf fue un éxito y la obra que por aquel entonces interpretaba Lorre en el teatro, un rotundo fracaso.
Lotte H. Eisner destaca Der Verlorene (El hombre perdido, 1951) entre las pocas películas alemanas que intentaron recoger las ideas del cine expresionista.
Exilio[editar]
Debido a su origen judío, huyó de Alemania tras las elecciones de 1933, que dieron el triunfo a los nazis, y viajó primero a París y luego a Londres, donde llegaría su siguiente éxito. De la mano de Alfred Hitchcock, de quien se hizo amigo personal, participó en la primera versión que hizo el director de El hombre que sabía demasiado, en 1934, rodada en inglés, a pesar de las limitaciones de Lorre con este idioma. Durante el rodaje de El hombre que sabía demasiado conoció a la actriz Celia Lovsky, con quien se casó.
Mientras, en la Alemania nazi, el régimen utilizó su imagen promocional de M, el vampiro de Düsseldorf, para un cartel de propaganda incitando al odio antisemita.
Tuvo sus primeros escarceos en Hollywood, donde interpretó una serie de películas muy populares, las de Mr. Moto, un detective japonés que resolvía misterios en el exótico Oriente, basadas en las novelas del escritor John P. Marquand.
En julio de 1934 es contratado por la productora Columbia Pictures para quien hace el papel del científico loco en el filme Las manos de Orlac (1935), pero se pasa a la productora 20th Century Fox porque se siente encasillado en sus roles, sentimiento que le perseguiría durante toda su carrera como actor. Su peculiar físico, de corta estatura y enormes ojos saltones, era un arma de doble filo, y tampoco logró sentirse cómodo con los personajes que había de interpretar para la 20th Century Fox. Al terminar con esta última, trabaja durante un tiempo sin contrato fijo.
En 1939 emigró definitivamente a Estados Unidos junto al director austríaco Billy Wilder y se convirtió en actor de reparto de la productora Warner Bros., haciéndose famoso por sus apariciones en El halcón maltés (1941), como Joel Cairo y en Casablanca, donde interpretó al malhadado Ugarte, personaje clave en la trama. En el año 1941 se nacionalizó estadounidense.
Divorciado de Celia Lovksy en 1945, se casó con Kaaren Verne, de quien se divorció en 1950.
Desde este año, su relación con Bertolt Brecht —quien se había exiliado en los Estados Unidos— se hace más estrecha. El dramaturgo alemán, que conocía muy bien sus posibilidades desde los comienzos berlineses del actor, escribió varios borradores de guion para él, pero los socios de Lorre en la productora Lorre Incorporated los rechazan. La productora se hunde definitivamente en 1949 y en junio de ese año Lorre regresa a Europa para trabajar en campos de refugiados, leer textos literarios en diversas giras por el Reino Unido y Alemania, y realizar otra de sus interpretaciones magistrales: el personaje principal de Der Verlorene o El desaparecido (rodada entre 1950 y 1951). El desaparecido es su única película como director, amén de coautor del guion.
La suerte no pareció acompañarle. La película resultó un fracaso y regresó a Estados Unidos con Annemarie Brenning, con quien se casó en 1953, y con quien tendría su única hija, Catharine. Debió volver al teatro por un tiempo, hasta que las productoras se acuerdan de él.
Años más tarde la crítica reconocería la originalidad y el valor de Der Verlorene, donde se puede seguir el rastro de la influencia de ese cine alemán de entreguerras, a cuyo prestigio contribuyese durante la República de Weimar y, en especial, de quien le lanzó al estrellato, Fritz Lang, casi tan poco afortunado como él, tras su regreso a Alemania.
Siempre ligado a las producciones de la Warner Bros., Lorre se convirtió en una personalidad muy popular en los Estados Unidos de las décadas de 1950 y 1960, donde surgieron incluso imitadores de su marcado acento alemán y su entonación grimosa y aguda. Los dibujantes de la Warner Bros. crearon una caricatura-personaje inspirado en su peculiar fisonomía, que protagonizó algunas películas animadas junto a Bugs Bunny. Junto a otros actores clásicos de filmes de terror como Vincent Price y Basil Rathbone participó en Tales of Terror (1962), película basada en relatos de Edgar Allan Poe, dirigida por Roger Corman.
Otros filmes suyos muy populares fueron Arsénico por compasión (1944), 20.000 leguas de viaje submarino (1954) y La vuelta al mundo en ochenta días (1956). Su última película fue The Patsy (1964), una comedia de Jerry Lewis.
Murió el 23 de marzo de 1964, en Hollywood, de un accidente cerebrovascular a los 59 años de edad. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6619 de Hollywood Boulevard.
1908:
Nace Salvador Allende,
presidente chileno entre 1970 y 1973 (fallece en
1973).
Salvador Guillermo Allende
Gossens (Santiago, 26 de
junio de 1908-ibidem, 11
de septiembre de 1973) fue un médicocirujano y político socialista chileno, presidente de Chile entre el 3 de
noviembre de 1970 hasta el día de su muerte.
Allende participó en política desde
sus estudios en la Universidad de Chile. Fue sucesivamente diputado, ministro de Salubridad del
gobierno de Pedro Aguirre Cerda y senador desde
1945 hasta 1970, ejerciendo la presidencia en la cámara
alta del Congreso entre 1966 y 1969.
Fue candidato a la
presidencia de la República en cuatro oportunidades: en las elecciones de 1952 obtuvo
un magro resultado; en las de 1958 alcanzó la
segunda mayoría simple tras Jorge
Alessandri; en las de 1964 obtuvo un
38 % de los votos, que no le permitieron superar a Eduardo Frei Montalva; y, finalmente, en 1970
en una reñida elección a tres bandas,
consiguió la primera mayoría simple con un 36,6 % de los votos, siendo en
definitiva ratificado por el Congreso Nacional. De ese modo, se convirtió en el
primer presidente marxista del mundo en acceder al poder a
través de elecciones generales en un Estado
de derecho.
El gobierno de Allende,
apoyado por Unidad Popular, un conglomerado de partidos de
izquierda, destacó tanto por el intento de establecer un Estado
socialista usando medios legales del poder ejecutivo —la vía
chilena al socialismo—, como por proyectos como la nacionalización del cobre, la
estatización de las áreas «claves» de la economía y la profundización de
la reforma agraria, en medio de la polarización
política internacional de la Guerra
Fría y de una grave crisis económica y financiera interna.
En medio de una crisis económica, su gobierno
terminó abruptamente mediante un golpe de Estado el 11
de septiembre de 1973, en el que participaron las tres ramas de las Fuerzas Armadas y el cuerpo de Carabineros, tres años antes del fin de su
mandato constitucional. Ese mismo día, después de que el Palacio de La Moneda fuese bombardeado
por aviones y tanques, Allende se suicidó. Tras el fin de
su gobierno, el general Augusto
Pinochet encabezó el Régimen Militar que duró dieciséis
años y medio.
1915:
Nace Walter
Farley, autor estadounidense, principalmente de historias de caballos para niños.
Walter Farley (nacido Walter Lorimer Farley , 26 de
junio de 1915 - 16 de octubre de 1989) [1] fue un autor estadounidense,
principalmente de historias de caballos para niños. Su primer y más famoso
trabajo fue The Black Stallion (1941). [2] Escribió muchas secuelas, y la serie
ha sido continuada desde su muerte por su hijo Steven.
Farley era el
hijo de Walter Patrick Farley e Isabelle "Belle" L. (Vermilyea)
Farley. [3] Su tío era un jinete profesional y le
enseñó varios métodos de entrenamiento de caballos y
sobre las ventajas o desventajas de cada método. Farley comenzó a escribir The
Black Stallion mientras estudiaba en el Erasmus Hall High School de Brooklyn y Mercersburg Academy en Pennsylvania . Terminó y lo publicó en 1941
cuando todavía era estudiante en Columbia
College of Columbia University., donde recibió un BA el mismo año. La
parte estadounidense del libro se encontraba en Flushing, Long Island, NY, en
una parte de Queens que estaba cerca del recinto de la Feria Mundial en 1939.
Parte de la acción tuvo lugar en Colden Street, a solo una o dos cuadras de
Main Street y solo a varias cuadras del final de la línea de metro Flushing. Esta
área hasta el final de la 2da Guerra mundial tenía varias granjas activas
activas. Había vacas, caballos y camiones agrícolas. Después de la
Guerra, la tierra se vendió y finalmente se construyeron apartamentos de 20
pisos de gran altura. El área no estaba muy lejos de la pista de carreras
de Belmont.
Farley y su
esposa, Rosemary, tuvieron cuatro hijos, Pam, Alice, Steven y Tim, a quienes
criaron en una granja en Pennsylvania y en una casa de playa en Florida. [4] En 1989 Farley fue honrado por la
biblioteca de su ciudad natal en Venice, Florida , que estableció el hito
literario Walter Farley en su ala para niños. Farley murió de cáncer en octubre de 1989, poco antes de la
publicación de The Young Black Stallion , el vigésimo primer
libro de la serie Black Stallion y después del comienzo de la producción de la
serie de televisión The
Adventures of the Black Stallion .
Eleanor Jean Parker (Cedarville, Ohio, 26 de junio de 1922 - Palm Springs, California, 9 de diciembre de 2013) fue una actriz de cine y televisión estadounidense. Fue considerada una de las mujeres más bellas de Hollywood.12
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Parker nació en 26 de junio de 1922 en la localidad de Cedarville (Ohio). Era hija de un profesor de matemáticas.
Después de actuar en producciones estudiantiles y tras concluir sus estudios secundarios intentó buscar fortuna en Hollywood a principios de la década de los cuarenta. Su presencia le abrió las puertas y Parker firmó un contrato con Warner Brothers cuando contaba 19 años. Su primer debut en el cine fue en 1941, interviniendo en el célebre film de Raoul Walsh Murieron con las botas puestas, aunque sus escenas serían finalmente cortadas.
Carrera[editar]
A pesar de esa pequeña decepción, con posterioridad intervino en pequeños papeles en Busses Roar (1942) de Ross Lederman, y en el drama de propaganda Misión en Moscú (1943), de Michael Curtiz, junto al carismático Walter Huston.
Su primer papel protagonista lo consiguió en The Mysterious Doctor, un film de terror de serie B pero con realización y acabado técnico de serie A, dirigido por el especialista Benjamin Stoloff, y posteriormente, la actriz participa en otros títulos importantes pero actualmente olvidados: la ya clásica cinta fantástica de culto para los surrealistas Between Two Worlds ("Entre dos mundos", 1944), emparejada con el mítico John Garfield en un extraño ambiente onírico-metafísico; el melodrama negro Of Human Bondage ("Servidumbre humana", 1946 de Edmond Goulding), nueva versión digna pero minusvalorada por crítica y público de "Cautivo del deseo" (1934, John Cromwell) basados ambos en la célebre novela de Somerset Maugham; o la primera gran adaptación para la pantalla de "La dama de blanco" The woman in white, la famosísima novela escrita por Wilkie Collins donde la actriz está físicamente exultante. También en 1945, Parker protagoniza Pride of the marines ("El príncipe de los marines", 1945), film bélico con trasfondo de melodrama trágico dirigido por Delmer Daves, donde repetía protagonismo con John Garfield y por el que logró su primer gran éxito de taquilla.
Apogeo[editar]
En la década siguiente llegaría la época más gloriosa de Parker donde demostró que podía ser algo más que una muy bella actriz al interpretar papeles de mujeres de carácter. Ya en 1950, recibe su primera nominación al Óscar con su papel de mujer encarcelada injustamente en el claustrofóbico melodrama negro Sin remisión de John Cromwell, en el que brilla junto a Jane Darwell y Agnes Moorehead; y demuestra también su talento al lado de dos actrices de carácter como Patricia Neal y Ruth Roman en el melodrama de episodios Three secrets ("Tres secretos", 1949 de Robert Wise. Al año siguiente volvería a ser nominada por su interpretación en un gran exponente del cine negro, por entonces considerado como cumbre absoluta del género como Brigada 21, donde el gran William Wyler supo calibrar su talento para el melodrama "emocional" y logró de ella una de sus mejores interpretaciones, sin desmerecer a sus compañeros de reparto (Kirk Douglas y Lee Grant).
Aparte de estos títulos, Parker también apareció en una serie de películas de estudio y gran presupuesto que la consagraron ante industria y gran público: Scaramouche (1952, de George Sidney), junto a Stewart Granger y Mel Ferrer, considerada todo un clásico del cine de capa y espada; Fort Bravo (1954 de John Sturges), al lado del inolvidable William Holden y de William Demarest en un western de notable popularidad en su día; Cuando ruge la marabunta (1954, de Byron Haskin), con Charlton Heston en una titánica lucha contra los elementos de la naturaleza; El valle de los reyes (1955, de Walter Pirosh), en plena reconstrucción arqueológico-mítica del antiguo Egipto y en compañía de Robert Taylor; El hombre del brazo de oro (1955, de Otto Preminger), ayudando a un sufrido Frank Sinatra en su lucha contra la dependencia de alcohol y cocaína; o la agradable comedia-western de Raoul Walsh Un rey para cuatro reinas (1956) junto a Clark Gable y Jo Van Fleet.
En 1955, recibe su tercera y última nominación a los Oscar con su magnífica representación de la cantante de ópera Marjorie Lawrence en el biopic Melodía interrumpida, de bastante popularidad en su momento, y en la que trabajaba con el galán Glenn Ford. En los últimos años de la década, Parker también aparecería en títulos como Millonario de ilusiones (1959, de Frank Capra), de nuevo con Frank Sinatra y también con Edward G. Robinson y Carolyn Jones; o el melodrama de Vincente Minnelli Con él llegó el escándalo, como torturada esposa de Robert Mitchum y torturada madre de un jovencísimo George Hamilton.
Decadencia escénica[editar]
En la década de 1960, su presencia cinematográfica se hizo menos regular; en parte porque los papeles como protagonista absoluta empezaron a escasear, y en parte porque la pantalla se llenó con las jovencitas que se convirtieron en las estrellas del cine de la década siguiente. Eleanor Parker se refugió en la televisión norteamericana. Según la leyenda, en este momento se especializó en personajes dramáticos tópicos. A pesar de ello, regresó a la pantalla por la puerta grande al interpretar a la baronesa Elsa Schraeder en la película musical más taquillera de la historia del cine: The Sound of Music ("Sonrisas y lágrimas" en España y "La novicia rebelde" en Latinoamérica), dirigida por Robert Wise en 1965.
En 1966, la actriz contrajo matrimonio con Raymond Hirsch y su carrera en el cine fue decayendo. Participó en The Oscar, fallido debut del cantante Tony Bennett en el cine, y en estos años sólo destaca el estupendo thriller Homicidio justificado que rodó en 1967 dirigida por Buzz Kulik. Abandonó la pantalla grande en 1969 tras el fracaso en taquilla de la película melodramática La gata en la terraza (1969), dirigida por David Lowell Rich y acompañada por Gayle Hunnicutt y Michael Sarrazin. Diez años después retornaría para interpretar una película de entretenimiento violento-cómico como Sol ardiente (1979), de Richard C. Sarafian, como una de las numerosas estrellas invitadas en una historia que "pilotaban" Charles Grodin y Farrah Fawcett.
Durante los años 70-80 trabajaría con bastante asiduidad en diversos telefilmes y teleseries, como Vacaciones en el mar y Se ha escrito un crimen.
Eleanor Parker murió el 9 de diciembre de 2013 en Palm Springs (California) debido a complicaciones de neumonía.3
Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situado en el 6340 de Hollywood Boulevard.
Vida privada[editar]
Parker se casó en cuatro ocasiones y tuvo cuatro hijos. El primer matrimonio fue con el cirujano dentista, Fred Losee (1943-1944), con el productor Bert Friedlob (1946-1953), con quien tuvo tres hijos, y más tarde con el artista Paul Clemens (1954-1965), con quien tuvo su último hijo. Pero el amor de su vida fue un ejecutivo y millonario de Chicago, Raymond Hirsch, con quien contrajo matrimonio en 1966 hasta su muerte en 2001, enviudando a los 79 años.4
1924:
Richard Bull (Zion, Illinois, 26 de junio de 1924 – Calabasas, California, 3 de febrero de 2014)1 fue un actor estadounidense.
Índice
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Biografía[editar]
Comenzó su carrera artística en el célebre Teatro Goodman
de Chicago. Pese a que su trayectoria se forja
sobre los escenarios, su presencia posterior fue más destacada en cine y, sobre
todo en televisión.
Su popularidad comenzó con la serie de televisión Viaje
al fondo del mar (1964-1968), en la que interpretó el
personaje de Doc. Sin embargo, el papel que le lanzó a la fama fue
el del honesto y sufrido Nels Oleson casado con la
insufrible Harriet (Katherine MacGregor)
en la popular serie de la cadena NBC La casa de la pradera, conocida en México
como "Los Pioneros". Bull interpretó el personaje durante los nueve
años que la serie se mantuvo en pantalla, entre 1974 y 1983,
compartiendo créditos con Michael Landon protagonista y productor de la serie.
En 1994 abandonó la ciudad de Los Ángeles para instalarse
definitivamente en Chicago. Falleció el 3 de
febrero de 2014 en Calabasas (California) a los 89 años de edad.
1934:
Nace Selwyn
Raab, periodista
estadounidense, autor y ex periodista de investigación de The New York Times.
Selwyn Raab (nacido el 26 de junio de 1934 [4] en la ciudad de Nueva York ) es un
periodista estadounidense, autor y ex periodista de investigación de The New York Times . [5] Ha escrito extensamente sobre
la mafia estadounidense y
asuntos de justicia penal. [6]
Contenido
Primeros años de vida y carrera [ editar ]
Nativo de Nueva York, Raab creció en el Lower East Side de
Manhattan. [7] Asistió a Seward Park High
School [8] y luego se graduó en el City College de
Nueva York, donde recibió una licenciatura en Literatura
Inglesa en 1956. [7] En City College fue
corresponsal del campus de The Times y editor. de Observation Post, un
periódico estudiantil. [7] Sus primeros trabajos como
reportero fueron con el periódico Bridgeport Sunday Herald en Bridgeport,
Connecticut y el periódico The Star-Ledger en Newark, Nueva
Jersey. [9]
New York World-Telegram y Sun (1960-1966) [ editar ]
De 1960 a 1966, se unió al World-Telegram
y Sun de Nueva York . Originalmente fue asignado como
un reportero de educación. [10] En el campo de la educación,
cubrió puntuaciones de lectura y matemáticas en declive, intentos de
sindicalizar a docentes y disputas de integración racial hasta que descubrió
que los contratistas vinculados a la mafia estaban detrás de un gran escándalo
relacionado con una construcción y renovación inadecuadas que ponía en peligro
la seguridad de miles de estudiantes en el sistema escolar [3]
Más tarde como periodista de investigación [7] en el World-Telegram de
Nueva York, jugó un papel decisivo en la búsqueda de pruebas que
exoneraron a George Whitmore Jr. de cargos falsos por haber matado a Janice
Wylie y Emily Hoffert en los notorios asesinatos de la Chica
Carrera en 1963. [11] También descubrió evidencia
que condujo a la desestimación de una tercera acusación de asesinato contra
Whitmore. [12]
NBC News (1966-1971) [ editar ]
Mientras productor y editor de noticias para WNBC television
news, (1966-1971), [13] Raab también escribió un libro
sobre el caso Justice in the Back Room , publicado en
1967. [1] El libro fue nominado para
un Premio Edgar por el Mystery
Writers of America para el Best Fact Crime Book en 1968. [14] Universal Studios compró
los derechos de televisión, transformando a Raab en un detective ficticio llamado
Theo Kojak, retratado por Telly Savalas en la serie Kojak . [15] La serie funcionó por cinco
años. La serie se escindió de la película de televisión de CBS, The
Marcus-Nelson Murders, que ganó 2 Premios Emmy en 1973. [16]
El estado 51 - WNET-13 (1971-1974) [ editar ]
En 1971, se convirtió en periodista y productor en la estación
de televisión pública Broadcasting WNET-13 en
el programa de noticias The 51st State , donde continuó
trabajando en el caso Whitmore. Demostró que Whitmore estaba en otra parte
el día de los asesinatos y ayudó a limpiarlo. Le llevó siete años más
localizar a un testigo cuyo testimonio exoneró a Whitmore en 1973 de un intento
de violación no relacionado. [17] Whitmore fue liberado de la
prisión después de cumplir nueve años por una condena por "hombre
equivocado" por intento de violación. [18] Raab recibió un Premio
del New York Press
Club por el mejor periodismo televisivo por su trabajo en el
caso. [7]Su trabajo también fue nominado para
un Premio Emmy por Logro Sobresaliente en Reportes de Reportes de Noticias
Dentro de un Programa de Noticias Regularmente Programado para la galería
de Shooting de la función emitida el 18 de diciembre de 1973
(WNET). [19] Se convirtió en productor
ejecutivo de The 51st State hasta que se fue para The
New York Times en 1974. [20]
The New York Times (1974-2000) [ editar ]
En 1974, Raab se convirtió en un reportero del personal
metropolitano de The New York Times donde
cubrió historias de justicia penal y corrupción gubernamental, en particular
las que involucraban a la mafia estadounidense. Durante este período,
expuso el testimonio perjurado y la conducta indebida de la policía y el fiscal
en torno a las condenas por triple homicidio del boxeador Rubin "Hurricane" Carter y su
coacusado, John Artis, lo que condujo a la desestimación definitiva de todas
las acusaciones en su contra. [5] Ambos hombres fueron absueltos
después de cumplir largas condenas de prisión. [21]
Cinco
familias (2000-presente) [ editar ]
Raab dejó The
Times en 2000. Su libro, The New York Times Best
seller, Five Families: The Rise, Decline, and Resurgence of America's
Power of Mafia Empires [3] fue publicado en 2005. [22] Es consultor en crimen organizado
para documentales de televisión, principalmente en los canales de Historia y
Biografía. Estuvo involucrado como consultor en la serie de 6 partes
"Inside the American Mob", siendo entrevistado con prominentes
miembros de Cosa Nostra, así como con agentes actuales y antiguos del FBI,
fiscales y detectives estadounidenses que estuvieron muy involucrados en la
búsqueda de la mafia y dando informes en primera persona de los principales
eventos que involucran a la mafia. Fue asesor de guiones para la serie de
televisión de 10 partes,The
Making of the Mob: Nueva York [10] basado en parte en Five
Families que se estrenó el 15 de junio de 2015 en AMC .
El libro que
lanzó a la fama a Raab fue 'Justice in the Back Room' (The World
Publishing Company), publicado en 1967 y en el que explicaba el caso Whitmore.
Los derechos fueron comprados por Universal Studios y terminaron convirtiéndose
en 'Kojak', la popular serie emitida entre 1973 y 1978. Sin embargo, y a
diferencia del popular detective, Raab no era calvo, sino que incluso a día de
hoy, a sus 81 años, puede presumir de una buena mata de pelo.
1938:
Nace Arnulfo Briceño, compositor, intérprete, abogado y pedagogo colombiano. (f. 1989).
Arnulfo Briceño Contreras Corregimiento de Villa Sucre (Arboledas, Norte de Santander, 26 de junio de 1938 - Tame, Arauca, 11 de junio de 1989) fue un autor,
compositor, intérprete, abogado y pedagogo colombiano. A pesar de haber nacido en
la Región Andina,
se destacó como un gran exponente del folclor llanero.1
Índice
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·
2Muerte
Biografía[editar]
Hijo de un carpintero, Pedro José Briceño y su esposa Isolina
Contreras, nació en Villa Sucre, Norte de Santander el 26 de junio de 1938 y
murió en un accidente aéreo el 11 de junio de 1989. Cantautor, Pedagogo y
Abogado.
Estudió Derecho en la Universidad Libre y Pedagogía en la
Universidad Pedagógica Nacional (Bogotá).2
Entre sus composiciones más destacadas se encuentran: «Ay, mi
llanura» (adoptado como himno del departamento del Meta en 1979)2 «Hato Canaguay».,1 «Canta llano», «Amo», «Quinceañera»,
«A quién engañas abuelo» y la Misa en Sol Mayor, la cual fue encargada e
interpretada para la visita de Juan Pablo II (2 de julio de 1986) donde reunió
37 coros de la ciudad de Bogotá, los cuales sumaban casi 600 voces para tan
magno evento .Otra de sus composiciones conocidas es «señora de los llanos»3
Realizó sus estudios profesionales en la Universidad Libre de
Bogotá siguiendo la carrera de Derecho. Culminó su carrera en 1973, con su
tesis de grado titulada “Los derechos del artista en Colombia” expuso una
problemática nacional y estableció los parámetros legales de defensa al artista
“…Se dedicó por entero al servicio de los artistas, en una dura batalla contra
los robos de derecho de autor, el escamoteo en las regalías y el asalto a la
labor honrada”[4]. Paralelamente, el maestro continuó con su carrera musical,
dirigiendo coros, componiendo canciones, realizando giras internacionales y
nacionales y ganándose el cariño del público colombiano.
Posteriormente, Arnulfo Briceño estudió, simultáneamente con sus
tres hijos mayores, Licenciatura en Pedagogía musical en la Universidad
Pedagógica Nacional de donde se graduó en 1981. Siendo un compositor famoso,
decidió estudiar música formalmente para enriquecer sus composiciones y realizar
con excelencia los arreglos musicales. Como parte de uno de sus trabajos de
contrapunto, decidió no realizar pequeños fragmentos sino escribir una misa
para coro en Sol mayor, la cual había sido encargada por un amigo sacerdote,
para ser interpretada en su parroquia; la misa se empezó a desarrollar bajo
guía del maestro Jesús Pinzón y fue terminada por el autor para ser
interpretada para la visita del papa Juan Pablo II, (2 de julio de 1986) donde
reunió 37 coros de la ciudad de Bogotá, los cuales sumaban casi 600 voces para
integrar tan magno evento[7]. Arnulfo Briceño fue un estudiante incansable,
también estudió francés, ruso, inglés y latín.
Muerte[editar]
Pereció en un accidente aéreo el 11 de junio de 1989,
cuando el avión de Aerotaca HK 24-86 en que viajaba con otros 5 ocupantes se
estrelló contra un cerro a 25 kilómetros de Tame, Arauca, en la vereda Caribabare del mismo
municipio.12 Había sido llamado a interpretar el
himno de Tame, Arauca, en conmemoración a los 170 años de la campaña
Libertadora, antes de su fallecimiento el compositor cumpliría dos semanas
después sus 51 años de vida.
Carrera musical[editar]
Arnulfo tuvo su primer acercamiento a la música siendo un niño,
mientras observaba a un hombre tocar guitarra por monedas; ganó su primera
guitarra en un concurso musical organizado por la emisora "La Voz del
Norte" de su tierra natal. En 1946 interpretó una canción en la escuela
con motivo del día de la madre “Luz
de Mi Vida”.1 Más adelante, a la edad de 12
años(1953), conoció al famoso acordeonista Alfredo Gutiérrez, con el cual formó
inmediatamente el grupo “Los pequeños Vallenatos”1 junto con Ernesto Hernández, Víctor
Gutiérrez, Gustavo Amaya y Adonai Díaz. Empezaron a presentarse en la localidad
y luego fueron llevados a Venezuela a presentarse en colegios en el estado del
Zulia, donde pagaban diez centavos de Bolívar por verlos interpretar dos o tres
piezas.[2] Pronto estaban presentándose en teatros y emisoras radiales.
Cuando aun cursaba segundo año de Bachillerato, se unió nuevamente
a Alfredo Gutiérrez y otros cinco intérpretes para formar una agrupación
musical con la que estuvieron de gira, presentándose en emisoras radiales y
canales de televisión. Sus primeras dos ciudades fueron Bucaramanga y Bogotá,
luego fueron a Venezuela, esta vez presentándose en Caracas en Televisa y Canal
4, así mismo, recorrieron Ecuador. En Guayaquil grabaron un disco sencillo con
ONIX, “El Desengaño” del Maestro Briceño y “El Cóndor “de José Barros.
En 1966, siendo integrante de la agrupación Los Vlamers de Marco Rayo,
grabó en México “Quinceañera”, por el cual le fue otorgado el Trébol de Oro.
Con esta agrupación permanecio en el país azteca por cerca de seis años.1
En su vida como músico recorrió países como Venezuela, Perú,
Bolivia, Ecuador, Puerto Rico, Costa Rica, República Dominicana, España,
México, Estados Unidos, Francia, Polonia, Alemania, Unión Soviética y Cuba,
donde participó en el Festival de la Nueva Trova. Como cantante y actor, fue
parte del elenco de la telenovela Hato Canaguay y de las películas Canaguaro y
Fuga[8].
Dirigió una gran cantidad de coros, entre los cuales se
encuentran: Texas Petroleum Company, Aseguradora Gran Colombia, Procuraduría
General de la Nación, Icetex, Inscredial, Empresa de Teléfonos de Bogotá,
Universidad Pedagógica Nacional y la coral Arnulfo Briceño, con el cual solo
estuvo seis meses antes de morir.
Entre los muchos reconocimientos que recibió se encuentran:
“Centauro de Oro” otorgado por la Alcaldía Mayor de Cúcuta, la orden de
“Benjamín Herrera” concedido por la Universidad Libre, “Honor al mérito
artístico” de la Universidad Pedagógica Nacional, “Trébol de Oro” por Musart
(México), Premio El Tiempo al “Mejor compositor Colombiano” en 1979, y un
tributo a su obra, Concert Hall, Nueva York el 31 de enero de 1986, entre
muchos otros.
Entre sus obras más destacadas encontramos: Misa para coros en
Sol mayor, "A quién engañas Abuelo", "Adiós a mi llano",
"Canta llano", "Llanerita", "Alma americana",
"Remanso", "Lágrimas", "Amo", "A tus pies
descalzos", "Un hombre", "Linda colegiala", "Qué
más quieren los señores", "Flor María", "Siempre" y
"Cúcuta" entre otras. Compuso y arregló varios himnos como "Ay mi llanura", de la Contraloría
Distrital, del Inderena, un Himno a Bogotá en sus 450 años, de la Empresa de
Teléfonos de Bogotá y un Himno de la Guajira, encargo de la administración del
Departamento de la Guajira, el cual quedó sólo en registro.
1943:
Nace José Luis Armenteros, músico y compositor español.1
José Luis Armenteros Sánchez (Madrid, 26 de junio de 1943-ibíd., 11 de junio de 2016)
fue un músico y compositor español.1
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Biografía[editar]
Carrera[editar]
En 1965 formó parte del grupo instrumental Los Relámpagos. En 1968, junto con Pablo Herrero decidió dar nuevo rumbo a
su carrera produciendo y componiendo para otros artistas, convirtiéndose en el
equipo de composición y producción más importante y prolífico de la segunda
mitad del siglo XX en España.2 Sus canciones han sido interpretadas
por Fórmula V, Nino Bravo, Francisco, Juan Bau, Basilio, José Luis
Rodríguez El Puma, Jarcha o Rocío Jurado, entre otros. Como productores
han apoyado a grupos como Doctor Pop3 y cantantes como Juan Bau.4
Desde 2010 tocaba en el grupo de "vintage"
instrumental Trastos viejos.5
Anécdotas[editar]
En 1974 Doctor Pop grabó el tema ‘«Sofía» (compuesto y producido
por Armenteros y Herrero) pero la censura de la dictadura
franquista obligó a la discográfica RCA a cambiar el título por
«Lucía», ya que el original era el nombre de la futura reina de España Sofía.3
1944:
Muere Marcos Augusto Jiménez Sotelo, compositor
mexicano. (n. 1882).
Nació el 1o. de Septiembre
de 1882 en Tacámbaro, Michoacán. Estudió en el Seminario Conciliar y en el
Colegio de San Nicolás de Hidalgo en Morelia, la capital de Michoacán y
posteriormente volvió al pueblo donde nació, ahí ocupó algunos cargos públicos.
En 1907 viajó a la ciudad de México con el fin de perfeccionar sus
conocimientos musicales, los cuales eran muy escasos, aunque no pudo ingresar
al Conservatorio Nacional de Música, ya que tuvo la necesidad de trabajar para
ganarse la vida. Encontró trabajo en el periódico El Imparcial, como pagador
del diario y reportero, aunque se quedó inconforme pues no pudo ingresar al
conservatorio, por lo que comenzó a estudiar por su cuenta.
Cuando trabajaba en el periódico, varios encargados del archivo fueron descuidándolo y al no cumplir bien su labor, el archivo se desordenó. Sus jefes le pidieron que como un trabajo extra lo rehiciera, sin imaginar que se convertiría, gracias a él, en uno de los archivos más organizados de México. Al poco tiempo lo llamaron del periódico Excélsior para que se ocupara de su archivo, labor que cumplió estupendamente. Posteriormente fue administrador de La Tribuna, y fundador de la sección musical de Revista de Revistas. Perteneció al Ateneo Musical Mexicano.
En la ciudad de México, comenzó a sentirse enfermo y acudió a un médico quien le dijo que padecía del corazón y le recomendó que dejara la ciudad, por lo que volvió a su tierra natal. Ahí se recuperó parcialmente y siguió trabajando durante tres años hasta que, por la afección cardíaca que tenía, murió el 26 de Junio de 1944 en Pátzcuaro.
Algunas de sus obras fueron "Adiós Mariquita Linda", "Acércate a tu Ventana", "Marcha de Carranza", "La Borrachera", "Alborada", "La Despedida", "Serenata Azul", "Mi Tierra", "Chiquita", "El Caporal", "Acapulco", "Ondas de Plata", "Morelia", "Dulce Recuerdo", etc. De entre éstas, "Adiós Mariquita Linda" y "Acércate a tu Ventana" alcanzaron fama mundial y la última fue incluida durante algún tiempo en los repertorios de los cantantes de ópera y opereta.
Cuando trabajaba en el periódico, varios encargados del archivo fueron descuidándolo y al no cumplir bien su labor, el archivo se desordenó. Sus jefes le pidieron que como un trabajo extra lo rehiciera, sin imaginar que se convertiría, gracias a él, en uno de los archivos más organizados de México. Al poco tiempo lo llamaron del periódico Excélsior para que se ocupara de su archivo, labor que cumplió estupendamente. Posteriormente fue administrador de La Tribuna, y fundador de la sección musical de Revista de Revistas. Perteneció al Ateneo Musical Mexicano.
En la ciudad de México, comenzó a sentirse enfermo y acudió a un médico quien le dijo que padecía del corazón y le recomendó que dejara la ciudad, por lo que volvió a su tierra natal. Ahí se recuperó parcialmente y siguió trabajando durante tres años hasta que, por la afección cardíaca que tenía, murió el 26 de Junio de 1944 en Pátzcuaro.
Algunas de sus obras fueron "Adiós Mariquita Linda", "Acércate a tu Ventana", "Marcha de Carranza", "La Borrachera", "Alborada", "La Despedida", "Serenata Azul", "Mi Tierra", "Chiquita", "El Caporal", "Acapulco", "Ondas de Plata", "Morelia", "Dulce Recuerdo", etc. De entre éstas, "Adiós Mariquita Linda" y "Acércate a tu Ventana" alcanzaron fama mundial y la última fue incluida durante algún tiempo en los repertorios de los cantantes de ópera y opereta.
1947:
Nace Renee Martel, cantante, escritora y locutora canadiense.
Renée Martel (Drummondville, 26 de junio de 1947 - Saint-Hyacinthe, 18 de diciembre de 20211) fue una cantante, escritora y locutora canadiense. De su amplia discografía2 destaca "Viens Changer Ma Vie", publicada en 1968. es una cantante, escritora y locutora canadiense, destacadas en varias de sus obras como
"Viens Changer Ma Vie" en 1968, donde obtuvo mucho éxito y luego
lanza exitosas canciones más adelante, su trabajo mayoritariamente e sobre
música Folk. En su país fue reconocida como "La Reina del Folk",
muchos documentales, libros, programas de televisión y proyectos de
investigación para los académicos acerca de la gran dama del país en Quebec.1 e incluso realizaron varias
presentaciones sobre la misma, en donde su trabajo se recuerda y no se olvidara
durante muchísimos años.2
1953:
Nace Toni Wille,
artista pop country holandesa.
Toni Willé (nombre completo Antonia Johanna Cornelia
Kowalczyk , nacida el 26 de junio de 1953) es una artista pop country holandesa que
fue vocalista principal de la
banda, Pussycat .
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·
8Regreso
Antecedentes [ editar ]
Ella era una rubia con un espacio distintivo en sus dientes
frontales superiores. Toni es la hija de Marie y Stefan
Kowalczyk. Stefan era un minero polaco de Włoszczowa , Polonia, que vino a los
Países Bajos en 1948 para trabajar en las minas de carbón después de servir en
el Ejército de los EE. UU. En Alemania. [1]
Infancia [ editar ]
El padre biológico de Toni murió de la enfermedad de Hodgkin poco
después de su nacimiento cuando su hermana Marianne tenía dos años y Betty era
una sola. Cinco años después, su madre, Marie Verheijen, se casó con
Stefan Kowalczyk, el minero polaco que crió a Toni y sus
hermanas. Promovió sus talentos musicales. Cuando Toni, Betty y
Marianne tenían seis, siete y ocho años, la familia se mudó a Treebeek, un
cuartel general en Brunssum, en el
sudeste de los Países Bajos . En
las festividades anuales infantiles de Sinterklaas, les compró a cada uno una
guitarra acústica y contrató a Keuzenkamp como tutor de guitarra. Con
guitarras actuaron durante los carnavales, exploradores de talentos y fiestas
como The Singing Sisters. Fue durante este tiempo que su característico
estilo de armonía íntima comenzó a existir. Su repertorio inicialmente consistía
principalmente de canciones pop alemanas. Sin embargo, dicen, este tipo de
música pronto terminó con la llegada de los Beatles. [2] Unos años más tarde, Keuzenkamp
presentó a las hermanas a Werner Theunissen , de 18
años , un guitarrista de 'The Entertainers' con quien se puso en contacto
a través de un anuncio en los periódicos. Werner les enseñó muchos acordes de
guitarra nuevos y los familiarizó con la música pop contemporánea.. Fue entonces cuando se
convirtieron en una banda de chicas adecuada con Betty en la guitarra solista,
Marianne en el bajo, Toni en la voz y un amigo Tonny Jeroense en la
batería. [2]
Carrera musical [ editar ]
La carrera de Toni como vocalista principal de Pussycat comenzó con sus dos hermanos
mayores, Betty y Marianne Kowalczyk como The Singing Sisters (Zingende Zusjes)
en 1963. [2]
Cuando llegó la era del compás, The Singing Sisters cambió su
estilo. Fue en esta época que presentaron a una baterista, Tonny Jeroense,
y comenzaron a llamarse a sí mismos "The BGs" o "The Beat Girls
from Holland", una de las primeras agrupaciones femeninas en los Países Bajos . Cantaron canciones de
Bee Gees y Motown con una gran armonía, por lo que las personas se refirieron a
ellos como los Beegees holandeses . Practicaron
en el garaje debajo de su casa. Las hermanas recuerdan que esos días
fueron el mejor momento de sus vidas. Incluso se presentaron en la parte
francesa de Bélgica. Para facilitar su viaje, sus padres les compraron una
minivan junto con algunos equipos de música. [2]
Unos años más tarde, reclutaron miembros masculinos para la
banda. En 1973, el nuevo conjunto dirigido por el maestro de
guitarra Werner Theunissen pasó
a llamarse "Sweet Reaction". Los miembros ahora incluían a Toni
y sus dos hermanas junto con Lou Willé (guitarrista de una banda llamada Ricky
Rendall y Sus Centuriones), y Hans Lutjens (baterista de una banda llamada
Scum). [3] Werner, su compositor continuó
escribiendo canciones con tres voces parciales. En el mismo año, Sweet
Reaction lanzó su primer sencillo " Tell Alain " en
la etiqueta ' Telstar ' propiedad
de Johnny Hoes. Aunque el single no tuvo éxito, ya que no se vendió bien,
terminaron actuando en 'The Eddy-Go-Round Show' de Eddy Becker., otro invitado
en ese programa fue Soulful Dynamics, que tuvo un gran éxito
con la canción " Mademoiselle Ninette "
en ese momento. Con sus productores belgas, la banda de Toni, "Sweet
Reaction" grabó la canción "Come Back my Dream" ,
el sucesor de "Tell Alain" . Esta canción logró
un éxito razonable y aclamación. Poco después de este éxito, Johnny Hoes
lanzó "Daddy" bajo su sello discográfico, que fue su
tercer single consecutivo. Fue por esta época que la banda parecía
necesitar urgentemente un cambio de nombre. Así que
cuando lanzaron el single "Daddy" , debajo
del nombre de la banda en la portada se leía en letras claras "Now
Pussycat". Después de este,Déjame vivir mi vida ",
respaldado por " For You " bajo el apodo de"
Sally Lane ". Sin embargo, este single tampoco fue un éxito. [4] [5]
Pussycat [ editar ]
Aunque comenzamos como un hobby, tuvimos que crear una
organización profesional debido al éxito de "Mississippi ". Eso no fue tan fácil,
especialmente cuando comenzamos a hacer giras. Incluso fuimos a
Sudáfrica. Pero después de un tiempo se hizo cada vez más difícil
financiar enormes giras con ese tamaño de grupo. Durante ese tiempo,
también se hizo popular trabajar con una cinta en lugar de con músicos en vivo. Con
dolor en nuestros corazones, nos separamos de nuestra banda de acompañamiento y
empezamos a tocar con una cinta. En 1985, mis hermanas querían pasar más
tiempo para ellas y todos estuvimos de acuerdo en que detenernos con Pussycat
era lo mejor que podíamos hacer .
- Recuerda Toni cuando se le preguntó
acerca de los últimos años de Pussycat. [6]
1975, EMI BOVEMA tomó minino bajo contrato con Toni como
cantante junto con sus dos hermanas como coristas acompañados por Lou Wille
(guitarrista), Theo Wetzels (bajista), John Theunissen (guitarrista), Theo
Coumans (batería a partir 1975-1978 ) y luego Hans Lutjens (baterista de
1978). Con el arreglista EMI Eddy Hilberts como productor, el nuevo
nombre Pussycat finalmente
comenzó a tomar su nueva forma. [3] Sus primeros éxitos fueron
escritos y compuestos por Theunissen .
El nombre Pussycat siempre estará vinculado al
éxito número 1 de 1975 " Mississippi ". Aunque
la banda de Limburg ,
con las tres hermanas tuvo muchos más éxitos en los años siguientes,
" Mississippi " todavía se considera la obra maestra indiscutible de la
banda . En 1976 permaneció durante cuatro semanas en el No.1 en Gran Bretaña [7] ( Reino
Unido Singles Chart ) y Alemania [8] [9] y desde allí en toda Europa , América Latina , Australia , África y Asia.. Cuatro
millones de singles fueron vendidos en 1976. Fue el disco más vendido en Alemania . En Brasil, " Mississippi "
se mantuvo en las listas durante 129 semanas. Se convirtió en el número 1
en 30 países desde Europa hasta Sudáfrica . Se vendieron más de 5
millones de copias en todo el mundo. [10] El 5 de enero de 1977, Pussycat fue galardonado con el Conamus Export
Prize por el embajador
británico en los Países Bajos , Sir John Barnes, por ser el
primer grupo pop holandés en las listas británicas . [2]
Su seguimiento Georgie alcanzó el No.4 en los
Países Bajos, "Smile" (también en 1976) fue al No.2
y My Broken Souvenirs, ambos se convirtieron en # 1 éxitos en el Top 40. Estas
canciones fueron traducidas al alemán por single lanzamiento en
Alemania. También lanzaron una versión alemana de " Mississippi ". Pero
no funcionó tan bien como la versión en inglés. Además de estas canciones,
también salieron con versiones alemanas de " Take Me, Take Me "
(Heute Heute Heute) y " Pasadena ". Con
" Same Old Song " y " Doin 'La Bamba "
ambos grandes éxitos de la década de 1980, pudieron probar una vez
más las viejas canciones de Motown .álbumes y
17 singles fueron
producidos, todos exitosos. [11]
Pussycat continuó grabando álbumes y singles, además de actuar
en todo el mundo a finales de los 70 y principios de los 80, antes de separarse
en 1985. Betty se centró en formar una familia, Marianne se convirtió en
propietaria de un bar en Brunssum y Toni, que
un hijo y una hija, es el único que siguió una carrera profesional en la
música. En 1999, sin embargo, los tres volvieron a tocar en varios
conciertos de reunión. Más recientemente, Pussycat contribuyó al
single "Somewhere Someone" de la banda country Major
Dundee en 2005 y al cover de reggae holandés del cantante Dennis Jones de su exitosa canción "Mississippi" en
2007. [1]
La historia detrás de Mississippi [ editar ]
El éxito de "Mississippi" nos abruma. Fuimos más
o menos noqueados por eso, porque nunca soñamos que el debut fuera tan
fuerte. Como cuestión de hecho, no estábamos listos para
eso. Pussycat era una especie de hobby para nosotros entonces. Por
ejemplo, todavía estaba trabajando. Nuestras vidas fueron a toda marcha. No
podíamos mantener nuestros trabajos como mecanógrafos ya que fuimos arrastrados
por todos lados, de un show a otro. "Mississippi" ha hecho
realidad todos nuestros sueños. Dondequiera que vayamos los tres, todavía
nos piden que lo cantemos. A lo largo de los años, es posible que hayamos
cantado la canción más de diez mil veces, ¡pero nunca nos cansaremos de
ello! .
- Toni recordando la conmoción alrededor de
su debut. [6]
El sonido country particular en nuestras canciones ciertamente
tiene que ver con nuestras voces, que contienen un país como el
calor. Pero podemos tan fácilmente cantar jazz o música negra,
preferiblemente alma antigua. Nuestro productor Pim Koopman también fue en
parte responsable de nuestro cambio de sonido .
- Toni habla sobre el sonido country en su
música [6]
" Mississippi " fue otra canción
compuesta por Werner Theunissen . Fue
escrito en la misma línea que " Massachusetts " por los Bee Gees,
una canción que le gustaba mucho. La banda comenzó a tocar la canción en
vivo durante unos meses y luego enviaron una demostración de ella a EMI Bovema
en Heemstede, que se interesaron de inmediato. Terminaron regrabando la
canción en el estudio EMI. Pero esto no funcionó como estaba
planeado. Su productor en ese momento, Eddy Hilberts, quien tuvo éxito con
un repertorio de canciones country, le dio a un país un toque de tuerza en la
canción. Personalmente las hermanas no tenían nada con la música country,
aunque influenciadas por 'The Eagles', les gustaba country rock. [2]
"Mississippi" se lanzó como
single en abril de 1975. Inicialmente, no hizo nada, hasta que Meta de Vries,
el radioaficionado holandéscomenzó a
jugarlo. Ella pensó que Pussycat era una banda
inglesa. Hans Van Willigenburg también tocó la canción en su programa de
radio. Durante su transmisión, tocaría tres canciones nuevas, después de
lo cual los oyentes podrían votar mediante una tarjeta postal, y el artista
debería ser invitado a su estudio. Votaron por Pussycat . El grupo también
interpretó la canción para el programa de televisión 'Herkent U Deze Tijd' de
Kick Stokhuyzen. La misma semana, el single entró en el Top 40 en
noviembre de 1975. [12] A la semana siguiente,
interpretaron "Mississippi".en
TopPop y una semana más tarde, el single había subido al # 1. Aunque Toni y
Marianne todavía trabajaban como mecanógrafas para DSM, no pudieron mantener
sus trabajos ya que además de los Países Bajos, Mississippi se había
convertido en el No. 1 en Alemania también. A
medida que su fama crecía, la banda se dio cuenta de que necesitaban un
gerente, por lo que su compañía discográfica les consiguió a su nuevo gerente,
Jan Buys. [13]
Curiosamente, al principio no quisieron lanzar el sencillo
en Alemania ni en el Reino Unido debido a la falta inicial de
interés. Eventualmente, el single fue lanzado en el Reino Unido en Sonet,
una pequeña disquera. En el otoño de 1976, el single fue el número 1 en
las listas del Reino Unido. [14]
Además de los Países Bajos, Alemania y el Reino Unido, el single
fue el número 1 en Austria , Suiza , Noruega y Brasil . Aunque esta canción nunca
se convirtió en un éxito en los Estados Unidos , fue cubierta por una
serie de artistas estadounidenses como Barbara Fairchild y Lucille Starr . [15]
Christopher Joseph Isaak (Stockton, California; 26 de junio de 1956) es un músico de rock y actor ocasional estadounidense.
Biografía[editar]
Isaak nació en Stockton, California, hijo de Dorothy Vignolo, trabajadora en una fábrica de patatas fritas, y de Joe Isaak, conductor de grúas. La madre de Isaak es italoestadounidense, originaria de la ciudad de Génova. Asistió a la escuela secundaria Stag Alto Schoolet entre Delta College y luego continuó sus estudios en la Universidad del Pacífico. En virtud de un intercambio académico hacia Japón, paralelamente a sus estudios, trabajó como techador, guía turístico, e incluso boxeador aficionado (su nariz dañada ha sido intervenida 7 veces).
Carrera musical[editar]
En 1984, firma un contrato con Warner Bros. Records para su primer álbum, Silvertone. En 1987 graba un segundo disco homónimo. Ese mismo año, se extraen seis canciones de estas dos grabaciones para los dos primeros capítulos de la serie estadounidense de la NBC Detective Privado, (Private Eye) 1 titulados como uno de sus éxitos: Blue Hotel, part. 1 y Blue Hotel, part. 2. Ambientada durante los años 50´s y protagonizada por Michael Woods y un jovencísimo Josh Brolin, narra la investigación del asesinato de un cantante de rock and roll (Billy Ray). Esto supuso un espaldarazo para su carrera, y la renovación de su contrato en el año 1988, cuando la Warner decidió pasarlo a su filial Reprise Records.
Un año después lanza el disco Heart Shaped World, el cual incluye su canción más conocida: «Wicked Game». Este tema sería usado más tarde, en una versión instrumental, en la cinta Corazón salvaje, del director David Lynch, y también en la película Hombre de familia (2000). Lee Chesnut, director musical de una estación radial de Atlanta, obsesionado con las películas de Lynch, comenzó a pasar la versión completa del tema que rápidamente empezó a trepar en las listas de su país. El vídeo, dirigido por Herb Ritts y protagonizado por el propio Isaak junto a la modelo danesa Helena Christensen, fue un éxito en importantes cadenas como MTV y VH1. También existe un video menos conocido dirigido por el propio David Lynch y que contiene escenas de la película.
En 1999, el tema «Baby Did a Bad, Bad Thing», incluido en su disco Forever Blue (1995), es usado por el director Stanley Kubrick en su última película, titulada Eyes Wide Shut. El vídeo es dirigido por el mismo Herb Ribbs y, de nuevo, protagonizado por Isaak junto a otra modelo, esta vez la francesa Laetitia Casta.
Isaak también compuso un tema musical para el programa de televisión The Late Late Show with Craig Kilborn. En 2001 presenta su propio programa de televisión, The Chris Isaak Show, el cual estuvo en el aire entre marzo de 2001 hasta marzo del 2004 y era transmitido por la cadena de cable estadounidense Showtime. El 2004, su tema Life Will Go On fue usado en la banda sonora de la película Chasing Liberty (dirigida por Andy Cadiff). También su tema Two Hearts se usó en los créditos finales de la película de 1993 Amor a quemarropa, dirigida por Tony Scott.
Carrera actoral[editar]
Isaak ha aparecido en numerosas películas, en la mayoría interpretando papeles pequeños, aunque tuvo una aparición importante en la cinta Little Buddha (1993), de Bernardo Bertolucci, y en Twin Peaks: Fire Walk With Me, de David Lynch. También ha sido actor invitado en la serie de televisión Friends y participó en la miniserie de HBO From the Earth to the Moon. En 2004 interpretó al esposo de Tracey Ullman en la comedia A Dirty Shame, del director underground John Waters. También apareció en un breve cameo, caracterizado como policía, en una secuencia de la cinta El silencio de los corderos (1991), de Jonathan Demme. Antes, en 1988, ya había trabajado con Jonathan Demme en la película Married to the Mob, haciendo un pequeño papel como payaso asesino en una hamburguesería.2 También en esta película cantaba «Suspicion of Love», dentro de su banda sonora. En 1996, realizó un papel pequeño en la primera película dirigida por Tom Hanks, That Thing You Do!, como el tío Bob.
1957:
Nace Patty Smyth, cantante de rock estadounidense.
Patty Smyth (Nueva York, 26 de junio de 1957) es una cantante de rock estadounidense. A principios de los años 80 fue cantante de la banda Scandal, abandonó el grupo en 1984 y comenzó una carrera en solitario publicando dos discos en 1987 y 1992. En 1997 se casó con el famoso ex tenista John McEnroe con quien vive en Nueva York en compañía de su hija Ruby, los hijos de John (de su anterior relación con Tatum O'Neal) y los hijos que han tenido juntos (Ava y Anna).
1961:
Nace Terri Nunn, cantante y actriz estadounidense.
Terri Kathleen Nunn (Baldwin Hills, 26 de junio de 1961),1 más conocida como Terri
Nunn, es una cantante y actriz estadounidense, vocalista de la popular banda de new wave/synth pop Berlín.2
Índice
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Biografía[editar]
Nunn nació en Los Ángeles, California. Se unió a Berlín en 1978 y
abandonó temporalmente el grupo el año siguiente para dedicarse a la actuación.
Durante su carrera de actriz, audicionó sin éxito para ser la Princesa Leia en Star Wars.3
En 1981 se reincorporó al grupo como
vocalista y pronto forjó su carrera discográfica en la banda.
Su mayor éxito en Berlín fue en 1986 con
el sencillo Take
My Breath Away, tema de amor como parte del film Top Gun y
de la banda sonora
homónima (la más importante en ventas del álbum). Esta balada
se caracteriza por un notable sonido cadencioso y melancólico, así como por la
predominancia de un bajo de sintetizador. Con esta fórmula alcanzó el
puesto número 1 en el Billboard Hot 100.
También cantó otras canciones populares, incluyendo 'Sex (I'm
A...)', 'The Metro', 'You Don't Know', 'No More Words' y 'Masquerade'.
Nunn actuó en numerosos shows de televisión en los ´70 y ´80: T. J. Hooker, Lou Grant y James at 15.
También actuó en 1978 en
la película Thank God it's Friday (titulada
en Latinoamérica como Gracias a Dios que es viernes y en
España como ¡Por fin es viernes!) y en 1979 tuvo un papel papel en
la serie de televisión estadounidense de corta duración Time Express (El Expreso del Tiempo en
Hispanoamérica) transmitida entre abril y mayo de 1979 en
la cadena CBS.
En 1985 Nunn dejó Berlín y grabó la canción
'Dancing in Isolation' para la película 'Better Off Dead'.
En 1989 interpreta 'Romance' a dúo con Paul Carrack, una canción basada en un éxito
de sintetizador de una banda alemana. La canción apareció en la banda sonora de
la película 'Sing'.
A principios de los años '90 fue corista del grupo The Sisters of Mercy.
En 1991 lanzó 'Moment of Truth' —su álbum
debut como solista— con la ayuda de David Z, productor de Prince y de
la compañía grabadora discográfica Paisley Park Records.4
Nunn obtuvo los derechos de uso del nombre de la banda Berlín en
1996, y la reformó con nuevos miembros, que comenzaron la grabación y giras.5 Berlín lanzó dos EPs ('Fall Into Heaven' y 'Fall Into
Heaven 2') en 1999, seguido de su primer álbum en vivo, 'Sacred and Profane' en
2000. 'Voyeur' llegó a las tiendas en 2002. '4Play' (2005) contiene temas originales
y versiones de algunos de los las canciones favoritas de la banda.
En 2009 recorrió todos los Estados Unidos en el 'Regeneration
Tour'.8
Nunn fue co-conductora de 'Between the Sheets' ('Entre las
sábanas'), un podcast en la
estación de radio por internet Hottalkla.com.
En enero de 2012, Terri estrenó en Los
Ángeles un programa de radio propio en la estación KCSN -FM 88.5 con
entrevistas y actuaciones en vivo.
En septiembre de 2013 Nunn
y Berlín lanzaron su «electrónica y especialmente orientado al baile»
álbum 'Animal'.
1969:
Nace Colin Greenwood, bajista británico y uno de los miembros fundadores de la banda Radiohead.
Nace Colin Greenwood, bajista británico y uno de los miembros fundadores de la banda Radiohead.
Colin Charles Greenwood (Oxford, Inglaterra, 26 de junio de 1969), más conocido como Colin Greenwood, es un bajista británico y uno de los miembros fundadores de la banda Radiohead. Su hermano, el guitarrista Jonny Greenwood, también es integrante del grupo.
Primeros años[editar]
Conoció a los doce años a Thom Yorke en el colegio público de Abingdon, al que asistían también futuros miembros de Radiohead como Ed O'Brien y Phil Selway.1 A los quince años empezó a tomar clases de guitarra y descubrió la música jazz, la música clásica de comienzos del siglo XX. Según Greenwood, se trasladó al puesto de bajista por necesidad: "Éramos personas que cogían sus respectivos instrumentos porque queríamos tocar música juntos, y no queríamos tocar un instrumento en particular. Todo era desde un ángulo más colectivo, y si podías contribuir trayendo a alguien que tocara tu propio instrumento mucho mejor. No me veo a mí mismo como un bajista. Sólo estoy en una banda con otra gente".
Radiohead[editar]
Greenwood decidió formar una banda con Yorke en 1986, conocida como On A Friday. Ed O'Brien se unió al dúo y finalmente también se reclutó a Phil Selway. Poco después, el hermano menor de Colin, Jonny, que en aquel momento contaba sólo con catorce años de edad, se unió a la banda de su hermano. Durante su etapa de estudiante de inglés en Peterhouse, Cambridge, Greenwood se introdujo en la literatura moderna americana de autores como Raymond Carver y John Cheever. En Peterhouse, Greenwood sirvió de oficial de entretenimiento de la universidad y consiguió algunos conciertos de On A Friday. Después, mientras trabajaba en la tienda de música Our Price, convenció a un ejecutivo de EMI para firmar un acuerdo con su banda, que por aquel momento ya se habían renombrado como Radiohead.
En Radiohead, Greenwood toca multitud de instrumentos aparte del bajo: teclados, guitarra, sintetizadores, percusión, contrabajo, etc.
Trabajo en solitario[editar]
En 2003, Colin Greenwood tocó el bajo en el tema "24 Hour Charleston", perteneciente a Bodysong, el primer álbum solista de su hermano Jonny Greenwood.
En 2008, en su primer proyecto en el que no estaba envuelto ningún otro miembro de Radiohead, Colin tocó el bajo en la banda sonora de James Lavino para el film Woodpecker de Alex Karpovsky. La misma también cuenta con la participación de Lee Sargent y Tyler Sargent, del grupo Clap Your Hands Say Yeah.2
En 2014, Greenwood contribuyó al álbum Tomorrow's Modern Boxes de Thom Yorke, el solista de Radiohead, programando el beat de la canción "Guess Again!". Ese mismo año colaboró con su hermano Jonny Greenwood y con Clive Deamer en el tema "Under The Paving-Stones, The Beach!", realizado para la banda sonora de la película Inherent Vice de Paul Thomas Anderson.
Christopher Eugene "Chris" O'Donnell (Winnetka, Illinois; 26 de junio de 1970), es un actor de cine y televisión estadounidense.
Destacado por interpretar conocidos papeles como Dick Grayson/Robin en Batman Forever (1995) y Batman y Robin (1997); Charlie Simms en Esencia de Mujer (1992); Peter Garrett en Límite vertical (2000); Finn Dandridge en Grey's Anatomy y Jack McAuliffe en The Company. Además, O'Donnell, interpreta al NCIS Agente Especial G. Callen en la serie de televisión de drama criminal de la CBS, NCIS: Los Angeles.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Chris O'Donnell es hijo de William Charles O'Donnell, director radiofónico, y Julie Ann O'Donnell (nacida Rohs von Brecht), agente inmobiliaria. Es el menor de 7 hermanos (cuatro hermanas y tres hermanos), de los cuales uno de ellos, Jim O'Donnell, es especialista de cine. Se crio en una familia católica y asistió a escuelas católicas, incluyendo Loyola Academy en Wilmette, Illinois, donde curso la escuela secundaria y se graduó en 1988. O'Donnell asistió a la Universidad de Boston y se graduó con una licenciatura en Ciencias en la comercialización (marketing).
Vida personal[editar]
En 1997 contrajo matrimonio con la profesora Caroline Fentress, con la que ha tenido cinco hijos. O'Donnell es un católico practicante, asiste a misa regularmente junto a su familia.1
Trayectoria profesional[editar]
O'Donnell comenzó a modelar a la edad de trece años y comenzó su trayectoria como actor interviniendo en anuncios publicitarios entre los 14 y 16 años, siendo el más destacado un spot de McDonald's en el que aparecía junto a Michael Jordan.
Su primer papel en la televisión fue una aparición en la serie Jack y Mike en 1986. En el año 1990, a la edad de 17 años, fue seleccionado para encarnar al hijo en la ficción de Jessica Lange en Men Don't Leave. Ese mismo año estuvo a punto de intervenir en El príncipe de las mareas, pero finalmente Barbra Streisand decidió darle el papel a su hijo Jason Gould. A principios de 1990, O'Donnell participó en muchas películas de éxito como Tomates verdes fritos (1991) y School Ties (1992). Su primera gran oportunidad llegó en 1992 encarnando al joven Charlie Simms en Perfume de Mujer, película co-protagonizada por Al Pacino y por la que fue nominado al Globo de Oro en la categoría de Mejor Actor de Reparto. Fue nombrado uno de los 12 nuevos prometedores actores de 1992 en Screen World, Vol. 44 de John Willis.
Tras el éxito de Blue Sky (1994) y Círculo de amigos (1995), en 1995 saltaría a la fama por su interpretación de Dick Grayson/Robin en Batman Forever (1995) y en su secuela, Batman y Robin (1997). Aunque el éxito de taquilla de esta última fue modesto, fue muy criticada y el propio O'Donnell la ha denominado como un punto bajo en su carrera. Según los informes, fue parte de un grupo de candidatos que incluían a Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jude Law, Ewan McGregor, Corey Haim, Corey Feldman, Toby Stephens, y Scott Speedman. Se dice que O'Donnell fue la opción favorita para interpretar a Jack Dawson en la exitosa película de la 20th Century Fox, Titanic, pero DiCaprio obtuvo el papel.
O'Donnell, firmó un contrato de interpretar a Robin en otras dos secuelas más de Batman, que no llegaron a hacerse tras la cancelación de Batman Triumphant.
En 1996 O'Donnell interpretó el papel protagonista en la película The Chamber, basada en la novela de John Grisham. Fue considerado para el papel principal en Spider-Man, cuando el proyecto estaba en desarrollo con James Cameron en 1996 pero Tobey Maguire fue finalmente el elegido.
Fue la elección original de los productores para el papel de James Edwards en Hombres de negro (1997), pero, después de que él lo rechazó, el papel fue a Will Smith. Las películas Cookie's Fortune (1999), The Bachelor (1999) y Límite vertical (2000) sólo fueron un éxito moderado. En el año 2000, desencantado con su profesión, decidió retirarse por un tiempo con la intención de estar más con su familia, aunque ha participado en varios films independientes.
En 2004 con la película ampliamente alabada Kinsey. O'Donnell también apareció en ese año del episodio titulado "An Old Flame with a New Wick" de la serie de televisión Dos hombres y medio. En septiembre de 2005 estrenó la serie Head Cases, producida por la Fox y que contaba la historia de Jason Payne, un abogado con problemas psicológicos. El espectáculo fue el primer espectáculo de la temporada de otoño 2005 en ser cancelado, y sólo dos episodios se emitieron. Posteriormente fue elegido como Finn Dandridge un novio veterinario de Meredith Grey en la serie de televisión de la ABC, Grey's Anatomy
Participó en la destacada miniserie de TNT, The Company, interpretando a un agente de la CIA, Jack McAuliffe. En 2009 fue elegido para interpretar al agente especial G. Callen en la serie NCIS: Los Ángeles, spin-off de NCIS, ambas de la CBS. Actualmente se encuentra rodando la décima temporada de la serie. En 2010, O'Donnell apareció en la secuela de la película de 2001, Cats & Dogs, Cats & Dogs: La venganza de Kitty Galore.
El 5 de marzo de 2015 el actor recibió su estrella en el paseo de la fama en Hollywood.
1972:
Nace Garou, cantante canadiense.
Garou, cuyo verdadero nombre
es Pierre Garand, es un cantante nacido el 26 de
junio de 1972 en Sherbrooke, Quebec (Canadá). Su
potente y personal voz rasgada le han convertido en poco tiempo en uno de los
artistas más importantes del panorama musical francófono, no sólo en su Quebec
natal, sino en países como Francia, Bélgica, Suiza, Polonia, República
Checa, Ucrania o Rusia
1993:
Nace Ariana Grande,
actriz, cantante y compositora estadounidense.
Ariana Grande Butera (Boca Ratón, 26 de junio de 1993)
es una actriz, cantante y filántropa estadounidense.
En 2008 se unió al musical Trece, en Broadway, donde interpretó el personaje
Charlotte.5 Esto le permitió obtener el primero
de muchos reconocimientos en su carrera artística pues más adelante, la
National Youth Theatre Association Awards la premió con el galardón a la mejor
actriz de reparto, por su notable actuación en el musical. Más tarde, dejó
el teatro y se unió al elenco de Victorious en 2009, que rápidamente
se convertiría en una de las series más exitosas de Nick en aquel tiempo. Allí interpretó al
personaje Cat Valentine.
Gracias a esto más adelante, tuvo la oportunidad de continuar interpretando al
mismo personaje en una serie derivada de Victorious y iCarly, ambas de Nickelodeon,
llamado Sam & Cat en
2013.6Grande se hizo más famosa después de
la publicación de «The Way»,
el primer sencillo de su álbum debut Yours Truly. La canción ingresó en las
listas de diversos países alrededor del mundo, y se posicionó en el puesto
número nueve en la lista Billboard Hot 100. Además, la canción
contó con una excelente recepción de la crítica.78 Su álbum debut, Yours Truly, ingresó en las listas de
diversos países y debutó en la posición número uno del Billboard 200. Debido a su éxito en la
música durante el 2013, Grande fue galardonada por la Asociación de la
industria musical como la artista revelación del año.9
Al año siguiente, publicó My Everything. Rápidamente, el álbum
obtuvo una buena recepción de la crítica y se convirtió en un éxito luego de
debutar en la primera posición del conteo Billboard 200. Poco
después, Grande consiguió dos nominaciones en los Grammy Awards, uno de ellos a mejor álbum pop,
por My Everything. Del álbum se desprenden los sencillos, «Problem»,
«Break Free», «Love Me Harder» y «One Last Time», todos ellos con un buen
rendimiento comercial. En su primera semana, «Problem» debutó en la tercera
posición con un poco más de 438 000 ventas en la lista Hot 100,
y luego ascendería a la posición número dos, convirtiéndose al instante en un
éxito. La canción alcanzó también gran difusión internacional y se convirtió en
su primer sencillo número uno en la lista de Reino Unido. Sus siguientes sencillos, «Break
Free», que obtuvo la cuarta posición en el conteo Hot 100, «Love Me
Harder», que logró la séptima posición, y «One Last Time», también lograron
gran repercusión alrededor del mundo. Poco después de la publicación de «Break
Free», colaboró en una canción titulada «Bang Bang» con Jessie J y Nicki Minaj, que forma parte del álbum de la
primera, Sweet Talker, y
de la edición de lujo de My Everything. Esta canción se convirtió
en el segundo número uno para Grande en el Reino unido. Mientras, en Estados Unidos, sus canciones «Problem»,
«Break Free» y «Bang Bang» dominaron la Hot 100 simultáneamente
en el top 10. Con esto, Grande colocó tres canciones entre las diez
primeras posiciones de forma simultánea en mencionada lista.
En 2015 hizo el lanzamiento de «Focus»
con un gran éxito comercial, logrando llegar a la posición 7 de Billboard Hot 100; después fue
publicado «Dangerous Woman»
como primer sencillo del álbum con el mismo nombre, debutando en el décimo
puesto de la lista Hot 100 y posicionándose después en el
octavo puesto. Con esto, Grande se convirtió en la primera artista en 57 años en
debutar en el top 10 con el primer sencillo de cada uno de sus
tres primeros discos de mencionada lista. Más tarde, publicó su segundo
sencillo «Into
You», este llegó a la posición decimotercera en la Hot 100,
después "Side to Side"
con la rapera "Nicki Minaj"
que alcanzó el número cuatro en listado Hot 100. Su álbum lanzado "Dangerous Woman" que obtuvo la
segunda posición en la lista de éxitos Billboard Hot 200.
En el año 2018 dos años después de su exitoso álbum
"Dangerous Woman" lanzo el lead single llamado "No Tears Left to Cry"
inspirándose del ataque de Manchester, el sencillo obtuvo buena recepción
de la critica aparte de esto consiguió tener un buen éxito comercial «No Tears
Left to Cry» debutó en la tercera posición convirtiéndose en la única artista
en debutar todos sus lead's singles de cada uno de sus álbumes en el Top 10 y
en menos de un mes certificó plata en Reino Unido tras vender más de 200 mil
copias
1995:
Muere Vicentico Valdés, cantante cubano de boleros y
guarachas (n. 1921).
Vicente Valdés Valdés (La Habana, Cuba; 10 de diciembre de 1919 - Nueva York, Estados Unidos; 26 de junio de 1995)1 fue un cantante cubano de música
popular.
Índice
[ocultar]
·
7Fuentes
Biografía[editar]
Vicentico Valdés fue hermano menor del también cantante
Alfredito Valdés, y junto a él fue integrante del Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro.
También fue integrante de la orquesta "Cosmopolita" que dirigía Antonio María Romeu.
Trabajó también con la Sonora Matancera, interpretando principalmente
guarachas y guaguancós tales como Yo no soy guapo (guaracha de
Reineiro Martínez) y el bolero mambo Decídete mi amor. Uno de sus
temas más representativos en esa época fue su versión de Los aretes de
la luna, original de José Dolores Quiñones, tema que contribuyó a darle a
conocer ante el gran público.
Nueva York[editar]
Radicado en New York, conoció
a Noro Morales. Éste lo integró a su orquesta y
con él grabó temas como Guararé de Ricardo Fábregas, y Qué
problema de Rudy Castel.
En los años subsiguientes, su repertorio se concentró en la
interpretación de boleros , aunque
continuó cantando otros ritmos autóctonos de su tierra como guajiras, sones o
guarachas.
Para el sello Seeco grabó una cantidad de temas, entre boleros,
guarachas y hasta cumbias. En el álbum, Así canta el corazón,
acompañado por su propia orquesta y con arreglos y dirección de René Hernández
(pianista de la orquesta de Machito durante algún tiempo), incluyó temas
como: Ya 'ta el guateque (ritmo orizá), Negro de
sociedad (motivo afro), Cumbia que se va de ronda, (cumbia) Yuyumbé (guaracha) y
varios boleros como Tú mi adoración original de José Antonio
Méndez. Asimismo, el álbum Algo de ti, contiene el bolero del mismo
nombre, original de Juan P. Miranda, y otros boleros como Estoy locode
Javier Vásquez, Conozco tu historia de Mario de Jesús y Sálvame de
Atilio Bruni.
Con la orquesta de Tito Puente grabó Nueva vida,
de Giraldo Piloto y Alberto Vera, Guaguancó en Tropicana, de M. A.
Espinoza, Soy feliz, La gloria eres tú, y Tú mi
amor divino estos dos últimos boleros de José Antonio Méndez.
Su orquesta[editar]
En su madurez como cantante, Vicentico Valdés tuvo su propia
orquesta y contó con arreglos musicales de René Hernández, Joe Caín y Javier
Vásquez. La orquesta estuvo integrada por Alfredo Armenteros, Víctor Paz, Jimmy
Frisaura y Pat Russo en las trompetas; Jesús Caunedo y Al Tenenbaum como saxos
alto; Shelly Gold como saxo tenor; Dave Kurtzerm en el saxo barítono; Frank
Anderson como pianista; Bobby Rodríguez en el bajo; Mervin Gold en el trombón;
Félix Ventura en las congas; Joe Rodríguez en el timbal y José Mangual en
el bongó. En el coro estuvieron Chivirico Dávila
y Felo Brito.
Vicentico Valdés falleció en New York el 26 de junio de 1995.
Muere
Luis Fernando Montoya Correa (Pereira, 26 de noviembre de 1956-Bogotá, 26 de junio de 2018) fue un actor colombiano.
Biografía[editar]
Inició su vida artística en 1984 en la telenovela Pero sigo siendo El Rey, y a partir de ahí su trayectoria profesional hizo que se le reconociera como un talentoso actor. Conocido como "el Robert De Niro colombiano" por su gran parecido con el célebre actor norteamericano, desde muy pequeño soñó siempre con interpretar personajes dramáticos y difíciles de realizar. Siendo aún muy joven, viajó a la capital del país para ingresar en el Teatro Popular de Bogotá, donde tuvo la oportunidad de participar en obras de William Shakespeare y Arthur Miller.
Su última actuación en Colombia antes de viajar a Nueva York fue en Crónicas de una generación trágica, y a su regreso a Colombia participaría en la serie de TeveCine Tabú, y además, de Jorge Alí Triana para empezar a trabajar en la preproducción de Bolívar soy yo!. Este retorno a la televisión se lo ganó a pulso. No tuvo ventajas por su trayectoria; realizó los mismos castings que llevó a cabo buena parte del elenco de La diva. Lo hizo con la misma humildad y profesionalismo que caracterizaron el inicio de su carrera interpretativa.
En el cine, su primera aparición la realizó en 1993. En 2001 Montoya fue detenido en Miami (Estados Unidos) y permaneció cuatro años en una cárcel de esa misma ciudad tras haber sido condenado por narcotráfico. Sin embargo, y a pesar de su tiempo en prisión, pudo retomar su carrera como actor en diversos papeles de cine y televisión, siendo recordado hoy por sus papeles cómo actor en grandes producciones como la Estrategia del Caracol.
Falleció en su casa rodeado de su familia el 26 de junio de 2018 en Bogotá, luego de perder la batalla contra el cáncer.
2019:
Muere Max Wright, actor estadounidense, mejor conocido por su papel de Willie Tanner en la comedia ALF.
George Edward
Maxwell Wright (Detroit, Míchigan; 2 de agosto de 1943-Hermosa Beach, California; 26 de junio de 2019),1
más conocido como Max Wright, fue un actor estadounidense, mejor
conocido por su papel de Willie Tanner en la comedia ALF.
Índice
·
1Carrera
·
3Muerte
o
4.1Cine
Carrera[editar]
El papel más
conocido de Wright fue en la comedia de situación ALF (1986–90),
donde interpretó a Willie Tanner, el padre del alienígena del mismo nombre.2
También hizo apariciones en programas de televisión como WKRP in Cincinnati (en), y fue miembro habitual del elenco
de Misfits of Science (en), AfterMASH (en), Buffalo Bill (en) y The Norm Show (en),
además de aparecer en Apocalipsis, la adaptación hecha para
la televisión de The Stand de Stephen King.2
Apareció en la primera y segunda temporada de la comedia Friends como
Terry, el gerente de Central Perk.2
Interpretó a Günter Wendt (en)
en la miniserie De la Tierra a la Luna de HBO de 1998 y al
Dr. Josef Mengeleen Playing for Time (en).2
Wright también tuvo
una carrera en teatro y actuó en teatros regionales en todo Estados Unidos. En
1968, apareció en la producción original de La gran esperanza blanca en
el Arena Stage en Washington D. C.. En 1998, apareció en Broadway en Ivanov, lo que le valió una nominación
al Tony, y interpretó a Sir Andrew en Noche de reyes en
el Lincoln Center. En 2007, actuó en el JET
(Jewish Ensemble Theatre) en Detroit3
y en la producción de No Man's Land en el American Repertory
Theatre.4
También apareció en la producción del Teatro Público en
2010 de Cuento de invierno y El mercader de Venecia en los
festivales de Shakespeare in the Park.5
Vida personal[editar]
Wright estuvo
casado con Linda Ybarrondo desde 1965 hasta la muerte de ella en 2017 por cáncer de mama.67
La pareja tuvo dos hijos.2
En enero de 2000,
Wright fue arrestado bajo sospecha de conducir en estado de ebriedad en Los
Ángeles; en aquel momento aparecía en The Norm Show.8
Wright fue arrestado nuevamente por conducir en estado de ebriedad en 2003.9
Muerte[editar]
1929- 2020
Nace y muere Milton Glaser , ilustrador y diseñador estadounidense
Milton Glaser (Bronx, Nueva York, 26 de junio de 1929 - Manhattan, Nueva York, 26 de junio de 2020)12 fue un ilustrador y diseñador estadounidense conocido sobre todo por sus diseños para discos y libros.
Biografía[editar]
Glaser estudió en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 Y a través de una beca Fulbright, también estudió en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, en Italia, donde estuvo con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía.
Creó más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan, un símbolo de los años sesenta. Glaser se dedicó al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo trabajó para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire o Village Voice y La Vanguardia (1987-1989) para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al color.
En identidad corporativa, desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en los Estados Unidos. También creó el logo de DC Comics. En 1977 creó el conocido símbolo para la campaña I Love New York. El estilo de Glaser se caracterizó por el eclecticismo y estuvo influido por numerosas fuentes si bien siempre dio a la ilustración una importancia grande. Diseñó algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acercó más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo.
En 1973 se publicó Milton Glaser: Graphic Design, una obra recopilatoria de su trabajo que ha tenido numerosas ediciones.
Falleció el 26 de junio de 2020 los noventa y un años debido a un derrame cerebral.1
2020:
Muere Kelly Asbury, cineasta, animador, guionista y escritor estadounidense.
2020:
Muere Kelly Asbury, cineasta, animador, guionista y escritor estadounidense.
Kelly Adam Asbury (Beaumont, 15 de enero de 1960 – Los Ángeles, 26 de junio de 2020)1 fue un cineasta, animador, guionista y escritor estadounidense, reconocido por dirigir las películas animadas Shrek 2, Gnomeo & Juliet y Spirit.1
Asbury falleció en Encino, Los Ángeles el 26 de junio de 2020 a los 60 años a causa de un cáncer abdominal.2
Filmografía[editar]
Cine[editar]
| Año | Título | Notas |
|---|---|---|
| 2019 | The Addams Family | Historia adicional |
| UglyDolls: Extraordinariamente feos | Director3 | |
| 2017 | Smurfs: The Lost Village | Director45 |
| 2013 | Frozen | Historia adicional |
| 2012 | Wreck-It Ralph | Historia |
| 2011 | Gnomeo & Juliet | Director |
| 2008 | Madagascar: Escape 2 Africa | Historia adicional |
| Kung Fu Panda | ||
| 2007 | Shrek the Third | Voces |
| 2004 | Shrek 2 | Director, voces |
| 2002 | Spirit: Stallion of the Cimarron | Director |
| 2001 | Shrek | Historia |
| 2000 | Chicken Run | Historia adicional |
| 1998 | The Prince of Egypt | Historia |
| 1996 | James and the Giant Peach | |
| 1995 | Toy Story | Historia |
| 1993 | The Nightmare Before Christmas | Asistente de director |
| 1991 | Beauty and the Beast | Historia |
| 1990 | Roller Coaster Rabbit | Director artístico |
| The Rescuers Down Under | Diseñador | |
| 1989 | The Little Mermaid | Director artístico |
| 1987 | Sport Goofy in Soccermania | Director artístico |
| 1985 | The Black Cauldron | Director artístico |
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