El 25 de junio es el 176.º (centésimo septuagésimo sexto) día del año en el calendario gregoriano y el 177.º en los años bisiestos. Quedan 189 días para finalizar el año.
Podcast 2020
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Día Mundial Antitaurino
El 25 de junio se celebra el
día mundial antitauromaquia, una manera de fomentar y crear consciencia en esta
práctica violenta.
El día de hoy 25 de junio se
celebra el día antitauromaquia, una práctica ancestral, sello de la cultura
Española que en la actualidad es reprobada por mucha gente, por lo cual se
inició con este movimiento declarando el día de hoy como un día que se celebra
y se fomenta la consciencia por la tauromaquia.
Los aficionados a la
tauromaquia comprenden que esta práctica es una fusión entre el toro y el
torero, al mismo tiempo que cada uno es representante de algo grandioso como el
torero que es una figura de héroe y el toro representa la bravura, la
virilidad, la nobleza y la belleza.
Sin embargo, a pesar de que
puede considerarse como un arte para muchas personas, la realiadad es que
distintas asociaciones han expresado el desacuerdo a esta atividad debido a la
manera tan violenta de acabar con la vida de un animal para el
entretenimiento de las personas.
Para adentrarnos en el tema
hay que saber un poco sobre el origen de esta práctica, la cual se quiere
erradicar e incluso se permiten días como este a nivel mundial para organizar
movimientos en contra de este acto y presionar a los gobiernos a terminar con
esta actividad.
La tauromaquia "es quizás
la forma más gráfica de lo que necesitamos dejar de ser como sociedad y
cultura”, declara Aïda Gascón, directora de Anima Naturalis en España.
Origen
Esta actividad tiene siglos de
tradición y es parte de la cultura. La “fiesta brava” inició a partir del siglo
XVIII cuando el torero comienza a realizar su faena a pie.
Las corridas de toros
comienzan en España en su versión más moderna en el siglo XII cuando la nobleza
abandona el caballo para realizarlo a pie, momento en el que demuestra su valor
y destreza.
La palabra tauromaquia es
originada por los términos griegos que significan “toro” y “luchar”, que en la
actualidad algunas personas lo han traducido como arte.
Origen del toro de lidia
Sin duda la tauromaquia no
sería la fiesta que es sin la presencia del toro. El origen de esta raza se
encuentra en el primitivo “urus o uro” que no es originario de España, sin
embargo es ahí donde se pudo asentar mejor.
Como precedente histórico a
las corridas de toros se dan precisamente en la caza de esta raza que fueron
los primeros enfrentamientos, en la cual se necesitaba fuerza física, habilidad
y destreza. Lamentablemente esta especie se extinguió debido a la caza de los
humanos, pero quedaron remanentes en especies que tienen sus genes como se
indica al toro de lidia, el descendiente más parecido a esta especie.
Ciudades donde prohíben las
corridas de toros
Algunas ciudades del mundo,
debido al gran interés y presión de la sociedad han decretado leyes para
detener las corridas de toro, tal es el caso de Mouans-Sartoux, Montignac, Bully-les-mines
y Joucou en Francia que han sido proclamadas antitaurinas.
Ecuador es otro país que
prohibió las corridas de toros al considerarlas espectáculo público con animales
indefensos, al igual que prohibieron las peleas de gallos y de perros.
Cataluña también decidió crear
leyes en contra de estas prácticas en donde no prohíbe la corrida en sí, pero
si prohíbe el lastimar o violentar al animal en el espectáculo.
AnimaNaturalis propone en ese
sentido que Navarra "siga el ejemplo del Parlamento balear, que no
prohíbe las corridas de toros, pero sí torturar y dar muerte al animal”, una
"solución intermedia que conserva la tradición y la cultura taurina, pero
erradica la parte más sangrienta y brutal de una corrida de toros".
Por Jossy Zamora
1852:
Nace Antoni
Gaudí, arquitecto español (fallece en 1926).
Antoni Gaudí i Cornet,
también conocido en español como Antonio Gaudí1 (Reus o Riudoms,2 25 de
junio de 1852-Barcelona, 10 de
junio de 1926)
fue un arquitecto español,
máximo representante del modernismo catalán.
Gaudí fue un arquitecto con
un sentido innato de la geometría y
el volumen, así como una gran capacidad
imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes
de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus
obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales,
moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras
ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus
colaboradores sobre lo que debían hacer.
Dotado de una fuerte
intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma
global atendiendo, tanto a las soluciones estructurales, como las funcionales y decorativas.
Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la
arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la
perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería,
etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales,
como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de
desecho.
Después de unos inicios
influido por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes,
Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor
efervescencia, entre finales del siglo XIX y
principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del
modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la
naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide,
el helicoide y el conoide.
La arquitectura de Gaudí
está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de
nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al
análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo
una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de
nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo
orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada
por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis
perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada
por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura,
la naturaleza,
la religión y
el amor a Cataluña.
La obra de Gaudí ha
alcanzado con el transcurso del tiempo una amplia difusión internacional,
siendo innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la
arquitectura. Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el público
en general: la Sagrada Familia es
actualmente uno de los monumentos más visitados de España. Entre 1984 y 2005 siete de sus
obras han sido consideradas Patrimonio de la Humanidad por
la Unesco.
La
belleza es el resplandor de la verdad, y como que el arte es belleza, sin
verdad no hay arte.
Antoni Gaudí
1892:
Nace Katherine Davis, autora de "El
Tamborillero".
Katherine Kennicott
Davis (25
de junio de 1892 - 20 de abril de 1980) fue una ex profesora estadounidense,
compositora de música clásica, pianista y autora de la famosa canción navideña
" The Little
Drummer Boy ".
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· 2Música
Vida y carrera [ editar ]
Davis nació en St. Joseph, Missouri ,
el 25 de junio de 1892, la hija de Jessie Foote (Barton) y Maxwell Gaddis
Davis. [1] Su padre descendía de John y
Mariah Jane Boylan Murphey, uno de los primeros colonos pioneros del condado de
Morgan, Ohio y capataz durante la construcción de la carretera nacional,
también conocida como Cumberland National Road, cuando se dirigía hacia el
oeste desde Cumberland, Maryland a través de Ohio y en Vandalia,
Illinois. [2] Ella compuso su primera pieza
musical, "Shadow March", a la edad de 15 años. Se graduó de St.
Joseph High School en 1910, y estudió música en Wellesley College en Massachusetts. [3] En 1914 ganó el Premio Billings
de la universidad. [3][4] Después de la graduación, ella
continuó en Wellesley como asistente en el Departamento de Música, enseñando
teoría musical y piano. Al mismo tiempo estudió en el Conservatorio
de Música de Nueva Inglaterra en Boston. [3] Davis también estudió con Nadia Boulanger en París. Ella
enseñó música en Concord Academy en Concord,
Massachusetts , y en Shady Hill School for Girls en
Filadelfia.
Ella se convirtió en
miembro de ASCAP en 1941. [5] y recibió un doctorado honorario
de la Universidad de
Stetson , en DeLand, Florida . Katherine K. Davis
continuó escribiendo música hasta que enfermó en el invierno de
1979-1980. Ella murió el 20 de abril de 1980, a la edad de 87 años,
en Littleton,
Massachusetts . [3] Dejó todas las regalías y
ganancias de sus composiciones, que incluyen óperas, coros, operetas
infantiles, cantatas, piezas de piano y órgano, y canciones, en el Departamento
de Música del Wellesley College. Estos fondos se utilizan para apoyar la
instrucción de instrumentos musicales.
Música [ editar ]
Muchas de sus más de 600
composiciones fueron escritas para los coros de su escuela. Participó
activamente en The Concord Series , un conjunto de música y
libros de varios volúmenes para fines educativos. Davis compiló, arregló y
editó muchos de los volúmenes musicales con Archibald T.
Davison , y fueron publicados por EC Schirmer en Boston.
Ella escribió
" The Little
Drummer Boy " (originalmente titulado "The Carol del
tambor"), en 1941. [3] Se hizo famoso cuando se graba
por el Harry Simeone Coral en
1958: la grabación salió a la cima de los Billboard gráficos y
Simeone insistió en la realeza de un escritor por su arreglo de la
canción. Otro famoso himno de Katherine Davis es el himno de Acción de Gracias "Let All Things
Now Living", que utiliza la melodía de la canción folk tradicional
galesa The Ash Grove .
1903:
Nace George Orwell, escritor y periodista británico.
Eric Arthur Blair (Motihari, Raj
Británico, 25 de junio de 1903 -Londres, Reino
Unido, 21 de enero de 1950), más conocido
por el pseudónimo de George Orwell, fue un escritor y periodista británico, cuya obra lleva la marca de las
experiencias personales vividas por el autor en tres etapas de su vida: su
posición en contra del imperialismo británico que lo llevó al
compromiso como representante de las fuerzas del orden colonial en Birmania durante
su juventud; a favor del socialismo democrático, después de haber
observado y sufrido las condiciones de vida de las clases sociales de los trabajadores de Londres y París; en
contra de los totalitarismos nazi y estalinista tras
su participación en la Guerra Civil Española.
Además de cronista, crítico
de literatura y novelista, Orwell es uno de los ensayistas en lengua
inglesa más destacados de los años treinta y cuarenta del siglo XX.
Sin embargo, es más conocido por sus dos novelas críticas
con el totalitarismo y publicadas después de la Segunda
Guerra Mundial, Rebelión en la granja (1945) y 1984 (1949),
escrita en sus últimos años de vida y publicada poco antes de su fallecimiento,
y en la que crea el concepto de «Gran Hermano», que desde entonces pasó al
lenguaje común de la crítica de las técnicas modernas de vigilancia.
En 2008, figuraba en el
puesto número dos del listado de los cincuenta escritores británicos de mayor
relevancia desde 1945, elaborado por The Times.
El adjetivo «orwelliano» es
frecuentemente utilizado en referencia al distópico universo totalitarista
imaginado por el escritor inglés.
1910:
Nace Guillermo Castillo,
Guillermo Castillo Bustamante (Caracas, 25 de junio de 1910 - 6 de
octubre de 1974) fue un músico, compositor y pianista venezolano. Autor de más
de trescientas composiciones, principalmente boleros, siendo el más conocido
internacionalmente el bolero "ESCRIBEME", compuesto en la cárcel
de Ciudad Bolívar,
Venezuela, en 1953, prisión política. Cantada por numerosos intérpretes:
Alfredo Sadel. Lucho Gatica, Javier Solis, Los Cuatro Hermanos Silva, Rosita
Quintana, Ortíz Tirado, Roberto Yanez, Simón Díaz entre muchos. Cuando no llegó
una carta de la hija Inés, que era el contacto entre él, sus hijos y su esposa
Inés Pacheco que estaba en otra cárcel, surgió el bolero que se convirtió en
una especie de himno para los presos. En esa cárcel reparó un piano viejo que
fue llevado por el Arzobispo de la ciudad Monseñor Juan José Bernal, allí
compuso muchos temas que se hicieron populares.
Biografía[editar]
Se inició en el piano a los tres años. Entre 1929 y 1933 vivió
en Nueva York y trabajó de pianista en emisoras de radio. Cuando regresó al
país se dedicó a la actividad musical de lleno, fue fundador de la Emisora
"Sello Rojo" que luego se llamaría "Radiodifusora
Venezuela". Fundó la primera orquesta moderna del país, la "Swing
Time".
Con motivo de su primera prisión y expulsión, en Cuba integró el
"Septeto Habanero" en 1949. Luego en México formó parte de un
proyecto de película de Don Rómulo Gallegos, pero el fallecimiento de Doña
Teotiste de Gallegos paralizó todo.
Regresó a Venezuela y él y su esposa se incorporaron a la
resistencia contra el General Pérez Jiménez. Ambos fueron detenidos. Ella pasó
cuatro años presa y él seis. Fue enviado al Campo de Concentración de Guasina
en el Delta del Orinoco, sometido a trabajos forzados. Iba a ser fusilado junto
a otros cuatro presos: Guido Acuña, Jesús Alberto Blanco, Ramón Lancini y
Francisco Paco Esteller. Se salvaron porque el teniente que tenía la orden no
la acató y los presos iniciaron protestas. De regreso a la democracia fue
Director de la Televisora Nacional, Canal 5. Mantuvo programas radiales,
dirigió coros y siguió componiendo. Ganó varios premios y reconocimientos en
diversos festivales.
Tal vez en algún momento de su tormentosa prisión evocó los días
en que era pianista acompañante de Tito Guízar en Nueva York.
Tal vez alguna noche soñó que estaba nuevamente al frente de la
Swing Time, la orquesta que fundó el 22 de mayo de 1937 (sirva la fecha para
cotejar con otras orquestas que se dicen primeras), cuando sólo tenía 27 años y
ni pensaba que con ella, con sus tremendos 14 músicos de avanzada, le daría el
gran recibimiento a la Billo’s Happy Boys.
Tal vez se despertaría sudando en el asqueroso catre de Guasina
sólo para pensar en las giras que hacía con Rafael Guinand, y los dúos de jazz
con Antonio Lauro, o los solos de piano que creaba para Pedro Vargas y María
Antonieta Pons. Guillermo Castillo Bustamante, ese músico que soñaba con el tal
vez, inició en Guasina la historia del más hermoso bolero, surgido de la más
dolorosa historia, en las más adversas circunstancias.
Soñó, no lo dudamos, con sus amigos María Luisa Escobar, Vicente
Emilio Sojo, Conny Méndez, Luis Peraza, Rházes Hernández López, Juan Bautista
Plaza, Ulises Acosta, Inocente Carreño, Rafael Guinand...
Y soñó con su esposa Inés, con sus hijos, con esas reuniones
clandestinas de Acción Democrática que le costaron el destierro en Cuba y
México, y su captura por parte de la tenebrosa Seguridad Nacional…
El multígrafo apareció en su memoria, y el periódico Combate
también. Y apareció el 6 de abril de 1952, cuando fue capturado para ser
torturado casi hasta la muerte. Nunca delató. Nunca habló, aunque en medio de
las torturas supo (mecanismo de presión) que su esposa Inés estaba presa. Y que
sus hijos quedaban solos a la buena de la solidaridad de hombres como Héctor
Monteverde, que mantuvieron a los niños, hijos del amigo, en esa época tan
adversa.
La Seguridad Nacional, paradojas, se transformó en la prisión de
El Obispo. Y Castillo Bustamante, declarándose músico, no hablaba, pero
pensaba.
Y El Obispo se transformó en la cárcel Modelo y ésta en un
barco, el Guayana, que lo llevaría el 27 de julio de 1952, junto a 168 presos
más, a Guasina; es decir, a la humillación, la incertidumbre, la soledad, la
incomunicación...
Y Guasina se transformó en Sacupana cuando la primera fue
inundada por el Orinoco, el Río Padre que con sus aguas parecía adversar a la
dictadura. Pesaba 51 kilos el compositor, el acompañante de Guízar, el amigo de
Sadel y Víctor Saume, el compañero de gremio de María Luisa Escobar.
Y Sacupana se transformó en la cárcel de Ciudad Bolívar, la cuna
del hermoso bolero que le ha dado varias veces la vuelta al mundo, sin que
hasta ahora, para reivindicación de su autor, se conociera la historia
verdadera, que sólo le decían a uno «ese bolero lo compuso un tipo en la
cárcel».
Familiares
Sobrinas: Olga Dominguez de Flores, Mercedes Castillo Dominguez
de Tavio, Irma Alfonsina Castillo, Entre otros. Sobrinos Nietos: Giselle Rivas,
Marisol Garcia, Maritza Garcia, entre otros.
Escríbeme
Nunca le dieron permiso de visitas a Guillermo Castillo
Bustamante en Ciudad Bolívar. Solo tuvo derecho a escribir una carta quincenal,
de una cuartilla. Inés, su esposa, estaba presa en Los Teques. Inés, su hija,
no lo podía ver, pero era la encargada de hacerle llegar las noticias de la
familia y de recibir las cartas. El 14 de agosto de 1956, pensando en su hija
Inés, Guillermo Castillo Bustamante compuso Escríbeme.
Fue auxiliado por el viejo piano que monseñor Bernal, obispo de
Ciudad Bolívar, había hecho llegar a la cárcel para que Castillo Bustamante,
arreglándolo, tocara. Y creara. Con ese piano alegró la vida este hombre a más
de mil presos, es decir, al hacinamiento humano que la dictadura había
trasladado a tierras de Guayana. Ciudad Bolívar se transformó en Catia La Mar,
y en La Guaira, hasta que en septiembre de 1957 Guillermo Castillo Bustamante
fue expulsado a Guatemala. Pero se quedó en Panamá. Y de allí pasó a Costa
Rica.
1924:
Nace Sidney Lumet, cineasta estadounidense (fallece en 2011).
Sidney Lumet (Filadelfia, 25 de
junio de 1924 - Nueva York, 9 de abril de 2011) fue un director, productor y guionistaestadounidense.
Con una carrera profesional de más de 50 años, es recordado por sus
películas 12 Angry Men (1957), Larga jornada hacia la noche (1962), Serpico (1973), Asesinato en el Orient
Express (1974), Tarde
de perros (1975), Network (1976), Veredicto
final (1982) y Antes que el diablo sepa que
has muerto (2007), entre otras.
Saulo Sedano Chavira nació el 25 de junio de 1925 en el barrio de Tepito de la Ciudad de México. Es el tercer hijo de los señores Arnoldo Sedano y Raquel Chavira; sus hermanos son Delia, Mario, Raquel, Roseli y Elizabeth. De niño aprende a tocar la guitarra viendo a su padre, quien se juntaba en casa con sus amigos Eliseo y Arnulfo para cantar en trío, y a sus ocho años de edad forma junto con su hermano Mario un dueto.
Su primera composición Reina mía fue inspirada en un amor de aquellos tiempos, interpretada por José José y por Los 3 Diamantes, trío formado en 1948 del que fue requinto y tercera voz. Su primera obra grabada, en RCA Victor (1949), fue Mentira mentira, tema popularizado además de su agrupación por Javier Solís como solista y a dueto con Vicente Fernández, Alejandro Fernández y Víctor Yturbe El pirulí.
Otras canciones que le otorgaron satisfacciones por haber sido éxitos en su época son Gracias, muchas gracias, en las voces de Armando Manzanero, María Victoria y La Consentida; No te perdonaré y No te vayas, con Javier Solís; Religión, con Lucho Gatica; Por qué no te vas, con Los 3 Ases, y Desde el cielo, popularizada por Los Dandys y Ramón Ayala, así como las interpretadas por Los 3 Diamantes No me importa el pasado, Yo quise ser bueno, Los cinco hermanos, Quién más te amó (No te vayas) y Sayonara mi amor, esta última grabada en Japón.
La temática de su obra es de corte romántico porque, indicaba, a lo largo de su vida artística y personal acumuló innumerables sentimientos, emociones y experiencias relativas al amor.
Recordaba con cariño sus apariciones en la pantalla grande: “En la película Así es mi tierra (1937), una de las primeras de Cantinflas, aparecen Los Curripipís, dos niños vestidos de inditos que interpretan la canción Aunque de cuerpo chiquito, compuesta por Tata Nacho exprofeso para la cinta; aquí además participamos yo como primera guitarra y primera voz, y mi hermano Mario como guitarra acompañante y segunda voz, actuación breve pero inolvidable al lado del gran cómico. También Mario y yo cantamos en el filme Allá en el rancho chico (1937), y con mi padre actué, él como ciego y yo su lazarillo, y canté en Nobleza ranchera (1938)”.
Cuando termina su actividad como integrante de Los 3 Diamantes, el maestro Sedano —músico lírico— se dedicó por completo a la composición, y como fruto de ese trabajo nos legó alrededor de 50 obras inéditas para guitarra, instrumento que suplió en cierta forma al requinto.
Entre sus diversos galardones destacan discos de oro, estatuillas, diplomas y distinciones por su carrera artística, la impresión de sus manos en algunos lugares y el reconocimiento Trayectoria 50 Años otorgado por la Sociedad de Autores y Compositores de México: “Todos los premios han sido muy importantes en mi vida, aunque guardo en mi corazón de manera especial el enorme cariño del público por el trabajo realizado a través de Los 3 Diamantes”, concluyó.
Saulo Sedano Chavira falleció el 3 de abril de 2017 en la Ciudad de México.
1925:
Nace June Lockhart, actriz estadounidense.
June Lockhart (Nueva York; 25 de junio de 1925) es una actriz estadounidense, más conocida por su papel en la serie de televisión, Lassie y por su papel de Maureen Robinson en Perdidos en el espacio. También interpretó a la Dra. Janet Craig en la CBS sitcom Petticoat Junction (1968-1970). Fue nominada para dos Premios Emmy y ganadora de un Premio Tony.
Primeros años[editar]
Nacida en la ciudad de Nueva York, Lockhart es hija del actor canadiense Gene Lockhart, quien saltó a la fama en Broadway en 1933 en Ah, Wilderness!, y de la actriz inglesa, Kathleen Lockhart.123
Carrera[editar]
Ella hizo su debut actuando junto a sus padres en una versión cinematográfica de Un cuento de Navidad, en 1938. También interpretó papeles secundarios en películas como Meet Me in St. Louis, Sergeant York, All This, and Heaven Too and The Yearling.
En 1948, Lockhart ganó un premio Tony a la Mejor Interpretación por un recién llegado (una categoría que ya no existe) por su papel en Broadway en For Love or Money. En 1955, ella apareció en un episodio de la CBS Cita con la aventura. Acerca de este tiempo, ella también hizo varias apariciones en la NBC el drama Justicia Legal, con base en los expedientes de la Sociedad de Ayuda Legal de Nueva York. A finales de 1950, Lockhart fue estrella invitada en varios programas de televisión populares westerns como: Wagon Train y Cimarron City (en el episodio "Medicine Man", con Gary Merrill) en NBC y Gunsmoke, Have Gun – Will Travel y Rawhide en CBS. Uno de los trabajos más recordados en su carrera fue su interpretación de la Dra. Maureen Robinson, en Perdidos en el espacio 1965
1928:
Pierre Culliford, más
conocido como "Peyo" (Bruselas, 25 de
junio de 1928-ibídem, 24
de diciembre de 1992), fue un dibujantebelga de historietas,
creador de las exitosas series Johan
y Pirluit y Los Pitufos.
Empezó sus estudios en la
academia belga de Bellas Artes, pero al cabo de unos meses la abandonó. Durante
la segunda guerra mundial empezó a
trabajar en un estudio de animación, donde conocería a autores como Morris y Franquin. Más tarde
trabajó para agencias de publicidad; apasionado de la historia de la Edad Media crea
a su primer gran personaje medieval cuando da vida en los periódicos de
Bruselas a Johan, un joven paje investido de misiones caballerescas al que
pronto busca un compañero, pasando a ser la serie de Johan
y Pirluit. En una de sus aventuras descubren, en medio de un tupido bosque,
un pequeño pueblo habitado por duendes azules, se trata de la historieta La flauta de seis agujeros, aparecido
en 1958 en Spirou.
El éxito instantáneo
de Los
Pitufos, y el trabajo de Peyo en sus versiones de animación, merchandising,
etc. obligaron con el tiempo a Peyo a abandonar a sus otros personajes, hasta
el punto llegar a decir que se sentía "prisionero" de ellos.
En 1992 murió de un ataque al corazón a la edad de 64 años.
1928:
Nace Alex Toth, historietista español (fallece en 2006).
Alex Toth ( 25 de
junio de 1928 -
† 27
de mayo de 2006) fue un dibujante de historietas y
animador.
Comenzó su carrera
dibujando historietas, entre las que destaca su recordada versión de
las aventuras de El Zorro, de Disney. Trabajó como diseñador para
varias series animadas de Hanna-Barbera durante
las décadas de los 60 y 70. Sus colaboraciones con Iwao
Takamoto incluyen: Jonny
Quest, Fantasma del Espacio, Los
Herculoides, Dino Boy, Moby-Dick y Mighty Mightor, Birdman y el Trío Galaxia, Shazzan, Sansón y Goliat, Laboratorio Submarino 2020, Los 4 Fantásticos y Súper
Amigos. También participó en varios diseños de las series animadas de Joe Ruby y Ken Spears como: Scooby-Doo!, Dinamita, El Perro Maravilla y Thundarr, el bárbaro, esta última de Ruby-Spears.
La industria del comic le
hizo muchos reconocimientos a lo largo de su carrera. Fue nominado para
el Shazam Award por Mejor
Historia Corta (Dramática) Individual por "Burma Sky" en Our Fighting Forces #146 (con Archie
Goodwin), y fue uno de los finalistas para ingresar al Salón de la Fama de
los Shazam Awards ese mismo año. En 1989 fue nominado como finalista para el El
Salón de la Fama Jack Kirby y fue formalmente inducido como miembro
en 1990.
1937:
Muere Colin Clive, actor británico (nace en 1900).
Clive nació en la comuna
francesa de Saint-Malo, siendo hijo de un coronel británico. Asistió a
la Real Academia de Sandhurst, pero una
lesión en su rodilla impidió que siguiera una carrera militar, optando por
convertirse en actor. Uno de sus primeros roles fue Steve Baker en la
obra Show
Boat, donde participó con actores como Cedric
Hardwicke y Paul Robeson. Posteriormente actuó en la obra Journey's
End. En 1930 realizó su debut en la industria del cine con la adaptación
cinematográfica de aquella obra. La cinta fue dirigida por James
Whale.
Al año siguiente protagonizó
la película de Whale Frankenstein, interpretando al Dr.
Henry Frankenstein. Cuatro años más tarde volvió al rol con la secuela La novia de Frankenstein, también dirigida
por James Whale. En 1934 participó en Jane Eyre, una
adaptación cinematográfica de la novela
homónima.
Clive falleció en 1937, a
los 37 años de edad, producto de una tuberculosis.
1941:
Denys Arcand, OC (Deschambault, Quebec; 25 de junio de 1941)
es un director de cine, guionista, actor y productor cinematográfico canadiense. Cineasta de variado estilo y dilatada
carrera, se le conoce en el ámbito internacional por sus dos éxitos
principales: Le déclin de l'empire américain y la continuación dieciocho años
después: Las
Invasiones bárbaras.Es
Companion de la Orden de
Canadá.
1942:
Manuel "Manolo"
Otero Aparicio (Madrid, 25 de
junio de 1942 - São Paulo, 1 de junio de 2011) fue un cantante
y actor español.
Hijo de un cantante de ópera
y zarzuela y de una madre actriz, hereda las influencias artísticas de sus
progenitores. Manolo Otero era licenciado en Filosofía y Letras.
Se casó en 1973, con la destacada
actriz y vedette María José Cantudo, con quien tuvo un hijo
llamado Manuel. Se separaron en 1978.
Se dio a conocer en el
año 1974 con
su primer álbum titulado Todo el tiempo del
mundo. Entre sus canciones más conocidas se encuentran la música que da
nombre al disco, María no más, Vuelvo a ti, Qué he de hacer para
olvidarte, Te he querido tanto, Bella mujer, entre otras, todas ellas
producidas discográficamente por Ramón
Arcusa. Participó en las películas Juicio
de faldas y Canción del Buen Amor II.
Siempre contó con grandes
aportaciones de productores y compositores de la talla de Camilo
Sesto, quien le guió y produjo varios álbumes. En 1968 participó en
el Festival Internacional
de la Canción de Benidorm, y en 1977 lo hizo como artista invitado en
el XVIII
Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.
Trabajó como galán en la
compañía de José Tamayo durante la 2ª Campaña Nacional de
Teatro organizada por el Ministerio de Información y Turismo, en la que se
llegaba a capitales de provincia, con un teatro en unas condiciones superiores
a las habituales en aquellos años (repartos, obras, escenografías...). En la
que participó Manolo Otero, como "Cabezas de cartel" figuraban Javier
Escrivá, Irene Daina, María Esperanza Navarro, María
Bassó y José
Vivó, y en el repertorio incluía títulos como Tartufo de Molière, La molinera de Arcos de Ruiz de Alarcón y La Muralla
China de Max Fritz. En 1985, además colaboró
con su entonces ya ex esposa en el montaje por Fernando García de la Vega de la
revista Doña Mariquita de mi corazón.
Se radicó en Brasil desde 1991. Falleció
el 1
de junio de 2011 en São Paulo, Brasil, a los 68
años de edad víctima de un cáncer hepático.
1944:
Muere Lucha Reyes, cantante mexicana. (Otros autores consignan que el 24 de este mes).
María de la Luz Flores Aceves (Guadalajara, Jalisco, 23 de mayo de 1906-Ciudad de México, 25 de junio de 1944), más conocida como Lucha Reyes, fue una cantante de mariachi y actriz mexicana.
Biografía[editar]
Aunque de niña mostró su afición por el canto, el rasguear de su voz y el falsete característico que logró imponer en sus canciones en sus mejores momentos tuvo su auge a partir de los años treinta, cuando se especializó en temas del folclore mexicano. Nunca conoció a su padre. El apellido Reyes lo tomó del segundo esposo de su madre, quien se hizo cargo de ella hasta que llegó a la adolescencia. Durante sus pinitos como cantante, y en su estado natal, obtuvo el título de Reina del Mariachi, y poco después junto con su familia se trasladó a la Ciudad de México, donde habitaron una modesta vivienda en la colonia Morelos, pero la mala situación económica que en ese momento pasaban sus padres le impidió terminar su educación primaria; luego se integró al coro de la Iglesia del Carmen.12
El debut de Lucha Reyes[editar]
Su carrera profesional se inició a los trece años, debutando en una carpa ubicada en la plaza de San Sebastián, cerca de su casa. Ahí con el paso de los meses llegaría a alternar con figuras de la comicidad como Amelia Wilhelmy, José Limón y los hermanos Acevedo. En 1920 viajó a los Estados Unidos para estudiar canto y desarrollar sus aptitudes como soprano, sin embargo, fue contratada para una gira por varios estados de aquel país, cosechando triunfalmente sus primeros aplausos. Precisamente durante ese recorrido conoció al periodista Gabriel Navarro, con quien poco después contraería matrimonio. Lucha estaba por tener a su primer hijo cuando sufrió un aborto. A partir de esta tragedia el hombre de su vida comenzó a tratarla despectivamente, trayendo consigo el inevitable divorcio.
Atormentada por el alcohol[editar]
Después de una larga temporada en los Estados Unidos y cuando Lucha regresó a México formó, junto con las hermanas Ofelia y Blanca Ascencio, el trío Reyes-Ascencio, aunque ya para entonces su adicción por las bebidas alcohólicas y sus continuos incidentes bochornosos durante sus presentaciones la llevaron a ser lanzada del trío y ser substituida por la cantante Julia Garnica (triunfando ellas como el trío Garnica-Ascencio durante sus presentaciones en el teatro Lírico y en las radiodifusoras de la época). A pesar de que Lucha se sentía desilusionada por el rechazo de sus compañeras, en 1927 reinició su búsqueda de la fama, uniéndose al Cuarteto Anáhuac, con el que realizó una gira por Alemania, integrándose a la vez a la compañía de Juan Nepomuceno Torreblanca. Estando en Berlín, capital alemana, Lucha pescó una fuerte infección de garganta que la hizo retirarse durante un año de su actividad como cantante, pero la falta de dinero y las preocupaciones la hicieron retornar a la actividad. Lo inesperado fue que debido a la infección sufrida su voz se tornó rasposa y desgarrada, imponiendo un estilo agresivo a sus interpretaciones, con el que lograría una plena identificación.
La presencia de Lucha Reyes[editar]
A partir de 1928 Lucha Reyes emprendió por el sendero de la interpretación vernácula de manera solista. Un año después inició su mejor etapa como artista, creando un estilo personal y logrando sonados éxitos como "La Tequilera", "¡Ay Jalisco no te rajes!", "El Corrido de Chihuahua", "El Herradero", "La Panchita", "Traigo un amor", "Juan Colorado", "El Castigador", "Rayando el sol", "Caminito de Contreras" y más.
En 1930 el empresario Frank Founce la contrató para varios conciertos en el escenario del teatro Million Dollar, de Los Ángeles.
No era hermosa, pero llegó al cine[editar]
Aunque Lucha no poseía una gran belleza, su rostro y presencia llamaron la atención de algunos productores de cine, incluyéndola en películas como Canción del alma (1937), al lado de Vilma Vidal y Rafael Falcón; La tierra del mariachi (1938), con Consuelo Frank; Con los dorados de Villa (1939), con Domingo Soler, Pedro Armendáriz y Susana Cora; El zorro de Jalisco (1940), con Pedro Armendáriz y Emilio “el Indio” Fernández; y ¡Ay Jalisco, no te rajes! (1941), con Jorge Negrete y Gloria Marín.
Lucha Reyes causaba tumultos en los lugares donde se presentaba. Colocada como el centro del escenario y con una botella de tequila en la mano, cantaba de manera espectacular. En cierto momento levantaba la botella y le daba un grueso trago que servía para sacar la voz cuando sentía que se le hacía un nudo en la garganta. En los últimos años de su vida, comenzó a buscar el alcohol como bebida esencial. En ocasiones su borrachera estaba tan acentuada que le impedía salir al escenario a pesar de ser la figura principal de la compañía y los espectáculos del empresario Paco Miller.
Beber con desenfreno[editar]
Desde la segunda semana del mes de mayo de 1944, Lucha Reyes arrastraba una profunda depresión que se había manifestado tras la muerte de la señora Francisca Cervantes, madre de su primer marido, también fallecido. La pena acumulada le había afectado de tal manera que ni el tequila ni otras bebidas alcóholicas a las que se había aficionado le hacían olvidar su tristeza.
El público que asistía con gusto a los teatros y a las carpas a disfrutar de sus actuaciones, sabía que para acentuar su característica voz rasposa acostumbraba, como parte de su presentación, tomar un grueso trago de tequila, pero esta afición en los últimos meses de su vida se le convirtió en una enfermedad que la estaba consumiendo, llevándola (en las dos semanas siguientes a la muerte de su ex suegra) a encerrarse en su recámara para tratar de soportar la tristeza, acompañada desde luego sólo con una botella de ardiente tequila.
Sin ganas de vivir[editar]
Lucha ya había perdido las ganas de vivir, sin importarle que su hija María de la Luz Martínez Cervantes, de once años de edad, también estuviera sufriendo viéndola como se destrozaba físicamente.
Pese a ello, el 23 de junio, las actitudes de la cantante hacían suponer que ya se estaba recuperando su ánimo de vida. Había dejado de beber y aunque su andar era con paso inseguro, su hija confiaba en que los diez días anteriores de tristezas habían terminado. Para Lucha, que con lentitud deambulada por el interior de su casa, contrariamente apenas empezaba su verdadera tragedia. Trataba de mantener la lucidez de sus pensamientos, que en momentos la hacían refugiarse en una silla o sillón en busca de reflexiones. Había llamado a su hija para mandarla a la botica en busca de un frasco de medicinas. María de la Luz nunca imaginó que esos barbitúricos servirían para que su madre pusiera fin a su existencia. Por el contrario, creía que los barbitúricos serían un remedio para aliviar ese amargo sufrimiento.3
Retrato de una tragedia[editar]
A las 13:00 horas del 24 de junio, Lucha Reyes (que aún mantenía vigente la pena por la pérdida de su ex suegra) se encontraba sola en su alcoba, sostenía el frasco con las pastillas que minutos antes le había comprado su hija. Destapó el recipiente, y una por una fue ingiriendo veinticinco de las cuarenta tabletas que contenía, mismas que al mezclarse con los residuos del tequila bebido en días anteriores multiplicaron su efectividad. Aún consciente de todo lo que hacía, colocó el frasco con el resto de las pastillas sobre una mesa, cerró los ojos y suspiró antes de acostarse para conciliar el sueño. Sabía de antemano que una vez que entrara el letargo jamás volvería a despertar. Empezó a buscar el descanso eterno que llegaría un par de horas después.
La escena mejor actuada de la artista[editar]
Habían transcurrido varias horas desde que Lucha entrara en agonía cuando su hija, sin imaginar la tragedia que se cernía en su hogar, comenzó a preocuparse de que no se despertara, sobre todo porque no era habitual que Lucha Reyes durmiera durante el día. María de la Luz aún era niña, pero alcanzaba a comprender que la situación en la que estaba su madre no era normal. Entró a la habitación donde estaba su madre y de inmediato detuvo su mirada en el frasco de barbitúricos que horas antes había comprado, pero al descubrir que el frasco estaba semivacío, comprendió que su madre había ingerido casi todos. Sumamente asustada sacudió a Lucha Reyes tratando de despertarla:
- ¡Mamá!, ¡mamá...! ¡Qué te pasa! ¡Despierta!
Su cuerpo flácido e inerte anunciaba como un relato macabro la proximidad de una irreversible tragedia: la muerte. María de la Luz salió de la casa presurosa en busca de sus tíos Carmen Reyes y Manuel Flores, quienes vivían a unas calles de distancia. Ante la gravedad que Lucha Reyes presentaba, de inmediato llamaron a una ambulancia de la Cruz Roja.
El final de la cancionera[editar]
A las 16:30 horas, aún inconsciente y con los signos vitales débiles, Lucha Reyes llegó a un hospital de las calles Durango y Monterrey. Ahí varios médicos trataron de arrebatarla de la muerte. En un esfuerzo admirable, los galenos le aplicaron varios lavados intestinales intentando detener la acción mortal de la sobredosis de barbitúricos. Varias horas permaneció en observación sin que lograra salir del estado comatoso de gravedad en el que se encontraba. Según el reporte médico le fueron aplicados cuatro lavados estomacales, además de inyectarle estricnina y coramina, tratando con ello de anular el efecto de las pastillas. Así mismo se le colocó una mascarilla con oxígeno y se le aplicó una tranfusión sanguínea.
Por desgracia, todos los esfuerzos fueron inútiles. A las 02:20 horas del 25 de junio de 1944, sin haber salido de su larga agonía, Lucha Reyes dejó de existir.
El procurador de justicia autorizó la dispensa en la autopsia del cadáver para que Carmen Reyes y Manuel Flores trasladaran el cuerpo de la cantante hasta una agencia funeraria. Durante todo ese día, y en las primeras horas del día siguiente, la capilla ardiente donde fue colocado el cuerpo de Lucha Reyes fue visitada por un numeroso público, cuyo único fin era despedirse de la cancionera.
En el Panteón Civil de Dolores, donde serían trasladados los restos el día 26, estaba reunida una multitud de personas en espera del féretro. Hasta ahí llegaron las más famosas cancioneras de la época y algunos de sus más fieles amigos, entre ellos Matilde Sánchez "La Torcacita", Jorge Negrete, Pituka de Foronda, Mario Moreno "Cantinflas" y varios artistas del Cabaret Casablanca.
En la agencia funeraria antes de que el féretro fuera cerrado para siempre, el escultor y pintor Arturo Garres, admirador y amigo fraterno de la artista, sacó una mascarilla de su rostro con el que esculpiría una escultura. Minutos después el ataúd fue trasladado al Panteón, y bajo los acordes de "La Tequilera", "Guadalajara" y "La Panchita", rúbricas musicales de Lucha Reyes, fue sepultado en una tumba del lote de actores.
1944:
Gary David Goldberg (Brooklyn, Nueva York, 25 de junio de 1944 - 23 de junio de 2013)12 fue un escritor, productor de
televisión y cine estadounidense. Goldberg fue conocido, sobre
todo, por su trabajo en "Family Ties" (1982-89), Spin City (1996-2002), y su serie
semi-autobiográfica Brooklyn bridge (El puente de Brooklyn;
1991-93).
Índice
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·
2Carrera
Formación[editar]
Gary David estudió en la Brandeis University en Waltham,
Massachusetts, y en la San Diego State
University, donde en última instancia decidió convertirse en
escritor. En 1969, conoció a la mujer que se convertiría en su esposa, Diana
Meehan. Fundaron y dirigieron un centro de cuidados diurnos en Berkeley, California, durante la década de 1970.3
Carrera[editar]
Gary comenzó su carrera en el mundo del espectáculo mientras
vivía en Israel en 1972, consiguiendo el papel
de Scooterman en el programa de enseñanza de idiomas The
adventures of Scooterman. Su primer "trabajo real", no delante de
la cámara3 se produjo en 1976, cuando se
convirtió en un escritor de The CBS Bob Newhart Show. Este fue
seguido por The Show of Tony Randall y más tarde por Lou
Grant de la CBS, para la cual fue también productor.3
En 1981, formó su propia compañía, Ubu Productions (por
el nombre de su perro). En 1982, creó la serie "Family Ties" que se emitió durante siete
temporadas. Fue un éxito de crítica y audiencia, actualmente aún sigue siendo
vista, y ayudó a lanzar la carrera de Michael J. Fox. La serie estaba basada en las
experiencias que él compartió con su esposa y familia de padres hippies criando
a sus hijos en la década de 1980.4 Más tarde fue productor de Brooklyn Bridge (serie de televisión) y de Spin City. En 1989, produjo la película Dad con
un reparto que incluía a Jack Lemmon, Ted Danson y Olympia Dukakis. Esta película fue seguida
por Bye Bye Love y
de Must love dogs. Recibió diversos premios por su trabajo,3 entre ellos el Premio al mejor
escritor de televisión del Festival
de Cine de Austin en 2001.
1945:
Nace Carly Simon, cantante estadounidense.
Carly Elisabeth Simon (n. 25 de junio de 1945)
es una cantante estadounidense. Fue una de las artistas
llamadas confesionales por su estilo musical y sus letras biográficas, más
populares de los años 70 y 80. Carly Simon tiene un tipo de voz contralto.1
Índice
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Biografía[editar]
Inicios[editar]
Nació
el 25 de junio de 1945 en
un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York.
Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.
A inicios de
los años 60 ella y su
hermana, Lucy, formaron un dúo llamado The
Simon Sisters, que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village, en Nueva York. Grabaron
dos LP, uno de folk bastante
suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo, que estuvo fugazmente en las listas
en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".
Carrera[editar]
Las hermanas
se separaron a finales de los 60 y Carly Simon decidió empezar una carrera
como solista folk. Se puso en contacto
con Albert Grossman,
quien para entonces era el representante de Bob Dylan; desafortunadamente, el intento no
prosperó.
Diferentes
productores y ejecutivos conocían sus dotes vocales pero no sabían qué hacer
con ella, cómo encajarla en el negocio, y, de una forma natural, decidió
dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob
Brackman.
De la mano
del sello Elektra las cosas empezaron a funcionar mejor y, en 1971,
dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be"
y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer
disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a
su segundo LP. Hizo su aparición en la película del mismo año Taking Off
(Juventud sin esperanza).
Con las cosas
en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó del talento del
productor Richard Perry para
producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: "You're so
Vain", de la que se dice habla de Warren Beatty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.
Aun hoy, en todas las entrevistas que se le hacen a Carly Simon se le pregunta
sobre quién es el dedicado y la respuesta siempre es una evasiva, que
simplemente tiende a enredar más la cuestión.
La canción
vendió más de un millón de copias en 1973,
llegando al número uno de la revista "Billboard" en el año 1973. Y a
inicios de los años 90 se volvió a
lanzar en Gran Bretaña después
de que apareciera en un anuncio de televisión.
No Secrets, su tercer larga
duración, es de lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del
mejor material de su carrera; entre ellos, "The
Right Thing to Do", que llegó al top 40. La calidad del disco
le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva de
aquel año.
Si bien es
cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly
Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en
conciertos antinucleares y por la paz, además de sus propias giras.
Su cuarto
álbum, Hotcakes, fue top ten de enero de 1974 y
en él venía su versión de "Mockingbird" (original de Inez y Charlie
Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro, y detrás de
él llegó "Haven't Got Time for the Pain", que llegó a estar entre las
diez canciones más populares.
Playing
Possum,
de 1975, y Another Passenger,
de 1976, fueron dos álbumes que no tuvieron el
éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly
Simon lo suficiente como para que, en 1977,
fuera contratada para interpretar el tema principal de la película de James Bond La espía que me amó.
"Nobody
does it Better" vendió más de un millón de copias y estuvo
entre las diez más populares de la lista Billboard.
Su siguiente
disco, Boys in the Trees, de 1978,
también fue disco de oro gracias
a "You
Belong to Me" y a "Devoted to you", cantada a dúo
con James Taylor.
Sus
siguientes discos Spy, de 1979,
y Come Upstair, de 1980, no alcanzaron a vender
lo suficiente, a pesar de que en el último venía "Jesse", un sencillo
que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.
En octubre
de 1980, Simon tuvo un desmayo por cansancio en
medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han
sido escasas.
La primera
mitad de los 80 no fueron
boyantes para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres
ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como "Why" y
"Kissing with Confidence" tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra. Pese a todo, su primer LP de
covers, "Torch", de 1981, y un excelente LP de
temas originales, "Hello Big Man", de 1983,
dedicado a sus padres, no tuvieron la repercusión de trabajos anteriores a
pesar de su calidad, especialmente del primero, donde se aprecia la
extraordinaria calidad de su poderosa voz.
Su regreso al
top 40 en 1986 vino de la mano de "Coming
Around Again", el tema de la película Heartburn. Dos años más tarde ganó
el Grammy, el Globo
de Oro y el Óscar por
"Let the River Run"
de la película Working Girl,
de 1988.
En 1990,
Carly Simon lanzó un disco de baladas pop en el que incluía una serie
de covers llamado My Romance.
Seis meses después puso a la venta Have you seen me Lately?, en el
que todo el material era original y uno de sus mejores trabajos desde los 70. A
mediados de los 90, con la publicación del magnífico "Letters never
sent" 1994 y una completísima entrevista de
"Vanity Fair" en 1995, todo daba a entender
que volvería en su dimensión más internacional, ya que tenía en mente iniciar
su primer tour fuera de EE UU, pues se encontraba en su mejor momento vital en
muchos años, madura, sabia y atractiva; fue tentada desde el Reino Unido y
España con la ITV y A3 como garantes de los proyectos propuestos "Carly in
the United Kingdom" y " Carly in the Kingdom of Spain", ambos
pensados para rodar en pequeños clubs y escenarios significativos de Londres,
Edimburgo, Dorchester, Madrid, Toledo y Sevilla. El proyecto español fue
gratamente acogido por importantes artistas españoles e incluso por las autoridades,
pero un inoportuno cáncer de mama, superado posteriormente, dio al traste con
estas iniciativas.
Pasado el
tiempo, y ante la desilusión de los promotores que eran ajenos al showbiz, y a
raíz de una magnífica entrevista en M80 de Cano & Fesser, la idea de verla
en directo seguía en la mente de ambos promotores, y, haciéndose eco de sus
incondicionales seguidores, Carly Simon se comprometió a fijar una actuación en
un mítico teatro del Harlem neoyorquino en una iniciativa del grupo
Time Warner con la suficiente antelación, la gira del 95
anunciaba las actuaciones en el mismo día y solo se realizó en la parte norte
de la costa este, para que tanto los fans europeos como los americanos de la
costa oeste pudieran verla al fin en directo; el evento fue un éxito y gentes
de diversas partes de EE UU y Europa vieron por fin realizado su sueño, algo
que la sorprendió gratamente y cambió en cierto modo la percepción sobre la
intensidad y fidelidad de sus fans. En You tube se puede disfrutar de una
jovencísima Carly en 1972, cantando en directo en esos grandes conciertos de la
época.
En 2003 graba
la banda sonora de La
gran película de Piglet para Disney, lo que le da un impulso a su
carrera.
Desde
entonces hasta la fecha ha producido más de diez discos, entre retrospectivas,
canciones para películas y materiales nuevos.
1946:
Se publica el Diario de Ana Frank, de una niña judía
asesinada por los nazis.
Con el título de El
diario de Ana Frank se conoce la edición de los diarios personales
escritos por Ana Frank entre el 12 de
junio de 1942 y
el 1
de agosto de 1944 en un total de tres cuadernos conservados en la
actualidad, donde relata su historia como adolescente y los dos años en
que permaneció oculta de los nazis, con su familia alemana de origen judío,
en Ámsterdam durante
la Segunda Guerra Mundial.
Ian McDonald (Osterley, Inglaterra; 25 de junio de 1946-Nueva York, 9 de febrero de 2022)1 fue un músico multiinstrumentista, compositor y productor discográfico británico, conocido sobre todo por ser uno de los miembros fundadores de la banda de rock progresivo King Crimson en 19692 y de la banda de hard rock Foreigner en 1976. Su especialidad es el saxofón, pero también canta y toca la flauta, el clarinete, el vibráfono, los teclados y la guitarra. Ha tenido una carrera como solista de corta vida, pero ha participado con numerosos artistas y agrupaciones. Participó con la banda irlandesa de rock progresivo Fruupp en su último álbum, titulado Modern Masquerades (1975), de cuya producción se encargó y tocó el saxofón en el tema Gormenghast.
Biografía[editar código · editar]
Nacido en Osterley, Middlesex,3 McDonald sirvió cinco años en el ejército británico como músico de banda. Su talento musical abarcaba desde la orquesta clásica hasta las bandas de baile y el rock. En 1969, formó parte de la formación inicial de King Crimson, que grabó su primer álbum In the Court of the Crimson King. McDonald y el baterista Michael Giles se separaron y formaron un grupo derivado que publicó un álbum titulado McDonald and Giles. Reapareció en King Crimson en 1974 y tenía la intención de volver a unirse a la banda como miembro de pleno derecho, pero no tuvo la oportunidad de hacerlo dada la decisión de Fripp de separar la banda.
En 1976 se convirtió en miembro fundador de la banda Foreigner, para la que tocaba la guitarra además de los instrumentos de viento y los teclados.4 Ha sido músico de sesión y apareció en la grabación del exitoso sencillo "Get It On (Bang a Gong)" de T. Rex, y en grabaciones de Linda Lewis y Christine Harwood, entre otros. También tiene algunos créditos de producción, incluyendo álbumes de Fruupp, Darryl Way's Wolf y Fireballet. En 1999, publicó un álbum en solitario, Drivers Eyes.
En 1997, el lanzamiento del conjunto de cuatro CDs de King Crimson, Epitaph, que consistía en raras grabaciones en directo de la versión de 1969 de King Crimson, renovó el interés por el material de los primeros años de Crimson. A partir de ese interés, en 2002 se formó la 21st Century Schizoid Band, que ha realizado varias giras y álbumes en directo. La banda incluía a los antiguos miembros de King Crimson Michael Giles (batería y percusión), Peter Giles (bajo), McDonald (saxo, flauta, teclados), Mel Collins (saxo alto/tenor, flauta, teclados) y también a Jakko Jakszyk,5 que más tarde se unió a King Crimson, en la guitarra y la voz principal. Tras la primera gira, Michael Giles fue sustituido por otro antiguo batería de King Crimson, Ian Wallace, que ya ha fallecido.
Colaboró con el saxofón y la flauta en varios temas del álbum de Judy Dyble de 2009,6 Talking With Strangers. En el álbum, McDonald se reunió con su antiguo compañero de banda en King Crimson, Robert Fripp, en el tema de 20 minutos "Harpsong".
El 28 de julio de 2009 hizo una aparición como invitado con Asia durante su set de apertura para Yes en el Tower Theater en Upper Darby, Pensilvania, a las afueras de Filadelfia. McDonald tocó la flauta, el clarinete, el saxofón y cantó los coros de "In the Court of the Crimson King" y también regresó en el bis para cantar los coros de "Heat of the Moment". Su aparición como invitado en "In the Court of the Crimson King" aparece como tema extra en el DVD de Asia de 2011, "Spirit of the Night: Live".
El 14 de mayo de 2010, (Sherman Theatre, Stroudsburg, Pennsylvania) y el 15 de mayo de 2010 (Trump Taj Mahal Casino Resort, Atlantic City, Nueva Jersey), hizo apariciones como invitado durante "An Intimate Evening with Keith Emerson and Greg Lake".7 Tocó la flauta y compartió la voz principal/armonías vocales con Greg Lake en "I Talk to the Wind", mientras que tocó la flauta sola en "Lucky Man". Para estas dos canciones, fue "Emerson, Lake & McDonald".
En 2010 aportó texturas de saxo alto, flauta y percusión a Beautiful Accident, el álbum debut de la banda de blues progresivo Third International. Uno de los temas, "Penitentiary", fue coescrito por Ian con el líder de Third International, Andrew Pearson.
En 2011 empezó a trabajar con su vecina Lynnea Benson y su marido Ted Zurkowski, directores de la compañía teatral neoyorquina Frog and Peach, especializada en producciones off-Broadway y lecturas de obras de Shakespeare. En colaboración con Zurkowski, McDonald compuso e interpretó música de guitarra y piano para acompañar determinadas producciones y lecturas de Frog and Peach Shakespeare: Julio César, Dos caballeros de Verona, Hamlet, El sueño de una noche de verano, El rey Lear, La fierecilla domada y Medida por medida. Además, Ian se involucró con la banda Spooky Tooth.
Falleció en su casa de Nueva York el 9 de febrero de 2022, a la edad de 75 años.
1954:
Nace David Paich, compositor, cantante y tecladista
estadounidense.
David Paich (n. 25 de junio de 1954 en Los Ángeles, California) es un compositor, cantante y
tecladista estadounidense. Es principalmente conocido como miembro de la
banda Toto, en la cual fue uno de los cantantes y
también es célebre por ser compositor de canciones como Rosanna, Hold the line, 99 y Georgy Porgy. Es conocido por cantar la
canción Holyanna del
disco Isolation de 1984, en el cual participa Dennis Frederiksen como
vocalista de Toto.
Asimismo,
compuso con Jeff Porcaro la canción Africa, uno de
los número 1 de Toto, y también ha compuesto canciones para Cher, Jacksons, George Benson, Andy Williams y Chicago, entre otros. En 2004 fue sustituido
por Greg Phillinganes en el grupo, pues se retiró un tiempo para ayudar y
cuidar a su hermana que sufría de cáncer de pulmón. Regresó en 2006 para la
grabación del álbum Falling in Between,
pero sólo participando en estudio, ya que las giras las seguiría
realizando Greg Phillinganes.
Se reincorporaría de forma definitiva, y hasta la actualidad, en el año 2010
con la nueva formación de Toto.
1963:
Nace George
Michael, músico británico de origen griego.
Georgios Kyriacos
Panayiotou (en griego, Γεώργιος Κυριάκος Παναγιώτου; East
Finchley, Londres, Reino
Unido, 25 de junio de 1963-Goring-on-Thames, Oxfordshire, Reino
Unido, 25 de diciembre de 2016), conocido
artísticamente como George Michael, fue un cantante, compositor y productor británico de música
pop. Michael ganó numerosos premios musicales a lo largo de su
carrera, incluyendo tres Premios
Brit, cuatro MTV Video Music Awards, cuatro premios Ivor Novello, tres American Music Awards, y dos veces
el Premio Grammy.
Era conocido además por su
polémica imagen pública: sex symbol rodeado de escándalos relacionados con
sexo y drogas,
quien saltó a la fama en la década de 1980, cuando formó el dúo pop Wham! junto
con su amigo de la escuela Andrew
Ridgeley. Su primer sencillo en solitario, "Careless
Whisper" fue lanzado cuando aún estaba en el dúo y vendió cerca de
seis millones de copias en todo el mundo.
Como solista, vendió más de
100 millones de discos en todo el mundo a partir de 2010, abarcando 7 sencillos
nº1 y 7 álbumes nº1 en Reino Unido, 8 sencillos nº1 y un álbum nº1 en los
Estados Unidos. Su álbum debut como solista de 1987, Faith ha vendido más de 20
millones de copias en todo el mundo y realizó varias grabaciones y alcanzó
distintos logros en los Estados Unidos.10En 2004,
Radio Academy nombró a Michael como el artista más emitido en la radio
británica entre el periodo 1984-2004.11
El documental A
Different Story (2005) cubrió su vida personal y carrera profesional.12 En
2006, George Michael anunció su primera gira en 15 años. La gira 25 Live fue
una enorme empresa mundial por parte de Michael que se extendió por tres giras
individuales a lo largo de tres años (2006, 2007 y 2008)
https://www.youtube.com/watch?v=izGwDsrQ1eQ
https://www.youtube.com/watch?v=izGwDsrQ1eQ
https://www.youtube.com/watch?v=pIgZ7gMze7A&list=PLOnWTUQLV8JKTCvv6phB-DHlxWqeO_Wx0
1963:
Nace Yann Martel, escritor canadiense.
Yann Martel (Salamanca, 25 de junio de 1963) es un escritor canadiense.
Biografía[editar]
Yann Martel nació el 25 de junio de 1963 en Salamanca, España. Hijo de Nicole Perron y Emile Martel, franco-canadienses. Su padre fue designado como diplomático por el Gobierno Canadiense. Creció en Costa Rica, Francia, México y Canadá. Estudió Filosofía en la Trent University, en Peterborough, Ontario. Su primera novela fue Seven Stories, publicada en 1993. Actualmente reside en Saskatoon.1
1975:
Nace Chenoa, cantante española nacida en Argentina.
María Laura Corradini Falomir (Mar del Plata, Argentina, 25 de junio de 1975), conocida profesionalmente como Chenoa, es una cantante, compositora, presentadora y personalidad de televisión española de origen argentino. Se dio a conocer al público en el año 2001, al formar parte de la primera edición del programa Operación Triunfo (OT). Según la agencia Personality Media, el 93 % de la población española conoce a Chenoa.
Desde el 2016 es miembro del jurado en el exitoso programa musical, Tu cara me suena (Antena 3). Además fue jurado de Tu cara no me suena todavía (2017) (Antena 3) y colaboradora en el programa Zapeando (La Sexta) (2016-2019).
Según acreditan los Productores de Música de España (Promusicae) cuenta con siete discos de platino y dos discos de oro en ventas de álbumes, dos discos de platino en ventas de canciones y un disco de oro en ventas en DVD.1
https://www.youtube.com/watch?v=IOu3dX9NnXc
https://www.youtube.com/watch?v=mdpNhu9l6Xo
Natasha Alejandra Rastapkevicius Arrondo (Cali, 25 de junio de 1975), conocida artísticamente como Natasha Klauss, es una actriz colombiana conocida por interpretar a Sarita Elizondo en la exitosa telenovela Pasión de gavilanes, y por interpretar a Isabella Montilla, un papel antagónico, en La Tormenta.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Natasha Klauss nació en Cali, Valle del Cauca, en 1975, pero a muy temprana edad se traslada con su familia a Barranquilla, Atlántico. Sus abuelos eran originarios de Lituania y sus padres uruguayos. Cuando era joven, su pasión era bailar y empezó a asistir a clases de baile soñando con una carrera en el ballet. Desafortunadamente, tuvo un problema en la rodilla, por lo que tuvieron que operarla y el médico le dijo que ya no podría bailar profesionalmente poniendo así fin a su carrera de danza. No obstante, Natasha estaba decidida a realizar una carrera artística así que comenzó a estudiar interpretación.1
Carrera[editar]
Entre los años 1996 y 2000 participó con personajes de reparto en varias telenovelas como Señora Bonita, Cazados, Corazón prohibido y La Caponera. En 2002 interpretó un papel principal en La venganza. Natasha Klauss se formó como actriz en la prestigiosa escuela Estudio XXI bajo la dirección del Maestro Paco Barrero, posteriormente realizó talleres de creación de personajes con la actriz Victoria Hernández.
Después de que esta actriz finalmente llegara a la fama, Natasha interpretó el papel de Sarita en Pasión de gavilanes. Esta telenovela se convirtió en un gran éxito por todo el mundo y Natasha y su compañero Michel Brown se convirtieron también en una de las parejas televisivas más populares.
En 2005 participó en La mujer en el espejo como la alegre y extravertida Luzmila, y compartió créditos con Paola Rey, Juan Alfonso Baptista y Kristina Lilley, sus compañeros de Pasión de gavilanes. Su último trabajo fue la telenovela La tormenta, donde interpretó a la villana, Isabella Montilla. Natasha ganó el premio TvyNovelas por su interpretación.
En 2007 Natasha interpretó a Suplicios, una religiosa de la congregación "Las Hermanas de los Pobres", en la superproducción de Telemundo El Zorro: la espada y la rosa. Aquí compartió roles con los actores Erick Elías (Renzo) y José Omar Murillo (Kamba).
Trabajó en la telenovela de RCN Novia para dos, donde compone a Tania Toquica Murillo, una joven mesera que pasó los últimos cinco años en Nueva York y que vuelve a su país para quedarse con la fortuna del hermano de su amado, cueste lo que cueste
Además también ha participado en las telenovelas Amor en custodia y A corazón abierto en esta última tendrá un papel principal en su segunda temporada. En 2010, Natasha ha sido la profesora de expresión corporal en Protagonistas de nuestra tele.
También protagonizó la mini serie Confidencial para Canal Caracol y participó de la telenovela Tierra de cantores (tercera generación) para el mismo canal.
En 2011 regresa a Telemundo en la telenovela Los herederos Del Monte junto a Marlene Favela, Mario Cimarro, Jose Luis Resendez y Margarita Muñoz.
En octubre de 2011, Natasha viaja a Perú para iniciar las grabaciones de la telenovela peruana Corazón de fuego donde es protagonista e interpreta a Alejandra Vivanco, una mujer dura que busca vengar la muerte de su familia y recuperar lo que es suyo.
En mayo de 2012, Natasha regresa a Colombia para iniciar las grabaciones de la película El Control.
En junio de 2013, Natasha inicia las grabaciones de la serie Mentiras perfectas de Caracol TV, adaptación de la serie estadounidense Nip/Tuck, ganadora de un premio Emmy.
En 2014, Natasha inicia las grabaciones de la serie Hermanos y hermanas para RCN Televisión.
En 2015 Natasha estuvo grabando la serie Anónima para RCN Televisión.
Y entre 2015 y 2016 Natasha estuvo en las grabaciones de una telenovela La esclava blanca.
En 2017 participó en la serie Alias J.J para Caracol Televisión.
En 2018 participó en La Ley del corazón
En 2020 participó en Decisiones: Unos ganan, otros pierden interpretando a Martha Benítez Ep: Indigna justicia
Actualmente participa en Operación pacífico producción de Telemundo.
Vida personal[editar]
Natasha se casó con Marcelo Grecco en 2003 y fruto de este matrimonio ha tenido a su segunda hija: Paloma, nacida en 2009. De su anterior matrimonio con Víctor Gómez tiene una hija, Isabel, nacida en 2001.[cita requerida]
John Herndon "Johnny" Mercer (18 de noviembre de 1909 – 25 de junio de 1976) fue un letrista, compositor de canciones y cantante estadounidense. Desde mediados de la década de 1930 hasta mediada la de 1950, muchas de las canciones de Mercer se encontraron entre las más populares entre el público de la época. Escribió la letra de más de mil quinientas canciones, incluyendo composiciones para el cine y para espectáculos teatrales del circuito de Broadway. Recibió diecinueve nominaciones a los Premios Óscar, ganando cuatro de ellos. Además, Mercer fue cofundador de Capitol Records.1
Infancia[editar]
Nacido en Savannah, Georgia, su padre, George Anderson Mercer, era un destacado abogado y promotor de bienes raíces, y su madre, Lillian Elizabeth Ciucevich, secretaria de George Mercer y segunda esposa del mismo, era de la hija de unos inmigrantes de origen croata e irlandés. Mercer era el cuarto hijo de George, y el primero de Lillian. Su bisabuelo fue el General Confederado Hugh W. Mercer, descendiente directo del General de la Guerra de Independencia de los Estados Unidos Hugh Mercer.
A Mercer ya le gustaba la música siendo niño, y atribuía su talento musical a su madre, que cantaba baladas sentimentales. El padre de Mercer también cantaba, principalmente viejas canciones escocesas. Además, su tía le llevaba a ver shows de vodevil y de minstrel.2
El contacto de Mercer con la música negra era quizás único entre los compositores blancos de su generación. Además de tener compañeros de juego y criados negros, Mercer se sentía atraído por los servicios religiosos negros. Nunca tuvo una formación musical formal, pero cantando en un coro desde los seis años de edad, hacia los once o doce había memorizado casi todas las canciones que había oído, y sentía curiosidad por saber quién las había escrito. En una ocasión le preguntó a su hermano quién era el mejor compositor de canciones, y le contestó que era Irving Berlin, entre los mejores del grupo de músicos Tin Pan Alley.3
A pesar de su precoz contacto con la música, su talento se encaminaba claramente a las letras y al canto, no a tocar instrumentos musicales, aunque en un principio había pensado ser compositor. De hecho, sus intentos para tocar la trompeta y el piano no tuvieron éxito, y nunca pudo leer solfeo con facilidad, por lo cual hubo de depender de un sistema propio de anotaciones.4
Mercer estudió en la exclusiva Woodberry Forest School, en Virginia, hasta 1927. Aunque no era un estudiante destacado, estuvo muy activo en las sociedades literarias y poéticas, y escribió como humorista en las publicaciones del centro. Además, su contacto con la literatura clásica enriqueció su ya bien dotado vocabulario y su fraseología.
Dada la orgullosa historia de su familia, y su asociación con Princeton, Nueva Jersey y con la Universidad de Princeton, Mercer fue destinado a estudiar allí, hasta que los reveses financieros de su padre a finales de los años veinte obligaron a cambiar los planes. Por ello, hubo de trabajar en el negocio de recuperación de su padre, aunque pronto se aburrió de la rutina y de Savannah, decidiendo cambiar de aires.
Inicios[editar]
Mercer se trasladó a Nueva York en 1928, a los 19 años de edad. La música que le gustaba, jazz y blues, estaba en auge en Harlem, y Broadway hervía con musicales y revistas de George Gershwin, Cole Porter, y Irving Berlin. El vodevil, que empezaba a decaer, todavía tenía una fuerte presencia musical. Los primeros trabajos de Mercer fueron en pequeños papeles como actor. Con plenitud de tiempo libre en su apartamento de Greenwich Village, Mercer pronto volvió a cantar y a escribir letras.5 Durante el día trabajaba en una casa de bolsa, y por la noche cantaba. Una noche fue tras bastidores a ofrecer a Eddie Cantor una canción cómica pero, aunque Cantor no la utilizó, estimuló la carrera de Mercer.6 La primera letra de Mercer, para la canción "Out of Breath (and Scared to Death of You)", compuesta por su amigo Everett Miller, apareció en una revista The Garrick Gaieties en 1930. Mercer conoció a su futura esposa en el show, la corista Ginger Meehan. Gracias al padre de Miller, ejecutivo de T. B. Harms, se publicó la primera canción de Mercer,7 siendo grabada por Joe Venuti y sus New Yorkers.
Con 20 años, Mercer empezó a relacionarse con otros compositores de canciones, aprendiendo el negocio. Viajó a California para encargarse de escribir las letras del musical Paris in the Spring, conociendo a sus ídolos Bing Crosby y Louis Armstrong. Mercer encontró aleccionadora la experiencia, dándose cuenta de que prefería escribir de modo independiente antes que a solicitud de los musicales. A su vuelta, consiguió un trabajo como letrista para Miller Music por 25 dólares semanales, lo cual le dio seguridad suficiente para casarse con Ginger Meehan en 1931.8
En 1932 Mercer ganó un concurso para cantar con la orquesta de Paul Whiteman, pero ello no ayudó a mejorar su situación personal de manera significativa. El 5 de abril de ese año hizo su primera grabación, cantando con la banda de Frank Trumbauer. Mercer después participó con Yip Harburg en la partitura de Americana, una revista famosa por la canción "Brother, Can You Spare a Dime?" (no escrita por Mercer). Tras varias canciones no destacables, en su período con Whiteman escribió y cantó "Pardon My Southern Accent". La fortuna de Mercer mejoró dramáticamente cuando se emparejó con Hoagy Carmichael, ya famoso por el tema "Stardust".9 Ambos pasaron un año trabajando en "Lazybones", que se convirtió en un éxito tras su primera emisión radiofónica.10 Mercer pasó a ser miembro de la American Society of Composers, Authors and Publishers y un “hermano” reconocido de la fraternidad Tin Pan Alley, recibiendo felicitaciones de Irving Berlin, George Gershwin y Cole Porter, entre otros.
A lo largo de los años veinte y primeros treinta, las canciones se integraban en los espectáculos musicales sin apenas intervenir en el relato. La demanda de estos temas fue a menos, creciendo en cambio el interés en usar las canciones en el cine, por lo que, cuando a Mercer le ofrecieron trabajar en Hollywood componiendo canciones y actuando en musicales de bajo presupuesto de RKO Pictures, él aceptó y se fue al oeste, siguiendo los pasos de su ídolo, Bing Crosby.11
Años en Hollywood[editar]
Cuando Mercer llegó a Hollywood en 1935, su carrera quedó asegurada. Las canciones para el cine, con el uso de micrófonos sensibles, liberaban a los compositores de las restricciones de las canciones cantadas en directo. Intérpretes como Fred Astaire y Ginger Rogers podían ahora cantar con toda tranquilidad, y con un modo más conversacional.12
El primer trabajo de Mercer en Hollywood fue en un musical de serie B, Old Man Rhythm, para el cual hizo dos canciones mediocres y una mala actuación. Su siguiente proyecto, To Beat the Band, fue otro fracaso, pero dio lugar a una reunión y una colaboración con Fred Astaire en la moderadamente exitosa canción de Astaire "I’m Building Up to an Awful Let-Down".
Su primer tema de éxito en Hollywood fue "I'm an Old Cowhand from the Rio Grande", escribiendo tanto la música como la letra. Fue interpretada por Crosby en la película Rhythm on the Range en 1936, y a partir de entonces la demanda de trabajos de Mercer despegó. Su segundo éxito ese año fue "Goody Goody". En 1937 Mercer empezó a trabajar con Warner Brothers, colaborando con el veterano compositor Richard A. Whiting (Ain't We Got Fun?), escribiendo pronto "Too Marvelous for Words" y "Hooray for Hollywood". Tras la súbita muerte de Whiting por un ataque cardiaco, Mercer trabajó con Harry Warren para crear "Jeepers Creepers", con la cual consiguió su primera nominación al Óscar a la mejor canción original. De dicho tema hizo una memorable grabación Louis Armstrong. Otro éxito con Warren en 1938 fue "You Must Have Been a Beautiful Baby". La pareja también escribió "Hooray For Spinach", una canción cómica producida para la película Naughty But Nice en 1939.
Durante un período de pausa en la Warner, Mercer retomó su carrera como cantante. Así, actuó con Bing Crosby en shows informales de tipo minstrel en el “Westwood Marching and Chowder Club”, incluyendo en los mismos a diferentes celebridades de Hollywood, entre ellas Bob Hope.13 Un tema cantado a dúo, "Mr. Crosby and Mr. Mercer", se grabó y se convirtió en un éxito en 1938.
En 1939 Mercer escribió la letra para una melodía de Ziggy Elman, un trompetista que tocaba con Benny Goodman. La canción, "And the Angels Sing", aunque grabada por Bing Crosby y Count Basie, llegó al número 1 de las listas en la versión de Goodman, cantada por Martha Tilton, y con un memorable solo de trompeta de Elman. Años más tarde, el título de la canción se inscribió en la tumba de Mercer.
Mercer fue invitado al programa radiofónico Camel Caravan en Nueva York para cantar sus éxitos y crear canciones satíricas con la orquesta de Benny Goodman, y convirtiéndose en el presentador de la emisión nacional del show durante varios meses. Al poco tiempo tuvo otros dos éxitos, "Day In, Day Out" y "Fools Rush In (Where Angels Fear to Tread)", y Mercer consiguió que cinco de sus temas entraran en la lista de los diez mejores del programa de radio Your Hit Parade.14 Mercer también puso en marcha una editora, de corta trayectoria, durante su estancia en Nueva York. Dentro de una buena racha de trabajo, Mercer trabajó en un musical con Hoagy Carmichael, Walk With Music, que fue un éxito, aunque la calidad de la historia no se podía comparar con la de la música. Para Mercer fue una desilusión la selección de Johnny Burke como el compositor de las canciones para la serie de películas de Bob Hope y Bing Crosby Road. En 1940 Mercer y su esposa adoptaron una hija, Amanda.
En 1941, poco después de fallecer su padre, Mercer inició una intensa relación con Judy Garland, de 19 años de edad, estando ella comprometida con el compositor David Rose. Garland se casó con Rose y el affaire finalizó temporalmente, aunque la situación tuvo un profundo efecto emocional en las letras de Mercer. Esta relación se reavivó más adelante, y Mercer afirmaba que su canción "I Remember You" era una expresión directa de sus sentimientos por Garland.15
Al poco tiempo Mercer conoció a un colaborador ideal, Harold Arlen, cuyas composiciones influenciadas por el jazz y el blues dieron a las sofisticadas letras de Mercer un perfecto vehículo musical. A partir de entonces las letras de Mercer empezaron a mostrar la combinación de sofisticado ingenio y matices regionales sureños que caracterizan a algunas de sus mejores canciones. Su primer éxito fue "Blues in the Night" (1941), que Arthur Schwartz consideraba “probablemente la mejor canción de blues jamás escrita.”16
El dúo compuso "One for My Baby (and One More for the Road)" (1941), "That Old Black Magic" (1942), y "Come Rain Or Come Shine" (1946), entre otros temas.17
Frank Sinatra tuvo particular fortuna con los dos primeros, y Bing Crosby con el tercero. "Come Rain" fue el único éxito de Mercer en el circuito de Broadway, compuesto para el show St. Louis Woman, con Pearl Bailey. "On the Atchison, Topeka and the Santa Fe" destacó al ser cantada por Judy Garland en la película de 1946 The Harvey Girls, y dio a Mercer el primero de sus cuatro Óscar a la mejor canción original, tras ocho nominaciones sin premio.
Mercer volvió a trabajar con Hoagy Carmichael para componer "Skylark" (1941) y la canción ganadora de un Óscar "In the Cool, Cool, Cool of the Evening" (1951). Con Jerome Kern Mercer creó You Were Never Lovelier para Fred Astaire y Rita Hayworth en la película del mismo nombre, así como "I'm Old Fashioned". Mercer cofundó Capitol Records en Hollywood en 1942 con el productor Buddy DeSylva y con Glen Wallichs.1 También fue cofundador de Cowboy Records.
A Mercer le pidieron a menudo escribir nuevas letras a melodías populares. Las letras de "Laura", "Midnight Sun" y "Satin Doll" fueron todas ellas escritas una vez la música ya había sido un éxito. También le pidieron escribir letras en inglés a canciones extranjeras, siendo el ejemplo más famoso "Hojas muertas", basada en la francesa "Les Feuilles Mortes".
En la década de 1950, la llegada de rock and roll y la transición del jazz al bebop disminuyeron enormemente la audiencia natural de Mercer. Su continuada serie de éxitos llegaba a su fin, aunque todavía debía producir muchas grandes canciones. Mercer escribió para algunas películas de MGM, entre ellas Siete novias para siete hermanos (1954) y Merry Andrew (1958). Colaboró en tres musicales de Broadway en los años cicuenta - Top Banana (1951), Li'l Abner (1956), y Saratoga (1959) – y la producción representada en 1974 en el West End londinense The Good Companions. Entre sus canciones de mayor éxito de la década de 1950 se incluyen "The Glow-Worm" (cantada por los Mills Brothers) y "Something's Gotta Give". En 1961 escribió las letras de "Moon River" para Audrey Hepburn en Breakfast at Tiffany's, así como para el tema de Días de vino y rosas, ambas con música de Henry Mancini, recibiendo Mercer por ellas su tercer y cuarto Óscar a la mejor canción. Mercer, también con Mancini, escribió "Charade" para la película de 1963 de Cary Grant y Audrey Hepburn Charada y la carrera del siglo lo que le supondría dos nominaciones al Oscar. Además, en 1962 escribió el clásico de Tony Bennett "I Wanna Be Around", y en 1965 el éxito de Sinatra "Summer Wind".
Un ejemplo de la alta estima que se tenía por el trabajo de Mercer es el hecho de que en 1964 fuera el único letrista en tener grabado su trabajo en uno de los celebrados volúmenes de Ella Fitzgerald titulados The Complete Ella Fitzgerald Song Books, para el sello Verve Records.3
En 1969, Mercer colaboró con los editores Abe Olman y Howie Richmond en la fundación del Salón de la Fama de los Compositores. En 1971, Mercer presentó una retrospectiva de su carrera en Nueva York, incluyendo una actuación de Margaret Whiting, todo ello grabado en el disco An Evening with Johnny Mercer.18 En 1974 grabó dos álbumes de sus canciones en Londres, con la Pete Moore Orchestra y con la Harry Roche Constellation, posteriormente compilados en un solo disco publicado como My Huckleberry Friend. Finalmente, en 1975 Paul McCartney solicitó a Mercer una colaboración, pero el compositor estaba enfermo y diagnosticado de un tumor cerebral.19 Johnny Mercer falleció el 25 de junio de 1976 en Bel Air (Los Ángeles), California. Fue enterrado en el Cementerio Bonaventure de Savannah.
1984:
Muere Michel
Foucault, filósofo francés.
Hanna Nicole Pérez (Lake Charles, Luisiana; 25 de junio de 1985) es una cantautora, compositora y productora estadounidense, integrante del dúo musical Ha*Ash junto con su hermana Ashley Grace.
Nacida en Luisiana y criada entre su ciudad natal y Ciudad de México, desde temprana edad comenzó a cantar góspel en el coro de las iglesias en Lake Charles. Es autora y coautora de gran parte de los temas que ha publicado con Ha*Ash, además de formar parte en la co producción del quinto álbum de estudio del dúo lanzado en 2017.32 Hasta ahora, con el dúo han lanzado cinco álbumes de estudio: Ha*Ash (2003), Mundos opuestos (2005), Habitación doble (2008), A tiempo (2011), 30 de febrero (2017) y dos discos en vivo: Primera fila: Hecho realidad (2014), En vivo (2019); toda su discografía se encuentra disponible en el catálogo de la discográfica Sony Music Latin.8
1997:
Muere Jacques-Yves
Cousteau, oceanógrafo
francés.
Jacques-Yves
Cousteau (pronunciación en francés: /ʒak iv kusto/; Saint-André-de-Cubzac, 11 de
junio de 1910-París, 25 de
junio de 1997) fue
un oficial naval francés, explorador e investigador que
estudió el mar y
varias formas de vida conocidas en el agua. Se recuerda sobre todo a Cousteau
por haber sido en 1943, junto a Émile
Gagnan, el coinventor de los reguladores utilizados todavía actualmente en
el buceo autónomo
(tanto profesional como recreativo) con independencia
de cables y tubos de suministro de aire desde la superficie. Otros dispositivos
de buceo autónomo ya habían sido experimentados anteriormente (regulador
de Théodore Guillaumet de
1838, regulador Rouquayrol-Denayrouze de 1864,
manoregulador de Yves Le Prieur de 1926,
regulador de René y Georges Commheines de
1937 y 1942, reciclador de aire SCUBA de Christian Lambertsen de
1940, 1944 y 1952) pero ha sido el regulador de tipo Cousteau-Gagnan el que se
ha impuesto hasta nuestros días, principalmente por la sencillez y fiabilidad
de su mecanismo así como por su ligereza y facilidad de transporte durante las
inmersiones.
Jacques-Yves Cousteau
también era un fotógrafo y cinematógrafo subacuático, y fue el primero en
popularizar las películas submarinas. Las películas y series documentales rodadas
durante sus exploraciones a bordo de su buque Calypso han
sido emitidas por televisión a través de su programa documental, El Mundo
Submarino de Jacques Cousteau, que durante años fue transmitido en todo el
mundo, haciendo de Cousteau el más célebre de los divulgadores del mundo submarino. Fue,
además, una de las primeras personas en defender el ambiente marino de la
contaminación, apasionado por encontrar y describir todas las especies que
habitan los mares del globo terráqueo.
2009:
Muere Farrah
Fawcett, actriz estadounidense (nacida en 1947).
Farrah Fawcett (Corpus Christi, Texas, 2 de
febrero de 1947 - Santa Mónica, California, 25 de
junio de 2009)
fue una actrizestadounidense. Con múltiples nominaciones al Globo de
Oro y premios Emmy, Fawcett alcanzó la fama internacional cuando protagonizó
la primera temporada de la serie de televisión Los ángeles de Charlie.
En la época de su matrimonio
con el actor Lee Majors fue también conocida como Farrah
Fawcett-Majors.
En 1996, Fawcett obtuvo
el puesto número 26 dentro de la lista de las "50 mejores estrellas de
televisión de todos los tiempos" de la famosa revista TV Guide.
2009:
Muere Michael
Jackson, cantante y bailarín estadounidense (nacido en 1958).
Michael Joseph Jackson (29
de agosto de 1958 – 25 de junio de 2009) fue un cantante estadounidense,
compositor, productor de discos, bailarín, actor y filántropo. Llamado el
«Rey
del Pop», sus contribuciones a la música, la danza y la moda, junto
con su vida personal publicitada lo convirtió en una figura mundial en la cultura
popular durante más de cuatro décadas. Varios autores lo reconocen
como la estrella de música
pop más exitosa en el mundo. Sin embargo, su música incluyó una
amplia acepción de subgéneros como el rhythm
& blues (soul y funk), rock, disco y dance.
El octavo hijo de la familia
Jackson, Michael hizo su debut profesional en 1964 con sus hermanos
mayores Jackie, Tito, Jermaine y Marlon como
miembro de los Jackson 5. Comenzó su carrera en solitario en 1971. A
principios de los 80, Jackson se convirtió en una figura dominante en la música
popular. Sus videos musicales, incluyendo los de “Beat It”, “Billie
Jean” y “Thriller” de su álbum de 1982 Thriller, se acreditan con la ruptura de las
barreras raciales y la transformación del medio en una forma de arte y
herramienta promocional. La popularidad de estos videos ayudó a llevar el canal
de televisión MTV a
la fama. El álbum Bad de Jackson de 1987 produjo el número uno de
los sencillos “I Just Can’t Stop Loving You”, “Bad”, “The Way You Make Me Feel”, “Man
in the Mirror” y “Dirty Diana” en el Billboard Hot
100, Convirtiéndose en el primer álbum en tener cinco sencillos número uno
en el Billboard Hot 100. Continuó innovando con videos como “Black
or White” y “Scream” a lo largo de la década de 1990, y forjó
una reputación como artista solista de gira. A través de presentaciones en
escena y en video, Jackson popularizó una serie de técnicas de danza
complicadas, como el robot y el moonwalk,
a las que dio el nombre. Su sonido y estilo distintivos han influido en
numerosos artistas de diversos géneros musicales.
Thriller es el álbum más vendido de todos los
tiempos, con ventas estimadas de 65 millones de copias en todo el mundo.
Los otros álbumes de Jackson, incluyendo Off the
Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) y HIStory (1995),
también figuran entre los álbumes más vendidos del mundo. Con Off the
Wall, Jackson se convirtió en el primer artista en solitario en tener cuatro
sencillos del mismo álbum dentro del top 10 del Billboard Hot 100. Él
es reconocido como el artista más exitoso de todos los tiempos por El libro Guinness de los récords. Jackson
es uno de los pocos artistas que han sido introducidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll dos
veces, y también fue incluido en el Salón de la Fama de los
Compositores y el Salón de la Fama de la Danza como el único bailarín
de música pop y rock. Sus otros logros incluyen
varios récords mundiales Guinness, 13 premios
Grammy, el premio Grammy Leyenda, el premio Grammy a la carrera artística,
26 premios American Music —más que
cualquier otro artista— incluyendo el «Artista del Siglo» y «Artista de los
años 1980», 13 sencillos número uno en Estados Unidos durante su carrera en
solitario —más que cualquier otro artista masculino en la era Hot 100— y
ventas estimadas de más de 350 millones de discos en todo el mundo.n. 1 Jackson
ganó cientos de premios,
convirtiéndolo en el artista más premiado en la historia de la música popular.
Se convirtió en el primer artista en la historia en tener un top diez en
el Billboard Hot 100 en cinco décadas diferentes cuando “Love Never Felt So Good” alcanzó el número
nueve el 21 de mayo de 2014. Jackson viajó por todo el mundo asistiendo a
eventos en honor a su humanitarismo, y en 2000, Guinness World
Records lo reconoció por apoyar a 39 organizaciones benéficas, más que
cualquier otro artista.
Aspectos de la vida personal
de Jackson, incluyendo su apariencia cambiante, relaciones personales y
comportamiento, generó controversia. En 1993, fue acusado de abuso sexual infantil, pero el caso civil fue
resuelto fuera de la corte por un monto no revelado y no se presentaron cargos
formales. En 2005, fue juzgado y absuelto de nuevas acusaciones de abuso
sexual infantil y varios otros cargos después de que el jurado lo declaró
inocente en todos los cargos. Mientras se preparaba para su serie de conciertos
de regreso, This Is It, Jackson murió de intoxicación aguda de propofol y benzodiazepina el
25 de junio de 2009, después de sufrir un paro cardiaco. El coronel del condado de
Los Ángeles dictaminó que su muerte era un homicidio, y su médico
personal, Conrad Murray, fue declarado culpable de homicidio involuntario. La muerte de Jackson
provocó un derramamiento global de pena, y una transmisión en vivo de su servicio conmemorativo público fue
vista en todo el mundo. En 2010, Sony firmó un contrato con su familia
por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus
discos y publicar siete álbumes póstumos hasta 2017. Forbes clasifica
a Jackson como la celebridad muerta con más ingresos, con ganancias de 825
millones de dólares en 2016, la cantidad anual más alta jamás registrada por la
publicación.
2010:
José María Díez-Alegría Gutiérrez(Gijón, 22 de octubre de 1911 – Alcalá de Henares, 25 de junio de 2010)1 fue un sacerdote y teólogo ex jesuita español, perteneciente a la Asociación de Teólogos Juan XXIII.
Notas biográficas y académicas[editar]
Nació en Gijón, Principado de Asturias, donde su padre era director de la sucursal del Banco de España.
Hermano de los militares Luis Díez-Alegría Gutiérrez y Manuel Díez-Alegría. Hijo de Manuel Díez-Alegría García y de María Gutiérrez de la Gándara.
En 1930 ingresó en la Compañía de Jesús y se ordenó sacerdote en 1943. Se licenció en Teología y se doctoró en Filosofía y Derecho. Fue profesor de ética en la Universidad de Madrid desde 1955 hasta 1961. Luego fue profesor de Doctrina Social de la Iglesia en la Pontificia Universidad Gregoriana de Roma hasta 1972. Tras la publicación de su libro Yo creo en la esperanza, se exclaustró de la Compañía de Jesús, y se fue a vivir al Pozo del Tío Raimundo, junto con el Padre Llanos.2
Residía –por una disposición especial del Padre Arrupe– en el colegio de los jesuitas de Alcalá de Henares.
Murió en Alcalá de Henares la madrugada del 25 de junio de 2010 a la edad de 98 años.1
2013:
Muere Jaime Ley,
músico que hizo parte de Afrosound.
Se sabe que murió en Panamá el 25 de junio de 2013. Hizo parte de Los Hispanos, de Afrosound...
https://www.youtube.com/watch?v=NhtgZuPtf8o
https://www.youtube.com/watch?v=NhtgZuPtf8o
2014:
Muere Ana María Matute, escritora española (nacida en 1925).
Ana María Matute
Ausejo (Barcelona, España, 26 de
julio de 1925 -
Barcelona, 25 de junio de 2014)1 2 3 fue
una novelistaespañola miembro
de la Real Academia Española (donde ocupó el
asiento «K») que en 2010 obtuvo el Premio
Cervantes. Matute fue una de las voces más personales de la literatura española del siglo XX y
es considerada por muchos como una de las mejores novelistas de la posguerra
española.
2019:
Muere Edgar Artunduaga, periodista, escritor y político colombiano.
Edgar Artunduaga
Sánchez (Villarrica, Tolima, 3 de octubre de 1953-Neiva, Huila, 25 de junio del 20191)
fue un periodista, escritor y político colombiano. Se desempeñó, hasta su
muerte, como director de los programas Artunduaga Noticias y Artunduaga
Pregunta lo que la Gente se Pregunta, de la emisora Huila Stereo de la
cadena de emisoras de su propiedad, el Sistema AS.
Índice
Biografía[editar]
Natural de Villarrica, Tolima,
fue registrado en Pitalito, Huila. A lo largo de su vida, se dedicó al periodismo político
durante más de 40 años, siendo objeto de críticas y censura, por políticos y
gobernantes, debido a su estilo periodístico crítico y vehemente, ante las
denuncias de corrupción que él exponía en sus espacios radiales y televisivos.
Fue Senador de la
República, elegido por voto popular en 2002.
Artunduaga trabajó
en diversos medios de comunicación, tanto en el departamento del Huila, como de la ciudad
de Bogotá,
donde tuvo una prolífica y exitosa carrera periodística.
Se desempeñó como
columnista del diario El Espacio, así como reportero y conductor de espacios
informativos en las emisoras Radio Santa Fe, Caracol Radio, Todelar, Radio Súper y
Emisora Minuto de Dios. Así mismo, en televisión, trabajó como reportero y
conductor en varios noticieros, e incluso dirigió los informativos del Congreso
de la República.
Fue reconocido por
muchos distinguidos periodistas de larga trayectoria de Colombia, como uno de
los reporteros mejor informados del país en temas políticos.
Mantuvo una amistad
muy cercana con el también periodista, Hernán Peláez Restrepo, quien lo admiraba por
su profesionalismo y manera de ser, hasta el punto que Hernán Peláez renunció a
la dirección de La Luciérnaga por la salida de Édgar
Artunduaga de Caracol Radio en 2001, presionada por el
entonces Presidente de Colombia, Andrés Pastrana Arango, solidarizándose así con
su colega y amigo.
Murió de una crisis
cardíaca en su casa, ubicada en la ciudad de Neiva, Huila, cuando se disponía
a salir para realizar su noticiero en la emisora Huila Stéreo.
Trayectoria[editar]
Trabajó como
periodista en Radio Santa Fe, el periódico El Espacio,
y en el espacio radial de La Luciérnaga junto a Hernán Peláez, donde logró su consagración
profesional a pesar de su polémica salida presionada por el Presidente de Colombia Andrés Pastrana Arango.23
Se desempeñó como
senador de la República entre 2002 y 2006 por el Partido Liberal Colombiano, siendo parte
de la Comisión Quinta y vicepresidente de la Comisión de Ética del legislativo.
En total ha escrito
17 libros y por diversos trabajos periodísticos ha ganado cinco veces el Premio Nacional de Periodismo Simón
Bolívar.
Creó en 2009 junto
con Guillermo Diaz Salamanca el ahora extinto programa radial La Escalera, el
cual originó en Radio Súper como competencia a La Luciérnaga, el cual también
fue retransmitido por la emisora Minuto de Dios 107.9 FM; se retiró del
programa en el año 2010 con miras a aspirar nuevamente al congreso en las
elecciones legislativas de ese año. También se retiró en 2010 del programa
radial matutino El Pereque, emitido en Radio Santa Fe.
Regresó a la radio
en 2011 a trabajar como director del Noticiero Todelar, espacio de noticias
de Todelar Radio, del cual fue director hasta el
20 de diciembre de 2016, después de confirmarse que la cadena vendió su emisora
base en Bogotá, trabajó desde ese año como Vicepresidente de Contenidos de la
casa KienyKe, hasta que se retiró a comienzos de 2018, para volver a trabajar
en la radio, esta vez desde su emisora Huila Stereo, la cual cuenta con 3
frecuencias en 3 municipios del departamento del Huila, dichas frecuencias
conforman el grupo de emisoras llamado Sistema AS, éstas fueron arrendadas
entre 2007 y 2008 a Caracol Radio por 10 años, después de vencido el contrato
de arrendamiento, Artunduaga recuperó las emisoras y desde las mismas transmite
el Noticiero Artunduaga Noticias de lunes a viernes de 5:00 a 9:00 AM,
transmitido por las emisoras del Sistema AS en Garzón y Pitalito y en Neiva a
través de la emisora Besáme de Caracol Radio y el programa de entrevistas
Artunduaga Pregunta lo que la Gente se Pregunta, de lunes a viernes a la 1:00
PM, también transmitido por las emisoras del Sistema AS y adicionalmente por la
frecuencia de la W Radio en Neiva.
Vida personal[editar]
Fue basquetbolista
aficionado y gusta del fútbol, siendo un reconocido hincha del Atlético Huila.
Ha tenido dos matrimonios, del primero tiene tres hijos.
Muere Diego León Ospina, actor colombiano.
Adiós, ‘Cusumbo’. Este
viernes, 25 de junio, se confirmó el fallecimiento del actor Diego León Ospina,
famoso al final de la década de los 70 y al inicio de los 80 por su excelente
papel en la serie ‘Cusumbo’, misma que trataba de las aventuras e historias de
un niño de 10 años.
Lee
también: Falleció Diego León Ospina, Cusumbo, actor de Lala’s Spa
“Ingresé a la actuación a los
10 años”, comentaba hace unos pocos meses cuando se le preguntaba por su
trayectoria en la pantalla chica. Y es que el actor, nacido en Medellín,
contaba con más de 40 años de experiencia en los medios, mismos en los que
incursionó como actor, productor, director, y en los últimos años como docente.
La fama en los años 80 lo
llevó a ser uno de los actores favoritos por los jóvenes en el país, pues la
tierna faceta de ‘Cusumbo’ hizo que este personaje se ganara el corazón de los
colombianos, ya que este personificaba a un niño habitante de calle que solía
dejar experiencias positivas a sus compañeros de historia.
Durante varios años dejó las
cámaras de la pantalla chica a un lado, y dedicó su tiempo y talento al teatro,
en el cual, y de la mano de Fanny Mickey, tuvo grandes sucesos en diferentes
obras del Teatro Nacional.
Su regreso a la televisión, su
primer amor, no se hizo esperar; y es que este medio fue el que le abrió las
puertas a Ospina para mostrar su talento, pero esta vez lo haría desde otra
área, esa de seleccionar y realizar el casting de los talentos. Las
producciones Tres Caínes y Los Victorinos, entre otras, lo vieron desarrollar
esta faceta.
Recientemente, habíamos visto
a Diego León en producciones del Canal RCN como Germán es el Man, Enfermeras, y
actualmente en Lala´s Spa, en donde personifica a Ceferino, el hombre de
confianza del ‘Zar del lulo’, personaje que es interpretado por Mauricio Vélez.
“Dieguito mi hermano, gracias
por cada minuto de confianza y apoyo en mi labor como mánager. Adiós al amigo y
al ser tan maravilloso que fuiste, pa”, escribió su manager, quien fue el que
confirmó esta fatídica noticia.
Este paisa no solo fue famoso
por sus representativas participaciones en la televisión, pues además tuvo
salidas en diferentes películas del medio nacional, en las que siempre se le
vio interpretando diferentes géneros y con un gran talento.
Además de su participación en
Lala´s Spa, Ospina venía desempeñándose como docente de actores con síndrome de
down, una labor que venía siendo muy destacada por diferentes colegas y
organizaciones actorales del país.
Además:
Diego León Ospina, Cusumbo: así reaccionaron algunos amigos y colegas tras su
partida
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