El 17
de enero es el 17.º (decimoséptimo) día del año en
el calendario gregoriano.
Quedan 348 días para finalizar el año y 349 en los años
bisiestos.
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356:
Muere San
Antonio Abad, religioso egipcio (n. 251).
San Antonio o Antonio
abad1 (Heracleópolis Magna, Egipto, 251-Monte Colzim, Egipto, 356) fue un monje cristiano, fundador del movimiento eremitico. El relato de su vida, transmitido principalmente por la
obra de san
Atanasio, presenta la
figura de un hombre que crece en santidad y lo convierte en modelo de piedad
cristiana. También
figura en el Calendario de Santos Luterano. El relato de su vida tiene elementos
históricos y otros de carácter legendario; se sabe que abandonó sus bienes para
llevar una existencia de ermitaño y que atendía a varias comunidades
monacales en Egipto, permaneciendo eremita. Se dice que alcanzó los 105 años de
edad.2
Conocemos la vida del abad Antonio, cuyo nombre significa
"floreciente" y al que la tradición llama el Grande,
principalmente a través de la biografía redactada por su discípulo y admirador,
san Atanasio, a fines del siglo IV.
Este escrito, fiel a los estilos literarios de la época y
ateniéndose a las concepciones entonces vigentes acerca de la espiritualidad,
subraya en la vida de Antonio -más allá de los datos maravillosos- la
permanente entrega a Dios en un género de consagración del cual él no es
históricamente el primero, pero sí el prototipo, y esto no sólo por la inmensa
influencia de la obrita de Atanasio.
En su juventud, Antonio, que era egipcio e hijo de acaudalados
campesinos, se sintió conmovido por las palabras de Jesús, que le llegaron en
el marco de una celebración eucarística: "Si quieres ser perfecto, ve y
vende todo lo que tienes y dalo a los pobres...".
Así lo hizo el rico heredero, reservando sólo parte para una
hermana, a la que entregó, parece, al cuidado de unas vírgenes consagradas.
Llevó inicialmente vida apartada en su propia aldea, pero pronto
se marchó al desierto, adiestrándose en las prácticas eremíticas junto a
un cierto Pablo, anciano experto en la vida solitaria.
En su busca de soledad y persiguiendo el desarrollo de su
experiencia, llegó a fijar su residencia entre unas antiguas tumbas. ¿Por qué
esta elección?. Era un gesto profético, liberador. Los hombres de su tiempo -como
los de nuestros días - temían desmesuradamente a los cementerios, que creían
poblados de demonios. La presencia de Antonio entre los abandonados sepulcros
era un claro mentís a tales supersticiones y proclamaba, a su manera, el
triunfo de la resurrección. Todo -aún los lugares que más espantan a la
naturaleza humana - es de Dios, que en Cristo lo ha redimido todo; la fe
descubre siempre nuevas fronteras donde extender la salvación.
Pronto la fama de su ascetismo se propagó y se le unieron muchos
fervorosos imitadores, a los que organizó en comunidades de oración y trabajo.
Dejando sin embargo esta exitosa obra, se retiró a una soledad más
estricta en pos de una caravana de beduinos que se internaba en el desierto.
No sin nuevos esfuerzos y desprendimientos personales, alcanzó
la cumbre de sus dones carismáticos, logrando conciliar el ideal de la vida
solitaria con la dirección de un monasterio cercano, e incluso viajando a
Alejandría para terciar en las interminables controversias arriano-católicas que
signaron su siglo.
Sobre todo, Antonio, fue padre de monjes, demostrando en sí
mismo la fecundidad del Espíritu. Una multisecular colección de anécdotas,
conocidas como "apotegmas" o breves ocurrencias que nos ha legado la
tradición, lo revela poseedor de una espiritualidad incisiva, casi intuitiva,
pero siempre genial, desnuda como el desierto que es su marco y sobre todo
implacablemente fiel a la sustancia de la revelación evangélica. Se conservan
algunas de sus cartas, cuyas ideas principales confirman las que Atanasio le
atribuye en su "Vida".
Antonio murió muy anciano, hace el año 356, en las laderas del
monte Colzim, próximo al mar Rojo; al ignorarse la fecha de su nacimiento, se
le ha adjudicado una improbable longevidad, aunque ciertamente alcanzó una edad
muy avanzada.
La figura del abad delineó casi definitivamente el ideal
monástico que perseguirían muchos fieles de los primeros siglos.
No siendo hombre de estudios, no obstante, demostró con su vida
lo esencial de la vida monástica, que intenta ser precisamente una
esencialización de la práctica cristiana: una vida bautismal despojada de
cualquier aditamento.
Para nosotros, Antonio encierra un mensaje aún válido y
actualísimo: el monacato del desierto continúa siendo un desafío: el del
seguimiento extremo de Cristo, el de la confianza irrestricta en el poder del
Espíritu de Dios.
1504:
Nace Pío V, papa
italiano entre 1566 y 1572 (f. 1572).
Pío V (Bosco, 17 de enero de 1504-Roma, 1 de mayo de 1572),
nacido Antonio Michele Ghislieri, fue el 225.º papa de la Iglesia católica y
señor de los Estados Pontificios entre
1566 y 1572. Fue un fraile dominico y
comisario general de la Inquisiciónromana. Fue canonizado por el papa Clemente XI en 1712.
Índice
Carrera eclesiástica[editar]
Pío V nació como Antonio Michele Ghislieri en
Bosco, Ducado de Milán (hoy Bosco Marengo en la provincia de
Alessandria, Piamonte, Italia), a la edad de catorce años entró en
la Orden de Predicadores,
tomando el nombre de Michele; de allí pasó del monasterio de Voghera al de Vigevano, y después a Bolonia. Fue ordenado sacerdote en Génova en 1528,
y radicó en Pavía, donde enseñó por los
próximos dieciséis años.
Pronto dio muestras de sus opiniones cuando expuso en Parma treinta
tesis en defensa del papado y contra las herejías de su tiempo. En contraste con
la laxitud moral imperante a la sazón en la Iglesia católica,
Ghislieri se mostró severo y estricto, lo cual le granjeó cierta fama entre sus
superiores como un enérgico disciplinario y fue nombrado inquisidor en Como.
Su celo reformista provocó, sin embargo, tales resentimientos que fue obligado
en 1550 a regresar a Roma,
donde, después de haber servido en diversas misiones inquisitoriales fue electo
al comisariado de la Santa Sede.
El papa Pablo IV (1555–59),
quien siendo cardenal ya había
mostrado favoritismo hacia él, le confirió el cargo de obispo de las diócesis de Sutri y Nepi,
el cardenalato con el título de Alejandrino y el honor (único para alguien que
no tenía rango pontificio) de ser Gran Inquisidor.
Bajo el papa Pío IV (1559–65) se convirtió en obispo
de Mondovì en el Piamonte, pero su oposición
al pontífice propició su despido del palacio y el fin de su autoridad como
inquisidor.
Pontificado[editar]
Antes de que Ghislieri pudiera retomar su episcopado, Pío IV
murió y el 7 de enero de 1566 Ghislieri fue elegido para la silla papal como
Pío V; gracias a sus protegidos y amigos se logró que su coronación coincidiera
con su cumpleaños, diez días después.
El mismo año de su elección se reunió la Dieta de Augsburgo,
asamblea general del Sacro
Imperio Romano Germánico, el 26 de marzo de 1566.
Pío V impuso, a través de sus representantes, las nuevas directrices del Concilio de Trento en
los estados católicos de Alemania, intentando
detener de este modo la influencia de la Reforma Protestante en
esos territorios y dando inicio efectivo a la Contrarreforma o Reforma católica.
Tal y como había ejercido el cargo de Gran Inquisidor, Pío V se
propuso restaurar la disciplina y moralidad de Roma encauzando
la vida espiritual del mundo cristiano, y aun la terrenal también, pues como
tantos otros papas teocráticos que le habían precedido, mediante la bula In
cœna Domini proclamó la supremacía de la iglesia de Roma y de su
cabeza visible sobre todos los poderes civiles y sobre quienes los ostentaban.
La primera disposición importante del papa Ghislieri relativa a
la puesta por obra de los decretos tridentinos fue la publicación en 1566
del Catecismo Romano empezado
bajo el mandato de su predecesor Pío IV.
Entre sus primeras acciones llevó a cabo una drástica reducción
en el costo de la corte papal de la misma manera que lo había hecho en la orden
de los dominicos a la cual había pertenecido; además, obligó a los obispos a
residir en sus diócesis y a los cardenales a llevar vidas de simplicidad y
piedad,1 reguló los hospicios, expulsó a las
prostitutas de Roma y reafirmó la importancia de las ceremonias en general y de
la liturgia de la misa en particular. Intentó de esta manera poner en práctica
los acuerdos del Concilio de Trento e impulsar su espíritu contrarreformista
con firmeza; incrementó el poder de la Inquisición e hizo que la forma de
las misas se uniformara mediante la
promulgación de la bula Quo primum tempore,
de 1570. Pío V hizo de la misa llamada tridentina
o gregoriana el único modelo para la Iglesia católica, excepto allí donde la liturgia
de la misa fuera anterior a 1370 y aún estuviera en
uso. Esta forma de la misa ha permanecido esencialmente intacta hasta hoy.
En 1970, a raíz del Concilio Vaticano II,
el papa Pablo VI promulgó un nuevo rito,
que Benedicto XVI ha
llamado rito ordinario, para la Iglesia universal, aunque sin derogar jamás la
forma tridentina o tradicional codificada por Pío V y que queda en la
actualidad como forma extraordinaria.
En Roma, encargó al pintor Daniele da Volterra que
cubriese en parte las figuras trazadas en la Capilla Sixtina por Miguel Ángel, que las había pintado desnudas
en su mayoría. Asimismo mereció su desaprobación la costumbre arraigada de lidiar toros; la bula De
salutis gregis dominici de 1 de noviembre de 1567 prohibía,
bajo la razón de acto suicida estos espectáculos bajo pena de excomunión a perpetuidad.
Financió con cargo al erario pontificio la participación de la
Iglesia en las guerras santas en Francia contra los hugonotes y la expulsión de los judíos de los estados de su jurisdicción
salvo Roma y Ancona.
Contra el Imperio Otomano promovió el papa la Liga Santa que quedó constituida
por España, Venecia y los propios Estados Pontificios,
con participación genovesa. Al frente de las
fuerzas combinadas puso el papa a don Juan de Austria, hermanastro del rey Felipe II de España,
a quien definió, utilizando la cita evangélica referida a Juan el Bautista, como «un hombre enviado por
Dios, que se llamaba Juan». Las capitulaciones de la Liga fijaban
detalladamente los recursos militares con que había de contribuir cada uno de
los participantes. El papa asumió el compromiso de aportar 12 galeras
aparejadas y dispuestas, 3.000 soldados de infantería y 270 jinetes con sus
monturas. También se comprometieron los coaligados a acudir en socorro de
cualquiera de los miembros de la Liga que se viese atacado por los turcos, en
especial si los territorios en peligro eran los de la Santa Sede. Como cláusula de penalización para
quien no atendiese sus obligaciones de confederado, el Papa impuso en las
estipulaciones la pena de excomunión latae sententiae y el
entredicho con pérdida de sus posesiones y liberación del juramento de
fidelidad de sus súbditos.
En 1567, Pío V promulgó una bula papal, en la que
ordenaba que fuesen trasladadas parte de las reliquias de los santos Justo y Pastor desde Huesca a Alcalá de Henares,
ciudad de su cuna y martirio. En noviembre de
ese mismo año, Felipe II y su hijo el príncipe
Carlos, enviaron una carta cada uno dirigida al obispo de Huesca
para que cumpliese con lo ordenado por el papa. Así fue como parte de las
reliquias de los santos Justo y Pastor fueron remitidas a la ciudad de Alcalá
de Henares de la que son patronos los "Santos Niños".
Mediante la bula Quod a Nobis de 9 de julio
de 1568, Pío V publicaba la primera edición
típica del Breviario, que
establecía de modo estable para lo sucesivo la regla del oficio divino en el
ámbito del rito romano.
El 25 de febrero de 1570 declaró
a Isabel I de
Inglaterra hereje y liberando a sus súbditos de la obediencia
hacia ella y autoriza a cualquier católico para asesinarla y a cualquier
monarca católico para destronarla.
En julio de 1571, Pío V decretó a
la Universidad
San Marcos de Lima como Universidad
Pontificia, ello durante el gobierno del virrey Francisco Álvarez de
Toledo, en el Perú, y el reinado de Felipe
II.
Otra iniciativa del Papa a favor de la ortodoxia fue la creación
de la Congregación del
Índice en 1571 con el objeto de mantener actualizado el Index Librorum
Prohibitorum.
Pío V murió el 1 de mayo de 1572 afectado
por un cáncer a los 68 años, unos meses después de que la armada de la Liga
Santa obtuviese un gran triunfo en la batalla de Lepanto,
en su lucha contra los turcos musulmanes, el 7 de octubre de 1571.2
En contraste con las medidas en ocasiones drásticas y rígidas
que promovió, Pío V era, al parecer, una persona de trato bondadoso y afable, y
desde luego muy admirado por sus contemporáneos por su intensa vida espiritual,
su austeridad y su piedad.3
1600:
Nace Pedro Calderón de la Barca, dramaturgo
español (f. 1681).
(Madrid, 17 de enero de 1600-ibídem, 25 de mayo de 1681) Dramaturgo español. Educado en un colegio
jesuita de Madrid, estudió en las universidades de Alcalá y Salamanca. En 1620
abandonó los estudios religiosos y tres años más tarde se dio a conocer como
dramaturgo con su primera comedia, Amor, honor y poder.
Como todo joven
instruido de su época, viajó por Italia y Flandes y, desde 1625, proveyó a la
corte de un extenso repertorio dramático entre el que figuran sus mejores
obras. Tras granjearse un sólido prestigio en el Palacio Real, en 1635 escribió El mayor encanto, el amor, para la inauguración del
teatro del palacio del Buen Retiro.
Nombrado caballero de la Orden de Santiago por el rey, se
distinguió como soldado en el sitio de Fuenterrabía (1638) y en la guerra de
Cataluña (1640). Ordenado sacerdote en 1651, poco tiempo después fue nombrado
capellán de Reyes Nuevos de Toledo. Por entonces ya era el dramaturgo de más
éxito de la corte. En 1663 el rey lo designó capellán de honor, por lo que se
trasladó definitivamente a Madrid.
El teatro de Calderón de la
Barca
Según el recuento que él
mismo hizo el año de su muerte, su producción consta de ciento diez comedias y
ochenta autos sacramentales, loas, entremeses y otras obras menores. Como todo
coetáneo suyo, Calderón no podía por menos que partir de las pautas dramáticas
establecidas por Lope de Vega. Pero su obra, ya plenamente barroca, tal
vez alcance mayor grado de perfección técnica y formal que la de Lope. De
estilo más sobrio, Calderón pone en juego menor número de personajes y los
centra en torno al protagonista, de manera que la obra tiene un centro de
gravedad claro, un eje en torno al cual giran todos los elementos secundarios,
lo que refuerza la intensidad dramática.
El crítico Ángel Valbuena Prat señaló que en su estilo cabe
distinguir dos registros. El primero consiste en reordenar y condensar lo que
en Lope aparece de manera difusa y caótica y en estilizar las notas de su
realismo costumbrista. Así, Calderón reelabora temas originales de Lope en
varias de sus obras maestras; en ellas aparece una rica galería de personajes
representativos de su tiempo y de su condición social, los cuales tienen en común
un tema del siglo: el honor, el patrimonio del alma enfrentado a la justicia de
los hombres, caso de El alcalde de Zalamea,
o las pasiones amorosas que ciegan el alma, cuestión que aborda en El mayor monstruo, los celos o en El médico de su honra.
Pero no es ése, desde
luego, el principal motivo de su obra. En su segundo registro, el dramaturgo
inventa, más allá del repertorio caballeresco, una forma poético-simbólica
desconocida antes de él y que configura un teatro esencialmente lírico, cuyos
personajes se elevan hacia lo simbólico y lo espiritual. Calderón destaca sobre
todo como creador de esos personajes barrocos, íntimamente desequilibrados por
una pasión trágica, que aparecen en El mágico prodigioso o La devoción de la cruz.
Su personaje más universal
es el desgarrado Segismundo de La vida es sueño,
considerada como la cumbre del teatro calderoniano. Esta obra, paradigma del
género de comedias filosóficas, recoge y dramatiza las cuestiones más
trascendentales de su época: el poder de la voluntad frente al destino, el
escepticismo ante las apariencias sensibles, la precariedad de la existencia,
considerada como un simple sueño, y, en fin, la consoladora idea de que,
incluso en sueños, se puede todavía hacer el bien.
Con Calderón adquirieron
asimismo especial relevancia la escenografía (lo que él llamaba «maneras de
apariencia») y la música. La carpintería teatral se convirtió en un elemento
clave en la composición de sus obras, y el concepto de escena se vio
revalorizado de una manera general, en la línea del teatro barroco. En cuanto a
su lenguaje, se puede considerar que es la culminación teatral del culteranismo
poético de Góngora. Su riqueza expresiva y sus complejas metáforas
provienen de un cierto conceptismo intelectual, acorde con el temperamento
meditabundo propio de sus personajes de ficción.
1706:
Nace Benjamin
Franklin, científico y diplomático estadounidense (f. 1790).
Benjamin Franklin (Boston, 17 de enero de 1706Nota 1 - Filadelfia, 17 de abril de 1790)
fue un político, polímata, científico e inventor estadounidense. Es considerado uno de
los Padres
Fundadores de los Estados Unidos.1
Franklin ganó el título de «The First American» por su temprana
e infatigable campaña por la unidad colonial, inicialmente como autor y
portavoz en Londres para varias colonias. Como el primer
embajador de los Estados Unidos en Francia, él ejemplificó a la naciente nación
americana. Franklin fue fundamental en la definición del ethos americano
como un matrimonio de los valores prácticos de ahorro, trabajo duro, educación,
espíritu comunitario, instituciones autogobernadas y oposición al autoritarismopolítico y religioso, con los
valores científicos y tolerantes de la Ilustración. En palabras del historiador Henry
Steele Commager, «En un Franklin se podían fusionar las virtudes del
puritanismo sin sus defectos, la iluminación de la Ilustración sin su calor».
Para Walter Isaacson,
esto hace de Franklin «El más consumado americano de su edad y él más
influyente en inventar el tipo de sociedad que Estados Unidos se convertiría».
Franklin se convirtió en un exitoso editor de periódicos e
impresor en Filadelfia, la ciudad líder en las colonias, publicando la Gazette
de Pensilvania a la edad de 23 años. Se hizo rico publicando este periódico y
también el Almanaque del
pobre Richard, del que él era autor bajo el seudónimo de Richard
Saunders. Después de 1767, fue asociado con el
Pennsylvania Chronicle, un periódico que era conocido por sus sentimientos
revolucionarios y críticas hacia la política británica.
Fue pionero y el primer presidente de la Academia y Colegio de
Filadelfia, que abrió sus puertas en 1751 y
más tarde se convirtió en la Universidad de
Pensilvania. Organizó y fue el primer secretario de la Sociedad
Filosófica Americana y fue elegido presidente en 1769.
Franklin se convirtió en un héroe nacional en América como agente de varias
colonias cuando encabezó un esfuerzo en Londres para que el Parlamento de
Gran Bretaña derogara el impopular Sello Acto. Un diplomático
consumado, fue admirado extensamente entre el ministro francés como a París y
era una figura importante en el desarrollo de relaciones positivas
franco-americanas. Sus esfuerzos resultaron vitales para la Revolución Americana al
asegurar los envíos de municiones cruciales desde Francia.
Fue promovido a director general de correos para las colonias
británicas en 1753, habiendo sido maestro de postas de Filadelfia durante
muchos años, y esto le permitió establecer la primera red nacional de
comunicaciones. Durante la Revolución, se convirtió en el primer general de
correos de Estados Unidos. Él era activo en asuntos de la comunidad, de
política colonial y del estado, así como asuntos nacionales e internacionales.
De 1785 a 1788,
sirvió como gobernador de Pennsylvania. Al principio poseía y trataba con
esclavos, pero a partir de la década de 1750,
se opuso a la esclavitud desde
una perspectiva económica y se convirtió en uno de los abolicionistas más
destacados.
Su vida colorida y legado de logros científicos y políticos, y
su estatus como uno de los Padres Fundadores más influyentes de América han
visto a Franklin honrado más de dos siglos después de su muerte en acuñación y
el billete de $ 100, buques de guerra y los nombres de muchas ciudades,
instituciones educativas y corporaciones, así como innumerables referencias
culturales.
1751:
Muere Tomaso
Albinoni, compositor y violinista italiano (n. 1671).
Tomaso Giovanni Albinoni (Venecia, 8 de junio de 1671-ibídem, 17 de enero de 1751)
fue un compositor italiano del Barroco. En
su época fue célebre como compositor de ópera, pero actualmente es conocido sobre todo
por su música instrumental, parte de la cual se graba con regularidad. El Adagio en sol menor constituye
su obra más difundida pese a que, en realidad, se trata de una obra apócrifa
compuesta en el siglo XX por el musicólogo y especialista en su obra Remo Giazotto.
Índice
·
5Óperas
o 8.1Notas
Biografía[editar]
Era hijo de Antonio Albinoni (1634-1709), un rico comerciante de
papel en Venecia. Estudió violín y canto.
Se sabe relativamente poco de su vida, si se tiene en cuenta su importancia
contemporánea como compositor y el hecho de que vivió durante un período
relativamente bien documentado. En 1694 dedicó su Opus 1 a su compatriota veneciano
cardenal Pietro Ottoboni(sobrino-nieto
del papa Alejandro VIII).
Ottoboni era un mecenas de otros compositores en Roma,
como Arcangelo Corelli.
Es probable que Albinoni fuera contratado en 1700 como violinista por Fernando Carlo, duque de Mantua, a quien le
dedicó su colección de piezas instrumentales Opus 2. En 1701 escribió sus muy
populares suites Opus 3, y dedicó tal colección al
Gran Duque Fernando III de
Toscana.
En 1705 se casó. Antonino Biffi, el maestro di cappella de San Marcos de
Venecia fue testigo de su boda, y evidentemente era amigo de Albinoni. Sin
embargo, no parece que Albinoni tuviera ninguna otra relación con ese
establecimiento que tanto destacaba musicalmente en Venecia. Logró su temprana
fama como compositor de ópera en muchas ciudades de Italia, incluyendo Venecia, Génova, Bolonia, Mantua, Udine, Piacenza y Nápoles. Durante esta época compuso abundante
música instrumental: antes de 1705, escribió sobre todo sonatas en trío y conciertos para violín,
pero entre esa fecha y 1719 se dedicó más a sonatas para solo y conciertos
para oboe.
A diferencia de la mayor parte de los compositores de su época,
parece que nunca buscó un puesto en la Iglesia o
en la corte, pero lo
cierto es que era un hombre independiente con recursos propios. En 1722, Maximiliano
II Manuel de Baviera, a quien Albinoni había dedicado un conjunto de
doce conciertos,
le invitó a dirigir dos de sus óperas en Múnich.
Alrededor de 1740, una colección de sonatas para violín se publicó en Francia como una obra póstuma, y los
eruditos supusieron durante mucho tiempo que ello significaba que Albinoni
había muerto para entonces. Sin embargo, parece que siguió viviendo en Venecia
sin que haya llegado hasta nosotros ninguna composición en este último período
de su vida. Un archivo de la parroquia de San Bernabé indica que Tomaso
Albinoni falleció en 1751 «a la edad de 79 años», de diabetes.
Música e influencia[editar]
Escribió una cincuentena de óperas, de las cuales 28 se
representaron en Venecia entre 1723 y 1740, pero actualmente es más conocido
por su música instrumental,
especialmente sus conciertos para oboe.
Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastian Bach,
quien escribió al menos dos fugas sobre temas de
Albinoni y utilizó constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos.
Parte de la obra de Albinoni se perdió durante el bombardeo de Dresde durante
la Segunda Guerra
Mundial, con la destrucción de la Biblioteca estatal de
Dresde, así que se sabe poco de su vida y su música posterior a
mediados de los años 1720.
Su fama se incrementó en gran medida con la publicación del
conocido como Adagio de Albinoni,
compuesto en 1945 por el musicólogo italiano Remo Giazotto. Publicado por primera vez
en 1958 por la editorial Casa Ricordi, el editor lanzó como argumento
de venta que el autor se había basado en unos fragmentos de un movimiento lento
de una sonata a trío para
cuerdas y órgano de Tomaso Albinoni presumiblemente
encontrados en las ruinas de la Biblioteca de Dresde tras los bombardeos de la ciudad acaecidos
en la Segunda Guerra
Mundial. La obra fue compuesta por Giazotto basándose supuestamente en el
fragmento que pudo rescatar de la partitura original, en el que apenas se
apreciaba el bajo continuo y seis compases de melodía. Sin embargo, una prueba
seria de la existencia de tales fragmentos no ha sido nunca encontrada; por el
contrario la «Staatsbibliothek Dresden» ha desmentido formalmente tenerlas en
su colección de partituras.1
1858:
Nace Tomás Carrasquilla,
escritor colombiano (f. 1940).
Tomás Carrasquilla Naranjo (Santo
Domingo, provincia de
Antioquia, República de
la Nueva Granada, 17 de enero de 1858 - Medellín, 19 de diciembre de 1940)
fue un escritor colombiano activo entre la segunda mitad del siglo XIX y la primera del siglo XXen la región de Antioquia.
Comenzó sus estudios en la Universidad de
Antioquia, pero tuvo que parar su estudio y retirarse por las
guerras civiles de la época a principios del siglo XX. Tuvo problemas
económicos y se internó en la mina de San Andrés, cerca de los municipios de
Argelia y Sonsón. Finalmente vivió
en Bogotá donde trabajó como funcionario del
ministerio de Obras Públicas y regresó de Medellín donde escribió sus dos obras
"La marquesa de Yolombó" y "Hace tiempos".
Carrasquilla fue poco conocido en su tiempo, y, como dice Federico de Onís,
fue solamente después de 1936 que el autor antioqueño se conoció en un plano
más amplio al obtener el Premio Nacional de Literatura, es decir, cuando tenía
ya 78 años de edad.1 Amante de los libros, organizaba
tertulias literarias que en Medellín se hicieron bastante célebres
durante los últimos años de su vida y en las cuales comenzó a ser llamado
"Maestro Tomás Carrasquilla".
Índice
·
2Legado
Biografía[editar]
Tomás Carrasquilla trabajó en oficios diversos, sastre,
secretario de un juzgado, dispensario de una mina y funcionario del Ministerio
de Obras Públicas. Las Guerras civiles
de Colombia a comienzos del siglo XX impidieron que
Carrasquilla terminara sus estudios en la Universidad de
Antioquia.2
Fue amigo de Fernando
González, y conoció a el caricaturista Ricardo Rendón, y al escritor León de Greiff, cuando ellos acababan de
fundar el grupo de Los Panidas.3
Por otra parte, según el escritor e investigador
puertorriqueño Lawrence La
Fountain-Stokes, Carrasquilla era homosexual.4
El 19 de diciembre de 1940 fue operado a causa de una gangrena,5 falleciendo el 19 de diciembre del
mismo año en Medellín.6
Legado[editar]
Numerosos jóvenes escritores e intelectuales antioqueños de la
época de Tomás Carrasquilla recibieron una notable influencia de su obra; entre
ellos el filósofo envigadeño Fernando
González quien profesaba una gran admiración y afecto por
Carrasquilla.7
Una de las razones planteada por De Onís acerca de por qué la
obra de Carrasquilla fuera tan desconocida en Colombia y en el extranjero se
debe a que vivió entre dos épocas muy diferentes de la literatura
latinoamericana: el costumbrismo y el romanticismo que en Colombia tuvo
representantes como José Asunción Silva,
a quien Carrasquilla conoció personalmente,8 y el advenimiento del modernismo que
fue una reacción en contra del costumbrismo. Al clasificarse a Carrasquilla
como costumbrista, la crítica modernista lo dejó por fuera.1
«¿Sabe lo que más me gusta de sus obras? Pues el antioqueñismo,
un antioqueñismo pasado y repasado por muchos libros y por muchos cedazos.
Dígole, pues, Fernando amigo, que si con sus obras anteriores ha cosechado
muchos lauros, con ésta serán para agobiarlo»: de la carta de don Tomás
Carrasquilla a Fernando
González Ochoa con motivo de la publicación de la obra El
Hermafrodita Dormido del Filósofo de Otraparte.
Si hay que presentar una prueba de que Carrasquilla fue más que
costumbrista y que utilizó en sus obras elementos del modernismo realista, es
la relación intelectual y la gran amistad que lo unió al "Filósofo de
Otraparte", como era llamado Fernando González. Con una diferencia de edad
de 39 años, González conoció a Carrasquilla en Medellín al tiempo que fundaba
con Rendón y De Greiff el
grupo literario Los Panidas.
González, otro de los grandes maestros de la escritura en
Colombia, escribió un ensayo sobre el autor, "Hace Tiempos de
Carrasquilla", en donde dice:
Este Carrasquilla es tan mirón, tan escuchador, tan sastre de
ropas y de almas, tan realista tan semidiós que se nutre de las energías de su
patria antioqueña, que a pesar de que soy cuarentón estéril, al leerlo y al
oírlo, me empreña de este juicio: es único en Colombia; es orgullo colombiano,
es el que puedo enviarle a M. Bréal, para que vea que somos iguales a los
europeos (...)
F. González.9
Que en su tiempo las obras de Carrasquilla tuvieron una gran
difusión en la Región Paisa, ello
no quiere decir que haya pasado desapercibida ni en Colombia ni en el exterior.
Especialmente a partir de 1936 con el
reconocimiento que el autor recibió en el Concurso Nacional de Cuento, su obra
atrajo la atención de críticos de la literatura como los chilenos Arturo
Torres Rioseco y Mariano Latorre y mantuvo una afectuosa
amistad con otros escritores como José Martí y Miguel de Unamuno a través de una vasta
correspondencia.10 Las obras de Carrasquilla se dividen
en novelas, cuentos, ensayos, artículos y epistolario. En 1906 le
confesó a un amigo en una carta que «escribe por apremios económicos, estando
como está arruinado»,11 pero en realidad si bien tuvo su
momento de crisis económica, tuvo en realidad buenos recursos para subsistir
toda una vida de soltería. Muchos de sus primeros artículos y cuentos fueron
publicados a principios del siglo en la revista Alpha y en otras publicaciones,
reunidas después en compendios. Algunas columnas que escribió en ciertos
periódicos, entre ellos El Espectador,
le han ganado el título de periodista ante algunos comentaristas, pero en
realidad se trató de una función muy esporádica que no tiene mayor incidencia
que las columnas conservadas por la importancia de su autor.
1909:
Nace Rafael García Herreros, religioso colombiano
(f. 1992).
Rafael García-Herreros Unda, nació en Cúcuta, Colombia, el 17 de enero
de 1909; falleció en Bogotá el 24 de noviembre de 1992, fue un destacado
sacerdote católico colombiano, conocido por ser el fundador de la
fundación Minuto de Dios.
Índice
·
4Muerte
Primeros años[editar]
Rafael García-Herreros Unda, hijo de un militar, Julio César
García-Herreros y de María Unda, nació el 17 de enero de 1909 en
la ciudad de Cúcuta. En 1923,
a la edad de 14 años, ingresó al colegio de Santo Tomás de Aquino, de Pamplona dirigido
por padres franceses, donde terminaría sus estudios, en noviembre de 1927.
En 1928 fue invitado a ingresar a la Congregación
de Jesús y María, fundada por San Juan Eudes; comunidad a la que ingresó
el 7 de febrero de 1932;
en 1934 se ordenó como sacerdote, oficiando su primera misa en la iglesia de Nuestra Señora de las Angustias de
Bogotá. Entre 1934 y 1954 se
dedicó a formar seminaristas en diferentes centros del país, actividad que
combinó con un viaje de perfeccionamiento en filosofía por Europa entre 1950 y 1951.
Fundación del Minuto de Dios[editar]
En 1946 comenzó una carrera vinculada a los
medios de comunicación: primero en radio 1946 en
Radio Fuentes en Cartagena y luego, desde el 10 de enero de 1955 y
durante 37 años continuos, en televisión, con su conocido programa El Minuto de
Dios. A su vez, comenzó la construcción de un barrio popular en Cali y después,
a partir de 1957, y en unos terrenos donados por Antonio Restrepo y Estanislao
Olarte, en las cercanías del río Juan Amarillo,
al occidente de Bogotá, el barrio El Minuto de Dios.
Desde noviembre de 1961,
por iniciativa de García Herreros se realiza el Banquete del Millón con el que
se financian muchas de las necesidades del barrio que, a partir del 10 de
septiembre de 1965, se constituyó en parroquia y cuyo primer párroco fue el
'telepadre' García-Herreros. Además fue quien fundó en sus terrenos el Museo de
Arte Contemporáneo (1966), le suministró una emisora, una editorial, una
programadora de televisión y una universidad, convirtiéndolo en una verdadera
ciudadela.
La escenografía del programa consistía en una cruz de madera con
el travesaño inclinado, tras la imagen de García-Herreros, quien en los últimos
años vestía una ruana sobre su sotana.
El programa se ha seguido transmitiendo tras la muerte, en 1992,
de García-Herreros, manteniendo la misma escenografía y la misma oración al
final. En 2005, el programa cumplió 50 años de transmisión ininterrumpida.
García-Herreros y la Renovación Carismática[editar]
García-Herreros también fue el promotor de la corriente de
espiritualidad Renovación
Carismática Católica en Colombia y América Latina. Se sabe que
invitó de los años 60 a algunos predicadores protestantes
de la Iglesia Bautista de
los Estados Unidos, para que orientaran la formación de los primeros grupos de
oración, propios de dicha corriente religiosa. Además, este sacerdote se dio a
la tarea de crear diversas organizaciones que bajo el nombre de "Minuto de
Dios" promovieran la renovación carismática, a través de la realización de
multitudinarias eucaristías y congresos de adoración y alabanza, conciertos de
música religiosa, seminarios de iniciación y seguimiento, escuelas de formación
para laicos, programas en radio y televisión y publicaciones de diverso tipo. Tras
su muerte, varios sacerdotes de su comunidad religiosa, han continuado con esta
misión de evangelización.
Muerte[editar]
El 24 de noviembre de 1992 durante
la realización del XXXII Banquete del Millón García-Herreros falleció a la edad
de 83 años.
1922:
Nace Betty
White, actriz estadounidense.
Betty Marion White (Oak Park, Illinois; 17 de enero de 1922-Los Ángeles, California; 31 de diciembre de 2021)1 fue una comediante, actriz, modelo y productora ejecutiva estadounidense que desarrolló una extensa carrera en Hollywood y adquirió reconocimiento internacional por su interpretación del papel de Rose Nylund en la exitosa comedia de situación Las chicas de oro de los años 1980.
Comenzó a actuar en la década de 1940, convirtiéndose en actriz de radio y en una de las primeras figuras importantes de la entonces naciente industria de la televisión en los Estados Unidos. Desde entonces, es considerada como una de las figuras más representativas del humor.
En 1939, White empezó a trabajar como modelo y más tarde comenzó con su carrera como actriz en el teatro Bliss Hayden Little. En los años 1940 participó en varios programas radiofónicos, pero se ganó atención de la prensa en 1949 cuando fue elegida para co-presentar el programa de televisión Hollywood on Television. En 1952, fue fundamental en la creación de la comedia de situación Life with Elizabeth, en la que compartía créditos con Del Moore y Jack Narz. El programa terminó en 1955 tras 65 episodios. White fue etiquetada como la «Primera Dama de los concursos», refiriéndose a sus muchas apariciones en programas televisivos de concursos. En 1974, se unió al elenco de la serie The Mary Tyler Moore Show, protagonizada por la actriz Mary Tyler Moore, que se transmitió hasta 1977. Galardonada con siete premios Emmy, protagonizó junto a Beatrice Arthur, Rue McClanahan y Estelle Getty la exitosa serie televisiva Las chicas de oro, que se que transmitió por NBC desde 1985 a 1992. Tras el éxito de la misma, White continuó con personajes importantes en cine y televisión.
Sus últimas actuaciones incluyen una participación en el ciclo Saturday Night Live (2010) y unas valoradas actuaciones como anciana jovial y graciosa en películas como The Proposal y series como Hot in Cleveland. Es recordada como una de las actrices más longevas del mundo, como así también una de las últimas de la televisión estadounidense de la década de 1950. En el Libro Guinness de los récords de 2014, Betty fue oficialmente reconocida como la actriz con la carrera más larga.2
1927:
Nace Eartha
Kitt,
actriz y cantante estadounidense (f. 2008).
Eartha Mae Kitt (North, Carolina del Sur, 17 de enero de 1927 -
† Weston, Connecticut, 25 de diciembre de 2008),
fue una actriz, cantante de jazz y estrella de Cabaré de nacionalidad estadounidense, famosa por su carácter
indómito y que se denominó a sí misma «la primera "material girl"»,
antecesora de Diana Ross y Madonna.
Desarrolló una amplia carrera discográfica y cinematográfica, aunque tal vez se
le recuerda más por su (fugaz) participación como Catwoman en la serie de televisión de los años 60 Batman.
Eartha Kitt inició su carrera en espectáculos de variedades y debutó en cine y teatro en
1948, medios en los que trabajó con múltiples figuras como Orson Welles, Sidney Poitier, Nat King Cole y Eddie Murphy. En su vejez hizo voz para
películas de dibujos animados.
Cantante talentosa con una voz peculiar, hizo famosas muchas canciones tanto en
inglés como en francés, idioma que dominaba por sus actuaciones en Europa.
Entre sus grabaciones más exitosas destacan «C’est si bon», «Love For Sale», «Let’s
Do It», «Je cherche un homme» y sobre todo «Santa Baby» (1953), canción navideña que
sería versionada por Madonna en
1987. Su faceta musical repuntó a mediados de los años 80, con canciones de
ritmo bailable como «Where Is My Man», y siguió participando en el cine
hasta sus últimos años.
1931:
Nace James
Earl Jones, actor estadounidense.
James Earl Jones (Arkabutla, Misisipi; 17 de enero de 1931-Pawling, Nueva York; 9 de septiembre de 2024)1 fue un actor estadounidense. Su extensa carrera incluye grandes éxitos de taquilla como Star Wars (episodios IV (1977), V (1980), VI (1983), III (2005) y Rogue One: una historia de Star Wars (2016)), El rey león (1994 y 2019), The Lion King II: Simba's Pride (1998), La Guardia del León (2015), Conan el Bárbaro (1982), Coming to America (1988), Field of Dreams (1989), La caza del Octubre Rojo (1990), Juego de patriotas (1992), Peligro inminente (1994) y Coming 2 America (2021). Era hijo del también actor Robert Earl Jones (1910-2006).
Jones fue dueño de una de las voces más reconocidas en la industria del cine de Hollywood, desempeñándose en varias ocasiones como actor de voz.23 Sin embargo en su infancia sufría de tartamudez. En un episodio de la serie de televisión Biography, el actor afirmó que superó la afección a través de la poesía, hablando en público y actuando, aunque tardó varios años en conseguirlo. Tras terminar la universidad sirvió en el ejército de los Estados Unidos durante la guerra de Corea antes de iniciar una carrera en la actuación. El 12 de noviembre de 2011 fue galardonado con el Óscar honorífico, junto a Dick Smith y Oprah Winfrey.4 El 9 de noviembre de 2015, Jones recibió el premio Voice Arts Icon.5 El 25 de mayo de 2017 recibió un Doctorado Honorario en Artes de la Universidad de Harvard, concluyendo el evento con la famosa frase utilizada en la saga Star Wars: "Que la Fuerza te acompañe".4
Primeros años
[editar]Infancia
[editar].jpg)
Jones nació en Arkabutla, Misisipi, el 17 de enero de 1931,6 hijo de Ruth (Williams) Jones, una maestra y mucama, y Robert Earl Jones, un boxeador, mayordomo y chofer que abandonó la familia poco después del nacimiento de James y que más tarde se convirtió en actor. Jones y su padre no llegaron a conocerse hasta la década de 1950, pero luego se reconciliaron.7
Desde los cinco años fue criado por sus abuelos maternos, John Henry y Maggie Williams.8 Más tarde el actor describió a su abuela Maggie como la "persona más racista que conocí en mi vida, con un desprecio doblemoralista por la gente blanca".9
Desde niño desarrolló un tartamudeo grave por lo que se negaba a hablar en voz alta, hasta que, a los 13 años, uno de sus profesores hizo que descubriera que tenía un don para la poesía e insistió en que leyera cada día una poesía en clase para que fuera corrigiendo su problema. Irónicamente, dos de sus papeles más famosos han sido prestando su voz, a Darth Vader en la saga de La guerra de las galaxias y a Mufasa en El rey león. El actor se ha referido a este hecho afirmando: "Fui tartamudo. No podía hablar. Así que mi primer año de escuela fue mi primer año mudo, y luego esos años mudos continuaron hasta que llegué a la escuela secundaria".10
Educación
[editar]Tras asistir a la Universidad de Míchigan donde realizó un curso pre-médico, Jones se unió al Cuerpo de Entrenamiento de Oficiales de Reserva. Se sentía cómodo dentro de la estructura del entorno militar.11 Durante el curso de sus estudios, Jones descubrió que no estaba hecho para ser médico. En cambio, se centró en el teatro en la Escuela de Música, Teatro y Danza de la Universidad de Míchigan con la idea de hacer algo que disfrutaba. Se graduó de la universidad en 1955.12
Carrera militar
[editar]Con la intensificación de la guerra en Corea, Jones esperaba ser llevado allí tan pronto como recibiera su comisión como segundo teniente. Mientras esperaba sus órdenes, trabajó como asistente en el Teatro Ramsdell en Manistee, Míchigan, donde anteriormente había actuado. Jones fue comisionado a mediados de 1953, después del final de la guerra de Corea. Asistió a la Escuela de Rangers y recibió su insignia (aunque afirmó durante una entrevista en The One Show de la BBC en 2009 que se ausentó del entrenamiento de Ranger). Inicialmente debía presentarse en la instalación militar Fort Leonard Wood, pero su unidad fue enviada para establecer un comando de entrenamiento en el antiguo Campamento Hale cerca de Leadville, Colorado. Su batallón se convirtió en una unidad de entrenamiento en el accidentado terreno de las Montañas Rocosas. Jones fue ascendido a primer teniente antes de lograr su alta. Más adelante se mudó a Nueva York para estudiar teatro, trabajando como portero para poder ganar su sostenimiento.13
Carrera como actor
[editar]Inicios
[editar]Jones comenzó su carrera como actor en el Teatro Ramsdell en Manistee, Míchigan. Entre 1955 y 1957 se desempeñó como actor y director de escena. Realizó su primer papel como Otelo de Shakespeare en este teatro en 1955.14 Su carrera temprana también incluyó una aparición en la serie antológica de radio de la ABC Theater-Five.15
Teatro
[editar]Jones es un consumado actor de teatro; ganó los premios Tony en 1969 por The Great White Hope y en 1987 por Fences. Ha actuado en muchos roles de Shakespeare: Otelo, el Rey Lear, Oberón en Sueño de una noche de verano, Abhorson en Medida por medida y Claudio en Hamlet. En 1973 interpretó a Hickey en Broadway en el Teatro Circle in the Square en una nueva versión de The Iceman Cometh. Encarnó a Lennie en la producción de 1974 de la adaptación de la novela de John Steinbeck De ratones y hombres, con Kevin Conway como George y Pamela Blair como la esposa de Curley. El 7 de abril de 2005, James Earl Jones y Leslie Uggams encabezaron el elenco en una versión afroamericana de Broadway de On Golden Pond, dirigida por Leonard Foglia y producida por Jeffrey Finn. En febrero de 2008 actuó en Broadway como Big Daddy en una producción afroamericana de Cat on a Hot Tin Roof de Tennessee Williams, dirigida por Debbie Allen. En noviembre de 2009 James retomó el papel de Big Daddy en Cat On A Hot Tin Roof en el Teatro Novello en Londres, producción protagonizada por Sanaa Lathan como Maggie, Phylicia Rashad como Big Mamma y Adrian Lester como Brick. En octubre de 2010 Jones regresó al escenario de Broadway en Driving Miss Daisy de Alfred Uhry junto con Vanessa Redgrave en el Golden Theatre.16
Cine
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Su primera aparición en el cine ocurrió interpretando a un joven y delgado teniente Lothar Zogg en Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb. En 1967 interpretó a un cirujano y líder rebelde haitiano en The Comedians. Su primer papel protagónico llegó de la mano de su interpretación del boxeador Jack Jefferson en The Great White Hope (1970), coprotagonizada por Jane Alexander. Por su papel, Jones fue nominado como Mejor Actor por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, convirtiéndose en el segundo artista afroamericano (después de Sidney Poitier) en recibir una nominación.17 En 1974 protagonizó junto a Diahann Carroll la película Claudine, la historia de una mujer que cría a sus seis hijos sola después de dos matrimonios fallidos.
Interpretó a Timothy en The Cay (1974), al villano ficticio Thulsa Doom en Conan el Bárbaro (1982), a "Few Clothes" Johnson en Matewan (1987), al rey de Zamunda Jaffe Joffer en Coming to America (1988), al autor Terence Mann en Field of Dreams (1989), al señor Mertle en The Sandlot (1993), al reverendo Stephen Kumalo en Cry, The Beloved Country (1995), a Raymond Lee Murdock en A Family Thing (1996) y el vicealmirante James Greer en La caza del octubre rojo (1990), Juego de patriotas (1992) y Peligro inminente (1994), entre muchos otros roles.
Voz
[editar]El actor también es conocido por aportar la voz del villano Darth Vader en la película de 1977 Star Wars y sus secuelas The Empire Strikes Back (1980) y Return of the Jedi (1983). Darth Vader fue interpretado en el traje por David Prowse en la trilogía de la película, con Jones doblando el diálogo de Vader en posproducción porque el marcado acento inglés de Prowse fue considerado inadecuado para el papel por George Lucas.18 Jones no fue acreditado por su trabajo en las dos primeras películas de Star Wars, aunque más tarde se le acreditaría por la primera película en su relanzamiento en edición especial en 1997.18 Como explicó en una entrevista de 2008:
Cuando Linda Blair hizo el papel de la niña en El exorcista, contrataron a Mercedes McCambridge para que hiciera la voz demoníaca saliendo de ella. Y hubo controversia sobre si Mercedes debía obtener el crédito. Yo era uno de los que pensaba que no, que solo eran efectos especiales. Entonces, tratándose de Darth Vader, dije: no, solo soy efectos especiales. Pero llegué a ser tan identificado con Vader que para la tercera película pensé: de acuerdo, les dejaré poner mi nombre en ella.19
Aunque no acreditada, la voz de Jones posiblemente fue usada en la escena final de la película Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith (2005), cuando el villano se presenta sin su habitual máscara. Cuando se le preguntó específicamente al actor si había suministrado su voz, posiblemente de una grabación anterior, Jones le dijo a Newsday: "Tendrían que preguntarle a Lucas sobre eso. Yo no lo sé".19 Jones aportó la voz de Vader nuevamente en la serie animada de televisión Star Wars Rebels y en la película Rogue One: una historia de Star Wars (2016).20
Sus otros papeles de voz incluyen al león Mufasa en la película de Disney de 1994 El rey león y su secuela The Lion King II: Simba's Pride. Las grabaciones de archivo de la película se usaron más tarde para la versión en inglés del videojuego de 2006 Kingdom Hearts II, ya que el propio Jones no quiso hacer de nuevo el papel. Más recientemente, interpretó a Mufasa en el telefilme piloto de 2015 The Lion Guard: Return of the Roar.21 En febrero de 2017 se anunció que Jones volvería a interpretar al personaje en la película El rey león de 2019, producción que será dirigida por Jon Favreau.22
En 1990 Jones realizó un trabajo de voz para el primer especial de Halloween "Treehouse of Horror" de la popular serie de televisión Los Simpson, en el que fue el narrador del poema de Edgar Allan Poe "El cuervo". En 1996 recitó el clásico poema de béisbol "Casey at the Bat" con la Cincinnati Pops Orchestra.23 Recitó el poema nuevamente en 2007 antes de un partido como local de los Filis de Filadelfia el 1 de junio de 2007.
También ha hecho el eslogan de CNN, "This is CNN", así como "This is CNN International", y la apertura para el programa matutino de CNN New Day. Jones también fue portavoz desde hace mucho tiempo de la empresa Bell Atlantic y más tarde de Verizon. También prestó su voz para la apertura de la cobertura de la NBC de los Juegos Olímpicos de verano de 2000 y 2004; "The Big PI in the Sky" en el videojuego Under a Killing Moon; en The Creation, una película de plastimación; y en varios episodios de Los Simpson. Jones también prestó su voz en una secuencia narrada en la comedia de Adam Sandler y Kate Beckinsale Click, estrenada en junio de 2006. Jones narró los 27 libros del Nuevo Testamento en el audiolibro James Earl Jones Reads the Bible.24
Televisión
[editar]Jones tiene la distinción de ser el único actor en ganar dos premios Emmy el mismo año, en 1991 como Mejor Actor por su papel en Gabriel's Fire y como Mejor Actor de Reparto por su trabajo en Heat Wave.25
Interpretó al autor Alex Haley en la miniserie de televisión Roots: The Next Generations; al comandante James Solomon en las secuencias de acción en vivo del videojuego Command & Conquer: Tiberian Sun y al oficial de policía Neb Langston en el programa de televisión Under One Roof, por el cual recibió una nominación al premio Emmy. También apareció en anuncios de televisión y radio para Verizon Business DSL y Verizon Online DSL de Verizon Communications. Jones apareció en la temporada de 1963-1964 en un episodio de la serie dramática sobre la vida universitaria, Channing, protagonizada por Jason Evers y Henry Jones. También se le pudo ver en la telenovela Guiding Light e interpretando a Thad Green en "Mathnet", una parodia de la serie Dragnet emitida en el programa de humor Square One Television.
En 1969, Jones participó en la realización de tomas de prueba para la serie educativa infantil Sesame Street; estos cortos, combinados con segmentos animados, se mostraron a grupos de niños para medir la efectividad del entonces innovador formato. Como se cita en las notas de producción incluidas en el lanzamiento de DVD Sesame Street: Old School 1969-1974, el corto que tuvo el mayor impacto con audiencias de prueba fue uno que muestra a Jones calvo contando lentamente hasta diez. Este y otros segmentos con Jones fueron finalmente transmitidos como parte de la serie Sesame Street cuando se estrenó en 1969 y Jones es citado como el primer invitado famoso en esa serie, aunque un segmento con Carol Burnett fue realmente el primero en ser transmitido.
Ha interpretado personajes principales en televisión en tres series. Primero, apareció en el corto drama policial de la CBS, Paris, que se emitió durante el otoño de 1979. Esta serie fue notable por ser la primera en la que Steven Bochco ejerció como productor ejecutivo. El segundo programa se emitió en la ABC entre 1990 y 1992, la primera temporada se tituló Gabriel's Fire y la segunda (después de una revisión de formato) Pros and Cons. En los dos formatos de ese programa, Jones interpretó a un expolicía condenado injustamente por asesinato que, tras salir de prisión, se convirtió en detective privado. En 1995, Jones protagonizó Under One Roof en el papel de Neb Langston, un policía afroamericano viudo que comparte su casa en Seattle con sus hijos. El programa solamente fue emitido durante seis semanas. De 1989 a 1993, Jones fue el presentador de la serie de televisión para niños Long Ago and Far Away. En 1996 participó en el drama de la CBS Touched by an Angel en el episodio "Clipped Wings". En 1998 Jones protagonizó el aclamado programa An American Moment (creado por James R. Kirk y Ninth Wave Productions). Jones asumió el papel dejado por Charles Kuralt tras su fallecimiento en 1997. También hizo una aparición especial en "The House of Luthor", el episodio final de la primera temporada de Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman como Franklin Stern y ha actuado como estrella invitada en comedias como Frasier, Will & Grace, Two and a Half Men y Everwood.
En 2009 Jones apareció en el drama médico House, M.D. en un episodio de la sexta temporada titulado "The Tyrant", interpretando a un brutal dictador africano llamado Dibala. El dictador había hecho amenazas contra una minoría étnica, el Sitibi, y el equipo se ocupa de cuestiones éticas relacionadas con el tratamiento de un posible asesino en masa. Entre 2013 y 2014 apareció junto a Malcolm McDowell en una serie de anuncios para Sprint Corporation.26 Apareció en un episodio de la séptima temporada en la serie de humor The Big Bang Theory titulado "The Convention Enigma".
En 2015 Jones interpretó al juez Caleb Thorne en la serie de drama estadounidense Agent X en un elenco conformado por Sharon Stone, Jeff Hephner y Jamey Sheridan, entre otros. La serie fue transmitida por el canal TNT del 8 de noviembre al 27 de diciembre de 2015.
Vida personal
[editar]Jones se casó con la cantante y actriz estadounidense Julienne Marie en 1968, a quien conoció en la obra de teatro Otelo en 1964.27 No tuvieron hijos y se divorciaron en 1972.28 En 1982 se casó con la actriz Cecilia Hart, con la que tuvo un hijo, Flynn Earl Jones.29 Hart falleció el 16 de octubre de 2016, tras una lucha de un año contra el cáncer de ovario.30
Últimos años y fallecimiento
[editar]En abril de 2016, Jones habló en público por primera vez en casi 20 años sobre su condición de salud al ser diagnosticado con diabetes mellitus tipo 2, enfermedad con la que convivió desde mediados de la década de 1990.31El 9 de septiembre de 2024, falleció a los 93 años en su domicilio, en Pawling, Condado de Dutchess, en el estado de Nueva York.32
1933:
Nace Dalida, cantante y
actriz francesa (f. 1987).
Dalida (n. Iolanda Cristina Gigliotti en El Cairo, Reino de Egipto, 17 de enero de 1933 – París, Francia, 3 de mayo de 1987)
fue una cantante y actriz de origen italiano y
nacionalidad francesa que nació
en Egipto.
Habiéndose instalado en Francia, conoce su primer éxito de cantante
con el título Bambino, en 19561. Dándose forma un repertorio que
reagrupa cerca de 2 000 canciones, es interpretado en numerosas lenguas, se
hace una gran cara de la canción francesa y una estrella a escala
internacional. También participó en la popularización de ciertos géneros
musicales como el twist, el folk, el disco, el reggae, el pop o
incluso el raï.
En 1981 fue la primera mujer en recibir un
disco de diamante en reconocimiento a la cantidad
de copias vendidas, que le valieron un total de 55 discos de oro a lo largo de su carrera2. Entre sus éxitos más conocidos se listan Bambino, Les
enfants du pirée, T'aimer follement, Ciao Amore Ciao, Je
Suis Malade, Darla Dirladada, Gigi l'amoroso, Paroles...Paroles..., Il Venait D'avoir 18 Ans, J'attendrai, Le Lambeth Walk, Avec Le Temps, Salma Ya Salama, o Soleil, Soleil, Laissez-moi danser y Mourir sur scène3. Con los títulos J'attendrai y Besame
mucho, Dalida es una de las primeras artistas francesas que
interpretan canciones disco. Registró numerosos dúos con personalidades de la
escena mundial como Julio Iglesias, Johnny Hallyday, Mireille Mathieu, Nana Mouskouri, Petula Clark, Charles Aznavour, Claude François, Sheila, Johnny Mathis, Umberto Tozzi o todavía Gloria Lasso.
Se suicidó en 1987, algunos meses después
de haber sido la actriz principal de la película dramática Le sixième
jour. Su muerte es consecuencia de varios dramas personales, de los que la
muerte brutal de su compañero sentimental y profesional Luigi Tenco, ya la había conducido a una
tentativa de suicidio veinte años antes.
Dalida ha vendido más de 140 millones de discos en todo el mundo4.
1942:
Nace Muhammad
Alí (Cassius Clay), boxeador estadounidense (f. 2016).
Muhammad Ali o Mohamed Ali1 (Louisville, Kentucky; 17 de enero de 1942-Scottsdale, Arizona; 3 de junio de 20162), nacido Cassius Marcellus
Clay, Jr. y conocido al principio de su carrera como Cassius
Clay,3 fue un boxeador estadounidense,
considerado el mejor de todos los tiempos, o uno de los más destacados. Fue una
figura social de enorme influencia en su generación, en la política y en las
luchas sociales o humanitarias a favor de los afroamericanos y del islam.
En su etapa amateur como Cassius Clay logró la
medalla de oro en los Juegos
Olímpicos de Roma 1960 en la categoría de 75-81 kg y, como
profesional, ganó el título de campeón indiscutido de la categoría de
los pesos pesados en 1964 a la edad de
veintidós años. Finalmente, se convirtió en el único boxeador en conquistar en
tres ocasiones el campeonato lineal (1964, 1974 y 1978) e indiscutido (1964,
1967 y 1974) de peso pesado; y en el primero en conquistar cuatro veces un
título mundial de peso pesado (el de la Asociación
Mundial de Boxeo en 1964, 1967, 1974 y 1978).
Se caracterizó por su estilo de boxeo alejado de la técnica
tradicional, aunque era un conocedor del deporte y de sus contrincantes.4 Fue dirigido la mayor parte de su
carrera por el entrenador Angelo Dundee, y sostuvo memorables combates
contra los más renombrados pugilistas de su tiempo, como Archie Moore, Henry Cooper, Sonny Liston, Floyd Patterson, Ernie
Terrell, Joe Frazier, George Foreman y Ken Norton. Seis de sus peleas han sido
consideradas como las mejores del año por la revista The Ring.
Vertía tanto opiniones claramente irreverentes sobre sus oponentes, como
acertados pronósticos de sus contiendas.
Fuera del cuadrilátero,
Muhammad Ali se erigió como una figura con influencia social desde los años 1960 cuando se opuso a su
reclutamiento por parte de las fuerzas
armadas de su país durante la guerra de Vietnam. Se declaró objetor de
conciencia, pese al rechazo de los defensores del nacionalismo
estadounidense.5 Formó parte de la organización
religiosa de la Nación del Islamy,
aunque se ganó detractores por su conducta independiente de los estereotipos
sobre los afroamericanos, a partir de los años 1970 consiguió el respeto como
figura deportiva de renombre mundial, en especial tras su pelea contra George
Foreman.6En el ocaso de su carrera, empezó a
dar muestras de desgaste físico; después de su retiro padeció la enfermedad de
Parkinson.
Entre numerosos reconocimientos recibió la Medalla
Presidencial de la Libertad; el ingreso al Salón
Internacional de la Fama del Boxeo; el título de «Rey del Boxeo» por
parte del Consejo Mundial de
Boxeo; y «Deportista del Siglo XX» por Sports Illustrated y
la BBC, entre otros.
1942:
Nace Aldo Monges,
Aldo Monges (Córdoba,
Argentina, 17 de enero de 1942)
es un cantante folclórico-melódico argentino, popularmente conocido como "El
Trovador Romántico".
Empezó a
cantar desde los 5 años en reuniones familiares y de escuela, a los 12 ya
empieza a componer y a destacarse como autor, más tarde Horacio Guarany lo impulsaría a
interpretar sus propias composiciones, las cuales ya despuntan en su primer
álbum Olvídame muchacha, de 1971.
Participó
como intérprete musical en 2 películas: La carpa del amor y Los éxitos del amor,
ambas del año 1979.
Fue amigo del
maestro Cuco Sánchez de
quien grabó varios temas, lo conoció cuando Aldo viajó durante 8 años seguidos
por México y Estados Unidos. Según Aldo, Cuco Sánchez fue su ídolo desde los 13
años.
Su tema Canción
para una mentira, de su primer álbum, obtuvo una considerable difusión por
aquella época, este éxito fue utilizado por mucho tiempo en el popular programa
de televisión "Argentinísima" de Julio Mahárbiz, como cortina musical.
Entre sus
éxitos, mayormente de los años 1970, podrían citarse Brindo por tu
cumpleaños', Qué voy a hacer con este amor y Olvídame
muchacha, entre otros temas.
https://www.youtube.com/watch?v=Etb432JJqqs
1949:
Nace Juan
Gossaín, periodista y escritor colombiano.
Juan Antonio Gossaín Abdallah (San Bernardo del
Viento, Córdoba, 17
de enero de 1949) es un escritor y periodistacolombiano.
Biografía[editar]
Hijo de padre libanés, Juan Gossaín nace en San Bernardo del
Viento, Córdoba, en
1949. Juan Gossaín, el padre, llegó del Líbano, atracó en las costas de
Colombia y tuvo cinco hijos con una mujer treinta años menor que él. Una copia
de la foto del pasaporte con el que entró al país a comienzos del siglo pasado
reposa en la mesa de la sala del apartamento de Juan Gossaín, el escritor, en
el piso veintitrés de un edificio desde el que se ve la bahía de Cartagena.
Desde su pueblo natal mandaba crónicas a El Espectador. Sus días
transcurrían entre leer, escribir y jugar dominó. Juan Gossaín es un experto en
el juego, tanto que afirma que sólo el boticario del pueblo podía ganarle. Un
día llegó una carta del periódico ofreciéndole trabajo en Bogotá. Era 1971.
De Bogotá pasó a Barranquilla, donde afirma haber pasado ocho de
los mejores años de su vida como empleado de El Heraldo.
Se tituló de contador público,
pero nunca ejerció, sino que se inclinó en un principio por el periodismo
radiofónico. En la época de la bonanza marimbera de la Costa Caribe
publicó su primera novela, “La mala hierba”, que fue llevada a
la televisión como telenovela. Una selección de sus crónicas publicadas en
la revista Semana de
Colombia fueron recogidas en el libro “La Nostalgia del Alcatraz”. En
2006 la Revista Diners y la Editorial Planeta publicaron su segunda
novela, “La balada de María Abdala”. De la mano de Yamid Amat ingreso a trabajar en Caracol Radio. Se casa con Margoth Ricci.
Desde 1973 hasta el 30 de junio de 2010 se desempeñó como Director Nacional de
Noticias de la Radio Cadena Nacional de Colombia (RCN Radio). Reside en Cartagena de indias desde
el año 2010.
https://www.youtube.com/watch?v=LkvN8xZTqNE
1949:
Nace Mick
Taylor, músico británico, de la banda The Rolling Stones.
Michael Kevin Taylor nacido el 17 de enero de 1949 en Welwyn Garden City, Inglaterra, es un guitarrista de blues rock.
Fue clasificado en el puesto 37 en la lista de la revista Rolling Stone de 2011 de los 100 mejores
guitarristas de todos los tiempos.1 Slash, el guitarrista de Guns N 'Roses, afirma que Taylor ejerció una
enorme influencia sobre él.2
Índice
Comienzos. 1949-1969[editar]
Empezó en un grupo llamado The Juniors. Parte de los integrantes
de esta banda fueron contratados para una nueva formación, The Gods.
En 1965, a la edad de 16 años, Taylor fue a ver una actuación de
los John
Mayall & Bluesbreakers en "The Hop" Woodhall
Centro Comunitario, en Welwyn Garden City.
Después de ver que Clapton no había aparecido en la primera parte del
concierto, pero que su guitarra ya había sido montada en el escenario, Taylor
se acercó a John Mayall durante el intervalo para preguntar si podía tocar con
ellos. Taylor mencionó que había oído sus álbumes y que conocía algunas de las
canciones, y después de un momento de deliberación, Mayall estuvo de acuerdo.
Taylor comentó, "Yo no estaba pensando que esa era una gran oportunidad
... Yo realmente quería subir al escenario y tocar la guitarra".
Taylor tocó la segunda parte con la banda de Mayall y, después
de ganarse el respeto, intercambiaron los números de teléfono. Este encuentro
resultó ser crucial en la carrera de Taylor cuando Mayall comenzó a buscar un
guitarrista para llenar la vacante de Peter Green al año siguiente. Mayall se
puso en contacto con Taylor y le invitó a tomar el lugar de Green.3 Taylor hizo su debut con los
Bluesbreakers en el Manor House, un antiguo club de blues en el norte de
Londres. Para la escena musical, la noche fue un evento. "Vamos a ver a
este chico de 17 años tratar de reemplazar a Eric". A partir de entonces,
Taylor entró en el grupo y grabó el álbum Crusade con los
Bluesbreakers de John Mayall. De 1966 a 1969, Taylor desarrolló un estilo de
guitarra basado en el blues con influencias latinas y jazz. Él es el
guitarrista en los álbumes: Diario de una banda, Bare Wires y Blues from Laurel
Canyon.
Más tarde en su carrera, desarrolló sus habilidades como
guitarrista de slide guitar.
1969-74: Los Rolling Stones[editar]
1969-1972. De Let it Bleed a Exile on
Main St. La época dorada[editar]
Después de que Brian Jones fuera
expulsado de los Rolling Stones en junio de 1969, John Mayall recomendó a
Taylor a Mick Jagger. Taylor
creyó que lo llamaban para ser un músico de la sesión en su primera sesión del
estudio con los Rolling Stones.4 Unos impresionados Jagger y Keith Richards invitaron a Taylor a
regresar al día siguiente para continuar ensayando y grabando con la banda.
Dobló la guitarra de Richards en "Country Honk" y "Live With
Me" para el álbum Let It Bleed, y en el single "Honky Tonk Women" lanzado en el Reino
Unido el 4 de julio de 1969.56
El debut de Taylor como Rolling Stone, a la edad de 20 años, fue
en el concierto gratuito en Hyde Park, Londres el 5 de julio de 1969. Un
cuarto de millón de personas asistieron a un espectáculo que se convirtió en un
homenaje a Brian Jones, que había muerto dos días antes del concierto.7
El álbum Sticky Fingers de los Rolling Stones
lanzado en 1971 incluían los temas "Sway" y "Moonlight
Mile" que Taylor y Jagger habían completado en la ausencia de Richards por
sus problemas con las drogas. Es el momento en que Jagger dijo: "Hicimos
temas con sólo Mick Taylor, que son muy buenos y todo el mundo ama, donde Keith
no estaba allí por cualquier motivo... Somos yo y [Mick Taylor] interpretando
el uno para el otro - otro sintiéndose completamente, porque está siguiendo mis
líneas vocales y luego improvisando sobre ellas durante los solos ".8 Sin embargo, Taylor sólo fue
acreditado como coautor del tema "Ventilator Blues", del álbum Exile on Main St.de 1972.9
Después de la gira europea de 1973, los problemas de drogas de
Richards habían empeorado y comenzaron a afectar la capacidad de la banda para
funcionar como un todo. La participación de Taylor en los Stones no estaba
limitada solo a la guitarra. Se dice que a principios de los años setenta
Taylor colaboró en algunas canciones con Mick Jagger, ya que en esa época Keith Richards estaba sumido en su
dependencia a las drogas. Entre sus colaboraciones se encontrarían
"Sway", "Moonlight Mile", "Winter",
"100 Years Ago" y "Time Waits for No One". La única canción que le
entrega crédito a Taylor como compositor es "Ventilator Blues"
del álbum Exile on Main St. (aunque
en realidad su aporte fue la creación del riff).10
1973–74: It's Only Rock 'n Roll[editar]
En noviembre de 1973, cuando la banda debía comenzar a trabajar
en el LP It's Only Rock
'n Roll en los estudios Musicland en Múnich, Taylor faltó a
algunas de las sesiones mientras se sometía a cirugía para la sinusitis aguda. No mucho se logró
durante los primeros 10 días en Musicland. La mayor parte de las grabaciones
reales se hicieron en enero en Musicland y en abril de 1974 en la finca de
Jagger en el condado inglés de Hampshire apodada "Stargroves".
Cuando Taylor reasumió el trabajo con la banda encontró difícil de seguir junto
con Richards.
En un momento durante las sesiones de Múnich, Richards se
enfrentó a él y le dijo: "Oye! Taylor, estás jugando muy fuerte, quiero
decir, eres muy bueno en vivo, hombre, pero eres inútil en el estudio."
Richards borró algunas de las cintas en las que Taylor había grabado partes de
guitarra para algunas de las canciones de It's Only Rock n 'Roll.
En el trasfondo estaban los celos de Richards por la brillantez de los largos
solos de Taylor en directo que le hacían quedar a él en segundo plano. Taylor
estaba, sin embargo, presente en todas las sesiones en abril en Stargroves,
Inglaterra, donde el LP fue terminado y la mayor parte de los overdubs fueron
registrados.
Poco después de esas sesiones de grabación, Taylor fue a una
expedición de seis semanas a Brasil, para viajar por el río Amazonas en un bote
y explorar la música latina. Justo antes del lanzamiento del álbum en octubre
de 1974, Taylor le dijo a Nick Kent de la revista NME acerca del nuevo LP, que
había co-escrito "Till the Next Goodbye" y "Time Waits for No
One" con Jagger. ] Kent demostró a Taylor la carátula del disco, que
reveló la ausencia de cualquier crédito de composición para Taylor.
"Yo estaba un poco molesto por no conseguir crédito por un par de canciones, pero esa no fue toda la razón por la que dejé la banda. Supongo que me sentía como si tuviera suficiente. Decidí salir y comenzar un grupo con Jack Bruce. Nunca me sentí, y no sé por qué, pero nunca sentí que iba a quedarme con los Stones para siempre, incluso desde el principio."
- Mick Taylor, en una entrevista con Gary James,11
"Solíamos luchar y discutir todo el tiempo. Y una de las cosas que me enojé fue que Mick había prometido darme créditos por algunas de las canciones - y no lo hizo. Creí que había contribuido lo suficiente. Pongámoslo de esta manera - sin mi contribución esas canciones no habrían existido. No hay muchas, pero suficientes, cosas como "Sway" y "Moonlight Mile" en Sticky Fingers y un par de otros temas."
- Mick Taylor, en una entrevista de 1997 con la revista Mojo
Entre las sesiones de grabación, los miembros de la banda
estaban viviendo en varios países y durante este período Taylor apareció en el
álbum London Underground de Herbie Mann (1974) y también apareció en
el álbum de Mann Reggae (1974). En diciembre de 1974, Taylor
anunció que dejaba los Rolling Stones. Los compañeros de banda estaban en una
fiesta en Londres cuando Taylor le dijo a Mick Jagger que estaba dejando de
fumar y salió. La decisión de Taylor fue choque total para muchos.12 Los Rolling Stones debían comenzar a
grabar un nuevo álbum en Múnich, y la banda entera se habría enfadado con
Taylor por haber salido en tan poco tiempo.
En un ensayo sobre los Rolling Stones, impreso después de la
renuncia de Taylor, el crítico de música Robert Palmer del New York Times escribió
que "Taylor es el técnico más consumado que jamás sirvió como Stone. Un
guitarrista de blues con un estilo de jazzman para la invención melódica,
Taylor nunca fue un roquero ni un showman."
Colaboración posterior con los Stones[editar]
Taylor ha trabajado con sus ex compañeros de banda en varias
ocasiones desde que dejó los Rolling Stones. En 1977 asistió a sesiones en
Londres para el álbum de John Phillips Pay Pack & Follow,
apareciendo en varias pistas junto a Jagger, Richards y Wood haciendo solos
notables en las canciones "Oh Virginia" y " Guerrero del Zulú
". Una historia posiblemente apócrifa es que después de que Taylor
interpretó un solo particularmente caótico en el estudio, Richards exclamó
medio jocoso: "¡Por eso nunca me gustaste, bastardo!".
El 14 de diciembre de 1981 actuó con la banda en su concierto en
el Kemper Arena en Kansas City, Missouri, (en la cual compartió escenario con
Ron Wood y Richards, llegando en "Let Me Go" -junto a Jagger-, a un
total de 4 guitarras en escenario)..13 Keith Richards apareció en el
escenario en un show de Mick Taylor en el Lone Star Cafe en Nueva York el 28 de
diciembre de 1986, tocando en "Key to the Highway" y "Can not
You Hear Me Knocking"; Y Taylor aparece en una canción ("I Could Have
Stood You Up") en el álbum de 1988 de Richards Talk is Cheap. El Salón de
la Fama del Rock and Roll introdujo a Mick Taylor junto con los
Rolling Stones en 1989.14 Taylor también trabajó con los Rhythm Kings de Bill Wyman a principios de los noventa.
Además de sus contribuciones a los álbumes de los Rolling Stones
lanzados durante su estancia en la banda, la guitarra de Taylor está también en
dos pistas en su álbum de 1981 Tattoo You: "Tops" y
"Waiting on a Friend", las cuales fueron grabadas originalmente en
1972 (Taylor es a veces equivocadamente acreditado como tocando en
"Worried About You", pero el solo en esa pista es interpretado por
Wayne Perkins.)15
La presencia de Taylor en el escenario con los Rolling Stones se
conserva en el mítico álbum Get Yer Ya-Yas Out !, grabado durante
cuatro conciertos en el Madison Square Garden de
Nueva York y el Civic Center en Baltimore en noviembre de 1969 y en el
álbum Brussels Affair ),
compilado a partir de dos espectáculos grabados en Bruselas el 17 de octubre de
1973 en el Forest National Arena, durante su gira europea. Las actuaciones en
directo de Taylor también aparecen en los documentales Stones in the
Park(publicado en DVD en 2001), Gimme Shelter (lanzado
en 1970) y Cocksucker Blues (inédito); y en la película de
concierto Ladies
and Gentlemen: The Rolling Stones(presentada en cines en 1974, y
estrenada en DVD y Blu-ray en 2010). Estas actuaciones también fueron lanzadas
en un álbum con el mismo título. Las grabaciones de Bootleg de las actuaciones
de los Rolling Stones de 1969 a 1973 también documentan las actuaciones de
concierto de Taylor con los Rolling Stones.
En marzo de 2010, comenzaron a circular rumores de que Taylor
había contribuido con el trabajo de guitarra en el Exile on Main St.
edición especial. Esta versión ampliada del álbum doble original incluye 10
tomas o versiones alternativas de canciones. Taylor reveló más tarde (en una
entrevista con un periodista de Cleveland) que él había registrado realmente
nuevos overdubs de la guitarra para el CD, a petición de Jagger.
Desde que dejó al grupo, hizo su propia carrera solista o
participando con otros artistas como Bob Dylan, Keith Richards, Carla Olson, Jack Bruce y Ron Wood. Volvió a subir a los escenarios
junto a The Rolling Stones en Glastonbury Festival en 29 de junio de 2013.
1952:
Nace Ryūichi Sakamoto, músico japonés.
Ryuichi Sakamoto (坂本 龍一 Sakamoto Ryūichi?,
nacido el 17 de enero de 1951) es un músico japonés,
activista, compositor, productor, escritor, cantante, pianista y actor.
Actualmente vive en Tokio y Nueva York. Comenzó su carrera en 1978 como
miembro de la banda pionera en la música electrónica Yellow Magic
Orchestra (YMO),12 donde tocó los teclados y
ocasionalmente fue vocalista. La banda fue un éxito internacional, con éxitos
como Computer Game / Firecracker (1978) y Behind the
Mask (1978),3 escrita y cantada por Sakamoto.
Actualmente se encuentra enfocado en su carrera como solista, en
la que debutó con el álbum de música experimental fusion The
Thousand Knives of Ryūichi Sakamoto (1978); posteriormente publicó el
álbum pionero B-2 Unit (1980), que incluye el clásico de
la música electro Riot
in Lagos.456 Después de la separación de YMO en
1983, produjo más álbumes en solitario, incluyendo colaboraciones con varios
artistas internacionales a través de los noventa.
Comenzó a actuar y a componer música para cine con Feliz Navidad,
Mr. Lawrence (1983), en la que interpretó uno de los
personajes principales y realizó el score de la misma. La canción Forbidden
Colours que compuso para el filme se convirtió en éxito a nivel
mundial y ganó un premio BAFTA por el score del filme.7 Después ganó un Óscar y un Grammy por el score de El último emperador (1987),8 y también ganó dos Globos de Oro por
su trabajo de música para cine.7 Adicionalmente compuso la música para
la apertura de los Juegos
Olímpicos de Barcelona 1992.
A principios de los años noventa, tuvo una breve reunión con
YMO, tocando un rol instrumental de los movimientos techno y acid house de la época, antes de que se
volvieran a separar.9 La composición musical Energy
Flow (1999), conocida de manera alternativa como Ura BTTB en
su single.
Ocasionalmente ha trabajado en animes y música de videojuegos,
como compositor y guionista. A finales de los 2000, se reunió nuevamente con
YMO, mientras componía música para cine. En 2009, le fue otorgado la Orden de
las Artes y las Letras por el Ministro de Cultura de Francia
por sus contribuciones musicales.3
1954:
Nace Antonio
Ramírez Cruz, integrante del grupo Miramar.
Antonio Ramírez Cruz (Río Grande, 17 de enero de 1954) es un músico, cantante y compositor mexicano creador de
reconocidos éxitos a nivel internacional, dentro del Grupo
Miramar, como: Amor de
Verdad, El Perico Tuerto, Como un Loco, El Burrito Señorón, Sin Condición,
entre otros.1
https://www.youtube.com/watch?v=QjLeu3HFpkc
https://www.youtube.com/watch?v=GEb9o5VDVUI&list=PLGA55Kx7WgsglQL4v9cbpYkov5owVDnJp
1956:
Nace Paul Young,
cantante británico.
Paul Antony Young34 (Luton, Bedfordshire, Inglaterra, 17 de enero de 1956)56 es un músico británico de pop.
Su primer gran éxito llegó con la canción en 1985: Everytime
you go away (Cada vez que te alejas) que fue escrita originalmente
por Daryl Hall. En 1991 cantó a dúo con el
cantante italiano Zucchero la balada-pop Senza una
Donna (Sin una mujer) que también fue un éxito. En 1992 participó en
una de las tocatas punk en el New Mod (Londres) en el Tributo a Freddie Mercury junto con los miembros
restantes de Queen interpretando la canción
"Radio Gaga".
Lanzó una colección de sus canciones más famosas. Sin embargo,
su mayor popularidad la obtuvo haciendo nuevas interpretaciones de canciones
conocidas como "Wherever I lay my hat (that's my home") de Marvin Gaye. Su último disco de versiones y
canciones escritas por él se editó en 1997 bajo
el título "Paul Young".
En la actualidad participa regularmente en una serie de
conciertos - nostalgia de los 80 en Gran Bretaña llamados "Here and
Now" con estrellas del tipo Martin Fry ("ABC"), Peter Cox (Go
West), Kim Wilde, Tony Hadley (Spandau Ballet) y también
participa en la SAS BAND formada por músicos británicos de los 70 y 80. Desde
hace un tiempo milita en un grupo musico-vocal de rock "Tex-Mex"
llamada Los Pacaminos junto con Jamie Moses, guitarrista que ha tocado como
segunda guitarra de "The Brian May Band" y en las dos giras de
"Queen + Paul Rodgers"
1957:
Nace John Crawford, cantante y compositor
estadounidense
miembro de la banda Berlin.
John Buckner Crawford (nacido el 17 de enero de 1957 [1] ) es un cantante y compositor
estadounidense cuyos esfuerzos con la banda de Berlín fueron una parte esencial de su
ascenso a la fama a principios de los años ochenta. La carrera de Crawford
como músico comenzó en la secundaria después de romperse una pierna durante
un juego de baloncesto . En
un intento por combatir el aburrimiento de ser lesionado, tomó una guitarra y comenzó a tomar clases en un
minorista de instrumentos musicales en las cercanías de Fullerton, California ,
donde su maestro lo puso en contacto con los futuros miembros de la banda de
Berlín, Dan Van Patten y Chris Velasco. . John asistió a la
preparatoria El Dorado en Placentia, California . Elcita requerida ]
Los tres pronto formaron una banda llamada The Toys con
el vocalista Ty Cobb al mando. La primera actuación de la banda fue en
un baile de Sadie
Hawkins en la escuela secundaria de Crawford de la
época. Crawford, Cobb y los demás fueron influenciados por los rockeros
punk actuales como los Sex Pistols junto
con la banda de Synthpop Ultravox , aunque
Crawford ha citado a KISS como una
influencia temprana también. (los dos párrafos principales citados del
sitio web de Crawford, [2] )
Después de un cambio de nombre a Berlín , Cobb estaba fuera y se produjo
una serie de vocalistas. En 1980, Berlín lanzó el EP Information on Zone H.
Records con Virginia Macolino al frente del grupo. La banda
firmó brevemente con IRS Records en 1980, lanzando el single
"A Matter of Time", antes de disolverse repentinamente en 1981. [3] [4]
1959:
Nace Susanna
Hoffs, vocalista estadounidense, de la banda The Bangles.
Susanna Lee Hoffs (Los Ángeles, 17 de enero de 1959)
es la vocalista y guitarra rítmica del
grupo de rock The Bangles y actrizpor su participación en la película The
Allnighter (1987). En 1981,
lanzó su primer sencillo con The Bangles, titulado Bangles, tras lo
que siguieron los LP Bangles (1982), All Over the Place (1984), Different Light (1986), Everything (1988)
y Greatest
Hits(1991).
En 1991, Hoffs lanzó su primer álbum como solista,
titulado When You're a Boy, cuyo dulce y romántico single «My side
of the bed» se colocó en las zonas medias de los éxitos musicales. En 1996,
grabó su segundo disco en solitario, llamado sencillamente con su nombre: Susanna
Hoffs.
Tras sacar otro disco en solitario, The Bangles se reunieron en
1995 para grabar September Gurls tras lo que vendrían Greatest
Hits (2000), la canción «Get the Girl» (incluida en la banda sonora
original de la película Austin
Powers:la espía que me achuchó), Eternal Flame (2001)
y Doll Revolution (2003).
La bajista Michael
Steel abandonó la banda en 2005 sin ser sustituida.
Susanna está casada con el director de cine Jay Roach, realizador de películas como Austin Power y Los
padres de ella, y tienen dos hijos.1 Su última grabación fue Under
the Covers, Vol. 1, una colaboración con el cantante y guitarrista de rock
alternativo Matthew Sweet, con
quince temas que versionan éxitos de los años 1960 y 1970 que fue publicada en
2006. En la actualidad, sigue tocando en directo con The Bangles.
En julio de 2012, editó bajo el sello Baroque Folk un nuevo
álbum solista, titulado Susanna Hoffs, producido por Mitchell
Froom, con 10 canciones electrofolks.
1962:
Nace Jim
Carrey, actor y comediante canadiense.
James Eugene "Jim" Carrey (Newmarket, Ontario, 17 de enero de 1962)
es un humorista, actor, y cantante canadiense. Es conocido por sus
interpretaciones con humor slapstick,1 y por su labor actoral ganó dos Premios Globo de Oro y
fue candidato a un Premio BAFTA.
Empezó a trabajar a fines de la década de 1970, cuando empezó a
actuar como comediante en vivo en
el club Yuk Yuk's, ubicado en Toronto. Después de obtener cierto prestigio,
en 1981 comenzó a trabajar en the
Comedy Store de Los Ángeles, donde fue visto por el
humorista Rodney Dangerfield,
quien inmediatamente firmó con él la apertura de sus giras de actuaciones.
Carrey, con mucho interés en el cine y la televisión, desarrolló una amistad
cercana con Damon Wayans, que
le consiguió un papel en el exitoso programa de humor In
Living Color, en el que interpretó a varios personajes
durante 1990.
Después de obtener éxito en series de televisión y varias
películas de bajo presupuesto, protagonizó la comedia Ace Ventura, que se estrenó en febrero de
1994 y recaudó poco más de 72 millones de dólares en
Estados Unidos.2 La película tuvo una secuela en 1995
titulada Ace Ventura:
When Nature Calls, en la que repitió el papel de detective de
mascotas. Le siguieron otros exitosos papeles como el de Stanley Ipkiss
en The Mask,
que le valió una nominación al Globo de Oro como mejor actor en una comedia o musical, Lloyd
Christmas en la cinta Dumb and Dumber, ambas de 1994; y a
Fleetcher Reed en Liar Liar de
1997. En 1999 y 2000 ganó el Globo de Oro por sus actuaciones en The Truman Show y Man on the Moon.
Desde que ganó
ambos premios, Carrey continuó protagonizando comedias, incluyendo How the Grinch Stole Christmas (2000), Bruce Almighty (2003), Lemony Snicket's A Series of
Unfortunate Events (2004), Fun with Dick and Jane (2005), Yes Man (2008), A Christmas Carol (2009), y Mr. Popper's Penguins (2011).
También interpretó roles dramáticos, incluyendo a Joel Barish en Eternal Sunshine of the Spotless
Mind (2004), junto a Kate Winslet y Kirsten Dunst, que le dio otra nominación al Globo de
Oro, y Steven Jay Russell en I Love You Phillip Morris (2009). En 2014 protagonizó la secuela de Dumb & Dumber, Dumb and Dumber To,
que fue un éxito en taquilla.34
Se casó en dos ocasiones, primero con Melissa Womer, con la cual
contrajo matrimonio de 1987 a 1995, y luego con Lauren Holly, con quien solo convivió un año.
Después, Carrey se relacionó con la actrices Renée Zellweger,
a quien conoció durante la filmación de la película Me, Myself &
Irene, la directora Laurie Holden y la modelo Jenny McCarthy. En 2012 comenzó una relación
sentimental con Cathriona White, quien falleció a causa de una sobredosis de
fármacos en 2015.5
Carrey ha declarado que considera menos tentador repetir un
personaje que interpretar uno nuevo. La única vez que repitió fue con Ace
Ventura (se han hecho secuelas de Bruce Almighty y La
Máscara sin la participación de Carrey).
1964:
Muere Laureano
Martinez Smart, compositor peruano.
Hijo de José Martínez Esquivel y Juan Rosa Smart, no tuvo que
abandonar ningún pueblo para ver la capital por que era limeño, nacido en los
Barrios Altos, el 4
de Julio de 1903; aunque Pedro Duran Quevedo (“Perucanta”
No. 1, sin fecha), decía que el nacimiento fue el 4 de Agosto de 1907. También
contó que en su juventud fue jockey.
Dos son los valses que le dieron popularidad, “El Provinciano” (“Las
locas ilusiones me sacaron de mi pueblo/ y abandoné mi casa para ver la capital”),
y “Amargura”
(“Quisiera que volvieran los días de la infancia/ para vivir alegre y sin
preocupaciones….”)
Autor prolífico, compuso “Compañera
mía” en honor a su esposa (“Compañera mía,/ santa mujercita,/
siempre bondadosa,/ en mis horas tristes/ y en mis alegrías fuiste cariñosa….”;
“Invoco tu nombre“,
como homenaje a su hija; y otras muchas canciones, entre ellas
“Decepción” (letra de Serafina Quinteras), “Destino” (letra de Juan Sixto Prieto) “Fatalidad”) letra de
Juan Sixto Prieto), “Lima
de Antaño” (letra de Juan Sixto Prieto) “Para ti es mi canción“,
y entre otras “Quiero”
(letra de Leonidas Yerovi, hijo).
Compuso la polca “Cholita”
para el que su inseparable amigo Juan Sixto Prieto escribio los
versos. Hizo el arreglo musical de “Ingrata
palomita”, polca también. En la década del 40 tenía una
casa musical en la calle Gallinazos No. 381 (tercera cuadra del Jr. Puno); en
el No. 1342 de “El
Cancionero de Lima“, de enero-febrero de 1941, se publicó un
aviso de su establecimiento. Vendía partituras para piano, boquillas de saxofón
y clarinete. También ofrecía a su clientela violines, guitarrras y arcos.
Alquilaba pianos y baterías.
Martínez Smart llevaba la música en el alma. Contagiado por otros ritmos lanzó al
mercado la rumba-fox “Pasó
el carretón” en 1944, año en que también llevó al pentagrama el
pasodoble “Sol de Madrid”
con letra de Juan Sixto Prieto y, siempre con el concurso de este olvidado
versista, el swing “Dalias
traigo para ti“.
A propósito del vals “Fatalidad”
(“Nocturno, de celaje deslumbrante,/ su encanto,/ rememoro a cada instante,/
romance/ de un momento que viviera….”), desde hace muchos años, se ha hecho
notar que no se canta la última estrofa, siendo, como es, tan bella:
“Estrella,/ fugitiva que mi anhelo,/ te llevas por desconocido cielo,/ delante,
no me robes la alegría./ Sin tu influjo luminoso/ mi existencia es un destrozo/
¡oh querida! son tus ojos miguión./No me dejes en las brumas,/ con tu dulce
amor perfumas/ como nadie, ni nocturno de pasión”.
Martínez Smart fue autor de otro vals que desde que empezó a cantarse a través de
la radio “pegó” en el gusto popular: “Hace
tiempo“, que dice en sus primeros versos: “Hace tiempo que me
tienes como loco,/ hace tiempo que no te dejas ver./ No comprendes mujer que me
haces daño….”
Falleció a los 61 años el 17 de Enero de 1964. Fue casado con
María Navarro.
Cortesia:Cecilia Nuñez
https://www.youtube.com/watch?v=YsJw9ADbh4k
1969:
Nace Naveen
Andrews, actor británico.
Naveen William Sidney Andrews (Lambeth, Londres; 17 de enero de 1969),
más conocido como Naveen Andrews, es un actor británico de cine y televisión.
Índice
o 3.1Cine
Biografía[editar]
Andrews nació en Lambeth, al sur de Londres, hijo de la psicóloga Nirmala y el
hombre de negocios Stanley Andrews, ambos inmigrantes procedentes de Kerala, India.
Para conseguir que no hablase inglés con acento indio, los padres de
Naveen no le enseñaron hindi.
Su carácter rebelde pronto chocó con los valores
tradicionalmente indios de sus padres, con los que tuvo una relación muy
problemática marcada por episodios de violencia y tensión y por el rechazo
paterno a la vocación dramática de su hijo. Esta insostenible situación explotó
cuando Naveen cumplió 15 años y fue expulsado de su casa y acogido por
Geraldine Feakins, su profesora de matemáticas (con la que posteriormente
iniciaría una relación amorosa que daría como fruto al hijo primogénito de
Naveen, Jaisal Andrews).
Asistió a la Guildall School of Music and Drama, en sus propias
palabras, porque sus bajas calificaciones académicas no le permitían ir a la
Universidad y porque los estudios de teatro estaban subvencionados por el
Gobierno Británico. Allí fue compañero de Ewan McGregor y Daniel Craig.
En esos años comienzan sus éxitos televisivos y
cinematográficos, The Budha of
Suburbia, London Kills Me, Kamasutra: Una
historia de amor o la oscarizada El paciente inglés.
Andrews es un ex adicto a las drogas y el alcohol. Sufrió estas
adicciones cuando vivía en Londres y tenía menos de 30 años, adicciones que
casi terminan con su prometedora carrera. Afortunadamente, un miembro de
los Sex Pistols lo convenció para
rehabilitarse y acudir a las reuniones de Alcohólicos Anónimos.
Su rehabilitación, llevada a cabo en los Estados Unidos, tuvo éxito. No ha conseguido,
sin embargo, acabar con su adicción al tabaco.
Hoy en día reside en Los Ángeles, California, y aunque sigue siendo un fanático
del Chelsea F. C.,1 no se plantea volver a vivir en
Londres, ciudad que le trae amargos recuerdos de su infancia y su primera
juventud marcada por las adicciones y los escándalos.
Desde 1998, Andrews mantuvo una relación con la actriz Barbara Hershey y vivían en Los Ángeles.
La pareja se separó brevemente en 2005 y, durante ese tiempo, Andrews tuvo un
hijo con Elena Eustache. Este niño, llamado Naveen Joshua Andrews, está bajo la
custodia de su padre y con él residió entre Los Ángeles y Oahu, Hawái, mientras Naveen rodaba la serie Lost.
En 2009 finalizó su relación con Barbara Hershey.
Trabajos[editar]
Su primera aparición cinematográfica la hizo en la película
de 1991 London
Kills Me, aunque la primera película de éxito en la que
participó fue El paciente inglés interpretando
a Kip. Ha realizado numerosas intervenciones en series de televisión y películas, entre ellas Rollerball y Kamasutra: una historia de amor. Participó
en la serie de televisión estadounidense Lost,
interpretando a un ex militar iraquí miembro
de la Guardia Republicana llamado Sayid Jarrah. En el 2014 estuvo en el reparto
principal de la serie Once Upon a
Time in Wonderland participando con el papel de Jafar.
En 2015 apareció en la serie Sense8, en el episodio "Resonancia
límbica (Sense8)", y luego siguió trabajando en la serie como
personaje recurrente.
Naveen también toca la guitarra y canta.
1971:
Nace Kid Rock,
cantante estadounidense.
Robert James "Bob" Ritchie, más conocido por su
nombre artístico Kid Rock, nacido el 17 de enero de 1971 en Romeo, Michigan,
es un cantante, compositor y actor estadounidense, 5 veces nominado a los Premios Grammy. Kid Rock es
conocido por su estilo musical, que fusiona rap con rock, blues, heavy metal, funk y country.
Aunque su carrera artística comenzó en 1988, se hizo
mundialmente conocido con su álbum Devil Without a Cause (Demonio
sin causa) lanzado en 1998 por Atlantic Records, sobre todo con sus simples
"Bawitdaba", "Cowboy" y "Only God Knows Why",
llegando a vender 11 millones de copias; Esto hizo que el 17 de abril de 2003,
su placa fuera certificada 11 veces platino por la RIAA.1 En el 2000 lanzó
una compilación de canciones remezcladas y remasterizadas bajo el nombre de
"The
History of Rock", todas pertenecientes a álbumes previos, a
excepción "American Bad Ass" (el tema más exitoso de la placa), y
"Abortion", ambos editados por primera vez.
Su siguiente triunfo en la industria de la música fue en 2007 con
"All Summer Long", contenido en la placa Rock n
Roll Jesus. Fue su primer gran éxito a nivel mundial, llegando al
número uno en las listas de éxitos en 8 países europeos y en Australia.23 "Rock n Roll Jesus" vendió
5 millones de álbumes a nivel mundial y fue certificado como triple platino en
los Estados Unidos.
Su última placa de estudio hasta el momento, "Born
Free" ya es disco de platino en su país, ya que lleva vendidas más de 1
millón de copias.
1972:
Nace Juan Fernando Velasco, músico ecuatoriano.
Juan Fernando Velasco (Quito, Ecuador, 17 de enero de 1972)
es un cantante, músico y compositor ecuatoriano.
Índice
·
4Videos
Biografía[editar]
Juan Fernando Velasco nació el 17 de enero de 1972 en Quito,
Ecuador. El Inicio de su carrera artística fue en 1987, cuando uno de sus
compañeros de colegio le propuso ser parte de una banda de rock que tenía junto
a sus hermanos: Tercer Mundo (grupo).
Comenzó como tecladista del grupo y posteriormente prefirió pasar a la
guitarra.[cita requerida] Ingresó
a la facultad de Economía, carrera que cursó durante cuatro semestres en la
Pontificia Universidad Católica del Ecuador sede Quito.[cita requerida] Después
de 10 años de giras por Ecuador junto a Tercer Mundo, Juan Fernando decidió
emprender una nueva carrera como solista a fines de 1997.[cita requerida] Estudió
Comunicación en New York.[cita requerida] Actualmente
es divorciado de "Lola" quien fue la inspiracion para la canción
"Chao Lola" y su novia actual es Denisse Iñiguez
Solista[editar]
Su primer álbum como solista se llamó Para que no me
olvides, y el cual fue lanzado en 1999. Simultáneamente al trabajo
promocional de este disco, Juan Fernando clasificó al Cuadragésimo Festival de Viña
del Mar (1999), precisamente con la
canción que le dio nombre a este álbum y que tuvo gran acogida en su país,
logrando allí Disco de Oro por
ventas y situándose en los primeros lugares de popularidad.
En 2002, publicó su segundo álbum titulado Tanto
Amor, que lo muestra como un músico y productor creativo, que imprimió
matices y propuestas musicales innovadoras. 'Chao Lola', 'Dicen' , 'Hoy que no
estás' , 'Si alguna vez te amé' y 'Salud' se ubicaron en los primeros lugares
en las listas de popularidad en los países en los que se publicó este segundo
álbum: (Ecuador, Colombia, Panamá, Guatemala y Costa Rica), logrando nuevamente Disco de
Platino en Colombia y en Ecuador.
En 2003 participó en la segunda edición del
festival Todas las voces todas realizado
en Quito, el cual fue organizado por la Fundación
Guayasamín para recaudar fondos en favor de la construcción de La Capilla del
Hombre, obra célebre del reconocido pintor ecuatoriano Oswaldo Guayasamín.
En febrero de 2004, realizó su primera
presentación masiva y en solitario en la ciudad de Quito,
la cual tuvo un éxito rotundo. Aquella noche, Juan Fernando se convirtió en el
primer artista ecuatoriano en llenar el aforo del Coliseo General
Rumiñahui durante un show exclusivo. Más de 16.000 personas
disfrutaron de su música y ratificaron que era un cantautor talentoso, capaz de
cautivar a diversas audiencias. Este éxito lo repetiría semanas más tarde
en Guayaquil y Cuenca, ciudades en las que continuó su gira
nacional 2004.
En 2006 realizó una destacada presentación
junto a Franco de Vita en
el Madison Square Garden de Nueva York. En diciembre de ese mismo año,
reunió a más de 30.000 personas en un show realizado como parte de las fiestas
de Quito, en el Parque La Carolina de la capital
ecuatoriana.
Además de sus logros profesionales, su lado humano y su compromiso social son reconocidos con diferentes condecoraciones y designaciones, las dos más importantes: la Orden Vicente Rocafuerte (2004), máximo reconocimiento del Congreso Nacional del Ecuador al Mérito Artístico, y la designación como Embajador de la Paz (2004) por parte de la Plataforma Interamericana de Derechos Humanos.
En 2007, sacó el tercer álbum: A tu lado, Juan Fernando reside en Miami y prepara una extensa gira promocional por México y Estados Unidos, donde “A tu lado” promete ser el primer paso en el crecimiento en esos países de éste artista que en el resto de Latinoamérica es ya un hito. que fue nominado al Premio Grammy Latino y a los Premios MTV Latinoamérica. En febrero de 2008, se hizo en Quito el lanzamiento oficial de la Fundación Yo Nací Aquí, una iniciativa de Juan Fernando y un compromiso social con su país.
Invitado por Juanes, fue uno de los siete músicos que participaron en el concierto "Paz sin fronteras", junto a Miguel Bosé, Juan Luis Guerra, Ricardo Montaner, Alejandro Sanz y Carlos Vives. El concierto tuvo lugar el 16 de marzo del 2008 en el puente Simón Bolívar, en Cúcuta, en la frontera entre Colombia y Venezuela.
Antes de concluir 2008, tenía previstas dos giras artísticas: en Colombia, (septiembre-octubre), y en Ecuador, (octubre-noviembre), además de presentaciones en Washington y en Miami.
La edición de agosto de 2008 de
la revista Latina
Magazine incluye a Juan Fernando Velasco como el mejor
cantautor de su país y como uno de los mejores exponentes musicales de habla
hispana en la actualidad. "Juan Fernando es un gran compositor. Él está
muy comprometido con su música, su país y su región", dijo Juanes, entrevistado por la revista.
En septiembre de 2010, se dio a conocer que Velasco se encuentra nominado al Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum Folklorico, por su disco Con toda el alma.Juan Fernando Velasco es uno de los artistas de Ecuador más reconocido dentro y fuera del país.
Al principio del 2011 comenzó a trabajar en su nuevo disco en México con los cantantes Reyli y Noel Schajris; La producción lleva el nombre A contratiempo. En el pasado 2011 interpreto conciertos en México fuera de gira. Participa en teletones de Ecuador y Colombia. Se espera que la siguiente entrega de Velasco este lista para mediados-finales de 2012 siguiendo su lanzamiento multi-platino de Con Toda el Alma que vendió cientos de miles de copias hasta la fecha. Juan Fernando Velasco es un cantante muy reconocido por su talento y manera de expresar sus sentimientos a través de sus canciones, es una persona muy querida por todo el Ecuador y sus canciones son compuestas con su experiencia vivida.
A comienzos de junio del 2015, Velasco lanza al mercado "Misquilla", una recopilación de canciones nacionales con sonidos sinfónicos y voces de artistas extranjeros.
El disco revive tradicionales pasillos como ‘Lamparilla’, ‘Esta
pena mía’, ‘Invernal’, ‘Tejedora manabita’, que fueron grabados con
instrumentos de cuerda.
El primer promocional ‘Tarde o temprano’, que fue escrito por
Cristhian Mejía (La Grupa), ha sido grabado a dúo con el colombiano Andrés
Cepeda.
Los arreglos fueron realizados en Capital Studios, de Los Ángeles
(EE. UU.). El tema ya puede ser escuchado en iTunes, Spotify y otras
plataformas digitales y servicios de ‘streaming’.
En las otras canciones participan artistas de la talla de José
Luis Rodríguez ‘El Puma’, el puertorriqueño Gilberto Santa Rosa, la española
India Martínez y el mexicano Samo.
El intérprete de ‘Para que no me olvides’ prometió rescatar los
tradicionales pasillos ecuatorianos y bajo esa convicción empezó con las
grabaciones del disco hace más de un año.
Con este material, Velasco espera en los próximos meses iniciar
una gira similar a la que efectuó el año pasado: ‘360 grados sinfónico’.
En el disco también figuran los temas ‘Pequeña ciudadana’, ‘Tú y
yo’, ‘Amor peregrino’, ‘Cantares del alma’ y ‘Despedida’.
1975:
Se estrena en USA la serie de tv Baretta.
Baretta fue una serie de televisión estadounidense producida por ABC entre los años 1975 y 1978.1
Es una serie policial que fue inicialmente pensada como una continuación de una serie previa, Toma, cuando su protagonista, el actor Tony Musante, dejó la producción. La idea fue desechada, y se creó una serie de similar factura, pero con un nuevo personaje principal, el detective Tony Baretta.23
La serie mostraba fuertes dosis de violencia y ambientes marginales. El tema central de Baretta, Keep Your Eye on the Sparrow, era interpretado por Sammy Davis, Jr..
Argumento[editar]
Antony Vincenzo Tony Baretta es un detective que trabaja para el departamento de policía de una ciudad no identificada de los Estados Unidos. Se caracteriza por su vestimenta informal y por compartir su departamento con una cacatúa, de nombre Fred, la que habitualmente contesta el teléfono antes que su dueño.
Los métodos poco ortodoxos de Baretta para afrontar los casos en que se ve envuelto suelen causarle tensiones con sus superiores (encarnados por los actores Dana Elcary Ed Grover), pese a lo cual Baretta suele ser respaldado por ellos en sus actos.
Reparto[editar]
- Robert Blake como el detective Tony Baretta.
- Dana Elcar como el superior de Tonny Baretta.
- Sammy Davis, Jr..
- Jeffrey Kramer como Junkie.
- Ed Grover como el superior de Tonny Baretta.
- Fred como la cacatúa de Tony Baretta.
- Jennifer Jason Leigh.
- Tom Ewell como Billy Truman, policía retirado que trabajaba con el padre de Baretta.
- Michael D. Roberts como Rooster.
- John Ward como el detective Foley, un policía detective.
- Ron Thompson como el detective Nopke.4
- Angelo Rossitto como el pequeño Moe.
- Titos Vandis como Mr. Nicholas, un jefe.
- Paul Lichtman como Mr. Muncie, el propietario de una droguería.
1981:
Nace José Luis
Roma, cantante y compositor mexicano.
José Luis Ortega Castro,
mejor conocido como José Luis Roma, nació un 17 de enero en Tulancingo,
Hidalgo. Es el mayor de los hijos de los señores José Luis Ortega y María Teresa
Castro; sus hermanos son David, Raúl y Yahel.
Desde pequeño muestra
inclinación, gusto y una total vocación por el canto; cualquier evento musical
como festivales escolares, concursos de canto, grupos corales y rondallas era
un buen pretexto para exponer sus aptitudes vocales. Posteriormente serían
teatros del pueblo, palenques y programas de televisión local y nacional.
De esta manera, lo que
inicia como un pasatiempo, le ayuda a descubrir su verdadera vocación, amor y
pasión: transmitir sus sentimientos con ese lenguaje que solamente se llena
interpretando, cantando ante un público. Su búsqueda en el medio profesional
fue incesante y, después de años pisando diversos escenarios, en 1997 se une a
la agrupación musical de corte pop Ciao Mama con la cual graba, bajo el sello
Emi Music México, dos álbumes: Ciao Mama (1999) y Puntos
suspensivos… (2001), este segundo disco incluye temas con el productor
italiano Loris Ceroni.
Su paso por este grupo
enriquece su capacidad para crear; gracias a esa etapa y a su trabajo conoce
diferentes países y personalidades en México, Centroamérica y Europa. Tras la
grata experiencia de Ciao Mama y consciente de su sensibilidad y habilidad para
escribir canciones, José Luis enfoca su energía en este ¡hermoso arte!
Mucha gente lo inspira e
influye en esta etapa de su carrera pero, sin duda, es su gran amigo Leonel
García (en aquel entonces integrante del dueto Sin Bandera) quien más lo motiva
a explorar este don y, como asegura José Luis: “Gracias a él comencé a tomar
más en serio el arte de la composición”.
Varios artistas y géneros
musicales son testigos de su estilo creativo como compositor. Entre ellos
destacan Alejandro Fernández, Alejandra Guzmán, Thalía, Ha*Ash, Yuridia, Luis
Fonsi, Pandora, OV7, Belinda, María José, Edith Márquez, La Arrolladora Banda
el Limón, Calibre 50, Conjunto Primavera y La Original Banda El Limón, sólo por
mencionar algunos, quienes incluyen obras de José Luis.
En 2007, gracias a su
coautoría con Mario Domm en la canción Todo cambió, del álbum debut de
Camila, uno de los grandes éxitos del año que se mantuvo por varias semanas en
los primeros lugares de popularidad en diferentes países de América y Europa,
José Luis Roma se posiciona como uno de los más jóvenes y destacados
compositores.
Este logro lo hace acreedor
a múltiples reconocimientos entre los que se encuentran la nominación al Latin
Grammy por Canción del Año, premios Lo Nuestro, Billboard, Monitor Latino,
Éxito SACM y, el que considera el mejor de todos, “la aceptación de mi trabajo
por parte del público”.
A principios de 2008 y
después de su éxito como compositor, busca la oportunidad de desarrollar el
proyecto que había anhelado toda su vida: cantar sus propias canciones. En esta
nueva etapa comparte el sueño con su hermano menor Raúl, apoyado por su casa
disquera SONY Music, en la creación del dueto José y Raúl que, en 2011,
incursiona en el género pop como un nuevo proyecto: Río Roma.
Su álbum debut Al fin
te encontré sobrepasa las 30 mil copias vendidas en México y obtiene disco
de oro. Temas como Al fin te encontré (en coautoría con Raúl Roma)
y Me cambiaste la vida (escrita en colaboración con Raúl Roma y
Horacio Palencia) se posicionan en el Top 5 en nuestro país por varias semanas.
Este mismo año son nominados al Latin Grammy como Mejor Álbum Vocal Pop, Dúo o
Grupo.
Un año más tarde Río Roma
recibe tres premios a la Musa OYE! como Revelación Pop, como Cantautor y por
Tema de Telenovela, Serie o Película en Español por Día de suerte, tema en
coautoría con Alejandra Guzmán e interpretada por ella misma.
En 2013, el dueto lanza su
segundo álbum titulado Otra vida, alcanzando rápidamente las primeras
posiciones con los sencillos ¿Cómo fui?, Me
arrepiento y Así me decías. De la mano de Río Roma, José Luis lleva
exitosamente su música a Estados Unidos, Ecuador y Chile, este último país
donde sus temas se posicionan por más de 30 semanas en primer lugar.
Entre sus reconocimientos
como compositor, José Luis Roma cuenta con once galardones Éxito SACM
por Todo cambió (2007), con Camila; Te dejo en
libertad (2011), ¿De dónde sacas eso? (2013), Perdón,
perdón (2015) y Lo aprendí de ti (2016), las cuatro en coautoría
con Ha*Ash e interpretadas por el dueto; Me cambiaste la vida (2013)
y Mi persona favorita (2015), ambas popularizadas por Río
Roma; Contigo (2016), escrita en colaboración con Edén Muñoz y
cantada por Calibre 50; Ya es muy tarde (2016) y Amore
Mio (2016), en las voces de Yuridia y Thalía, respectivamente,
y Cobarde (2018), también interpretada por Yuridia.
1987:
‘Shake you down’, nº 1
de Billboard
https://www.youtube.com/watch?v=Uc8wmLul3uw
La canción era un tema
de Gregory Abbot.
Además de como cantante, desarrolló labores de productor y compositor. Este
sencillo en cuestión llegó a convertirse en platino y fue también nº 1 en la
lista de R&B.
Además, le valió dos
importantes Soul Train Music Awards.
2002:
Muere Camilo José Cela,
escritor español, premio Nobel de Literatura en 1989 (n. 1916).
Camilo José Cela y Trulock1 (Iria Flavia, Padrón, La Coruña; 11 de mayo de 1916-Madrid, 17 de enero de 2002)
fue un escritor español. Autor prolífico, destacó por igual
como novelista, periodista, ensayista, editor de revistas literarias, conferencista, fue
académico de la Real Academia
Española durante 45 años y resultó galardonado, entre otros,
con el Premio
Príncipe de Asturias de las Letras en 1987,
el Premio Nobel de
Literatura en 1989 y el Premio Cervantes en 1995.
Por sus méritos literarios, en 1996 el rey Juan Carlos I le
otorgó el marquesado de
Iria Flavia, creado ex profeso. En el año 2000, Camilo José Cela
puso la primera piedra, junto a Felipe
Segovia Olmo, de la Universidad
Camilo José Cela, de la que es Rector Honorífico.
2003:
Muere Richard
Crenna, actor estadounidense (n. 1926).
Richard Donald Crenna (30 de noviembre de 1926 – 17 de enero de 2003)
fue un actor de cine estadounidense. Tuvo una extensa carrera,
actuando en películas tales como El Yang-Tsé en llamas, Sola en la oscuridad, Fuego en el cuerpo, Rambo: First Blood (y
sus posteriores secuelas de Rambo como el coronel
Samuel Trautman), Hot Shots 2 y The Flamingo Kid.
Índice
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Richard Crenna nació en Los Ángeles, California, en el seno de una familia de
inmigrantes italianos de la región de Toscana.1 Su padre era farmacéutico y su madre regentaba un
hotel. Fue educado en la Belmont High School y en la Universidad
del Sur de California.2
Carrera[editar]
Inició su carrera interpretativa en la radio,
actuando en los programas My Favorite Husband, Boy Scout
Jamboree, A Date With Judy, The Great Gildersleeve y Our
Miss Brooks. Continuó en el reparto del último, cuando fue trasladada su
emisión a la televisión. Tras Our
Miss Brooks, actuó en otro programa televisivo, The Real McCoys,
protagonizado por Walter Brennan.
Además, Crenna interpretó el papel principal en la temporada de 1964 de la
serie Slattery's People. Trabajó en El Yang-Tsé en llamas junto a Steve McQueen .
Es mundialmente conocido por su papel del Coronel Trautman,
antiguo superior de John Rambo, en
la trilogía sobre este personaje. Tiene su máxima
participación en Rambo III,
luchando codo a codo con el protagonista del film. En una escena donde está
siendo torturado dice una de las frases más célebres de la saga: le preguntan
si Rambo se cree Dios al enfrentar solo a comandos rusos entrenados, y el
coronel Trautman responde que Dios no, porque él tendría misericordia, y Rambo
no. Tuvo una extensa carrera interpretativa e interpretó a personajes con
responsabilidades de mando con cierto éxito.
Tiene una estrella en el Paseo de la
Fama de Hollywood, en el 6714 de Hollywood Boulevard.
2010:
Muere Erich Segal,
escritor estadounidense (n. 1937).
Erich Wolf Segal (Nueva
York, 16 de
junio de 1937 - Londres, 17 de
enero de 2010) fue un escritor, guionista y profesor
de estudios clásicos estadounidense. Es conocido principalmente por haber escrito la novela Love Story y
el guion de la película homónima basada en su novela, obras ambas que
fueron grandes éxitos en todo el mundo.1
2018:
Muere Augusto Polo Campos, ex
policía, músico y compositor peruano (n. 1932)
Augusto Armando Polo Campos (Puquio, Perú, 25 de febrero de 1932-Lima, Perú, 17 de enero de 2018)
fue un expolicía, músico, cantautor, compositor y maestro musical peruano, considerado uno de los más
influyentes y reconocidos músicos del país y una leyenda del mundo musical
criollo afroperuano. Fue reconocido por el Ministerio de Cultura del
Perú como una "Personalidad Meritoria de la Cultura" por haber
contribuido a la vigencia de géneros musicales representativos del Patrimonio
Cultural Inmaterial Peruano, como el vals criollo y por haber sumado temas de
importante valor simbólico para la identidad nacional.2
Fue conocido a nivel nacional por su fuerte voz, pero obtuvo
fama y reconocimiento internacional por ser el compositor de diversos temas
musicales principalmente por su originalidad e identidad que representaba. Su
mayor período de éxito inicio con «Cariño Malo» y «Cariño Bonito»[cita requerida],
paralelamente el éxito de la Federación
Peruana de Fútbol en los torneos internacionales volvió a sus
creaciones «Y se llama Perú» y «Contigo Perú» partes del cancionero popular
peruano.
Su vals «Regresa» y «Cuando llora mi guitarra», interpretados
por Lucha Reyes y Óscar Avilés respectivamente, son considerados
sus obras más emblemáticas y fueron los que le permitieron elaborar sencillos
para diversos artistas de diferentes géneros como Palmenia Pizarro, María Dolores Pradera, Raphael, Julio Iglesias, Julio Jaramillo, Juan Diego Flórez, Arturo
"Zambo" Cavero, Los Troveros Criollos, Los Morochucos, entre otros.3
Índice
Biografía[editar]
Nació el 25 de febrero de 1931, en Puquio, en el departamento de
Ayacucho, siendo sus padres el Capitán EP Rodrigo Polo Alzamora
(nacido en Lima) y Flor de María Campos (natural de Chiclayo).
En 1933, la familia se trasladó al limeño distrito del Rímac. Desde muy pequeño descubrió su afición
y facilidad para los versos y las rimas. A la casa de sus padres acudían
artistas y cantantes, la bohemia y la jarana nutrieron su creatividad,
convirtiéndolo muy pronto en un prolífico y exitoso compositor.
Ingresó a la Escuela de Auxiliares de Investigaciones del Cuerpo
de Investigación y Vigilancia (CIV) de la Escuela Nacional de
Policía, que en esa época quedaba en la Avenida Sebastian Lorente Ibáñez en
los Barrios Altos, Cercado de Lima, egresando con el grado de
Auxiliar de 3ra. CIV, habiendo pasado al retiro a su solicitud, con el grado
policial de Auxiliar de 3ra. de la Policía
de Investigaciones del Perú, por la Resolución Nº 9 del 17 de
febrero de 1964, luego de prestar 10 años y 17 días de servicios reales y
efectivos en dicho cuerpo de policía civil.
Tuvo relaciones amorosas con diversas artistas, como es el caso
de Cecilia Bracamonte,
con quién tuvo una hija llamada Selena. Con la cantante Lina Panchano, con
quien tuvo a Marco Polo, con la vedette Carmen Belahonia
"Zulu", con quien tuvo un hijo llamado Giomar Augusto. y también con
la vedette y excongresista Susy Díaz, producto de la relación, Flor Polo
Díaz. En total tiene siete hijos.
Fue autodidacta, ya que no estudió música ni tocaba instrumento
musical alguno.
En el 2009, el tema «Cariño Malo» generó una controversia con su
amigo y compadre, el cantante mexicano, Armando Manzanero por temas de regalías,45 cuestión que dañaría la amistad que
existía entre ambos artistas6 y que involucraría también a la Asociación Peruana de Autores y Compositores APDAYC4.
En 2013 se realizó la miniserie Los amores de Polo,
inspirada en su biografía, protagonizada por Paco Bazán.
Enfermedad y defunción[editar]
El 14 de enero (tres días antes que fallezca) hubo rumores de
que Polo Campos había fallecido, hecho que resultó ser falso.7 La mañana del miércoles 17 de enero
de 2018 los médicos que lo trataban anunciaron que la salud de Polo Campos se
había deteriorado a un nivel alarmante y que su situación era crítica. Augusto
falleció a las 11:40 p.m. de mismo día en la clínica Good Hope ubicada en
el distrito de
Miraflores en Lima, a los 86 años de edad por problemas de un
infarto fulminante, debido a la diabetes que padecía.8910
Ante este lamentable hecho, la municipalidad del Distrito del
Rimac, declaró días de duelo local el 18 y 19 de enero y dispuso que la bandera
del distrito sea izada a media asta en todas las instituciones públicas y
privadas de su jurisdicción.11
2020:
Muere Juan Carlos Saravia, cantautor folclórico argentino, del grupo Los Chalchaleros.
Juan Carlos Saravia Guedes (Salta, 14 de mayo de 1930-ibíd., 17 de enero de 20201) fue un músico folclórico argentino, integrante y voz líder del conjunto folclórico Los Chalchaleros.
Biografía[editar]
Realizó sus estudios primarios en la escuela Pizarro, de San Ramón de la Nueva Orán. Durante los años 1960, el grupo tiene un grave accidente automovilístico cuando regresaba de una de sus innumerables giras por el país, y allí falleció su esposa, madre de sus primeros cinco hijos. Varios años después contrajo matrimonio con Margarita, su actual esposa, con quien tuvo un sexto hijo. Tiene catorce nietos.
Su hijo Facundo Saravia también fue integrante al conjunto Los Chalchaleros en el año 1983 hasta que finalizaron sus actuaciones y siguió como solista.
Junto a Víctor Zambrano ("Cocho"), Carlos Franco Sosa, y Aldo Saravia integra el grupo folclórico Los Chalchaleros, haciendo su debut el 16 de junio de 1948. De allí en adelante el conjunto inicia una carrera de incontables éxitos en su país y en muchos otros sitios del mundo. Luego de tantos triunfos y de tantos años de trayectoria, el grupo decide retirarse definitivamente, situación que se produce en el año 2003. Si bien su vida como cantor concluye a la par de la despedida voluntaria de los escenarios del conjunto Los Chalchaleros, siguió concurriendo como invitado a programas de televisión y radio, para compartir sus interesantes anecdóticos relatos.23
Integraba como protesorero la comisión directiva de Sadaíc (Sociedad Argentina de Autores y Compositores).4
Filmografía[editar]
- Mire que es lindo mi país (1981)
- El canto cuenta su historia (1976)
- Argentinísima (1971)
- Una ventana al éxito (1966) dir. Enrique de Rosas (h)
- Cosquín, amor y folklore (1965) dir. Delfor María Beccaglia
Referencias[editar]
- ↑ http://www.nuevodiarioweb.com.ar/noticias/2020/01/17/226805-el-folclore-de-luto-fallecio-juan-carlos-saravia-fundador-de-los-chalchaleros
- ↑ Saravia, Juan Carlos. «Los Chalchaleros». Consultado el 5 de noviembre de 2018.
- ↑ «Juan Carlos Saravia». Consultado el 5 de noviembre de 2018.
- ↑ Sadaíc (Sociedad Argentina de Autores y Compositores.
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