De nombre Adriaan Floriszoon Boeyens, también
conocido como Adriano de Utrecht, era de origen holandés, lo que le
valdrá ser apodado durante su pontificado como «el Pontífice bárbaro». Fue el
último papa no italiano hasta la elección de Juan Pablo II en 1978,
cuatrocientos cincuenta y cinco años después, además de ser uno de los dos
únicos papas modernos, junto con Marcelo II, en mantener su nombre de pila tras su elección.
Lejos de la avidez, las maniobras y la larga espera de
anteriores aspirantes al trono de San Pedro en su afán por conseguirlo, Adriano
se mostró indiferente al cargo, no hizo nada por alcanzarlo y, sumergido como
estaba en las intrincadas tareas de la regencia de España, ni siquiera asistió al cónclave en el
que se produjo su designación. De todos modos, su aparente desidia por erigirse
en la máxima autoridad de la Iglesia estaba plenamente compensada con el
interés de su egregio discípulo que presionó cuanto fue necesario en tal
sentido: la larga mano del emperador Carlos V se
hizo notar en el encumbramiento al solio pontificio de su antiguo preceptor.
Nacido en Carpineto
Romano, cerca de Roma, fue el sexto de los siete hijos del conde Ludovico Pecci
y su esposa Anna Prosperi Buzzi. Sus hermanos fueron Giuseppe y Giovanni
Battista Pecci. Su familia pertenecía a la pequeña nobleza rural. Su padre era
comisario de guerra y coronel. Ya en su juventud se señaló como un gran
latinista, y en su madurez sería un conocido humanista, diestro escritor de
poemas y cartas en latín. Fue alumno del colegio jesuita de Viterbo y, entre 1824 y 1832, estudió
Teología en el Collegium Romanum.
En 1843 fue
consagrado arzobispo titular de Damietta (Tamiathis)
y destinado como nuncio a Bruselas,
donde permaneció hasta 1846. Poco después fue
nombrado obispo de Perusa con el grado de
arzobispo ad personam. Preside un Concilio provincial celebrado
en Espoleta en 1849,
por cuya iniciativa se tomó el acuerdo conciliar de pedir a Pío Nono la promulgación de una
constitución condenando los diversos errores sobre la Iglesia, Autoridad y
Propiedad, aun ya condenados separadamente con anterioridad, haciendo un
escueto concurso de ellos, y que se valoró de gran utilidad para la feligresía
católica. Este documento fue conocido posteriormente al ser publicado
como Syllabus.2
En 1856 el papa
beato Pío IX lo nombró cardenal presbítero del
título de San Crisogono.
En los años
siguientes se produjo la unificación italiana (1859-1870), que supuso la
liquidación de los Estados Pontificios y
el enfrentamiento radical entre la Iglesia católicay
el Estadoliberal (especialmente, el nuevo Reino de
Italia). La postura moderada que mantuvo en estos temas el cardenal Pecci lo
convirtió en un candidato idóneo para suavizar las tensiones, razón que
probablemente influyó en la decisión del Colegio Cardenalicio de elegirlo papa
al morir Pío IX en 1878.
Efectivamente, en
un cónclave de sólo dos días y a la tercera
votación, Gioacchino Pecci fue elegido papa el
20 de febrero de 1878. El 3 de marzo siguiente fue coronado en
la Basílica Apostólica Vaticana por el cardenal Teodolfo Mertel, Cardenal diácono de San
Eustaquio por delegación del cardenal Prospero
Caterini protodiácono de S. Maria in Via Lata y ad
commendam de S. Maria della Scala que se encontraba
enfermo.
Los primeros años
de su pontificado quedaron marcados por una serie de iniciativas académicas: la
fundación de un nuevo instituto en Roma para el estudio de la filosofía y la
teología, centros de estudio de las Escrituras y un centro astronómico. Se
abrieron los archivos del Vaticano, tanto a los estudiosos católicos como a los
no católicos.
Su largo
pontificado significó un acercamiento de la Iglesia a las realidades del mundo
moderno. Frente al creciente problema obrero, en 1891 dio
a conocer la Encíclica Rerum novarum (Acerca de las
nuevas cosas). La misma deploraba la opresión y virtual esclavitud de los
numerosísimos pobres por parte de «un puñado de gente muy rica» y preconizaba
salarios justos y el derecho a organizar sindicatos (preferiblemente
católicos), aunque rechazaba vigorosamente el socialismo y mostraba poco entusiasmo
por la democracia[cita requerida].
Las clases y la desigualdad, afirmaba León XIII, constituyen rasgos
inalterables de la condición humana, como son los derechos de propiedad.
Condenaba el socialismo como ilusorio y sinónimo del odio y el ateísmo.
El realismo
político y la habilidad diplomática de León XIII permitieron
poner fin a la hostilidad del régimen imperial alemán hacia los católicos
(abandono por el canciller Otto von Bismarckde la Kulturkampf en 1879 y visita a Roma del
emperador Guillermo II de
Alemania en 1888). Igualmente, propugnó el fin de la
confrontación entre la Iglesia francesa y la Tercera República, avalando la
participación de los católicos franceses en el régimen republicano. Por el
contrario, mantuvo el enfrentamiento numantino con el Estado italiano,
insistiendo en el boicot de los católicos italianos a la vida política
nacional.
León XIII pensaba
que el servicio diplomático papal debía desempeñar un papel de primer orden
tanto en la consolidación de la disciplina interna de la Iglesia como en la
conducción de las relaciones Iglesia-Estados. En 1885,
España, Alemania y Reino Unido recurrieron a él como mediador en la disputa
sobre la posesión de las Islas Carolinas, en el Pacífico y España las
consiguió, pero a contrapartida el II Reich las Marshall. Y en 1899 el
zar Nicolás II de Rusia y
la reina Guillermina
I de los Países Bajos se beneficiaron de sus buenos oficios en
el intento de convocar una conferencia de paz de todos los países de Europa.
Reflexionando sobre
la diplomacia
de la Santa Sede con ayuda de las obras de santo Tomás de Aquino,
replanteó en su encíclica Immortale Dei (1886)
la relación entre la Santa Sede y los
Estados-nación. El nuncio papal, en opinión de León XIII, era el representante
de la soberanía espiritual del Papa del mismo modo que un embajador representa
la soberanía política de su país.
Reforzó los lazos
con la Iglesia norteamericana, fomentando la expansión del catolicismo en
Estados Unidos. Con todo ello, León XIII contribuyó a dotar a
la Iglesia de un nuevo protagonismo a escala mundial, reforzado por dos tipos
de iniciativas suyas: por un lado, el acercamiento a la Comunión anglicana y
a los ortodoxos griegos,
que inició la tendencia ecuménica de los
papas del siglo XX; y por otro, el impulso de la acción
misionera, especialmente en África.
Tuvo especial
interés en promover el rezo del Santo Rosario, al cual dedicó diversas
encíclicas. Cabe mencionar que, a inicios de su papado, se produjo la muerte de
santa Bernadette Soubirous(16
de abril de 1879), vidente de Lourdes, a quien León XIII enviara
la bendición antes de morir. La Virgen María quien, bajo la advocación
de Nuestra Señora de
Lourdes, dijera de sí misma «Yo soy la Inmaculada Concepción»,
se había presentado —según el relato de Bernadette— con un rosario en sus
manos, lo que no pasaría desapercibido a la mente del Pontífice.
En sus veinticinco
años de papado llegó a nombrar un total de 147 cardenales en 27 consistorios.
Falleció en Roma el 20 de julio de 1903;
había sido el primer papa en haber nacido en
el siglo XIX, y también fue el primero que murió
en el siglo XX: vivió hasta la edad de 93 años,
siendo el tercer papa con más larga vida.3 En el momento de su muerte, León XIII
era el tercer papa con más tiempo de pontificado, solo superado por Pedro (entre 34 y 37 años) y Pío IX (31 años). Pecci no fue sepultado
en la Basílica de San Pedro,
como era costumbre, sino que en 1924 sus
restos fueron trasladados hasta la basílica de
San Juan de Letrán, su catedral como obispo de Roma, y una iglesia
en la que tuvo un interés particular.
Sus obras han sido ampliamente traducidas. El musical El violinista en el tejado (1964), basado en las historias de Sholem Aleijem sobre el personaje de Tevye el lechero, fue la primera obra de teatro comercialmente exitosa que trató sobre la vida de un trabajador judío de la Europa del Este.
Su madre murió cuando él tenía trece años. Su primer escrito fue el listado alfabético de los epítetos usados por su madrastra. A la edad de quince años, inspirado en Robinson Crusoe, compuso su propia versión judía de la famosa novela y decidió dedicarse de lleno a la escritura. Adoptó el pseudónimoSholem Aleijem, derivado del saludo que significa «la paz esté con ustedes».
Después de terminar la escuela en Pereiaslav en 1876, con excelentes calificaciones, dejó su hogar en busca de trabajo. Durante tres años enseñó a la hija de un adinerado comerciante, Olga Loev, quien se convirtió en su esposa el 12 de mayo de 1883. Tuvieron seis hijos, incluidos el pintor Norman Raeben y la escritora en yídis Lyalya (Lili) Kaufman. La hija de Lyalya, Bel Kaufman, es una escritora estadounidense, autora del libro Up the Down Staircase.
En un principio, escribió en ruso y hebreo. A partir de 1883, produjo más de cuarenta volúmenes en yídis, hasta convertirse en la principal figura de la literatura yídis en 1890. La mayor parte de los escritores judíos rusos escribían en hebreo, el idioma de la liturgia, que era usado exclusivamente por los judíos instruidos. Sholem Aleijem escribió en yídis, una lengua oral algunas veces mal llamada «jerga».
Además de su prodigiosa producción de literatura yídis, también utilizó su fortuna personal para apoyar a escritores en esta lengua. Entre 1888 y 1889, publicó dos ediciones de un almanaque, Die Yiddishe Folksbibliotek ("La Biblioteca Popular Yiddish"), que le dio una importante exposición a muchos jóvenes escritores yídis. En 1890 perdió toda su fortuna en una especulación de la bolsa de valores, y no pudo hacerse cargo de la tercera edición del almanaque, la que ya se había editado pero no se siguió imprimiendo. En los años siguientes, mientras continuaba escribiendo en yídis, también escribió en ruso para un periódico en Odesa y para Vosjod, la publicación rusa judía más importante de la época, y en hebreo para Hamelitz y para la antología editada por Y.H. Ravnitzky. Fue durante esta época cuando Aleijem contrajo tuberculosis.
Después de 1891, vivió en Odesa y luego en Kiev. En 1905 emigró con su familia hacia el sur de Rusia. Originalmente, Aleijem vivió en Nueva York, mientras el resto de su familia quedó en Ginebra, Suiza. Sin embargo, pronto descubrió que su sueldo era muy limitado para mantener dos hogares, y volvió a Ginebra. A pesar de su gran popularidad, muchos de sus trabajos nunca le generaron muchas ganancias, y se vio obligado a hacer una exhaustiva gira para poder ganar suficiente dinero para ayudar a su familia y mantenerse. En julio de 1908, mientras estaba en una gira de lectura en Rusia, se desmayó en el tren camino a Baranowicz. Le diagonsticaron una recaída de tuberculosis hemorrágica aguda y pasó dos meses convaleciente en el hospital de la ciudad. Posteriormente se refería al accidente como «una cita con su majestad, el Ángel de la Muerte, cara a cara», y fue el hecho fundamental que desencadenó la escritura de su autobiografía Funm Yarid. Durante su recuperación, no pudo acudir a la Primera Conferencia del Idioma Yídish, que tuvo lugar en Czernovitz; su colega y activista yídis Nathan Birnbaum asistió en su reemplazo. Aleichem pasó los siguientes cuatro años viviendo semi-inválido; solo en ocasiones mejoraba lo suficiente como para volver a una rutina normal de escritura. Durante ese período, la familia sobrevivió gracias a importantes donaciones de amigos y de admiradores de Aleijem.
En 1914 la mayor parte de la familia de Aleijem emigró a los Estados Unidos y se asentó en Nueva York. El hijo de Aleijem, Misha, enfermó de tuberculosis al mismo tiempo que las leyes estadounidenses le negaron la entrada. Misha permaneció en Suiza con su hermana Emma y murió en 1915, suceso que dejó a Aleijem profundamente deprimido. Sholom Aleijem murió en Nueva York en 1916, a los 57 años, mientras todavía trabajaba en su última novela, Mottel the Cantor's son, y fue enterrado en el cementerio de Brooklyn. Para la época, su funeral fue uno de los más grandes en la historia de Nueva York: se estima que acudieron 100 000 personas. Al día siguiente, su testamento fue publicado en el New York Times y fue leído en el pleno del Congreso de los Estados Unidos. El testamento contenía instrucciones detalladas para su familia y amigos; a ambos les pedía ser enterrado inmediatamente, así como también ser conmemorado y recordado en su yahrzeit anual. Les dijo a su familia y amigos: «Lean mi testamento, y elijan uno de mis cuentos, uno de los mejores, y recítenlo en el idioma que les resulte más comprensible [...] Que mi nombre sea nombrado con una sonrisa, o que no sea recordado».
En 1997 se edificó un monumento dedicado a Sholem Aleijem en Kiev; y posteriormente en Moscú en 2001.
Sholem Aleijem fue un apasionado del yídis como idioma nacional que, en su opinión, debía tener el mismo estatus que los demás idiomas europeos modernos. No se detuvo en lo que él llamó "yidisismo" y se abocó a la causa del sionismo, presente en muchas de sus obras. En 1888, se convirtió en miembro de Hovevei Sion. En 1907, trabajó como delegado estadounidense para el Octavo Congreso Sionista, que tuvo lugar en La Haya.
A Sholem Aleijem se lo ha llamado "el Mark Twain judío", debido a que su estilo era similar, y que ambos escribieron bajo un seudónimo. Ambos autores escribieron para adultos y niños, y dieron clases por toda Europa y los Estados Unidos. Cuando Twain supo que a Aleijem lo llamaban "el Mark Twain judío", pidió que le dijeran que él se consideraba "el Sholem Aleijem estadounidense".
Una corta cita para ilustrar el estilo de Sholem Aleijem[editar]
Pinhas Pincus es un poco más pequeño que la altura normal, con un ojo más pequeño y otro más grande; el ojo más pequeño pide y busca aprobación del más grande. Cuando habla, pareciera que los ojos se hablaran el uno al otro; el más pequeño pide aprobación al más grande; y el más grande le da su aprobación para cada plan o decisión. Cuando vinieron por primera vez a Núremberg, no había límites para sus sufrimientos; tuvo que pasar hambre, miserias e insultos personales de sus hermanos alemanes. En Núremberg era protegido de las masacres, pero no fue protegido de la hambruna.
Su gestión como
nuncio en Alemania y como cabeza de la Iglesia católica durante la Segunda Guerra
Mundial sigue siendo motivo de análisis y controversia,
principalmente en lo que respecta a la intensidad de su reacción frente a los
crímenes del régimen nazi en Europa contra judíos y comunistas.
Dr. Seuss escribió
libros tan populares como Hop on Pop, ¡Cómo el
Grinch robó la Navidad!(How The Grinch Stole Christmas),
que tiene como personaje principal al Grinch, El Lorax(The Lorax) y El gato en el
sombrero –también conocido como El gato garabato(The
Cat in the Hat) y el gato ensombrerado. Usando cuentos e imágenessurrealistas, las obras de Seuss despiertan la
imaginación de los lectores a la vez que tratan temas esenciales como el
deterioro del medio ambiente o la adquisición de la propia identidad. El
constante juego de palabras convierte sus textos en obras casi intraducibles.
En el año 1984 recibió
una mención especial del premio Pulitzer, por su contribución a la literatura
infantil.
Procedente de una
familia cubana acomodada que abandona la isla en 1933 para
establecerse en Miami,
Arnaz intenta varias profesiones para ayudar a su familia hasta que es aceptado
como guitarrista para el Sexteto Siboney.
Después de trabajar
brevemente con Xavier Cugat en Nueva York,
Arnaz regresa a Miami para dirigir su propio combo e introducir la conga a
las audiencias norteamericanas. Fue tan grande el éxito, tanto local como
nacional, que Arnaz vuelve a Nueva York para crear su propia banda. Se le
ofreció un papel en el musical de BroadwayToo
Many Girls de 1939 y
más tarde lo lleva a la versión cinematográfica en Hollywood.
Fue en esta ocasión que conoce a su futura esposa Lucille Ball,
con quien se casa el 30 de noviembre de 1940.
Arnaz participa en
otras tres películas antes de enrolarse en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Durante los dos años de
servicio era responsable de entretener a las tropas. Antes de ser retirado como
activo, logra formar una nueva orquesta, grabando varios éxitos a fines de los
años 1940s y trabajar como director de orquesta en el show radial de Bob Hope
de 1946 a 1947.
En 1951 Arnaz dirige sus
esfuerzos en desarrollar los episodios de la famosa serie televisiva I Love Lucy,
que se rodó por seis años en los estudios de la CBS y se convirtió en
el programa de televisión más exitoso de la historia. El matrimonio con Lucille
Ball llega a su fin en 1960.
Se retira del
negocio de espectáculos y se muda momentáneamente a Baja Californiacon
su segunda esposa Edith. Muere el 2 de diciembre de 1986 en Hollywood
debido a un cáncer de pulmón, a la edad de 69 años.
El 15 de octubre de
1951, Arnaz se estrenó en I Love Lucy, en la que interpretó una versión
ficticia de sí mismo, el líder de la orquesta cubana Enrique "Ricky"
Ricardo, con Lucille Ball, su esposa verdadera. Ball insistió en que Arnaz
interpretara a su esposa y coprotagonista en el aire para que los dos pudieran
pasar más tiempo juntos.1
La idea original
era que la pareja actuaba como una exitosa pareja de famosos cuyas carreras
glamorosas interfirieron con sus esfuerzos por mantener un matrimonio normal.
La investigación del mercado indicaba
que no sería popular. Por esta razón, Jess Oppenheimer lo cambió para hacer que
Ricky Ricardo fuera un joven líder de la orquesta en apuros, y Lucy una esposa
ordinaria que tenía fantasías de hacer negocios, pero no tenía el talento.2
Inicialmente, la
idea de tener a Ball y al claramente latino Arnaz retratando a una pareja
casada encontró resistencia cuando se les dijo que el acento cubano y el estilo
latino de Desi no serían agradables para los espectadores estadounidenses. La
pareja superó estas objeciones, sin embargo, al viajar juntos, durante el
verano de 1950, en un acto de vodevil en vivo que desarrollaron con la ayuda
del payaso español Pepito Pérez, junto con los escritores de programas de radio
de Ball.3
Una gran parte del
material de su acto de vodevil, incluida la memorable rutina de sellos de Lucy,
se usó en el episodio piloto de I Love Lucy. Se recrearon segmentos del piloto
en el sexto episodio de la primera temporada del programa. Durante su tiempo en
el programa, Desi se convirtió en el emprendedor más exitoso de TV.
1917:
Nace Federico Baena, compositor mexicano.
Federico Baena Solís nació en
la ciudad de México, el 2 de marzo de 1917. Sus padres fueron Eva Solís de
Baena y Tomás Baena Garda; ella originaria de Puebla, Puebla, y su padre de
Santander, España.
De pequeño vivió en San Martín Texmelucan y en Puebla, Puebla, y desde los 12
años de edad radicó en el Distrito Federal.
Siendo aún muy pequeño se hizo evidente su gusto por la música y los deportes,
en particular el fútbol y el box; practicó ambos durante muchos años y fue
aficionado durante toda su vida.
Respecto a la música, su maestría y desempeño, sus múltiples éxitos
internacionales y su prestigio, hablan por sí mismos de la gran vocación que
tuvo y que supo cultivar y fomentar.
Estudió hasta el segundo año de la carrera de Medicina, la cual dejó para
seguir su gran vocación, la música, por lo que ingresó a la Facultad de Música
de la Universidad Nacional Autónoma de México de 1937 a 1944.
Pero como su anhelo interno lo seguía impulsando a conocer más sobre la música,
para perfeccionarse tomó clases particulares con los maestros Rodolfo Halffter,
Juan B. Fuentes, José F. Vázquez y Jam Kums. Así, su primer maestro de violín
fue José Rocabruna, y continuó posteriormente los estudios de violín y viola
con Smilovitz, Froelich y Vladimir Vulman.
Fue autodidacta en lo que al piano se refiere, lo cual añade a su mérito la
dedicación que tuvo para dominar ese instrumento.
Su primera obra musical fue Te amé, que compuso en 1939 y que hasta la fecha es
una canción inédita. La primera composición la dio a conocer en 1941: Te vas
porque quieres.
Con toda la fuerza de su inspiración y gran conocedor de la música, incursionó
en áreas como la de arreglista, donde cosechó fama internacional. Con igual
éxito se dedicó a la dirección de orquesta y a la composición de música de
fondo para películas entre las que están Monte de Piedad y Los Hijos de Nadie,
entre otras.
El maestro Baena se definía a sí mismo como un hombre con buen sentido del
humor, de carácter tranquilo, leal, algo voluble; bastante nostálgico y
romántico, a lo cual se puede añadir una gran sensibilidad, nobleza y carácter
firme.
Sus pasatiempos favoritos eran el dominó, el póker y el billar. De joven le
gustaba mucho el baile. Además de que su gran pasión era escuchar todo tipo de
música.
La primera canción con la que cosechó el éxito fue Que te vaya bien. Todas sus
obras fueron escritas y musicalizadas por él.
Por su trayectoria artística recibió innumerables preseas, reconocimientos y
homenajes, entre los que podemos citar la Rosa de Oro y la Fuente de Plata,
ambas otorgadas por la Presidencia de la República en 1962, por haber resultado
triunfador en el Primer Festival de la Canción Mexicana con el tema Ay Cariño,
canción que alcanzaría éxito internacional.
También recibió reconocimientos del Instituto Nacional de Bellas Artes,
diplomas de la Promotora Hispanoamericana de Música (PHAM), discos de oro de
compañías grabadoras, medallas como la Agustín Lara, de la Sociedad de Autores
y Compositores de México (SACM) por sus 50 años de compositor, sólo por citar
algunos de los muchos premios con que fue galardonado.
Una anécdota curiosa relata que con la canción En qué quedamos, interpretada
por Las Hermanas Águila, tuvo tanto éxito que estaba en todas las sinfonolas
del país. Una madrugada en una cantina cercana a la casa del maestro Baena,
alguien puso la canción más de 25 veces; de repente, un parroquiano molesto y
aturdido se levantó de su silla y balaceó la sinfonola.
Comentaba Federico Baena que le daba mucha alegría saber que seguía en el gusto
del público después de una carrera de tantos años y que artistas de gran
calidad continuaran grabando sus canciones. Además, le enorgulleció siempre
haber sido Socio Fundador de la Sociedad de Autores y Compositores de México y
hasta el final de sus días.
Otra de sus canciones convertidas en grandes éxitos son: Que te vaya bien, Te
vas porque quieres, ¿Qué tal te fue?, Todo se paga, Vete por favor, Ven ven, En
qué quedamos, Por eso te perdono, Yo vivo mi vida, Vagabundo, No importa
corazón, Sensación, No me olvides nunca, Yo soy tu pasado, Tres problemas, Si
vieras, Cuatro palabras, Árbol sin hojas, Jamás jamás, Para qué vuelves, Ay cariño,
Triunfamos, Cuatro cirios, Te amo, Si necesitas de mí, Ven otra vez, A dónde
voy, Doce campanadas, El final que sueño y muchas más.
Federico Baena falleció el 18 de junio de 1996 y sus cenizas reposan en la
iglesia de Nuestra Señora de la Esperanza.
Sus padres
pertenecían al mundo del espectáculo y junto a ellos recorrió gran parte del
medio oeste americano. Asistió al instituto Monte Cassino y a la Universidad
del noroeste hasta que en 1938 ingresó
en la Academia de Artes Dramáticas de Nueva York.
Ahí conoció a otro estudiante, el actor Robert Walker con
el que contrajo matrimonio el 2 de enero de 1939.
La pareja se
trasladó a Hollywood donde Jones actuó en dos pequeños papeles: en
un western de John Wayne y en la serie televisiva Dick Tracy's
G-Men. Sin embargo, ni ella ni su esposo superaron una prueba de pantalla
para la Paramount por lo que regresaron a Nueva York.
Walker empezó a
trabajar en programas de radio mientras que Jennifer iniciaba
un trabajo como modelo mientras seguía buscando trabajos como actriz. Se
presentó a una prueba organizada por el productor David O.
Selznick que no pudo terminar ya que estalló en lágrimas. Sin
embargo, Selznick quedó impresionado y terminó firmando un contrato con la
actriz.
El director Henry King quedó
impresionado por la actriz y le dio el papel de Bernadette Soubirous en la
película La canción de Bernadette (The Song of Bernadette)
que le valió el premio Óscar a la mejor actriz en 1943.
Durante las
siguientes dos décadas, Jones protagonizó numerosas películas, cuidadosamente
seleccionadas por Selznick. Entre ellas destacan Duelo al sol (Duel
in the Sun) de 1946, Jennie (Portrait
of Jennie; 1948) o La colina del adiós (Love Is A
Many-Splendored Thing) de 1955.
Jennifer Jones se
divorció de Robert Walker en 1944.
En 1949 se
casó con Selznick con el que permaneció hasta la muerte del productor en 1965. A partir de la
muerte de su marido, la actriz se retiró paulatinamente de la gran pantalla. Su
última aparición la realizó en la película El coloso en llamas (The towering
inferno) en 1974.
Posteriormente contrajo matrimonio con el magnate y coleccionista de arte Norton Simon, creador de un famoso museo
en Pasadena (California). Tras la muerte de Simon,
la ex actriz continuó gestionando el museo, en cuyo patronato figuraba la
también actriz Candice Bergen. Jones era una sobreviviente
de Cáncer de mama. Jones falleció el 17 de diciembre de 2009 en su casa
de Malibú a los 90 años.1
1920:
Nace María Padilla, integrante de las hermanas Padilla.
Las Hermanas Padilla, a veces
promocionadas como las Andrew Sisters of Mexican Music (Hermanas Andrew de la
Música Mexicana) debido a sus harmonías perfectas, formaron uno de los duetos
vocales mexicanos más populares y prolíficos de los 1930 y ’40. Basadas
en Los Ángeles, las Hermanas Padilla, Margarita y María, establecieron los
estándares para su estilo de cantar boleros y rancheras, llegando a ser entre
los primeros artistas que tuvieron éxito internacional al emerger de la escena
de música México-americana en el sur de California.
Con una carrera que duró más
de cuatro décadas, las Hermanas Padilla llegaron a ser conocidas no sólo por
sus harmonías, sino también por sus interpretaciones emotivas, que eran a la
vez enternecedoras y alegres, apasionadas pero refrenadas. Las hermanas fueron
el primer dueto vocal femenino de los Estados Unidos que tuvo mucho éxito por
los dos lados de la frontera, influyendo a una generación de duetos parecidos
que ganaron mucha popularidad entre las audiencias mexicanas y
México-americanas a mediados del siglo XX.
A pesar de su fama e
influencia, información biográfica sobre las hermanas cantantes es escasa y
dispersa. Wikipedia tiene una breve
entrada sobre ellas en una lengua que parece ser ladino, aunque, cosa
rara, no hay ninguna entrada ni en inglés ni en español. Hay una pizca de datos
biográficos en varios sitios web, y un buen resumen de su carrera en Barrio Rhythm: Mexican American Music in Los Angeles,
escrito por el profesor de etnomusicología de UCLA Steven Loza. Entre sus
fuentes, Loza cita notas de disco escritas por Philip Sonnichsen para el LP de
Folklyric Los Primeros Duetos Femeninas [sic]: The First Woman Duets
(1930-1945), lanzado en 1984 por Arhoolie Records.
Las hermanas Padilla son del
pueblo de Tanhuato en el oeste del estado de Michoacán, cerca de la frontera
con Jalisco, considerado la cuna del mariachi. Cantante principal Margarita
Padilla Mora nació en 1918, y su armonizadora hermana menor, María Padilla
Mora, nació dos años más tarde. La familia vino a Los Ángeles en los 1920,
durante una época de intensa persecución gubernamental de la Iglesia Católica,
que llevó a la Rebelión de Cristero. Como católicos devotos, los padres de las
muchachas Padilla decidieron huir al otro lado de la frontera después de ser
amenazados por haber protegido a curas.
Las muchachas empezaron a
cantar juntas desde muy joven, animadas por su padre, quien les pagaba cinco
centavos por dos canciones y diez centavos por corridos más largos. Durante los
1930, se hicieron populares en las fiestas y concursos de talentos del barrio,
incluso las recaudaciones de fondos para las iglesias locales. “Su primer
reconocimiento formal llegó cuando ganaron el primer lugar en un concurso de
talentos que se llevó a cabo en un parque en Pico Rivera,” escribe Loza. Poco
después, aparecieron en el programa de radio de Ramón B. Arnaiz, basado en Los
Ángeles, en el cual empezaron a cantar con Chicho Y Chencho,” quienes formaron
parte del grupo popular Los Madrugadores, que aparecía en la radio en L.A.
En 1937, las hermanas Padilla
hicieron su primera grabación, el éxito “La Barca de Oro” acompañado de “Por Qué Será.” El
disco fue un “éxito instantáneo,” según las notas del disco de Women
Duets.
Las Hermanas Padilla
aprendieron la mayoría de su reportorio temprano de su madre y abuelo, como
también directamente de los artistas que fueron invitados a la casa familiar
mientras aparecían en el teatro del barrio. Se sabían casi mil canciones para
cuando primero empezaron a interpretar en la radio de Los Ángeles a mediados de
los 1930.
“El dueto hizo algunas de las
primeras grabaciones en los Estados Unidos de la música mariachi que incluía la
trompeta, y frecuentemente se juntaba con el virtuoso trompetista clásico
Rafael Méndez,” según el músico de mariachi e historiador Jonathan Clark,
como escribe en el capítulo sobre la música mariachi en The Strachwitz Frontera Collection of Mexican and Mexican
American Recordings. Muchas veces, sus sesiones de grabación fueron
acompañadas por músicos de grabación que normalmente no tocaban mariachi y que
se habían reunido específicamente para esas fechas, añade Clark, “ya que no
había mariachis de suficiente calibre” disponibles en Los Ángeles durante esta
etapa temprana de su carrera.
Muchas de estas sesiones de
grabación tempranas fueron dirigidas por Manuel S. Acuña, una figura importante en la dinámica
comunidad de música México-americana en la época de la Depresión en Los
Ángeles. Acuña también se había inmigrado a los EEUU de México en los 1930.
Como compositor, arreglista y productor, era en gran parte responsable por
desarrollar la carrera temprana de las Hermanas Padilla.
Después de grabar
originalmente con Vocalion Records, el dueto pasó a hacer docenas de discos
tanto para Columbia como para RCA. Con más de 400 grabaciones en la Colección Frontera, las Hermanas
Padilla son el Número 5 entre los artistas con la cantidad más grande de discos
en la base de datos. Su posición tan alta refleja las prioridades personales
del fundador de la colección, Chris Strachwitz, quien tiene una afinidad
especial por el estilo de cantar de los duetos mexicanos, y recogía sus discos
dondequiera que los encontraba.
Las hermanas fueron de gira
extensamente durante los 1940, menciona Loza, y luego atrajeron a una gran
audiencia norteamericana a través de apariencias en la televisión nacional. En
el siguiente pasaje de la página 58 de Barrio Rhythm, Loza explica en
detalle la promoción básica que ayudó a promover a las Hermanas Padilla por
toda la comunidad México-americana.
Durante el programa bracero de
los 1940, el Consulado Mexicano, que proveía entretenimiento mexicano para los
trabajadores, les pidió a las hermanas Padilla de cantar en los campamentos de
los braceros. La popularidad del dueto aumentó con la introducción de la
sinfonola en los clubes, bares y restaurantes por todos los sectores mexicanos
de la ciudad.
Muchas veces, las sinfonolas
contenían más discos de 78 rpm de las hermanas Padilla que de cualquier otro
artista. Además, las Padillas interpretaron en el Million Dollar Theater, donde
salían en espectáculos de variedades junto con estrellas como Red Skelton,
Abbot and Costello, y los Ink Spots.
Poco después del final de la
Segunda Guerra Mundial, tocaron las campanas de boda para Margarita y María.
Por casualidad, las hermanas se casaron con otros artistas que habían conocido
a través de su relación profesional con Silvestre Vargas del famoso Mariachi Vargas de Tecalitlán, que muchas veces proveía el
acompañamiento en sus discos. Vargas le presentó a María a su futuro esposo, Víctor Cordero, quien pasaría a escribir montones de
canciones populares, incluso dos de los corridos más famosos de todos los
tiempos, “Juan Charrasqueado” y “Gabino Barrera.” Se casaron en 1945. Al año
siguiente, María se casó con Memo Quintero, un violinista con Mariachi Vargas.
Posteriormente, los recién
casados Memo y María empezaron a grabar como dueto, conocido como Dueto Azteca. Al principio, su música fue lanzada en Discos
Azteca, también basado en Los Ángeles, pero pasaron a grabar para los
sellos Imperial y Columbia, ganando reconocimiento internacional por sus
propios méritos. Una de las últimas interpretaciones públicas del dueto ocurrió
en noviembre de 1980 en el Teatro Blanquita en Boyle Heights, el barrio de
inmigrantes al este de Los Ángeles, en un programa promocionado como un
homenaje a su carrera.
“La actividad musical de las
Hermanas Padilla disminuyó después de sus matrimonios a mediados de los 1940,”
escribe Loza, “pero el público mexicano siguió escuchando los discos por muchos
años después.”
Su literatura
expone una extensa reflexión acerca de los efectos deshumanizadores de la modernidad y la industrialización,2 y abordó cuestiones relacionadas con
la salud emocional, la vitalidad, la espontaneidad, la sexualidad humana y el instinto.34 Las opiniones de Lawrence sobre todos
estos asuntos le causaron múltiples problemas personales: además de una orden
de persecución oficial, su obra fue objeto en varias ocasiones de censura; por
otra parte, la interpretación sesgada de aquella a lo largo de la segunda mitad
de su vida fue una constante. Como consecuencia de ello, hubo de pasar la mayor
parte de su vida en un exilio voluntario, que él mismo llamó «peregrinación
salvaje».
Aunque en el
momento de su muerte su imagen ante la opinión pública era la de un pornógrafo que había desperdiciado su considerable
talento, E. M. Forster,
en un obituario, defendió su reputación al
describirlo como «el novelista imaginativo más grande de nuestra generación».5 Más adelante, F. R. Leavis, un crítico de Cambridgede
notoria influencia, resaltó tanto su integridad artística como su seriedad
moral, lo que situó a buena parte de su ficción dentro de la «gran tradición»
canónica de la novela en Inglaterra. Con el
tiempo, la imagen de Lawrence se ha afianzado como la de un pensador visionario
y un gran representante del modernismo en el
marco de la literatura inglesa, pese a que algunas críticas feministas deploran su actitud
hacia las mujeres, así como la visión de la sexualidad que se percibe en sus
obras.67
https:// www.youtube.com/watch?v=tjZBF6LeUH8
1931:
Nace Tom Wolfe, escritor estadounidense (f. 2018).
Wolfe, quien se definía como «un demócrata a lo Jefferson»,[cita requerida] expresó en varias oportunidades ser un «reivindicador de Balzac», desde un punto de vista cultural y estilístico, lo que le llevó a ser calificado como «El Balzac de Park Avenue».[cita requerida]
Acerca de su obra, afirmaba que su objetivo como escritor de ficción era retratar a la sociedad contemporánea de acuerdo al realismo, siguiendo la tradición literaria de John Steinbeck, Charles Dickens y Emile Zola, usando técnicas adoptadas del periodismo.7 De hecho, las primeras obras de Wolfe consistían en ensayos críticos y no fue hasta 1987 que escribió su primera novela, a la cual tituló La hoguera de las vanidades.
Respecto a esa y su otra novela, Todo un hombre, comentó que ambas afirman la necesidad de novelas que surjan del realismo.8 En su caso, sus propias raíces provenían de una búsqueda cuidadosa o del reportaje, y le daba importancia al entorno social de sus personajes como medio para explicar sus ideas y conductas, explorando los temas de sexo, raza, dinero e ideología como elementos divisorios y al mismo tiempo integradores de la sociedad estadounidense.
Wolfe se declaró ateo y en 2007 afirmó que en las elecciones presidenciales de 2004 había votado por la reelección de George W. Bush, de quien se declaró admirador. Una de sus características era ir vestido con un traje blanco en sus apariciones públicas.
Fue el menor de una
familia de once hermanos y creció en Swaffham, al norte de Norfolk. Su padre, Samuel Carter, fue un
célebre artista conocido en toda Inglaterra que enseñó a su hijo los
fundamentos del dibujo y la pintura. A pesar de ser
sumamente inteligente, asistió muy poco a la escuela por motivos de salud.
A sus 17 años, una
sociedad de egiptología inglesa advierte su talento de dibujante y le propone
marcharse a Egipto. Acepta y una vez allí, copia bajorrelieves, aprende a excavar y restaurar
los monumentos, y se convierte finalmente en Inspector de Antigüedades. En
1908, Lord Carnarvon,
un noble, entusiasta aficionado a la arqueología y dispuesto a proporcionar los
fondos necesarios para continuar el trabajo de Carter, lo contrata para excavar
en Tebas y,
luego, en el Valle de los Reyes. En noviembre de 1922, es la apoteosis: tras
largos años de vana búsqueda, Howard Carter descubre la tumba de Tutankamón. Participó en la excavación
de Beni Hasan.
Posteriormente estuvo bajo la tutela de William Flinders
Petrie.
1942:
Nace Lou Reed,
cantante estadounidense, de la banda Velvet Underground (f. 2013).
Enormemente
influyente en la cultura pop desde la década de
1960, entre sus discos suelen destacarse Transformer (1972), Berlin (1973), Rock'n'Roll
Animal (1976), Live: Take No Prisoners (1978), New
York (1989) y, entre sus actuaciones en directo, el concierto ofrecido
en el Meltdown Festival en 1998: Perfect Night Live in London.
Nacido en Brooklyn, residió habitualmente en Nueva York; ciudad cuya faceta menos amable
plasmó en muchas de sus letras. Hizo colaboraciones y contactos con creadores
como Andy Warhol y David Bowie. Su original estilo e influencia
le generó gran fama entre las vanguardias musicales posteriores, fama a la que
no fue ajena su ajetreada vida personal durante sus años de mayor éxito. Sin embargo,
Reed fue considerado habitualmente como un músico «de culto», ajeno en
parte a las listas de éxitos y el marketing de las multinacionales discográficas.
En su época de The
Velvet Underground (1964-70) escribió canciones especialmente reconocidas, como
"Heroin",
"Rock and Roll", "I'm Waiting for the
Man" y "Sweet Jane". Su
mayor éxito comercial, sin embargo, es una canción posterior: "Walk on the Wild Side"
(1972), que dio visibilidad a la prostitución y la transexualidad; una temática que hasta la
fecha la música rock no
solía abordar.
Alain
Chamfort, llamado en realidad Alain
Le Govic, es un cantante y compositor de música francés de origen bretón, nacido el 2 de marzo de 1949 en París.
Nace Karen
Carpenter, cantante y baterista estadounidense, del dúo The Carpenters
(f. 1983).
Karen
Anne Carpenter (New Haven, 2 de marzo de 1950 - Downey, 4 de
febrero de 1983) fue una exitosa cantante y baterista estadounidense famosa por el dúo The
Carpenters conformado
por ella y su hermano, Richard Carpenter. Fueron el dúo artístico más famoso de los 70
hasta la abrupta muerte de una de las piezas fundamentales del grupo, baterista
y cantante Karen Anne Carpenter. Posterior a su muerte su hermano Richard
promovió el grupo sacando canciones en solitario y reinvenciones de los grandes
éxitos de los Carpenters. En 1997 sacó a la venta el disco en solitario que
grabó su hermana a principios de los 80 que no pudo verlo en vida.
María Teresa
Villegas Garcés (Cali, 2 o 22 de marzo de 1953) más conocida
como Isadora es una cantante y compositora de baladas colombiana. Es
reconocida por pertenecer al el grupo El club del clan.1
Isadora comenzó a
cantar desde los 5 años por la influencia de su mamá, una cantante profesional
y ama de casa que adoraba la música clásica. Huérfana de padre y madre desde
los 14 años, tuvo que trabajar desde muy pequeña y a los 17 años ya tenía
experiencia como secretaria en la Organización Mundial de la Salud. Entonces
decidió seguir sus instintos musicales e ingresó al Instituto Departamental de
Bellas Artes para educar su voz y a la Universidad del Valle para estudiar
música. Junto con Fernando Parra y Pedro Chang, creó El Grupo, un conjunto que
grabó varios discos con Sonolux. Con el primero, titulado Isadora, se dieron a
conocer, y el segundo, Llamarada, fue un éxito nacional. 2
En su trayectoria
ha publicado 13 discos de baladas románticas y cinco de música espiritual que,
según la cantante, le sirvieron para cambiar su vida. Se alejó de los
escenarios, las novelas y obras teatrales como Sorprendidas, que en su momento
dispararon su popularidad. Ahora, convencida de que debe “vivir con los pies en
el suelo y las manos en el cielo”, regresa con dos importantes proyectos: su
nueva producción, titulada De Amores y Desamores –una recopilación y
reproducción de sus más grandes éxitos como Tenlo presente o Tenías razón– y su
Fundación Valor-Arte que con manualidades, canciones y baile busca fortalecer
las habilidades sociales y la salud mental de los niños.3
En 1975 se unió al grupo de hard rockAC/DC e intervino en los discos High Voltage, Dirty Deeds
Done Dirt Cheap y Let There Be Rock para dejar la banda
tras estos trabajos. Los motivos de su marcha no han sido del todo explicados.
Parece ser que su relación con Malcolm y Angus dejaba bastante que desear.
Evans, originalmente era guitarrista, fue presentado a la banda
en el Station Hotel de Melbourne, por su amigo,
Steve McGrath. Evans, para entrar en el grupo, cambió la guitarra por el bajo
.Evans se unió a la banda después de haberse aprendido todas las canciones de
la versión original de "High Voltage" de la noche a la mañana. La
primera aparición de Evans en TV con la banda, fue en el programa australiano
“Countdown” , en el que tocaron en el show Baby,
please don't Go. También apareció en varios vídeos promocionales,
incluido en el famoso video It's
a Long Way to the Top y en el Jailbreak.
Después de la grabación Let There Be Rock, Evans experimentó
diferencias personales con el guitarrista Angus Young, y entonces fue despedido, siendo
sustituido por Cliff Williams.
El último concierto que dio Evans con la banda fue en Alemania, en 1977.
Después de su salida de AC/DC, Evans entra en Finch y Contraband.
Después de un tiempo se unió a la banda Heaven en 1983 como
guitarrista substituyendo a Mick Cocks,
pero el grupo se separó casi de inmediato.
Nace Jesualdo Bolaños, cantante colombiano de vallenato, acordeonero de
“Los Pechichones”.
Nació en Villanueva (Guajira),
en la costa caribeña de Colombia (Suramérica) el 2 de Marzo de 1.961, quedando
huerfano de padre a muy temprana edad. Por esos años comenzó a digitar las
primeras notas de "El Acordeón", un instrumento aerófono que trajeron
los marineros de los barcos mercantes por el puerto marítimo de Riohacha la
capital del departamento de la Guajira. Ya con algo de destreza en el manejo
del instrumento, se embarcaba en los buses intermunicipales que viajaban entre
Riohacha y Maicao en la frontera Colombo-Venezolana, para entonar algunas
canciones y luego recogia las monedas que los pasajeros quisieran darle. Así
fué creciendo en tamaño y sabiduría musical y al poco tiempo se comentaba en
toda la región, que había un niño que ejecutaba muy bien el acordeón.
A la edad de 15 años fué llamado por una casa disquera para grabar su primer
disco de larga duración al lado de Alfonso "Poncho" Cotes Junior en
el año de 1.979, ganando ese mismo año el festival Cuna de Acordeones en la
categoría de Aficionados, después de haber ocupado los primeros lugares en una
serie de Festivales Infantiles y Aficionados. En su totalidad,
"Bolañito" ha ganado alrededor de 48 festivales. En 1.980 graba con
el destacado músico Juan Piña hacendo exitos que todavía perduran en la
selección musical de la gente. En 1.985 funda al lado del compositor Marcos
Díaz el grupo "Los Pechichones". Con este grupo, Jesualdo Bolaño es
coronado de fama, de gloria, de discos de oro, de platino, premios, radio,
prensa, televisión etc., llegando a ser el cuarto grupo en importancia en el
territorio colombiano. Ya en el tope de la fama, llega a conocer amistades,
mujeres, parrandas y comienza tambien a undirse en el mundo de las drogas, del
alcoholismo, de la opulencia, del orgullo, de la vanagloria, y alli mismo
conoce a una mujer: Ana Elina Campo, hoy en día su esposa.
Se casan en 1.986 y comienza para ella un verdadero calvario, porque Jesualdo
demostró ser totalmente diferente en el noviazgo siendo en realidad un hombre
que conocía toda clase de vicios pero no conocía al SEÑOR. Después de mucho
tiempo de sufrimientos, donde Jesualdo intentó incanzablemente cambiar su
comportamiento por medio de hechicerías, religiones, brujerias y hasta de
santeros, Ana Elina Campo decide separarse de él y va donde la esposa de
"Chiche" Ovalle a despedirse, pero es convencida por ésta para ir
juntas a la iglesia y allí Ana Elina se convierte.
Luego al regresar al hogar no le dice nada a Jesualdo y clama de rodillas ante
Dios para que lo cambie. El 17 de Abril de 1.992, después de dos meses, Ana
Elina se arregla para ir a la iglesia y Jesualdo se despierta y le pregunta:
Para donde vas?, ella le contesta: Para la iglesia, y él responde: Espérame que
voy contigo. La acompaña y ese día, Jesualdo se convierte al SEÑOR y cambia su
vida para siempre. Ana Elina y Jesualdo deciden servirle al Señor y asisten a
la iglesia que también lo hacen Elizabeth Daza y Esteban "Chiche"
Ovalle. Allí entrando en oración se dan cuenta que el Señor los ha llamado para
un servicio especial.
Bolañito, transformado por el poder de Dios, hoy es un hombre diferente que no
solo toca muy bien el Acordeón, sinó que además es un excelente predicador de
la poderosa palabra de Dios.
Con su testimonio ha llegado a los corazones de miles de personas en el mundo
entero.
Como evangelista está llevando la palabra de Dios a miles de Almas. Sus Hijos,
JOSEFINA MARIA ROSA, JOSE ALFREDO ALEJANDRO y ELIANA ALEJANDRA MARGARITA, son
el pilar para fortalecer su fé en Dios.
Junto a Esteban "Chiche" Ovalle conformaron el grupo LOS HIJOS DEL
REY
Nace Jon Bon
Jovi, cantante y actor estadounidense.
John Francis
Bongiovi Jr. (Perth Amboy, 2 de
marzo de 1962), conocido por su nombre artístico Jon
Bon Jovi, es un músico, actor, compositor, filántropo y productor
discográficoestadounidense, reconocido por ser el
vocalista y líder de la banda de rockBon Jovi. Desde 2009 forma parte del
prestigioso "Songwriters Hall of Fame" (Salón de la Fama de los compositores).12 En 2012, Jon Bon Jovi se sitúo en el
número 50 en la lista "Power 100" de la revista Billboard,
un ranking sobre las personas más influyentes en el negocio de
la música ("The Most Powerful and Influential People in the Music
Business"). En 1996, la revista People lo nombró como una
de las cincuenta personas más bellas del mundo ("50 Most Beautiful People
in the World"). En 2000, la misma revista lo nombró como la estrella
de rock más sexy ("Sexiest Rock
Star") y también se colocó en el número 13 en la lista de la cadena VH1
sobre los cien artistas más atractivos ("100 Sexiest Artists").
En 1977 se graduó
en la escuela y forma la banda Atlantic
City Expressway junto con su compañero de clase David Bryan Rashbaum.
Años más tarde, en 1980, luego de unos conciertos en bares, Jon decide cambiar
el nombre a The Rest. Ese mismo año escribe la canción «Runaway»,
la cual es utilizada en el disco mixto que Chip Hobart estaba produciendo;
«Runaway» se convertiría en la canción más destacada del álbum. A finales de
1980, Tony Bongiovi lo contrata para que interprete la canción «R2-D2 We
Wish You a Merry Christmas» del álbum navideño Christmas
in the Stars. Durante todo este tiempo, Jon realizó varias
grabaciones de canciones con Atlantic City Expressway, las cuales estaban
recopiladas en The Power Station
Years, tales como «Talking in Your Sleep» o «More Than We
Bargained For».
Ya en 1982, Jon y
su banda John Bongiovi and the Wild Ones empezaron a grabar los demos de
algunas canciones que se incluirían en su primer álbum oficial como banda,
entre ellas destacan «She Don't Know Me» y «Summertime Blues».4
En 1983, John
Bongiovi firmó un contrato con Polygram para poder producir un álbum.
Jon, teniendo la libertad que le permitía el contrato, decidió reclutar a su
antiguo compañero David Bryan, a su
entonces guitarrista Dave Sabo y luego
a Alec John Such,
bajista de The Message,
quien a su vez llamó a Tico Torres que
era el baterista de su banda. Más tarde se uniría Richie Sambora, el cual realizó un casting donde
lo escogieron como nuevo guitarrista, reemplazando a Sabo. Es así como se forma
la banda Bon Jovi, nombre que todos los miembros
acordaron sin problemas.
https://www.youtube.com/watch?v=lDK9QqIzhwk
1967:
José Martínez Ruiz, más conocido por su seudónimo Azorín (Monóvar, 8 de junio de 1873-Madrid, 2 de marzo de 1967), fue un escritor español perteneciente a la generación del 98, que cultivó diversos géneros literarios: la novela, el ensayo, la crónica periodística y la crítica literaria y, en menor medida, el teatro. Como político, ocupó en cinco ocasiones escaño de diputado a Cortes durante la Restauración.
Nacido en la localidad alicantina de Monóvar el 8 de junio de 1873, su nombre completo al nacer fue José Augusto Trinidad Martínez Ruiz. Su padre era natural de Yecla (Murcia) y militaba en el Partido Liberal-Conservador (llegó a ser alcalde, diputado y seguidor de Francisco Romero Robledo). Ejercía de abogado en Monóvar y poseía una importante hacienda. Su madre había nacido en Petrer. Era una familia tradicional burguesa y acomodada. Azorín fue el mayor de nueve hermanos. Estudió bachillerato interno durante ocho años en el colegio de los Escolapios de Yecla, etapa que refleja en sus dos primeras novelas, de fuerte contenido autobiográfico. De 1888 a 1896 cursó derecho en Valencia, donde se interesa por el krausismo y el anarquismo y se entrega a febriles lecturas literarias y políticas. Empiezan sus pinitos periodísticos. Usa seudónimos como Fray José, en La Educación Católica de Petrer, y Juan de Lis, en El Defensor de Yecla. Escribe también en El Eco de Monóvar, El Mercantil Valenciano e incluso en El Pueblo, periódico de Vicente Blasco Ibáñez. Casi siempre hace crítica teatral de obras de fuerte contenido social (elogia las obras de Ángel Guimerá y Benito Pérez Galdós o el Juan José de Joaquín Dicenta) y ya refleja sus inclinaciones anarquistas. Traduce el drama La intrusa de Maurice Maeterlinck, la conferencia del francés A. Hamon De la patria o Las prisiones de Kropotkin. En 1895 publica dos ensayos, Anarquistas literarios y Notas sociales, en los que presenta al público las principales teorías anarquistas.
Fotografiado hacia 1914
Se examinó en Granada y Salamanca, pero fue más estudiante que estudioso y más atento a las tertulias, al periodismo, al teatro y a la literatura que a las leyes. Llegado el 25 de noviembre de 1896 a Madrid para seguir sus estudios, se inició en medio de grandes privaciones en el periodismo republicano como en El País (1896), de donde le echaron, o en El Progreso (1897), periódico de Alejandro Lerroux, recibiendo solo el apoyo de Leopoldo Alas, Clarín, en uno de sus Paliques, donde trabajó como crítico, bajo los seudónimos de Cándido, en honor a Voltaire, Ahrimán, el dios persa de la destrucción, Charivari y Este, entre otros.
Poco a poco su nombre fue apareciendo cada vez más en revistas y periódicos como Revista Nueva, Juventud (firmando con Baroja y Maeztu como grupo de los Tres), Arte Joven, El Globo, Alma Española, España, El Imparcial y ABC. Al mismo tiempo va publicando folletos y libros. Escribe una trilogía de novelas autobiográficas de donde sacará su definitivo seudónimo, «Azorín», con el que empezará a firmar en 1904: La voluntad (1902), Antonio Azorín y Las confesiones de un pequeño filósofo.
A partir de 1905 el pensamiento y la literatura de Azorín están ya instalados en el conservadurismo. Comienza a colaborar en ABC donde participó activamente en la vida política. Antonio Maura, y sobre todo el ministro Juan de la Cierva y Peñafiel,1 se convierten en sus máximos valedores.
Caricatura de Tovar publicada en El Liberal el 11 de noviembre de 1908, en la que aparecen Azorín y Maura.
Entre 1907 y 1919 fue cinco veces diputado, cunero,2 y dos breves temporadas (en 1917 y 1919) subsecretario de Instrucción Pública. Crítico en sus primeros años con el sistema político de la Restauración, al que tenía por corrupto, pasó, con el tiempo, a integrarse en él.3 Tenía ya una larga trayectoria en la prensa madrileña cuando se incorporó a La Vanguardia como crítico literario.4 Gracias al empeño del director Miquel dels Sants Oliver, Azorín publicó, en este rotativo, cerca de doscientos artículos entre 1914 y 1917. No es de extrañar que un conspicuo representante de la cultura castellana publicara en las páginas de un diario barcelonés como La Vanguardia, ya que Barcelona fue la capital donde se impulsó y se dio a conocer, según los estudiosos, la generación del 98.
Viajó incansablemente por España y ahondó en la lectura de los clásicos del Siglo de Oro. El directorio militar de Primo de Rivera enfrió la actividad pública de Azorín, quien se negó a aceptar cargos políticos de manos del dictador. En 1924 fue elegido miembro de la Real Academia Española.
Cuando estalló la Guerra Civil huyó del Madrid del Frente Popular y con su esposa, Julia Guinda Urzanqui (1876-1974), se refugió en Francia. Años después, en 1966, fruto de su estancia en París durante la contienda, escribió el ensayo París, con sus impresiones sobre la capital francesa. Terminada la contienda, pudo regresar a España gracias a la ayuda que al efecto recibió del entonces ministro del Interior, Ramón Serrano Suñer, a quien años más tarde (1955) dedicó Azorín «con viva gratitud» su obra El pasado (Biblioteca Nueva, Madrid). En 1946 se le otorgó la gran cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio.5
En sus últimos años se mostró apasionado y asiduo espectador cinematográfico. Por su actividad articulista en el tema, el Círculo de Escritores Cinematográficos le concedió en 1950 la Medalla a la mejor labor literaria.6 El 5 de julio de 1963 fue nombrado hijo adoptivo de Alicante.7 Falleció en su domicilio del número 21 de la calle de Zorrilla, en Madrid, el 2 de marzo de 1967.8
Desde hace unas décadas, la crítica literaria inscribe su obra, al igual que la del resto de la de la generación del 98 –a la que pertenece–, dentro de la gran renovación literaria del modernismo europeo.9 No debe confundirse este movimiento con el modernismo hispánico, corriente literaria iniciada por el poeta nicaragüense Rubén Darío. La renovación procurada por los autores del 98 es tan patente que, para muchos estudiosos, 1902 se convierte en un año fundamental para la literatura española y europea, ya que en él se publican cuatro novelas profundamente renovadoras y que tendrán una influencia decisiva en los años venideros.10 En ese año Baroja publica Camino de perfección; Unamuno, Amor y pedagogía; José Martínez Ruiz (Azorín), La voluntad; Valle-Inclán, Sonata de otoño. Las tres primeras novelas fueron publicadas en la editorial barcelonesa Henrich y Cía, dentro de la colección Biblioteca de Novelistas del Siglo XX.
Su producción literaria se divide fundamentalmente en dos grandes apartados: ensayo y novela. También escribió algunas obras teatrales, experimentales, de escaso éxito.
La producción literaria de Azorín tiene también un gran valor estilístico. Su forma de escribir, muy peculiar, se caracteriza por el por el uso de una frase corta y de sintaxis simple, por el menudeo de un léxico castizo y por las series de dos o tres adjetivos unidos por una coma. Aunque existe cierto debate entre los críticos, se está imponiendo la caracterización de ese estilo como de un impresionismo simbolista,11 arraigado en la literatura simbolista en lengua francesa, tanto en la francesa (Joris-Karl Huysmans, Baudelaire) como en el simbolismo belga (Rodenbach, Maeterlinck). Entre sus técnicas literarias más innovadoras está el uso, a la manera de Virginia Woolf, de personajes que viven al mismo tiempo en varias épocas de la historia, como Don Juan o Inés, fundiendo a la vez mito y eterno retorno.
Como ensayista dedicó especial atención a dos temas: el paisaje español y la reinterpretación impresionista de las obras literarias clásicas.
En los ensayos dedicados a la situación española se observa el mismo proceso evolutivo que marcó a toda la generación del 98: si en sus primeras obras examina aspectos concretos de la realidad española y analiza los graves problemas de España, en Castilla (1912) su objetivo es profundizar en la tradición cultural española (reflexiones que surgen espontáneamente a partir de pequeñas observaciones del paisaje), además de incorporar un sentido del tiempo cíclico inspirado en Nietzsche.
Entre los ensayos literarios de Azorín destaca Ruta de Don Quijote (1905), Clásicos y modernos (1913), Los valores literarios (1914) y Al margen de los clásicos (1915). En ellos, su intención no es la de hacer un estudio pormenorizado de los textos, sino despertar la curiosidad y el interés ofreciendo una lectura impresionista de los mismos que destaca solo los elementos más significativos de los mismos para la personalidad del escritor. Por tanto, se limita a expresar sus impresiones y reflexiones personales sobre la literatura española. También destaca La Andalucía trágica. Es un ensayo añadido a la obra de Los pueblos (edición en 1914). Azorín irá a Andalucía y recorrerá la zona de Sevilla. Al principio mandará crónicas a El Imparcial y el gobierno se sentirá molesto, por lo cual le pedirá el director del periódico que no mande más. Publicará todavía una entrevista que le costará la expulsión del periódico y le llevará a trabajar en ABC. La Andalucía trágica era de 1904 a 1905, anterior a Los pueblos y posteriormente añadida.
Debe su notoriedad
especialmente por ser el sexto actor y
actual, en encarnar en el cine al personaje de James Bond del escritor Ian Fleming, en las adaptaciones
oficiales de las películas producidas por Eon Productions: Casino
Royale (2006), Quantum of
Solace(2008), Skyfall (2012), Spectre (2015)
y Bond 25 (2020). El papel de Bond lo ha
elevado a nivel de estrella internacional: a pesar que inicialmente fue
recibido con escepticismo por los seguidores más fieles a Bond, se
ha convertido en uno de los actores más aclamados, cuya interpretación hasta le
ha válido a una nominación al premio BAFTA, convirtiéndose en uno de los
actores con más ganancias de la industria cinematográfica.5
Daniel Craig ha
sido elegido en diversas ocasiones como uno de los hombres mejor vestidos.6 Una de las escenas de Craig en la
película Casino
Royale, donde él aparece saliendo del mar usando un traje de
baño, le sirvió para etiquetarlo como un hombre símbolo sexual de la década.7 En cuanto a sus honorarios, la
revista Men's Voguepublicó
que Craig era una de las celebridades con mejor sueldo británicas, y que seguía
en ascendencia 8 y que encabeza el Top 5 de
la lista de los actores mejor pagados de Hollywood.
Nace Chris
Martin, cantante británico, de la banda Coldplay.
Christopher Anthony
John Martin (Exeter, Devon, 2 de marzo de 1977),
más conocido como Chris Martin, es un cantante, músico, compositor, productor
discográfico y filántropo, cofundador y líder de la
banda británicaColdplay. Su registro de voz es de barítono y se distingue por su
expresividad al habitualmente utilizar el falsetto en las voces principales. Es
conocido además por su activismo en campañas a favor del comercio justo y en contra del hambre en el mundo. Ha dicho en más de
una ocasión que nunca trabajará de cantante solista debido a la estrecha
amistad que ha formado con sus compañeros de banda. 910
Chris Martin nació en el
poblado de Whitestone, ubicado en el condado Devon de Inglaterra cerca de su capital, Exeter. Siendo el mayor de 5 hijos en el seno
de una familia conservadora del
matrimonio de su padre, Anthony Martin, un contable y magistrado originario del distrito
Countess Wear, actualmente jubilado y su madre Alison Martin es católica, profesora de música actualmente
dedicada a la musicoterapia. Es
tataranieto de William Willett1112 y según algunas fuentes también es
pariente lejano de Winston Churchill por sus primos, quienes
son hijos de su nieto, Julian Sandys con su tía paterna Elisabeth Jane Martin.
El político y ex-parlamentario del Partido
Conservador, David Pattison Martin es también su tío.
Su abuelo paterno
fundó el negocio familiar de caravanas en
1929 que solía llamarse Martins Caravans, hasta que fue vendido en
1999 por su padre,13 su abuelo también llegó a ser
comisario y posteriormente alcalde de Exeter en 1968.
Al cumplir un año,
en el año 1978 sus padres decidirían mudarse a la que sería su casa de
infancia, que contaba con 8 acres,
vistas a la costa de Exe Estuary, potrero con caballos, cancha de tenis, una gran extensión de césped y árboles donde un jóven Chris
jugaba con sus dos hermanos y dos hermanas menores.141516 Solía jugar al cricket en el club “Countess Wear”, donde
su padre es también presidente.17 Su primer hermano menor es Alexander
Martin, un arquitecto con base en
la ciudad de Londres18 y su hermana más pequeña, Nicola
Martin, es actriz de teatro.1920
Alrededor de los 7
años de edad, sus padres le regalarían un ukelele, luego de que ellos hicieran un viaje
a Venecia y lo motivaban a tocarlo para el
resto de su familia.21
Siendo un niño
bastante inquieto asistió a la pre-preparatoria Hylton School, donde tocaba
el teclado,
a sus 11 años empezó a cantar públicamente asistiendo a la preparatoria Exeter
Cathedral School donde formó su primera banda, Identity Crisis,
Floating Insomnia y, ya que solía escuchar a Los Stones,
formó The Rocking Honkies, una banda con toques de blues junto
a Nick Repton e Iwan Gronow. Su debut fue recibido con abucheos de la multitud.22 23
Al cambiarse en
1990 a la independiente Sherborne School de Dorset,2425 siguió demostrando su interés por la
música formando otra banda llamada Bunga, que recibiría opiniones
divididas por parte del público,26 en la que estaría por dos años, y en
la misma escuela conoció a Phil Harvey, que sería el futuro representante
de Coldplay.27
También se
desenvolvería como capitán del primer XI equipo de hockey sobre césped durante
su paso por la escuela.
Bryce Dallas Howard (Los Ángeles, California, 2 de marzo de 1981) es una actriz, guionista y directoraestadounidense,
hija del director Ron Howard. Hizo su
debut como actriz bajo la dirección de su padre en la película Parenthood en 1989 y pasó a tener
pequeños papeles en películas y hacer apariciones en el escenario en los años
siguientes. Durante este tiempo ella también asistió a la New York University (NYU), Tisch
School of the Arts, luego de conseguir la Licenciatura en Bellas Artes, y
se inscribió en escuelas de arte dramático. Después de ganar la atención
de M. Night Shyamalan,
este le dio un papel en lo que sería su primera película como
protagonista, The Village (2004)
y La joven del agua (2006).
Su actuación en Como
gustéis (2006) le valió una nominación al Globo de Oro en 2008.
Importante poeta del folclore andino nacido en Manizales el 1 de agosto de 1905 y residenciado en Armenia a partir de 1930
Autor de bellas obras como su inmortal “Hágame un tiple, Maestro”, “Evangelista Agudelo”, “Tiple Viejo”, “Corazón de piedra”, “La quiero porque la quiero”, “Amada”, “Candelario Clavijo“, “Ingenuidad”, “Campesina quindiana” y muchas otras más.
Mención especial merece su picaresco bambuco “La Nigua” que cuenta con grabaciones por una amplia lista de importantes interpretes nacionales, como “Sombra y Luz”, “Los Hermanos Calero” y “Zabala y Barrera”, entre otros:
“Oriunda de Salamina, la nigua es como un microbio, chiquita, chirriquitica, y qué cosa tan verraca si pica la hijueputica”
Contaba el notable folclorólogo Octavio Marulanda que el músico quindiano Evelio Moncada, antes de conocer a Bernardo Gutiérrez, fué a Pereira a solicitar al poeta Luis Carlos González versos para él musicalizar, a lo que éste le respondió: “cómo es posible que usted me venga a solicitar versos a mí, si en Armenia, donde usted vive, está Bernardo Gutiérrez, el mejor de los poetas colombianos!”. Pues Moncada buscó a Gutiérrez y es entonces cuando nace uno de los binomios, compositor y autor, más importantes de nuestra historia musical.
El poeta Bernardo Gutiérrez falleció el 2 de marzo de 1981
Además de treinta y
seis novelas, escribió 121 relatos cortos. Gran parte de sus muchas historias
cortas y obras menores fueron publicadas en las revistas pulp de la época;4 fue en una de ellas donde
apareció Beyond Lies the Wub, su primera venta profesional: Planet Stories de julio de 1952.5 Aclamado en vida por contemporáneos
como Robert A. Heinlein o Stanisław Lem, pasó la mayor parte de su
carrera como escritor casi en la pobreza6 y obtuvo poco reconocimiento antes de
morir. Tras su muerte, sin embargo, la adaptación al cine de varias de sus
novelas le dio a conocer al gran público. Su obra es hoy una de las más
populares de la ciencia ficción y Dick se ha ganado el reconocimiento del
público y el respeto de la crítica.
Gozó de una gran
popularidad durante los años 60, representando el lado más sofisticado
del Swinging London y
siendo considerada un icono por el movimiento mod.
A comienzos de los años 70 se
convirtió en un símbolo para la cultura lesbianatras hacer pública su bisexualidad. Tras una etapa de menor
relevancia, recobró notoriedad a finales de los años 80 gracias a sus
colaboraciones con el dúo Pet Shop Boys.
Jeff Healey (nacido como Norman Jeffrey Healey; Toronto, Canadá; 25 de marzo de 1966-ibídem, 2 de marzo de 2008) fue un guitarrista y vocalista de jazz, y blues-rock canadiense invidente. Alcanzó popularidad internacional, tanto personal como musical, entre la década de 1980 y la de 1990. A diferencia de otros guitarristas ciegos, Jeff tocaba a la perfección la guitarra, acostada sobre sus piernas.
Healey nació en Toronto, Ontario, siendo criado en el extremo oeste de la ciudad. Fue adoptado como un bebé;1 su padre adoptivo fue un bombero. Cuando tenía once meses de edad, Healey perdió su vista por retinoblastoma, un extraño cáncer de los ojos. Los ojos tenían que ser eliminados quirúrgicamente, y se le dio otros ojos sustitutos artificiales.
Después de haber obtenido su primera guitarra, comenzó a imitar a sus héroes del blues, tales como John Lee Hooker, Muddy Waters y Eric Clapton, y creó un estilo propio. Apoyado sobre su regazo, mientras que su mano derecha pulsaba las cuerdas, la izquierda recorría una y otra vez el mástil, casi al estilo de una pedal steel guitar. Hizo sus primeras presentaciones en público a los seis años de edad, y alternó bandas y estilos hasta formar su propio trío, once años después. Desde los catorce años seleccionaba música de su colección de casi 25 mil discos de pasta en la Canadian Broadcasting Corporation. Para Healey, la influencia del pop y el jazz de principios del siglo XX era algo esencial en su formación.
A los 17 años fundó un grupo, Blue Direction, junto al bajista Jeremy Litller, el baterista Graydon Chapamn y el guitarrista Rob Quail, los cuales eran sus compañeros de estudio. En una de las visitas de Albert Collins a Toronto, se le abrieron las puertas del Albert Hall de la ciudad para tocar como su invitado, una experiencia que repitió cuando llegaron a la ciudad Stevie Ray Vaughan y B.B. King.
Sus jams en la Taberna Grossman, en su ciudad, fueron la antesala del lanzamiento discográfico de su Jeff Healey Band, con su primer álbum See The Light, que fue editado en 1988 por Arista, con John Rockman y Tom Stephem, en bajo y batería respectivamente. El LP incluía una versión del clásico de ZZ Top "Blue Jeans Blues".
Después de eso participó en la película Road House (De profesión duro en español) en 1989, protagonizada por Patrick Swayze, en la cual compuso la banda sonora y actuó en las escenas musicales del pub donde transcurre el film.
Con Hell to Pay, de 1990, su éxito creció aún más. Mark Knopfler, Bobby Whitlock y George Harrison entre sus invitados, y una excelente versión de «While My Guitar Gently Weeps», de The Beatles. Tres años más tarde, Feel This fue el predecesor de Cover to Cover, una mirada propia sobre temas de Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Beatles y Cream, entre otros. Una colaboración en la banda sonora de Un hombre entre sombras y dos recopilaciones antecedieron a Get Me Some, editado en el año 2000. A partir de entonces, Healey dedicó su tiempo a grabar tres CD de jazz tradicional de las décadas del '20 y '30, junto a sus Jazz Wizards, con quienes tocaba en su bar Jeff Healey's Roadhouse, en Toronto. En las presentaciones, solía cambiar la guitarra por la trompeta y el clarinete. Colaboró con Ian Gillan en Gillan's Inn, apareció junto a Stevie Ray Vaughan en un video de "Look at Little Sister" y condujo dos programas de jazz en una radio.
Siendo esposo de Cristie y papá de Rachel (13 años) y Derek (3 años), Healey dejó un nuevo CD, Mess of Blues, el cual se lanzó en 2009. En la programación de su Roadhouse, aún se anuncian sus futuros shows.
El 11 de enero de 2007, Healey se sometió a una cirugía para extirpar el tejido metastásico de ambos pulmones. En los previos 18 meses, dos sarcomas fueron extirpados de su piernas.2
El 2 de marzo de 2008, Healey murió de cáncer3 en St. Joseph's Health Centre en su casa de Toronto.4 Su muerte ocurrió un mes antes del lanzamiento de su álbum, Mess of Blues, el cual era su primer álbum de música rock/blues en ocho años.5
Healey dejó esposa, Cristie, y dos hijos.6 El 3 de mayo de 2008, se llevó a cabo un concierto-homenaje a beneficio de Daisy's Eye Cancer Fund, organización que, de acuerdo con Cristie Healey, ha ayudado a hacer grandes avances en la investigación y el futuro de las personas nacidas con la misma herencia genética del retinoblastoma,7 el cual tuvo su esposo cuando tenía once meses de edad. El hijo de Cristie y Jeff Healey también nació con la misma discapacidad.8
2012:
Muere Sheldon Moldoff, dibujante de historietasestadounidense,
uno de los tantos artistas "fantasmas" (colaboradores no acreditados)
de Bob Kane para
el cómic Batman
Tras trabajar
para All-American Comics y
realizar algunas páginas de curiosidades como relleno para National Periodicals,
empezó a trabajar en 1939 como asistente de Bob Kane en Batman.1
La etapa de
la Batman Family fue influida por
las teorías del influyente psiquiatra neoyorquino Fredric Wertham y
la consecuente creación del Comics Code, por lo tanto el trabajo de Moldoff
en Batman se
caracterizó por dibujos infantilizados, historias de ciencia ficción,
inocencia, humor y fantasía.
El entintador de la
mayoría de estos dibujos era Charles Paris, mientras el propio Sheldon
Moldoff se encargaba de entintar el Supermande Curt Swan.
La serie
animada Batman: The Brave and the Bold (2008
- actualidad) tomó gran parte del estilo de dibujantes clásicos como Dick Sprang y
Sheldon Moldoff, a fin de darle a la serie un estilo de dibujo clásico y a la
vez accesible a televidentes infantiles.
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