Evocando a los personajes de la Iglesia, de la Literatura, del Cine, de la música y la tv que nacieron y o murieron un día como hoy...
Un día como hoy 28 de febrero
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El 28
de febrero es el 59.º (quincuagésimo noveno) día del año en el calendario
gregoriano. Quedan 306 días para finalizar el año y 307 días en los años
bisiestos.
Su padre, Pierre de
Lamartine (1752-1840) era un caballero de Pratz, capitán en el regimiento de
caballería Dauphin, y su madre, Alix des Roys, era hija del intendente general
del duque de Orleans. Los primeros diez años de su
vida los pasó en el campo, en Milly, en el sur de Borgoña,
rodeado por la naturaleza, sus hermanas, su madre y, sobre todo, por el padre
Dumont, pastor de Bussières que le inculcó una gran fe religiosa, reforzada
por los años que pasó en el colegio de Belley,
durante los cuales leyó a Chateaubriand,
a Virgilio y
a Horacio.
De familia militar
de la pequeña nobleza provinciana francesa, viajó bastante durante su juventud.
En 1816, víctima de cierta depresión, se trasladó a tomar las aguas en Aix-les-Bains (Saboya).
Allí el poeta conoció a Julie Charles, nacida con el nombre de Hérettes
Bouchaud, mujer casada con el físico y aeronauta Jacques Charles y seis años
mayor que él, que sufre de "consunción", como se conocía entonces a
la tuberculosisgalopante. Los dos jóvenes comenzaron una relación
romántica que duró hasta la muerte de Julie en diciembre de 1817 a la edad de
33 años. El poeta se vio profundamente afectado por esta trágica pérdida que le
inspiró, en parte, sus Meditaciones poéticas (1820). En ese
mismo año, quizá para librarse de esa tristeza, contrajo matrimonio con la
inglesa Mary Ann Elisa Birch. Y como su defensa de la restauración borbónica en 1814 le
valió entrar en la carrera diplomática, ocupó su primer puesto oficial bajo el
gobierno de Luis XVIII en la secretaria de la embajada francesa
de Nápoles desde
1825 hasta 1828.
En 1829 fue elegido
miembro de la Academia francesa. Fue electo diputado en 1833
y 1839, y ocupó brevemente el cargo de gobernador durante la revolución de 1848 en Francia. Tras la
caída de Luis Felipe de Orleans, fue ministro de
Asuntos Exteriores, cargo que lo habilitó a presidir un gobierno interino en la
recién proclamada República, desde el 24 de febrero de 1848 hasta el 11 de mayo
del mismo año.
Durante su período
como político en la Segunda República Francesa, realizó
esfuerzos que finalmente condujeron a la abolición de la esclavitud y
de la pena de muerte, así como también fomentó la
libertad de prensa y reunión, el derecho al trabajo y los programas cortos de
capacitación laboral. Era un idealista político que apoyó la democracia y
el pacifismo,
y su postura moderada sobre la mayor parte de cuestiones hizo que sus
seguidores lo abandonaran. Tras fracasar en la elección presidencial del
10 de diciembre de 1848, se retiró de la política y se dedicó a la literatura.
Al margen de sus
dotes administrativas, Lamartine sobresalió en el panorama literario por la
delicadeza de sus versos y sus excepcionales representaciones de la naturaleza.
De su producción poética cabe mencionar Meditaciones poéticas (1820); Nuevas
meditaciones poéticas (1823), Armonías poéticas y religiosas (1830), Jocelyn (1836), La
caída de un ángel(1838) y Los recogimientos (1839). Como
historiador escribió Historia de los girondinos y como
narrador Raphaël (1848) y Graziella (1852),
que recogen sus vivencias personales. Su obra tuvo especial influencia entre
los integrantes del Salón Literario de 1837. En torno a él se formó un grupo de
escritores vinculados al romanticismo, entre los cuales y principalmente se
hallaba Esteban Echeverría.
Es famoso por
su poema parcialmente
autobiográfico Le Lac (El Lago), que describe en
retrospectiva el ferviente amor compartido por una pareja desde el punto de
vista del hombre desconsolado. Lamartine fue un maestro en el uso de las formas
poéticas del francés. Fue uno de los muy pocos literatos franceses en combinar
su escritura con su carrera política.
Yo soy el primero
que ha hecho descender la poesía del Parnaso y ha dado a lo que se llamaba la
Musa, en vez de una lira de siete cuerdas de convención, las fibras mismas del
corazón humano, tocadas y enmudecidas por las innúmeras fricciones del alma y
de la naturaleza [...] Esto no era un arte, era un alivio de mi propio corazón
que sacudió sus propios sollozos ("Prefacio" de Primeras
meditaciones)
Pido gracia por las
imperfecciones de estilo que herirán a menudo a los delicados. Lo que se siente
fuertemente se escribe rápido (Prefacio a Harmonies)
Los temas de su
poesía puramente lírica son cuatro: el amor, la melancolía, la naturaleza y la
fe. El amor, un amor de éxtasis lánguidos, "amorosos silencios" y
miradas compenetradas, se eleva cuando canta a Julie Charles; la melancolía (Flaubert hablaba
del "lirismo consuntivo" de Lamartine), la naturaleza que refrena
todo su desconsuelo y la fe, a veces desesperada, pero no tanto como en Alfred de Vigny.
Lamartine llega a Dios a través de la contemplación de la naturaleza, en el espectáculo
de los cielos, en la tierra.
En cuanto a su
poesía épica y filosófica, resulta un poco más impostada que la meramente
lírica. En Jocelyn poema narrativo ambientado en la época
revolucionaria, refleja en nueve épocas la epopeya de la redención por el
sacrificio y tuvo un gran éxito popular; se inspira tal vez en un personaje
real que conoció en su adolescencia, el abate Dumont. La chut d'un ange,
"La caída de un ángel", es de mera ficción. Es una epopeya metafísica
en la que el ángel Cédar es reducido a esclavitud por la hermosa Daïda. El
argumento es demasiado complicado y no tuvo el éxito del anterior. Como poeta
social canta una "Marsellesa de la paz" y contempla todos los bienes
posibles de la humanidad a través de la "fraternidad social": la extinción
de la pena de muerte y de la guerra y una sociedad fundada sobre la libertad en
que todos los bienes se repartan con igualdad entre los hombres.
Terminó su vida en
la pobreza, como tantos otros literatos, el 28 de febrero de 1869, en París. Es
considerado como el primer románticofrancés,
y es reconocido por Verlaine y los simbolistas como
una importante influencia.
Nace Ben Hecht, guionista estadounidense (f. 1964).
Ben Hecht (28 de febrero de 1894 – 18 de abril de 1964)
fue un guionista, director de cine, productor, dramaturgo y novelistaestadounidense. Llamado "el Shakespeare
de Hollywood", recibió créditos en la pantalla, solo o en colaboración,
por las historias o guiones de unas 70 películas. Como autor prolífico,
escribió 35 libros y creó algunos de los guiones o piezas de teatro más
exitosas de Estados Unidos. Según el historiador del cine Richard Corliss,
fue "el" guionista de cine de Hollywood, alguien que
"personificó al mismo Hollywood". El Dictionary of Literary
Biography - American Screenwriters lo llama "uno de los
guionistas de cine más exitoso en la historia del cine".
Se estima que
muchos de los 70-90 guiones de cine que escribió lo fueron de forma anónima,
debido al boicotbritánico contra su trabajo a fines de
los años 1940 e
inicios de los años 1950. El boicot
fue una respuesta al apoyo activo de Hecht al movimiento sionista en Palestina,
llegando a llamarse uno de los barcos de aprovisionamiento a Palestina en honor
a él, S.S. Ben Hecht.
Lester Anthony Minnelli nació en Chicago (Illinois) y fue el último hijo superviviente
de la pareja de Mina
Mary Lalouette Le Beau y Vincent
Charles Minnelli. Su madre era una canadiense francófona mientras
que su abuelo (Vincent Minnelli), era inmigrante siciliano, lo que responde a
su apellido italiano. Pero lo que más destaca de sus primeros años es que vivió
y creció en una familia de teatro. De hecho, su padre era el director del Minnelli
Brothers' Tent Theater, que cruzaba todo el Medio oeste de los Estados Unidos. Fue así como el pequeño Lester
viajaba entre Delaware y Chicago. De todas maneras, no dejó los
estudios y eso le permitió entrar en la universidad.
Una vez graduado, Minelli trabaja en una sastrería de una viuda
en Marshall
Fields. Pero pronto deja ese trabajo para buscar una oportunidad en
el mundo de la farándula. Ahí empieza un innumerable listado de trabajos
relacionados con el mundo del teatro en el Este (asistente de fotografía,
ayudante de producción, etc.) hasta llegar a ser director de escenarios en
el Radio City Music Hall de Nueva York e, incluso, dirigió
eventualmente algunos musicales en Broadway en 1935.
En aquel momento, el panorama del musical (a excepción de las
películas de la maravillosa pareja formada por Fred Astaire y Ginger Rogers) era realmente desalentador.
Pero Minelli no perdió la esperanza y empezó a estudiar el funcionamiento de la
industria, colaborando en unidades de dirección de Freed de las películas Armonías
de juventud (Strike Up the Band, 1940) y Babes
on Broadway(1941), con Mickey Rooney o Judy Garland (su futura esposa de 1945 a
1951). El debut como director llegaría con el musical Cabin
in the Sky (1943), un film modesto y que
pasó discretamente por crítica y público pero que marcó el rumbo de su
filmografía como director.
Después de su debut y con el respaldo de Freed, Minnelli lucha
con la MGM y con la propia Judy Garland (por aquel entonces
rutilante estrella después del éxito de El mago de Oz) para poder realizar con
ella Cita en San Luis (Meet
me in Saint Louis). Al final, la llegó a dirigir en 1944 y
se convirtió en un absoluto éxito. Y es que el resultado fue un magnífico film
en Technicolor y
costumbrista (Minnelli era un amante del cine en color y de las películas de
época) donde se retrata la vida de la familia Smith y de sus dos románticas
hijas. Además, Cita en San Luis dejaba una de sus primeras
canciones que pasarán a la posteridad: The Trolley Song.
El rutilante éxito de Cita en San Luis y su
boda con Garland, convierte a Minnelli en uno de los mejores valores de Arthur Freed, que se vio refrendado con la
gran aceptación de público que tuvo The clock en
1945, una comedia romántica no musical y que confirma a Minnelli como uno de
los directores más versátiles de Hollywood en los 40. Poco después, volvería a
triunfar con el remake de Ziegfeld Follies (1946), comprobando
que Minelli es uno de los cineastas más imaginativos y frescos del Hollywood de los 40.
De todas maneras, sus siguientes dos proyectos no corrieron la
misma suerte. Fueron los musicales Yolanda
y el ladrón (Yolanda and the Thief, 1945) y El pirata (The Pirate, 1948).
no conectaron con el público. En especial, sorprende ésta segunda. El
pirata dio a conocer a Gene Kelly (con Judy Garland de
acompañante) y la canción Be a clown cantada por ambos
protagonistas. Pero no fue del agrado ni de la crítica ni del público por
considerar un exceso del director.
Nació en Highland Falls,
en el Estado de Nueva York, hijo de un oficial del ejército.
Fue llamado a filas con motivo de la Segunda Guerra Mundial y participó en el
desembarco de las fuerzas aliadas en Normandía; en una de las batallas resultó
herido. De regreso a los Estados Unidos realizó diversos trabajos. Uno de ellos
fue el de instructor de baile de salón.
También hizo pequeños papeles en el teatro, donde le vio un productor, que le
contrató para el Festival de Teatro de Shakespeare en Nueva York. A partir de
entonces, Durning intervino en más de 30 obras teatrales, así como también en
algunas películas.
Durning tuvo su
primer éxito importante en el teatro en el año 1970, en la obra That
Champion Season, que ganó un Tony,
el premio más importante del teatro en América. Pocos años después, en 1973 repitió este
éxito al intervenir en la película El golpe, con Paul Newman y Robert Redford,
en la que encarnó a un policía corrupto. La película ganó varios Oscar.
Durning tenía entonces 50 años de edad. Había trabajado de forma continuada,
pero no había llamado la atención como actor. A partir de entonces las cosas
cambiaron. Trabajó sin descanso como uno de los actores secundarios más
solicitados. Sus dotes de interpretación le permitían realizar multitud de
papeles diferentes, y su presencia en las películas contribuyó notablemente a
su éxito.
Algunas de las
memorables actuaciones de Durning fueron su papel de policía que intenta
negociar con Al Pacino en Tarde de perros, de presidente
en Twilight's Last Gleaming, o de padre de Jessica Lange que
se enamora de un Dustin Hoffmandisfrazado de mujer en Tootsie.
Fue nominado al Oscar como mejor actor de reparto en 1982 por The
Best Little Whorehouse in Texas y al año siguiente por Ser o
no ser, la nueva versión del clásico de Ernst Lubitsch realizada
por Mel Brooks.
También siguió actuando en el teatro, donde se le consideró igualmente un gran
actor de carácter. En 1989 ganó
un Tony como mejor actor de reparto por su papel del padre en La gata sobre el
tejado de zinc, obra que estuvo en cartel en Broadway.
La capacidad de
trabajo de Durning le llevó a intervenir también en numerosas películas y
mini-series de televisión, en las que actuó con actores famosos, como Dustin Hoffmany Burt Reynolds,
y con las que cosechó también considerables éxitos. En 1975 había sido
nominado a un premio Emmy, y 15 años más tarde, en 1990, lo ganó por su papel
en la mini-serie The Kennedys of Massachusetts.
Durning se casó en
dos ocasiones. De su primera esposa se divorció en 1972, y al año siguiente
se volvió a casar. Tuvo tres hijos de su primera esposa.
Nació con el nombre de Frank Owen Goldberg en Toronto, Canadá. En 1947 se trasladó con sus padres a la ciudad de Los Ángeles y en 1954 se graduó en arquitectura en la Universidad del Sur de California (USC), obteniendo más tarde la nacionalidad estadounidense.1 Su familia era de origen judío-polaco, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. Se graduó en la Universidad del Sur de California en 1954 (año en que se cambió el nombre por presiones de su exmujer) de sus estudios de arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido en la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen.
En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París. Permaneció un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.
Cuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de arquitectura. En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.
Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, este debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de este en el entorno.
Habiendo crecido en Canadá, Gehry es un gran aficionado al hockey. En 2004 diseñó el trofeo de la Liga Mundial de Hockey.
En 2011 inauguró el rascacielos New York by Gehry, también conocido como 8 Spruce Street, levantado en la ciudad de Nueva York, un ansiado proyecto del arquitecto canadiense. Con 76 plantas y 265 metros de altura, el edificio es la torre residencial más alta de Estados Unidos. Construida con 10.500 paneles de titanio y hierro, el edificio semeja estar en constante mutación. Está situado cerca del Woolworth Building, un rascacielos construido en 1913. El edificio alberga una escuela pública, aunque las aulas no las diseñó Gehry.2
MacLeod logró un éxito continuo en la televisión junto a Ernest Borgnine en McHale's Navy (1962–1964), como Joseph "Happy" Haines, y en The Mary Tyler Moore Show (1970–1977) como Murray Slaughter, y conocido por su papel protagonista en The Love Boat (1977-1986), en el que fue elegido como capitán del barco Merrill Stubing.
Hijo de un indio nativo americano ojibwa, se educó en la localidad de Pleasantville y estudió interpretación en el Ithaca College, graduándose en 1952. Tras servir en las fuerzas aéreas estadounidenses, se instaló en Nueva York y trabajó en el Radio City Music Hall.
Su presencia en la pequeña pantalla se remonta a pequeños papeles esporádicos (habitualmente de villano) en distintas series a finales de los años 50 y principios de los 60. En 1962 consigue su primer papel habitual en una serie: el de Joseph "Happy" Haines en McHale's Navy.
Sin embargo, debería esperar aún unos años para que su popularidad comenzase a despuntar gracias al personaje de Murray Slaughter en The Mary Tyler Moore Show (1970-1977), que le valió dos nominaciones a los Globos de Oro.
La cumbre de su popularidad se la debe a la serie The Love Boat (1977-1986), de enorme éxito dentro de Estados Unidos así como a nivel mundial. MacLeod abría el reparto de la serie, interpretando al Capitán Merrill Stubing, al frente del transatlánticoPrincesa del Pacífico. Gracias a su interpretación fue de nuevo nominado a los Globos de Oro en tres ocasiones más.
Tras la cancelación de la serie se ha dedicado a labores de divulgación de los principios de la Iglesia Evangélica, a la que se convirtió a mediados de los años 80. Así, ha publicado, junto a su esposa, Back On Course: The Remarkable Story of a Divorce That Ended in Remarriage, sobre relaciones matrimoniales y alcoholismo y presentado un programa de televisión sobre vida conyugal, titulado Back on Course, en la cadena Trinity Broadcasting Network para la que ha estado trabajando durante 14 años.
El 29 de mayo del 2021 falleció en su hogar de Palm Desert, California, rodeado de su familia a los noventa años de edad.
1940:
Nace Joe South,
Joseph Alfred Souter (28 de febrero de 1940 - 5 de septiembre de 20121), más conocido como Joe South, fue un cantautor y guitarrista estadounidense. Especialmente recordado por su composición, ganaron el premio Grammy para la canción del año en 1970 por " Games People Play " y fue nominado nuevamente para el premio en 1972 para " Rose Garden "el éxito country de Lynn Anderson.
South se había reunido y fue animado por Bill Lowery, [1] un editor de música de Atlanta, Georgia y personalidad de radio. Comenzó su carrera discográfica en Atlanta con la Corporación Nacional de Grabación, donde se desempeñó como guitarrista junto con otros artistas de la NRC Ray Stevens y Jerry Reed. Las primeras grabaciones de South han sido reeditadas por NRC en CD. Pronto regresó a Nashville con The Manrando Group y luego a Charlie Wayne Felts Promotions. (Charlie Wayne Felts es primo del miembro del Salón de la Fama de Rockabilly y miembro de Grand Ole Opry, Narvel Felts).
South tuvo su primer éxito entre los primeros 50 en julio de 1958 con una versión del lado b del éxito de The Big Bopper, Chantilly Lace, una novedosa canción llamada "The Purple People Eater Meets the Witch Doctor". Después de este éxito se concentraría principalmente en la composición de canciones.
En 1959, South escribió dos canciones que fueron grabadas por Gene Vincent: "I Might Have Known", que estaba en el álbum Sounds Like Gene Vincent (Capitol Records, 1959), y "Gone Gone Gone", que se incluyó en el álbum. The Crazy Beat of Gene Vincent (Capitol Records, 1963).
South fue también un destacado acompañante, tocando la guitarra en el éxito de Tommy Roe "Sheila" un N°1 en la lista de Billborard en 1963, el álbum de Bob Dylan, Blonde on Blonde, y la introducción de trémolo clásico del éxito de Aretha Franklin " Chain of Fools ". [2] South tocó la guitarra eléctrica en el segundo álbum de Simon & Garfunkel, Sounds of Silence, aunque Al Gorgoni y / o Vinnie Bell aparecen en la canción principal.
Billy Joe Royal grabó cinco canciones de South: " Down in the Boondocks " (también interpretada en 1969 por Penny DeHaven ), " I Knew You When ", " Yo-Yo " (más tarde un éxito para The Osmonds ), " Hush " (más tarde un éxito para Deep Purple, Somebody's Image con Russell Morris y Kula Shaker ) y " Rose Garden " (ver más abajo).
Respondiendo a los problemas de fines de la década de 1960, el estilo de South cambió radicalmente, lo que es más evidente en su sencillo más grande, " Games People Play " , picante y sin sentido de 1969 (supuestamente inspirado en el libro del mismo nombre de Eric Berne ), un éxito en ambos lados del Atlántico. Acompañado por un sonido de cuerda exuberante, un órgano y un metal, [3] la producción ganó el Premio Grammy a la Mejor Canción Contemporánea y el Premio Grammy a la Canción del Año. South siguió con "Birds of a Feather" (originalmente "Bubbled Under" en el número 106 del 10 al 17 de febrero de 1968, más exitoso como una versión de The Raiders) que alcanzó su punto máximo en el Hot 100 en el número 23 del 23 al 30 de octubre de 1971) y otros dos buscadores de almas, el " No lo hagas querer volver a casa " (también cubierto ocho meses después por Brook Benton con The Dixie Flyers) y el socialmente provocativo " Walk a Mile in My Shoes " (también cubierto por Elvis Presley en una versión de la era de Las Vegas, Bryan Ferry y Coldcut ).
La composición comercialmente más exitosa de South fue el éxito de Lynn Anderson en 1971, "Rose Garden", que fue un éxito en 16 países de todo el mundo. Anderson ganó un premio Grammy por su voz, y South obtuvo dos nominaciones al Grammy por ella, como mejor canción country y canción (general) del año. South escribió más éxitos para Anderson, como " Cómo puedo amarte " ( Billboard Country No. 1) y " Fool Me " ( Billboard Country No. 3). Freddy Weller, Jeannie C. Riley y Penny DeHaven también tuvieron éxitos en el Billboard con canciones de South. Además, otros artistas que han grabado canciones escritas de South incluyen Jerry Lee Lewis, Johnny Cash, Glen Campbell, Loretta Lynn, Carol Burnett, Andy Williams, Kitty Wells, Dottie West, Jim Nabors, Arlen Roth, Liz Anderson, The Georgia Satellites, Waylon Jennings, Dolly Parton, Ike y Tina Turner, Hank Williams Jr., James Taylor, los Tams y kd lang, aunque la mayoría con las versiones de las canciones más conocidas de South.
El suicidio de 1971 del hermano de South, Tommy, provocó que Joe se deprimiera clínicamente. [4] Tommy South había sido el baterista de su banda de acompañamiento y acompañó a South no solo en presentaciones en vivo sino también en sesiones de grabación cuando South produjo éxitos para otros artistas, incluidos Royal, Sandy Posey y Friend and Lover, incluida su canción número 10 de Billboard. " Alcanzar la oscuridad ". [5] En una entrevista con Amy Duncan de Christian Science Monitor, South dijo: "No me veía a mí mismo [drogas] por las patadas. Lo hice más o menos para seguir adelante y aprovechar la inspiración. Yo equiparé los químicos con la inspiración." El uso de drogas por parte de South resultó en una actitud hosca hacia el público, y dejó Capitol después de dos álbumes fallidos. South vivió durante un tiempo en la década de 1970 en la isla hawaiana de Maui. Él dijo: "Realmente me pateé por años ... uno de los principales problemas fue que me negaba a perdonarme a mí mismo", le dijo a Duncan. "Sabes, puedes pasar por centros de tratamiento de drogas, y no es una curación permanente hasta que sea una curación espiritual".
No hay información disponible sobre el primer matrimonio de South, el divorcio o su primera esposa. En 1987, South convirtió a Jan Tant en su segunda esposa. South dijo que este matrimonio ayudó a cambiar las cosas, y la inspiración de Tant lo ayudó a volver a escribir canciones y apariciones ocasionales en público.
South engendró un hijo, su hijo Craig South, que es un artista de doblaje en el sur de California.
South ganó dos premios Grammy, por Canción del año y Mejor canción contemporánea, por el sencillo "Games People Play", en 1969. South fue incluido en el Salón de la fama de compositores de Nashville en 1979 y se convirtió en miembro del Georgia Music Hall of Fama en 1981. [6]
South fue incluido en el Museo y Salón de la Fama de los Músicos en 2019.
En 1988, un DJ holandés, Jan Donkers, entrevistó a South para VPRO-radio. El programa de radio [7] que transmitió la entrevista también tocó cuatro nuevas canciones de South, pero no se publicó un nuevo disco.
El 13 de septiembre de 2003, South actuó durante la ceremonia de inducción del Salón de la Fama de la Música de Georgia y tocó con Buddy Buie, James B. Cobb, Jr. y Chips Moman .
La grabación final de South, "Oprah Cried", se realizó en 2009 y se lanzó como una canción adicional en el relanzamiento de los álbumes: So the Seeds are Growing y A Look Inside en un CD.
South murió en su casa en Buford, Georgia, al noreste de Atlanta, el 5 de septiembre de 2012, de insuficiencia cardíaca. Tenía 72 años. [8] South y su segunda esposa Jan Tant, quien murió en 1999, están enterrados en el cementerio Mount Harmony Memorial Gardens, en Mableton (Condado de Cobb), Georgia.
Su madre era
profesora de piano y su padre aficionado al jazz.
Esta educación lo llevó desde temprana edad a dominar distintos instrumentos musicales,
aunque mostraba preferencias por el blues,
el rhythm and blues y
el jazz.12 Con los Stones fue la guitarra rítmica
y el multi-instrumentista de
la banda,3 y destacó en esos primeros años como
uno de sus miembros más activos.4 No figuró en ninguno de los créditos
como compositor y tampoco cantó ninguna de las canciones, no obstante la
diversidad y la creatividad que el grupo alcanzó con Jones nunca volvió a ser
igualada después de su partida (según la opinión de algunos).23 Jones destacó por su versatilidad en
los arreglos de las guitarras, tales como en "Mother's Little Helper"
o "She's a Rainbow".
Su comportamiento
errático; la fricción con sus compañeros, en especial con Richards por
relacionarse con su expareja Anita Pallenberg; y el poco aporte en los
álbumes de la agrupación lo llevaron a ser despedido de The Rolling Stones.4 Los abandonó el 10 de junio de 1969 y
poco después se retiró a su granja de Sussex.5 Un mes más tarde fue hallado muerto
en la piscina de su casa, los informes de la
policía indicaron que el músico murió a causa de un ataque
de asma, enfermedad que sufría desde hacía tiempo, que se le
presentó mientras se encontraba nadando, aunque otras teorías respecto a la
muerte de Jones se desarrollaron poco después.6
En vida Jones hizo
un par de proyectos en solitario de bajo perfil. Produjo, escribió e interpretó
la banda sonora de la película Mord und Totschlag (también
conocida como A Degree Of Murder), un filme protagonizado por su
entonces novia Anita Pallenberg,
y grabó con un grupo local de una villa de Marruecos, Master Musicians of Joujouka, el
álbum Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka, lanzado a
título póstumo en 1971.
Se destaca, muy joven, como
pianista de jazz ; Posteriormente,
atraído por la música popular, comenzó a componer música y letras de
canciones. Después de dejar la universidad en el último año de la ley , se
mudó de Nápoles a Roma ,
donde comenzó a asistir a RCA
Italiana , debutando como cantautor en 1968 con È
sera , que también fue presentado en Un disco para el verano por Peppino
di Capri .
Al mismo tiempo, conoce
a Franco Migliacci con quien firmará los
primeros éxitos: Pero qué frío ,
cantado por Nada de quince años y por The Rokes , Il
cuore es un gitano(presentado por Nada y Nicola Di Bari y ganador del Festival de Sanremo 1971 ) . Como
autor, escribió éxitos para Alberto
Sordi ("Va, y va ..."), Renato
Carosone ("Na canzuncella doce doce"), Gigi
Proietti , Enrico
Montesano , Gianni Morandi ( Pero a quién le
importa , canción ganadora de Canzonissima
1969), para Eduardo De Crescenzo "Ancora" (premio de la crítica y
revelación del Festival de Sanremo 1981), para Neri Per Caso "The
Girls" (1er premio Sanremo Giovani 1995), para el musical "C'Era una
volta .. Scugnizzi "del que también es productor y director.
Escribe con Renzo
Arbore música y textos de Ma la notte no , El
colchón , El clarinete , Cacao
Meravigliao , Sí, la vida es todo un cuestionario , vengo
después del tiggì y otros, y compone música y letras para el teatro, para
el Televisión y cine.
Ha descubierto y lanzado a
muchos artistas jóvenes, incluido Eduardo De Crescenzo (para quien
escribió Ancora , una de las
canciones italianas más interpretadas en los últimos treinta
años, Mani , L'infinità y otros), Mietta (para
la que escribió Sogno , el debut de la intérprete en Sanremo 1988 ), Neri
per Caso (primero con las chicas en el Festival de Sanremo "Giovani" 1995 )
y Siria (primero
con el que no estoy en el Festival de Sanremo "Giovani" 1996 y
tercero con Sei Tu Al año siguiente en el "Gran" Festival
de Sanremo).
Esta película está inspirada
en 2002 para
la redacción y puesta en escena del musical C'era una volta ... Scugnizzi (guión
escrito en colaboración con Enrico
Vaime ), ambientado entre jóvenes en riesgo de un suburbio napolitano ,
con una compañía de actores-cantantes muy jóvenes, casi todos en la primera
experiencia, una tarea difícil que obtiene un consenso extraordinario de
público y críticos (llega a la taquilla y gana el Oscar del Teatro asignado por
el Ente Teatrale Italiano), y en poco tiempo se convierte en un
"culto". Entre las canciones más famosas del musical se
encuentran ' A città' y Pulecenella , una serenata dulce y amarga
dedicada a la ciudad de Nápoles.
Escribe música y letras para
algunas representaciones teatrales de Garinei y Giovannini, entre las cuales
recordamos que Beati, usted y los hombres son todos niños ,
así como una larga serie de acrónimos de programas de televisión. En su
carrera ha recogido varios premios (David di Donatello, Nastro d'Argento,
Golden Globe, Ciak d'Oro y numerosas victorias y premios de la crítica en el
Festival de Sanremo).
Animado por una gran pasión
por el entretenimiento y la comunicación en general, fundó en Roma un centro de
producción con salas de grabación, dos editoriales, un sello discográfico y una
compañía de producción teatral. Hoy su principal ocupación es el teatro y,
siempre, la búsqueda del talento.
Claudio Mattone está vinculado
sentimentalmente a Claudia Cortellesi, la hermana de
Paola . Paola Cortellesi comenzó su carrera a la edad de trece
años cantando la canción Cacao Meravigliao , escrita por Mattone para
el programa de televisión " Back
All ".
Wenceslao Pareja y Pareja nació el 1 de septiembre de 1880, en Guayaquil, Ecuador.1 Sus padre fue el peruano Enrique Pareja Garretoni, y su madre fue la guayaquileña Susana Pareja.1
Sus primeros estudios los realizó en Guayaquil, hasta que tuvo que irse de la ciudad debido a la Revolución Liberal que estalló en 1895.2 Viajó a Lima, Perú, donde obtuvo el título de Bachiller en 1900.2 Cursó sus estudios de ciencias naturales durante dos años, y de medicina y cirugía durante siete años, en la Universidad de San Marco, hasta 1908, cuando obtuvo su título de Doctor.2
Luego de terminar sus estudios en Perú, regresó a Guayaquil por un breve tiempo, hasta que viajó a Europa, para realizar durante un año, estudios más avanzados, en París, Francia.2 En su regreso a Guayaquil, presentó en el Primer Congreso Médico Ecuatoriano, sus trabajos más importantes sobre la Peste Bubónica en Guayaquil, la Fiebre Amarilla y varios otros que fueron producto de sus investigaciones y estudios.2
Debutó en la década
de 1960, en series de televisión, y dio el salto al cine con dos películas
respaldadas por grandes estrellas: La prueba del valor (1970)
con Ryan O'Nealy Charles Aznavour, y Los últimos juegos
prohibidos (1971) con Marlon Brando.
Sus máximas cotas
de popularidad las alcanzó entre 1985 y 1989 con las teleseries Dinastía y Los
Colby. En la primera serie aparecio en dos episodios de la sexta temporada
para ser inmediatamente trasladada a la segunda serie, que surgió en 1985 a
modo de spin-off o
derivación de la primera. En Los Colby, Stephanie Beacham ganó
protagonismo con respecto a Dinastia (en la que solamente
aparecio en dos episodios), pero esta serie no igualó el éxito de Dinastía y
concluyó, tras dos temporadas, en 1987, si bien la actriz y su personaje de
Sable Colby, ante la inminente salida del personaje de Krystle Carrington,
fueron recuperados en 1988 para la novena temporada de la serie madre, Dinastia,
con un nivel protagonico mayor todavia que en Los Colby,
compitiendo en rivalidad con su prima Alexis Colby, tal y como antes lo habia
hecho Krystle Carrington.
Ruehl asistió a la
universidad de New Rochelleand, donde se graduó en 1969. Tuvo un hijo,
Cristopher (1976), a quien tuvo que dar en adopción cuando
ella tenía 28 años. Se volvieron a reunir cuando él cumplió los 21 años de edad
(en 1997). Está casada con el pintor David Geiser, con quien adoptó un hijo,
Jake (nacido en 1997). Más tarde, Cristopher se convirtió en padrino de Jake.1
1957:
Nace Francisco Céspedes, cantautor, músico y compositor
nacido en Santa Clara (Cuba) y
nacionalizado mexicano.
Francisco Fabián
Céspedes Rodríguez, más conocido por su nombre artístico Francisco Céspedes o
amigablemente Pancho Céspedes, es un cantautor, músico y compositor
nacido el 28 de febrero de 1957 en Santa Clara (Cuba) y
nacionalizado mexicano.
Saltó a la fama
en 1998,
con su álbum Vida loca, melodías
que van desde la balada al bolero con un toque jazz.
Francisco Fabián
Céspedes Rodríguez estudió Medicina en la facultad de Ciencias Médicas de la
Habana, pero estando ya cursando la especialidad de Medicina Interna, le surgió
la oportunidad de dedicarse por entero a la música, cambiando el fonendoscopio
por el micrófono y lo hizo. Durante varios años, formó parte de algunas
agrupaciones cubanas como el grupo de Pucho López (con el que visitó España por
primera vez a principios de la década de los 90)
y la Orquesta Cubana
de Música Moderna, agrupación con la que cantaba temas tanto de su
autoría como de "feeling" —un movimiento de música que surgió
en Cuba,
el cual es una mezcla de bolero con jazz y con el que se
estuvieron presentado a lo largo de su país—, para finalmente llegar a México,
donde decide radicar iniciando una exitosa carrera musical.
En 1993, cuando Luis Miguel se
encontraba seleccionando los temas que formarían parte de "Aries",
este decidió incluir la canción de autoría de Francisco Céspedes titulado
“Pensar en ti”, una de las canciones más importantes de ese disco, iniciando
así su primera etapa dentro de la música como compositor. Otro tema de
Francisco Céspedes cantado por Luis Miguel en 1996 fue: "Qué
tú te vas", mismo que formó parte del álbum "Nada es igual".
Participó como
solista en el Festival de Viña del Mar1997, representando
a México con
"Hablo de ti", una canción que había escrito en Cuba años atrás y con
la que logró el segundo lugar en tan afamado festival latinoamericano.
Después del éxito
en el festival, Francisco Céspedes consigue grabó en 1997 su primer álbum
como solista: Vida loca. En él
mostraba todas las vivencias que había tenido en los últimos años, logrando un
disco lleno de sensibilidad y amor que se convirtió en uno de los más exitosos
en México, España,
los Estados Unidos, Chile y Perú.1
Durante 1998 y 1999, participó en la
traducción de la película El príncipe de Egipto,2
con el personaje de Jetro y a la vez interpretó la canción Mirada
celestial. Francisco Céspedes realizó una extensa gira visitando los países
más importantes de Latinoamérica y España,
país en el cual se presentó varias veces durante el mismo año debido al gran
éxito que tuvo Vida loca, álbum con el cual obtuvo Quíntuple Disco
de Platino en este país, así como 3 Premios Amigo como
Mejor Artista Revelación Latino, Mejor Solista Masculino Latino y Mejor Álbum
Latino, y un Premio Ondas: Artista Revelación Latino 1998;
además realizó un dueto junto con Presuntos Implicados en la canción
"Nadie como tú".
En 2000, salió al mercado su
álbum "¿Dónde está la vida?", que fue Disco de Platino por sus
ventas en México y a nivel internacional alcanzó un importante
éxito debido a que el sencillo de salida "¿Dónde está la vida?",
fue emitido en la telenovela mexicana "La casa en la playa" con más de un millón
de copias vendidas.3
Para el año 2004, Francisco Céspedes
sale sus Grandes Éxitos, "Dicen que el alma / Grandes Éxitos"
dónde incluye dos temas nuevos: "Dicen que el alma" y su primer
sencillo "Lloviendo ausencia". También como bonus incluye duetos de
"Remolino" con Ana Belén y
"Vida loca" con Milton
Nascimento.
En 2005 Francisco
Céspedes lanza al mercado su nuevo material discográfico titulado
"Autorretrato". El subtítulo Okán Eyo, que en yoruba significa
"cosas del corazón, problemas del alma", resume la esencia del
álbum, incluyendo versiones de Bésame Mucho, entre otras.
Durante el
año 2006 Francisco
Céspedes regresa con un nuevo disco homenaje a Ignacio Villa, mejor conocido
como “Bola de Nieve”.
Algunas de las
canciones que hacen de este material inigualable son “Ay Amor”, “Vete De Mí”,
“No Puedo Ser Feliz”, “Drume Negrita”, “Adiós Felicidad”.
Este nuevo material
de Francisco Céspedes también incluye un DVD con un documental donde se muestra
el proceso de grabación de un disco de esta complexión y la actualidad muchos
artistas cubanos que viven fuera de la isla.
Con el permiso de
Bola obtuvo nominación a Grammy en el año 2007, en septiembre del
mismo año este material se hace acreedor al premio orgullo latino.
En el año 2009, pone sus huellas en
el paseo de la Fama en México y recibe la nominación a los premios OYE, como
Artista Masculino del año y este disco "Te Acuerdas..." es nominado a
los GRAMMY y GRAMMY LATINO.
Participó por
segunda vez, en la traducción de otra película pero esta vez de Disney
titulada La princesa y el sapo prestando su voz a
Louis, un lagarto trompetista y amante del jazz que vive en el pantano.4
El 28 de febrero de
2011 Francisco Céspedes presentó su Álbum(DVD-CD) en vivo, titulado "Más
cerca de ti". El concierto fue grabado en vivo desde un pequeño bar en
Monterrey, Nuevo León.
Este material
incluye dieciocho temas, entre los que se encuentran catorce de las canciones
que lo han llevado a la cima como “Donde está la vida”, “Pensar en ti”, “Nadie
como tú”, “Morena”, “Señora” y “Vida loca”. En este álbum además hay cuatro
temas inéditos, que son “Dime tú”, “Parece que”, “Ya no es lo mismo” y “Si no
fuera por ti”, que fueron estrenados la noche en la que se grabó este
concierto.
Más Cerca de Ti,
fue producido por Aneiro Taño, Jorge Avedaño y Francisco Céspedes; al respecto
de este lanzamiento, el propio cantautor escribió unas palabras:
“El Día de San
Valentín me quedé dormido al empezar a escribir las palabras para este DVD-CD y
tuve un sueño un poco raro. Estábamos Aneiro Taño, Bola de Nieve,
Gonzalito Rubalcaba, Raúl del Sol, la gente de la peña de Payrol en Santa
Clara, Amaury, David y otros que no recuerdo, jugando domino en el centro de un
estadio de fútbol, en donde cada vez que uno ganaba una mano, se escuchaban
miles de voces gritando 'Vida loca', 'Señora', 'Remolino' [y] 'La flor de la
canela' hasta que alguien grito 'jon ron', y me quedaba solo con dos pianos y
una trompeta caídos desde el cielo, que sin dejar de tocar una música
maravillosa, se dejaban abrazar por todo mi agradecimiento. Se trataba de Chilo
Morán, Jorge Aragón y Eugenio Toussaint. Al despertar sólo me quedó por dar
gracias a Dios; el que está en ustedes y en mí, quién ha querido a esta música,
a esta banda que me acompaña; a los que hemos trabajado y, sobre todo, los que
hoy están conmigo, a ti mi Mariana, a ti mi corazón Diego y bueno, mejor vamos
a disfrutar esta descarga bohemia porque así puedo estar... Más Cerca de
Ti."
Pancho Céspedes
terminó de grabar un disco a dúo con el maestro Armando
Manzanero "Armando un Pancho". El Maestro Manzanero
cantando las canciones de Céspedes y Céspedes cantando las canciones de
Manzanero. Pancho Céspedes ha colaborado varias veces con el poeta y escritor
cubano americano Carlos Pintado en diferentes proyectos y
presentaciones destacándose, entre muchas, una aparición en la Feria
Internacional del Libro de Miami 2012.
John Michael
Turturro (Brooklyn, Nueva York; 28 de febrero de 1957)
es un actor y directorestadounidense-italiano.2 Su carrera abarca cuatro décadas
durante las cuales ha actuado en más de ochenta películas en roles cómicos y
dramáticos, además ha trabajado ocasionalmente en el teatro y la televisión y
dirigido cinco largometrajes. Ha recibido diversos premios
y nominaciones por su trabajo tanto delante como detrás de
cámaras y es considerado una figura importante del cine independiente por
su extensa trayectoria en filmes alejados del circuito comercial.456
Además de actuar,
se ha desempeñado como escritor y director en el cine y el teatro. Su primer
largometraje, un drama basado en la vida de su padre, se llamó Mac (1992) y recibió elogios por
parte de la crítica.12 Otros de sus trabajos como
realizador son la comedia musical Romance &
Cigarettes (2005), el documental sobre la música
napolitana Passione (2010)
y la comedia coprotagonizada por Woody Allen, Fading Gigolo (2013). En el año 2011
debutó como director en Broadway con
la obra original Relatively
Speaking.13 Su experiencia en la dirección le ha
valido reconocimientos en los festivales de Cannes, Sundance y Venecia.14
Hija del actor Tommy Chong y
de Maxine Sneed, fue criada por su abuela paterna. Sus ancestros son de
distintos orígenes étnicos. Tiene 4 hermanos: Robbi Chong, Marcus Chong, Paris
Chong, Gilbran Chong. Robbi es también actriz.
Jorge Enrique Abello Moreno nació en la Clínica del Country en
 Bogotá. Sus
padres, Alberto Abello de Sucre y Heidi Moreno, no lo esperaban ya que entre el
último de sus cuatro hermanos y él hay una diferencia de diez años.
Sus hermanos son: Alberto, Eduardo (fallecido en accidente de
aviación en 1992), Juan Manuel y Mª Inés. Es descendiente de Antonio José de Sucre un
prócer venezolano, héroe de la Independencia de Ecuador, Perú y Bolivia
Estudió su bachillerato en el Gimnasio Moderno, y la universitaria en
la Pontificia
Universidad Javeriana - Facultad de Comunicación y lenguaje (Carrera
de Comunicación social) / Facultad de Ciencias sociales (Carrera de Estudios
literarios), de lo cual es licenciado, y lo que más le atrajo fue la producción
de Televisión Educativa.
Estuvo casado con Marcela Salazar Jaramillo hasta el 2006. Fruto
de este matrimonio, nació Candelaria Abello Salazar (12 de febrero de 2002). En
el 2012 conoció, en la librería La Madriguera del Conejo, de la que él era
socio; a María Isabel Gutiérrez. Después de tres años de noviazgo, el actor
Jorge Enrique Abello le propuso matrimonio a su novia. La boda se realizó el 13
de mayo de 2016. El 12 de diciembre de 2018 nació Antonio Cayetano Abello
Gutiérrez, el segundo hijo del actor.
Su primer papel fue para hacer la obra de teatro “Miringa,
Mironga, la gata candonga”, un cuento de Rafael Pombo, donde hizo el papel
protagonista.
En la universidad trabajó como director en vídeos
institucionales y musicales, como jefe de publicidad de un programa de
televisión, como asistente de producción, como director de cámaras y,
finalmente, como actor. Si no hubiese cuajado en este campo, le habría gustado
ser corresponsal de guerra o marino, porque le gusta el descubrimiento.
Después de realizar un seminario sobre la imagen cinematográfica
en la Universidad Nacional, uno sobre la imagen en movimiento (dirigido por
Giuseppe Ferrara) y de haber realizado talleres de teatro con Adelaida Nieto, Bellín
Marchallac, Patricia Maldonado, Jorge Emilio Salazar y Ernesto Galindo a lo
largo de diez años, empezó su carrera como actor.
Ha seguido trabajando en la producción de televisión. Se destaca
la elaboración de la presentación de la serie “Amores como el nuestro”, de la
segunda presentación que se realizó del programa “De pies a cabeza” y del vídeo
"Una en un millón", del actor y cantante Marcelo Cezán.
Fue el director del musical "Persiana americana" y
director de cámara submarina de "Mi única verdad", con el director
Pepe Sánchez, entre otras muchas labores tras las cámaras.
Muere Reutilio González, Guitarrista, compositor y cantante guantanemero.
Integró el famoso dúo de música campesina con la matancera Celina
González.
Reutilio
Domínguez Terrero. Guitarrista, compositor y cantante
guantanemero. Integró el famoso dúo de música campesina con la matancera Celina
González.
En 1930 sus padres van a
residir a Guantánamo donde el joven se relaciona con músicos
locales. La trova,
el punto guajiro y la guaracha conocieron en la voz de Reutilio a uno de sus
más fieles intérpretes.
En 1944 se traslada
para La Habana,
donde conoce a Celina González y contrae matrimonio,
surgiendo así lo que llegó a ser el más exitoso dúo de música popular de la
época.
Durante más de quince años
cosecharon éxitos en la radio,
el teatro y
la televisión.
Grabaron más de 40 discos que por su sabor y cubanía se convirtieron en grandes
éxitos.
Reutilio y Celina fueron
precursores de programas campesinos como Atalaya campesina, Palmas y
Cañas y Vivimos en Campoalegre.
Luego de 25 años de ausencia,
Reutilio vuelve a Guantánamo gravemente enfermo. Quiso seguir brindando
su arte y se incorporó al programa Por Nuestros Campos de CMKS.
Fue el sexto de los
ocho hijos del matrimonio formado por el dominicano José Rodríguez Fuentes y la
cubana Severina Lozada Aguilera. Desde su infancia, mostró gran interés en la
música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto
a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años
integró el "Conjunto Típico Ladí", también denominado "Conjunto
de Industrias Nativas" que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la
cual grabó junto a Rafael Castro, también integrante del grupo, su primer tema,
la danza "Amor perdido", de la autoría de Martínez en
1939 para RCA Victor.1
Ese año, se vincula al grupo "Cuarteto Mayarí" junto con los
guitarristas Manuel Jiménez y Francisco
"Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo, quien fungía como
director del grupo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el
conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses
con el grupo.1
La isla de Puerto
Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por
la Gran Depresión estadounidense; por lo que
Tito escribió a su hermano, el músico y cantante Juan de Capadocia Rodríguez
Lozada, conocido artísticamente como Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva
York desde 1935,2expresándole
su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus
padres habían fallecido, lo que precipitó su partida.
En 1939, Tito
Rodríguez, con 16 años de edad, llegó a Nueva York esperanzado
en trabajar como cantante y trazar su propia ruta musical. En un principio hizo
apariciones en la orquesta de su hermano Johnny y poco después logró cantar con
el Cuarteto Marcano, con el cual grabó sus primeros discos en Nueva
York, aunque nunca formó parte de esta agrupación. Luego, integró la agrupación
musical cubana Cuarteto Caney que dirigía el músico
cubano Fernando Storch y tras una pasantía breve por las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat como
cantante y percusionista, presta en 1945 el servicio militar obligatorio en el
ejército estadounidense.
Al licenciarse del
ejército, el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó
a Rodríguez como cantante y músico para su orquesta. Ese año, mientras la banda
de Curbelo actuaba en el club nocturno "China Doll", Rodríguez
conoció a una corista estadounidense-japonesa apodada Tobi Kei, cuyo nombre
verdadero era Takeku Kunimatsu, con quien se casó el día 23 de agosto de 194813
y tendría a sus hijos Tito (nacido el 20 de febrero de 1955)2
y Cindy Rodríguez (1948).4
Este matrimonio duró hasta el fallecimiento del artista.
Como anécdota de
esta época, se cuenta que un día de 1948, Rodríguez pidió permiso a José
Curbelo para atender a su esposa enferma, pero realmente el cantante estaba
tomando licor en un bar. Al saberlo, Curbelo lo despidió y Tito estuvo
desempleado largo tiempo. Después dirigió un quinteto de corta duración y en
1948 funda la orquesta "Mambo Devils" (Diablos del Mambo). Con esta
orquesta, en pleno auge del mambo, Rodríguez rivaliza con las orquestas de Tito Puente y
con la orquesta "Afrocubans" del músico cubano Francisco Raúl
Gutiérrez Grillo, apodado artísticamente Machito.
Pronto Tito
Rodríguez fue influenciado, como tantos otros cantantes, por el estilo del
vocalista cubano Miguelito Valdés. Con el tiempo desarrolló su
propio estilo. Firma su primer contrato de grabación con la disquera Tico
Records, la cual le obliga a cambiar el nombre de su orquesta, el cual pasó
a ser "Los Lobos del Mambo". Para entonces, había iniciado estudios
en la escuela de música Juilliard
Musical Conservatory tomando clases de percusión, vibráfono y
xilófono.
Buscando nuevos
mercados para su música, Rodríguez firma en 1953 un nuevo contrato con la
empresa transnacional RCA Víctor y
su banda pasa a llamarse formalmente "Tito Rodríguez y su Orquesta".
Años después de su muerte, Sony Music Entertainment, poseedora del
catálogo de RCA Victor, reeditó en formato CD las cintas de estas grabaciones.
En 1955, Tito
Rodríguez se percata de que el atrilero de su banda en ese tiempo, su
compatriota Cheo Feliciano, tenía talento para ser cantante
y percusionista. Gracias a ello, Rodríguez le ofrece la oportunidad de cantar
junto a su orquesta en el club nocturno neoyorquino, hoy desaparecido,
"Palladium". Feliciano sale airoso de la prueba y Rodríguez le
recomienda al músico Joe Cuba su inclusión en su sexteto, con lo que inicia su
carrera en forma independiente.
En 1957, renuncia a
su contrato con RCA Víctor y firma nuevamente contrato con Tico Records, para
producir solamente tres álbumes en LP. En 1960 hace un nuevo contrato con la
división discográfica de la empresa cinematográfica United Artists,
en el cual puso como condición que él sería el único líder de banda musical
latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, titulado
"Live at the Palladium", constituyó un éxito que fue empañado sólo
por la continua rivalidad con el músico estadounidense Tito Puente, la cual
nació mientras ambos trabajaban con la orquesta de José Curbelo. A la orquesta
es incorporada la bailarina cubana Martha Correa quien tocaba las maracas. En
junio de 1962, Rodríguez y su banda grabaron Back Home in Puerto Rico durante
una estadía de dos semanas en la isla. Su regreso fue marcado por recepciones
oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.
Trató de
establecerse con una revista musical en la ciudad estadounidense de Las Vegas lo
cual le ocasionó una gran pérdida económica. En 1963 graba junto a su
orquesta un nuevo disco en vivo esta vez dedicado al Jazz Latino en el club
neoyorquino Birdland. Este álbum, titulado Live at Birdland incluyó
la colaboración de los músicos de jazz Bob Brookmeyer, Al Cohn,
Bernie Leighton, Zoot Sims y Clark Terry.
Pero en 1963,
a causa de un veto artístico que le impedía actuar con sus músicos, Tito
Rodríguez asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo, al menos por ese
momento, al interpretar boleros con acompañamiento de una orquesta de cuerdas,
cuando los boleristas tradicionales no estaban en su mejor momento. La disquera,
puso el talento de Rodríguez en manos del músico, compositor y director
estadounidense Alvin "Leroy" Holmes quien había tenido acercamientos
a la música romántica latinoamericana. De esta colaboración, nace el álbum
"From Tito Rodríguez with Love" (De Tito Rodríguez con amor) un
auténtico éxito de ventas, que incluyó la canción "Inolvidable" del
músico cubano Julio Gutiérrez. Este éxito inicial como bolerista, hace que años
después de su muerte se le conociera como "El Inolvidable". La
alianza entre Rodríguez y Holmes produjo unos nueve LP con interpretaciones que
iban del género del bolero a la balada. En 1964, Rodríguez firma con la empresa
estadounidense Musicor Records, que dependía para la distribución de su música
de la anterior empresa. Inicia esta etapa con el álbum Carnival of the
Americas, alterna sus álbumes de música bailable y boleros con Leroy Holmes
y la inclusión como invitado, en uno de ellos, del pianista cubano José Melis.
Los malos contratos
de negocios y la controversia con sus músicos sobre el salario, le hicieron
disolver su orquesta y mudarse a Puerto Rico en 1966. Cuando la compañía matriz
de United Artists adquirió uno de los canales de televisión de Puerto Rico,
Tito inició en dicho canal su propio programa en el cual aparecieron como
invitadas diversas estrellas estadounidenses como Shirley Bassey, Tony Bennetty Sammy Davis Jr..
Rodríguez pensó que como a él se le consideraba Nuyorican (neoyorquino
de ascendencia puertorriqueña) no podría recibir algún premio por su programa.
Sintiendo el rechazo
de sus compatriotas, Rodríguez regresa a Estados Unidos, concluye su contrato
con Musicor Recods para volver con United Artists Latino. El álbum "Estoy
Como Nunca" marca este regreso a los escenarios de Nueva York. Por último,
grabaría su disco El Doctor en el cual fue incluido el
tema Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad que sostuvo
con Tito Puente. En 1967, durante la grabación de uno de sus programas,
Rodríguez tuvo uno de los primeros síntomas de la leucemia,
de la cual fallecería.
En 1971, Rodríguez
inició su labor como empresario discográfico con su propia empresa discográfica
denominada TR Records. Enseguida viaja al Reino Unido, para grabar
con músicos de aquel país su primer álbum en esta nueva etapa, titulado Inolvidable(Unforgettable)
en el cual reeditó su famoso éxito de 1964 ya mencionado. A los boleros
tradicionales contenidos en este LP, sumó canciones de corte innovador
como Amor No Es Solo Sexo. Durante el espacio entre las sesiones de
grabación, en Londres, le fue confirmado que padecía de leucemia aunque
insistió en mantener en secreto su enfermedad. Realiza un álbum al lado del
orquestador Louie Ramírez, en lo que sería su última grabación en colaboración con
otro artista. En un momento, hasta ahora indeterminado, Rodríguez grabó 10
temas en idioma inglés para su empresa, pero este trabajo no vería la luz
pública, sino tres años después de su muerte y fue titulado "You've Made
Me So Very Happy".5
En el año 1972
Rodríguez celebra sus 25 años de actividad como vocalista, aunque tenía más
años en el medio artístico, con un espectáculo titulado 25th
Anniversary Perfomance (Presentación del 25º Aniversario) el cual
presentó en el Club "El Tumi" de Limadonde se realizó su
última grabación en vivo con el acompañamiento de la orquesta del músico
peruano Lucho Macedo. Este álbum, que incluyó sus
éxitos de finales de los años 50 y los 60, fue presentado al público en enero
de 1973 y despertó comentarios acerca de que esto fuera una despedida.
Desoyendo el
consejo de guardar reposo, Rodríguez realizó su última presentación con la
orquesta de su colega, el director de orquesta cubano Francisco Raúl Gutiérrez
Grillo "Machito" en el Madison Square Garden el 2 de febrero de
1973. Este espectáculo redujo aún más la vitalidad del cantante, por lo que
debió ser hospitalizado a mitad de función. Finalmente, negándose a comer,
perdió la batalla contra su enfermedad y, 26 días después, el 28 de febrero de
1973, Rodríguez falleció en los brazos de su esposa.6Sabiendo
su cercano final, a petición del cantante, sus restos fueron llevados a Puerto
Rico y fueron velados en una ceremonia que congregó a varios colegas suyos,
entre ellos su antiguo rival, Tito Puente. Luego, sus restos fueron cremados y
depositados en una urna junto a los de su esposa, quien falleció en 1984.
Cuando todavía era
estudiante de la high school, Ahn visitó el plató del film The Thief of Bagdad,
donde conoció a Douglas Fairbanks. Fairbanks ofreció al joven
Philip la posibilidad de hacer una prueba, y después hacer un papel en la
película. Sin embargo, la madre de Philip se negó a aceptar que su hijo se
hiciera actor.
Ahn se graduó en
1923, y después empezó a trabajar en los arrozales de la zona de Colusa, California.
El campo era propiedad de la Joven Academia Coreana, un movimiento
independentista coreano que adiestraba a jóvenes coreanos para llegar a ser
líderes de su país una vez éste se viera liberado del dominio japonés. Debido a
que los coreanos no podían poseer tierras, la Academia aprovechó la ciudadanía
estadounidense de Ahn para poner la propiedad a su nombre. Sin embargo, a causa
de las lluvias la cosecha de arroz se echó a perder, y Ahn tuvo que enfrentarse
a problemas económicos. Por entonces, su padre se encontraba en Asia trabajando a
favor de la independencia, por lo que el joven Ahn tuvo que ayudar
económicamente a sui madre y a sus cuatro hermanos. Por ese motivo tuvo que
trabajar como ascensorista en Los Ángeles.
En 1934 empezó a
estudiar en la Universidad del Sur de California.
Aunque estaba interesado en el negocio de importación y exportación, su padre
le animó a ser actor, su verdadera vocación, y le convenció para que siguiera
cursos de cinematografía. Mientras estudiaba, actuó en una producción de la
obra Merrily We Roll Along que se representó por el oeste de
los Estados Unidos.
Además, en la
universidad era responsable de la organización de las visitas de muchos
dignatarios extranjeros, tales como la Princesa Der Ling de China, el periodista de
la IndiaChaman Lal, y el arqueólogo y explorador
Robert B. Stacey-Judd. Sin embargo, tras su segundo año en la universidad
abandonó el centro y se dedicó plenamente a su carrera como actor.
Su primera película
fue A Scream in the Night en 1935. Al año siguiente actuó en
el film de Bing CrosbyAnything Goes, aunque el
director Lewis Milestone inicialmente le había
rechazado ya que su inglés era demasiado bueno para el papel. Sus primeras
actuaciones acreditadas llegaron en 1936 con The General Died at Dawn y Stowaway,
con Shirley Temple. Ahn trabajó junto a Anna May Wong en Daughter of Shanghai (1937) y King of
Chinatown (1939).
Durante los años de
la Segunda Guerra Mundial, a menudo interpretó a
malvados japoneses en filmes bélicos como Back to Bataan(1945).
Debido al odio hacia los japoneses durante la guerra, recibió muchas amenazas
de muerte. En parte para contrarrestar su imagen, Ahn se sumó al Ejército de los Estados Unidos, aunque fue
licenciado a causa de una lesión de tobillo. Durante su breve estancia en el
ejército, trabajó en los Servicios Especiales entreteniendo a la tropa.
El último papel
importante de Ahn fue el de "Master Kan" en la serie televisiva Kung Fu. Ahn era presbiteriano, y afirmaba que el
pensamiento taoísta de su personaje no contradecía sus propias
creencias religiosas. Por su contribución a la industria cinematográfica, Ahn
fue premiado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6211
de Hollywood Boulevard, siendo el primer actor
estadounidense de origen asiático en recibir una.1
1992:
Muere Abel de Jesús
Salazar, cantante, compositor colombiano.
(Abel de Jesús Salazar
Acevedo) nació en Jericó-Antioquia el 5 o 9 de septiembre de 1909. Falleció en el
Hospital Universitario de Caldas, en Manizales, el viernes 28 de febrero de
1992.
Se le conoció como "El Cantor". Fue cantante, compositor y gallero.
Su primer dueto lo formó con Eladio Espinosa quien posteriormente se separó de
Salazar para conformar el inmortal dueto “Espinosa y Bedoya” con el cantautor
Francisco “Pacho” Bedoya.
Compuso diversos géneros de música, cuenta entre sus mayores éxitos el tango
“Cruel incertidumbre” (de mayo de 1945, interpretado por Pepe Aguirre), el
pasillo con música de Pacho Bedoya “Amor en Silencio”, “Brindis por los
muertos”, “Por tu culpa”, etc. En su vida de autor y compositor produjo más de
50 obras entre bambucos, pasillos, cumbias, tangos y milongas.
Sus obras han sido grabadas por los mejores grupos y las mejores voces, tales
como el conocido Conjunto América, eI conjunto de Pedro Sánchez y el popular
cantante Pepe Aguirre. Algunos son: "Amor en Silencio" (pasillo)
Espinosa y Bedoya, con música de Pacho Bedoya. "Frente a frente"
(tango) José Maria de Hoyos (Conjunto América). "Optimismo" (vals)
cantado a dueto par José Maria de Hoyos y Elvira Tamasy, del Conjunto América.
"Vive por no dejar" (Tango) conjunto de Pedro Sánchez. "Si yo
pudiera" (pasillo) Marfil y sus montañeros. "Pobres muchachos"
(tango) grabado por José Reynel.
Su primera composición fue el tango "Por tu culpa" grabado para la
R.C.A. Víctor por el dueto Peláez Ospina; después lo grabó Noel Ramírez. Esta
la hizo en 1927 en la ciudad de Armenia.
El maestro Enrique Rodríguez con su orquesta de todos los ritmos grabó en 1970
(en discos de de 78 r.p.m) dos obras de Abel de J. Salazar: el tango
"Dilema y razón", con la voz de Cruz Montenegro y la milonga
"Serás penitente", cantada por Ernesto Falcón. Hoy en día estas dos
obras son joyas de la discografía para los coleccionistas.
Vivió en Medellín por dos o tres épocas, donde alternó con destacados artistas
y compositores antioqueños, defendiéndose únicamente con su tipIe y su voz.
En Bogotá se estableció durante dos temporadas. Allí tuvo las mayores
satisfacciones. codeándose con políticos e intelectuales del país, entre ellos
el doctor Jorge Eliécer Gaitán.
Contemporáneo con el maestro Luís Carlos González, los bambucos y pasillos del maestro
Abel de J., se codearon con los del cantor de la ruana, en las noches de
bohemia colombiana ante las ventanas trasnochadoras, y el mismo González exigía
a los músicos. los bambucos compuestos por Salazar.
Varias de sus composiciones fueron musicalizadas por Fabio Ospina y Manuel Ramírez,
del famoso Trío Caldas.
Abel de J. Salazar fue un hombre bueno, sencillo y amable. Estuvo casado con la
señora Blanca María Osorio de cuya unión hubo 7 hijos. Vivió en Chinchiná,
Caldas, pueblo rico en sus recuerdos, apergaminando historias para la música
colombiana. Su casa estuvo siempre abierta para el dialogo con los artistas,
coleccionistas y melómanos.
……
Luciano Londoño López
Académico correspondiente de la Academia Porteña del Lunfardo y la Academia
Nacional del Tango, Buenos Aires, Argentina.
Fue candidato
a Diputado
Nacional en 1965 por el Partido
Cívico Independiente, de Álvaro Alsogaray,
y precandidato a Senador
Nacional por el partido Nueva Fuerza -del mismo político-
en 1972.12 En 1975 se exilió en Estados Unidos luego de ser apartado de
la televisión argentina: el canal 11 quitó de su
programación el ciclo Telecómicos.4
A mediados de 1974 el interventor estatal de Canal 13 me dijo “ahora
mandamos las mayorías y usted responde a las minorías”.
Jorge Villamil
nació en la "Hacienda del Cedral" en Neiva. Estudió en la
población de Garzón, donde pasó a la escuela elemental y en Bogotá en
el Colegio Antonio Nariño de los Hermanos Corazonistas, donde concluyó el
bachillerato. Posteriormente se graduó como médicoortopedista y traumatólogo en
la Pontificia Universidad Javeriana en 1958. Inició su carrera de
compositor, mientras trabajó para el Instituto Colombiano de Seguros Sociales
hasta 1976, durante la cual escribió más de 200 canciones, que en su mayoría
fueron resultado de su devoción y gratitud hacia el departamento del Huila, así como a los paisajes naturales y
románticos.
Durante varios
años se desempeñó como director de "SAYCO" (Sociedad de Autores y
Compositores Colombianos), entidad en la que desarrolló una importante labor en
favor de los autores y compositores colombianos.
Recibió una
Palma de Oro en Hollywood, y el título de Compositor de las Américas y el Mundo
Latino entregado en 1979 por la APE de Nueva York. En el 2009, a los 83 años,
recibió un reconocimiento especial entre los maestros vivos de la música
colombiana, que le otorgó el Ministerio de Cultura de Colombia.
Momentos antes
de morir, el 28 de febrero de 2010, le pidió a su hijo, el periodista Jorge
Villamil Ospina, que su cuerpo no fuera llevado al Capitolio Nacional y que su
funeral se hiciera con discreción, sin ninguna clase de boato oficial u
oportunismo político. Falleció a las 10 de la noche en su residencia de la
ciudad de Bogotá.1
"Colombia
ha recibido una triste noticia: la partida final, el fallecimiento del maestro
Jorge Villamil Cordovez, el guardián del patrimonio cultural de la
Nación", lamentó el presidente de ese momento Álvaro Uribe en
un mensaje de condolencias y señalo "que en el país hoy rendimos homenaje
a la memoria de un gigante de la cultura y el arte de la patria" y
"en nombre del Gobierno y de todos sus compatriotas, quienes tanto lo
admiran y lo aman, expresamos nuestras sentidas condolencias a sus familiares,
a sus amigos y a quienes fueron sus más cercanos compañeros de labores
artísticas". Del mismo modo, La ministra de Cultura de esa época, Paula Marcela Moreno, por su parte, lamentó
igualmente el deceso, y consideró que su legado musical "es un reflejo del
sentir y de la identidad de nuestra nación" y resaltó que Villamil también
se destacó "por su lucha en favor de los derechos de los compositores y
músicos colombianos", que las canciones de Villamil "perdurarán a
través del tiempo" y que el talento del compositor "trascendió las
fronteras del país y que sus composiciones constituyen uno de los mejores
momentos de la música del interior del país"
Su música, que
está calculada en más de 200 composiciones, Entre ellas están las que lo dieron
a conocer cuando fueron grabadas por Garzón y Collazos:Los Guaduales, Espumas2
(con la que se dio a conocer a nivel internacional en 1962), Los
Remansos, Llorando por amor, Me Llevarás en Ti3 El
Barcino,4 Luna
Roja,5 Oropel y Llamarada entre
otros, que fueron también las más interpretadas y grabadas por artistas y
cantantes nacionales e internacionales, que han usado sus canciones en
mariachis, grupos de cuerda y hasta en sinfónicas, como la de Tokio.
Su pasillo
'Espumas', de 1962, grabado primero por Los Tolimenses sin mucha trascendencia y
posteriormente con los arreglos y voces de Garzón y Collazos, se convirtió en
la canción más importante del año y fue la pieza responsable de proyectarlo
internacionalmente. En su historia musical recibió múltiples reconocimientos,
entre ellos cinco discos de oro y varias condecoraciones entregadas por los
Gobiernos de Chile, México, Puerto Rico y la Unión Soviética. También fue uno
de los más interpretados por cantantes y orquestas del mundo. Entre ellos se
destacan Javier Solís, Alejandro Fernández, Vicente Fernández, Lola Beltrán, Chavela Vargas, Olimpo Cárdenas, Soraya, Paul Mauriat, Frank Pourcel, Felipe Pirela,
entre otros.
En Colombia los
artistas que interpretaron sus obras fueron Garzón y Collazos, quienes lo
lanzaron a la fama y el reconocimiento, el dueto Silva y Villalba, Los Hermanos
Martínez, Isadora, Helenita Vargas, Los Tolimenses, Arnulfo
Briceño, Valeriano Lanchas, Juan Carlos Coronel, Alci Acosta, Claudia de
Colombia, Lucho Bermúdez, Pacho Galán, Soraya, Los Hermanos Collazos, y muchos
grupos, corales, vocalistas que reprodujeron las creaciones del maestro
Villamil. Sin embargo, como en su primera etapa fue contratado en exclusiva
por Sonolux y
Garzón y Collazos para escribir para el dueto, prácticamente no se hicieron
conocidos los temas que primero no grabó este dueto, ni temas después de los
años 70´s.
Su obra más
polémica fue el famoso tema El Barcino, en el cual su letra hace referencia a
la guerrilla colombiana de las FARC-EP y
su comandante Manuel Marulanda Vélez, más conocido como "Tirofijo".
pese a que distintos expertos señalan que esto no se debe considerar como una
canción que hace apología al delito Y el terrorismo, ya que trata de una
ilustración de un pasaje de la historia colombiana y en especial la región del
Huila y el Caquetá, ya que habla de las regiones del Pato y el Guayabero,
terreno que se ubica en los límites de estos dos departamentos.
Hija de una actriz
y de un militar. La influencia de su madre hizo que Jane fuese a estudiar
interpretación con la famosa Maria
Ouspenskaya, instruyéndose también en canto y piano.
Russell trabajaba
como modelo y secretaria de un médico cuando
fue contratada por el magnateHoward Hughes para
actuar en la película The Outlaw (El forajido o Fuera
de la ley) de 1943.
En algún momento Howard Hughes sintió obsesión por los pechos de Russell en el
plató.2
Tras su debut
cinematográfico, participó en programas radiofónicos de humoristas
de la época, entre los que se hallan Bob Hope,
y apareció como modelo de glamour en revistas militares.
En 1946,
Russell volvió al cine para interpretar el papel de Joan Kenwood en el
largometraje Young Widow. Después, colaboró con la banda de Kay Kyser en
la interpretación de los sencillos "As Long As I Live" y
"Boin-n-n-ng!". En 1948 intervino
en la película The Paleface (Rostro pálido),
junto a Bob Hope y Robert Armstrong.
Aunque continuó
actuando durante la década de 1960, sus películas aparecían cada vez más
espaciadas, apareciendo en títulos bastante olvidables. Tras Más oscuro que el ámbar (1970), un film de Robert Clouse, Jane se retiró
definitivamente del mundo del cine dedicándose a la televisión, al teatro
musical en Broadway y al mundo de la publicidad, apareciendo en
promociones de sujetadores.
Russell contrajo
matrimonio en tres ocasiones. La primera con el jugador de fútbol
americano Bob Waterfield, quien
intervino en la película Jungle Manhunt (1951), en un enlace que
duraría desde 1943 hasta 1968. Descubrió que no
podía tener hijos, por lo que adoptaron tres niños: Tracy, Thomas y Robert.
Para colaborar con parejas en su misma situación, Russell y su esposo fundarían
en 1955 la WAIFF, Fundación Mundial para la Adopción Internacional, una
importante organización, pionera en su época, que ubicaba niños extranjeros con
matrimonios estadounidenses. Además, se interesó en la caridad, liderando
grupos dedicados a recaudar para la beneficencia.3
Su segundo marido sería Rober Barrett, quien moriría el mismo año de su boda (1968); el tercero y último
fue John Calvin Peoples, con el que se casó en 1974 y con el que
permaneció casada hasta la muerte de éste.
Inició su carrera
durante la década de 1960. Fue el arquetipo del héroe del llamado Enchilada
Western, es decir películas ambientadas en la estética y temática del Oeste
estadounidense o wéstern, pero con actores mexicanos y en español, aprovechando
los estudios y escenarios de las películas estadounidenses filmadas en México.
También se dedicó al modelaje.
Cabe mencionar que
en 1967 tuvo un veto en televisión, por razones desconocidas. Su regreso fue en
1974 con la telenovela Ha llegado una intrusa. A finales de los 70
se lanza como cantante, y graba un LP con los temas No llores más y Destinos.
En 1982, abandona esta faceta. Sus personajes de galán en las telenovelas
provocaron en las décadas de los años 1970 y 1980 tumultos fuera
de las locaciones de filmación. Una buena muestra de ello fue la
telenovela Los ricos también lloran de 1979, compartiendo
créditos con Verónica Castro.
Participó en
comedias teatrales, así como en cine en Estados Unidos (muestra
de ello es la cinta Popa en Nueva York, compartiendo créditos con
la actriz y comediante cubana Lilia Lazo) y en la televisión. En cine alternó
con figuras tales como: Cantinflas y Luis Felipe
Tovar.
Se dedicó a la
actuación, escultura e impartió cursos y talleres de verano para niños y
jóvenes. En 2008 reapareció en televisión firmando de nueva cuenta contrato con
Televisa, para la telenovela Mañana es para siempre del
productor Nicandro Díaz. Esto marcó el regreso del actor
a los melodramas después de Golpe bajo, una telenovela
protagonizada por Lucía Méndez y Javier Gómez donde Rogelio Guerra tenía el
antagónico, bajo la batuta de TV Azteca.
Jorge Antonio Oñate González (La Paz, 31 de marzo de 1949 - Medellín, 28 de febrero de 2021)12 conocido como Jorge Oñate y apodado «El Jilguero de América» y «El Ruiseñor del Cesar»,3 fue un músico colombiano, cantante y compositor de música vallenata.4 Desde el comienzo de su carrera, en 1968 a 2012, había logrado 25 discos de oro, 7 discos de platino y 6 de doble platino.5 También incursionó en la política como concejal de su pueblo natal, fue diputado por el departamento del Cesar y segundo en la lista del congresista Alfredo Cuello Dávila, a quien reemplazó en varias ocasiones.3
De adolescente su madre lo llevó a Bogotá. Allí estudió en el colegio de la Universidad Libre, donde cursó hasta la mitad de décimo, porque el llamado del acordeón fue más poderoso".6 En 1968, después de la escuela secundaria, Oñate es contratado por un grupo local llamado "Los Guatapurí", como el cantante principal. El grupo lanzó un álbum titulado Festival Vallenato, el cual incluyó temas como Campesina Vallenata, El hijo de mi ahijada, Sombra Vengadora, Marina, El diablo de San Diego, Lavandera, La negrita de ají, Advertencia, Luisa Fernanda, Canto Optimista, María Eugenia y Fabiola.
En 1969, Oñate se une al ya famoso grupo Hermanos López, una vez más como cantante. Su primer álbum fue Lo Último en Vallenatos con las canciones, Berta Caldera, Recuerdos, Diciembre Alegre, Vámonos Compañera, Secreto Raro, Gallo Viejo, Mis Viejos, Siniestro de Ovejas, La Paz, Me Quisiste y Me Olvidaste, Ligia y Mi Morenita.
En 1970, Oñate lanza su segundo álbum con el título Hermanos López Diosa Divina con las canciones, Diosa divina, Dina López, Triste Recuerdo, Porqué Eres Así Sueño vallenato, Gratitud, Serenata Vallenata, Amor de Callejera, Recordándote, Amor a Dos Manos, Los Tiempos Cambian y barranquillera. este año también grabó un álbum por separado con el acordeonista Nelson Díaz, titulado Conmigo es el baile con las canciones, Ojitos Claros, Panderitos Parrandero ,San Jacinto, La Vieja, Amor San Juanero, Diciembre Alegre, Ya Viene la Cumbia, Don Ramón, El Toro Prieto, La Sabrosa Vámonos Compañera y La Mica Rosa.
En 1971, Oñate y Hermanos López grabó el álbum El Jardincito con el acordeonero Juan Antonio Sajona Bolaños. En 1972 lanzaron el álbum Reyes Vallenatos, que incluyó las canciones, Recordando mi Niñez por Camilo Namen, Soy Estudiante por Elver Araujo, y Preguntas Respuestas por Armando Zabaleta, Estelita Gonzáles por Poncho Zuleta, La Casita de Nicolás Maestre, Mujeres Que me Dejaron de Máximo Móvil, Tiempos de la Cometa por Fredy Molina, Bajo el Palo de Mango por Leandro Díaz, El Cambio de Emiro Zuleta, El puente de Maríangola por Luciano Guyo, Amparito por Hugo Araujo, y La Vieja Gabriela, de Juan Muñoz. En 1973 lanzó el álbum El Cantor de Fonseca con las canciones, El Cantor de Fonseca de Carlos Huertas, El contrabandista, por Sergio Moya, Palabras al Viento Santander Durán, El Compadre por Luciano Guyo, Si la Vieras por Urbano Díaz, Los Tres Hermanos por Tobías Enrique Pumarejo, No voy a Patillal por Armando Zabaleta, No te vayas de Julio Oñate Martínez, Razón y Olvido por Emiro Zuleta, Hermosos Tiempos de Carlos Huertas, Mi Huerto de Máximo Móvil y Despedida al Festival por Luís Francisco Medoza. Este mismo año el grupo libera un segundo álbum llamado Las Bodas de Plata, que incluye las canciones: Las Bodas de Plata de Armando Zabaleta, El Libre, de Camilo Namen, La Niña Educada Hugo Araujo, Corazón Vallenato por Emiro Zuleta, Saludo cordial de Luis Enrique Martínez, Si Hay Cara temerarias por un autor que se reservó el derecho, por Carmen Gómez Rafael Escalona, La Margentina por Julio De La Rosa, Pensando en ti, de Armando Zabaleta, Mi Canto Sentimental por Poncho Zuleta, Toda Mujer No Es Igual por Leandro Díaz y La Cordobesa de Luis Enrique Martínez.
En 1974 se registraron otros dos álbumes, el primero Fuera de Concurso contiene las canciones, La Loma de Samuel Martínez, Dos Rosas por Fredy Molina, A Través de los Años por Emiro Zuleta, Mala Suerte de Rafael Escalona, Amor Ardiente por Emiro Zuleta, Días del Ayer de Alberto Murgas,Aracataca Espera Armando Zabaleta, El Historiador por Raúl Garrido, El Compadre Tomás de Rafael Escalona, Adiós Amor por Emiro Zuleta, El compositor Sergio Moya Molina y La Capital desde por Emiro Zuleta. El segundo fue nombrado Rosa Jardinera con las canciones, Rosa Jardinera por Idelfonso Ramírez, Secretos del Alma, de Sergio Moya Molina, La Muchachita de Alejo Durán, Entre Placeres y Penas por Emiro Zuleta, Dos Papeles de Leandro Díaz, Inquietud por Gustavo Gutiérrez, Patillalero de Cepa por Edilberto Daza, Las Bananeras de la autoría de Santander Durán Escalona, La Primavera Florecida de Lorenzo Morales, Dubis Caballero por Enrique Calderón, Marula por Enrique Zequeira y Cristina del compositor Freddy Molina.
Oñate formó pareja con uno de los más jóvenes y mejor acordeonista en Colombia: Christian Camilo Peña, con sólo 21 años y una corona de rey en el Festival de la Leyenda Vallenata que se celebra en Valledupar, grabando 4 discos juntos: "Seguiré Triunfando (2004)", "Vivo Cantando (2005)", "Mi Mejor Regalo (2006)" y "Te dedico mis triunfos (2009)".
2010 y su conversión a la música cristiana[editar]
En 2012 grabaría el álbum El chacho de la película con el acordeonero Fernando Rangel Molina destacándose el tema que le da el nombre al álbum. En 2016 lanza el álbum Patrimonio Cultural, reencontrándose en el acordeón con Alvarito López después de 20 años.
En agosto de 2018, después de ser operado para la extracción de unos cálculos que había en su vesícula, Oñate se convirtió al cristianismo prometiendo que cantará vallenato únicamente a Dios, esperando sacar su primer álbum con temas cristianos, trabajando desde 2019 en este propósito con un total de 10 canciones. Antes de producirse su deceso, el artista esperaba recuperarse para continuar la grabación de su álbum de música cristiana, teniendo ya editadas seis de las diez canciones propuestas, acompañado de acordeoneros como Gabriel Chiche Maestre, Jesualdo Bolañito, Carlos José Kalata Mendoza y Wilber Mendoza, quienes también practicaban dicha religión. También estaba trabajando en la adecuación de su propia Casa Museo en su vivienda de su pueblo natal La Paz (Cesar), y en su nueva gira musical llamada "La Despedida", para retirarse de los escenarios musicales. El Festival de la Leyenda Vallenata iba a homenajearlo en la edición 2020 del festival, pero la pandemia de Covid-19 canceló los planes ya que el festival se realizó de manera virtual, aplazando el homenaje para el 2021.7
El 1 de agosto es el 213.º (ducentésimo decimotercer) día del año en el calendario gregoriano y el 214.º en los años bisiestos . Quedan 152 días para finalizar el año. ***** Calendario de la Iglesia Católica: San Alfonso María de Ligorio 1787 : Muere Alfonso de Ligorio , obispo y santo italiano. Alfonso María de Ligorio, C.Ss.R. , (Marianella, Reino de Nápoles , 27 de septiembre de 1696 - Pagani , Reino de Nápoles , 1 de agosto de 1787 ) fue un religioso italiano, obispo de la Iglesia católica y fundador de la Congregación del Santísimo Redentor cuyos miembros se conocen como redentoristas. Canonizado en 1839 y proclamado «Doctor de la Iglesia» en 1871 , es el patrono de los abogados católicos, de los moralistas y de los confesores . Escribió más de 111 obras, entre las cuales cabe destacar el Tratado de Teología moral, escrito entre 1753 y 1755 y Las Glorias de María, escrito en 1750 . Alfonso s
El 24 de noviembre es el 328.º (tricentésimo vigesimoctavo) día del año en el calendario gregoriano y el 329.º en los años bisiestos . Quedan 37 días para finalizar el año. Podcast 2018 ************* 1632 : Nace Baruch Spinoza , filósofo sefardí-neerlandés (f allecido en 1677). Baruch Spinoza —también conocido como Baruch de Espinoza o Benedict , Benito o Benedicto (de) Spinoza o Espinosa , según las distintas traducciones de su nombre, basadas en distintas hipótesis sobre su origen— ( Ámsterdam , 24 de noviembre de 1632 - La Haya , 21 de febrero de 1677 ) fue un filósofo neerlandés de origen sefardí portugués , heredero crítico del cartesianismo , considerado uno de los tres grandes racionalistas de la filosofía del siglo XVII , junto con el francés René Descartes y el alemán Gottfried Leibniz . Hostigado por su crítica racionalista de la ortodoxia religiosa, su obra cayó en el olvido hasta q
El 31 de diciembre es el 365.º (tricentésimo sexagésimo quinto) y último día del año en el calendario gregoriano y el 366.º (tricentésimo sexagésimo sexto) y último en los años bisiestos . Podcast 2018 Santoral de la Iglesia Católica San Silvestre I Silvestre I (en latín , Silvester ) fue el 33. er papa de la Iglesia católica , entre el 31 de enero de 314 y el 31 de diciembre de 335 . Silvestre nació hacia el año 270, en Roma, y su padre se llamó Rufino. Sucedió como obispo de Roma a San Melquíades el 31 de enero de 314 , un año después de que se promulgase el Edicto de Milán , por el que los cristianos podían reunirse libremente y predicar su religión. Su pontificado se caracterizó por la intervención del Emperador Constantino I el Grande en el gobierno de la Iglesia . El evento más importante de su reinado fue el Concilio de Nicea I en el 325 . Este concilio condenó las enseñanzas de Arrio y redactó el Cred
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