El 13
de abril es el 103.º (centésimo tercer) día del año en
el calendario gregoriano y el 104.º en
los años bisiestos. Quedan 262 días para finalizar
el año. Podcast 2019
Su principal
obra publicada fue una adaptación (1654) de Eunuco, del dramaturgo
romano Terencio,
pero su fama literaria reside en sus Cuentos y relatos en verso (1644).
Fue miembro de un destacado grupo literario francés en el que figuraban los
dramaturgos Molière y Racine,
y el crítico y poeta Nicolas Boileau-Despréaux.
1808:
Nace
Antonio Santi Giuseppe Meucci (Florencia, 13 de abril de 1808-Nueva York, 18 de octubre de 1889)1 fue un inventor e ingeniero italiano que inmigró a Estados Unidos, fue el creador del «teletrófono», posteriormente bautizado como «teléfono», entre otras innovaciones técnicas. Desarrolló un teléfono neumático (precursor de su teletrófono) que hoy todavía se utiliza en el Teatro de la Pergola de Florencia y que luego perfeccionó en el teatro Tacón de La Habana. Creó un nuevo sistema de galvanizado, un sistema de filtros para la depuración del agua e introdujo el uso de la parafina en la fabricación de velas. También desarrolló un sistema de electroshocks terapéuticos que administraba en La Habana. El gobierno de Italia lo honra con el título de Inventore ufficiale del telefono.2
Se casó el 7 de agosto de 1834 con Ester Mochi. Luego fue acusado de participar en una conspiración del Movimiento de Unificación Italiana con la sociedad secreta de los carbonarios y fue encarcelado tres meses.1
En octubre de 1835, Meucci y su esposa dejaron Florencia para nunca regresar. Emigraron al continente americano, parando primero en Cuba donde Meucci aceptó un trabajo en el Gran Teatro Tacón (en La Habana). En 1839, Meucci y su esposa emigraron a los Estados Unidos, y llegaron a Clifton (en Staten Island), que por ferry quedaba a 3 km frente al distrito de Brooklyn, y a 10 km del distrito de Manhattan, en la ciudad de Nueva York, donde Meucci vivió el resto de su vida.1
En su nuevo hogar, Meucci fue siempre respetado como un prohombre de la comunidad italiana de Nueva York. Había levantado una fábrica de velas y acogía a cualquier italiano que necesitara ayuda. Garibaldi pasó por casa de Meucci durante su periplo americano.1
Antonio Meucci (pronunciado [meúcchi]) fue el inventor del «telettrófoni», posteriormente bautizado como «teléfono».3
En 1854,4Meucci construyó un teléfono para conectar su oficina (en la planta baja de su casa) con su dormitorio (ubicado en el segundo piso), debido a que su esposa estaba inmovilizada por el reumatismo. Sin embargo, Meucci carecía del dinero suficiente para patentar su invento, aunque sí patentó otros inventos que él creía más redituables, como un filtro económico para la depuración del agua y el uso de la parafina en la fabricación de velas (que hasta ese momento se fabricaban con grasa de animales, muy contaminantes y sucias).5
En 1860 Antonio Meucci hizo público su invento, el teletrófono, en una demostración pública. La prensa italiana de Nueva York publicó una descripción del invento y un tal Sr. Bendelari se llevó a Italia una copia del prototipo, y la documentación necesaria para producirlo allí, pero no se volvió a saber de él, como tampoco se materializó ninguna de las ofertas que surgieron tras la demostración.6
Consciente de que alguien podía robarle la patente, pero incapaz de reunir los 250 dólares (unos 7900 dólares de 2016)7que costaba la patente definitiva, tuvo que conformarse con un cáveat (‘aviso’, trámite preliminar de presentación de documentación para el patentamiento, con vigencia de un año) que registró el 28 de diciembre de 1871 y que pudo permitirse renovar ―por 10 dólares (o 314 dólares de 2016)―78solo en 1872 y 1873.6
Un accidente, la explosión del vapor Westfield, del que sale con severas quemaduras, obliga a su esposa a vender los trabajos de Antonio a un prestamista, por 6 dólares. Cuando, una vez repuesto, vuelve para recuperarlos, pero la casa de empeño dice haberlos vendido a un hombre joven al que nunca se pudo identificar.
En cuanto tuvo el acuse de recibo de Patentes, Antonio Meucci volvió a empeñarse en demostrar el potencial de su invento. Para ello, ofreció una demostración del «telégrafo parlante» a un empresario llamado Edward B. Grant, vicepresidente de una filial de la Western Union Telegraph Company. Cada vez que Meucci trataba de avanzar, se le decía que no había hueco para su demostración, así que a los dos años, Meucci pidió que le devolvieran su material, a lo que le contestaron que se había perdido.9
En 1876, Alexander Graham Bell registró una patente que realmente no describía el teléfono pero lo mencionaba como tal.10Cuando Meucci ―que vivía cerca de Nueva York― se enteró, pidió a un abogado que reclamara ante la oficina de patentes de los Estados Unidos en Washington, algo que nunca sucedió. Sin embargo, un amigo que tenía contactos en Washington, se enteró de que toda la documentación referente al telégrafo parlante registrada por Meucci se había perdido.9
Una investigación posterior puso en evidencia un delito de prevaricación por parte de algunos empleados de la oficina de patentes con la compañía de Bell. En un litigio posterior entre la empresa Bell Telephone Company (creada en 1877) y Western Union, afloró que existía un acuerdo por el cual Bell pagaría a la Western Union un 20 % de los beneficios derivados de la comercialización de su invento durante 17 años.11
Diez años después, en un proceso legal de 1886, Meucci tuvo que demandar incluso a su propio abogado, sobornado por el poderoso Bell. Sin embargo, Meucci supo hacer entender al juez que no cabía duda en cuanto a la autoría del invento registrado. Pese a la declaración pública del entonces secretario de Estado: «Existen suficientes pruebas para dar prioridad a Meucci en la invención del teléfono».11
A pesar de que el Gobierno de Estados Unidos inició acciones legales por fraude contra la patente de Alexander Graham Bell, el proceso embarrancó en el arenal de los recursos por los abogados de Bell, hasta cerrarse en 1889 debido a la muerte de Meucci.9
Meucci falleció, y jamás vio la gloria y el reconocimiento de su talento, que chocó con su escaso conocimiento del inglés y su poca desenvoltura ante las artimañas legales y los ingentes intereses económicos de las grandes corporaciones de Estados Unidos.12
El 11 de junio de 2002, el Boletín Oficial de la Cámara de Representantes de los Estados Unidos publicó la Resolución n.º 269, por la que se honra la vida y el trabajo del inventor italoestadounidense. En la misma se reconoce que fue más bien Antonio Meucci en vez de Alexander Graham Bell quien inventó el teléfono.13Reconoció además que Meucci demostró y publicó su invento en 1860 y concluye con un reconocimiento a su autoría en dicha invención.
Sus aportes han
sido definidos, principalmente por él mismo, como un «retorno a Freud». Otros
estudiosos de la historia del psicoanálisis los clasifican como una
reinterpretación o desarrollo ulterior de prácticamente todos los conceptos
freudianos, principalmente a través de una revisión de casi toda su casuística
relevante: Herbert Graf, Ida Bauer, Ernst Lanzer, Daniel Paul Schreber, Serguéi Pankéyev.1
Fue un
exponente fundamental de la corriente estructuralista2
y generó gran controversia entre otros profesionales debido a su estilo
innovador. Asensi describe a Lacan como un
estructuralista-post-estructuralista.[cita requerida]
Su relación con
el movimiento freudiano contrastaba con sus fuertes tensiones con la IPA, la
Asociación Psicoanalítica Internacional (su estilo didáctico y la brevedad de
sus sesiones en relación a las propuestas de los psicoanalistas ortodoxos,
desencadenaron un rechazo que tiene raíces más profundas), y con el progresivo
distanciamiento de sus colegas franceses a lo largo de una serie de escisiones.
Lacan buscó
reorientar el psicoanálisis hacia la obra original de Freud, ya que consideraba
que el psicoanálisis post-freudiano se había desviado cayendo en una lógica a
veces biologicista u objetivadora del sujeto propio del psicoanálisis. Lacan
acusó a muchos de los psicoanalistas coetáneos por haber distorsionado y
parcializado la teoría de Freud. Reinterpretó y amplió la práctica
psicoanalítica. Incorporó además a nivel teórico nociones de origen lingüístico, filosófico y topológico que
lo llevaron a redefinir muchos de los principales términos del léxico
psicoanalítico y, por ejemplo, a formular la tesis:
Con esta
formulación, Lacan afirma realizar un retorno a la concepción de inconsciente
propuesta por Freud, al tiempo que se distancia de la posición de los teóricos
de las relaciones objetales (psicólogos del yo), quienes intentan dar un
lugar al inconsciente. Con su concepto, Lacan pone al inconsciente en la
imposibilidad de representar los Objetos reales de manera absoluta en el
lenguaje.
Las nociones
lingüísticas tomadas de Ferdinand de Saussure se hacen en su obra
aplicables a la relectura de Freud. Modificando algunas de las fórmulas
relativas al significante, Lacan introduce el concepto de lógica del significante para
reexplicar la teoría freudiana, aunque sosteniendo -según sus propias palabras-
el espíritu freudiano que puede leerse, tanto en el análisis de los sueños como
en el chiste, en su Proyecto de Psicología y a lo largo de su obra. La obra de
Lacan ha despertado interés en otros campos además del psicoanálisis,
particularmente en la lingüística,
la teoría crítica, en el postestructuralismo, la filosofía y la
política.
La importancia
de lo lingüístico (si bien en términos estrictos y a los fines de diferenciar
la disciplina analítica de la lingüística, Lacan denomina
"lingüistería" a su concepción del lenguaje) en la reformulación
lacaniana del psicoanálisis lo llevó a modificar numerosas ideas de la práctica
clínica y a proponer un complejo esquema de constitución psíquica del hombre.
El yo se
constituye en un reconocimiento en torno a su imagen en el espejo y gracias a
la garantía de la mirada del otro. A esta instancia Lacan la llamó el estadio del espejo.
Con todo,
afirmó reiteradamente que su intención era refinar y mejorar el marco original
de las obras de Freud: es famosa su boutade de que quien
quiera ser lacaniano es libre de serlo, pero que él mismo se consideraba
freudiano.
Su obra, lejos
de haber cosechado aceptación universal, es fuente de grandes controversias
(incluso dentro de la comunidad psicoanalítica). Los filósofos Slavoj Zizek y Alain Badiou han
sido algunos de sus más fuertes defensores, e influyó en el traductólogo Antoine Berman.3
En contrapartida, Lacan fue objeto de críticas epistemológicas de los
físicos Alan Sokal y Jean Bricmont así
como del lingüista Noam Chomsky, y filosóficas por parte de Jacques Derrida y
de autores feministas.
Más allá de las
críticas, resulta indiscutible su fuerte influencia en la práctica del
psicoanálisis, y sus concepciones han dado pie a numerosas Escuelas de
orientación lacaniana, principalmente en países europeos y latinoamericanos.
Las Escuelas Lacanianas fundan en Buenos Aires el 3 de enero de 1992 la
Asociación Mundial de Psicoanálisis4
haciendo suya la intención expresada por Jacques Lacan en su Acta de Fundación5
de la Escuela Francesa de Psicoanálisis y se inscriben en el movimiento de
reconquista del campo freudiano que puso en marcha el 21 de junio de
1964. Jacques-Alain Miller fue su Delegado
General6
desde 1992 a 2002. A raíz de la escisión producida en 1998 en la Asociación
Mundial de Psicoanálisis, varios Foros Lacanianos crean la Escuela de
Psicoanálisis de los Foros del Campo Lacaniano ,7
que se da como perspectiva la creación de una Escuela de psicoanálisis que
retorne a las finalidades inscritas en el acto de fundación de la Escuela de
Jacques Lacan. Su Colegio de Representantes8
por Zonas9
da unidad al conjunto, y su función no es directiva sino de información, de
comunicación entre los diversos foros.
La obra de
Beckett es fundamentalmente sombría y tendente al minimalismo y,
de acuerdo con ciertas interpretaciones, profundamente pesimista (hasta nihilista3)
acerca de la condición humana. De esta forma, con el tiempo sus libros se
hicieron progresivamente más crípticos y breves. El pesimismo de Beckett viene,
sin embargo, atemperado por un particular sentido del humor, entre negro y
sórdido (véase Comentarios sobre el autor).
Según su
traductora al español, Antonia Rodríguez-Gago, «Beckett destruyó muchas de las
convenciones en las que se sustentan la narrativa y el teatro contemporáneo; se
dedicó, entre otras cosas, a desprestigiar la palabra como medio de expresión
artística y creó una poética de imágenes, tanto escénica como narrativa».4
En la Encyclopedia
of World Literature in the 20th Century se lee: «Todo el trabajo de
Beckett retrata la tragicomedia de la condición humana en un mundo sin Dios,
sin ley y sin sentido. La autenticidad de su visión, la sobria brillantez de su
lenguaje (en francés e inglés) han influido a jóvenes escritores de todo el
mundo».6
Samuel Beckett
fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1969 «por su
escritura, que, renovando las formas de la novela y el drama, adquiere su
grandeza a partir de la indigencia moral del hombre moderno».7
En 1961 había recibido asimismo el "Premio Formentor" otorgado por el
Congreso Internacional de Editores, junto a Jorge Luis
Borges.
Luis Hermenegildo Profili nació el 13 de abril de
1906. Era hijo de Don Alfredo Profili y Doña Apolonia Corinti, un
matrimonio italiano que tuvo otros tres hijos.1 De su padre heredó el oficio de
albañil y con él se ganó la vida con solvencia.1
Estudio en Buenos Aires el oficio de Maestro Mayor de Obras, y
al regresar a su ciudad natal luego de finalizar sus estudios, tomaría las
riendas junto con sus hermanos de la empresa constructora que su padre fundase
en el año 1900.1
Si bien Profili dedicó su vida al rubro de la construcción y a
la actividad vitivinícola, en sus ratos libres se dedicó con tesón a su
verdadera pasión: la música vernácula.2 A pesar de no saber musica ni tocar
mas instrumento que el bombo, desde temprana edad comenzaría a componer
canciones, a veces de forma impensada, especialmente zambas,
género musical que amaba profundamente.2
De su genio innato brotó una zamba, cuyas primeras letras le
concedieron su futuro título de «Zamba de mi esperanza».2 Según sus biógrafos, la zamba fue
compuesta durante la década de 1950, época de esplendor del
cancionero nativo. Profili muy frecuentador de las peñas, dio a conocer en una de ellas su reciente
creación y el público quedó inmediatamente cautivado.3
De la mano de su amigo Félix Dardo Palorma,
quien le ayudaría a poner la música sobre un pentagrama, fue registrada
en SADAIC con el seudónimo de Luis H. Morales en
el año 1964; (se puso ese nombre por un lado porque
pensaba que un apellido italiano no sería adecuado para un cantante de
folclore, y por el otro porque prefería no darse a conocer quizá debido a
su timidez).45En ese mismo año fue grabada por el
cantante jujeñoJorge Cafrune en su álbumEmoción, canto y
guitarra y formó parte del repertorio del conjunto folclóricoLos Chalchaleros. Profili murió en su ciudad
natal en 1975.6
Nace Faustino Arias,
compositor colombiano o ecuatoriano?
El desaparecido
maestro Faustino Arias Reinel fue compositor de temas que todavía
suenan y cuyas melodías lo inmortalizaron. El poeta nació en Santa María de las
Barbacoas un 13 de abril de 1910. Se graduó de bachiller en el Colegio María
Auxiliadora de Quito (Ecuador) y finalizó la carrera de Administración Pública
en Panamá.
Fue un intelectual, elegante y
discreto, enamorado de los bellos paisajes costeros y de la mujer, musa de sus
composiciones. Se casa con Lola González Hincapié, una verdadera dama oriunda
de Finlandia (Quindío). Ella con nostalgia recuerda a Faustino como ese hombre
enamorado de la vida y señala que disfruta con orgullo las “delicias” musicales
dejadas como herencia por su marido, como muestra de arte, amor e inspiración.
De este matrimonio nacieron siete hijos: Isabel, Faustino Jr., Oscar, Eduardo,
Fernando, Roberto y Lilú. Faustino compuso la canción que más llegó al alma de
los tumaqueños: “Noches de Bocagrande”, un tema que sirvió -señalan los
abuelos-, “para enamorar y expresar un sentimiento de pasión y entrega total”.
Los mayores recuerdan que el
tema “Noches de Bocagrande”, que traspasó las fronteras de la patria en 1962,
fue interpretado por varios músicos y grabado por el Trío Martino de la ciudad
de Pasto en 1964. La letra y música del bolero las compone Faustino una noche
en homenaje a las bellas playas de la Isla de Bocagrande, que visitaba con
frecuencia en compañía de su esposa e hijos. El maestro quería intensamente el
mar, amaba la luna, la playa, las olas, el viento, el manglar y su nativo sol.
“Amaba amar”, titubea la señora Lola, quien agrega que era un “archi-romántico”
que daba la vida y hasta más por un verso, una nota o un beso.
Esta canción ha traído
confusión, en especial a los costeños del sector del departamento de Bolívar
(Atlántico) que la toman como suya ya que la descripción de la letra del tema
musical tiene parecido con el paisaje de la ciudad patrimonio de la humanidad
como lo es Cartagena y en la cual también existe un poblado denominado
Bocagrande. Definitivamente a Faustino nunca se olvidará, o al menos sus
canciones vivirán por siempre en el recuerdo, se escucharán con orgullo en
izadas de bandera y actos culturales o se añorará tararearlas. Este músico,
poeta y loco vivirá eternamente en los corazones de los tumaqueños, nariñenses
y colombianos por la grandeza de las obras que dejó y que han sido traducidas a
más de treinta idiomas, siendo merecedoras de innumerables galardones.
Fuente: Ipitimes
Faustino Arias Reinel, falleció en San Juan de Pasto a la edad de 75 años el 29 de julio de 1985, a raíz de un infarto cardíaco que se le sobrevino cuando se encontró con su familia.
Nació en
Gillespie, Illinois. Sus padres eran Homer Keel y Grace Osterkamp Keel.
Pasó su infancia en la pobreza. Tras la muerte de su padre en 1930, él y su
madre se trasladaron a California, donde se graduó en la Fallbrook High School
a los 17 años, y trabajó en diversas ocupaciones hasta llegar a la Douglas Aircraft Company, empresa para la
que fue viajante comercial.
A los veinte
años, su casera le escuchó cantar por casualidad, y le estimuló para tomar
lecciones de canto. Admiraba al gran barítono Lawrence Tibbett,
y Howard más tarde declararía que una de sus mayores decepciones fue que su voz
fuera de basso cantante. No obstante, su primera actuación en
público llegó en el verano de 1941 interpretando el papel del profeta Samuel en
el oratorio de Georg Friedrich HändelSaúl y David (cantando
un dueto con el bajo barítono George London).
En 1943, Harold
conoció y se casó con su primera esposa, la actriz Rosemary Cooper. En 1945 fue
suplente de John Raitt en el éxito de BroadwayCarousel, antes de ser designado para
trabajar en Oklahoma! de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II. Fue durante este tiempo
cuando consiguió algo nunca repetido: actuó en el papel principal de ambas
obras en un mismo día.
En 1947 Oklahoma! fue
el primer musical americano de la postguerra en viajar a Londres, Inglaterra,
y Harold fue con la función. La noche del estreno, 30 de abril, en el Teatro
Drury Lane, la audiencia (entre la cual se encontraba la futura Isabel II del Reino Unido) pidió catorce
bises. Harold Keel fue aclamado como una gran estrella y su fama se extendió por
el West End.
Durante su
estancia en Londres, el matrimonio de Harold y Rosemary acabó en divorcio, y
Harold se enamoró de una corista de la obra, la bailarina Helen Anderson. Se
casaron en enero de 1949 y, un año después, Harold - ahora llamado Howard – y
su esposa fueron padres de una niña, Kaija.
Todavía
viviendo en Londres, Keel debutó en el cine como Howard Keel con la película de
la productora de Elstree British Lion, The
Small Voice (1948), estrenada en los EE.UU. como Hideout,
y en la cual interpretaba a un preso fugado, que asaltaba a un dramaturgo y a
su esposa en su casa de la campiña inglesa.
Otros títulos
de Broadway son Saratoga, No Strings, y Ambasador.
Actuó en el teatro The Muny de San Luis (Missouri) en los papeles del
General Waverly en White Christmas (2000), Henry Higgins
en My Fair Lady (1996); Emile de Becque
en South Pacific (1992), y Adam en Siete novias para
siete hermanos (1978).
Después de la
guerra, se embarcó en su carrera artística como imitador y cómico, en pequeños
clubes de Florida y Washington.
En 1945, se casó con la cantante Adelaide Adams, de la cual
tomó su apellido, cansado de ser último en la lista alfabética de las
audiciones. A principios de la década de 1960, había logrado ganarse un lugar
en la televisión, con sus intervenciones y sketches, que él mismo escribía,
en The Bill Dana Show.
En 1965, Adams
protagoniza la serie de televisión "Get Smart", con guiones de Mel Brooks y Buck Henry, parodia de
las series de espionaje de la época. En ella, Don Adams interpretaba a
Maxwell Smart, un agente secreto, torpe y no muy inteligente.
El éxito de la
serie fue inmediato y ganó en dos ocasiones el premio Emmy como
mejor comedia y en tres ocasiones le dio el galardón a Adams como mejor
intérprete de comedia. Adams también escribió y dirigió varios episodios de la
serie, que duró cinco temporadas. Es reconocido como uno de los más divertidos
y populares comediantes de su generación.
Aunque nunca
dejaría de trabajar en el medio televisivo, en series como The Partners y The Love Boat durante
la década de 1970, Adams quedaría marcado profesionalmente, de manera
inevitable, por su trabajo en El superagente 86.
Su popularidad
se redujo un tanto tras el fin de la serie, pero Adams, también excelente y
solicitado actor de doblaje, recuperó éxito y prestigio en
la década de 1980. Tras protagonizar en 1980 la
película The Nude Bomb, una adaptación
cinematográfica de las aventuras de Maxwell Smart, triunfó de nuevo al prestar
su voz en otra serie de éxito: Inspector Gadget.
En 1985, protagonizó
la comedia Check it out, en la que interpretó
durante tres temporadas a Howard Bannister, el gerente de una cadena de supermercados.
En 1995, hubo
un frustrado intento de retorno de El superagente 86 (Get Smart, Again),
que sólo permanecería al aire durante siete episodios, y obligó a Adams a
abandonar definitivamente el personaje. Sus últimos trabajos se desarrollaron
en el mundo del doblaje.
Bailarín y
coreógrafo en los estudios de la productora MGM es considerado
como uno de los maestros del cine musical.
Codirigió junto a Gene Kelly (otro de los grandes del género) Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952),
que obtuvo un gran éxito y se ha convertido en un clásico del cine musical,
y Siempre hace buen tiempo (1955). Dirigió además otras
comedias musicales, entre las que se encuentran Tres chicas con suerte (1953), Siete novias para siete hermanos (1954)
y Funny Face(1957).
Más tarde se orientó hacia la comedia pura, donde mostró su elegancia y su
talento en la dirección de actores famosos: Indiscreta (1958), Charada (1963) y Dos en la carretera (1967).
En 1969 rodó
una atrevida tragicomedia de temática gay, La escalera, con Richard Burton y Rex Harrison,
sobre una pareja de peluqueros homosexuales, envueltos en situaciones
desagradables al ser acusados de escándalo a la moral. Esta película no pudo estrenarse
en España hasta 1976 y tuvo limitada difusión, en parte entorpecida por la
viuda de Burton, si bien en 2011 ha sido recuperada [1].
Después de finalizar en el ejército, estudió ingeniería mecánica dentro del programa ejecutivo sénior del Instituto de Tecnología de General Motors. Vendió enciclopedias a puerta a puerta. Hizo su debut como actor en la producción del musical Li'l Abner (1956) en Kansas City, tras lo cual creó una organización de promoción de ventas que le permitió ganar suficiente dinero para financiar un viaje a Los Ángeles e iniciar la carrera como actor.
A mediados de la década de 1960, apareció regularmente en televisión y películas, incluido un episodio de Gunsmoke. Fue finalista para optar por el papel principal de la serie de televisión Batman, pero perdió el papel ante Adam West.
En 1967, apareció en Catalina Caper (con Tommy Kirk, un actor infantil que intentó reiniciar su carrera como un adulto joven), una película que eventualmente sería ridiculizada en la sátira Mystery Science Theater 3000. Tuvo un pequeño papel como actor invitado en el episodio de la tercera temporada de Deadliest of the Species de la serie de televisión Lost in Space. Durante este año inició un período de siete años en The Carol Burnett Show, un proyecto de comedia y espectáculo de variedades, en la que participó como locutor e intérprete.
En 1973, apareció semidesnudo en la página central de la revista Playgirl. Un años después en 1974 dejó el show de Carol Burnett con la intención de avanzar en su carrera como actor principal. Encontró su lugar en el espectáculo Tim Conway interpretando al locutor Ernie Anderson, estuvo frecuentemente por estrella de huésped frecuente Tim Conway (y su función como locutor por Ernie Anderson) además de hacer alguna aparición en algunos de los especiales de la serie en la televisión.
En 1976 fue nombrado alcalde –cargo honorífico no gubernamental– de Encino (California), por la cámara de comercio local. Además de a Waggoner, dicho cargo honorífico también sería otorgado a Steve Allen, Mike Connors, Fred Travalena, Ronnie Schell y Cesare Danova.
Un año después de dejar el show de Carol Burnett, consiguió el papel de Steve Trevor Jr. para el episodio piloto y la primera temporada de la serie de televisión Mujer Maravilla protagonizada por Lynda Carter. Inicialmente ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, las dos temporadas posteriores avanzaron en la línea de tiempo hasta la década de los 70.
En 1979, fundó Star Waggons, una compañía de alquiler tráileres usados por la industria del entretenimiento. En 1990 coprodujo con Shawn Bruner un programa de productos de consumo llamado Consumer America, donde hizo alguna aparición. La empresa promocionó productos nacionales novedosos, desde la autoayuda hasta artículos para el hogar, y tuvo una duración de aproximadamente dos temporadas.
Se retiró de la actuación para dirigir a tiempo completo la empresa Star Waggons, pero hizo apariciones ocasionales, a menudo parodiando su imagen anterior (The Naked Truth, That '70s Show y Return to the Batcave).
En 1993 protagonizó en el infomercial, Let's Talk With Lyle Waggoner (Hablemos con Lyle Waggoner), que anunciaba el supuesto producto natural "Y-Bron" que ofrecía la cura de la impotencia masculina. Twin Star, con sede en Scottsdale (Arizona), fue multada con 1.5 millones de dólares por anunciar sin fundamento los supuestos beneficios de Y-Bron.
Estuvo casado en 1961 con Sharon Kennedy, actriz, consultora financiera y agente de bienes inmuebles; el matrimonio tuvo dos hijos, Jason y Beau. Residió cerca de Jackson (Wyoming), donde fue escultor. Sus obras se pueden ver en Galleries West Fine Art en Jackson Hole (Wyoming), las esculturas son interpretaciones humorísticas de mujeres encantadoras, algunas de las cuales se presentan en Eagle Bronze en Lander (Wyoming). Tuvo diferentes inmuebles en Manzanillo (Colima, México); Oxnard y en Westlake Village (California).
Falleció en su domicilio de Westiake Village a la edad de 84 años el 17 de marzo de 2020, a consecuencia de un cáncer que padecía.4
La poesía de
Heaney, desde sus comienzos en Muerte de un naturalista (1966),
está anclada en los contextos físicos y rurales de su infancia. A medida que se
desarrolla su obra, esos escenarios se convierten en el foco de una búsqueda
arqueológica de los mitos e historias que han contribuido a configurar la
violenta situación política de Irlanda del Norte, que solo ha tratado
abiertamente en Norte (1975). La obra de Heaney muestra una
gran flexibilidad rítmica, pero es sobre todo la intensidad de su lenguaje, que
contrasta con el silencio de las gentes que describe, lo que la ha hecho
famosa. Otros libros suyos son: Puerta a las tinieblas (1969), Huyendo
del invierno (1972), Trabajo de campo (1979), Isola
stazione (1984), La linterna del espino (1987) —que
contiene un soneto-secuencia
de elegías a la muerte de su madre—, Viendo cosas (1991),
elegías a su padre, El nivel espiritual (1996, Premio Whitbread), Luz
eléctrica (2001). Seamus publicó en 2000 una traducción al inglés
moderno del poema épico anglosajón Beowulfque
se convirtió en un auténtico best seller en el Reino Unido y en Estados Unidos
y por la que recibió nuevamente el premio Whitbread.
También ha
escrito diversos ensayos de crítica literaria: Preocupaciones (1980)
y Gobierno de la lengua (1988). Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1995.
En 2005 dio su
apoyo público a la oficialidad de la lengua asturiana.3
Le Clézio
proviene de una familia bretona emigrada a Isla Mauricio en
el siglo XVIII.
Su padre es inglés y
su madre bretona; vivieron en África donde él trabajó hasta jubilarse,
y ella volvió a Francia solo para tener a sus dos hijos. Así sucedió en 1940
con el futuro escritor, pero al iniciarse en ese momento la Segunda Guerra
Mundial su padre, dada su nacionalidad, no pudo ver ya a su familia que quedó
en Niza.
En esta ciudad su madre (que se escondía de la Gestapo)
y su abuela enseñaron a leer a Le Clézio. Cuando tenía 8 años, se trasladó un
tiempo con su madre y hermano a Nigeria, donde su padre servía como cirujano en
las Fuerzas Armadas Británicas; este viaje en la infancia fue definitivo, y la
figura paterna le inspirarán la novela Onitsha (1991) y El
africano (2004), donde retoma su experiencia con su padre en un
escrito muy personal.
Le Clézio
inició sus estudios superiores en la Universidad de Bristol de 1958 a 1959,
pero terminó su licenciatura en el Collège Universitaire Littéraire de
la Universidad de Niza. Era un gran espectador de
cine, como se reflejará en libros futuros, así Ballacinerde 2007.
Después de graduarse como doctor en letras, se mudó a los Estados Unidos como
profesor. En 1967, fue enviado a Tailandia para realizar el servicio militar,
pero, expulsado por protestar contra la prostitución infantil, fue enviado a
México para cumplirlo. Entre 1970 y 1974, vivió con los indios Embera-Wounaan de
Panamá.
Escribió una
tesis doctoral sobre Henri Michaux, por la que obtuvo un máster en la Universidad de Aix-en-Provence, en 1964;
más tarde, en 1983, escribió otra tesis en la Universidad de Perpiñán sobre los
comienzos de la historia del México colonial: La conquista de Michoacán.
Tras
especializarse en literatura francesa, Le Clézio se hizo famoso a los 23 años
con su primera novela, Le Procès-verbal (El atestado),
de 1963 que
fue seleccionada para el Premio Goncourt y
que obtuvo el Premio Renaudot de ese año. En ella
definía su literatura como existencialista, pero también próxima a las obras de
sus coetáneos Georges Perec y Michel Butor que
estaban revolucionando la literatura. Desde entonces, ha publicado más de
cincuenta libros, entre cuentos, novelas, ensayos, dos traducciones sobre
la mitología hindú, un sinnúmero de prefacios y
comentarios en diversas publicaciones.
En 1975 contrajo
matrimonio con Jemia, del Sáhara
occidental; con ella ha tenido dos hijas, y firmó Gens des
nuages (Gentes de las nubes), relato de una visita al Sáhara.
Desde 1990 ha
alternado su lugar de residencia entre Albuquerque (Nuevo México, Estados Unidos), Mauricio —isla
donde ha realizado una investigación amplia sobre sus orígenes familiares
(tiene también esta nacionalidad desde hace decenas de años)—, y Niza.
Le Clézio ha
tenido otros reconocimientos, además del juvenil. Fue el primero en obtener
el Premio Paul Morand en 1980, adjudicado por
la Academia francesa, por su novela Desierto.
En 1994 fue
elegido por los lectores de la revista francesa Lire como el
mejor escritor francés vivo. Y el 9 de octubre de 2008 fue galardonado
con el Premio Nobel de Literatura, por ser
"El escritor de la ruptura, de la aventura poética y de la sensualidad
extasiada, investigador de una humanidad fuera y debajo de la civilización
reinante".
1942:
Nace Bill Conti, compositor estadounidense de origen italiano.
Fue nominado 3
veces a los Óscar y es ganador de una estatuilla; fue nominado primero en 1976
por el tema de Rocky "Gonna Fly Now", luego en 1981 con el
tema Solo para tus ojos, de mismo título de la
película de James Bond, y finalmente fue ganador en 1983 con Elegidos para la gloria.1
1946:
Nace Armando
Larrinaga, compositor cubano.
Armando Larrinaga Varona.
Compositor, arreglista y pianista.
Nació el 13 de abril de 1946 en La Habana.
Su primera canción la hizo para un grupo del barrio, “El Parisién”.
Después, formó el cuarteto “Los Prismas”, con Alexander Domínguez, Tati
Céspedes, Virginia Salas.
Cuarteto Los Prisma.
De izq a derecha: Alexander Domínguez, Vicky Salas, Armando Larrinaga y
Luis "Tati" Céspedes
Formó parte de Los Bucaneros en su última etapa , habían sido un
cuarteto, convencíó a Roberto Marín, el director, y formarón un quinteto con
Rafael de Hombre, voz prima y falsete; Ernesto Pérez, guitarra y del antiguo
cuarteto; Pablo Santamaría, batería; y el que también hacía teclado. Se
presentarón en toda la isla. Eso fue 1969-1970.
En Miami le han grabado muchos cantantes, como Roberto Torres;
Lissette, Hansel, Las Diego, que quedaron finalistas en un festival
OTI con una canción También fue jurado del Festival OTI en
varias ocasiones.
En el 1992 le llama la Sony, y le da a Jorge Luis Piloto unas canciones, se las
envían a “La Mafia”. De 500 propuestas, escogieron la suya , “Me estoy
enamorando”. En el 93 fue un éxito internacional, cogió el primer lugar
en la Revista Bilboard, primer lugar en Asca y primer lugar en Univisión, fue
el premio “Lo Nuestro" , fue un hit que grabarón varios intérpretes.
Ha sido nominados para formar
parte del Salón de la Fama de Compositores Latinos, un reconocimiento que se
anunciará en la sexta ceremonia anual de La Musa Awards el 18 de octubre 2018 ,
en el James L. Knight Center de Miami. Falleció el 20 de febrero de 2020.
Ron Perlman
nació en Washington Heights, Manhattan,
en el seno de una familia judía,
hijo de una trabajadora del ayuntamiento neoyorquino y de un técnico de
electrodomésticos que también, como músico de jazz, llegó a tocar la batería
con Artie Shaw.
Concluidos sus
estudios en el instituto George Washington neoyorquino, en el cual comenzó a
representar obras de teatro, Ron tomó clases de interpretación en el City College de Nueva York y en
la Universidad de Minnesota.
En el año 1979,
tras varios años interpretando obras teatrales, debutó como actor televisivo en
la serie Ryan’s Hope.
Su primer papel
como intérprete cinematográfico fue en En busca del fuego(La Guerre du feu;
1981), adaptación de la novela de J. H. Rosny que
fue dirigida por Jean-Jacques Annaud, autor francés que
volvió a requerir a Perlman para sus películas El nombre de la rosa (1986)
y Enemigo a las puertas (2001). El año
del estreno de En busca del fuego, película idónea para el singular
físico de Ron, éste contrajo matrimonio con la diseñadora de bisutería y
complementos Opal Stone Perlman.
La serie La
Bella y la Bestia (1987-1990) con el papel de Vincent, precedió al
film Cronos(1993), el título revelación de Guillermo del Toro, que lo emparejó por primera
vez con el director mexicano, con quien volvería a rodar en Blade II (2002), Hellboy (2004), adaptación del cómic
homónimo de Mike Mignola, Hellboy 2 (2008)
y Pacific Rim (2013). Otro de sus directores habituales
fue Jean-Pierre Jeunet, con quien Ron colaboró
en La ciudad de los niños perdidos (1995)
y Alien: Resurrección (1997). Además de
sus apariciones en títulos de alto presupuesto, el actor es habitual en
películas de clase B y en colaboraciones para series de animación.
De 2008 a 2014
protagonizó con éxito la serie Sons of Anarchy interpretando
a Clay Morrow, uno de los fundadores (First
9) del Club de Motos SAMCRO.
Es la voz
introductoria en la serie de videojuegos Fallout desde el
primer título hasta su más reciente entrega, Fallout 4. También aparece
en el primer episodio de zombis de Call of Duty: Black ops 3,
llamado Shadows of Evil donde aparece como un luchador
retirado.
Entre los
papeles más importantes en su carrera destaca el de la detective Gina
Calabrese, en la serie Miami Vice,
un mega-suceso de la TV durante la década de 1980. También estuvo tres años
interpretando a la villana Carmen Santos, en la telenovela Guiding Light.
Después de esos
trabajos, Saundra también consiguió tener una participación recurrente en la
premiada serie The Sopranos, en el papel de Jeannie
Cusamano.
A temprana edad
mostró su vocación e inclinación por el canto, así como su habilidad innata
para la representación escénica, no solo de la música de su tierra, sino
también de otras latitudes como la música dominicana, al punto de ser
considerada una de las más genuinas intérpretes del merengue dominicano.
Olga Tañón es
la menor de cuatro hermanos, nacida del vínculo entre José Tañón y Carmen
Gloria Ortiz, sus padres, y sus hermanos Glori, Junior y Marie, familia de
modestos recursos financieros, de la localidad de Levittown, Municipio Toa Baja, San Juan, Puerto Rico.
Es hijo de
Diana (una empleada de la compañía telefónica) y de Richard Bartlett Schroder
(un gerente de distrito de una compañía de telefonía). Tiene una hermana
llamada Dawn Schroder.
Tiene
ascendencia alemana y noruega.
El 26 de
septiembre se casó con Andrea Bernard, la pareja tiene cuatro hijos: Holden
Richard Schroder (9 de enero de 1992), Luke William Schroder (14 de agosto de
1993), Cambrie Schroder (27 de noviembre de 1996) y Faith Anne Schroder (8 de
agosto del 2001).
Debutó en la
exitosa película de 1979 Campeón, por la que ganó el Globo de Oro a
la Mejor Nueva Estrella Masculina del Año a la edad de nueve años por su papel
de TJ Flynn.
En 1998 se unió al elenco
principal del drama policial de televisión NYPD Blue donde
interpretó al detective Danny Sorenson, hasta el 2001 después de que
su personaje fuera asesinado mientras se encontraba en una operación
encubierta.
Se inició
en Manizales,
como integrante de una banda llamada Láser, pero fue en 1992 que se
hizo conocer con la canción «Nueve semanas y media» que formó parte del álbum
del mismo nombre, perteneciente a la casa disquera Sony Music.
Este material discográfico tuvo como arreglista a Kike Santander.
Las canciones fueron compuestas por Eduardo Paz y Estéfano, con excepción de
una versión del clásico de Elton John «Candle in the Wind», cantada en español, en el
homenaje a Marilyn Monroe.
Se vendió poco
más de 50 mil copias de ese álbum, lo que motivó que en 1995 volviera con la
canción «Toma tu tiempo y sueña» —fusionando la balada con un ritmo autóctono
andino—.
Marcelo, fue el
pionero de la nueva generación de cantantes colombianos que lanzó el argentino
Eduardo Paz, y que tuvo una continuación hasta el presente en artistas de gran
éxito mundial.
A lo largo de
su carrera, se hizo internacionalmente conocido por sus destacados papeles como
protagonista de telenovelas, grabando en Colombia, y en países como: Perú,
Venezuela, y Estados Unidos, trabajando en varias de las más importantes
cadenas televisivas de América como Telemundo, Televisa, Caracol, RCN, RCTV y Venevisión.
Más adelante,
en el año 2006, incursiona por casualidad en la conducción, haciendo su exitoso
debut como presentador en el magazine colombiano Bravissimo al
lado de la presentadora colombiana Mónica Hernández.
En el 2011
incursionó en la locución con un programa llamado Super colectivo transmitido
en Radio Súper 970 AM y
por radio online Superestación, posteriormente fue locutor y director de un
programa cristiano en una emisora local de Bogotá,
Colombia.
A los 17 años,
Brandis interpretó a Lucas Wolenczak, un niño prodigio en SeaQuest DSV,
serie de la NBC.
El personaje fue muy popular entre el público femenino adolescente, y aparecía
con frecuencia en revistas de adolescentes. Se suicidó a los 27 años.
1981:
Nace Jhon Alex Castaño, cantante colombiano de música popular.
Jhon Alex
Castaño es hijo de padres campesinos, de quienes vive sumamente orgulloso. De
sus padres asimiló la capacidad de trabajo, la tenacidad frente a la adversidad
para sobreponerse a ella y la riqueza de la humildad que hoy lo ha catapultado
al éxito. También adquirió de sus padres la determinación para luchar con
ahínco por sus sueños, anhelos y por lo que ama.
La madre de
Jhon Alex reconoció su talento para cantar y le regaló una guitarra, que se
convirtió en su compañera de viaje e inspiración para componer sus canciones y
la compañera que le ayudaba a desahogar las penas.
Jhon Alex
se fue de la casa cuando tenia 10 años de edad porque era un niño rebelde que
quería ir tras su sueño de ser cantante. Se radicó en La VirginiaRisaralda luego de
salir de su natal Balboa y
allí vivió de casa en casa. Allí se ganó el cariño de las señoras del pueblo al
interpretar baladas con su guitarra y con su voz. Tiempo después estuvo
radicado en un hogar de paso (el hogar Esta Es Mi Casa), de donde se escapó,
pues los muchachos que se encontraban en el lugar no eran tan buenos como él
creía y se dedicaban a agredirse físicamente, pero el anhelo de Jhon Alex no
era pelear; sino cantar.
Inicios en la música
Jhon Alex,
después de amargas experiencias, tuvo la fortuna de conocer a dos suizos,
quienes se lo llevaron a su fundación "MouPourToi" (Yo Por ti), lugar
donde reconocieron en él un gran talento y de esta forma le obsequiaron una
guitarra profesional. Fue desde ese momento cuando se dedicó a estudiar
guitarra.
Al cumplir
17 años debió salir de la Fundación con la preocupación de no saber qué haría.
Alguien le regaló la licencia de conducción y así se dedicó a manejar una
camioneta y abandonó el canto por un espacio de ccuatro años.
La vida de
Jhon Alex se tornó triste. Pasó por situaciones complicadas y complejas, su vida
dio gran giro hasta que el latido de su corazón le reclamaba realizar su sueño,
aferrarse a su talento para entregarle todo a través de su voz y su guitarra a
los amantes de la música pop. Fue por ello que regresó al canto, pero lo hizo
en autobuses y en las calles de la ciudad de Pereira, Colombia.
En medio de
sus recorridos se encontró con el reconocido compositor de Música Popular Colombiana y parranda,
Hernán Darío Hernández, quien lo invito a participar en su agrupación. Fue en
este momento que Jhon Alex empezó el ascenso en su carrera artística, tanto así
que Hernán Darío luego de verlo cantar le dijo que le compondría un tema para
que cantara y le compuso: “Déjala que se vaya”.
Trayectoria musical
En el año
2006, Jhon Alex dio su primer paso como solista grabando su primer sencillo
titulado “Dices”. Luego presentó su primer álbum: "Un corazón que
canta", del cual surgieron sus primeros éxitos “Déjala que se vaya” y “De
Bar en Bar”, canciones con las que se dio a conocer a nivel nacional.
Jhon Alex
gana el premio Artista de Mayor Proyección en el género popular de los premios
El Despecho en la ciudad de Manizales en enero del año 2008.
En el 2009
Jhon Alex realizó el lanzamiento de su segunda propuesta musical titulada:
"No me olvides", compuesto por 11 temas que fueron producidos en los
estudios Guasca Music. En este mismo año el artista Jhon Alex Castaño se
convierte en la revelación de la nueva ola de la Música Popular Colombiana en
Colombia.
A
principios del año 2012 Jhon Alex se une a Discos Fuentes para
crear y presentar su tercer trabajo discográfico titulado: "De vuelta al
bar", producción que incluyó el éxito “Que Dios me Perdone”, por el cual
fue nominado en las categorías: Mejor Interpretación y Mejor Artista Popular-
en los Premios Nuestra Tierra, y “La Aventura”, canción con la que fue nominado
y se llevó el galardón como Mejor Canción popular en los Premios: "El
Despecho 2012".
En el año
2013, Jhon Alex lanza al mercado "Dos razones", uno de los temas más
sonados durante todo el año en Colombia, con el cual el artista se impuso en
los primeros lugares de las principales emisoras del país. El tema fue escrito
por quien le ha entregado sus principales éxitos, Hernán Darío Hernández. Su
vídeo, que contagia de ambiente bohemio y humor, fue rodado en la ciudad de
Medellín con la dirección del talentoso J. Andrés Osorio. El álbum contiene
doce cortes más, entre los que se destacan Por culpa del licor y La aventura,
dos espectaculares bonus tracks.
El artista
John Alex Castaño celebró fin de año 2013 de manera ideal, por un lado su
canción “Dos Razones” ocupó el primer lugar a nivel nacional en las estaciones
de radio del género popular según National-Report y conteos de las emisoras,
convirtiéndose en la canción popular más sonada del año. Durante toda la
temporada navideña de ese mismo año estuvo presente en todas las fiestas con su
tema el “El MañeMañe”, una canción tropical con todo el sabor parrandero para
disfrutar las fiestas de fin de año y la cual también se posiciono como una de
las más sonadas cerrando el 2013. Dos canciones bien posicionadas son las
razones que motivaron aún más a John Alex para que siguiera recorriendo el país
de norte a sur presentando su actuación en todas las tarimas y ferias más
importantes del país.
Jhon Alex
Castaño no sólo es considerado popular, parrandero y trovador, sino que también
es denominado por sus seguidores como “El Rey del Chupe”. Él sigue posicionado
como el artista del momento del género popular después de su éxito “Dos
Razones”. Ahora sigue en la mira por su más reciente sencillo discográfico
titulado “Amigos con derecho”, canción que inició su lanzamiento en el mes de
mayo del año 2014, y que a pocos meses del lanzamiento de su vídeo sumo miles
de visitas diarias en YouTube.
Año 2014 - Actualidad
El 2014 fue
un año lleno de bendiciones para el artista porque fue nominado en el mes de
abril en los "Premios D´Repente Films" en cuatro categorías
diferentes y en los Premios Nuestra Tierra en la categoría Mejor Interpretación
Popular con su canción "Dos Razones. En el mes de octubre se llevó a cabo
la ceremonia de entrega de los premios Mi Gente TV 2014, y Jhon Alex Castaño
fue nominado en las categorías a Mejor Artista Popular y Mejor Canción Popular
por su éxito Dos Razones. El 17 de diciembre recibió en la ciudad de Pasto el
premio Aimer Ángel Restrepo IV Versión a artista invitado y más sonado en el
2014. Este reconocimiento refleja el esfuerzo que lo llevo durante todo el año
a ubicarse en los primeros lugares de los medios radiales y los conteos más
importantes como el artista #1 de género popular en Colombia.
En febrero
de 2015 Jhon Alex realizó el lanzamiento del sencillo discográfico titulado
Viviré Sin Ti, de la autoría de Luis Olmedo Gómez, una canción que relata una
historia cotidiana de desamor, olvido hacia esa persona que se va y la firme
decisión de vivir en paz y libertad para entregarse de nuevo a otro amor. El
vídeo del mismo fue grabado en España durante la gira que el artista realizo en
el mes de abril de 2015 donde visito lugares como Madrid, Barcelona, Palma de
Mallorca, Bilbao y Alicante.
En agosto
de 2015 estrenó "Démonos tiempo", una composición del maestro Hernán
Darío Hernández, de donde se desprende el sencillo “El Rey del Chupe”. Una
canción dedicada a todas las parejas que piden tiempo pero que ya tienen su
guardado, que ya tienen un nuevo amor. El videoclip del mismo fue grabado en
locaciones nocturnas de la ciudad de Miami Beach, tales como South Beach,
Brickell y Lincoln Road, además contó con la participación de la modelo
Puertorriqueña Darling Cruz y la
Venezolana Ariana León. La
realización del vídeo estuvo a cargo de la productora GusFilm, bajo la
dirección del reconocido productor colombiano Gustavo Camacho. A principios del
mes de noviembre el artista realizó el lanzamiento nacional del sencillo de fin
de año titulado "Ron Portuano", una composición de su papá musical
Hernán Darío Hernández.
Tras
diversos triunfos, Jhon Alex logra realizar su primera gira por los Estados
Unidos junto a su agrupación musical Los ReAlex, visitando y contagiando el
Jhon Alexismo en lugares como: New york, New Jersey, Boston, Miami y Orlando Florida.
«We Are the World» (en español:
«Somos el mundo») es una canción escrita por Michael Jackson y Lionel Richie en 1985, producida por Quincy Jones y
grabada por un gran grupo de músicos famosos formado especialmente para la
ocasión que se denominó USA for Africa (United
Support of Artists for Africa, en español:
Unión de Apoyo de Artistas para Africa). La grabación de la canción se
realizó el 28 de enero de 1985 y fue publicada
el 7 de marzo del
mismo año por el sello Columbia Records.
Los beneficios obtenidos por la canción fueron donados a una campaña
humanitaria para intentar acabar con la tremenda hambruna en Etiopía.
Las terribles
imágenes de la hambruna sufrida por parte del continente africano,
principalmente Etiopía, dieron a Harry Belafonte la
idea de realizar una campaña de recaudación de fondos con fines humanitarios.
Su representante, Ken Kragen, le sugirió formar una unión de artistas al estilo
de la exitosa banda Band Aid, formada por músicos británicos en 1984 para grabar la
canción Do They Know It's Christmas? con
fines similares.
Columbia Records donó los costes de
producción y distribución a la campaña, así como los beneficios obtenidos por
la canción. We Are the World llegó a las tiendas de EE. UU. el
jueves 7 de marzo de 1985 y vendió las
800.000 copias de la primera edición después del fin de semana. El 5 de abril del
mismo año, más de 5.000 emisoras de radio reprodujeron la canción de forma
simultánea. La canción llegó a ser número 1 en ventas el 13 de abril y se
mantuvo en esa posición durante 4 semanas.
La canción ganó
los premios Grammy de Canción del
año, Disco del año.
Tan sólo en EE.
UU., el sencillo de
la canción vendió 7,5 millones de copias. Posteriormente fue incluida en
un álbum musical, llamado también We Are
the World, que vendió más de 3 millones de copias. Además de la
canción We Are the World, el álbum incluyó canciones de Prince (que
había rechazado participar en la grabación), Bruce
Springsteen, Tina Turner y otros artistas, así como la canción Tears
are not enough fruto de una iniciativa similar en Canadá.
Los beneficios
conjuntos del sencillo, el álbum, el videoclip y Merchandising relacionado
con la canción We Are the World superaron la cifra de 50
millones de dólares.
Meses después,
se celebraron en EE. UU. y Reino Unido dos conciertos simultáneos, Live Aid,
con los mismos fines benéficos.
Sus padres
fueron el profesor Roberto Shaw Gallardo —hijo de un irlandés residenciado
en Oruro,
y Clotilde Boutier. Raúl fue el segundo de los siete hijos del matrimonio. A
los trece años ganó un concurso de cantantes patrocinado por el Teatro Municipal de Oruro,
y se presenta con éxito en la Radio el Cóndor de
ésta misma ciudad. (fotografía de
época).
A principios de
los años cincuenta se traslada a La Paz,
donde trabaja como dibujante técnico y es empleado público. Por esos años,
junto a su hermano Víctor Shaw funda su primer grupo, el
trío Los Altiplánicos, con el
que comenzará a hacerse conocido en Bolivia.
Dos años después, en 1948 formó
el trío Los Indios, el que hace una gira por México.
Posteriormente, junto a los hermanos Valdez forma parte del trío Panamerica Antawara, con
el que realiza su primera grabación. Por ese tiempo escribirá su primer éxito:
el bolero "Magaly".
En el año 1951,
en Santiago de Chile, Hernando Avilés, primera voz del Trío Los Panchos abandona
el grupo en plena gira continental debido a sus frecuentes disputas con Alfredo
Bojalil Gil (Alfredo Gil), director artístico y requintista del popular grupo.
En estas circunstancias, el otro restante integrante del grupo Chucho Navarro y
Alfredo Gil viajan a Bolivia, con la urgencia de encontrar un reemplazo para
Avilés, a fin de proseguir la gira. Es en estas circunstancias que el mes de
noviembre de 1952, Raúl Shaw Moreno audiciona para los dos miembros restantes
de Los Panchos, Chucho Navarro y Alfredo Gil.
En un salón del Hotel Sucre Palace, cantando para ellos Magaly,
siendo aceptado inmeditatamente para reemplazar a Hernando Avilés. Su debut como primera voz
de Los Panchos se
produce en un recital radiotransmitido, como se usaba en aquellos años, en el
Auditorio de la Radio Minería de Santiago de
Chile(fotografía de
época). Los Panchos pretendieron que Raúl Shaw Boutier cambiará
su nombre al artístico de Raúl Moreno, con el argumento de que sus
apellidos eran extraños en un cantante de boleros. El orureño se negó
rotundamente a hacerlo, en cambió, sustituyó su apellido materno por el
de “Moreno” usando originalmente comillas en la palabra, lo
que parece haberse originado en el apellido materno de Chucho Navarro.
Junto a Los Panchos se
presentará en los escenarios más importantes de toda América Latina, incluyendo
exitosas presentaciones en Brasil (fotografía de
época), y también en Japón. En apenas 9 meses, en estudios de
Argentina y Brasil el trío grabará 31 canciones consideradas clásicas de la
segunda época de Los Panchos, con títulos como “Aquellos Ojos verdes”,
”Quiéreme mucho”, ”Perfidia”, ”Bésame Mucho”, “Solamente Una vez”, ”Maria
Elena”, ”Amigos”, y "Lágrimas de Amor" (Canción compuesta por Raúl
Shaw).
Raúl Shaw
Moreno se aleja del trío en 1952,
antes de cumplir un año como primera voz, por tener posiblemente desaveniencias
con Alfredo Gil.
Otra versión para explicar su corta colaboración con Los Panchos es
que su voz pastosa y de armónicos graves no encajaba en el gusto de los otros
integrantes del trío, que preferían como primera voz a un tenor de registro
alto, y como el contrato con Shaw era en principio por un año, se habrían
separado en muy buenos términos. En una entrevista que le fue realizada en el
año 1994,
afirma:
Soy un agradecido a la
vida por haberme dado la posibilidad de formar parte de Los Panchos, conjunto
del que soy admirador, antes que nada...1
Galeano nació
en Montevideo, Uruguay, en el seno de una familia de clase alta y católica.
Su padre fue Eduardo Hughes Roosen y su madre, Licia Esther Galeano Muñoz, de
quien tomó el apellido para su nombre artístico. En su juventud trabajó
como obrero de
fábrica, dibujante, pintor, mensajero, mecanógrafo y cajero de banco, entre
otros oficios.3
A los 14 años vendió su primera caricatura política
al semanario El Sol, del Partido Socialista.
Comenzó su carrera periodística a inicios de 1960 como jefe de
redaccíón de Marcha, un semanario influyente fundado
por Carlos Quijano, a quien consideraba su
"padre periodístico"4
y que tuvo como colaboradores a Mario Vargas Llosa, Mario Benedetti, Adolfo Gilly,
Manuel Maldonado, los hermanos Denis y Roberto Fernández Retamar. En 1964
dirige, durante dos años, el diario de izquierda independiente Época.
Contrajo
matrimonio tres veces: la primera, con Silvia Brando, con quien tuvo una hija,
Verónica Hughes Brando; luego, con Graciela Berro Rovira, con quien tuvo dos
hijos: Florencia y Claudio Hughes Berro; finalmente, con Helena Villagra que
sería su mujer durante 40 años y a cuya hija, Mariana, la "Pulga" de
sus libros, asume como propia.
Durante sus
estudios con una beca en París, supo que Juan Domingo Perón había dicho: «Si ese
muchacho anda por acá, me gustaría verlo». Galeano aprovechó un viaje para
llamar al teléfono que le habían dado, aun cuando no terminaba de creer que
fuese cierto. Sin embargo, era cierto y Perón lo recibió con los brazos
abiertos. Tuvo una larga charla con el expresidente argentino en el exilio,
durante la cual le preguntó por qué no emitía señales más a menudo:«Perón me contestó: "El prestigio de
Dios está en que se hace ver muy poco"».5
En 1976, se casó por tercera
vez. Voló a España, donde escribió su famosa trilogía: Memoria del
fuego (un repaso por la historia de Latinoamérica),
en 1984,
considerada su obra mayor.6
A inicios
de 1985,
retornó a Montevideo. En octubre de ese año, junto a Mario Benedetti, Hugo Alfaro y
otros periodistas y escritores que habían pertenecido al semanario Marcha, fundó el semanario Brecha, de cuyo Consejo Asesor continuó
siendo integrante hasta su muerte.
En 2010, el Semanario Brecha instituyó
el Premio Memoria del Fuego,
que está previsto que Galeano entregue anualmente a un creador que a sus
valores artísticos sume el compromiso social y con los derechos humanos. El
primer galardonado fue el cantautor español Joan Manuel Serrat, quien recibió el 16 de
diciembre de 2010, en el Teatro Solís de
Montevideo, la estatuilla diseñada por el escultor Octavio Podestá. El segundo galardonado con el
premio fue Manuel Martínez Carril, renombrado crítico
cinematográfico y director histórico de la Cinemateca Uruguaya, el mayor archivo fílmico
de Uruguay y una institución independiente y autogestionada emblemática por su
resistencia cultural que en 2012 cumplió 60 años de existencia.
En 2004,
Galeano apoyó la victoria de la alianza Frente Amplio y de Tabaré Vázquez. Escribe un artículo en el que menciona
que la gente votó utilizando el sentido común.
En 2005, Galeano, junto a intelectuales de izquierda como Tariq Ali y Adolfo Pérez Esquivel se unen al comité
consultivo de la reciente cadena de televisión latinoamericana TeleSUR.
En México colaboró para el periódico La Jornada.
En febrero
de 2007,
Galeano superó una operación para el tratamiento del cáncer de pulmón. En noviembre de 2008, dijo
sobre la victoria de Barack Obama:
La Casa Blanca será
la casa de Obama pronto, pero esa Casa Blanca fue construida por "esclavos
negros". Y me gustaría y espero que él nunca lo olvide.
En abril de
2009, el presidente venezolano Hugo Chávez entregó
un ejemplar de Las venas abiertas de América Latina al
presidente estadounidense Obama durante la quinta Cumbre de las Américas, celebrada en Puerto España, Trinidad y
Tobago. El hecho provocó que se convirtiera en pocas horas en un
éxito de ventas en internet.78
No sólo Estados Unidos,
sino algunos países europeos han sembrado dictaduras por
todo el mundo. Y se sienten como si fueran capaces de enseñar lo que es democracia.
Padecía cáncer
de pulmón desde 2007, esto lo había obligado a reducir sus apariciones
públicas, a pesar de lo cual siguió participando en diferentes eventos. Luego
de estar internado una semana en el sanatorio 2 del CASMU a raíz de su
enfermedad, falleció el 13 de abril de 2015 a las 8:20 (GMT-3), en su natal
Montevideo.910
Hijo de Wilhelm
Grass (1899-1979), un protestantepomerano-alemán,
y de Helene Magdalena Grass (nacida Knoff, 1898-1954), una católica de
origen casubo-polaco,
el futuro escritor creció como católico. Sus padres tenían una bodega junto a
un pequeño apartamento de dos habitaciones en Danzig-Langfuhr (hoy
Gdańsk-Wrzeszcz, Polonia). Tuvo tres hermanos: Ella, Friedrich y Alfred.
Estudió dibujo y escultura de 1948 a 1956.2
En 1954
contrajo matrimonio con Anna Schwarz, de la que tuvo tres hijos y una hija.
Divorciado en 1978, al año siguiente se casó con Ute Grunert, hasta su muerte.3
Tuvo además dos hijas de otras relaciones.4
Ha sido un
escritor capital en la vida literaria y civil tras la Segunda Guerra, en
Alemania y en Europa. Y ha escrito de muy diversos modos sobre la historia de
su país de mediados del siglo XX, ya con tres novelas iniciales: El
tambor de hojalata (1959), El gato y el ratón (1961)
y Años de perro (1963).
Tuvo notable
participación en el Grupo 47 de escritores alemanes, que se reunía dos veces
al año: era un colectivo de jóvenes autores, luego destacadísimos, que leían
fragmentos inéditos y se enfrentaban a la crítica de sus colegas (los
organizadores enviaban tarjetas cíclicamente a personas muy dispares, ajenas al
grupo). Estas reuniones del Grupo 47 dieron
voz, incluso finalmente en Europa, a una nueva generación de escritores.
Por otra parte,
Günter Grass tuvo una activa participación política en toda su vida. Criticó
con dureza la represión de obreros en la Alemania del Este (RDA) a comienzos de
los años 1950 (Los plebeyos ensayan la revolución). De hecho se mantuvo
siempre muy cercano al partido socialdemócrata y ayudó entre otros a Willy Brandt en
sus campañas (como puede leerse en Diario de un caracol), que fue
decisivo para el cambio alemán. En 1990, su breve ensayo sobre los
campos, Escribir después de Auschwitz, fue muy comentado. Además se
opuso, tras la caída del Muro, a una reunificación apresurada e invasiva con la
antigua RDA (Alemania: una unificación insensata).
Produjo gran
cantidad de revistas que combinaban la música, la
danza, el teatro y el humor, entre las que se destacan Buenas noches
Buenos Aires (1963), Buenos Aires canta al mundo (1966), Yo
canto a mi Argentina (1973), etc.
En televisión
tuvo el papel protagónico junto a Mirtha Legrand,
en la serie cómico-musical M ama a M (1957) y en la
serie La familia Mores (1967).
Entre sus conformaciones
musicales se destacaron su Orquesta Lírica Popular creada en 1950 y su Sexteto
Rítmico Moderno. Varios de los integrantes de su familia se sumaron a sus
espectáculos conformando un grupo familiar artístico conocido como la
familia Mores, entre los que se han destacado su esposa Myrna Mores,
su hermano Enrique Lucero, su
hijo Nito Mores (fallecido
en 1984), su hija Silvia Mores, su nuera Claudia Mores, su nieto Gabriel Mores y su sobrino Daniel Mores.
Falleció en
Buenos Aires el 13 de abril de 2016 a los 98 años de edad.
José Miguel Class (26 de septiembre de 1938 - 13 de abril de 2017) fue
un cantante
puertorriqueño que ganó fama internacional durante los años
sesenta y setenta. [1]
Apodado "El Gallito de Manatí" ("Manati's
Bantam"), Class alcanzó la fama en Puerto Rico en
la década de 1960 antes de mudarse a México ,
donde logró un gran éxito. Su período de residencia allí fue importante
para su carrera: lanzó varios álbumes de música mexicana y logró alcanzar la fama
en América Central , América del Sur y
el resto del Caribe .
Cuando Class
regresó a Puerto Rico durante la década de los '70, inmediatamente realizó un
programa de televisión semanal en elCanal 11 de Rafael Pérez Perry , que fue co-anfitrión
con Awilda (Awilda La Mimosa) Pedrosa. Su acento mexicano adoptado fue
notable durante la ejecución de este espectáculo; De hecho, mantuvo el
acento mexicano durante mucho tiempo. Su eslogan fue "Yo soy el
Gallo!" ("¡Yo soy el gallo!") Se retiró a su ciudad natal,
Manati. Lanzó más de 20 álbumes, muchos de los cuales se han convertido en formato
de CD . [ cita
requerida ]
La clase
falleció la mañana del 13 de abril de 2017, a la edad de 81 años luego de una
larga enfermedad en el Hospital Auxilio Mutuo en Hato Rey ,
Puerto Rico. [2]
En 2021 fue elegido miembro de la Academia francesa para ocupar el asiento número 18 de esa institución, de la que fue el primer miembro que no había escrito obras en lengua francesa, a pesar de que la hablaba con fluidez. Favoreció tal elección el que Vargas Llosa fuera el primer escritor de lengua no francesa al que la prestigiosa colección La Pléiade de Gallimard le había publicado su obra en vida. Fue el segundo latinoamericano que llegó a la Academia después del argentino Héctor Bianciotti.[6]
Biografía
Mario Vargas Llosa nació en una familia de clase media en la ciudad de Arequipa, en el sur del Perú en 1936.[7][8] Fue el único hijo de Ernesto Vargas Maldonado (Lima, 1905-1979) y de su esposa Dora Llosa Ureta (Arequipa, 1914-1995), quienes se separaron meses antes de su nacimiento[7] para divorciarse tras el mismo, de mutuo acuerdo.[9] Poco después de que Mario hubo nacido, su padre reveló que tenía una relación con una mujer alemana y como resultado de dicha unión, nacieron dos medios hermanos menores del escritor: Enrique y Ernesto Vargas[10] (el primero falleció de leucemia a los once años de edad; el segundo es abogado y ciudadano estadounidense).[11] Su padre era el único hijo de Marcelino Vargas y de su primera mujer Zenobia Maldonado, fallecida en 1925. Por línea materna, desciendía del maestre de campovizcaínoJuan de la Llosa y Llaguno, quien se asentó en Arequipa en 1702.
Mario vivió con su familia materna en Arequipa hasta un año después del divorcio de sus padres, en 1937, momento en que su abuelo Pedro J. Llosa Bustamante se trasladó con toda su familia a Bolivia, donde había conseguido un contrato para administrar una hacienda algodonera cercana a Cochabamba.[12] En dicha ciudad pasó los siguientes nueve años de su niñez, donde aprendió a leer y a escribir. Junto con su madre y la familia materna, y cursó hasta el cuarto grado en el Colegio La Salle.[13][14] Hasta los diez años, se le hizo creer que su padre había fallecido, ya que su madre y su familia no querían explicarle que se habían separado.[15][16]
En 1945, al iniciarse en Perú el gobierno del presidente José Luis Bustamante y Rivero (1945-1948), su abuelo, que era primo hermano del mandatario, obtuvo el cargo de prefecto del departamento de Piura, por lo que la familia entera regresó al Perú. Los tíos de Mario se establecieron en Lima, mientras que Mario y su madre siguieron al abuelo a la ciudad de Piura.[17][18] Allí Mario continuó sus estudios de primaria en el Colegio Salesiano Don Bosco.[19]
A fines de 1946 o principios de 1947, y cuando tenía diez años de edad, Mario se encontró con su padre por primera vez en Piura.[20] Sus padres restablecieron su relación y se trasladaron a Lima, instalándose en el distrito de clase media Magdalena del Mar.[21] Luego se trasladaron a La Perla, en el Callao, donde vivieron en una pequeña casa aislada. Los fines de semana Mario solía visitar a sus tíos y primos, que vivían en el barrio de Diego Ferré, en el distrito de Miraflores, donde hizo muchos amigos y donde tuvo sus primeros enamoramientos. Mario ha plasmado estos lugares en muchos de sus libros como un grato recuerdo.[22]
En Lima estudió en el Colegio La Salle, de la congregación Hermanos de las Escuelas Cristianas,[23] cursando el sexto grado de primaria en 1947, y los dos primeros años de secundaria de 1948 a 1949. La relación con su padre, siempre tortuosa, marcaría el resto de su vida. Por años, guardó hacia él sentimientos entremezclados, como el temor y el resentimiento, debido a que durante su niñez debió soportar violentos arrebatos de parte de su padre, además de un resentimiento hacia la familia Llosa y grandes celos para con su madre pero, sobre todo, a causa de la repulsión de su padre por su vocación literaria, que nunca llegó a comprender.[24]
A los 14 años, su padre lo envió al Colegio Militar Leoncio Prado, en el Callao, un internado donde cursó el tercer y el cuarto año de educación secundaria, entre 1950 y 1951. Allí soportó una férrea disciplina militar y, según su testimonio, fue la época en la que leyó y escribió «como no lo había hecho nunca antes», consolidando así su precoz vocación de escritor.[25] En su novela La ciudad y los perros Vargas Llosa retrata la experiencia vívida, la disciplina a la que fue sometido en el colegio militar. Sus lecturas predilectas fueron las novelas de los escritores franceses Alejandro Dumas y Victor Hugo. Entre sus profesores figuró el poeta surrealista César Moro, quien por un tiempo le dio clases de francés.[26]
Durante las vacaciones veraniegas de 1952, Vargas Llosa empezó a trabajar como periodista en el diario limeño La Crónica donde se le encomendaron reportajes, notas y entrevistas locales.[27] Ese mismo año se retiró del colegio militar y se trasladó a Piura, donde vivió con su tío Luis Llosa (el “tío Lucho”) y cursó el último año de educación secundaria en el colegio San Miguel de Piura.[17][28] Simultáneamente trabajó para el diario local, La Industria, y presenció la representación teatral de su primera obra dramatúrgica, La huida del Inca, en el teatro «Variedades».[17][29]
En 1953, durante el gobierno de Manuel A. Odría, Vargas Llosa ingresó en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, donde estudió Derecho y Literatura.[30] Participó en la política universitaria a través de Cahuide, nombre con el que se mantenía vivo el Partido Comunista Peruano, entonces perseguido por el gobierno de Manuel Odría (1948-1956), contra el que Vargas Llosa se opuso a través de los órganos universitarios y en fugaces protestas en plazas. Poco tiempo después se distanció del grupo y se inscribió en el Partido Demócrata Cristiano, esperanzado en que esa agrupación lanzaría la candidatura de José Luis Bustamante y Rivero, quien, por aquel entonces, regresaba del exilio. Dicha expectativa no se cumplió. Durante este tiempo, trabajó como asistente del renombrado historiador sanmarquino Raúl Porras Barrenechea en una obra que nunca llegó a concretarse: varios tomos de una monumental historia de la conquista del Perú.[31]
En mayo de 1955, a la edad de 19 años, contrajo matrimonio con Julia Urquidi, hermana de su tía política por parte materna, quien era diez años mayor y ya divorciada.[32] Debido al rechazo que este matrimonio causó en su familia, la pareja se vio forzada a separarse durante un tiempo pese a que estaban recién casados. Para lograr mantener una vida en común, el joven Mario, ayudado por Raúl Porras Barrenechea, cumplió con hasta siete trabajos simultáneamente: como asistente de bibliotecario del Club Nacional,[33] escribiendo para varios medios periodísticos e incluso catalogando nombres de las lápidas del Cementerio Presbítero Matías Maestro de Lima; finalmente ingresó a trabajar como periodista en Radio Panamericana, aumentando sustancialmente sus ingresos.[13][34]
Por entonces, Vargas Llosa empezó con seriedad su carrera literaria con la publicación de sus primeros relatos: El abuelo (en el diario El Comercio, 9 de diciembre de 1956)[35] y Los jefes (en la revista Mercurio Peruano, febrero de 1957).[36] A fines de 1957 se presentó a un concurso de cuentos organizado por La Revue Française, una importante publicación francesa dedicada al arte. Su relato titulado El desafío obtuvo el primer premio, que consistía en quince días de visita en París, hacia donde partió en enero de 1958. Su estadía en la capital de Francia se prolongó durante un mes, antes de retornar a Lima.[13][37] Ese mismo año se graduó de bachiller en Humanidades en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, a mérito de su tesis sobre las Bases para una interpretación de Rubén Darío.[38] Fue, además, considerado como el alumno de Literatura sanmarquino más distinguido,[39] por lo que recibió la beca Javier Prado para seguir cursos de posgrado en la Universidad Complutense de Madrid, en España.[40] Antes de partir hacia Europa, hizo un corto viaje por la amazonía peruana, experiencia que después le serviría para ambientar en dicho espacio geográfico tres de sus novelas: La casa verde, Pantaleón y las visitadoras y El hablador.[41]
En 1960, luego de terminarse la beca en Madrid, Vargas Llosa se mudó a Francia creyendo que iba a obtener una beca para estudiar ahí; sin embargo, llegado a París se enteró de que su solicitud había sido denegada.[42] A pesar del inesperado mal estado financiero de Mario y Julia, la pareja decidió quedarse en París donde Vargas Llosa comenzó a escribir de forma prolífica.[42] Su matrimonio duró algunos años más, pero terminó en divorcio en 1964.[43] Un año después, Vargas Llosa se casó con su prima y sobrina materna de su primera mujer, Patricia Llosa Urquidi,[43] hija de su tío materno Luis Llosa Ureta y de su esposa Olga Urquidi Illanes, hija de Carlos Urquidi y de su esposa María del Carmen Illanes, con quien tuvo tres hijos: Álvaro Vargas Llosa (1966), escritor y editor; Gonzalo (1967), empresario y representante en el Reino Unido del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR);[44] y Morgana (1974), fotógrafa.
En París terminó de escribir su primera novela, La ciudad y los perros, y allí, a través del hispanista Claude Couffon, entró en contacto con Carlos Barral, director de la editorial española Seix Barral. La novela consiguió en 1962 el Premio Biblioteca Breve y se publicó al año siguiente en la editorial barcelonesa. En 1966, durante la lectura que ella hizo de La casa verde, la entonces responsable de derechos de la editorial, Carmen Balcells, decidió proponerse al escritor para convertirse en su agente literario. Lo animó a centrarse exclusivamente en la literatura y le consiguió sustento económico durante el tiempo que durase la redacción de Conversación en La Catedral, a condición de que el contrato con la editorial lo hiciese ella. A partir de ese momento, Balcells se convirtió en su agente y llegó a conseguirle contratos extraordinarios.[45]
En 1962, visitó la Cuba revolucionaria como corresponsal durante la crisis de los misiles,[46] y en ese contexto expresó simpatía por la revolución, a la que consideraba de carácter libertario.[46][47] Su cercanía con el proceso cubano lo llevó a participar como jurado del premio de novela de la Casa de las Américas en 1965.[48] Sin embargo, en 1967, tras el encarcelamiento del poeta Heberto Padilla, rompió públicamente con el régimen de Fidel Castro, marcando un giro en su postura política.[46]
Mario Vargas Llosa ha sido definido como uno de los más completos narradores de su generación y una figura destacada de la literatura hispanoamericana.[60] Representante ideal del espíritu del Boom latinoamericano, pues nació literariamente con él y ayudó a definirlo y a identificarlo con una nueva generación de escritores,[61] su obra narrativa se caracteriza por la importancia de la experimentación técnica, aspecto por el que es valorado como un maestro de la composición novelística y en el que se ha desempeñado como un notable innovador de posibilidades narrativas y estilísticas.[60]
Desde el punto de vista temático, sus novelas tratan de la antinomia entre lo histórico y lo estructural, como así lo expresa el título de varias de sus novelas (La ciudad y los perros, La casa verde, Conversación en La Catedral), en las que la presencia de estructuras demuestra el interés casi obsesivo que el autor tiene por estas.[62] Asimismo, en cuanto a los tonos, su obra presenta las características más variadas, desde el humor, el amor y la comicidad hasta la caída trágica.[60]
Por otra parte, el hecho de que el grueso de su producción literaria la haya realizado desde el extranjero, explica el sesgo retrospectivo que domina buena parte de la misma, así como la reconstrucción constante que hace de vivencias íntimas o colectivas del Perú como base de su ficción, salvo algunas excepciones como La guerra del fin del mundo y algunas de sus últimas novelas.[63]
En cuanto a sus modelos literarios, o “precursores” (a los que ha dedicado en varios casos estudios críticos), hay que citar, por un lado, a la novela de caballeríasTirant lo Blanc, de Joanot Martorell, y a Cien años de soledad, de García Márquez, ambas como ideales del concepto de novela total (la que funde lo real con lo irracional y el mito); por otro, son imprescindibles para Vargas Llosa dos escritores en especial: Flaubert, como modelo de la literatura como vocación, de la utilización de la realidad como pozo sin fondo para encontrar contenidos y temas (la mediocridad del ser humano, la violencia y el sexo), como modelo, también, de la importancia de una estructura narrativa rigurosa y de un narrador impasible ante los hechos narrados, etc.; y Faulkner, tanto en lo que respecta a temas y ambientes, como a rasgos formales, especialmente, el multiperspectivismo, los saltos en el tiempo, el uso de varios narradores en vez del omnisciente, la retención de información, el uso de historias paralelas, etc.[64]
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