El 20
de enero es el 20.º (vigésimo) día del año en
el calendario gregoriano. Quedan 345 días para
finalizar el año y
346 en los años bisiestos.
250: Muere Fabián, papa de la
Iglesia católica entre 236 y 250 (n. ca. 200).
Fabián (en latín: Fabianus; Roma, ca. 200-Roma, 20 de enero de 250) fue el vigésimo papa de la Iglesia católica, ejerciendo entre los años 236 y 250.
La leyenda acerca de su elección fue elaborada por el historiador eclesiástico Eusebio de Cesarea quien en el tomo sexto de su obra Historia de la Iglesia relata cómo estando reunidos los electores para seleccionar al sucesor del papa Antero, una paloma se posó sobre Fabián, un granjero laico que se encontraba en Roma accidentalmente y como simple espectador.1 El pueblo tomó esto como una señal milagrosa de Dios que escogía a Fabián como su candidato e inmediatamente procedieron a ordenarlo sacerdote y obispo.
Debido al crecimiento de Roma dividió la ciudad en siete distritos poniendo a cargo de cada uno de ellos a un diácono para su gobierno y administración.1 Consagró a varios obispos, entre ellos a san Dionisio de París al que envió a misionar las Galias, y según la tradición, Fabián instituyó las cuatro órdenes menores. Estableció que todos los años el Jueves Santo fuese renovado el Santo Crisma1 y que se quemara el del año anterior. También reguló que el Santo Crisma debería prepararse con aceite mezclado con bálsamo.
Fabián murió mártir el 20 de enero de 250, bajo la persecución de Decio y fue enterrado en las Catacumbas de San Calixto. En el siglo xv sus huesos fueron donados a la ciudad de Cuneo en sustitución de los de San Sebastián, solicitados para la nueva iglesia dedicada a este santo. Hoy, los huesos del papa Fabián se encuentran en la capilla de las reliquias del museo diocesano de la diócesis de Cuneo, cerca de la iglesia de San Sebastián. Su cabeza se conserva en la capilla Albani de la Basílica de San Sebastián fuori le mura.
El culto de San Fabián ha estado siempre unido al de San Sebastián, ambos se celebran el 20 de enero, en la festividad de los Santos Mártires.
Es patrón de la aldea de Peñaullán perteneciente al concejo de Pravia en Asturias, patrón de San Fabián de Alico en Chile y copatrón de Valsinni, una localidad de Italia situada en la provincia de Matera.
1809: Nace Sebastián Iradier, compositor español (f. 1865).
Sebastián de Iradier Salaverri (Lanciego, Álava; 20 de enero de 1809-Vitoria; 6 de diciembre de 1865),1 también conocido como Sebastián Yradier, fue un compositor español.
Biografía[editar]
Estudió piano y órgano en Vitoria. A los nueve años entra a formar parte del coro de la antigua Colegiata de Santa María de Vitoria.2 Con dieciséis años, entre abril de 1825 y junio de 1827, obtiene la plaza de organista de la iglesia de San Miguel Arcángel de Vitoria. En 1827 oposita y gana la plaza de organista y sacristán mayor para la parroquia de San Juan Bautista de Salvatierra (Álava), con nombramiento de 5 de junio. En 1829 contrae matrimonio con Brígida de Iturburu en Salvatierra, y tendrán un hijo, Pablo. Aparte de sus obligaciones musicales religiosas, siente gran afición por las canciones populares, que estaban de moda en los salones privados de la alta burguesía vasca, y disfruta interpretando al órgano y a la guitarra cachuchas, boleros, seguidillas y tiranas.3
En 1833 se le concede licencia para perfeccionarse en Madrid en estudios de composición durante cuatro meses, que se convertirían en años, en los que faltaría a sus obligaciones de organista, puesto que cubriría interinamente su amigo y discípulo Antonio Ruiz de Landazábal.
A partir de su llegada a Madrid desarrollará una actividad frenética y una gran habilidad para introducirse en los círculos aristocráticos y relacionarse con importantes figuras de las letras, de la música y de la política. Parece ser que estudia composición con Baltasar Saldoni. Entre 1835 y 1840 ha logrado gran prestigio y popularidad en la capital de España. Era socio de la sección de música del Liceo Artístico y Literario, en cuya institución llegaría a ocupar el puesto de socio de mérito en la clase de maestro compositor y consiliario, fue vicedirector de la Academia Filarmónica Matritense, era catedrático de armonía y composición del Instituto Español, profesor del Colegio Universal de Madrid y socio de honor de la Academia Filarmónica de Bayona.
Viudo desde 1834, en 1837 contrae nuevo matrimonio en Madrid con Josefa Arango, del que nacerá una hija, Matilde.45
Entre 1839 y 1850 será primer maestro de solfeo para el canto en el Real Conservatorio de Música de Madrid. También impartía clases particulares de canto, y a los alumnos que carecían de recursos económicos les enviaba a estudiar al Conservatorio.
En 1840 vuelve a Salvatierra para reclamar su sueldo de organista, a lo que el Cabildo se negará en un principio. Regresa a Madrid y en julio del mismo año renuncia a este puesto. En septiembre retorna a Salvatierra para cobrar los atrasos, que al fin le ha concedido el Cabildo, y forma parte del tribunal, que otorga la plaza vacante dejada por él a su amigo y discípulo Antonio Ruiz de Landazábal.3
Su gran habilidad para las relaciones públicas le permite introducirse en los salones de la más alta aristocracia de Madrid, como los de la duquesa de Villahermosa, la condesa de Campo Alange, la marquesa de Perales, la marquesa de Legarda, la marquesa de Castellanos, los marqueses de Ayerbe y la condesa de Montijo, cuyas hijas Francisca, futura duquesa de Alba, y Eugenia, futura emperatriz de Francia, serán alumnas suyas. Conocerá a políticos como Narváez y González Bravo, a escritores extranjeros como Prosper Merimée, gran amigo y confidente de la condesa viuda de Montijo, a famosos literatos españoles como Espronceda, Zorrilla, García Gutiérrez, Príncipe, Fernández de los Ríos, Campoamor y Gutiérrez de Alba, tendrá amistad con músicos españoles como Carnicer, Saldoni, Espín y Guillén y Soriano Fuertes, y alguna relación con músicos extranjeros a su paso por España, como Liszt y Glinka. Mantiene una estrecha colaboración con Agustín Azcona y con Tomás Rodríguez Rubí, archivero de la casa de Montijo, poeta, dramaturgo, periodista y político, figura sobresaliente de aquella época, que llegaría a ser ministro de Ultramar.
Durante su etapa madrileña inicia una actividad musical imparable, componiendo obras para bailes de máscaras (valses, algunos coreados, polkas, rigodones…),que le darán gran celebridad, realiza alguna incursión en la zarzuela, pero sobre todo comienza a producir canciones, que marcarán definitivamente su trayectoria en el mundo de la música y que le proporcionarán la fama. En 1840, aparece publicada por el Álbum Filarmónico su primera colección de canciones nuevas españolas con acompañamiento de piano-forte, con textos de Juan del Peral, Campoamor, Príncipe, Ramón Satorres y García Gutiérrez. Su instinto mercantil le impulsará a abrir más adelante un almacén de venta de música y pianos, en la calle del Príncipe n.º 16, y una litografía e imprenta en la calle de Peligros n.º 16, que le permitirán imprimir y vender sus propias obras. Parece ser que el almacén de música estuvo abierto entre 1850 y 1863. En 1847 participaba en un círculo musical dirigido por Espín y Guillén, en el que colaboraba a veces como cantante junto a José Cagigal. Podemos definir la década de los cincuenta como su etapa viajera y también como bastante confusa en datos sobre su vida.
En 1850, viaja a París y, con el apoyo de Pauline Viardot, consigue introducirse en los círculos musicales parisinos. Conocerá a Rossini y se relacionará con cantantes y bailarinas célebres, que interpretarán sus canciones y le proporcionarán cierta fama. Aumentan las peticiones de nuevas obras para canto y para danza, y su música, reflejo del pintoresquismo español de moda entonces, se pasea por los salones de la capital francesa con gran éxito.
En 1853, vuelve a Madrid para el estreno de su loa, La perla del Genil, dedicada a Eugenia de Montijo, reciente emperatriz de Francia por su matrimonio con Napoleón III.
En 1855 está de nuevo en París, con domicilio en la rue Breda, n.º 30. En 1857 inicia una gira con la célebre contralto Marietta Alboni por Estados Unidos, México y Cuba, que comprendía Nueva York, Boston, Filadelfia, Nueva Orleáns, México y La Habana, dando a conocer sus canciones y encontrando la inspiración criolla para algunas nuevas.4 En Nueva York, participa en conciertos privados de la alta burguesía.4 De regreso a Europa se detiene en Londres, donde su amigo, el barítono Ronconi, lo presentará en los salones de la aristocracia británica. Finalmente volverá a París. Día a día aumentaba su celebridad, hace valer el mérito de haber sido maestro de canto de la emperatriz Eugenia, sus canciones se interpretan por doquier y por los cantantes más renombrados, y en años venideros serán publicadas muchas de ellas por prestigiosas editoriales extranjeras y por la suya de Madrid.7 En 1864, se publicó en París una colección de sus 25 canciones más populares, conocida como Fleurs d’Espagne, con gran repercusión en el mundo musical francés.8
Enfermo de la vista, dejó París y regresó a Vitoria. Desde allí se acercaría alguna vez a Salvatierra, donde era muy recordado y donde era agasajado por su antiguo discípulo y sucesor en su puesto de organista, Antonio Ruiz de Landazábal. Fallecería en Vitoria el 6 de diciembre de 1865 en el n.º 5 de los Arquillos.3 Sus restos descansan en el cementerio de Santa Isabel de la capital alavesa.
1873: Nace Johannes Vilhelm Jensen, escritor danés,
premio nobel de literatura en 1944 (f. 1950).
Johannes Vilhem Jensen (Farsø, Jutlandia; 20 de enero de 1873-Copenhague, 25 de noviembre de 1950) fue un escritor danés, reconocido como uno de los grandes escritores daneses de la primera mitad del siglo XX. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1944 «por la excepcional fuerza y fertilidad de su imaginación poética, a la que se une una curiosidad intelectual de amplio alcance y un estilo audaz y fresco».[1] Una de sus hermanas, Thit Jensen, también fue una reconocida escritora y una feminista temprana, muy activa y en ocasiones controvertida.[2][3]
Biografía
Nació en Farsø, un pueblo del norte de Jutlandia, Dinamarca, hijo de un veterinario[4] y se crio en un entorno rural. Mientras estudiaba medicina en la Universidad de Copenhague,[5] trabajó como escritor para financiar sus estudios. Tras tres años de estudios, decidió cambiar de carrera y dedicarse por completo a la literatura.[6]
Trayectoria
Jensen comenzó su carrera literaria escribiendo novelas pulp, pero a finales de con la publicación de Danskere (1896, Danishmen ), seguida poco después por Einar Elkjær (1898). Ambas novelas reflejan su desilusión con las grandes ciudades modernas.[7] A partir de ahí, Jensen escribió Himmerland Stories (1898-1910), una serie de relatos ambientados en su región natal de Dinamarca.[8] Su cuento de 1904 "Ane og Koen" ("Ana y la vaca") fue traducido al inglés por el autor y traductor encarcelado Victor Folke Nelson en 1928.[9]
Entre 1900 y 1901, Jensen escribió su primera novela significativa, Kongens Fald (traducida al inglés como La caída del rey en 1933), una novela histórica moderna centrada en el rey Cristián II. El crítico literario Martin Seymour-Smith la calificó como una «crisis de la indecisión y la falta de vitalidad danesas, que Jensen consideraba una enfermedad nacional. Dejando a un lado este aspecto, es un estudio profundo de la gente del siglo XVI».[10]
En 1906, Jensen publicó su primera colección de poesía, Digte 1906 (es decir, Poemas 1906), que daría origen a su reputación como uno de los primeros modernistas destacados en Dinamarca.[10]
Además de sus novelas, cuentos y poesía, Jensen también escribió algunas obras de teatro y numerosos ensayos, notables por sus grandes narrativas, futurismo, patriotismo e interés en la antropología y la filosofía de la evolución.[7][11] Jensen tardo 12 años en escribir su obra maestra, Den lange rejse (1908-1922), una epopeya Histórica que narra la historia de la humanidad desde la época glaciar hasta Cristóbal Colón. Está compuesta por seis volúmenes: Det tabte land (La tierra perdida), Broeen (El glaciar), Norne-Gæst, Cimbrernes Tog (La caravana cimbria), Skibet (La nave), La Catedral y Cristóbal Colón.[12] Publicada posteriormente en una edición de dos volúmenes en 1938, a veces llamada una "biblia evolutiva" de la humanidad.[11]
En el breve relato autobiográfico de su carrera que escribió al recibir el Premio Nobel, Jensen dijo que se sintió motivado a "introducir la filosofía de la evolución en el ámbito literario... Me vi impulsado a hacer esto debido a la mala interpretación y distorsión del darwinismo" por parte de los nazis.[4]
Al igual que su compatriota Hans Christian Andersen, viajó extensamente; un viaje a Estados Unidos le inspiró un poema, "Paa Memphis Station" [En la estación de tren de Memphis, Tennessee], muy conocido en Dinamarca.[13] Walt Whitman fue uno de los escritores que influyeron en Jensen.[14] Jensen posteriormente se convirtió al ateísmo.
Carrera tardía
Las obras literarias más populares de Jensen se completaron antes de 1920, año que también marca el inicio del «Museumcentre Aars» en la ciudad de Aars, en Himmerland . Posteriormente, se concentró principalmente en ambiciosos estudios biológicos y zoológicos con el objetivo de crear un sistema ético basado en las ideas darwinianas.[15]
Según sus propias palabras, Jensen escribía a menudo para periódicos, aunque nunca fue empleado de ninguno.[16]
Como ensayista, se pueden destacar sus obras Den gotiske Renaissance (1901) y Evolution of Moral (1925).
Jensen también publicó poesía. Su primer volumen de poemas, Digte, en el que recoge todos sus poemas juveniles, se publicó en (1906), al que se agregaron dos nuevos volúmenes en 1943.[17]
Jensen había sido nominado al Premio Nobel de Literatura 53 veces, la primera en 1925. Fue nominado todos los años entre 1931 y 1944.[18]
Falleció el 25 de noviembre de 1950.[2]
Algunas publicaciones
- Danskere, 1896
- Einar Elkjær, 1898
- Himmerlandsfolk, 1898
- Intermezzo, 1899
- Kongens Fald, 1900–1901 – La Caída del Rey
- Den gotiske renæssance, 1901
- Skovene, 1904
- Nye Himmerlandshistorier, 1904
- Madame d'Ora, 1904
- Hjulet, 1904
- Digte, 1906
- Eksotiske noveller, 1907–15
- Den nye verden, 1907
- Singaporenoveller, 1907
- Myter, 1907–45
- Nye myter, 1908
- Den lange rejse, 1908–22 – El largo viaje – I: Den tabte land, 1919; II: Bræen, 1908; Norne Gæst, 1919; IV: Cimbrernes tog, 1922; V: Skibet, 1912; VI: Christofer Columbus, 1922
- Lille Ahasverus, 1909
- Himmerlandshistorier, Tredje Samling, 1910
- Myter, 1910
- Bo'l, 1910
- Nordisk ånd, 1911
- Myter, 1912
- Rudyard Kipling, 1912
- Olivia Marianne, 1915
- Introduktion til vor tidsalder, 1915
- Skrifter, 1916 (8 vols.)
- Årbog, 1916, 1917
- Johannes Larsen og hans billeder, 1920
- Sangerinden, 1921
- Den lange rejse, 1922–24 – El largo viaje
- Æstetik og udviking, 1923
- Årstiderne, 1923
- Hamlet, 1924
- Myter, 1924
- Skrifter, 1925 (5 vols.)
- Evolution og moral, 1925
- Årets højtider, 1925
- Verdens lys, 1926
- Jørgine, 1926
- Thorvaldsens portrætbuster, 1926
- Dyrenes forvandling, 1927
- Åndens stadier, 1928
- Ved livets bred, 1928
- Retninger i tiden, 1930
- Den jyske blæst, 1931
- Form og sjæl, 1931
- På danske veje, 1931
- Pisangen, 1932
- Kornmarken, 1932
- Sælernes ø, 1934
- Det blivende, 1934
- Dr. Renaults fristelser, 1935
- Gudrun, 1936
- Darduse, 1937
- Påskebadet, 1937
- Jydske folkelivsmalere, 1937
- Thorvaldsen, 1938
- Nordvejen, 1939
- Fra fristaterne, 1939
- Gutenberg, 1939
- Mariehønen, 1941
- Vor oprindelse, 1941
- Mindets tavle, 1941
- Om sproget og undervisningen, 1942
- Kvinden i sagatiden, 1942
- Folkeslagene i østen, 1943
- Digte 1901–43, 1943
- Møllen, 1943
- Afrika, 1949
- Garden Colonies in Denmark, 1949
- Swift og Oehlenschläger, 1950
- Mytens ring, 1951
- Tilblivelsen, 1951
- The Waving Rye, 1959 (trad. R. Bathgate)
1878:
Nace Finlay
Currie, actor británico (f. 1968).
Finlay Currie (Edimburgo, 20 de enero de 1878-Buckinghamshire, 9 de mayo de 1968) fue un actor británico que murió a los 90 años de edad.
Biografía[editar]
Finlay Currie nació el 20 de enero de 1878 en Edimburgo, Escocia.
En 1932 se produjo su debut en el cine británico con The Old Men y que marcaría durante muchos años su trayectoria en películas policiacas. Entre estas se podría destacar Catch as Catch, donde coincidiría con James Mason y Margaret Rutherford. Por aquellos años, realizó algunas incursiones en el género bélico como The Day Will Dawn (1942), en claro apoyo a la lucha del Reino Unido contra Alemania.
En 1946 David Lean le escogió para el papel de Abel Magwitch, debido a su físico fuerte y rudo en Great Expectations, adaptación de Charles Dickens. En ella Currie caracterizaba a un ladrón fugado que recibía alimento de un niño pequeño que no pudo evitar su encarcelamiento. Pero al que recompensó durante años sufragándole la educación de un caballero, quien de nuevo le ayudaría —sin éxito— a evadirse de la Justicia. Gracias a este filme, recompensado con varias candidaturas a los Óscar, el actor pudo pasar del cine nacional a la industria norteamericana.
Instalado en ella, en 1950, Byron Haskin le encomendó el papel del capitán Billy Bones en La isla del tesoro. Su interpretación de un viejo pirata alcoholizado que guarda escondido el mapa del tesoro de Flynt y finalmente fallece a consecuencia de un shock ante la posibilidad de enfrentarse a su enemigo John Silver, el Largo (Robert Newton), supuso un paso más en su carrera hacia la fama. Esta finalmente llegaría con Quo Vadis?, donde dio vida a un san Pedro que infundiría ánimos a sus amigos cristianos en la arena del Coliseo para evitar que Jesús resucitase para «volver a ser crucificado». Y que finalmente hallaría la muerte en la cruz. El talante del personaje hizo asociar el rostro de Currie al de un anciano de carácter humanista, afable y valiente a la vez.
El éxito de la película le hizo fichar para la Metro Goldwyn Mayer, bajo la cual rodó varios títulos donde interpretaba a personajes de características semejantes. Entre ellos figura Ivanhoe, donde encarnó a Cedric, un hombre que, luchando a favor del regreso del rey Ricardo Corazón de León, termina reconciliándose con su hijo, interpretado por Robert Taylor, el mismo actor al que había «casado» con Deborah Kerr en Quo Vadis? Y que en esta ocasión brindaba todo su apoyo a su primogénito cuando se enfrentaba al noble sir Brian de Bois-Gilbert (George Sanders) por el amor de una judía llamada Rebecca (Elizabeth Taylor).
A este título le siguieron Rob Roy y La vuelta al mundo en ochenta días, donde interpretó a un jugador de cartas que apuesta una considerable suma de dinero con Phileas Fogg (David Niven) si es capaz de recorrer el planeta en dos meses y medio. Para el personaje de Currie, su «dinero está tan seguro como si estuviese guardado en el Banco de Inglaterra... recientemente robado».
En 1956 estrenó en Broadway Too Late the Phalarope.
En 1957, tras una pequeña intervención en La cabaña, Finlay Currie inició su colaboración con Otto Preminger en Saint Joan. Acto seguido, se puso las ropas del rey Baltasar en Ben-Hur, una de las películas más oscarizadas de la historia. Al final del rodaje, el actor enviudó de Maude Eburtney.
Al año siguiente, ejecutó pequeños papeles en Secuestrado, de nuevo según una novela de Robert Louis Stevenson, y en Las aventuras de Huckleberry Finn donde interpretó al capitán de un barco en el que viajaba el héroe ideado por Mark Twain.
A lo largo de los años sesenta, figuraría en los repartos de películas como Después del funeral —donde era asesinado en la primera escena—, La caída del imperio romano —en la que encarnó a un senador que abogaba por la paz romana—, o El rapto de Bucky Lane, su segundo trabajo bajo las órdenes de Preminger.
Finlay Currie finalizó su dilatada carrera con algunos papeles en telefilmes como Brigadoon y Los miserables. El 9 de mayo de 1968, a los 90 años, lo sorprendió la muerte en Buckinghamshire.
1913:
Nace Chucho
Navarro, músico mexicano (f. 1993).
José de Jesús Navarro Moreno, conocido artísticamente como Chucho Navarro (Irapuato, Guanajuato, 20 de enero de 1913 - Ciudad de México, 24 de diciembre de 1993) fue un cantante y compositor de boleros mexicano e integrante original, junto con Alfredo Gil y Hernando Avilés, del Trío Los Panchos durante casi 50 años.
Los comienzos
Sus padres fueron Juan José Navarro, Director y ejecutante del flautín de la Banda Militar de la ciudad y de Silvestra Moreno. Quedó huérfano de padre a los tres años en el año 1916. Posteriormente, se trasladó a Aguascalientes, donde transcurrió su infancia y adolescencia.
Desde los cuatro años cantaba en la fonda de su madre con su hermana Antonia, diez años mayor a la cual acompañaba cantando contraltas, pues su tesitura de niño era muy aguda y era la atracción de la fonda (por ser tan pequeño su hermana lo traía de la oreja para que cumpliera) también le enseñó a tocar la guitarra y juntos cantaban muchas canciones del siglo antepasado.
Su madre falleció en 1930 cuando tenía 17 años y el partió a Ciudad de México a ver a su abuelo, el General Juan José Navarro Ibarguengoitya y ayudado por su guitarra siguió sus estudios hasta llegar a la Facultad de Medicina. En ese entonces conoce al guitarrista Alfredo Bojalil Gil (conocido después como Alfredo Gil) en la emisora XEW donde colaboraban, ya sea cantando o tocando la guitarra, con la orquesta o con algún intérprete que necesitara su auxilio, entre ellos por ejemplo el puertorriqueño Rafael Hernández, Toña la Negra, Pedro Vargas y Agustín Lara.
Los Panchos
A mediados del año 1937 Chucho interrumpe su tesis de la Facultad de Medicina y empieza una agrupación de voces y guitarras que ejecutaba música folclórica Mexicana con Alfredo Gil y el hermano mayor de éste, Felipe Bojalil Gil, el cual se llamó “El Charro Gil Y Sus Caporales”. En el año 1938 parten a la ciudad de Nueva York donde permanecen 10 años. Transcurridos seis años, Felipe Gil, conocido como el “Charro Gil” conoció a la cantante Eva Garza con quien contrajo matrimonio y se separa a principios del año de 1944 de la agrupación.
Alfredo Gil y Chucho Navarro, decididos a seguir juntos como artistas, emprendieron la búsqueda de una primera voz para su nueva agrupación. El elegido fue el cantante y guitarrista puertorriqueño Hernando Avilés, quien originalmente cantaba Tangos con Orquesta, en Manhattan. Así, el 14 de mayo de 1944, Chucho Navarro, Alfredo Gil y Hernando Avilés, inician su propio grupo denominado "Los Panchos" y debutaron en el “Teatro Hispano de Nueva York”, el “Hotel Pierre”, y el “Carnegie Hall”.
La idea del nombre “Los Panchos” surgió a raíz del reconocimiento del nombre “Pancho" como símbolo de identidad mexicano por la popularidad del guerrillero Pancho Villa.
Cuando los artistas regresaron de Nueva York a México en 1948, ya eran reconocidos en los lugares más recónditos de la República y al pisar México ya era una institución reconocida por su concepto “creado” para cantar boleros en tres voces, además introdujeron el instrumento llamado requinto que fuera inventado y patentado por Alfredo Gil.
Las primeras presentaciones del Trío, las hicieron en “El Patio”, convirtiéndolo en el más apreciado centro nocturno de ese tiempo. Luego establecieron una tradición en el "Blanquita", el “Teatro Folis”, el “Teatro de la Ciudad” e infinidad de Centros nocturnos.
También fue de los primeros músicos populares que festejó sus “Bodas de plata” (25 años) en el “Teatro de Bellas Artes”. No pudo celebrar sus “Bodas de Oro”, ya que falleció el 24 de diciembre de 1993 a la edad de 80 años, en la Ciudad de México, siendo el único miembro fundador del trío que permaneció activo en la agrupación hasta su fallecimiento
Las agrupaciones contemporáneas que siguen conservando el romanticismo de la época son muchas de las cuales destaca el grupo "Músico Vocal" *Signori* Los Señores Del Canto que con su inigualable estilo conservan el romanticismo que solo "Los Panchos" lograron dejar plasmados en la época dorada de la música mexicana.
Como compositor
A su nombre, fueron registradas casi un millar de canciones agrupadas por géneros de la siguiente manera:
Canciones Vernáculas: “Canción del camino”, “Por ellas”, “Soy ranchero”, “El aguamielero”, “El Guayabo”, “Borracho enamorado”, “Ya con el tiempo”, “Aquí vengo”.
Canciones Festivas: “El burro socarrón”, “Peláos estos”, “Gendarme 777”, “Cosas que pasan”, “El tigre rasurado”, “El zapato”, “El Loro Profesor“.
Canciones religiosas: “Vive Dios”, “Cristo de Río”, “Yo pecador”, “Dios te bendiga”, “Navidad y Año Nuevo”, ”Hable con Dios”.
Canciones escritas para su primera voz Hernando Avilés: “Lejos de Borinquen"
Las canciones más legendarias de este fructífero compositor se escuchan en un género totalmente diferente pero de clase mundial que así como el trio se generó solamente en México , canciones como Rayito De Luna se escucha con acordeón , guitarra y guitarrón con El Grupo Signori en cada rincón donde hasta la fecha se presentan.
Canciones Clásicas de la Primera y Segunda Época de Oro
“Rayito de Luna”, “Una Copa más”,”Sin un Amor”, “Sin remedio”, “Maldito corazón”, “Te espero”, Hasta mañana”, “Una voz”, “Volverás”, “Perdida”, “Alma de negro” ,“Amor de maldición”, “Cosas que pasan”, “Flor del arroyo”, “Dulce, dulce, dulce”, “Regresa mi canción”, “Eternamente” , “Princesa de la noche”, “Miedo”,”Flor del Arroyo”, “Flor de Roca”, “Lo dudo”, “Olvida lo pasado”, “No me dejes”, “Fácil”, “Escándalo”, “Dos palabras más”, “No me vuelvas a ver”, etc. Segunda (con Jhonny Albino) “Jamás, jamás, jamás”, “La corriente”, “Cruel filosofía”, “Al canto de la paloma”, “Llora por mí”, “Me quedé dormido”, “Se vive una vez”, “La geisha”, “Se llama fujiyama”, “Rumba japonesa”, “Nuestros hijos”, “Pérdida”, “El árbol viejo”, etc.
El éxito en los escenarios más importantes del Mundo
“Teatro de Bellas Artes”,”Teatro Margo”, “Teatro Blanquita”, “Teatro de la Ciudad”,”Teatro Follis”, El Patio”,”El Cápri” ”Esperanza Iris”,”Carpa Rio”,”Carpa México” y el Auditorio Nacional, en México; “Hotel Pierre”,”Teatro Carnegie hall”, Nueva york; “Date Country Auditórium”, Miami; “Caribe Hilton”,“Teatro de Bellas Artes”, Puerto Rico; “Hotel-Casino de Atlantic City”, “Teatro Teresa Carreño” de Venezuela; “Hotel Tequendama”, Bogotá,”Fortaleza” Cartagena de Indias Col.; “Viña del Mar”, Chile; “Teatro Austral”, “Teatro de la Plata” y “Teatro Opera”, en Buenos Aires, Argentina etc. en Europa: en la península ibérica,”Bar Chicote”,”Cleofás”en Madrid “Auditorios”, en el País Vasco, San Sebastián,”En Palacio” en Asturias, Barcelona, las siete Islas Canarias, etc. a Japón viajaron en varias ocasiones, llegaron por primera vez empezando los “50”con Raúl Shaw Moreno, 1ª voz y después grabaron siete Long Plays, con Johnny Albino en aquel país tan distante, fue tan grande el éxito que surgieron varios tríos imitadores denominados Los Panchos de Tokio, Los Panchos de Osaka, Los Panchos de Nagoya, de Fuji, etc;
Discografía
Los Panchos grabaron en su idioma original español, pero también incursionaron grabando temas en idiomas japonés, griego, inglés, ruso y árabe. Luego de producirse el retiro, por cansancio, de Alfredo Gil, Chucho Navarro grabaría dos álbumes más con el trío: "Los Panchos Hoy” y "Los Panchos A su Manera” donde fueron incluidos en castellano temas Italianos y franceses para el “Mundial de fútbol, Barcelona 92 “ y como ayuda para la práctica del idioma.
Los Panchos fueron galardonados en países tan distantes como Egipto, Grecia, Japón, China, Tailandia y la ex unión Soviética precisamente en tiempo en que no era tan fácil llegar a sitios como aquellos. La discografía de “Los Panchos” comprende más de 300 elepés, con alrededor de 3500 canciones. Esta discografía no ha sido compilada hasta ahora.
Frases de Chucho Navarro
“Una misión cumplida”: “Yo he visto mil cosas en la vida surgir, siglo, renacimiento, conquista del espacio, mil teorías que encaminan al hombre hacia un mejor vivir, pero de todo lo poco que yo he sido, doy gracias a la vida, misión cumplida, misión cumplida”. México, 1976.
1920:
Nace Federico
Fellini, cineasta italiano (f. 1993).
Federico Fellini (Rímini, Emilia-Romaña, 20 de enero de 1920-Roma, 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano; considerado el cineasta de la posguerra más importante de su país a nivel mundial.[1][2]Ganador de cuatro premios Óscar a la mejor película extranjera, en 1993 fue galardonado con un Óscar honorífico por su carrera.[2]
A lo largo de su trayectoria dio vida a personajes y escenas que se han incorporado al imaginario colectivo cinematográfico. De sí mismo decía que era «un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo».[3]
Más allá de los aportes estéticos de su obra en general, y esos personajes y ambientes extraños a los que se han etiquetados como «fellinescos», una de sus películas, La dolce vita, tiene un impacto palpable y duradero en la cultura internacional al dar nombre a la figura de los paparazzi, esto basado en el nombre de uno de sus protagonistas, Paparazzo.[2]
Biografía
Infancia y juventud
Nació en una familia de clase media: su padre, Urbano Fellini, era un representante de licor, dulces y comestibles, nacido en Gambettola, un pueblo al oeste de Rímini; su madre, Ida Barbiani, de origen romano, era ama de casa.[4] El matrimonio Fellini tuvo dos hijos más: Riccardo, nacido en 1921, y Maddalena nacida en 1929.[2]
A los 8 años huyó de su casa por un breve periodo y se unió a un circo, esto de acuerdo a lo que declaró en diversas entrevistas.[1] Estudió en el Liceo Classico «Giulio Cesare»,[5] donde descubrió su talento para el dibujo; sentía admiración por el dibujante estadounidense Winsor McCay, creador del personaje de cómic Little Nemo.[6][7] Su talento como caricaturista le consiguió un empleo en el Cine Fulgor, cuyo promotor le encarga los retratos de los actores para anunciar las películas.[4] En 1938 comenzó a publicar viñetas en el periódico y en la revista humorística "420" de Florencia.[1][4]
En su infancia, el joven Fellini mostró un vivo interés por las películas de Chaplin y los cómics humorísticos estadounidenses, llegando a afirmar en 1966:
Es evidente que la lectura intensa de esas historias, en una edad en que las reacciones emotivas son tan inmediatas y frecuentes, condicionó mi gusto por la aventura, lo fantástico, lo grotesco y lo cómico. En este sentido es posible encontrar una relación profunda entre mis obras y los cómics norteamericanos. De sus estilizaciones caricaturescas, de sus paisajes, de los personajes siluetados contra el horizonte, me han quedado imágenes felizmente "chocantes", imágenes que de vez en cuando vuelven a aflorar y cuyo recuerdo inconsciente ha condicionado el elemento figurativo y las tramas de mis películas.[8]
Inicios profesionales
Antes de terminar la escuela secundaria clásica, alrededor del año 1938, Fellini consigue colaborar con periódicos y revistas como dibujante. Tal es el caso de la publicación de sus viñetas en el diario La Domenica del Corriere y, sobre todo, en el periódico florentio Il 420, importante publicación editada por Nerbini, quien además le contratará como corrector de las pruebas de imprenta, pasando así una estancia de unos 8 meses en Florencia. También ejercerá de guionista de la serie Flash Gordon, con dibujos de George Toppi, cuando el gobierno fascista prohíbe la importación de cómics estadounidenses y los autores italianos han de continuarlas para no defraudar a sus lectores.[8][4]
A principio de 1939, se traslada a Roma con el pretexto de cursar la carrera de Derecho, pero con la intención de convertirse en periodista. De hecho, durante tres semanas trabaja como reportero en el periódico Il Popolo.[1]. Fue en este período que se hizo amigo de otro actor debutante, Alberto Sordi. Su amistad durará toda la vida y está bien contada en la película Permette? Alberto Sordi. En 1940 ingresa al equipo editorial de la principal revista satírica italiana, Marc'Aurelio, dirigida por Vito de Bellis.[1][4] Tras el éxito en Marc'Aurelio, Fellini recibe muchas ofertas de trabajo y sustanciosas cantidades de dinero.
Durante estos primeros años escribió secuencias cómicas para actores conocidos como Aldo Fabrizi y Erminio Macario en Imputato, alzatevi! y Lo vedi come sei... lo vedi come sei? en 1939. Fellini también produjo varios dibujos (principalmente en lápiz sobre papel), a menudo retratos cómicos y caricatura política siendo así como el joven Fellini conoció el cine: su primer éxito fue como dibujante publicitario para películas. Avanguardista durante el fascismo, sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematográfica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini.[4]
Fellini y la radio
En 1941 empieza a colaborar con el Ente Italiano Audizioni Radiofoniche (EIAR), viviendo una breve pero feliz fase como escritor en la radio. La etapa de Fellini en la radio marca el debut del maestro en el mundo del espectáculo y el inicio de la relación afectiva y artística con Giulietta Masina. En los últimos años firmó unos noventa guiones de Fellini, incluyendo las presentaciones de los programas de música, revistas, radio, a la famosa serie Cico y Pallina. La serie se emitió entre 1942 y 1943, contaba la historia de una joven pareja.
En julio de 1943, Giulietta presentó a Federico a sus padres, y la pareja contrajo matrimonio en octubre de ese mismo año. El 22 de marzo de 1945, Giulietta y Federico tuvieron un hijo, Pier Federico, que falleció tan sólo doce días después de su nacimiento.
La fase neorrealista
A principios de los años cuarenta, Fellini conoce a Tullio Pinelli, un dramaturgo, y fundan una asociación profesional. Fellini y Pinelli son los encargados de redactar el texto que dará a conocer a Aldo Fabrizi. En 1944, tras la caída del fascismo en una Roma apenas liberada de las tropas aliadas, abrió una tienda de retratos y caricaturas, The Funny Face Shop. En 1945 se produce el primer encuentro de Fellini con Roberto Rossellini y comenzó su contribución a la película más representativa del cine italiano de posguerra: Roma città aperta (Roma ciudad abierta). Fellini también escribió guiones para otros directores reconocidos como Alberto Lattuada —Sin piedad (Senza pietà, 1948) y El molino del Po (Il mulino del Po, 1949)—, Pietro Germi —En nombre de la ley (In nome della legge, 1949) y La ciudad se defiende (La città si difende, 1951)— y Luigi Comencini.
Después de colaborar en los guiones de otros filmes de Rossellini: Paisà (Camarada, 1946) y El amor (L'amore, 1948); y debutar en la dirección junto a Alberto Lattuada con Luces de variedades (Luci del varietà, 1950), realiza en 1951 su primera película en solitario El jeque blanco (Lo sceicco bianco, 1951), protagonizada por el cómico Alberto Sordi y escrita por Michelangelo Antonioni y Ennio Flaiano. Durante el rodaje de esta comedia, entre satírica y burlesca, con ecos del omnipresente neorrealismo de la época, Fellini conoció a Nino Rota, el músico que lo seguiría por el resto de su carrera.[9]
La resonancia internacional
La actriz Giulietta Masina, con quien se había casado Fellini en 1943, se convirtió en su musa absoluta y en el personaje físico y sobre todo emocional que fascinó al público de medio mundo en títulos dorados del cine italiano como La strada (1954), Almas sin conciencia (Il bidone, 1955), Las noches de Cabiria (Le notti di Cabiria, 1957), Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti, 1965) y Ginger y Fred (Ginger e Fred, 1986). Otro actor que aparece constantemente en sus filmes es Marcello Mastroianni, quien estudiaba interpretación en la misma escuela que Massina, y que fue gran amigo del director. De hecho, Mastroianni aparece en algunas de sus películas más importantes, siempre interpretando el papel principal (entre ellas La dolce vita y Ocho y medio). Fellini trabajó también con actores como Anita Ekberg, a quien lanzó a la fama, Sandra Milo, los ya citados Sordi y Fabrizi, Anouk Aimée, Claudia Cardinale, Richard Basehart, Sylva Koscina, Freddie Jones o Roberto Benigni.
Los guionistas con los que siempre trabajó (Bernardo Zapponni por ejemplo), lograron encontrar el modo de aunar diálogos y estructuras a la plasticidad, expresividad y enorme personalidad cinematográfica de Fellini (presente en la narrativa, encuadres, temáticas sobre lo onírico, el patetismo, la crueldad, la felicidad, la desolación, lo diferente, lo extravagante, la provocación, el humor, la farándula, lo mediterráneo...), y todo ello llega a desbordar rabiosamente la gran mayoría de sus películas.
La madurez
Su época de madurez está marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado coincidiendo con dos acontecimientos clave: al final de la supremacía de los grandes estudios estadounidenses y europeos, y el relevo generacional tan rupturista como radical que se produce en los primeros años 1970 en medio mundo, a lo que se une el auge de la televisión como motor del ocio diario de la gran mayoría del público, acompañada de la fabricación de un nuevo invento que cambia el concepto de la industria del cine predominante hasta entonces: el video doméstico.
También ahora, la superación del cine de estructura clásica perjudica la carrera del cineasta ya que, paradójicamente, es ahora cuando el maestro italiano se vuelve —al menos aparentemente— más convencional en sus propuestas y su cine "pasa de moda" en aras de las nuevas corrientes del cine del Viejo Continente: el thriller de Jean Pierre Melville, el clasicismo filosófico de François Truffaut, el compromiso político de Pier Paolo Pasolini, las innovaciones estéticas y formales de Bernardo Bertolucci, el lirismo poético y metafísico de Andréi Tarkovski, el auge de los nuevos y jóvenes creadores (Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders, Carlos Saura, Ken Russell, Vilgot Sjöman, Hristo Popov). Sin embargo es en este momento cuando Fellini se vuelca en hacer obras más pequeñas y personales, con menor presupuesto pero de encomiable envergadura artística, ya que esta crisis profesional no resta valía a los proyectos que va rodando y estrenando: Los clowns, (1970); Roma, (1972); Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta, 1979) o Y la nave va, 1983).
Obra inconclusa
Il viaggio di G. Mastorna (El viaje de G. Mastorna) es el título de un guion escrito entre 1965 y 1966 por Fellini para el productor Dino De Laurentiis. Originalmente, el proyecto sería una adaptación de la novela What Mad Universe del estadounidense Frederic Brown. La decisión de adaptar este libro de ciencia ficción surgió a partir de la escena retratada en la portada de la edición de 1949, donde una mujer con un rostro similar al de Betty Page y un cuerpo que recordaba al de Anita Ekberg salía de la ducha mientras era observada por un extraterrestre agazapado al lado de un cohete de evidente forma fálica. Sin embargo, el realizador italiano cambiaría de idea y empezaría a desarrollar un trabajo original basado en una idea de Dino Buzzati.
El guion, dotado de una narrativa onírica, cuenta la historia de Giuseppe Mastorna, un famoso violonchelista que se encuentra en una dimensión extra-terrena a la que llega luego de un accidente de avión. Escrito en colaboración con Brunello Rondi, Il viaggio de G. Mastorna nunca se produjo, aunque siempre estuvo en los planes de Fellini hasta el momento de su muerte.[10][11]El guion en italiano fue publicado desde 1995, mientras que una traducción comentada en inglés salió a la luz en 2013 bajo el título The Journey of G. Mastorna. The Film Fellini Didn't Make (El viaje de G. Mastorna. La película que Fellini nunca hizo).[10]
Muerte
Murió el 31 de octubre de 1993 a los 73 años a causa de infarto agudo de miocardio después de varias semanas hospitalizado por un ictus. Esta enterrado en el Cementerio, Rivabella, Italia
Filmografía
Hay tres momentos en la filmografía de este director: Sus inicios, en constante coqueteo con la corriente neorrealista predominante en el cine italiano de los años 1940 y 1950, y en aras de encontrar un estilo propio que le definiera como creador (de El jeque blanco a Almas sin conciencia pasando por la estupenda Los inútiles (I vitelloni, 1953)); la fama internacional y conquista de las taquillas de todo el mundo, premios Óscar incluidos (La strada, Las noches de Cabiria, La dolce vita, Julieta de los espíritus, El Satiricón, Casanova y Amarcord); y la época de madurez, marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado.
1920:
Nace DeForest Kelley, actor
estadounidense (f. 1999).
Jackson DeForest Kelley (Toccoa, Georgia, 20 de enero de 1920-Los Ángeles, 11 de junio de 1999), conocido entre sus colegas como «Dee»,[1] fue un actor, guionista, poeta y cantante estadounidense. Fue conocido por sus papeles en películas del Oeste y alcanzó fama internacional por interpretar al Dr. Leonard McCoy (Bones), del USS Enterprise en la serie de televisión y cine Star Trek (1966-1991).
Biografía
Kelley nació en Atlanta, Georgia. Su madre era Clora (de soltera Casey) y su padre Ernest David Kelley, ministro baptista de ascendencia irlandesa,[2][3][4][5] Kelley recibió su nombre del ingeniero pionero en electrónica Lee de Forest. Más tarde llamó «David» al padre de su personaje de Star Trek en honor a su propio padre. Kelley tenía un hermano mayor, Ernest Casey Kelley.[6] Antes de terminar su primer año en Conyers, Kelley ponía en práctica con regularidad su talento musical, y a menudo cantaba como solista en los servicios religiosos matutinos.[7] Kelley quería ser médico como su tío, pero su familia no podía permitirse enviarle a la facultad de medicina. Comenzó a cantar en programas de radio locales,[2] incluida una aparición en WSB AM en Atlanta. Gracias a su trabajo en la radio, Kelley consiguió un contrato con Lou Forbes y su orquesta en el Paramount Theater.[8]
En 1934, la familia se marchó de Conyers a Decatur, Georgia. Asistió a la Decatur Boys High School, donde jugó en el equipo de béisbol Decatur Bantams. Kelley también jugó al fútbol y a otros deportes. Antes de graduarse en 1938, Kelley consiguió trabajo en una tienda de recambios para coches. Pasaba los fines de semana trabajando en los teatros locales.[8]
Debutó en el cine en Luna nueva (1940) y estuvo a punto de conseguir el papel protagonista en Pistola de alquiler (1942), pero en su lugar fue elegido Alan Ladd.[4]
Durante la Segunda Guerra Mundial, Kelley sirvió como soldado raso en las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos desde el 10 de marzo de 1943 hasta el 28 de enero de 1946, asignado a la Primera Unidad Cinematográfica con el rango de soldado de primera clase. Tras una larga estancia en Long Beach, California, Kelley decidió seguir una carrera como actor y trasladarse al sur de California de forma permanente, viviendo durante un tiempo con su tío Casey. Trabajó como acomodador en un teatro local para ganar suficiente dinero para la mudanza. La madre de Kelley animó a su hijo en su nuevo objetivo profesional, pero a su padre no le gustaba la idea. Durante su estancia en California, Kelley fue descubierto por un cazatalentos de Paramount Pictures mientras rodaba una película de entrenamiento para la Marina de los Estados Unidos.[9]
En 1945, Kelley se casó con Carolyn Charlotte Meagher Dowling. No tuvieron hijos.[10]
Trayectoria
Primeros papeles
La carrera de Kelley como actor comenzó con la película Fear in the Night (1947).[11]
La película, de cine negro de bajo presupuesto, fue un éxito, le dio a conocer al público nacional y le hizo creer que pronto se convertiría en una estrella. Su siguiente papel, en Variety Girl, le consagró como actor principal y dio lugar a la fundación de su primer club de fans. Sin embargo, Kelley no se convirtió en un actor principal y su esposa Carolyn y él decidieron trasladarse a Nueva York. Encontró trabajo en el teatro y en la televisión en directo, pero después de tres años en Nueva York, los Kelley regresaron a Hollywood.[12]
En California, obtuvo un papel en una entrega del programa You Are There, presentado por Walter Cronkite.[13] Interpretó al propietario del rancho Bob Kitteridge en el episodio de 1949 «Legion of Old Timers» de la serie de televisión El llanero solitario. Esto le llevó a aparecer en Gunfight at the O.K. Corral en el papel de Morgan Earp (hermano de Wyatt Earp, interpretado por Burt Lancaster),[14] papel que le valió tres ofertas cinematográficas, entre ellas Warlock (el hombre de las pistolas de oro), con Henry Fonda y Anthony Quinn.[15]
Kelley apareció en tres episodios de la serie de televisión Science Fiction Theatre. En 1957, tuvo un pequeño papel como oficial sureño en Raintree County, una película sobre la Guerra Civil dirigida por Edward Dmytryk, junto a Elizabeth Taylor, Montgomery Clift y Lee Marvin.[16][17] También apareció en papeles principales como capitán de un submarino de la Marina estadounidense en la serie de televisión ambientada en la Segunda Guerra Mundial, The Silent Service. Apareció en el episodio cinco de la primera temporada, «The Spearfish Delivers», como el comandante Dempsey, y en el primer episodio de la segunda temporada, «The Archerfish Spits Straight», como el capitán de corbeta Enright. Su futuro compañero de reparto en Star Trek, Leonard Nimoy, también apareció en dos episodios diferentes de la serie por la misma época.[18]
Kelley apareció tres veces en diversas representaciones del tiroteo en el O.K. Corral; la primera fue en 1955, como Ike Clanton en la serie de televisión You Are There. Dos años más tarde, en la película de 1957 del mismo nombre, interpretó a Morgan Earp.[4] Su tercera aparición fue en un episodio de la tercera temporada de Star Trek (emitido originalmente el 25 de octubre de 1968), titulado «Spectre of the Gun», esta vez interpretando a Tom McLaury.[19]
Kelley también apareció en episodios de The Donna Reed Show, Perry Mason, Tales of Wells Fargo, Wanted: Dead or Alive, Boots and Saddles, Dick Powell's Zane Grey Theatre, Death Valley Days, Riverboat, The Fugitive, Lawman, Bat Masterson, Gunsmoke, Have Gun - Will Travel, The Millionaire, Rawhide y Laredo.[20] Apareció en el episodio de 1962 de Route 66, «1800 Days to Justice» y «The Clover Throne» como Willis. Tuvo un pequeño papel en la película The View from Pompey's Head.[20]
Durante nueve años, Kelley interpretó principalmente a villanos[21] y acumuló una extensa lista de créditos, alternando entre la televisión y el cine. Sin embargo, temía encasillarse,[22] por lo que se alejó de los villanos al protagonizar Where Love Has Gone[23] y un piloto de televisión llamado 333 Montgomery.[24] El piloto fue escrito por un ex policía llamado Gene Roddenberry, y unos años más tarde, Kelley apareció en otro piloto de Roddenberry, Police Story (1967), que tampoco se convirtió en serie.[25]
Star Trek
En 1956, nueve años antes de ser elegido para el papel del Dr. McCoy, Kelley interpretó un pequeño papel secundario como médico en The Man in the Gray Flannel Suit (El hombre del traje de franela gris), en el que pronuncia los diagnósticos «Este hombre está muerto, capitán» y «Ese hombre está muerto» a Gregory Peck.[26] Kelley apareció como el capitán de corbeta James Dempsey en dos episodios del drama militar sindicado The Silent Service (El servicio silencioso), basado en historias reales del servicio de submarinos de la Marina de los Estados Unidos. En 1962, apareció en el episodio de Bonanza titulado «The Decision», como un médico condenado a la horca por el asesinato de un periodista.[27] El juez de este episodio fue interpretado por John Hoyt, que más tarde interpretó al Dr. Phillip John Boyce, uno de los predecesores de Leonard McCoy, en el piloto de Star Trek «The Cage». En 1963, apareció en el episodio de The Virginian «Man of Violence» como un médico de caballería «bebedor» con Leonard Nimoy como su paciente (el personaje de Nimoy no sobrevivió).[28] Tal vez no por coincidencia, el episodio fue escrito por John D. F. Black, que pasó a convertirse en escritor-productor de Star Trek.
Tras rechazar la oferta de Roddenberry en 1964 para interpretar a Spock,[29] Kelley interpretó al Dr. Leonard «Bones» McCoy de 1966 a 1969 en Star Trek. Reinterpretó al personaje en la serie animada Star Trek (1973-74) y en las seis primeras películas de Star Trek (1979-1991). En 1987, también hizo un cameo en «Encounter at Farpoint», el primer episodio de Star Trek: The Next Generation, en el papel del almirante Leonard McCoy, cirujano general emérito de la Flota Estelar.[30] Varios aspectos del pasado de Kelley pasaron a formar parte de la caracterización de McCoy, como su pronunciación de «nuclear» como «nucular.[31]
Kelley se convirtió en un buen amigo de sus compañeros de reparto en Star Trek William Shatner y Leonard Nimoy, desde su primer encuentro en 1964. Durante la primera temporada de Trek, el nombre de Kelley aparecía en los créditos finales junto al resto del reparto. Sólo Shatner y Nimoy aparecían en los créditos iniciales. A medida que el papel de Kelley crecía en importancia durante la primera temporada, recibió un aumento de sueldo de alrededor de 2.500 dólares por episodio y recibió la tercera facturación a partir de la segunda temporada después de Nimoy.[32] A pesar de que el programa reconocía a Kelley como una de sus estrellas, éste se sentía frustrado por la mayor atención que recibía Shatner como actor principal y que recibía Nimoy debido a la «Spockamanía» entre los fans.[33]
Kelley fue el único miembro del reparto de la serie original de Star Trek que nunca escribió ni publicó una autobiografía; la biografía autorizada From Sawdust to Stardust (2005) fue escrita a título póstumo por Terry Lee Rioux, de la Universidad Lamar de Beaumont, Texas.[34] Kelley consideraba que «The Empath» era su episodio televisivo favorito de Star Trek.[35]
Después de Star Trek
Tras la cancelación de Star Trek en 1969, Kelley fue víctima del mismo encasillamiento que tanto temía. En 1972, participó en la película de terror Night of the Lepus. Después de eso, Kelley hizo apariciones ocasionales en televisión y en el cine, pero esencialmente se retiró de facto, aparte de interpretar a McCoy en la serie de películas de Star Trek.[36] En 1978, ganaba mucho solo por apariciones en convenciones de Star Trek. Al igual que otros actores de Star Trek, Kelley recibió muy poco de los enormes beneficios que la franquicia generó para Paramount, hasta que Nimoy, como productor ejecutivo, ayudó a Kelley a cobrar un millón de dólares por Star Trek VI: The Undiscovered Country (1991), que fue su última aparición en una película de acción real. En 1987, apareció en el primer episodio de Star Trek: The Next Generation, «Encounter at Farpoint», en el que interpretó a un Dr. McCoy de 137 años.[30] En su última película, Kelley puso voz al Vikingo 1 en The Brave Little Toaster Goes to Mars.[37]
En una entrevista concedida a TLC a finales de la década de 1990, Kelley bromeaba diciendo que uno de sus mayores temores era que las palabras grabadas en su lápida fueran «Está muerto, Jim». La necrológica de Kelley en Newsweek empezaba así: "Ni siquiera vamos a intentar resistirnos: Ha muerto, Jim".[38]
Premios y reconocimientos
Kelley recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.[39][40] En 1999, poco antes de morir, fue galardonado con el premio Bota de Oro por su contribución al género de la televisión y el cine del Oeste.[41]
Muerte
Kelley fue diagnosticado de cáncer de estómago en 1997,[42] del que falleció el 11 de junio de 1999, a los 79 años, en el Motion Picture and Television Country House and Hospital de Woodland Hills, Los Ángeles.[43] Sus restos fueron incinerados y las cenizas esparcidas por el océano Pacífico.[44]
1925: Nace Ernesto Cardenal,
teólogo y político nicaragüense (f. 2020).
1928: Nace Ómar Rayo,
pintor colombiano (f. 2010).
1929: Nace Jean-Jacques Perrey, músico y productor francés
(f. 2016).
1930: Nace Buzz
Aldrin, astronauta estadounidense.
1930: Nace Chela
del Río, actriz colombiana (f. 2010).
1934: Nace Tom Baker,
actor británico.
1944: Nace José Luis Garci,
director de cine español.
1946: Nace David
Lynch, cineasta estadounidense. (f. 2025)
1946: Nace Sasha Montenegro, actriz mexicana. (f.2024)
Aleksandra Aćimović Popović (en cirílico Александра Аћимовић Поповић; Bari, Apulia, 20 de enero de 1946-Cuernavaca, Morelos, 14 de febrero de 2024), conocida como Sasha Montenegro, fue una actriz y vedette italomexicana.
Biografía
[editar]Nació en Bari, Italia. Fue la hija única de un matrimonio de inmigrantes de la República Federal de Yugoslavia formado por Silvia Popović y Zivojin Aćimović,1 perteneciente a una familia aristócrata de Montenegro que fue asesinada en un campo de concentración nazi durante la Segunda Guerra Mundial. El 18 de julio de ese año, se mudó con sus padres a Argentina, donde murió el señor Aćimović. Tiempo después su madre contrajo matrimonio con un rico empresario argentino. La familia vivió en la provincia de Mendoza unos años, donde Sasha realizó sus estudios y donde nació su hermana Andrea Silvia. Luego residieron en Buenos Aires, donde Montenegro prosiguió con su educación, ahí nació su hermano Claudio Ricardo.
Relacionada con Manuel Rodríguez empresario zacatecano del Grupo Quinta Real y Grupo Fresnillo, en 1969, la joven Alexandra Acimovic, de 23 años, viajó a México por una oferta de trabajo en el cine. Nunca regresó a Argentina, en México inició su carrera como actriz de fotonovelas y modelo de posters como Chicas, Fotoserie, Novelas de amor y Ternura y conjuntamente realizó una carrera como actriz de cine y vedette a comienzos de la década de los años 1970 hasta 1991. Desempeñó sus primeros papeles estelares en la películas Un sueño de amor2 de Rubén Galindo y Un amor extraño3 de Tito Davidson en 1972, Santo contra la Magia Negra y Santo y Blue Demon contra el doctor Frankenstein en 1973 y participó en la primera película del cine de ficheras, Bellas de noche del año 1975.
Participó en un total de 69 producciones en las que destacan Muñecas de Medianoche (1979), La golfa del barrio (1982), Fieras en brama (1983) y Playa prohibida (1985). También destacó su participación en las películas Blanca Nieves y... sus siete amantes (1980), La pulquería (1981), Las vedettes (1983), Pedro Navaja (1984), Dos tipas de cuidado (1989) entre otras con las que acaparó la taquilla cinematográfica en los años 70 y 80. Entre las películas más recientes de Montenegro destacan el filme español Una de zombis en 2003 y una película independiente canadiense titulada The end of silence en 2005. Ha tenido participaciones pequeñas en varias telenovelas de Televisa.
Vida personal
[editar]Obtuvo la nacionalidad mexicana el 28 de junio de 1989.4
En los años ochenta, cuando su carrera se encontraba en auge, se involucró amorosamente con José López Portillo, el entonces presidente de México. Lo anterior ocurrió aún cuando Portillo estaba casado con Carmen Romano, con quien tenía tres hijos. Ambos se divorciaron en 1991, y cuatro años después, Montenegro se casó con el expresidente en una boda civil realizada en 1995. De su unión nacieron dos hijos: Nabila en 1985, y Alexander en 1987. Debido a la edad avanzada de López Portillo, comenzó a tener graves problemas de salud, y su familia inició una batalla en contra de la actriz que terminó distanciándolos; posteriormente, iniciaron los trámites para efectuar su divorcio. Sin embargo, esto último no pudo concretarse dado que Portillo falleció el 17 de febrero de 2004.
En julio de 2022, se reveló que como parte de las pensiones a expresidentes que habían sido canceladas el mismo año, Montenegro recibía anualmente el monto de un millón 688 mil 736 pesos mexicanos.5
Muerte
[editar]Montenegro falleció el 14 de febrero de 2024 a los 78 años, a causa de un derrame cerebral como consecuencia de un cáncer de pulmón en Cuernavaca, Morelos.678910
1952: Nace Paul
Stanley, guitarrista, vocalista estadounidense (Kiss).
1954: Nace Rudy La Scala, cantautor
italo-venezolano.
1958: Nace Lorenzo Lamas, actor
estadounidense.
1959: Nace R. A. Salvatore, escritor
estadounidense.
1966: Nace Rainn
Wilson, actor estadounidense.
1967:Nace Pepón
Nieto, actor español.
1984: Muere Johnny Weissmüller, nadador y actor
estadounidense (n. 1904).
1990: Muere Barbara
Stanwyck, actriz estadounidense (n. 1907).
1993: Muere Audrey Hepburn, actriz belga (n. 1929).
2022: Muere Meat Loaf, cantante y actor estadounidense (n. 1947).
Muere
Norman Frederick Jewison (Toronto, 21 de julio de 1926-Los Ángeles, 20 de enero de 2024)1 fue un director, productor y actor canadiense, realizador de grandes éxitos mundiales como El violinista en el tejado, Jesucristo Superstar, Hechizo de luna o En el calor de la noche.
Carrera[editar]
Jewison se graduó en la Universidad de Toronto. Después de servir en la Armada durante la Segunda Guerra Mundial, en la primera parte de la década de los 50 se embarcó en un viaje por el sur de los Estados Unidos, donde fue sensible a los casos de desigualdad y racismo en estas zonas. Esta experiencia y los sentimientos que produjeron en Jewison forman parte del leitmotiv de la filmografía del realizador.
Su debut como director fue con 40 Pounds of Trouble, al que siguieron títulos como Send Me No Flowers (1964), The Art of Love (1965) o The Cincinnati Kid (1965). Pero su primer éxito llegó con In the Heat of the Night (1967), una excelente película a medio camino entre el thriller policíaco y el cine de denuncia.
A principios de los 70 llega su otro gran éxito: El violinista en el tejado, donde retrata a modo de musical y con un excelente sentido del humor la vida de un pueblo judío en Ucrania en plena época zarista.
Durante la segunda época de los 70, dirigió películas de muy diferentes temáticas como la futurista Rollerball (1975), el gran musical de influencia hippie Jesucristo Superstar (1973) y la comprometida Justicia para todos (1979).
En 1981 y con su filmografía completamente asentada, Jewison fue reconocido como Oficial de la Orden de Canadá. En 1988, Jewison funda el Centro canadiense de cine, instituto de formación de directores situado en Toronto, Ontario.
Durante los 80 hasta la actualidad, Jewison ha alternado sus proyectos cinematográficos con telefilms. Ha dirigido 10 proyectos para cine, muchos de ellos menores, aunque destacan filmes como Agnes de Dios, con Jane Fonda y Anne Bancroft, Hechizo de luna (1987), que supuso el Óscar para Cher, o Huracán Carter (1999).
Respecto al Óscar, Jewison fue nominado numerosas ocasiones en la categoría de mejor director. Pero hasta hoy no ha conseguido ese galardón. De todas maneras, en 1998 fue galardonado con el Premio en memoria de Irving Thalberg a toda una carrera.
En 2004, Norman Jewison publicó su autobiografía, titulada This Terrible Business Has Been Good to Me.
Filmografía[editar]
Como director[editar]
- Soltero en apuros (40 Pounds of Trouble) (1963)
- The Thrill of It All (1963)
- No me mandes flores (Send Me No Flowers) (1964)
- El arte de amar (The Art of Love) (1965)
- El rey del juego (The Cincinnati Kid) (1965)
- ¡Que vienen los rusos! (The Russians Are Coming, the Russians Are Coming) (1966)
- En el calor de la noche (In the Heat of the Night) (1967)
- El caso Thomas Crown (The Thomas Crown Affair) (1968)
- Los locos años de Chicago (Gaily, Gaily) (1969)
- El violinista en el tejado (Fiddler on the Roof) (1971)
- Jesucristo Superstar (Jesus Christ Superstar) (1973)
- Rollerball (1975)
- F. I. S. T. (1978)
- Justicia para todos (...And Justice for All) (1979)
- Amigos muy íntimos (Best Friends) (1982)
- Historia de un soldado (A Soldier's Story) (1984)
- Agnes de Dios (Agnes of God) (1985)
- Hechizo de luna (Moonstruck) (1987)
- Recuerdos de guerra (In Country) (1989)
- El dinero de los demás (Other People's Money) (1991)
- Sólo tú (Only You) (1994)
- Bogus (1996)
- Huracán Carter (The Hurricane) (1999)
- Cena entre amigos (Dinner with Friends) (2001)
- La sentencia (The Statement) (2003)
John James Sykes (Reading, 29 de julio de 1959-20 de enero de 2025)1 fue un músico británico, conocido por su trabajo como guitarrista en las bandas Whitesnake, Thin Lizzy y Tygers of Pan Tang. También lideró el grupo de hard rock Blue Murder y publicó algunos álbumes como solista.
Tras su paso por Tygers of Pan Tang a principios de la década de 1980, Sykes se unió a Thin Lizzy para su álbum de 1983 Thunder and Lightning. Después se unió a Whitesnake, con quienes grabó el álbum autotitulado de 1987, que se convirtió en un éxito de ventas. Sin embargo, fue despedido de la banda antes de la publicación del disco en circunstancias controvertidas, lo que le llevó a formar su propio grupo, Blue Murder. Tras dos álbumes y un disco en directo, emprendió una carrera en solitario. Durante el resto de la década de 1990 y comienzos de los años 2000, Sykes dividió su tiempo entre su carrera en solitario y la nueva formación de Thin Lizzy, la cual lideró hasta 2009.
Influido por músicos como Jimmy Page, Ritchie Blackmore y Gary Moore, Sykes era conocido por su peculiar estilo de tocar, caracterizado por el uso de armónicos artificiales y su sentido de la melodía. En 2004 fue incluido en la lista de Guitar World de los «100 mejores guitarristas de heavy metal de todos los tiempos». En 2006, Gibson lanzó la línea limitada John Sykes Signature Les Pauls, inspirada en su Gibson Les Paul Custom de 1978.
Primeros años
[editar]John James Sykes nació el 29 de julio de 1959 en Reading, Berkshire.23 Vivió tres años con su familia en Ibiza, España, donde su padre y su tío establecieron una discoteca. Después, regresaron nuevamente a Reading.4
A los catorce años empezó a interesarse en la ejecución de la guitarra cuando su tío le mostró algunos punteos de Eric Clapton.5 Durante los dos años siguientes, practicó tocando canciones de blues con una vieja guitarra de cuerdas de nailon. Al regresar a Reading, Sykes inició una relación sentimental y abandonó la guitarra durante año y medio. Tras mudarse a Blackpool retomó la práctica y su amigo Mervyn Goldsworthy, que más tarde tocaría el bajo en Diamond Head, Samson y FM, le pidió que se uniera al grupo Streetfighter.4
Carrera
[editar]Primeros años
[editar]Sykes empezó su carrera a nivel profesional cuando dejó Streetfighter para unirse a Tygers of Pan Tang.25 Grabó dos discos con el grupo, Spellbound y Crazy Nights, ambos publicados en 1981. Al año siguiente, sin embargo, Sykes se había frustrado con la banda, ya que él y el vocalista Jon Deverill a menudo se peleaban con los otros miembros.6 Además, consideraba que el grupo carecía tanto del estilo como de la dedicación necesarios para alcanzar el éxito.4 Dejó la banda a comienzos de 1982, dos días antes de iniciar una gira por Francia.3 Sin embargo, apareció en dos temas del cuarto álbum de la banda, The Cage, que se publicó cuando él ya se había marchado.7
Tras dejar Tygers of Pan Tang, audicionó para la banda de Ozzy Osbourne y fue miembro de la agrupación Badlands durante una breve etapa.548
Thin Lizzy
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Sykes aún estaba obligado por contrato a entregar un sencillo a la discográfica MCA Records. A través del productor Chris Tsangarides se puso en contacto con el líder de Thin Lizzy, Phil Lynott. Ambos coescribieron e interpretaron el sencillo «Please Don't Leave Me», que se publicó en 1982. En el tema también participaron Brian Downey y Darren Wharton, otros miembros de Thin Lizzy.910 Posteriormente fue invitado a unirse a la banda y fue confirmado oficialmente como nuevo guitarrista en septiembre de 1982.10 Participó en la grabación de Thunder and Lightning de 1983 y coescribió el sencillo «Cold Sweat».1112 La inclusión de Sykes ayudó a revitalizar la banda, orientándola hacia un sonido más cercano al heavy metal.13 La gira de presentación de Thunder and Lightning se anunció como el tour de despedida de Thin Lizzy, aunque Sykes y Lynott deseaban continuar.14 Durante la gira, la banda grabó el álbum en directo Life. Sykes también acompañó a Lynott en una gira europea en solitario.15 Thin Lizzy ofreció su último concierto en el Reino Unido en el Festival de Reading en agosto de 1983 antes de disolverse definitivamente tras una actuación en el festival Monsters of Rock de Nuremberg, el 4 de septiembre.16
Lynott falleció el 4 de enero de 1986 a los 36 años.17 En 1994, Sykes junto con los antiguos miembros de Thin Lizzy Brian Downey, Scott Gorham y Darren Wharton, formaron una nueva versión en directo de la banda que se presentó como un homenaje a la vida y obra de Phil Lynott. Aunque la agrupación sólo interpretó canciones del catálogo de Thin Lizzy y no compuso material nuevo, fue criticada por utilizar el nombre de Thin Lizzy sin Lynott.1819 En el año 2000 publicaron el disco en directo One Night Only.9 Sykes continuó al frente de Thin Lizzy a través de varios cambios de formación antes de anunciar su propia salida en 2009, declarando: «siento que es hora de volver a tocar mi propia música».20 Scott Gorham reformaría más tarde Thin Lizzy sin la participación de Sykes.21
Whitesnake
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Tras la disolución de Thin Lizzy, Sykes estaba inicialmente dispuesto a seguir trabajando con Lynott en lo que se convertiría en la agrupación Grand Slam.10 Sin embargo, aceptó la propuesta de unirse al grupo inglés de hard rock Whitesnake, con los que había coincidido durante una gira con Thin Lizzy.9 Tras negociar un contrato satisfactorio y recibir la bendición de Lynott, Sykes aceptó unirse a la banda.711 Debutó en directo con el grupo en Dublín el 17 de febrero de 1984.22 Primero se le encargó la grabación de nuevas partes de guitarra para el lanzamiento estadounidense del álbum de 1984 Slide It In.7 Posteriormente, Whitesnake se embarcó en una larga gira mundial, que culminó con dos actuaciones en el festival Rock in Rio de 1985.23 El disco se convirtió en el primer gran éxito de Whitesnake en Estados Unidos, vendiendo más de medio millón de copias. Sykes desempeñó un papel clave con un aspecto y un sonido más vibrantes en comparación con los anteriores guitarristas de la banda.24
Participó activamente en el siguiente álbum, coescribiendo nueve canciones con el vocalista David Coverdale.25 Sykes comenzó a empujar a la banda hacia un sonido más mainstream,2627 que Coverdale describió como «más delgado, malvado y electrizante».28 Ambos empezaron a componer juntos en el sur de Francia a principios de 1985, antes de dirigirse a los estudios Little Mountain Sound de Vancouver para empezar a grabar.29 Sin embargo, la relación de Coverdale con el resto de la banda se deterioró y decidió despedir a todos los miembros del grupo, incluido Sykes.725 El séptimo álbum de Whitesnake se publicó en abril de 1987 y se convirtió en el álbum de mayor éxito comercial de la banda hasta la fecha, alcanzando el segundo lugar en la lista Billboard 200 y vendiendo más de ocho millones de copias en Estados Unidos.3031
Desde que dejó Whitesnake, la relación de Sykes con Coverdale siguió siendo tensa, ya que el primero se sentía «muy amargado» por la forma en que el cantante gestionó su despido.25 A principios de la década de 2000 hubo un «acercamiento» entre ambos, ya que Coverdale se encontraba buscando una nueva formación para Whitesnake. Según su propio relato, Sykes recomendó a Marco Mendoza y a Tommy Aldridge (ambos acabarían incorporándose), tras lo cual no volvió a saber nada de Coverdale.9 Mendoza afirmó haber actuado como una especie de mediador entre Sykes y Coverdale.32 Este último admitió haber hablado con Sykes sobre una posible reunión, pero finalmente decidió que los dos habían sido «sus propios jefes» durante demasiado tiempo para que una reunión funcionara.33 En 2017, Sykes se refirió al vocalista: «Realmente no tengo ningún interés en volver a hablar con él».25
Blue Murder
[editar]Tras su despido de Whitesnake, Sykes formó Blue Murder, banda de hard rock que contaba con el bajista Tony Franklin y el baterista Carmine Appice.34Inicialmente, el batería Cozy Powell y el vocalista Ray Gillen fueron elegidos para el proyecto. El primero terminó uniéndose a Black Sabbath, mientras que el segundo fue despedido después de que el ejecutivo de Geffen Records John Kalodner animara a Sykes a liderar la banda él mismo.71835
El álbum debut de Blue Murder fue publicado en abril de 1989, alcanzando la posición número 69 en la clasificación Billboard 200.36 Acto seguido, la banda se embarcó en una gira por Norteamérica y Japón.37 Aunque su álbum de debut llegaría a vender unas 500 000 copias, según Sykes, el éxito de Blue Murder no estuvo a la altura de las expectativas ni del grupo ni de la discográfica.1838 Consideraba que Geffen Records no promocionó adecuadamente al grupo, declarando: «Creo que intentaban que David [Coverdale] y yo volviéramos a estar juntos. Querían que volviera con la "fórmula ganadora". Pero las heridas estaban demasiado frescas. Me quedé con la misma discográfica. En retrospectiva, me habría ido mejor con otro sello».718
Durante la grabación del segundo álbum, Franklin y Appice abandonaron el grupo y fueron sustituidos por Marco Mendoza y Tommy O'Steen.39 Al mismo tiempo, Sykes estaba siendo considerado para el puesto de guitarrista en Def Leppard. Aunque no hubo audiciones formales, tocó con la banda y cantó coros en su álbum Adrenalize de 1992. Finalmente, Def Leppard contrató a Vivian Campbell, anterior miembro de Dio y Whitesnake.40 Blue Murder, por su parte, publicó su segundo álbum Nothin' But Trouble en 1993. El disco no figuró en las listas de ventas, algo que Sykes atribuyó una vez más a Geffen Records, que, en su opinión, «no hizo nada» para promocionarlo.7 En 1994, Blue Murder publicó el álbum en directo Screaming Blue Murder: Dedicated to Phil Lynott, tras lo cual fueron dados de baja de su discográfica y se disolvieron.18
Hubo varios intentos de reunir a Blue Murder desde la ruptura de la banda. En 2019, Carmine Appice declaró que el grupo había ensayado pero Sykes quería que la banda saliera de gira bajo el nombre de John Sykes & Blue Murder, algo que el baterista no estaba dispuesto a hacer.41 En 2020 Appice declaró que él y Sykes habían hablado una vez más sobre la posibilidad de una reunión de Blue Murder, pero finalmente el proyecto no se concretó.42
Vida personal y fallecimiento
[editar]Sykes se casó con Jennifer Brooks-Sykes el 10 de abril de 1989, tras cuatro años de convivencia. Permanecieron juntos hasta 1999.43 Tuvo tres hijos: James, John Jr. y Sean.4344
Falleció el 20 de enero de 2025 a los 65 años tras luchar contra el cáncer.45
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