miércoles, 10 de julio de 2024

Un día como hoy 11 de julio

El 11 de julio es el 192.º (centésimo nonagésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano, y el 193.º en los años bisiestos. Quedan 173 días para finalizar el año.
Podcast 2019






Santoral de la Iglesia Católica:


                             


Primer Fundador de Religiosos



Año 517
Benito significa: "Bendecido"
San Benito nació en Nursia (Italia, cerca de Roma) en el año 480. De padres acomodados, fue enviado a Roma a estudiar filosofía y letras, y se nota que aprendió muy bien el idioma nacional (que era el latín) porque sus escritos están redactados en muy buen estilo. 
Todos los datos de su biografía los tomamos de la Vida de San Benito, escrita por San Gregorio Magno, que fue monje de su comunidad benedictina.
SU PRIMERA HUIDA. La ciudad de Roma estaba habitada por una mezcla de cristianos fervorosos, cristianos relajados, paganos, ateos, bárbaros y toda clase de gentes de diversos países y de variadas creencias, y el ambiente, especialmente el de la juventud, era espantosamente relajado. Así que Benito se dio cuenta de que si permanecía allá en medio de esa sociedad tan dañada, iba a llegar a ser un tremendo corrompido. Y sabía muy bien que en la lucha contra el pecado y la corrupción resultan vencedores los que en apariencia son "cobardes", o sea, los que huyen de las ocasiones y se alejan de las personas malvadas. Por eso huyó de la ciudad y se fue a un pueblecito alejado, a rezar, meditar y hacer penitencia.
PEQUEÑO PERCANCE. Segunda huida. Pero sucedió que en el pueblo a donde llegó, obtuvo un milagro sin quererlo. Vio a una pobre mujer llorando porque se le había partido un precioso jarrón que era ajeno. Benito rezó y le dio la bendición, y el jarrón volvió a quedar como si nada le hubiera pasado. Esto conmovió mucho a las gentes del pueblo y empezaron a venerarlo como un santo. Entonces tuvo que salir huyendo hacia más lejos.
SUBIACO. Principios heroicos. Se fue hacia una región totalmente deshabitada y en un sitio llamado "Subiaco"(que significa: debajo del lago, porque había allí cuevas debajo del agua) se retiró a vivir en una roca, rodeada de malezas y de espinos, y a donde era dificilísimo subir. Un monje que vivía por los alrededores lo instruyó acerca de cómo ser un buen religioso y le llevaba un pan cada día, el cual amarraba a un cable, que Benito tiraba desde arriba. Su barba y su cabellera crecieron de tal manera y su piel se volvió tan morena en aquella roca, que un día unos pastores que buscaban unas cabras, al encontrarlo, creyeron que era una fiera. Más luego al oírle hablar, se quedaron maravillados de los buenos consejos que sabía dar. Contaron la noticia y mucha gente empezó a visitarlo para pedirle que les aconsejara y enseñara.
SUPERIOR CONTRA SU VOLUNTAD. Y sucedió que otros hombres, cansados de la corrupción de la ciudad, se fueron a estos sitios deshabitados a rezar y a hacer penitencia, y al darse cuenta de la gran santidad de Benito, aunque él era más joven que los otros, le rogaron que se hiciera superior de todos ellos. El santo no quería porque sabía que varios de ellos eran gente difícil de gobernar y porque personalmente era muy exigente con los que querían llegar a la santidad y sospechaba que no le iban a hacer caso. Pero tanto le rogaron que al fin aceptó el cargo de superior. Con todos ellos fundó allí 12 pequeños conventos de religiosos, cada uno con un superior o abad. Él tenía la dirección general de todo.
PRIMER ATENTADO.  Cuando algunos de aquellos hombres se dieron cuenta de que Benito como superior era exigente y no permitía "vivir prendiéndole una vela a Dios y otra al diablo", que no permitía vivir en esa vida de retiro tan viciosamente como si se viviera en el mundo, dispusieron deshacerse de él y matarlo. Y echaron un fuerte veneno en la copa de vino que él se iba a tomar. Pero el santo dio una bendición a la copa, y esta saltó por los aires hecha mil pedazos. Entonces se dio cuenta de que su vida corría peligro entre aquellos hombres, y renunció a su cargo, se alejó de allí.
TERRIBLES TENTACIONES. Al joven Benito le llegaron espantosas tentaciones impuras. A su imaginación se le presentaban escenas más corruptas y le llegaba el recuerdo de cierta mujer que él había visto hacía tiempo y sentía toda la fuerza de la pasión. Rezaba y pedía ayudas al cielo, y al fin cuando sintió que ya iba a consentir, se lanzó contra un matorral lleno de punzantes espinas y se revolcó allí hasta que todo su cuerpo quedó herido y lastimado. Así, mediante esas heridas corporales logró curar las heridas de su alma, y la tentación impura se alejó de él.
SU FUNDACIÓN MÁS FAMOSA. Con unos discípulos que le habían sido siempre fieles (San Mauro, San Plácido y otros) se dirigió hacia un monte escarpado, llamado Monte Casino. Allá iba a fundar su famosísima Comunidad de Benedictinos. Su monasterio de Monte Casino ha sido famoso durante muchos siglos.
En el año 530, después de ayunar y rezar por 40 días, empezó la construcción del convento, en la cima del Monte. En ese sitio había un templo pagano, dedicado a Apolo; lo hizo derribar y en su lugar construyó una capilla católica. Luego con sus discípulos fue evangelizando a todos los paganos que vivían en los alrededores, y enseguida sí empezó a levantar el edificio, del cual por tantos siglos han salido santos misioneros a llevar la santidad a pueblos y naciones.
MILAGROS A MONTÓN. San Gregorio en su biografía de San Benito, narra muchos hechos interesantes de entre los cuales vamos a recordar algunos.
EL MUCHACHO QUE NO SABÍA NADAR. El joven Plácido cayó en un profundo lago y se estaba ahogando. San Benito mandó a su discípulo preferido Mauro: "Láncese al agua y sálvelo". Mauro se lanzó enseguida y logró sacarlo sano y salvo hasta la orilla. Y al salir del profundo lago se acordó de que había logrado atravesar esas aguas sin saber nadar. La obediencia al santo le había permitido hacer aquel salvamento milagroso.
EL EDIFICIO QUE SE CAE. Estando construyendo el monasterio, se vino abajo una enorme pared y sepultó a uno de los discípulos de San Benito. Este se puso a rezar y mandó a los otros monjes que removieran los escombros, y debajo de todo apareció el monje sepultado, sano y sin heridas, como si hubiera simplemente despertado de un sueño.
LA PIEDRA QUE NO SE MOVÍA. Estaban sus religiosos constructores tratando de quitar una inmensa piedra, pero esta no se dejaba ni siquiera mover un centímetro. Entonces el santo le envió una bendición, y enseguida la pudieron mover de allí como si no pesara nada. Por eso desde hace siglos cuando la gente tiene algún grave problema en su casa que no logra alejar, consigue una medalla de San Benito y le reza con fe, y obtiene prodigios. Es que este varón de Dios tiene mucho influjo ante Nuestro Señor.
EL DISFRAZADO. El terrible rey Totila, pagano, estaba invadiendo a Italia, y oyó ponderar la santidad del famoso fundador. Entonces mandó al jefe de su guardia que se vistiera de rey y fuera con los ministros, a presentarse ante el santo, como si él fuera Totila. San Benito, apenas lo vio le dijo: "Quítate esos vestidos de rey que no son los tuyos". El otro volvió a contarle al rey lo sucedido y este se fue a visitarlo con gran respeto. El venerable anciano le anunció que lograría apoderarse de Roma y de Sicilia, pero que poco después de llegar a esa isla moriría. Y así le sucedió, tal cual.
PANES QUE SE MULTIPLICAN. Hubo una gran escasez en esa región y San Benito mandó repartir entre los pobres todo el pan que había en el convento. Solamente dejó cinco panes, y los monjes eran muchos. Al verlos aterrados ante este atrevimiento les dijo: "Ya verán que el Señor nos devolverá con la misma generosidad con la que hemos repartido". A la mañana siguiente, llegaron a las puertas del monasterio 200 bultos de harina, y nunca se supo quién los envió.
MUERTES ANUNCIADAS. Un día exclamó: "Se murió mi amigo el obispo de Cápua, porque vi que subía al cielo un bello globo luminoso". Al día siguiente vinieron a traer la noticia de la muerte del obispo. Otro día vio que salía volando hacia el cielo una blanquísima paloma y exclamó: "Seguramente se murió mi hermana Escolástica". Los monjes fueron a averiguar, y sí, en efecto acababa de morir tan santa mujer. El, que había anunciado la muerte de otros, supo también que se aproximaba su propia muerte y mandó a unos religiosos a excavar en el suelo su sepultura. Duraron seis días haciéndola, y apenas la terminaron, empezó él a sentir las altísimas fiebres, y poco después murió.
UN DÍA EN LA VIDA DE SAN BENITO. 
Se levantaba a las dos de la madrugada a rezar los salmos. Pasaba horas y horas rezando y meditando. Jamás comía carne. Dedicaba bastantes horas al trabajo manual, y logró que sus seguidores se convencieran de que el trabajo no es un rebajarse, sino un ser útil para la sociedad y un modo de imitar a Jesucristo que fue un gran trabajador, y hasta un método muy bueno para alejar tentaciones. Ayunaba cada día, y su desayuno lo tomaba en las horas de la tarde. La mañana la pasaba sin comer ni beber. Atendía a todos los que le iban a hacer consultas espirituales, que eran muchos, y de vez en cuando se iba por los pueblos de los alrededores, con sus monjes a predicar y a tratar de convertir a los pecadores. Su trato con todos era extremadamente amable y bien educado. Su presencia era venerable.
SU FAMOSO REGLAMENTO:
LA SANTA REGLA. Inspirado por Dios, escribió nuestro santo un Reglamento para sus monjes que llamó "Santa Regla". Es un documento que se ha hecho famoso en todo el mundo, y en el cual se han basado los Reglamentos de todas las demás Comunidades religiosas en la Iglesia Católica. Allí recomienda ciertos detalles como estos:
La primera virtud que necesita un religioso (después de la caridad) es la humildad.
La casa de Dios es para rezar y no para charlar.
Todo superior debe esforzarse por ser amable como un padre bondadoso.
El ecónomo o el que administra el dinero no debe humillar a nadie.
Nuestro lema debe ser: Trabajar y rezar.
Cada uno debe esforzarse por ser exquisito y agradable en su trato.
Cada comunidad debe ser como una buena familia donde todos se aman.
Evite cada individuo todo lo que sea rústico y vulgar. Recuerde lo que decía San Ambrosio: "Portarse con nobleza es una gran virtud".
Y los que vivieron con él afirmaban que todo lo bueno que recomienda en su Santa Regla, lo practicaba él en su vida diaria. Con estos principios, su Comunidad de Benedictinos ha hecho inmenso bien en todo el mundo en 15 siglos.
MORIR DE PIE, COMO LOS ROBLES. El 21 de marzo del año 543, estaba el santo en la Ceremonia del Jueves Santo, cuando se sintió morir. Se apoyó en los brazos de dos de sus discípulos, y elevando sus ojos hacia el cielo cumplió una vez más lo que tanto recomendaba a los que lo escuchaban: "Hay que tener un deseo inmenso de ir al cielo", y lanzando un suspiro como de quien obtiene aquello que tanto había anhelado, quedó muerto.
Dos de sus monjes estaban lejos de allí rezando, y de pronto vieron una luz esplendorosa que subía hacia los cielos y exclamaron: "Seguramente es nuestro Padre Benito, que ha volado a la eternidad". Era el momento preciso en el que moría el santo.







2. San Pio I, 
10o Papa de la Iglesia



Pío I (Aquilea, ¿?-Roma, 155) fue el décimo papa de la Iglesia católica de 140 a 155.1​

Hijo de un cristiano de nombre Rufino según el Liber Pontificalis,2​ la duración de su pontificado es objeto de polémica entre los historiadores al igual que ocurre con algunos de sus predecesores. El único dato cronológico medianamente fiable es el de su finalización, ya que al conocerse con gran certeza que Policarpo de Esmirna murió en el año 1563​ y que en el año anterior visitó Roma donde se encontró con el papa Aniceto, sucesor de Pío I, se puede extrapolar que el pontificado de este no se pudo extender más allá del año 155.4​ Desde 1793 su cuerpo está sepultado en la Capilla de san Eufrasio de la Catedral de Jaén en España.

Vida[editar]

Pío I era conocido, según un documento del siglo ii llamado fragmento muratoriano,5​ y el Catálogo Liberiano como hermano de Hermas, el autor de El Pastor.6​Durante su pontificado la actividad de los gnósticos Valentín y Cerdón, iniciada bajo el papado de su antecesor, se incrementó notablemente. Lo mismo cabe decir de Marción, que, aunque basándose en ideas gnósticas, evolucionó hasta elaborar una doctrina propia, el marcionismo. Tanto Valentín como Marción fueron excomulgados por Pío I.7​

El Liber Pontificalis afirma que Pío I decretó que los judíos convertidos al cristianismo podían ser admitidos y bautizados en la Iglesia el día de la Pascua de Resurrección, basándose para ello el Diálogo de Trifón, una obra de Justino Mártir, que en esa época vivía en Roma.

Se atribuye a este pontífice la fundación de dos iglesias: la títulus Pudentis o santa Pudenciana y la títulus Praxedis o santa Práxedes, pero en realidad es una leyenda sin base histórica ya que estas iglesias se construyeron en el siglo iv en tiempos de Constantino I. También se le atribuye la construcción de un baptisterio cercano a la iglesia de santa Práxedes que utilizó para la realización de sus funciones episcopales.

Se le atribuye haber fijado la fecha de la celebración de la Pascua de Resurrección en el domingo siguiente al plenilunio de marzo.

La tradición afirma que sufrió martirio por lo que fue canonizado, celebrándose su fiesta el 11 de julio.

 1846: 

Nace León Bloy, escritor francés (fallecido en 1917).



Léon Bloy (Périgueux, Dordoña, 11 de julio de 1846 - Bourg-la-Reine, Altos del Sena, 3 de noviembre de 1917) fue un escritorfrancés de novela y ensayo. Sus obras reflejan una profundización de la devoción a la Iglesia católica y la mayoría, en general, un gran deseo de lo Absoluto.
Nacido en Périgueux, en 1846. De familia burguesa, con 18 años se muda a París, trabajando en los oficios más humildes. La amistad con el también escritor Barbey d'Aurevilly le conducen a la fe y a un temperamento extremista que pasa de un anticlericalismo violento a un catolicismo ferviente a los 23 años. Colaboró fugazmente en L'Univers, el periódico de Louis Veuillot. Devoto de la aparición de La Salette, durante una estancia en el Santuario, conoció al abad Tardiff, que lo introdujo en el estudio de la simbología bíblica y lo estimuló a escribir una obra sobre la aparición de la Virgen. En ese periodo maduran los elementos esenciales de su pensamiento y su estilo, y conoce a personalidades importantes de la vida literaria parisina, Paul Verlaine, Ernest Hello, Villiers de L'Isle d'Adam, J. Huysmans.
También en esta época (1877) conoce a Anne-Marie Roullet (la Verónica de su novela parcialmente autobiográfia El Desesperado), prostituta a la que convierte al catolicismo y que gradualmente empieza a tener experiencias místicas y revelaciones; el clímax de misticismo exacerbado -en un entorno de miseria material y soledad espiritual- y de anuncios apocalípticos incumplidos culmina con la demencia completa de Anne-Marie y el aplastamiento moral de Bloy. Escribe luego su primera obra de relevancia, la novela El Desesperado (1887); en ella ataca con ferocidad a casi todos los literatos del momento, con lo cual se gana la enemistad del mundo literario.
Su vida recién llega a un equilibrio en 1889, cuando se casa con Jeanne Molbeck (danesa protestante, convertida por él al catolicismo), logrando la serenidad que necesitaba para publicar libros y artículos. Desde entonces hasta su muerte, escribió alrededor de un libro por año (incluido un Diario que publicará regularmente), consiguiendo la devoción de un grupo de lectores pequeño pero fiel, y siempre bordeando la miseria. Murió el 3 de noviembre de 1917.
Aunque muy crítico con el ambiente católico de su época, fue un católico de vida sacramental sencilla, violento pero obediente. Enemigo declarado del burgués, y de todos los valores que encarnaban el espíritu moderno (progreso, democracia, ciencia), se lo suele emparentar en este aspecto con otros artistas contestatarios de fines de siglo XIX.
La nostalgia sentida por un Dostoievski, Nietzsche, Kierkegaard, Baudelaire, Léon Bloy y otros, anticipa la nueva época del espíritu, la edad escatológica. Pero es muy duro ser precursor del espíritu.
Nikolái Berdiáyev, Autobiografía, página 389




El catolicismo francés del siglo XX, tras haberlo ignorado en un principio, lo ha recuperado parcialmente, y es tenido como una figura referente del catolicismo ortodoxo pero inconformista e independiente, refractario a toda agrupación o partido; en este aspecto, se lo suele ubicar al lado de hombres como Charles Péguy y Georges Bernanos.
Tuvo un papel decisivo en la conversión de muchas personas; entre ellos Jacques Maritain y Pieter Van der Meer de Walcheren, de quienes fue padrino de bautismo.
Entre sus obras se destacan: El desesperado (1889), La salvación por los judíos (1892), Cuentos descorteses (1895), La mujer pobre (1897), La que llora (1907), La sangre del pobre (1909), El alma de Napoleón (1912), Exégesis de Lugares comunes (1913) y Meditaciones de un solitario (1917). También ha publicado varios volúmenes de su diario: El mendigo ingrato (1892-1896), Mi diario (1896-1900), Cuatro años de cautiverio (1900-1904), El invendible (1904-1907), El viejo de la montaña (1907-1910), El peregrino de lo absoluto (1910-1912), En el umbral del Apocalipsis (1912-1915) y El portal de los humildes (póstumo) (1915-1917).



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1880:

Nace Reveriano Soutullo, compositor español de zarzuelas y pasodobles.



Reveriano Soutullo Otero (Puenteareas, Pontevedra, 11 de julio de 1880 - Madrid, 29 de octubre de 1932) fue un compositor español de zarzuelas y pasodobles.
Índice
·         1Biografía
·         2Obras
·         3Muerte y legado
·         4Enlaces externos
Biografía[editar]
Su padre dirigía la banda de Redondela, por lo que Reveriano tuvo la música cerca desde pequeño. A los 19 años, fue a estudiar al conservatorio de Madrid y mientras, se ganó la vida tocando el cornetín. Sufrió una infección en el oído que lo dejó medio sordo. En Madrid hizo la prueba de acceso y entró directamente en el primer curso de armonía. Estudió tres años de armonía y composición, asignatura en la que le dieron el premio extraordinario. En el conservatorio de Madrid le dieron clase profesores famosos como Arín y Fontanilla.
Entre 1906 y 1907 volvió a Vigo, donde le dieron una beca para estudiar música en el extranjero. Gracias a ello entró en contacto con músicos italianos y alemanes; pero los músicos que más le marcaron los encontró en París: Debussy y Ravel.
Obras[editar]
Volvió a Madrid donde empezó a componer zarzuela. Compuso varias zarzuelas famosas, entre ellas, Rosa de Flandes, compuesta en colaboración con el maestro Enrique Estela, y Amores de aldea.
Entre 1919 y 1931 forma un famoso tándem con Juan Vert, con quien compuso grandes éxitos como:
·         La leyenda del beso
·         El último romántico
·         La del Soto del Parral
·         La caída de la tarde
·         La Venus de Chamberí
·         El regalo de boda
Juan Vert murió en 1931 a causa de un infarto.
Reveriano Soutullo abrió, asociado con Manrique Villanueva, una editorial musical en 1910, con la que ganó bastante dinero.
Muerte y legado[editar]
Murió en 1932 a causa de una complicación en el postoperatorio de una operación de oído. Fueron famosas obras suyas como Puenteareas, Suite Vigo, y una fracción de La leyenda del beso fue utilizada por Mocedadesen la canción Amor de hombre.



https://www.youtube.com/watch?v=l_v-w9uHNbs

https://www.youtube.com/watch?v=PAhXnwxnjm8






1892: 

Nace Thomas Mitchell, actor y cineasta estadounidense (f. 1962).



Thomas Mitchell (11 de julio de 1892 – 17 de diciembre de 1962) fue un actor y guionista estadounidense ganador de premios Óscar, Emmy y Tony. Es recordado como uno de los primeros actores de carácter de la historia del cine.
Índice
·         1Inicios y carrera
·         5Filmografía
o    5.2Escritor
·         6Enlaces externos
Inicios y carrera[editar]
Thomas Mitchell nació en Elizabeth, Nueva Jersey. Era hijo de inmigrantes irlandeses, y en su familia había periodistas y dirigentes cívicos. Tanto su padre como su hermano fueron periodistas. Al igual que ellos, el joven Mitchell también trabajó en el periodismo al finalizar sus estudios.
Pronto, sin embargo, Mitchell empezó a escribir pequeñas piezas teatrales cómicas, que le satisfacían más que la caza de las exclusivas periodísticas. Se convirtió en actor en 1913, haciendo una gira con la Shakespeare Company de Charles Coburn. Siguió escribiendo incluso mientras interpretaba primeros papeles en Broadway en los años veinte. Una de las obras de la cual fue coautor, "Little Accident", fue eventualmente llevada al cine tres veces por Hollywood. El primer papel de Mitchell para la pantalla recogido en los títulos de crédito fue en la película de 1923 Six Cylinder Love.
Éxito en el cine, la televisión y el teatro[editar]
El papel que lanzó definitivamente a Mitchell fue el del regenerado malversador en el clásico de Frank Capra del año 1937 Lost Horizon. Tras esta actuación, fue muy solicitado en Hollywood. Ese mismo año sería nominado al Óscar al mejor actor de reparto por su trabajo en la película The Hurricane (Huracán sobre la isla), dirigida por John Ford.
En los siguientes años el nombre de Mitchell apareció en los créditos de muchas de las mejores películas del siglo XX. Sólo en 1939 disfrutaría de papeles clave en cinco clásicos del cine: La diligencia, Caballero sin espada, Only Angels Have Wings (Sólo los ángeles tienen alas), The Hunchback of Notre Dame (Esmeralda, la zíngara), y Lo que el viento se llevó. Aunque posiblemente sea más recordado como el padre de Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó, fue su actuación como el borrachín Doc Boone en La diligencia, junto a John Wayne, el que dio a Mitchell el Óscar al mejor actor de reparto.
A lo largo de las décadas de los cuarenta y cincuenta, Mitchell siguió trabajando en una amplia variedad de papeles en producciones generalmente de una alta calidad, tales como The Keys of the Kingdom, de 1944, junto a Gregory Peck, y High Noon (Solo ante el peligro - A la hora señalada), de 1952, en el papel del alcalde. La audiencia actual quizás le recuerde mejor por su interpretación del Tío Billy en el clásico navideño de Capra de 1946 ¡Qué bello es vivir!, junto a James Stewart. Esta película, aunque no fue bien recibida en su estreno, se ha convertido con el tiempo en un clásico, que se repone constantemente en televisión en la época navideña.
Estatus en la historia del espectáculo[editar]
Mitchell también tuvo éxito en la televisión y el teatro. Fue el primer actor que consiguió la "triple corona" de la actuación (un premio Óscar, un Emmy y un Tony). En 1952 ganó el Emmy al mejor actor de comedia. Al año siguiente consiguió un Premio Tony por su interpretación en el musical "Hazell Flagg" (basado en la película de Carole Lombard Nothing Sacred - La reina de Nueva York).
Últimos años y fallecimiento[editar]
Durante los años cincuenta e inicios de los sesenta, Mitchell trabajó mucho en la televisión. Apareció en diversos papeles en algunas de las series más importantes de la época, incluyendo Playhouse 90, Zane Gray Theatre, y producciones televisivas de Hallmark Hall of Fame. En 1954 protagonizó la serie "Mayor of the Town" y a principios de los sesenta interpretó para la escena el papel de "Colombo", posteriormente llevado a la fama en televisión por Peter Falk.

Thomas Mitchell falleció en 1962, a los 70 años, a causa de un cáncer en Beverly Hills, California. Fue incinerado y sus cenizas se conservan en el crematorio Chapel of the Pines en Los Ángeles. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, una por su trabajo en el cine en el 1651 de Vine Street, y otra por su aportación a la televisión en el 6100 de Hollywood Boulevard.








Nace  Yul Brynner, actor ruso-estadounidense (fallecido en 1985).



Yull Brynner (nacido Yuliy [o Yul] Borísovich Bryner, en ruso: Юлий Бори́сович Бри́ннер; Vladivostok, Rusia, 11 de julio de 1920 – Nueva York, Estados Unidos, 10 de octubre de 1985) fue un actor de cine ruso nacionalizado estadounidense, conocido por interpretar a Ramsés II en el filme Los diez mandamientos y a Chris Adams en el filme Los siete magníficos.


Stan Lee se inspiró en su característico físico para crear el del profesor Charles Xavier de los X-Men




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1934: 

Nace Giorgio Armani, diseñador de moda italiano.



Giorgio Armani (Piacenza, 11 de julio de 1934) es un diseñador de moda italiano principalmente conocido por su ropa de hombre. Formó su propia empresa en 1974 y 37 años más tarde la revista Forbes lo consideró el diseñador italiano de mayor éxito comercial, estimando su fortuna en 7.000 millones de dólares. Admirado y promocionado por diferentes actores de cine y varios músicos, Armani ha diversificado su producción con perfumería y otros complementos.




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1940:

Nace Ronnie Mack, compositor, cantante y administrador de talentos estadounidense.



Ronald Augustus "Ronnie" Mack (11 de julio de 1940 - alrededor de finales de 1963) [1]fue un compositor, cantante y administrador de talentos estadounidense que escribió " He's So Fine ", un éxito número uno en 1963 para los Chiffons y la aparente inspiración. para George Harrison " My Sweet Lord ". La muerte temprana de Mack supuestamente inspiró a Holland, Dozier y Holland a escribir la canción " Jimmy Mack ".
Vida y carrera [ editar ]
Ronnie Mack (conocido por sus amigos como Rocco) [2] creció en Harlem, Nueva York , y amaba la música desde la infancia, enseñándose a tocar el piano. A mediados de la década de 1950 comenzó a escribir canciones, y también actuó en un grupo vocal de doo-wop , el Marqués, que inusualmente para la época contaba con una cantante principal, June Bateman (quien más tarde se casó con el músico Noble "Thin Man" Watts ). En 1956, el grupo grabó una canción co-escrita por Mack, "Bohemian Daddy", para el sello discográfico Onyx . [3] Después de que el Marqués se separó, Mack formó un nuevo grupo, Highlights, que incluía a la cantante Joyce Peterson, pero nunca grabaron. [2]
Mack se mudó al Bronx pero se mantuvo en contacto con sus amigos de Harlem y continuó escribiendo canciones. Comenzó a escribir para otro grupo vocal, los Young Lads, con el cantante principal Jimmy Rivers, y sugirió que agregaran a una cantante, la hermana menor de Joyce Peterson, Sylvia. El grupo se convirtió en Four Bees and a Gee (para cuatro niños y una niña), y realizó una audición con varias de las canciones de Mack para Richard Barrett en Gone Records . Barrett cambió el nombre del grupo The Tops, y los grabó en una de las canciones de Mack, "Puppy Love" (no la canción del mismo nombre escrita por Paul Anka ). La canción se publicó por primera vez a finales de 1958 en la etiqueta V-Tone, y luego en varias otras etiquetas acreditadas aEl pequeño Jimmy Rivers y los Tops . A fines de 1961, fue promocionado nuevamente y reeditado con más éxito en Filadelfia , y Rivers apareció como un acto en solitario interpretándolo en el American Bandstand , pero no llegó a las listas nacionales. [2]
En el Bronx, Mack escuchó a un trío de estudiantes de la escuela secundaria James Monroe cantando, y sugirió que Sylvia Peterson se uniera a ellos. Mack reescribió una de las canciones que había escrito para Tops, "She's So Fine", originalmente escrita sobre Peterson, y cambió las letras para que el grupo de chicas la cantara como "He's So Fine". El grupo, al que Mack cambió el nombre de Chiffons, hizo una demostración de varias de las canciones de Mack, que llevó a Hank Medress en Bright Tunes, una compañía de publicaciones musicales creada por miembros de los Tokens . [2] [4] Jay Siegel de The Tokens dijo más tarde sobre las canciones de Mack: "Tenían las letras más increíbles; no las letras intelectuales, sino las cosas de las que habla la gente en el lenguaje cotidiano. La mayoría de las personas no tienen el talento para escribirlas como música, pero lo hizo ... [Si hubiera vivido] él ... habría sido uno de los compositores más exitosos de los años 60 ". [1]
Los Chiffons volvieron a grabar "He's So Fine" con miembros de los Tokens y con Carole King en el piano, y fue lanzado por Laurie Records a fines de 1962, alcanzando el número uno tanto en el Billboard Hot 100 como en el chart de R&B en marzo de 1963. [5] Como seguimiento, los Chiffons también grabaron otra de las canciones de Mack, "Lucky Me", pero no tuvo éxito. [4]
La enfermedad, la muerte y el legado [ editar ]
Para cuando "He So Fine" comenzó a convertirse en un éxito en la lista, Mack ya tenía una enfermedad terminal con el linfoma de Hodgkin . Murió, a los 23 años, en 1963, cuando las regalías recibidas por la canción comenzaron a sacar a su familia de la pobreza. [1]
Después de su muerte, su madre, Louise Mack, asistió a una convención de compositores en la que su hijo ganó un premio por "He's So Fine", y al aceptar el premio en su nombre dio un conmovedor discurso. Los compositores Lamont Dozier y Eddie Holland , que también estuvieron presentes en el evento, se inspiraron en el discurso, recordaron el nombre de Mack y coescribieron la canción "Jimmy Mack", con el coro de "Jimmy Mack, ¿cuándo volverás? ". Grabado por Martha y los Vandellas en 1964, "Jimmy Mack" se convirtió en un gran éxito para el grupo en 1967. [2] [6] [7]

Bright Tunes Music, la compañía propietaria de los derechos de "He's So Fine", ganó una notable demanda contra George Harrison, a partir de 1971, por el subconsciente plagio de la melodía de Mack al escribir "My Sweet Lord". Gran parte de la liquidación final de $ 587,000 por daños y perjuicios se pagó a la familia sobreviviente de Mack. [1] [8]







1940:

Nace Jacques Revaux, compositor y cantante francés .


Jacques Revaux , nacido el 11 de julio de 1940 en Azay-sur-Cher( Indre-et-Loire ) es un compositor y cantante francés .

resumen

·         1biografia
·         2distinciones
o    2.1precios
·         3Publicación
·         4notas y referencias
·         5enlaces externos

Biografia [ editar | cambiar el código ]

Los inicios [ editar | cambiar el código ]

Jacques Revaux comenzó su carrera como cantante a finales de la década de 1950 (compitió, entre otros, con el "  Coq d'or  " de la canción francesa en 1958 ) y grabó sus primeros discos a principios de la década de 1960 . Podemos escucharlo notablemente en las películas de Jacques Demy, donde dobla a Jacques Perrin en Les Demoiselles de Rochefort y Peau d'Âne , y es la voz de Richard Berry en una habitación de la ciudad .

Un registro [ editar | cambiar el código ]

Jacques Revaux es mejor conocido por ser el compositor (con Claude François , quien editará algunas notas del coro) de Como siempre , el mayor generador de ingresos anuales para SACEM , según esta compañía. Con un texto en inglés de Paul Anka , especialmente adaptado para Frank Sinatra , la música de Jacques Revaux se convirtió en My Way., un éxito global. El texto inicial en francés fue sobre la experiencia de una pareja que fue maltratada por la separación de las vidas, familiares y profesionales, de sus dos miembros. La adaptación en inglés se convierte en el reflejo de un hombre que, al borde de la muerte, evalúa su vida y la forma en que la condujo. Jacques Revaux también compuso otros dos títulos para Claude François  : Olivier en 1970 y L'amour s'meurt en 1972.

Canciones y colaboraciones [ editar | cambiar el código ]

Además de Claude François, Jacques Revaux compuso para Johnny Hallyday , Sylvie Vartan , Eddy Mitchell , Sheila , Dalida , Herve Vilard , Charles Aznavour y otros. Es el fundador del sello Tréma .

Pero sus principales colaboraciones fueron con Michel Sardou , para quien compone muchas canciones, entre ellas: Diez años antes , La enfermedad del amor , El viejo casado , Las ciudades de la soledad , Francia , te amaré , Broadway Java , The Lakes of Connemara 1 , Siendo Mujer , Cantante de Jazz , Musulmán , Rojo , Vladimir Ilyich , El Privilegio , Hola ...














1943: 

Nace Oscar D'León, cantante venezolano.


Oscar Emilio León Simosa (Caracas, Venezuela, 11 de julio de 1943), más conocido por su nombre artístico de Oscar D'León, es un cantante venezolano del género de la salsa. Es mundialmente conocido como El Sonero del Mundo y El Faraón de la Salsa, pero también conocido como El Diablo de la Salsa, apodo que le fue dado en Panamá.

Biografía[editar]

Origen[editar]

Inició su carrera musical relativamente tarde, a los 28 años de edad, luego de haber desempeñado, entre otros oficios, el de mecánico y taxista. Si bien se formó académicamente como topógrafo, nunca llegó a ejercer dicha profesión, dedicándose al transporte público como medio de sustento mientras incursionaba en varias agrupaciones musicales con diversa suerte. Su formación como intérprete del bajo fue autodidacta, siendo admirador de figuras artísticas como Benny Moré y la Sonora Matancera, sin embargo fue lo suficientemente buena como para lograr una posición de bajista con la agrupación que tocaba en la cervecería "La Distinción", en la que inicialmente solo cantaba en los coros, sin embargo, ante la ausencia del cantante principal del grupo antes de una presentación, D'León manifiesta su disposición para cubrir la vacante y dando fe de su conocimiento del repertorio se inicia como voz principal de la banda.3​

La Dimensión Latina[editar]

En 1972 el propietario del local donde Oscar se presentaba les anunció que prescindiría de sus servicios pues estaba en busca de una agrupación de mayor envergadura, una orquesta, posiblemente ante el furor que desde Nueva York hacía la naciente salsa, y debido a la inminente ampliación del local. D'León le ofrece al propietario la orquesta y así, Oscar fue junto al trombonista César Monges, de puerta a puerta, recolectando a algunos músicos con los que consideraba podía armar un conjunto con el que pudiera el local salir del apuro y acelera el proyecto de creación de la Dimensión Latina junto con los percusionistas Elio Pacheco y José Rodríguez, el trombonista José Antonio Rojas y el pianista Enrique "Culebra" Iriarte (que sería sustituido luego por Jesús Narváez). Se estrenan el 15 de marzo de 1972 en un ensayo en casa de Iriarte en La Guaira y debutan en "La Distinción". En ese mismo 1972 la orquesta graba su primer disco de larga duración bajo contrato con la empresa La Discoteca, C.A. y tiene su primer éxito, el tema "Pensando en ti", por injerencia del productor artístico del sello, Vìctor Mendoza, quien les incluyó dentro de su producción con El Clan de Víctor. Este primer éxito les lleva a ser contratados para participar en las fiestas del carnaval de Maracaibo. Vale acotar, que Víctor Mendoza fue quien le sugirió cambiar su apellido León por D'León.

En 1974 se une a la orquesta el bolerista Wladimir Lozano, logrando la dupla una serie de éxitos. El primer gran éxito después de "Pensando en ti", fue "Que bailen tós", luego llegó "La Piragua", y el primer éxito internacional fue "Llorarás", compuesto por el mismo Oscar. Los arreglos musicales de la orquesta siempre fueron de Monges y Oscar D'León. Éxitos como "La Vela", "Divina Niña", "Taboga", "Juancito Trucupey", "El frutero", "Parampampam" y "Dolor cobarde"4​ entre otros dieron renombre a la orquesta y a Oscar tanto en Latinoamérica como en otras latitudes.

Carrera solista[editar]

En 1976, en el punto más alto de popularidad, Oscar D'León confronta diferencias con el resto de los integrantes del grupo, por lo que se separa de la Dimensión Latina y forma su propia orquesta; "La Salsa Mayor" grabando su primer LP titulado "Con Bajo y Todo". De este disco, surgen éxitos comerciales como "Sin rencor" y "Tu no sabes ná".

Paralelamente a su Orquesta, forma "La Crítica", donde unido al talento de pianista, compositor y cantante Mauricio Silva, quien le compuso expresamente el tema "Se necesita rumbero" y quien le daría un matiz musical especial a su sonido, tanto que lo haría referencia obligada y acompañante ideal de soneros internacionales con los que alternó en Venezuela y otras partes del continente, destacándose en el "Festival de Soneros" (Caracas, 1980) al lado de Johnny Pacheco y Pete "Conde" Rodríguez, Daniel Santos y otros, que ya reconocían la calidad musical del intérprete venezolano. Se atrevió de hecho a grabar temas tradicionales cubanos, que versionó de forma particular, renovando mucho de los temas y "borrando" en ocasiones de la memoria colectiva las versiones originales de temas como "Mata Siguaraya", "Monta mi caballo", "El Manicero" y "Longina" entre otras.

En 1982 hizo una aparición como actor dentro del espacio televisivo "Fray Salsa", personificando a un sacerdote involucrado con la música. En 1983 viajó a Cuba, haciendo realidad su sueño de juventud, se presentó en el Anfiteatro de Varadero y luego lo hizo en La Habana, en los escenarios de la Ciudad Deportiva, el teatro Karl Marx y el rodeo del Parque Lenin. Si bien la gira representó una gran satisfacción personal para el intérprete, por otra parte le generó críticas de personas que interpretaron la gira como un apoyo al régimen cubano, sin importar que el mismo cantante hubiese manifestado con anterioridad su rechazo al gobierno de Fidel Castro y que su amor era por Cuba y por su música, a la que sentía que le debía toda su influencia.3​ Incluso su amistad con Celia Cruz se vio afectada durante un tiempo.5​ En cualquier caso, su visita a la isla contribuyó al renacer de la salsa en Cuba y pasado un tiempo las críticas se disiparon y D'León continuó su carrera en ascenso, añadiendo éxitos como "El baile del suavito", "El derecho de nacer", "Mis hijos", "A él" o "El cachumbambé", que lo colocaron de nuevo en los primeros lugares de las listas de ventas.

Luego de algunos problemas legales que lo llevaron momentáneamente a permanecer brevemente detenido y privado de libertad y ser cuestionado en los medios de comunicación, decidió cambiar su imagen y presencia, prescindiendo del calificativo de "El Diablo de la salsa" que se le había dado en Panamá. En 1986 reincide en la actuación, en esta ocasión dentro del film venezolano "Seguro está el infierno". En 1991, graba un disco esta vez al lado de la orquesta venezolana Los Blanco. De esta etapa es el tema "Que muchacho" y el disco "Auténtico" donde presentó un tema de su autoría que de inmediato se vistió de éxito, "Detalles" y un mix homenaje a Benny Moré, en el que versionaría los temas "Francisco Guayabal", "Que bueno baila usted" y "Bonito y sabroso".

Posteriormente inicia su salto internacional, llevando su música a países como Japón y a escenarios como el Madison Square Garden, el Poliedro de Caracas y el Teatro Teresa Carreño de la misma ciudad. Ya en esta etapa, el artista incorpora matices del denominado Jazz Latino a sus interpretaciones y se hace invitado permanente de los más importantes festivales de jazz en el mundo. En esta etapa, alterna y graba quienes habían sido sus ídolos de juventud: Celia Cruz, Eddie Palmieri y Tito Puente. Con estos dos últimos participa en el que se convertiría en la obra póstuma de Puente "Masterpiece/Obramaestra", donde interpreta los temas "Cielito lindo/Negrita" y "París Mambo".

Se presentó además como el compañero para cantantes de la nueva generación salsera que formaba parte, como él, del sello perteneciente a Ralph Mercado "RMM": La India con quien grabaría el tema "Hazme el amor" o José Alberto "El Canario" con quien grabaría "Llegó el sabor".

En 1988 participa en la celebración de los 50 años de carrera del músico dominicano-venezolano Billo Frómeta, actuación registrada en disco, interpretando "Ariel" y "Mamá yo quiero un cadete" con el acompañamiento de la orquesta Billo's Caracas Boys.

Ha recibido numerosos premios y honores. En 1996, con el álbum "Sonero del Mundo" en colaboración con el músico cubano Willy Chirino lo hace obtener la nominación para el Grammy, una de las 8 que hasta el 2005 había recibido, sin lograr ganar el6​

El 15 de marzo de 1998 la ciudad de Nueva York lo homenajeó nombrando esa fecha como el Día de Oscar D'León.7​

En el año 2000 participó en la banda sonora de la producción de Disney, "Las Locuras del Emperador"8​ grabando el tema "Mundo perfecto".

En el año 2001, al grabar su álbum Más que amor, Frenesí interpretó una versión del clásico bolero homónimo, esta vez como balada.

El 20 de diciembre de 2009 fue internado en la Unidad de Terapia Intensiva de una clínica de Caracas tras sufrir un infarto en Martinica del que se recuperó después que se le practicó un cateterismo.9​

El 23 de abril de 2013 sufrió un accidente doméstico acomodando un baúl en lo alto de un estante cuando este se cayó y golpeó su rostro, provocando una fuerte contusión ocular haciéndole perder el globo ocular izquierdo.

El 21 de noviembre de 2013 recibe el Premio Grammy Latino a la Excelencia por su trayectoria musical, reconociendo así el impacto de su actuación en el mundo, también ese mismo año recibiría el premio Grammy.10​

En 2015 celebraría 50 años de carrera artista.11​ Desde el 22 de febrero participó en la edición LVI Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar como jurado,12​ y también como invitado para cerrar el festival el 27 de febrero, donde recibió los Premios Antorchas y Gaviotas de Plata y Oro.13​ El 14 de mayo se declararía como el Dia de Oscar D' Leon en el estado de California como homenaje al cantante.14​

El 30 de septiembre de 2016 fue lanzando el sencillo "La Sandunguita"15​ una colaboración de Oscar d’León con Diego Amador, músico español con el que se conoció en el 2016. Oscar escuchó la canción, le gusto el concepto y fue sugerido para ser parte del proyecto, puso su voz en el demo y pidió que se la mandaran a Diego Amador. A Diego le encantó la energía de Oscar y lograron una gran conexión que aplicaron cuando grabaron las voces finales. "La Sandunguita" fue grabada en uno de los estudios más reconocidos de Miami. Su video promocional16​ de fue grabado en el 30 de agosto de 2016 en Miami por el director Ruben Martin,17​ un reconocido fotógrafo español, que a su vez fue el fotógrafo del disco del cual "La Sandunguita" hace parte, "Soy de las 3000" de Diego Amador.

Discografía[editar]

La siguiente es la discografía lo más exhaustiva posible de Oscar D'León tanto al frente de la Orquesta Dimensión Latina, La Crítica y su propia orquesta. Las siglas de los discos LP originales aparecen como información referencial.










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1950:

Nace Bonnie Pointer, cantante estadounidense, de la banda The Pointer Sisters.



Patricia Eva "Bonnie" Pointer (Oakland, California, 11 de julio de 1950-Los Ángeles, California, 8 de junio de 2020)1​ fue una cantante de música disco y soul estadounidense.

Carrera artística[editar]

Comenzó su carrera junto a sus hermanas en el grupo The Pointer Sisters a principios de los 70. En 1978 emprendió su carrera en solitario firmando con Motown. Ese mismo año se casó con el productor Jeffrey Bowen. En esta discográfica lanzó dos álbumes y numerosas versiones de los primeros éxitos de Motown. En la década de los 80 abandonó Motown, y hubo una gran disputa con su contrato. Se trasladó a Private I, donde en 1984 grabó el álbum "If the Price Is Right". En 1978 lanzó el sencillo "Heaven Must Have Sent You", y un año después "I can't help myself", reconocidos como dos éxitos de gran importancia en la escena disco de los años 80.2​









1950: 

Nace Bruce McGill, actor estadounidense.





Bruce Travis McGill (n. 11 de julio de 1950 en San Antonio) es un actor estadounidense. Graduado en arte dramático en la Universidad de Texas. Anteriormente estudió en el instituto Douglas MacArthur High School en la parte noroeste de San Antonio.

Sus trabajos más reconocidos en televisión son los de actor invitado en Miami Vice, Walker, Texas Ranger y MacGyver, donde interpretaba al mejor amigo de MacGyver, Jack Dalton. En la actualidad tiene un papel fijo en la serie Rizzoli & Isles, interpretando al sargento Vince Korsak.






1951:

Nace Mona, cantante escandinava del dúo “Mona y Luis”.




Este dúo se conoció en 1972 en Estocolmo, en unas vacaciones de Luis, que por entonces era estudiante de medicina y Mona, que era la recepcionista del hotel. Mónica, que ese es su verdadero nombre, es escandinava nació un 11 de julio de 1951; y Angel Luis, un salmantino, que han dado recitales por muchos países hasta llegar a España.

Mona, en solitario ganó un festival de la canción en Suecia. Al igual que Luis, que también venció en un festival en Salamanca.

En 1975, vinieron a España y se presentaron en Benidorm con la canción “Mañana será otro día”, letra de C. de la Iglesia y J. Canal con música de Alvaro Nieto, y consiguieron el cuarto premio.

Dos años más tarde en 1977, vuelven de nuevo al festival de Benidorm, con la canción “Marinero Cantor”, letra de Emilio José y música de Aniano Alcalde, y esta vez consiguen el segundo premio.

Nuevo año 1978, y nueva canción de Mona y Luis que vuelven a Benidorm por tercera vez, con la canción de Aniano Alcalde y Carmen Galeote “Sin querer ( no volveré )”

En 1980 Canción “Ayer y hoy” de la que son autores de la letra Ángel Luis Delgado y Ángel Rodríguez y la música de Ángel Luis Delgado.











1959: 

Nace Richie Sambora, músico estadounidense, de la banda de Bon Jovi.



Richard Stephen Sambora (nació el 11 de julio de 1959 en Perth Amboy, Nueva Jersey), de nombre artístico Richie Sambora. Está incluido en el Salón de la Fama de los compositores en el Reino Unido.
En 1983, vio a Jon Bon Jovi en vivo en Nueva Jersey. Al final del concierto, Sambora se acercó a Jon Bon Jovi y le dijo: "Yo soy el guitarrista que necesitas", y tras tocar varios minutos le convenció para entrar en la banda. Salta a la fama junto a su banda con el exitoso álbum Slippery When Wet (1986), del cual sale el single «Wanted Dead Or Alive», pero sobre todo Sambora se destaca por sus riffs y el solo de esta canción. La composición de las canciones de la banda Bon Jovi se debe en su mayoría al trabajo de Richie Sambora y Jon Bon Jovi.
En 1991 Sambora lanzó su disco en solitario Stranger In This Town (1991), con temas como «Rosie», «Ballad of Youth» o «Mr.Bluesman» (canción en la cual el solo es interpretado por Eric Clapton, haciéndose realidad uno de los sueños de Richie). Después de una gira de promoción de este disco, Bon Jovi se reúne en 1992 y graban «Keep The Faith». En 1994 contrajo matrimonio con la actriz Heather Locklear y tuvieron una hija, de nombre Ava. A principios del 2006, la pareja se separó en medio de diversos escándalos, una de las causas fue el escarceo amoroso de éste con la mejor amiga de su mujer, Denise Richards. Desde el 2009 forma parte del prestigioso «Songwriters Hall of Fame» (Salón de la Fama de los compositores) junto a su compañero de grupo Jon Bon Jovi. Es uno de los mejores guitarristas que hay en el mundo. Fue colocado en el puesto Nº 28 según la revista Total Guitar de los 100 mejores guitarristas de la historia.  Su solo de Wanted Dead or Alive está entre los 100 Mejores solos de guitarra de la historia.



https://www.youtube.com/watch?v=SRvCvsRp5ho


Richie ha lanzado tres discos como solista, Stranger In This Town (1991), Undiscovered Soul (1998) y Aftermath of the Lowdown(2012). También ha realizado colaboraciones con Eric Clapton, B.B. King, Eddie Van Halen o Bryan Adams, entre otros artistas




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1959: 

Nace Suzanne Vega, cantante estadounidense.



Suzanne Nadine Peck, más conocida como Suzanne Vega (Santa Mónica, Los Ángeles, 11 de julio de 1959), es una cantante y compositora estadounidense.
Vega es especialmente conocida por su éxito musical a fines de los años 1980 con las canciones «Luka» y «Tom's Diner», ambos sencillos de su segundo álbum Solitude Standing (1987), que alcanzaron el top 10 del Billboard Hot 100 y de otros países.











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1963: 

Nace Lisa Rinna, actriz estadounidense.



Lisa Deanna Rinna (nacida el 11 de julio de 1963) es una actriz y personaje público. Como actriz ha interpretado los roles de Billie Reed en Days of our Lives, Taylor McBride en Melrose Place, y ha sido la presentadora de Soap Talk. Además ha participado en los reality shows Dancing with the Stars y The Real Housewives of Beverly Hills.

Índice

·         1Carrera
o    1.1Actuación
o    1.2Animación
·         2Vida personal
·         3Créditos
o    3.2Cine
·         4Referencias
·         5Enlaces externos

Carrera[editar]

Actuación[editar]

En 1985, a sus 22 años de edad, Rinna apareció unos breves minutos en el video musical de la canción "Naughty Naughty" del cantante John Parr. Más tarde interpretó a "Annie Derrick", la novia del personaje de Jason Bateman, en cuatro episodios de la serie televisiva The Hogan Family, en 1990. En 1991, actuó en la película para televisión Lies Before Kisses y participó en un episodio de la serie Baywatch. También hizo un papel pequeño en la conocida serie de big time rush, interpretando a la señora diamond, madre de james diamond (james maslow).
Rinna consiguió captar la atención del país en 1992, cuando consiguió el papel de "Billie Reed" en el exitoso serial televisivo Days of our Lives. En el programa de la cadena NBCpermaneció hasta el año 1995, aunque retornó para interpretar el mismo rol entre los años 2002 y 2003. A finales de la década de 1990 se sumó al elenco protagónico de la serie dramática Melrose Place, desempeñando el papel de "Taylor McBride".














1965:
Nace Juan Carlos coronel, cantante, compositor y productor musical colombiano.



Juan Carlos Coronel Vargas (Cartagena, 11 de julio de 1965) es un cantante, compositor y productor musical colombiano.

Biografía[editar]

Juan Carlos nació en Cartagena de Indias y a los 6 años participó en un concurso intercolegiado de canto, a los siete años ganó el Festival de la Canción de las Empresas Públicas de su ciudad natal, compitiendo con 40 cantantes profesionales. Este triunfo le sirvió para hacer presentaciones en el Grill Portobelo, del Hotel Caribe; a los ocho años era el show central de los paseos turísticos de los yates Alcatraz por la bahía de Cartagena.
En 1976, con otros músicos, integró el grupo Casanova, de música tropical. Cuando cumplió 14 años, Wady Badrán lo llevó a Discos Fuentes y grabó su primer disco con el grupo Afrosound. Más tarde es contactado para grabar con Fruko y sus Tesos, al lado de Wilson Saoco y también con The Latin Brothers. Posteriormente entra a la agrupación El Nene y sus Traviesos, con la cual graba varios discos de larga duración, de música tropical. De esas grabaciones las más exitosas fueron: En 1985: “Patacón pisao”, “Se me cae, se me cae”, “El ventanal” En 1986: “Juan José”, “Me tiene aburrido (Arroz con manteca)”. En 1987: “Kikirimiau”. En 1989: “Baracaníguara”, “No la dejo de querer”. En 1990: “Ayer la ví”, “Y tú no estás”. Aquí termina esa etapa de música tropical que fue de gran sensación, sobre todo por “Patacón Pisao” de Ramón Chaverra, gran conocedor de la música colombiana —y de la costeña en particular—, tema que se convirtiera en un super hit que ha permanecido dentro de los hits de la época decembrina, poniendo como paradigma el éxito de Juan Carlos Coronel, que sonaba intensamente por la época, y que mantuvo su popularidad en años siguientes. En 1991 ocupó el segundo lugar en el Festival OTI de la canción con el tema "Consejos, canción a mi hijo". Luego vinieron en 1991 “Me estoy enamorando” y en 1992 “Amor en silencio”. Por esta época aparece en el ámbito de la balada.













1966:

Nace Jorge Luis Hortúa, cantante colombiano de música popular. (f. 2018).


El artista Jorge Luis Hortúa nació el 11 Julio de 1966 en el corregimiento de la Tulia, Valle del Cauca, su niñez transcurrió entre cafetales donde comienza a florecer sus dotes musicales interpretando canciones de Olimpo Cárdenas y Antonio Aguilar, las cuales cantaba a cambio de un canasto de café que le obsequiaban sus compañeros de recolección por escucharlo.
Su adolescencia la vivió en Roldadillo Valle, en donde estudió su primaria, a la edad de 14 años sus padres se separan y por tal razón se trasladan a Cali, donde conoció al señor Marino Rojas, músico y cantante con quien empezó a buscar en la música otra forma de generar ingresos.
Empezaron buscando Fuentes de soda, Cantinas y bares en donde los dejaran cantar, casi siempre regalaban la primera canción y la mesa que quisiera que cantaran otra vez les debían pagar $500 por canción; en ese ir y venir de canciones se les presentó la oportunidad de cantar en un centro artístico, de ahí en adelante comenzaron a devengar un sueldo fijo.
Empezó como músico de otros cantantes, hasta que se le presento la oportunidad de mostrar su talento, con canciones de José Miguel Class, para sorpresa suya, el público enloqueció y pedían a gritos otra, por esta razón su patrón lo convirtió en uno de sus cantantes de planta, además a partir de ese momento su sobrenombre fue El José Miguel Class Colombiano, bajo este seudónimo trabajó dos años.
En 1991 graba su primera producción “Se pierde o se gana” la cual se convirtió en un éxito a nivel nacional, esta canción fue número uno por varias semanas en las estaciones radiales de todo el país, su segundo sencillo se tituló “Por Iluso” que también se ubicó en primeros lugares, de este álbum también se conocieron canciones como “Mi Larga Espera” y “No Vuelvo a Querer” que fueron convirtiendo a Jorge Luis Hortúa en todo un suceso musical, llegando más éxitos musicales en su vida artística.
Para el año 2000, Jorge Luis Hortúa, decide retirarse de la música después de haber logrado conquistar los corazones de millones de colombianos, pero no sin antes grabar un mano a mano con Luis Alberto Posada el cual se convirtió en el adiós de uno de los más grandes del momento de la música popular.
En el año 2007 Jorge Luis Hortúa decide retomar el camino que había dejado y que más forma de reaparecer en las tarimas que en un superconcierto con los grandes de la canción popular.

Jorge Luis Hortúa, falleció el 12 de marzo del 2018 en un centro médico de Cali, por complicaciones médicas asociadas a una cirugía a la que fue sometido después de ser diagnosticado con cáncer de estómago.













1966: 

Nace Melanie Appleby, cantautora británica (f. 1990).







Melanie Appleby (Hackney, 11 de julio de 1966 - Westminster, 18 de enero de 1990) fue una cantante y compositora británica.
Participó en el dúo Mel y Kim (en los años ochenta) junto a su hermana Kim Appleby(1961-).

Índice

·         1Biografía
o    1.1Carrera
·         2Muerte
·         3Notas

Biografía[editar]

Appleby nació en Stoke Newington (un barrio de Londres, 5 km al norte del centro de la ciudad), de padre jamaiquino y madre inglesa.1​ Pasó una infancia pobre en Hackney, sus padres se separaron cuando ella tenía diez años (1976).
En el año 1984, a los 18 años de edad, se le diagnosticó un cáncer de hígado, pero se curó completamente gracias a la quimioterapia.

Carrera[editar]

Inicialmente trabajó como modelo profesional (incluso en 1987 ―con su carrera musical ya lanzada― hizo una sesión de fotos para la revista Mayfair).2​
En el año 1986, a los 19 años de edad, se unió a su hermana Kim Appleby para formar el dúo de pop Mel and Kim, disfrutando de considerable éxito en las listas durante la década de 1980 a mediados y fines. Estuvieron en las listas de éxitos entre los años 1986 y 1989, incluyendo un número uno en el Reino Unido con el single Respectable.3​4​

Lucha contra el cáncer[editar]

Al año siguiente, después de quejarse de dolores de espalda durante varios meses, en junio de 1987 ―durante una visita promocional a Japón ― Mel se enfermó de una supuesta hernia de disco. A su regreso al Reino Unido, se le diagnosticó un cáncer secundario (paraganglioma maligno) en la columna vertebral. Su hermana Kim se tomó el tiempo de su carrera para dedicarlo a cuidar a Melanie durante dos años y medio hasta su muerte, en enero de 1990.1​
Mientras Mel se sometía nuevamente a quimioterapia, las hermanas se retiraron de la publicidad y los escenarios. Para elaborar el video musical FLM se utilizaron escenas de la actuación del dúo en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza).
A fines de 1987, las hermanas difundieron que Mel tenía cáncer. A principios de 1988, Mel se dio de alta del hospital durante unos días para grabar las voces de su segundo álbum. Pero solo pudo grabar de su último single «That’s the way it is» (‘esa es la manera en que es’) y tuvo que internarse otra vez.
En abril de 1988 las dos hermanas aparecieron en el Wogan Show, mientras que Mel estaba aún en fase de tratamiento, en el marco de la Semana Europea contra el Cáncer.
En 1989, el single Respectable ―que habían grabado en 1987― llegó a número uno en las listas del Reino Unido.3​4​

Muerte[editar]


Tras varias sesiones de quimioterapia para tratar una metástasis del paraganglioma original, el sistema inmunológico de Appleby estaba demasiado debilitado. A fines de 1987, Appleby contrajo un simple resfriado, por lo que fue internada en un hospital en Westminster (Londres) donde murió de neumonía el 18 de enero de 1990, a los 23 años de edad. Está enterrada en el cementerio East Finchley.5​





1966: 

Nace Greg Grunberg, actor estadounidense.


Gregory Phillip Grunberg (11 de julio de 1966, Los Ángeles) es un actor de cine y televisión estadounidense, más conocido como Greg Grunberg. Está casado con Elizabeth Grunberg y tiene tres hijos.
Índice
·         1Biografía
·         2Carrera
·         3Referencias
·         4Enlaces externos
Biografía[editar]
Hijo de Sandy y Gerry Grunberg, nació el 11 de julio de 1966 en Los Ángeles, California.1​ Mientras cursaba la educación primaria y secundaria, Greg Grunberg actuó en varias obras de teatro y se graduó en la University High School de Los Ángeles. Después de estudiar empresariales en la Universidad Estatal de San Diego y en la Universidad de California, fundó una empresa de reparto de yogurt helado.2​ Ayudó a los productores cinematográficos Dino De Laurentiis y Joel Silver antes de comenzar a actuar.3​
Carrera[editar]
Es conocido por sus papeles como Sean Blumberg en Felicity (1998-2001). Pero su consolidación como actor no fue hasta Alias (2001-2006), serie original de la ABC donde hacía el papel de Eric Weiss, un agente de la CIA dedicado completamente a su trabajo. Ambas series fueron producidas por J. J. Abrams, su amigo desde la infancia. También realizó una aparición en la segunda temporada de la serie de FOX House. En 2006comenzó a formar parte del reparto de la serie de la NBC Héroes, en la que interpreta a Matt Parkman, un policía que posee como habilidad especial escuchar los pensamientos de los demás (telepatía).
Además de estos personajes, se le puede ver en pequeños papeles, como en la serie Lost, donde interpreta al piloto que se encontraba en la parte delantera del avión que había caído en plena selva, y también puede vérsele formando parte del grupo médico en la película El hombre sin sombra (2000). Antes tuvo un pequeño papel en la película BASEketball (1998). También se lo pudo ver en la serie Dr. House, en el capítulo número 14 de la 2.ª temporada interpretando a un esposo que se debate entre donar o no los órganos de su esposa fallecida.
Ha formado el grupo musical Band From TV junto con otros actores como Hugh Laurie(el doctor Gregory House en House) o James Denton (Mike de Desperate Housewives), con fines de recaudar fondos para asociaciones benéficas.4​
En 2010 fue co-protagonista junto a Josh Cooke y Odette Yustman de la película Sex Group (terapia sexual de grupo). Es una película en tono de humor que trata sobre un grupo de terapia para adictos al sexo.
En 2014 fue un personaje recurrente, en Mentes Criminales en la serie de tv de la CBS es el esposo de la agente especial Kate Callahan quien es Jennifer Love Hewitt
En 2015 interpreta a Snap Wexley, un breve papel como piloto rebelde en Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza
En 2016 apareció en el capitulo siete de la tercera temporada de The_Flash_(serie_de_televisión_de_2014), en el papel de detective de la policía.









1968:
Nace Matt Sherrod, baterista estadounidense, músico, y un ex miembro de la banda Crowded House.



Mateo Sherrod (nacido el 11 de julio de 1968) es un  baterista estadounidense, músico, y un ex miembro de la banda Crowded House . Sherrod se hizo conocido por primera vez como músico tocando la batería para el artista de rock Beck . En 2007, tras la muerte en 2005 del baterista de Crowded House , Paul Hester , Sherrod fue seleccionado como miembro de la reunión de la banda.

Historia [ editar ]

Matthew Jackson "Matt" Sherrod, nacido el 11 de julio de 1968, se crió en el sur de California . Después de haber estado interesado en la música desde temprana edad, comenzó a tocar la batería cuando tenía 9 años y el piano cuando tenía 12 años. [1]
A principios de 2007, tras la muerte de su baterista original Paul Hester, Neil Finn decidió reformar el grupo de rock Crowded House. La banda realizó audiciones para bateristas y Sherrod fue invitado a unirse, con la condición de que fuera un acuerdo permanente. Sherrod aceptó y se unió a la banda. Finn ha declarado en entrevistas que seleccionó a Sherrod por su habilidad musical, pero también por no estar demasiado familiarizado con la banda, su historia o su música, ya que esto le daría un nuevo ángulo a la banda. [2] En otra entrevista, Finn declaró "Matt es su propio hombre. Creo que eso fue lo que nos gustó de él y en realidad no sabía mucho sobre Crowded House, pero respondió a las canciones. Y se sintió muy emocionante para nosotros. La elección fue algo obvia al final ". [3]

Sherrod toca la batería en el álbum Time on Earth en cuatro pistas, incluido el sencillo principal " Don't Stop Now ". También contribuye coros a una canción del álbum. La banda regresó al estudio en 2008 [4] para comenzar a grabar un álbum completo que incorpora la nueva alineación. Este álbum se convirtió en Intriguer y fue lanzado el 11 de junio de 2010. Sherrod tocó con la banda a tiempo completo hasta 2011, apareciendo en cuatro últimos shows en 2016.







1972: 

Nace Michael Rosenbaum, actor estadounidense.



Michael Owen Rosenbaum (n. 11 de julio de 1972; Oceanside, Nueva York) es un actor estadounidense, conocido por interpretar a Lex Luthor en Smallville (The CW). 



Rosenbaum también ha actuado en películas y ha doblado a personajes animados, como por ejemplo a Wally West en la serie de animación de DC Comics La Liga de la Justicia.



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1974: 

Muere Pär Lagerkvist, escritor sueco, premio nobel de literatura en 1951 (n. 1891).


Pär Fabien Lagerkvist (Växjö, Småland, 23 de mayo de 1891 – Estocolmo, 11 de julio de 1974). Escritor sueco, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1951. Cultivó poemas, obras de teatro, novelas, cuentos y ensayos. Su obra se caracteriza por el pesimismo, la angustia, la indagación de la naturaleza humana y las constantes alusiones a la muerte.
Índice
·         1Biografía
·         2Su obra
·         3Ediciones en español
·         4Enlaces externos
Biografía[editar]
Pär Lagerkvist nació en 1891 en el seno de una familia campesina de la provincia de Småland. Sus padres eran de educación tradicionalista, con profundas bases religiosas en la fe cristiana. De 1910 a 1912 estudia arte y literatura en la Universidad de Upsala.
Su interés hacia el arte lo llevan a viajar a París, donde estudia arte y conoce el movimiento cubista y expresionista.
Durante la Primera Guerra Mundial, vivió en Dinamarca; allí escribió su primera obra teatral en 1917, llamada El último ser humano, así como Angustia, libro de poesía fuertemente inspirado en la guerra.
A su regreso a Suecia, en 1919 se convierte en crítico de teatro en Estocolmo, donde escribe numerosos ensayos en prensa. Al mismo tiempo, continúa su obra literaria, que le acarrearía una gran aceptación entre el público y una no menor influencia en la literatura de su país.
En 1940 sería llamado como miembro de la Academia Sueca. Ese mismo año recibe el título de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Gotemburgo, y en 1951 gana el Premio Nobel de Literatura.
Su obra[editar]
La obra de Lagerkvist se caracteriza por una fuerte calidad expresiva, influencia que adquirió quizás en París, donde conoció el movimiento expresionista. Aborda temas principalmente relacionados con la problemática del bien y el mal, que se reflejan en una obra cargada de pesimismo, ansiedad, crueldad, y en ocasiones de moralidad religiosa.
Entre los temas centrales de su obra se encuentra la cuestión fundamental del bien y del mal, que el autor examinó a través de figuras como el verdugo medieval, Barrabás, y el Judío Errante. En su moral, usó motivos y figuras de la tradición cristiana sin seguir las doctrinas de la Iglesia.
Algunas de sus obras publicadas en castellano son:
·         Angustia (Ångest, 1916), libro de poesía donde Lagerkvist, lleno de pesimismo, denuncia la violencia de la humanidad en las guerras, y la inutilidad de las mismas.
·         La Eterna sonrisa (Det eviga leendet, 1920), cuento fantástico que hace un balance de la vida cotidiana, aborda la inutilidad del materialismo, la necesidad del afecto y de un ser rector, así como la arrogancia del hombre pese a su fragilidad, y la superioridad de la muerte sobre los hombres. En esta obra, la muerte, con su sonrisa eterna es la verdadero gobernante de la humanidad. Los muertos, que son los protagonistas de esta historia, se sientan a conversar acerca de sus vidas, muchas veces mediocres, de sus virtudes y de sus defectos.
·         Estas cuestiones vuelven a ser tocadas en Historias Malignas (Onda sagor, 1924), colección de cuentos cortos llenos de ironía en donde Lagerkvist muestra su miedo ante la probable existencia de Dios, la banalidad de las personas ante la moral, el miedo a la muerte, y la falta de sentido de la vida. En una de estas historias, un niño se atemoriza de que exista un ser eterno, omnipresente e inquisidor ante el que no existe defensa alguna. En otra historia, la gente se divierte cuando presencia un suicidio que incluso es trasmitido por televisión.
·         El Enano (Dvärgen, 1944), es una obra donde el protagonista, un enano de la Italia renacentista, es la encarnación del mal, extremadamente cruel, ama la guerra y desdeña las debilidades humanas. Un ejemplo de la gran maldad que se puede albergar en el alma y la ruptura de la línea entre lo humano y lo bestial.
·         El Verdugo (Bödeln, 1933), expone el simbolismo del verdugo que ejecutaba la pena capital en la edad media. Es una crítica al totalitarismo, al racismo, a los actos de lesa humanidad, y en concreto al nazismo. El verdugo simboliza al poder de la muerte y el odio, una especie de Cristo salvador inmortal que encumbra a unos a costa de la muerte de otros, mientras que Dios es un ser lejano de piedra totalmente inactivo.

·         Barrabás (Barabbas, 1950) es quizás la novela más famosa de Lagerkvist. La novela se basa en la historia bíblica de la liberación del ladrón Barrabás en lugar de Jesucristo. El escritor imagina la vida de Barrabás después de su liberación. El criminal cree que fue salvado para difundir el mensaje de Jesús, pero en su lucha religiosa no entiende el porqué de las persecuciones ni la inacción de Dios para evitarlas. La obra fue llevada al cine por primera vez en 1953 con la dirección del director sueco Alf Sjöberg y en 1961, con Anthony Quinn de protagonista y dirección de Richard Fleischer.











Nace Marie Serneholt, cantante sueca, de la banda A*Teens.





Marie Serneholt (11 de julio de 1983) es una ex integrante del grupo de pop sueco A*Teens. Marie nació en Estocolmo, siendo educada dentro de una familia de clase media/alta. Es también la segunda ex integrante de A*Teens que presentó un single como solista, siendo Dhani el primero. Activa desde 1998-2012.

Índice

·         1A-Teens
o    1.12004/2005
·         2Su primer álbum
·         3Enjoy The Ride
·         4Segundo Disco
·         5Discografía
o    5.1Singles
o    5.2Videoclips
·         6Referencias
·         7Enlaces externos

A-Teens[editar]

En 1998, Serneholt firmó un contrato para grabar un disco con Stockholm Records (parte de Universal Music). Junto a ella estaban en aquel entonces sus compañeros Sara, Dhani y Amit. Juntos llegan a formar el grupo A*Teens. En 1999 lanzaron su primer single, con una canción de la banda legendaria ABBA, “Mamma Mia”, siendo el single con la posición número 1 en Suecia durante 8 semanas consecutivas, y el éxito fue similar en el resto del mundo. Antes del año 2000, el primer álbum de los A*Teens, “The Abba Generation” había vendido 4 millones de copias, y se convirtieron en una de las bandas suecas más aclamadas por todo el mundo. Después de 6 años juntos y más de 9 millones de álbumes vendidos, el grupo A-Teens se separó; después de lanzar su álbum “Greatest Hits” y hacer su último tour por Suecia.

2004/2005[editar]

Con los A*Teens yendo de forma separada, varios rumores comentaban que Serneholt sería la primera del grupo en seguir como solista. Estos rumores demostraron ser infundados cuando su ex-compañero Dhani Lennevald lanza su primer single en septiembre de 2004. Serneholt deseó probar suerte, pues según ella mientras pertenecía de la banda no podía hacerlo; así decide viajar alrededor del mundo, eligiendo vivir una vida normal con sus amigos y familia.
En 2005 la escogieron como la modelo de los cosméticos de Maybelline de línea Escandinavia. También dio su voz para las versiones suecas de las películas “Robots y Herbie: Fully Loaded”. Estos esfuerzos permitieron que Marie mantuviera un perfil con los medios suecos mientras no hacía música.

















1984: 

Nace Rachael Taylor, actriz australiana-estadounidense.



Rachael Taylor (Launceston, Tasmania, 11 de julio de 1984) es una actriz y modelo australiana.
Hizo su debut en el cine con el papel protagonista en el programa en vivo australiano HeadLand. Ente sus películas más recientes se encuentran Shutter junto a Joshua Jackson y la serie cinematográfica de Transformers.

Índice

·         1Filmografía
o    1.1Películas
·         2Referencias
·         3Enlaces externos

Filmografía[editar]

Películas[editar]

·         Crazy (2003)
·         Man-Thing: la Naturaleza del Miedo (2005)
·         See No Evil (2006)
·         Transformers (2007)
·         Shutter (2008)
·         Deception (2008)
·         Bottle Shock (2008)
·         Cedar Boys (2009)
·         Splinterheads (2009)
·         Ghost Machine (2009)
·         Guardians of Ga'Hoole (2010) (voice)
·         Red Dog (2011)
·         The Darkest Hour (2012)
·         The Loft (2015)
·         Arq (2016)

Televisión[editar]

·         The Mystery of Natalie Wood (2004)
·         Dynasty: The Making of a Guilty Pleasure (2005)
·         Grey's Anatomy (2010-2011)
·         Los ángeles de Charlie (2011)
·         666 Park Avenue (2012)
·         Crisis (2014)

·         Jessica Jones (2015)(2017)(2019)








1989: 

Muere Laurence Olivier, actor británico.




Laurence Kerr Olivier,(Reino Unido; 22 de mayo de 1907 - Steyning, Reino Unido, 11 de julio de 1989) fue un actor y directorbritánico catalogado por ciertos críticos como el más grande actor del siglo XX. Trabajó a lo largo de su vida en 120 obras teatrales, 60 películas y 15 series de televisión. Recibió en 1989 el premio Óscar por toda su carrera profesional.
Hijo de un sacerdote anglicano, a los 10 años llama la atención al interpretar a Bruto en la representación teatral de Julio Césarde William Shakespeare. Siete años más tarde interrumpe sus estudios en Oxford, para estudiar Arte Dramático en Londres. A finales de los años 20, debuta como actor de teatro y no tarda en convertirse en un gran especialista en Shakespeare. Durante la década de los treinta llega a ser una de las principales figuras de la compañía del famoso Old Vic Theatre, mientras desarrolla una carrera como actor de cine en varias películas británicas. Llega a Hollywood y se convierte en un actor de películas románticas debido a su Heathcliff de Cumbres Borrascosas dirigido por William Wyler y a su Max de Winter en Rebeca de Alfred Hitchcock.
La II Guerra Mundial interrumpe esta ascendente trayectoria y le lleva a intervenir en diferentes películas de propaganda bélica, el documental Los conquistadores del aire de los hermanos Korda, la obra de ficción Lady Hamilton o Los invasores de Michael Powell. En 1944 dirige Enrique V, personal visión de la tragedia de Shakespeare y por la que consigue varios Óscar en 1946. Su éxito le ayuda a dirigir y protagonizar Hamlet un nuevo éxito que le hace ganar el León de Oro en el Festival de Venecia, el Óscar a la mejor película y al mejor actor. En los años 50 dirige el Old Vic Theatre y dedica su tiempo al teatro, aunque vuelve a Hollywood para protagonizar Carrie de William Wyler y para terminar su trilogía shakesperiana con Ricardo III, que no logra el éxito de las anteriores. Laurence Oliver, ganó fama como un actor muy versátil de interpretaciones sólidas y marcadas por un personal estilo psicológico.
En los sesenta dirige la England's National Theatre Company y cierra su carrera como director con El príncipe y la corista, una comedia con Marilyn Monroe como protagonista y él como partenaire; y Tres hermanas, una adaptación del clásico de Antón Chéjov. Además interviene como actor en películas entre las que destacan Espartaco, donde da vida al cónsul Craso y es dirigido por Stanley Kubrick; El animador, de Tony Richardson; Las sandalias del pescador, con Anthony Quinn o El rapto de Bunny Lake, de Otto Preminger. Tras conseguir todo tipo de honores y ser un mito del teatro británico, en los años setenta y ochenta se limita a hacer papeles secundarios en películas de renombre como La huella, en la que tiene un enorme duelo interpretativo con Michael Caine, Marathon Man de John Schlesinger o Los niños del Brasil de Franklin J. Schaffner, inquietante película sobre el doctor nazi Joseph Mengele (interpretado por Gregory Peck), en el que interpreta a un cazanazis retirado (inspirado en la figura de Simon Wiesenthal).


En los años setenta protagoniza una serie de películas para televisión entre las que sobresale Amor entre ruinas con Katharine Hepburn y por la que gana un premio Emmy, y la miniserie Jesús de Nazaret, donde encarna a Nicodemo, logrando otra destacada labor.
¿Qué es en el fondo actuar sino mentir?, ¿y qué es actuar bien sino mentir convenciendo? Un actor debe ser capaz de crear el universo en la palma de su mano.
Laurence Olivier
Casado en segundas nupcias con Vivien Leigh con quien mantuvo una relación tormentosa, se divorcia para casarse con la actriz británica Joan Plowright.
Al morir Vivien, Laurence se encontraba en el Hospital afectado por una enfermedad, pero al ser avisado de la noticia sobre su exesposa pidió el alta voluntaria y acudió inmediatamente al lado de Vivien. Él mismo relata en sus memorias que permaneció junto a ella a solas «pidiéndose perdón por todo el daño que se habían hecho». Siempre la recordaría como el gran amor de su vida.
Laurence fue cremado, y sus cenizas fueron sepultadas en la Abadía de Westminster.





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1996: 

Nace Alessia Cara, cantante canadiense.


Alessia Caracciolo (Brampton, Ontario; 11 de julio de 1996), más conocida como Alessia Cara, es una cantante y compositora canadiense.1​ Después de grabar algunas versiones acústicas, firmó con Def Jam Recordings y lanzó su sencillo debut "Here" el 13 de noviembre de 2015, que alcanzó el número 19 en la lista de los Canadian Hot 100 y fue un éxito inesperado en Estados Unidos, logrando el número 5 en el Billboard Hot 100.2​ Antes de su trabajo con EP y Def Jam, Cara era conocida por cantar versiones acústicas en YouTube.3​
El álbum debut de Cara, Know-It-All (2015), alcanzó el número 8 en el Canadian Albums Chart y el número 9 en el Billboard 200 en Estados Unidos. El tercer single del álbum, "Scars to Your Beautiful", logró el número 8 en la lista Billboard Hot 100 en 2016. En 2017 colaboró con el productor Zedd para crear el sencillo "Stay", y con el rapero Logicpara colaborar con su canción "1-800-273-8255". Cara recibió su primer "Grammy" en 2018, por la categoría "Mejor Artista Nuevo".
En este mismo año colabora con el cantante Eros Ramazzotti en el tema “Vale per sempre” (Vale per sempre), incluido en el álbum “Hay vida” (Vita ce n’è) del músico italiano, que verá la luz el 23 de noviembre de 2018.










1999:

Muere Papo, cantante de origen dominicano, integrante del dúo de merengue house y hip-hop “Sandy y Papo”.



 Luis Deschamps, "Papo MC" Papo MC

Muerte En el año 1982 cuando el grafiti y el break dance se encontraban en plena moda en los Estados Unidos Papo MC recibió esta influencia y comenzó a bailar break dance (el cual era conocido en República Dominicana con el nombre de "electro-boogie"), en diferentes grupos locales de rap, llegando inclusive a ganar varias competencias a nivel nacional. En 1987 empezó a inspirarse e inició la composición de música de este género, tomando la vertiente del "rap callejero", y formó un grupo llamado "BMCP", el cual se encontraba integrado por varios amigos. Lograron participar en varios conciertos y tuvieron actuaciones en Clubs y en diferentes programas de TV. En 1991 se mudó a la ciudad de Nueva York, donde meses más tarde se encontró con su amigo Sandy MC. Más adelante en 1995 juntos deciden formar el dúo de merenhouse Sandy y Papo.

Muerte: 


El 11 de julio de 1999, Papo falleció a sus 26 años de edad al chocar con un árbol mientras viajaba en un automóvil con tres amigos en la Autopista de las Américas en Santo Domingo Este.













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2014: 

Muere Tommy Ramone, baterista húngaro-estadounidense de Ramones (nacido en 1952).



Tamás Erdélyi, más conocido como Tommy Ramone o Thomas Erdélyi (Budapest, Hungría; 29 de enero de 19491-Queens, Nueva York, Estados Unidos; 11 de julio de 2014), fue el primer baterista y miembro fundador de la banda Punk rock Ramones. Tommy fue el responsable de recomendar que Joey Ramone abandonara la batería para cumplir el rol de vocalista. Participó en la banda hasta 1978 cuando grabó su último álbum de estudio, Rocket to Russia. Fue reemplazado por Marky Ramone.
https://www.youtube.com/watch?v=iymtpePP8I8
Su actividad en la banda, si bien fue corta, ayudó a conformar el espíritu de Ramones. Un ejemplo de esto es el haber compuesto el tema "Blitzkrieg Bop", considerado por muchos fanáticos como el mejor del grupo e incluso definido en muchas ocasiones por la crítica como la primera canción del punk. Después de algún tiempo de su partida regresó a la banda, ya no como miembro sino como productor y editor de sus discos.
Se destacó también por la invención de un estilo de batería que luego fue tomado por los posteriores bateristas de la banda.
Su último proyecto musical fue la banda de bluegrass Uncle Monk junto a Claudia Tienan.
El 11 de julio de 2014, falleció a la edad de 65 años en Queens, Nueva York como consecuencia del colangiocarcinoma (cáncer de vías biliares) siendo el último miembro fundador de la banda Ramones que quedaba con vida







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2016: 

Muere Emma Cohen, actriz española (nacida en 1946).




Emmanuela Beltrán Rahola, más conocida como Emma Cohen (Barcelona, 21 de noviembre de 1946-Madrid, 11 de julio de 2016),1 fue una actriz y escritora española…
En televisión se la recuerda por dar vida a la Gallina Caponata en la versión española del espacio infantil Barrio Sésamo (1979-1980). Este personaje alcanzó enorme popularidad y es aún recordado, pero dado que la actriz actuaba con un disfraz de cuerpo entero que le ocultaba el rostro, los niños no sabían su identidad.
Ha participado además en las series El conde de Montecristo (1969), Tres eran tres (1973), Juan soldado (1973), El pícaro (1974), Curro Jiménez (1976), El juglar y la reina(1978), Gatos en el tejado (1988) y Delirios de amor (1989).





2023:

Muere

Milan Kundera (/'mɪlan 'kundɛra/ Brno, 1 de abril de 1929-París, 11 de julio de 2023)1​ fue un novelista, escritor de cuentos cortos, dramaturgo, ensayista y poeta checo.2​ Desde 1975 residió con su esposa en Francia, cuya ciudadanía adquirió en 1987.

La obra más conocida de Kundera es La insoportable levedad del ser. Antes de la Revolución de Terciopelo de 1989, el régimen comunista de Checoslovaquia prohibió sus libros. Llevó una vida de bajo perfil y rara vez hablaba con los medios. Se pensaba que era un candidato para el Premio Nobel de Literatura, y también fue nominado para otros premios.3​

Recibió el Premio Jerusalén de 1985, el Premio Austriaco de Literatura Europea en 1987 y el Premio Herder de 2000. En 2021, recibió la Orden al Mérito de manos del presidente de Eslovenia.4​

Biografía[editar]

Milan Kundera nació en Moravia en 1929, hijo del musicólogo y pianista Ludvik Kundera (1891-1971), quien fue discípulo de Leoš Janáček y ejerció como director de la Academia de Música de Brno hasta 1961. De joven estudió musicología y composición musical, siendo numerosas las influencias y referencias a la música a lo largo de su obra literaria.

Al concluir sus estudios secundarios, comenzó a estudiar literatura y estética en la Universidad Carolina de Praga, pero después de dos semestres se cambió a la Facultad de Cine de la Academia de Praga, donde finalizó sus estudios en 1952. Enseñó historia del cine en la Academia de Música y Arte Dramático desde 1959 a 1969, y posteriormente en el Instituto de Estudios Cinematográficos de Praga.

Al término de la Segunda Guerra Mundial, Milan Kundera se había afiliado al Partido Comunista, pero luego sería expulsado del mismo en 1950, junto a su amigo Jan Trefulka, por presuntas actividades contra el partido.

Jan Trefulka reflejó el incidente en su obra Les llovió la suerte (Pršelo jim štěstí, 1962), y el propio Kundera utilizó dicho episodio como inspiración en su novela La broma (Žert, 1967).5​

En 1967 se casó con Vera Hrabankova y un año más tarde, a consecuencia de la invasión soviética a su país, sus obras fueron prohibidas en Checoslovaquia y quedó desempleado. Tuvo que ganarse la vida con diversas ocupaciones, particularmente como pianista de jazz, instrumento que su padre le había enseñado a tocar a muy temprana edad.

Readmitido en el Partido Comunista en 1956, fue definitivamente expulsado en 1970, al haber estado relacionado —junto a otros escritores checoslovacos, como Pavel Kohout— en los acontecimientos de la Primavera de Praga.5​

En 1975, Kundera emigró a Francia y, entre ese año y 1980, enseñó literatura comparada en la Universidad de Rennes y, más tarde, en la École des Hautes Études de París. Desde 1993 escribió sus obras en francés.

Obra[editar]

Su primera novela, La broma (Žert), una sátira del comunismo estalinista, ha sido traducida a veintiún idiomas y obtuvo en 1968 el Premio de la Unión de Escritores Checoslovacos. Catalogada por Louis Aragón como «una de las mayores novelas de nuestro siglo», es, según el propio autor, una novela de amor; la obra trata de una broma —una chanza fútil y mal comprendida— en un mundo que ha perdido el sentido del humor, estando encuadrada la comedia privada en el gran espectáculo de la política.6​

La vida está en otra parte (Život je jinde, 1969) fue galardonada con el Premio Médicis a la mejor novela extranjera publicada en Francia durante el año de su aparición (1973). En esta novela, cada capítulo es narrado en modo diferente: algunos como narración «continua» —con vínculo causal entre los capítulos—, otros como narración onírica y otros como narración «polifónica» —donde el devenir del protagonista se entrecruza con episodios paradigmáticos de la vida de poetas como Rimbaud o Lérmontov.7​

Su siguiente novela, La despedida (Valčík na rozloučenou, 1973), obtuvo el Premio Mondello al mejor libro editado en Italia.

En 1981, el conjunto de la obra de Kundera mereció en Estados Unidos el Commonwealth Award, premio otorgado simultáneamente al conjunto de la obra dramática de Tennessee Williams. Ese mismo año, la publicación de El libro de la risa y el olvido (Kniha smíchu a zapomnění) le valió la revocación de su ciudadanía checoslovaca. Dicha obra constituye una inusual mezcla entre novela, colección de relatos y reflexiones del autor, donde se relatan las vicisitudes de varios ciudadanos checoslovacos que se oponen al régimen comunista de diversas maneras.5​ En El libro de la risa y el olvido, el escritor define por primera vez el concepto de lítost, palabra de origen checo que se traduce al castellano como 'autoconmiseración'. Describe la lítost como «un estado de padecimiento producido por la visión de nuestra propia miseria puesta repentinamente en evidencia cuando nos comparamos con otro».8​

En 1982, recibió el Premio Europa de Literatura. Publicó en 1984 La insoportable levedad del ser (Nesnesitelná lehkost bytí), considerada su obra maestra. El libro narra la fragilidad del destino de una persona, resaltando cómo la vida de un solo individuo carece de importancia dentro del concepto del eterno retorno de Nietzsche, ya que, en un universo infinito, todo se repite una y otra vez. Por otra parte, la novela es considerada como un referente a la hora de intentar comprender la disidencia vivida en Europa del Este durante la Guerra Fría. La obra fue llevada al cine por el director estadounidense Philip Kaufman en 1988.

En 1985 obtuvo el Premio Jerusalén, galardón que se concede a escritores cuyo trabajo haya destacado en la lucha por la libertad dentro de la sociedad actual. Su última novela en lengua checa, La inmortalidad (Nesmrtelnost, 1990), es más cosmopolita que sus anteriores trabajos. Posee un contenido más explícitamente filosófico y menos político, y marca el tono de posteriores novelas. Entre estas cabe destacar La lentitud (La Lenteur, 1994), La identidad (L'Identité, 1998) y La ignorancia (L'Ignorance, 2000).9​

En 2006 se publicó por primera vez en su país La insoportable levedad del ser, veintidós años después de que se editara en París; y, al año siguiente, recibió el Premio Nacional Checo de Literatura, en cuya entrega no estuvo presente aduciendo problemas de salud.10​ En 2010 fue nombrado duque de Amarcord por el Rey Xavier I (Javier Marías), convirtiéndose así en el primer escritor checo en obtener título nobiliario en el ficticio Reino de Redonda.

Su última obra, La fiesta de la insignificancia (La fête de l'insignifiance, 2014), si bien es una novela, también ha sido considerada como un trabajo de ensayo, introspección y teología. En ella, el autor asocia el humor con la insignificancia, entendiendo que esta insignificancia no implica mediocridad, sino que, por el contrario, supone una mirada lúcida que invita al mundo a reconciliarse con su imperfección.11​

Fue mencionado con frecuencia como nominado al Premio Nobel de Literatura.12​

El 21 de septiembre de 2020 le fue otorgado el Premio Franz Kafka en reconocimiento a su trayectoria literaria. El jurado aclaró: «Su obra representa no sólo una contribución extraordinaria a la cultura checa […] sino que ha tenido un eco en la cultura europea y mundial, después de haberse vertido en más de 40 idiomas».13​ Al tiempo que le fue devuelta su nacionalidad checa.

Estilo literario[editar]

Aunque cabe calificar los primeros trabajos poéticos de Milan Kundera como procomunistas, se considera que sus novelas escapan a la clasificación ideológica. El propio Kundera prefería ser catalogado simplemente como novelista, y no como escritor político y disidente. Su estilo narrativo se inspira en las novelas de Robert Musil y en la filosofía de Friedrich Nietzsche, aunque también es patente la influencia de autores como Laurence Sterne, Henry Fielding, Denis Diderot, Witold Gombrowicz, Hermann Broch, Franz Kafka, Martin Heidegger y en especial Miguel de Cervantes.5​

Las primeras novelas de Kundera abordan los aspectos trágicos y cómicos del totalitarismo. El humor negro presente en sus textos sugiere una fuerte influencia de Kafka. No obstante, Kundera nunca consideró sus trabajos como comentarios políticos; según palabras del propio autor: «La condena del totalitarismo no merece una novela». De hecho, se consideraba a sí mismo un escritor sin un mensaje.5​

En toda la obra de Kundera resultan más importantes las palabras que conforman o modelan sus personajes que el aspecto físico de los mismos. En su ensayo El arte de la novela (1986), el autor comenta que la imaginación del lector completa de forma automática la visión del escritor. Como escritor, prefiere centrarse en lo esencial, dado que, para él, los aspectos físicos no resultan indispensables para la comprensión de los personajes; el aspecto físico e incluso el mundo interior o psicológico no constituyen la esencia de sus protagonistas.5​

El ensayista François Ricard ha observado que los textos de Milan Kundera deben ser considerados como conjunto. Existen temas y metatemas a lo largo de la totalidad de su obra, y cada nuevo libro manifiesta la última etapa de su filosofía personal. Entre sus metatemas se incluyen el exilio, la identidad, la vida más allá de las fronteras —más allá del amor, del arte o de la seriedad—, el concepto del eterno retorno, así como el placer de llevar una vida «menos importante». Para Ricard: «Kundera ha contribuido al resurgimiento de la novela, salvando a la novela de la banalización».14​

Muchos de los personajes de Kundera están planteados con el fin de exponer los temas anteriores. Así, los datos específicos en lo que respecta a los personajes tienden a ser bastante vagos. Al finalizar la quinta parte de La insoportable levedad del ser, escribió lo siguiente:15​

Como dije ya, los personajes no nacen como los seres humanos del cuerpo de su madre, sino de una situación, una frase, una metáfora en la que está depositada, como dentro de una nuez, una posibilidad humana fundamental que el autor cree que nadie ha descubierto aún o sobre la que nadie ha dicho aún nada esencial. ¿Acaso no es cierto que el autor no puede hablar más que de sí mismo […] todas esas situaciones las he vivido yo mismo, sin embargo de ninguna de ellas surgió un personaje como el que soy yo, con mi curriculum vitae. Los personajes de mi novela son mis propias posibilidades que no se realizaron.

Con frecuencia son varios los protagonistas que aparecen en una novela, incluso hasta el punto de llegar a descartar por completo a uno de ellos, reanudándose la trama con un nuevo personaje.5​




2024:

Muere Shelley Duvall, actriz estadounidense.




Shelley Alexis Duvall (Houston, Texas, 7 de julio de 1949 - Blanco, Texas, 11 de julio de 2024)1​ fue una actriz estadounidense. Sus galardones incluyen un premio del Festival de Cine de Cannes a la Mejor Actriz, un Premio Peabody, dos nominaciones al Premio Emmy y una nominación al Premio BAFTA.

Nacida en Texas , Duvall comenzó a actuar después de ser descubierta por el director Robert Altman , quien quedó impresionado con su presencia alegre y la eligió para la película de comedia negra Brewster McCloud (1970). A pesar de sus dudas sobre convertirse en actriz, continuó trabajando con Altman, apareciendo en McCabe & Mrs. Miller (1971) y Thieves Like Us (1974). Su gran avance se produjo con la película de culto de Altman Nashville (1975), y obtuvo un amplio reconocimiento con el drama 3 Women (1977), también dirigido por Altman, por el que ganó el premio del Festival de Cine de Cannes a la mejor actriz y obtuvo una nominación en los Premios BAFTA. Ese mismo año, apareció en un papel secundario (como escritora de Rolling Stone) en la comedia romántica satírica de Woody Allen, Annie Hall (1977), ganadora del Premio Oscar a la Mejor Película y también presentó en Saturday Night Live.

En la década de 1980, Duvall se hizo famosa por sus papeles principales, que incluyen a Olivia en la versión de acción real de Popeye (1980) de Altman y a Wendy Torrance en la película de terror de Stanley Kubrick, The Shining (1980). Se aventuró en la producción de programación televisiva dirigida a niños y jóvenes en la segunda mitad de la década de 1980, en particular creando y presentando los programas Faerie Tale Theatre (1982-1987), Tall Tales & Legends (1985-1987) y Nightmare Classics (1989).

Duvall trabajó esporádicamente en la actuación a lo largo de la década de 1990, en particular interpretando papeles secundarios en el thriller de Steven Soderbergh The Underneath (1995) y la adaptación de Henry James, Portrait of a Lady (1996), dirigida por Jane Campion.

Durante muchos años, Duvall se mantuvo alejada de los medios públicos, manteniendo su vida personal en general en privado; sin embargo, sus problemas de salud obtuvieron una importante cobertura mediática. Después de una pausa de 20 años en la actuación, Duvall comentó que volvería a actuar en una próxima película de terror, titulada The Forest Hills dirigida por Scott Goldberg.2​Duvall falleció el 11 de julio, de 2024 en su casa en Blanco, Texas, por complicaciones provocadas por la diabetes que padecía.3​

Biografía y carrera[editar]

1949-1970: primeros años[editar]

Shelley Alexis Duvall nació el 7 de julio de 1949, en Fort Worth, Texas, siendo hija de Bobbie Ruth Crawford (de soltera Massengale, 1929-2020), una realtor inmobiliaria, y Robert Richardson "Bobby" Duvall (1919-1994), un subastador de ganado convertido en abogado (que no debe confundirse con el actor Robert Duvall, con quien Shelley no está relacionada). Duvall tiene tres hermanos menores: Scott, Shane y Stewart.4​

Duvall pasó sus primeros años viviendo en varios lugares de Texas debido al trabajo de su padre, antes de que la familia se estableciera en Houston cuando ella tenía cinco años. Duvall era una niña artística y enérgica, y finalmente se ganó el apodo de "Manic Mouse" de su madre. También se interesó por la ciencia a una edad temprana y, cuando era adolescente, aspiraba a convertirse en científica. 5​ Después de graduarse de Waltrip High School en 1967, Duvall vendió cosméticos en Foley's y asistió al South Texas Junior College , donde se especializó en nutrición y dietoterapia.6​

1970-1976: Inicios como actriz[editar]

Alrededor de 1970, conoció a Robert Altman en una fiesta mientras él filmaba Brewster McCloud (1970) en locaciones de Texas. Varios miembros del equipo de la película quedaron fascinados por la presencia alegre y la apariencia física única de Duvall, y le pidieron que fuera parte del largometraje. Duvall reflexionó sobre su compromiso con el proyecto: "Me cansé de discutir y pensé que tal vez era actriz. Me dijeron que viniera y simplemente me subí a un avión y lo hice. Me quedé impresionada". Duvall nunca había abandonado Texas antes de que Altman le ofreciera un papel. Ella voló a Hollywood y posteriormente apareció en la película.

Duvall junto a Keith Carradine en una escena de Nashville (1975)

Posteriormente, Altman eligió a Duvall para papeles como una novia insatisfecha por correo en McCabe & Mrs. Miller (1971), y la hija de un convicto y amante del personaje de Keith Carradine en Thieves Like Us (1974). Duvall apareció como una groupie distraída en la comedia coral de Altman Nashville (1975), que fue un éxito comercial y de crítica, y una mujer comprensiva del Salvaje Oeste en Buffalo Bill and the Indians, o Sitting Bull's History Lesson (1976). También presentó una velada de Saturday Night Live y apareció en cinco sketches: "Programming Change", "Video Vixens", "Night of the Moonies", "Van Arguments" y "Goodnights".

1977-1980: reconocimiento internacional[editar]

En 1977, Duvall interpretó a Mildred "Millie" Lammoreaux en el thriller psicológico 3 Women de Robert Altman y actuando junto a Sissy Spacek, que retrataba a una mujer que vivía en un lúgubre pueblo del desierto de California. Aunque había un guion escrito, Duvall, al igual que otros miembros del elenco, improvisó muchas de sus líneas. A pesar de que la película no fue un gran éxito de taquilla, recibió elogios de la crítica, y la actuación de Duvall fue elogiada. Los críticos del Texas Monthly Marie Brenner y Jesse Kornbluth elogiaron a Duvall por su "actuación extraordinaria". Su actuación le valió el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes de 1977 y el Premio LAFCA a la Mejor Actriz , además de una nominación al BAFTA 7​. Luego apareció en un papel menor en Annie Hall (1977) de Woody Allen, actuando junto al mismo Allen y Diane Keaton.

En Bernice Bobs Her Hair (1977)

El siguiente papel de Duvall fue el de Wendy Torrance en The Shining (1980), dirigida por Stanley Kubrick y actuando junto a Jack Nicholson. En el documental de 2001 Stanley Kubrick: A Life in Pictures, Nicholson mencionó que fue fantástico trabajar con Kubrick, pero que era "un director diferente" con Duvall. Debido a la naturaleza metódica de Kubrick, la fotografía principal tardó un año en completarse. El guion de la película se cambiaba con tanta frecuencia que Nicholson dejó de leer cada borrador. Kubrick se enfrentó a sus actores y discutía continuamente con Duvall. Luego, Kubrick aisló intencionalmente a Duvall y realizó tomas agotadoras, como la escena del bate de béisbol, que había repetido 127 veces8​. Posteriormente, Duvall le presentó a Kubrick mechones de cabello que se le habían caído debido al estrés extremo de la filmación. Durante los últimos nueve meses de rodaje, dijo que el papel le exigía llorar 12 horas al día, cinco o seis días a la semana, y mencionó que "era muy difícil estar histérica durante tanto tiempo". En una entrevista con Roger Ebert , ella también dijo que hacer la película era "casi insoportable. Pero desde otros puntos de vista, realmente muy agradable, supongo".9​

Mientras Duvall estaba en Londres filmando la película de Kubrick, Robert Altman la eligió para interpretar a Olivia en su adaptación cinematográfica de Popeye, junto a Robin Williams. La película fue un éxito comercial, pero recibió críticas negativas. Sin embargo, Duvall fue elogiada por su actuación. La película ha sido revaluada positivamente en las décadas transcurridas desde su estreno. El crítico de cine Roger Ebert dijo que era un papel para el que "nació". "Shelley Duvall es como una preciosa pieza de China con una personalidad tintineante. Se ve y suena como casi nadie más, y si es cierto que nació para interpretar el personaje de Olivia (y lo hace en el nuevo musical de Altman, Popeye), También es cierto que posiblemente haya interpretado más tipos de personajes realmente diferentes que casi cualquier otra joven actriz de los años 1970".10​

1981-2016: televisión, producción y vida posterior[editar]

A inicios de los ochenta, Duvall trabajó en programas y series infantiles para televisión como Faerie Tale Theatre entre 1982 y 1987, producida por ella y en la que presentaba diversos cuentos de hadas. Sus programas infantiles Tall Tales and Legends y Bedtime Stories, también interpretados y producidos por ella, fueron nominados a los premios Emmy en 1988 y 1992 respectivamente.11​ Posteriormente ha actuado en series adultas como Frasier o La ley de los Ángeles.

Duvall vivió alejada de los focos desde que protagonizó Manna from Heaven en 2003, y se retiró a un rancho de Texas, su estado natal, con su pareja desde 1989, el músico Dan Gilroy. En 2016 se desató la polémica por su aparición en un programa de la televisión estadounidense que exhibió sin reparos a la actriz en un delicado estado de salud físico y mental. Tras la emisión del programa, el realizador Lee Unkrich, director de Toy Story 3, que estaba escribiendo un libro sobre El resplandor y llevaba años buscándola, se reunió con ella y confirmó que Duvall era capaz de mantener largas conversaciones coherentes.2​

2022-2023: regreso a la actuación[editar]

Después de una ausencia de 20 años, en 2022 actuó en la película The Forest Hills del director Scott Goldberg, una película independiente de suspenso y terror coprotagonizada por Edward Furlong , Chiko Mendez y Dee Wallace, cuyo estreno fue previsto para 2023.12​

Vida personal[editar]

Duvall se casó con el artista Bernard Sampson en 1970, pero su matrimonio se desintegró cuando la carrera actoral de Duvall se aceleró, lo que llevó a su divorcio en 1974. Mientras filmaba Annie Hall en Nueva York en 1976, Duvall conoció al cantante y compositor Paul Simon. La pareja inició una relación y vivieron juntos durante dos años. Su relación terminó cuando Duvall le presentó a Simon a su amiga, la actriz Carrie Fisher; Fisher empezó a salir con Simon.13​ Duvall ha estado en una relación con el músico y ex vocalista principal de Breakfast Club, Dan Gilroy, desde 1989. La pareja comenzó su relación mientras coprotagonizaban el programa de Disney Channel, Mother Goose Rock 'n' Rhyme, que también fue producido por Duvall.

Muerte[editar]

El 11 de julio de 2024, cuatro días después de haber cumplido 75 años de edad, Duvall falleció en su casa de Blanco, Texas, mientras dormía, debido a complicaciones de la diabetes que padecía.14​









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