El 26 de julio es el 207.º (ducentésimo séptimo) día del año en el calendario gregoriano y el 208.º en los años bisiestos. Quedan 158 días para finalizar el año.
Santoral de la Iglesia Católica
San Joaquín y Santa
Ana, padres de la Virgen María
La tradición cristiana dice que santa Ana, casada
con Joaquín, fue la madre de María y por tanto la abuela materna
de Jesús
de Nazaret.
Ana es patrona de Bretaña, Roquetas de Mar, Almería (España) y
de muchas ciudades en diversos países, así como patrona de las mujeres
trabajadoras y de los mineros, pues se considera a Jesús el oro y María la
plata. También es patrona de las mujeres embarazadas a la hora del parto. Su
fiesta es el 26 de julio.
Es tradición que los padres de Santa María, que aparentemente
vivieron primero en Galilea, se instalaron después en Jerusalén; donde nació y
creció Nuestra Señora; allí también murieron y fueron enterrados.
Una iglesia, conocida en distintas épocas como Santa María, Santa María ubi nata est, Santa María in Probática, Sagrada Probática y Santa Ana fue edificada en el siglo IV, posiblemente por Santa Elena, en el lugar de la casa de San Joaquín y Santa Ana, y sus tumbas fueron allí veneradas hasta finales del siglo IX, en que fue convertida en una escuela musulmana.
La cripta que contenía en otro tiempo las sagradas tumbas fue redescubierta en 1889. San Joaquín fue honrado muy pronto por los griegos, que celebran su fiesta al día siguiente de la de la Natividad de Ntra. Señora. Los latinos tardaron en incluirlo en su calendario, donde le correspondió unas veces el 16 de septiembre y otras el 9 de diciembre.
Asociado por Julio II [el de la capilla Sixtina] al 20 de marzo, la solemnidad fue suprimida unos cinco años después, restaurada por Gregorio XV (1622), fijada por Clemente XII (1738) en el domingo posterior a la Asunción, y fue finalmente León XIII [el de la Rerum Novarum] quien, el 1 de agosto de 1879, dignificó la fiesta de estos esposos que se celebró por separado hasta la última reforma litúrgica.
Santa Ana
Una iglesia, conocida en distintas épocas como Santa María, Santa María ubi nata est, Santa María in Probática, Sagrada Probática y Santa Ana fue edificada en el siglo IV, posiblemente por Santa Elena, en el lugar de la casa de San Joaquín y Santa Ana, y sus tumbas fueron allí veneradas hasta finales del siglo IX, en que fue convertida en una escuela musulmana.
La cripta que contenía en otro tiempo las sagradas tumbas fue redescubierta en 1889. San Joaquín fue honrado muy pronto por los griegos, que celebran su fiesta al día siguiente de la de la Natividad de Ntra. Señora. Los latinos tardaron en incluirlo en su calendario, donde le correspondió unas veces el 16 de septiembre y otras el 9 de diciembre.
Asociado por Julio II [el de la capilla Sixtina] al 20 de marzo, la solemnidad fue suprimida unos cinco años después, restaurada por Gregorio XV (1622), fijada por Clemente XII (1738) en el domingo posterior a la Asunción, y fue finalmente León XIII [el de la Rerum Novarum] quien, el 1 de agosto de 1879, dignificó la fiesta de estos esposos que se celebró por separado hasta la última reforma litúrgica.
Santa Ana
Ana (del hebreo Hannah, gracia) es el nombre que la tradición ha señalado para
la madre de la Virgen. Las fuentes son las mismas que en el caso de San
Joaquín. Aunque la versión más antigua de estas fuentes apócrifas se remonta al
año 150 d.C., difícilmente podemos admitir como fuera de toda duda sus
variopintas afirmaciones con fundamento en su sola autoridad.
En Oriente, el Protoevangelio gozó de gran autoridad y de él se leían pasajes
en las fiestas marianas entre los griegos, los coptos y los árabes. En
Occidente, sin embargo, como ya te adelanté con San Joaquín, fue rechazado por
los Padres de la Iglesia hasta que su contenido fue incorporado por San Jacobo
de Vorágine a su Leyenda Áurea en el siglo XIII.
A partir de entonces, la historia de Santa Ana se divulgó en Occidente y tuvo
un considerable desarrollo, hasta que Santa Ana llegó a convertirse en uno de
los santos más populares también para los cristianos de rito latino.
En Oriente, al culto a Santa Ana se le puede seguir la pista hasta el siglo IV.
Justiniano I hizo que se le dedicara una iglesia. El canon del oficio griego de
Santa Ana fue compuesto por San Teófanes, pero partes aún más antiguas del
oficio son atribuidas a Anatolio de Bizancio.
Su fiesta se celebra en Oriente el 25 de julio, que podría ser el día de la
dedicación de su
primera iglesia en Constantinopla o el aniversario de la llegada de sus
supuestas reliquias a esta ciudad (710).
Aparece ya en el más antiguo documento litúrgico de la Iglesia Griega, el
Calendario de
Constantinopla (primera mitad del siglo VIII). Los griegos conservan una fiesta
común de San Joaquín y Santa Ana el 9 de septiembre.
En la Iglesia Latina, Santa Ana no fue venerada, salvo, quizás, en el sur de
Francia, antes del siglo XIII. Su imagen, pintada en el siglo
VIII y hallada más tarde en la Iglesia de Santa María la Antigua de Roma, acusa
la influencia bizantina.
Su fiesta, bajo la influencia de la Leyenda Áurea, se puede ya rastrear (26 de
julio) en el siglo XIII, en Douai. Fue introducida en Inglaterra por Urbano VI
el 21 de noviembre de 1378, y a partir de entonces se extendió a toda la
Iglesia occidental. Pasó a la Iglesia Latina universal en 1584.
Santa Ana es la patrona de Bretaña. Su imagen milagrosa (fiesta, 7 de marzo) es
venerada en Notre Dame d´Auray, en la diócesis de Vannes.
También en Canadá -donde es la patrona principal de la provincia de Québec- el
santuario de Santa Ana de Beaupré es muy famoso.
Santa Ana es patrona de las mujeres trabajadoras; se la representa con la
Virgen María en su regazo, que también lleva en brazos al Niño Jesús. Es además
la patrona de los mineros, que comparan a Cristo con el oro y con la plata a
María.
Jesús Martí Ballester
https://www.youtube.com/watch?v=X_UaI3s8aZQ
************
1030:
San Estanislao de Cracovia (n. Szczepanów, Polonia, 26 de julio de 1030 - f. Cracovia, Voivodato de Pequeña Polonia, 11 de abril de 1076), fue un obispo de Cracovia, mártir y santo polaco.
Estanislao estudió en la ciudad de Gniezno, luego fue enviado por sus padres
a París, en Francia y a Lieja, en Bélgica. Cuando regresó a Polonia fue ordenado sacerdote
por Lambert Suła, el entonces obispo de Cracovia. Cuando Lambert Suła murió en 1072, fue ordenado el nuevo obispo de Cracovia.1 Estanislao criticaba mucho los crueles castigos del
del rey polaco Boleslao II el Temerario, y tuvo varios conflictos en materia del propiedades y
terrenos. En una oportunidad Boleslao afirmaban que uno de los terrenos que
había recibido el obispado de Cracovia no le correspondían y exigió que
Estanislao renunciase a ellos de inmediato. Según la leyenda Estanislao
resolvió resucitar a Pedro, el noble que había hecho la donación y lo llevó a
testificar. Sin poder objetar el asunto Boleslao se vio forzado a ceder. Sin
embargo los conflictos se agudirazon más aún hasta que el monarca ordenó a sus
hombres que ejecutasen al obispo. Sin atreverse siquiera a tocarlo, la leyenda
relata que Boleslao mismo tomó su espada y asesinó a Estanislao mientras
celebraba una misa el 11 de abril de 1076.
Como castigo Boleslao aplicó una medida común en esa época de
descuartizar el cuerpo sin vida del Santo, el cual milagrosamente luego de ser
colocado en su ataúd se reensambló y recuperó su gracia. El asesinato generó
disturbios e inestabilidad en Polonia tras lo cual Boleslao se vio forzado a
huir a la corte de su primo el rey San Ladislao
I de Hungría.
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Índice
Biografía[editar]
Orígenes y
carrera eclesiástica[editar]
Papado en
los Estados Pontificios[editar]
Papado en
Europa[editar]
Deceso[editar]
1471:
Muere Pablo
II (Pietro
Barbo), papa romano (n. 1417).
Paulo II o Pablo II, de nombre secular Pietro
Barbo (Venecia, 23 de febrero de 1417- Roma, 26 de julio de 1471)
fue el 211.er papa de la Iglesia católica,
desde 1464 hasta 1471.
Índice
Biografía[editar]
Orígenes y
carrera eclesiástica[editar]
Nacido Pietro Barbo, por parte de su madre era sobrino del
papa Eugenio IV (1431–1447). Aunque había sido
educado para mercader, el ascenso de su tío a Papa en 1431 le motivó a seguir
la carrera eclesiástica. Promocionó rápidamente: fue archidiácono en Bolonia, obispo de Cervia y Vicenza y finalmente, en 1440, cardenal. Desde pronto se hizo muy popular por
su carácter dadivoso.1
En 1445 sucedió al cardenal Giuliano
Cesarini como arcipreste de la Basílica de San Pedro.
Gracias a Bartolomeo Platina sabemos
que el papa Pío II lo había
apodado Maria pietissima porque "cuando no podía obtener
lo que deseaba orando, pidiendo o rogando, lloraba para hacer sus peticiones
más creíbles."2 Algunos historiadores sugieren que lo
habían apodado de esa manera porque acostumbraba a vestir suntuosa y refinada
vestimenta clerical,3 y otros sugieren que se refería a su
falta de virilidad .4
Papado en
los Estados Pontificios[editar]
Elegido pontífice por unanimidad en el cónclave
de 30 de agosto de 1464, prestó juramento comprometiéndose a abolir
el nepotismo imperante en la Curia,
a mejorar las costumbres en la Santa Sede, a hacer la guerra a los turcos y a reunir un concilio ecuménico en
el plazo de tres años. Pero poco de esto llevó a cabo en su corto pontificado
de siete años, lo que le supuso la pérdida de confianza del colegio
cardenalicio. Quiso utilizar el nombre de Formoso II (Formoso en latín significa hermoso),
porque estaba prendado de sí mismo. Pero los cardenales le convencieron para
que tomara otro nombre, Pablo, y se dejara de narcisismos.
En 1466, para reducir la gruesa administración vaticana, este
papa procedió a cerrar el Colegio de Compendiadores,5 cuyo trabajo consistía en redactar
los documentos papales. Hecho que provocó indignación y protestas entre los
poetas y retóricos de la ciudad, quienes prestaban tales servicios. El
humanista Platina (1421-1481)
fue encarcelado tras escribir una carta amenazadora al papa y, aunque liberado
al poco, fue nuevamente encarcelado al año siguiente (1469) acusado de
conspirar contra el pontífice y, como otros compendiadores, sufrió tortura. En
respuesta, Platina, escribió Vitae pontificum, una biografía muy
negativa de este papa.
El cronista Stefano Infessura retrató a Pablo II
presentándolo como opuesto a los humanistas, amante del esplendor y de las
diversiones populares como la fiesta del carnaval. El pontífice ordenó que
todas las celebraciones se organizaran en la plaza Venecia para dar importancia
al nuevo palacio, mandado construir por él.6 Pero hay que tener en cuenta que
Infessura, personaje de pensamiento republicano y contrario al papado, da una
información que no puede considerarse imparcial.
A pesar de todo, fue una persona con gran sentido de la equidad.
Reformó la administración municipal y luchó contra de los sobornos en el seno
de la Iglesia oficial. En su papado se estableció la celebración del jubileo cada veinticinco años. Tenía fama
de resolver pocos de los asuntos que le llegaban porque seguía el criterio de
que era mejor no cambiar las cosas, por si empeoraban. Amante del lujo y del
placer, además de gran protector de las artes: quería que Roma fuera la ciudad
más hermosa del mundo. Subió los impuestos a los judíos, a los que también
humilló haciendo que desfilaran tras el palio mientras recibían insultos de la
gente y eran acosados por hombres a caballo. También aficionado a espectáculos
morbosos, organizó torneos entre cojos y jorobados que se disputaban en la
plaza Colonna, la plaza Venezia o en la plaza
Sciarra, mientras que en la plaza del Popolo tenían lugar las
ejecuciones públicas.
Papado en
Europa[editar]
El papa Pablo II excomulgó a Jorge Podiebrad (1420-1471), rey de
Bohemia y Hungría, protector y favorable a los considerados herejes husitas, que no eran perseguidos como exigía
la Iglesia. El papa conminó por carta a Matías Corvino(1443-1490), yerno del rey
Jorge, a llevar la cruzada contra los herejes a Bohemia. Finalmente, Matías
ocupó Bohemia en 1467.
Mantuvo muy buenas relaciones con el rey de Castilla, Enrique IV,
de quien esperaba aportara fondos para la cruzada turca. En 1469 dio poderes al
nuncio Antonio de
Veneris para validar la Concordia
de Guisando, que dejaba a Isabel de Castilla como
sucesora del rey Enrique IV.7 Juan II de Aragón solicitó
la bula papal para legitimar la boda entre Fernando e Isabel, primos segundos
entre sí, que le fue negada con la excusa de que ya había sido concedida otra a
Enrique IV, que autorizaba la boda de Isabel con Alfonso V de Portugal.
Pero la postura contraria a las demandas de la Corona aragonesa se debía a la
buena relación entre el papa y el rey francés, Luis XI, quien estaba enfrentado con el rey de
Aragón por disputas en los territorios fronterizos.
Intentó organizar una cruzada contra el los turcos y a tal fin gravó con un
impuesto a las naciones aliadas, pero sus aspiraciones fueron acogidas sin
ningún entusiasmo y la cruzada se quedó en nada.
Deceso[editar]
Falleció el 26 de julio de 1471.
Oficialmente la muerte se debió a una indigestión de melón o por asfixia al atragantarse con
otra fruta.8 Se difundieron versiones perversas
sobre el modo en que murió pero pudieron ser bulos de sus enemigos en la
administración vaticana, decepcionados por las tímidas reformas que este papa
llevó a cabo.
1533:
Atahualpa (quechua: Ataw-wallpa = "el
ave de la fortuna" 12) (~1500-1533) fue el último soberano inca.
Su padre, Huayna Cápac, murió en torno a 1525 sin dejar
nombrado a un sucesor. Esto dio lugar a la sangrienta guerra
civil incaica por
la sucesión entre Atahualpa y su hermano Huáscar. Atahualpa se hallaba entonces en
Quito, al mando del ejército incaico del Norte y a cargo del gobierno de esa
región, que estaba subyugada al imperio incaico. Huáscar se coronó inca en
el Cuzco.3 Tras una larga campaña, Atahualpa logró vencer
a Huáscar en 1532 cerca del Cuzco.
Atahualpa se hallaba en Cajamarca, de camino al Cuzco para coronarse
inca, cuando recibió la visita de una expedición española al mando de Francisco Pizarro. Pizarro le
capturó por
medio de un ardid. Atahualpa ofreció pagar un enorme rescate a cambio de su
libertad y Pizarro aceptó su oferta. Pero los españoles temieron un ataque
indígena y decidieron deshacerse de Atahualpa. Tras recibir el rescate lo
acusaron de traición, de conspiración contra la corona española, y de asesinar
a Huáscar. Lo sometieron a juicio, lo
sentenciaron a muerte y lo ejecutaron por estrangulamiento.
Pese a que Atahualpa tuvo sucesores nombrados por los
españoles se le considera el último gobernante del Imperio inca.
(Quito, 1500 - Cajamarca, actual Perú, 1533) Emperador inca
(1525-1533). Hijo del emperador Huayna Cápac y de Túpac Paclla, princesa de
Quito, fue favorecido por su padre, quien, poco antes de morir, en 1525,
decidió dejarle el reino de Quito, la parte septentrional del Imperio Inca, en
perjuicio de su hermanastro Huáscar, el heredero legítimo, al que correspondió
el reino de Cuzco.
Aunque inicialmente las relaciones entre ambos reinos fueron
pacíficas, la ambición de Atahualpa por ampliar sus dominios condujo al Imperio
Inca a una larga y sangrienta guerra civil. En 1532, informado de la presencia
de los españoles en el norte del Perú, Atahualpa intentó sin éxito pactar una
tregua con su hermanastro. Huáscar salió al encuentro del ejército
quiteño, pero fue vencido en la batalla de Quipaypán y apresado en las orillas
del río Apurímac cuando se retiraba hacia Cuzco. Posteriormente, Atahualpa
ordenó asesinar a buena parte de los familiares y demás personas de confianza
de su enemigo y trasladar al prisionero a su residencia, en la ciudad de
Cajamarca.
En ese momento, el emperador inca recibió la noticia de que
se aproximaba un reducido grupo de gentes extrañas, razón por la que decidió
aplazar su entrada triunfal en Cuzco, la capital del imperio, hasta
entrevistarse con los extranjeros. El 15 de noviembre de 1532, los
conquistadores españoles llegaron a Cajamarca y Francisco Pizarro, su jefe, concertó una reunión con
el soberano inca a través de dos emisarios. Al día siguiente, Atahualpa entró
en la gran plaza de la ciudad, con un séquito de unos tres o cuatro mil hombres
prácticamente desarmados, para encontrarse con Pizarro, quien, con antelación,
había emplazado de forma estratégica sus piezas de artillería y escondido parte
de sus efectivos en las edificaciones que rodeaban el lugar.
No fue Pizarro, sin embargo, sino el fraile Vicente de
Valverde el que se adelantó para saludar al inca y le exhortó a aceptar el
cristianismo como religión verdadera y a someterse a la autoridad del rey
Carlos I de España; Atahualpa, sorprendido e indignado ante la arrogancia de
los extranjeros, se negó a ello y, con gesto altivo, arrojó al suelo la Biblia
que se le había ofrecido. Pizarro dio entonces la señal de ataque: los soldados
emboscados empezaron a disparar y la caballería cargó contra los desconcertados
e indefensos indígenas. Al cabo de media hora de matanza, varios centenares de
incas yacían muertos en la plaza y su soberano era retenido como rehén por los
españoles.
A los pocos días, Atahualpa, temeroso de que sus captores
pretendieran restablecer en el poder a Huáscar, ordenó desde su cautiverio el
asesinato de su hermanastro. Para obtener la libertad, el emperador se
comprometió a llenar de oro, plata y piedras preciosas la estancia en la que se
hallaba preso, lo que sólo sirvió para aumentar la codicia de los
conquistadores.
Unos meses más tarde, Pizarro decidió acusar a Atahualpa de
idolatría, fratricidio y traición; fue condenado a la muerte en la hoguera,
pena que el inca vio conmutada por la de garrote, al abrazar la fe católica
antes de ser ejecutado, el 29 de agosto de 1533. La noticia de su muerte
dispersó a los ejércitos incas que rodeaban Cajamarca, lo cual facilitó la
conquista del imperio y la ocupación sin apenas resistencia de Cuzco por los
españoles, en el mes de noviembre de 1533.
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1856:
George Bernard Shaw (Dublín, 26 de julio de 1856-Ayot St. Lawrence, Reino Unido; 2 de noviembre de 1950), conocido a petición del propio autor simplemente
como Bernard Shaw, fue un dramaturgo, crítico y polemista irlandés cuya influencia en el teatro,
la cultura y la política occidentales se extiende desde 1880 hasta nuestros
días. Escribió más de sesenta obras, algunas tan importantes como Hombre y
superhombre (Man and Superman, 1905), Pigmalión (Pygmalion,
1913) o Santa Juana (Saint
Joan, 1923). Con una obra que incluye la sátira contemporánea y alegoría histórica, Shaw se convirtió en
el principal dramaturgo de su generación. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1925 y en 1938 compartió el Óscar al mejor guion adaptado por la versión
cinematográfica de Pigmalión,
convirtiéndose en la primera persona en recibir el Premio Nobel y un Premio Óscar.
Nacido en Dublín, se trasladó a Londres en 1873, donde se estableció como escritor y novelista. A mediados
de la década de 1880 era un respetado crítico de teatro y música. Tras un
despertar político, se unió a la gradualista Sociedad Fabiana, convirtiéndose en su propagandista
más destacado. Shaw venía escribiendo obras de teatro desde hacía años antes de
su primer éxito, El hombre y las armas (Arms and the Man, 1898). Influenciado
por Henrik
Ibsen, trató de
introducir un nuevo realismo en la dramática en lengua inglesa, utilizando sus obras como vehículos
para difundir sus ideas políticas, sociales y religiosas. A principios del
siglo XX su reputación como dramaturgo se aseguró con una serie de éxitos
populares y de crítica como El comandante Bárbara (Major Barbara,
1905), El dilema del doctor (The Doctor's Dilemma, 1906) y César
y Cleopatra (Caesar
and Cleopatra, 1901).
Sus opiniones eran a menudo polémicas: promovía la eugenesia y el alfabeto shaviano mientras que se oponía a la vacunación y a la religión organizada. Se hizo impopular
denunciando a ambos bandos en la Primera
Guerra Mundial como
igualmente culpables. Censuró la política británica en Irlanda durante el
período de la posguerra, llegando a hacerse ciudadano del Estado
Libre Irlandés en
1934, manteniendo una doble
ciudadanía. Durante
los años de entreguerras escribió una serie de obras a menudo ambiciosas que
lograron diversos grados de éxito popular. Su interés por la política y la
controversia no había disminuido; a finales de la década de 1920 había
renunciado en gran medida al gradualismo fabiano y a menudo escribió y habló
favorablemente de las dictaduras de derecha e izquierda, expresando su
admiración tanto por Mussolini como por Stalin. En la última década de su vida
realizó menos declaraciones públicas, pero siguió escribiendo prolíficamente
hasta poco antes de su muerte, a los 94 años de edad, habiendo rechazado todos
los honores estatales que la habían otorgado, incluida la Orden del Mérito en 1946.
Desde la muerte de Shaw, la opinión sobre sus obras ha
variado. En ocasiones ha sido calificado como el segundo dramaturgo en lengua
inglesa más importante tras William
Shakespeare;
numerosos estudiosos de su obra lo consideran su como un personaje de gran
influencia en varias generaciones de dramaturgos.
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1875:
Nace Carl Gustav Jung, psiquiatra, psicólogo y ensayista
suizo.
Carl Gustav Jung (AFI: ˈkarl
ˈgʊstaf ˈjʊŋ) (Kesswil, cantón
de Turgovia, Suiza; 26 de julio de 1875–Küsnacht, cantón
de Zúrich,
id.; 6 de junio de 1961) fue un médico psiquiatra, psicólogo y ensayista suizo, figura clave en la etapa inicial del psicoanálisis; posteriormente, fundador de la
escuela de psicología
analítica, también
llamada psicología de los complejos y psicología profunda.
Se le relaciona a menudo con Sigmund Freud, de quien fuera colaborador en sus
comienzos. Jung fue un pionero de la psicología
profunda y uno
de los estudiosos de esta disciplina más ampliamente leídos en el siglo XX. Su abordaje teórico y clínico
enfatizó la conexión funcional entre la estructura de la psique y la de sus productos, es
decir, sus manifestaciones culturales. Esto le impulsó a incorporar en su
metodología nociones procedentes de la antropología, la alquimia, la interpretación de los sueños, el arte, la mitología, la religión y la filosofía.
Jung no fue el primero en dedicarse al estudio de la
actividad onírica. No obstante, sus contribuciones al análisis de los sueñosfueron extensivas y altamente
influyentes. Escribió una prolífica obra. Aunque durante la mayor parte de su
vida centró su trabajo en la formulación de teorías psicológicas y en la
práctica clínica, también incursionó en otros campos de las humanidades, desde
el estudio
comparativo de las religiones, la filosofía y la sociología hasta la crítica
del arte y
la literatura.
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1875:
Antonio Machado Ruiz (Sevilla, 26 de julio de 1875-Colliure, 22 de febrero de 1939) fue un poeta español, el más joven representante de
la Generación
del 98. Su obra
inicial, de corte modernista (como la de su hermano Manuel), evolucionó hacia un
intimismo simbolista con rasgos románticos, que maduró en una poesía de
compromiso humano, de una parte, y de contemplación casi taoísta de la existencia, por otra; una síntesis que en la voz de Machado
se hace eco de la sabiduría popular más ancestral. Dicho en palabras de Gerardo Diego, «hablaba en verso y vivía en
poesía».Fue uno de los distinguidos alumnos de la ILE,
con cuyos idearios estuvo siempre comprometido. Murió en el exilio en la agonía de la Segunda República Española
(Sevilla, 1875 - Collioure, 1939) Poeta español. Aunque
influido por el modernismo y el simbolismo, su obra es expresión lírica del
ideario de la Generación del 98. Hijo del folclorista Antonio Machado y Álvarez
y hermano menor del también poeta Manuel Machado, pasó su infancia en Sevilla y en
1883 se instaló con su familia en Madrid.
Se formó en la Institución Libre de Enseñanza y en otros
institutos madrileños. En 1899, durante un primer viaje a París, trabajó en la
editorial Garnier, y posteriormente regresó a la capital francesa, donde
entabló amistad con Rubén Darío. De vuelta a España frecuentó los
ambientes literarios, donde conoció a Juan Ramón Jiménez, Ramón del Valle-Inclán y Miguel de Unamuno.
En 1907 obtuvo la cátedra de francés en el instituto de
Soria, cuidad en la que dos años después contrajo matrimonio con Leonor
Izquierdo. En 1910 le fue concedida una pensión para estudiar filología en
París durante un año, estancia que aprovechó para asistir a los cursos de
filosofía de Henri Bergson y Joseph Bédier en el College de France. Tras la
muerte de su esposa en 1912, pasó al instituto de Baeza.
Doctorado en filosofía y letras (1918), desempeñó luego su
cátedra en Segovia, y en 1928 fue elegido miembro de la Real Academia Española.
Al comenzar la Guerra Civil Española (1936-1939) se encontraba en Madrid, desde
donde se trasladó con su madre y otros familiares al pueblo valenciano de Rocafort
y luego a Barcelona. En enero de 1939 emprendió camino al exilio, pero la
muerte lo sorprendió en el pueblecito francés de Colliure.
La obra de Antonio Machado
Los textos iniciales de Machado, comentarios de sucesos y
crónicas costumbristas escritos en colaboración con su hermano y firmados con
el seudónimo Tablante de Ricamonte, aparecieron en La Caricatura en
1893. Sus primeros poemas se publicaron en Electra, Helios y
otras revistas modernistas, movimiento con el que Machado se sentía identificado
cuando comenzó su labor literaria.
No obstante, aunque las composiciones incluidas
en Soledades (1903) revelaron la influencia del modernismo, el autor
se distanció de la imaginería decorativa de la escuela rubeniana para
profundizar en la expresión de emociones auténticas, a menudo plasmadas a
través de un sobrio simbolismo. En su siguiente libro, Soledades, galerías
y otros poemas (1907), reedición y ampliación del anterior, se hizo más
evidente el tono melancólico e intimista, el uso del humor como elemento
distanciador y, sobre todo, la intención de captar la fluidez del tiempo.
Al igual que Unamuno, Antonio Machado consideró que su misión era "eternizar lo momentáneo", capturar la "onda fugitiva" y transformar el poema en "palabra en el tiempo". En los años posteriores se acentuó su meditación sobre lo pasajero y lo eterno en Campos de Castilla (1912), pero no por medio de la autocontemplación, sino dirigiendo la mirada hacia el exterior, y observó con ojos despiertos el paisaje castellano y los hombres que lo habitaban. Una emoción austera y grave recorre los poemas de este libro, que evoca la trágica España negra tan criticada por la Generación del 98 desde una perspectiva regeneracionista, al tiempo que se describe con hondo patriotismo la decadencia y ruina de las viejas ciudades castellanas.
Al igual que Unamuno, Antonio Machado consideró que su misión era "eternizar lo momentáneo", capturar la "onda fugitiva" y transformar el poema en "palabra en el tiempo". En los años posteriores se acentuó su meditación sobre lo pasajero y lo eterno en Campos de Castilla (1912), pero no por medio de la autocontemplación, sino dirigiendo la mirada hacia el exterior, y observó con ojos despiertos el paisaje castellano y los hombres que lo habitaban. Una emoción austera y grave recorre los poemas de este libro, que evoca la trágica España negra tan criticada por la Generación del 98 desde una perspectiva regeneracionista, al tiempo que se describe con hondo patriotismo la decadencia y ruina de las viejas ciudades castellanas.
Autógrafo de Antonio Machado
En su siguiente volumen de poemas, Nuevas
canciones (1924), el autor intensificó tanto su enfoque reflexivo como la
línea sentenciosa de los "Proverbios y cantares" incluidos en el
libro anterior. Esta tendencia filosófica se había manifestado ya entre 1912 y
1925, etapa en la que Machado redactó una serie de apuntes que verían la luz
póstumamente con el título de Los complementarios (1971).
En este cuaderno, miscelánea de lecturas, esbozos y
reflexiones cotidianas, aparecieron por primera vez sus heterónimos, el
filósofo y poeta Abel Martín y su discípulo, el pensador escéptico Juan de
Mairena. Ambos son personajes imaginarios que permitieron expresar al creador
sus ideas sobre cultura, arte, sociedad, política, literatura y filosofía,
especialmente en el libro Juan de Mairena. Sentencias, donaires, apuntes y
recuerdos de un profesor apócrifo (1936).
Paralelamente, en las ediciones de Poesías
completas de 1928 y 1933 se decanta una lírica de tema amoroso y erótico
inspirada por la que fue, tras la muerte de su esposa, su gran pasión en la
vida real, Pilar de Valderrama, llamada Guiomar en dichos versos. Ya durante la
contienda civil, Machado escribió algunos poemas y varios textos en prosa,
parte de los cuales fueron recogidos en La guerra (1937). Se trata de
escritos testimoniales, plenamente incardinados en las circunstancias
históricas del momento.
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1893:
Nace Enrique Dizeo, poeta y letrista argentino.
https://www.youtube.com/watch?v=BGc5IHlxPE8
1885:
Nace André Maurois, escritor, biógrafo y crítico francés (fallece en 1967).
André Maurois (Elbeuf, Normandía, 26 de julio de 1885 - Neuilly-sur-Seine, 9 de octubre de 1967) fue el seudónimo de Émile Herzog, Émile Salomon Wilhelm Herzog, novelista y ensayista francés.
Descendiente de una rica familia dedicada a la industria textil, Maurois realizó estudios secundarios en Ruan (Liceo Corneille) y superiores en Caen. Tuvo como profesor al filósofo Alain que le animó a tomar el camino de la escritura. Ante la perspectiva de tomar la dirección del negocio familiar, optó por la literatura.
Durante la I Guerra Mundial, sirvió como intérprete del Estado Mayor británico, lo que le familiarizó con el carácter y la cultura anglosajona.
En 1938 ingreso en la Academia francesa. Durante la II Guerra Mundial luchó por la Francia libre como capitán del ejército francés, y se refugió en Estados Unidos al negar su obediencia al gobierno pro-nazi de Vichy. Estuvo asimismo con las fuerzas aliadas en África del norte en 1943.
A su regreso a Francia, en 1946, siendo recibido con todos los honores, siguió escribiendo y llegó a alcanzar una avanzada edad, falleciendo a los 82 años el 9 de octubre de 1967.
André Maurois recibió en vida el homenaje del mundo intelectual -aparte de la admiración del público-, y, entre otras distinciones, la de académico, siéndole otorgada también la Gran Cruz de la Legión de Honor.
Inteligente, desapasionadamente objetivo, escritor de fama por sus novelas y sus biografías, en las que destacó gracias a una profunda documentación y amenidad, André Maurois fue un profundo conocedor del alma humana; leerle constituye un verdadero placer.
1893:
Nace Enrique Dizeo, poeta y letrista argentino.
Enrique Dizeo (barrio de San Cristóbal, Buenos Aires, Argentina, 26 de julio de 1893 – ídem 6 de mayo de 1980), que usaba el seudónimo de Ozedi, fue un poeta y letrista dedicado al género de tango que, entre otras composiciones, hizo la letra de los tangos Andate con la otra, con música de Carlos Vicente Geroni Flores, y El encopao, con música de Osvaldo Pugliese y del vals peruano Que nadie sepa mi sufrir con música de Ángel Cabral.
Actividad profesional[editar]
Sus primeros pasos en el espectáculo fueron con el conjunto carnavalesco Los Hermanos Facha Brutta y su primera letra, con sabor contursiano fue con la historia del varón abandonado por la mujer que llora y evoca tiempos pasados en Romántico bulincito (1920) que musicalizó Augusto Gentile y que tuvo buena acogida del público.
Más adelante produjo otras obras, algunas de las cuales con éxito, como su tango Andate con la otra, con música de Carlos Vicente Geroni Flores, que Azucena Maizani presentó el 22 de marzo de 1928 en el Teatro Maipo al estrenarse la revista Misia Presidencia haciendo de ella una creación; El encopao (1942), con música de Osvaldo Pugliese, que fue grabado el 1° de septiembre del mismo año por la orquesta de Aníbal Troilo con la voz de Fiorentino y, en mayo de 1969, por la orquesta de Osvaldo Pugliese y la voz de Abel Córdoba; el vals peruano Que nadie sepa mi sufrir (1936) con música de Ángel Cabral y la milonga Cobrate y dame el vuelto, con música de Miguel Caló,
Carlos Gardel le grabó estos temas: Primero campaneala, Tan grande y tan zonzo y Qué fenómeno, todas con música de Anselmo Aieta; Echaste buena con música de Eduardo Bonessi; A medianoche y, en 1927, Copen la banca, las dos con música de Juan Maglio (Pacho); Maniquí con la de Geroni Flores; Jirón de pampa con la de Pascual Mazzeo; Pan comido, estrenada en 1926 en el Café El Nacional, con la de Ismael Gómez; Qué se vayan con la de Francisco Canesa y Viejecita mía con música de Carlos Marcucci.
Dizeo desarrolló actividad gremial llegando a presidir la Sociedad de Autores y Compositores.
Dizeo falleció en Buenos Aires el 6 de mayo de 1980.
Obras registradas en SADAIC[editar]
Sus obras alcanzaron un número poco común en el género y algunas de ellas se transformaron en verdaderas creaciones de orquestas y cantantes.
1894: Nace Aldous Huxley, escritor británico.
Aldous Leonard Huxley /ˈɒldəs ˈlɛnəd ˈhʌksli/ (Godalming, 26 de julio de 1894-Los Ángeles, 22 de noviembre de 1963) fue un escritor y filósofo británico que emigró a los Estados Unidos. Miembro de una reconocida familia de intelectuales, es conocido por sus novelas y
ensayos, pero publicó también relatos cortos, poesías, libros de viajes y
guiones. A través de sus novelas y ensayos, ejerció como crítico de los roles,
convenciones, normas e ideales sociales. Se interesó, asimismo, por los
temas espirituales, como la parapsicología y el misticismo, acerca de las cuales escribió
varios libros. Se le considera uno de los más
importantes representantes del pensamiento moderno.
(Aldous Leonard Huxley, Godalming, 1894 - Los Ángeles, 1963)
Novelista y ensayista inglés de prosa enciclopédica y a la vez visionaria. Se
educó en una familia de sólida tradición intelectual. En su juventud quedó
prácticamente ciego, y en 1942 publicó un libro, El arte de ver, acerca de
sus esfuerzos para recuperar la visión. Se graduó en literatura inglesa en el
Balliol College de Oxford (1913-1915) y trabajó para la célebre
revista Athenaeum y como crítico de teatro en la Westminster
Gazzette.
Sus primeras publicaciones fueron colecciones de versos,
entre ellos The Burning Wheel (1916), Jonah (1917)
y Leda (1920). De su prosa, la primera entrega
fue Limbo (1920) y prosiguió con cuentos como los de La
envoltura humana (1922). Ya en 1921 publicó su primera novela, Los
escándalos de Crome, crítica mordaz de los ambientes intelectuales.
Huxley viajó constantemente con su esposa, tanto por Europa
como por Estados Unidos, América y la India. Residió en Italia, donde escribió
una de sus obras notables, Contrapunto (1928), en la cual despliega
su solidez intelectual y las técnicas novedosas del arte de la novela.
En 1932 publicó otra gran obra, Un mundo feliz, tal vez
su libro más importante y uno de los que lo hizo más conocido: una ficción
futurista de carácter visionario y pesimista de una sociedad regida por un
sistema de castas, y donde imagina una sustancia o droga llamada soma,
utilizada con fines totalitarios. En 1936 publicó Ciego en Gaza, de
carácter autobiográfico, en el que desarrolló la contraposición entre intelecto
y sexo.
Tras ello comenzó su "época mística"; en 1941 se
acercó a la literatura religiosa de la India, tuvo contactos con La Sociedad
Vedanta de Los Ángeles y colaboró en la revista Vedanta and the
West hasta 1960. En 1944 publicó El Tiempo debe detenerse, inspirada
por El Libro Tibetano de los muertos, y en 1946 una colección comentada de
textos místicos de todos los tiempos, La filosofía perenne, libro que ha
ejercido influencia por el punto de vista tan abierto adoptado para sustentar
la idea de lo sagrado; aquí contrapuso la espiritualidad mística a la técnica y
pragmatismo modernos.
En 1948 publicó Mono y esencia, prosa intelectual que
influyó en varios escritores, entre ellos el cubano J. Lezama Lima, que
recomendaba su lectura en su "curso délfico". A partir de la década
de 1950 inició una nueva etapa de su vida relacionada con las experiencias con
las drogas, de las que resultó su popular libro Las puertas de la
percepción (1954), que tuvo también mucha influencia en la sociedad
norteamericana. En 1963 dio a conocer su última obra, Literatura y
ciencia, que como el título indica es una aproximación entre ambos mundos.
Además de ser considerado uno de los iniciadores de la
psicodelia, por sus meditaciones en torno a las experiencias con mezcalina y
LSD, Huxley fue el portavoz de la clase intelectual de la primera mitad del
siglo XX; siguió paso a paso a sus contemporáneos desde el escepticismo
superficial de posguerra, hasta la angustia trágica de un mundo vuelto impersonal
por las nuevas y monstruosas técnicas de las guerras sucesivas. Sus libros
quedarán, no sólo por su valor documental, sino también por la fresca lozanía
de su prosa y por un cierto sabor original hecho de erudición, de ironía y de
seriedad.
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1897:
Jakob Gapp (* 26 de julio de 1897 en Wattens, Tirol; † 13 de agosto de 1943 en Berlin-Plötzensee) fue un sacerdote católico
austriaco, miembro de la Compañía
de María. Conocido
por su actividad contra el nazismo, fue perseguido y finalmente
torturado y guillotinado en una de las cárceles de la Gestapo. El Papa Juan Pablo II lo beatificó
el 24 de
noviembre de 1996. Su memoria litúrgica se celebra el 13 de Agosto.
Jakob Gapp nació en la ciudad de Wattens (Austria) en 1897;
tras combatir en la Primera Guerra Mundial en el ejército austríaco, ingresó en
la Compañía de María y fue ordenado sacerdote.
A causa de las severas homilías que predicó contra el antisemitismo y otros hechos de la ideología
nazi, fue perseguido por la Gestapo y se vio obligado a huir de Austria en
1939. Tras pasar por Burdeos, en 1941 consiguió llegar a España y se instaló
en Valencia, donde fue acogido por la comunidad
marianista del Colegio del Pilar, sirviendo como capellán y profesor de alemán y
latín.
En 1942, dos jóvenes alemanes, que dijeron ser hermanos
judíos perseguidos por los nazis, se presentaron en el colegio y le pidieron
ayuda. Después de crearse entre ellos una estrecha amistad, los jóvenes le
rogaron que les instruyera en la fe católica para recibir el Bautismo.
Días antes de la fecha prevista para el bautizo, el padre
Jacobo Gapp fue invitado por los dos jóvenes amigos a viajar con ellos a San Sebastián. Desde allí, mediante engaños, le
hicieron pasar la frontera de Francia; de hecho se trataba de un secuestro,
hábilmente planeado por los dos falsos hermanos judíos, que eran agentes nazis.
En Hendaya, el p. Gapp fue detenido por la
Gestapo y llevado preso a París.
Conducido a Berlín, fue torturado en la cárcel durante varios
meses, haciendo en todo momento una valiente y constante profesión de su fe,
que asombró al propio Heinrich Himmler. Al fin, tras ser condenado a muerte
por un tribunal popular, fue decapitado el 13 de agosto de 1943.
Su sepulcro con las reliquias corporales se venera en la
Kapelle des Hauses der Begegnung, en Innsbruck.
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1909:
Vivian Vance (26 de julio de 1909 – 17 de agosto de 1979) fue una actriz y cantante estadounidense.
Su verdadero nombre era Vivian Roberta Jones, y nació en
Cherryvale, Kansas, siendo Vivian la segunda de los
seis hijos de Robert Jones y Euphemia Ragan. Cuando tenía seis años de edad su
familia se mudó a Independence, Kansas, donde finalmente empezó sus
estudios de arte dramático bajo la tutela de Anna Ingleman y William
Motter Inge. Pronto
cambió su nombre por el de Vance (por la folclorista Vance Randolph) y se
trasladó a Tulsa, Oklahoma, en busca de trabajo como actriz.
Cuando Desi Arnaz y su esposa Lucille Ball elegían el reparto de su nueva
serie de TV I Love Lucy en 1951, el director Marc Daniels, que ya había trabajado junto a
Vance en producción teatral, sugirió que ella hiciera el papel de Ethel Mertz.
Sin embargo, ella no fue la primera elegida, pues Lucille Ball prefería a la
actriz Bea
Benaderet buena
amiga suya. Finalmente, a causa de un compromiso previo, Benaderet declinó
interpretar el papel. Arnaz y Daniels, junto con el productor Jess Oppenheimer, vieron a Vance en The Voice of the Turtle,
convenciéndose de su idoneidad para interpretar a Ethel Mertz.
En la serie, Vance estaba acompañada por el actor William Frawley, que interpretaba a su marido. Sin embargo,
en la vida real la relación entre ambos actores no fue buena. Finalmente,
Lucille Ball venció su primera resistencia hacia Vance, y ambas acabaron siendo
buenas amigas.
En 1953, Vance se convirtió en la primera actriz en ganar
un Emmy a la mejor actriz de reparto en
una serie de comedia.
Vance recibió el galardón en la ceremonia de los Emmy de febrero de 1954. Fue
nominada otras tres veces (1954, 1956 y 1957) antes de finalizar la serie.
En 1957, tras la finalización de I Love Lucy, Vance
siguió interpretando a Ethel Mertz en una serie de una hora de duración titulada The
Lucy-Desi Comedy Hour.
Tras su salida de The Lucy Show, Vance actuó
ocasionalmente junto a Lucille Ball en algunos shows y, como artista invitada,
también hizo algunas intervenciones en la tercera serie de Ball, Here's
Lucy (1968-1974). En 1969 Vance volvió a Broadway y protagonizó la
comedia My Daughter, Your Son.
En 1973 a Vance le diagnosticaron un cáncer de mama. El año siguiente se mudó con su
marido a Belvedere, California, para poder estar cerca de su
hermana. Fue durante este período que Vance hizo el papel de
"Maxine", la cual servía café de la marca Maxwell House a trabajadores, en una serie de comerciales.9 En 1977 Vance sufrió un ictus que
la dejó parcialmente paralizada. Su última actuación en TV con Lucille Ball fue
en el especial de la CBS Lucy Calls the President, emitido
el 21 de
noviembre de 1977.
Vivian Vance, que nunca tuvo hijos, falleció en 1979, a los 70 años de edad. Su cuerpo fue incinerado, y las
cenizas esparcidas en el mar.
Por su contribución a la industria televisiva, Vance recibió
a título póstumo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el nº 7030 de Hollywood
Boulevard.
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Nace James
Lovelock, científico británico.
James Ephraim Lovelock (Letchworth, Hertfordshire, 26 de julio de 1919-Abbotsbury, Dorset, 26 de julio de 2022)1 fue un médico, meteorólogo, escritor, inventor, químico atmosférico y ambientalista inglés, famoso por la hipótesis Gaia, que visualiza a la Tierra como un sistema autorregulado.
Su invento, el detector de captura de electrones, permitió detectar componentes tóxicos en regiones tan remotas como la Antártida.
Contrario al armamentismo nuclear, promovió un uso pacífico de la energía nuclear como único recurso para disminuir el abuso de los combustibles fósiles y evitar que el sistema atmosférico llegue a un punto sin retorno que lo desestabilice.2
Biografía[editar]
Lovelock nació en la ciudad jardín de Letchworth (Letchworth Garden City), Hertfordshire. Estudió química en la Universidad de Mánchester antes de obtener un puesto de investigación médica con el Medical Research Council (Consejo de investigación médica), Londres. Estudió en la Escuela de Londres de Higiene y Medicina Tropical.
Durante su estancia en Estados Unidos llevó a cabo distintas investigaciones en la Universidad Yale, el colegio de medicina de la Universidad de Baylor y en la Universidad Harvard. Fue durante su estancia en la citada Universidad Yale cuando desarrolló el detector de captura de electrones. Según comentó en una entrevista concedida al diario El País, aunque se vio obligado a ceder la patente al gobierno de los Estados Unidos no se siente frustrado por este hecho.
La Geological Society of London lo galardonó con la medalla Wollaston en 2006 por la «creación de un campo de estudios enteramente nuevo en ciencias de la tierra», la ciencia del sistema Tierra.3
1922:
William Blake Crump (Tulsa, Oklahoma, 26 de julio de 1922 – Brentwood, California, 15 de diciembre de 2010)12 fue un director, guionista, productor y actor de cine estadounidense.
Desde siempre, lo que llenaba a Edwards era escribir. Sus
inicios como guionista fueron casi producto del azar. Una de sus novias de
juventud le mostró un guion que estaba escribiendo para un programa de radio y,
cuando quiso darse cuenta, Edwards lo había rehecho por completo. El jefe de la
muchacha quedó tan impresionado con el trabajo de Edwards que se convirtió en
su agente y le consiguió trabajo para escribir con regularidad para la radio.
Como guionista, Edwards pasó de la radio a la televisión, que le sirvió de
plataforma para alcanzar su meta, el cine.
Antes de escribir guiones para cine, mientras escribía para
radio y televisión empezó su acercamiento al cine de la forma que le era más
fácil: como extra. En 1942, dio sus primeros pasos en el cine
como actor, en la excelente película Diez héroes de West Point. Un drama bélico, dirigido por Henry Hathaway, en el que el argumento se traza en
torno a un grupo de estudiantes de la academia militar West Point que han de
acudir a sofocar una rebelión india. Además, en la trama se incluye un
conflicto amoroso típico: dos hombres (John Sutton y Laird Cregar) enamorados de una misma mujer (la pelirroja Maureen O'Hara). La participación de Edwards en el
film es bastante irrelevante, interpretaba un pequeño papel secundario y ni
siquiera aparece mencionado en los créditos. De la misma manera, en 1946
también aparece en la película El extraño amor de Martha Ivers, dirigida por Lewis Milestone, interpretando un marinero recogido
en autoestop por uno de los personajes
principales.
Su primer guion para
el cine fue el del western de 1948 dirigido por Lesley Selander: Imperio
del crimen. El guion
no lo escribió en solitario, sino que fue coguionista junto con John Champion. Además de colaborar en el guion,
ambos fueron productores de la película.
Su primera película como director fue Venga tu sonrisa de 1955. Es la primera película
del equipo formado por Blake Edwards con Richard Quine. Ambos empezaron a colaborar en los
inicios de sus respectivas carreras, cuando aún eran los dos novatos, actores
que aspiraban a algo más. Entre 1952 y 1958 firmaron conjuntamente siete guiones para la Columbia Pictures. Cinco de las películas, las
dirigiría Quine; las otras dos, Edwards. El último guion que escribieron
conjuntamente ya no fue afrontado por la Columbia que cuatro años después cedió
los derechos a la Universal Studios. Finalmente, en 1962, Quine dirigió La misteriosa dama de negro.
Su carrera abarca 50 años. Aunque, etiquetado para la
historia como "director de comedias", Edwards se ha paseado por
todos los géneros y algunos de sus melodramas se han convertido en verdaderos
clásicos.
Como director de cine, su última película fue un indigno
final: El hijo de la pantera rosa de 1993, con Roberto Benigni. En televisión fue una nueva
adaptación para la televisión de Victor Victoria (1982) rodada en 1995. Después,
dejó de dirigir aquejado de fatiga crónica. Edwards ha pasado a la historia del
séptimo arte por: Desayuno
con diamantes(1961)
o la mejor interpretación de Audrey Hepburn que el público recuerda, sobre
la novela de Truman
Capote; Días
de vino y rosas (1963),
o la comedia amarga más brillante y aclamada jamás rodada sobre el mundo del
alcoholismo, con magistrales interpretaciones de Jack Lemmon, Lee Remick y Charles Bickford; y en menor medida tres taquillazos
con cuatro comedias de calidad como la encantadora Operación
Pacífico (1959),
con Cary Grant en una de las mejores comedias
de submarinos nunca estrenadas; The Party(1968), compenetrándose a la
perfección con un hierático Peter Sellers y logrando una comedia absurda
y genial que roza la perfección y renueva profunda y definitivamente el género;
la sensacional Victor Victoria, remedando el famoso film alemán de
1930 (de Reinhold Schunzel); y la inevitable La pantera rosa (1963) y todas sus secuelas.
Como productor en cine, su últimas películas fueron La maldición de la pantera rosa y Mis problemas con las mujeres de 1983. En televisión, posteriormente, aún trabajo como productor
ejecutivo en
tres series. La última fue Julie cuya protagonista era su mujer.
El éxito comercial y recaudatorio de La
pantera rosa fue
de tal magnitud que marcó la carrera del director. Al año siguiente se rodó una
secuela. Después, Edwards fue grabando una nueva secuela cada vez que tenía
falta de liquidez. Además su prestigio le ha permitido incluir su nombre en el
propio título: por ejemplo, Blake Edwards' son of the pink Panther.
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1922:
Nace Jason Robards, actor de cine estadounidense
(fallecido en el 2000).
Jason Robards (Jason Nelson Robards Jr.: Chicago, de Illinois, 26 de julio de 1922 – Bridgeport, de Connecticut, 26 de diciembre de 2000) fue un actor de cine y de teatro estadounidense, ganador de los premios Emmy, Tony y Óscar. Se convirtió en el actor referente
del dramaturgo Eugene O'Neill.
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Índice
Biografía[editar]
Estilo literario[editar]
1925:
Nace Ana María Matute,
novelista española (f. 2014).
Ana María Matute Ausejo (Barcelona, España, 26 de julio de 1925 -
Barcelona, 25 de junio de 2014)123 fue una novelista española miembro de la Real Academia
Española(donde ocupó el asiento «K») que en 2010 obtuvo el Premio Cervantes. Matute fue una de las voces
más personales de la literatura española del siglo XX y es considerada por muchos
como una de las mejores novelistas de la posguerra española.
Índice
o 3.1Obras
Biografía[editar]
Ana María Matute fue la segunda hija de cinco descendientes de
una familia de la pequeña burguesía catalana, conservadora y religiosa. Su
padre, Facundo Matute Torres, era un catalán propietario de la fábrica de
paraguas Matute S.A.,4 y su madre fue María Ausejo Matute.5 Durante su niñez, Matute vivió un
tiempo considerable en Madrid, pero pocas de sus historias hablan sobre sus
experiencias vividas en la capital de España.
Cuando Ana María Matute tenía cuatro años cayó gravemente
enferma. Por dicha razón, su familia la lleva a vivir al pueblo natal de sus
abuelos, Mansilla de la Sierra,
una pequeña localidad en las montañas de La Rioja. Matute dice que la gente de
aquel pueblo la influenció muchísimo. Dicha influencia puede ser vista en la
obra antológica Historias de la Artámila (1961),
la cual trata de la gente que Matute conoció en Mansilla, así como en Paulina (1960),
obra infantil en la que presenta influencias de Heidi (1880),
como el amor por la naturaleza y la relación de la niña con su abuelo. En dicha
obra, se deduce, además, cierto carácter autobiográfico, pues la niña
protagonista sufre una grave enfermedad y por esta razón su tía la lleva a las
montañas a vivir con sus abuelos.6
Ana María Matute tenía once años de edad cuando comenzó la Guerra Civil Españolade 1936.
La violencia, el odio, la muerte, la miseria, la angustia y la extrema pobreza
que siguieron a la guerra marcaron hondamente a su persona y a su narrativa. La
de Matute es la infancia robada por el trauma de la guerra y las consecuencias
psicológicas del conflicto y la posguerra en la mentalidad de una niña, y una
juventud marcada por la Guerra, se reflejan en sus primeras obras literarias
centradas en "los niños asombrados" que veían y, muy a pesar suyo,
tenían que entender los sinsentidos que les rodeaban. Características
neorrealistas pueden ser observadas en obras como en Los Abel (1948), Fiesta
al Noroeste (1953), Pequeño teatro (1954), Los
hijos muertos (1958) o Los soldados
lloran de noche (1964). En todas estas obras
—que se inician con gran lirismo y poco a poco se sumergen en un realismo
exacerbado—, la mirada protagonista infantil o adolescente es lo más
sobresaliente y marca un distanciamiento afectivo entre realidad y sentimiento
o entendimiento.
Mientras vivió en Madrid asistió a un colegio religioso.
Escribe su primera novela, Pequeño teatro, a los 17 años de edad,
aunque no fue publicada hasta 11 años más tarde. En 1949,
su obra Luciérnagas queda semifinalista del Premio Nadal; sin embargo, la censura impide
la publicación.
En el 17 de noviembre de 1952, Matute se casa con el escritor
Ramón Eugenio de Goicoechea. En 1954 nace su único hijo, Juan Pablo, al que le
dedicó gran parte de sus obras infantiles. Se separa de su esposo en el año
1963. Como resultado de las leyes españolas, Matute no tenía derecho a ver a su
hijo después de la separación, ya que su esposo obtuvo la tutela del niño, y
esto le provocó problemas emocionales.
Encontró el amor años después, al lado del empresario francés
Julio Brocard, con el que compartió la pasión de viajar. Brocard murió en 1990,
el 26 de julio, día del cumpleaños de Matute.
Ella sufría ya depresión, y la pérdida de su gran amor la sumió más en ella.7
En 1976 fue propuesta para el Premio Nobel de
Literatura. Después de varios años de gran silencio narrativo, en
1984 obtuvo el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil con
la obra Sólo un pie descalzo. En 1996 publica Olvidado Rey Gudú y
ese mismo año es elegida académica de la Real Academia
Española donde ocupaba el asiento "K", convirtiéndose
en la tercera mujer en formar parte de esta institución. Leyó su discurso de
ingreso en 1998.
Matute era también miembro honorario de la Sociedad
Hispánica de América. Existe un premio literario que lleva su nombre
y sus libros han sido traducidos a 23 idiomas. En 2007 recibió el Premio
Nacional de las Letras Españolas al conjunto de su labor
literaria. Asimismo, en noviembre de 2010 se le concedió el Premio Cervantes, el más prestigioso de la
lengua castellana, que se le entregó en Alcalá de Henares el
27 de abril de 2011.
El 12 de marzo de 2009,
la escritora depositó en la Caja de las Letras
del Instituto Cervantes la primera edición del libro Olvidado Rey Gudú.8
En el año 2012 fue parte del jurado del Premio Miguel de
Cervantes.
Matute era profesora de la universidad y viajaba a muchas
ciudades para dar conferencias, especialmente a los Estados Unidos. En sus discursos hablaba sobre
los beneficios de los cambios emocionales, los cambios constantes del ser
humano y cómo la inocencia nunca se pierde completamente. Ella decía que,
aunque su cuerpo fuese viejo, su corazón todavía era joven.
Falleció en la madrugada del 25 de junio de 2014 tras varios
días con problemas cardiorespiratorios.
Estilo literario[editar]
Ana María Matute trata muchos aspectos políticos, sociales y
morales de España durante el periodo de la posguerra. Su prosa es muy
frecuentemente lírica y práctica. En sus novelas, Matute incorpora técnicas
literarias asociadas con la novela modernista o surrealista. Con todas estas
cualidades y talento literario, Matute es considerada «una escritora
esencialmente realista», puesto que como ella misma afirma: «Si somos capaces
de imaginar, es porque lo que imaginamos también es real».9 Muchos de sus libros tratan del
periodo de la vida que abarcan desde la niñez y la adolescencia hasta la vida
adulta.
Matute utiliza mucho, como fuente primaria, el pesimismo, lo
cual da a sus novelas una sensatez más clara que la realidad de la vida. «La
enajenación, la hipocresía, la desmoralización y la malicia» son
características que comúnmente son fáciles de encontrar en la ficción de sus
obras. Una de sus características más comunes es el uso de la trilogía: una
obra literaria que está compuesta por tres novelas o cuentos que tienen tanto
características en común como diferentes. Muchos críticos consideran que su
mejor obra es la trilogía Los Mercaderes, la cual está conformada
por Primera memoria, Los soldados lloran de noche y La
trampa. Sobre su obra se dice que «aunque los argumentos de cada una de sus
novelas son independientes, las une el tema general de la Guerra Civil y
el retrato de una sociedad dominada por el materialismo y el interés propio».
1926:
Jules Frankin Guy, más conocido como James Best (Powderly, Kentucky, 26 de julio de 1926 - Hickory, Carolina
del Norte, 6 de abril de 2015), fue un actor, productor, director, escritor,
cantante, actor de voz y profesor estadounidense.
Nació en Kentucky, en 1926. Su madre era la hermana de Ike
Everly, padre del dúo pop los Everly Brothers. Su madre murió en 1929, y fue
mandado a vivir a un orfanato. Más tarde fue adoptado por la familia Best y se
fue a vivir con ellos en Corydon, condado de Harrison, en el sur de Indiana.
Sus primeros papeles en películas fueron: Sam en Orgullo
de comache, Cole Younger en Los asaltantes de Kansas, Frank Addison
en Peggy, Jerry Connell en Air Cadet y Joe Rakich en Steel Town.
Algunas de sus participaciones en cine son: Black
Gold, Corredor sin retorno, La revancha de Clint Cooper, Espuelas
negras, Tres en un sofá, Salvajes, El expreso de Corea, Así
empezó Hollywood, The Brian Machine, Raney, Death Mask, Hot
Tamale, La leyenda de Moondance Alexander, Return of the Killer
Shrews y The Sweeter Side of Life.
Se hizo muy popular con la serie The
Dukes of Hazzard,
donde interpretó al Sheriff Rosco P. Coltrane durante el período 1979 a 1985.
**********
1928:
Stanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 26 de julio de 1928–St
Albans, Reino Unido, 7 de marzo de 1999) fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo estadounidense. Considerado por muchos como uno de
los cineastas más influyentes del siglo XX, destacó tanto por su precisión
técnica como por la gran estilización de sus películas y su marcado simbolismo.
Comenzó a trabajar en el cine a partir de 1951, año en el que
se estrenó su primer proyecto, el cortometraje documental Day of the Fight, que fue comprado por RKO Pictures, dándole a Kubrick un pequeño
beneficio económico. Esta compañía también le adelantó dinero para su siguiente
trabajo, un documental de nueve minutos llamado Flying Padre. Tras realizar varias cintas, se estrenó Paths of Glory, un film antibelicista que hasta el
día de hoy es considerado uno de los mejores del director.
A continuación de ese filme dirigió su primera película de
alto presupuesto, Espartaco, que fue galardonada con
cuatro Premios
Óscar y elevó
la carrera de Kubrick a un mayor nivel. Tras el éxito que cosechó la cinta —incluyendo
un Globo
de Oro a
la mejor película dramática—, Kubrick tuvo la oportunidad de
dedicarse a otro proyecto, Lolita de
1962. El largometraje protagonizada por Sue Lyon y James Mason recibió críticas mixtas, pero
causó controversia debido al contenido relacionado con la hebefilia. Sin embargo fue nominado como mejor
director en los Globos de Oro y en el festival de Venecia en 1962, también obtuvo una puntuación de 95% en el sitio
web Rotten
Tomatoes. Dos años después dirigió Dr. Strangelove, por la cual fue candidato a varios
galardones, entre ellos varios BAFTA y su primera nominación al Óscar, en las
categorías Mejor
director y guion adaptado.
En 1968 alcanzó la cumbre de su carrera con 2001: A Space Odyssey, film de ciencia
ficción con el
que ganó su único Óscar a título personal, por el diseño de efectos especiales. Además, la película es considerada como una de las
mejores de la historia dentro de su género. Posteriormente, Kubrick dirigió La naranja mecánica, una de las cintas más polémicas de la historia, más que
nada por su alto nivel de censura. Esta es una adaptación de la novela
homónima de Anthony Burgess que muestra al personaje Alex DeLarge —interpretado por Malcolm McDowell—, un delincuente sociópata y carismático, cuyos placeres
son la música
clásica, la violación y la llamada ultraviolencia. El largometraje causó controversia
en varios países, entre ellos Reino Unido; por esto Kubrick pidió a Warner Bros que se lo retirara del Reino
Unido, pues en un momento dado se encontró bajo mucha presión, llegando incluso
a recibir amenazas de muerte para él y su familia.
Además, La naranja mecánica fue candidata a cuatro premios Óscar y Kubrick fue candidato a este galardón, al Globo de Oro y al BAFTA por su dirección y guion.
Además, La naranja mecánica fue candidata a cuatro premios Óscar y Kubrick fue candidato a este galardón, al Globo de Oro y al BAFTA por su dirección y guion.
Posteriormente dirigió Barry Lyndon de 1975, ganadora de cuatro
Óscar; Kubrick perdió como Mejor director ante Miloš Formanpor One Flew Over the Cuckoo's Nest con Jack Nicholson. Este actor protagonizó la siguiente
película de Kubrick, El resplandor,
basada en la novela de Stephen King. Luego de la realización del film,
King comentó que le desagradó la versión de Kubrick. Asimismo, dirigió Full Metal Jacket (1987) y Eyes Wide Shut (1999).
De sus trece películas, se encuentran clásicos del cine
como Paths of
Glory (1957), Espartaco (1960), Lolita (1962), Dr. Strangelove or: How I Learned to
Stop Worrying and Love the Bomb (1964), 2001: A Space Odyssey (1968), La naranja mecánica (1971), Barry Lyndon (1975), El resplandor (1980), Full Metal Jacket (1987) o Eyes Wide Shut (1999).
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1941:
Gian Franco Pagliaro (Nápoles, 26 de julio de 1941 - Buenos Aires, 27 de marzo de 2012) fue un cantautor italianonacionalizado argentino, con gran éxito en América Latina.
En los años 1970 fue protagonista de la canción
de protestacantada
en castellano. Ha vendido varios millones de discos entre los hispanohablantes
del mundo.
Este cantante romántico, melódico, con tradición itálica,
produjo canciones muy versionadas como «Amigos míos, me
enamoré»», «Todos los barcos», «No te vayas entonces» y «Vendrás con el mar,
las uvas y el sol». «Yo te nombro», «La balada del boludo», «Las cosas que me
alejan de ti», «Confesiones de un ex». A continuación, una cita del autor:
No es fácil ser inteligente y banal al mismo tiempo y cursi y
profundo y también comprometido y superficial, ser anárquico y respetar códigos
y normas, musicalizar a Neruda, componer algún temita para sobrevivir e
intentar un poema. No es fácil trazar el propio camino a la vera de los caminos
establecidos, reunir en el mismo escenario todos los “yo” que habitan en uno.
Su voz de barítono, le acuñó en Colombia un gran éxito, donde vendió más de 160 000 discos de poemas entre 1999 y 2001.
Su voz de barítono, le acuñó en Colombia un gran éxito, donde vendió más de 160 000 discos de poemas entre 1999 y 2001.
Sus últimos discos:
Cantautores queridos (dedicado a los cantautores que
Pagliaro admira o aprecia: Joan
Manuel Serrat, Alberto Cortez, Violeta Parra, Silvio
Rodríguez, Pablo Milanés, Leonardo Favio, Sandro, Facundo Cabral y Víctor Heredia, entre otros),
Antología italiana (disco dedicado a él mismo, a su
italianidad, a su origen, a su particular manera de cantar, emotiva, cálida) y
La voz de los poetas (poemas de grandes poetas: Pablo Neruda, Mario Benedetti, Oliverio Girondo, Walt Whitman, Jorge Luis Borges, Jaime Sabines, Fernando Pessoa)
Fue un temprano musicalizador de José Martí, Rubén Darío, Pablo Neruda, Almafuerte, Gustavo
Adolfo Bécquer, Franz Tamayo Fue uno de los primeros en
español, en tocar dentro de la canción de amor la temática existencial de los
cantautores franceses e italianos sesentistas.
“Cómo explicarte que te quiero/ aunque te hiera sin motivo/
solo porque me va muy mal/ tan mal que a veces amor mío/no tengo ganas de
besarte...” (1968) o ”Qué absurdo es el amor /pienso al verme siempre aquí /
sin poder ir donde quiero/ con el mar cerca de mi…” (1968)
Ha cantado y homenajeado a los artistas que lo han
influenciado como Jacques Brel, Georges Brassens, Charles Aznavour, Gilbert Bécaud, Georges Moustaki, Luigi Tenco, Sergio Endrigo, Gino Paoli, Claudio Baglioni, Riccardo
Cocciante.
Gian Franco, Carlo para los padres, nació en Nápoles el 26 de julio de 1941. Sus
padres eran Francesco y Anna y sus hermanos Antonio, Annamaria y Sonya. A los 6
años comenzó con sus estudios primarios en una escuela de monjas en la
localidad de Bagnoli. Sus inclinaciones artísticas
comenzaron a temprana edad, su habilidad en el dibujo y un oído musical lo
hacieron popular en la escuela. En su familia era cosa de todos los días cantar
arias de ópera como Tosca, La Boheme, Cavalleria
Rusticana, I Pagliacci, y canciones napolitanas como O sole mio o Torna a Surriento. Sus padres tenían previsto otro
futuro para Carlo, querían que sea arquitecto por su facilidad para el dibujo.
Pero Gian Franco cada vez se interesaba más por las artes.
Con el tiempo Yo te nombro también llamada Yo
te nombro Libertad, se convertiría en una de las canciones más emblemáticas de
los setenta y la más utilizada por los partidos de izquierda y organizaciones
revolucionarias en las páginas Web y también la más cantada:
por el pájaro enjaulado/
por el pez en la pecera/
por mi amigo que está preso/
porque ha dicho lo que piensa/:
yo te nombro Libertad...
Grabada por Nacha Guevara, Sanampay, César Isella, Reincidentes, Quilapayún, Savia Nueva,
Suramérica, Iris Chacón, Isabel Aldunate y otros, esta
canción, por motivos nunca aclarados por nadie y por una manifiesta ignorancia
de muchos artistas e intelectuales, es atribuida generalmente al poeta
francés Paul Éluard, quien, en 1942, escribió un poema,
Libertad, que los ingleses lanzaron sobre París ocupada por los nazis. La confusión se debe a que un periodista del diario La
Opinión, muy influyente en aquellos años, Jorge Andrés, escribió en 1971 un
comentario sobre el Festival y el escándalo que había provocado Gian Franco con
su actitud revoltosa. Del tema Yo te nombro dijo que tenía reminiscencias
del poema Libertad, de Paul Éluard. Cuando Nacha Guevara, en ese entonces esposa del
arreglador de Pagliaro, Alberto Favero, grabó la canción durante su exilio
en España, hizo figurar en los créditos del disco que Yo te
nombro estaba basada en un poema de Eluard. La canción dio la vuelta al
mundo. Desde entonces la canción de Pagliaro navega por Internet de portal en portal, de página
en página con el nombre de Paúl Eluard en popa. Podría decirse que el poema más
famoso de Eluard que circula por Internet lo escribió Gian Franco Pagliaro y no
es una ironía.
En el verano de 1971 conoce en Buenos Aires a Pablo Neruda, quien, desde su Isla Negra, lo había autorizado a musicalizar
sus poemas.
Para 1974 Gian Franco es, a pesar de las
prohibiciones, de sus propios desmanes, de su personalidad polémica e impulsiva
y de la censura, un cantautor de gran fama, exitoso y un referente y
protagonista de la música argentina de esos años que se debatía entre lo
comercial y el compromiso, entre la canción pasatista y la canción de protesta.
TODOS LOS BARCOS, VENDRAS CON EL MAR, LAS COSAS QUE ME ALEJAN
DE TI, YO TE NOMBRO LIBERTAD, AMIGOS MIOS ME ENAMORE, NO TE VAYAS ENTONCES, SI
ME OLVIDAS TE OLVIDO, LA BALADA DEL BOLUDO, son algunos de los temas que le han
dado fama y respeto. Artistas de variado géneros y estilos como Iva Zanicchi, Nacha Guevara, Leonardo Favio, Sandro, Enrique Guzmán, Héctor Cabrera, Jairo, Wilkins, Sergio Denis, Sanampay, Quilapayún, Los de Siempre, Savia Nueva, Carlos
Torres Vila, Miguel Ángel Robles, La Mona
Jiménez,
Reincidentes, entre otros, han grabado sus canciones.
https://www.youtube.com/watch?v=xE9ZoYjMJNo
https://www.youtube.com/watch?v=mF-010Fag9Y
https://www.youtube.com/watch?v=L8fhqEcBeZM
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Índice
1941:
Nace Alejandro Suárez,
actor y humorista mexicano.
Sergio Alejandro Suárez Velasco es un actor cómico
mexicano nacido en Ciudad De México, México, el 26 de julio de 1941.
Con una vasta experiencia en la comicidad durante más de cuatro décadas.
Trabajó en cine, teatro y televisión en diversos programas como:
"Chucherias", "Ensalada de Locos", La Carabina De
Ambrosio, "El Show De Alejandro Suárez" entre otros
varios más. Es medio hermano de Héctor Suárez,
actor, director y productor mexicano.
Índice
1943:
Sir Michael Philip «Mick» Jagger (Dartford, Kent, Inglaterra, 26 de julio de 1943) es un músico de rock británico conocido por ser el vocalista, compositor y cofundador del grupo The
Rolling Stones.
También ha trabajado como productor musical y cinematográfico, actor y
empresario. Además, el grupo ha ganado dos Grammy y él, en solitario, un Globo
de Oro.
Mick es hijo del profesor de Educación física (E.F.) Basil
Joseph Jagger —conocido, además, por ser una de las personas que ayudó a
popularizar el baloncesto en la isla— y de la ama de
casa australiana Eva Scutt. Desde pequeño siempre se interesó por la música
—inclinándose hacia el R&B— y con 18 años comenzó con la armónica.
Estudió en la Maypole Primary y en la Wentworth Country
Primary School, donde uno de sus compañeros fue Keith Richards. La secundaria la estudió en el
Dartford Grammar School y gracias a las buenas notas que sacó obtuvo una beca
para estudiar en la London School of Economics, donde cambió el Mike por Mick. Nunca terminó la
universidad.
Carrera como solista
A mediados de los 80, Jagger decidió apartarse de The
Rolling Stones e
iniciar una carrera como solista. En 1984 participó, cómo artista invitado, en
el sencillo "State of
shock",
de The
Jacksons (banda
de Michael
Jackson y sus
hermanos, posterior a The Jackson Five), y un año más tarde actuó, junto
a Tina Turner, en Live Aid y participó en el videoclip de
"Dancing in the Street" de David Bowie. Tras el disco Undercover,
de The
Rolling Stones, Mick
decidió debutar en solitario. Reclutó a músicos cómo Pete Townshend, Herbie Hancock, Jeff Beck y Carlos Alomar, y los productores Bill Laswell
y Nile
Rodgers para
grabar She's
the boss(1985).
"Just another night" fue el sencillo más exitoso de
su carrera en solitario —llegó al número 12 del Billboard Hot 10034— y del que ha acabado renegando: «Tiene ese arrastre
de las técnicas de grabación que se usaban entonces. Ese gran eco de fondo...
Eran los primeros tiempos de los samples y las máquinas de ritmo, que
ahora se consideran tan malos», le dijo el cantante a la revista Rolling Stone.4
El segundo álbum fue Primitive Cool (1987), producido por Jimmy Rip. Un año más tarde presentó a The Beatles en su ingreso en el Salón de la Fama del Rock and Roll y actuó junto a Bruce Springsteen y George Harrison. Para escuchar las canciones del
tercer disco, Wandering Spirit, hubo que esperar hasta 1993, donde el artista invitado fue Lenny Kravitz y producido, de nuevo, por Rip.
En 2001 llegó Goddess
in the Doorway,
destacando el tema que graba a dúo junto a Bono, de U2.
Jagger viajó a Alemania para grabar las voces del tema
titulado "Joy". Bono venía de dar un concierto en Colonia la noche anterior y
prácticamente no podía cantar. La canción trata sobre la búsqueda espiritual —y
el encuentro— de un estado interior de gracia.
En 2007 sale el quinto, y hasta el
momento, último disco en solitario: The Very Best of Mick Jagger, cuyo sencillo fue "Charmed
Life".
En 2011 ha grabado un sencillo
con Will.I.Am, llamado "T.H.E. (The Hardest Ever)", también con Jennifer Lopez.[cita requerida]
En 2011 formó una banda (SuperHeavy) junto con el cantante Damian Marley (hijo de Bob Marley), Joss Stone, Dave Stewart y A.R. Rahman, siendo una banda de estilo que va
desde el rock al reggae, agregando también tendencias indias, famosa por su
single Miracle
Worker.
En julio del 2011 la banda Maroon 5 y Christina
Aguilera hicieron
homenaje a los bailes y gestos habituales de Mick en sus actuaciones, con la
canción Moves
Like Jagger ("Se
mueve como Jagger"), que alcanzó notable éxito.
Su primera aparición en el cine fue como protagonista
en Perfomance (1968). Dos años más tarde protagonizó Ned Kelly. En 1992 llegó Freejack. Nueve
años más tarde fue el jefe de una agencia de gigolós en The man from Elyssian
fields junto a Andy García. Y ese mismo año, en 1992, fundó su
propia compañía cinematográfica: Jagged Films. El primer proyecto fue el drama
ambientado en la Segunda
Guerra Mundial Enigma. En 2008, coprodujo y fue guionista
de una película protagonizada por The
Rolling Stones y
dirigida por Martin
Scorsese: Shine a light.
En 2003 fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico y fue Embajador de la Candidatura olímpica de Londres 2012.
https://www.youtube.com/watch?v=hev2qx1y2IU
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Índice
Biografía[editar]
Carrera[editar]
1943:
Nace Peter Hyams, cineasta y guionista estadounidense.
Peter Hyams (Nueva York, 26 de julio de 1943) es un escritor, director de cine y guionista estadounidense
1
Índice
[ocultar]
· 2Carrera
o 3.1Cine
Biografía[editar]
Hyams nació en Nueva York, hijo de Ruth Hurok y Barry Hyams. Su abuelo era Sol Hurok, un empresario ruso, y su hermana es la directora de casting Nessa Hyams.2
Carrera[editar]
Hyams estudió arte y música en el Hunter College antes de trabajar en diversas series televisivas. Luego comenzó a filmar documentales y se mudó a Los Ángeles, donde vendió su primer guion, T.R. Baskin, a Paramount Pictures, en 1971.2 En los años 70 su carrera se centró en la televisión, pero a partir de los años 80 se centró más en el cine, gracias al éxito de su película Atmósfera cero. En 2005 dirigió la película El sonido del trueno, la cual sufrió varios problemas durante su producción.3
1945:
Es una de las pocas actrices que ha ganado los cuatro premios
principales dentro del cine por una sola película (The Queen): el Óscar, el BAFTA, el Globo
de Oro y
el Premio del Sindicato de Actores. En dos oportunidades ha sido
galardonada con el premio por interpretación femenina en el Festival Internacional de Cine de Cannes, en 1984 por la película Cal y en 1995 por La locura del rey Jorge.
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1948:
Antonio José Cortés Pantoja, más conocido por su nombre artístico Chiquetete (Algeciras, 26 de julio de 1948-Sevilla, 16 de diciembre de 2018),1 fue un cantante flamenco español. Era primo hermano de las también cantantes folclóricas Isabel Pantoja y Sylvia Pantoja.
Biografía[editar]
Antonio José Cortés Pantoja. Chiquetete es hijo de Manuela Pantoja Cortés, primo de Isabel Pantoja, Agustín Pantoja y Sylvia Pantoja. Nació en Algeciras en el seno de una familia gitana, aunque pronto mudaron su residencia a Sevilla cuando contaba con 8 años. Con 12 años se inició en el mundo artístico formando parte del conjunto Los algecireños —posteriormente llamado Los Gitanillos del Tardón— junto a Manuel Molina Jiménez y Manolo Domínguez el Rubio. En ese momento adoptó el nombre artístico de su tío materno, y padre de la también artista Isabel Pantoja, Juan Pantoja Cortés, que había formado un trío flamenco llamado Trío de los gaditanos junto a Florencio Ruiz Lara y Manuel Molina el Encajero, y que a su vez había tomado el nombre artístico de su padre, Pipoño de Jerez, posteriormente conocido como el Chiquetete de Jerez debido a que una vecina de la localidad y natural de Alicante comenzó a llamarle xiquet [niño].
Alternando su carrera con el trío con actuaciones en diferentes festivales en 1976, obtuvo el Premio Mairena del Alcor. Tras ello inició su carrera en solitario con la grabación del LP Triana despierta junto a Paco Cepero y Enrique de Melchor.2
Durante unos años continúa como cantaor flamenco hasta que en 1980, con su LP Altozano, da un giro a su carrera y se adentra en un género de balada romántica con influencia flamenca.3 El segundo LP de esta etapa, Tú y yo, de 1981, contenía todavía ritmos tradicionales como bulerías, fandangos y soleares. En 1988 lanzaba Sevilla sin tu amor, que contenía uno de sus mayores éxitos: la sevillana «A la puerta de Toledo». Un año más tarde publica Canalla, con temas compuestos por Juan Pardo, que sin embargo no alcanzó una gran repercusión comercial.
En la década de los noventa llegó a publicar tres LP, aunque su carrera inició un cierto declive, pues no repetiría los éxitos alcanzados en décadas anteriores.
Tras un tiempo retirado, en 2004 publicó Como la marea, bajo la producción musical de su hijo Fran Cortés. Este hijo, junto con el mayor, Antonio, y una hija, Rocío, son los tres habidos en su matrimonio con su primera esposa, la bailaora Amparo Cazalla Mora.
El 5 de enero de 2018, Chiquetete protagonizó un incidente cuando representaba al rey mago Gaspar en Carmona. Al comenzar la visita al colegio de las Hermanas de la Cruz, se quitó la barba y la corona porque le molestaban. Pero durante el discurso fue más lejos y soltó, ante un auditorio lleno de niñas: «Yo soy cantante, yo soy Chiquetete».4
El 16 de diciembre de 2018, Chiquetete murió en Sevilla por un fallo cardíaco derivado de una operación de cadera a la que se había sometido varios días antes.
Su cuerpo fue incinerado.
https://www.youtube.com/watch?v=MxE8WCITSAc
https://www.youtube.com/watch?v=5QR-m7nXIaY
https://www.youtube.com/watch?v=fe_cqTPkHzk
https://www.youtube.com/watch?v=U_cGOIc-jp0
1949:
Roger Meddows Taylor (King's Lynn, Norfolk, Inglaterra; 26 de julio de 1949), más conocido como Roger Taylor, es un músico, compositor y productor cinematográfico1 británico. Es el baterista del grupo Queen, además de realizar los coros. En algunas canciones como
solista actuó como guitarrista y vocalista. Ha escrito
canciones famosas de Queen como "Sheer Heart Attack",
"I'm In Love With My Car",
"Radio Ga Ga" o
"A Kind of Magic". También escribió otras como "Breakthru" o "Innuendo" junto con Freddie Mercury.
La revista Rolling
Stone ubicó a
Roger Taylor en el puesto 14 de su lista de los mejores 100 bateristas de la
historia, por lo que según la revista mencionada Roger es el 11° mejor baterista
vivo, ya que 3 de los bateristas que están entre los primeros 13 fallecieron
(1° John Bonham, 6° Keith Moon, 11° Cozy Powell). Además ocupa el 8° puesto de los
30 bateristas más ricos del mundo, con 105 millones de dólares.
https://www.youtube.com/watch?v=-tJYN-eG1zk
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1952:
María Eva Duarte de Perón (Los Toldos o Junín,1 7 de mayo de 1919 - Buenos Aires, 26 de julio de 1952), más conocida como Eva Perón o Evita, fue
una dirigente política y actriz argentina. Se casó con Juan
Domingo Perón en
1945 y tras la asunción de este como presidente
de la Nación Argentina el año siguiente, Duarte se convirtió en primera dama. Fue presidenta del Partido Peronista Femenino, presidenta
de la Fundación Eva Perón y fue declarada oficialmente "Jefa Espiritual de la
Nación" en 1952.
De orígenes humildes, migró a la ciudad de Buenos Aires a los quince años donde se
dedicó a la actuación, alcanzando renombre en el teatro, el radioteatro y el cine. En 1943 fue una de las fundadoras de la Asociación Radial
Argentina (ARA), siendo elegida presidenta.
En 1944 conoció a Perón, entonces secretario de Estado del
gobierno de facto, en un acto de recaudación de fondos para las víctimas
del terremoto de San Juan. Ya casada con Perón, participó activamente en la campaña
electoral de su
marido en 1946, siendo la primera mujer argentina en hacerlo.
Impulsó y logró la sanción en 1947 de la ley de sufragio femenino. Tras lograr la igualdad política
entre los hombres y las mujeres, buscó luego la igualdad jurídica de los
cónyuges y la patria potestad compartida con el artículo 39 de la Constitución de 1949. En 1949 fundó el Partido Peronista Femenino, el que presidió hasta su muerte. Desarrolló una amplia
acción social a través de la Fundación
Eva Perón, dirigida
a los grupos más carenciados. La Fundación construyó hospitales, asilos, escuelas, impulsó el turismo social creando
colonias de vacaciones, difundió el deporte entre los niños mediante
campeonatos que abarcaron a toda la población, otorgó becas para estudiantes, ayudas para la vivienda y promocionó a la mujer en
diversas facetas.
Adoptó una posición activa en las luchas por los derechos sociales y laborales y se constituyó en
vínculo directo entre Perón y los sindicatos. En 1951, para las primeras elecciones presidenciales con sufragio
universal, el movimiento obrero propuso a Evita, como la llamaba la población, como candidata a
vicepresidenta, sin embargo ella renunció a la candidatura el 31 de agosto,
conocido como el Día del Renunciamiento, presionada por las luchas internas
en el peronismo y la sociedad ante la
eventualidad de que una mujer apoyada por el sindicalismo pudiera llegar a
vicepresidenta.
Debido a un fulminante cáncer de útero, falleció el 26 de julio de 1952, a
la edad de 33 años. Recibió honores oficiales siendo velada en el Congreso de la Nación y en la central sindical (CGT), con un reconocimiento
multitudinario sin antecedentes en el país. Su cuerpo fue embalsamado y ubicado
en la CGT. La dictadura cívico-militar autodenominada Revolución Libertadorasecuestró y profanó su cadáver en 1955, ocultándolo durante
dieciséis años.
Escribió dos libros, La
razón de mi vida en
1951 y Mi mensaje en 1952 y recibió numerosos
honores, entre ellos el título de Jefa Espiritual de la Nación,la
gran Orden de Isabel la Católica en España de manos de Francisco Franco, la distinción de Mujer del Bicentenario, la Gran Cruz de Honor de la Cruz
Roja Argentina,
la Distinción del Reconocimiento de Primera Categoría de la CGT,
la Gran
Medalla a la Lealtad Peronista en Grado Extraordinario y el Collar de la Orden del Libertador General San Martín, la máxima distinción argentina. Se
han producido además numerosas películas, musicales, obras teatrales, novelas y
composiciones musicales sobre Eva Duarte de Perón.
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1959:
Kevin Spacey Fowler (nacido el 26 de julio de 1959),
conocido como Kevin Spacey, es un actor, director, productor, guionista y
cantante estadounidense. Comenzó su carrera como actor durante la década de
1980 con papeles secundarios en cine y televisión. Consiguió los elogios de la
crítica a comienzos de la década de 1990 que culminó con su primer Óscar al mejor actor de reparto por el thriller Sospechosos
Habituales (1995),
y el Óscar al mejor actor por el drama American Beauty (1999).
Nació en South Orange,
en el estado de Nueva
Jersey, con el
nombre Kevin Spacey Fowler. Es el hermano menor de los tres hijos de un
matrimonio formado por un padre redactor técnico, y una madre secretaria. El
trabajo del padre motivó que la familia se mudara en varias ocasiones, viviendo
en distintas localidades del país. Finalmente se establecieron en California, donde el pequeño Kevin puso de
manifiesto su carácter revoltoso. Sus padres le enviaron a un internado
dirigido por militares, de donde fue expulsado a los pocos meses. Ingresó
entonces en un colegio del Valle de San Fernando, cercano a Los Ángeles.
Allí Spacey se encontró a gusto y comenzó a participar en el teatro amateur de
la escuela.
Finalizada la escuela, y tras una breve estancia en un
colegio de actuación de Los Ángeles, Spacey marchó a Nueva York y comenzó a estudiar
interpretación en el prestigioso Juilliard School. A los dos años estaba tan ansioso
por actuar, que abandonó el colegio antes de recibirse y se incorporó al
Festival de Shakespeare de Nueva York.
En 1981, Spacey apareció por primera vez en el teatro,
interpretando a un mensajero en la obra de Shakespeare Enrique
VI. Al año siguiente
actuó Los
espectros, en un
drama de Ibsen en Broadway, a la que seguirían El misántropo (1984), de Molière, y Largo viaje hacia la noche (1986), de Eugene O'Neill. Se dio cuenta que su camino estaba
en el cine, pero aun así, Spacey siguió actuando regularmente en el teatro y
ganó en 1991 un premio Tony, el equivalente a los Óscar en el teatro, gracias a su
interpretación en Perdidos
en Yonkers, de Neil Simon.
Se introdujo en el cine a mediados de la década de 1980, con papeles secundarios en
películas de éxito como Se
acabó el pastel(con Jack Nicholson y Meryl Streep) y Armas de mujer (con Harrison Ford, Sigourney Weaver y Melanie Griffith). En 1992 participó en Glengarry
Glen Ross, con un
reparto de ilustres veteranos: Al Pacino, Jack Lemmon, Ed Harris. Pero su consagración como estrella
fue con el papel de Verbal Kint en la película Sospechosos
Habituales, con el
que gana su primer Óscar al mejor actor de reparto. Destaca también su papel en
el thriller Se7en, junto a Brad Pitt y Morgan Freeman.
Spacey es sin duda uno de los grandes actores de carácter
norteamericanos de nuestros días. Ha ganado dos Óscar, uno como mejor
actor de reparto y otro como mejor actor principal, este último
por American Beauty en 1999. Recientemente, Spacey ha sido nombrado
director artístico del teatro Old Vic en Londres, uno de los teatros más prestigiosos
de lengua inglesa. Allí dirige una nueva compañía teatral, que actúa durante
ocho meses al año, y de la que Spacey es también actor, además de director.
Entre otras obras, estrenó en Londres Cloaca de la dramaturga Maria Goos. Fue nombrado Comendador (2010) y
Caballero Comendador (2015) de la Orden del Imperio Británico. Una de sus últimas películas fue blackjack donde interpretó al
profesor Micky Rosa en
2008.
Kevin Spacey vive actualmente en Los Ángeles y es amigo de actores
como Steve
Martin, Sean Penn y Tom Hanks. Nunca se ha casado ni ha tenido hijos, además de no hacer declaraciones
sobre su vida privada.
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Nace Gary
Cherone, cantante estadounidense, de la banda Extreme.
Gary
Cherone (Malden, Massachusetts; 26 de julio de 1961) es un cantante y escritorde rock estadounidense, más conocido por su trabajo con el grupo
de rock Extreme, así como por su corto tiempo como cantante
del grupo Van Halen en el álbum Van Halen IIIy su
posterior gira. En años recientes ha publicado grabaciones en solitario. En
2007 se reunió de nuevo con Extreme, cuyo nuevo álbum, Saudades de Rock, fue lanzado el 12 de
agosto de 2008.
1964:
Sandra Annette Bullock (Arlington, Virginia, 26 de julio de 1964) es una actriz y productora estadounidense-alemana de cine y televisión. A lo largo de su carrera
profesional ha recibido numerosos galardones, entre ellos un Premio Óscar ,
un Globo de Oro y dos Premios del Sindicato de Actores.
La cinta de acción Hangmen marcó su debut en el año 1987.
La primera interpretación principal que hizo fue en Speed (1994), película por la que
empezó a adquirir popularidad.
En los años siguientes participó en filmes como Mientras dormías (1995), A Time to Kill (1996), Miss Congeniality (2000), la cinta ganadora del Óscar a la mejor película Crash (2005), The Proposal(2009) o el drama The Blind Side (2009), por el que recibió el Premio Óscar, el Globo de Oro, el SAG y el Premio de la crítica. Después de recibir el Premio de la Academia destacan sus intervenciones en The Heat (2013) y Gravity (2013) y la más reciente Minions como Scarlett Overkill.
En los años siguientes participó en filmes como Mientras dormías (1995), A Time to Kill (1996), Miss Congeniality (2000), la cinta ganadora del Óscar a la mejor película Crash (2005), The Proposal(2009) o el drama The Blind Side (2009), por el que recibió el Premio Óscar, el Globo de Oro, el SAG y el Premio de la crítica. Después de recibir el Premio de la Academia destacan sus intervenciones en The Heat (2013) y Gravity (2013) y la más reciente Minions como Scarlett Overkill.
En 2010 se convirtió en la primera actriz en ganar el Óscar a la mejor actriz –por la ya mencionada The Blind Side– y el Razzie a la peor actriz –por All About Steve (2009)–
en el mismo año. También fue nombrada por la revista Forbes como el intérprete más rentable
del año 2009 y como la actriz mejor pagada del mencionado año, con unas
ganancias estimadas en $56 millones de dólares, convirtiéndose en la actriz
mejor pagada de la historia según el Libro Guinness de los récords.11 Nuevamente fue la actriz mejor pagada en 2013, con
unas ganancias estimadas en $51 millones.
En 2010 se divorció de Jesse James después de que se hiciera
pública la infidelidad de este con la modelo Michelle
McGee, siendo uno de los divorcios más escandalosos y publicitados de dicho
año. Por otro lado, la actriz hizo pública su adopción de un bebé afroamericano llamado
Louis Bardo Bullock nacido en Nueva Orléans, Luisiana, a través de un reportaje publicado
en la revista People en abril de 2010. En 2015
adopta a su segunda hija Laila.
En 2012 fue considerada por la revista Forbes como
una de las celebridades que más confianza genera en el espectador
norteamericano, la publicación alegó que todas las personas incluidas en la
lista se encontraban en ella «porque han sabido mantenerse en el estrellato
durante décadas sin dar juego a las revistas de chismes».Asimismo ha sido
elegida, por la revista People, como la mujer más bella del 2015.
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1964:
Flavio Oscar Cianciarulo (Buenos Aires, Argentina, de 26 de julio de 1964), también conocido como Sr. Flavio, es un cantante, músico, compositor, escritor y productor de rock argentino. Es uno de los miembros fundadores,
de la agrupación de rock, reggae y ska, Fabulosos
Cadillacs, desde su
formación en 1985.
Cianciarulo nacio en Buenos Aires en 1964, pero se crió en Mar del Plata. Su carrera como músico comienza en
1984 formando el grupo Mantra con Aníbal Rigozzi. En 1985 conoce a Gabriel Fernandez Capello, Vicentico, a través de su hermana. Junto con
él formó Cadillacs '57, mezclando un estilo ska y reggae. Se hicieron cada vez más conocidos
y ya como Los
Fabulosos Cadillacs,
llegaron a editar quince discos de estudio.
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1965:
Nace Vladimir Cruz, actor, guionista y cineasta cubano,
autor de Fresa y chocolate.
Vladimir Cruz (Placetas, 26 de julio de 1965) es un actor cubano que se dio a conocer internacionalmente
a partir del éxito de la película Fresa y chocolate (1994), que fue nominada
al premio
Oscar de 1995.
En 1981 ―a los quince años de edad― comenzó a realizar obras
de teatro como actor aficionado. En 1983 ―a los diecisiete― entró a estudiar en
el Instituto Superior de Arte de La Habana, donde en 1988 se graduó como
licenciado en Artes Escénicas.
Tiene una extensa trayectoria profesional en el cine, el
teatro y la televisión.
Desde 2005 trabaja además en la escritura
de guiones y en la generación y gestión de diversos proyectos audiovisuales,
formando parte del equipo multicultural CayArte, con sede en Roma.
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Índice
Vida personal[editar]
Nace Jason Statham, actor británico.
Jason Statham (Shirebrook, Derbyshire, 26 de julio de 1967)2 es un actor de cine y modelo inglés.
Es mundialmente famoso por sus papeles en películas de acción y
aventura como Lock
and Stock (1998), Snatch: cerdos y
diamantes (2000), Revólver (2005), La carrera de la muerte (2008) y Blitz (2011),
así como por interpretar a Chev Chelios en la película Crank (2006)
y su secuela Crank: High Voltage (2009),
a Arthur Bishop en las películas The Mechanic (2011) y su
secuela Mechanic:
Resurrection (2016), por protagonizar la trilogía de Transporter como Frank Martin, a Lee
Christmas en la serie películas de The Expendables y a Deckard Shaw en
la serie de películas de Fast & Furious.
Con su aspecto de tipo duro, Jason Statham ha sabido hacerse un
hueco en el cine, siendo su especialidad el género de acción, afianzando que
los papeles de riesgo son lo suyo. Por lo general realiza sus propias escenas
de acción sin dobles3 y destaca por ser encasillado como un
antihéroe en sus personajes.4
1968:
Nace Olivia
Williams, actriz británica.
Olivia Haigh Williams (Camden Town, Londres, 26 de julio de 1968)
es una actrizbritánica.
Índice
o 2.1Cine
Vida personal[editar]
En noviembre de
2003, contrajo matrimonio con el actor Rhashan
Stone, con quien tiene dos hijas: Esme y Roxana.
1974:
Nace Peter
Manjarrés, odontólogo y cantante colombiano de música vallenata.
Valledupar, (26 de julio de 1974) es un odontólogo y
cantante colombiano de música vallenata.1
Manjarrés hace parte del vallenato nueva ola.
Manjarrés y el acordeonero Sergio Luís Rodríguez han ganado el premio Grammy Latino en
la categoría Cumbia/Vallenato en dos ocasiones (edición 2007 y edición 2009).2
A 2012, entre los logros y reconocimientos a Manjarrés figuraban
además dos premios Congos de Oro en
el Festival de
Orquestas y Acordeones del Carnaval de Barranquilla, dos premios 'Nuestra Tierra', ocho Premios Luna, un premio Mi Gente TV,
cuatro discos de oro, dos discos de platino, un doble disco de platino y un
triple disco de platino por las millonarias ventas derivadas de sus producciones
musicales.3
https://www.youtube.com/watch?v=S8IzCI4Qgwo
1978:
Muere Mary Blair, animadora, diseñadora gráfica,
ilustradora y guionista estadounidense.
Mary Blair (McAlester, Oklahoma, 21 de octubre de 1911 – Soquel, California, 26 de julio de 1978) fue una artistaestadounidense destacada por el
trabajo que realizó para The
Walt Disney Company.
Blair produjo los impresionantes conceptos artísticos de películas como Alicia en el país de las maravillas, Peter Pan, Canción del sur y La Cenicienta. Blair también creó diseños para personajes de varias atracciones de los
parques de Disney como It's
a Small World (Es
un mundo pequeño), la escena de fiesta en El Río del Tiempo en el
pabellón de México en el World Showcase de Epcot, y en un enorme mosaico en el interior del Contemporary
Resort de Disney. Varios de sus libros ilustrados para niños de la década de 1950 siguen siendo editados,
como I can fly (Puedo volar), por Ruth Krauss. Blair fue honrada como una leyenda
de Disney en 1991.
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1984:
George Horace Gallup (Jefferson, Iowa, 18 de noviembre de 1901 - Thun, 26 de julio de 1984) fue un periodista, matemático y estadístico estadounidense.
Fundó el American Institute of Public Opinion, Instituto de Opinión Pública
estadounidense, en 1935 para realizar sondeos
electorales en Estados Unidos, conocer los gustos de la gente y
estudiar la opinión de la masa social.
Fue el pionero en la medición de la audiencia tanto de radio como
de televisión mediante encuestas.
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Sledgehammer de Peter Gabriel, nº 1 de Billboard
1986:
Sledgehammer de Peter Gabriel, nº 1 de Billboard
Tras la publicación de este su quinto trabajo en solitario, Peter Gabriel centró
sus esfuerzos en su papel de empresario al frente de los estudios Real Works, y
no volvió a sacar un nuevo disco hasta 1989, año en que se publicó Passion, la
banda sonora de la película La última tentación de Cristo, dirigida por Martin Scorsese.
https://www.youtube.com/watch?v=OJWJE0x7T4Q
1986:
Muere Hernando Avilés, cantante, músico y compositor puertorriqueño.
Herminio Avilés Negrón, conocido artísticamente como Hernando Avilés (San Juan de Puerto Rico, 1 de febrero de
1914 - México D.F., 26 de julio de 1986), fue un cantante, músico y
compositor puertorriqueño.
Al principio de su carrera, formó parte de los tríos Los
Antillanos (1932-34), Los Gauchos (1934-37) y Las Tres Guitarras (1940-1941).
En los años 1941-42 formó un dueto, llamado Dueto Azteca, con el cantante
mexicano Sotero San Miguel. Entre
1942 y 1944 cantó como solista para varias orquestas.
Su fama principal se debe a ser, junto con Alfredo Gil y Chucho Navarro,
uno de los miembros fundadores de Los Panchos,
donde fue primera voz (1944-51, volviendo brevemente a unirse al trío en el
periodo 1957-58). Su característico contratenor hizo
muy distintivo el sonido del trío y de esa época provienen algunas de sus
mejores grabaciones. Al dejar por primera vez Los Panchos, conformó el Cuarteto
Avilés (1952-57). Más tarde fue primera voz de otro famoso trío, Los Tres Reyes (1958-1966).
Se retiró en 1966 para dedicarse a sus negocios.
Murió a los 72 años de edad, en un hospital de Ciudad de México, debido a un paro caridiaco.
Murió a los 72 años de edad, en un hospital de Ciudad de México, debido a un paro caridiaco.
https://www.youtube.com/watch?v=nBQ1a64MC5A
https://www.youtube.com/watch?v=yk4yNWWDvUw&list=PLqAnFHmCS6tl6EeD9I6HYv03Oi6xPzMhs
1991:
Nace Yeison Jiménez,
Yeison Orlando Jiménez Galeano (Manzanares, Caldas, 26 de julio de 1991) es un cantautor y compositor de música popular colombiano, en el año 2021 fue integrante del jurado en el programa musical Yo Me Llamo en su octava temporada del canal Caracol Televisión.
Reseña Biográfica[editar]
Sus padres: Orlando Jiménez Aristizábal y Luz Mery Galeano, comerciantes de profesión, fueron las primeras personas en conocer el talento que poseía su hijo quien a corta edad ya empezaba a inclinarse por la música especialmente en el género popular y norteño.
Comienza en el mundo artístico a los 7 años, tras participar en el festival de la canción infantil, que se realiza en Manzanares (Caldas) y reúne los mejores exponentes infantiles y juveniles de la música en todas sus expresiones, donde obtuvo el primer lugar durante 5 años consecutivos.
Como consecuencia de su gran triunfo, participó en distintos festivales y concursos musicales como: Festival Nacional Del Pasillo Colombiano en Aguadas (Caldas), Encuentro Nacional De Canta Pisteros (Manizales), Encuentro Nacional De Bandas Y Grupos Musicales (Neira, Caldas), donde se mantuvo en las primeras posiciones de la premiación.
Con tan solo 13 años de edad empezó a componer sus propias canciones, y luego de varios esfuerzos llega a la capital. A la edad de 13 años empezó a trabajar en la central mayorista de abastos, donde trabajó durante 5 años. Tiempo después, logra su gran sueño de grabar 5 temas musicales y de esta manera incursionar en el mercado de Bogotá y de sus alrededores.
Trayectoria[editar]
La primera grabación musical y de su autoría se titula Te Deseo Lo Mejor, y la realizó en el estudio de Jorge González (El Peruano). Tras acumular 23 temas grabados, 18 de ellos logran formar parte de su álbum debut Con El Corazón-Volumen 1, lanzado en 2013.
También cuenta con más de 70 composiciones, que lo perfilan como uno de los más grandes exponentes de la música popular. Con presentaciones internacionales en Alemania, Francia, Italia y EE. UU., ha ocupado con sus producciones los primeros lugares en las principales estaciones radiales y canales de televisión de Colombia.
En 2014 lanza el sencillo “Por qué la envidia”, grabado en las ciudades de Miami (EE.UU), Bogotá y Villavicencio (Meta), tema que va dirigido a todas aquellas personas que no creyeron en él y que solo se encargaron de enviar malas energías. Este sencillo forma parte de su más reciente álbum de estudio, Vuelve Y Me Pasa, lanzado en 2015.
Para promocionar su último disco, realiza durante el 2015 una gira por diversas ciudades de Colombia, alternando con la grabación de su nuevo álbum.1
Al día de hoy cuenta con más de 70 composiciones de su autoría, ha grabado temas en Estados Unidos y ha colaborado con varios cantantes del género tales como El Charrito Negro, Jhonny Rivera, Giovanny Ayala y Jhon Alex Castaño.
https://www.youtube.com/watch?v=n6zvD8kA3z4
2011:
Muere Joe Arroyo, ícono colombiano de la música
tropical (nacido en 1955).
Álvaro José Arroyo González, (Cartagena
de Indias, 1 de
noviembre de 1955 - Barranquilla, 26 de julio de 2011), más conocido
como Joe Arroyo, fue un cantante y compositor colombiano de música salsa y tropical, considerado como
uno de los más grandes intérpretes de música de su país.
Sus canciones fueron éxito a nivel nacional e internacional,
ganó múltiples discos de oro a lo largo de su carrera, entre ellos, 18 congos
de oro y 4 super congos ganados en el festival de Orquestas del Carnaval de Barranquilla. Entre sus canciones más relevantes destacan «La rebelión»,
«Tania», «Mary», «En Barranquilla me quedo», «El Ausente», «Tumbatecho», «Centurión
de la Noche», «Manyoma», «La noche», «La rumbera», «La guarapera», «El trato»,
entre otras.
En noviembre de 2011, Arroyo ganó el premio
Grammy Latino como
mejor cantante/compositor en la ceremonia de los Grammy Latinos 2011.
https://www.youtube.com/watch?v=oReuYMzIokg
https://www.youtube.com/watch?v=YifuJQEsJlE
https://www.youtube.com/watch?v=oReuYMzIokg
https://www.youtube.com/watch?v=YifuJQEsJlE
2012:
Muere Lupe Ontiveros,
actriz estadounidense (n. 1942).
Lupe Ontiveros (17 de septiembre de 1942 - 26 de julio de 2012)21 fue una actriz estadounidense de origen mexicana de cine y televisión. Ontiveros actuó en numerosas
películas y programas de televisión, a menudo interpretando una criada o, más
recientemente, una abuela que todo lo sabe.
Ontiveros
nació como Guadalupe Lupe Moreno en El Paso, Texas, hija de Luz Lucita Castañón
y Juan Moreno, de clase media, inmigrantes mexicanos que superaron la falta de
educación formal y eran dueños de una fábrica de tortillas y dos restaurantes
en El Paso.34 Se graduó en la escuela secundaria
Pasadena High School, y se fue a estudiar a la Universidad de
Mujeres de Texasen Denton (Texas), donde recibió una
licenciatura en trabajo social.4 Ontiveros fue criada como católica.
Después de su matrimonio, ella y su esposo se mudaron a California para
realizar su sueño de iniciar un negocio en la automoción. Durante un período de
insatisfacción profesional con su carrera de servicio social, Ontiveros trataba
de decidir si volvía a la escuela para un grado de enfermería, cuando vio un artículo sobre la
necesidad de "extras" en una película local. Con el apoyo de su
marido, ella comenzó con papeles sencillos y ello le valió una larga y
fructífera carrera en la pantalla.
Antes de
actuar, Ontiveros trabajó durante 18 años como trabajadora social y continuó
como activista con muchas de las mismas causas con las que trabajó en esa
profesión, como la prevención de la violencia doméstica y su concientización y
prevención del sida, entre otros problemas de salud.
Ontiveros
falleció víctima de cáncer de hígado el
26 de julio de 2012.2
2022:
Muere Darío Gómez,
Darío de Jesús Gómez Zapata (San Jerónimo, Antioquia; 6 de febrero de 1951-Medellín; 26 de julio de 2022) fue un cantante y compositor colombiano de música popular colombiana, conocido como El Rey del Despecho. También interpretaba temas en los géneros de la balada, música tropical y ranchera.123
Su iniciación en la interpretación ocurrió con un grupo llamado Los Legendarios, hasta lograr conformar su propio sello disquero. Su carrera artística le ha brindado más de seis millones de discos vendidos en los mercados nacionales e internacionales. De hecho, su fama mundial lo llevó a grabar un vídeo promocional en París.4
“Nadie es eterno en el mundo” es tal vez el mayor éxito de su carrera artística y que le brindó el título del Rey del Despecho. También compuso canciones como La oveja negra, Tú y la gente, El hijo del amor, El rey del despecho y Corazón resentido. Es además intérprete de temas tan famosos como Sobreviviré, “Entre comillas”, “Si negabas que buscabas” o “No puedo vivir sin ti”.5
Biografía
Darío de Jesús Gómez Zapata nació el 6 de febrero de 1951, en la vereda Los Cedros de San Jerónimo, Antioquia, y era hijo de unos campesinos de la región. Comenzó a escribir versos a los 14 años y a buscar apoyo mientras trabajaba como mecánico y agricultor. Su primera canción escrita se llamaba La Casita Vieja y fue compuesta por el artista a los 16 años cuando estudiaba en el colegio.6
En 1975, con 24 años el joven Darío fue responsable de la muerte de su padre, en un accidente donde le disparó. El músico reveló en el 2016 al canal Caracol que su padre estaba siendo influenciado por un conjuro con yerbas que le hacía decir cosas sin sentido y amenazar constantemente a su familia. Una de esas noches donde se despachaba contra su madre, el joven tomó la escopeta que su padre apuntaba contra su madre y cuando pretendía huir con ella para arrojarla al campo la disparó pues estaba cargada. El cañón estaba apuntando al hombre y el joven lo mató, mientras huía con el arma.7
Estando en Medellín, por recomendación de un amigo, llegó hasta Codiscos, en donde se dio a conocer su producción musical. Para 1976 grabò uno de sus primeros discos La Novia del Chofer.8 En 1977 Gómez ya se desempeñaba como director artístico en esta compañía. En sus notas se destacaban temas de corte decembrino, los de tono picaresco, los vallenatos y los bailables. Fue entonces cuando decidió integrar con su hermano Heriberto Gómez el grupo "Los Legendarios", entre 1977 y 1982. Su primer gran éxito es Ángel perdido, inspirado por la muerte de su hermana Rosangela, el 31 de octubre de 1978.9 Creó la agrupación Los Viejitos Verdes, de música parrandera. Paso de Codiscos a su propia propia productora: Discos Dago, en 1982.10
En 1985, Darío Gómez debutó como solista y se apuntó un nuevo triunfo cuando interpretó “Decídelo”; luego lanzó su primer larga duración con el nombre de Así se le canta al despecho.
“Nadie es eterno en el mundo”, grabada en 1989, es su canción más popular a la fecha. La canción habla sobre la ingratitud que reciben los difuntos luego de que son dejados en sus moradas de descanso La canción fue escrita en 1989. El artista se inspiró en el cementerio de San Jerónimo, Antioquia cuando un amigo suyo le digo11ː
Se da cuenta de que nada es eterno en la vidaLuis Gallego, amigo de Gómez
En una entrevista en 1995, reveló que se le conoció como El Rey del Despecho, por el público colombiano de la radio y la televisión.12
Para 2002, compuso otra de sus canciones más populares: Daniela, en homenaje a su nieta, cuya madre Luz Dary Gómez, murió a consecuencia de una bala perdida.13
Hacia 2007, incursiono en el mundo de la actuación para la televisión. En 2009 protagonizaría una campaña para la compañía Telefónica Telecom Colombia .
El 14 de mayo de 2015, Gómez lanzó el video de Me voy a casar junto a Jhonny Rivera.14 El 11 de agosto lanzaría el remix de No Hay Razón Para Odiarte en colaboración a Yelsid y Andy Rivera grabando por primera vez un reguetón.
En 2019, se difundió un rumor falso sobre su muerte en redes sociales, el propio Darío Gómez lo desmentiría en un vídeo.15 Ese mismo año, tuvo un incidente en el aeropuerto de Pasto, con la Policía Nacional.16
Recibió distinciones como el premio Ascap por su composición de Nadie es eterno, en Nueva York, el Pentagrama de Oro, y la corona del Rey del Despecho.17
Fallecimiento
El 26 de julio de 2022 falleció en la Clínica Las Américas de Medellín, a los 71 años de edad, debido a un infarto.18 Durante 4 días fue velado en el Coliseo Yesid Santos donde varios artistas de música popular, su familia, y sus fanáticos le rindieron un póstumo homenaje.
El 30 de julio de 2022, Darío Gómez fue sepultado en el Cementerio Campos de Paz en Medellín.
https://www.youtube.com/watch?v=5RXdrxUzvUk
https://www.youtube.com/watch?v=lDWJaMxZFY8
https://www.youtube.com/watch?v=LbwZCALNfb8
2023:
Muere Sinéad O'Connor, cantante y música irlandesa.
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Shuhada' Sadaqat12, anteriormente conocida como Magda Davitt y nacida como Sinéad4 Marie Bernadette O'Connor (AFI: /ʃɪˈneɪd oʊˈkɒnər/;5 Dublín, 8 de diciembre de 1966 — Dublín, 26 de julio de 2023),678 conocida profesionalmente como Sinéad O'Connor, fue una cantante y música irlandesa. Su álbum de estudio debut, The Lion and the Cobra, fue lanzado en 1987 y tuvo éxito internacional. Su segundo álbum de estudio, I Do Not Want What I Haven't Got (1990), recibió críticas elogiosas tras su lanzamiento y se convirtió en su mayor éxito, vendiendo más de siete millones de copias en todo el mundo.9 Su sencillo principal, "Nothing Compares 2 U", fue nombrado el single número uno mundial en 1990 por los Billboard Music Awards.10
Lanzó diez álbumes de estudio: Am I Not Your Girl? de 1992 y Universal Mother de 1994 ambos obtuvieron disco de oro en el Reino Unido,11 Faith and Courage de 2000 recibió certificación de oro en Australia,12 y Throw Down Your Arms de 2005 obtuvo disco de oro en Irlanda.13 Su obra incluyó canciones para películas, colaboraciones con muchos otros artistas y apariciones en conciertos benéficos. Su memorias del 2021, Rememberings, se convirtieron en un superventas.14
O'Connor fue conocida por su voz, su aspecto característico —frecuentemente rapado— y su controversias personales y políticas. Era una defensora del feminismo y de la comunidad LGBT, y criticaba la iglesia católica. En 1992, durante una actuación en Saturday Night Live, desgarró una foto del papa Juan Pablo II, en protesta por los abusos sexuales en la Iglesia Católica, lo que provocó una gran controversia.15 A lo largo de su vida, luchó con su salud mental, incluyendo un trastorno bipolar diagnosticado y posteriormente retractado,16 y habló abiertamente sobre su abuso de sustancias y intentos de suicidio.17
En octubre de 2018, anunció su conversión al Islam, cambiando su nombre legal a Shuhada' Sadaqat.18 Continuó haciendo música y actuando en directo hasta su muerte en julio de 2023.19 O'Connor fue una figura influyente en la música pop y alternativa y su legado perdura en la industria musical.
https://www.youtube.com/watch?v=0-EF60neguk
2023:
Muere
Randy Herman Meisner (8 de marzo de 1946 en Nebraska - 26 de julio de 2023 Los Ángeles)1 fue un músico estadounidense,2 cantante, guitarrista, bajista y compositor, conocido por ser uno de los miembros fundadores de las bandas Poco y The Eagles. Es popular por haber coescrito y cantando el éxito de Eagles "Take It to the Limit".3
Meisner murió debido a complicaciones asociadas con la enfermedad pulmonar obstructiva crónica (EPOC) en Los Ángeles el 26 de julio de 2023 a la edad de 77 años.
https://www.youtube.com/watch?v=qjxAhJj0_zg
https://www.youtube.com/watch?v=dyLhMgB_hcE
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