El 28 de julio es el 209.º (ducentésimo noveno) día del año en el calendario gregoriano y 210.º en los años bisiestos. Quedan 156 días para finalizar el año.
Podcast 2020
Santo del día:
199:
Muere Víctor I, Papa romano (nacido en 120).
Víctor I proviene de África es hijo de Félix, será el primer papa que afirme la existencia de un magisterio moral del obispado de Roma sobre los otros obispados de la Iglesia y comienza a sustituir el griego utilizado en la liturgia por el latín, aunque la misa seguirá celebrándose en griego hasta el año 230.
Durante su pontificado, Víctor sentó las bases para la celebración de los concilios al ordenar a los obispos del orbe cristiano que se reunieran en sínodos para considerar —confiaba él— la condena de la celebración de la Pascua según la costumbre judía que la celebraba el día 14 del mes de Nisán aunque no coincidiera en domingo.
Los obispos de Asia Menor, encabezados por Polícrates obispo de Éfeso, rehusaron abandonar la práctica que, según ellos y tal y como le expresó Polícrates al papa en una carta que le envió hacia 190 D.d J.C., esta práctica, conocida como cuartodecimal fue la de los apóstoles Felipe y Juan, y la de Policarpo de Esmirna y Melitón de Sardes. Como respuesta, Víctor envió una carta a los obispos declarando excluidos de la comunión a las iglesias de Asia. Esta decisión trajo un gran revuelo entre los obispos. Entonces intervino Ireneo de Lyon y, después de afirmar que él personalmente mantenía el domingo para la celebración de la Pascua, le rogaba al Papa Víctor a seguir la posición de sus predecesores y que aceptara la duplicidad de costumbre.
Parece ser que Víctor quiso imponer su voluntad sobre la celebración dominical de la Pascua, pues Blasto, que era un fuerte defensor de la práctica cuartodecimal se separó de la Iglesia creando un cisma.
Aproximadamente en el 198, Víctor excomulgó a Teodoto, un curtidor de Bizancio por practicar la doctrina adopcionista, aunque no pudo impedir que sus discípulos siguieron propagando sus ideas en Roma.
A finales del Siglo II fueron instalándose en Roma representantes de todas las tendencias. Roma va a ser la arena donde se enfrentan al cristianismo distintas ideas y vertientes de un gran número de escuelas heterodoxas que habían proliferado a todo lo largo del imperio. En Roma se encuentran individuos procedentes de Asia, de Siria, de Egipto, de Mesopotamia. Roma es ahora una gran ciudad cosmopolita donde se dan citas todas las razas y religiones. En ella se habla griego lo mismo que latín. La Iglesia se ve afectada por la influencia de la urbe en ella en el aspecto de cultura y civilización.
Por otra parte, estableció que, en casos de emergencia, se pudiese utilizar cualquier agua para el bautismo.
Falleció el 28 de julio de 199 tras sufrir martirio.
Algunas de sus reliquias se conservan cerca del altar mayor de la basílica de Santi Silvestro e Martino ai Monti, en Roma.
Algunas teorías sugieren que pudo haber sido el primer Papa negro africano, aunque se basan principalmente en su procedencia y no tanto en fuentes que manifiesten el hecho.
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El Día Mundial contra la Hepatitis, celebrado el 28 de julio, es una oportunidad para intensificar la lucha internacional contra la hepatitis, alentar la actuación y la participación de personas, asociados y público, y hacer hincapié en la necesidad de una mayor respuesta mundial, como se explica en el Informe mundial sobre la hepatitis publicado por la OMS en 2017.1
Se eligió el 28 de julio por ser el día del nacimiento del Dr. Baruch Blumberg, laureado con el Premio Nobel, que descubrió el virus de la hepatitis B e inventó una prueba diagnóstica y la vacuna.
La baja cobertura de las pruebas diagnósticas y del tratamiento es el problema más importante que hay que resolver para lograr los objetivos de eliminación mundial para 2030.
Día Mundial contra la Hepatitis 2020[editar]
Día Mundial contra la Hepatitis 202028 de julio de 2020El Día Mundial contra la Hepatitis se celebra todos los 28 de julio para concienciar sobre las hepatitis víricas, que inflaman el hígado y causan enfermedades como el cáncer de hígado.Hay cinco cepas principales de virus que causan hepatitis: A, B, C, D y E. Juntas, las hepatitis B y C son la mayor causa de muerte, con 1,4 millones de defunciones al año. En plena pandemia de COVID-19, las hepatitis víricas siguen matando a miles de personas cada día.El tema de este año, «Por un futuro sin hepatitis», incide en la prevención de la hepatitis B en las madres y los recién nacidos. El 28 de julio, la OMS publicará nuevas recomendaciones para prevenir la transmisión maternofilial de este virus. Hay una vacuna segura y eficaz para prevenir esta infección en los neonatos.
Anteriores campañas
| Año | Tema |
|---|---|
| 28 de julio de 2020 | «Por un futuro sin hepatitis» |
| 28 de julio de 2019 | Invertir en la eliminación de las hepatitis |
| 28 de julio de 2018 | Hacerse pruebas. Tratarse. Curarse |
1057:
Muere Papa
Víctor II (n. 1018).
Víctor II. (De nombre Gebhard de Dollnstein-Hirschberg ). (* Baviera, (¿?) – Arezzo,28 de junio de 1057) fue el 153.er papa de la Iglesia católica, de 1055 a 1057.
Hijo de un barón suabo, el conde Hartwing de Calw, y pariente del emperador Enrique III, fue nombrado obispo de Eichstätt en 1042, cuando contaba 24 años de edad, gracias a la influencia de su tío, el obispo Gerhard de Ratisbona. Desde esa posición apoyó las políticas e intereses del emperador Enrique y se convirtió en uno de sus principales asesores.
Fue nominado al papado en Maguncia, en septiembre de 1054, por Enrique III, y una delegación romana encabezada por Hildebrando, futuro papa Gregorio VII, siendo consagrado en la catedral de San Pedro, y su pontificado se enmarca en la reforma gregoriana.
En junio de 1055, Víctor II se encontró con el emperador en Florencia, donde celebró un concilio que reforzó la condena de León IX al matrimonio de los sacerdotes, la simonía y la pérdida de los bienes de la Iglesia.
En 1056 se desplazó a Alemania para solicitar la protección imperial frente a los normandos. Durante su estancia en tierras germanas Enrique III falleció, dejando en el trono a su hijo de seis años Enrique IV y como regente su viuda la emperatriz Inés de Poitou.
Víctor II falleció poco después en Arezzo, el 28 de junio de 1057, a causa de la malaria siendo enterrado en la ciudad de Rávena.
Tras su muerte, y aprovechando el vacío de poder en Alemania con un emperador que es sólo un niño y una regente totalmente inexperta, la nobleza romana volverá a ser la institución determinante en la elección papal y Víctor II se convertirá en el último Papa nombrado por un emperador alemán.
1527:
Muere Rodrigo
de Bastidas,
explorador español (nacido en 1460).
Rodrigo de Bastidas (Sevilla, 1445-Santiago
de Cuba, 1527)
fue un adelantado y conquistador español.
Descubrió el litoral atlántico colombiano, desde la península de La Guajira hasta el golfo
de Urabá, el istmo de Panamá y el río
Magdalena. Fue también el fundador de la ciudad de Santa Marta.
Estuvo afincado en Triana, Sevilla.
Participó en el segundo viaje de Colón a las Indias en
1493 y en 1501 recorrió parcialmente la costa de las actuales Panamá y Colombia.
El 5 de junio de 1500, se le concedió a Bastidas licencia para
descubrir islas o tierras que no fueron visitadas por Colón u otros navegantes,
así como tierras no pertenecientes a Portugal,
desde las costas del cabo
de la Vela en la extinta Gobernación de Coquibacoa.
En septiembre u octubre de 1501, junto con el piloto Juan
De La Cosa, zarpó del puerto de Cádiz en
las carabelas San Antón y Santa María de Gracia. En este viaje
se embarcó el joven Vasco Núñez de Balboa, futuro descubridor del
océano Pacífico.
Siguiendo la ruta de Alonso
de Ojeda y después de haber recorrido el litoral de la actual Venezuela,
descubre las bahías de Santa Marta, Cartagena y Cispatá, la desembocadura del río
Magdalena, el golfo
de Urabá y las costas panameñas (en la actual comarca de Guna Yala,
los puertos de Nombre de Dios y
Retrete). Entonces mandó hacer un puerto que bautizó en su honor como El
Escribano. Sin embargo, al tener las naves en muy mal estado, debe regresar a
la isla La Española (actual Santo Domingo), en donde
estaba la principal base de operaciones de los viajeros españoles.
Al llegar a las costas de La
Española, una de sus naves naufragó, pero logró salvar parte de su carga
(que se trataba en mayor parte de oro). En esta isla fue acusado de negociación
ilegal con los indígenas. Después de ser procesado en 1502 por Francisco de Bobadilla (que también
procesó a Colón)
fue declarado inocente de los cargos y una vez pagados los derechos a la
Corona, los Reyes Católicos le otorgaron el cobro de una
renta anual sobre la producción de la provincia de Urabá y Zenú.
En 1525, de regreso al Nuevo Mundo, fundó la ciudad de Santa Marta entre el cabo
de la Vela y el río
Magdalena, una de las primeras ciudades continentales de América que aún
existe. Al adentrarse en el territorio encontró algunas minas de oro que
despertaron la codicia de sus huestes. Ante la negativa de repartir las
riquezas acumuladas, Juan Villafuerte, su propio
lugarteniente, dirigió una conspiración contra Bastidas que casi le cuesta la
vida. Herido en el atentado, intentó volver a La
Española. El 28 de julio de 1527, falleció al
anclar en Santiago de Cuba y sus restos fueron
enterrados en la catedral de esa ciudad.
Tras la violencia que condujo a la muerte de Bastidas, hubo
varios gobiernos interinos y de poca duración hasta que el 20 de diciembre de
1527 García de Lerma firmó una capitulación que le
confería la gobernación y la capitanía general de Santa Marta. La situación era
crítica tanto por la belicosidad de los indios como por las rivalidades entre
los propios españoles que provocaron la muerte de Bastidas. En este contexto,
la Corona decidió asignar al nuevo gobernador poderes excepcionales para restablecer
el orden en dicha demarcación territorial. Incluso, llegó a pedir en 1532 que
no nombrase gobernador de Cartagena, idea que obviamente fue rechazada por la
Corona, cuando Pedro de Heredia fue nombrado para dicha
gobernación.
Bastidas tuvo un hijo llamado Rodrigo de Bastidas, quien fue obispo
de Venezuela y Puerto Rico.
Los restos de Bastidas fueron exhumados por su hijo y
llevados a Santo Domingo, donde fueron enterrados en la Catedral de Santa María
la Menor, la más antigua de América, junto a su esposa y su hijo. A mediados
del siglo
XX los restos fueron trasladados a Santa Marta por petición del
gobierno local y reposan actualmente en la catedral de la ciudad.
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1635:
Nace Robert Hooke, científico británico, (fallecido en 1703)
Robert Hooke (Freshwater, Isla de Wight 18 de juliojul. / 28 de julio de 1635 greg.-Londres, 3 de marzojul./ 14 de marzo de 1703greg.) fue un científico inglés.
Es considerado uno de los científicos experimentales más importantes de la historia de la ciencia, polemista incansable con un genio creativo de primer orden. Sus intereses abarcaron campos tan dispares como la biología, la medicina, la horología(cronometría), la física planetaria, la mecánica de sólidos deformables, la microscopía, la náutica y la arquitectura.
Participó en la creación de la primera sociedad científica de la historia, la Royal Society de Londres. Sus polémicas con Newtonacerca de la paternidad de la ley de la gravitación universal han pasado a formar parte de la historia de la ciencia: parece ser que Hooke era muy prolífico en ideas originales que luego rara vez desarrollaba.
Asumió en 1662 el cargo de director de experimentación en la Sociedad Real de Londres, de la cual llegó a ser también secretario en 1677. Pese al prestigio que alcanzó en el ámbito de la ciencia, sus restos yacen en la iglesia de St Helen (Bishopsgate), en la city de Londres, pero se desconoce la ubicación exacta de su tumba.
En los últimos años, algunos historiadores y científicos han puesto gran empeño en reivindicar a este “genio olvidado”, por usar las palabras de uno de sus biógrafos, Stephen Inwood. En el año 2003, al cumplirse el tercer centenario de la muerte de Hooke, el Real Observatorio de Greenwich (situado en Londres) exhibió algunos de sus extraordinarios inventos y hallazgos.
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1655:
Muere Cyrano
de Bergerac, poeta
francés (nacido en 1619).
Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac, conocido
como Cyrano de Bergerac (París, 6 de marzo de 1619- Sannois, 28 de julio de 1655), fue un poeta, dramaturgo y pensador francés, coetáneo de Boileau y de Molière. Como intelectual, fue
considerado libertino, por su actitud irrespetuosa hacia
las instituciones religiosas y seculares. También se le tiene por uno de los
precursores de la ciencia
ficción. En la
actualidad, es especialmente conocido por la obra de teatro Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand.
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1741:
Muere Antonio Vivaldi, compositor italiano (nacido en
1678).
Antonio Lucio Vivaldi1 (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741)2
(Antonio Lucio Vivaldi; Venecia, 1678 - Viena, 1741)
Compositor y violinista italiano cuya abundante obra concertística ejerció una
influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento de
la sinfonía. Igor Stravinsky comentó en una ocasión que
Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el
mismo concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e
inconfundible tono que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que
la hace rápidamente reconocible.
Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el
género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y
operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta
reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado
otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho
propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la
llamada Escuela veneciana (a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro
Marcello) y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus
contemporáneos Bach y Haendel.
Biografía
Poco se sabe de la infancia de Vivaldi. Hijo del violinista
Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la
música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera
eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se
vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad
bronquial, posiblemente asma.
También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio
Ospedale della Pietà, una institución dedicada a la formación musical de
muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus
composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En
este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera
Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la
colección L'estro armonico Op. 3, publicada en Ámsterdam en 1711.
Aun cuando en tales composiciones se dan todavía las formas
del "concerto grosso", la vivacidad y la fantasía de la invención
superan ya cualquier esquema y atestiguan una tendencia resuelta hacia la
concepción individualista y por ende solista del concierto, que se halla mejor definida
en los doce conciertos de La stravaganza Op. 4: estructura en tres
movimientos (allegro-adagio-allegro), composición más ligera y rápida, casi
exclusivamente homofónica, y modulación dinámica y expresiva, inclinada al
desarrollo del proceso creador y fuente de nuevas emociones e invenciones.
Con estas colecciones, Antonio Vivaldi alcanzó en poco tiempo
renombre en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió
al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no
en menor medida, como violinista, pues fue uno de los más grandes de su tiempo.
Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o
sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.
Conocido y solicitado, la ópera, el único género que
garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también
la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico le impedía
en principio abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco
edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa
dedicación al culto y sus costumbres laxas.
Inmerso en el mundo teatral como compositor y
empresario, Ottone in Villa (1713) fue la primera de las óperas de
Vivaldi de la que se tiene noticia. A ella siguieron títulos como Orlando
furioso, Armida al campo d'Egitto, Tito
Manlio y L'Olimpiade, hoy día sólo esporádicamente representadas.
La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su
vida con la publicación de sus más importantes colecciones
instrumentales: Il cimento dell'armonia e dell'inventione Op.
8 y La cetra Op. 9. La primera colección, publicada en Ámsterdam en
1725, contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de
cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los
mejores de la colección y los más célebres de su obra.
Las cuatro estaciones
En Las cuatro estaciones, Vivaldi muestra no sólo la capacidad
semántica de la música sino también su habilidad para crear climas sonoros, a
la vez evocadores e intimistas. La obra describe el ciclo anual de la
naturaleza, de los hombres que la trabajan y de los animales que la habitan.
Cada uno de los cuatro conciertos desarrolla musicalmente el soneto de autor
desconocido que lo precede, en cuyos versos se dibuja un cuadrito de la
estación. Así, La primavera, siguiendo lo representado en el soneto, imita
el canto de los pájaros y el temporal; y el afán descriptivo llega hasta
detalles como representar a través del violín solista al pastor que duerme,
mientras los restantes violines imitan el murmullo de las plantas y la viola
los ladridos del perro.
El verano describe primero el sopor de la naturaleza
bajo la aridez del sol y después una tormenta, ya anunciada en el primer
movimiento y que alcanza el máximo de su violencia en la parte final. El
otoño parece presidido por el dios Baco; el compositor presenta la
embriaguez soporífera de un aldeano, feliz por la cosecha; luego, al alba,
parte el cazador con sus cuernos y sus perros en busca de una presa. En El
inviernopredominan las imágenes sonoras de la nieve y el hielo.
La popularidad de esta obra se remonta a la época misma de su
creación. Especialmente del primero de los conciertos, La primavera,
circularon enseguida en Francia copias manuscritas, arreglos e imitaciones.
Pero a fines de la década de 1730 el público veneciano empezó a mostrar menor
interés por su música, por lo que Vivaldi decidió en 1741 probar fortuna en
Viena, donde murió en la más absoluta pobreza un mes después de su llegada.
Caído en el olvido tras su muerte, el redescubrimiento de
Vivaldi no tuvo lugar hasta el siglo XX, merced a la música de Bach, quien
había trascrito doce conciertos vivaldianos a diferentes instrumentos. El
interés por el músico alemán fue precisamente el que abrió el camino hacia el
conocimiento de un artista habilidoso en extremo, prolífico como pocos y uno de
los artífices de la evolución del concierto solista tal y como hoy lo
conocemos.
Tras la Segunda Guerra Mundial, apenas dos décadas después de
iniciarse la recuperación y divulgación de su obra, Vivaldi se convirtió en uno
de los autores más interpretados en el mundo. A pesar del triste final del
compositor y del largo período de olvido, la obra de Vivaldi contribuyó, a
través de Bach, a sentar las bases de lo que sería la música de los maestros
del clasicismo, sobre todo en Francia, y a consolidar la estructura del
concierto solista.
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1750:
Muere Johann
Sebastian Bach,
compositor alemán (nacido en 1685).
En la biblioteca municipal de Leipzig se conservan aún los
antiguos legajos que contienen las listas de exequias realizadas en el siglo
XVIII. Uno de estos viejos papeles nos informa escuetamente del siguiente
hecho, en apariencia banal: "Un hombre de sesenta y siete años, el señor
Johann Sebastian Bach, Kapellmeister y Kantor en la escuela
de la Iglesia de Santo Tomás, fue enterrado el día 30 de julio de 1750".
La modestia y simplicidad de esta inscripción, escondida entre otras muchas tan
insignificantes como ella, nos parece hoy incomprensible al considerar que da
fe del fallecimiento de uno de los más grandes compositores de todos los
tiempos y, sin duda alguna, del músico más extraordinario de su época.
La brevedad de estas líneas demuestra con toda claridad el
trágico destino de un hombre que fue radicalmente subestimado en su época:
pocos reconocieron al gran músico y nadie supo ver al genio. Tras su silenciosa
muerte, la labor de quien había dedicado toda su existencia a crear honesta y
laboriosamente una excelsa música en alabanza del Creador fue olvidada por
completo durante más de cincuenta años, hasta que, tras ser publicada la
primera biografía del músico, otro compositor, Mendelssohn, rescató su obra para sus
contemporáneos al dirigir apoteósicamente su Pasión según San
Mateo en Berlín en 1829, hecho que constituyó un acontecimiento nacional
en Alemania.
Una saga de músicos
Johann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685 en
Eisenach (Turingia). Su familia era depositaria de una vasta tradición musical
y había dado a lo largo de varias generaciones un buen plantel de compositores
e intérpretes. Durante doscientos años, los antepasados de Bach ocuparon
múltiples cargos municipales y cortesanos como organistas, violinistas cantores
y profesores, aunque ninguno de ellos llegaría a alcanzar un especial renombre.
Sin embargo, su apellido era en Turingia sinónimo de arte musical; hablar de
los Bach era hablar de música.
Johann Sebastian siguió muy pronto la tradición familiar. Su
padre, Johann Ambrosius, comprendió rápidamente que tenía ante sí a un niño
especialmente dotado y consagró mucho tiempo a su enseñanza. El ambiente de la
casa paterna era modesto, sin llegar a las estrecheces de la pobreza y, por
supuesto, estaba impregnado de una profunda religiosidad y entregado a la
música. Al cumplir Bach los nueve años murió su madre, Elisabeth, y, como era
frecuente en la época, Johann Ambrosius volvió a casarse a los pocos meses para
poder afrontar el cuidado de sus hijos. Pero tres meses después de la
celebración de su segundo matrimonio, el 20 de febrero de 1694, también murió
Johann Ambrosius, y la viuda solicitó ayuda al hijo mayor de su marido, Johann
Christoph, ya entonces organista en Ohrdruf, quien se hizo cargo de sus dos
hermanos más pequeños, Johann Jacob y Johann Sebastian, acogiéndolos en su casa
y comprometiéndose a darles la obligada formación musical.
El niño era aplicado, serio e introvertido. Además de la música, sentía una viva inclinación por la lengua latina, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con su carácter, y por la teología. Estas materias, tamizadas por una intensa educación luterana, acabarían por modelar completamente su personalidad y convertirse en los sólidos fundamentos de su existencia y de su fuerza creadora. El propio Johann Christoph, que había sido discípulo de Pachelbel, se convirtió en maestro de órgano del niño.
El niño era aplicado, serio e introvertido. Además de la música, sentía una viva inclinación por la lengua latina, cuya estructura rígida y lógica cuadraba perfectamente con su carácter, y por la teología. Estas materias, tamizadas por una intensa educación luterana, acabarían por modelar completamente su personalidad y convertirse en los sólidos fundamentos de su existencia y de su fuerza creadora. El propio Johann Christoph, que había sido discípulo de Pachelbel, se convirtió en maestro de órgano del niño.
No parece, sin embargo, que se diera plena cuenta de la
genialidad de su hermano menor, si consideramos la famosa anécdota transmitida
por el propio Bach a su hijo Carl Philipp Emmanuel: Johann Christoph prohibió
al niño estudiar un libro que contenía las más famosas piezas para clave de su
tiempo, con obras de Froberger, Kerll y Pachelbel, libro que Bach logró
transcribir a escondidas, de noche y a la luz de la luna. Descubierto el
«crimen», Johann Christoph destruyó la copia. La que iba a ser su segunda
esposa y cronista de la familia, Anna Magdalena Wilcken, que también narra el
episodio, afirma que Johann Sebastian se lo contó «sin manifestar el menor
resentimiento contra la dureza de su hermano». Anna Magdalena era menos
benévola y, llevada por su fidelidad y amor a Johann Sebastian, pretendía
achacar la ceguera final del compositor al esfuerzo que realizó de niño, por
haber transcrito aquellas partituras «prohibidas» a la sola luz de la luna.
Años de formación
Hasta que pudo desarrollar todas sus capacidades pasaron aún
varios años de duro aprendizaje y preocupaciones cotidianas. Desaparecidos sus
progenitores, el salario del hermano resultaba escaso y la casa demasiado
pequeña para una familia cada vez más numerosa. Johann Christoph hizo ingresar
a sus hermanos en el Gimnasium de Ohrdruf, donde Bach acabó el primer ciclo de
estudios en 1700, con un adelanto de dos años sobre el resto de sus compañeros,
recibiendo además un sueldo de diecisiete talegos al año (cantidad suficiente
para pagar su manutención) como miembro del coro, donde cantaba con hermosa voz
de soprano infantil. En marzo de 1700 el muchacho, que entonces contaba quince
años de edad, marchó a Lüneburg, a 350 kilómetros de Ohrdruf, para ingresar en
el coro de la Ritterakademie, con sueldo suficiente para su mantenimiento
suplementario y hospedaje en el internado.
Este cambio supuso también la posibilidad de ampliar en
extensión y profundidad sus conocimientos musicales. En Lüneburg recibió la
benéfica influencia del Kantor, pero sobre todo la del organista titular,
Georg Böhm. Desgraciadamente, a los pocos meses de su llegada le cambió la voz
y tuvo que ganarse la vida como músico acompañante y profesor de violín. Su
nueva situación, sin embargo, le permitió desplazarse libremente a Hamburgo
para completar su formación con Adam Reincken, que, pese a su edad, era uno de
los más reputados organistas en activo de su tiempo. También frecuentó la corte
de Celle, en cuya orquesta tocó como violinista por invitación de Thomas de la
Selle, familiarizándose entonces con los compositores y las formas musicales
francesas. De esta época de actividad y entusiasmo data su primera cantata,
género que frecuentaría a lo largo de su vida.
Una energía aparentemente ilimitada y una fortaleza anímica
desbordante son los rasgos esenciales de la personalidad de Bach. Sin estos
valores y sin su profunda religiosidad nunca hubiera podido soportar los duros
golpes que el destino le tenía reservados. En 1702 terminó el segundo ciclo de
estudios escolares, y determinó llegado el momento de aspirar a un puesto
estable. Tras algunos frustrados intentos de ganar una plaza como organista,
fue finalmente admitido en marzo de 1703 como violinista del duque de Weimar.
Su gran religiosidad o sus dotes de organista le hicieron aspirar a otro
puesto: el de organista en Arnstadt, cuyo decreto de nombramiento fue firmado
por el conde Anton Günther el 9 de agosto de 1703. Johann Sebastian contaba
dieciocho años.
Pero para las autoridades no era fácil tratar con un hombre
impetuoso y excitable que despreciaba las normas establecidas y frecuentemente
se mostraba colérico y caprichoso. Ya a los dieciocho años, mientras trabajaba
como organista en Arnstadt, se había permitido el lujo de prolongar sus
vacaciones durante dos meses: se encontraba en Lübeck escuchando extasiado al
gran maestro Buxtehude y no estaba en absoluto
dispuesto a renunciar a tan extraordinario placer. El consistorio de la ciudad
se vio obligado a amonestarlo y aprovechó la oportunidad para hacerle algunos
reproches referentes a su también poco sumisa actitud en materia musical:
"El señor Bach suele improvisar muchas variaciones extrañas, mezcla nuevas
notas en piezas escritas y la parroquia se siente confundida con sus interpretaciones".
Bach ignoró estos comentarios; Arnstadt tenía ya poco que
ofrecerle y sus intereses se dirigían hacia otros objetivos. En primer lugar,
pretendía establecerse y formar una familia, lo que hizo al casarse el 17 de
octubre de 1707 con su sobrina María Bárbara, una joven vital y encantadora.
Siete hijos fueron el producto de su feliz matrimonio. Ese mismo año, el ya
entonces reputado ejecutante solicitó la plaza de organista en la pequeña
ciudad de Mühlhausen (libre por la muerte de su titular), que obtuvo el 24 de
mayo, con el no desdeñable sueldo de 85 guldens.
En la iglesia de San Blas, además de restaurar el órgano,
organizar el coro, formar alumnos (entre ellos, a su devoto discípulo J. M.
Schubert) y cumplir con sus funciones dominicales, Bach inició la composición
de cantatas religiosas, la más importante de las cuales fue la
titulada Actus tragicus. Su período de formación inicial parecía
concluido. Tal vez ello fuese la razón principal que le movió a presentar su
dimisión como organista de Mühlhausen, aunque los biógrafos suelen señalar
otras más concretas: sobre todo, el conflicto musical-teológico que había
dividido a los feligreses en dos bandos: los seguidores del pastor Frohne,
pietista radical y enemigo de innovaciones musicales, y los del archidiácono
Eilmar, amigo y protector de Bach, y padrino de su primer hijo. Es posible que,
cogido entre dos fuegos, Johann Sebastian prefiriera dar a su carrera un cambio
de rumbo al margen de unas tensiones teológicas que tan directamente le afectaban
como responsable musical de la comunidad. Sus relaciones con las autoridades de
Mühlhausen continuaron cordiales tras su dimisión en junio de 1708, y compuso
para ellas una cantata en febrero de 1709, desgraciadamente desaparecida.
En las corte de Weimar
Bach consiguió el puesto de
segundo Konzertmeister en Weimar (donde residiría entre 1708 y 1717),
lo que le proporcionó la estabilidad necesaria para abordar la creación
musical. Dio a luz una obra ingente para órgano y clave, además de música coral
religiosa e instrumental profana. Debe recordarse, por ejemplo, que una de las
obligaciones contraídas con el duque de Weimar era la de «ejecutar cada mes una
composición nueva», lo que significaba una cantata original al mes.
Desgraciadamente, estos años vitales que marcaron un cambio
de estilo en sus composiciones no pueden ser rastreados en detalle, pues sólo
ha sido posible datar un número insignificante de sus creaciones. Es evidente,
sin embargo, la decisiva influencia de las formas operísticas italianas y del
estilo concertístico de Antonio Vivaldi. La crítica señala una evidente
huella italiana en el ritornello de las cantatas 182 y 199, de 1714; las 31 y
161, de 1715; o las 70 y 147, de 1716. Las nuevas técnicas de repetición,
literal o levemente modificada, también rindieron sus espléndidos frutos en las
arias, conciertos, fugas y corales de este período, entre los que cabe
destacar, muy especialmente, sus preludios corales, los primeros tríos para
órgano y la mayoría de preludios y fugas y de tocatas para órgano.
En Weimar, Bach cumplía múltiples funciones: organista de la
capilla, Kammermusicus, violín solista, director del coro y maestro
suplente de capilla. Allí conoció y transcribió la obra de los compositores
italianos (Corelli, Albinoni o Vivaldi), formó a alumnos,
como su sobrino Johann Bernhard y Johann Tobias Krebs, y trabó una estrecha
amistad con el maestro Johann Gottfried Walther, quien enriqueció su arte del
contrapunto y de la coral. Allí, en suma, sacó adelante a su familia gracias a
un sueldo que, entonces, podía calificarse de altísimo. En el momento de
mudarse a Köthen tenía cuatro hijos (otros dos habían muerto poco después del
parto): Catharina Dorothea, Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emmanuel y Johann
Gottfried Bernhard.
La atmósfera de la corte, sin embargo, no estaba exenta de
tensiones. El duque Wilhelm Ernst era un devoto pietista que intervenía
personalmente en los aspectos más nimios del culto y para el que la composición
y ejecución de la música sacra era una cuestión no sólo de fe, sino también de
Estado. Y así, las intrigas teológico-palaciegas enfrentaron a Bach con el
duque, quien llegó a encarcelar cuatro semanas al compositor cuando se enteró
de que Bach había obtenido el nombramiento de maestro de capilla del príncipe
Leopold de Köthen sin solicitar su autorización previa.
En Köthen
La estancia en Köthen (entre 1717 y 1723) fue más breve,
probablemente porque el espíritu profundamente religioso de Bach aspiraba a una
mayor dedicación a la música sacra. En cualquier caso, entre el príncipe
Leopold de Köthen y el compositor nació una fructífera amistad y Bach pudo
entregarse, en un clima acogedor y sosegado, a la creación de numerosas obras
instrumentales y orquestales, entre las que destacan sus Conciertos de
Brandemburgo, partitura cimera de la música barroca. Afortunadamente para la
posteridad, disponía allí de un excelente conjunto instrumental completo, y a
este período corresponden además las Sonatas y partitas, las
cuatro Oberturas, las Invenciones para dos y tres voces y
las Suites francesas. Acaso como compensación a sus obligaciones de
compositor profano, compuso su primera pieza sacra de largo aliento: La
pasión según San Juan.
De todas estas composiciones magistrales cabría destacar la
primera parte de El clave bien temperado (una colección de preludios
y fugas en todas las claves) por su sistemática exploración de la nueva
sintaxis musical, que la crítica histórica ha calificado de «tonalidad
funcional», y que habría de prevalecer los siguientes doscientos años. Pero la
colección de El clave bien temperado también es memorable en tanto
que compendio de formas y estilos populares que, pese a su variedad, aparecen
homologados por la lógica rigurosa de la técnica compositiva de la fuga.
Fueron en total seis años de paz absoluta y fecundidad
creativa lamentablemente interrumpidos por la tragedia. En julio de 1720, al
regresar de uno de los frecuentes viajes realizados a instancias del príncipe,
encontró su casa vacía y silenciosa: María Bárbara había muerto, fulminada por
una desconocida dolencia, y, por temor a la peste, había sido rápidamente
enterrada. Bach se sumió en un profundo abatimiento. Las fuerzas parecían
haberlo abandonado y las musas sólo lo visitaban para inspirarle melancólicas
notas que no osaba transcribir. Sólo una mujer podía sacarlo de su estupor y
esa mujer fue Anna Magdalena Wilcken, hija menor del trompetista de la corte,
Caspar Wilcken.
Cabe observar que, para la mentalidad y necesidades de un
viudo de aquel tiempo, con cuatro hijos menores a su cargo, nada había de
extraño en un rápido segundo matrimonio, que efectivamente recibió la
aprobación general. Además, Anna Magdalena era una intérprete aventajada, bien
dotada para el canto, que profesó toda su vida una ejemplar devoción por Johann
Sebastian, convirtiéndose con el tiempo en la cronista de la familia Bach;
están en deuda con ella todos los biógrafos posteriores. Supo comprender y
compartir el complejo mundo espiritual de su marido y lo ayudó como eficiente
copista de sus partituras. La boda se celebró en 1721. Fue otro matrimonio feliz
del que nacerían trece hijos; el benjamín fue Johann Christian Bach, el músico cuyas composiciones tanto
influirían en el primer Mozart. Por segunda vez en su vida Bach
tuvo la fortuna de encontrar una compañera ideal.
Kantor de Leipzig
Poco después, la unión del príncipe de Köthen con una mujer
completamente desinteresada por la música provocó el distanciamiento entre el
maestro y su protector. La muerte del Kantor de Leipzig en 1722 le
brindó al compositor la esperada oportunidad para dedicarse a la composición
sacra. La obtención de la plaza no le resultó fácil: fue primero concedida
a Telemann, luego a Graupner y sólo en tercer
lugar a Johann Sebastian. Para conseguirla, Bach tuvo que aceptar gravosas
condiciones, no tanto económicas cuanto laborales, pues, además de sus
funciones religioso-musicales en las iglesias de Santo Tomás y de San Nicolás,
debía hacerse cargo de tareas pedagógicas en la escuela de Santo Tomás (entre
ellas la enseñanza del latín), que le produjeron notables sinsabores. Sabemos
que, entre sus compromisos, estaba el de que la música interpretada los
domingos incitara «a los oyentes a la devoción» y no fuera «de carácter
teatral».
El puesto de Kantor no significaba, pues, un
efectivo progreso en su carrera. Estaba obligado a proporcionar la música
necesaria para los oficios de varias iglesias de la ciudad valiéndose de un
coro formado por alumnos de la escuela, lo cual significaba que cada domingo
estaba obligado a presentar una nueva cantata compuesta por él: el resultado
fueron un total de doscientas noventa y cinco piezas religiosas, de las que
sólo han llegado hasta nosotros ciento noventa a causa de la negligencia de sus
herederos. Además, debía dirigir el coro de los alumnos y dar lecciones a los
jóvenes estudiantes como un profesor más.
Esta situación no podía satisfacer a un hombre como él.
Resultaba ultrajante que las autoridades ignorasen sus facultades y lo
despreciasen como innovador. Durante veinte años, Bach no cesó de luchar contra
semejante injusticia. Colérico como era, se enfrentó sistemáticamente a sus
aburguesados superiores, quienes pretendieron hacer de él un dócil asalariado e
incluso se permitieron castigar su obstinación y su arrolladora originalidad
recortando en más de una ocasión sus retribuciones. Los esfuerzos del
compositor por cambiar este estado de cosas resultaron baldíos; decepcionado,
se convirtió en un ser amargado y pendenciero, cada vez más alejado de sus
semejantes y refugiado en sí mismo y en su música.
Sólo su vida familiar era una fuente sólida de mínimas
alegrías y de la necesaria estabilidad. Siempre respaldado por su mujer y por
una íntima certidumbre en la validez de su genio, pudo hacer frente a las
adversidades sin perder ni un ápice de su poder creativo ni caer víctima de la
apatía. Infatigable ante sus obligaciones como padre y como músico, Bach nunca
desatendió a ninguno de sus hijos, ni interrumpió la ardua tarea de ampliar sus
conocimientos copiando y profundizando en las partituras de sus antepasados.
A pesar de todo, el de Leipzig (de 1723 hasta su muerte) fue
el más glorioso y fructífero período de la vida del compositor, con una
producción de, al menos, tres ciclos de cantatas; en ellas, sin abandonar el
contrapunto, se despojó de toda retórica, esforzándose en representar musicalmente
la palabra. En 1724 y 1727 estrenó respectivamente La pasión según San
Juan (escrita en Köthen) y La pasión según San Mateo. Fue también el
esplendoroso período del Magnificat en re bemol mayor (1723),
el Oratorio de Pascua (1725), el de Navidad (1734), y el de
la Ascensión (1735). En 1733 inició la composición de la
magistral Misa en si menorpara acompañar la solicitud en la que aspiraba a
obtener del elector Augusto III el título de compositor de la corte de Sajonia.
Tres años después lograba su propósito, lo que le recompensó por los sinsabores
anteriores y sirvió para mortificar a cuantos lo habían hecho objeto de sus
desdenes. Comenzaba la última etapa de su vida, que sería también la más
plácida.
Bach era miope desde su nacimiento. Con el transcurrir de los
años, el estado de sus ojos se había ido deteriorando poco a poco a causa de
miles de interminables noches de trabajo pasadas bajo la insuficiente luz de
unos pobres candiles. Dos operaciones no consiguieron mejorar su visión:
después de la segunda, realizada por un médico inglés en Leipzig, perdió la
vista casi por completo. Las fuertes medicaciones a las que se habituó
contribuyeron a quebrantar la resistencia y la salud de un cuerpo que había
sido robusto y vigoroso. Pero continuó creando y alcanzó nuevas cimas en su
arte, como las Variaciones Goldberg o la segunda parte de El
clave bien temperado, terminada en 1744.
Un año antes de su muerte le iba a alcanzar el mismo destino
que estaba reservado a otro genio como él, el famoso Haendel: la ceguera total. Pero una vez más,
antes de que la noche eterna le encadene para siempre a su cama, Bach vivirá un
momento estelar cuando al fin alguien reconozca su poderoso talento y su
maestría: el joven rey de Prusia Federico II. En diversas ocasiones este soberano
había expresado su deseo de encontrarse con el conocido compositor. La ocasión
llegó en la primavera de 1747. Un lluvioso día de abril Bach emprendió
titubeando el camino hacia Potsdam en compañía de uno de sus hijos y se hizo
anunciar en el palacio de Federico en el momento en que se interpretaba un
concierto de flautas compuesto por el propio soberano.
Su Majestad interrumpió inmediatamente la música y salió para
recibir calurosamente al recién llegado. Tras enseñarle el palacio y platicar
brevemente con Bach sobre temas musicales, el rey quiso maliciosamente someter
a su invitado a una pequeña prueba: con una flauta, que era su instrumento
preferido, atacó un tema de poco fuste y lo retó a que lo desarrollara según
las reglas del contrapunto. En breves instantes, Bach compuso una fuga de seis
voces perfecta y maravillosa, ejecutándola a continuación. El rey escuchó
admirado aquellas armonías que se diría que estaban hechas para los oídos de
los ángeles y, al término de la interpretación, únicamente pudo exclamar una y
otra vez: "Sólo hay un Bach... Sólo hay un Bach."
Feliz por este encuentro regresó Bach a Leipzig, ciudad que
ya no abandonaría hasta su muerte. Su energía y su espíritu creativo estaban
aún intactos, pero su vista se extinguía y su salud le exigía cuidados. El
genio luchó en vano contra su fin próximo. Empleó sus últimos días en cumplir sus
obligaciones familiares y profesionales con la máxima diligencia posible,
aunque no renunció por ello a su vocación musical y desde su lecho de muerte
dictó El arte de la fuga.
Un ataque de apoplejía puso fin a su vida el día 28 de julio
de 1750. Lo rodeaban sus familiares y su alma grandiosa abandonó sin dolor
alguno el cuerpo del que había sido un simple mortal casi ignorado por sus
semejantes. Dejaba a su muerte un valioso legado a la posteridad: una ingente
obra religiosa y numerosas piezas profanas; un corpus que, en definitiva, se ha
erigido en ley de toda la producción musical posterior. Años después, en una
conversación con Mendelssohn, Goethe fue capaz de concentrar en una
sola frase admirativa cuanto hay de mágico en la música de Johann Sebastian
Bach: "Es como si la armonía universal estuviera dialogando consigo misma,
como si lo hubiera hecho en el pecho de Dios desde la creación del mundo."
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1794:
Muere Maximilien
de Robespierre,
líder de la Revolución
francesa (nacido
en 1758).
Maximilien François Marie Isidore de Robespierre, más
conocido como Maximilien Robespierre (Arras, 6 de mayo de 1758-París, 28 de julio de 1794), fue un abogado, escritor, orador y político francés apodado «el Incorruptible». Fue
uno de los más prominentes líderes de la Revolución
francesa, diputado, presidente por dos veces de la Convención Nacional, jefe indiscutible de la facción más radical de los jacobinos y miembro del Comité de Salvación Pública, entidad que gobernó Francia durante el periodo
revolucionario conocido como el Terror.
Robespierre, jurista de profesión, inició su carrera
como juez penal de la diócesis de Arras, además de ejercer como defensor
legal, especialmente de los sectores más desposeídos, lo cual, junto con su
entonces fuerte oposición a la pena de muerte y la notoriedad que acumuló
como escritor, lo convirtieron en uno de los más notorios abogados de Arras. Su
notoriedad pronto lo llevó a la política, resultando electo diputado por el Tercer Estado en los Estados Generales en 1789, encarrilándose desde entonces hacia
un rápido ascenso político, hasta alcanzar la presidencia de la Convención Nacional y transformarse en uno de los más poderosos líderes de
la Revolución.
Entre 1793 y 1794, lideró el denominado «Reino del Terror», durante el cual
gobernó Francia de forma autocrática, sumiendo
al país en un período de persecuciones políticas, incertidumbre generalizada y
continuas ejecuciones por traición, sedición, conspiración, entre muchos otros crímenes. Este
periodo presentó a un Robespierre firme, autoritario y decidido a purificar a
Francia de cualquier opositor a la Revolución, llegando a justificar en su defensa
el uso de la pena de
muerte a la que
tanto se había opuesto en el pasado.
Finalmente, tras la muerte de Danton, se desencadenaron una serie de
divisiones políticas dentro de la Convención Nacional, y Robespierre reaccionó
concentrando cada vez más poder en el Comité de Salvación Pública. Esto sólo agravó aún más la situación, provocando que un
cuerpo de soldados opuestos a sus políticas asaltaran el Ayuntamiento de París, donde él y varios de sus allegados
se encontraban, siendo herido en la mandíbula en circunstancias inciertas. Fue
arrestado y guillotinado el 28 de julio de 1794 (10 de Termidor) junto a veintiuno de sus
seguidores.
Robespierre acabó sucumbiendo a su caída política ocasionada
por la propia inestabilidad que él mismo había generado. Su muerte fue seguida
de una reacción
termidoriana que
desmanteló el régimen del Terror e hizo añicos el gobierno puramente revolucionario,
que fue reemplazado por el Directorio, de carácter más conservador.
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1819:
Muere Antonia Santos, revolucionaria colombiana (nacida
en 1782).
María Antonia Santos Plata (Cincelada, 10 de abril de 1782 - El
Socorro, 28 de julio de 1819) es una de las heroínas de la Independencia de Colombia. Considerada una de las mujeres más representativas de la
independencia de colombia junto con Policarpa
Salavarrieta,
Antonia Santos se unió a la causa de Simón
Bolívar. Creó la
«guerrilla de Coromoro y Cincelada», la primera que se formó en la provincia
del Socorro para
luchar contra la invasión española y su hermano Fernando Castilla Castillase convirtió en uno de los jefes de
esta guerrilla. Este grupo interceptó las comunicaciones de las tropas
realistas, aprovisionaban y mantenían informadas a las fuerzas rebeldes y
tuvieron un papel importante en las batallas de Pantano de Vargas y de Boyacá.
Traicionada por uno de sus amigos, Antonia Santos fue
arrestada y ejecutada el 28 de julio de 1819, culpable de lesa majestad. En honor a sus acciones heroicas,
el batallón ASPC nº7 de la séptima brigada de la cuarta división del Ejército Nacional de Colombia lleva el nombre de «Antonia Santos». De sus descendientes
colaterales (sobrinos), se pueden citar a Eduardo Santos y Juan
Manuel Santos, presidentes
de Colombia en
1938 y 2010, respectivamente.
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1874:
Nace Ernst Cassirer, filósofo alemán (fallecido en 1945).
Ernst Cassirer (Breslavia, 28 de julio de 1874-Nueva York, 13 de abril de 1945) fue un filósofo de origen prusiano, ciudadano sueco desde 1939. Ejerció la docencia en la Universidad de Hamburgo. Alineado
en la dirección neokantiana de la escuela de Marburgo, ha tratado de los
problemas gnoseológicos y epistemológicos en el sentido del idealismo crítico.
Fue conocido por su obra Filosofía de las formas simbólicas del campo de la filosofía
de la cultura.
También realizó contribuciones a la epistemología, a la filosofía
de la ciencia y
a la historia de la filosofía.
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1887:
Nace Marcel
Duchamp, artista francés (f. 1968).
Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28 de
julio de 1887-Neuilly-sur-Seine, 2 de
octubre de 1968) fue un artista y ajedrecista francés.
Especialmente conocido por su
actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución
del dadaísmo.
Al igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las
obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo
coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales
valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la
voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.1
1902:
Nace Karl Popper,
filósofo británico (f. 1994)
Karl Raimund Popper (Viena, 28 de julio de 1902-Londres, 17 de septiembre de 1994)
fue un filósofo y profesor,
nacido en Austria, aunque más tarde se convirtió en
ciudadano británico.
Índice
·
4Obras
Biografía[editar]
Karl Popper, nacido en Viena, fue hijo del abogado Simon
Siegmund Carl Popper y de su esposa Jenny Schiff, descendientes de judíos. La familia de Popper se había
convertido del judaísmo al luteranismo antes de que él naciera en 1902. Popper
mismo se caracterizaba como agnóstico.
De la familia Schiff provenían varias personalidades
significativas de los siglos XIX y XX tales como el director de orquesta Bruno Walter.
Su abuelo paterno tenía una formidable biblioteca en la que él,
desde niño, contraería la pasión de la lectura. Nunca se consoló de haber
tenido que venderla cuando se desplomaron las finanzas de su familia que,
durante su infancia, había sido muy próspera.
En la Viena multicultural de
principios del siglo XX, que vio nacer a Karl Raimund Popper, la situación de
los judíos era
compleja. Por un lado, pertenecían a las capas medias y altas de la sociedad, y
ocupaban con frecuencia posiciones destacadas en la economía y la política,
pero, por otra parte, eran habituales las manifestaciones de antisemitismo.[cita requerida] Popper
se destacó pronto por un precoz rechazo a toda forma de nacionalismo —la regresión a la tribu— lo
que lo llevó a oponerse al sionismo y siempre
pensó que la creación del Estado de Israel fue “un trágico error”.
En el borrador de su Autobiografía escribió
que: "Inicialmente me opuse al sionismo porque yo estaba contra toda forma
de nacionalismo. Pero nunca creí que los sionistas se volvieran racistas. Esto
me hace sentir vergüenza de mi origen, pues me siento responsable de las
acciones de los nacionalistas israelíes". Pensaba entonces que los judíos
debían integrarse a las sociedades en las que vivían, como había hecho su
familia, porque la idea del "pueblo elegido" le parecía peligrosa.
Presagiaba, según él, las visiones modernas de la "clase elegida"
del marxismo o de la "raza elegida"
del nazismo.
Cuando Karl Popper comenzó sus estudios universitarios, en la
década del 1920, la escena política estaba dominada efímeramente por la
izquierda política en Viena: florecía entonces la llamada Viena Roja.
También Popper, interesado principalmente en la pedagogía política, se implicó
en este movimiento, e ingresó en las juventudes socialistas.
Tras presentar en 1928 una tesis doctoral fuertemente matemática
dirigida por el psicólogo y lingüista Karl Bühler, Popper adquirió en 1929 la
capacitación para dar lecciones universitarias de matemáticas y física. En
estos años tomó contacto con el llamado Círculo de Viena.
No obstante su cercanía con este, Popper cuestionó siempre algunos de los
postulados más significativos de este grupo de pensadores, lo que dificultó su
integración en él.
En cualquier caso, el Círculo se vio influido por la fundamentada
crítica de Popper y, de hecho, La
lógica de la investigación científica (en alemán Logik der Forschung),
principal contribución de Popper a la teoría de la ciencia, apareció por
primera vez en una serie de publicaciones del propio círculo vienés, a pesar de
que contenía una moderada crítica al positivismo de esta comunidad de
filósofos. La obra fue recibida como fruto de las discusiones del círculo, lo
que llevó a muchos a calificar equivocadamente a Popper como positivista.
El ascenso del nacionalsocialismo en Austria llevó finalmente a la disolución
del Círculo de Viena. En 1936 su fundador Moritz Schlick fue asesinado por un
estudiante. En 1937, tras la toma del poder por los partidarios de Hitler, Popper, ante la amenazante situación
política se exilió en Nueva Zelanda,
tras intentar en vano emigrar varias veces a Estados Unidos y Reino Unido.
En el Canterbury College en Christchurch, Popper vivió aislado y hasta
cierto punto desconectado de un mundo que se precipitaba entonces en el
torbellino de la Segunda Guerra
Mundial. En este entorno Popper redactó La
sociedad abierta y sus enemigos (en alemán Die offene Gesellschaft und
ihre Feinde). También de aquella época data su amistad y colaboración con
el neurobiólogo John C. Eccles,
junto al que escribiría El Yo
y el cerebro en 1977.
Tras la guerra, en 1946, Popper ingresó como profesor de filosofía en la London School of Economics and Political Science.
El sociólogo y economista liberal Friedrich August von Hayek fue uno de los
principales valedores de Popper para la concesión de esa plaza. Sin embargo, la
relación entre ambos pensadores es aún controvertida.
A pesar de que ambos mantenían posiciones metodológicas
parecidas y de que Popper hizo suyos algunos conceptos fundamentales de las
obras de Hayek, tales como el principio del orden espontáneo, lo cierto es
que Popper desconfiaba de los mecanismos puros del libre mercado que abanderaba Hayek, y
predicaba más bien cierto intervencionismo del Estado pero que no
desembocara, en cualquier caso, en el control o en la propiedad estatal.
En 1969 se retiró de la vida académica activa y pasó a la
categoría de profesor emérito, a pesar de lo cual continuó publicando hasta su
muerte, el 17 de septiembre de 1994 en East
Croydon (Londres).
Los logros filosóficos de Karl Popper le valieron numerosos
reconocimientos, tales como ser nombrado caballero por la reina Isabel II del Reino
Unido en 1969. Recibió la insignia de Compañero de Honor
(Companion of Honour) en 1982, el premio
Lippincott de la Asociación Norteamericana de Ciencias
Políticas y el premio Sonning.
Fue miembro de la Sociedad Mont Pelerin,
una comunidad de estudios fundada por Hayek para promover una agenda política liberal,
así como de la Royal Society de Londres, con el rango de miembro, y de
la Academia Internacional de la Ciencia. Entre
otras, cultivó la amistad del canciller alemán Helmut Schmidt. Algunos conocidos discípulos
de Popper fueron Hans Albert, Imre Lakatos, y Paul Feyerabend.
1911:
Nace Ann
Doran, actriz estadounidense (f. 2000).
Ann Doran (28 de julio de 1911 – 19 de septiembre de 2000)
fue una actriz cinematográfica de nacionalidad estadounidense.
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Biografía[editar]
Nacida en Amarillo (Texas), su verdadero nombre
era Ann Lee Doran. Doran, que empezó a actuar a los cuatro años de
edad, intervino en cientos de filmes mudos bajo un nombre diferente, a fin de
que la familia de su padre no conociera su trabajo. Rara vez interpretó
primeros papeles (con las excepciones del de Jean Andrews en Rio Grande (1938)
y el de la dominante madre de James Dean Rebelde sin causa (1955)), pero llegó
a actuar en más de quinientas películas y más de mil episodios de producciones
televisivas, incluyendo el drama sobre la Guerra de Secesión Gray
Ghost.
Doran trabajó primero como sustituta, después empezó a hacer
pequeños papeles, y finalmente cumplió con papeles de reparto. En 1938 tenía
contrato con Columbia Pictures,
compañía que tenía como política utilizar a los miembros de su reparto tan a
menudo como fuera posible. Por esa razón Doran actuó en seriales de la Columbia
(como The Spider's Web y Flying G-Men), cortos
(incluidos los de The Three Stooges (Los
tres chiflados), Charley Chase, Andy Clyde y Harry Langdon), cine de serie B(como el film Blondie y
los seriales Five Little Peppers y Ellery Queen),
así como largometrajes de primera calidad. También hizo primeros papeles en las
comedias para Columbia de Charley Chase entre 1938 y 1940. Además,
pasó a ser una de las favoritas del director de la Columbia Frank Capra, actuando en muchas de sus
producciones.
Cuando Columbia lanzó un serial en 1945 sobre las aventuras de
un muchacho y su perro Rusty, Doran fue elegida para interpretar un
papel de importancia. Aunque el actor que actuaba como padre del chico cambió
varias veces, Doran fue constante en el papel de la madre. Sus continuos y
sensibles papeles maternos hicieron que fuera escogida para interpretar a la
madre de James Dean en Rebelde sin causa .
Doran fue también artista invitada en la serie infantil de
la CBS My Friend Flicka, la historia
de un niño y de su caballo en un rancho de Wyoming. Así mismo, fue artista invitada en
la sitcom protagonizada por Ray Milland para la CBS Meet Mr.
McNutley. En 1960 fue Martha Brown, la madre del jinete Velvet Brown
(interpretado por Lori Martin) en el
drama familiar de la NBC National Velvet.
Tres años más tarde actuó en la temporada 1965-1966 de la serie western de la ABC The
Legend of Jesse James, interpretando a Zerelda James, la madre de Jesse y Frank James.
Doran siguió trabajando en el cine y en la televisión hasta poco
antes de su fallecimiento, ocurrido en el año 2000 por causas naturales en
Carmichael, California. Ella legó
400.000 dólares al Motion Picture & Television Country House and Hospital,
hogar de retiro de la industria cinematográfica.
**********
1925:
1925:
Nace José
I. Berroa Rivera, compositor cubano.
Compositor cubano, nacido en
la Habana cuba el 28 de julio de 1925 , amante de la música la lectura y Medico
Ortopedista de profesión, llegó a México el 28 de julio de 1957 , el día de su
cumpleaños y del famoso temblor que tiro el Ángel de la Independencia , para
cubrir la vacante de un colega cubano amigo que necesitaba salir fuera del país,
la enfermera del consultorio era Carmen Barbosa C,.quien en en el siguiente año
se con José, originaria de Jamay jalisco.J
Falleció en el 22 de marzo de
1986. En LA SOCIEDAD MEXICANA DE COMPOSITORES están registradas sus obras, que
son más de 10. Su obra más famosa si fue
y será EN LA ORILLA DE MAR interpretada por Bienvenido Granda entre otros. La
letra y la música expresan la clase de persona que fue, aunque no pudo nunca
volver a su amado país, Cuba, siempre lo tuvo presente y educo a sus hijos para
amarlo tanto como al país en que nacieron, Mexico.
1918:
Nace Nano Molina,
cantante y compositor colombiano de música popular.
El nombre verdadero de Nano Molina era Lubín Nazario Escarria
Molina; aunque no es antioqueño, pues nació en Cali (Valle) el 28 de julio de
1918, sí vivió en Medellín algún tiempo y sus canciones, sobre todo las más
campesinas y sentidas, tienen y siempre han tenido una honda aceptación dentro
del pueblo paisa, guasca y cantinero.
Nano era hijo de un hombre de origen ecuatoriano llamado Luis
Felipe Escama y de la señora Ubaldina Molina; se casó con Lucía Belarmina
Aragón con la que tuvo cinco hijos, de los cuales Lucy y Daysi también fueron
cantantes especializadas en música romántica.
La primera grabación de Nano titulada Suplicio la hizo
en 1948. Con Renán Salazar y el famoso Noel Ramírez formó en 1947 el Trío
Grancolombiano; permanecieron unidos hasta 1951, época en que Renán viajó a
México. Tres meses después Renán llamó a sus antiguos compañeros pues tenía un
contrato para grabar en la capital azteca en Discos Columbia.
"pobre de ti"
https://www.youtube.com/watch?v=ToVs4tTQPGI
Como Noel Ramírez no pudo viajar, con un músico mexicano
organizaron Nano y Renán el Trío Bolivariano, que actuó en las emisoras XEW y
XEQ y en el Teatro Blanquita, pero que no grabó porque al director de la
disquera Columbia sólo le interesaba el Trío Grancolombiano y no el
Bolivariano.
En México Nano Molina grabó de solista canciones como
El burro soltero, El tísico, El gallo Quico, El alegre labrador, Pobre Micaela,
Pobre campesino y muchas otras que fueron prensadas en el sello Peerless.
En 1953 este hombre de la música regresó a Colombia
debido a una grave enfermedad de su madre; cuando ella mejoró Nano fue a Bogotá
y trabajó en el restaurante italiano Flambeer. En ese tiempo grabó con el sello
Vergara algunos temas musicales como El siete de agosto; por cuestiones de
índole política esta canción fue prohibida mediante decreto expedido por el
gobierno colombiano, a los quince días de aparecida.
Nano Molina después grabó en el sello Lyra de Sonolux,
Discos Silver y Discos Fuentes; en todas estas empresas impuso éxitos
cantineros, campesinos y algunas guascas como Borrachera, La última carta,
Maldita bebida, Abandonado, Súplica, Despedida, Traidora, Señor juez, Puñalada,
A mi madre, Penas amargas, Alma atormentada, Solitario, Maldecida, Sentencia,
Llorar llorar, Martirio, Adiós ingrata, Morena no seas ingrata, Compañera mía,
Alma enferma, Envenenado, Cicatrices, Suplicio, Otra copa y Vuelve,entre otras.
Nano Molina fue de los grandes cantantes que ha tenido
el pueblo colombiano cantinero…
****************
1943:
Nace Richard
Wright, tecladista
británico, de la banda Pink Floyd (fallecido en 2008).
Richard William Wright (Londres, 28 de julio de 1943-Ibídem, 15 de septiembre de 2008), más conocido como Rick Wright, fue un músico británico, teclista, cofundador y vocalista del grupo
de rock
progresivo Pink Floyd, quien además compuso varios de sus
temas.
Richard William Wright se incorporó al grupo Sigma 6 en 1964, una de las versiones
previas de lo que acabaría llamándose Pink Floyd, con Roger Waters, Nick Mason y Bob Klose. Wright hizo contribuciones
esenciales al sonido de la banda. Su estilo, definido como peculiar y mucho más
enfocado en las texturas que otros contemporáneos de su época, es una de las
marcas distintivas del estilo de Pink Floyd. Temas como "Echoes",
"The Great Gig in The Sky", "Us and Them" y "Shine on
You Crazy Diamond", son excelentes ejemplos de la manera de tocar de
Wright.
En 1978, Richard William Wright grabó y lanzó su primer disco
solista llamado Wet Dream, disco que, posteriormente,
consideró simple y con letras no muy sólidas, pero que le gustaba. En aquel
disco trabajó junto a Snowy White como guitarrista, ex Thin Lizzyy miembro de apoyo de Pink Floyd,
actualmente guitarrista de Roger Waters.
Durante la grabación de The Wall, Wright fue expulsado del grupo por
el bajista y principal compositor Roger Waters. Las razones de esto no se difundieron
en su momento pero más tarde se supo que Waters estaba descontento con los
aportes de Wright y también por haberse negado, en un principio, a interrumpir
sus vacaciones en favor de adelantar la publicación del disco. Durante el
tiempo que estuvo fuera de Pink Floyd se radicó en Grecia.
En 1984, se unió a Dave Harris, ex 10cc para trabajar en un proyecto que dejaba como
protagonista a una máquina de última tecnología utilizada para componer música.
Dicha agrupación se llamó Zee y lanzaron un disco
denominado Identity el cual tiene un sonido muy alejado del que
manejaba anteriormente Wright junto a Pink Floyd. Wright consideró este disco
un "error experimental", sintiéndose avergonzado por el resultado
final.
Poco después, David Gilmour tomó el liderazgo de Pink Floyd
y Waters inició un pleito legal contra Gilmour y Nick Mason por el nombre de la
banda. El juicio finalmente fue ganado por éstos, obteniendo los derechos sobre
el nombre "Pink Floyd", a la vez que Roger Waters ganó parte de los derechos del
merchandising de la banda (incluido el cerdo volador habitual en los
espectáculos del grupo), los derechos de las canciones que compuso
para The Wall (la gran mayoría) y The Final Cut.
Más tarde, en 1987, Pink Floyd editó el álbum A Momentary Lapse of Reason, ya sin Roger Waters, para el cual habían llamado nuevamente
a Wright para participar en el disco, todavía como invitado por razones
legales. Posteriormente se unió también a la gira que siguió al álbum, con
motivo de la cual se publicó el disco doble Delicate Sound of Thunder en 1988, en el cual Wright apareció de nuevo
reintegrado oficialmente como miembro del grupo. Para el siguiente álbum, The Division Bell (1994), Wright co-escribió 5 canciones, entre ellas el tema
"Wearing the Inside Out", compuesto por él y co-escrito junto a
Anthony Moore.
Así, el único disco de Pink Floyd en el cual Rick Wright no
aparece es The Final
Cut, obra que con
motivo de la disputa legal le pertenece por entero a Roger Waters.
En 1996, Wright volvió a trabajar junto a
Moore en su segundo disco solista, Broken China, catalogado por muchos
admiradores de Pink Floyd como el mejor trabajo solista de un miembro del
grupo. En este disco trabajó junto al actual guitarrista de apoyo de Pink
Floyd, Tim Renwick, además del bajista Pino Palladino y la voz de Sinéad
O'Connor en dos
de sus temas, entre otros músicos. Incluso David Gilmour fue invitado a participar en
las guitarras del tema "Breakthrough", pero el resultado de sus
grabaciones no fue utilizado.
El año 2001, David Gilmour realizó una serie de conciertos
semi-acústicos invitando a Wright en un par de ellos a tocar su tema
"Breakthrough" en vivo.
En julio de 2005, por primera vez desde los conciertos de The Wall,
Wright, Gilmour, Mason y Waters se unieron de nuevo como Pink Floyd para tocar
cinco temas en el concierto masivo Live 8 en Londres.
Ese mismo año Gilmour le insinuó a la BBC que el grupo podría
reunirse otra vez para un concierto especial, pero descartó la posibilidad de
otra gira. Nunca se llegó a concretar.
Para 2006, Wright y Nick Mason participaron
con David Gilmour durante su presentación en el Royal Albert Hall en Londres, siendo la última presentación del
Pink Floyd post-Waters. También en 2006 se dio a conocer el nuevo álbum solista de David
Gilmour, On an Island, en el que Rick Wright participó en
una de las canciones y posteriormente fue el teclista de la banda que realizó
el tour mundial.
Tras el reencuentro, Roger Waters superó todas sus pasadas
diferencias con Rick Wright e incluso lo invitó a participar también en su
gira The Dark Side of the Moon Live (en la que asimismo colaboró Nick
Mason), pero Wright declinó la oferta en pos de dedicarse a preparar un nuevo
álbum solista, el cual según se informaba sería un disco instrumental. Este
nuevo disco no se llegó a concretar debido al deceso de Wright.
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1945:
Nace Jim Davis, caricaturista estadounidense.
James Robert Davis (28 de julio de 1945; Marion, Indiana), más conocido como Jim Davis,
es un dibujante de cómics estadounidense, renombrado por ser el creador
de Garfield.
Davis se crió en una granja junto a su padre Jim, su
hermano Dave y los 25 gatos de su madre Betty. El asma provocó que pasara largas temporadas encamado, tiempo
que aprovechaba para dibujar. Al principio no lo hacía muy bien, pero con el
tiempo fue mejorando la técnica y decidió añadir textos a sus dibujos: había
nacido un nuevo dibujante de tiras cómicas.
Después de graduarse en la universidad -donde conoció a su
mujer Carolyn - trabajó dos años en una agencia
de publicidad.
En 1969, comenzó a trabajar como ayudante de
Tom Ryan, el creador de la tira cómica Tumbleweeds. Posteriormente, Davis creó
la tira cómica de Gnorm Gnat -algo así como Mosquito Gnorm- que, aunque se
publicó en un periódico local de Indiana, no consiguió vender a la compañía
nacional de editores de tiras cómicas Paws.
Tras cinco años publicando las historias del susodicho
mosquito, Davis decidió crear al gato Garfield. Esta vez sí que compraron las tiras
cómicas y empezó a publicarse en 1978 en 41 diarios. Nunca pensó que ese personaje llegaría a
tener tanto éxito: actualmente Garfield protagoniza la tira cómica con mayor
difusión en todo el mundo, con más de 220 millones de lectores y publicada en
más de 2.500 periódicos mundiales. Para Jim Davis, la vida con Garfield es
simple: "Si nosotros tratamos bien al gato el gato nos tratará bien a
nosotros".
Con esa premisa no sólo ha creado la tira cómica con mayor
crecimiento de la historia, docenas de best-seller traducidos a 26 idiomas,
una serie
de televisión, dos
películas y trece programas especiales, si no todo un merchandising comercializado en 69 países.
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1946:
Muere Alfonsa de la Inmaculada Concepción, santa católica (nacida en 1910).
Santa Alfonsa de la Inmaculada
Concepción (lengua malabar: അല്ഫോണ്സാ മുട്ടത്തുപാടത്ത്); Saint Alphonsa Muttathupadathu; 19
de agosto de 1910 – 28 de julio de 1946) es una santa católica. la segunda
persona de oriunda de la Indiaen ser canonizada como santo de Iglesia y
procedente de la Iglesia Católica Siro-Malabar.
Alphonsamma, como era conocida localmente, tuvo una pobre y dificultosa infancia, y experimentó pérdida familiar a
temprana edad y sufrimiento. Ingresó a la congregación franciscana y a través de ésta completó
los cursos escolares e hizo sus votospermanentes en 1936. Enseñó en
la escuela y por años estuvo afectada de
enfermedades.
Miles de fieles convergen en el pueblo de Bharananganam,
en India, cuando celebran la fiesta de Santa Alfonsina del 19 al 28
de julio cada año; su tumba se está convirtiendo en sitio
de peregrinación en esos días por milagros recibidos según reportes de
los devotos.
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Biografía[editar]
1947:
Muere Celedonio Flores, poeta y letrista argentino (n. 1896).
Celedonio Esteban Flores (Buenos Aires, 3 de agosto de 1896 - 28 de julio de 1947) fue un poeta argentino, de gran sensibilidad, muy popular letrista de tangos frecuentador de la bohemia porteña. Autor de versos lunfardos y también sentenciosos y moralizantes, entre los que destacaron los tangos Margot, Mano a mano, Mala entraña, Viejo coche, El bulín de la calle Ayacucho, Viejo smoking, Por qué canto así, Malevito, Canchero, Corrientes y Esmeralda, Muchacho, Sentencia, Pobre gallo bataraz, Si se salva el pibe La mariposa y La musa mistonga. Algunas de sus obras fueron reunidas en los poemarios Chapaleando barro, Pasa el organito y otros volúmenes en los que recreó con vigor y patetismo la vida de la gente humilde.
Biografía[editar]
Celedonio Flores nació en la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de Villa Crespo, habitado mayoritariamente por criollos e inmigrantes de diferentes orígenes. En ese activo foco de cultura popular transcurrió su infancia y su adolescencia, convirtiéndose en los años 20 en un poeta y letrista de gran popularidad y de hábitos bohemios. En su juventud también fue boxeador.
Sus tangos, muchas veces sentenciosos y moralizantes, con descripción de sus personajes, recurrían abundantemente al lunfardo, el argot local de la región del Río de la Plata. Su mejor etapa creativa abarcó hasta principios de los años 30.
En 1920 envió al diario Última hora, ya desaparecido, un poema titulado "Por la pinta", recibiendo 5 pesos como retribución. Los versos de dicho poema llamaron la atención de Carlos Gardel y de su compañero de dúo, José Razzano, que le pusieron música, creando el tango "Margot". Éste era una amarga crítica a la muchacha humilde y bonita que se acomoda y pervierte para escapar de su destino de pobreza.
Gardel grabó 21 temas de Celedonio, entre los cuales se encontraba uno de los mayores éxitos de toda su trayectoria: Mano a mano, tango en el que un varón salda cuentas con la mujer a la que amó y le ofrece su desinteresada ayuda para cuando ella sea "descolado mueble viejo". Entre los otros tangos que grabó destacan "Mala entraña", El bulín de la calle Ayacucho, Viejo smoking, "Malevito", "Canchero" y "Pan". Este último contiene una descarnada crítica social, frente a la miseria que siguió a la crisis de 1930. Gardel se abstuvo por modestia de grabar uno de los mayores éxitos de Flores, Corrientes y Esmeralda, referencia a una famosa esquina de Buenos Aires que forman la Avenida Corrientes y la calle Esmeralda, porque la letra aludía a mujeres que soñaban con su pinta.
Por razones comerciales, durante varios años Flores escribió exclusivamente para Rosita Quiroga, una notable cantante de fuerte carácter arrabalero y poco refinada. Con el paso de los años, los tangos de Celedonio comenzaron a formar parte de los repertorios de numerosos cantantes, desde Ignacio Corsini y Alberto Gómez, hasta Edmundo Rivero y Julio Sosa.
Otras letras que aunaron valor y éxito fueron las de "Muchacho", "Viejo coche", "Sentencia" (una canción protesta), "Atenti, pebeta" (tema de corte humorístico), "Pobre gallo bataraz", "Si se salva el pibe" y "Por qué canto así". "La musa mistonga", compuesto por Celedonio y grabado por Rosita Quiroga el 1 de marzo de 1926, fue la primera grabación que utilizó el sistema fonoeléctrico en Argentina.
1948:
Nace Sally Struthers, actriz estadounidense.
Sally Ann Struthers (nacida el 28 de julio de 1948) es una actriz estadounidense, ha actuado en Gloria Bunker-Stivic y en All in the Family.
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1949:
Nace Simon
Kirke, baterista británico.
Simon Frederick St George Kirke (nacido el 28 de julio de 1949, aunque de acuerdo a la Asociación de Prensa, nació el 27 de agosto de 1949) es un baterista británico de rock, más conocido como miembro de las bandas Free y Bad Company.
Nacido en Lambeth Hospital,
Lambeth, sureste de Londres, Inglaterra,
Kirke pasó su niñez viviendo en la periferia de Gales. Al
terminar la escuela a los 17 años, regresó a Londres y se propuso encontrar un
empleo como baterista en la emergente escena musical del blues.
Después de infructuosos 18 meses estaba resignado a regresar a Gales cuando
conoció al guitarrista Paul
Kossoff, quien estaba tocando en una banda llamada Black Cat Bones.
Kirke fue recomendado para el puesto de baterista en la banda, donde tocó por
seis meses. Entre otras, Kirke tocaba baterías Hayman.
1949:
Nace Steve Peregrin Took,
baterista y cantautor británico (f. 1980).
Steve Peregrin Took (Londres, 28 de julio de 1949 - Londres, 27 de octubre de 1980) fue un baterista británico, cofundador del dúo T. Rex con el
cantante Marc Bolan (1947-1977).
Después de romper
con Bolan, se concentró en sus propias actividades como cantautor.
1952:
Nace Eduardo Fernández, guitarrista uruguayo.
Eduardo Fernández (La Paz, Canelones, 28 de julio de 1952) es un guitarrista clásico uruguayo, de trayectoria internacional.
Alumno de Abel Carlevaro y de Héctor Tosar, Fernández tiene una larga
trayectoria como guitarrista clásico de nivel internacional. Su estilo de
interpretación ha sido comparado con el del español Andrés Segovia. "Raras veces hemos presenciado
un debut más notable en cualquier instrumento", escribía el crítico del
New York Times en ocasión de su debut en 1977 Fernández cuenta con más de 20
fonogramas en su haber. Se lo reconoce mundialmente como uno de los mejores
guitarristas clásicos de la actualidad.
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1955:
Nace Mateo Balboa, cantante colombiano de baladas.
Mateo Balboa: Cantante colombiano nacido en Medellín el 28 de
Julio de 1955, Lamentable mente de este gran artista no se consigue una
biografía completa y es una verdadera lástima porque con sus canciones le hizo
un aporte muy importante al género de la balada romántica.
Su nombre verdadero es Fabio León Restrepo. El primer sencillo que
grabo este artista se llamo “Desde Hace Tiempo, y lo grabo con el nombre de
Fabio León después de esto decidió adoptar el nombre artístico de Mateo
Balboa.
Canciones que fueron éxitos de este gran artista: “dudas sin
razón”, “Para nadie mas tengo amor ”entre otras tantas.
1957:
Nace Raúl Santi, cantante colombiano.
Guillén Raúl Sánchez Prada (Melgar, Tolima, 28 de julio de 1957), más conocido
por su nombre artístico, Raúl Santi, es un cantautor y productor
musical colombiano.
Cantaba por las lomas de Villarrica mientras recogía café y
cortaba caña. En 1970 viajó con su mamá (modista) y su hermano a Bogotá, para vivir en una pieza en el
barrio Santa Isabel. Organizó el trío Alma Latina, con el que daba serenatas.
Su primer éxito radial fue 'No más contigo' (1977), grabado con Discos FM, su
sello de siempre.
Entre sus canciones más conocidas se hallan 'Un amor en cada
esquina', 'Como un picaflor', 'Mi despedida', `Ya me voy', `Amame otra vez' y
`Busco un corazón'. Tiene siete álbumes, decenas de canciones inéditas y ofrece
permanentes conciertos en la provincia. Eddie Santiago, los Hermanos Lebrón y
Diego Verdaguer han grabado temas suyos.
"Piénsame"
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Índice
Biografía[editar]
Índice
Vida personal[editar]
Carrera[editar]
Comienzos (1984-1990)[editar]
El éxito (1991-1994)[editar]
1963:
Nace Beverley Craven,
música y pianista británica.
Beverley Craven (nacida el 28 de julio, 1963, Colombo, Sri Lanka) es una cantante de pop mayormente
conocida por su hit single de 1991 "Promise Me".
Su álbum más reciente, Change of Heart, fue lanzado en septiembre
de 2014.
Índice
Biografía[editar]
Craven, a pesar de ser británica, nació en Colombo, Sri Lanka en julio de 1963, mientras
su padre se encontraba trabajando en Kodak en
ese mismo país.
Dos años después, su familia retornó a Hertfordshire y Craven comenzó a tomar
clases de piano a la edad de siete años, apoyada
por su madre quien fue una violinista
clásica. Al terminar la escuela, ingresó a trabajar en una escuela
de arte, mientras que se dedicaba a tocar con bandas en diversos pubs en Londres, además de escribir canciones. Ella
también fue una consumada nadadora durante su adolescencia y participó en un
montón de competencias locales y nacionales alrededor del Reino Unido.
Craven no compró su primer disco de música pop hasta los 15
años, sobre todo de cantantes y compositores tales como Elton John, Judi Tzuke, Stevie Wonder y, en particular, Kate Bush, quiénes influyeron en su música.
A los 18 años, dejó la escuela y su hogar y comenzó a trabajar
en diversos lugares de forma ocasional. Habiendo fallado al encontrar algunos
músicos amables con quien tocar, a la edad de 22 Craven decidió comenzar a
interpretar a escribir y a tocar canciones junto a su piano. Luego de una breve
temporada de tour con el cantante de soul Bobby Womack (quien intentó hacerla
firmar con su compañía discográfica), ella grabó su primer conjunto de demos lo
que atrajo la atención del mánager del grupo Go West, John Glover. El
rápidamente se dispuso a asegurar su música mediante un acuerdo con Warner
Brother y un contrato de promoción con Epic Records después.
1963:
Nace Shaunna Hall, guitarrista y compositora estadounidense,
reconocida por ser uno de los miembros fundadores de la banda de rock 4 Non
Blondes.
Shaunna Elizabeth
Hall (28 de julio de 1963) es una guitarristay compositora estadounidense,
reconocida por ser uno de los miembros fundadores de la banda de rock 4 Non
Blondes y por ser guitarrista de la agrupación Parliament-Funkadelic del
músico George Clinton.
Junto a Linda Perry, Wanda Day y Christa
Hillhouse fundó la agrupación 4 Non Blondes, abandonando en 1992 durante la
grabación del álbum Bigger, Better, Faster, More! debido
a diferencias musicales con sus compañeras y con el productor David Tickle.1
Más tarde fundó la banda de
corta duración Bad Dog Play Dead. Luego se dedicó a componer canciones para
otras bandas hasta que en 2002 empezó a salir de gira con el músico de
funk George Clinton y
su banda The Parliament-Funkadelic. Desde entonces, Hall ha tocado la guitarra
con la banda en varias giras por los Estados Unidos, Canadá y Europa. Entre sus
colaboraciones con otros músicos y bandas destacan producciones de Lee
"Scratch" Perry, Eric McFadden, The Flying Other Bros. y Tribe 8.2
1964:
Nace Lori
Loughlin, actriz estadounidense.
Lori Anne Loughlin (28 de julio de 1964; Queens, Nueva York) es una actriz estadounidense.
Biografía[editar]
Conocida por su papel
de Becky Donaldson en Full House, Loughlin está casada con Mossimo
Giannulli y tiene dos hijas: Isabella y Olivia. También protagonizaba 90210, la secuela de Sensación de vivir.
1965:
Nace Daniela
Mercury, cantante brasileña.
Daniela Mercuri de Almeida (Salvador de Bahía, 28 de julio de 1965),
conocida como Daniela Mercury, es una importante cantante, compositora, bailarina y productora musical de axé, samba y MPB.
Su éxito comenzó en la década del ´90, y la convirtió en una de las
cantantes brasileñas más
populares de todos los tiempos, vendiendo 20 millones de álbumes en todo el
mundo. Entre sus mayores éxitos se encuentran "O Canto da Cidade",
"Rapunzel", "Música de Rua", "Ilé Pérola Negra"
"Trio Metal" "Oyá Por Nois" y "Maimbé Dandâ".
Índice
·
2Carrera
·
5DVD
·
7Premios
Vida personal[editar]
Hija de Liliana Mercuri de Almeida, una asistente social de
ascendencia italiana, y de Antonio Fernando de Abreu
Ferreira de Almeida, un mecánico industrial portugués. Mercury creció en el barrio de
Brotas con sus cuatro hermanos: Tom, Cristiana, Vania (que también es cantante
de MPB), y Marcos.
A los ocho años de edad, comenzó a estudiar danzas (ballet clásico, danzas afro y jazz).
A los trece, influenciada por Elis Regina, decidió volverse también
cantante. A los dieciocho años, entró en la escuela de danza de la Universidad
Federal de Bahía.
En 1984, con diecinueve años de edad, se casó con
el ingeniero electrónico Zalther Portela
Laborda Póvoas. Un año después, el 3 de septiembre de 1985 dio
a luz a Gabriel, su primer hijo. Al año siguiente, nació Giovanna. En 1996,
Mercury y Póvoas se separaron.
En abril de 2013, reconoció en su cuenta de la red social
Instagram que tiene una relación lésbica con la periodista Malu
Verçosa. "Malu ahora es mi esposa, mi familia y mi inspiración
para cantar", aseguró la cantante y embajadora de la Unicef en el comentario, acompañado de
una serie de fotografías en que ambas aparecen juntas.1
Carrera[editar]
Comienzos (1984-1990)[editar]
Antes de iniciar su carrera solista, Mercury fue coreuta de la
banda de Gilberto Gil. Entre
los años 1988 y 1990 grabó
dos álbumes como cantante de la banda Companhia Clic. Fue con dicho grupo musical
que lanzó las canciones "Pega que Oh!" y "Ilha das
Bananas", que tuvieron éxito en Bahía. A principios de la década de 1990, Mercury inició su carrera
solista.
El éxito (1991-1994)[editar]
El primer álbum de Mercury, que
lleva su nombre como título, fue lanzado en 1991 por la productora
independiente Eldorado. Fueron lanzadas para las rádios las canciones "Swing
da Cor" y "Menino do Pelô", ambas grabadas con el
grupo Olodum (un bloco).
En 1992, Mercury se separó de las productoras discográficas y
pasó a producir sus propios álbumes para después negociarlos con las
productoras para su distribución. Se presentó en el proyecto Som do
meio dia en el Museo de Arte de
San Pablo, llevando más de 30 mil personas al show. Luego, fue
contratada por la discográfica Sony Music y lanzó su segundo
álbum, O
Canto da Cidade. Este vendió más de dos millones de copias en
Brasil, siendo los principales éxitos: "O Mais Belo dos Belos",
"Batuque", "Você Não Entende Nada" y la canción que da
nombre al álbum. Otra canción incluida es "Só pra
te Mostrar", en dúo con Herbert Vianna (líder y cantante de Paralamas)
1970:
Nace Simón Brand, cineasta y comunicador colombiano.
Simón Brand (Cali, Valle del Cauca, 28 de julio de 1970) es un director de cine y comunicador colombiano. Comenzó comunicación social en
la Universidad
Javeriana de
Bogotá, pero nunca terminó la carrera. Está casado con la modelo y presentadora
colombiana Claudia
Bahamón.
Trabajó en videos musicales de diversos cantantes como Juanes, Fanny Lu, Enrique Iglesias, Fonseca, Paulina Rubio, Ricky Martin, Belanova, Shakira, Thalía, Jessica Simpson, Celia Cruz, Chayanne, Luis Enrique, MDO,
entre otros. Ha recibido 3 nominaciones al premio Grammy y tiene en su haber
más de 200 anuncios publicitarios.
Ha dirigido dos películas con resultados nunca antes
alcanzados para un director colombiano. Su opera prima es Mentes en blanco con Jim Caviezel, Greg Kinnear,Joe Pantoliano. Tuvo
un costo de 3 millones de dólares y hasta el momento ha recaudado más de US $17
millones en el mundo entero. En el 2008 se estrenó en Colombia su segundo
largometraje Paraíso Travel con una impresionante cifra de
1 millón de espectadores convirtiéndola en la película más taquillera del 2008
y la 3.ª de la historia en el cine colombiano. La revista TIME la considera una
de las mejores películas latinoamericanas de la última década. 1 Ha participado en más de 14 festivales
internacionales (Tribeca, Huelva, Morelia, Montreal, Málaga, Los Angeles y
Guadalajara) y en casi todos ha recibido el premio del público. En su reparto
están John Leguizamo, Margarita Rosa de Fransisco, Ana de la Reguera, Aldemar
Correa y Angélica Blandón. Recientemente fue considerado por la revista Variety
como uno de los latinos más influyentes en Hollywood. En 2014 presenta su
tercer largometraje Default, con la participación de actores como David Oyelowo.
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1972:
Nace Elizabeth Berkley, actriz estadounidense.
Berkley nació en Farmington Hills, un suburbio del Condado
de Oaklanden Míchigan y creció en Detroit. Es judía y descendiente de alemanes.
Estudió en el North Farmington High School y se graduó en 1990. Desde pequeña demostró ser excelente bailarina. Practicaba desde pequeña en un club de baile que le construyeron sus padres en el sótano de su casa. En 1982 a los 8 años de edad, se presentó para el papel principal de la película Annie, pero no lo obtuvo debido a que era pequeña de estatura. Su amor por el baile la llevó a Nueva York, donde continuó entrenando con otros bailarines y coreógrafos. Tomó parte en algunos ballets como El lago de los cisnes en 1983 e incluso fue protagonista en algunos musicales.
Estudió en el North Farmington High School y se graduó en 1990. Desde pequeña demostró ser excelente bailarina. Practicaba desde pequeña en un club de baile que le construyeron sus padres en el sótano de su casa. En 1982 a los 8 años de edad, se presentó para el papel principal de la película Annie, pero no lo obtuvo debido a que era pequeña de estatura. Su amor por el baile la llevó a Nueva York, donde continuó entrenando con otros bailarines y coreógrafos. Tomó parte en algunos ballets como El lago de los cisnes en 1983 e incluso fue protagonista en algunos musicales.
Berkley empezó más como modelo juvenil que como actriz. Hizo
su debut en pantalla en 1987 en la película para televisión Frog y
después realizó algunas apariciones en otros shows.
En 1989 a los quince años hizo una audición prueba para el
papel de Kelly en Salvados
por la campana. A
pesar de que el personaje fue otorgado a Tiffani-Amber
Thiessen a los
productores les gustó mucho su forma de actuar y crearon para ella el personaje
de Jessie, una chica inteligente y decididamente feminista. Interpretó este
papel desde 1989 hasta 1993 y en el telefilme de 1994 Saved by the Bell: Wedding in Las
Vegas siendo el
último proyecto de la serie que reunió a todos sus protagonistas originales. La
serie fue cancelada seis años después.
Después de dejar su personaje que le dio fama, Berkley
audicionó y finalmente ganó (derrotando a actrices como Jenny McCarthy, Denise Richards y Charlize Theron) el papel de Nomi Malone, personaje
principal de la película del director Paul Verhoeven Showgirls (1995). La película fue un gran
fracaso de público y de crítica inicialmente, pero a largo plazo terminó siendo
un éxito comercial en formato VHS,
por alquiler en videoclubes.
Después de este papel protagonista en Showgirls, Berkley
decidió participar en papeles pequeños para filmes de calidad, buscando otro
gran papel protagonista que no terminó de llegar. En este periodo apareció en
un pequeño papel en la película El club de las primeras esposas al lado de Diane Keaton, Goldie Hawn y Bette Midler, así como en filmes de Woody Allen (La maldición del escorpión de jade) y Oliver Stone (Any Given Sunday).
En 2008 firmó para interpretar un papel en la serie CSI: Miami. Su personaje Julia Winston es la
ex-novia del Teniente Horatio Caine (David Caruso). Los episodios donde ella apareció
fueron de alto rating (audiencia). Desde entonces
apareció en toda la sexta temporada y finalmente confirmó su aparición para la
séptima temporada.
En 2009 interpretó a Kelly Wentworth en la serie de
Showtime The L Word. Berkley interpretaba a un antiguo
amor no correspondido de Bette (Jennifer Beals).
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1991:
Muere Olimpo
Cárdenas, cantante
ecuatoriano.
Olimpo León Cárdenas Moreira (Vinces, Ecuador, 5 de julio de 1923 - Tuluá, Colombia, 28 de julio de 1991) fue un cantante ecuatoriano que desarrolló su carrera
especialmente en Colombia, Ecuador y México, con presentaciones en Centro y
Norteamérica. Fue intérprete de boleros, valses, pasillos, tangos y yaravís, y
considerado junto con Julio Jaramillo, uno de los grandes intérpretes del
pasillo ecuatoriano.
Nace en Vinces, cantón de la provincia
de Los Ríos. Sus
padres fueron Manuel Cárdenas y Rosario Moreira, que residían en el sector del
entonces recinto Playas de Vinces. A los tres años de edad quedó huérfano de
madre, y a los cinco de padre; y fue criado por su madrina, María Orellana vda.
de Morejón, quien le inculcó el gusto por la música y le llevó a vivir a la
ciudad de Guayaquil. Tuvo medio hermanos, por parte de
padre: Silvia y Cornelio y por parte de madre tuvo dos hermanos mayores: Silvia
Coello Moreira y Mauro Coello Moreira.
En Guayaquil empezó a cantar a los 10 años en programas
infantiles, en la emisora La Voz del Litoral. Cuando contaba con 18 años se
casó con Vitalia Cobo. A los 20 años de edad se trasladó a Guayaquil donde
participó en programas musicales como La Corte Suprema del Arte de CRE
(Radiodifusora del Ecuador), ahí tiene su primer hijo Agustín Cárdenas , más
tarde a su hija Francia Cárdenas, con la señora Carmen Villavicencio luego
donde ganó el derecho de presentarse los domingos en el American Park tras
cantar tangos. En esta época dio comienzo a su carrera que lo llevaría a
convertirse en un popular vocalista en la década de los 50. En 1945 empezaron
sus presentaciones en programas de aficionados de la Corte Suprema del Arte,
cantando tangos.
Más tarde, el cantautor Carlos Rubira Infante lo guio y
enseñó a cantar pasillos y ritmos ecuatorianos, debido a que Olimpo solo
cantaba, tangos y valses argentinos. Luego formaron el dúo Cárdenas-Rubira y grabaron el 23 de junio de 1946, el
pasillo «En las lejanías» compuesto por Carlos Rubira Infante y Wenceslao Pareja.
El tema musical tuvo gran éxito en la carrera de Olimpo y también fue
interpretada a dúo con Julio Jaramillo y después por el famoso dúo de Bowen y
Villafuerte. El dúo Cárdenas-Rubira fue el primero en grabar un disco realizado
completamente en el Ecuador. Ifesa les otorgó Diploma de Honor
al mérito musical en reconocimiento.
Incursionó en Colombia en 1948 con el trío Trovadores
del Ecuador, pero en esa época se produjo la trágica muerte de Jorge
Eliécer Gaitán, que
convulsionó gran parte de ese país y generó mucha violencia, por lo que Olimpo
decidió retornar al Ecuador.
En 1954, viajó a Cali, Colombia donde se incorporó el Trío
Emperador que estaba integrado por Pepe Jaramillo —hermano de Julio Jaramillo—
y Plutarco Quillas, y que en ese momento se encontraban de gira musical en el
sur de Colombia, específicamente en Cali donde se presentaron en programas radiales.
En esta ocasión, Olimpo viajó también con su hijo Freddy de
tres años de edad, quien fue su acompañante desde muy pequeño. Luego de varias
presentaciones realizaron una prueba en la casa grabadora Discos Victoria.
Mario Méndez, el propietario de la empresa discográfica, le ofreció un contrato
como solista. Esa noche, sus compañeros descontentos al sentirse traicionados,
lo despidieron con una paliza. Tiempo después el cantante recordaba: «Fue la
tunda que me lanzó al éxito».
Pepe Jaramillo se quedó un tiempo en Cali y Plutarco Quillas
se fue a Venezuela. El primer sencillo que grabó en
Colombia contenía los temas «Fatalidad» y «Tu duda y la mía». La canción El
Provinciano sería la última canción de su vida.
Cuando ya había grabado alrededor de cuarenta canciones con
Discos Victoria, se encontró con un gran amigo, Guillermo Domínguez, quien
intervino para finalizar el contrato con la disquera y llevarlo a Medellín a Discos Sonolux, iniciando grabaciones con dos boleros muy populares: «Lágrimas de
amor» y «Temeridad», que repercutieron en México. Además grabó en esos días el bolero
«Nuestro juramento» (del compositor puertorriqueño Benito de Jesús Negrón).
Vinieron también otros éxitos como «Playita mía», «Tu duda y la mía», «Rondando
tu esquina», «Fatalidad», «Cinco Centavitos», « Licor bendito» y muchos
más, que serían interpretados también por Julio Jaramillo.
En 1957, firmó contrato por dos años con Discos Orfeón, una de las más grandes disqueras de
México, que se extendió a trece años, radicándose en México durante ese tiempo,
tiempo en el que recorrió casi todo México con sus presentaciones en plazas de
toros, coliseos, estadios, teatros y clubes nocturnos. Sus discos se escuchaban
por todas partes y Javier Solís se presentaba en sus inicios
como figura secundaria.
En México grabó veinte discos de larga duración y presentó su
repertorio de música popular en Estados Unidos (Los Ángeles, San Francisco, Washington, Chicago, San
Antonio, New York), Canadá, Venezuela, Guatemala, Honduras, El Salvador, Panamá, Puerto Rico, República
Dominicana, entre
otros. Así Olimpo Cárdenas abrió el camino para otros intérpretes ecuatorianos.
En México inició una nueva vida conyugal con Omayra Cruz Marín, de Armenia (Colombia).
En 1970 regresó definitivamente a radicarse en Colombia, que
adoptó como segunda patria. Se estableció en Bogotá. Se asegura que conocía Colombia y
México más que político en campaña. En alguna ocasión en Bogotá realizó
presentaciones durante quince días consecutivos con lleno completo. Grabó
setenta LP`s y 750 canciones. Según los especialistas, la vigencia de Olimpo
Cárdenas reside en que sus canciones están íntimamente emparentadas con la
tristeza y la nostalgia. Algunos redactores de crónica roja varias veces
culparon a sus canciones de suicidios de gente con problemas. Lo mató Olimpo
Cárdenas, fue el titular de un diario tras un suicidio. —Si por mi culpa se
suicidan tantos, y esto lo castigara la ley, yo tendría más cárcel que si
hubiera asesinado a siete obispos…, comentó humorísticamente en alguna ocasión.
Olimpo Cárdenas llegó a la ciudad de Nueva York en el 1978
para encontrarse con viejos amigos músicos y compositores del Ecuador. En aquel
entonces, se presentó en Nueva York, Chicago y Canadá junto al maestro Juan
Prado en el requinto, acompañado en la segunda guitarra por Ricardo Prado.
Durante las presentaciones Olimpo, Juan y Ricardo grabaron dos discos de corta
duración compuestas por Carlos Sotomayor en el Distrito de Manhattan. Entre las canciones Sotomayor compuso
un bolero titulado «Háblame de ti». La reacción del público estuvo llena de
emoción y sentimiento. La venta de los discos fue exitosa.
El domingo 28 de julio de 1991, en la feria ganadera
de Tuluá, departamento del Valle del Cauca, mientras realizaba su primera
interpretación, cantando «Tu duda y la mía», murió como consecuencia de un
infarto. Tenía 68 años recién cumplidos.
Sus restos reposan en el cementerio Jardines Apogeo, al sur
de Bogotá, en Bosa localidad número siete del
Distrito Capital. En su tumba, un epitafio que dice: "Al Ídolo del
Pueblo... El cariño y el amor que nos brindaste es el ejemplo que nos
guía."
Con Julio Jaramillo Laurido formó un dúo muy
popular cuya primera grabación fue el bolero «Azabache», cuyas presentaciones trascendieron
el ámbito local. También hizo dúo con: Lucho Bowen («Mi última ilusión»),
Oscar Agudelo («El Ermitaño»), y Luis Jorge Martínez («Háblame de ti»).
Además de su primogénito Freddy, tuvo a Rosario, Agustín,
Francia y Sonia; y 20 nietos. Las interpretaciones clásicas o consagratorias
del Rey del Estilo son: Tu duda y la mía, vals del maestro Julio
César Villafuerte;
el bolero Temeridad, del compositor puertorriqueño Manuel Jiménez; «Nuestro
Juramento», de Benito de Jesús (quien compuso este bolero a su esposa,
fallecida años atrás), «Fatalidad»; «Playita mía», pasacalle del maestro
compositor Carlos Rubira Infante; «La fe verdadera»; «Y cinco centavitos»,
«Lágrimas de amor», de Raúl Shaw Moreno. Interpretó un centenar de tangos («La
abandoné y no sabía», « No me lo digas», «Ladrillo», «Tango amargo», «Cama
vacía», etc.), por lo que también era conocido como el Magaldi ecuatoriano.
En Ambato se le rinde tributo con el
nombre de una calle de la ciudad. En la parroquia Antonio Sotomayor (Playas de
Vinces), con su nombre dado al Parque Central; y en Vinces, con la escuela fiscal Olimpo
Cárdenas.
Olimpo Cárdenas, a pesar de su edad (68 años), se mantuvo
activo en el canto popular hasta que el 28 de julio de 1991 en la ciudad
de Tuluá, en Colombia, después de fumar un
cigarrillo y enfundado en un traje blanco acompañado de un trío del cantautor
jesus sanchez lema, entonaba la canción «El provinciano» en el parque infantil
Julia Escarpeta de la Feria Ganadera de Tuluá, repentinamente sufrió un infarto
al miocardio desplomándose en pleno escenario. Luego fue llevado a Armenia,
Quindío, donde se le dio un corto recorrido por la ciudad a la que alguna vez
le cantó. El 29 de julio llega a Bogotá donde se le dio su velación en su
propia casa que lo vio todos los días crecer como artista. Fue sepultado en el
cementerio del El Apogeo al sur de Bogotá. con el número de tumba
721,actualmente se encuentra sus restos en el cementerio central,en palabras de
la cantante Celia Cruz diría en una entrevista Olimpo Cárdenas murió en su ley
cantando ,así es como deberíamos morir todos los cantantes.
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1993:
Nace Cher Lloyd,
cantante británica.
Cher Lloyd (Malvern, Worcestershire, Reino Unido, 28 de julio de 1993) es una cantante inglesa,
que saltó a la fama cuando quedó en cuarto lugar en el programa
internacional The X Factor. Después, Cher Lloyd
firmó un contrato con Simon Cowell, para Syco Music afiliado
a la productora Sony Music.
Cher Lloyd lanzó su álbum debut titulado Sticks + Stones el 7 de noviembre de 2011 bajo el
sello Sony Music,
anticipando el primer sencillo "Swagger Jagger"
el cual fue lanzado en junio de 2011.
A pesar de haber recibido malas críticas, el single encabezó la lista de
singles del Reino Unido y llegó al puesto número 2 en la lista de
singles de Irlanda.
Su segundo sencillo «With Ur Love» con Mike Posner fue
lanzado el 31 de octubre, y alcanzó el puesto número 4 en
la lista de singles del Reino Unido, y el puesto número 5 en Irlanda.
Por su parte, el álbum alcanzó el top diez en países como Reino Unido, Irlanda,
y Escocia.
Tiempo después lanzó el tercer sencillo "Want U Back"
—con el rapero Astro en
la versión original y solista en la versión para Estados Unidos—
se posicionó en el número 12 en la lista estadounidense Billboard Hot
100, haciéndose así más famosa internacionalmente. También ha
sacado su cuarto sencillo, "Oath",
con la rapera Becky G. En 2013 saco una versión del single "With Ur
love" cómo solista, para su distribución en Estados Unidos.
En ese mismo periodo Cher, colaboró con el artista Sean Kingston en
"Rum & Raybans", con Demi Lovato en
"Really Don't Care" y junto a Ne-Yo en una canción
promocional de Fruttare llamada "It's All Good".
El 27 de mayo de 2014 lanzó su segundo álbum llamado "Sorry
I'm Late", el 1 de septiembre de 2013 lanzó "I Wish" con el rapero T.I., el cual sirve como
primer sencillo de su próximo segundo álbum. Por otro lado, el 18 de noviembre
de 2013 se casó con Craig Monk, con el que había estado comprometida desde el
2012.
En el 2016 lanzó una cancion titulada " Activated"
que posiblemente este en su tercer disco de estudio.
1995:
Nace Bradley
Simpson, guitarrista y cantante británico, de la banda The Vamps.
The
Vamps es una banda
originaria de Reino Unido,
de género pop, y pop
rock. Está conformada por Bradley Simpson (voz
principal, segunda guitarra y piano), James McVey (guitarra principal y segunda
voz), Connor Ball (bajo, guitarra y segunda voz) y Tristan Evans (batería y
coros).3
2009:
Muere Roberto
Ramírez Garza, actor
mexicano (nacido en 1931).
Roberto Ramírez Garza (Monterrey, Nuevo León; 19 de agosto de 1931 - Ciudad
de México; 28 de julio de 2009) fue un actor y comediante mexicano conocido como "Beto
El Boticario", conocido por su participación en el programa
de televisión "La
carabina de Ambrosio".
Inició su carrera en 1948 y 6 años más tarde recibió
un premio
Ariel como
Mejor Actor Revelación por la película El Buen ladrón, en 1957 perteneció a la llamada Época de Oro del cine mexicano. Murió en un hospital de la ciudad
de México donde
permaneció internado por más de 20 días en terapia intensiva debido a
complicaciones pulmonares el 28 de julio de 2009.
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2013:
Muere Eileen Brennan, actriz estadounidense (nacida en
1932).
Verla Eileen Regina Brennen (Los Ángeles, 3 de septiembre de 1932 - Burbank, 28 de julio de 2013) fue una actriz estadounidense, nominada a los Premios Óscar.
Se destacó en cine, teatro y televisión. Saltó a la fama
gracias a su interpretación de la desagradable capitán Doreen Lewis en la
película La
recluta Benjamín,
por la cual recibió una nominación a los Premios Óscar como mejor actriz de reparto.
Por otro lado en televisión recibió nominaciones al Globo de oro y a premios Emmy al participar en series como Newhart, Treintaytantos y Will y Grace.
2021:
Muere Johnny Ventura ,
Juan de Dios Ventura Soriano (Santo Domingo, 8 de marzo de 1940-Santiago de los Caballeros, 28 de julio de 2021),1 mejor conocido como Johnny Ventura o Caballo Mayor, fue un cantante dominicano de merengue. Fue muy popular en las décadas de 60, 70, y 80 en la República Dominicana y en los países del área del Caribe.
Innovó con sus letras y su pegajoso ritmo acompañado de su grupo El Combo-Show. Era un sonido diferente para la época, pero disfrutaba de la aceptación del público, que empezó a seguirlo. Con su "combo-show" (combo, como una cantidad limitada de personas, y show, por el espectáculo visual y los movimientos que hacían en escena) modernizó el ritmo merengue introduciendo a este saxofones, trompetas, piano, tambores, efectos electrónicos, timbales e incorporando elementos de otros ritmos pero sin perder la esencia y los colores naturales del merengue.[cita requerida]
Biografía[editar]
Nació el 8 de marzo de 1940 en la ciudad de Santo Domingo, República Dominicana y desde muy joven soñó en convertirse en el mejor arquitecto del país sin sospechar que las limitaciones económicas que lo rodeaban, bloquearían su ingreso a la universidad.
Decidió entonces inscribirse en el Instituto Comercial Ercina Chevalier, para hacer un Secretariado Comercial, consistente en mecanografía, taquigrafía, contabilidad y archivo, es decir, una carrera corta que le permitiera luego, insertarse en el mercado laboral y producir dinero para así poder continuar sus estudios universitarios.
En el instituto se realizaban actividades culturales y Ventura, con el fin de agradar a las muchachas del instituto participaba, como cantante, bailarín, declamador y animador. Andrés Araujo y Sergio Jiménez, compañeros de aula, le instaron a participar en los programas de aficionados de la época; mas, como se resistió, lo llevaron engañado a la Voz de la Alegría. Desafiado por ellos, ensayó, cantó y ganó el primer lugar. Esto ocurrió el 2 de junio de 1956.
Luego cursó estudios de canto y música en la escuela de la Voz Dominicana, empresa radiotelevisiva, de cuya escuela de locutores, llamada Héctor J. Díaz, egresó como profesional del micrófono.
Durante su vida artística paseó su arte por diferentes países del mundo, entre ellos, Puerto Rico, Haití, Aruba, Canadá, Jamaica; Venezuela, Curazao, Panamá, Colombia, Perú, Ecuador, Chile, Costa Rica, Guatemala, México, Saint Croix, Saint Marteen, Saint Thomas, Martiniqués, Guadalupe, Vieques, Tórtola, Nassau, Nicaragua, El Salvador, Cuba. En Europa casi todo el continente y en los Estados Unidos por casi todos los estados y ciudades que componen la unión americana.
Formó parte de la orquesta Su Majestad de Rondon Votau, junto a Carmen Severino y Nini Caffaro y luego de varias agrupaciones, entre ellas, La Súper Orquesta San José que conducía el maestro Papa Molina, en los últimos días de 1961, se unió al grupo de Luis Pérez, con quien grabó por primera vez en febrero del 1962. Johnny Ventura fue compositor del 70 % de la música que interpretó y fue el arreglista de, por lo menos, el 80 % de la música que ha grabado.
El Combo Show de Johnny Ventura fue declarado en 9 ocasiones, como el Combo del Año, por la prestigiosa revista norteamericana Record World, cuya área latina era conducida por el destacado periodista cubano Tomas Fondora; Johnny Ventura tuvo más de 4800 placas y reconocimientos otorgados por diferentes entidades públicas y privadas del mundo.
Recibió innumerables reconocimientos de varios gobiernos y alcaldías del mundo, en donde fueron concedidas las llaves de las respectivas ciudades. En algunos países, en donde le cupo la gloria en ser el primer merenguero en llegar, fueron declarados días en su honor.
Su discografía está compuesta por 105 producciones discográficas, siendo el artista dominicano más prolífico en ese sentido, y cuyas grabaciones han sido premiadas con 28 discos de oro, 2 de platino además un Grammy Latino en el 2004 y un Grammy a la Excelencia por su trayectoria en el 2006.[cita requerida]
En la ciudad de Miami, fue el rey de la Calle 8 en 1987; en los carnavales de Barranquilla, Colombia, ganó 4 Congos de Oro y fue el primer artista dominicano en conquistar la codiciada Antorcha de Plata que otorga el clamor popular del público que asiste al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile.
En su país, ganó todos los premios que se otorgan a los artistas y forma parte de exclusivo grupo que han recibido El Soberano, que es el más alto galardón que otorga la Asociación de Cronista de Arte de la República Dominicana. También fue galardonado por la ACE de Nueva York.
Además fue condecorado por el Congreso dominicano, como el merenguero del siglo, a principios de fue también el primer artista dominicano en ser invitado a la toma de posesión de un presidente norteamericano en 1974 cuando ganó Jimmy Carter.
Fue abogado de profesión, graduado summa cum laude de la Universidad de la Tercera Edad, en Santo Domingo. Se mantuvo durante más de 43 años activo en la política de su país llegando a ocupar cargos tales como: diputado, vicealcalde, alcalde y embajador.
Por muchos considerado como El Padre del Merengue Moderno, otros lo llamaban La Alegría del País, El Merenguero del Siglo, La Leyenda Viva del Merengue, La Industria Nacional de La Alegría, El Caballo Mayor, El Señor del Merengue o El Hijo del Pueblo este es nuestro Johnny Ventura.
En 1965, ya con su orquesta, Ventura grabó para el sello Fonograma los LP La Coquetona, La Resbalosa y El turun tun tun.
En 1967 viajó a Estados Unidos, se presentó también en Puerto Rico, Colombia, Curazao. Con los temas La Muerte de Martín y Ah no, yo no sé no, en la voz de Luis Martí, el Combo Show alcanzó su primer disco de oro.
Falleció el 28 de julio de 2021 a las 3:12 de la tarde en la Clínica Unión Médica de Santiago a causa de un infarto.2
Carrera musical[editar]
En los años 60 emprendió su carrera estudiando música y locución fruto de becas que había ganado en diversos concursos musicales; El nombre artístico Johnny Ventura fue adoptado para evitar confusión con Juan de Dios Ventura Simó, piloto antitrujillista que participó en el Movimiento 14 de junio de 1959 en Constanza.
En 1961 estuvo en la agrupación del percusionista Donald Wild.
En 1962 perteneció al Combo Caribe de Luis Pérez con el que grabó “La Agarradera” de Luis Pérez y “Cuidado con el cuabero”, pieza de su propia autoría. Fue en ese mismo año y con el Combo Caribe que grabó su primer LP de 12 canciones.
En 1963 Papa Molina lo integró a la Super Orquesta San José, de la que era director en ese entonces. Se desempeñó como vocalista y güirero. Estuvo al lado de grandes figuras de la música como Vinicio Franco y Grecia Aquino.
El Combo Show[editar]
En 1964, a instancias del empresario cubano Ángel Guinea, Johnny Ventura creó su propia orquesta, parte importante en la historia de la música popular dominicana llamada El Combo Show. A esta orquesta pertenecieron grandes talentos dominicanos incluyendo a Luisito Martí, Fausto Rey, y Anthony Rios.
Vida política[editar]
Ventura militó en el PRD por 45 años y llegó a ser diputado en la década de los años noventa así como síndico (alcalde) de Santo Domingo (con Peggy Cabral como vicesíndica) en el período 1998-2002, impulsadas ambas candidaturas por el Partido Revolucionario Dominicano.
En 2008 la vida política de Ventura dio un giro de 180 grados cuando anunció su apoyo rotundo a la reelección presidencial de Leonel Fernández por el PLD. Esto dio pie a varias declaraciones por parte de los perredeístas quienes quedaron desconcertados con la decisión del merenguero.3En 2020 fue candidato a alcalde en santo domingo por la fuerza del pueblo donde quedó en tercer lugar en dicha contienda.
Vida personal[editar]
Ventura estuvo casado por más de cincuenta años con Nelly Josefina Flores de Ventura, con quien procreó tres de sus ocho hijos de los cuales Juan De Dios Ventura Flores Jandy Ventura & Los Potros y Juan José, tienen su propio proyecto musical Y Ana Yahaira la más pequeña canta en su orquesta y ayuda a su hermano Juan José con el manejo de la oficina Johnny Ventura & Asociados en el cual “El Caballo” ha servido de guía y mentor a sus potros, agrupación de la cual ellos son titulares y que por el cariño y aceptación la gente los está reconociendo como Los Potros del Caballo.
Muchas voces afirmaron que Ventura padecía desde hacia años una rara enfermedad en la sangre, alegadamente leucemia. Rumores que Ventura desmintió e incluso procedió legalmente contra aquellos medios que divulgaban dicha información.4
Ventura fue graduado de Derecho Internacional en la Universidad Dominicana de la Tercera Edad (UTE).5
En 2008 se convirtió al cristianismo en una iglesia en Queens Nueva York El Centro Cristiano El Elyon, pastoreada por Ricardo Reyes. Produjo varios temas dedicado a Dios, uno de esos temas "Te doy las Gracias" que se transmite por Radio Alerta Cristocentrica una estación de radio cristiana en Nueva York.
El 18 de junio de 2010 puso en circulación una reedición del libro de su autoría "Un poco de mí".
El 30 de julio de 2011 Ana Yahira, la más pequeña de las hijas de Johnny Ventura, quien forma parte del coro de su orquesta y es parte de la dirección de la oficina Johnny Ventura y Asociados, contrajo nupcias con el joven presentador y productor de TV Julio Herrera quien produce el programa de televisión Julio En La Calle, en una boda íntima, en la que el presidente de la República Dominicana Leonel Fernández fue el padrino de la boda.
Controversia[editar]
En 2007, Ventura fue acusado por sus músicos de incumplimiento de pago. Situación que llevó varias protestas por parte de los mismos.6
En 2009, Ventura entabló una demanda a un diario digital por difamación. El diario informó que uno de los hijos de Ventura había sido pedido en extradición por los Estados Unidos en noviembre de ese mismo año.7
En enero de 2011, Ventura fue demandado por una supuesta hija que reclamaba su paternidad.8 El 24 de enero, Ventura se realizó una prueba de paternidad debido a una intimación judicial.8 El 4 de febrero los resultados del examen revelaron que la mujer no era hija de Ventura.9
Negocios[editar]
Ventura fue distribuidor y vendedor formal de los productos para cuidado personal, de nutrición y de limpieza Amway, quien recluta personas para la distribución exclusiva de dichos productos en República Dominicana.10 Ya no desarrollaba el negocio de Amway.
Fallecimiento[editar]
Falleció de un infarto al miocardio en la ciudad Santiago de Los caballeros, en la Clínica Unión Médica en la tarde del 28 de julio de 2021.11...
Reconocimientos[editar]
Ganó muchos premios, incluyendo el Gran Soberano y un Grammy Latino, ganado por su trabajo musical de 2004.[cita requerida]
https://www.youtube.com/watch?v=KPYrRZ2g5vs
2024:
Muere
Juan Bautista Madera Castro (Sincé, 7 de mayo de 1922-Sincelejo, 28 de julio de 2024)1 fue un compositor y clarinetista colombiano, creador de la afamada canción de cumbia La Pollera Colorá.
Hijo de Eusebio Castro Montes y de Carmen Madera Martínez, Juan Madera Castro nació el 7 de mayo de 1922 en Sincé, Colombia. Cursó sus estudios primarios en el colegio San José de Pedro Espinosa, y forjó sus bases como clarinetista en el Gimnasio Santo Tomás de Aquino de Sincé. Su destacada habilidad en la ejecución del clarinete lo llevó a formar parte de "8 de Septiembre", la banda del pueblo.2
A los 22 años comenzó su labor como compositor. Tiempo más tarde, a los 28 años, se integró a la orquesta de Juan De La Cruz Piña, generándose con éste una estrecha amistad que lo llevó a ser el padrino de su hijo Juan Piña, quien se convertiría en un destacado músico. Su primera melodía se tituló Eligio Arroyo, que años más tarde grabarían los hermanos Juan y Carlos Piña con el título de El Abarcón.23
En 1960, mientras integraba la orquesta de Pedro Salcedo, compuso de manera instrumental La Pollera Colorá, melodía que se convertiría en un notable éxito dentro y fuera de Colombia. La canción fue grabada en 1962 por la orquesta de Salcedo, con letra de Wilson Choperena.4 La composición trajo aparejado además un diferendo legal respecto a la autoría de la letra, determinándose que la misma pertenecía a Choperena y registrándose a su nombre. A pesar de ello, en el acervo popular la canción siempre ha estado vinculada a Madera.3
Contrajo matrimonio con Amparo Isabel Manjarrez Navarro, fruto de esa relación nacieron sus once hijos.2
El 28 de julio de 2024, tras sufrir una falla cardíaca, falleció a los 102 años en la clínica Salud Social de Sincelejo.156
En 2007, al cumplir sus 80 años, fue declarado hijo adoptivo de Barrancabermeja. En 2018, el Fondo Mixto de Cultura de Sucre lo declaró «Patrimonio Cultural de Sucre».2
En 2021 le fue otorgada la «Medalla al Mérito Cultural» de parte del Ministerio de Cultura en reconocimiento a su destacada contribución.5 El mismo año, la Sociedad de Autores y Compositores de Colombia (SAYCO) le hizo entrega de la «Lira de Oro», galardón que la entidad otorga a sus maestros compositores.7
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