El 12 de agosto es el 224.º (ducentésimo vigesimocuarto) día del año en el calendario gregoriano y el 225.º en los años bisiestos. Quedan 141 días para finalizar el año.
Podcast 2019
Santoral de la Iglesia Católica:
Santa Juana Francisca de Chantal
Juana Francisca Frémyot baronesa de Chantal (Dijón, 23 de
enero de 1572 - Moulins, 13
de diciembre de 1641) fue una santa religiosa y mística francesa, cofundadora de
la Orden de la Visitación de Nuestra Señora.
También es conocida simplemente como Santa Juana de Chantal o Madame
de Chantal.
Vida familiar
Nacida en una familia católica ferviente de la aristocracia
francesa, hija de Benigno Frémyot y de Margarita de Barbissy. Su
madre muere cuando ella contaba con 18 meses, quedando bajo la tutela de su
padre y su abuelo materno y educada por su hermana mayor. La reciedumbre y la
militancia de su padre en el bando católico, durante las Guerras de Religión, es la mayor influencia de
su niñez: recibe una formación muy completa y desde su infancia se destaca por
su vida piadosa. En 1593 contrae matrimonio con el barón de Chantal, Christopher II, a quien
da, durante los siete años siguientes, seis hijos, aunque dos de ellos murieron
durante la infancia. Forma una familia armoniosa, en la que se viven los
ideales católicos; a pesar de las separaciones por la participación del barón
en las Guerras de Religión. Pero, en 1601, el barón de
Chantal es herido durante una cacería por el señor D'Aulézy, y, tras nueve días
de sufrimiento en manos de un mal médico, muere, dejando viuda a Juana, quien
se traslada a pasar el año del luto en Dijón, a casa de su padre. Pero su
suegro le exige que se traslade con sus hijos al castillo de Monthelon perteneciente a la Baronía
de Chantal, cerca de Autun. El viejo Señor la somete a continuas vejaciones, pero la
joven viuda siempre le estuvo sometida, mostrándole agradecimiento y llenando
su castillo de alegría familiar.
Su encuentro con Francisco de Sales.
Durante la cuaresma de 1604 viaja
a Dijón junto
a su suegro a visitar a su padre, y allí escucha la prédica de Francisco de Sales, obispo de Ginebra,
quien cena frecuentemente en casa de Benigno Frémyot y ahí se gana, poco a
poco, su confianza. El obispo se siente profundamente impresionado por la
piedad de Juana. Desde ese momento, Francisco de Sales se convierte en su
director espiritual, y, por su consejo, Juana modera sus devociones y actos
piadosos para poder cumplir con sus obligaciones como madre, hija y nuera. Esta
es la base de la espiritualidad salesiana, y su plasmación más perfecta está en
la vida de Madame de Chantal, de quien se dice que era «capaz de orar todo el
día sin molestar a nadie». Además, atiende a enfermos pobres y se modera mucho
en mortificaciones corporales: san Francisco de Sales no permite a su dirigida
que olvide que está en el mundo, que tiene un padre anciano y, sobre todo, que
es madre; con frecuencia le habla de la educación de sus hijos y modera su
tendencia a ser demasiado estricta con ellos.
La fundación de la Orden de la Visitación[editar]
Madame de Chantal tiene desde joven una especial querencia
por la vida contemplativa, así que, cuando, en 1607, san Francisco de
Sales le expone su proyecto de fundar una nueva congregación, Juana lo acoge
con gran alegría, dividiendo su corazón, ya que tiene una intensa vida
familiar. El obispo le recuerda que sus hijos ya no eran niños y que desde el
claustro podría velar por ellos. Juana Francisca casa a su hija mayor con el
barón de Thorens, hermano de san Francisco de Sales, y se lleva consigo al
convento a sus dos hijas menores; la primera muere al poco tiempo y la segunda
se casa más tarde con el señor de Toulonjon. Celso Benigno, el hijo mayor,
quedó al cuidado de su abuelo paterno y de varios tutores. El primer convento
de la Orden de la Visitación de Nuestra Señora es inaugurado en 1610 en Annecy (Saboya). Junto a
Juana Francisca están dos damas, María Favre y Carlota de Bréchard, y una
sirvienta llamada Ana Coste, y en ese mismo año crecen
en número hasta la docena de religiosas. El primitivo carisma de
la nueva orden es una gran novedad: debía servir de refugio a quienes no podían
ingresar en otras congregaciones y las religiosas no debían vivir en clausura para poder
consagrarse de la nueva familia religiosa debía ser el de visitar y asistir a
los enfermos pobres en su domicilio, uniendo la vida activa a la vida
contemplativa. La oposición del arzobispo de Lyon, al cabo de algunos años,
obligó a los dos fundadores a aceptar la clausura para las religiosas y Juana y
Francisco redactan (1618) la regla de la orden, basada en la de San Agustín, con unas constituciones muy
novedosas que convierten a la humildad y
a la mansedumbre en la base de su observancia: «En la
práctica, la humildad es la fuente de todas las otras virtudes; no pongáis
límites a la humildad y haced de ella el principio de todas vuestras acciones,
y mantiene el nombre de Congregación de la Visitación de Nuestra Señora.
Las Constituciones son aprobadas por la Santa Sede en 1626.
La espiritualidad de la Visitación
Se convierte en la primera superiora, y para la atención de
su vida interior y de sus hermanas, Francisco de Sales compone el Tratado del amor de Dios:
un método de oración simple y natural, compatible con
cualquier circunstancia personal basado en la correspondencia espiritual entre
los dos santos y en las experiencias místicas de
Juana. Pero la vida conventual de la nueva superiora es muy ajetreada: deja
frecuentemente Annecy,
tanto para fundar nuevos conventos en Lyon, Moulins, Grénoble y Bourges, como
para cumplir con sus obligaciones de familia. En 1619 funda el
monasterio de París, donde reside los tres años siguientes. Allí se somete a
la dirección espiritual de san Vicente de Paúl y conoce Angélica Arnauld, abadesa
de Port-Royal, quien renuncia
a su cargo e ingresa en la Congregación de la Visitación.
Últimos años
En 1622 muere Francisco de Sales y es sepultado en el convento
de la Visitación de Annecy; y en 1627, su hijo Celso
Benigno perece en el campo
de batalla y deja viuda y una hija de un año, que con el tiempo sería
la célebre Madame de Sévigné. A partir de este momento, toma
como director espiritual a san Vicente de Paúl. En 1628 se desata
una epidemia que azota Francia, Saboya y Piamonte.
Juana no abandona su monasterio de Annecy y pone a disposición del pueblo todos
los recursos de su convento, participando la comunidad en la atención de los
enfermos. Ella misma es contagiada, pero cura milagrosamente. A estas
desgracias se añade la sequedad espiritual que sufre, pero no abandona sus
trabajos. Entre 1635 y 1636 visita todos
los conventos de la Visitación, que eran ya sesenta. En 1641 se traslada
para ver a Madame de Montmorency y
la reina Ana de Austria en París.
Durante el viaje de vuelta a Annecy cae enferma de pulmonía y
fallece en el convento de Moulins el 13
de diciembre de 1641. Su cuerpo es trasladado a Annecy y sepultado cerca del de
san Francisco de Sales. A su muerte la orden que fundara, cuenta con ochenta y
seis conventos.
Es beatificada por Benedicto
XIV en 1751 y
canonizada por Clemente XIII en 1767. Su fiesta se
celebra el 12 de agosto.Su fiesta se celebraba hasta 1962 el 21
de agosto, después hasta 2001 fue el 12 de diciembre, que fue cambiado para no
coincidir con la virgen de Guadalupe, patrona de América.
************
1689:
Muere Inocencio XI, papa católico italiano.
Inocencio XI (Como, 16 de mayo de 1611-Roma, 12 de agosto de 1689) fue el papa n.º 240 de
la Iglesia católica entre 1676 y 1689.
Índice
·
3Papado
·
4Muerte
Orígenes
y formación[editar]
Nacido Benedetto
Giulio Odescalchi, era hijo de Livio Odescalchi, patricio de
la ciudad de Como y de su esposa Paola Castelli, una familia de comerciantes
de Bérgamo.
Su padre murió pronto, pero tres tíos y un hermano suyo fundaron una
floreciente banca en Génova que contaba con sucursales en Milán, Venecia,
Roma, Nápoles, Núremberg y Cracovia. Este negocio dio una gran prosperidad a la
familia. Otro hermano suyo, Giulio Maria Odescalchi, fue monje benedictino y más tarde obispo de Novara (1656-1667).
Hizo sus primeros
estudios con los jesuitas de Como. A los quince años
realizó el aprendizaje de la profesión de banquero en la sede de la banca
familiar en la ciudad de Génova. Estudió en la universidad La Sapienza de
Roma y en la de Universidad de Nápoles, doctorándose en esta última en derecho
civil y derecho canónico (1639).
1866:
Jacinto Benavente y Martínez (Madrid, 12 de
agosto de 1866-ibídem, 14 de
julio de 1954)
fue un dramaturgo, director, guionista y productor
de cine español, Premio Nobel de Literatura en 1922.
(Jacinto Benavente Martínez; Madrid, 1866 - 1954) Dramaturgo
español cuyos comienzos en El nido ajeno (1894) permitieron
vislumbrar una profunda renovación del teatro en castellano. No obstante, la
situación de la escena española le aconsejó inclinarse por obras de gran éxito
en lugar de comprometerse con una producción exigente, pero minoritaria e
incomprendida.
El valor de su extenso trabajo radica en la introducción de
referentes europeos y modernos en el teatro español. Benavente, quien conocía
muy bien la producción escénica que se desarrollaba más allá de los Pirineos,
entre autores tales como G. DAnnunzio, O. Wilde, M. Maeterlinck, H. Ibsen y B.
Shaw, supo incorporar con acierto influencias que resaltaron notablemente
muchas de las cualidades de su teatro, tales como la variedad y perfección de
los recursos que introdujo en la escena, una gracia inteligente que recorre la
sátira social que despliega, y unos diálogos vivos, chispeantes, muy dinámicos.
Sin embargo, la preeminencia de los aspectos escénicos sobre
lo dramático puro, así como un espíritu burlón y frívolo, le restan profundidad
y alcance a muchas de sus piezas, convirtiéndolas en brillantes fuegos
artificiales. Esa tendencia se puso de manifiesto en su segunda obra, Gente
conocida (1896), así como en las que le sucedieron: La comida de las
fieras (1898) y La noche del sábado (1903). En ellas puede
comprobarse cómo el autor amortigua de forma significativa el tono de su
crítica, centrada en las clases aristocráticas y acomodadas de la sociedad,
para sustituirla por una reprobación simpática, amable, casi paternal, que no
por casualidad obtuvo los favores del público.
Culminación de esta corriente de su trabajo sería la que está
considerada su obra más representativa y lograda: Los intereses creados (1907).
En ella presenta una afilada sátira del mundo de los negocios; particularmente
atractiva, desde un punto de vista técnico, por la sabia combinación de
elementos procedentes de la commedia dellarte con otros que brotan
del teatro clásico español. Esta pieza continuó en otra, menos conseguida, y
que a juicio de muchos críticos fracasó: La ciudad alegre y confiada (1916).
El punto de vista que adopta Benavente en esta franja de su producción es el de
un escéptico que desconfía profundamente de la naturaleza humana y de la
sociedad en la que aquélla se manifiesta con frívola hipocresía cuando no
simple crueldad.
Otra vertiente cultivada por el autor fue la del drama rural,
en obras que, como Señora Ama (1908) o La malquerida (1913),
contrastan frontalmente con el grueso de su producción. Esta faceta de su
trabajo proyecta tal intensidad trágica que sus trazos sombríos parecen hablar
de otro hombre, rastro de un primer Benavente que, tal vez, pretendía
un teatro más en consonancia con los valores de la Generación del 98. Son
dramas de grandes pasiones que se desarrollan en un medio aldeano asfixiante y
brutal, primario, y en los que palpita un clima de carácter naturalista.
Pero Benavente, cuya obra mantiene evidentes puntos de
contacto con el modernismo y con la Generación del 98, no pertenece a ninguno
de los dos movimientos. No posee la gravedad de M. de Unamuno, P. Baroja,
Azorín o R. de Maeztu; ni tampoco las cualidades necesarias para acercarse al
exquisito mundo poético de los discípulos de R. Darío. Le sobró ironía; le
faltó quietud y aliento poéticos. Fue un eminente continuador de la mejor
comedia del siglo XIX, de la cual elimina todo vestigio romántico para
enriquecerla con su espíritu culto e inteligente, y sus formidables recursos
técnicos.
En la última etapa de su vida literaria, dominada en algunos
aspectos por su familiaridad con el modernismo, escribió algunas obras de
teatro infantil, cuyo tono poético y fina ironía cristalizan en piezas tan
encantadoras como El príncipe que todo lo aprendió en los libros o La
novia de nieve (1934). Otro título importante de su producción durante
este período es Pepa Doncel (1928). En 1922 obtuvo el premio Nobel de
Literatura. Tal concesión ha estado siempre rodeada de polémica, pues para
algunos críticos, la de Benavente no deja de ser una obra menor comparada con
la que dejó el modernismo o la Generación del 98.
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1877:
En Estados Unidos: el astrónomo estadounidense Asaph Hall descubre Fobos y Deimos, las dos lunas de Marte.
Asaph Hall (Goshen, Connecticut;15 de octubre de 1829-Annapolis, Maryland; 22 de noviembre de 1907), fue un astrónomo estadounidense.1 Descubridor en 1877 de las dos lunas de Marte —Fobos y Deimos—,234 determinó las órbitas de numerosos satélites, el movimiento de una serie de estrellas binarias, la rotación de Saturno y la masa de Marte y de otros planetas.
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1881:
Nace Cecil B. DeMille, cineasta estadounidense.
Cecil Blount DeMille (Ashfield, Massachusetts, 12
de agosto de 1881 – Hollywood, California, 21
de enero de 1959) fue un productor y director
de cine estadounidense conocido por sus películas extravagantes
y espectaculares, muchas de las cuales fueron éxitos en la taquilla.
Sus películas más populares son El rey de reyes, Los diez mandamientos, Cleopatra, Sansón y Dalila, El mayor espectáculo
del mundo (por la cual ganó el premio Óscar a la mejor
película) y la segunda versión de Los diez mandamientos,
la séptima película más taquillera de todos los tiempos y la primera de la
lista que se basa en la Biblia.
Nació en Ashfield, Massachusetts.
Sus padres, Henry Churchill DeMille (1853–1893), episcopaliano, y Matilda
Beatrice Samuel (1853–1923), judía de
ascendencia alemana, se dedicaban a escribir obras de teatro. Henry murió
cuando Cecil tenía 12 años y su madre comenzó a mantener el hogar, tras abrir
un colegio para señoritas y una compañía de teatro.
Demasiado joven para enrolarse en el ejército y participar en
la guerra de Estados Unidos contra
España, siguió a su hermano William a Nueva York, para estudiar en
la Academia de Artes Dramáticas, e hizo su debut teatral en 1900.
Fue durante veinte años actor y mánager de
la compañía de su madre. En 1914, decide fundar la productora Players Lasky, junto a Jesse
L. Lasky y Samuel
Goldwyn. Esta productora produjo,"El Mestizo", el primer
largometraje de Hollywood. Al año siguiente, produjeron The Squaw Man.
Produjo y dirigió setenta películas y estuvo muy ligado a muchas más.
La mayoría de sus películas son comedias con dejes sexuales,
ya que siempre sostuvo que los norteamericanos eran curiosos sólo con el sexo y
el dinero. También mostró interés por la historia, produciendo películas
como Cleopatra (película de 1934) o Los diez mandamientos
(película de 1956).
Tuvo una hija biológica, Cecilia DeMille, y tres hijos
adoptivos, Katherine,
John y Richard. Katherine fue actriz y se casó con el actor Anthony
Quinn —en contra de sus deseos—, a quien nunca prestó ningún
apoyo.
También es muy conocido por sus producciones de filmes épicos
y bíblicos, como Rey de reyes (King of Kings) o Los diez
mandamientos (The Ten Commandments) (1923). Fue anticomunista.
**********
1887:
Nace Erwin Schrödinger, físico austríaco, premio nobel
de física en 1933.
Erwin
Rudolf Josef Alexander Schrödinger (en alemán [ˈɛʁviːn ˈʃʁøːdɪŋɐ]; Erdberg, Viena, Imperio
austrohúngaro, 12 de agosto de 1887 – id., 4 de enero de 1961) fue un físico y filósofo austríaco, naturalizado irlandés, que realizó importantes contribuciones en los campos de la mecánica cuántica y la termodinámica.1 Recibió el Premio Nobel de
Física en 1933 por haber desarrollado la ecuación de
Schrödinger, compartido con Paul Dirac.2 Tras mantener una
larga correspondencia con Albert Einstein propuso el experimento mental del gato de Schrödinger que mostraba las paradojas e interrogantes a los que
abocaba la física cuántica.3
1911:
Nace Mario Moreno Cantinflas, actor cómico mexicano
(fallecido en 1993).
Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes (Ciudad de México, 12
de agosto de 1911-Ib., 20
de abril de 1993), conocido como Mario Moreno, y más
como Cantinflas, fue un actor y comediante mexicano,
ganador del Globo de Oro en 1956.
Debido a su gran trayectoria cinematográfica, se constituye como uno de los
comediantes más grandes y recordados de habla hispana y como el más reconocido
comediante mexicano de todos los tiempos. Se dice de Mario Moreno que es el
«Charles Chaplin de México».
Gozó de una enorme popularidad con la interpretación de su
personaje Cantinflas. Salió de los barrios pobres donde se originó el
típico «pelado». El personaje se asoció con parte de la identidad nacional
de México,
sobre todo de las clases bajas, y le permitió a Moreno establecer una larga y
exitosa carrera cinematográfica que incluyó una participación en Hollywood (La
vuelta al mundo en ochenta días).
Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de
«peladito», lo tomó del comediante Manuel
Medel. El humor de Cantinflas tan cargado de aspectos lingüísticos
del habla mexicana, tanto en la
entonación, como en el léxico o la sintaxis, fue tan celebrado por todos los
países hispanohablantes que surgió toda una gama léxica de nuevas palabras: ser
un cantinflas, cantinflear, cantinflada, cantinflesco o cantinflero.
A pesar de que algunas de sus películas fueron dobladas al
inglés y al francés, y que su trabajo fue bien recibido entre el público
de Francia,
los juegos de palabras tan particulares en español resultaban
difíciles de traducir. Su gran éxito lo logró entre el público hispanohablante,
en Hispanoamérica, Guinea
Ecuatorial y España, donde todavía tiene muchos admiradores.
Como pionero del cine
mexicano, Mario Moreno contribuyó a su florecimiento durante
la Época de Oro del Cine
Mexicano. Además de actor y empresario, también llegó a entrar en
la política de
México. Aunque fue conservador, su reputación como portavoz de los
desprotegidos le proporcionó autenticidad y se convirtió en una figura
importante en la lucha contra el charrismo sindical, que es la
práctica del gobierno de un solo partido, para manejar y controlar a los
sindicatos.
El 29 de agosto de 2014 fue estrenada una película en su honor protagonizada
por el actor español Óscar
Jaenada, que se centra en su llegada al cine de Hollywood, a finales
de la década de 1950.
Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes (Cantinflas) fue el sexto
de los catorce hijos del matrimonio formado por el cartero Pedro Moreno
Esquivel y María de la Soledad Reyes Guízar. De los catorce hijos,
sobrevivieron solo ocho al parto: Pedro, José, Catalina, el propio Mario,
Eduardo, Esperanza, Enrique y Roberto. Nació en el barrio mexicano de Santa María la Ribera, pero se
crio en el de Tepito.
Se dedicó a diversos trabajos, fue ayudante de zapatero, para
después "ascender" a bolero (limpiabotas), mandadero, cartero,
taxista, empleado de billar, boxeador y hasta torero. A principios de 1928 se
alistó en el ejército mexicano como
soldado de infantería con estudios de mecanógrafo,
pero el 23 de mayo de ese año su padre envió una carta al ejército en la que
solicitaba la baja de su hijo. El motivo no era otro que la edad de Mario:
tenía 16 años y había mentido, fingiendo que tenía 21.
Se casó con la moscovita Valentina
Ivanova Zuvareff el 27 de octubre de 1934. Tenía 23 años y
permanecieron juntos hasta la muerte de ella, en 1966. Debido a la
imposibilidad de la pareja de tener hijos, en 1962 adoptaron a Mario Arturo
Moreno Ivanova, aunque otros rumores sostienen que era producto de una relación
extramarital del artista con Marion Roberts, madre biológica de Moreno Ivanova.
Su personalidad cómica lo llevó a las carpas de
los circos y de ahí pasó al teatro y al cine. En los escenarios populares
compartió créditos con el socio artístico de sus primeros años, Manuel
Medel Ruiz, con el que además filmó tres películas entre 1937 y
1939.
Moreno fue presidente de la Asociación Nacional de
Actores (ANDA) y fue el primer secretario general del Sindicato
de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC). Tras
retirarse, Mario Moreno dedicó su vida a ayudar a los demás a través de
la caridad y de
organizaciones de beneficencia, sobre todo las de ayuda a la infancia.
Bajo los escenarios, Mario era una persona culta y reservada,
que aplicaba el perfeccionismo en sus
trabajos.
Fallecimiento[editar]
Murió a causa de una metástasis de cáncer de pulmón el 20 de
abril de 1993. Miles de personas se reunieron en un día lluvioso para su
funeral, un evento nacional que duró tres días. Sus cenizas yacen en la cripta
familiar de la familia Moreno Reyes, en el Panteón Español de la Ciudad de
México. Fue homenajeado por muchos jefes de Estado y por el Congreso de los Estados
Unidos, que mantuvo un minuto de silencio por él.
Después de su muerte, comenzó una batalla legal entre su hijo
adoptado,[cita requerida] Mario
Moreno Ivanova, y el sobrino del actor, Eduardo Moreno, sobre el control de 34
películas hechas por Cantinflas. El sobrino sostenía que su tío le había dado
permiso escrito para tomar los derechos de las películas cuando estaba en su
lecho de muerte. Moreno Ivanova argumenta ser el heredero directo de Cantinflas
y por lo tanto los derechos le pertenecen. Eduardo Moreno ganó la demanda en
dos ocasiones, pero finalmente triunfó Moreno Ivanova, luego de dos
apelaciones.
Al mismo tiempo, otra demanda surgió entre Columbia
Pictures y Mario Moreno Ivanova sobre el control de esas
películas. Columbia dijo que compró los derechos de las películas hacía cuatro
décadas, en una corte que notó varios errores en los documentos. Moreno Ivanova
quería que los derechos quedaran en su poder y, más generalmente, en el poder
de México,
como tesoro nacional. El 2 de junio de 2001, luego de ocho años de lucha,
finalmente Columbia se quedó con los derechos de las 34 películas disputadas.
Mario Moreno, "Cantinflas": su última entrevista por televisión
https://www.youtube.com/watch?v=MH0hxwpk-vA
**********
1925:
Nace Guillermo Cano, periodista colombiano (fallecido en 1986).
Guillermo Cano Isaza (Bogotá, Colombia 12
de agosto de 1925 — † Bogotá, 17
de diciembre de 1986) fue un
periodista colombiano. Perteneció a la tercera generación de periodistas de la
familia de Fidel Cano Gutiérrez, fundador
de El Espectador. Se desempeñó
como cronista taurino, deportivo, hípico, cultural y político. Dirigió El
Espectador desde 1952 hasta el día de su muerte. Fue asesinado por sicarios del narcotráfico.
Cano
Isaza fue el guía y el maestro de toda una generación de
periodistas, que recibió de él no sólo la formación profesional, sino los
principios éticos que defendió a lo largo de su vida y el ejercicio de su
carrera como periodista. Hijo de Gabriel
Cano y Luz Isaza, se vinculó directamente a la redacción del
diario El Espectador, como cronista
taurino, deportivo, hípico, cultural y político, recién egresado del Gimnasio
Moderno, en 1942. Fue el fundador del Magazín Dominical, secretario
de dirección, codirector, con Gabriel Cano, y director de El Espectador desde
el 17 de septiembre de 1952. En 1986 recibió el Premio Nacional de
Periodismo CPB en la modalidad de prensa, por su columna dominical "Libreta
de Apuntes", cuya variedad temática iba desde los recuerdos de
personajes de la vida nacional, hasta comentarios críticos acerca de los
problemas del país. Fue aficionado al fútbol e hincha de Independiente Santa Fe.
En 1980 le fue otorgado el Premio Simón Bolívar a la vida y
obra de un periodista. Con motivo del centenario del nacimiento de don Fidel
Cano, fundador de El Espectador, escribió "El
abuelo que no conocí", y para la conmemoración del 90
aniversario de El Espectador, escribió "Posdata a la autobiografía de un
periódico", páginas donde se integran el escritor sensible y el periodista
veterano.
Fue enviado especial a los Juegos Olímpicos de Múnich en
1972, y en notas especiales escribió acerca de lo ocurrido en el "Septiembre Negro", aunque
esto no fue muy relevante
Fue asesinado al salir de la sede del periódico, el
17 de diciembre de 1986. Su crimen fue declarado en 2010 por
la Fiscalia General de la
Nación como delito de lesa humanidad, al
hacer parte de “un plan sistemático y generalizado” que los narcotraficantes
colombianos desarrollaron en aquel momento contra periodistas, líderes y
dirigentes políticos que defendían la extradición; lo que significa que las
investigaciones por este hecho no prescribiran.
Asesinato:
"Así como hay fenómenos que compulsan el desaliento y la desesperanza, no
vacilo un instante en señalar que el talante colombiano será capaz de avanzar
hacia una sociedad más igualitaria, más justa, más honesta y más próspera".
Último editorial firmado por Guillermo Cano., publicado el 17
de diciembre de 1986.
El miércoles 17
de diciembre de 1986 sicarios
a órdenes de "Los Priscos", un grupo de
criminales al servicio del cartel de Medellín, asesinaron
frente a la sede del diario a su director Guillermo Cano Isaza. Los asesinos
esperaron a que el hiciera un giro en U en la Avenida del Espectador, poco después
de las 19:00. Uno de los maleantes se acercó rápidamente a la camioneta
familiar un Subaru
Leone Wagon vino-tinto de placa AG 5000 que conducía Cano y le
disparó en ocho ocasiones al pecho con una ametralladora.
Cano tenía 61 años al momento de su fallecimiento, 44
de los cuales había dedicado al periodismo en El Espectador.
Hasta el día de hoy se considera que su asesinato sigue en la impunidad.
En un fallo de octubre de 1995, nueve años después del
asesinato, María Ofelia Saldarriaga, Pablo Enrique Zamora, Carlos Martínez
Hernández y Luis Carlos Molina Yepes fueron encontrados culpables de
conspiración para cometer el crimen y sentenciados a 16 años y 8 meses de
cárcel. Sin embargo, en otra sentencia del 30 de julio de 1996, el Tribunal
Superior de Bogotá revocó el fallo, absolviéndolos a todos de cargos en el
crimen, a excepción de Molina Yepes, que fue el único condenado y quien había
sido recién capturado el 18 de febrero de 1997. Con anterioridad habían sido
considerados autores intelectuales Pablo
Escobar, Evaristo Porras, Gonzalo Rodríguez Gacha y
el mismo Molina Yepes, todos ellos capos del Cartel de Medellín.
Según un informe aparecido en diciembre de 2007 en El
Espectador, después de la muerte de Pablo
Escobar, en 1993, algunos de los sicarios que trabajaron para él,
como John Jairo Velásquez Vásquez, alias Popeye, revelaron detalles de la
participación de la organización del capo en este delito. Durante las
investigaciones fueron asesinadas 12 personas incluyendo a un magistrado, una
juez y el abogado de la parte civil. La única persona que ha respondido
judicialmente por el crimen es Luis Carlos Molina Yepes, quien pagó a los
sicarios que asesinaron a Cano. Molina Yepes aparece dentro de la investigación
vinculado a Carlos Alberto Gaviria Vélez, hermano de José Obdulio Gaviria, quien
fue asesor presidencial de Álvaro Uribe Vélez y
primo del extinto capo Pablo Escobar. Molina Yepes purgó solamente seis años de
cárcel. Estas revelaciones provocaron la renuncia del embajador en Londres y
ex ministro Carlos Medellín,
quien está casado con una de las hijas de Cano.
Décadas más tarde alias Popeye, quien era pagador de los
dineros a Los Priscos, y coordinador de sus actividades tras la muerte de
Pinina, contó que el operativo en contra de Cano Isaza lo llevó a cabo
personalmente Jorge Pabón alias El Negro Pabón, jefe máximo del sicariato en
Bogotá para Pablo Escobar, y que fue un operativo particularmente fácil. El
esclarecimiento se hizo en el marco de la falsa vinculación a un ciudadano de
apellido Tobón, quienes otras autoridades ejecutivas y judiciales señalaban de haber
sido el autor material de acuerdo a investigaciones adelantadas. alias Popeye
presentó una fotografía en la que aparece departiendo con alias El Negro Pabón
y alias El Arete, y que fue Pabón quien realizó el homicidio debido a que era
el hombre de más alto rango que Escobar tenía y su furia en contra del director
del periódico El Espectador así lo ameritaba. Lo peor de todo es que la Policía
finalmente si identificó que quien había perpetrado el crimen era un Tal Jorge
Tobón o Pabón y por ello procedió injustamente a incriminar a un ciudadano de
apellido Tobón que nada tenía que ver y que sólo tenía un apellido parecido a
quien se estaba buscando. Pabón era el asesino personal de Escobar y por quien
se inició la guerra en contra del así llamado Cartel de Cali. Posteriormente
alias otto y alias popeye confirmaron que el autor material del hecho era Jorge
Elí Pabón y no el ciudadano Jorge Argiro Tobón quien después de un año de
injustos señalamientos10
Homenajes póstumos[editar]
Véanse también: Premio
Mundial de la Libertad de Prensa UNESCO/Guillermo Cano y Día Mundial de la
Libertad de Prensa.
Un día después del asesinato de su director, El
Espectador tituló en primera plana Seguimos
adelante, que se convertiría en la constante durante todos los años
siguientes.
En su honor, la Unesco instituyó
el Premio
Mundial a la Libertad de Expresión Guillermo Cano, por:
En español: su largo compromiso con la diversidad de
opinión y las circunstancias de su muerte - el había pedido que se aprobaran
medidas contra los traficantes de drogas - simbolizan el precio pagado por los
periodistas de todo el mundo con respecto a la violencia.
Original: His career-long commitment to diversity of opinion and the circumstances of his death - he had called for firm measures to be applied against drug traffickers - symbolise the price paid by journalists throughout the world to violence.
Original: His career-long commitment to diversity of opinion and the circumstances of his death - he had called for firm measures to be applied against drug traffickers - symbolise the price paid by journalists throughout the world to violence.
Con
la muerte de Guillermo Cano, en un hecho sin precedentes los
diarios El País, de Cali; El
Colombiano, de Medellín; El Heraldo, de Barranquilla;
y El Tiempo y El
Espectador, de Bogotá, entre otros, ofrecieron sus unidades de
investigación periodística para conformar un equipo de trabajo que
conjuntamente denunciara a quienes estaban detrás del negocio de las drogas, la
cual se denominó El Frente Unido. Desde dichos medios se realizaron
informes conjuntos para denunciar los actos de terrorismo y la mafia del narcotráfico que
había infiltrado los estamentos políticos. A pesar de la fuerza con que empezó,
en 1988, se desmoronó la alianza tras las reiteradas amenazas a miembros de la
misma.
Ese mismo día, Ana María Busquets de Cano,
viuda de Guillermo Cano, y los miembros de la junta directiva del Círculo de
Periodistas de Bogotá, con la compañía de comunicadores, sindicalistas,
estudiantes, empresarios y empleados, convocaron la marcha del silencio,
para exigir libertad de prensa y de expresión en Colombia.
Así se describe este hecho:
"Desde los primeros minutos de la muerte de Cano, Yamid
Amat, quien dirigía el sistema de noticias de Caracol Radio; Juan
Gossaín, de RCN, y Jaime Zamora Marín, director de la desaparecida
cadena Sutatenza, lideraron la “cadena de la solidaridad”: una transmisión
conjunta sobre las repercusiones del magnicidio. Las estaciones radiales se
enlazaron y a las 11:00 de la noche del jueves 18 de diciembre, una hora antes
del inicio de la Jornada del Silencio, RCN, Caracol, Todelar, Grupo Radial
Colombiano, Súper, Sutatenza y Melodía, emitieron en conjunto un programa
especial, que se abrió con el Himno Nacional de Colombia. Surgió, sin que nadie
lo hubiese previsto, un bloque de medios en el que el gremio periodístico
actuaba unido. La estatal Inravisión,
hoy extinta, a través de uno de sus canales se unió a la iniciativa y presentó
una entrevista que Cecilia Orozco hizo a Guillermo Cano 24 horas antes de su
asesinato. “Uno sabe cuándo sale de la casa, pero no sabe cuándo llegará”,
había dicho el director de El Espectador. Amat y Gossaín hicieron una
remembranza de la vida y obra de Guillermo Cano. Cinco minutos antes de la
media noche del viernes 19 de diciembre, las cadenas despidieron su
programación y la última frase que se escuchó fue: “La patria que buscamos es
una patria buena”.
En Directo. Unisabana. Tatiana Guerrero Suárez, Sub editora
En Directo
Méritos recibidos
En 1987, como homenaje póstumo recibió el Premio Maria Moors Cabot a
la contribución del periodismo interamericano.
Recibió el Premio Nacional de Periodismo de Colombia, en
1986, por
sus artículos contra el narcotráfico y en apoyo al tratado de
extradición.
Recibió en homenaje póstumo la medalla “Rodrigo Lara Bonilla”
Categoría Oro por su decidida contribución al desarrollo regional y
el International Press Service de Naciones Unidas.
Ganó además el Premio Postobón de Periodismo Deportivo, en
1988, por sus crónicas en El Espectador y la medalla de la Cruz Roja Internacional.
Fundación Guillermo Cano
El 17 de diciembre de 1996, al conmemorarse el décimo
aniversario del asesinato del periodista, sus
descendientes crearon una fundación sin ánimo de lucro que
lleva su nombre, con el objeto de "trabajar en la defensa y la
promoción de la libertad de prensa en el mundo así como en la mejora de la
calidad del periodismo".
La fundación, con sede en Bogotá, se propone lo siguiente:
Continuar la tarea truncada con el asesinato de Guillermo
Cano Isaza y hacer que su obra, comprometida con la paz y la libertad de
expresión, se propague por el mundo.
Fomentar y divulgar trabajos que propicien la manera de
entender el periodismo que fue propia de Guillermo Cano Isaza durante su
ejercicio profesional. Así mismo, establecer reconocimientos en este sentido.
Apoyar a los periodistas que se vean amenazados en el
ejercicio de su profesión y por sus acciones en defensa de la libertad de
expresión, así como a sus familias.
Crear líneas de investigación y publicaciones especializadas
en el área de la comunicación, específicamente del periodismo.
La fundación fue un pilar fundamental en la consecución de la
Resolución 29, "Condena a la violencia contra los periodistas",
aprobada por la Asamblea General de Naciones Unidas.
*************
1931:
Muere William Goldman, escritor estadounidense.
William Goldman (Highland Park, 12
de agosto de 1931) es un escritor, articulista, novelista y guionista conocido
principalmente por su novela más famosa, La
Princesa Prometida.
Su primera novela, The Temple of Gold, se publicó
en 1957.
William Goldman ha escrito con dos pseudónimos: Harry Longbaugh (con el que
firmó No Way To Treat a Lady) y Simon Morguestern (La Princesa Prometida y The
Silent Gondoliers). Su novela más importante, La Princesa Prometida, fue
llevada al cine por Rob Reiner.
William Goldman en el cine
Su primer guion fue Agentes dobles a principios de
la década de los cincuenta. Su primer éxito le llegó con Harper,
investigador privado(1965).
Después volcó todo su talento “en una de las dos grandes historias que me
he encontrado en mi vida”: las aventuras de dos ladrones míticos, Butch
Cassidy y Sundace
Kid, en Dos hombres y un destino,
guion por el cual llegó a cobrar 400.000 dólares, además de reportarle su
primer premio Óscar.
Durante la década de los setenta enlaza un éxito tras
otro: El carnaval de las águilas, Todos los hombres del
presidente (su segundo Óscar), Maratón man, Un
puente lejano y Magic. De repente, en 1980, su
teléfono deja de sonar, y decide pasarse a la novela y a los libros de cine.
Cuando un lustro después vuelve a coger una racha, lo primero que hace es
adaptar una de sus propias novelas, la excepcional La princesa prometida.
Durante la década de los noventa enlaza Misery (adaptación de una
novela de Stephen King), Memorias
de un hombre invisible, El año del cometa, Chaplin y Maverick, además de
convertirse en un famoso doctor de guiones, es decir, un escritor al que los
estudios contratan para mejorar libretos que necesitan unos retoques. En 1995 escribe
la historia real de dos leones devoradores de hombres en África, la que según
Goldman es su segunda gran historia.
Después vinieron Cámara de gas, Poder absoluto, Criaturas
feroces, además de meter mano en obras como El último héroe de acción, Bajo
sospecha y El indomable Will Hunting (nunca
ha quedado claro cuánto de este guion es suyo y cuánto de Ben
Affleck y Matt
Damon). Los últimos guiones de Goldman han sido La hija del
general, Corazón en Atlantis y Dreamcatcher (también una
adaptación de una novela de King). Sus
últimas obras son "Aventuras de un guionista en Hollywood" y
"Nuevas aventuras de un guionista en Hollywood". En parte
autobiográficas, en parte un método de transmitir los conocimientos adquiridos
durante su larga trayectoria como autor de guiones. El guionista sigue con su
ritmo habitual de vida: vive en Manhattan y
todas las mañanas camina hasta su oficina para escribir durante dos horas,
termina a las cinco y a continuación va al cine. Para la historia, Goldman ha
dejado la cita que mejor define Hollywood: Nadie sabe nada.
**********
1948:
Muere Harry Brearley, inventor británico.
Harry Brearley (*18
de febrero de 1871 – † 12
de agosto de 1948) es un metalúrgico inglés conocido
como el inventor del "rustless steel" (denominado más tarde
como acero inoxidable "stainless
steel"). Nació en Sheffield, Inglaterra.
Brearley nació el 18 de febrero 1871 en Sheffield,
Inglaterra, el hijo de John Brearley, un obrero metalúrgico, y su esposa, Jane
Superior. Dejó la escuela Woodside a la edad de doce años para entrar en su
primer trabajo como obrero en las acerías de su padre, después conseguir el
puesto de ayudante general en el laboratorio químico de la empresa. Se casó con
Helen Theresa Crank el 23 de octubre 1895 - Desde hace varios años, además de
su trabajo en el laboratorio, estudió en casa y más tarde en las clases
formales de noche, para especializarse en las técnicas de producción de acero y
métodos de análisis químicos correspondientes. Por más de treinta años,
Brearley se había ganado la reputación de ser un profesional con experiencia y
por ser muy astuto en la resolución de problemas metalúrgicos, prácticas
industriales. Fue en 1908, cuando dos de las empresas siderúrgicas principales
de Sheffield innovadora acordaron financiar conjuntamente un laboratorio de
investigación común que Harry Brearley se le pidió para dirigir el proyecto.
Brearley murió el 14 de julio de 1948, en Torquay, una ciudad costera en Devon,
suroeste de Inglaterra. Fue incinerado en el crematorio Efford, Efford, cerca
de Plymouth el 16 de julio 1948 y sus cenizas fueron esparcidas en el Efford
Crematorio Garden of Remembrance. En 2013, en la Universidad de Sheffield
Varsity Brewing Desafío, Universidad Sheffield llamó la cerveza - elaborada por
Thornbridge - Brearleys, para conmemorar los 100 años desde que Harry Brearley
inventó el acero inoxidable. Desarrollo de acero inoxidable
En los difíciles años inmediatamente anteriores a la Primera
Guerra Mundial, la fabricación de armas se incrementó significativamente en el
Reino Unido, pero se encontró con problemas prácticos debido a la erosión de
las superficies internas de los cañones. Brearley comenzó a investigar nuevos
aceros que mejor resistió la erosión causada por las altas temperaturas. Empezó
a examinar la adición de cromo al acero, que era conocido para elevar el punto
de fusión de los materiales, en comparación con los aceros al carbono estándar.
La investigación se centró en la cuantificación de los efectos de la variación
de los niveles de carbono y cromo. Para llevar a cabo metalográfico para
estudiar la microestructura de las aleaciones experimentales fue necesario
pulir y grabar las muestras metálicas producidas. Para un acero al carbono, una
solución diluida de ácido nítrico en el alcohol es suficiente para producir el
ataque químico requerido, pero Brearley encontró que los nuevos aceros al cromo
eran muy resistentes al ataque químico. Probablemente fue Harry Brearleys
crianza en Sheffield, una ciudad famosa por la fabricación de cubiertos desde
el siglo 16, lo que le llevó a apreciar el potencial de estos nuevos aceros
para aplicaciones no sólo en el servicio de alta temperatura, como se preveía
en un principio, sino también en la producción en masa de las aplicaciones
relacionadas con la alimentación, tales como cubiertos, batería de cocina y
equipo de procesamiento, etc Hasta ese momento, los cuchillos de acero al
carbono no son propensos a la falta de higiene oxidación si no eran con
frecuencia pulido y sólo es caro plata de ley o EPNS cubertería era
generalmente disponibles para evitar este tipo de problemas. Con esto en mente
Brearley extendió sus exámenes para incluir pruebas con alimentos ácidos como
el vinagre y el jugo de limón, con resultados muy prometedores. Brearley
inicialmente llamó la nueva aleación de "acero inoxidable", el más
eufónico "acero inoxidable" fue sugerido por Ernest Stuart de RF
Mosley, un fabricante de cuchillería local en obras de Portland, y finalmente
prevaleció, aunque Mosley ha utilizado la marca 'Rusnorstain' durante muchos
años. Se ha informado de que la primera verdad de acero inoxidable, una 0.24wt%
C, 12.8wt% Cr aleación ferrosa, fue producido por Brearley en un horno
eléctrico el 13 de agosto 1913 - Posteriormente, fue galardonado con el hierro
y Bessemer Medalla de Oro del Instituto del Acero en 1920 . La Sociedad
Americana de Metales da la fecha de creación de fundición número 1008 como 20
de agosto 1913 de Brearley - Prácticamente todos los proyectos de investigación
en el desarrollo de los aceros inoxidables se vieron interrumpidos por la
guerra de 1914-1918, pero los esfuerzos fueron renovados en 1920. Brearley
había dejado el Firth Laboratorios Brown en 1915, a raíz de desacuerdos con
respecto a los derechos de patente, pero la investigación continúa bajo la
dirección de su sucesor, el Dr. WH Hatfield. Es Hatfield que se acredita con el
desarrollo, en 1924, de un acero inoxidable que incluso hoy en día es,
probablemente, la aleación más amplia-utilizado de este tipo, el llamado
"18/8", que además de cromo, níquel incluye en su composición.
Después de salir de Brown Firth, Brearley unió Steel Works de Brown Bayley,
también en Sheffield, se convirtió en director de la firma en 1925.
**********
1949:
Nace Mark Knopfler, músico británico, de la banda Dire
Straits.
Mark Freuder Knopfler, OBE (Glasgow, Escocia, 12 de
agosto de 1949) es un músico de sesión, guitarrista, productor discográfico, cantante y compositor británico.
Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la
universidad. Principalmente conocido como fundador, guitarrista y cantante de
la banda Dire Straits y su singular estilo con la guitarra
sin púa, está considerado como uno de los músicos más importantes de la
historia del rock. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's
Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow
Train Coming entre otros), participó en dos discos de Phil
Lynott Solo in Soho y The Philip Lynott Album) y ha realizado
proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas,
incluyendo Local Hero, Comfort
and Joy, Cal, La princesa prometida, Last exit to
Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para
otros cantantes como Tina Turner, Private
Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto
diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de
diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. La revista Rolling
Stone lo sitúa en el puesto 44º de la lista de
los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.
"Money for nothing"- Dire Straits
https://www.youtube.com/watch?v=wTP2RUD_cL0
************
1953:
Nace Jerry Speiser, baterista
australiano.
Jerry Harold
Speiser (nacido el 12 de agosto de, 1953) es un baterista australiano ,
mejor conocido como el baterista y miembro fundador de la banda “Men At Work”,
de década de 1980 que tenía miembros de Australia, Estados Unidos y el Reino Unido impacta con sus singles,
" Who Can It Be Now? "
y " Down Under "
y sus álbumes, Business as Usual y Cargo . Dejó la banda en 1984 y
fue miembro de otros grupos, incluidos FX, One World y Frost . [1]
Biografía [ editar ]
En una sesión
temprana, jugó en el álbum Mind Stroll de Greg
Sneddon en 1974, Sneddon también fue parte de la alineación inicial de Men
at Work. También fue baterista en una banda local llamada Numbers en 1978
y principios de 1979.
Después de la
separación de Men at Work en 1984, se unió brevemente a la banda de pop
FX [2] (con el teclista John
McCubbery), y luego a la banda de Ross Hannaford , One World como
guitarrista. [2] En 1986, él y el ex productor e
ingeniero de sonido de Men at Work Peter McIan tuvieron una breve temporada con
la banda estadounidense The City, donde tocó la batería mientras McIan tocaba
el teclado y produjo el álbum Foundation . Después de
eso, Speiser se unió a los rockeros pop Frost [2] donde tocó la batería en el single
"You and Me" de su álbum The Usual Suspects .
Speiser (batería /
voz) y Ben Fitzgerald (guitarra / voz) cofundaron una banda de rock estilo
guitarra, Where's Claire ?. En 1990 se les unieron Andrew Midson (bajo /
voz) y Brenden Mason (guitarra / voz) y lanzaron su primer álbum
comercial, Long Time Coming en 2002. También formó su propia
banda de rock discreta The Working Stiffs y tuvo un sencillo llamado
"¿Quién puede estar abajo?" [3] En 2012, Speiser era baterista
de una banda australiana, After Burner.
1955:
Muere Thomas Mann, escritor alemán, premio nobel de
literatura en 1929.
Thomas Mann (Lübeck, Imperio
alemán; 6 de junio de 1875-Zúrich, Suiza; 12 de
agosto de 1955) fue un escritor alemán nacionalizado estadounidense.
Considerado uno de los escritores europeos más importantes de su generación,
Mann es recordado por el profundo análisis crítico que desarrolló en torno al
alma europea y alemana en la primera mitad del siglo XX.
Para ello tomó como referencias principales a la Biblia y las
ideas de Goethe, Freud, Nietzsche y Schopenhauer.
A pesar de que su obra más conocida sea la novela La montaña mágica, Thomas Mann recibió el Premio Nobel de literatura en 1929 «principalmente
por su gran novela, Los Buddenbrook, que ha merecido un reconocimiento
cada vez más firme como una de las obras clásicas de la literatura
contemporánea».
(Lübeck, 1875 - Kilchberg, 1955) Escritor alemán, premio
Nobel en 1929. Criado en Lübeck en el seno de una familia patricia, a la muerte
de su padre en 1893 siguió a su madre a Munich, donde trabajó como aprendiz en
una compañía de seguros. Más tarde, aprovechando en parte las relaciones de su
hermano Heinrich, colaboró con varias revistas, entre
ellas Simplizissimus. De 1895 a 1897 estuvo en Italia, acompañando a
su hermano.
En su juventud, su postura quedó reflejada en
las Consideraciones de un apolítico, planteadas en gran medida contra
el Zola, que había publicado precisamente Heinrich. En 1933, aprovechando
una gira de conferencias, y siguiendo el consejo de sus hijos, no volvió a
Alemania, sino que se exilió primero en Sanary-sur-Mer, cerca de Marsella, y
luego en Küsnacht, junto a Zurich. En esa época no se definió políticamente, se
mantuvo apartado de los círculos de exiliados e incluso prometió al ministerio
de Propaganda alemán, en 1933, abstenerse de manifestaciones políticas, pues no
quería hacer peligrar la relación con sus lectores alemanes ni la edición
de José y sus hermanos.
En 1938 se trasladó a California, donde residió hasta el
final de la Segunda Guerra Mundial. Desde allí dio una serie de charlas
radiofónicas de propaganda para la BBC bajo el apelativo común de Deutsche
Hörer (1940-1945, ¡Oyentes alemanes!) y diversas conferencias de
orientación antifascista. En 1947 visitó Alemania y participó en la primera
reunión de posguerra del PEN-Club en Zurich. En 1952, decepcionado por la
situación en Estados Unidos a raíz de la muerte de Franklin D. Roosevelt,
volvió a Europa y se estableció de nuevo en Suiza, vastamente honrado a partir
de allí por sus conciudadanos alemanes.
La producción literaria de Thomas Mann fue extensísima. De
entre ella, merece destacarse cronológicamente Los
Buddenbrook (1901), novela subtitulada "decadencia de una
familia", que narra precisamente el progresivo declive de una estirpe
hanseática en el curso del siglo XIX, sobre el fondo de los procesos de cambio
sociológico producidos en esa época. Escrita bajo la influencia del radicalismo
cultural de Nietzsche,
en sus páginas aparece la oposición entre mundo y arte, lo que será un tema
recurrente en el autor.
Tonio Kröger (1903), relato publicado conjuntamente con
otros varios, es la biografía de un artista, temáticamente muy cercana
a Los Buddenbrook, y, según confesión del propio Mann, la obra que afectivamente
le era más próxima. En la novela Alteza real (1909), el heredero de
un pequeño principado alemán se casa con la hija de un millonario
estadounidense, con lo que sanea el erario y, a la vez, da un sentido a su
propia existencia, hasta entonces meramente decorativa: se trata de una
"comedia en forma novelesca" narrada con simpática ironía.
La muerte en Venecia (1913), sin duda la más acabada
síntesis de la poética del autor y una cumbre en el género de la novela breve,
presenta a través de sus protagonistas, el músico moribundo y el joven Tadzio,
una sutil relación dialécticta entre el apogeo de la belleza y la inevitable
presencia de la muerte. En La montaña mágica (1924), vasta novela
comenzada en 1912, que pretendía en un principio ser una especie de sátira
de La muerte en Venecia, Hans Castorp, patricio alemán internado
siete años en un sanatorio pulmonar internacional suizo, vive un proceso
formativo: con la excusa de las varias conversaciones que se entrecruzan en ese
mundo cerrado, Mann intercala una serie de ensayos sobre múltiples cuestiones y
traza un cuadro minucioso de la sociedad europea anterior a la Primera
Guerra Mundial.
La tetralogía José y sus hermanos (1933-1943),
recreación del relato bíblico pero sin ninguna pretensión de historicidad,
refleja la evolución del pensamiento del autor desde el irracionalismo del
período 1914-1918, pasando por la democracia burguesa de la década de 1920 y
los planteamientos condicionadamente socialistas de la de 1930, hasta su
admiración por el New Deal de Roosevelt, que se hace evidente en la
última de las cuatro novelas, cuyo eje gira en torno a la síntesis entre cuerpo
y espíritu.
En Carlota en Weimar (1939), donde se relata el
reencuentro de Goethe, en la culminación de su vida, con Carlota, su amante de
juventud, Mann dibuja al representante del clasicismo alemán como el artista
que ha logrado la armoniosa fusión en sí mismo entre las personalidades del
poeta y el ciudadano. Doctor Faustus(1947), considerada unánimemente su
obra maestra, señala en el subtítulo que se trata de "La vida del
compositor alemán Adrian Leverkühn narrada por un amigo". Centrada en el
carácter ambivalente del dotado compositor, que cae en manos del diablo,
refleja la decadencia y una mezcla de culpa e incapacidad de la sociedad
burguesa alemana, desde fines del siglo XIX hasta la actualidad, con una
madurez que elude la facilidad de las conclusiones.
Confesiones del aventurero Félix Krull (1954),
finalmente, es una renovación de la novela picaresca y al mismo tiempo una
parodia de la tradicional "novela de formación" alemana. El seductor
Félix, hijo de un fabricante de vinos espumosos, cambia nombre y rol social con
un aristócrata en un hotel de París, donde hacía su aprendizaje y se va, en
lugar de aquel, de viaje por el mundo. El argumento reanuda un tema básico de
Mann: la decadencia y la degeneración no sólo son fronterizas del crimen, sino
también una posibilidad de ampliar los límites de la existencia. Como
acompañamiento de su obra narrativa, aparte de un único
drama, Fiorenza (1906), Thomas Mann fue asimismo autor de una ingente
producción ensayística.
*********
1961:
Nace Roy Hay, guitarrista británico, de la banda Culture
Club.
Roy Hay (nacido Roy Ernest Hay, 12 de agosto de 1961,
Southend , Essex , Inglaterra ) es el guitarrista / tecladista de Culture Club
, una de las más populares bandas de la década de 1980, liderado por Boy George
. Roy, pianista desde los cinco años de edad bajo la tutela de la Sra. Eileen
Chick, reemplazado miembro fundador Johnny Suede en 1981. Algunas de las
influencias musicales de Hay son Stevie Wonder, The Isley Brothers y Led
Zeppelin . Antes de su participación con Culture Club, Hay tenia una peluquería
en su natal Essex.
Después de Culture Club, Hay formó otra banda, llamada This
Way Up. En 1987, lanzaron tres sencillos : "Tell Me Why", "Si yo
no puedo tenerte" y "Louise". Un álbum , sentirte bien contigo
Fue lanzado en algunos Europea y los países en Japón en 1987. Todos los
registros se dejó caer, "Tell Me Why" es la única que trazó , por una
semana en el número 72 en la lista de singles del Reino Unido .
**********
1964:
Muere Ian Fleming, escritor británico, creador de James Bond.
Ian Lancaster Fleming (Londres, 28 de mayo de 1908 - Canterbury, 12 de
agosto de 1964) fue un autor, periodista y oficial de inteligencia
británico.
Fue el creador del célebre espía de ficción James Bond.
Este último debe su nombre al ornitólogo James Bond, como lo explicaba Fleming en
una entrevista. Las numerosas novelas que ponen en escena al agente 007 han
sido un éxito mundial y han conocido numerosas adaptaciones cinematográficas.
Fleming nació en Mayfair, Londres, Reino
Unido, hijo de Valentine Fleming y de Evelyn St. Croix Fleming. Peter
Fleming, un hermano mayor, también era escritor. Hizo estudios en el Eton
College y en la Real Academia Militar de Sandhurst,
posteriormente en 1927, estudió en el continente, en Kitzbühel, Austria, y
posteriormente en la universidad de Múnich, Alemania.
Trabajó como periodista para Reuters y
en 1933, por presiones familiares, comenzó a trabajar como agente de bolsa en
Londres.
En 1939, poco antes de comenzar la segunda guerra mundial, John Godfrey, director del British
Department of Naval Intelligence de la Royal Navy, reclutó a Fleming como
asistente, luego como lugarteniente, y finalmente como comandante. Durante este
período, Fleming concibió un plan que nunca fue ejecutado: la Operación
Ruthless, para capturar la máquina codificadora Enigma, usada en las
comunicaciones de la armada alemana.
Tras el final de la guerra y su desmovilización en mayo de
1945, Fleming trabajó en el grupo de periódicos Kemsley, que a su vez era
propiedad del The Sunday Times. Fleming continuó a tiempo completo en este
grupo hasta diciembre de 1959, pero continuó escribiendo artículos y asistiendo
a las reuniones semanales hasta 1961.
Su trabajo como asistente en los servicios secretos permitió
a Fleming imbuirse del ambiente que se respira en sus novelas de espionaje. La
primera novela que puso en escena a James Bond fue Casino Royale, publicada en 1953. Además de
escribir doce novelas y nueve novelas cortas del agente 007, Fleming escribió
también novelas para niños como Chitty Chitty Bang Bang. Todos estos libros
tuvieron un gran éxito en los años 1950 y
permitieron a Fleming retirarse a una casa confortable en Jamaica.
En 1962, Fleming sugirió a su primo, el actor Christopher
Lee, para interpretar el papel del Dr. No, el villano del primer filme e
irónicamente pocos días antes de su muerte visitó el set de grabación de Goldfinger.
En 1964, Ian Fleming murió de una crisis cardíaca en Canterbury a
la edad de 56 años y fue enterrado en Sevenhampton, cerca de Swindon, donde
después serían enterrados su esposa Anne O'Neill Fleming (1913–1981) y su único hijo
Caspar Robert Fleming (1952–1975).
Ian Fleming fue también un importante bibliófilo y poseedor
de una respetable cultura. Su personaje, James Bond, acostumbra leer en
momentos de tranquilidad, y uno de sus libros favoritos es Profiles in
Courage, un ensayo moral y ético sobre cinco políticos de la historia de
los Estados Unidos, obra del senador John
Kennedy.
Curiosamente, cuando el senador Kennedy fue elegido
presidente, en una entrevista le preguntaron por sus libros favoritos y sin
dudarlo respondió: «Las novelas de espías de Ian Fleming». En una entrevista
con Life Magazine, el ya presidente de los Estados Unidos de América, John
F. Kennedy, reconoció que Desde Rusia con amor era uno de sus
diez libros favoritos. John Kennedy proyectó en la Casa Blanca la
película 007 contra el Dr. No, el 20 de noviembre de 1963.
1966:
Nace Juan Ramón Viles, músico y político español, ex integrante de Duncan Dhu.
Juan Ramón Viles Mitxelena es un músico y político español, ex integrante de Duncan Dhu. Nació en San Sebastián (Guipúzcoa, País Vasco, España) en agosto de 1966.
A principios de los años 1980 formó parte, junto al también músico-artista Diego Vasallo, de Los Dalton, grupo con el que tuvo su primer contacto con las baquetas (batería), con las que luego triunfaría junto a Diego Vasallo y Mikel Erentxun en el grupo Duncan Dhu.
Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad de Deusto y en Derecho por la Universidad del País Vasco, debido a problemas creados con sus dos compañeros abandona el grupo que lo lanzaría en su carrera musical en 1989, para formar parte de Emirra, con el que grabaría un álbum titulado Agua y Barro, con canciones como Quien pudiera. También estuvo vinculado, como productor, al grupo bilbaíno llamado Dinamita pa' los Pollos.
En 2006 publica su primer libro, Duncan Dhu: Crónicas de un éxito. 1984-89 contando la historia del grupo, durante los años en que formó parte de éste.
En mayo de 2009 publica su primer disco en solitario (tras los de Duncan Dhu y Emirra) ya con el nombre artístico JuanRa Viles, titulado En buena compañía.
En las elecciones municipales de mayo de 2011 fue elegido concejal por el Partido Nacionalista Vasco en el Ayuntamiento de San Sebastián.
1972:
Nace El "Morre" Romero, músico colombiano, acordeonista de música vallenata y ex-integrante del Binomio de Oro.
José Fernando Romero Quintero (Villanueva, La Guajira el 12 de agosto de 1972), conocido como "El Morre" Romero, es un músico colombiano, acordeonista de música vallenata y ex-integrante del Binomio de Oro.2 Luego de su paso por el Binomio, ha sido pareja musical de manera notable con los cantantes Junior Santiago, Jean Carlos Centeno y Nelson Velasquez.3
Familia[editar]
Nació en Villanueva, La Guajira, el 12 de agosto de 1972,1 en el hogar de Rafael Romero. Es sobrino de Israel Romero, Rosendo Romero y Misael Romero, y nieto de Escolástico Romero; La "Dinastía Romero" del vallenato.2
Contrajo matrimonio con Paulina Cabello, de cuya unión nacieron José Rafael y Fernanda Romero Cabello.2
Trayectoria[editar]
En sus inicios fue integrante de la orquesta de Armando Pulido como acordeonista y teclista.
Realizó estudios de música en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas en Bogotá. Para mediados de 1988, su tío Israel Romero fue diagnosticado con cáncer retirándose temporalmente del Binomio de Oro, siendo "Morre" Romero uno de sus reemplazantes en los conciertos de la agrupación liderada por su tío y por el cantante Rafael Orozco Maestre.
"Morre" Romero participó como aficionado en el Festival Cuna de Acordeones donde fue elegido "Rey vallenato" en 1990. En 1995 ingresó de forma oficial al Binomio de Oro como segundo acordeonista después de su tío Israel Romero, componiendo también temas como: Las mujeres de mi tierra del álbum A su gusto, Tuqui tuqi cha del álbum Seguimos por lo alto y Parrandita parrandón del álbum 2000. En 2003 se marcha de la agrupación junto al vocalista Junior Santiago para conformar su propia agrupación, donde tuvo un éxito moderado con temas como La Gaviota y Mi Ropita vieja. Romero participó en el Festival de la Leyenda Vallenata de 2004 sin gran éxito.4 La unión musical con Junior Santiago llegó a su fin en 2005 debido a conflictos personales entre ellos.
En el 2006, se unió con Jean Carlos Centeno y Ronal Urbina conformando un nuevo grupo vallenato, aprovechando el retiro el año anterior de Centeno del Binomio de Oro. El trío grabó el trabajo discográfico Ave Libre, donde se destacaron canciones como De dónde amor, Lo busqué, Un 8 de marzo (a dúo con Gilberto Santa Rosa, donde le rinde un homenaje a la mujer en su día). Ave libre(rindiéndole tributo al recién fallecido creador de la "nueva ola del vallenato", Kaleth Morales).
En 2008, se marcha del conjunto para iniciar un nuevo proyecto musical al lado del cantante venezolano Pedro Manuel, pero antes graba con Jean Carlos y Ronald el trabajo Inconfundible, el cual no cumplió las expectativas planteadas por la disquera.
En el 2009, con Pedro Manuel grabó Olvidarte. Esta unión duró 9 meses, por lo que Morre Romero regresó con el cantante Junior Santiago en el 2010 pero sin alcanzar el éxito esperado. Luego fue el reemplazo temporal de Emerson Plata, acordeonista de Nelson Velasquez, quien había sufrido un accidente y estaba en proceso de recuperación. En el 2011, Emerson deja la agrupación y Morre se unió oficialmente con Nelson Velasquez.
En el 2012, Velásquez y Romero lanzaron Un vallenato sin fronteras con temas como Esperando que vuelvas y un segundo sencillo titulado Se te acabó el amor.
En el 2014, "Morre" y su familia de músicos conformaron una academia de música con el nombre de "Dinastía Romero".4
La unión con Velásquez terminó abruptamente en el 2015.5 En 2018, se presentó en la Arena Monterrey de la ciudad regiomontana en el evento musical denominado El Vallenatazo 2018 con éxito total, repitiendo ese mismo éxito en su reencuentro con el Binomio de Oro los días 11 y 12 de Enero de 2019 en el mismo escenario mexicano.
https://www.youtube.com/watch?v=EuyoE9rWCnY
https://www.youtube.com/watch?v=o1pzKdEfeno
1977:
Nace Luis Mateus, cantante colombiano de música Vallenata.
Luis Francisco Hernández Mateus1 (San Vicente de Chucurí, Santander, Colombia, 12 de agosto de 1977) profesionalmente conocido como Luis Mateus, es un cantante colombiano de música Vallenato, que inició desde muy pequeño su carrera musical cantando rancheras, con las que logró ganar varios concursos musicales en Barrancabermeja donde se hizo musicalmente.
A sus 20 años, en 1997, después de formar parte del grupo musical ‘Los Comemanguitos’ dirigidos por su maestro Fermin Acosta empieza a incursionar en el vallenato, conoció a Iván Calderón, quien lo llevó a grabar su primer trabajo con la disquera Discos Fuentes2, situación que lo dio a conocer nacional e internacionalmente, convirtiéndose así en uno de los exponentes más importantes del vallenato en Colombia.
Uno de los momentos destacados de la carrera musical de Luis Mateus fue el que vivió en mayo de 2019, cuando recibió por parte de varios dirigentes de New Jersey, Estados Unidos, un reconocimiento por el aporte musical que el cantante de vallenato le ha hecho a la población latina en el país norteamericano.3
Luis Mateus, con más de 20 años de vida artística, es un cantante colombiano que no solo se ha consolidado en su país, sino también en Ecuador, Venezuela, Europa y Estados Unidos donde sus éxitos son clásicos musicales y ha recibido reconocimientos por su labor.
1982:
Muere Henry Fonda, actor estadounidense.
Henry Jaynes Fonda (* 16 de mayo de 1905, Grand Island, Nebraska –
† 12
de agosto de 1982, Los
Ángeles, California) fue un actor de cine y teatro estadounidense,
ganador de los premios Óscar, Globo de
Oro, BAFTA y Tony.
En 1999, Henry Fonda fue nombrado por el American Film Institute como
la sexta mayor estrella masculina en la historia de Hollywood.
El cineasta John Ford,
cuando en una entrevista se le preguntó qué era el cine para él, contestó:
"¿Usted ha visto caminar a Henry Fonda? Pues eso es el cine".
Esta frase valdría para resumir la carrera de Fonda, uno de
esos mitos del cine que se fueron forjando a base de talento puro y trabajo.
Henry Jaynes Fonda nació el 16 de mayo de 1905 en Grand Island (Nebraska), en
el seno de una familia de origen italiano. Tras
terminar su educación secundaria trabajó como "chico para todo" en
una oficina y, en ese periodo, empezó a coquetear con la interpretación. En una
entrevista publicada en el número 175 de la revista Film
Ideal de 1965,
el actor aseguró:
"No puedo explicar cómo llegué a ser actor, mi ambición
nunca fue ser actor de cine. Ni siquiera quería ser actor, jamás pensé en
serlo, pero donde se me ocurrió la idea fue en el teatro. Me vi empujado al
escenario en un pequeño teatro de Nebraska (...). Yo no quería hacer nada de
aquello, pero una amiga de mi familia, Dorothy Brando (que luego tendría un
hijo llamado Marlon), dirigía activamente el pequeño teatro y,
literalmente, me lanzó al escenario."
Cuando "Hank" –como le conocían sus amigos–
comprendió que la interpretación podía ser una profesión, decidió trasladarse
a Nueva
York. Tras participar en numerosas obras de Broadway su
gran oportunidad le llegó en 1934, al protagonizar la obra The Farmer Takes a Wife. El
éxito fue tal que la Fox decidió
adaptarla a la pantalla (Contrastes de Victor
Fleming, 1935)
y hacer a Fonda un contrato de larga duración.
"De pronto me encontré con que me ofrecían tanto dinero
por hacer una película que, aunque no tenía ningún interés en ello, pensé que
sería estúpido no aceptar. Así me encontré convertido en actor de cine."
El flechazo entre la cámara y el rostro de Fonda –de
ciudadano honrado al que lo único que parece importarle es no perder la
dignidad– fue inmediato. Este aspecto de su mirada lo definió mejor que
nadie Peter Bogdanovich: "Cuando Henry Fonda
dice algo, lo crees... Ésta es una cualidad de las verdaderas estrellas y nadie
la tiene más que Fonda."
De 1935 a 1981, Fonda desarrolló una de las carreras más prolíficas (113
películas protagonizadas) y exitosas de la historia del cine. Los directores se
lo rifaban para que trabajase a sus órdenes y él lo hacía con la mayor
naturalidad, como si actuar fuese un sexto sentido. Se le empezó a conocer con
el apodo de "One-Take Fonda" (Una Toma Fonda), puesto que conseguía
al instante bordar su papel, sin necesitar repetir decenas de veces las tomas.
En sus primeros años demostró su valía en títulos como El camino del pino
solitario de Henry
Hathaway (1936), Sólo se vive una vez de Fritz Lang (1937), Jezabel de William
Wyler (1938), Tierra
de audaces de Henry King (1939), El joven Lincoln (1939) y Corazones indomables (1939), éstas últimas
dirigidas por John Ford.
La década de los cuarenta fue la consagración absoluta,
gracias entre otras a Las uvas de la ira (1940), de nuevo a las
órdenes de John Ford, y por la que recibió su primera nominación al Óscar.
La vida de ambos en esa época fue en paralelo, colaborando además en Pasión de los fuertes (1946), El fugitivo (1947) y Fort
Apache (1948).
La segunda nominación al Óscar la consiguió por Doce hombres sin piedad de Sidney
Lumet (1957).
También trabajó junto a otros muchos cineastas de renombre,
como King
Vidor en Guerra y paz (1956), Alfred
Hitchcock en Falso culpable (1957), Edward
Dmytryk en El hombre de las pistolas de oro (1959), Otto
Preminger en Tempestad sobre Washington(1962), Sergio
Leone en Hasta que llegó su hora (1968), y Joseph L. Mankiewicz en El día de los tramposos (1970).
En 1980 se le concedió el Óscar honorífico por toda su carrera y,
un año después, recibió la estatuilla al mejor actor por En el estanque dorado de Mark
Rydell (1981),
en la que actuó junto a Katharine
Hepburn y su hija Jane Fonda.
Al poco tiempo, el 12 de agosto de 1982, moría en Los
Ángeles.
"Fui
condenadamente afortunado por convertirme en actor. Actuar para mí es ponerme
una máscara. La peor tortura que puede sucederme es no tener una máscara tras
la que ocultarme."
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2000:
Muere Loretta Young, actriz estadounidense.
http://compmast.tripod.com/young/med1.jpg
Loretta Young (6 de enero de 1913 – 12 de
agosto de 2000) fue una actriz cinematográfica estadounidense.
Inicios y carrera
Nacida en Salt
Lake City (Utah),
su verdadero nombre era Gretchen Michaela Young. Su familia se trasladó
a Hollywoodcuando
ella tenía tres años. Loretta y sus hermanas Polly
Ann Young y Elizabeth Jane Young (Sally
Blane como nombre artístico) trabajaron como actrices infantiles,
siendo Loretta la que consiguió un mayor éxito. El primer papel de Young fue
con tres años de edad en la película muda The Primrose Ring. La estrella
de la película, Mae Murray, se enamoró de la pequeña Gretchen y quiso
adoptarla. Aunque su madre se negó, sí permitió que Gretchen viviera con Murray
durante dos años. Tuvo una media hermana, Georgiana (hija de su madre y de su
padrastro George Belzer), que se casó con el actor Ricardo Montalbán.
Con el nombre de "Gretchen Young" participó en el
film de 1917 Sirens of the Sea. No fue hasta 1928 que su nombre artístico
cambió a "Loretta Young", en The Whip Woman (Miss Desdén). Ese
mismo año trabajó junto a Lon Chaney en
la película de MGMLaugh,
Clown, Laugh (Ríe, Payaso, Ríe). Al año siguiente fue elegida como una de
las WAMPAS Baby Stars.
En 1930, Young, con 17 años de edad, se fugó con el actor de
26 años Grant Withers, y se casó con él
en Yuma, Arizona. El
matrimonio fue anulado al año siguiente, coincidiendo con el estreno de su
segunda película juntos (irónicamente titulada Too Young to Marry
(Demasiado joven para casarse).
Young llegó a rodar siete y ocho películas al año y ganó
el Óscar a la mejor actriz en 1947 por su
actuación en The Farmer's Daughter (Un destino de mujer). Ese mismo año
trabajó con Cary Grant y David
Niven en The Bishop's Wife (La mujer del obispo), un título
posteriormente versionado como The Preacher's Wife, con Whitney
Houston. En 1949,
Young tuvo otra nominación al Óscar por su interpretación en Come to the
Stable (Hablan las campanas), y en 1953 actuó en su
última película, It Happens Every Thursday.
Mudada a la televisión, presentó y protagonizó la serie de
media hora de duración The Loretta Young Show. Su programa se mantuvo
en prime
time en la NBC durante ocho años, algo no
conseguido por ningún otro programa de la época presentado por una mujer,
ganando, además, tres Emmy.
Relación con Clark Gable
En 1935, Young tuvo una relación con Clark
Gable, casado en aquel tiempo, mientras trabajaban en The Call of the
Wild (La llamada de la selva). Young quedó embarazada de Gable y, debido a las
rígidas pautas morales de la época, así como para no dañar su carrera y la de
Gable, disimuló su embarazo, dio a luz en secreto y entregó a la bebé a un
orfanato. Posteriormente Young anunció que había adoptado una niña (en
realidad, su propia hija) a la que llamaría "Judy Lewis" cuando tomó
el apellido de su segundo marido, el productor Tom Lewis. Aunque no
lo confesó hasta la publicación de una autobiografía póstuma, era un secreto a
voces en Hollywood y la hija se parecía mucho físicamente a su padre (Young
primero cubría las orejas de su hija con gorros, y hasta llegó a operárselas,
para disimular el parecido con su padre). Conociendo la verdad y tras ver a
Gable solo una vez en su vida (a los 15 años), Judy Lewis falleció en 2011.
Tras su muerte, la nuera de Loretta hizo público que la concepción de Judy
había sido producto de un abuso. Al parecer, la relación de ambos actores
durante el rodaje de la película no había pasado de galanteos hasta que Gable
habría forzado a Young a tener relaciones sexuales. Young quedó embarazada
producto de ese solo encuentro físico.
Matrimonios y relaciones sentimentales
Casada con el actor Grant Withers entre 1930 y
1931.
Casada con el productor Tom Lewis en 1940 y divorciada a
mediados de los sesenta. Tuvieron dos hijos, Peter (músico de la banda de
rock Moby
Grape) y Christopher, director cinematográfico.
Casada con el diseñador de moda Jean Louis en 1993. Louis
falleció en 1997.
Relaciones sentimentales con Spencer
Tracy y Clark Gable.
Últimos años
Loretta Young fue madrina de la actriz Marlo Thomas, hija del actor Danny
Thomas. Tras su retiro de la interpretación hasta poco antes de su
fallecimiento, se dedicó, junto a su amiga Jane Wyman a
labores de caridad. Sin embargo, salió brevemente de su retiro para participar
en dos películas para la televisión, Christmas Eve (1986), y Lady in
a Corner(1989).
Young falleció a los 87 años de edad a causa de un cáncer de
ovario en Santa Mónica (California). Fue enterrada
en el Cementerio de Holy Cross en Culver
City, California. Young tiene dos estrellas en el paseo de la fama de Hollywood —
una por su dedicación a la industria cinematográfica, en el 6104 de Hollywood Boulevard, y otra por su carrera
televisiva, en el 6141 de Hollywood Blvd.
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2008:
Muere Orlando Fals Borda, sociólogo colombiano.
Orlando Fals Borda (Barranquilla, 11 de
julio de 1925 - Bogotá, 12 de
agosto de 2008) fue un Investigador y sociólogo
colombiano.
Fals Borda realizó estudios de pregrado en Literatura Inglesa
en la Universidad de Dubuque,
de maestría en la Universidad de Minnesota en 1953 y
obtuvo el grado de Ph. D. en Sociología de la Universidad de la Florida en 1955.
A su regreso de los Estados Unidos encontró que en su país
era ineludible el estudio y aplicación de las ciencias sociales, especialmente
de la sociología, por lo cual, en 1959, junto con Camilo Torres Restrepo, fundó una de las
primeras Facultades de Sociología de América
latina en la Universidad Nacional de Colombia,
sede Bogotá,
convirtiéndose en su primer decano, papel que asumió hasta 1966.
A lo largo de su vida promovió diversas iniciativas políticas
de la izquierda desde el 'Frente Unido' junto con
el sacerdote revolucionario Camilo Torres Restrepo entre 1964-1965
y activo organizador de procesos como 'Colombia Unida' a fines de los años 1980,
la Alianza
Democrática M-19 de cuya bancada fue miembro de la Asamblea
Constituyente en 1991. En los últimos años fue dirigente del Frente Social y Político y artífice
de la articulación de diversas fuerzas de la izquierda colombiana que
confluyeron en noviembre de 2006 en la conformación
del Polo Democrático Alternativo del
cual fue presidente honorario hasta su muerte.
Fue fundador de la revista Alternativa en los años
70 y 80, la que refundó en los años 90. En los últimos años impulsó la
conformación del Centro Estratégico de Pensamiento Alternativo y dirigió la
revista CEPA.
En el último acto público en el que participó, el 23 de julio
de 2008, presentó la cuarta reedición de su obra 'La subversión en Colombia'
con el sello editorial de FICA y CEPA.
Pensamiento
El recorrido fundamental de la obra de Fals Borda está dado
en la conjunción de la indagación sociológica con el compromiso político en
beneficio de los "sectores populares" (campesinos y proletariado
agrícola en lo fundamental), en cuya "praxis"
postula la "investigación-acción participativa". Su obra es
consultada en todas partes, al considerarse que activa innovaciones
metodológicas en la práctica sociológica.
Se constituyó en uno de los fundadores y representantes más
destacado de la Investigación Acción Participativa (IAP),
método de investigación cualitativa que pretende no sólo conocer las
necesidades sociales de una comunidad, sino también agrupar esfuerzos para
transformar la realidad con base en las necesidades sociales.
En 2008 le fue otorgado el premio Bronislaw Malinowski de la Sociedad de
Antropología Aplicada (SfAA), con sede en Estados Unidos, por su compromiso de
toda la vida con la aplicación de las ciencias sociales a las cuestiones
sociales contemporáneas.
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2014:
Muere Lauren Bacall, actriz y modelo estadounidense (nacida
en 1924).
https://mayoresdehoy.files.wordpress.com/2013/10/laurenbacallelle14thannualwomenhollywoodrfknz8ndhv3x.jpg
Lauren Bacall (nacida Betty Joan Perske; Nueva York, 16
de septiembre de 1924 – ibíd., 12 de
agosto de 2014) fue una actriz estadounidense.
Inició su carrera como modelo,
y después empezó a trabajar en el cine. Participó en
unas 40 películas, entre las que destacan los clásicos de cine negro Tener
y no tener (1944), The Big Sleep (1946), Dark
Passage (1946) y Cayo Largo (1948), así como otros filmes
de géneros diversos como How to Marry a Millionaire (1953), Designing
Woman (1957), Harper, investigador privado(1966), Asesinato en el Orient Express (1974)
y The Mirror Has Two Faces (1996). Sus
interpretaciones la hicieron acreedora de múltiples premios, entre ellos
un premio
del Sindicato de Actores, un Globo de
Oro y dos Tony. Por su trayectoria profesional recibió el Óscar honorífico, así como el premio Cecil B. DeMille, el César
Honorífico y el Premio
Donostia. Es uno de los grandes
mitos femeninos de la historia del cine, el American Film Institute la considera
entre las 20 estrellas femeninas más grandes de todos los tiempos.
2022:
Muere
Wolfgang Petersen (Emden, 14 de marzo de 1940-Los Ángeles, 12 de agosto de 2022)12 fue un director de cine alemán.
Biografía[editar]
Nació el 14 de marzo de 1941 en Emden (Baja Sajonia), una pequeña localidad del norte de Alemania, próxima a la frontera con Países Bajos. De 1953 a 1960, asistió a la Gelehrtenschule des Johanneums en Hamburgo. En la década de 1960 empezó dirigiendo obras del Teatro Ernst Deutsch de Hamburgo. Después de interesarse por el teatro en Berlín y Hamburgo, asistió a la Academia de Cine y Televisión de Berlín (1966-1970). Sus primeras producciones de cine fueron para la televisión estatal alemana, y fue durante su trabajo en la popular serie policíaca Crime Scene donde conoció y trabajó con el actor Jürgen Prochnow, que más tarde aparecerá en su película Das Boot (1981).3
Trayectoria[editar]
Hacia 1970 realizó diversos telefilmes en 35 mm, algunos de los cuales son exhibidos en los cines comerciales (1970-1980). En 1981 fue nominado al Óscar a Mejor dirección y al Mejor guion adaptado por El submarino (Das Boot). Además, fue fundador de la productora Cappella Films.
Bajo la denominación de nuevo cine alemán, en un intento por emular otros movimientos cinematográficos del momento o anteriores (el free cinema, la nouvelle vague), surgieron varios directores a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Al margen de nacer immediatamente antes o durante la Segunda Guerra Mundial en Alemania, muchos de ellos trabajaron en la televisión teutona. A partir de aquí, se forjaron los nombres de Peter Fleischmann, Volker Schlöndorff, Daniel Schmid y Rainer Werner Fassbinder, entre otros. Aunque Wolfgang Petersen coincidió en el lugar y en el tiempo con esta generación, su vinculación al nuevo cine alemán se redujo a algunas de sus producciones televisivas, que posteriormente se estrenaron en cine —La consecuencia y El jugador de ajedrez—, y en una forma de concebir los proyectos, desde la creación del guion hasta la dirección. Sus preocupaciones estilísticas y temáticas divergieron de las de sus colegas, decantándose a partir de El submarino por un cine de evasión, que juega con elementos propios del thriller. Escrita por Petersen y tomando como referencia una obra de Lothar-Gunther Bucchei, El submarino se reveló como un auténtico descubrimiento en diversos festivales especializados, y posteriormente entre el gran público, evidenciando su habilidad para mantener la tensión claustrofóbica dentro del sumergible en una misión secreta durante la Segunda Guerra Mundial.
Nominado al Óscar como mejor director y guionista, un hecho insólito por lo que concierne a la nacionalidad, buscó el soporte de distribuidoras internacionales para financiar en los estudios Bavaria una de las grandes superproducciones del cine alemán contemporáneo, La historia interminable, basada en la novela de Michael Ende, obra clave de la literatura juvenil. Tras un espectacular despliegue de medios, La historia interminable pudo competir en el mercado internacional a nivel de las producciones hollywoodienses, y de esta forma proyectar el nombre de Petersen a las más altas esferas. La gran acogida de público de La historia interminable y el sometimiento de la industria norteamericana a historias infantiles (las películas y las producciones de Steven Spielberg, Jim Henson, George Lucas y John Hughes, entre otros) encasillaron a Petersen en este tipo de producciones.
Substituyó a Richard Loncraine (Ricardo III) en Enemigo mío, una historia fantástica que recurre, para la creación de los personajes, a las películas de terror de los años cincuenta, y respecto al hilo argumental y a una estética visual similar a Infierno en el Pacífico (1968). Pero en el fondo, Enemigo mío no escapa al modelo de las producciones de Steven Spielberg o de Jim Henson de principio de los años ochenta, cuya área de influencia alcanza películas del país originario de Petersen, como lo prueba El secreto de Joey, cuyo máximo responsable es Roland Emmerich, director que no tardó en seguir los pasos de su compatriota. Probablemente en un escaso margen de tiempo, Petersen se había situado en el polo casi opuesto a sus primeros trabajos televisivos, que aportan una densidad dramática y social muy alejada de Enemigo mío.
Este enorme contraste que se percibe en su carrera coincidió con una etapa de inactividad de cinco años -motivado por la cancelación de una serie de proyectos- que pareció hacerle regresar a un tipo de producción sujeta a los imperativos comerciales de la industria estadounidense, para espectadores más adultos, después de vivir un período de una cierta regresión por lo que se refiere a la media de edad de los asistentes al cine. Las películas que realizó desde los años 1990 (La noche de los cristales rotos, En la línea de fuego, Air Force One, Estallido, La tormenta perfecta, Troya o Poseidón) transitaron por el terreno del thriller o el cine catastrófe pero de naturaleza bien distinta. A pesar de alcanzar una cierta estabilidad, su poder dentro de la industria ha disminuido en favor de servir a las grandes estrellas (Clint Eastwood, Dustin Hoffman, Harrison Ford, George Clooney, Brad Pitt, etc.) y a los productores del neo-Hollywood, que parecen erigirse en la marca de fábrica de sus producciones, como sucedió con Arnold Kopelson, artífice de Estallido, una película que coincidió en su estreno con un peligroso brote del virus ébola en África Central, factor que contribuyó a situarlo entre los más taquilleros de la temporada.
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