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decimosexto) día del año en el calendario gregoriano y el 217.º en los años
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Podcast 2018
Santoral de la Iglesia Católica
San Juan María Vianey (El Santo Cura de Ars)
Juan Bautista María Vianney (Dardilly, 8 de mayo de 1786-Ars-sur-Formans, 4 de
agosto de 1859), conocido como el Santo Cura de Ars, fue un
presbítero francés proclamado patrono de
los sacerdotes católicos,
especialmente de los que tienen cura de almas (párrocos).
Su humildad, su predicación, su discernimiento y
saber espontáneos, y su capacidad para generar el arrepentimiento de los
penitentes por los males cometidos fueron proverbiales. Administrador del sacramento de
la penitencia durante cuatro décadas a razón de más de diez horas
diarias, llegó a hacerlo entre dieciséis y dieciocho horas por día durante
trece años, desde 1830 hasta que enfermó en 1843. Se lo considera uno de los
grandes confesores de
todos los tiempos. De él escribió Juan
Pablo II:
Me impresionaba
profundamente, en particular su heroico servicio de confesonario. Este humilde
sacerdote que confesaba más de diez horas al día comiendo poco y dedicando al
descanso apenas unas horas, había logrado, en un difícil periodo histórico,
provocar una especie de revolución espiritual en Francia y fuera de ella.
Millares de personas pasaban por Ars y se arrodillaban en su confesonario.
Nació en Dardilly, al noroeste de Lyon, Francia. Hijo de
Matthieu Vianney y Marie Beluze, fue el tercero de seis hermanos, de una
familia campesina.
Después de una breve estadía en la escuela comunal, en 1806,
el cura de Ecully, M. Balley, abrió una escuela para aspirantes a
eclesiásticos, y Juan María fue enviado a ella. Aunque era de inteligencia
mediana y sus maestros nunca parecieron haber dudado de su vocación, sus
conocimientos eran extremadamente limitados, acotados a un poco de aritmética,
historia, y geografía. Encontró el aprendizaje excesivamente difícil,
especialmente el estudio del latín. Uno de sus compañeros, Matthias Loras, más
tarde primer obispo de Dubuque, le ayudaba con sus lecciones de latín. Como
otros muchos seminaristas, hizo una peregrinación al santuario de San Juan Francisco Régis en Lalouvesc (1806). Ese mismo año
fue dispensado del servicio militar en su calidad de aspirante al sacerdocio.
Sin embargo, fue llamado a filas en 1809, y el 26 de
octubre, el joven recluta ingresó al cuartel de Lyon para ser
enviado al ejército napoleónico que invadía España, vía
Roanne.
El 6 de enero de 1810, Juan María desertó, y con la identidad
de Jerónimo Vincent, se ocultó en los bosques del Forez, en los
alrededores de Noes. Liberado del servicio militar y de su situación irregular
por el enrolamiento anticipado de su hermano menor, el desertor regresó en
octubre de 1810 a
casa del párroco Balley. Recibió la tonsura el 28 de mayo siguiente.
Seminario y ordenación sacerdotal
Ingresó finalmente al Seminario Menor de Verriéres a los 26
años, para cursar filosofía en francés pues su «debilidad -en los
estudios- es extrema». Allí fue compañero de curso de otro santo, Marcelino Champagnat, fundador de los Hermanos
Maristas.
El 13 de agosto de 1815 fue ordenado sacerdote por monseñor
Simon, obispo de Grenoble. Fue enviado a Ecully como ayudante de monseñor Don
Balley, quien había sido el primero en reconocer y animar la vocación de
Vianney. Don Balley ya había intercedido por él ante los examinadores cuando
Juan María fue expulsado del Seminario Mayor por no ser considerado idóneo para
los estudios de preparación al ministerio sacerdotal. Don Balley asumió toda la
responsabilidad por él, y fue su modelo tanto como su preceptor y protector.
La parroquia de Ars
En febrero de 1818, tras la muerte de Don Balley, Vianney fue
hecho canónigo de Ars, una aldea no muy lejos de Lyon. En verdad, Ars
se convirtió en parroquia en 1821, y hasta entonces Vianney fue solo vicario o
teniente cura de Ars, sometido a la autoridad del párroco de la vecina aldea
de Misérieux.
Ars era entonces «el último pueblo de la diócesis»,con alrededor de 250
habitantes, mayormente de condición humilde. El presbiterio tenía cinco
habitaciones amuebladas por Mademoiselle d'Ars, pero de todo ese moblaje,
Vianney solo se quedó con una cama, dos mesas viejas, un aparador, unas pocas
sillas y una sartén. El resto lo devolvió a Mademoiselle d'Ars.
Pues el nuevo párroco estaba convencido de que había solo dos
maneras de convertir a la aldea: por medio de la exhortación, y haciendo él
penitencia por los feligreses. Comenzó por esto último. Regaló un colchón a un
mendigo; dormía sobre el piso en una habitación húmeda de la planta baja o en
el desván, o sobre una tabla en su cama con un leño por almohada; se
disciplinaba con una cadena de hierro; no comía prácticamente nada, dos o tres
papas mohosas a mediodía, y algunas veces pasaba dos o tres días sin comer en
absoluto; se levantaba poco después de medianoche y se dirigía a la iglesia,
donde permanecía de rodillas y sin ningún apoyo hasta que llegaba la hora de
celebrar misa. Para una época moderna y voraz, ansiosa de evitar las molestias
a cualquier precio, las mortificaciones del presbítero Vianney parecerán
carentes de sentido, crueles, necias, e incluso quizá perversamente
masoquistas. Pero en La filosofía perenne, Aldous
Huxley muestra que solo
a los austeros se les concede un conocimiento místico de Dios. Expresa que no sabemos por
qué es así; solo sabemos que es así.
[...] Años más tarde, cuando hubo convertido a su parroquia y Ars ya no era Ars, dijo a un sacerdote a quien afligía la tibieza de sus propios feligreses: «¿Ha predicado usted? ¿Ha rezado usted? ¿Ha ayunado usted? ¿Se ha disciplinado? ¿Ha dormido usted sobre una tabla? Mientras no haya hecho usted todo esto, no tiene derecho a quejarse».
Fue en el ejercicio de las funciones de canónigo en esta
remota aldea francesa en las que se hizo conocido en toda Francia y el mundo
cristiano. Algunos años después de llegar a Ars, fundó una especie de orfanato
para jóvenes desamparadas. Se le llamó "La Providencia" y fue el
modelo de instituciones similares establecidas más tarde por toda Francia. El
propio Vianney instruía a las niñas de "La Providencia" en el
catecismo, y estas enseñanzas llegaron a ser tan populares, que se daban todos
los días en la iglesia ante grandes multitudes.
Aunque tuvo éxito, "La Providencia" tuvo que ser
cedida en 1847 porque Juan María pensaba que no estaba justificado mantenerla
frente a la oposición de mucha buena gente. Así, aunque se aseguró el futuro de
esa institución tan querida por él, vivió la cesión con dolor. El apostolado de
Vianney en Ars le ocasionó no pocos sufrimientos. Al principio hubo de soportar
las calumnias de algunos parroquianos, y luego las difamaciones de los
sacerdotes de las poblaciones cercanas.
Pero la principal labor del Cura de Ars fue la
dirección de almas. No llevaba mucho tiempo en Ars cuando la gente empezó a
acudir a él de otras parroquias, luego de lugares distantes, más tarde de todas
partes de Francia, y finalmente de otros países.
Ya en 1835, su obispo le prohibió asistir a los retiros
anuales del clero diocesano porque «las almas le esperaban allí». Desde 1830
hasta que enfermó en 1843, pasó de dieciséis a dieciocho horas diarias en el
confesonario, sin ayuda siquiera de un teniente cura, que recién le fue
asignado en 1843, luego de haber enfermado gravemente y de apenas salvarse de
la muerte. Incluso después de su enfermedad, continuó con su régimen de vida
sumamente austero y sus confesiones. Su consejo era buscado por obispos,
presbíteros, jóvenes y mujeres con dudas sobre su vocación, aristócratas y
plebeyos, damas de sociedad, intelectuales y labriegos, personas con toda clase
de dificultades y enfermos. En 1855, el número de peregrinos había alcanzado
los veinte mil al año. Las personas más distinguidas visitaban el pueblo con la
finalidad de ver al cura de Ars y oír su enseñanza cotidiana.
La iglesia estaba repleta durante todo el día, a partir de
las primeras horas de la mañana. La gente formaba cola para recibir los
sacramentos [...] La gente se arrodillaba en las capillas laterales, detrás del
altar mayor, en el santuario, o permanecía de pie en la escalinata de la
iglesia. Los penitentes debían pagar suplentes para que les guardaran el lugar
mientras iban a almorzar. Los obispos aguardaban su turno como todo el mundo.
Solo a los enfermos y a los impedidos se les concedía el privilegio de no
formar cola, y el padre Vianney parecía intuir su presencia, pues abría la
puerta del confesonario y los hacía salir de entre el gentío. Fue necesario
abrir nuevos hoteles para dar alojamiento nocturno a los peregrinos, aunque en
verano muchos de ellos dormían a campo abierto.
El cura dedicaba la mayor parte del día a los peregrinos.
Comenzaba a escuchar confesiones a la una de la mañana y a veces a medianoche.
Seguía confesando hasta las seis o siete, hora en que celebraba misa. En cuanto
acababa su acción de gracias entraba (hasta 1834 sin romper el ayuno) en el
confesonario nuevamente y permanecía allí hasta las diez y media, hora en
que recitaba prima, tercia, sexta y nona, de rodillas frente al
altar mayor. A las once prestaba instrucción
catequística, después de lo cual escuchaba más confesiones. A mediodía
almorzaba de pie, un tazón de sopa o de leche y unos gramos de pan seco.
Después de visitar a los enfermos, regresaba a la iglesia, recitaba vísperas y
completas y confesaba hasta las siete u ocho de la noche, hora en que rezaba
el rosario desde el púlpito. Cinco horas
más tarde estaba de vuelta en la iglesia para comenzar otra jornada de trabajo.
Y esto continuó así, día tras día, durante más de treinta años.
Murió el 4 de agosto de 1859. Sus restos mortales se
conservan incorruptos en el santuario de
Ars, el pequeño lugar al que dedicó su vida como presbítero y donde falleció.
Notas de la espiritualidad de Vianney
Su humildad
Durante casi todo el período de tiempo vivido en Ars, Juan
María Vianney experimentó una profunda crisis, derivada en buena medida de
considerarse a sí mismo incapaz y no idóneo para el ministerio pastoral.
Deseaba retirarse en soledad. Era tan humilde que no se percataba de su
propia humildad, y casi se hundía en la preocupación ante la idea de que jamás
en la Historia de la Iglesia se había canonizado a
un sacerdote parroquial.
Es terrible tener que comparecer ante Dios como sacerdote de
una parroquia.
Juan María Vianney
Vianney hacía caso omiso del comportamiento de muchos
peregrinos y parroquianos que ya en vida lo consideraron un santo, o de
vulgares coleccionistas de reliquias que llegaban a recortar trozos de su
sotana mientras él pasaba entre la muchedumbre, o que robaban su breviario o
catecismo para tener algo de él.
Y aún en el último año de vida, cuando en la festividad
de Corpus Christi, se sintió demasiado débil para
transportar la eucaristía en procesión para su adoración, y solo pudo sostener la custodia para bendecir a la gente, lloraba
mientras se preguntaba:
"No sé si he realizado bien las
funciones de mi ministerio".
Juan María Vianney
La humildad, el amor y la fidelidad por su misión en la
cotidianidad y simplicidad diarias fueron el esqueleto de su vocación. Y si
bien recibió honores, los rechazó sistemáticamente. La cruz de la Legión de Honor que se le otorgara fue vista
en público por primera vez cuando se la colocó en su ataúd.
Su discernimiento
Fueron muchos, entre quienes se arrodillaron en el
confesionario de Ars, los que aseguraron que Juan María Vianney parecía saber
todo de ellos sin conocerlos. Resulta difícil desestimar esto, por el elevado
número y variedad de esos testimonios. A modo de ilustración, se toman dos
ejemplos citados por su historiador Francis Trochu y reproducidos por Antonio Royo Marín:
Un joven de Lyon [...] se había confesado con el cura de Ars.
De repente, Vianney lo detuvo:
— Amigo, no lo has dicho todo.
— Ayúdeme usted, Padre; no puedo recordar todas mis faltas.
— ¿Y aquellos cirios que hurtaste en la sacristía de San Vicente?
Era exacto.
— Amigo, no lo has dicho todo.
— Ayúdeme usted, Padre; no puedo recordar todas mis faltas.
— ¿Y aquellos cirios que hurtaste en la sacristía de San Vicente?
Era exacto.
— ¿Cuánto tiempo lleva
usted sin confesarse? —preguntó un día Juan María Vianney a un pecador
empedernido que le enviaron—.
— ¡Oh!, cuarenta años.
— Cuarenta y cuatro, replicó Vianney.
El hombre sacó un lápiz e hizo una resta en la pared.
— Es mucha verdad —confesó llanamente—
— ¡Oh!, cuarenta años.
— Cuarenta y cuatro, replicó Vianney.
El hombre sacó un lápiz e hizo una resta en la pared.
— Es mucha verdad —confesó llanamente—
Parecía que Vianney conocía a quien tuviese delante, y
ciertamente no por haber tenido relación anteriormente, o por haber recibido
información previa, ni mucho menos por telepatía. Se considera que la única
explicación posible del conjunto es que supiese «leer las conciencias»,
escrutar el interior del ser humano, e incluso enderezar su camino en el
discernimiento vocacional y espiritual.
Sus sermones
En 1845, el Cura de Ars confió sus sermones compuestos entre
los años 1818 y 1827 al presbítero Adrien Colomb de Gast a fin de publicarlos
en una librería de Lyon, con la previa y severa aprobación eclesiástica. Los
hermanos del instituto canónico «Cinq Plaies» descifraron y transcribieron los
sermones. Hoy solo se conservan 85 cuadernos que contienen 113 sermones
enumerados en tal orden por el mismo santo. 81 cuadernos fueron llevados a la
casa madre de las Canónicas Regulares de la Inmaculada Concepción. Al costado
de este cofre se puso el sermón sobre los muertos en un cuadro con doble
cristal. El sermón sobre los Macabeos fue llevado al Vaticano. El sermón sobre
los deberes de los padres para con sus hijos fue confiado al arzobispo de Lyon.
Los sermones 101 al 112 parecen haber sido destinados a los retiros, mientras
que existen incluso dos o tres sermones para el mismo domingo o fiesta de
guardar.
Reconocimiento de la Iglesia católica y legado
El 3 de octubre de 1874 Juan Bautista María Vianney fue
proclamado venerable por Pío IX y
beatificado el 8 de enero de 1905. El papa Pío X lo
propuso como modelo para el clero parroquial. En 1925 el papa Pío XI lo
canonizó. Su fiesta se conmemora el 4 de
agosto, ocasión en que se celebra además el día del párroco.
El papa Juan XXIII escribe
en 1959 la encíclica Sacerdotii nostri primordia, en la cual realza, en el
centenario de la muerte del santo, las virtudes primordiales de todo sacerdote:
la oración, la eucaristía y el celo apostólico.
Cincuenta años más tarde, el papa Benedicto
XVI proclamó un año completo conmemorando los 150 años de san Juan
María: del 19 de junio de 2009 al 11 de junio de 2010. Nombrado patrono de
todos los sacerdotes católicos, ese año fue llamado el Año sacerdotal.
A partir de su reconocimiento en la Iglesia católica, Juan
María Vianney fue figura de referencia de los párrocos y motivo de comparación
con otras personalidades en virtud de la dedicación pastoral. Así, Juan Pablo
II asoció al presbítero José Gabriel Brochero —Santo argentino
conocido como «el cura Brochero»— con Juan María Vianney. El 7 de abril de
2009, el obispo Carlos José Ñáñez, señaló la respuesta que Juan
Pablo II pronunció cuando se le explicó quién era Brochero:
«Entonces el cura
Brochero sería el Cura de Ars de la Argentina»
Juan Pablo II
Lo mismo reiteró el obispo de Cruz del Eje, Santiago Olivera, el 4 de mayo
de 2009, y más tarde el arzobispo de Santa Fe y presidente de la Conferencia Episcopal Argentina, José María Arancedo.
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1859:
Nace Knut Hamsun, escritor noruego, premio Nobel de
Literatura en 1920 (fallecido en 1952).
Knut Hamsun, nacido Knut Pedersen (Vågå, 4 de
agosto de 1859-Grimstad, 19 de
febrero de 1952), fue un escritor noruego. Junto
con August Strindberg, Henrik
Ibsen y Sigrid Undset, conformó un cuarteto de autores escandinavos que
alcanzaron fama mundial; sin embargo, la gran popularidad de la que gozaba
antes de la Segunda Guerra Mundial se vio muy
mermada, a los ojos de los aliados, debido a su apoyo al régimen
nazi y a la figura de Adolf
Hitler.
Su obra, que le valió el premio Nobel de Literatura en 1920,
es considerada una de las más influyentes en la novela del siglo xx.
Nacido en el medio rural, con sólo tres años pasó de vivir en
el sur de Noruega a Hamarøy, cerca del Círculo Polar Ártico, donde su familia nunca
llegó a integrarse.1
Ejerció diversos oficios durante su vida, errante y aventurera. En 1882 se
trasladó a los Estados Unidos, donde, permanecería, en dos periodos
de tiempo, hasta 1888.23
Fruto de su experiencia como emigrante, en 1889 escribió Fra det moderne
Amerikas Aandsliv (La vida espiritual de la América moderna), donde
realiza una crítica irónica y amarga de la vida en este país.
En 1888 escribió la novela que le abriría las puertas de la
fama, Sult (Hambre), narración con rasgos autobiográficos que trata
la historia de hambre, pobreza y camino a la locura de un periodista acosado
por los importantes desajustes físicos y psicológicos. En varios aspectos, esta
novela presagia los escritos de Franz
Kafka y de otros novelistas del siglo xx que exploraron la
locura de la condición humana contemporánea. Desde su publicación ha sido una
de las novelas más influyentes de su siglo.
Su vida, como dice Lars Frode Larsen, abarcó desde
el tiempo de los carromatos hasta el de la bomba
atómica. Alcanzó los noventa y dos años de edad y sintió desde muy joven
ese impulso irrefrenable que enfoca todos los esfuerzos vitales hacia un fin
huidizo: quería ser escritor. Su sensibilidad natural le hacía quedarse
maravillado con la simple elocuencia de una palabra con la que expresar una
idea bella, o con la naturaleza de un paisaje. En un artículo que publicó cuando
tenía veintinueve años (publicaría su primera gran novela, Hambre, dos
años después), dijo que los escritores «vivimos porque nos expresamos». Y así
había de transcurrir su vida: escribiendo.
Su admiración por la vida bucólica y su rechazo a la gran
ciudad lo llevarían a pasar grandes etapas de su vida en una cómoda cabaña del
bosque, donde apenas si dejaba entrar a su mujer cuando estaba escribiendo.
Este entorno inspiró algunas de sus grandes novelas, como Pan,
o La bendición de la tierra,
que le pusieron en las manos el Nobel de Literatura en 1920. Pero nada saciaría
su ansia por escribir, deseo que expresaba constantemente. «Espero que esta
novela sea la última» era una frase que su familia oyó muchas veces. Pero nunca
consiguió librarse de esa necesidad por expresarse.
Estilo
Hamsun fue uno de los pioneros de la literatura psicológica
con técnicas de corriente de conciencia y monólogo interior, presentes también en obras
de James
Joyce, Marcel Proust, o Virginia
Woolf. De su novela llaman la atención dos factores principales: el
carácter imprevisible de la narración (debido muchas veces a la personalidad
díscola de sus personajes y a la suya propia) y la belleza hipersensible de su
prosa, que rebosa frescura y poesía.
El claroscuro romántico es una constante, especialmente en
las obras iniciales. Hambre, Pan y Misterios, sus tres
primeras novelas, coinciden en esta imprevisibilidad basada en el personaje
principal, siempre complejo, intempestivo, apasionado; personajes asociales que
sienten un dolor profundo por su inadaptación. Su evolución literaria en el
siglo xx abandona el individuo y lanza sus redes a la sociedad.
Influencia
La fama de Hamsun tuvo su apogeo desde los años 1920, cuando
recibió el Premio Nobel, y durante la década de 1930, que
marcaría también su ocaso con la II Guerra Mundial.
En 1929, con motivo del 70.º aniversario de Hamsun, se editó
una miscelánea en la que varios de los escritores más reputados de la época,
como Thomas Mann —quien le describió como «descendiente
de Fiódor Dostoievski y Friedrich Nietzsche» y dijo que nunca se había
concedido el premio Nobel a una persona más merecidamente—, Maxim
Gorki, André Gide, John
Galsworthy y H.G. Wells lo homenajearon como a un maestro.
Isaac Bashevis Singer, en el prefacio de una
edición estadounidense de Hambre, dice que Hamsun «es en todos los
sentidos el padre de la literatura moderna —con su subjetividad, su
impresionismo, su uso de la retrospectividad, su lírica [...]— toda la
literatura moderna de nuestro siglo se puede remontar hasta Hamsun».
Hamsun también fue una importante influencia para escritores
como Franz Kafka, Stefan
Zweig, Hermann Hesse y los estadounidenses Ernest
Hemingway, quien afirmaba que «Hamsun me enseñó a escribir»; Henry
Miller, Paul Auster, John Fante y Charles
Bukowski, quien le consideraba «el mayor escritor que ha vivido jamás».
********
1875:
Muere Hans Christian Andersen, escritor danés
(nacido en 1805).
Hans Christian Andersen (Odense, 2 de abril de 1805 - Copenhague, 4 de
agosto de 1875) fue un escritor y poeta danés,
famoso por sus cuentos para niños, entre
ellos El patito feo, La
sirenita y La reina de las nieves. Estas tres obras de
Andersen han sido adaptadas a la gran pantalla por Disney.
(Odense, Dinamarca, 1805 - Copenhague, 1875) Escritor danés.
Inscrita en el romanticismo, su obra comprende diversos libros de poemas,
novelas y piezas para el teatro; sin embargo, Hans Christian Andersen debe su
celebridad a las magníficas colecciones de cuentos de hadas que publicó entre
1835 y 1872. Son creaciones suyas relatos como El patito feo, La
sirenita, El soldadito de plomo, El sastrecillo valiente o La
reina de las nieves, tan divulgados y conocidos que a veces son tenidos por
cuentos tradicionales anónimos. Por su poderosa inventiva y la equilibrada
sencillez de su estilo y de su técnica narrativa, Andersen es el primer gran
clásico de la literatura infantil.
El más famoso de los escritores románticos daneses fue un
hombre de origen humilde y formación esencialmente autodidacta, en quien
influyeron poderosamente las lecturas de Goethe, Schiller y E.T.A.
Hoffmann. Tuvo una primera niñez bastante serena entre un padre zapatero,
soñador inquieto y librepensador, y una madre más vieja que su marido,
supersticiosa y activa, siempre dispuesta a mimar a su hijo; tal equilibrio
quedó alterado con la muerte del padre (1816), a quien el espejismo de la
guerra napoleónica había alejado de la familia, y el segundo matrimonio de la
madre.
En 1819, a los catorce años, Hans Christian Andersen viajó a
Copenhague en busca de fortuna. En vano esperó llegar a ser cantante, actor o
por lo menos bailarín, ni tampoco fueron más afortunadas sus primeras
tentativas poéticas. La crisis que vivía el reino de Dinamarca a raíz de las
duras condiciones del tratado de paz de Kiel y su escasa formación intelectual
obstaculizaron seriamente su propósito.
Sin embargo, con la ayuda de personas adineradas
(especialmente del director teatral Jonas Collin, que medió para que se le
concediese una beca), logró cursar estudios regulares, y en 1828 obtuvo el
título de bachiller. Un año antes se había dado a conocer con su poema El
niño moribundo, que reflejaba el tono romántico de los grandes poetas de la
época, en especial los alemanes. En esta misma línea se desarrollaron su
producción poética y sus epigramas, en los que prevalecía la exaltación
sentimental y patriótica.
En 1830, durante un viaje, pasó la experiencia de su primer
amor, desdichado como los dos que siguieron (por Luisa Collin, la hija de su
protector, y por la soprano Jenny Lind, el famoso "ruiseñor del
Norte"). Entre las numerosas composiciones de este período cabe
destacar Caminata desde el canal de Holmen hasta la punta oriental de
Amager, el vodevil Amor en la torre de San Nicolás y las
recopilaciones de versos Poemas (1830), Fantasías y esbozos (1831), Cuadros
de viaje por el Harz, Suiza, Sajonia, etc., en el verano de 1831 y el
ciclo poético Los doce meses del año.
El escaso éxito de sus obras teatrales y su insaciable
curiosidad lo impulsaron a viajar por Europa. En los años 1833 y 1834 estuvo en
Francia y en Italia, principalmente en París (donde escribió Inés y el
tritón) y en Roma; posteriormente, ya famoso gracias a sus cuentos, visitaría
Alemania, Grecia, Turquía, Suecia, España y el Reino Unido, entre otros países,
y anotaría sus impresiones en interesantes cuadernos y libros de viaje: Bazar
de un poeta (1842), En Suecia (1851), España(1863) y Visita
a Portugal (1866).
En 1835, de regreso tras su primer viaje, alcanzó cierta fama
con la publicación de su novela El improvisador. Además de los cuentos,
son dignas de recuerdo las novelas O.T. (1837), Tan sólo un
violinista (1837), Las dos baronesas (1848), Ser o no ser (1857)
y Pedro el afortunado (1870), todas de inspiración más o menos
autobiográfica, y piezas teatrales como El mulato (1840). Interpretó
su propia vida como un bello cuento en sus repetidas autobiografías: El
libro de la vida (1832-33), El cuento de mi vida (1846) y Mit
Livs Eventyr (1855), reelaboración danesa de la anterior, a la que siguió
un apéndice en los años 1868-69.
Los cuentos de Andersen
Durante una estancia en el Reino Unido, Andersen había
entablado amistad con Charles Dickens,
cuyo poderoso realismo, al parecer, fue uno de los factores que le ayudaron a
encontrar el equilibrio entre realidad y fantasía, en un estilo que hallaría su
más lograda expresión en una larga serie de cuentos. Al regreso de su primer
viaje a Italia, que tuvo la virtud de estimular su fértil imaginación, Andersen
preparó y publicó Cuentos para contar a los niños (Eventyr, fortalte
for børn, 1835), primero de sus famosísimos libros de cuentos infantiles;
nuevas colecciones suyas verían la luz en años sucesivos (1843, 1847, 1852); la
última de ellas fue Nuevos cuentos e historias (Nye eventyr og
historier, 1858-1872).
Inspirándose en tradiciones populares y narraciones
mitológicas extraídas de fuentes alemanas y griegas, así como en experiencias
particulares, Hans Christian Andersen llegaría a escribir, entre 1835 y 1872,
un total de 168 cuentos protagonizados por personajes de la vida diaria, héroes
míticos, animales y objetos animados. Parte de ellos son cuentos populares que
el autor había oído contar en su infancia en Odense y que reproduce con tonos
sencillos de gusto popular y, al mismo tiempo, estilísticamente refinados (por
ejemplo, El eslabón, El pequeño y el gran Claus, Los cisnes
silvestres o El porquero). Otros, como Ole Luköje y La
colina de los elfos, están tomados de leyendas; y algunos, como El vestido
nuevo del emperador, proceden de fuentes literarias.
Con todo, la mayor parte de las historias son pura invención
de Andersen, hecho en que el danés se aparta de la línea de autores que
reelaboraron cuentos tradicionales (como el francés Charles
Perrault en el siglo XVII) o se limitaron a transcribirlos y
compilarlos buscando preservar su pureza y espontaneidad originales (como los hermanos
Grimm). Andersen reveló una poderosa fantasía al convertir incluso a seres
inanimados en protagonistas de sus narraciones, como ocurre en El
soldadito de plomo, El molino de viento, El farol viejo o El
collar. Animales y también plantas son personajes habituales (El ruiseñor, El
sapo, El patito feo, La mariposa, La margarita, El abeto o El
último sueño de la vieja encina), sin que falten por ello los protagonistas
humanos, como en Pulgarcita o El sastrecillo valiente.
La maestría y la sencillez expositiva logradas por Andersen
en sus cuentos no sólo contribuyeron a su rápida popularización, sino que
consagraron a su autor como uno de los grandes genios de la literatura
universal. Dirigidas en principio al público infantil, aunque admiten sin duda
la lectura a otros niveles, las narraciones de Andersen se desarrollan en un
escenario donde la fantasía forma parte natural de la realidad y las peripecias
del mundo se reflejan en historias que, no exentas de un peculiar sentido del
humor, tratan de los sentimientos y el espíritu humanos.
Valiéndose de elementos fabulosos o reales y autobiográficos,
como en el cuento El patito feo, el escritor danés identificó sus
personajes con valores, vicios y virtudes para describir la eterna lucha entre
el bien y el mal y dar fe del imperio de la justicia, de la supremacía del amor
sobre el odio y de la persuasión sobre la fuerza; en sus relatos, los
personajes más desvalidos se someten pacientemente a su destino hasta que el
cielo, en forma de héroe, hada madrina u otro ser fabuloso, acude en su ayuda y
premia su virtud.
***********
1901:
Nace Louis Armstrong, trompetista estadounidense
(fallecido en 1971).
(Nueva Orleans, 1900 - Nueva York, 1971) Trompetista,
cantante y director de grupo de jazz estadounidense. Para definir a este
artista son especialmente adecuadas las palabras de Duke Ellington, quien dijo
que si había un auténtico Mr. Jazz, éste era sin duda Louis Armstrong.
Sus inicios musicales tuvieron lugar en su ciudad natal,
donde tocó con diversos grupos hasta 1922, año en que Joe King Oliver lo
incorporó a su Creole Jazz Band en Chicago, donde se casó con la pianista de la
banda, Lilian Hardin. A raíz de sus actuaciones en la capital de Illinois,
Fletcher Henderson lo invitó a Nueva York en 1924 para tocar en su big band,
con la cual grabó algunos discos que pusieron de manifiesto la creatividad y
originalidad del músico. Su virtuosismo en la improvisación ejerció una gran
influencia en los músicos de jazz neoyorquinos.
En 1925 regresó a Chicago y fundó su propio grupo, un
quinteto (The Hot Five) que posteriormente se transformó en septeto (The Hot
Seven), con el cual se convirtió en uno de los músicos de jazz más reputados
mundialmente y logró que en la década de 1920 Chicago compartiera la
capitalidad mundial del jazz con Nueva York, ciudad a la que regresó a finales
de esa misma década, entre otros motivos, para afianzar su carrera
cinematográfica.
Debutó en el cine con la aparición en la película Ex-flame,
el año en que también se separó de Lilian Hardin. En 1932 realizó una exitosa
gira por el Reino Unido, que repetiría al año siguiente, aunque en esta ocasión
incluyó además en su itinerario Dinamarca, Noruega y Holanda. En 1936, su
popularidad era tal que decidió publicar una autobiografía, que tituló Swing
that music. Siete años después de su separación matrimonial obtuvo el divorcio
y se casó entonces con Alpha Smith. En 1939 participó en la realización
de Swingin' the dream, una versión de El sueño de una noche de verano de
William Shakespeare en clave de jazz. Tras cuatro años de matrimonio, se
divorció de su segunda esposa y contrajo terceras nupcias con Lucille Wilson.
El grupo de Armstrong, que había adquirido la forma de una
big band tras su definitivo traslado a Nueva York en 1929, experimentó una
nueva transformación en 1947: redujo su número de componentes a siete y cambió
su nombre por el de Louis Armstrong and the All Stars. Con este septeto
participó en el Festival de Jazz de Niza (Francia) celebrado en el año 1948,
que es considerado como el primero de la historia. Seis años más tarde publicó
una segunda autobiografía, Satchmo: My live in New Orleans. Durante la
década de 1950 dio conciertos en buena parte del mundo y efectuó giras por
África, Australia y Japón.
Al margen de su faceta musical, Armstrong fue un hombre de
profundas convicciones políticas, que lo condujeron, por un lado, a condenar
públicamente la segregación racial y a cancelar una gira por la Unión Soviética
como protesta contra el régimen comunista gobernante. En 1964, el tema Hello,
Dolly del musical homónimo le proporcionó su primer número uno en las
listas nacionales de éxitos. Al año siguiente, las autoridades municipales de
su Nueva Orleans natal le concedieron la llave de la ciudad. En 1970 se le
rindió un homenaje en el marco del prestigioso Festival de Jazz de Newport, en
el que participaron figuras de la talla de la cantante Mahalia Jackson, Dizzy
Gillespie, Bobby Hackett o The Eureka Brass Band.
********
1903:
El cónclave reunido a la muerte de León XIII que
duró cuatro días y después de siete
votaciones llegan a un acuerdo, eligen al cardenal Giuseppe Melchiorre Sarto
que toma el nombre de Pio X, 257o papa de la Iglesia Católica.
San Pío X (latín: Pius
PP. X) (Treviso, Reino de Lombardía-Venecia,
(actual Italia), 2 de junio de 1835-Roma, 20 de
agosto de 1914) fue el papa 257º de la Iglesia católica entre 1903 y 1914.
*************
Índice
Inicios y carrera[editar]
Condecoraciones[editar]
Índice
Biografía[editar]
Muerte[editar]
Distinciones[editar]
Composiciones
y éxitos famosos[editar]
1916:
Nace Carlos
Julio Ramírez, cantante lírico y actor
colombiano.
Carlos Julio Ramírez, (Tocaima, Cundinamarca, 4 de agosto de 1916 - Miami, Florida, 12 de diciembre de 1986) fue un cantante
lírico y actor colombiano.
Índice
Inicios y carrera[editar]
Su carrera de
cantante se inició cantando en los alrededores de su pueblo junto a su hermana
Alcira Ramírez y en los barcos turistas que recorrían el río Magdalena cerca
al puerto de Girardot, en donde cantó desde los nueve años por unas cuantas
monedas. Poco tiempo después se traslada con su familia a Bogotá,
donde le surgieron diversas oportunidades de crecimiento profesional. Allí le
vinieron presentaciones en el Teatro Municipal, el Teatro Faenza y
varios viajes a Medellín donde el público lo apodó a él y su hermana
"Los Jilgueros de Colombia". En uno de sus viajes conoce al político
conservador Laureano Gómez, quien, maravillado por la voz
de Ramírez, lo inscribe en clases de canto con el profesor Emilio Murillo y lo
matrícula en el colegio internado de la Comunidad
Salesiana de la ciudad de Bogotá. Murillo intentó matricular a
Carlos Julio Ramírez en el Conservatorio
Nacional pero dentro de severos conceptos ortodoxos fue
rechazado por estar "viciado de bambuco".
A la edad de
12 años, Carlos Julio Ramírez debuta en la radío, en un programa de la emisora
bogotana La voz de la Víctor. Allí conoce al maestro Efraín Orozco quien lo lleva a su
primera gira musical por Suramérica.
En 1936, se
lanzaba a buscar suerte en el exterior y marcha a Buenos Aires,
integrando la orquesta del maestro Efraín Orozco, viajó también a Viña del Mar donde
fue escuchado por Homero Manzi y Cátulo Castillo, quienes lo recomendaron a
empresarios bonaerenses. Por aquel entonces, conoció a Carlos Gardel,
de quien se cuenta que le dijo: "Pibe, no te quedes en tu tierra con esa
voz". Cuatro años vivió en la capital Argentina y
durante dos años y medio formó parte de la Compañía de Ópera del Teatro Colón,
donde cantaba junto a Lily Pons y Giacomo Lauri-Volpi. Era el barítono más joven
de la compañía y era considerado como el de mejor porvenir, asimismo recibió
importantes ofertas para cantar en Europa. Emocionado preparó maletas y se
marchó de Buenos Aires. Apenas había llegado a Brasil, cuando estalló la Segunda Guerra Mundial.
Dadas las
circunstancias, cuando aún dudaba si volver a Argentina o regresar a Colombia,
le surgió un contrato para trabajar en el "Casino de la Urca"
en Río de Janeiro, un club nocturno comparable
entonces al Copacabana donde
continuaron sus triunfos como cantante popular. Fue entonces que pensó en
trasladarse a New York.
Llegó en los
años 40 al teatro Metropolitan Opera House. El crítico e
historiador musical Irvinge Kolodin, que
escribía los programas del Metropolitan, dijo que el Largo al factotum de
Ramírez había sido superior a los realizados por los míticos barítonos Titta Ruffo y Ezio Pinza,
en tecnologías anteriores al disco. Desafortunadamente, ignoraba cómo era New
York, y cómo los artistas del Metropolitan eran contratados con bastante tiempo
antes de comenzar la temporada de opera.
Ramírez había
incursionado en la lírica en el Teatro Colón de Bogotá, experiencia que
intensificó al hacer parte de la Compañía de Ópera de Adolfo Bracale y la
Compañía de Zarzuela de Marina Uguetti
En 1944
comienza su incursión el la industria cinematográfica. La productora
cinematográfica estadounidense Metro Goldwyn Mayer decidió contratar a
Carlos Julio para que participara en varias de las producciones de la época,
actuando en siete películas, entre ellas, la producción Escuela de Sirenas.
También presta su voz cantando el Largo Al Factotum de Gioacchino Rossini para el corto animado
del director de cine estadounidense Tex Avery, Magical Maestro en
1952.
Sus primeras
grabaciones de música colombiana las realiza hacia el año de 1952 con temas
como “Bésame morenita”, “El
camino del café”, “La carta”, “Compadre, no me hable de ella”, “Sombras”,
“Arrunchaditos”, “El Trapiche”, y otras, además de muchos temas del repertorio
internacional.
Carlos Julio
sufría de ludopatía y a causa de esto perdió la mayor parte de su fortuna
arruinándose económicamente.
Grabó en 1972
su último disco LP, con arreglos y dirección del maestro Blas Emilio Atehortúa.
Falleció en
la ciudad de Miami el 12 de diciembre de 1986, aquejado por el cáncer.
Condecoraciones[editar]
El 22 de
abril de 1981 el Gobierno Colombiano le otorga la Cruz de Boyacá.
https://www.youtube.com/watch?v=uPKVlFEaBGs
https://www.youtube.com/watch?v=UFkR9X6qaFA
1924:
Nace Domingo Turrubiate Regalado, compositor mexicano.
Nació el 4 de agosto de
1924, en el pueblo de Plateros, municipio de Fresnillo, estado de Zacatecas.
Fueron sus padres Miguel Turrubiate Saenz y Ana María Regalado Hinojosa.
Domingo tuvo tres hermanas. Su padre fue comerciante y músico filarmónico,
tocaba en la pequeña orquesta del pueblo. Cuando Domingo contaba con diez años
de edad murió su padre, por lo que tuvo que abandonar los estudios para
trabajar y ayudar económicamente a su madre. Pero como no salían adelante, su
madre solicitó a su cuñado Silvano Salinas, que se hiciera cargo de Domingo. Lo
llevo al campo, donde vivían él y su esposa Francisca Regalado. Fue pastor
durante dos años, pero decidió irse debido al mal trato que le daban. Buscó a
su padrino de confirmación, José de Jesús López, quien aceptó hacerse cargo de
él. Vivía en un ranchito llamado "El Tule", que estaba a cuatro
kilómetros al norte de Plateros; eran aproximadamente diez casitas alrededor de
un ojo de agua. Ahí trabajó de vaquero y además cultivaba chile, papa,
jitomate, col, cebolla, lechuga y zanahoria. Al venderlas en el pueblo, la
mitad del dinero era para su padrino y la otra mitad para él. Además de esto,
su padrino le pagaba un salario por su trabajo de vaquero. Su tío además de ser
un hombre bueno, era persona con cultura, ya que había adquirido algunas
enciclopedias y libros, que leía y consultaba, así como revistas y
publicaciones mensuales. El fomentó en Domingo el gusto por el estudio y la
lectura; Domingo supo aprovechar esta oportunidad y fue así como pudo aprender
mucho de lo que había sacrificado al dejar la escuela. Los domingos y días
festivos iba a caballo a visitar a su mamá y hermanas, con quienes asistía a
misa; después iba a la ciudad de Fresnillo, que estaba a cinco kilómetros de
distancia, para pasear y ver las películas que exhibían los cines del lugar.
En 1944 se presento en la zona militar de Fresnillo para enlistarse en el servicio militar clase 24, pero como era el sostén de su familia, autorizaron la liberación de su cartilla, sin el trámite previo del sorteo y sin requerir de su presencia semanal para recibir instrucción. Poco después supo que muchos jóvenes de la región iban de braceros a algunas ciudades del país y algunos a los Estados Unidos, lugares donde recibían buena paga a cambio de su trabajo. Unos parientes lo invitaron a viajar a Estados Unidos. No fue fácil convencer a su familia, quienes terminaron aceptando. Su madre empeñó las escrituras de su finca para solventarle los gastos. Fue la primera vez que viajó en tren. En general, la gente estaba reacia a ir, porque corría la voz de que a muchos los enviaban a los campos de combate; la segunda guerra mundial estaba en su apogeo. No obstante, eran muchos los que se apuntaron para ir, pero sólo cinco los que fueron autorizados y aceptados. El se había aumentado la edad. Trabajó en tres estados de la Unión Americana, Montana, Idaho y Washington. Su contrato era en las vías del ferrocarril, pero sólo permaneció en él durante cinco meses, ya que el mayordomo a cargo de las obras y cuadrillas invitó a diez muchachos, entre ellos a Domingo, a ir con él a trabajar como meseros. En este trabajo fue él quien más duró. Como mesero disponía de un poco más de tiempo, por lo que el mayordomo le sugirió inscribirse a un curso de inglés por correspondencia, en la Hemphil School de Los Ángeles, California. De vuelta en su pueblo descansó como medio año, pero como conoció a una chica a la que quería por novia, decidió mejorar su situación económica, por lo que fue a probar suerte a la ciudad de México. En mayo de 1947 salió de su pueblo con el deseo de trabajar y ganar dinero para casarse. A los tres meses recibió la noticia de que su novia se fue con otro. Fue una noticia terrible, y tal su decepción, que durante un tiempo se refugió en la bebida. En esos días compuso su primera canción "Sólo Borracho", a la que siguieron otras, hasta que completó quince.
En noviembre de 1948 regresó a su pueblo y de inmediato entró a trabajar a la mina The Fresnillo, Co., en la ciudad de Fresnillo. Poco después formó el trío Plateros, con Salvador Moreno y Sotero Rodríguez. Entre las canciones que interpretaban incluían las de Domingo. Como la gente no lo sabía, cuando él lo comentaba decían que estaba loco, y otros lo llamaban poeta, por lo que decidió probar suerte como compositor; tenía más de veinticinco canciones. El 12 de septiembre de 1950 viajó a la ciudad de México, después de vender su bicicleta en cincuenta pesos, de 0.720 ley plata. En esa bicicleta iba a trabajar a la mina. Le dió a su madre veinticinco pesos y él viajó con los otros veinticinco. Al acompañarlo a la estación de ferrocarril, sus compañeros del trío trataban de desanimarlo, pero él iba firme, convencido de su decisión. Llegó a la casa de una hermana de su mamá, que vivía en la colonia San Andrés Tetepilco, por el rumbo de Portales. Ahí tuvo la suerte de conocer al compositor Víctor Cordero, quien lo llevo a la XEW, donde lo presentó con el cantante Adrián Gallardo, que le estrenó su canción "Sólo Borracho", en esa estación, después la grabó en Peerless con el Mariachi Pulido, ahora Mariachi México. En febrero de 1951 salió el disco. De inmediato envió uno al pueblo para la sinfonola de la cantina. En los pocos radios del pueblo sintonizaban la W, donde también se escuchaba su canción. Muchos escribieron a la radiodifusora para felicitarlo. Poco después conoció a Pedro Infante, a quien le propuso la misma canción y aunque le gustó, no pudo grabarla por pertenecer a la misma casa grabadora. Mientras tanto, Domingo trabajaba como peón de albañil.
En noviembre de 1951 regresó a su pueblo, con la frente en alto, orgulloso de su logro. Al llegar le organizaron un baile en su honor, donde se cantaron todo tipo de canciones, y por supuesto las suyas, en especial "Sólo Borracho", que fue coreada por todos. Poco después invitó a su madre y a su hermana menor a viajar a la ciudad de México. Sus otras hermanas estaban ya casadas. El se casó después, en 1952. Pasaron algunos años, y en 1956 llegó a México el también compositor Benjamín Sánchez Mota, a quien conocía porque había trabajado en el pueblo durante tres años como panadero. Benjamín convenció a Domingo a volver a probar suerte en la XEW. Otra vez el destino estuvo de su parte, ya que Las Jilguerillas le grabaron su canción "La Fichada", que también obtuvo mucho éxito.
En 1957, trabajó como publicista con Luis Pérez Meza, mientras que al mismo tiempo se unió artísticamente con Antonio Cantoral, con las Hermanitas Nuñez, Las Perlitas y otros. En 1960 conoció a Chucho Nila y perteneció a los siguientes conjuntos, Los Troqueros, Los Pescadores de Guaymas, Nogales, Agua Prieta, Hermosillo, Cananea, Los Rieleros, Los Gallitos del Sur y Los Gavilanes. Recorrió el país con estos grupos, en particular con Los Gavilanes. Alternó en el Blanquita con José Alfredo Jiménez y Amalia Mendoza.
Cuenta con más de cien canciones grabadas, las que más satisfacciones le han dado son sus éxitos "Por el Amor a mi Madre", "Ando como Bala", "Cartucho Quemado", "El Embrujo", "El Retrato de mi Madre", etc. Sus canciones han sido grabadas por Lola Beltrán, Amalia Macías, La Torcacia, Antonio Aguilar, David Zaizar, El Charro Avitia, Lorenzo de Montecarlo, Ray Avila, Las Hermanas López, Los Alegres de Teherán, Cornelio Reyna, Ramón Ayala, Los Tigres del Norte, Los Broncos de Reynosa, Los Gavilanes del Norte, Los Troqueros, Los Gatos Negros y muchos más.
Toca varios instrumentos, como el acordeón de botones, el bajo sexto, bajo cuarto, contrabajo, batería y guitarra. Su mayor satisfacción como compositor fue cuando vio su nombre por primera vez impreso en la etiqueta de un disco, y la canción "Por el Amor a mi Madre". En 1984 recibió la medalla Agustín Lara, de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM), por sus treinta años de compositor. En 1980, en la ciudad de Fresnillo, le hicieron un homenaje con la participación de más de quince grupos musicales.
Le gusta escuchar todo tipo de música. Su deporte favorito es el béisbol, que practicó en su juventud. Desde chico ha sido aficionado a la fiesta charra. Camina diariamente durante una hora. Asiste al cine con frecuencia a ver películas italianas, francesas y americanas. Conserva su gran sentido del humor y su religión. Su primer matrimonio fracasó, era su esposa Alicia Martínez, quien falleció en noviembre de 1992, con ella procreó cinco hijos, Ana María, María Dolores, Miguel, José Luis y Martín. Con su actual esposa, Juana Hernández, con quien vive desde 1965, tiene seis hijos, Genaro, Samuel, Rosaura, Blanca, Cecilia y Juan Manuel.
Su madre falleció en la ciudad de México en 1989, a los ochenta y siete años de edad. Domingo fue jubilado por la SACM en 1991.
En 1944 se presento en la zona militar de Fresnillo para enlistarse en el servicio militar clase 24, pero como era el sostén de su familia, autorizaron la liberación de su cartilla, sin el trámite previo del sorteo y sin requerir de su presencia semanal para recibir instrucción. Poco después supo que muchos jóvenes de la región iban de braceros a algunas ciudades del país y algunos a los Estados Unidos, lugares donde recibían buena paga a cambio de su trabajo. Unos parientes lo invitaron a viajar a Estados Unidos. No fue fácil convencer a su familia, quienes terminaron aceptando. Su madre empeñó las escrituras de su finca para solventarle los gastos. Fue la primera vez que viajó en tren. En general, la gente estaba reacia a ir, porque corría la voz de que a muchos los enviaban a los campos de combate; la segunda guerra mundial estaba en su apogeo. No obstante, eran muchos los que se apuntaron para ir, pero sólo cinco los que fueron autorizados y aceptados. El se había aumentado la edad. Trabajó en tres estados de la Unión Americana, Montana, Idaho y Washington. Su contrato era en las vías del ferrocarril, pero sólo permaneció en él durante cinco meses, ya que el mayordomo a cargo de las obras y cuadrillas invitó a diez muchachos, entre ellos a Domingo, a ir con él a trabajar como meseros. En este trabajo fue él quien más duró. Como mesero disponía de un poco más de tiempo, por lo que el mayordomo le sugirió inscribirse a un curso de inglés por correspondencia, en la Hemphil School de Los Ángeles, California. De vuelta en su pueblo descansó como medio año, pero como conoció a una chica a la que quería por novia, decidió mejorar su situación económica, por lo que fue a probar suerte a la ciudad de México. En mayo de 1947 salió de su pueblo con el deseo de trabajar y ganar dinero para casarse. A los tres meses recibió la noticia de que su novia se fue con otro. Fue una noticia terrible, y tal su decepción, que durante un tiempo se refugió en la bebida. En esos días compuso su primera canción "Sólo Borracho", a la que siguieron otras, hasta que completó quince.
En noviembre de 1948 regresó a su pueblo y de inmediato entró a trabajar a la mina The Fresnillo, Co., en la ciudad de Fresnillo. Poco después formó el trío Plateros, con Salvador Moreno y Sotero Rodríguez. Entre las canciones que interpretaban incluían las de Domingo. Como la gente no lo sabía, cuando él lo comentaba decían que estaba loco, y otros lo llamaban poeta, por lo que decidió probar suerte como compositor; tenía más de veinticinco canciones. El 12 de septiembre de 1950 viajó a la ciudad de México, después de vender su bicicleta en cincuenta pesos, de 0.720 ley plata. En esa bicicleta iba a trabajar a la mina. Le dió a su madre veinticinco pesos y él viajó con los otros veinticinco. Al acompañarlo a la estación de ferrocarril, sus compañeros del trío trataban de desanimarlo, pero él iba firme, convencido de su decisión. Llegó a la casa de una hermana de su mamá, que vivía en la colonia San Andrés Tetepilco, por el rumbo de Portales. Ahí tuvo la suerte de conocer al compositor Víctor Cordero, quien lo llevo a la XEW, donde lo presentó con el cantante Adrián Gallardo, que le estrenó su canción "Sólo Borracho", en esa estación, después la grabó en Peerless con el Mariachi Pulido, ahora Mariachi México. En febrero de 1951 salió el disco. De inmediato envió uno al pueblo para la sinfonola de la cantina. En los pocos radios del pueblo sintonizaban la W, donde también se escuchaba su canción. Muchos escribieron a la radiodifusora para felicitarlo. Poco después conoció a Pedro Infante, a quien le propuso la misma canción y aunque le gustó, no pudo grabarla por pertenecer a la misma casa grabadora. Mientras tanto, Domingo trabajaba como peón de albañil.
En noviembre de 1951 regresó a su pueblo, con la frente en alto, orgulloso de su logro. Al llegar le organizaron un baile en su honor, donde se cantaron todo tipo de canciones, y por supuesto las suyas, en especial "Sólo Borracho", que fue coreada por todos. Poco después invitó a su madre y a su hermana menor a viajar a la ciudad de México. Sus otras hermanas estaban ya casadas. El se casó después, en 1952. Pasaron algunos años, y en 1956 llegó a México el también compositor Benjamín Sánchez Mota, a quien conocía porque había trabajado en el pueblo durante tres años como panadero. Benjamín convenció a Domingo a volver a probar suerte en la XEW. Otra vez el destino estuvo de su parte, ya que Las Jilguerillas le grabaron su canción "La Fichada", que también obtuvo mucho éxito.
En 1957, trabajó como publicista con Luis Pérez Meza, mientras que al mismo tiempo se unió artísticamente con Antonio Cantoral, con las Hermanitas Nuñez, Las Perlitas y otros. En 1960 conoció a Chucho Nila y perteneció a los siguientes conjuntos, Los Troqueros, Los Pescadores de Guaymas, Nogales, Agua Prieta, Hermosillo, Cananea, Los Rieleros, Los Gallitos del Sur y Los Gavilanes. Recorrió el país con estos grupos, en particular con Los Gavilanes. Alternó en el Blanquita con José Alfredo Jiménez y Amalia Mendoza.
Cuenta con más de cien canciones grabadas, las que más satisfacciones le han dado son sus éxitos "Por el Amor a mi Madre", "Ando como Bala", "Cartucho Quemado", "El Embrujo", "El Retrato de mi Madre", etc. Sus canciones han sido grabadas por Lola Beltrán, Amalia Macías, La Torcacia, Antonio Aguilar, David Zaizar, El Charro Avitia, Lorenzo de Montecarlo, Ray Avila, Las Hermanas López, Los Alegres de Teherán, Cornelio Reyna, Ramón Ayala, Los Tigres del Norte, Los Broncos de Reynosa, Los Gavilanes del Norte, Los Troqueros, Los Gatos Negros y muchos más.
Toca varios instrumentos, como el acordeón de botones, el bajo sexto, bajo cuarto, contrabajo, batería y guitarra. Su mayor satisfacción como compositor fue cuando vio su nombre por primera vez impreso en la etiqueta de un disco, y la canción "Por el Amor a mi Madre". En 1984 recibió la medalla Agustín Lara, de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM), por sus treinta años de compositor. En 1980, en la ciudad de Fresnillo, le hicieron un homenaje con la participación de más de quince grupos musicales.
Le gusta escuchar todo tipo de música. Su deporte favorito es el béisbol, que practicó en su juventud. Desde chico ha sido aficionado a la fiesta charra. Camina diariamente durante una hora. Asiste al cine con frecuencia a ver películas italianas, francesas y americanas. Conserva su gran sentido del humor y su religión. Su primer matrimonio fracasó, era su esposa Alicia Martínez, quien falleció en noviembre de 1992, con ella procreó cinco hijos, Ana María, María Dolores, Miguel, José Luis y Martín. Con su actual esposa, Juana Hernández, con quien vive desde 1965, tiene seis hijos, Genaro, Samuel, Rosaura, Blanca, Cecilia y Juan Manuel.
Su madre falleció en la ciudad de México en 1989, a los ochenta y siete años de edad. Domingo fue jubilado por la SACM en 1991.
https://www.youtube.com/watch?v=avKXZH6QCpc
1933:
Nace Octavio Mesa, compositor y cantante colombiano.
Octavio Mesa Gómez Santa Rosa de Osos , Antioquia, Colombia, 4 de Agosto de 1933 - Medellín, Colombia, 12 de marzo de 2007), fue un compositor y
cantante colombiano,
oriundo de Santa Rosa- Antioquia,
es considerado como El Rey de la Música Guasca, género musical muy
particular y popular en Antioquia y el Eje cafetero.
Índice
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·
2Muerte
Biografía[editar]
Durante su
trayectoria artística fue representante del folclor y las tradiciones
campesinas, lo cual le permitió escribir parte de la historia de la música
antioqueña.
En 1938 se
grabó la primera canción parrandera, llamada El 24 de diciembre,
interpretada por El Mono González, pionero de los cantantes
parranderos. Con el paso de los años, a la música parrandera llegó Octavio
Mesa, quien impuso un nuevo aire cuyo efecto fue aumentar las ventas y atraer
nuevos seguidores.
Antes de
Octavio Mesa, otros cantantes habían comenzado a trabajar de lleno este estilo
musical. El Mono González, Carlos Muñoz, Antonio Posada, Los trovadores del
recuerdo, Los relicarios, José Muñoz y Los hermanos Bedoya, fueron los pioneros
del que quizás es el único estilo musical propio que Antioquia le ha aportado
al folclor colombiano.
Octavio Mesa
comenzó a componer y cantar canciones parranderas a mediados de los años 50,
cuando las letras sólo manejaban un aire picaresco y de doble sentido, su
principal característica fue su canto directo sumado con palabras de grueso
calibre. Octavio se lanzó con la canción Los Relajos del Arriero,
donde el tono y las palabras se dejaron de disimulos, contando esas historias
divertidas, muy comunes en la vida cotidiana del pueblo campesino, El
Arriero Mayor, como se conocía el artista, fue quien convirtió al género en
un conjunto de canciones de tono subido que dispararon las ventas e hicieron
reír a la gente, sin miedo a la crítica de una sociedad con doble moral. Mesa
fue el rey, pero de la música parrandera vulgar, abierta y sin tapujos, no
obstante, se defiende la autenticidad del intérprete y autor, al decir que su
virtud era mostrar cómo es que realmente hablaban y pensaban muchos de
los Paisas de años atrás.
Muerte[editar]
La muerte de
Octavio Mesa fue un momento triste, pero no un golpe que pueda desestabilizar a
este género que lleva ya varias décadas en el mercado, el auge de la música
parrandera en cada diciembre es tan grande en Colombia que sería muy difícil
imaginar una Navidad sin esas canciones de doble sentido y subidas de tono que
indican que se aproxima fin de año, Octavio Mesa jugó un importante papel en la
historia de la música parrandera al incorporar un estilo más atrevido y
picaresco que despertó las más variadas opiniones dentro de la sociedad
antioqueña, su muerte entristeció a muchos seguidores, pero gracias al trabajo
de nuevos cantantes y grupos, incluido su hijo Róbinson, este estilo cada día
se introduce a nuevas generaciones y a distintos espacios sociales.
Juanes ha
manifestado en muchas ocasiones su admiración y afecto por Octavio Mesa, a
quien considera un valor definitivo de la cultura popular antioqueña y
colombiana. Al punto que la famosa canción de Juanes de título La
camisa negra, muy popular en todo el mundo, fue creada por este cantautor.
El cantautor
falleció el 12 de marzo de 2007 en Medellín,
al parecer víctima de un infarto además de complicaciones renales.1
Distinciones[editar]
Octavio Mesa
ha recibido varias distinciones, entre ellas una por parte del Concejo de la
ciudad de Medellín.
Composiciones
y éxitos famosos[editar]
Aunque Mesa
no fue el iniciador de la música parrandera, desde mediados de los 50 comenzó
con este estilo al lado de otros como José Bedoya y Joaquín Acevedo. De ahí en
adelante, descubrió un nicho en la música guasca y lo siguió. No fue el
iniciador pero sí el rey de las canciones de doble sentido Mesa compuso más de
2.600 canciones guascas y de parranda en 50 años de carrera artistica. Algunas
son:
·
Los relajos del Arriero
·
El dentista
·
Merceditas
·
La putería
·
El jornalero
·
El Chisme
·
El zapatero
·
Llegó verraco
De los cuales
compiló 19 de sus favoritos, en el álbum Los Relajos Del Arriero,
lanzado alrededor del 2003/2004
https://www.youtube.com/watch?v=Ma78M6f7UHY
https://www.youtube.com/watch?v=t5mgEKRB874
1939:
Nace Piper Pimienta (Edulfamid Molina Díaz), cantautor colombiano (f. 1998).
Edulfamid Molina Díaz (Puerto Tejada, 4 de agosto de 1939 - Cali, 4 de junio de 1998) fue un cantante y autor colombiano de música tropical y salsa. Conocido en el mundo artístico como Piper Pimienta, su particular estilo de bailar le reportaron fama de gran bailarín.
Índice
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Primeros años[editar]
Piper Pimienta creció en Cali, en el populoso y tradicional barrio Obrero al cual se habría desplazado junto con su familia a muy corta edad.
En su juventud realizó diversos oficios que no estaban relacionados con la música, pero sus dotes de bailarín y su voz lo llevaron a participar en diferentes concursos de aficionados.
Nombre artístico[editar]
Existen versiones encontradas acerca del origen del sobrenombre “Píper Pimienta”, en algunos círculos se menciona que debido a su contextura física, alto y algo desgarbado, un familiar suyo lo asociaba con la figura de un fruto de pimienta por lo que comúnmente se refería a él como Píper.1 Otros afirman que el mote se lo puso un tío suyo, Lino, debido a su delgadez y baja estatura, cuando era niño, pues decía que su aspecto era comparable con unos pequeños aviones de combate de la Segunda Guerra Mundial 'Pepeer' (refiriéndose probablemente a aviones de entrenamiento Cub y Super Cub de la "Piper Aircraft").2 En 1975 en una función en la cual compartía escenario con el peruano Memo Donix, este lo presenta como "El Gran Píper Pimienta" en una especie de pleonasmo (pepper es pimienta en inglés). Sin embargo, el propio Edulfamid afirmaba que su nombre artístico venía de su singular forma de bailar.
Carrera musical[editar]
Píper Pimienta inició su carrera artística en 1961 como integrante de la orquesta de salsa "Sonora del Pacífico", para pasar luego a ser parte de otra pequeña orquesta denominada "Los Supremos".3
Comenzando la década de los años 1970, fue llamado por Julio Ernesto Estrada -conocido como Fruko- para que vocalizara el segundo trabajo de su nueva agrupación -Fruko y sus Tesos-, el álbum "A la memoria del muerto" de Discos Fuentes, fue un éxito en las emisoras colombianas. Igualmente participó en otros proyectos de Estrada, entre ellos The Latin Brothers, con el que grabó el éxito más arrollador de su carrera "Las caleñas son como las flores", de Arturo J. Ospina, y que hizo famoso el lema "Cali es Cali, lo demás es loma". Otros éxitos fueron "Duelo de Picoteros", "Velorio y baile", "Sucesos" y "Buscándote". En 1977 pasó brevemente por la orquesta de Cheche Mendoza y se escuchó insistentemente en la radio con el tema "Por un solo camino", grabado para el sello Discomoda.
A finales de la década se uniría a otras estrellas de renombre de la salsa colombiana en la orquesta Colombia All Stars interpretando canciones como Cañaveral, Así Se Baila, Varón Varón, Amor Mezclado, Mosaico del Recuerdo, entre otras.
En 1980 con la disquera Discos Fuentes, realizó grabaciones con Latin Brothers y con Fruko y sus Tesos en el álbum "Las Flores". Participó en grabaciones con Michi Sarmiento ("Nostalgia caleña") y con la Fuentes All Stars con el tema "Echa pa'lante camará" de su propia autoría. En 1984 pasó a discos FM y con el respaldo del Combo Candela grabó "La guagua", otra cumbia-salsa. Luego formó su propia banda sin mucho éxito. Los siguientes años los pasó con su orquesta en diferentes escenarios de Cali y otras ciudades, donde su presencia singular con vestido blanco de pies a cabeza, incluyendo sombrero de ala ancha, respaldado con sus dotes de bailarín y presentándose como "El Showman de la salsa", gustaba en los sectores que lo recordaban como un grande de la salsa e impulsor de su divulgación en Colombia.
En los años 1980 fue asesinado su hijo John Jairo. Volvió a grabar con Discos Fuentes el álbum "Sucesos" en 1990. Aunque con poco éxito en Colombia, en México tuvo acogida el tema "Nunca fui tan feliz". El 11 de noviembre de 1991 un incendio destruyó su casa, arrasando con sus recuerdos y sus partituras con toda su historia musical. Se vio forzado a cancelar una gira por México.
Últimos años[editar]
Píper Pimienta vivió sus últimos años aquejado de fuertes quebrantos de salud. En 1992, una trombosis le paralizó medio cuerpo y tuvo que recurrir a la caridad de sus colegas y de la disquera para costear los gastos médicos. Con una terapia intensiva adquirió un paso vacilante, acompañado de un bastón, y siguió cantando donde era invitado.
Durante el último año de vida recuperó sus facultades vocales y organizó su nueva orquesta a la que bautizó "The Black Brothers". Se presentaba en escenarios de Cali y esporádicamente en la televisión peruana. En la época de su asesinato estaba planeando una gira por Perú, Argentina y Chile, ensayaba con su orquesta y tenía como proyecto la grabación de un CD con un repertorio nuevo, en su mayoría compuesto por él, donde pensaba incluir "La panochera" y "Flor de Cali" que cantaba en presentaciones personales.
Asesinato[editar]
El 4 de junio de 1998 fue asesinado en su residencia del barrio La Rivera, en el oriente de Cali. Al parecer, el cobro de una deuda sería el motivo del crimen. Cuando estaba en el ante jardín, un desconocido lo atacó a tiros y luego huyó en una moto. Las autoridades investigaban la veracidad de una versión según la cual recientemente Píper había ganado una demanda a un empresario que no le había pagado unas presentaciones.
Éxitos interpretados[editar]
Píper Pimienta interpretó gran cantidad de éxitos musicales entre los que se destacan:
· Las Caleñas Son como las Flores.
· Buscándote.
· A la Memoria del Muerto.
· Cachumbambe
· A la Loma de la Cruz
· Valluna
· Cañaveral
· Duelo de Picoteros
· La Fruta Bomba
· Que No Muera la Rumba
· La Guagua
· Oriza
· El Látigo
· Nunca Fui Tan Feliz
· Las Flores
· Sucesos
· Bomba en Navidad
· Sombra de un Pasado
· Dale al bombo
· Ahah resucitado
https://www.youtube.com/watch?v=o99qMU0yTR0
https://www.youtube.com/watch?v=p22GRlFrpMA
https://www.youtube.com/watch?v=BkhBDAsIkVE
https://www.youtube.com/watch?v=opZyvR2jhec
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1940:
Nace Larry Knechtel,
tecladista y guitarrista estadounidense de rock (fallecido en 2009).
William Lawrence Larry Knechtel (Bell, 4 de
agosto de 1940 - Yakima, 20 de
agosto de 2009) fue un tecladista y bajista estadounidense, mejor conocido
por su trabajo como músico de sesión con artistas como Simon & Garfunkel, Duane Eddy, The
Beach Boys, The Mamas & the Papas, The
Monkees, The Partridge Family, The Doors, Elvis
Presley, y como miembro de la banda Bread (de
los años setenta).
Larry Knechtel comenzó su educación musical desde muy niño,
con lecciones de piano. En 1957, se unió a la banda de rock and roll Kip Tyler
and the Flips, de Los Ángeles. En agosto de 1959 se unió al
instrumentista Duane Eddy como miembro de su banda The Rebels.
Después de cuatro años recorriendo el país con la banda, empezó a dedicarse a
trabajar como músico en los estudios de grabación. Larry Knechtel se convirtió
en parte importante de la escena de músicos de sesión de Hollywood, trabajando
con el productor Phil Spector como pianista para ayudarlo a crear
el famoso efecto «muro de sonido». Larry Knechtel se convirtió en un
destacado miembro de The Wrecking Crew (‘brigada de demolición’), un conjunto
disperso de músicos de estudio que interpretaron las canciones más importantes
de esa época.
En 1970 ganó un premio
Grammy por su arreglo para piano en la canción «Bridge over troubled water», compuesta
por el dúo Simon y Garfunkel.
También tocó el piano en el éxito de 1972 «Rockin’ pneumonia
and the boogie woogie flu», de Johnny
Rivers.
Larry Knechtel era hábil en varios instrumentos, en
particular, la armónica y el bajo
eléctrico, que se pueden escuchar en Mr. Tambourine Man (de la
banda The
Byrds), Stoney end (de Barbra
Streisand), y en los discos de The Doors (que
no tenían su propio bajista). En 1971 se unió a la banda Bread, donde sus
contribuciones incluyen el solo de guitarra en el single hit «The Guitar Man»,
y el solo de sintetizador moog en «Suite: clouds, rain».
Durante los años
ochenta, Larry Knechtel se mudó a Nashville,
donde firmó un contrato discográfico como solista. En 1990 lanzó dos álbumes
solistas en rápida sucesión: Mountain moods y Urban gypsy.
En los años posteriores, Larry Knechtel vivió en semirretiro
en Yakima (estado de Washington), hasta
su muerte. Sin embargo, trabajó con el productor Rick Rubin,
contribuyendo desde los teclados en vario álbumes de Neil
Diamond y las Dixie Chicks, estuvo de gira con Elvis
Costello en la gira de Taking the long way, el álbum de Costello
ganador del Grammy. En 2007 fue incluido en el The Musician's
Hall of Fame (Salón de la Fama de los Músicos) con sus compañeros músicos de
estudio de The Wrecking Crew.
Durante esa época, Larry Knechtel siguió contribuyendo como
músico invitado en numerosas grabaciones para decenas de artistas del noroeste
de Estados Unidos, incluyendo Wayman Chapman, Ken
Stringfellow (de Posies, REM y Big Star), Quakers On Probation, Dimestore Mystery, Elba, Animals at Night, Zera Marvel, Colin Spring y su propio
hijo, Lonnie Knechtel.
Fallecimiento
Larry Knechtel murió el 20 de agosto de 2009, en el Yakima
Valley Memorial Hospital (en la ciudad de Yakima), a la edad de 69 años,
aparentemente de un ataque al corazón.6 Le
sobrevivieron su madre (Edna Knechtel), su hijo (Lonnie), su hija (Shelli
Kokenge), dos hermanos (Don y Bob) y sus dos nietos.
https://www.youtube.com/watch?v=H_a46WJ1viA
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Índice
Niñez y carrera[editar]
1945:
Nace Freddy
Molina, compositor colombiano.
Nació en el corregimiento de
Patillal, el 4 de agosto de 1945. Desde muy pequeño mostró las capacidades
innatas para componer versos, que al transcurrir el tiempo, se convirtieron en
los más populares cantos. Con notas melódicas narró en sus canciones las
semblanzas naturales de los lugares bañados por el Río Guatapurí. Dio a conocer
en sus estrofas la hermosura de la histórica Malena, que es orgullo de los
habitantes de su pueblo. Su obra se establece en el marco del estilo romántico
depurado narrativo y costumbrista.
La muerte súbita lo sorprende apenas a los 27 años el 14 de octubre de 1972. Otros títulos de sus obras: "Amor sensible", "A nadie le cuentes", "Los novios", "Tiempos de cometas" y "Virgen de las Mercedes". Todos sus cantos guardan un mensaje visionario. Fue un intérprete excepcional de la concertina y la guitarra. "El indio desventurado" es una especie de Romero y Julieta a lo criollo. Paseo que narra un romance vivido por una pareja indígena de la Sierra Nevada de Santa Marta, hacia donde el hombre lleva a su amada para que no sufra los rigores de la ausencia.
La muerte súbita lo sorprende apenas a los 27 años el 14 de octubre de 1972. Otros títulos de sus obras: "Amor sensible", "A nadie le cuentes", "Los novios", "Tiempos de cometas" y "Virgen de las Mercedes". Todos sus cantos guardan un mensaje visionario. Fue un intérprete excepcional de la concertina y la guitarra. "El indio desventurado" es una especie de Romero y Julieta a lo criollo. Paseo que narra un romance vivido por una pareja indígena de la Sierra Nevada de Santa Marta, hacia donde el hombre lleva a su amada para que no sufra los rigores de la ausencia.
1946:
Nace María Helena, popular cantante del género folclórico argentina.
María Helena (Remedios de Escalada, Buenos Aires; 4 de agosto de 1946 - Santo Tomé, Corrientes; 17 de diciembre de 1969) fue una popular cantante del género folclórico argentina.
Biografía[editar]
Hija de griegos, estudió de maestra, carrera de la que se recibió pero nunca ejerció. Su padre Jorge, era de origen griego y su madre Angélica de origen riojana. Su nombre artístico lo formó a partir del nombre de su hermana Elena, a quien quería entrañablemente.
Surgió como cantante durante el apogeo de la música del Litoral, a mediados de la década de los años 1960. Fue descubierta por el productor televisivo Roberto Galán, quien la invitó a actuar en Canal 9, y luego lo hizo en Radio El Mundo. El sello CBS Columbia la contrató para grabar su primer disco con los temas Ribereña y Canto islero.
En el III Festival Nacional de la Música del Litoral de Posadas, Misiones (1965) fue consagrada como "Revelación", y en el VI Festival Nacional de la Música del Litoral, en la misma ciudad (1968), fue ovacionada por el público que la bautizó La novia de Posadas.
Su repertorio incluyó temas de autores de la talla de Fermín Fierro, Ramón Ayala (cantante argentino), Hernán Figueroa Reyes, Oscar Valles, Albérico Mansilla, Horacio Guarany, Eladia Blázquez, José Vicente Cidade, entre otros. Sus interpretaciones más exitosas han sido Mi serenata, Soy de Misiones, Sol del Litoral, Correntina de ley, Corrientes es así, Lucerito alba, Galopera, No quisiera quererte, Costera y Canción del adiós.
En sus actuaciones y grabaciones fue acompañada por figuras como Carlos Vallejos, Luis Ferreira ("Juan Payé"), Papi Barboza, Ricardo Ojeda, José Carli, Oscar Cardozo Ocampo, Waldo Belloso y Rubén Duran.
Fallecimiento[editar]
Su última actuación fue en el VI Festival del Folclore Correntino, en Santo Tomé. Pocos días después falleció trágicamente en un accidente automovilístico producido a 35 kilómetros de esa ciudad, el 17 de diciembre de 1969. En horas del mediodía de ese día, tras volcar el automóvil Valiant IV de su propiedad guiado por su representante artístico, Alberto Heredia, se abrió la puerta delantera derecha, con tan mala fortuna que María Helena fue arrojada a la calzada y el vehículo cayó sobre ella, falleciendo en forma instantánea por las múltiples fracturas y lesiones recibidas. Tenía 23 años.
1952:
Nace Moya
Brennan, cantante irlandés.
Moya Brennan, (4 de agosto de 1952 -
), seudónimo de Máire Philomena Ní
Bhraonáin, es una cantante irlandesa de música New age y celta, nacida en Gweedore, condado de Donegal.
Anteriormente conocida como Máire Brennan, Moya pertenece al
clan Brennan, que ha dado al mundo cantantes como sus hermanas Enya,
Bridin Brennan o los Clannad, donde comenzaron
Moya y su hermana Enya.
La carrera musical de Clannad fue muy longeva, empezando en el
1972 en la taberna de su padre, junto a dos de sus tíos Noel y Padraig Duggan,
y sus hermanos Pol y Ciaran Brennan. Tiempo después se unió Enya, que abandono
el grupo a mediados de los 80. Moya siguió con su grupo recorriendo todo el
mundo, con un estilo mezcla de Folclore, celta y pop, hasta que en 1998, con el
último disco publicado por Clannad, consiguieron el Grammy (con su disco
"Landmarks")
Pero Moya comenzó su carrera en solitario estando todavía en
Clannad, en el 1992, con su disco Maire, consiguiendo gran éxito con su single
"Against The Wind". Continuó su carrera en solitario con "Misty
Eyed Adventures" en 1994, "Perfect Time" en 1998, "Whisper
To The Wild Water" en 1999.
Ya en el nuevo milenio, Moya lanza lo que definió como su mejor
trabajo, "Two Horizons" (2003), una gran mezcla de estilos,
consiguiendo un enorme éxito y las alabanzas de la crítica.
Tiempo después, lanza "An Irish Christmas"
(2005/2006), un disco de villancicos, gran deseo de Moya, pues es una mujer muy
religiosa.
Actualmente promociona su último trabajo, "Heart
Strings" (2008), y ha hecho una nueva gira entre noviembre y diciembre de
2008 para seguir promocionando su disco navideño, llevándola a diferentes
escenarios e iglesias europeas. Próximamente volverá a hacer un nuevo proyecto
con Clannad.
Moya ha colaborado con numerosos artistas, tanto junto a Clannad
como en solitario, tales como Bono (U2), Delerium, Ronan Keating, Schiller.
https://www.youtube.com/watch?v=MV_BNrw-ucM&list=PLD5F5F940909CD2F1
1953:
Nace Reynaldo Armas, cantante y compositor venezolano de música llanera.
Reinaldo Armas Enguaima (Campo “Los Guatacaros”, Santa María de Ipire, Estado Guárico, Venezuela, 4 de agosto de 1953),
mejor conocido como Reynaldo Armas1 es un cantante y compositor de música llanera, a quien se
le conoce en el medio artístico como El Nº 1 de la Canta Criolla y
también con el apodo de El Cardenal Sabanero. Armas ha sido
galardonado con el Premio Grammy Latino, el cual recibió en el año 2013
por el álbum El Caballo de Oro, convirtiéndose así en el segundo
cantautor de música llanera en obtenerlo.2
Índice
·
5Premios
Niñez y carrera[editar]
Sus padres fueron Nicasio Armas Figueroa y Modesta Enguaima
Hernández, es el hijo menor, y tiene 4 hermanos.1 Cuando tenía nueve años de edad, su
familia se mudó de su pueblo natal a Zaraza teniendo como residencia el
caserío Caño Morocho, y fue allí, donde a los 11 años, comenzó a tomar parte en
espectáculos musicales.en radio Zaraza en un programa que se realizaba a partir
de las 5pm, Escribió su primera canción "Mi primer amor" a los
12 años.
Su primera presentación en vivo la hizo en el pueblo de
Pariaguan al sur del Estado Anzoategui. A los 15 se une al grupo de gaitaLos Bravos de la Loma, para el
cual escribió varias canciones.
A los 16 participa en varios concursos y gana algunos premios,
para luego trabajar en algunos bares nocturnos de Caracasdedicados a la música folclórica.
En 1975, consigue su primer contrato discográfico con la empresa
DIVESA para grabar su primer álbum LP titulado
"Yo también quiero cantar" con el apoyo de Rafael
Martínez Arteaga "El Cazador Novato", teniendo éxito
en Venezuela y Colombia.
Después graba "La inspiración del poeta" en
1978, empieza a ganar popularidad por toda Venezuela con su música típica
venezolana romántica y es escuchado por personas de diferentes edades y clases
sociales, logrando darle un nuevo impulso a la música llanera, abriendo la
posibilidad a otros cantantes, músicos y compositores del género llanero, de
ofrecer al público sus producciones musicales, ya que estaba de moda la música
de Reynaldo.3
Ha escrito 460 canciones y grabado 32 álbumes, considerándosele
como uno de los cantautores más
destacados de música típica llanera venezolana.
Reynaldo Armas vive en Caracas desde el año 1971. viaja
constantemente a Colombia, donde goza de gran popularidad. Desde hace años ha
incursionado con éxito en las ciudades de Miami, Orlando y New York. En las que
se han realizado presentaciones y se han creado muchas expectativas en torno a
la música venezolana.4
https://www.youtube.com/watch?v=YhUoeCkew3E
1961:
Nace Barack
Obama, presidente estadounidense, premio Nobel de la Paz en 2009.
(Honolulu, Hawai, 1961) Abogado y político estadounidense,
44º presidente de los Estados Unidos (2009-2017). Cuando Barack Obama se impuso
en las elecciones presidenciales del 4 de noviembre de 2008, hubo unanimidad en
afirmar que ningún otro relevo presidencial había generado tanta expectación y
esperanza desde los tiempos de John Kennedy.
Ya en ese momento, desconociéndose aún la valoración que habría de merecer su
mandato, Barack Obama pasó ineludiblemente a los anales de la política
estadounidense como el primer presidente de raza negra.
Hijo de Barack Obama Sr., economista de origen keniano, y de
Shirley Ana Durham, doctora en Antropología por la Universidad de Hawai, Obama
pasó su infancia entre Hawai e Indonesia, país donde conoció las condiciones de
pobreza que afectan a millones de personas en el llamado Tercer Mundo. Allí
cursó su educación primaria.
De regreso a los Estados Unidos pasó dos años en el
Occidental College de Los Ángeles. En 1983 ingresó en la Universidad de
Columbia (Nueva York) para estudiar Ciencias Políticas, y se especializó en
Relaciones Internacionales. Tras su primera etapa universitaria se trasladó a
Chicago, donde trabajó como organizador comunitario de los servicios sociales
de un grupo de parroquias católicas.
La carrera política de Obama comenzó a fraguarse en 1990,
cuando tomó contacto con Judson Miller, uno de los asesores de Harold
Washington, quien en 1983 se convirtió en el primer alcalde negro de Chicago.
Con el paso del tiempo, Miller llegaría a convertirse en uno de los pilares de
la campaña electoral de Obama.
En esta época el joven abogado consiguió algunos de los
apoyos que acabarían siendo decisivos en su futura nominación como candidato demócrata
a la presidencia de Estados Unidos, entre los que destacan tanto importantes
empresarios como numerosos miembros de la comunidad afroamericana cristiana de
Chicago.
En 1991 ingresó en la Universidad de Harvard (Cambridge,
Massachussets) para ampliar sus estudios superiores, y allí fue elegido primer
presidente negro de la Harvard Law Review, publicación estudiantil de
dicho centro. Tras graduarse con honores regresó a Chicago, donde trabajó
durante algún tiempo en una asesoría jurídica especializada en derechos
civiles.
Su primer éxito político llegó en 1996. Gracias al padrinazgo
del juez Abner Mikua y de Emil Jones, líder demócrata afroamericano en el
Senado de Illinois, Obama fue elegido miembro de la cámara estatal por el
Partido Demócrata, como representante del distrito de Hyde Park, donde ya era
conocido por sus firmes convicciones liberales.
Obama utilizó su nueva posición para preparar su ingreso en
el Congreso de los Estados Unidos, en el que aspiraba a sustituir a Bobby Rush,
líder de los Panteras Negras de Illinois, mediante la captación de su
electorado. La primera tentativa tuvo lugar en 2000 y supuso un fuerte revés en
las aspiraciones de Obama, que fue doblado por Rush en número de votos.
Entre 2000 y 2004 Obama se dedicó a afianzar su electorado.
En 2004 obtuvo nuevos mentores en Washington, entre los que destacaban figuras
señeras del Partido Demócrata, como John Kerry y Ted
Kennedy. Gracias al apoyo de éstos y al de su electorado fue elegido
representante nacional en la Convención Demócrata de Boston de 2004.
Tras imponerse en el bando demócrata, el joven abogado
afroamericano se enfrentó a Jack Ryan, candidato republicano, por la representación
del Estado de Illinois. En esta ocasión, su contrincante se vio salpicado por
un escándalo sexual y Obama consiguió el puesto de congresista en disputa,
convirtiéndose así en el quinto afroamericano que accedía al Congreso de
Estados Unidos y en el segundo por el Partido Demócrata.
Durante los tres años previos a su nominación a la
candidatura demócrata a la presidencia del país, Obama promovió reformas para
el control de la venta de armas y para fomentar la transparencia en el uso de
los fondos federales. Su mensaje fue siempre de cambio, tanto en política
interior como exterior, en la que defendió un mayor protagonismo de la acción
diplomática en detrimento del recurso a la fuerza.
Obama dio el primer gran paso hacia la presidencia de los Estados
Unidos en febrero de 2007, cuando presentó su candidatura a las elecciones
primarias del Partido Demócrata. La otra gran apuesta de esta formación era la
senadora Hillary
Clinton, esposa del ex presidente Bill Clinton,
que partía con ventaja en los sondeos. La campaña, muy ajustada en todo
momento, acabó decidiéndose a favor de Obama, que se impuso con 1.953 delegados
frente a los 1.770 de su rival.
El nombramiento oficial como candidato demócrata a la
presidencia de los Estados Unidos tuvo lugar el 3 de junio de 2008. El
republicano John McCain,
a quien Obama consideró siempre como un simple heredero de George Bush,
fue su rival en la carrera presidencial. Durante la campaña, McCain trató de
distanciarse de su predecesor, pero su discurso resultó errático y poco
convincente. El mensaje de renovación y esperanza del candidato demócrata, en
cambio, caló entre el electorado; Obama fue ampliando progresivamente su
ventaja frente a McCain en la encuestas, y se impuso finalmente en las
elecciones del 4 de noviembre con un 64'9 % de los votos.
*********
https://www.youtube.com/watch?v=FxIkbjXzS2A
1962:
Muere Marilyn Monroe,actriz de cine, modelo y cantante estadounidense.
El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas; se apreciaron algunas contradicciones en el informe médico de su trágico fin.
Las dificultades profesionales y su agitada vida sentimental parecieron estar en el origen de su muerte. En cualquier caso, la jovialidad y el vivir desenfrenado y despreocupado que muchas veces había representado en el cine y fuera de él se corresponden poco con el verdadero perfil de su vida, marcada por las contradicciones y los complejos de una niñez y una juventud desgraciadas, seguidas después de un éxito arrollador al que no supo hacer frente, ni siquiera cuando creyó encontrar, junto a personalidades como Arthur Miller, la estabilidad y la seguridad que persiguió durante toda su vida.
Marilyn Monroe, de verdadero nombre Norma Jean Baker (o Norma Jean Mortenson, apellido de su padrastro), nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles, en el estado norteamericano de California. Hija de Gladys Baker, quien nunca le comunicó la identidad de su padre, su primera infancia fue muy dura. Su madre la dejó en manos de un matrimonio amigo hasta que cumplió siete años; entonces se la llevó a vivir consigo.
Pero un año más tarde Gladys fue internada en un sanatorio psiquiátrico en el que se le diagnosticó una esquizofrenia paranoide, enfermedad que luego Marilyn creería haber heredado, especialmente cuando era internada por sus frecuentes depresiones. Su infancia y adolescencia transcurrieron entre un orfanato (en el que ingresó a la edad de nueve años y trabajó como ayudante de cocina), la casa de sus abuelos y las de varias familias que la adoptaron. En una de estas casas de acogida sufrió al parecer abusos sexuales por parte del cabeza de familia cuando contaba ocho años.
Nada hacía pensar que Norma Jean tuviera una futura carrera como actriz, ni tan siquiera el hecho de que su madre, una mujer extraordinariamente atractiva, hubiera trabajado durante un tiempo como montadora de negativo en Consolidated Film Industries. Marcada por la inestabilidad emocional y la pobreza, a los dieciséis años, tras abandonar sus estudios, se empleó en una planta de construcción de aviones. En la misma fábrica conoció a un mecánico de 21 años, James Dougherty, con quien contrajo matrimonio el 19 de junio de 1942 y de quien se divorciaría cuatro años después…
Los últimos meses de la vida de Marilyn presentan una serie de zonas oscuras que probablemente nunca lleguen a esclarecerse, como su relación con el entonces presidente de Estados Unidos, John F. Kennedy, que parece probado que fue de naturaleza íntima, o más tarde con el hermano de éste, el senador Robert Kennedy, en la que algunos indicios pueden hacer pensar que fue tan sólo de amistad. De cualquier modo, los nombres de ambos aparecieron entonces y siguen apareciendo hoy en el asunto de la muerte por suicidio de la actriz, que falleció el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos en su casa de Brentwood, California.
A las tres de la madrugada la señora Murray, su ama de llaves, la encontró en la cama en una postura extraña, con el teléfono fuertemente aferrado en una de sus manos y las luces encendidas. Un frasco vacío de Nembutal encima de la mesilla atestiguaba la ingestión masiva de pastillas por parte de la estrella. El médico forense certificó su muerte y expresó su convencimiento de que se trataba de un suicidio. En años posteriores, una auténtica industria del escándalo, de la que formarían parte la prensa amarilla, la de la extrema derecha y un Norman Mailer arruinado y angustiosamente necesitado de dinero, especularon incansablemente sobre la relación entre su muerte y los hermanos Kennedy.
No era la primera vez que había ingerido una sobredosis de barbitúricos combinada con alcohol: exactamente lo mismo había ocurrido en la primavera del año anterior, poco después de la separación de Miller y del estreno de Vidas rebeldes. La policía, extrañamente, no reveló el nombre de la sustancia que había tomado Marilyn, e incautó y rehusó hacer públicas las cintas magnetofónicas de la compañía de teléfonos en que estaban grabadas las llamadas que efectuó la noche de su muerte. Esto no hizo más que confirmar las sospechas de que Marilyn llamó a alguien en busca de ayuda, alguien cuya alta posición pública no le permitía afrontar el escándalo que hubiera supuesto verse envuelto en semejante asunto.
Pese a la infinidad de biografías y libros que sobre ella se han escrito (incluyendo su autobiografía, aparecida póstumamente en 1974), en los que se ha podido percibir esa otra Marilyn que no se ajusta al tópico, aún hoy sigue apareciendo en primer lugar, o en un lugar muy destacado, en toda clase de rankings más o menos frívolos: en 1995 fue votada por los lectores de la revista inglesa Empire como la actriz cinematográfica más sexy de todos los tiempos; la misma revista, en 1997, la situaba como la octava estrella del cine (masculina y femenina) más grande de todos los tiempos; y en 1999, la americana People Magazine la consideraba la mujer más sexy del siglo.
En definitiva, a pesar de los denodados intentos que Marilyn Monroe llevó a cabo en vida para ser considerada de manera distinta a como se la veía, difícilmente desaparecerá nunca de la imaginación colectiva como uno de los íconos eróticos del siglo XX. La imagen de La tentación vive arriba, con blusa y falda plisada blancas que se le levantan y agitan cuando pasa sobre un respiradero del metro de Nueva York, ha quedado indisociablemente unida a su nombre. Su desaparición en plena juventud, y en la cumbre de su fama como actriz y como mito erótico vivo, no hizo más que acrecentar la leyenda.
https://www.youtube.com/watch?v=FxIkbjXzS2A
Nace Dennis Lehane, escritor estadounidense.
Dennis Lehane (Dorchester, Boston, Massachusetts, 4 de agosto de
1965) es un escritor estadounidense, cinco de cuyas novelas han sido
llevadas al cine: Mystic River (titulada Río
místico en algunos países), Gone Baby Gone , The Drop , Shutter Island y Live by night,
y varias han merecido premios, entre ellas Un trago antes de la guerra y el
bestseller Mystic River. Los espacios de su ciudad han
servido de inspiración para los ambientes populares urbanos de sus novelas. De
ascendencia irlandesa, sus historias retratan la vida de grupos inmigrantes o
marginados en Boston, a la vez que constituyen un retrato de la cultura
irlandesa, resaltando el peso de la religión católica en varios de sus
personajes.
Hasta ahora ha escrito seis novelas de su serie de los
investigadores Patrick Kenzie & Angela Gennaro.
1968:
Nace Daniel Dae Kim, actor estadounidense.
Daniel Dae Kim (4 de
agosto de 1968) es un actor estadounidense de
origen coreano.
Es conocido por interpretar a Jin-Soo
Kwon en la serie de televisión Lost , a Jack Kang en la adaptación
cinematográfica de la saga bestseller Divergente y Johnny Gat en la serie
del videojuego Saints Row. En la actualidad interpreta
a Chin Ho Kelly en la serie de televisión Hawaii
Five-0.
Kim nació en Busán (Corea
del Sur) y se mudó con su familia a Estados
Unidos a la edad de dos años, donde creció en Easton(Pensilvania).
Kim se graduó en la Freedom High School de Bethlehem (Pensilvania) y la Universidad de Haverford de Haverford Township
(Pensilvania), con doble especialidad en ciencias políticas y teatro. Su
especialidad en teatro la completó en la Universidad Bryn Mawr de Bryn Mawr (Pensilvania).
Carrera[editar]
Antes de ser elegido para el rol de Jin en Lost, era
conocido por sus recurrentes roles en el género de ciencia ficción y fantasía. Aunque su personaje en Lost habla
principalmente en coreano y casi no tiene la habilidad para
hablar inglés, en realidad es la primera
lengua de Daniel y no habla el coreano con fluidez. Ha sido visto
en Angel, 24, Star Trek: Voyager, Star Trek: Enterprise, Crusade, Urgencias, CSI: Crime Scene Investigation, Charmed y
otros programas. Ha hecho apariciones especiales en Seinfeld y NYPD
Blue. En la actualidad interpreta al detective Chin Ho Kelly en la serie Hawaii
Five-0.
Sus apariciones en el cine incluyen un pequeño papel en Spiderman
2 y en Crash, la ganadora del Óscar a la mejor película en 2004.
Protagonizó a Kim en la película The Cave.
**********
Índice
Familia[editar]
Biografía[editar]
1972:
Nace Eva Amaral,
cantante española, de la banda Amaral.
Eva María Amaral Lallana123 (Zaragoza, 4 de agosto de 1972)26456789 es una cantante, compositora y música española, integrante del grupo de rock51210 Amaral junto a Juan Aguirre, con el que ha vendido alrededor
de cuatro millones de discos.27 Es considerada como una de las
mejores vocalistas rock españolas.112829303119
Índice
·
1Familia
Familia[editar]
Su padre, Isidoro Amaral, cacereño de nacimiento32 , era maestro de banda pero no le
gustaba la música33 y falleció en 1998.3435 Su madre, Carmen Lallana (1933-2007),
falleció en Zaragoza a mediados de 2007.3637 Al principio no les gustó que su
hija se dedicara a la música, pero luego lo aceptaron y estaban encantados.38 Tiene una hermana mayor, que “fue
la que me puso los discos de los Beatles y de Simon y Garfunkel”.39
Biografía[editar]
A pesar de que numerosas fuentes citan como año de su
nacimiento 1973,40412424344 está confirmado por ella misma que
en el 2012 cumplió 40 años: “Acabo de cumplir 40 y me siento con mucha
más seguridad y fuerza que hace 20 años”.45
Afirma que su infancia fue muy buena y que nunca jugó con
muñecas, sin embargo se dedicaba a hacer que tocaba música con su primo. Afirma
que es tímida y que de adolescente se sentía rarita y tenía muchos complejos.3538 Empezó a tocar muy joven la batería
de manera autodidacta y no se creía capaz de cantar hasta que empezó a hacerlo
por casualidad y se dio cuenta de que era un medio de expresión mucho más
poderoso que la batería.35
Estudió en los RR. PP. Agustinos Recoletos de Zaragoza (Colegio
Romareda), posteriormente cursa técnicas de volumen en la Escuela de Artes y
Oficios de Zaragoza.3846 Además, servía copas en el Azul
Rock Café. Estudió canto líricocuando comprendió que iba a
ser cantante. Primero en un centro cívico. Luego, la profesora, fascinada,
la remitió a su maestra, Pilar Andrés de Pablo. "Cobraba
un pastón por horas y yo no tenía parné...". Le hizo una prueba y
la admitió con descuento. Eva y Juan se conocen en 1992 en la parte de atrás de
un bar en Zaragoza. Ella tocaba la batería en
un grupo de punk-rock local llamado "Bandera
Blanca". También era la voz solista de otra banda llamada
"Lluvia Ácida". Simón, el guitarrista de "Lluvia Ácida",
tenía un estudio casero de música para grabar maquetas, en el almacén. Simón
llamó a Juan, para unos arreglos "Quería que metiera unas
guitarras muy en su onda", cuenta Eva, "porque Juan
siempre ha tenido un estilo muy peculiar, muy suyo". Eso, la
onda. Hubo amor, amistad y música desde el primer encuentro. Se recorrieron
todos los bares tocando. Estuvieron juntos cinco años antes de ser nada.
Después empezaron a viajar esporádicamente a Madrid, luego pasaron temporadas más largas,
durmiendo de prestado en casas de amigos; trabajaron en el sector de hostelería,
y un largo etcétera, mientras actuaban en Libertad 8, en San Mateo 6, en El Rincón del
Arte Nuevo y en La Boca del Lobo. Llegó el día en que Jesús Ordovás los
pinchó por primera vez en Radio 3. Y el episodio
en que un tipo se acerca después de un concierto y dice: "Hola,
soy de la compañía Virgin, me gustaría hablar con
vosotros...". Entonces, en algún momento hace 10 años, [1997]
decidieron quedarse en Madrid.46
https://www.youtube.com/watch?v=qcC92ZnhGQY
https://www.youtube.com/watch?v=8dvpUhOa9ek
1974:
Nace Joe González, ex
integrante de la banda "La Mafia".
Nacido en Houston (Texas) el 4 de agosto de 1974.
En 1980 dos jóvenes
originarios de Houston, Texas, Oscar de la Rosa y Armando Lichtenberger
inspirados por su gran amor a la música deciden unir sus talentos artísticos
para crear el que ahora es el grupo musical tejano más sobresaliente en su
gènero de todos los tiempos, “La Mafia”.
“Nuestra Canción” del autor Homero D’ Rodríguez, se deja escuchar en la radio de México y Estados Unidos en el año de 1998, siendo un gran suceso musical que logra mantenerse en los primeros lugares de popularidad en ambos paìses.
“La Mafia” llega a tierras mexicanas en el año de 1989, siendo el primer grupo con música en español formado en Estados Unidos, que logra entrar en el gusto de los mexicanos. Lo que les permitiò abrir las puertas del mercado mexicano a otras agrupaciones Tejanas.
“La Mafia” acaparó la atención y el cariño de sus seguidores, debido al gran talento musical de sus integrantes, su imagen fresca, su vestimenta casual, así como el sombrero que le diera personalidad a “Oscar” de la Rosa. Ademàs de los imponentes escenarios sustentados por un gran equipo de audio e iluminación en cada una de sus presentaciones.
El haber logrado conquistar al exigente público mexicano, les abrió las puertas de otros países de Sudamérica como: Argentina, Colombia y Nicaragua.
Innumerables han sido los éxitos de “La Mafia” durante su trayectoria artística: “Nuestra Canción”, “Mi llamada”, “Estas tocando Fuego”, “Un millón de rosas”, “Ahora y siempre”, “Me estoy enamorando”, “Vida”, “Contigo”, “Como me duele amor”, “Me haces falta”, “Push Push”,”Soy tan feliz”, “Que haría sin ti”, “Mejores que ella”, “Nadie”, “Para el pueblo” y “Nuevamente” los cuales los han llevado a ser merecedores de muchos premios grammy…
“Nuestra Canción” del autor Homero D’ Rodríguez, se deja escuchar en la radio de México y Estados Unidos en el año de 1998, siendo un gran suceso musical que logra mantenerse en los primeros lugares de popularidad en ambos paìses.
“La Mafia” llega a tierras mexicanas en el año de 1989, siendo el primer grupo con música en español formado en Estados Unidos, que logra entrar en el gusto de los mexicanos. Lo que les permitiò abrir las puertas del mercado mexicano a otras agrupaciones Tejanas.
“La Mafia” acaparó la atención y el cariño de sus seguidores, debido al gran talento musical de sus integrantes, su imagen fresca, su vestimenta casual, así como el sombrero que le diera personalidad a “Oscar” de la Rosa. Ademàs de los imponentes escenarios sustentados por un gran equipo de audio e iluminación en cada una de sus presentaciones.
El haber logrado conquistar al exigente público mexicano, les abrió las puertas de otros países de Sudamérica como: Argentina, Colombia y Nicaragua.
Innumerables han sido los éxitos de “La Mafia” durante su trayectoria artística: “Nuestra Canción”, “Mi llamada”, “Estas tocando Fuego”, “Un millón de rosas”, “Ahora y siempre”, “Me estoy enamorando”, “Vida”, “Contigo”, “Como me duele amor”, “Me haces falta”, “Push Push”,”Soy tan feliz”, “Que haría sin ti”, “Mejores que ella”, “Nadie”, “Para el pueblo” y “Nuevamente” los cuales los han llevado a ser merecedores de muchos premios grammy…
https://www.youtube.com/watch?v=PRzzwhddVjU
https://www.youtube.com/watch?v=iVzjmatoVi8
1977:
Muere Ernst Bloch, filósofo alemán, (nacido en 1885).
(Ludwigshafen, 1885-Tubinga, 1977) Filósofo alemán. De
familia judía, tuvo una amplia formación. Rehuyó alistarse y se exilió en Suiza
(1917), donde acabó su primera obra, El espíritu de la utopía (1918,
refundida en 1923). Ilusionado con la revolución leninista (Thomas Münzer,
teólogo de la revolución, 1921), recopiló su denuncia del nazismo en Herencia
de esta época (1935), libro publicado en Suiza, donde tuvo que refugiarse
de nuevo ante el auge de Hitler.
En su exilio estadounidense (1938-1949), además de fundar con
Brecht y T. Mann la editorial Aurora en Nueva York, gestó y redactó sus obras
más importantes: Sujeto-objeto (1949, refundida en 1951), sobre
Hegel, y El principio de esperanza (1954-1959), monumental tratado
enciclopédico de la utopía y del soñar humano en un futuro mejor y en un mundo
transformado.
En Alemania (primero en Leipzig y desde 1961 en Tubinga, tras
ser reducido al silencio por los comunistas), siguió publicando materiales ya
preparados con anterioridad (Derecho natural y dignidad humana, 1961; El
ateísmo en el cristianismo, 1968; El problema del materialismo, su
historia y sustancia, 1972) o nuevos (Experimentum mundi, 1975), todos ellos
portadores siempre de un único mensaje: la exigencia de crítica radical y de
transformación social.
Índice
Biografía[editar]
Composición[editar]
1977:
Muere Antonio
Machín, cantante
cubano de boleros y de música popular en general.
Antonio Abad Lugo Machín,2 conocido como Antonio Machín (Sagua la Grande, Cuba, 11 de febrero de 1903 - Madrid, España, 4 de agosto de 1977),
fue un cantante cubano de boleros y de música
popular en general. Basó su repertorio en la música cubana y la balada romántica.
Intérprete de reconocido prestigio en el ámbito hispanohablante,
es famoso por sus recreaciones, entre otras, de temas como El manisero, Dos gardenias, Angelitos negros.
Su disco El manisero, grabado en 1930 acompañado
por la orquesta de Don Azpiazupara la compañía Victor de Nueva York, constituyó el primer éxito
millonario en ventas de la música cubana.
https://www.youtube.com/watch?v=SGTvQusUIyU
1982:
Muere Ñico
Saquito, compositor,
guitarrista y cantante cubano.
Benito Antonio Fernández Ortiz, más conocido como Ñico Saquito (Santiago de Cuba, 13 de febrero de 1901 -La Habana, 4 de agosto de 1982), fue
compositor, guitarrista y cantante cubano, vinculado a la trova
cubana.1
Índice
·
3Notas
Biografía[editar]
A los 15 años se sintió atraído por la composición de canciones
y se decidió por ser trovador, abandonando una prometedora carrera en el baseball. Su sobrenombre de Saquito le
vino de su habilidad para atrapar bolas como pelotero.
En los años 1920, creó su propio grupo y se unió al Cuarteto
Castillo , grupo con el que realizó numerosas giras a lo largo de la
isla.
Luego de esta experiencia, retornó a Santiago y fundó Los
Guaracheros de Oriente, grupo con el que realizó presentaciones
en Cuba, Puerto Rico y Venezuela en los 1950.
Ñico permaneció en el extranjero hasta que en 1960, debido a las
condiciones políticas creadas por la Revolución cubana,
decidió retornar a la isla solo sin su grupo, el cual permaneció en el
exterior.
Composición[editar]
La mayoría de sus composiciones son guarachas con letras ingeniosas y
picantes sobre la vida personal o eventos comunes. Una de sus composiciones más
famosas es la guajira Al
vaivén de mi carreta, una balada sentimental de la vida en el campo y de
las dificultades de la vida campesina. Algunas de sus canciones más conocidas
son Cuidado, compay gallo, María Cristina me quiere
gobernar, Al vaivén de mi carreta y Adiós compay
gato
https://www.youtube.com/watch?v=61AgRr8SSK0
https://www.youtube.com/watch?v=vJHGM3Kwy-4
1987:
Al margen del éxito de
taquilla, en poco tiempo el álbum que contenía la banda sonora se convirtió en
uno de los discos más vendidos del mundo gracias, sobre todo, al tema
principal (I’ve had) The time of my life interpretado por el
ex Righteous Brothers Bill Medley y Jennifer Warnes. Ese mismo
año dicha composición recibió el Oscar a la Mejor Canción Original.
La película no llega a ser un musical, pero, posiblemente la música sea lo más importante de la misma.
La película no llega a ser un musical, pero, posiblemente la música sea lo más importante de la misma.
Canciones como “The time of
my life” o clásicos de los 50 y 60 como “Be my baby” de Ronettes, “Big
girls don’t cry”, “Hungry eyes” de Eric Carmen, “Stay” de Maurice Williams
& the Zodiacs o este “Do you love me?”, hacen de esta banda sonora una más
que acertada elección para la gente que guste de la música de esa época.
Incluso, el protagonista del
filme, Patrick Swayze debuta como cantante interpretando uno de los temas
centrales de la cinta She’s like the wind”.
En noviembre de 2007, con
motivo del 20º aniversario de la película, Codemasters lanza el juego oficial
de Dirty Dancing para PC, en el que mediante puzzles de acción se experimenta
la vida de sus personajes en el célebre Kellerman’s Mountain House Resort,
donde se desarrollaba la película.
1998:
Muere Carmen
Delia Dipini, cantante puertorriqueña de boleros.
Carmen Delia Dipiní (Naguabo, 18 de noviembre de 1927-4 de agosto de 1998)
fue una cantante puertorriqueña de boleros. Su época de apogeo fue cuando
interpretó sus melodías junto a la Sonora Matancera. Comenzó a cantar en 1937,
bajo la instrucción de la profesora Amparo Brenes de la Escuela Elemental
Eugenio Brac de Naguabo. En 1941 debutó
profesionalmente en un programa que Rafael Quiñones Vidal animaba por la
emisora WNAM.
Ayudada por su amiga Ruth Fernández, se trasladó a Nueva York en 1947,
donde se hizo cantante profesional. Eso ocurrió cuando estuvo participando en
el programa de aficionados de Willy
Chevalier en el Teatro Triboro, donde ganó un Primer Premio y
la casa disquera Verne la contrató para grabar con Johnny Albino y el Trío San Juan la
canción El día que nací yo, Perdida y "Duérmete
mi Junior".
1999:
Muere
Victor Mature, nacido como Vittore Maturi, (Louisville, Kentucky; 29 de enero de 1913 - Rancho Santa Fe, California, 4 de agosto de 1999) fue un actor estadounidense de origen italiano.
Los films de corte bíblico en los cuales participó se han convertido en verdaderos clásicos de la Semana Santa cristiana y, en especial The Robe (1953), conocida como La túnica sagrada en habla hispana. De este modo, su legado interpretativo ha permanecido, renovándose año tras año.
Carrera[editar]
Apodado por sus amigos como The Hunk (el grandote), comienza a prepararse como actor en la academia de Pasadena, California, y trata de conseguir un papel en Lo que el viento se llevó, pero le es arrebatado por uno de sus compañeros de la academia.
Realiza su primera interpretación en 1939 en un papel secundario. Su primer protagonista es la primera versión de Hace un millón de años, una película sobre una legendaria prehistoria. Continúa trabajando en papeles menores hasta que tiene un papel destacado en la magnífica El embrujo de Shanghai de Josef Von Sternberg. En sus películas de esta primera época no pasa de ser un discreto galán que acompaña a alguna estrella femenina del momento, como Rita Hayworth o Betty Grable, entre otras.
2005:
Muere Bernardo Romero Pereiro, actor, director y guionista de televisión colombiano.
Bernardo Romero Pereiro (Bogotá D.C. Cundinamarca, 1944 — ibídem, 4 de agosto de 2005) fue un actor, director y guionista de televisión colombiano.
Biografía[editar]
Hijo de Bernardo Romero Lozano y Carmen de Lugo (nacida Anuncia Pereiro Lopera, posteriormente también conocida como Anuncia de Romero). Estuvo casado con la actriz Judy Henríquez con quien tuvo dos hijas. Fue director original de la programadora de televisión Coestrellas. Falleció en Bogotá a la edad de 61 años, a causa de una enfermedad respiratoria.1
2007:
Muere
2007:
Muere
Barton Lee Hazlewood (Mannford, Oklahoma, 9 de julio de 1929-Henderson, Nevada, 4 de agosto de 2007), más conocido como Lee Hazlewood, fue un cantante, compositor y productor estadounidense.
Primeros años[editar]
De niño vivió en varios estados norteamericanos hasta su adolescencia, cuando su familia se instaló en Port Neaches, Texas, donde le influyó la tradición musical de la zona. Estudió medicina en la Southern Methodist University de Dallas, para más tarde participar en la Guerra de Corea junto al ejército de su país.
Al terminar su experiencia militar, Hazlewood trabajó como disc-jockey mientras comenzaba a escribir sus primeras canciones y a producir a otros artistas. En 1955 creó su propio sello discográfico, llamado Viv Records, en el que grabaron muchos artistas de la época. Uno de ellos fue el cantante rockabilly Sanford Clark, quien convirtió el tema compuesto por Lee The Fool, en un éxito en EE. UU. Durante esta época también trabajó con Duane Eddy, uno de los primeros guitarristas de Rock.
A principios de los 60, Phil Spector pidió a Lee que le enseñara y le introdujera en el negocio de la música1 y también trabajó con Jack Nitzsche, otro de los más famosos productores de la época. Otro de sus éxitos de esta época fue la canción Houston, interpretada por Dean Martin.
Carrera como cantante[editar]
En 1963 editó su primer disco como cantante, Trouble In a Lonesome Town, en el que describía su ciudad natal, Mannford. Tanto en éste como en sus siguientes álbumes incluiría temas nuevos junto a otros que había escrito anteriormente para otros artistas. En estos discos, ya estaba definido el estilo de Hazlewood, quien no tenía ningún reparo en combinar en sus canciones diferentes estilos, como el country, el jazz, el pop orquestado o posteriormente el rock psicodélico algo que unido a su profunda voz de barítono hacía que su sonido fuera fácilmente reconocible.
En 1965 comenzó a colaborar con Nancy Sinatra, para quien escribió y produjo These Boots Are Made for Walkin', canción que obtuvo un gran éxito en todo el mundo. Esta colaboración se prolongó durante varios años, llegando a producir nueve de los discos de la cantante. También grabaron varias canciones interpretadas a dúo que fueron recopiladas en el disco Nancy and Lee en el año 1968, entre ellas la popular Some Velvet Morning. En 1967 grabaron You Only Live Twice, el tema principal de Sólo se vive dos veces, la quinta película de la saga de James Bond, así como el sencillo Something Stupid, en el que Nancy hacía un dueto con su padre Frank.
En 1969 editó The Cowboy and the Lady, donde esta vez se hizo acompañar por la actriz Ann Margret. A principios de los 70 decidió dejar los Estados Unidos para vivir entre Londres, París y Suecia, país en el que realizaría el álbum Cowboy in Sweeden en 1970.
De vuelta en EE. UU., registraría su segundo disco de duetos con Nancy Sinatra, Nancy & Lee Again, que contenía su éxito Did You Ever?. Después de este disco Lee siguió grabando tanto en su país como en Suecia hasta 1977, año en el que lanzaría Back On The Street Again, su último disco hasta trece años después.
En 1993 rompería su silencio con el disco Gypsies and Indians, interpretado junto a la cantante finesa Anna Hanski, aunque sus nuevas canciones carecían de la fuerza de sus mejores años. A partir de este álbum reactivaría su carrera, editando varios álbumes más y también volviendo a los escenarios junto a Nancy, con quien registró su tercer disco de duetos.
En 1999, la discográfica Smells Like Records, propiedad de Steve Shelley, batería de Sonic Youth, reeditó varios de sus discos que hasta entonces eran difíciles de encontrar. En 2002 se embarcaría en una gira contando con miembros de Stereolab y de High Llamas como músicos de acompañamiento.
En 2006 se le diagnosticó un cáncer renal terminal, lo que no impidió que grabara en ese mismo año su último LP, Cake or Death, en el que participan varios miembros de su familia y que fue su disco de despedida. Murió el 4 de agosto de 2007 a la edad de 78 años.
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