El 5 de agosto es
el 217.º (ducentésimo decimoséptimo) día del año en
el calendario gregoriano y el 218.º en
los años bisiestos. Quedan 148 días para
finalizar el año.
René Albert Guy de Maupassant (pronunciación en
francés: /ɡid(ə) mopasɑ̃/; Dieppe, 5 de agosto de 1850-París, 6 de
julio de 1893)
fue un escritorfrancés, autor
principalmente de cuentos, aunque escribió seis novelas.
(Henry René Albert Guy de Maupassant; Miromesnil, Francia,
1850 - Passy, id., 1893) Novelista francés. A pesar de que provenía de una
familia de pequeños aristócratas librepensadores, recibió una educación
religiosa; en 1868 provocó su expulsión del seminario, en el que había
ingresado a los trece años, y al año siguiente inició en París sus estudios de
derecho, interrumpidos por la guerra franco-prusiana y que reemprendería en 1871.
En 1879, su padre logró que ingresara en el ministerio de
Instrucción Pública, que pronto abandonó para dedicarse a la literatura, por
consejo de su gran maestro y amigo Gustave
Flaubert. Éste lo introdujo en el círculo de escritores de la época,
como Émile
Zola, Iván
Turgueniev, Edmond Goncourt y Henry James.
Su primer éxito, que apareció un mes antes de la muerte de
Flaubert, fue el célebre cuento Bola de sebo, recogido en el volumen colectivo Las
noches de Medan(1880). El mismo año publicó su libro de poemas, Versos.
Afectado durante toda su vida de graves trastornos nerviosos, en 1892, tras un
intento de suicidio en Cannes, fue ingresado en el manicomio de París, donde
murió, después de dieciocho meses de agonía, de una parálisis general.
Maupassant es autor de una extensa obra entre cuentos y
novelas, en general de corte naturalista. De ellas cabe señalar: La casa
Tellier (1881); Los cuentos de la tonta (1883); Al sol, Las
hermanas Roudoli y La señorita Harriet (1884); Cuentos del
día y de la noche (1885); La orla (1887); las novelas Una
vida (1883), Bel Ami(1885) y Pierre y Jean (1888). Después
de su muerte se publicaron varias colecciones de cuentos: La cama (1895); El
padre Milton (1899) y El vendedor(1900).
Nace Joseph Merrick, conocido como El hombre
elefante (f. 1890).
Joseph Carey Merrick, también conocido como "El Hombre Elefante" (Leicester, Inglaterra, 5 de agosto de 1862-Londres, 11 de abril de 1890),
fue un ciudadano inglés que se hizo famoso debido a las terribles
malformaciones que padeció desde el año y medio de edad. Condenado a pasar la
mayor parte de su vida trabajando en circos, sólo encontró sosiego en sus
últimos años de vida. A pesar de su desgraciada enfermedad, sobresalió por su carácter dulce y
educado. La mayor parte de su vida se le tildó de no tener una inteligencia
destacada, pero en sus postrimerías demostró que tenía una inteligencia
superior al promedio. Padeció síndrome de Proteus,
del cual podría representar el caso más grave conocido hasta el momento.
Joseph Carey Merrick era hijo del matrimonio conformado por el
comerciante Joseph Rockley Merrick y Mary Jane Merrick. Presentó los primeros
síntomas de su enfermedad a los 18 meses. A partir de los 4 ó 5 años de edad,
en su cuerpo empezaron a formarse bultos y los huesos de sus extremidades y su
cráneo se desarrollaron de forma anormal. En la edad adulta no llegó a superar
1,57 m de altura.
Según su propio testimonio, de niño nunca pudo jugar con sus
compañeros de colegio puesto que sus piernas y su cadera deformadas se lo
impedían. A partir de entonces, el coraje y la valentía para sobreponerse a su
enfermedad serían las constantes que definirían su vida. Su madre, Mary Jane,
se empeñó en que asistiera a la escuela. Ella, aunque procedía del campo y de
familia muy humilde, sabía leer y escribir y estaba muy ligada a la iglesia
bautista de Leicester. Colaboraba
dando clases dominicales a los niños que no podían acudir a la escuela durante
la semana porque tenían que trabajar.
Cuando las deformaciones de Joseph empezaban a ser ya
espectaculares, muchas personas se agrupaban en la calle para observarlo, hecho
que hizo que Mary Jane lo llevara y trajera personalmente del colegio. También
lo llevaba consigo cuando daba clases en la escuela dominical. Así, Joseph pasó
toda su infancia al lado de su madre, lo que le desarrolló una gran dependencia
de ella. De mayor, siempre la recordó como una madre muy cariñosa y entregada a
sus hijos.
Joseph tuvo dos hermanos menores: William, nacido en 1866 y que
falleció de escarlatina en
1870, y Marion Eliza, nacida en 1867 y muerta en 1891. Sus hermanos menores
eran sanos y no presentaron ninguna deformación.
El padre de Joseph, que siempre se había ganado la vida como
cochero, abrió hacia 1870 una pequeña
mercería que regentó junto a su mujer hasta 1873,
año en que ella falleció a causa de la bronconeumonía. Según Joseph (que tenía por
entonces 11 años), ése fue el peor suceso de su vida, incluso peor que su
enfermedad, ya que junto con su madre se iba la única persona que le había
demostrado amor verdadero y lo había cuidado. Se quedó totalmente solo, y en
este punto es cuando empezaron sus mayores padecimientos.
Poco tiempo después, su padre volvería a casarse con una viuda
que tenía dos hijos; con ello, sus desgracias se recrudecieron, entrando así en
una de las etapas más infelices de su vida, ya de por sí trágica. Su madrastra
y hermanastros no lo aceptaron y, además de las vejaciones continuas que le
propinaban e ignorando todas las dificultades que le ocasionaban sus
deformidades, le exigieron que trabajase y ganase dinero para contribuir al
sustento de la familia. Le reprochaban continuamente que se escudaba en sus
malformaciones para no tener que trabajar. Joseph recordaba que su madrastra
solía quitarle el plato de comida cuando todavía estaba a medio terminar
recriminándole que, con lo poco que aportaba al hogar, lo que se había comido
era mucho más de lo que merecía. Ante la insistencia de la madrastra, y gracias
a la colaboración de su tío Charles Merrick, consiguió emplearse en una fábrica
de cigarros. En ella, estuvo trabajando durante dos años, hasta que su
gigantesca y deformadísima mano derecha le impidió seguir atando hojas y,
consecuentemente, lo despidieron.
Las continuas humillaciones domésticas de las que era víctima, y
aunque ello le supusiese perder el almuerzo, lo llevaron a escaparse varias
veces de casa. Su padre salía a buscarlo y Joseph sólo accedía a regresar si su
padre le prometía que lo tratarían mejor. En estas huidas tampoco conseguiría
escapar al dolor, pues sufría una gravísima deformación en la cadera que, unida
a una pronunciada escoliosis, le
requerían un esfuerzo adicional para mantenerse en pie. Su padre, al que
posteriormente en su autobiografía le reprocharía que nunca lo quiso como a un
hijo, le consiguió una licencia de vendedor ambulante. Con un carro, Joseph
recorría las calles de Leicester vendiendo
artículos de la mercería de su padre. En pleno desarrollo de la adolescencia,
las dolencias de Joseph empeoraban y su aspecto era ya impactante. Su imagen ya
causaba sorpresa y, evidentemente, su labor como vendedor fue un fracaso total.
Por esos días, la mandíbula de Joseph ya estaba deformada y un
gran tumor le iba creciendo justo encima de la boca haciendo que su manera de
hablar fuera casi ininteligible. Al final de su vida Merrick describiría cómo
en ese nuevo periplo por las calles de Leicester, niños y mayores se apiñaban a su
alrededor gritándole e insultándolo. Al no vender nada, en su casa las cosas no
mejoraron y a veces, Joseph daba a su padre el dinero que le daban para el
almuerzo haciéndolo pasar como si fuera dinero obtenido de las ventas, así que
prefería pasar el día sin comer antes que soportar las reprimendas de su
madrastra.
Finalmente, la insoportable presión familiar, los sucesivos
ultimátum de su madrastra hacia su padre y un castigo físico hicieron que
Joseph se marchara de casa para siempre llevándose sus pocas pertenencias en su
carro de vendedor a la edad de 15 años. Tras marcharse de casa, continuó
vendiendo durante el día las mercancías de la mercería que se había llevado
consigo y por la noche dormía en la calle. Su tío, Charles Merrick, hermano
menor de su padre, regentaba una barbería y alertado por vecinos de la
situación de su sobrino, salió a buscarlo y lo tuvo en su casa durante dos
años. Joseph siempre recordó el buen trato que recibió de sus tíos. Su tío,
quien falleció en 1925, testimonió el mal trato que recibió Joseph por parte de
su madrastra y el total abandono de su padre. Este hecho hizo que las
relaciones entre Charles y su hermano fueran muy tensas. También mencionaba
Charles Merrick la gran voluntad de su sobrino a quien veía salir todos los
días a vender con su carro aun sabiendo que regresaría con las manos vacías.
En 1879, la vida de Joseph volvió a complicarse. El gremio local
de vendedores ambulantes había denunciado que Joseph Merrick daba "mala
imagen" al sector y pidió que no se le renovara la licencia para vender.
Joseph ignoraba esa queja y cuando fue a renovar su licencia se encontró que le
negaban la renovación. La casa de su tío era muy pequeña y Charles y su esposa
esperaban un hijo. Joseph pensó que era una carga muy grande para ellos y que no
debía abusar de su amabilidad. Aun en contra de la opinión de su tío, Joseph
decidió ingresar en la Leicester
Union WorkHouse a finales de 1879.
Las condiciones de vida de las denominadas Workhouse (casas de trabajo) eran
sumamente duras y Joseph las resistió durante 12 semanas. Salió, pero sólo por
dos días. Cuando se dio cuenta de que jamás encontraría trabajo como una
persona normal, tuvo que regresar y permaneció allí durante cuatro años.
Joseph siempre habló de su estancia en ese local con miedo y
horror. Al cuarto año de estar allí, la protuberancia que le crecía en la cara
ya le impedía comer y los responsables de la Work House creyeron conveniente
llevarlo a la "Leicester Infirmary" para que lo operaran y de paso, se
lo quedaran ya que en la Work House no se daba asilo a aquellos que no podían
ganarse la sopa y la cama que les ofrecía el Estado inglés a cambio de trabajo.
En la Leicester Infirmary le operaron de la protuberancia en
forma de trompa de elefante que dio
origen a su apodo. Joseph recordaba que la operación fue muy dolorosa pero que
le consiguieron quitar medio kilogramo de tejido y que pudo volver a comer
mejor y hablar con más claridad. Mientras se recuperaba de la operación se
acrecentó su deseo de no regresar a la Work House y pensó cómo podía ganarse la
vida. Exhibirse en las ferias ambulantes de la época, era la única salida para
él aunque no le gustaba la idea. Merrick supo por un periódico que un conocido
promotor de ferias llamado Sam Torr estaba en Leicester y decidió escribirle contándole
su situación y que estaba interesado en trabajar para él. El promotor en cuanto
lo vio, supo que iba a hacer negocio. Inmediatamente lo incorporó en su feria y
así Joseph empezó su tránsito por Inglaterra exhibiéndose. Su número era
una gran atracción, corría el año de 1883.
De Sam Torr pasó a la feria del empresario Tom Norman. De su etapa en las ferias
ambulantes, no tenía un mal recuerdo e incluso llegó a hacer amistades con
otros compañeros de trabajo. Con Tom Norman llegó a Londres a finales de 1884. Norman
consiguió alquilar un local frente del "Royal London Hospital"
(Hospital Real de Londres) donde exhibió a Joseph durante unas semanas. Fue por
ese tiempo que el médico Frederick
Treves vio a Joseph por primera vez debido a una recomendación
de unos estudiantes de medicina que conocían su interés por todo lo relacionado
con las enfermedades deformantes. Treves quedó fuertemente impactado con el
aspecto de Joseph Merrick y solicitó a Tom Norman que le dejase hacerle un
reconocimiento médico. Treves observó a primera vista que Joseph había sido
operado en la cara puesto que le notó la cicatriz y el queloide consiguiente que se le había
formado sobre el labio superior.
Treves dio una tarjeta de visita a Tom Norman que le permitiría
poder entrar en el hospital sin cita previa y sin preguntas. Gracias a esa
tarjeta, Tom Norman llevó a Joseph Merrick discretamente al hospital y allí
Treves lo tuvo varios días haciéndole reconocimientos y lo mostró a la
comunidad científica del hospital y de otros centros médicos. Quedando patente
que la enfermedad era incurable y que no se podía quedar en el hospital, Joseph
tuvo que abandonar el establecimiento. Durante ese tiempo, Joseph por timidez,
miedo y porque no se expresaba bien debido a su boca deformada no mantuvo casi
conversación con Treves. Tal fue su mutismo que Treves pensó que tenía retraso mental, aunque ello no era cierto.
La exhibición en Londres continuó hasta casi la primavera
de 1885, cuando fue cerrada por las autoridades. No era la primera vez que la
exhibición de Joseph era clausurada por encontrarla "indecente"
debido al sorprendente aspecto que tenía. En casi todos los lugares donde
trabajaba, su exhibición era cerrada. En esta situación, Tom Norman conoció a
un promotor italiano llamado Ferrari quien le propuso llevarse a Joseph al
continente europeo. Debido a que Joseph Merrick ya no podía trabajar en Inglaterra, Norman decidió que éste se
marchara con Ferrari, aunque al promotor inglés nunca le dio buena impresión el
italiano.
Era costumbre por entonces que los promotores guardaran las
ganancias de sus atracciones, así que Norman le dio las 50 libras que Joseph
había ganado sin que éste protestara. Ferrari y Joseph se embarcaron rumbo
a Bélgica en junio de 1886. Lo que ambos no
esperaban es que en Europa las leyes
acerca de la exhibición de personas con deformidades eran muy severas. Y las
exhibiciones de Joseph eran cerradas a los pocos días de ser abiertas no
teniendo casi ganancias ni para sustentarse. Yendo de ciudad en ciudad,
perseguidos por las autoridades llegaron a la ciudad de Bruselas. Allí, Ferrari
abandonó a su suerte a Joseph llevándose las 50 libras que Merrick había ganado
tras dos años de trabajo.
Solo y sin conocer el idioma francés consiguió empeñar unas
pocas pertenencias. Con gran dificultad llegó a Ostende, donde compró un pasaje
para regresar a Inglaterra. Tuvo
problemas para que le dejaran embarcar ya que un capitán no lo quiso en su
barco. Logró al fin que le dejaran subir en un barco, pero bajo la condición de
que no se mezclara con el resto de los pasajeros. Como hacía mal tiempo tuvo
que quedarse escondido en la cubierta a la intemperie durante las diez horas de
viaje (la mayor parte de ellas de noche), lo que le provocó bronquitis. Atracó
en la ciudad de Dover donde
tomó un tren hacia Londres. En el tren
también procuró subir a un vagón vacío y se escondió en un rincón para no ser
observado a la vez que evitar un tumulto.
Merrick llegó a la estación de Liverpool Street en Londres hacia las siete de la mañana de
un día de diciembre de 1886. Al bajar del tren, la
gente se dio cuenta de su presencia y le empezaron a increpar, a rodearle e
intentar quitarle la gorra con el velo que escondía su cara. Joseph intentó
escapar inútilmente. Cuando llegó la policía, Merrick estaba al borde de un
ataque de locura, hablaba atropelladamente y no se podía hacer entender. No
conocía absolutamente a nadie en Londres y no conocía la ciudad ya que a
pesar de haber recorrido toda Inglaterra jamás salía de su caravana o
de su lugar de exhibición. A las preguntas de la policía sólo acertó en enseñar
la tarjeta del doctor Frederick Treves que había conservado durante casi dos
años. Treves fue llamado a la estación y se lo llevó consigo al London
Hospital. Allí le hizo ingresar de modo fraudulento, lo que le trajo problemas
con sus superiores.
El director del hospital entendió la situación de Joseph, pero
el London Hospital no aceptaba por entonces enfermos crónicos. Se consideró la
posibilidad de enviarlo a algún asilo, pero en todos lo rechazaron. Joseph
Merrick sugirió que lo mandasen a la instalación de un faro marítimo o a un
asilo para ciegos y pidió reiteradamente que no lo mandaran a una Work House.
Según Treves, sentía pánico ante la idea de poder volver a una institución
semejante. El solicitar ir a un faro era porque en ese momento Joseph tenía
auténtico pánico a la gente, y el ir al asilo de ciegos era para poder
relacionarse con gente sin la angustia de que lo vieran y así lo trataran con
normalidad.
Sin embargo, el director del hospital tuvo la idea de insertar
un anuncio en la prensa solicitando ayuda económica para poder hacer un fondo
para Joseph y así justificar el poder tenerlo alojado de por vida. La respuesta
de la sociedad inglesa fue un éxito; se recibieron cuantiosas sumas de dinero.
Solucionado el tema económico, se habilitaron unas habitaciones para Joseph que
se convertirían en su último hogar.
Nuevamente logró gran repercusión cuando la propia Alexandra,
Princesa de Gales, y el Duque de Cambridge se interesaron personalmente
por la suerte del infortunado Merrick. Sería ahí donde Merrick, una vez
alcanzada la paz que tanto había ansiado, se dedicó a sus dos grandes pasiones:
la lectura de novelas románticas y la escritura. También, pronto, y persuadido
por el doctor Frederick Treves, Merrick comenzó a recibir visitas, a las cuales
siempre sorprendió con su extraordinaria educación y sensibilidad. De entre las
numerosas personalidades con las que se entrevistó destaca la de la Princesa de
Gales, a quien recibió en varias ocasiones.
En la mañana del 11 de abril de 1890,
a los 27 años de edad, Joseph Carey Merrick fue encontrado muerto en su cama.
Treves, tras un examen, concluyó que murió de asfixia al quedarse dormido. La
cabeza de Merrick era enorme y sólo con esfuerzo conseguía mantenerla erguida.
Su desmesurado peso y tamaño impedían que Merrick pudiese dormir tumbado,
obligándolo siempre a que lo hiciese sentado y en una posición especial; de
otra forma las deformidades le comprimían la tráquea y le dificultaban
gravemente la respiración. Sin embargo, actualmente, tras análisis más
detallados de su esqueleto, más que por asfixia, se estima como la causa más
probable de su muerte que repentinamente su cabeza se inclinara debido a su
desproporcionado peso y se lesionara la nuca.
En todos los homenajes a su persona siempre se cita como el
rasgo más significativo de su carácter el coraje que supo imponer desde el
primer momento a la inhumana crueldad de su enfermedad. Tampoco dejó de
maravillar a sus interlocutores el trato dulce y educado que dispensaba, así
como la sensibilidad especial con la que Merrick solía teñir sus impresiones. Llegó
a trascender ampliamente el episodio en el que, ya al final de su vida, después
de que una mujer le diera por primera vez la mano, Merrick se deshiciera y
rompiera a llorar por la intensa emoción que le produjo no sentirse rechazado;
sentimiento al que habría que unir la especial admiración que siempre sintió
por el sexo femenino. Sin embargo, póstumamente el rasgo que mayor interés ha
despertado de la personalidad de Joseph Merrick es cómo después de las
humillaciones, las palizas y el ostracismo al que fue sometido, se mantuviera
desprovisto de rencor, y siempre consiguiese sobreponer su carácter dulce e
inocente. Tanto es así que Ashley Montagu, reconocido antropólogo de la
Universidad de Princeton, escribió un estudio acerca de este increíble aspecto
de su personalidad titulado "El Hombre-Elefante: Un Estudio acerca de la
Dignidad Humana". Por otro lado, y aunque durante largo tiempo de su vida
se ignoró esta otra destacable cualidad, a Joseph Merrick se le reconoció una
inteligencia por encima de la media. La sociedad de entonces quiso transformar
a Merrick en un monstruo; pero él, con su
carácter humano, desveló a la sociedad como tal.
Tenía un vocabulario extenso y, a pesar de haberse pasado la
mayor parte de su vida en el ambiente de la farándula, no sólo sabía leer y
escribir correctamente, sino que aún lo hacía con estilo notable; hechos que,
en el Londres victoriano de fines del siglo XIX, resultarían sobresalientes para
cualquier persona de clase media o baja. Precisamente es de los estudios de sus
escritos de donde se deduce una persona de carácter ingenuo e infantil, y de
mirada maravillada y simplificadora. Por último, es imprescindible subrayar el
profundo amor que nunca dejó de sentir por su madre, mujer hermosa cuya muerte,
incluso por encima de su atroz enfermedad, y en un gesto de admirable humildad,
siempre reconoció y padeció como la tragedia más grande de su vida. Quizá
porque con su ausencia se le despojó de todo amor, y porque fue la única que
vio tras él al hijo y a la persona.
Merrick, siempre bajo una mirada simplificadora e inocente,
creyó que la causa de sus deformaciones procedía del ataque, durante una feria,
de un elefante a su madre cuando ésta se encontraba embarazada de él. De
acuerdo con sus propias palabras:
Vi la luz por primera vez el 5 de agosto de 1862. Nací en Lee
Street, Leicester. La deformidad que exhibo ahora se debe a que un elefante
asustó a mi madre; ella caminaba por la calle mientras desfilaba una procesión
de animales. Se juntó una enorme multitud para verlos, y desafortunadamente
empujaron a mi madre bajo las patas de un elefante. Ella se asustó mucho.
Estaba embarazada de mí, y este infortunio fue la causa de mi deformidad.
Desde un punto de vista científico, inicialmente se creyó que
Merrick padecía filariasis, comúnmente
denominada elefantiasis, y cuya causa es un gusano que actúa a modo de parásito. Sin embargo la filariasis es una
enfermedad tropical que no tiene presencia en las islas británicas, y en ningún
caso produce las graves deformaciones óseas que sufrió Merrick. Posteriormente,
se rediagnosticó el caso y se pasó a creer que padeció neurofibromatosis, también conocida como enfermedad
del hombre elefante. Tiempo después, también se descartó esta posibilidad,
pues algunos síntomas característicos de la neurofibromatosis entran en clara
contradicción con evidencias encontradas en el caso de Merrick. Actualmente, y
de forma mayoritaria, la comunidad médica cree que la enfermedad que padeció
fue una severa variación del Síndrome de Proteus.
Aun así, no se descarta que realmente se tratase de una enfermedad nueva, y de
la cual Merrick tuviera el infortunio de haber sido el único caso registrado
hasta ahora.
El propio doctor Frederick Treves se encargó de su autopsia y de
preparar su esqueleto para la exhibición. También guardó en formol unas
muestras de tejido de Joseph pero desgraciadamente se perdieron durante un
bombardeo en la Segunda Guerra
Mundial. Treves lo hizo con la esperanza de que los avances de la
medicina pudieran desentrañar en el futuro qué enfermedad afectó a Merrick.
Gracias a la excelente conservación del esqueleto, se le han podido hacer
pruebas radiológicas que señalan que el mal que sufría Joseph Merrick habría
sido el Síndrome de Proteus.
Existe un debate sobre el entierro de su esqueleto o dejarlo en
manos de la ciencia. "A medida que Joseph Merrick era un cristiano devoto,
sabemos que él hubiera querido ser sepultado", indicó Jeanette Sitton,
fundadora de Amigos de Joseph Carey Merrick, al portal de la BBC.
En el historial clínico del Royal London Hospital se
describían así las deformaciones de Joseph Merrick:
... una enorme y deformada cabeza, la extremidad superior derecha
y ambas extremidades inferiores muy torcidas, acentuando alargamiento e hipertrofia de la mayor parte de los
dedos de la mano derecha, escoliosis y una pronunciada cojera en la cadera
izquierda. Presentaba innumerables nódulos y masas papilares, a modo de
coliflor, ampliamente diseminadas en la piel y tejidos blandos del cuero
cabelludo, parte derecha de la cara, espalda, posaderas y extremidades. Del
maxilar superior sobresalía una masa de hueso, creando una apariencia peculiar
a modo de probóscide; esta masa
había recidivado después de su resección a la edad de 20 años.
Merrick llegó a describirse a sí mismo de la siguiente manera:
Mi cráneo tiene una circunferencia de 91,44 cm, con una gran
protuberancia carnosa en la parte posterior del tamaño de una taza de desayuno.
La otra parte es, por describirla de alguna manera, una colección de colinas y
valles, como si la hubiesen amasado, mientras que mi rostro es una visión que
ninguna persona podría imaginar. La mano derecha tiene casi el tamaño y la
forma de la pata delantera de un elefante, midiendo más de 30 cm de
circunferencia en la muñeca y 12 en uno de los dedos. El otro brazo con su mano
no son más grandes que los de una niña de diez años de edad, aunque bien
proporcionados. Mis piernas y pies, al igual que mi cuerpo, están cubiertos por
una piel gruesa y con aspecto de masilla, muy parecida a la de un elefante y
casi del mismo color. De hecho, nadie que no me haya visto creería que una cosa
así pueda existir.
Una de las personalidades que más ayudó a Merrick fue una
actriz, de apellido Kendall. La señora Kendall se sensibilizó mucho por el caso
de Joseph y se movilizó para ayudar a recaudar fondos para él. Aunque parezca
insólito, Merrick y la señora Kendall nunca se conocieron en persona puesto que
ella por aquellos días estaba de gira por Inglaterra y Estados Unidos. Se carteaban y una vez Joseph
le comentó que siempre le hubiera gustado aprender el oficio de cestero. La
señora Kendall contrató a un artesano cestero que le enseñó. Aún teniendo
serias dificultades con su mano derecha, aprendió rápidamente el oficio. Pasaba
mucho tiempo fabricando cestos y otros utensilios en mimbre que luego regalaba
a todo aquel que tenía amistad con él o que le trataba con amabilidad y
respeto. Era su manera de sentirse útil. A pesar de que su mano izquierda era
pequeña y frágil como la de un niño de doce años y la derecha enorme, tenía una
gran habilidad y paciencia para los trabajos manuales. También lo demuestran
las construcciones de cartón que hizo y que regalaba a todo aquel que era
amable con él. Ha sobrevivido una, que está expuesta en el London Hospital y
representa a la iglesia que Merrick podía ver desde la ventana de su habitación
en el hospital, y destaca por la minuciosidad de sus detalles. Fue un regalo
para la propia señora Kendall.
En el museo del Royal London Hospital, actualmente no se exhibe
el esqueleto de Joseph, pero sí algunas pertenencias suyas: un sofá con ruedas
que tuvo en sus dependencias en el hospital, cartas manuscritas suyas, el libro
de admisiones del Hospital con su entrada, el gorro con el trapo cosido que le
cubrían la cara y la cabeza (fabricado por Tom Norman) y vaciados de yeso que
le realizaron una vez muerto. Aunque durante años la prensa sensacionalista
aseguró que el cantante Michael Jackson quería comprar sus
restos, el artista lo desmintió rotundamente durante una entrevista con Oprah Winfrey en 1993.
Existe un debate sobre el entierro de su esqueleto o dejarlo en
manos de la ciencia. "A medida que Joseph Merrick era un cristiano devoto,
sabemos que él hubiera querido ser sepultado", indicó Jeanette Sitton,
fundadora de Amigos de Joseph Carey Merrick, al portal de la BBC. Joseph
Merrick era un fiel devoto protestante y se identificó siempre con la Iglesia Bautista, en más de una ocasión
manifestó que su madre de pequeño siempre le leía los Salmos, de los cuales el
Salmo 23 era su favorito. En sus últimos años escribió un cuarteto que unió a
otros cuatro versos del poeta y pastor protestante Isaac Watts autor de más de
750 himnos cantados hasta hoy en congregaciones bautistas en todo el mundo.
Merrick era diestro,
pero la deformidad de su mano derecha, le obligó a volver a aprender a escribir
con la izquierda y logró hacerlo, con la gran voluntad que le caracterizaba,
con una caligrafía elegante y perfectamente legible. Firmaba sin rúbrica,
simplemente escribía "Joseph Merrick".
El director estadounidense David Lynch llevó al cine la vida de
Joseph Merrick en la película El hombre elefante (1980). En
ella, John Hurt interpreta a Joseph Merrick
y Anthony Hopkins,
al doctor Frederick Treves. Fue nominada a ocho premios Óscar —incluyendo
actor, dirección artística, vestuario y director—. Proclamada como una de las
mejores películas dramática de toda
la historia del cine, fue una película alabada por la crítica como acogedora,
bellísima, atractiva e inquietante cinta de cine, convirtiéndose así en
una película de culto.
Joseph Merrick siempre impresionó por su especial sensibilidad.
Un reflejo de ello es un cuarteto que escribió y que unió a otros cuatro versos
del poeta y pastor protestante Isaac Watts que escribió tres libros de
poesía. Los bautistas suelen usarlos como himnos cantados en sus servicios
religiosos. Éste en concreto, que parece el favorito de Joseph, se encuentra en
el libro segundo de Horae Lyricae. Es un fragmento de un poema
titulado False Greatness ("Falsa Grandeza" cuyos
cuatro primeros versos son de Merrick, los cuatro últimos de Watts):
Is true that my form is something odd,
But blaming me is blaming God;
Could I create myself anew
would not fail pleasing you.
If I could reach from pole to pole
Or grasp the ocean with a span,
I would be measured by the soul
The mind´s the standard of the man.
Es cierto que mi
forma es muy extraña,
pero culparme por ello es culpar a Dios;
si yo pudiese crearme a mí mismo de nuevo
procuraría no fallar en complacerte.
Si yo pudiese
alcanzar de polo a polo
o abarcar el océano con mis brazos,
pediría que se me midiese por mi alma,
La mente es la medida del hombre.
Su padre, el reverendo John Pierpont (1785–1866), era pastor de la Iglesia unitaria Hollis Street en Boston. James fue tío del financiero y banquero John Pierpont Morgan.2 Su padre, fue abolicionista y poeta. Su madre, Mary Sheldon Lord, era hija de Lynde Lord, Jr. (1762–1813) y Mary Lyman. John y Mary Pierpont tuvieron 6 hijos.
En 1832, James fue enviado a un internado en Nuevo Hampshire. Escribió una carta a su madre acerca de montar un trineo en la nieve de diciembre. En 1836, abordó un barco ballenero llamado "The Shark".13 Sirvió en la Marina estadounidense hasta la edad de 21.1
Hacia 1845, regresó a Nueva Inglaterra donde su padre era pastor de una congregación unitaria en Troy, Nueva York. Finalizando la década de 1840, se casó con Millicent Cowee, hija de Farwell Cowee y Abigail Merriam, y se establecieron en Medford, donde tuvieron tres hijos.3 Su padre, John Pierpont, asumió como Ministro de la congregación unitaria de Medford, Massachusetts en 1849.
En 1849, James dejó a su esposa e hijos con su padre en Massachusetts para abrir un negocio en San Francisco durante la Fiebre del Oro en California. También se desempeñó como fotógrafo. Su negoció fracasó luego de que su mercadería se incendiara.
En 1853, Millicent murió, y luego de que su hermano, el también reverendo John Pierpont, Jr. (1819–1879), aceptase un puesto en la congregación unitaria de Savannah, Georgia, James lo siguió, convirtiéndose en organista y director musical de la iglesia.32 Para generar ingresos extra, también dio clases. El órgano se encuentra actualmente en posesión de la Universidad Estatal de Florida.
El 27 de marzo de 1852, James Pierpont publica su composición "The Returned Californian", basada en sus experiencias en San Francisco. Esta obra fue originalmente cantada por S. C. Howard, con arreglos de John Pond Ordway (1824–1880). La canción describe la experiencias de Pierpont durante la fiebre de oro en California y el fracaso de su negocio en San Francisco. La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos posee una copia de la partitura original de la canción.
En 1854, compone las canciones "Geraldine" y "Ring the Bell, Fanny" para la Nightingale Opera Troupe de George Kunkle. Además registra las canciones "To the Loved Ones at Home" en 1854 y "Poor Elsie", una balada. En 1855, compuso "The Starlight Serenade". En 1857, escribió en colaboración con el letristaMarshall S. Pike, "The Little White Cottage" o "Gentle Nettie Moore".
En 1853, Pierpont había publicado nuevas composiciones en Boston, entre ellas "Kitty Crow", dedicada a W. W. McKim, y "The Colored Coquette". También publicó un arreglo titulado "The Universal Medley".
Publicó además numerosas baladas, polkas, como "The Know Nothing Polka", publicada en 1854, y canciones de ministriles (que eran populares en la década de 1850 y continuaron siéndolo hasta entrado el siglo XX en Estados Unidos).
En agosto de 1857, contrajo matrimonio con Eliza Jane Purse, hija del alcalde de Savannah, Thomas Purse.3 Pronto dio a luz a la primera de sus hijos, Lillie. Los hijos de su primer matrimonio continuaron en Massachusetts con su abuelo.
En agosto de 1857 fue publicada su canción "The One Horse Open Sleigh". Esta canción fue originalmente interpretada en un concierto del Día de Acción de Gracias en Savannah, si bien se ha afirmado que la escribió en Medford, Massachusetts en 1850.32 En 1859, fue relanzada con el título "Jingle Bells, or The One Horse Open Sleigh". La canción no fue un éxito en ese tiempo, sin embargo su popularidad crecería con el paso el tiempo al punto de que se convirtió en una de las más populares y reconocibles canciones navideñas.
(Friedrich o Federico Engels; Barmen, Renania, 1820 -
Londres, 1895) Pensador y dirigente socialista alemán. Nació en una familia
acomodada, conservadora y religiosa, propietaria de fábricas textiles. Sin
embargo, desde su paso por la Universidad de Berlín (1841-42) se interesó por
los movimientos revolucionarios de la época: se relacionó con los hegelianos de
izquierda y con el movimiento de la Joven Alemania.
Enviado a Inglaterra al frente de los negocios familiares,
conoció las míseras condiciones de vida de los trabajadores en la cuna de la
Revolución Industrial; más tarde plasmaría sus observaciones en su
libro La situación de la clase obrera en Inglaterra (1845).
En 1844 se adhirió definitivamente al socialismo y entabló
una duradera amistad con Karl Marx. En lo
sucesivo, ambos pensadores colaborarían estrechamente, publicando juntos obras
como La Sagrada Familia (1844), La ideología alemana (1844-46)
y el Manifiesto Comunista (1848).
Aunque corresponde a Marx la primacía en el liderazgo
socialista, Engels ejerció una gran influencia sobre él: le acercó al
conocimiento del movimiento obrero inglés y atrajo su atención hacia la crítica
de la teoría económica clásica. Fue también Engels quien, gracias a la
desahogada situación económica de la que disfrutaba como empresario, aportó a
Marx la ayuda económica necesaria para mantenerse y escribir El
Capital; e incluso publicó los dos últimos tomos de la obra después de la
muerte de su amigo.
Pero Engels tuvo también un protagonismo propio como teórico
y activista del socialismo, a pesar de lo contradictoria que resultaba su doble
condición de empresario y revolucionario: participó personalmente en la
revolución alemana de 1848-50; fue secretario de la primera Internacional
obrera (la AIT) desde 1870; y publicó escritos tan relevantes como Socialismo
utópico y socialismo científico (1882), El origen de la familia, la
propiedad privada y el Estado (1884) o Ludwig Feuerbach y el fin de
la filosofía clásica alemana (1888).
Tras la muerte de Marx en 1883, Engels se convirtió en el
líder indiscutido de la socialdemocracia alemana, de la segunda Internacional y
del socialismo mundial, salvaguardando lo esencial de la ideología marxista, a
la que él mismo había aportado matices relativos a la desaparición futura del
Estado, a la dialéctica y a las complejas relaciones entre la infraestructura
económica y las superestructuras políticas, jurídicas y culturales.
No obstante, en los últimos años de su vida se alejó de sus
primitivas concepciones revolucionarias y abrió la puerta a un socialismo más
reformista, vía que seguiría después de la muerte de Engels su
colaborador Eduard
Bernstein y que acabaría por imponerse entre los socialdemócratas.
"He vivido muchas vidas", escribió en sus Memorias este
personaje inquieto, pues también fue boxeador, periodista, novelista, militar,
criador de caballos, cazador, coleccionista de arte... Su padre Walter fue
actor desde niño, y luego se unió a compañías de repertorio, todas ambulantes;
aunque también trabajó como ingeniero, nunca dejó ese oficio. Se separó de su
mujer en 1912, y John fue a vivir con ella y con su abuela (pero no perdió el
contacto paterno). En su
adolescencia, Huston llegó a ser campeón de boxeo y ejerció como agregado
militar estadounidense en el ejército mexicano.
Contrajo su primer matrimonio a la temprana edad de 20 años. Vivió como pintor
callejero en París durante una temporada, pues muy pronto se quedó
impresionado con el arte de vanguardia, y estuvo en conexión con la Liga de
estudiantes de arte en Los Ángeles, perdió la conexión con ella en 1924 cuando
fue a vivir a Nueva York. También
trabajó como actor y
fue redactor en una revista neoyorquina.
Comenzó en el cine como extra en alguna
película, como El testaferro, Santos del infierno o The
Storm. Gracias a su padre, que era actor reconocido ya, fue guionista de varias
películas de William Wyler (La casa de la discordia o Jezabel) y trabajó en una cantidad impresionante
de guiones durante los años 1930 y
principios de los años 1940: El sargento York, El doble crimen de
la calle Morgue o El último refugio, entre otras.
Su primera película como director, de la que también fue
guionista, El halcón maltés, sigue siendo
considerada una obra maestra de la historia del cine, con Humphrey
Bogart en el papel protagonista.La obra, es adaptación de la novela
homónima de Dashiell Hammet y está considerada como la
primera película de Cine negro. Bogart interpreta al detective Sam Spade que
tras aceptar el encargo de una mujer que quiere encontrar a su hermana, se
introducirá en una trama relacionada con la búsqueda de El halcón maltés, una
centenaria estatua en forma de águila.
Tras la realización de este film, se vería inmerso en
la Segunda Guerra Mundial, donde ejercería de
documentalista. En plena invasión de Italia, se encargó de realizar, el que
para muchos, es el mejor documental sobre el conflicto, San Pietro. En esta
batalla murieron varios de sus cámaras, sin embargo, el director salió ileso.
Dicho documental ha influido en directores de la talla de Steven Spielberg para
la realización de su película Salvar al soldado Ryan.
Tras volver de la guerra, realizó una de las mejores
películas de aventuras de la historia del cine El tesoro de Sierra Madre. La película se
centra en la ambición de unos aventureros en busca de oro. Gracias a esta
película, ganó sus únicos Oscars por mejor director y guión adaptado. Además,
le granjeó a su padre su único Óscar como actor.
Su Medalla roja al valor (1951), de gran
potencia en las imágenes, no quedó completada. La reina de África, otra de sus obras maestras,
rodada en 1951,
demostró a su equipo hasta dónde estaba dispuesto a llegar para rodar una
película, rodando en el Congo, con mosquitos, calor y todo tipo de
enfermedades. Errol Flynn y Trevor
Howard también sufrieron grandes penalidades durante el rodaje
de Las raíces del cielo en
el Chad.
Sin embargo, su carrera tuvo cierta luego, al aceptar dirigir
películas como La Biblia, producida por Dino de Laurentiis; Annie; Evasión o victoria, o Casino Royale, película de James Bond que
contó con cinco directores distintos.
Tuvo ocasión de dirigir a su propio padre, el oscarizado
actor Walter Huston, en al menos cinco largometrajes, y
también dirigió a su hija, Anjelica
Huston, en El honor de los Prizzi y en Dublineses (Los
muertos), entre otros, que es su último film y uno de sus trabajos más
emocionantes.
Falleció en Middletown (Rhode
Island), ahogado por un enfisema. Sus
memorias terminan con lo que haría si pudiese volver a vivir de nuevo:
"Pasaría más tiempo con mis hijos; ganaría el dinero antes de gastármelo;
aprendería los placeres del vino en lugar de los de las bebidas fuertes; no fumaría
cuando tuviera pulmonía y no me casaría por quinta vez", escribió. Se
puede afirmar que John Huston es uno de los grandes directores de la historia
reciente del cine. Tiene su estrella en Paseo de la Fama de Hollywood, en el
1765 de Hollywood Boulevard.
Muere Miguel Antonio Caro, político y escritor colombiano, presidente entre 1892 y
1898 (nacido en 1843).
(Bogotá, 1843 - 1909) Político y escritor colombiano, una de
las figuras más singulares de la historia cultural de su país. De formación
autodidacta, se inició en el periodismo en 1871 en el periódico de su
propiedad El Tradicionista, que fue la palestra de sus ideas políticas y
religiosas y desde donde luchó contra el radicalismo y apoyó a la Iglesia
católica. Fue fundador, en 1871, de la Academia Colombiana de la Lengua,
primera institución de su tipo en América y reconocida por la Real Academia
Española el mismo año de su fundación. Ideólogo, gestor y ejecutor de la
Regeneración, participó en la redacción de la constitución de 1886 y ejerció
como diputado y presidente del consejo de Estado. Fue presidente de la
República de 1892 a 1898 y gobernó, según un biógrafo, más con honor que con
éxito.
Consagró lo mejor de su talento a las letras: traductor de
la Eneida, gramático en el Tratado del participio (1870),
defensor de la lengua viva en su estudio Del uso en sus relaciones con el
lenguaje (1881), erudito en su Virgilio en España, agudo crítico en
numerosos ensayos en los que trató de la literatura castellana y uno de los más
destacados escritores colombianos e hispanoamericanos. Como latinista compuso,
en colaboración con Rufino José
Cuervo, una notable Gramática latina (1867). Polemista por
naturaleza, en sus juicios literarios abunda la agresividad; a este espíritu
combativo se debe, en el fondo, el renacimiento cultural de su país.
La vigorosa personalidad de Miguel Antonio Caro se perfila
con más claros contornos en las disciplinas más gratas a su espíritu y a su
temperamento (la filosofía, la oratoria parlamentaria, la crítica literaria, la
traducción y el ensayo) que en la poesía. Caro fue un poeta de tendencias
clasicistas, pero más que artista era un virtuoso del verso, frío y abstruso en
más de una ocasión. Afluye a sus versos el reiterado recuerdo de formas y
expresiones, hábilmente modificadas, de las Odas de Fray Luis de León
y de Horacio o de las poesías líricas de Góngora o de Lope de Vega. En las
descripciones del paisaje nativo, el símil, de clara estirpe virgiliana, acude,
irresistible, a trazar una extraña pincelada de égloga romana en el cuadro de tonalidades
tropicales, produciendo en el conjunto un ingrato contraste artificioso.
La fría severidad clásica que caracteriza la producción
poética de Caro puede explicarse como una personal reacción contra los abusos y
exageraciones del romanticismo decadente, que por entonces ejercía su anárquica
vigencia en los dominios de la poesía sudamericana, y a la cual ni siquiera
pudo sustraerse el mismo José Eusebio
Caro, padre del insigne traductor de Virgilio. De todas sus composiciones,
la única que alcanzó un éxito sin reservas fue A la estatua del Libertador.
En materia de poesía, su faceta como traductor de autores
como Horacio, Tibulo, Catulo y Virgilio superó con mucho la de creador, y como
tal, Caro recibió la consagración de personas de la autoridad y valimiento de
Marcelino Menéndez Pelayo y Rufino José Cuervo. Sus poesías latinas incluyen
traducciones al latín de varias poesías colombianas, españolas, francesas,
inglesas e italianas y diversas piezas originales.
Salvo poquísimos de alguna extensión, la mayoría de esos
poemas originales en latín son composiciones de doce a veinte versos,
distribuidas en tres "libros". En el primero predominan las
meditaciones o las canciones a la naturaleza, a sus hijos, a sus amigos; en el
segundo, las sátiras políticas y las efusiones religiosas; en el tercero, los
epitafios y los epigramas brevísimos y muchas veces punzantes, como los que
solía lanzar el autor en castellano charlando con amigos. Gran cantidad de
estas poesías están en hexámetros dactílicos; otras tantas, en dísticos
elegíacos; poquísimas, en otros metros líricos, incluso alguna en metro
eclesiástico medieval. Vocabulario, sintaxis y metrificación son de legítimo
aire clásico, especialmente virgiliano.
Nace Robert Taylor, actor estadounidense. (fallecido en 1969).
Robert Taylor (5 de
agosto de 1911 – 8 de junio de 1969) fue un actor de cineestadounidense,
una de las grandes estrellas del cine de los años treinta, cuarenta y
cincuenta, apodado «el hombre del perfil perfecto».
Robert Taylor nació en Filley
(Nebraska) el 5 de agosto de 1911. Su verdadero nombre era Spangler
Arlington Taylor. Era el único hijo de un granjero que trabajaba en el negocio
de granos, pero cursó los estudios de Medicina con el fin de encontrar una cura
para su esposa, una mujer con problemas de salud recurrentes.
Gran aficionado a la música, tocaba el chelo en la orquesta
escolar de la Beatrice High School. De 1929 a 1931 asistió a Doane
College, en Creta (Nebraska), donde como
músico fue miembro del Cuarteto de Cuerdas Doane. Asimismo trabajó en KKMJ
radio en Clay Center, como parte de un trío musical llamado "The Harmony
Boys". Como actor formó parte del grupo dramático Doane Players. Poseedor
de una profunda voz, ganó varios concursos de oratoria.
En 1931 se mudó a Claremont, California, y se matriculó en el
Pomona College para estudiar medicina, donde se enroló en el grupo teatral
universitario y participó en varias obras como La importancia de llamarse Ernesto y Camille.
Nace Henri Grouès (Abate
Pierre), sacerdote francés.
Henri Grouès, más conocido como el Abate Pierre (Abbé
Pierre en francés) o El ángel de los pobres, (Lyon, 5 de
agosto de 1912 – París, 22 de
enero de 2007), fue
un sacerdote católicofrancés, miembro
de la Resistencia, donde adquirió su sobrenombre, y
diputado en la Asamblea de la IV República, fundador en 1949 del movimiento Emaús (traperos de Emaús), una organización de
lucha contra la exclusión y la pobreza. En el invierno de 1954, conmovió a los
franceses al hacerles ver el drama de quienes estaban sin techo, a la
intemperie, muriendo por exposición al frío del invierno de París. Su
llamado y el movimiento que inició tuvieron repercusión mundial. Su labor fue
reconocida en 2004 por
el Estado francés, que lo distinguió con la Gran Cruz de la Legión de Honor, máxima dignidad de
esta orden honorífica.
Nace Alfredo
Gil, guitarrista y
compositor mexicano, fundador principal del trío Los
Panchos.
Alfredo Bojalil Gil, conocido como Alfredo Gil o El
Güero Gil (Teziutlán, Puebla, 5 o 15 de
agosto de 1915 - Ciudad de México, 10 de octubre de 1999), fue un
cantante y compositor mexicano.
Fue uno de los fundadores, junto con Chucho
Navarro y Hernando Avilés, del Trío Los
Panchos, en el cual permaneció durante el periodo 1944-1981. Tercera voz
del grupo, se le recuerda especialmente por su maestría extrema con un tipo
particular de requinto, una pequeña guitarra de registro
agudo, creado por él mismo y que dio una especial sonoridad al trío.
Como compositor, son famosos muchos de sus boleros,
como Caminemos, Sin un amor, Hija de la mala vida, Basura, Tu
ausencia, Solo, Cien mujeres, Me castiga Dios, No trates de
mentir, Ni que sí, ni quizá ni que no, Un siglo de ausencia, Ya
es muy tarde, Loco, Mi último fracaso, No te vayas sin mí,
y Lodo, conocido también como Si tu me dices ven, entre muchos otros.
https://www.youtube.com/watch?v=kqifS2wGwjg
**********
1915:
Nace Samuel Claus, compositor uruguayo, autor de la música de "Río rebelde",
Guitarrista, autor y
compositor Samuel Claus nació en Paso de los Libres, Provincia de Corrientes el
5 de Agosto de 1915.
Se inicia como guitarrista en orquestas y
conjuntos de la zona, presentándose en su ciudad natal y en la vecina ciudad de
Uruguayana (Brasil). A mediados de la década del 30 se radica en
Buenos Aires donde conoce a otros comprovincianos como Emilio Chamorro, Ramón
Estigarribia y Luis Acosta.
Y Samuel Claus tiene el especial privilegio de
haber acompañado con su prodigioso estilo guitarrístico a los grandes de
nuestro género, pudiendo mencionar su paso por el conjunto “Los Kunumi”
dirigido por Luis Acosta donde compartió escenarios con Tránsito Cocomarola y
Emilio Chamorro; el Conjunto Ituzaingó de Leonila Esquivel; el “Conjunto Azul y
Blanco” de Ramón Estigarribia; el conjunto de Miguel Repiso, entre otros.
En el año 1944 participa de la etapa
fundacional del "Cuarteto Santa Ana" de Isaco Montiel, agrupación con
la que graba para el sello “Odeon”. Posteriormente se integra al
Trío Cocomarola, realizando grabaciones para el sello “Odeon” donde se
incluyeron obras de su autoría como el chamamé “Flor misionera” grabado el 11
de Enero de 1952.
En el año 1954 recibe la invitación de Isaco
Abitbol para sumarse a su trío que completaba Emeterio Fernández. Con esta
formación realiza grabaciones para el sello “Pampa””.
A principios de los 60 integra como primera
guitarra el “Trío Santa Anita” dirigido por Julio Montes, conjunto con el que
graba para el sello “RCA Camden”. En estas grabaciones participa como
bandoneonista Damasio Esquivel. En esta etapa realiza una intensa actividad
como sesionista en actuaciones y grabaciones junto a destacados artistas
litoraleños como Miguel Repiso, Damasio Esquivel, Osvaldo Sosa Cordero y Cholo
Aguirre.
En la década del 60 compuso “Río Rebelde” junto
a Héctor Ayala y Cholo Aguirre, obra que trascendió fronteras y que ha sido
grabada por grandes artistas como Ariel Ramírez, Los Trovadores, Los Cantores
de Quilla Huasi , Los Cantores del alba y el cantante español Julio Iglesias.
A finales de los 60 formó su propio conjunto
con el que grabó varias placas y donde estuvo acompañado de músicos como
Paquito Aranda, Tilo Trevisan, Esteban Rivero, Lorenzo Vega, Rulito González y
los cantantes Liana Ruti, Orlando Torres, Rosita Díaz, Dolores Montiel y
Rosmar.
Es autor de otras 100 obras como “”A tu
cariño”, Paso Las Piedras”, “Adiós puesto”, “Puerto Esquina”, “Posadeñita”, “A
mi pueblito”, “Flor del monte“, “Paso Ledesma“, “Regreso al rancho“, “Se casó
la Nicanora”, “Felipa”, “Canto a tus ojos”, “Juanita”, obras que ha sido
grabadas por grandes del género como Mario Millán Medina, Tránsito Cocomarola,
Tarragó Ros, Julio Montes, Eustaquio Miño, Paquito Aranda, Blas Martínez Riera,
Los Hermanos Barrios y Mateo Villalba, entre otros.
En el año 2000 recibió el “Premio a la
trayectoria de SADAIC”.
Retirado de la actividad musical, Don Samuel
Claus se dedicó a la enseñanza de música en su casa del barrio de Almagro
(Buenos Aires) donde falleció el 26 de Julio de 2003.
(Wapakoneta, Ohio, 1930 - Columbus, Ohio, 2012) Astronauta
estadounidense que fue el primer hombre que pisó la Luna.
Tras graduarse en la especialidad de ingeniería aeronáutica
por la Universidad de Purdue, fue piloto de la Marina de Estados Unidos entre
1949 y 1952, período durante el cual participó en la guerra de Corea. Ingresó
en el National Advisory Committee for Aeronautics (NACA), que en 1958 se
convertiría en la Agencia Estadounidense del Espacio (NASA), donde llegó a ser
uno de sus pilotos de pruebas más destacados.
En el marco de sus actividades en el Lewis Research Center y
en la Sección de Desarrollo de Aparatos Voladores de la NASA, en la base de las
Fuerzas Aéreas estadounidenses en Edwards (California), fue uno de los pilotos
designados para efectuar los vuelos de pruebas del avión cohete estadounidense
X-15 (un total de 17 misiones), a bordo del cual alcanzaría altitudes de hasta
30.000 m y velocidades próximas a los 6.000 km/h. Durante esta época pilotó
también bombarderos de largo alcance del tipo B-52.
En 1962 ingresó en el cuerpo de astronautas de la NASA y se
especializó en la mejora de los métodos de entrenamiento y el desarrollo de los
simuladores de vuelo. Cuatro años más tarde (1966) dirigió como comandante la
operación Gemini 8 (marzo de 1966), una misión espacial en la que, acompañado
por el comandante David Scott, llevó a cabo una maniobra de acoplamiento en el
espacio, la primera de este género (16 de marzo). La misión fracasó al perderse
el control del conjunto, si bien los astronautas pudieron separar la cápsula
espacial y regresar a la Tierra, donde hubieron de realizar un amaraje forzoso.
Tres años más tarde (1969), entre los días 16 y 24 de julio,
fue el comandante de la histórica misión Apolo 11 y protagonizó el primer
alunizaje del ser humano sobre la superficie de nuestro satélite. Para esta
gesta se utilizó un cohete Saturno V, el mayor ingenio de este tipo construido,
con una altura superior a los 85 m y un diámetro máximo de 13 m, capaz de
desarrollar una potencia de 35.000 kN, que transportaba el conjunto integrado
por el módulo de mando y servicio, llamado Columbia, y el módulo de alunizaje,
bautizado con el nombre de Eagle.
La tripulación estaba compuesta, además, por el teniente
coronel Michael
Collins, piloto del módulo de mando, y el coronel Edwin Aldrin,
encargado de pilotar el módulo lunar. Armstrong fue el primero en poner pie en
la superficie lunar, el 21 de julio, y permaneció 2 horas y 14 minutos fuera
del módulo de alunizaje Eagle. El alunizaje había tenido lugar el día antes (20
de julio) en la región lunar conocida como Mar de la Tranquilidad; el 21 de
julio, Aldrin siguió a su comandante 15 minutos después de que éste saliera del
módulo lunar.
Además de desplegar la bandera de Estados Unidos y de
instalar diversos aparatos científicos, recogieron aproximadamente 22 kg de
rocas lunares para su posterior estudio en la Tierra. A su regreso, Armstrong
fue nombrado responsable de las actividades aeronáuticas de la NASA,
organización que abandonó en 1971 para incorporarse a la actividad docente como
catedrático en la Universidad de Cincinnati. En 1979 pasó a formar parte de la
junta de la Cardwell International Ltd., empresa proveedora de equipamiento
para refinerías.
Comenzó dirigiendo películas de bajo presupuesto, como Deathdream (1972)
y Los niños no deberían jugar con cosas muertas(1972). Posteriormente
continuó haciendo películas de terror y suspense con presupuestos un poco más
altos, como Black Christmas (1974) o Asesinato por
decreto(1978), película esta última en la cual Sherlock Holmes y el Doctor
Watson solucionan el misterio de Jack el Destripador. Después hizo una película
dramática llamada Tribute (1980) y comedias de gran
recaudación como Porky's (1982), Porky's 2: al día siguiente (1983), A
Christmas Story (1983), Un tiro por la culata (1990), Unos
peques geniales (1999) , Los SuperBabies: Baby Geniuses 2 (2004)
y Karate Dog (2004).
Bob tuvo un trágico final, el 4 de abril de 2007, tras
colisionar frontalmente con un conductor borracho y sin licencia, cuando
viajaba por la autopista con su hijo Ariel, de 22 años, quien también perdió la
vida en el accidente.
Es mayormente conocida por haber interpretado a
"Jennifer Marlowe" en la telecomedia WKRP in Cincinnati y por
ser la ex mujer de Burt Reynolds (con quien estuvo en pareja
entre 1988 y 1993).
Anderson es hija de Carl K. Anderson y Maxine H. Kallin, y
nació en Saint Paul (Minnesota) en 1946, aunque algunas
fuentes señalan 1945 como
su año de nacimiento.1 Según lo
que ella cuenta en su autobiografía, My Life in High Heels (en español, Mi
vida en tacones altos), su padre iba a llamarla originalmente
"Leiloni", pero luego decidió ponerle simplemente "Loni".
Carrera actoral
Su más famoso rol actoral fue la interpretación de la
recepcionista Jennifer Marlowe en la telecomedia WKRP in Cincinnati. Su
fotografía en bikini se
convirtió en uno de los pósters más vendidos de la década
del '70.
Poco después de su separación con Reynolds, comenzó a
aparecer regularmente en la última temporada de la sitcom de
la NBCNurses (1993 - 1994). Trabajó también
en varias películas. Compartió elenco con estrellas como Arnold Schwarzenegger o Lynda
Carter. Con esta última lo hizo en la serie televisiva Partners in
Crime (1984).
En 1998 fue la antagonista en la película infantil 3
ninjas en la Megamontaña.
Loni Anderson hizo una serie de cameos en shows
televisivos a fines de los años '90 y
principios de los 2000.
Vida personal
Anderson tiene dos hijos: una hija, Deidra Hoffman2 (de su
primer matrimonio), que vive en California;
y un hijo, Quinton Anderson Reynolds (nacido el 31 de
agosto de 1988), que adoptaron junto a Burt
Reynolds cuando aún eran pareja.
El 17 de mayo de 2008, Anderson se casó
con Bob Flick, uno de los miembros fundadores de la banda de música
folk The Brothers Four.7
A la ceremonia asistieron amigos y familiares, incluido su hijo Quinton
Reynolds.
Pete Burns fue hijo de un soldado inglés y de Eva, una mujer de origen judío de Heidelberg (Alemania). Ella se había escapado durante el período nazi a Austria, donde conoció al padre de Pete, un soldado británico, en una fiesta para soldados en Viena. En aquella época, Eva decía a los ingleses que era austríaca, debido a su disgusto por lo que Alemania estaba haciendo. Peter solo descubrió que ella era alemana al ver su pasaporte.2
Al hablar de su fallecida madre en una entrevista para el programa televisivo "Psichic Therapy", Pete dijo: «...Hablando de características de padres en el mundo normal y convencional, en realidad no fue una madre, pero fue el mejor ser humano del que he tenido el privilegio de conocer. Y sé que tenía un plan especial para mí, me llamaba "bebé estrella" y sabía que había algo especial en mí. Era una alemana increíble, de no más de metro y medio, pero podía mover o levantar un armario ropero».
Durante los primeros cinco años de su vida, él y su madre hablaban entre sí en alemán: «Crecí hasta los cinco años hablando en alemán y un poco en francés, no se hablaba inglés en mi casa. Mi padre le hablaba a mi madre en francés, y ella me hablaba en alemán».
Antes de formar parte de su banda Dead or Alive, fue miembro de dos grupos: Mistery Girls, el cual tuvo muy corta vida. Y luego de otra denominada Nightmare in Wax (Pesadillas en cera), un grupo con un temprano estilo protogótico y semipunk que fue formado alrededor del año 1974. Nightmares in Wax tuvo dos singles: "Black Leather" ("Cuero negro") y "Birth of a Nation" ("Nacimiento de una nación"), los cuales contenían tres canciones, pero nunca dieron pie a un álbum.
Mientras construía su carrera, Burns trabajó en una tienda de discos en el centro de Liverpool, Probe Records, la cual se convirtió en el lugar de encuentro de las promesas musicales de aquel tiempo.
El llamativo estilo personal de vestir de Pete Burns (travestido), así como su propia actitud, llamaron la atención mundial especialmente gracias al vídeo musical de su canción de estilo disco "You spin me round (Like a record)". Burns fue pionero en su audacia estética y acusó a la estrella Boy George de copiar su estilo y de utilizar su imagen única para triunfar.
Aunque originalmente Burns era etiquetado como gay debido a su apariencia andrógina, en realidad era bisexual y estuvo casado con una mujer, Lynne Corlett, a quien conoció cuando trabajaban juntos en una peluquería, a finales de los años 70. Burns y Lynne finalmente se divorciaron en el año 2006 tras más de 27 años de casados, aunque siguieron siendo muy buenos amigos.
El 9 de febrero de 2006, en una entrevista en Richard and Judy, del Canal 4, Burns y su novio, Michael Simpson, anunciaron públicamente su compromiso, mostrando los anillos que fueron diseñados por la diseñadora Vivienne Westwood. Se casaron al año siguiente.
En enero del 2007, Burns anunció que estaba planeando demandar por un millón de libras al cirujano plástico que le había arruinado sus labios. Entre noviembre de 2006 y enero de 2007, Burns recopiló sus experiencias con las cirugías plásticas fallidas, así como las de otras personas en un especial televisivo titulado Pete Burn's Cosmetic Surgery Nightmares para la UK ITV network.
Capítulo aparte, Burns había publicado su primera autobiografía de nombre Freak Unique, que fue lanzada en mayo de 2006, el mismo año cuando se casó con Michael Simpson. En ella escribe acerca de su vida y revela que una vez fue violado a temprana edad por un hombre, el cual jamás fue procesado. También habla de su depresión y de sus intentos de suicidio.
Burns murió después de un paro cardiorrespiratorio repentino el 23 de octubre de 2016, a la edad de 57 años. Las personas que le rindieron homenaje después de su muerte incluyeron a Boy George, quien describió a Burns como "uno de nuestros grandes verdaderos excéntricos", y George Galloway, que había aparecido con él en Celebrity Big Brother y dijo que Burns era "un cruce entre Oscar Wilde y Dorothy Parker ... no obtienes nada más brillante que eso".8
El 29 de octubre, durante la rutina de danza de apertura del programa Come Dancing de la BBC, se realizó un performance de Dead or Alive con la canción "You Spin Me Round (Like a Record)". Después del número, los anfitriones Claudia Winkleman y Tess Daly rindieron homenaje a Burns y enviaron sus condolencias a su familia.
João estudiaba en la Universidad Federal Rural de Río de Janeiro, y un día los Paralamas fueron a tocar allí. El baterista Vital Días faltó ese día, por lo que él fue presentado ante Herbert Vianna y Bi Ribeiro, los cuales le dieron el puesto ese día. De esta forma Barone se unió al grupo, alternando con Vital, hasta que en 1982 Vital decidió irse. Vital fue homenajeado con la canción Vital e sua Moto, primer hit de los Paralamas.
Barone ayudó a componer varios temas, y compuso el éxito "Melô do Marinheiro", del disco "Selvagem?"(1986). Tiene dos hijas, Laura y Clara, y un hijo, Vicente.
Además de tocar con los Paralamas, Barone ha tocado con otros artistas brasileños, como Rita Lee, Arnaldo Antunes, Paulo Ricardo, la banda Kid Abelha, Lenine, Titãs y Jorge Ben, entre otros.
Yauch era un practicante del budismo.4 Él y su esposa tuvieron una hija en 1998.
En 2009, Yauch fue diagnosticado y tratado por cáncer en la parótida y un nódulo linfático, teniendo que someterse a cirugía y terapia de radiación, lo cual retrasó el lanzamiento del nuevo disco del grupo y la gira de promoción.56Se convirtió al veganismo por recomendación de sus doctores tibetanos.7 Falleció el 4 de mayo de 2012 a la edad de 47 años.8 Un año después el Ayuntamiento de Nueva York puso su nombre a un parque de Brooklyn, anteriormente denominado Brooklyn Heights Park, pues en ese parque MCA pasó momentos de su infancia y juventud.9
(Richard Walter Jenkins; Pontrhydfen, 1925 - Ginebra, 1984)
Actor británico. Iniciado en el teatro, destacó como uno de los mejores actores
del repertorio shakespeariano. En 1949 debutó en el cine, al que aportó su
vigorosa capacidad interpretativa (Cleopatra, J. Mankiewicz, 1963; La
noche de la iguana, J. Huston, 1964; El asesinato de Trotski, J. Losey,
1971; 1984, M. Radford, 1984).
Cursó estudios secundarios en Cardiff, en la escuela que
dirigía Felipe Burton, profesor de quien años después tomaría el apellido para
formar su nombre artístico. Obtuvo una beca y estudió en Oxford, donde fue
descubierto por Emlyn Williams y se inició en el teatro a los dieciocho años.
Durante los dos últimos años de la Segunda
Guerra Mundial prestó servicios en la RAF.
Richard Burton empezó a cimentar su reputación como actor
excepcional en el teatro londinense en 1949; especializado en personajes
shakesperianos, fue particularmente aplaudido su Enrique IV (1951). A
partir de entonces alternaría el teatro con el cine, y el medio británico con
el estadounidense; su primera película de Hollywood fue Mi prima Raquel (1952).
Antes había participado en diversos filmes en Inglaterra.
Tras rodar Cleopatra (1963) en el plató de la Fox,
pasó de ser un actor respetado y admirado por su talento a una popularísima
estrella, debido en buena parte al espectacular romance que vivió con su
compañera de cartel, Elizabeth
Taylor. La turbulenta historia pasional entre ambos encabezó los titulares
de la prensa durante décadas, e incluyó dos bodas y dos divorcios. La nueva
posición de Burton como gran estrella se reflejó, en los años 60, en las
enormes cifras que tanto él como Taylor ingresaban en sus cuentas por cada
película.
Dotado de una imponente presencia en la pantalla y de una de
las mejores voces del cine, fue nominado siete veces al Oscar, pero jamás llegó
a conseguir la preciada estatuilla. Con su vida marcada por el alcoholismo y su
carácter violento, parecía haber alcanzado por fin el equilibrio cuando lo
sorprendió la muerte, tras sufrir una hemorragia cerebral. De su extensa
filmografía destacan, junto a las ya citadas, las películas La túnica
sagrada (1953), Mirando hacia atrás con ira (1958), Becket(1964), ¿Quién
teme a Virginia Woolf? (1966), Los comediantes (1967), Candy(1968)
y Bajo el bosque lácteo (1971).
***********
1984:
Nace
Helene Fischer (n. Krasnoyarsk, Unión Soviética, 5 de agosto de 1984), cuyo nombre al nacer era Елена Петровна Фишер (Jelena Petrovna Fischer),1 es una cantante alemana nacida en la Unión Soviética. Desde su debut en 2005, ha ganado numerosos premios, entre ellos ocho premios Echo, cuatro premios Die Krone der Volksmusik y el premio Bambi. Según su registro de certificaciones ha vendido al menos 9 115 000 de discos.2 En junio de 2014, Farbenspiel, su álbum multiplatino de 2013, se convirtió en el álbum más descargado de un artista alemán de todos los tiempos.3
Chava Flores tuvo infinidad de empleos desde su infancia;
fue costurero, encargado de almacén, cobrador, vendedor de puerta en
puerta, administrador de
una ferretería,
propietario de una camisería y de una salchichonería e impresor, entre otras
cosas. Ocupaciones, todas ellas, que implican movilización por toda la ciudad,
lo que fue de gran utilidad para su etapa como compositor pues,
debido a sus empleos, recorrió barrios, calles y
colonias, y fue testigo de diversas situaciones que posteriormente plasmaría en
su obra, gracias a la cual se le otorgó el título de Cronista Cantor de la
Ciudad de México.[cita requerida]
Fue esencialmente un trabajador incansable: cuando las cosas
no funcionaban bien en su empleo, inmediatamente buscaba una alternativa que le
permitiera continuar trabajando; ese fue el caso en 1946, cuando
desafortunadamente tuvo que cerrar su camisería. Tuvo, así, una racha de empleos breves y mal
remunerados. Fue así como, sin saberlo, se fue enfilando a lo que sería su
carrera como compositor.
Con sus compañeros de trabajo en la ferretería, inició su
labor en una imprenta; en un principio, las cosas funcionaban de manera regular
pero, a raíz de una idea suya, la imprenta empezó a mejorar: se trataba, nada
menos, que de El Álbum de Oro de la Canción:
“Mi amor por las canciones de México y sus compositores fluyó
a mi mente. Me sabía miles de ellas, aunque no conociera personalmente a ningún
autor, y de mi mente desesperada por el infortunio surgió el Álbum de Oro
de la Canción. Una revista quincenal que desahogara mis ansias guardadas por
ese hermoso arte que tanto amé y que nunca fue mío.” (Flores Rivera Salvador,
1994:26.)
Se trató, sin duda, de un esfuerzo importante que tuvo un
periodo corto de vida, debido principalmente al hecho de que la imprenta en la
que trabajaba decidió dejar de lado el proyecto, y el precio del papel se elevó a tal grado que el
álbum se volvió prácticamente incosteable. Salvador Flores Rivera comenzó a
editar, en 1949, una colección de decorosos y útiles cuadernos de 32 páginas
que llamó El Álbum de Oro de la Canción. El precio de cada cuaderno era
de sesenta y cinco centavos, y en ellos aparecían las canciones
más gustadas de todos los tiempos. Circuló durante cuatro años, al lado
del Cancionero Picot.”
Es justamente este episodio- de la creación del álbum- el que
marcó definitivamente a Chava Flores y el que le abrió las puertas para
incorporarse a las filas de compositores e intérpretes de aquella época pues,
debido a su publicación, el trato con intérpretes y compositores fue
despertando en él la vocación.
La imposibilidad de continuar con el álbum lo orilló a buscar un nuevo campo de
trabajo y, una vez que había conocido un poco más a fondo el ámbito musical, se
percata de que su gusto por la música iba más allá del placer de escuchar y
cantar, y comenzó a optar por crear sus propias canciones.
En 1983, se mudó a la ciudad de Morelia, Michoacán, donde tenía un
programa de televisión. Al año siguiente, fue trasladado de urgencia a la Ciudad
de México, y falleció pocos días después.
Muere Jeff Porcaro, músico estadounidense (n. 1954).
Jeffrey Thomas Porcaro (1 de abril de 1954 Hartford, Connecticut, Estados Unidos-5 de agosto de 1992 Los Angeles, California, Estados Unidos) fue el líder y co-fundador de la banda de rock Toto, y paralelamente participó en la grabación de 1060 álbumes en 17 años de carrera como baterista, percusionista y compositor.1
Fue el baterista más codiciado y respetado en la industria musical entre finales de la década de los setenta, y principios de los 90, pero su prematura muerte finalizó una carrera que cada vez iba más en alza. El sitio Allmusic dice que "no es una exageración decir que el sonido pop/rock de los 80's se debe a él".2
Cambió la percepción y la forma de entender al instrumento rítmico. Él decía que "para tocar batería hay que escuchar la canción antes de todo, sumergirse en ella y apartar el ego, no tocar para uno mismo ni para el productor que te contrata, sino para la música". Visión opuesta a la forma excéntrica y violenta que establecieron algunos bateristas de rock. El paradigma que creó, a la vez, lo llevó a ser consecuente y jamás tocó en vivo ni grabó en estudio un solo de batería.3
Su influencia junto a Toto no deja de ser considerable. Con la banda ganó seis premios grammys y establecieron el récord -hasta hoy en día- de ser el grupo que más gramófonos se ha llevado en una ceremonia.7 Además creó el "Rosanna Shuffle", que para algunos "es el más reconocible y esencial groove de batería que existe".89
El músico fue fiel a sus compañeros de conjunto, pese a recibir millonarias ofertas de Mark Knopfler para pertenecer a Dire Straits10 y de Bruce Springsteen para ser parte de su banda soporte,11 cuando ambos artistas se encontraban en el mejor momento de sus carreras.
Algunos músicos afirmaron que no era sólo su talento la principal razón por la que los productores o los artistas lo escogían. Michael McDonald sostuvo que "era una persona muy generosa", mientras que Springsteen lo definió como "una persona de alma".
Se expandió a colaborar con artistas latinos, tal el caso con Luis Miguel en su álbum Busca Una Mujer del año 1988 dándole su 'groove' inconfundible a varias canciones.
Gracias a estos aportes el músico ha recibido algunos importantes reconocimientos. Ingresó en 1993 al Salón de la Fama del medio especializado en baterías Modern Drummer.12 Fue escogido en 2013 en Drum Magazine como unos de los 15 grandes "Groove Drummers Of All Time"13 y en el 2015 en el sitio musical Music Radar como el mejor "groove drummer".14
Mientras trabajaba en publicidad, Guinness estudió en
la Fay Compton Studio de arte dramático, debutando en 1934 en el
teatro. En 1936 interpretó obras clásicas en el prestigioso teatro Old Vic de
Londres. En 1941 se incorporó a la Armada
Real como marinero, y fue comisionado al año siguiente.
Al margen de un pequeño papel de extra, su carrera
cinematográfica comenzó después de la Segunda
Guerra Mundial con su interpretación en Great
Expectations, película de 1946.
Numerosas películas, en su mayoría comedias, demostraron su
habilidad y tremenda versatilidad para hacer interpretaciones totalmente
diferentes en cada papel. En la película Kind Hearts and
Coronets incluso interpretó ocho papeles diferentes, incluido el de una
mujer.
Notables son sus papeles, como por ejemplo el de un
arístócrata en El cisne, un tozudo oficial inglés prisionero en El puente sobre el río Kwai, o su mejor actuación como el
débil rey Carlos
I en el film Cromwell (1970).
En 1954, inició a filmar la película El padre Brown, y
tiempo después él y su esposa se convirtieron al catolicismo
romano manteniendo la fe hasta su muerte. Su hijo, Matthew, se había
convertido antes.
En 1955 conoció de casualidad al actor James Dean, al cual le
dijo: "Si conduces ese coche que tienes, pintado de ese color, será
invisible para otros conductores. Refleja demasiado los rayos del sol... de
lejos puede no verse. Si lo conduces, morirás en una semana".
Efectivamente, James Dean murió una semana después de tener esa conversación.
Este hecho, por irreal que parezca, fue confirmado por el propio Guiness en su
libro autobiográfico.
En 1957 Guinness ganó un Óscar al mejor actor
y un Globo
de Oro por su interpretación en El puente sobre el río Kwai. También recibió en 1980 un premio
honorífico de la Academia por su contribución al arte del cine. Fue nominado al
Óscar como actor principal por The Lavender Hill Mob en 1951, y como
actor de reparto por La
Guerra de las Galaxias en 1977 y Little Dorrit en
1988.
Curiosamente, y a pesar de lo mucho que detestó su papel en
la legendaria película de George Lucas, su presencia
fue uno de los ingredientes que ayudó al éxito del mismo[cita requerida]. Gracias a su papel como el maestro Obi-Wan Kenobi, mentor
de Luke
Skywalker en La Guerra de las Galaxias, el 2.25% de los
ingresos de taquilla que aún obtiene de la saga a causa del contrato original
les proporciona hoy en día más dinero a sus herederos que el resto de los
derechos de todas sus películas juntas.[cita requerida] Sir Alec Guinness aceptó trabajar en
la película a cambio de un porcentaje de los beneficios; a pesar de esto nunca
estuvo muy convencido de su participación. Quizá por eso le pidió a George
Lucas que su personaje muriera en su lucha contra Darth Vader.3
Por sus méritos como actor, la corte británica lo invistió
Caballero en 1959, lo que le convirtió en Sir Alec Guinness. En agosto de 2000
Guinness murió a los 86 años de edad.
Catalino Curet Alonso nació en el pueblo de Guayama en Puerto Rico. El padre de
Alonso era un profesor de idioma español y músico en la banda de Simón Madera.
Tenía dos años en 1928 cuando sus
padres se separaron, su madre y la hermana se trasladaron a Barrio Obrero
en Santurce con
su abuela. La vida en este barrio y sus experiencias allí influenciaron su
música. Su abuela lo crió y recibió educación primaria y secundaria. En 1941 cuando tenía 15 años, escribió su
primera canción. En su niñez sus amigos eran Rafael Cortijo, Ismael Rivera y Daniel Santos.
Carrera
Después de que se graduara en la secundaria, ingresó en
la Universidad de Puerto Rico en donde estudió periodismo y
sociología. Trabajó para el Servicio Postal de los Estados Unidos por más
de veinte años. Mientras tanto también estuvo componiendo canciones. En 1960 él se trasladó a Nueva York y trabajó
para el periódico “La Prensa" como periodista de los deportes. En 1965, Alonso encontró al percusionista y
cantante de salsa Joe Quijano, quien por primera vez llevó al disco
una composición suya, titulada "Efectivamente". Alonso desarrolló un
estilo único que se conoce como "salsa con una conciencia". Escribió
canciones sobre temas sociales y románticos que hablaron de los negros pobres y
de las dificultades a las que se enfrentan. También centró muchas de sus canciones
en lo que él llamó la belleza de los negros caribeños.
Alonso se casó y tuvo una hija. La unión no duró y él y su
esposa se separaron. En 1985,
conoció a Norma Salazar con quien vivió el resto de su vida.
Muerte
Tite Curet Alonso murió el 5 de agosto de 2003 de un ataque
al corazón en Baltimore, Maryland. Richie Viera,
puertorriqueño y William Nazaret, venezolano, ambos amigos de Tite, se cercioraron
de que transfirieran al cuerpo de Alonso a Puerto Rico. En Puerto Rico le
dieron el entierro de un héroe, primero la ceremonia fue llevada a cabo en la
funeraria Buxeda de Hato Rey, luego el cuerpo se trasladó al instituto de la
cultura puertorriqueña en el Viejo San Juan con un protector de honor y luego
entonces en el edificio del capitolio de Puerto Rico en San Juan,
posteriormente a la alcaldía de San Juan donde fue recibido por el alcalde Hon.
Jorge Santini . Finalmente fue sepultado en el Cementerio Santa María Magdalena de Pazzis en San
Juan. Rubén
Blades suspendió algunas fechas de su tour de despedida (antes
de ser el ministro de turismo para Panamá) para asistir al
entierro de Alonso. Cheo
Feliciano, su amigo más cercano, era uno de muchos famosos que
asistieron a su sepelio. donde muchos de ellos aportaron y su tumba fue
enchapada en oro de 24 kilates.
En el vídeo musical del tema "La Perla" del grupo
puertorriqueño Calle
13 que cuenta con la colaboración de Rubén Blades puede verse
como éste deja un CD a modo de ofrenda sobre la tumba de Tite Curet Alonso
Es uno de los
compositores puertorriqueños más prolíferos de la última mitad de siglo. Y uno
de los que más canciones ha llevado al primer lugar de la popularidad.
Pertenecía a la "realeza" de Hollywood, ya que era hijo de B. P. Schulberg,
primer presidente de la Paramount Pictures y
de Adeline Jafee-Schulberg, hermana del agente y productor Sam Jaffe. Fue motivo de controversia su
aparición en el Comité
de Actividades Antiamericanas el 23 de mayo de 1951,
en el que testificó contra algunos colegas.
Schulberg fue la última persona que estuvo con Robert Kennedy en la habitación del Hotel
Ambassador, instantes antes de que fuera asesinado.
Fue miembro del Partido Comunista, aunque posteriormente lo
abandonó. Durante "la caza de brujas" fue junto a Elia Kazan uno de los principales
delatores de sus antiguos compañeros de partido.
Budd Schulberg es principalmente conocido por sus novelas What
Makes Sammy Run? (1941) y Más dura será
la caída (1947), así como los guiones de La ley del silencio (1954),
por el que ganó un Óscar, y de Un rostro en la multitud (1957).
En 1939 colaboró en el guion de Winter Carnival, una
comedia ligera. Uno de sus colaboradores fue el novelista F. Scott Fitzgerald,
que en ese momento estaba intentando granjearse una carrera en Hollywood. Las
experiencias vividas sirvieron de base a la novela El Desencantado (1950)
en la que se narra la relación entre un guionista joven y un escritor de
renombre pero en decadencia.
2011:
Muere Francesco
Quinn, actor estadounidense de origen italiano (n. 1963), hijo del actor
Anthony Quinn.
Francesco Daniele Quinn (Roma, 22 de marzo de 1963 - Malibú, 5 de agosto de 2011) fue un actor estadounidense nacido
en Italia.
Fue el sexto hijo de doce de la desaparecida leyenda cinematográfica y ganador
de los OscarAnthony Quinn.
Francesco debutó en el cine interpretando a Rhah en Platoon (1986)
de Oliver Stone. Falleció de un ataque al corazón,
mientras corría cerca de su casa de Malibú (California).
Francesco
Quinn nació en Roma (Italia),
hijo de Anthony Quinn y su segunda esposa, Iolanda
Addolori, una diseñadora de vestuario con quien Anthony
permanecería casado durante 31 años.1
Quinn es de ascendencia mexicana, irlandesa e italiana.
Actuó junto a
su padre en varias películas, entre ellas A Star For Two, con Lauren Bacall.
Los dos Quinn también tuvieron la oportunidad de compartir el papel de Santiago
en la adaptación al cine de El viejo y el
mar, donde el hijo y el padre interpretan al personaje como
joven y como adulto.
El 5 de agosto de 2011, Francesco Quinn se
encontraba corriendo junto con su hijo Max, en su residencia de Malibú, cuando sufrió un ataque fulminante al
corazón. La noticia se conoció dos días después, cuando el periódico Los Angeles
Times informó del deceso.23
El 30 de julio de 2012 fue internada en el hospital, con
problemas crónicos en corazón, pulmones y riñones, esto tras el viaje a España.
No quiso ser intubada, ya que quería tener una muerte natural. Se le preguntó
que si se arrepentía de haber hecho ese viaje, a lo que respondió: «Yo sabía
perfectamente bien cuáles eran los costos, y claro que valió la pena. Le dije
adiós a Federico, les dije adiós a mis amigos y le dije adiós a España. Y ahora
vengo a morir a mi país.»
El domingo 5 de agosto de 2012 se dio a conocer su
fallecimiento a través de su twitter oficial con la siguiente frase: «Silencio,
silencio: las amarguras volverán a ser amargas... se ha ido la gran dama
Chavela Vargas».
Los días siguientes se llevaron a cabo homenajes de cuerpo
presente en la Ciudad de México. El domingo 5 de agosto su cuerpo fue velado,
de manera privada, en una agencia funeraria para ser trasladado el lunes 6 de
agosto a la Plaza de Garibaldi donde las cantantes Eugenia León, Tania Libertad
y Lila Downs cantaron a la difunta acompañadas por un grupo de mariachis y por
seguidores de La Chamana. El martes 7 de agosto se rindió un homenaje de cuerpo
presente a Chavela Vargas en el Palacio de Bellas Artes donde también
estuvieron presentes las cantantes que eran sus amigas.
Pienso que sí me
eternizaré. Pasará el tiempo y hablarán de mí una tarde en Buenos Aires. Cuando
un día empiece a llover, les saldrá una lágrima, será
una chavelacita muy chiquita.
Chavela Vargas, en 2004, en ocasión de despedirse del público
argentino.
Raphy Leavitt fue el segundo de cuatro hijos, tres hombres y
una mujer. Él y sus hermanos quedaron huérfanos a temprana edad y fueron
criados por su tía en Puerta de Tierra, un humilde barrio de San Juan. Allí
mismo Leavitt pudo asistir al Colegio San Agustín, donde recibió su educación
primaria y secundaria privada.
Durante su infancia, pudo también tomar clases en La Academia
de Acordeones. Participó en una orquesta de acordeones y fue llamado
accordeonista "de primer rango". Leavitt se inscribió en la Universidad de Puerto Rico para estudiar Administración
de empresas. Fue durante este período de su vida que debutó como músico
profesional y se unió al "Combo Los Reyes". Tras cuatro años en la
universidad, Leavitt obtuvo su diploma de Bachillerato en Administración
Comercial y se graduó con honores.
La Selecta
En 1966, Leavitt creó una orquesta a la que dio el nombre de
"Los Señoriales". Ésta fue la primera vez que asumió el papel de
director de orquesta. Más tarde, le cambió el nombre por el de "La Banda
Latina".
En 1970, Leavitt organizó una orquesta que debía tener un
sonido y un estilo diferentes. Él quiso seleccionar el repertorio de canciones
de la orquesta con un mensaje particular, positivo, social y hasta filosófico;
arregló el sonido de su nueva banda en lo que se refiere a sonar tan crudo y
poderoso como el sonido de salsa típico de todas-trombón de moda en
aquel tiempo (popularizado por Willie Colón), pero con la adición de trompetas
para darle más elegancia. Compuso algunas de las canciones de este grupo nuevo,
al que denominó "La Selecta". Desde su comienzo, La Selecta ha
presentado a Sammy Marrero nacido en Coamo,
considerado por muchos como un caballero en salsa, como uno de sus cantantes.
Marrero, quién siempre ha sido fuertemente influenciado por la música del jíbaro
puertoriqueño, tuvo una oportunidad para enseñar su estilo dramático de canto
en sus primeros hits como el casi himno Jíbaro Soy, canción
puertorriqueña muy patriótica e inusual, Payaso, y El Buen Pastor.
Sin embargo, es en la canción de rúbrica de la banda, La Cuna Blanca, que
la voz de Marrero es en su mayor parte asociada.
Tragedia
La Cuna Blanca es el resultado de un incidente trágico en las
vidas de los integrantes de la orquesta (y de Leavitt). En su presentación para
un baile en Connecticut en
1971, el vehículo de remolque recubierto de la banda tuvo un accidente, matando
al trompetista Luis Maysonet e hiriendo gravemente al trombonista Richard López
y a Leavitt. Leavitt sufrió varias fracturas en su cadera (cojeó desde aquél
entonces), vértebras y costillas, fue llevado a cuidados intensivos. Cuando se
recobraba del estado comatoso, tuvo una visión persistente de una cuna blanca
vacía, de la cual podían oírse gritos infantiles. En cierta forma asoció la
visión con su trompetista, sin saber aún que había muerto en el accidente.
Maysonet estaba supuestamente vestido de negro, y diciéndoles: "Raphy, de
aquí te ayudaré". Cuando los miembros asociados de la banda decidieron
contarle a Leavitt sobre la muerte del músico, Leavitt se lamentó diciéndoles
que ya lo sabía. Tras siete meses de recuperación, Leavitt y su banda grabaron
esta canción de tributo, escrita con estilo dramático e interpretada por
Marrero, con un tono optimista y ritmo de cha-cha-cha que hizo palpitar al
público. El sentimiento agridulce evocado por la canción ha hecho que sea una
canción popular de adiós en los entierros puertorriqueños. La muerte de la hija
de Marrero de una bala perdida en un club de reggaetón en 2005
trajo la canción de regreso, y tuvo la consecuencia dramática de hacer a
Marrero cantarla en un concierto de tributo para La Selecta el día
inmediatamente después de su muerte.
En 1978, Leavitt descubrió a un joven cantante de
nombre Tony Vega, quien se
convirtió en una leyenda entre los cantantes de salsa por su propio mérito.
Raphy Leavitt y La Selecta fueron responsables de la introducción de la salsa
en muchos países.
En los años 1980, Leavitt se convirtió en un productor
independiente y produjo dos discos para Bobby Valentín Bronco
Records. En los 1990, estableció su compañía de la grabación de discos, R.L.
Records. La primera producción de la compañía fue el álbum titulado
"Provócame", el cual se convirtió en un "hit" en Puerto Rico, Estados Unidos y Sudamérica.
El 2 de mayo de 1992 actuaron en Madrid en las fiestas del
dos de mayo siendo presentados por Seju Monzón como su primera actuación en
España y celebrando su 20º aniversario.Tocaron tres canciones, dos de ella
fueron Provócame y la Guiñaita.Intervinieron en un concierto donde después
actuaron El Gran Combo de Puerto Rico, Roberto Torres y Johnny Pacheco. En
1993, Leavitt y La Selecta hicieron su debut europeo en España. Durante esa gira,
ellos también realizaron conciertos en Alemania, Suiza, Italia y Francia.
Años posteriores
Raphy Leavitt fue presentado en el Premio Busto Dorado Rafael
Hernández por sus composiciones "Payaso",
"Jíbaro Soy" y "La Cuna Blanca". En el año 2003, Raphy
Leavitt y La Selecta sostuvieron un concierto en el Centro de Bellas Artes Luis
A . Ferre en San Juan, donde al grupo le fue otorgado un Premio de Música "Tú"
por "Mejor Grabación de Salsa del Año". El acontecimiento fue
convertido en un especial de TV titulado
"Raphy Leavitt y su Orquesta La Selecta: 30 años de Historia
Musical". Raphy Leavitt y La Selecta prosiguieron su actividad con
presentaciones musicales y giras.
Falleció en Miami como consecuencia de una operación de la
prótesis de cadera que se le había instalado a causa del accidente de 1972, y
que se le había infectado. Leavitt falleció mientras dormía.
Era la segunda de las tres hijas de un matrimonio de inmigrantes judíosrusos, Esther (nacida Ottenstein), y Meyer Lubotsky. Se graduó en Shorewood High School. Comenzó sus estudios universitarios en la Universidad de Northwestern en Illinois, pero no llegó a terminarlos. Casada con el compositor John Strauss, con quien tuvo dos hijos. Se divorciaron en 1976. Tuvo tres nietos.
Su primer gran éxito fue en la comedia de situación Car 54, Where Are You? (1961-1963) encarnando el papel de Sylvia Schnauser, la esposa del oficial Leo Schnauser (interpretado por Al Lewis).Nominada para un Premio Emmy por su papel secundario en 1975 en Queen of the Stardust Ballroom. Intervino en Sesame Street como Molly Correo Dama. En 1964, participó en un anunció de petróleo.
También intervino en diversas series y películas como: The Worst Witch en la serie Sister, 101 Dálmatas, The Series, The King of Queens, Los Hechos de la Vida (en 1982 y 2001).
En 2000, encarnó el papel de Berthe en Paper Mill Playhouse, una producción musical de Pippin. En 2007, apareció en un show de cabaret en la Sala de Peluche en San Francisco.
En sus obras, Morrison habla de la vida de la población negra, en especial de las mujeres. Era una combatiente a favor de los derechos civiles y comprometida con la lucha en contra la discriminación racial.
Nació en una familia de clase trabajadora. Adoptaría el nombre literario Toni Morrison, tomando el de su apodo familiar y el apellido de su marido, el arquitecto Harold Morrison, con quien estuvo casada (desde 1958 hasta 1964) padre de sus dos hijos.
En 1949 comenzó estudios en la Universidad Howard en Washington D. C. y continuó en la Universidad Cornell, se graduó en Filología inglesa en 1955. Ese año comenzó a trabajar como profesora en la Texas Southern University en Houston, continuó en la Universidad Howard y en otros centros académicos a lo largo de los años.
Sus padres fueron Manuel Camargo y Guadalupe Carrasco, quienes también fueron cantantes de profesión.
Tony Camargo ha sido comparado con Beny Moré, el Bárbaro del ritmo, con quien compartió en la orquesta de Chucho Rodríguez, escenarios y grabaciones (como en los boleros Esta noche Corazón y Sin razón ni justicia, donde Camargo ejecuta como voz principal).
Sus comienzos fueron en 1942 y abarcaron programas de radio, televisión, cine, teatro, escenarios de diversa índole, giras nacionales y cientos de grabaciones, a lado de Agustín Lara , María Victoria, Los Diamantes, Los Ases, Los Hermanos Martínez Gil, José Alfredo Jiménez, las orquestas de Dámaso Pérez Prado, Chucho Rodríguez, Luis Carlos Meyer —el introductor de la cumbia colombiana en México— y de Pablo Beltrán Ruiz, compositor de ¿Quién será la que me quiere a mí?.
Camargo grabó en México "El Año viejo ", acompañado por la orquesta del maestro Chucho Rodríguez, tema compuesta por el colombiano Crescencio Salcedo, la cual Tony escuchó en Caracas, Venezuela, y que forma parte de su primer long play que data de 1953, ahora considerado entre las piedras angulares de la música tropical mexicana, y que durante muchos años comenzó a popularizar al nivel mundial como Sudamérica entre ellos Ecuador, Colombia, Venezuela, Perú, Chile, Brasil en Centroamérica, México también España, Estados Unidos, Europa y Japón, en distintos idiomas.
También trabajó en varios trabajos discográficos de la Billos Caracas Boys basados en temas relacionados en fin de año.
Falleció el 5 de agosto de 2020 a la edad de 94 años.1
2022:
Muere
Diego Felipe Bertie Brignardello (Lima, 2 de noviembre de 1967-Lima, 5 de agosto de 2022) fue un actor y cantante peruano. Conocido por haber protagonizado series de televisión, novelas, películas y teatro en Perú, Venezuela, Mexico.
Junto con sus compañeros de Universidad del Pacífico (que habían formado un grupo poprock llamado Imágenes), reemplazó a Gastón Acurio e integró la agrupación desde abril de 1986. En 1988, lanzó su primera producción discográfica llamada Nuestra versión, de la cual se desprenden éxitos como «Caras nuevas», «Los buenos tiempos» y «Una vez más». Abandonó sus estudios de Administración para estudiar Psicología en la Pontificia Universidad Católica del Perú en 1987.
Se inició en la actuación en la versión peruana musical de Annie. En 1989, se inició en la televisión formando parte del elenco de producciones peruanas como Rosa de América, El hombre que debe morir, la segunda versión de Natacha, entre otras. Protagonizó las telenovelas Canela, Obsesión, Leonela, muriendo de amor y Cosas del amor.1234
Bertie protagonizó la telenovela colombiana producida por Caracol TelevisiónLa ex, en 2006, junto con Ruddy Rodríguez. El año siguiente, participó en un episodio de Tiempo final.
En 2008, participó en la versión latina estadounidense de Desperate Housewives: Amas de casa desesperadas, como Antonio.
En 2013, continuó con su carrera en teatro en la obra Duelo de ángeles. Seguidamente, estelarizó el musical La novicia rebelde y debutó como director con la obra R y J.7 Seguidamente, actuó en Los locos Addams, el musical.8
De 2017 a 2021, formó parte del elenco de la serie peruana De vuelta al barrio, de América Televisión, interpretando a Luis Felipe Sandoval Martínez.9
Diego Bertie inició su carrera como cantante en abril de 1986, formando el grupo de rock Imágenes junto con sus compañeros de la Facultad de Administración de la Universidad del Pacífico; Aurelio «Chifa» García Miró en la batería, Hernán Campos en la guitarra y Dante Albertini en el bajo. A fines de ese año, la banda grabó los temas «A distancia» y «Los buenos tiempos». Este último se convirtió en un éxito durante el verano de 1987, alcanzando los primeros lugares en las listas de popularidad de algunas emisoras de radio del Perú.
El grupo Imágenes realizó pocas presentaciones en vivo, entre las cuales destacó su actuación en el Coliseo San Agustín en octubre de 1987 como telonero de la banda española Hombres G. Imágenes retornó a los estudios de grabación en 1988 y grabó —entre enero y marzo de ese año— su primer álbum de larga duración titulado Nuestra versión, el cual fue editado por el sello Discos Hispanos del Perú. En junio de ese año, se estrenó el sencillo «Caras nuevas», para luego lanzarse las canciones «Una vez más» y «Quién llora». Estas tres canciones contaron con sus respectivos videoclips en la segunda mitad de 1988. El grupo se separó en septiembre de ese año y sus integrantes tomaron rumbos distintos, siendo Diego el único que siguió ligado al medio artístico, aunque se dedicaría por completo a la actuación.10
Después de haber grabado algunos temas como solista en 1990 bajo la producción de Pepe Ortega (entre ellos la canción «Natacha» que identificó a la telenovela del mismo nombre) y haber formado el grupo de corte grunge La Pequeña Muerte, decidió lanzarse como solista interpretando esta vez sus propias composiciones. En 1996 grabó su primera producción discográfica titulada Fuego azul, bajo la producción de Manuel Garrido-Lecca.
El álbum fue editado por Sony Music Perú y salió a la venta en 1997, siendo «Qué difícil es amar» su primer sencillo promocional, el cual contó con un videoclip protagonizado por la modelo Natalia Gallardo. A este éxito le siguieron «Amares», «Días de furia», «La noche» (tema principal de la telenovela del mismo nombre en la que actuó) y «El fuego que no ves» (compuesto por Pedro Suárez Vértiz). A excepción de este último, todos los temas fueron compuestos por el mismo Diego.
Diego Bertie cantó el tema «Canción de cuna», de la telenovela Travesuras del corazón, a dúo con Roxana Valdivieso.
En el año 2001, cantó el tema principal de la película El bien esquivo, del director peruano Augusto Tamayo, de la cual también fue protagonista.11
En 2003, Diego Bertie lanzó su segundo disco como solista, titulado Cuando llega el amor.12
Entre el mes de junio y julio del año 2022, relanzó su carrera de cantante, cantando sus mejores éxitos en locales muy populares del Perú y gozando de gran aceptación hasta el día de su fallecimiento.
Hijo de Jaime Bertie Espejo y Enriqueta Brignardello Belmont, hizo estudios escolares en el Colegio Markham. Durante su juventud, se inclinó por la actuación al ver los musicales Annie y Evita. Ingresó a la Universidad del Pacífico a estudiar Administración.
El 8 de marzo de 1997, se casó con la psicóloga Viviana Monge Valle Riestra, con quien tuvo una hija llamada Aíssa, nacida en 1998.13
La madrugada del 5 de agosto de 2022, fue encontrado muy malherido por un vigilante tras caer desde el piso 14 del edificio en el que residía en el distrito de Miraflores, en Lima.16 Falleció camino al hospital aproximadamente a las 4:00 a. m.17Los restos de Bertie fueron cremados en estricto privado en el cementerio Jardines de La Paz de La Molina y sus cenizas fueron enterradas en ese mismo cementerio.
Se desconocen las causas exactas, pero se cree que es más probable que haya sido un accidente y que Bertie no tuvo intención de quitarse la vida.18
.jpg)
0 comentarios:
Publicar un comentario