El 6 de agosto es el 218.º (ducentésimo decimoctavo) día del año en el calendario gregoriano y el 219.º en los años bisiestos. Quedan 147 días para finalizar el año.
Santoral de la Iglesia Católica:
Fiesta de la La Transfiguración del Señor
Señor
Jesús: transfigúranos también a
nosotros en nuevas creaturas,
totalmente agradables al Padre Dios.
nosotros en nuevas creaturas,
totalmente agradables al Padre Dios.
Narra el santo Evangelio (Lc.
9, Mc. 6, Mt. 10) que unas semanas antes de su Pasión y Muerte, subió Jesús a
un monte a orar, llevando consigo a sus tres discípulos predilectos, Pedro,
Santiago y Juan. Y mientras oraba, su cuerpo se transfiguró. Sus vestidos se
volvieron más blancos que la nieve, y su rostro más resplandeciente que el sol.
Y se aparecieron Moisés y Elías y hablaban con Él acerca de lo que le iba a
suceder próximamente en Jerusalén.
Pedro, muy emocionado exclamó:
-Señor, si te parece, hacemos aquí tres campamentos, uno para Ti, otro para
Moisés y otro para Elías.
Pero en seguida los envolvió
una nube y se oyó una voz del cielo que decía: "Este es mi Hijo muy amado,
escuchadlo".
El Señor llevó consigo a los
tres apóstoles que más le demostraban su amor y su fidelidad. Pedro que era el
que más trabajaba por Jesús; Juan, el que tenía el alma más pura y más sin
pecado; Santiago, el más atrevido y arriesgado en declararse amigo del Señor, y
que sería el primer apóstol en derramar su sangre por nuestra religión. Jesús
no invitó a todos los apóstoles, por no llevar a Judas, que no se merecía esta
visión. Los que viven en pecado no reciben muchos favores que Dios concede a
los que le permanecen fieles.
Eso sigue sucediendo a las
personas que rezan con fervor. La oración les transfigura y embellece el alma y
les vuelve mucho más agradables a Dios.
Dos personas muy famosas del
Antiguo Testamento. Moisés en nombre de la Ley, y Elías en nombre de los
profetas, venían a respaldar y felicitar a Jesucristo y a proclamar que Él es
el enviado de Dios para salvar al mundo.
Es un elogio hermosísimo hecho
por el Padre Dios, acerca de Jesucristo. Es su Hijo Único. Es amadísimo por
Dios, y es preferido por El a todos los demás seres que existen. Verdaderamente
merece nuestro amor este Redentor tan amado por su Padre que es Dios.
San Sixto II, 24o Papa de la Iglesia
258:
Muere Sixto II, papa romano.
Sixto II (* Grecia, ¿? -
† Roma, 6 de
agosto de 258)
fue el Papa nº
24 de la Iglesia católica de 257 a 258.
Biografía
Elegido para suceder a Esteban
I, fue el primer papa de la historia en llevar un nombre ya utilizado por
un predecesor.
Tras la ruptura de la Iglesia romana con las Iglesias de
África y Asia menor que se había producido durante el pontificado de Esteban
I a raíz de la controversia sobre los lapsi y sobre
la validez del bautismo administrado por estos, Sixto II logró poner fin a la
disputa que enfrentaba a la cristiandad al renunciar a imponer la postura
defendida por Roma.
Su pontificado se inició poco después de que el
emperador Valeriano hubiera proclamado un edicto de persecución contra los
cristianos en el que prohibía el culto cristiano y
las reuniones en los cementerios y, según el martirologio romano,
Sixto fue detenido mientras estaba celebrando misa en el
cementerio de Pretextato muriendo mártir al
ser decapitado (según la tradición en la Cárcel Mamertina) junto a los diáconos Januarius,
Vincentius, Magnus y Stephanus, que lo acompañaban en la celebración eucarística.
Ese mismo día también sufrieron el martirio los diáconos santos Felicísimo y Agapito, y poco
después el diácono san
Lorenzo.
Al papa Sixto II se le atribuyó en alguna época la autoría de
la obra Sentencias de Sexto, también conocida como
“Anillo de Sixto”, obra que en realidad es debida a un filósofo pitagórico llamado
también Sixto.
Su fiesta se celebra el 6 de agosto.
**********
1221:
Muere Domingo de Guzmán, teólogo español y santo
católico (nacido en 1170).
Domingo de Guzmán Garcés (Caleruega, Burgos; 11701- Bolonia, Sacro Imperio Romano Germánico, 6 de
agosto de 1221) fue un presbítero castellano y santo católico,
fundador de la Orden de Predicadores, más conocidos
como dominicos.
(Caleruega, 1170 - Bolonia, 1221) Religioso español fundador
de la orden de los predicadores, también conocida como orden dominicana o de
los dominicos. Canónigo regular de Osma, en 1203 tuvo que acompañar a su obispo
en una embajada a Dinamarca. Impresionado por el adelanto de la herejía
albigense, no quiso tomar parte en la cruzada guerrera decidida por el papa e
insistió en su predicación pacífica entre los albigenses. El monasterio de
religiosas fundado por él en Prouille (1206) se convirtió en el centro
espiritual y material de su acción. Tras rechazar varios obispados, en 1215
reunió algunos compañeros y obtuvo del papa Honorio III la confirmación de su
fundación (22 de diciembre de 1216) y de su título propio de «predicadores» (21
de enero de 1217). El 15 de agosto de 1218 dispersó a sus dieciséis religiosos
por París, Madrid, Bolonia y Roma y se dedicó a la predicación y a la
organización de su orden, que tomó su forma definitiva en el primer capítulo
general de Bolonia (1220), que le dio un estatuto original de pobreza
mendicante, independiente de la franciscana. En 1221 Domingo dividió su orden
en ocho provincias. Fue canonizado en 1234 por Gregorio IX.
Domingo de Guzmán realizó estudios de teología y filosofía en
Palencia entre 1184 y 1194, y antes de concluirlos fue nombrado subprior del
capítulo de los canónigos regulares de Osma (Soria). En 1203 acompañó al obispo
Diego de Acevedo en un viaje diplomático a Dinamarca para concertar la boda del
infante Fernando, hijo de Alfonso VIII de Castilla, con una princesa danesa. En
el transcurso del viaje fue testigo de la propagación de la herejía albigense
en el Languedoc (sur de Francia), por lo que de vuelta a España se unió a los
legados del papa Inocencio III enviados para convertir a los herejes.
En 1206 fundó el monasterio para conversas albigenses de
Prouille (cerca de Franjeaux, Francia), a las que puso bajo la regla
agustiniana. Tas el asesinato de su legado Pedro de Castelnau en 1208, el papa
organizó una cruzada contra los albigenses (1209-1213); Domingo de Guzmán se
negó a participar en ella e insistió en la predicación como único medio para
erradicar la herejía. Para ello organizó su actividad a partir del monasterio
de Prouille, que fue reconocido posteriormente por el papa. En 1215, y con la
participación de Foulques, obispo de Toulouse, organizó un grupo con varios
compañeros con el propósito de formar una congregación que se dedicase a la
predicación y a la enseñanza.
Ese mismo año, tras fundar una casa en Toulouse que había
sido cedida por Pedro de Seila, marchó a Roma durante la celebración del III
Concilio de Letrán para obtener del papa Honorio III la confirmación de su
fundación. Además de ésta, que le fue otorgada en diciembre de 1216, Domingo
consiguió para la congregación el título de “predicadores” en enero del año
siguiente. Una vez instruidos los dieciséis integrantes de la orden, en 1218
los distribuyó entre las ciudades de París, Madrid, Bolonia y Roma con el fin
de que continuasen la obra. En la capital italiana la orden se estableció
inicialmente en San Sixto y posteriormente fue trasladada a Santa Sabina
(1219).
Domingo, mientras tanto, se dedicó a la organización de la
congregación, que celebró su primer capítulo general en 1220 en Bolonia, y en
el transcurso del cual le otorgó un estatuto original de pobreza mendicante
basado en la legislación de la Orden de Grandmont. Al año siguiente, motivado
por el crecimiento de la congregación, convocó el segundo capítulo general de
la orden, durante el cual la dividió en ocho provincias y organizó una campaña
de predicación en Lombardía (Italia). Falleció en Bolonia de regreso de un
viaje a Venecia; sus restos yacen en una capilla de la iglesia del convento
dominico de Bolonia. Fue canonizado por Gregorio IX por medio de la bula Fons
sapientae el 3 de julio de 1234. Su fiesta se celebra el 8 de agosto.
Santo Domingo de Guzmán fue un buen orador sagrado; se le
atribuyen, aunque con poco fundamento, algunos escritos. El papa le confió el
cargo de lector, consistente en la censura de los escritos y en la
interpretación de las Escrituras. Presidió sus esfuerzos la idea de que las
herejías debían combatirse mediante la predicación; así hizo con los albigenses
o cátaros, que, apoyados por los nobles franceses, sostenían la naturaleza
maléfica del cuerpo, a la que era preciso vencer mediante una extrema
austeridad. A tales ideas quiso oponer no las armas sino la palabra de
predicadores que por un lado tuviesen una sólida formación teológica
universitaria, y por otro manifestasen en su persona y en el modo de vida su
espiritualidad y su renuncia a lo mundano. Junto con San Francisco
de Asís, Santo Domingo de Guzmán protagonizó así una revolución religiosa
decisiva para la evolución del espíritu medieval y aun de la misma Iglesia.
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Índice
Biografía[editar]
Papado[editar]
1458:
Muere Calixto III, papa católico (n. 1378).
Calixto III (Torreta de Canals, Játiva, Reino de
Valencia, 31 de diciembre de 1378-Roma, Estados Pontificios, 6 de agosto de 1458) fue el papa número 209 de
la Iglesia católica, desde 1455 a 1458. Su nombre de
nacimiento fue Alfons de Borja (Alfonso de Borja en español).
Índice
Biografía[editar]
Único hijo
varón de Domingo de Borja, «un bon home, llaurador de
Xàtiva», y de Francina de Borja o de Llançol, Alfonso de Borja fue miembro de
una familia de la pequeña y mediana nobleza de Játiva,
originaria probablemente de la ciudad fortificada de Borja en
Aragón, atendiendo a la costumbre de muchos de los conquistadores de tomar el
apellido del lugar de nacimiento.1
Estudió leyes
en la universidad de Lérida, de la que también fue profesor, donde llamó la
atención del antipapa Benedicto XIII, que lo atrajo a su causa
en el enfrentamiento que el Cisma de Occidente había provocado en la
Iglesia. Su apoyo al antipapa le valió ser nombrado canónigo de la catedral de Lérida y, a la muerte de su
obispo, en 1412, vicario capitular.2
Llamado a su
servicio como jurista y diplomático por Alfonso V, enfrentado al romano pontífice, a la
muerte de Benedicto XIII, en 1423, dio breve apoyo a Gil Muñoz, elegido sucesor
del papa Luna por tres de sus cardenales con el título de Clemente VIII. Poco después, enviado
a Peñíscola por Alfonso V, deseoso de un acercamiento
a Roma,
logró la renuncia de Gil Muñoz y su sometimiento al papa Martín V.
El éxito de su negociación, supuso el fin del cisma que había dividido a la
Iglesia desde 1378 y la reconciliación entre el rey de Aragón y el papado. En
recompensa, Alfonso fue nombrado obispo de Valencia en 1429.2
En Valencia permaneció poco tiempo pues continuó prestando sus
servicios al rey de Aragón Alfonso V, especialmente en los asuntos napolitanos.
Se negó, no obstante, a participar en el concilio de Basilea en condición de
embajador de Aragón y puso todo su empeño y dotes diplomáticas al servicio del
entendimiento entre el papa Eugenio IV y
el rey aragonés, al que convenció para que retirase el apoyo que había prestado
inicialmente al concilio cismático. El papa le premió con el capelo
cardenalicio el 2 de mayo de 1444.
A partir de ese
momento estableció su residencia en Roma, manteniéndose neutral y alejado de
las disputas entre los Orsini y los Colonna y distinguiéndose en la curia por
sus conocimientos jurídicos y su austeridad de vida,23
aunque también dio comienzo entonces a una práctica que definiría su
pontificado: el nepotismo, ofreciendo a sus sobrinos Luis de Borja y Rodrigo de Borjaimportantes
cargos y beneficios eclesiásticos. Durante el papado de Nicolás V contribuyó
a alcanzar la paz de Lodi, que aseguraba el equilibrio entre Milán,
Florencia y Nápoles y permitía hacer frente al peligro turco. Por lo mismo se
opuso a las conquistas del condottiero Giacomo Piccinino
en Siena,
a pesar de ser este aliado del rey de Aragón, dando prueba así de su rectitud
de criterio e independencia frente a consideraciones de afinidad nacional de lo
que hizo gala durante su pontificado, especialmente cuando a la muerte de
Alfonso V de Aragón rechazó reconocer a su hijo Ferrante como rey de Nápoles alegando
derechos feudales de la Iglesia sobre aquel reino.3
Papado[editar]
Consejero del
papa Nicolás V, a la muerte de este, en 1455, fue elegido papa como
solución de compromiso, gracias a su avanzada edad y a la neutralidad que había
observado en las disputas entre los Colonna y
los Orsini,
que hubieran preferido al griego cardenal Bessarion. Proclamado sumo pontífice
el 8 de abril de 1455 con el nombre de Calixto III, una de sus primeras
decisiones fue canonizar a su paisano san Vicente Ferrer, del que se dijo que le
había profetizado la elevación a «la más alta dignidad a que puede llegar un
hombre mortal».45
Su elección fue
muy mal recibida por los romanos y los italianos en general, temerosos de que
el nuevo pontífice, «uno catalano d'anni ottanta» según se lamentaba Vespasiano da Bisticci, contribuyese a
incrementar la influencia aragonesa en la península tras la ocupación de
Nápoles. Temían, además, que los principales cargos eclesiásticos cayesen en
manos de extranjeros, a lo que sin duda contribuyó el nepotismo del nuevo
pontífice que, desconfiando de quienes recelaban de un papa extranjero, se
rodeó de sus más directos allegados, comenzando por sus tres sobrinos
favoritos: Rodrigo de Borja, futuro papa Alejandro VI,
obispo de Gerona y de Valencia, vicecanciller de la Iglesia, y Juan Luis del Milà, obispo de Segorbe,
hechos cardenales en 1456, y Pedro Luis de Borja, designado capitán general de
la Iglesia.46
Su atención como pontífice se centró en la pacificación de
Italia y la reconquista de Constantinopla,
que había caído en manos turcas en 1453. Para ello el 15 de mayo de 1455
proclamó la bula de cruzada y envió delegaciones a Inglaterra y Alemania,
a donde acudió como legado el cardenal Nicolás de Cusa, Francia, Portugal, Aragón y
especialmente, por pesar sobre ellos mayor amenaza, a Hungría,
a donde envió como legado al cardenal Juan Carvajal,
que también visitó Alemania y Polonia. Para sufragar los gastos vendió su
vajilla de oro y plata y objetos de arte al rey de Nápoles.7
En julio de 1456 un ejército heterogéneo, reclutado por Juan Carvajal y Juan de Capistrano y dirigido por Juan de Hunyadi,
jefe del ejército húngaro, logró levantar el cerco de Belgrado,
sitiado por el ejército del sultán turco, Mahomet II.8
El llamamiento de Calixto III a los príncipes cristianos para aprovechar la
ocasión, sacando partido de la victoria, fue desoído. Los prelados alemanes
protestaron contra los «gravamina» que Roma imponía con el pretexto de la
cruzada y la Universidad de París apeló la bula de
cruzada ante el concilio universal.9
El conflicto desencadenado por Giacomo Piccinino en Siena hizo que se derivase
a él parte del dinero y tropas destinados a la cruzada. Ante ello, Calixto no
dudó en dirigirse a persas y armenios, enemigos de los turcos, y respaldó
a Jorge Castriota, Skanderberg,
príncipe albanés, que derrotó a los turcos en Tomorniza en septiembre de 1457.
También la flota pontificia dirigida por el cardenal Ludovico Scarampo con
apoyo napolitano venció a la turca en Metelino, pero los objetivos de la cruzada
no se alcanzaron.10
También en
1456, estableció una comisión que anuló el juicio que, en 1431, había condenado
a Juana de Arco y la declaró inocente de los
cargos de brujería por los que había sido quemada en la hoguera. Ese mismo año
promulgó la bula Inter
Caetera por la que garantizaba a los portugueses la exclusividad de la
navegación a lo largo de la costa africana.
A su muerte, el
27 de junio de 1458, Alfonso V de Aragón dejó el reino de Nápoles a su
hijo Ferrante I. Los adversarios de la corona de
Aragón ofrecieron el trono a René d'Anjou, conde de Provenza. Calixto III
aprovechó para hacer valer los derechos feudales de la Iglesia sobre el reino,
reservando a la Santa Sede el estudio de los derechos de cada uno de los
pretendientes. Por bula de 12 de julio reclamó esos derechos y ordenó a los
napolitanos que no prestasen juramento a ninguno de los candidatos. Llegó
incluso a enviar a su sobrino Pedro Luis de Borja a luchar contra Ferrante,
reconocido como rey por Milán y Florencia. Solo la muerte de Calixto III el 6
de agosto, fiesta de la Transfiguración por él instituida en
recuerdo del sitio de Belgrado, puso fin al conflicto. Unas horas antes de la
muerte del pontífice, Pedro Luis, tras entregar al colegio cardenalicio Sant'Angelo, huyó de Roma por temor a la furia
desatada por los romanos contra «los catalanes», pero descubierto en Civitavecchia fue
asesinado el 26 de septiembre siguiente.1112
Poco apreciado
por los humanistas, que en su predecesor Nicolás V habían
encontrado un espléndido mecenas, su frugal estilo de vida (los gastos de la
curia se redujeron en más de un tercio durante su pontificado y los candelabros
de plata de la capilla papal se sustituyeron por otros de plomo) y la atención
puesta en la cruzada, se interpretaron como falta de aprecio por las artes y
las letras, y como incapacidad para entender el naciente movimiento humanista,
a pesar del apoyo que concedió a Lorenzo Valla,
al que nombró secretario pontificio y canónigo de San Juan de Letrán. Francesco
Filelfo y Vespasiano da Bisticci lo acusaron de
dispersar la colección de manuscritos reunida por Nicolás V en su biblioteca
vaticana, a la que Calixto III legó su colección de libros jurídicos, pues para
obtener fondos con destino a la cruzada vendió algunas valiosas
encuadernaciones. Con objeto de desacreditar al papa, tachándolo de
supersticioso, Bartolomeo Platina puso en circulación la
leyenda de que Calixto III había ordenado que las campanas de las iglesias
tañesen todos los días a mediodía contra la amenaza que representaba el Halley,
visible en 1456, al que según el matemático francés del siglo XVIII Pierre-Simon Laplace, Calixto III habría excomulgado.
La orden, en realidad, había sido dada para recordar a los cristianos el
peligro turco y la necesidad de la cruzada, según recogía la bula de 29 de
junio de 1456, en la que ni siquiera se mencionaba al cometa.13
1538:
En la actual Colombia, Gonzalo Jiménez de Quesada funda Santa Fe de
Bogotá, actualmente la capital del país.
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1638:
Nace Nicolas Malebranche, filósofo francés
(fallecido en 1715).
Nicolas Malebranche (París, 6 de
agosto de 1638 - París, 13 de
octubre de 1715) fue un filósofo y teólogo francés.
Pertenecía a una familia distinguida y tuvo siempre una salud muy precaria.
Esto lo obligó a superar sufrimientos con multitud de cuidados. Sus primeros
contactos con la filosofía los tuvo en el Collège de la Marche y se defraudó.
Como señalamos, pertenecía a una familia acomodada de París.
Su padre fue Nicolás Malebranche, funcionario de Richelieu -tesorero- y en
1658, secretario del rey Luis XIII de Francia. Su madre, Catherine de Lauzon,
fue hermana de un virrey de Canadá. Malebranche era el último de diez o trece
hijos (las fuentes difieren en esto) y mostró desde pequeño grandes dotes
intelectuales en un cuerpo sumamente débil. La educación elemental la recibió
de un tutor privado. Estudió filosofía y,
fundamentalmente o de modo casi exclusivo, teología en La Sorbona y
tampoco le satisficieron los métodos intelectuales. En 1660 entró en
el Oratorio de San Felipe Neri y
en 1664 fue
ordenado sacerdote. En 1699 fue nombrado miembro honorario de la Academia de las Ciencias, así
como del célebre Oratorium Iesu, fundado por Pierre de Bérulle en París. Murió a la edad
de 77 años.
Filosofía
Malebranche pretendió la síntesis del cartesianismo y
el agustinismo, que resolvió en una doctrina
personal, el «ocasionalismo», según el cual Dios constituiría
la única causa verdadera, siendo todas las demás «causas ocasionales». Por ello,
el conocimiento no se debería a la interacción con los objetos, sino que las
cosas serían «vistas en Dios». "Si no viésemos a Dios de alguna manera, no
veríamos ninguna cosa"(Recherche de la verité, libro III, segunda parte,
capítulo VI.)
La dificultad estriba en la expresión de alguna manera.
Dios es conocido no directamente, sino de modo indirecto, tal como reflejado en
un espejo, en las cosas creadas. El hombre participa de Dios y participando de
Dios, participa de las cosas. No hay ninguna interacción directa entre
las sustancias cartesianas. La congruencia entre ambas
es facilitada por la realidad divina. No soy yo quien percibe las cosas, sino
que, en ocasión de un movimiento de la "res
extensa", Dios provoca en mí, una cierta idea. Y con ocasión de una
volición mía Dios mueve el cuerpo extenso que es mi brazo.La relación del
espíritu del hombre con Dios y con las cosas solamente en él, es la solución
decisiva. Así, la visión en Dios de todas las cosas resulta la condición
necesaria de todos los saberes y verdades.
Las obras más importantes de Malebranche son De la
recherche de la vérité (1674-1675), obra que fue ampliamente aumentada
ante las numerosas críticas de sus coetáneos, y sus Méditations chrétiennes
et métaphysiques (1683).
La idea de Dios cobra un peso propio en su sistema
filosófico. Continuador de Descartes, a
veces lo supera en cuanto a la radicalidad de su planteamiento. Para
Malebranche, cuerpo y alma son entidades -o sustancias- inconexas e independientes,
entre las que no existe comunicación directa de ningún tipo.
Destaquemos una vez más: es Dios quien realiza la
función de comunicar ambas entidades y quien crea el conocimiento en
el hombre; pues, al no haber contacto entre mente y cuerpo, el hombre por sí
solo está imposibilitado para conocer el mundo. La presencia
de Dios en el alma de los hombres suple su carencia para conocer otras
entidades, pues el hombre -como dijimos- ve en Dios el resto de las
cosas.
Ocasionalismo: Dios es la causa de todo influjo posible de
una realidad,
Lo que llamamos causa es solo una ocasión. La única causa es Dios: No es el Sol
el que produce calor, luz y vida, solo es una ocasión; la causa es Dios y se
vale y se toma como instrumento para realizar su acción causal.
Ontología: Precursor en la corriente ontológica en la cual
el ser trascendente es el que está más cercano a la causa
de Dios.
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1660:
Muere Diego Velázquez, pintor español (nacido en 1599).
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla,
bautizado el 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de
agosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco español considerado
uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un
estilo naturalista de iluminación tenebrista,
por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se
trasladó a Madrid,
donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue
ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre
los pintores de la corte. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo
consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros
destinados a decorar las mansiones reales. Su presencia en la corte le permitió
estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su
primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se
hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un
estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a
partir de 1631,
pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su
estilo se hizo más esquemático y abocetado,
alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este período se
inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su
segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las
meninas y Las hilanderas.
Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. El reconocimiento
como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su
máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con
la época de los pintores impresionistas franceses, para
los que fue un referente. Manetse
sintió maravillado con su obra y le calificó como «pintor de pintores» y «el
más grande pintor que jamás ha existido». La parte fundamental de sus cuadros
que integraban la colección real se conserva en el Museo
del Prado en Madrid.
"Las Meninas"
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1868:
Nace Paul Claudel,
poeta francés (fallecido en 1955).
Paul Louis Charles Claudel (Villeneuve-sur-Fère, 6 de
agosto de 1868 - París, 23 de
febrero de 1955) fue un diplomático y poeta francés. Hermano
de la escultora Camille Claudel. Representante principal del catolicismo francés
en la literatura moderna, toda su obra, en la que hace alarde, por extraña
paradoja, de simbolismo y realismo, complejidad y sencillez, polifacetismo y
profundidad, aparece informada por una honda inquietud religiosa en la que supo
conciliar la ortodoxia con el modernismo. Académico desde 1946,
cultivó la poesía lírica en la que utilizó un versículo bíblico en ritmo libre
de propia invención.
(Paul Louis Charles Claudel;
Villeneuve-sur-Fère-en-Tardenois, 1868 - París, 1955) Dramaturgo, poeta y
ensayista francés, considerado un paladín del catolicismo. Hijo de un
funcionario del registro público afectado en diversas ciudades del interior de
Francia, su familia se instaló en París en 1882. Paul Claudel cursó un
bachillerato en humanidades y luego comenzó una licenciatura de derecho.
En 1886 descubrió la obra de Rimbaud y
durante unos años se debatió entre la adhesión al cientificismo de la época y
la fe católica, volcándose finalmente a la religión. Paralelamente a este
itinerario espiritual, inauguró su carrera literaria: a partir de 1887 frecuentó
los "martes" de Stéphane
Mallarmé y leyó a Shakespeare,
los trágicos griegos, Dante, Virgilio y Dostoievski.
Después de algunos ensayos, Paul Claudel compuso sus primeros
dramas: las versiones iniciales de Cabeza de oro (1890), La
ciudad (1893) y La Jeune fille Violaine (versión de 1892), de
inspiración simbolista. En 1893 ganó un concurso que lo habilitó para la
carrera diplomática; su destino inicial fue el consulado de Boston. Escribió
allí la primera versión de L´Echange, drama americano en tres actos;
terminó la segunda versión de Cabeza de oro y reestructuró La
Jeune fille Violaine, no representada hasta 1959.
Luego ocupó diversos puestos en China, donde escribió el
ensayo Connaissance de l'Est (1900) y un drama oriental, Le
repos du septième jour (1896). En 1900 volvió a Francia por un año.
Publicó L'Arbre (1901), que reunía sus cinco dramas anteriores, y
comenzó Las musas, texto que abre las Cinco grandes odas (1910).
Un retiro en un monasterio benedictino se saldó con la vuelta a las tentaciones
del mundo. Embarcado en un transatlántico con destino a China, Paul Claudel
vivió una gran pasión que se reflejó en su drama Partición de mediodía (1906).
En China escribió su Art poétique (1907), obra capital que retomaba
textos anteriores.
Comenzó entonces una nueva fase. Se casó con la hija de un
arquitecto de Lyon, con la que tuvo cinco hijos, y después de una tercera
estadía en China (1906 a 1909), se encaminó hacia la consagración tanto
literaria como profesional. Fue nombrado cónsul en distintas ciudades europeas
y luego destinado a las grandes embajadas: Tokio (1922 a 1926), Washington
(1927 a 1933) y Bruselas (1933 a 1935).
Prosiguió su obra reservando el lirismo para la producción
poética: La Cantate à trois voix (1913), la Corona benignitatis
anni dei (1915) y La Messe là-bas (1919). Luego concibió un
teatro menos interior y más orientado hacia la escena: El
rehén(1911), El pan duro (1918) y El padre
humillado (1920), una trilogía que es un contrapunto de
la Orestíada de Esquilo. La
monumental El zapato de raso (1928), obra barroca y suntuosa, marcó
el apogeo de su creación poética y dramática. Compuso algunas obras de teatro
experimental y, una vez retirado de la carrera diplomática, en 1935, publicó
artículos y compuso aún algunos dramas, como L´Histoire de Tobie et de
Sara (1938) y Le Ravissement de Scapin (1952).
Aquí una entrada antigua en mi blog en sus 145 años de nacimiento:
https://padregusqui.blogspot.com.co/2013/08/en-los-145-anos-del-nacimiento-de-paul.html
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1881:
Nace Alexander Fleming, biólogo británico, descubridor
de la penicilina (fallecido en 1955).
Alexander Fleming (Darvel, Escocia; 6 de
agosto de 1881-Londres, Inglaterra; 11 de marzo de 1955) fue un científico británicofamoso
por descubrir la enzima antimicrobiana llamada lisozima.
También fue el primero en observar los efectos antibióticos de
la penicilina,
obtenida a partir del hongo Penicillium notatum.
Entre los grandes avances que registraron las ciencias
médicas y biológicas en el siglo XIX cabe destacar el establecimiento del
origen microbiano de las enfermedades infecciosas, que debemos a investigadores
de la talla de Louis Pasteury Robert Koch.
Sin embargo, a pesar de los ingentes esfuerzos orientados al desarrollo de
vacunas, muchas enfermedades infecciosas siguieron siendo mortales, pues se
carecía de medios para combatirlas una vez contraídas. En este contexto se
comprende la trascendencia del hallazgo de una sustancia, la penicilina, que
era capaz de destruir los gérmenes patógenos sin dañar al organismo. El
descubrimiento de Alexander Fleming, en efecto, no solamente había de salvar
millones de vidas, sino que también revolucionaría los métodos terapéuticos,
dando inicio a la era de los antibióticos y de la medicina moderna.
Alexander Fleming nació el 6 de agosto de 1881 en Lochfield,
Gran Bretaña, en el seno de una familia campesina afincada en la vega escocesa.
Fue el tercero de los cuatro hijos habidos en segundas nupcias por Hugh
Fleming, el cual falleció cuando Alexander tenía siete años, dejando a su viuda
al cuidado de la hacienda familiar con la ayuda del mayor de sus hijastros.
Fleming recibió, hasta 1894, una educación bastante rudimentaria, obtenida con
dificultad, de la que sin embargo parece haber extraído el gusto por la
observación detallada y el talante sencillo que luego habrían de
caracterizarle.
Cumplidos los trece años, se trasladó a vivir a Londres con
un hermanastro que ejercía allí como médico. Completó su educación con dos
cursos realizados en el Polytechnic Institute de Regent Street, empleándose
luego en las oficinas de una compañía naviera. En 1900 se alistó en el London
Scottish Regiment con la intención de participar en la Guerra de los Boers,
pero ésta terminó antes de que su unidad llegara a embarcarse. Sin embargo, su
gusto por la vida militar le llevó a permanecer agregado a su regimiento,
interviniendo en la Primera
Guerra Mundial como oficial del Royal Army Medical Corps en Francia.
A los veinte años, la herencia de un pequeño legado le llevó
a estudiar medicina. Obtuvo una beca para el St. Mary's Hospital Medical School
de Paddington, institución con la que, en 1901, inició una relación que había
de durar toda su vida. En 1906 entró a formar parte del equipo del bacteriólogo
sir Almroth Wright, con quien estuvo asociado durante cuarenta años. En 1908 se
licenció, obteniendo la medalla de oro de la Universidad de Londres. Nombrado
profesor de bacteriología, en 1928 pasó a ser catedrático, retirándose como
emérito en 1948, aunque ocupó hasta 1954 la dirección del Wright-Fleming
Institute of Microbiology, fundado en su honor y en el de su antiguo maestro y
colega.
La carrera profesional de Fleming estuvo dedicada a la
investigación de las defensas del cuerpo humano contra las infecciones
bacterianas. Su nombre está asociado a dos descubrimientos importantes: la
lisozima y la penicilina. El segundo es, con mucho, el más famoso y también el
más importante desde un punto de vista práctico: ambos están, con todo,
relacionados entre sí, ya que el primero de ellos tuvo la virtud de centrar su
atención en las substancias antibacterianas que pudieran tener alguna
aplicación terapéutica.
Fleming descubrió la lisozima en 1922, cuando puso de
manifiesto que la secreción nasal poseía la facultad de disolver determinados
tipos de bacterias. Probó después que dicha facultad dependía de una enzima
activa, la lisozima, presente en muchos de los tejidos corporales, aunque de
actividad restringida por lo que se refleja a los organismos patógenos
causantes de las enfermedades. Pese a esta limitación, el hallazgo se reveló
altamente interesante, puesto que demostraba la posibilidad de que existieran
sustancias que, siendo inofensivas para las células del
organismo, resultasen letales para las bacterias. A
raíz de las investigaciones emprendidas por Paul Ehrlich treinta
años antes, la medicina andaba ya tras un resultado de este tipo, aunque los
éxitos obtenidos habían sido muy limitados.
El descubrimiento de la penicilina, una de las más
importantes adquisiciones de la terapéutica moderna, tuvo su origen en una
observación fortuita. En septiembre de 1928, Fleming, durante un estudio sobre
las mutaciones de determinadas colonias de estafilococos, comprobó que uno de los
cultivos había sido accidentalmente contaminado por un microorganismo
procedente del aire exterior, un hongo posteriormente identificado como
el Penicillium notatum. Su meticulosidad le llevó a observar el
comportamiento del cultivo, comprobando que alrededor de la zona inicial de
contaminación, los estafilococos se habían hecho transparentes, fenómeno que
Fleming interpretó correctamente como efecto de una substancia antibacteriana
segregada por el hongo.
Una vez aislado éste, Fleming supo sacar partido de los
limitados recursos a su disposición para poner de manifiesto las propiedades de
dicha substancia. Así, comprobó que un caldo de cultivo puro del hongo
adquiría, en pocos días, un considerable nivel de actividad antibacteriana.
Realizó diversas experiencias destinadas a establecer el grado de
susceptibilidad al caldo de una amplia gama de bacterias patógenas, observando
que muchas de ellas resultaban rápidamente destruidas; inyectando el cultivo en
conejos y ratones, demostró que era inocuo para los leucocitos, lo que
constituía un índice fiable de que debía resultar inofensivo para las células
animales.
Ocho meses después de sus primeras observaciones, Fleming
publicó los resultados obtenidos en una memoria que hoy se considera un clásico
en la materia, pero que por entonces no tuvo demasiada resonancia. Pese a que
Fleming comprendió desde un principio la importancia del fenómeno de antibiosis
que había descubierto (incluso muy diluida, la substancia poseía un poder
antibacteriano muy superior al de antisépticos tan potentes como el ácido
fénico), la penicilina tardó todavía unos quince años en convertirse en el
agente terapéutico de uso universal que había de llegar a ser.
Las razones para este aplazamiento son diversas, pero uno de
los factores más importantes que lo determinaron fue la inestabilidad de la
penicilina, que convertía su purificación en un proceso excesivamente difícil
para las técnicas químicas disponibles. La solución del problema llegó con las
investigaciones desarrolladas en Oxford por el equipo que dirigieron el
patólogo australiano Howard Florey y
el químico alemán Ernst B. Chain,
refugiado en Inglaterra, quienes, en 1939, obtuvieron una importante subvención
para el estudio sistemático de las substancias antimicrobianas segregadas por
los microorganismos. En 1941 se obtuvieron los primeros resultados
satisfactorios con pacientes humanos. La situación de guerra determinó que se
destinaran al desarrollo del producto recursos lo suficientemente importantes
como para que, ya en 1944, todos los heridos graves de la batalla de Normandía
pudiesen ser tratados con penicilina.
Con un cierto retraso, la fama alcanzó por fin a Fleming,
quien fue elegido miembro de la Royal Society en 1942, recibió el título de sir
dos años más tarde y, por fin, en 1945, compartió con Florey y Chain el premio
Nobel. Falleció en Londres el 11 de marzo de 1955.
*************
Vida y obra[editar]
Vida y obra[editar]
Fue hijo del
matrimonio conformado por el doctor Luis Felipe Blanco Fariñas y Dolores Meaño
Escalante de Blanco. Estudió en Caracas, donde se incorporó al Círculo de Bellas
Artes en 1913. En 1918 recibió su primer galardón por el poema
pastoral "Canto a la Espiga y al Arado", y publicó su primera obra
dramática, El huerto de la epopeya. Ese mismo año fue encarcelado
por participar en manifestaciones contra el régimen, siendo ya estudiante de
Derecho en la Universidad
Central de Venezuela.
A su graduación
comenzó a ejercer la abogacía pero continuó escribiendo. En 1923 obtuvo el
primer premio en los Juegos Florales de Santander (Cantabria), España, con su poema "Canto a
España". Viajó a España para recibir el premio, y permaneció allí más de
un año, familiarizándose con las vanguardias. En 1924 fue nombrado miembro de
la Real
Academia Sevillana de Buenas Letras. Ese mismo año visitó La Habana(Cuba),
donde se reunió con intelectuales cubanos y venezolanos exiliados.
En 1928 comenzó
a editar clandestinamente el periódico disidente "El Imparcial", con
artículos sobre las jóvenes Claudia Rodríguez, Isabella Avendaño, Katherine
Saavedra, Elizabeth Gómez, Paula Contreras y Vanescka León (Las Reinas del
mundo). La cual fue nominada a la feria de la ciudad de Maracaibo, además seria el órgano de difusión
de las proscriptas agrupaciones Unión Social Constructiva Americana y Frente de
Acción Revolucionaria. Es hecho prisionero tras el golpe de estado del 7 de abril, y confinado en Puerto Cabello hasta 1932, cuando fue
liberado por motivos de salud. En el Castillo
de San Felipe de Puerto Cabello, convertido en prisión y a
fines del siglo XIX rebautizado con el nombre de Libertador, fue donde
escribió Barco de Piedra.
Precisamente,
este título hace referencia a la apariencia de dicho castillo rodeado por el
mar, como señala Juan Liscano [1]. Y para el que conozca el clima de
Puerto Cabello, con sus famosas calderetas (viento caliente y seco de
tipo foen) en una prisión casi sin luz y sin ventanas y un ambiente similar al
de un horno, no le puede extrañar que los poemas incluidos en Barco de Piedra
sean de los más tristes de toda su obra:
Madre, si me matan,
ábreme la herida, ciérrame los ojos
y tráeme un pobre hombre de algún pobre pueblo,
y esa pobre mano por la que me matan
pónmela en la herida por la que me muero
(2)
ábreme la herida, ciérrame los ojos
y tráeme un pobre hombre de algún pobre pueblo,
y esa pobre mano por la que me matan
pónmela en la herida por la que me muero
(2)
Al ser liberado
se le prohibió sin embargo realizar cualquier tipo de manifestación pública,
por lo que se dedicó nuevamente a las letras, publicando Poda en
1934, con poemas tan conocidos como Las uvas del tiempoy La
renuncia. Otros poemas muy famosos son Coplas del amor viajero, Silencio (3) y La Hilandera. Un año
después (1935) publicó La aeroplana clueca.
A la muerte
de Juan Vicente Gómez,
Andrés Eloy Blanco fue nombrado por el presidente Eleazar López
Contreras jefe del Servicio de Gabinete en el Ministerio de
Obras Públicas. Sin embargo, su postura fuertemente crítica frente a la
represión de las manifestaciones del 14 de febrero de 1936 y
su pertenencia a la Organización Revolucionaria Venezolana llevan a la decisión
de apartarlo de la política local. Ese mismo año es nombrado Inspector de
Consulados, cargo en el cual viaja a Cuba, Estados Unidos y Canadá; sin
embargo, en 1937 su descontento lo lleva a presentar la renuncia y regresar a
Caracas.
Fundaría poco
después el Partido
Democrático Nacional, como diputado del cual llegaría al Congreso Nacional. A lo largo de su actividad
política sigue publicando profusamente. A comienzo de los años 1940 integra su
partido con la recién fundada Acción Democrática.
En 1943, contrae matrimonio con Liliana Iturbe con quien engendró dos hijos: Luis
Felipe y Andrés Eloy. Participó activamente en la campaña presidencial de Rómulo Gallegos,
quien fue electo presidente en 1947.
En 1946 fue
electo presidente de la Asamblea Nacional Constituyente convocada para la
reforma de la constitución, que instaura el sufragio universal,
directo y secreto. En 1948 fue nombrado Ministro de Relaciones Exteriores por
el presidente Rómulo Gallegos. El Golpe
militar que derroca a Gallegos en noviembre de 1948 lo sorprendió
encontrándose al frente de la delegación venezolana que asistía a la
Tercera Asamblea
General de las Naciones Unidas reunida en París. Se exilia
en México, donde se dedica a tiempo completo a la
poesía.
En 1955 perdió
la vida en un accidente de tránsito. El 21 de mayo de ese año sus restos fueron
trasladados a Caracas para su sepelio, realizado entre estrictas medidas de
seguridad por parte de las fuerzas del régimen.
En 2005 se
cumplieron 50 años de su muerte y esta fecha, que hubiera podido servir de
ocasión para recordar los valores esenciales de su poesía y el sentido social
de su obra, pasó, inclusive en Venezuela, prácticamente desapercibida, lo cual
es casi imperdonable. Ya antes, cuando se cumplieron 100 años de su nacimiento,
el profesor Luis Chesney Lawrence (Universidad Central de Venezuela) señaló, en
el resumen de su investigación titulada Venezuelan dramatists in
shadows: Andrés Eloy Blanco (Dramaturgia venezolana en sombras: Andrés
Eloy Blanco):
Esta investigación
presenta una visión panorámica de la obra dramática de A. E. Blanco, quien como
autor dramático ha recibido muy poca atención, tanto dentro como fuera de su
propio país, Venezuela (4)
Afortunadamente,
el esfuerzo realizado en la edición de una Antología Popular por
parte de Monte Ávila Editores (Editorial del Estado Venezolano) de la que se
publicaron dos ediciones en 1990 y 1997, esta última, como una obra realizada
por la Comisión Presidencial para el Centenario del Natalicio de Andrés Eloy
Blanco, vino a resaltar el enorme valor poético y social de uno de los
venezolanos más destacados en el campo de las letras de todos los tiempos. En
el prólogo de esta obra, escrito por otro venezolano muy distinguido, Juan Liscano, se hace referencia a la
personalidad polifacética de Andrés Eloy:
Andrés Eloy Blanco (1897 - 1955) goza,
junto con algunos otros poetas inferiores a él, de la mayor popularidad en
Venezuela. Su noble condición humana, su idealismo de otro tiempo, su
caballerosidad, su adhesión a la causa de la libertad y de la democracia la
cual le costó cárceles, confinamientos y exilios; su humor, su ingenio
chispeante, su sensibilidad por lo popular, su elocuencia, sus versos de
inspiración tradicional, abiertos al entendimiento de las mayorías, hicieron de
él un símbolo de la civilidad vigilante y una expresión genuina de
venezolanidad extrovertida. ¡Qué extraordinaria lección para la posteridad que
casi nadie recuerde ahora la importancia de Andrés Eloy Blanco como político,
pero que millones de personas puedan recordar y recitar su poema Angelitos Negros!
(5)
Y en mayo de
2014, Rafael Martínez Nestares vuelve a recordarnos la importancia histórica y
literaria de Andrés Eloy Blanco para conmemorar los 59 años de su muerte.6
1899:
Nace Felipe Valdez Leal, compositor mexicano.
Felipe Valdez Leal. Destacado compositor mexicano con un repertorio de más de sesenta canciones, difundiendo la música terruña dentro y fuera de su país. Fue merecedor de varios premios entre los cueles se encuentra, el Trofeo RCA Victor que le fue otorgado en 1949.
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Breve biografía
Primeros años
Hijo de José Ventura Valdés y Carmen Leal, nació en Saltillo, Coahuila, el 6 de agosto de 1899. Desde muy pequeño demostró un gran gusto por la música ranchera, que constantemente escuchaba cantar y silbar a los trabajadores del campo. Así, a la temprana edad de 7 años, empezó a escribir versos. Cursó sus estudios en su tierra natal, y los únicos conocimientos musicales los obtuvo de su padre, quien le enseñó a tocar la armónica.
Trabajos en Estados Unidos
Desde muy joven empezó a trabajar como burócrata en el Palacio de Gobierno, y en el año de 1922 se mudó a la ciudad de Los Ángeles, California, donde fue nombrado gerente general del Repertorio Musical Mexicano de Mauricio Calderón.[1] Compuso su primera canción, “Échale un cinco al piano”, que era un tema con letra de corte humorístico que se convirtió en un éxito internacional y rompió récord de ventas en aquella época. Poco después escribió el corrido de “Lucio Vázquez”, que también fue conocido con el nombre de “Los pavos reales”, el cual se popularizó rápidamente entre todos los latinos.
De ahí adquirió fama y para 1925 se convirtió en director artístico en la compañía discográfica Brunswick Record Corp, en Nueva York. Fue gerente además de Discos Vocalión, en Los Ángeles y en 1928, de Columbia Records nuevamente en Nueva York. Desde la misma ciudad de Los Ángeles, impulsó fuertemente la difusión de la música ranchera, al descubrir y apoyar artistas como Javier Solís, Irma Serrano, Los Panchos a los cuales trajo a México desde Nueva York, Las Hermanas Huerta, Los Alegres de Terán, Las Hermanas Padilla.
A la par de su trabajo en la disquera, el maestro Felipe Valdez continuaba con su producción musical, en muchas ocasiones en co-autoría con otros grandes compositores, entre ellos: Víctor Cordero Aurrecochea, Gilberto Parra Paz, Manuel Acuña Sánchez, Ramón Ortega Contreras, José Vaca Flores, Luis Moreno, Filemón Pérez Ornelas, Mario Álvarez y Jiménez, Francisco Corchado Vázquez, Pascual Mariscal Barba, José Alberto Sepúlveda, David González Martínez, Fidel Ortiz y Lorenzo Hernández Martínez.
Regreso a México
En el año de 1943 el Valdez regresó a su país natal y se estableció en la Ciudad de México, con su esposa y sus dos hijos, y en 1947 fue llamado por Discos CBS de México para dirigir el elenco artístico. Permaneció ahí durante 25 años. En 1974 se retiró y se fue a vivir, junto con su familia, a Cuernavaca, Morelos, donde vivió apaciblemente los últimos años de su vida, que se extinguió el 17 de agosto de 1988. Fue sepultado en el Cementerio de Chipitlán, de la capital morelense.
Trabajos y obras
Las canciones más destacadas de su enorme repertorio son:
“Besos de Papel”
“Échale Un Quinto Al Piano”
“Entre Copa y Copa”
“El Ausente”
“Hace un Año”
“Mis Ojos Me Denuncian" Letra de Manuel Acuña
“Mi Ranchito”
“Mi Destino Fue Quererte”
“Rosita Alvirez”
“Tú, Sólo Tú”
“Veinte Años”
Premios y honores póstumos
Fue merecedor de varios premios, entre los que se encuentran: el Trofeo RCA Victor (1949), el premio Wurlitzer (1957) y la medalla de oro de El Universal (1962). Un busto suyo, en bronce, se conserva en la Casa de la Cultura de Saltillo.
Felipe Valdés Leal recibió innumerables reconocimientos y homenajes, tanto en México como en el extranjero. Los que tuvieron mayor difusión fueron: un homenaje, con la participación de muchos de sus intérpretes, en el programa de televisión “Siempre en Domingo”, que conducía Raúl Velasco, y otro en la emisión “México, Magia y Encuentro”, con la participación de Pedro Vargas, Vicente Fernández, las Hermanas Huerta, “El Charro” Avitia, las Hermanas Águila, los Hermanos Záizar, María de Lourdes y el Mariachi Vargas de Tecalitlán.
Las melodías de este inolvidable autor coahuilense han sido interpretadas por los más célebres artistas mexicanos, como Lucha Reyes, Matilde Sánchez “La Torcacita”, Amalia Mendoza “La Tariácuri”, María de Lourdes, Lola Beltrán, Lucha Villa, Dora María, Flor Silvestre, Enriqueta Jiménez “La Prieta Linda”, Irma Serrano, Verónica Loyo, Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís, Miguel Aceves Mejía, Vicente Fernández, Pedro Vargas, “El Charro” Avitia, Antonio Aguilar, Luís Pérez Meza, Emilio Gálvez, Luis Aguilar, Las Hermanas Padilla, Las Hermanas Huerta, Las Hermanas Águila, Los Hermanos Záizar y Los Alegres de Terán, entre varios más.
Referencias
Volver arriba↑ Pareyon, G 2007, Diccionario Enciclopédico de Música en México, vol.2 vols., 2nd edn, Universidad Panamericana, Guadalajara, México. p.1067
Fuentes
1997. Expediente de Felipe Valdez Leal, en el Departamento de Registro de la SACM, cd. de México
Felipe Valdés Consultado: 19 de marzo de 2015
https://www.youtube.com/watch?v=SreIKVKyxms
https://www.youtube.com/watch?v=OnSyRjkgptY
1911:
Muere Florentino Ameghino, paleontólogo argentino
(nacido en 1854).
Florentino Ameghino (Luján, 18
de septiembre de 1854 - La Plata, 6 de
agosto de 1911) fue un científico autodidacta, naturalista, climatólogo, paleontólogo, zoólogo, geólogo y antropólogo de
la Generación del 80 de Argentina.
(Luján, 1854 - La Plata, 1911) Naturalista argentino. Asistió
a la escuela elemental de Luján y sorprendió a su maestro con su precocidad y
curiosidad por saber y comprender. Allí había residido muchos años Francisco
Javier Muñiz, cuyos descubrimientos paleontológicos se conservaban en la
tradición local y pronto atrajeron al joven Florentino.
A instancias de su maestro fue a Buenos Aires, aprendió
francés (con lo que accedió a lecturas científicas en esa lengua) e ingresó en
la Escuela Normal de Preceptores. Nombrado maestro de Mercedes en 1869, la
proximidad de esta ciudad con Luján le permitió conocer los fondos del Museo
Histórico Natural que dirigía entonces Burmeister.
Sus primeros trabajos le valieron la burla y un cierto
desdén, pero él no se desalentó. En 1871 inició la redacción de La
antigüedad del hombre en el Plata, obra que terminó en 1875 y publicó cinco
años después. Comenzó a enviar trabajos a la Sociedad Científica Argentina, la
cual premió su memoria sobre El hombre cuaternario en la
pampa (1876), llegándole estímulos de los científicos.
Viajó a Europa en 1878; allí expuso sus hallazgos en la
Exposición de París, realizó trabajos de campo, publicó y presentó memorias al
Congreso de Antropólogos de París (1878) y al de Americanistas de Bruselas
(1879). Regresó a Argentina en 1881, ya mundialmente consagrado como
antropólogo y geólogo. Fue director del Museo de Historia Natural (1902) y
dictó cátedras en Córdoba, Buenos Aires y La Plata.
Contando con la colaboración de su hermano Carlos, se dedicó
al estudio de la fauna fósil de los mamíferos y llegó a descubrir cerca de mil
especies nuevas. Su clasificación estratigráfica de la formación pampeana
continúa teniendo validez, no así sus teorías sobre el origen del hombre y de
los mamíferos sudamericanos. Entre sus obras cabe citar Los mamíferos
fósiles de la América Meridional y La formación pampeana (ambas
de 1880), Filogenia (1884), Contribución al conocimiento de los
mamíferos fósiles de la Argentina (1889), Las formaciones
sedimentarias y Mi credo (ambas de 1906), El origen del
hombre (1907) y El origen poligénico del lenguaje (obra póstuma
e incompleta).
Su trabajo muestra una clara influencia de las ideas del
filósofo Herbert Spencer, quien postulaba una noción inmanente de la evolución
como base para su teoría del progreso. Para Ameghino, como para Spencer, las
leyes que rigen el mundo físico son las mismas que valen para el mundo humano,
tanto en el plano individual como en el político-social.
*********
1911:
Nace Lucille
Ball, actriz estadounidense (fallecida en 1989).
Lucille Désirée Ball (Jamestown, Nueva York, 6 de
agosto de 1911-Los Ángeles, California, 26 de
abril de 1989)
fue una comediante, actriz, modelo y productora ejecutiva estadounidense,
famosa por protagonizar los programas I Love
Lucy, The Lucy-Desi Comedy Hour, The Lucy Show, Here's Lucy y Life with Lucy. Fue una de las
estrellas más populares e influyentes en su país, con una de las carreras más
largas de Hollywood, especialmente en la televisión, donde Ball
comenzó a actuar en la década de 1930, convirtiéndose en actriz de radio y
estrella de películas clase
B en los años 1940. Entre las décadas de 1960 y 1970, aún continuaba
grabando películas.
En 1929, Ball empezó a trabajar como modelo y más tarde
comenzó su carrera en Broadway con el nombre artístico de Dianne
Belmont. En los años 1930 apareció en muchos papeles pequeños, gracias a un
contrato con RKO Radio Pictures. Ball fue etiquetada como la «Reina
de las bes», refiriéndose a sus muchos papeles en películas de clase B. En
1951, fue fundamental en la creación de la serie de televisión I Love
Lucy. En el programa también compartía créditos junto a su entonces marido,
Desi Arnaz como Ricky Ricardo y con Vivian
Vance y William Frawley. El show terminó en 1957,
después de 180 episodios. Posteriormente se hicieron algunos ajustes menores
al formato del programa y se cambió el nombre de la serie a The Lucy-Desi Comedy Hour,
el cual se desarrolló durante tres temporadas (1957-1960) y 13 episodios. Ball
llegó a protagonizar otras dos series de televisión exitosas: The Lucy Show, que se transmitió
en CBS desde
1962 hasta 1968 (156 episodios) y Here's Lucy desde 1968 hasta 1974
(144 episodios). Su último trabajo en una serie de televisión fue Life with Lucy en 1986, que
fracasó tras emitir ocho episodios, aunque se produjeron 13.
Ball recibió 17 nominaciones a los Premios
Emmy, de las cuales ganó cuatro. En 1977, fue una de las primeras
ganadoras del Premio «Women in Film Crystal». También recibió el Premio Cecil B. DeMille en 1979, el
premio a la trayectoria del Centro John F. Kennedy en
1986 y el Premio Gobernadores de la Academia de Artes y
Ciencias de la Televisión en 1989.
En 1940, Ball conoció al cubano Desi Arnaz y
se casó con él. En 1951, dio a luz a su primera hija, Lucie Désirée Arnaz; un
año y medio más tarde, tuvo a su segundo hijo, Desiderio Alberto Arnaz IV,
conocido como Desi Arnaz, Jr. Ball y Arnaz se divorciaron el 4 de mayo de 1960.
Finalmente, el 26 de abril de 1989, Ball murió de una disección aórtica a los 77 años. En el
momento de su muerte estaba casada con su segundo marido y socio, el
comediante Gary Morton, con quien había
contraído matrimonio 28 años antes.
*************
1913:
Nace Ramón Sixto Ríos, músico y guitarrista de Argentina, conocido por haber compuesto la canción "Merceditas".
Ramón Sixto Ríos, (1913-1995), fue un músico y guitarrista de Argentina, conocido por haber compuesto la canción "Merceditas", una de las más populares de la historia de la música folklórica de Argentina. Ríos también compuso otros temas como "Qué linda estabas", "María Elvira", etc.
Biografía[editar]
Nació el 6 de agosto de 1913 en Federación (Entre Ríos), migró a la ciudad de Buenos Aires en la década de 1930. En 1939 conoció a Mercedes Strickler (1916-2001), Merceditas, una joven campesina residente en la zona rural aledaña al pueblo de Humboldt, provincia de Santa Fe, donde había ido con una compañía de teatro. Ramón y Merceditas mantuvieron una noviazgo formal durante dos años, principalmente por carta, debido a que ambos continuaron viviendo en Buenos Aires y Humboldt, respectivamente. En 1941, Ríos le propuso matrimonio a Mercedes, pero ella no aceptó dando por concluido el noviazgo. Ríos continuó enviándole cartas varios años más. Como consecuencia del dolor que le produjo ese amor no correspondido, Ríos compuso el chamamé "Merceditas", considerada junto a "Zamba de mi esperanza" como la más famosa de la música de raíz folklórica de Argentina y una de las trece más populares de la música popular de ese país,1 cuya letra ha sido traducida a nueve idiomas y el tema ha sido versionado por más de 90 intérpretes de distintas partes del mundo.
Ramón Ríos se casó con otra mujer pero su esposa falleció a los dos años. En sus últimos años, volvió a encontrarse con Mercedes Strickler, y volvió a proponerle matrimonio, aunque ella volvió a negarse. Falleció en Buenos Aires los 82 años y su última volundad fue legarle los derechos de autor de "Merceditas" a Mercedes Strickler.
1917:
Nace Robert
Mitchum, actor estadounidense (fallecido en 1997).
Robert Charles Durman Mitchum (Bridgeport, Connecticut, 6 de
agosto de 1917 - Santa Bárbara, California, 1 de julio de 1997) fue un
prolífico actor de
cine y cantante estadounidense nominado al premio
Óscar. Mitchum es recordado principalmente por sus papeles como
protagonista en algunas de las obras más importantes del género conocido
como cine
negro, y considerado como el precursor del antihéroe prevalente
en el cine de los años 1950 y 1960.
(Robert Charles Durman Mitchum; Bridgeport, 1917 - Santa
Barbara, 1997) Actor de cine estadounidense. Miembro de una familia de irlandeses,
sufrió pronto los avatares de una infancia y una juventud cuando menos difícil
(expulsión de diferentes colegios, arrestos por vagancia). Desempeñó varios
oficios (minero, boxeador, obrero) antes de que el agente de su hermana, que
era cantante, le convenciese de dejarlo todo para ser actor. A los veinticinco
ingresó en el Long Beach Theater Guild para aprender actuación, pero
rápidamente fue contratado en Hollywood como figurante.
También fueron duros los comienzos. Su físico, descomunal, le
condenó a interpretar papelitos de una sola frase, hasta que le llegó la
oportunidad de ampliar sus registros en la modesta serie de westerns conocida
como la "Hopalong Cassidy" (1943), que protagonizaba el caballista
William Boyd. Al año siguiente, sus interpretaciones en When Strangers
Marry, de William Castle o Treinta segundos sobre Tokio, de Mervyn LeRoy,
ya revisten cierta importancia, y, un año después, en 1945, es nominado (por
primera y última vez en su carrera) al Oscar como mejor Actor Secundario
por También somos seres humanos, de William A. Wellman.
El éxito de este filme, su presencia física y las
circunstancia de la Segunda Guerra Mundial le convirtieron en la imagen ideal
del soldado yanqui, hecho que explotó en otras producciones; entre
ellas, Hasta el fin del tiempo (1946), de Edward Dmytryk; Corea,
hora cero (1952), de Tay Garnett, donde se enamoró de una enfermera tan
encantadora como Ann Blyth; Duelo en el Atlántico (1957), de Dick
Powell, que le enfrentó, en unas memorables batallas psicológicas, a Curt
Jürgens, que era el oficial alemán que comandaba el submarino que Mitchum debía
destruir, y Sólo Dios lo sabe (1957), de John Huston, donde hacía
pareja con la encantadora Deborah Kerr, coincidiendo ambos en otras dos
películas: Página en Blanco (1960), de Stanley Donen, con Cary Grant
y Jean Simmons de lujosos partenaires, y la subestimada y sin embargo
magnífica Tres vidas errantes (1960), de Fred Zinnemann, un filme que
transcurría en las soleadas praderas de Australia con Mitchum, esposo de la Kerr,
guiando ganado de una punta a la otra del país, ganando y perdiendo fortunas a
los dados y, como bien dice el título español, llevando y haciendo llevar una
vida errante a su retoño y esposa.
Frecuentó, durante su contrato con la R.K.O., muy a menudo la
imagen de héroe o anti-héroe del cine negro, donde su aparente inexpresividad
se transformó en ideal para un tipo de personaje lacónico y poco elocuente.
En Encrucijada de odios(1947), de Edward Dmytryk, la película de los tres
Robert (Mitchum, Young y Ryan), Mitchum estuvo soberbio, como el resto del
reparto, en este intenso thriller, uno de los primeros que introduce el tema
del antisemitismo en el cine, perfectamente dirigido por Dmytryk, uno de los
famosos "10 de Hollywood", en la más intensa todavía caza de brujas
del senador McCarthy.
En el mismo año, rueda Retorno al Pasado, de Jacques
Tourneur, una obra maestra absoluta dentro del género negro y una de las más
inquietantes apariciones de Mitchum en la pantalla, especialmente en la escena
en la que, tras haber pasado la noche en una tienda de campaña, entra en el
plano directamente en gabardina, símbolo ineludible y esencial de la
iconografía "negra".
Junto a una olvidada y poco estimada Jane Greene, bellísima y
peligrosa amante de un gángster (nunca una mujer ha gozado de tal personaje en
el cine), Mitchum se mete de cabeza en una red de chantajes y asesinatos,
cometidos, quizá, por el gángster (Kirk Douglas), pero inducidos por esta
amante letal, que intentará huir a México, y que no lo conseguirá por el exceso
de celo de un Mitchum engañado, sí, pero también completamente enamorado.
Todavía en este mágico año de 1947, Raoul Walsh se lo llevará al oeste
en Persecución, un extraño western lleno de misterio y suspense (uno de
los primeros en incluir elementos afines a la tragedia y al psicoanálisis), muy
bien interpretado por Teresa Wright, Judith Anderson y por un Mitchum
determinado a encontrar a los asesinos de sus padres.
Vuelve a aparecer en dos cintas que merecen toda la
atención: The Lusty Men(1952) de Nicholas Ray, y Una aventura en
Macao (1952) de Josef Von Sternberg. En la primera, un inteligente drama
sobre el mundo de los rodeos, es un campeón retirado que deviene el mentor de
Arthur Kennedy, un joven ambicioso, puro retrato del personaje interpretado por
Mitchum 20 años antes.
En la segunda, una aventura que la R.K.O. situó en la
exótica Macao, antigua colonia portuguesa, es emparejado al gran descubrimiento
de Howard Hugues, Jane Russell. No era esta la primera vez que se las veía con
esta actriz, auténtica fuerza de la naturaleza; un año antes, John Farrow los
había ya presentado en Las fronteras del crimen (1951) un filme cuya
publicidad rezaba: "La más caliente combinación que nunca haya
golpeado la pantalla".
Ya en 1953, Robert Mitchum cae en las garras de Jean
Simmons en Cara de ángel, de Otto Preminger, un filme que, desde la
secuencia inicial, enreda al espectador en un territorio incierto y peligroso
-en los límites de un barranco-, invisible, pero muy cercano. Esta sensación tan
cautivadora, tan aterradora no nos abandonará hasta el final de la película.
Mientras que Mitchum, inseparable de su personaje monolítico, intriga por su
carácter taciturno y por su impotencia resignada, Jean Simmons desconcierta
ofreciendo una imagen doble, maléfica y delicada, intratable y frágil; una
mujer calculadora, sin duda, pero por un amor inexplicable hacia un Mitchum que
no se cree que la pasión que nace entre ambos personajes llegue a ser tan
devoradora y obsesionante, tan letal.
Otto Preminger vuelve a llamarle al año siguiente para que
aparezca, con el torso desnudo gran parte del metraje, junto a una preciosa
Marilyn Monroe, en Río sin retorno (1954). Al lado de Mitchum,
Marilyn no es, por primera vez, el objeto sexual que el mito hollywoodiense había
forjado, sino que es una mujer que piensa, trabaja (de cantante de
"saloon"), sufre y reacciona lúcidamente en circunstancias realmente
complicadas y tensas. En el primer filme en cinemascope donde la puesta en
escena utiliza la pantalla larga para restituir el realismo de los grandes
espacios y para dibujar un conflicto psicológico, Mitchum es un hombre que
escapa de su habitual imagen de rudo y descubre poco a poco los sentimientos de
su hijo, del cual nunca se ha ocupado, y la humanidad de esta cantante de
"saloon" despojada de todo, salvo de su guitarra y de sus zapatos
rojos.
Siguió las reglas del western atípico con una excelente (y
subestimada) producción de William A. Wellman, The Track of the
Cat (1954), en el que interpreta al antipático hijo mayor de una extraña
familia que se ve obligado a salir en plena tormenta de nieve y viento en busca
del gato del título (una pantera negra) que diezma continuamente los animales
de su granja. Fantástica interpretación de Mitchum, en un filme en el que se
consigue palpar el ambiente viciado que se respira en esa casa, con pocas
mujeres para tanto hombre, y la cerrada psicología de cada uno de los
integrantes familiares.
Pero su más fina y matizada interpretación la ofreció un año
más tarde para Charles Laughton, quien por primera y última vez (fue un fracaso
en la taquilla) se pondría detrás de la cámara en esa obra maestra sin
discusión que es La noche del cazador(1955). Robert Mitchum, fuerte y
determinativo, es ese predicador que cita la Biblia y juega pérfidamente con
los términos morales y espirituales. Es un depredador nocturno, cuyos nudillos
portan las letras "amor" y "odio", que se cierne sobre las
criaturas aparentemente más débiles: dos niños que guardan un secreto que sólo
conoce Mitchum.
Antes de rodar, Laughton vio varios filmes de D.W. Griffith,
con el fin de impregnarse de la atmósfera y del estilo del cine mudo para hacer
de su obra, única en todo los sentidos, una especie de descenso trágico al
mismo corazón de una América provinciana, tornada en el lugar de todos los
terrores posibles. Cara a Mitchum, encarnación pura de las fuerzas del mal,
Lilliam Gish (la heroína de algunas películas del maestro Griffith) simboliza
la pureza y la ternura. La (re)creación de Mitchum y la película en sí son
absolutamente sublimes.
Otro título en el año 1955 vino a demostrar que los
productores podían confiar en él como actor dramático: No serás un
extraño, de Stanley Kramer. Y, en 1960, volvió a estar sobrio en un melodrama
poderoso de Vincente Minnelli, Con él llegó el escándalo, donde daba vida
a un dictatorial y mujeriego (incomprensiblemente, pues su esposa era la
encantadora Eleanor Parker) terrateniente capaz de tiranizar a todos los
miembros de su familia.
Fue lo mejor de las producciones en las que participó durante
los años sesenta y setenta: estuvo a la altura requerida entre el impresionante
y abigarrado reparto de El día más largo (1962), de Ken Annakin,
Andrew Marton, Bernhard Wicki y Gerd Oswald; fue un convincente abogado que se
vuelve loco por Shirley MacLaine en Cualquier día en cualquier
esquina (1962), de Robert Wise; cumplió en un drama psicológico, junto a
Elizabeth Taylor y Mia Farrow, titulado Ceremonia secreta(1968), de Joseph
Losey; estuvo mejor que nunca a las órdenes de David Lean, en esa maravilla
llamada La hija de Ryan (1970), y no desentonaba en un filme, curioso
nada más, de Sydney Pollack, Yakuza (1975).
Tres producciones, aparte La Hija de Ryan, y tres
interpretaciones, diametralmente opuestas, despuntan en su carrera en estas décadas:
el sheriff borracho de El Dorado, de Howard Hawks, donde da réplica a John
Wayne, en una especie de 'remake' del Río Bravo del propio Hawks; el
memorable psicópata, vengativo e inteligente, claro continuador del de La
noche del cazador, de El cabo del Terror, de J. Lee Thompson; y su
maravilloso, cansado pero poético, Philip Marlowe de Adiós,
muñeca (1975), de Dick Richards, tercera versión de la novela de Raymond
Chandler.
Aunque su vida privada se vio salpicada por diversos
escándalos (entre ellos, orgías en mansiones de algún famoso anónimo o consumo
marihuana), nada pudo cuestionar la imagen de estrella de un actor que
participó en más de 100 películas durante las cinco décadas que permaneció en
activo, pues siguió trabajando en cine y televisión durante los años ochenta y
noventa. Tildado de lacónico y poco expresivo, su rasgo físico más llamativo
era una mirada soñadora, combinación de un insomnio crónico con una lesión de
boxeo. Se dice que su actitud despreocupada en la pantalla formaba parte de su
carácter real. Lo cierto es que, analizada hoy día, su filmografía es tan
atractiva en calidad como en cantidad, y algunas de sus interpretaciones han
quedado grabadas en la memoria de muchos cinéfilos.
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https://www.youtube.com/watch?v=SkhQOva1cNw
1927:
Nace Jack Elliott, compositor de cine , director de orquesta , arreglista musical y productor de televisión estadounidense.
Jack Elliott (6 agosto 1927 a 18 agosto 2001) fue un compositor de cine , director de orquesta , arreglista musical y productor de televisión estadounidense.
Contenido
Biografía [ editar ]
Nacido como Irwin Elliott Zucker en Hartford, Connecticut , Elliott se graduó de la Hartt School of Music y trabajó como pianista de jazz en Nueva York y París en la década de 1950. [1] [2] Continuó sus estudios de posgrado en composición con Arnold Franchetti, Isadore Freed, Bohuslav Martinů y Lukas Foss , pero fue Judy Garland quien trajo a Elliott a California para organizar su programa de televisión .
Elliott continuó su carrera en televisión como director musical de la larga serie de Andy Williams y más tarde produjo y dirigió el especial de televisión NBC Live From Studio 8H: 100 Years of America's Popular Music . También escribió temas para programas de televisión Night Court , y coescribió los temas para Barney Miller y Charlie's Angels con Allyn Ferguson . Está incluido en el Diccionario de Música Americana de New Grove y recibió un doctorado honorario de su alma mater, la Escuela de Música Hartt de la Universidad de Hartford.
Elliott fue cofundador y director musical de la American Jazz Philharmonic (anteriormente la New American Orchestra) [3] y creador del Instituto Henry Mancini. [4] El nombre original de la Orquesta era "The Big O" y era la orquesta de jazz más grande de su tipo con más de 92 músicos. Elliott mezcló la orquesta clásica de estilo europeo con el estilo moderno de jazz estadounidense . Su repertorio profesional fue diverso, destacado por períodos como director musical de los Premios de la Academia , los Premios Emmy , los Kennedy Center Honors y los Juegos Olímpicos de Verano de 1984 . Además, tiene la distinción de servir como director musical.de los premios Grammypor 30 años consecutivos.
Tuvo una exitosa carrera en el cine, anotando numerosas películas exitosas, incluyendo Sibling Rivalry , The Jerk , Oh God! y ¿Dónde está papá? . También produjo el álbum de la banda sonora de Blade Runner con la New American Orchestra, y compuso la canción "It's So Nice to Have a Man Around the House" en 1950, que se hizo famosa por Dinah Shore.
Muerte [ editar ]
Elliott se desempeñó como director musical del Instituto Henry Mancini hasta su muerte por un tumor cerebral el 18 de agosto de 2001. [1]
Discografía seleccionada [ editar ]
- Corte de noche
- Los ángeles de Charlie (1976-1981) (escribió con Allyn Ferguson )
https://www.youtube.com/watch?v=SkhQOva1cNw
1928:
Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987),
comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel
crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera
como ilustrador profesional, Warhol adquirió
fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por
una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.
Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre
aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y
pintorescos personajes urbanos.
Warhol utilizó
medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el
grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El
Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una
amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados
Unidos dedicado a un solo artista.
Uno de los aportes
más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el
mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera
vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue un personaje
polémico durante su vida —algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas
pesadas— y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones
retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en
obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de
la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del
siglo xx debido a sus
revolucionarias obras.
1944:
Nace Judy Craig, cantante y líder del grupo femenino , The Chiffons.
Judy Craig (nacida el 6
de agosto de 1944, Nueva York , Estados Unidos ) es la líder
estadounidense cantante del grupo femenino , The Chiffons . Ella dejó el grupo en
1969, pero regresó en 1992 después de la muerte de Barbara Lee. [1] Al frente de Judy Craig Mann
junto con su hija y su sobrina, The Chiffons resurgió en 2009 y continúa
girando y realizando fechas selectas en Norteamérica y Europa.
Vida
temprana [ editar ]
Craig es nativo
del Bronx . Ella estaba en el último año
de la escuela secundaria cuando llegó "He´s so fine". [2] Craig asistió a James Monroe High School . [3]
1949:
En Chile, el historietista Pepo crea la
serie de historietas cómicas Condorito.
Aquí una antigua entrada homenaje, en mi blog anterior sobre Pepo y Condorito:
http://gusqui.blogspot.com.co/2012/12/en-los-101-anos-del-nacimiento-del-papa.html
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1964:
El papa Pablo VI publica su primera encíclica: Eclesiam
suam.
Ecclesiam Suam (latín: Su Iglesia) es la primera encíclica del papa Pablo VI. Fue promulgada el 6 de agosto de 1964 y trata sobre el mandato de la Iglesia en el mundo contemporáneo. El desarrollo de la encíclica se articula en torno a tres ejes fundamentales:1
- El primero es el convencimiento que este es un momento en que la Iglesia debe profundizar en la conciencia de sí misma.
- El segundo es el deber de actuar de la Iglesia, de corregir los defectos de los propios miembros y de hacer tender a éstos a una mayor perfección.
- El tercero brota de los dos anteriores. ¿Qué tipo de relaciones debe establecer hoy la Iglesia con el mundo que la rodea, donde ella vive y trabaja?
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1969:
Muere Theodor
Adorno, filósofo y musicólogo alemán (nacido en 1901).
Theodor Ludwig Wiesengrund Adorno (11 de septiembre de 1903, Fráncfort, Alemania-6 de agosto de 1969, Viège, Valais, Suiza) fue un filósofo alemán de origen judío1 2 que también escribió sobre sociología, comunicología, psicología y musicología. Se le considera uno de los máximos representantes de la Escuela de Fráncfort y de la teoría crítica de inspiración marxista.
Índice
Biografía[editar]
Adorno nació en una familia burguesa acomodada de Fráncfort del Meno (estado de Hesse). Su padre, Oscar Alexander Wiesengrund, era comerciante de vinos, y su madre, Maria Calvelli-Adorno, era soprano lírica. Su madre y su hermana Agatha, una pianista de talento, se hicieron cargo de la formación musical de Adorno durante su infancia.
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Índice
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Carrera[editar]
1972:
Nace Geri Halliwell, cantante británica, de la banda
Spice Girls.
Geraldine "Geri" Estelle Horner Hidalgo1 (Watford, Hertfordshire, Inglaterra, 6
de agosto de 1972),
también conocida como Ginger Spice, es una cantante pop, escritora, actriz y
filántropa británica, exmiembro del popular grupo Spice Girls.
Tras su paso
por la agrupación, Geri lanzó su carrera en solitario y debutó con su primer
álbum solista, Schizophonic en 1999. Debido al éxito,
Geri lanzó dos discos más, Scream If You Wanna Go Faster en 2001 y Passion en 2005, cuatro sencillos
número uno en la lista de UK Singles, "Mi Chico Latino",
"Lift Me Up", "Bag It Up"
y "It's Raining Men" sumado a los número uno
conseguido con sus compañeras de Spice Girls corroboran su popularidad.
En 2008,
Halliwell publicó una serie de libros llamado Ugenia Lavender.2
Como artista solista, Halliwell ha vendido 45 millones de discos en todo el
mundo y fue nominada para los Brit Awards en 2000 y en 2002. Durante 2007–2008regresó a los
escenarios junto a todas las Spice Girls en la gira "The Return of The
Spice Girls Tour" donde llegaron a los Guinnes con las entradas vendidas
más rápidamente en 38 segundos a lleno total. En 2012 coparon los trending
topics en Twitter como lo más comentado de todos los Juegos Olímpicos Londres 2012 con la
presentación de las Spice Girls en la clausura de las olimpiadas, saturando
los comentarios en medios e internet por su espectacularidad. En 2013 regresó a la
música con el sencillo "Half Of Me".
El 19 de junio de 2017 publica "Angels In Chains", su
primer sencillo lanzado de forma internacional en 12 años. La canción es un
homenaje al cantante George Michael.
1973:
Nace Vera Farmiga, actriz estadounidense.
Vera Ann Farmiga (Clifton, Nueva Jersey; 6 de agosto de 1973) es una actriz, productora, directora y bailarina estadounidense.
En 2009 recibió
varias nominaciones por su actuación en la película Up in the Air, entre ellas, la
nominación a un premio Óscar y un Globo de Oro.
Índice
o 2.1Cine
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Vera Farmiga
nació en Clifton, Nueva Jersey,
de padres inmigrantes ucranianos. Es la segunda de siete hermanos, entre ellos
la actriz Taissa Farmiga, conocida entre otras cosas por
protagonizar la serie American Horror Story. No habló inglés hasta
los seis años y recibió una estricta educación en un hogar católico ucraniano.
En su juventud estudió piano y baile. Estuvo de gira con una compañía de bailes
folclóricos ucranianos.
Tras graduarse
de la escuela preparatoria en 1991, soñaba con ser optometrista,
pero cambió de opinión para estudiar interpretación en la Universidad de Syracuse.
Carrera[editar]
En 1996,
realiza su debut teatral en Broadway con
la obra Taking Sides. En 1997, realiza su
debut en televisión con la serie de aventuras Roar, junto a un
entonces desconocido Heath Ledger.
En 1998, debuta
en el cine con el drama Return to Paradise. En 2004, logra el
premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Sundance y el
Premio a la mejor actriz de la Crítica de Los Ángeles por Down to the Bone.
Fue la
protagonista de la saga The Conjuring interpretando
a la médium y clarividente Lorraine Warren en la primera y segunda película.
1978:
Muere Pablo VI (Giovanni
Montini), papa italiano (nacido en 1897).
Pablo VI (en latín: Paulus
PP VI), de nombre secular Giovanni Battista Enrico Antonio Maria
Montini (Concesio,
cerca de Brescia, Lombardía; 26
de septiembre de 1897-Castel Gandolfo; 6 de
agosto de 1978), fue el papa 262.º de la Iglesia católica y soberano de la Ciudad del Vaticano desde el 21 de
junio de 1963 hasta
su muerte el 6 de agosto de 1978.
Sucediendo a Juan
XXIII, decidió continuar con el Concilio Vaticano II, la gran obra del
pontífice anterior. Asimismo, fomentó las relaciones
ecuménicas con las iglesias ortodoxas, anglicanas y protestantes, dando lugar a muchas reuniones y
acuerdos históricos.
Entre 1922 y 1954 trabajó en la secretaría de Estado de la Santa
Sede. Durante su estadía allí, Montini junto a Domenico
Tardinifueron considerados como los más cercanos e influyentes
colaboradores del papa Pío XII, quien en 1954 lo
nombró arzobispo de Milán, la diócesis más grande
de Italia,
por lo que se convertía automáticamente en secretario de la Conferencia
Episcopal italiana. Allí fue conocido pronto como el «arzobispo de los pobres»,
por su amistad con los trabajadores de las fábricas a los que visitaba. Juan
XXIII lo elevó al cardenalato en 1958, y después de la
muerte de Juan XXIII, Montini fue considerado uno de los más probables
sucesores.
Tomó el nombre de Pablo para indicar su misión renovadora en
todo el mundo de la difusión del mensaje de Cristo. Reabrió el
Concilio Vaticano II, dándole prioridad y dirección. Después de que el Concilio
hubiera finalizado su labor, Pablo VI se hizo cargo de la interpretación y
aplicación de sus mandatos, a menudo caminando por una delgada línea entre las
expectativas contrapuestas de los distintos grupos dentro de la Iglesia
católica. La magnitud y la profundidad de las reformas afectaron a todas las
áreas de la Iglesia, superando durante su pontificado las políticas similares
de reforma de sus predecesores y sucesores.
Pablo VI fue un gran devoto mariano, por lo que constantemente habló en
congresos marianos y reuniones mariológicas,
visitó varios santuarios y publicó tres encíclicas marianas. Citando a las
enseñanzas de Ambrosio de Milán, nombró a María como la Madre de la Iglesia durante el Concilio
Vaticano II. Pablo VI buscó el diálogo con el mundo, con otros cristianos,
otras religiones y ateos, sin excluir a nadie. Se vio como un humilde servidor
de la humanidad y exigió cambios significativos de los acaudalados de Estados
Unidos y Europa a favor de los pobres en el Tercer
Mundo.
Sus posiciones sobre el control de la natalidad (véase Humanae
vitae) y otros temas fueron controvertidos en Europa
Occidental y América del Norte, pero fueron aplaudidos
en Europa Oriental y América
Latina. Durante su pontificado se llevaron a cabo muchos cambios en el
mundo, revueltas estudiantiles, la guerra
de Vietnam y otros trastornos mundiales. Pablo VI trató de entenderlos
a todos, pero al mismo tiempo, de defender el «depósito de la fe», que se le
había confiado.
El 24
de diciembre de 1974 presidió la apertura de la Puerta santa de la Basílica de San Pedro, dando inicio al Jubileo
de 1975, que fue seguido por aproximadamente mil millones de personas en
todo el mundo.
De entre los cardenales que creó, tres llegarían a ser sus
sucesores como papa: Karol Wojtyła el 26 de junio de 1967, quién tomaría el
nombre de Juan Pablo II el 16 de octubre de 1978; Albino
Luciani el 15 de agosto de 1973, quien se convertiría en Juan
Pablo I el 26 de agosto de 1978; y Joseph Ratzinger el 27 de junio de
1977, electo papa el 19 de abril de 2005 bajo el nombre de Benedicto
XVI.
Su proceso de beatificación comenzó
el 11
de mayo de 1993. El 7 de mayo de 2014 se aprobó un milagro por el cual el
papa Pablo VI, será declarado beato. El cardenal Angelo
Amato, prefecto de la Congregación para las Causas
de los Santos, se reunió con el papa
Francisco para acordar la fecha de beatificación, que finalmente se
fijó para el 19 de octubre de 2014.7 La
beatificación tuvo lugar en la misa de clausura del Sínodo extraordinario
de obispos sobre la familia realizada en la plaza de San Pedro.
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1984:
Nace Daniel Calderón,
cantante vallenato.
Daniel Alexander Calderón Pulgarin (Medellín, Colombia, 6 de
agosto de 1984) Más conocido como Daniel Calderon es un
cantante colombiano de vallenato y
pertenece al grupo Los Gigantes del Vallenato.
Daniel Alexander Calderón Pulgarin nació en Medellín,
hijo de uno de los más importante productores y compositores de Colombia Ivan
Calderón y de Diana Pulgarin. Con su padre y tíos fue siguiendo
el mismo paso de la música tempranamente grabando su primera canción a los 4
años titulada "Obsesión" de Las Estrellas Vallenatas.
Mientras el terminaba su estudios la agrupación Los
Gigantes del Vallenato fue creciendo hasta que el hizo parte de
ella. Al principio fue criticado pero poco a poco a sacado canciones
exitosas como a nivel nacional e internacional como "Aventura",
"Quien Eres Tu" y "Como Te Atreves" teniendo éxito en Venezuela, Ecuador y
por supuesto Colombia.
"Quién eres tu"- Los Gigantes del Vallenato
Sacan un nuevo álbum con canciones exitosas como "Que le
diré al corazón", "Duele" y "Yo Te Vi" la canción más
exitosa hasta el día de hoy, tema de la autoria de su padre, suben tanto que
deciden llamarse 'Daniel Calderón y los Gigantes. En e 2011 sacan su nuevo
álbum titulado Alto Voltaje con su primer sencillo "La
Señal". Tiene un nuevo éxito como "Infiel", saca una versión
salsa también muy bien escuchada. Últimamente ha sacado tres canciones,
"Solo Dios Sabra", "Borracho Beso" vídeo grabado con su
novia Sara Uribe y
"Fallaste".
De su disco De norte a sur se desprende el sencillo
"No y No" que fue lanzado en febrero de 2015 y pronto se coloca en
las listas de popularidad como Monitor
Latino en el chart Top 20 de Colombia.
Es primo del cantante Pipe
Calderón.
"Aventurera"- Los Gigantes del Vallenato
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1986:
Muere Emilio Fernández, actor y cineasta mexicano
(nacido en 1904).
Emilio Fernández Romo (Mineral del Hondo, Coahuila, México, 26 de
marzo de 1904
– Ciudad de México, 6 de
agosto de 1986 2)
fue un destacado director, actor y productor de cine
mexicano conocido por el mote de El Indio, gran artífice y genial
protagonista de la Época de Oro del cine mexicano.
(Mineral del Hondo, 1904 - ciudad de México, 1986) Director y
actor mexicano, llamado el Indio. Hijo de padre mexicano e india kikapú,
estudió la carrera militar y se unió a la Revolución. Salió del país a causa de
su complicidad en un frustrado levantamiento contra Álvaro Obregón, y vivió en
Estados Unidos, donde ejerció diversos oficios, entre ellos el de doble de
cine.
Regresó a México en 1933 para incursionar en la industria
fílmica local como actor. En 1941 dirigió su primera película: La isla de
la pasión. A Emilio Fernández se le considera uno de los más grandes cineastas
mexicanos y el principal representante del llamado "nacionalismo
cinematográfico". Junto con el fotógrafo Gabriel Figueroa, el escritor y
argumentista Mauricio Magdaleno y los actores Pedro
Armendáriz, Dolores del Río y María Félix,
formó uno de los más importantes y exitosos equipos creativos del cine
nacional.
Entre las películas que la crítica ha considerado como las
más importantes de su producción se hallan María
Candelaria y Flor silvestre (ambas de 1943). Flor
Silvestre, su tercera realización, es una de sus creaciones más
destacadas; en su argumento se entremezcla la clásica película mexicana de
acción con elementos claramente pertenecientes al drama de costumbres, y, en su
planteamiento estético, sobresale el profundo estatismo (que el
Indio tomó de las mejores obras de su admirado Einsenstein),
un estatismo que le sirve para vehicular el núcleo central y vital de lo
mexicano.
En esta película la pareja protagonista, dos jóvenes
enamorados, vive la Revolución y es víctima de la tragedia por su doble empeño
en amar y en exigir justicia: Flor Silvestre (Dolores del Río) arrostrará el
sacrificio, ahogando las lágrimas con los ojos llenos de furia impávida
mientras es fusilado su hombre (Pedro Armendáriz), en una de las escenas mejor
filmadas del cine de todos los tiempos. Fernández, con Figueroa en la cámara,
valora dramáticamente el paisaje, que se convierte en el verdadero
protagonista. No son sólo los seres humanos los que viven y luchan; es la tierra
la que vibra y protesta, y son los árboles acusadores los que señalan el cielo
de la esperanza.
Pero la obra cumbre de Emilio Fernández fue María
Candelaria, historia de un amor imposible que brota de los mismos hombres
y del ambiente social que les rodea. De nuevo el tema central de su obra es el
problema humano: la explotación y la velada esclavitud contemporánea, narradas
con lenguaje poético, viril y elemental. En esta cinta se plantea un grave
problema social: ahí está el hombre oprimido, que lucha por su sustento contra
un cacique poderoso, contra la explotación por el extranjero, contra la
mezquindad del ambiente; y a ese hombre se le deja solo. No hay cooperación.
Por eso la referencia al hombre y a lo que está unido a él ha sido también la gran
palabra, el mensaje histórico de su pueblo, su aportación a esta edad de lo
colectivo y despersonalizado.
Emilio Fernández, al elegir el camino nacional e indigenista,
tomó la resolución más certera, pero al mismo tiempo la más difícil. Se
enfrentó con decisión a la corriente general que prevalecía en la industria
cinematográfica del país, y planteó además con valentía, en los argumentos de
sus películas, uno de los problemas fundamentales y más espinosos no sólo de la
sociedad mexicana, sino de todos los países de América Latina: el de la
situación real del indio.
Fernández lo expuso, es cierto, de un modo muy simplista,
recogiendo el viejo mito del "buen salvaje" de Rousseau para
reconvertirlo en el mito del "buen indio". Basándose en este
arquetipo, el director fue realizando casi todas sus producciones, cuyas
historias giran, por lo común, alrededor de un indio sencillo y noble enamorado
de una india bella y cándida, personajes que habitan en un maravilloso marco
natural de espléndidos paisajes, como representación visible de una naturaleza
pródiga y casi como una parábola de la "madre tierra". Esos amores se
ven siempre contrariados por algún civilizado voraz y sórdido, nacional o
extranjero, que actúa como la mano ejecutora de la fatalidad clásica.
Su nombre fue muy respetado en otras cinematografías y por
directores muy dispares, para los que trabajó como actor. Por encima de sus
fracasos, su figura ha sido fundamental para entender el despertar de la
cinematografía latinoamericana, en un deseo de ofrecer una imagen propia,
diferente a la impuesta desde otros dominios más mercantilistas, aunque este
protagonismo no impida que también se le achaque un exceso de realismo y el ser
un defensor a ultranza de la justicia social, con personajes sumergidos en un
torrente de violencia, drama y conformismo, apoyándose para ello en una
estética muy pictórica y escenográfica.
*********
1994:
Muere Domenico
Modugno, cantante y compositor italiano (nacido en 1928).
Domenico Modugno (Polignano
a Mare, 9 de enero de 1928 - Lampedusa, 6 de
agosto de 1994) fue un cantautor, compositor, guitarrista y actor italiano. Representó
en varias ocasiones a Italia en el Festival de la Canción de
Eurovisión. Fue también diputado y
dirigente del Partido Radical italiano.
Desde muy joven, Doménico quería ser actor. En 1951, después de
terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al
Centro Experimental de Cinematografía de Roma, apareciendo más
tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Il mantello
rosso (La capa roja), inició su carrera de cantante.
«Volare»
En los años
cincuenta se hizo muy popular en los Estados
Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica
internacional cuando, con «Nel blu dipinto di blu» (más conocida como
«Volare»), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny
Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de
Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez).
La canción de Modugno «Volare» (llamada también «Nel blu dipinto di
blu») fue un éxito comercial a nivel internacional, y con el paso del tiempo se
convirtió en una de las más representativas de la historia musical italiana.
«Nel blu dipinto di blu» alcanzó el número uno en el Hot 100
de la revista estadounidense Billboard, y
la misma publicación lo reconocería después como el mejor sencillo de 1958. Gracias a
«Volare», Modugno se convirtió en el primer ganador del Premio
Grammy por grabación del año y canción del año en 1959.
Fue un éxito tan extraordinario que L'Espresso,
un periódico italiano, tituló su primera plana: «Modugno ha conquistato
l'America», y para fin de aquel año las ventas del mismo aumentaron, batiendo
todos los récords para un disco italiano hasta aquel momento: hasta
0,8 millones de copias en Italia y otros 22 millones en todo el
mundo.
Cine
En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor
de ópera,
aunque se le declaró inocente. Ganó tres veces más el Festival de San Remo con
«Piove» (1959,
nuevamente con Johnny Dorelli), «Addio, addio» (1962, en compañía
de Claudio Villa) y «Dio, come ti amo» (1966, juntamente
con Gigliola Cinquetti). En Eurovisión volvió a
participar en 1959 y 1966.
Actor teatral y cinematográfico,
apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de Garinei e Giovannini, y
en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi
Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio
De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre
soldi de Kurt Weill y Bertolt
Brecht, dirigida por Giorgio
Strehler. Pier Paolo Pasolini usó canciones de
Modugno para la banda sonora de Pajaritos y pajarracos, una de sus películas
fundamentales.
Éxitos
Considerado como el «padre» de los cantautores italianos y
uno de los más prolíficos artistas italianos en general al haber escrito y
grabado cerca de 230 canciones, interpretado 38 películas para cine y 7 para
la televisión, recitado 13 obras teatrales,
conducido algunos programas televisivos y aparecido numerosas
ocasiones, sea por televisión o en vivo, en los escenarios.
Fue muy notorio ante un amplio público por sus cuatro
victorias en el Festival de San Remo, en modo
particular por aquella de 1958 con la canción «Nel blu dipinto di blu», escrita
por Franco Migliacci y
universalmente conocida como «Volare», que se convirtió en una de las canciones
italianas más conocidas en el mundo.
De este modo, un treintañero de Apulia, que hasta
entonces había tenido un éxito sólo modesto en Italia como cantante y actor, se
convierte, con la victoria del Festival de San Remo, en el más notable cantante
italiano en el mundo, y su «Volare» la canción italiana más conocida sólo
después de «'O sole mio», único disco de la historia de la música
italiana que ha llegado al primer lugar (y en permanecer allí a lo largo de
trece semanas) del Hit
parade estadounidense, récord inigualado hasta la fecha.
Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se
recuerdan, entre otras canciones, «La lontananza» (La distancia es como el
viento), «Piove (Ciao, ciao bambina)» (Llueve), «Comme prima» (Como antes),
«Meraviglioso» (Maravilloso), «Vecchio frac» (Viejo frac), «Resta cu' mme»
(Quédate Conmigo) (en idioma
napolitano), «Dio, come ti amo» (Dios, cómo te amo), Piange il teléfono
(Llora el teléfono / Le telephone pleure), «Un calcio alla città» (Un puntapié a
la ciudad), «Lu pisci spada» (El pez espada) (en idioma
siciliano) y «Come hai fatto» (Como has hecho).
Político
En 1984, Doménico Modugno sufrió un ictus y se vio
forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido
parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a
1992.
Estando en el jardín de su casa en la costa de la isla
de Lampedusa (en
el archipiélago de las islas
Pelagias, entre la isla de Sicilia y África), frente a la Isla de los
Conejos, Doménico Modugno falleció de un infarto cardíaco.
Entre algunos de sus reconocimientos posmórtem, en el 50.º Aniversario del
Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a «Volare» como la mejor
canción de la Historia del concurso tras «Waterloo» del grupo sueco ABBA. Además esta
valoración vino a hacer justicia contra el cero que Doménico obtuvo en el
Festival de Eurovisión de 1966 con «Dio come ti amo», con el cual se había
sentido profundamente dolido. En 2008 además, el Ministerio de Comunicación de
Italia distribuyó sellos en conmemoración de Volare y Doménico.
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2001:
Muere Jorge Amado,
escritor brasileño (nacido en 1912).
Jorge Amado (Itabuna, 10 de
agosto de 1912-Salvador de Bahía, 6 de
agosto de 2001) fue un escritor brasileño, miembro
de la Academia Brasileña de Letras.
(Pirangi, Brasil, 1912) Escritor brasileño. Creció en una
plantación de cacao, Auricia, y se educó con los jesuitas. Licenciado en
derecho, ejerció como periodista y participó activamente en la vida política de
su país desde posturas de izquierda. En 1946 formó parte de la Asamblea
Constituyente como diputado del Partido Comunista de Brasil. Estuvo en prisión
a causa de sus ideas progresistas, y entre 1948 y 1952 vivió exiliado en
Francia y Checoslovaquia. Sus primeras obras, de un tono marcadamente realista,
profundizan en las difíciles condiciones de vida de los trabajadores, en
particular de los marineros, los pescadores y los asalariados del cacao; la
explícita voluntad de denuncia social que anima estas novelas permite
integrarlas en el llamado «realismo socialista». La novela más significativa de
este período, considerada por algunos como su obra maestra, es Tierras del
sinfín, ambientada en una plantación de cacao. Con el tiempo, su prosa ha ido
incorporando elementos mágicos, humorísticos, eróticos y, en definitiva,
humanos, por más que sin abandonar nunca el componente de denuncia.
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2004:
Muere Rick James, músico de disco, funk y soul estadounidense.
James Ambrose
Johnson, Jr. (Buffalo, Nueva York, 1 de febrero de 1948 - Los Ángeles, California, 6 de agosto de 2004),
más conocido como Rick James, fue un músico de disco, funk y soul estadounidense.1
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·
3Singles
Biografía[editar]
Nació el 1 de
febrero de 1948 en Búfalo, Nueva York bajo el nombre de James
Ambrose Johnson, Jr., como uno de los ocho hijos de James Ambrose Johnson, un
trabajador de la industria automovilística y Mabel, una bailarina profesional.
Su padre abandonó a la familia cuando James contaba diez años. Su madre lo
llevaría consigo en sus giras artísticas, lo que le permitió conocer a artistas
tales como John Coltrane, Miles Davis y Etta James. Eventualmente, asistió a las
escuelas secundarias Orchard Park y Benett, al cabo desertó de ambas. James
comenzó a consumir drogas a temprana edad durante su adolescencia, llegando a
robar para conseguir drogas. Además confesó más tarde, haberse iniciado
sexualmente a la edad de 9 años con una adolescente de 14 años. Se alistó en la
Marina a los 15 años, mintiendo sobre su edad. Durante este período, comenzó a
trabajar como baterista para clubes locales de jazzen Nueva York. Posteriormente, fue designado
a Vietnam.
En 1965, huyó
hacia Toronto, donde trabó amistad con los entonces
músicos locales Neil Young y Joni Mitchell. Para evitar ser capturado por
las autoridades militares, adoptó el nombre de "Ricky James
Matthews". El mismo año, constituyó una banda que produjo una fusión
entre soul, folk y rock.
El mismo año, la banda lanzó con una división canadiense de Columbia Recordsel single "Mynah Bird
Hop" / "Mynah Bird Song". La banda posteriormente viajaría
a Detroit para continuar grabando, lugar
donde James conoció a sus ídolos Marvin Gaye y Stevie Wonder. Wonder, consideró excesivamente
largo el nombre "Rick James Matthews", sugiriendo abreviarlo a
simplemente Rick James.
James se involucró
en una pelea con uno de los financieros del grupo en Toronto, lo que llevó a la
Marina a enterarse de su paradero, siendo eventualmente arrestado. La compañía
discográfica despidió a la banda y James pasó un año en prisión. Tras su
liberación, viajó a Los Ángeles para
reanudar su carrera musical. Eventualmente, volvería a trabajar con la compañía
Motown, como compositor en 1968, bajo el seudónimo de Rickie Matthews,
escribiendo canciones para artistas tales como The Miracles, Bobby Taylor and
the Vancouvers, y The Spinners. Durante este período, se involucró brevemente
en el proxenetismo, pero se
detuvo debido al abuso que sufrían las mujeres. Regresó en 1969 a Toronto,
donde conoció al estilista Jay Sebring, quien decidió invertir en la
música de James.
En 1973 James fue
contratado por la compañía discográfica A&M Records, con la cual lanzó el sencillo
"My Mama" que tuvo considerable impacto en Europa. Tras regresar a Búffalo, firmó un
contrato con la compañía Motown, con la que comenzó
a grabar su primer álbum.
Su primer éxito fue
la canción de ocho minutos "You and I" de su primer álbum Come
Get It (1978). Su canción más famosa es "Super Freak" (del álbum Street
Songs (1981)), que fue la base para "U Can't Touch This"
de MC Hammer.2
James intentó
regresar al mundo musical con un nuevo disco y una gira en 1997, pero un ataque
cardíaco leve durante un concierto puso fin en la práctica a su carrera.1
2004:
Muere Argentino
Ledesma, cantante argentino (n. 1928).
Argentino Ledesma fue un cantor de tango argentino (Santiago del
Estero, 24 de juniode 1928 - Buenos Aires, 6 de agosto de 2004).
Su nombre completo era Corazón Argentino Ledesma. Tuvo dos hijos: Perla y
Claudio Omar Argentino, quien también es cantante.
Índice
·
3Éxitos
Actividad profesional[editar]
Llegó a Buenos Aires en 1952 luego
de haber sido cantor de algunas agrupaciones junto al músico reconocido Oscar
Segundo Carrizoen la provincia
de Santiago del Estero, donde también había sido empleado de Correos en Termas de Río Hondo.
A poco de su llegada a Buenos Aires consiguió
una prueba en la orquesta de Julio de Caro, ya que el cantor estable, Roberto
Medina, dejaba la agrupación en unos meses. A De Caro le gustó, pero
le dijo que tenía que esperar a la deserción de Medina y él no podía esperar
tanto. Al poco tiempo fue recomendado por el locutor Guillermo
Brizuela Méndez para incorporarse a la orquesta de Héctor Varela,
donde permaneció hasta comienzos de 1956 cuando
el pianista Carlos Di Sarli lo
sumó a sus filas, aunque solo realizó tres grabaciones, ya que Varela requirió
su retorno. Volvió con Varela y siguió imponiendo éxitos junto a su compañero
de rubro, Rodolfo Lesica.
En 1957 dejó a Varela para lanzarse como
solista con Jorge Dragone como
director de su típica. A partir de allí se convirtió en uno de los máximos
representantes del género en distintos países del mundo, ya que realizó giras
por Australia, Estados Unidos, Japón, Chile, Perú, Egipto, Italia y Francia, entre otros países.
Tuvo la suerte de grabar con importantes directores de orquesta,
como Francisco Canaro y Osvaldo Fresedo y de haber actuado
con Mariano Mores y Osvaldo Pugliese.
En lo que se refiere a su discografía, Ledesma fue artista del
sello EMI Odeon entre 1957 y 1971.
También grabó para Microfón, CBS y Magenta, entre otras compañías discográficas.
Registró grabaciones con muchos directores. Aparte de Dragone,
lo hizo con Mario
Demarco, Carlos García, Luis Stazo, Osvaldo Requena, Ernesto
"Titi" Rossi, Roberto Pansera y Alberto Di Paulo. Fue acompañado también por
conjuntos de guitarra. Inclusive grabó
con Dragone en Chile en 1962 y en Perú en 1963.
Participó en el cine en la película El asalto (1960),
dirigida por Kurt Land, donde
componía el papel de Carlos Aguirre, un cantor de tango.
También participó en varios programas televisivos como Sábados circulares, Sábados de la bondad, Botica
de tango, Amistangos, Tango y goles, Grandes valores
del tango y Gánele al dos, entre otros.
https://www.youtube.com/watch?v=gT0GKQNIZB0
2005:
Muere
Ibrahim Ferrer Planas (*San Luis, Santiago de Cuba, 20 de febrero de 1927- † La Habana, 6 de agosto de 2005) fue un cantante de son cubano, de voz pura y suave. Vivió en el casco viejo de La Habana. Era un hombre tímido y sencillo, imbuido en una intensa fe. Alcanzó fama mundial en 1998 con el éxito del proyecto musical Buena Vista Social Club, donde grabó doce de los catorce temas del disco y tuvo el placer de colaborar con muchos de los intérpretes que siempre admiró, como Omara Portuondo, Rubén González, Compay Segundo, Eliades Ochoa, Barbarito Torres y Manuel «Guajiro» Mirabal. Este disco obtendría un Grammy y un año más tarde grabaría su primer álbum en solitario, Buena Vista Social Club Presents Ibrahim Ferrer. Su segundo disco en solitario, Buenos Hermanos, obtuvo en el 2004 otro Grammy.
2009:
Muere John Hughes, cineasta estadounidense
(nacido en 1950).
John Wilden Hughes, Jr. (Lansing, Michigan, 18 de
febrero de 1950 – Manhattan, Nueva York, 6 de
agosto de 2009) fue un director
de cine, productor y guionista estadounidense.
Dirigió, escribió y produjo varias de las películas más taquilleras de
los años 80's y 90's,
como: The Breakfast Club (1985), Ferris Bueller's Day Off (1986), la saga
de Home
Alone 1, 2 y 3 (1990), (1992)
y (1997), Curly Sue (1991), Beethoven (1992), 101 Dalmatians (1996), etc. Además
escribió la popular Pretty in Pink (1986).
2012:
Muere
Marvin Hamlisch (Nueva York, EE. UU., 2 de junio de 1944 - Los Ángeles, EE. UU., 6 de agosto de 2012)1 fue un compositor, director y pianista estadounidense, uno de los doce artistas que ganó los cuatro premios fundamentales del espectáculo estadounidense: Grammy, Emmy, Tony y Oscar.2 Compuso la música de A Chorus Line, ganadora del Premio Pulitzer y 9 premios Tony, que alcanzó más de 6000 representaciones en Broadway entre 1975-1990, hasta el año 2011 el musical con mayor cantidad de representaciones en la historia.3
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