martes, 10 de septiembre de 2024

Un día como hoy 11 de septiembre



El 11 de septiembre es el 254o día del año en el calendario gregoriano y el 255.º en los años bisiestos. Quedan 111 días para finalizar el año.



Podcast 2019







El dato de la Iglesia Católica:



1226:

Comienza la práctica católica de la Adoración perpetua.


La adoración eucarística es aquella oración litúrgica que se realiza frente al Santísimo Sacramento cuando éste es expuesto para ello. Es practicada por las iglesias Católica, Ortodoxa, Copta, Anglicana y por algunas denominaciones Luteranas. Cuando la adoración es constante, o sea 24 horas, se le llama perpetua adoración. En una parroquia, esto es hecho por voluntarios; en un monasterio o en un convento, esto es hecho por los monjes residentes o monjas.
La práctica de la adoración tiene sus raíces en que en los monasterios y conventos la bendición del Santísimo Sacramento era una parte integral de la estructura de la vida de clausura. Desde el principio de la vida en la comunidad la Eucaristía originalmente se hacía en una habitación especial, justo afuera del altar pero separado de la iglesia donde se oficiaba la Misa. Una gran variedad de nombres se han utilizado para identificar este sitio reservado: los más comunes son pastoforium, diakonikon, secretaría o prótesis. Una de las primeras referencias inconfundibles de la utilización del Santísimo Sacramento para la adoración se encuentra en la vida de San Basilio (que murió en el 379). Basilio se dice que dividió el Pan en tres partes cuando celebraba Misa en el monasterio. Una parte la consumió él, la segunda parte se la dio a los monjes y la tercera la puso en una paloma dorada suspendida sobre el altar.
La práctica de este tipo de adoración comenzó formalmente en Aviñón (Francia) el 11 de septiembre de 1226, para celebrar y dar gracias por la victoria obtenida sobre los cátaros en las últimas batallas que tuvieron en la Cruzada albigense. El rey Luis VII de Francia les mandó que dicho sacramento se guardara en la Cathédrale Sainte-Croix d'Orléans o Catedral de la Santa Cruz de Orleans. La gran cantidad de adoradores hizo que el Obispo, Pierre de Corbie, sugiriera que la adoración debería ser continua e incesante. Con el permiso del papa Honorio III, la idea se ratificó y continuó de esta manera prácticamente ininterrumpida hasta que el caos que se formó durante la Revolución francesa lo paró en 1792 hasta que los esfuerzos de la hermandad de los penitentes GRIS la trajeron de vuelta en 1829.1​
La Madre Mechtilde del Santísimo Sacramento fue pionera en la adoración perpetua de la Eucaristía en respuesta a Père Picotte. El convento benedictino, fundado para este propósito se inauguró en Francia el 25 de marzo de 1654. Otra de las primeras prácticas comunes de la adoración es las Cuarenta Horas, un ejercicio de devoción en el que se reza continuamente durante cuarenta horas antes de que se celebre la Eucaristía. Se dice que empezó en Milán en mayo de 1537.
Durante más de 128 años, las Hermanas Franciscanas de la Adoración Perpetua han estado rezando sin parar en EE. UU. La práctica empezó el 1 de agosto de 1878 a las 11 AM y continúa hasta la fecha.
En la tradición católica, al momento de la consagración, los elementos (o «dones» como son llamados para propósitos litúrgicos) son transformados (literalmente, transubstanciados) en el Cuerpo y Sangre de Jesucristo. La doctrina católica sostiene que los elementos no son transformados espiritualmente, sino verdadera y sustancialmente transformados en su Cuerpo y Sangre, que aunque los dones retienen las apariencias o "accidentes" del pan y del vino.
Ésta es una forma de la doctrina de la Presencia Real — la presencia sustancial actual y real de Jesús en la Eucaristía. En el momento de la consagración, se da lugar un doble milagro: 1) que Cristo se presente en una forma física y 2) que el pan y el vino se conviertan en su Cuerpo y Sangre. Ya que los católicos creen que Cristo está realmente presente (Cuerpo, Sangre, Alma y Divinidad) en la Eucaristía, le rinden culto y adoración.



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1557: 


Nace José de Calasanz, santo y presbítero católico español, fundador de las Escuelas Pias (f. 1648)


José de Calasanz Gastón Sch. P. (Peralta de la Sal, 11 de septiembre de 15571​2​3​4​5​- Roma, 25 de agosto de 1648) fue un sacerdote católico, pedagogo y santo español, fundador de la primera escuela cristiana popular de Europa. En una época en que la educación tenía por destinatarios casi exclusivos a los miembros de las familias adineradas, José de Calasanz fue un pionero de la educación colectiva al alcance de todos.1​6​
El 13 de agosto de 1948 José de Calasanz fue declarado patrono universal de las escuelas cristianas en el mundo por el papa Pío XII.7​ La Iglesia católica lo considera el santo patrón de los educadores y maestros, junto con Juan Bautista de la Salle.8​ El 27 de noviembre se celebra en España el día de los maestros en su honor.9​ En efecto, el 27 de noviembre de 1597, este sacerdote aragonés tuvo la idea de abrir una escuela para niños pobres en Roma: la asistencia era voluntaria, pero en 1618 ya atendía a unos 1500 niños romanos,10​ por lo que se lo considera el fundador de la escuela pública gratuita en Europa.
1808: 

Muere José Celestino Mutis, astrónomo, matemático y botánico español (nacido en 1732).

(José Celestino Bruno Mutis y Bosio; Cádiz, 1732 - Santafé de Bogotá, 1808) Médico y botánico español que figura entre los más destacados iniciadores del conocimiento científico en el Nuevo Mundo.
José Celestino Mutis estudió medicina y cirugía en el Colegio de Cirugía de su ciudad natal, que fue un centro de renovación médica a la vanguardia de la ciencia aplicada en España. Sin embargo, como dicha institución no estaba autorizada a otorgar el grado de bachiller en Artes y Filosofía, Mutis tuvo que terminar su carrera en la Universidad de Sevilla. Una vez concluidos sus estudios, se vinculó, durante cuatro años, al Hospital de Cádiz.
Se interesó entonces por la astronomía y la botánica, disciplinas en las que tuvo por maestros a Jorge Juan de Santacilia para la primera y a Domingo Castillejo y Miguel Barnades para la segunda. En realidad, en su período de formación, Mutis tuvo excelentes preceptores: Jorge Juan fue, junto con Antonio de Ulloa, el gran pionero del redescubrimiento científico de América, y Barnades fue el protagonista del renacimiento de la ciencia botánica en la Península. Cuando Mutis recibió el título de médico del Real Proto-Medicato de Madrid, contó con la tutela de Andrés Piquer, la mayor eminencia de la medicina española de la época.
Mutis se desempeñó como suplente de la cátedra de anatomía del Hospital General de Madrid y perfeccionó sus conocimientos botánicos en el Jardín del Soto de Migas Calientes. En 1760 rechazó una beca de especialización en París y partió para América como médico particular del recién nombrado virrey Pedro Messía de la Cerda, pues entendió que en el Nuevo Continente podría consagrarse como científico, dedicándose especialmente al conocimiento de las quinas. Deseaba desentrañar algunas de sus incógnitas, establecer sus reales propiedades curativas, sus limitaciones terapéuticas y sus potencialidades económicas. En los primeros años de su vida en Santafé, abrigaba la idea de viajar a Loja, en la provincia de Quito, para cumplir con tales investigaciones.
José Celestino Mutis partió de España rumbo a América el 7 de septiembre de 1760, y llegó a Santafé el 24 de febrero de 1761. El impacto del trópico fue grande, pues a cada paso se encontraba con una novedad botánica o zoológica. También le sorprendió el ambiente cultural y social: la educación superior era una copia de las instituciones educativas metropolitanas, especialmente de la contrarreformada Universidad de Salamanca, y se hallaba encomendada a las distintas órdenes religiosas (Santo Tomás a los dominicos, Javeriana a los jesuitas, Agustiniana de San Nicolás de Bari a los agustinos) o al clero secular (Nuestra Señora del Rosario). La pedagogía que se infundía en las escuelas y seminarios era heredera del Concilio de Trento de 1530 y estaba centrada en el aristotelismo y la escolástica tardía, sin ninguna explicación científica de la realidad.
Desde que Mutis desembarcó en Cartagena se preocupó por adelantar observaciones astronómicas, recolectar plantas con las que fue formando un herbario, comprobar gran parte de lo consignado en obras escritas sobre América y estudiar la quina. Al año y 17 días de su llegada a Santafé, sentó las bases de la revolución científica e ideológica en el Virreinato de la Nueva Granada cuando, en el discurso inaugural de la cátedra de matemáticas del Colegio Mayor del Rosario, expuso los principios elementales del sistema de Copérnico: fue la presentación de una nueva metodología, la del eclecticismo, y de una novedosa actitud ante el mundo y la vida, que significaba el abandono del fanatismo y la credulidad, para entrar en los terrenos de la física de Newton.
En ese empeño por modernizar las estructuras mentales de los criollos neogranadinos, Mutis se enfrentó con los sectores tradicionales de aquella sociedad estamental, y en especial con los dominicos. Así, en 1773, se declaró copernicano ante el virrey Manuel Guirior, en 1774 se le siguió causa, que fue archivada, y en 1801, tuvo que volver a defenderse, todo un escándalo para la hipócrita y pacata sociedad de la época.
Una de las consecuencias de la exposición de la teoría heliocéntrica de Copérnico fue que, después de la expulsión de los jesuitas en 1767, la Corona tuvo que llenar de alguna manera el vacío cultural e ideológico que dejaron los padres de la Compañía de Jesús. En ese contexto el fiscal y doctor Francisco Antonio Moreno elaboró un Plan de Estudios en el que se creaba una universidad pública y unos estudios generales; la base ideológica para tales planteamientos fue el discurso inaugural de Mutis en la capilla de La Bordadita.
En 1763, Mutis envió al rey de España una representación, escrita desde Cartagena, en la que planteó escribir la Historia Natural de América. No obtuvo respuesta y volvió a redactar, al año siguiente, otra carta, con el mismo resultado. Decidió entonces ir adelantando por su cuenta ese trabajo, para el cual necesitaba fondos. Aunque era el médico preferido de los habitantes de Santafé y percibía buenas entradas económicas, prefirió incursionar en arriesgadas empresas comerciales y mineras. Entre 1766 y 1770 permaneció en las minas de La Montuosa, en las cercanías de Pamplona, y entre 1778 y 1782 estuvo en las del Sapo, en las proximidades de Ibagué. En ambos intentos fracasó económicamente, aunque introdujo, junto con su socio Juan José D'Elhuyar, el método de amalgamación para la extracción de la plata.
En lo que no fracasó, aunque tuvo que afrontar serias disputas, fue en el descubrimiento de la quina en el territorio de la actual Colombia. El interés de Mutis lo llevó a recorrer constantemente los alrededores de Santafé y la búsqueda dio resultados cuando en 1772 encontró el vermífugo en compañía de don Pedro Ugarte, en el monte de Tena. En 1774 el médico panameño Sebastián López Ruiz obtuvo una comisión real para hacer indagaciones sobre la existencia de la quina en Tena, Guayabal y La Mesa, con lo que entró en polémica con el sabio.
Al cabo de dos años, López Ruiz demostró que efectivamente había quina en los alrededores de Santafé. Luego de algunos análisis en España, fue confirmado como director de los acopios de quina en el virreinato y en 1778 el rey le otorgó un sueldo anual de dos mil pesos. Comenzó entonces un largo pleito entre ambos personajes, al final del cual Mutis salió victorioso, pero muy desgastado, y de todas maneras los resultados no fueron lo que la Corona esperaba.
Mientras llevaba a cabo sus aventuras comerciales y sus disputas con López Ruiz, el sabio Mutis continuó con sus trabajos de investigación en botánica, especialmente en el campo de las plantas útiles, que era aquello que más interesaba a la Corona. Además, mantuvo una nutrida comunicación con científicos europeos, como Carlos Linneo, Carlos Alstroemer y Antonio José Cavanilles. Fue designado académico de Upsala y algunas de sus reseñas científicas fueron publicadas en revistas suecas.
En 1777 envió una colección de plantas disecadas al Jardín Botánico de Madrid y otra a Linneo. Formó una voluminosa biblioteca, entre seis y ocho mil volúmenes, especialmente de botánica (unos tres mil ejemplares), que el sabio alemán Alexander von Humboldt juzgó comparable a la de míster Banks, presidente de la Real Sociedad de Londres.
La Real Expedición Botánica
En 1776, España creó la primera Real Expedición Botánica, en el Perú; en ello tuvieron mucho que ver los conceptos que el famoso marino español Antonio de Ulloa lanzó en su libro Noticias americanas (1772) acerca de la conveniencia económica, científica y cultural para la metrópoli de conocer en profundidad el continente americano. En 1783 el arzobispo-virrey Antonio Caballero y Góngora creó la Real Expedición Botánica del Virreinato del Nuevo Reino de Granada y nombró a Mutis como su director, con una asignación anual de dos mil pesos.
Durante los seis meses que van de abril a septiembre, la expedición funcionó provisionalmente y tuvo su sede en La Mesa de Juan Díaz; el equipo humano inicial fue reducido: el sabio, como director, Eloy Valenzuela, como segundo, y Antonio García, como dibujante. Luego se incorporaron, como herbolarios, el indígena Luis Esteban y el campesino Roque Gutiérrez.
El 23 de noviembre de 1783, la expedición fue confirmada por real cédula y se trasladó a Mariquita. Esta población resultaba bastante propicia para adelantar las labores de inventario de la expedición: se asentaba entre dos cordilleras, su comunicación con Santafé no era difícil y era paso obligado en la vía que enlazaba la capital con el principalísimo puerto de Honda, hecho que favorecía las labores comerciales, además de situarse también cerca de un centro minero de relativa importancia, donde era factible ensayar las diversas técnicas de minería.
La Real Expedición permaneció ocho años en Mariquita, hasta que el virrey José de Ezpeleta decidió que para su mayor control debía ser reubicada en Santafé, con lo cual el ambiente cultural de la capital virreinal se vio fortalecido. Se formó así la Casa Botánica, que funcionó hasta 1816, cuando las tropas de la reconquista española la cerraron definitivamente, remitiendo su patrimonio científico a España.
En Mariquita la expedición se reorganizó poco a poco. Se crearon cargos con funciones muy definidas: los comisionados, personal de confianza de Mutis y del virrey, emprendían largas excursiones a diversas partes del virreinato, para reconocer y recolectar minerales o plantas diferentes a las ya conocidas, pero también para acumular datos y observaciones científicas; se destacaron fray Diego de García, Pedro Fermín de Vargas, Bruno Landete, el geógrafo José Camblor y Francisco José de Caldas.
Los botánicos debían recoger muestras exclusivamente botánicas y eran acompañados de uno o varios herbolarios que ejercían funciones auxiliares. Los pintores se encargaban de copiar las plantas recolectadas sin omitir el más mínimo detalle y con la mayor perfección posible. A partir de 1791, existieron agregados científicos como Francisco Antonio Zea, Juan Bautista Aguilar, José y Sinforoso Mutis, y de igual forma se creó el cargo de oficial de pluma, que ejerció José María Carbonel. Así, de los tres puestos creados inicialmente, la Real Expedición llegó a contar en 1808 (año de la muerte de José Celestino Mutis) con un total de 35 personas.
Tradicionalmente se ha insistido en que la coyuntura para que el arzobispo-virrey se decidiera a formar la Expedición Botánica en el virreinato fue la solicitud de unos científicos alemanes para recorrer los territorios de la actual Colombia. Como parte de las labores asignadas, Mutis debía enriquecer las colecciones botánicas del Gabinete de Historia Natural y del Jardín Botánico de la Corte mediante permanentes remisiones de semillas y raíces vivas de las plantas y árboles más útiles, sin omitir observaciones geográficas y astronómicas y la redacción de La flora de Bogotá.
Todo ello es cierto, como también lo es que en la iniciativa de la expedición jugó un papel determinante la Revolución de los Comuneros de 1781 y que los comisionados debían informar y evaluar social, política y económicamente los distintos pueblos y provincias del virreinato, con el fin de que la Corona pudiera tener una idea de las distintas situaciones y poder aplicar correctivos.
El aspecto más importante de la Expedición Botánica fue su contribución a la conformación y consolidación de una clase culta criolla, toda vez que muchos de sus miembros fueron próceres de la Independencia y que en torno de la expedición giraron las grandes figuras de la política de la Primera República.
Los resultados científicos y económicos son más relativos, pues, si bien se coleccionaron 5.393 láminas magistralmente realizadas, compuestas por 2.945 estampas en color y 2.448 dibujadas a pluma, que representan 2.696 especies y 26 variedades, muchas de ellas no tienen la descripción correspondiente, no hay clave alguna de tal iconografía y no se conoce una correspondencia entre las láminas y el herbario. Su aporte a la taxonomía nacional actual es prácticamente nulo, ya que sólo ocho géneros y especies han conservado la denominación dada por Mutis: Barnadesia, Beforia, Ezpeletia, Ternstroemia, Vallea, Spilanthes americana, Aristolochia cordiflora y Sericotheca argentea.
Mutis murió en Santafé, el 11 de septiembre de 1808, a los 76 años de edad.


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1885:

Nace  D. H. Lawrence, novelista y poeta británico (fallecido en 1930).

David Herbert Richards Lawrence (Eastwood, Inglaterra; 11 de septiembre de 1885-Vence, Francia; 2 de marzo de 1930) fue un escritor inglés, autor de novelas, cuentos, poemas, obras de teatro, ensayos, libros de viaje, pinturas, traducciones, y críticas literarias.
Su literatura expone una extensa reflexión acerca de los efectos deshumanizadores de la modernidad y la industrialización, ​ y abordó cuestiones relacionadas con la salud emocional, la vitalidad, la espontaneidad, la sexualidad humana y el instinto. Las opiniones de Lawrence sobre todos estos asuntos le causaron múltiples problemas personales: además de una orden de persecución oficial, su obra fue objeto en varias ocasiones de censura; por otra parte, la interpretación sesgada de aquella a lo largo de la segunda mitad de su vida fue una constante. Como consecuencia de ello, hubo de pasar la mayor parte de su vida en un exilio voluntario, que él mismo llamó «peregrinación salvaje».
Aunque en el momento de su muerte su imagen ante la opinión pública era la de un pornógrafo que había desperdiciado su considerable talento, E. M. Forster, en un obituario, defendió su reputación al describirlo como «el novelista imaginativo más grande de nuestra generación». Más adelante, F. R. Leavis, un crítico de Cambridge de notoria influencia, resaltó tanto su integridad artística como su seriedad moral, lo que situó a buena parte de su ficción dentro de la «gran tradición» canónica de la novela en Inglaterra. Con el tiempo, la imagen de Lawrence se ha afianzado como la de un pensador visionario y un gran representante del modernismo en el marco de la literatura inglesa, pese a que algunas críticas feministas deploran su actitud hacia las mujeres, así como la visión de la sexualidad que se percibe en sus obras.







https://www.youtube.com/watch?v=tjZBF6LeUH8



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1888: 

Muere Domingo Faustino Sarmiento, militar, maestro y presidente argentino (nacido en 1811).

Domingo Faustino Sarmiento (San Juan, Provincias Unidas del Río de la Plata, 15 de febrero de 1811-Asunción, Paraguay, 11 de septiembre de 1888) fue un político, escritor, docente, periodista, militar y estadista argentino; gobernador de la provincia de San Juan entre 1862 y 1864, presidente de la Nación Argentina entre 1868 y 1874, senador nacional por su provincia entre 1874 y 1879 y ministro del Interior en 1879.
Considerado como uno de los grandes prosistas castellanos,2​ es destacado tanto por su labor en la educación pública como en su contribución al progreso científico y cultural de su país.








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1903: 

Nace Theodor Adorno, filósofo y musicólogo alemán (fallecido en 1969).


Theodor Ludwig Wiesengrund Adorno (11 de septiembre de 1903, Fráncfort, Alemania - 6 de agosto de 1969, Viège, Valais, Suiza) fue un filósofo alemán de origen judío que también escribió sobre sociología, comunicología, psicología y musicología. Se le considera uno de los máximos representantes de la Escuela de Fráncfort y de la teoría crítica de inspiración marxista.
Adorno nació en una familia burguesa acomodada de Fráncfort del Meno (estado de Hesse). Su padre, Oscar Alexander Wiesengrund, era comerciante de vinos, y su madre, Maria Calvelli-Adorno, era soprano lírica. Su madre y su hermana Agatha, una pianista de talento, se hicieron cargo de la formación musical de Adorno durante su infancia.



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1915:

Nace Victor Chato Romero, compositor colombiano.


Gran músico y compositor nortesantandereano nacido en Arboledas el 11 de septiembre de 1915, fueron sus primeros profesores los maestros Bonifacio Bautista y Gerardo Rangel, el padre de Oriol. Posteriormente Gabriel Uribe, el famoso “Gabrielucho”, a quien Lucho Bermúdez compuso el hermoso pasillo, y Oriol Rangel le hizo igualmente "Ríete Gabriel", fue quien le instruyó en las técnicas musicales avanzadas.
Residenciado posteriormente en Bogotá se dedicó a la enseñanza musical.
Sus composiciones más conocidas son “Cierra morena los ojos”, y la que ha sido objeto de múltiples controversias en materia del creador de su música, el bellísimo bambuco “El marco de tu ventana”, pues mientras “El Chato” la presenta como letra y música suyas, el Maestro Luis Uribe Bueno, hombre de honestidad y calidad personales absolutas, asevera que su música le pertenece, como consta en el registro de Sayco del año 1952.
Hernán Restrepo Duque, reconocido investigador musical y quien fué compañero de trabajo del Maestro Uribe Bueno en Sonolux por más de 20 años, defiende la posición de éste, citando entre otras cosas el momento en que se estrena el bambuco en Bogotá, para una serenata a una sobrina del Maestro Carlos Vieco, Alicia Vieco Sánchez, quien posteriormente sería la segunda esposa del Maestro Romero, interpretada por el “Trío los norteños” integrado por Uribe Bueno, “El Chato” y Luis Cano Castillo.
También algunos folclorólogos le adjudican la paternidad del popular bambuco “Rumor de Serenata”, pero muchos otros historiadores afirman que éste pertenece a Federico Buitrago.
Ambas polémicas siguen vigentes…
Fue su primera esposa doña Hilda Sanmiguel Sanmiguel de quien enviudó pronto y quien le inspiró hermosos temas como el bambuco “Tortura” y el bolero “Atardecer”.
Entre otras obras de “El Chato” podemos citar: “Qué cosa es el amor”, “Sonatina de amor”, “Tiple montañero”, “Trigueñita linda”, Arboledas”, “Lumine”, “Mi campesina”, “Morena, dulce morena”, “Bambuco pa’ la guabina”, “Marinero”, “Cien años”, “Arroyito claro”, “Mi Colombia”, “Fruto anhelado”, “Dolor de ausencia”, “Pescador del Magdalena”, “Trigueñita linda”, etc...
La familia Romero Vieco la conforman nueve hijos, todos músicos, quienes combinan sus diversas actividades profesionales con la música.
Entre ellos integran en grupo músico vocal “Lumine”, de grandes éxitos en sus presentaciones en los diversos escenarios, concursos y encuentros musicales colombianos.
El “Chato” Romero falleció en Bogotá el 14 de septiembre de 1999.



https://www.youtube.com/watch?v=03bmZX5glAU







1917: 

Nace Carlos Puebla, cantautor cubano (f. 1989).


Carlos Manuel Puebla Concha (1917-1989) fue un cantautor cubano.
Carlos Puebla es conocido como «el cantor de la revolución»,1​ utilizó su música para difundir los valores de la Revolución Cubana, cantando los hechos más relevantes y siendo cronista de los cambios acaecidos en su país desde 1959.

Índice

·         1Biografía
o    1.1Niñez y juventud
o    1.2Inicios artísticos
o    1.3Etapa en la Revolución Cubana
o    1.4Su muerte
·         2Discografía
o    2.1Álbumes de estudio
o    2.2EP
o    2.3Colectivos
o    2.4Obra póstuma
§  2.4.1Colectivos
·         3Referencias
·         4Enlaces externos

Biografía[editar]

Niñez y juventud[editar]

Nació el 11 de septiembre de 1917 en Manzanillo en el seno de una familia humilde. Se vio obligado a ejercer durante su niñez y juventud múltiples oficios: carpintero, mecánico, obrero azucarero y zapatero. Su temperamento le empujaba al mundo de la música. Cuando iba a la escuela no abandonaba su armónica, que hacía sonar por el camino. Las clases de guitarra que recibía su hermano eran seguidas por él a escondidas y repetidas, luego; ese carácter autodidacta le impulsó a aprender. Utilizando métodos de enseñanza a distancia (como el para aprender a tocar la guitarra sin maestro) y consultando a Pedro Estacio, director en ese tiempo de la Banda Municipal de Conciertos de Manzanillo, y Juan García, maestro de piano, dio los primeros pasos en el aprendizaje musical.

Inicios artísticos[editar]

En los 30 del siglo XX sus canciones ya se emitían en la radio local de Manzanillo, la CMKM. En este tiempo los temas de su música son de corte romántico, canciones que fueron grandes éxitos y que han pasado a formar parte del patrimonio de la música cubana. Algunas de ellas son: Quiero hablar contigo, Qué sé yo, Te vieron con él, Cuenta conmigo, Quién se lo iba a imaginar, Hay que decir adiós y Dejemos de fingir.
Poco después comenzaría a grabar sus discos; en estas piezas ya se empiezan a tratar temas sociales y reivindicativos. Canciones como: Plan de machete, Este es mi pueblo y Pobre de mi Cuba denunciaban la situación que se vivía en Cuba por aquella época sin temer a la represión.
En los años 50 se acompaña por el grupo Los Tradicionales, integrado por Santiago Martínez, Pedro Sosa y Rafael Lorenzo, publicándose sus trabajos bajo el nombre de Carlos Puebla y Sus Tradicionales. Su presencia en la radio y en la televisión nacionales se hace habitual. Aunque el escenario que más estimaba en aquellos tiempos era el restaurante habanero de La bodeguita del medio donde interpretaba su obra sin cobrar ningún salario pero reconfortado en el buen ambiente allí existente. Tal como él mismo dice:
(...) pasaba los ratos cantando con la barriga llena y el corazón contento.
Este lugar le sirvió para conocer a otros muchos artistas e importantes personalidades.

Etapa en la Revolución Cubana[editar]

El 1º de enero de 1959 el triunfo de la revolución, representada por la entrada del líder Fidel Castro en La Habana, influiría en la vida de Carlos Puebla tanto como en la de Cuba. La guaracha «Y en eso llegó Fidel» es, tal como dice el título, un cambio en su creación, en su obra, Carlos se convierte en cronista. Pasa a realizar canciones que difunden los valores revolucionarios y las decisiones del gobierno de «los barbudos», sin dejar a un lado los temas tradicionales cubanos.
Canciones como «La Reforma Agraria», «Duro con él», «Ya ganamos la pelea», «Son de la alfabetización» van haciendo de Carlos Puebla un representante artístico de la obra revolucionaria. En su canción «De Cuba traigo un cantar» muestra bien claro este papel de embajador que adopta
De Cuba traigo un cantar
hecho de palma y de sol
cantar de la vida nueva
y del trabajo creador
para el ensueño mejor
cantar para la esperanza
para la luz y el amor...
En 1961 realiza lo que sería su primera gira por varios países que culmina con un gran éxito. Esto daría pie a muchas más giras, que extenderían su prestigio y fama desde el ámbito cubano a más de 35 países. En todas estas actuaciones fue acompañado de su grupo Los Tradicionales. En aquella época se le empezó a llamar «Juglar de la Era Moderna».
El éxito no fue motivo para olvidar sus orígenes. Volvía siempre que podía a su ciudad natal y no dejaba de participar en la celebración de las Semanas de la Cultura y las Jornadas de Homenaje a su amigo, el poeta Manuel Navarro Luna. En Manzanillo, no dejaba de pasear por toda la ciudad y de actuar allí donde se lo pidieran. Su sitio preferido era La casa de la Trova, que hoy lleva su nombre, donde pasaba horas con sus amigos cantando y compartiendo su bebida predilecta, el Ron Pinilla.
La partida del revolucionario argentino Ché Guevara del territorio cubano impactó a Carlos Puebla de tal forma que la misma noche en que Fidel Castro dio a conocer la carta de despedida de Guevara, Puebla sin poder dormir, compuso su obra más conocida, «Hasta siempre, comandante», que se convertiría en un homenaje al líder guerrillero que transcendería a todos los estilos de música y a casi todas las lenguas.

Su muerte[editar]

Una larga enfermedad terminó con su vida un 12 de julio de 1989 en La Habana. Para entonces su obra musical abarcaba más de setenta temas en los cuales, con su característico sentido del humor, abordaba temas sociales y tradicionales. La enfermedad no pudo minar su sentido jovial. En la tumba del artista, la cual se encuentra en el cementerio de Manzanillo, fue grabado como epitafio:
Yo soy esto que soy,
un simple trovador que canta











1927:



Myrta Blanca Silva Oliveros (Arecibo; 11 de septiembre de 1927 - Arecibo; 2 de diciembre de 1987), conocida popularmente como Myrta Silva o La Gorda de Oro, fue una cantante, compositora, música y actriz puertorriqueña.

Biografía[editar]

A lo largo de su vida profesional, Myrta se desempeñó como músico, cantante, compositora, comentarista, animadora y productora televisiva. Como cantante, con su peculiar estilo de interpretación, se presentó como mujer polifacética e independiente, algo no muy común para esa época.
A los diez años, realizó su primera presentación en un teatro local de Arecibo. Durante la década de 1930, siendo aún adolescente, viajó junto con su familia a Nueva York y trabajó en producciones musicales en los teatros hispanos locales y en las radiodifusoras. Su talento llamó la atención de los productores RCA Victor, empresa con la que firmó un contrato.
En 1939, contactó al compositor puertorriqueño Rafael Hernández quien cautivado por su voz, la integró a su conjunto, el Grupo Victoria. Con este grupo, Myrta viajó por Puerto Rico y otros países de América Latina y ese mismo año le ofrecieron un contrato para presentarse en La Habana, Cuba. Para inicios de 1940, dejó el Grupo Victoria y trabajó con las orquestas de Moncho Usera y Armando Castro. Sus presentaciones en el Club Playa El Escambrón la consagraron en el gusto del público y la convirtieron en un fenómeno de ventas, entre los años 1947 y 1949.
Myrta realizó una labor también como percusionista, ejecutando la tumbadora, bongó, maracas, claves y timbales, estando certificada como la primera mujer timbalera en la Unión de Músicos de los Estados Unidos.
A partir del año 1941, comenzó su labor como compositora, escribiendo temas como "Que sabes Tú", "Cuando Vuelvas", "Fácil de Recordar" y "En mi Soledad", entre otros. Muchas de sus inspiraciones fueron grabadas por cantantes de la talla de Ruth Fernández, Olga Guillot y Daniel Santos. Su canción "Chencha la Gambá", la consagró como compositora a nivel internacional.
Su popularidad trascendió el ambiente de Puerto Rico y de la comunidad hispana en Nueva York y se presentó en países como México, Panamá, República Dominicana, Venezuela y Perú. En 1949, durante su tercera visita a Cuba, participó junto a la Sonora Matancera en el popular show radial de CMQ Radio ((Cascabeles Candado)). Contrario a lo que se ha dicho, nunca fue cantante de plantilla en este grupo, solamente se hacía acompañar por este en este tipo de programas al haber sido contratada por el poderoso circuito CMQ. Su salida del show ((Cascabeles Candado)) propició que se uniera al grupo otra valiosa cantante femenina: Celia Cruz. Myrta Silva fue proclamada por esa época como la artista extranjera más popular de la isla. Con el conjunto quedaron registradas tan solo cuatro grabaciones para el sello Cafamo Records: "Que Corto es el Amor", "Suelta ese Paquetón", "Loca" y "Sangongo".
1952 fue su último año con la Sonora Matancera, que en ese entonces ya grababa para el sello Seeco Records, esto permitió que esta casa disquera obtuviera licencia de Cafamo, y el 20 de abril de 1952 Seeco Records publicó dos de ellos: "Que Corto es el Amor" y "Suelta ese Paquetón".
Habiendo logrado una buena posición económica, abandonó la Sonora y construyó una mansión en su natal Puerto Rico. Fue con la salida de Silva que la cubana Celia Cruz, a la sazón cantante de tangos, pasó a formar parte de la legendaria orquesta.
En 1956 y desde Nueva York, trabaja en el programa televisivo "Una Hora Contigo". Al cabo de varios años frente a este programa viaja nuevamente a su país de origen, como anfitriona del programa y bajo su personaje Madame Chencha. Una disputa con la cadena televisiva hizo que Myrta regresara a Nueva York, donde produjo el programa televisivo "Radio TV Mirror", premiado como el mejor programa de variedades de la ciudad de Nueva York.
A principio de la década del sesenta, la nostalgia de estar lejos de su tierra natal la inspiró en composiciones de canciones como "Puerto Rico del Alma", "Que sabes Tú", "Tengo que Acostumbrarme", "Fin de un Amor", "Aunque se oponga el Mundo" y "Yo quiero volverme a Enamorar". Silva salpicó algunas de sus canciones con sentimientos nacionalistas que le ganaron adeptos y enemigos en un ambiente isleño político caldeado por el colonialismo. En otras ocasiones, sus posturas resultaron controversiales, como en el caso de su canción "Este es mi País", donde hizo gala de su nacionalidad puertorriqueña frente a la incipiente migración de extranjeros a la isla borincana.
Su trabajo como compositora continuó en la década de los 70, con canciones como "No te vayas de mi vida" y "Sabes una cosa cariño", popularizada en 1971 por Evelyn Souffront. Ese mismo año, Myrta regresó a la televisión en Puerto Rico de nuevo con el programa "Una Hora Contigo". A finales de la década transmitió un espectáculo dedicado a la música y artistas de Puerto Rico.

Últimos años[editar]

A lo largo de su carrera, Myrta, colaboró con algunos de los mejores artistas de la época y su obra tuvo un gran impacto sobre la música de Puerto Rico. Sus años finales fueron matizados por una candente controversia familiar relacionada con su cuidado en momentos en que sufría de la enfermedad del alzheimer. El 2 de diciembre de 1987 falleció por quemaduras de tercer grado causadas por agua caliente. Su herencia fue disputada entre varios miembros de su familia y generó una controversia en torno a su incapacidad mental para designar herederos.





1940: 

Nace Brian De Palma, cineasta estadounidense.

Brian Russell De Palma (Newark, Nueva Jersey; 11 de septiembre de 1940) es un director de cine y guionista estadounidense.
Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newark, Nueva Jersey, es el joven de tres hermanos, hijo del cirujano ortopédico Anthony Federico De Palma y de Viviene. ​ Desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la "National Science Fair Competition" (Concurso Nacional de Ciencias). Cuando estudiaba en el instituto, se encargaba de construir ordenadores.
Mientras estudiaba la carrera de física, descubrió su pasión por el séptimo arte, interesándose especialmente por el trabajo de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard. De 1962 a 1964 estudió arte dramático en el Sarah Lawrence College de Nueva York y dirigió varios cortometrajes.
Carrera
Tras siete producciones independientes, en las que destaca su primera mirada hacia la guerra y en especial a la guerra en Vietnam, Saludos (1968), con un joven Robert De Niro, salta a la fama con la película Sisters (1973) y usa por primera vez el estilo voyeurista que después será, junto con las pantallas divididas, una característica en su estilo.
El éxito de esta película le llevaría a hacer un cine donde el thriller de marcada influencia hitchcockiana sería su estandarte, aunque serían dos obras de género fantástico, El fantasma del paraíso (1974) y sobre todo el descomunal éxito de la primera adaptación de una novela de Stephen King, Carrie (1976), las que le situarían como uno de los más interesantes autores del nuevo cine de Hollywood que despuntó en los años 1970. Como curiosidad señalar que George Lucas y él, grandes amigos entonces, hicieron un casting conjunto para Carrie y Star Wars. También ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película.
Ya en los 80 encadenaría éxitos y fracasos a partes iguales. Siempre que volvía al thriller al estilo Hitchcock triunfaba (Vestida para matar y Body Double), pero sus inquietudes le llevaron a aceptar el encargo de rodar una nueva versión del clásico Scarface(1932), con Al Pacino como gran estrella. A pesar de haber sido una de las películas más taquilleras (recaudó 65 millones de dólares) y que hoy en día es un clásico de culto, en su época fue destrozada por la crítica y supuso un enorme fracaso comercial que hizo que Pacino sólo rodase una única película desde ahí hasta 1989.
Tras rodar, incomprensiblemente, una comedia absurda donde la personalidad del director no se deja ver por ninguna parte, Wise Guys, llega al cénit de su carrera con otro trabajo de encargo, Los Intocables de Eliot Ness. Pionera en la adaptación de series televisivas a la gran pantalla, tanto la crítica como el público la respaldaron. En la cinta se reúne un magnífico plantel de actores donde se ven a unos despuntantes Kevin Costner y Andy García, y a unos espléndidos Sean Connery, quien ganaría el Óscar al Mejor Actor de Reparto por su rol en la cinta, y Robert De Niro deslumbrante en el papel de Al Capone. Mencionar que Al Capone fue la inspiración del tándem Howard Hawks/Howard Hughes para el antihéroe Tony Camonte en la Scarface original.
Tras este sensacional éxito, De Palma vuelve los ojos a su vieja obsesión sobre Vietnam aprovechando la estela de premios de Platoon (1986) de Oliver Stone. En esta ocasión rememora una noticia que le marcó en su juventud, la violación de una joven vietnamita a manos de unos soldados estadounidenses, en Casualties of War (1989). La cinta, a pesar de sus buenas intenciones, se hundió en la taquilla y fue ignorada a pesar (o quizás por culpa) de contar con el emergente Michael J. Fox como protagonista. Cabe reseñar que esta historia la retomaría años después en Redacted (2007), pero enmarcándola en la Guerra del Golfo.
Su mayor fracaso fue sin embargo su siguiente película, La Hoguera de las Vanidades (1990), destrozada y denostada a partes iguales; el intento de sacarle de la condición de "artesano" para ser un autor acabó como si hubiese sido un espejismo, aunque todavía haría una última intentona con la notable Atrapado por su Pasado (1993), donde reúne a Al Pacino y a Sean Penn en un intenso duelo actoral que sigue la estela de Scarface. Al igual que ésta, en su momento pasó desapercibida para posteriormente convertirse en un clásico del cine.
En la filmografía pendular de De Palma no podía faltar otra nueva adaptación por encargo de una serie de TV. Misión: Imposible (1996) es un vehículo para lucimiento de su productor y protagonista Tom Cruise. No se sabe si por las constantes peleas entre estrella y director, el trabajo de De Palma fue eficaz pero sin chispa, lo cual desgraciadamente se ha convertido desde entonces en moneda común en su cine. A pesar de esto se saldó con una taquilla arrolladora que dio al neoyorquino vida tras las pobres recepciones de sus últimas películas.
Ojos de Serpiente (1998) y Misión a Marte (2000) intentaron ser, igual que la anterior, vehículos de lucimiento de Nicolas Cage la primera y de intento de consolidar la posición de los emergentes Gary Sinise, Don Cheadle, Connie Nielsen y Jerry O'Connell la segunda, y afianzar el estatus de Tim Robbins, pero en ambos casos las cifras no fueron lo suficiente como para llamar la atención a pesar de ser películas esforzadas, aunque no notables.
Después de Misión a Marte, y tras una serie de problemas con la industria estadounidense, se traslada a Francia, donde reside, y encuentra una serie de productores, con los que consigue filmar Femme Fatale (2002). Esta película, a pesar de recibir críticas negativas, es considerada por críticos de renombre como Roger Ebert como una excelente película. Unos años más tarde, se reencuentra con el productor Art Linson (productor de Los Intocables y Corazones de Hierro) y regresa a los Estados Unidos para dirigir La Dalia Negra (2006), también con pobres resultados.
Tras este último fracaso, vuelve a sus orígenes, al cine de pequeño formato, a la obsesión sobre la guerra y a la ruptura visual a la que acostumbró al público con Redacted(2007), pero, como todas las películas bélicas ambientadas en el conflicto del golfo, esta también pasó desapercibida.
En 2017 Brian De Palma empezó el rodaje del thriller Dominio en Málaga,3​ y luego se trasladó a Almería para rodar en el aeropuerto, la plaza de toros y el puerto. ​ La película estaría protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau, y la selección de figurantes tuvo lugar en el Estadio de los Juegos Mediterráneos. Tras la primera toma, que se rodó en la plaza de toros, ​ el rodaje tuvo problemas debido a las exigencias, a los pocos figurantes y el cambio de protagonista de Christina Hendricks a Carice van Houten. ​ Al terminar el rodaje en Almería, De Palma se marchó a rodar en Dinamarca.8​Finalmente Brian De Palma no continuó con la película debido al bajo presupuesto que tenía.
Por motivo de su llegada a Almería por el rodaje de Dominio, Brian De Palma recibió una miniatura de la estrella que lucirá en el Paseo de la Fama de Almería, ​ al igual que sucederá con el protagonista Nikolaj Coster-Waldau.


https://www.youtube.com/watch?v=pUcnjrgXqpc









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1955:

Nace Pupo, cantante, letrista, presentador de televisión, escritor y actor de voz italiano.



Enzo Ghinazzi (nacido el 11 de septiembre de 1955), mejor conocido como Pupo (en italiano "bebé") es un cantante, letrista, presentador de televisión, escritor y actor de voz italiano.

Vida y carrera [ editar ]

Enzo Ghinazzi nació en Ponticino , una frazione de Laterina Pergine Valdarno en la provincia toscana de Arezzo . Su padre era cartero y su madre ama de casa , pero ambos cultivaron el interés por el canto y la actuación. En 1975 debutó como cantautor bajo el nombre artístico de Pupo con "Ti scriverò" ("Te escribiré"). [1]
El lanzamiento del primer álbum de Pupo, Come sei bella ("Eres tan hermosa"), llegó en 1976. Su segundo álbum, Gelato al cioccolato , fue su primer gran éxito, con los exitosos sencillos "Ciao" y " Gelato al cioccolato ", escritos con Cristiano Malgioglio ; el álbum fue el primero de los 11 discos de oro del artista. En 1980 Pupo compitió por primera vez en el Festival de Música de San Remo con la canción ganadora del disco de oro " Su di noi " ("Above us"): la canción fue incluida en su tercer álbum Più di prima ("Más que antes"), que fue el disco más vendido de Pupo y también incluyó "Florencia . [2]
En 1981 escribe su primer éxito para otro artista: " Sarà perché ti amo ", cantado por Ricchi e Poveri en el Festival de San Remo ese año. [3] Pupo compitió nuevamente en el Festival en 1983 con "Cieli azzurri" ("Cielos azules") y en 1984 con "Un amore grande" ("Un gran amor"), de Umberto Tozzi y Giancarlo Bigazzi . En 1986 lanzó el álbum Pupo en la URSS , un gran éxito que provocó su fama en Europa del Este. [4] Al año siguiente ganó el festival internacional de canciones infantiles Zecchino d'Oro.como el autor de "Canzone amica" ("Canción de amigo"). Pupo realizó muchas giras por escenarios internacionales y en 1991 lanzó su primer y único álbum en vivo hasta la fecha, Canada's Wonderland , grabado en Toronto . [5] En 1992 compitió por cuarta vez en el Festival de Música de San Remo , esta vez con su nombre de nacimiento, con la espiritual "La mia preghiera" ("Mi oración").
Después de pasar algunos años fuera del centro de atención nacional (manteniendo una sólida base de fans internacional) y luego dedicarse a su carrera televisiva, Pupo volvió al estrellato musical con sus apariciones consecutivas en el Festival de Música de San Remo en 2009 y 2010. En 2007, el El cantante holandés André Hazes hizo un cover de su canción "Forse" ("Maybe") con el título "Blijf bij mi" ("Stay with me"). En 2009 compitió con "L'opportunità" ("La oportunidad"), cantando junto a Paolo Belli y Youssou N'Dour , llegando a la final. Al año siguiente, quedó segundo en el Festival cantando " Italia amore mio "., miembro de la ex familia real italiana; En la "noche de invitados" del Festival, el entrenador de fútbol ganador de la Copa del Mundo , Marcello Lippi, fue invitado al escenario. La canción fue un éxito de público y el trío fue considerado el ganador moral del Festival. [6]

Carrera televisiva, actuación de voz y escritura [ editar ]

Pupo comenzó a trabajar en televisión en 1989, cuando fue llamado para presentar a Domenica In en Rai 1 . En la década de 2000 apareció a menudo en programas de fútbol, ​​como seguidor del club de la Serie A Fiorentina . Pupo se centró de lleno en su carrera televisiva a partir de 2005, comenzando con el reality show La Fattoria en Canale 5 como reportero del plató brasileño. [7]
Logró un gran éxito presentando programas de juegos en Rai 1 , el canal principal de la cadena pública italiana: desde Affari Tuoi (la edición italiana de Deal or no Deal ) hasta Reazione a Catena , la adaptación italiana de Chain Reaction . Luego fue anfitrión de la edición italiana de The Singing Bee , llamada Chi Fermerà la Musica , y tres ediciones del concurso de talentos I Raccomandati en Rai 1 . [8] Desde 2010, Pupo acoge el festival anual de música napolitana Napoli Prima e Dopo , que durante su mandato ha tenido un promedio de más de tres millones de espectadores con una cuota de audiencia del 20% enRai 1 .
También apareció como locutor en Sky Sports con La Notte del Poker , el primer campeonato italiano de póquer, y compitió en la edición de celebridades del campeonato.
Mientras tanto, Pupo comenzó a actuar como doblador en italiano: interpretó a Hammy en la película animada de DreamWorks Over the Hedge [9] y al personaje principal en la comedia de 2010 Marmaduke . También fue anfitrión de programas de radio en Radio 1 Rai , como Attenti a Pupo y Passato contro Futuro .
Pupo también escribió tres libros. Su primera autobiografía, Un enigma chiamato Pupo ("Un enigma llamado Pupo"), fue publicada en 2001 por Rai Eri (la rama editorial de la emisora ​​pública italiana). Su segunda autobiografía, Banco Solo! Diario di un giocatore chiamato Pupo ("¡Único banco! Diario de un jugador llamado Pupo"), trata de su problemática historia con el juego. [10] Pupo luego escribió una novela negra, La confessione ("La confesión"), publicada por Rizzoli en 2012. [11]
Pupo admitió en marzo de 2016 que ha tenido relaciones sexuales con hombres y personas transgénero. También confirmó tener esposa y amante, aunque dijo que rechaza la etiqueta de bígamo, ya que la bigamia es ilegal y su esposa y su amante no viven juntas. [12]

Premios [ editar ]

  • 11 discos de oro
  • Gondola d'Oro ("Góndola dorada") [13]




https://www.youtube.com/watch?v=bp2wMex11PU








https://www.youtube.com/watch?v=8wA_0lSxkG8

1961:



Elizabeth Ann Guttman (11 de septiembre de 1961, Los Ángeles), más conocida como Elizabeth Daily o E.G. Daily, es una actriz, actriz de voz, compositora y cantante estadounidense. Es conocida por ser la voz de Tommy Pickles en Rugrats y Rugrats: más grandes y traviesos, de Bellota en Las chicas superpoderosas, Knothead en El Nuevo Show Del Pájaro Loco y de Steve en la serie Jorge, el curioso.

Biografía[editar]

Actriz[editar]

Esta californiana es hija de Alex y Hellen Guttman. Su papel más importante ha sido el de Rugrats (1991-2004) y su secuela Rugrats: más grandes y traviesos (2003-2008), donde interpretó al protagonista. Anteriormente apareció en el videoclip de Rod Stewart Young turks, en Valley Girl (1983), en Streets of Fire (1984), en La gran aventura de Pee-Wee (1985) y en Loverboy (1989). En 1985 hizo un cameo en la película Better Off Dead -protagonizada por John Cusack- y en A little luck. También, ese mismo año, tuvo un pequeño papel en Fandango, junto a Kevin Costner.
También ha interpretado a Bellota en The Powerpuff Girls (1998-2004), a Rudy Tabootie en Zona Tiza (2002-2004), Dizzy Flores en la serie Roughnecks: las crónicas de las brigadas del espacio (1999), y como Wacho en el videojuego estilo RPG Baten Kaitos Origins.
Hizo un cameo en Friends en 1997, donde interpretó a una compañera de canto de Phoebe, y doce años más tarde apareció en la película de Rob Zombie The Devil's Rejects (2005) como Candy, una prostituta entusiasta.
En 2006, Daily interpretó a la pingüino Baby Mumble en Happy Feet. También interpretó a varios personajes en la serie En busca del valle encantado: Ali, un nuevo amigo de Rhett, y Shorty, el hermano adoptivo de Piecito.

Carrera de cantante[editar]

Daily firmó con A&M Records en 1985, y trabajó con los colaboradores frecuentes de Madonna John "Jellybean" Benítez y Stephen Bray. En 1986, lanzó el sencillo R&B/Rock "Say It, Say It". Esa canción llegó al puesto #70 en los ''Billboard'' Hot 100, y el #1 en el Hot Dance Music/Club Play. Sus canciones "Shake It Up" y "I'm Hot Tonight" fueron incluidos en la banda sonora de la película Scarface. Esas mismas canciones más tarde fueron incluidas en el cartel de la estación de radio ficticia Flashback 95.6 en el videojuego Grand Theft Auto III. Estas mismas canciones se incluyeron también en el videojuego Scarface: The World Is Yours, basado en la película de 1983. Su éxito "Love in the Shadows" se publicó en la película Ladrón de Pasiones. En 1985, hizo los coros para el cantante de Human League, Philip Oakey, en su álbum solista Philip Oakey & Giorgio Moroder. En el mismo año, apareció en la película Netter Off Dead como miembro de una banda, cantando las canciones "One Way Love (Better Off Dead)" y "A Little Luck". Ambas canciones aparecieron en la banda sonora de la película acreditadas a E.G. Daily. En 1987 lanzó la canción "Mind Over Matter", que aparece en la película Summer School. En su canción de 1988, "Some People", de su álbum Lace Around The World, toca la guitarra y la armónica. También hizo una canción para la banda sonora de El club de los cinco llamada "Waiting". En 1999, lanzó su tercer álbum, Tearing Down The Walls. Daily lanzó una canción titulada "Changing Faces" en 2003, que se utilizó en los créditos finales de la película animada Rugrats: Vacaciones Salvajes. También lanzó un sencillo titulado "Beautiful" a través de iTunes el 29 de abril de 2008. Cantó la canción "Dawn's Theme", utilizada en el final de la película Streets, protagonizada por Christina Applegate. Desde 2003 a 2011, hizo la voz en off de Jake Harper cantando la canción de Two and a Half Men.

Vida privada[editar]

Ha estado casada con Rick Salomón entre 1995 y 2000. Tienen dos hijas, Hunter (n. 1996) y Tyson (n. 1998). [2] Ha salido con Jon-Erik Hexum, de quien fue novia hasta su fallecimiento, George Clooney, Nicolas Cage, Kato Kaelin, y Andrew "Dice" Clay.




https://www.youtube.com/watch?v=j4Qwl_9OoI8&list=PLjXfFodko1iItntKwPRiHHL1AxAp4RCHm







1968:

‘Hey Jude’, nº 1 en el Reino Unido



https://www.youtube.com/watch?v=A_MjCqQoLLA


Años más tarde el récord se lo quitó MC Hammer y sus nueve minutos de 2 legit2 quit. Hey Jude fue la primera canción que los de Liverpool editaron bajo su nuevo sello discográfico, Apple Records. El single se editó con el tema Revolution en la cara B. El tema que estaba dedicado a Julian, el hijo de John Lennon y Cynthia, también alcanzó el nº 1 de Billboard.







1970: 
Nace Taraji P. Henson, actriz y cantante estadounidense.



Taraji Penda Henson (Washington D. C., 11 de septiembre de 1970) es una actriz y cantante estadounidense. Es más conocida por su papel de Yvette en Baby Boy (2001), Shug en Hustle and Flow (2005) y Queenie en El curioso caso de Benjamin Button(2008), por la que fue nominada a un Premio Óscar a mejor actriz de reparto en 2009. Desde 2011 hasta 2014 fue la coestrella de la exitosa serie de la CBS Person of Interest.
En 2015, volvió a la televisión con un papel protagonista en la serie Empire, donde su papel como Cookie Lyon le ha valido ganar un Critic´s Choice Award y un Globo de Oro además de una nominación al Emmy.

Índice

·         1Primeros años
·         2Carrera
·         3Empire
·         4Vida personal
·         5Filmografía
·         6Premios
o    6.1Premios Óscar
o    6.2Premios Globo de Oro
o    6.3Premios Primetime Emmy
o    6.4Premios del Sindicato de Actores
·         7Referencias
·         8Enlaces externos

Primeros años[editar]

Henson nació en el sureste de Washington D. C., hija de Bernice Gordon, una gerente corporativa de Woodward y Lothrop, y Boris Henson, un portero y fabricante.2​3​4​ Es familia del explorador del Ártico, Matthew Henson.5​6​ Su primer y segundo nombre son originarios de Swahili: "Taraji", que significa Esperanza y "Penda", que significa Amor.7​8​ Henson pasaba los veranos en la casa de sus abuelos en los suburbios de Maryland. Asistió a Oxon Hill High School en Oxon Hill, Maryland. En la Universidad Estatal Técnica, comenzó una especialización en Ingeniería Eléctrica.9​ Más tarde se trasladó a la Universidad de Howard.10​ Para pagar esta universidad, tenía dos trabajos: por la mañana como secretaria en El Pentágono y por la noche como camarera en la línea de Cruceros Odyssey.11​ Ganó el premio Triple Amenaza y se graduó con una licenciatura en Artes Teatrales.12​

Carrera[editar]

Taraji ha aparecido en películas como Cuatro hermanos (2005), Talk To Me (2007), Smokin 'Aces (2007), La familia que se alimenta, y La temporada de huracanes (2009).13​ A finales de 2008, protagonizó junto a Brad Pitt la película El curioso caso de Benjamin Button,13​ interpretando el papel de Queenie, la madre adoptiva de Benjamin, actuación que cosechó buenas críticas y una nominación a los Premios Óscar como Mejor Actriz de Reparto.14​ Ella señaló en una entrevista que "Queenie es la encarnación del amor incondicional".
Ha participado en varios programas de televisión como The Division de Lifetime, Boston Legal de ABC durante una temporada, CSI Las Vegas. Sus apariciones en televisión incluyen el personaje Ángela Scott en Eli Stonede ABC en diciembre de 2008.
Además ha sido estrella invitada en varios programas de televisión.15​16​ Henson hizo su debut como cantante en Hustle & Flow, interpretando la canción "It's Hard out Here for a Pimp" de Three 6 Mafia.11​ La canción ganó un Premio Óscar a la Mejor Canción Original en 2006, dando a Three 6 Mafia la distinción de convertirse en el primer grupo Negro de hip-hop en ganar en esa categoría.17​ Henson interpretó la canción en la ceremonia de los Óscar en vivo el 5 de marzo de 2006 con el grupo.18​ Además, interpretó la canción "In My Daughter's Eyes" en el álbum Unexpected Dreams – Songs From the Stars en 2006.19​
Henson ha hecho varias apariciones en vídeos musicales. Por ejemplo, actuó en el vídeo musical del rapero Common llamado "Testify" en 2005 en el papel de la esposa de un asesino antes de ser condenado.12​
Se unió a PETA en su campaña contra el uso de productos de origen animal en la ropa y ha dicho "no creo que un ser vivo debiera sufrir por el bien de la moda, y punto. Fin de la historia... No tienes que matar a un animal sólo porque deseas ser atractiva. Y realmente lo creo".20​ En 2011 apareció desnuda para un aviso de la campaña "Prefiero ir desnuda que vestir pieles". Actualmente trabaja en la serie Empire donde triunfa con su papel de Cookie Lyon.21​22​










1971:

Nace  Richard Ashcroft, cantante y compositor inglés.






Richard Ashcroft (Wigan, 11 de septiembre de 1971) es un cantante y compositor inglés.
A partir del año 1999 empezó su andadura como solista, habiendo sido líder y vocalista de la banda británica The Verve entre los años 1989 y 1999, a la que perteneció desde su fundación hasta su separación (en 2009). Sus mayores éxitos con la misma fueron las canciones Bitter Sweet Symphony, The Drugs Don't Work, Sonnet, Lucky Man y Love Is Noise.
Guarda una estrecha amistad con miembros de otras bandas británicas como Oasis, Coldplay, The Chemical Brothers y Unkle, con los cuales ha colaborado tanto en discos como en espectáculos en vivo. En julio de 2005 participó en el concierto benéfico Live 8 celebrado en Londres junto a Coldplay, cantando Bitter Sweet Symphony.2​
En 2007, ocho años después de su separación con The Verve, el grupo volvió a juntarse para grabar un nuevo álbum llamado Forth. No obstante esta nueva aventura duraría muy poco dado que a principios del 2009 se acabarían separando de nuevo.
Ashcroft nuevamente vuelve con su carrera como solista, y lanza el cuarto disco de su carrera llamado, RPA & The United Nations of Sound, lanzado al mercado el 19 de julio de 2010. En parte el título hace alusión al nombre que Ashcroft le dio a su nueva banda de músicos, "The United Nations of Sound" (The U.N.O.S).


 https://www.youtube.com/watch?v=1lyu1KKwC74








1971:

Nace Alessandra Rosaldo, cantante y compositora, ocasionalmente actriz y bailarina mexicana.

Alejandra Sánchez Barrero (Ciudad de México, 11 de septiembre de 1971),1​ mejor conocida como Alessandra Rosaldo, es una cantante y compositora, ocasionalmente actriz y bailarina mexicana. En 2006 concursó y ganó la segunda edición del programa de Televisa Bailando por un sueño. Hija del productor musical Jaime Sanchez Rosaldo y la Sra. Gabriela Barrero Como actriz, ella ha tomado el papel de roles de coprotagonista en varias producciones, en telenovelas las cuales se han exportado a más de 140 países en el mundo y como cantante ha vendido más de 4 millones de copias de sus discos en español como vocalista del grupo Sentidos Opuestos.
Alessandra siempre ha estado rodeada por la música y la actuación. A los 12 años, ella empezó a participar en los coros y que incluso protagonizaron una película infantil. A los 19 años se reunió con Chacho Gaytán en un aeropuerto, desde entonces se han convertido en grandes amigos. Años más tarde, Miguel Blasco les propuso formar un trío, formado por Chacho, Alessandra y otro miembro. Más tarde sería conocido como Sentidos Opuestos. En 2008, se convirtió en anfitrión de un programa nuevo juego en el Telefutura de la red de televisión llamado Dame la pista, que se ha cancelado.




https://www.youtube.com/watch?v=MQW0w82vHt8






https://www.youtube.com/watch?v=8k2GN568irc








1971:

Nace Gustavo Rodriguez, cantante colombiano.


Gustavo Rodriguez cantante que aunque nació en Popayan, Cauca, Colombia, desde muy temprana edad hizo su carrera como cantante en Cali con canciones de exito como "Que nunca me falte", "Si supieras", "Llorando tu ausencia" entre otros con La Orquesta Internacional Los Niches y como solista con canciones destacadas como "Nunca te dejare ir" y "Celos" entre otras.

En sus inicios, Gustavo Rodriguez, formo parte de la SUPER ORQUESTA CAFÉ (Cali Colombia), luego ingreso a la orquesta internacional LOS NICHES, donde obtuvo reconocimiento en el mundo salsero, posteriormente inicio su carrera como solista donde ha logrado posicionarse como una de las mejores voces de nuestro país, ha sido invitado especial para conciertos en vivo de orquestas como: LA FANIA ALL STAR, LA SINFONICA DEL VALLE, CONJUNTO CHANEY DE PUERTO RICO,…, ha participado en grabaciones como invitado en diferentes grupos musicales como productor musical, director vocal y cantante: GRUPO NICHE, GUAYACAN, CHECO ACOSTA, MATECAÑA, LA SABROSURA,….

GUSTAVO RODRIGUEZ también es reconocido como: PRODUCTOR MUSICAL, ARREGLISTA, DIRECTOR VOCAL Y JINGLERO.















1977: 

Nace Jon Buckland, guitarrista británico, de la banda Coldplay.



Jonathan Mark Buckland (11 de septiembre de 1977, en Londres, Inglaterra), conocido también como Jonny Buckland o Jonny Boy, es el guitarrista de la banda Coldplay.
Buckland nació en Londres y vivió allí hasta los cuatro años de edad, se trasladó a Pantymwyn, Gales del Norte. Se le alentó a entrar en la escena musical por su hermano mayor, que era un gran fan de My Bloody Valentine. Buckland comenzó a tocar la guitarra a la edad de once años, después de haber sido impulsado por The Stone Roses. Buckland asistió a Alun School en Mold, Gales; luego inició sus estudios de astronomía y matemáticas en la University College London, donde conocío a sus compañeros de banda, en especial a Martin, con quien se trasladó a vivir antes de formar Coldplay. Jon trabajó como conserje escolar. Sus influencias musicales son Ride, George Harrison y Jimi Hendrix. Ha sido comparado muchas veces con The Edge de U2, ya que Jon también es amante del uso de diferentes pedales de efectos para guitarra, con el que crea ese muro de sonido que tanto indentifica a Coldplay . Buckland ha sido invitado por Ian McCulloch para participar en su álbum como solista Slideling e hizo una cameo con banda en la película Shaun of the Dead. Chris Martin a menudo se refiere a él como "Jonny Boy" durante conciertos en vivo, sobre todo si Buckland está a punto de hacer un solo o un riff largo. Chris dijo: "No habría música de Coldplay sin Jonny Buckland." El afecto entre Chris Martin y Buckland es evidente durante conciertos en vivo y entrevistas debido a su amistad. Buckland es el padrino de la hija de Martin, Apple, el otro es Simon Pegg. Su primera hija, Violet, nació el 4 de noviembre de 2007.


https://www.youtube.com/watch?v=RB-RcX5DS5A


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1982:

 "Hard to say i´m sorry", de la Banda Chicago,   #1 en el Billboard Hot 100 de USA

https://www.youtube.com/watch?v=x90oqr7k9g0

"Hard to Say I'm Sorry", es una canción escrita por el bajista Peter Cetera , quien también cantó en la pista y el productor David Foster [3] , para el grupo Chicago . Fue lanzado el 16 de mayo de 1982, como el sencillo principal del álbum Chicago 16 . La canción alcanzó el número 1 durante dos semanas en la lista Billboard Hot 100 el 11 de septiembre de ese año. [4] [5] Fue el segundo sencillo número 1 del grupo. [6] Fue su primer éxito entre los 50 mejores desde " No Tell Lover " en 1978 y pasó doce semanas en el top 5 de la lista Billboard Hot 100. [7]El sencillo fue nominado para un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Pop por un dúo o grupo con voz, [8] y fue certificado Oro por la Recording Industry Association of America (RIAA) en septiembre del mismo año. [9] El compositor Cetera, miembro de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP), ganó un Premio de Música Pop ASCAP por la canción en la categoría, Canciones más interpretadas. [10]







1987: 

Muere Lorne Greene, actor canadiense (nacido en 1915).

Lyon Himan Green (n. 12 de febrero de 1915 – f. 11 de septiembre de 1987) más conocido por Lorne Greene, fue un actorcanadiense, famoso por su trabajo como protagonista en las series Bonanza y Battlestar Galactica.
Greene nació en Ottawa, Ontario, hijo de los inmigrantes ruso judíos Daniel y Dora Green. Era llamado "Chaim" por su madre, y su nombre figura como "Hyman" en los reportes escolares. En su biografía, su hija Linda Greene Bennett informa que es desconocido el momento en que comenzó a usar el "Lorne", ni se sabe cuándo adhirió la "e" al apellido Green. [1]
Lorne Greene comenzó a actuar mientras asistía a la Universidad de Queen en Kingston, donde también adquirió el arte de la locución con el Radio Workshop del gremio dramático universitario y con la estación radial del campus, la CFRC. Siguió la carrera de ingeniería química, pero antes de graduarse consiguió trabajo como locutor radial para la Canadian Broadcasting Corporation(CBC). Fue asignado como principal lector de noticias en la CBC National News. En la CBC recibió el sobrenombre de "The Voice of Canada" (La Voz de Canadá); sin embargo, su rol en enviar angustiosas noticias de guerra en fuertes tonos cuando Canadá entró en la Segunda Guerra Mundial en 1939 provocaron que la mayoría de los oyentes lo llamaran "The Voice of Doom" (La Voz del Fin). Durante sus días de radio, Greene inventó un reloj cronómetro que corría hacia atrás. Su propósito era ayudar a los anunciantes de radio para calcular cuánto tiempo disponible tenían para hablar. También narró documentales, como el de la National Film Board of Canada's Fighting Norway (1943). En 1957 encarnó el papel de acusador en la socialmente controvertida película Peyton Place.
El primer papel en la televisión estadounidense fue el de Ben Cartwright, el leal patriarca de la familia de la larga serie westernBonanza (1959–1973), haciendo de Greene un apellido muy conocido. También tuvo el papel de O'Brien en la producción de la CBS Nineteen Eighty-Four. En 1973, después del final de Bonanza tras 14 años de rodaje, Greene participó junto a Ben Murphyen el drama criminal ABC, Griff, sobre un oficial de policía de Los Ángeles, California, llamado Wade "Griff" Griffin, que una vez retirado llegó a ser detective privado. Cuando Griff falló al obtener poca audiencia, fue cancelado en el tercer episodio, por lo que Greene se dedicó a los documentales sobre naturaleza en las series Last of the Wild desde 1974 a 1975[2], y desempeñó un papel destacado en la taquillera película Terremoto. En la miniserie Raíces de 1977, cumplió el papel del primer amo de Kunta Kinte, John Reynolds. El siguiente papel conocido de Greene fue el de Commander Adama, otra figura patriarcal de la serie televisiva Battlestar Galactica (1978–1979) y Galactica 1980 (1980). El papel de Greene con un carácter de padre sabio continuó con la serie de corta vida de 1981, Code Red como un jefe de Departamento de Bomberos el cual dirige incluso a sus hijos como subordinados. Greene también hizo una aparición con Michael Landon en un episodio de Highway to Heaven.
En los años 60, Greene capitalizó sobre su imagen de Pa Cartwright en muchos álbumes de música y canciones country-western/folk, en las cuales desempeñó una mezcla de orador y cantante. En 1964, tuvo un número uno en los charts musicales con su balada "Ringo". En los años 80 volcó sus energías en la vida salvaje y el medio ambiente. Fue el anfitrión y narrador de la serie Lorne Greene's New Wilderness, programa que promovía la concienciación sobre el medio ambiente. Durante casi una década, Greene co-anfitrionó el Macy's Thanksgiving Day Parade de la NBC. Es también profundamente recordado como fundador de la Toronto's Academy of Radio Arts (originalmente llamada Lorne Greene School of Broadcasting).
Greene falleció a la edad de 72 años por complicaciones de un cáncer de próstata en Santa Monica, California. Fue enterrado en el Hillside Memorial Park Cemetery en Culver City. Unas semanas antes de su muerte había sido asignado para aparecer en un revival de Bonanza.






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1994: 

Muere Jessica Tandy, actriz estadounidense (n. 1909).


Jessie Tandy (Hackney, Londres, 7 de junio de 1909 - Easton, Connecticut, 11 de septiembre de 1994) fue una actriz de teatro, cine y televisión británica, ganadora del premio Óscar a la mejor actriz en 1989 por Paseando a Miss Daisy. Además fue ella quien encarnó por primera vez, en 1948, el papel de Blanche DuBois en el drama de teatro Un tranvía llamado Deseo, por el cual ganó un premio Tony.

Índice

·         1Biografía
·         2Carrera
·         3Filmografía
·         4Teatro
·         5Premios

Biografía[editar]

Jessica Tandy nació en Londres en 1909 y fue educada en la Dame Alice Owen's School de Islington.
Estuvo casada dos veces: la primera, entre 1932 y 1942, con el actor británico Jack Hawkins con quien tuvo una hija, Susan Hawkins (nacida en 1934); la segunda, entre 1942 y hasta el día de su muerte, con el actor canadiense Hume Cronyn. De este matrimonio nacieron sus hijos, Christopher Cronyn y la actriz Tandy Cronyn.
En 1990, se le detectó un cáncer de ovario, contra el que combatió durante cuatro años, pero que al final acabó con su vida en 1994. A pesar de estar enferma, continuó trabajando hasta el último momento.

Carrera[editar]

Después de trabajar en el mundo de la interpretación durante 65 años, Tandy llegó al estrellato cinematográfico en sus últimos años, interpretando papeles en películas de grandes estudios y dramas intimistas.
Ya desde joven, Tandy tenía la determinación de dedicarse al mundo de la interpretación, y su primera actuación fue en 1926 en el teatro en Londres. Sobre las tablas, dio la réplica a actores de la talla de Sir Laurence Olivier en la obra de William Shakespeare Enrique V, o a Sir John Gielgud en El rey Lear.
Después de separarse de su primer marido se trasladó a Nueva York, donde conoció al que sería su segundo esposo Hume Cronyn, actor canadiense con el que compartió escenario y pantalla en múltiples ocasiones. En 1944 hizo su debut cinematográfico en Estados Unidos en la película The Seventh Cross, y apareció en películas como El valle del destino (1945), The Green Years (1946), en la que interpretaba a la hija del personaje interpretado por Cronyn, o Ambiciosa (1947). Después de ganar un premio Tony por la interpretación de Blanche DuBois en la producción original de la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo, se concentró en el teatro y sólo hizo apariciones esporádicas en películas como The Light in the Forest(1958) o la hoy mítica Los pájaros (1963) de Alfred Hitchcock.
El comienzo de los años 80 contempló el resurgir de la carrera de Tandy, con papeles en películas como El mundo según Garp, Amigos muy íntimos, Bajo sospecha (todas en 1982), Las bostonianas (1984), o el éxito Cocoon (1985), junto a su marido, con quien volvió a coincidir en Nuestros maravillosos aliados (1987) y Cocoon: El regreso (1988). En 1987 ganó un premio Emmy, por su papel en la película de televisión Foxfire. Sin embargo, el papel que la llevó a ocupar uno de los lugares de honor en la historia de Hollywood llegó en 1989. Ese año interpretó a Daisy Werthan, una testaruda anciana sureña judía en la película Conduciendo a Miss Daisy, que la hizo acreedora del Óscar a la mejor actriz. Ha sido la persona más longeva que ha ganado este premio, batiendo en casi un año la anterior marca que tenía en su poder el actor George Burns. Dos años más tarde consiguió una nueva nominación, esta vez en la categoría de mejor actriz de reparto, por su papel en Tomates verdes fritos (1991). Ese mismo año protagonizó Used People: romance otoñal (donde interpretaba a la madre judía de Shirley MacLaine) y coprotagonizó el telefilme The Story Lady (1991) junto a su hija en la vida real, Tandy Cronyn. Posteriormente, Ni un pelo de tonto (1994) y Camilla también en 1994, y en la que coincidió por última vez con su marido. Camilla fue su última interpretación, y fue tan audaz como para, a sus 84 años y sabiendo que se estaba muriendo, tener una breve escena desnuda.

Murió en su casa de Easton, Connecticut el 11 de septiembre de 1994, a la edad de 85 años debido a un cáncer de ovario.






2001: 

En Estados Unidos suceden los atentados del 11 de septiembre de 2001 en las Torres Gemelas (en Nueva York), a El Pentágono (en Washington) y a un avión (en Shanksville, Pensilvania), dejando 3016 muertos.


2002: 

Muere Kim Hunter, actriz estadounidense (nacida en 1922).

Kim Hunter (Detroit, Míchigan, 12 de noviembre de 1922-Nueva York, 11 de septiembre de 2002) fue una actriz estadounidenseganadora de un premio Óscar a la mejor actriz de reparto, y un premio Globo de Oro en la misma categoría, por su trabajo en el filme Un tranvía llamado deseo de Elia Kazan. Recordada también por su papel como la chimpancé Zira, en la serie El planeta de los simios.
Su nombre de nacimiento fue Janet Cole. Después de graduarse en el Miami High School consiguió una plaza en el Actor's Studio, donde tuvo como maestros a Lee Strasberg y Stella Adler. Debutó en Broadway en 1939 con la obra Penny Wise, y ocho años más tarde obtuvo un gran éxito interpretando el papel de Stella Kowalski en la obra Un tranvía llamado deseo.
Durante la década de 1940 llegó a realizar hasta una docena de pequeños papeles en el cine, en el cual había debutado con la película La séptima víctima (1943), de Mark Robson. En 1951 realizó la que sería la más importante interpretación de su carrera, la versión cinematográfica de Un tranvía llamado deseo (1951) de Elia Kazan, dirigida por el mismo Elia Kazan, el mismo con el que ya había trabajado en la versión teatral. Este papel le valió un premio Óscar a la mejor actriz de reparto, y un premio Globo de Oro en la misma categoría.
En la década de 1950 fue puesta en la lista negra de Hollywood, durante la época del Macarthismo por sospechas de simpatías con el comunismo.
Otros papeles importantes de su filmografía fueron: Deadline - U.S.A. (1952) de Richard Brooks, The young stranger (1957) de John Frankenheimer, El planeta de los simios (1968) de Franklin J. Schaffner, en el rol de la científica chimpancé Zira, papel que repetiría en dos secuelas, y El nadador (1968), de Frank Perry.
También participó en televisión, en series como Colombo, Bonanza, Ironside, Cannon y Misión Imposible, que la llevaron a ser uno de los rostros más populares de la pequeña pantalla. Durante esta época consiguió una nominación a los premios Emmy en 1980 por su papel de Nola Madison en The Edge of Night (1956-1984).
Ya en la década de 1990, sólo participó en unas pocas películas, donde realizó breves apariciones, como en Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) de Clint Eastwood, junto a Kevin Spacey, John Cusack y Jude Law, y en series menores, como en Abilene (1999) de Joe Camp III.
La actriz cuenta con dos estrellas en el Paseo de la fama de Hollywood; la primera en el 1617 de Vine Street y la segunda en el 1715 de la misma calle.
Falleció en Nueva York, el 11 de septiembre de 2002 a causa de un fallo cardíaco.






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2003: 

Muere John Ritter, actor estadounidense (nacido en 1948).

John Ritter (17 de septiembre de 1948 - 11 de septiembre de 2003) fue un actor estadounidense, que se dio a conocer primero en televisión y luego en el cine.
Un comediante nato fantástico, que daba profundidad a los papeles más cortos, se dio a conocer interpretando al protagonista masculino de la versión estadounidense de una serie de comedia (sitcom) británica de los años 1970, donde demostraba todo su talento en la comedia física (conocida como slapstick), pero al mismo tiempo le encasilló y le impidió que sus apariciones en el cine tuvieran el reconocimiento debido. Interpretó en la mayoría de sus personajes a hombres de buen corazón, bondadosos y desinteresados, aun cuando su registro le hubiera permitido papeles más variados.
Biografía
Su verdadero nombre era Jonathan Southworth Ritter. Nació en Burbank, California, siendo hijo del cantante y actor country Tex Ritter y la actriz Dorothy Fay.
Ritter cursó estudios en la Hollywood High School, donde fue el Presidente del Consejo Estudiantil. En la Universidad del Sur de California, obtuvo los grados de psicología y arquitectura. Sin terminar psicología y arquitectura, cuando cursaba su tercer año, tomó unas clases de drama. Tras estudiar dos años en la Universidad, empezó a asistir a clases de actuación a instancias de la actriz Nina Foch. Ritter cambió su título a Artes Dramáticas, graduándose en 1971 como Bachiller en Artes, con grado en actuación. Más tarde estudiaría teatro con dos conocidos actores de comedia. Después de Nina Foch, estudió actuación con Stella Adler, en la Escuela de Comedia de Harver Lembeck.
En 1977 se casó con la actriz Nancy Morgan. La unión duró hasta 1996 y juntos tuvieron tres hijos (Carly, Tyler y Jason|Jason]], este último también actor).
El 18 de septiembre de 1999 se casó con la actriz Amy Yasbeck, con la que tuvo sólo una hija (Stella). Estuvieron juntos hasta su fatal desenlace.







2004:

 Muere Fred Ebb,  letrista estadounidense de musicales,


Fred Ebb (Nueva York, 8 de abril de 1928-ídem, 11 de septiembre de 2004) fue un letrista estadounidense de musicales, que tuvo muchos grandes éxitos en colaboración con el compositor John Kander; juntos firmaron la mayoría de las canciones que cantaría Liza Minnelli y Chita Rivera.
Algunas de las obras más prestigiosas en las que colaboró son Cabaret (1966) —que posteriormente se hizo una película en 1972— y Chicago (1975), también adaptado al cine en 2002.1​2​



2011:

Muere Andy Whitfield, actor galés.


Andy Whitfield (Amlwch; 17 de octubre de 1971 - Sídney; 11 de septiembre de 2011) fue un actor galés que realizó sus primeros trabajos en la televisión australiana. Fue conocido mundialmente al protagonizar la primera temporada de Espartaco: sangre y arena en el rol de Espartaco. Hijo de Robert y Pat Redfield, nació en Amlwch, Gales. Estaba casado con Vashti Whitfield y tuvo dos hijos. Murió el 11 de septiembre de 2011 por un linfoma no-Hodgkin (cáncer).

Índice

·         1Biografía
·         2Filmografía
·         3Notas y referencias
·         4Enlaces externos

Biografía[editar]

Whitfield nació en Amlwch (Gales) el 17 de octubre de 1971. Más tarde se mudó a Australia en 1999 donde trabajó como ingeniero antes de convertirse en actor. Apareció en varias series de televisión australianas, tales como Opening Up, All Saints, The Strip, Packed to the Rafters y Las hermanas McLeod. Obtuvo su primer papel protagonista en la película de ciencia ficción Gabriel. También apareció en el thriller australiano The Clinic.
En 2010 protagonizó la serie de televisión Spartacus: Blood and Sand, filmada en Nueva Zelanda, en el papel de Espartaco, un soldado condenado a luchar como gladiador y que finalmente lidera una rebelión contra los romanos. Por este papel obtuvo muy buenas críticas y la fama internacional.
En marzo de 2010 le diagnosticaron un linfoma no-Hodgkin, comenzando su tratamiento de inmediato en Nueva Zelanda. Esto retrasó la producción de la segunda temporada de la serie. Finalmente, dado el tratamiento de Whitfield, la producción decidió realizar una precuela (denominada Spartacus: Gods of the arena) a la espera de que el actor pudiese volver al rol de Espartaco. En junio del mismo año se anunció que Whitfield había finalizado completamente su tratamiento y, gozando de buena salud, se esperaba que regresase en octubre al set de filmación de la segunda temporada de Spartacus: Blood and Sand, titulada Espartaco: Venganza, Spartacus: Vengeance.
En septiembre de 2010, sin embargo, se informó que por complicaciones con su cáncer no volvería a encarnar a Espartaco, ya que se había visto obligado a abandonar la serie para dedicarse por completo a su recuperación, al iniciar por segunda vez un tratamiento agresivo. El papel del protagonista en la segunda temporada titulada Espartaco: Venganza (Spartacus: Vengeance), fue asignado a Liam McIntyre. Andy entabló conversaciones con Liam e incluso le dio su bendición para interpretar el papel del gladiador tracio.
Whitfield se enfrentó a complicaciones de su enfermedad y tras 18 meses de lucha, finalmente falleció el domingo 11 de septiembre de 2011 en Sídney, Australia, a los 39 años de edad.
Durante su tratamiento, Andy decidió, junto a su mujer Vashti, filmar un documental muy personal basado en el día a día en su lucha contra el cáncer que padecía. Dirigido por Lilibet Foster, trata sobre vivir el presente intensamente. Andy y Vashti Whitfield se tatuaron Be Here Now cada uno en su brazo y de ahí el título.
Andy empezó a darse cuenta de la falta de información sobre el tratamiento, de los efectos secundarios y del enorme sentimiento de soledad en que se veían inmersos tanto él como su mujer, Vashti. Fue entonces cuando decidió llamar a una gran amiga, Lilibet Foster, e invitarla a seguirle a él y a su familia en lo que sería el último rodaje de su vida. Durante un año las cámaras de vídeo siguieron los pasos de los Whitfield con el único objetivo de compartir estos momentos con otros tantos que, como él, se ven inmersos de una u otra forma en las mismas dudas, miedos, esperanzas... Andy abrió la puerta de su casa a miles de personas de una manera generosa y desinteresada.
"El documental verá la luz porque Andy no tenía problema en reconocer que estaba aterrorizado, o llorar delante de una cámara", desvela Lilibet Foster. Un mensaje que apoya su viuda, Vashti: "Hicimos diarios en vídeo. Tenemos un hombre llorando, 'Estoy aterrorizado, me voy a morir y tengo que dejar a mis hijos'.. Aunque Andy también decía que sólo tienes una vida, y debes hacer que cuente".
"Andy nunca flaqueó, ni una sola vez, a pesar de que el tratamiento fue muy duro y algunas de las experiencias fueron muy duras. Él estaba muy comprometido con el proyecto y sabía lo importante que era, porque decía que esto iba a ser útil e inspiraría a otras personas, y a su vez, le inspiró a él". Agrega Sam Maydew, productor.

El documental termina cerca de dos semanas antes de la muerte de Whitfield el 11 de septiembre de 2011, y su muerte está narrada a través de Vashti, de cómo Andy se despidió. "Es muy duro pero a la vez es muy hermoso, el documental es inspirador y edificante, no sólo trata sobre la lucha de un hombre contra una enfermedad terminal, sino también sobre la que es una historia de amor increíble entre él y su esposa." dice Lilibet Foster.





2022:

Muere

Javier Marías Franco (Madrid, 20 de septiembre de 1951-ibidem, 11 de septiembre de 2022)2​ fue un escritor, traductor y editor español, miembro de número de la Real Academia Española desde 2008, donde ocupó el sillón «R».3​

Biografía[editar]

Javier (o Xavier)4​ era el cuarto de los cinco hijos5​ del filósofo y miembro de la Real Academia Española Julián Marías y la escritora Dolores Franco Manera, y hermano del historiador del arte Fernando Marías Franco y del crítico de cine y economista Miguel Marías.6​ Además, era sobrino del cineasta Jesús Franco (también conocido como "Jess Franco") y primo de Ricardo Franco.7​

Pasó parte de su infancia junto con su familia en Estados Unidos,8​ ya que a su padre, encarcelado y represaliado por ser republicano, se le prohibió, tras salir en libertad, impartir clases en la universidad española, por lo que entre 1948 y 1950 colaboró con José Ortega y Gasset en la creación del Instituto de Humanidades; desde 1951 Julián Marías dio clases en universidades norteamericanas y en 1964, una vez rehabilitado su prestigio público, ingresó en la Real Academia Española.9​

Javier Marías recibió una sólida educación liberal en el Colegio Estudio, heredero de la Institución Libre de Enseñanza, fundado por Ángeles Gasset, Jimena Menéndez Pidal y Carmen García del Diestro.10​ Se licenció en Filosofía y Letras (rama de Filología inglesa) por la Universidad Complutense de Madrid.11​

Sobrino y primo, respectivamente, de los cineastas Jesús Franco y Ricardo Franco, colaboró con ellos en su juventud traduciendo o escribiendo guiones, e incluso apareciendo como extra en algún largometraje.12​13​

En 1970 escribió su primera novela, Los dominios del lobo, que saldría al año siguiente. Entre la escritura de la obra y su publicación, conoció a Juan Benet,8​ al que le uniría a partir de entonces una gran amistad y que fue una figura clave en su vida personal y literaria.14​

En 1972 publicó Travesía del horizonte, y en 1978 El monarca del tiempo. Ese mismo año apareció su traducción de la novela de Laurence Sterne La vida y opiniones del caballero Tristram Shandy, por la que le fue concedido al año siguiente el Premio de traducción Fray Luis de León.15​ En 1983 salió su cuarta novela, El siglo.

Entre 1983 y 1985 impartió clases de Literatura Española y Teoría de la Traducción en la Universidad de Oxford. En 1984 lo haría en el Wellesley College y entre 1987 y 1992 en la Complutense de Madrid.8​

El hombre sentimental aparece en 1986 y, dos años más tarde, Todas las almas, obra esta última que narra la historia de un profesor español que imparte clases en Oxford, lo que dio lugar a que el narrador fuera identificado como Marías.16​ Los protagonistas de sus novelas escritas desde 1986 son intérpretes o traductores, "personas que han renunciado a sus propias voces", en palabras de Marías.17​

En 1990 salió su primera recopilación de relatos breves, Mientras ellas duermen, y en 1991, la primera de artículos periodísticos, Pasiones pasadas. En años sucesivos aparecieron nuevos volúmenes recopilando su obra publicada en prensa y revistas.18​

Corazón tan blanco (1992), en la que se mezclan novela y ensayo, tuvo un gran éxito tanto de público como de crítica, convirtiéndose en uno de los puntos de referencia del denominado Hibridismo genérico, y supuso su consagración como escritor.[cita requerida] Fue traducida a decenas de lenguas, y el crítico alemán Marcel Reich-Ranicki mencionó a Marías como uno de los más importantes autores vivos de todo el mundo.19​

Su siguiente novela, publicada en 1994, Mañana en la batalla piensa en mí (título tomado de un verso de Shakespeare, al igual que Corazón tan blanco), recibió importantes premios en Europa y América, como el Rómulo Gallegos (fue la primera vez que este galardón fue otorgado a un español)20​ y el Fastenrath, de la Real Academia Española, por citar solo dos.21​ El protagonista es un negro literario.22​

En 1998 apareció Negra espalda del tiempo, novela en la que Javier Marías detalla los cruces entre ficción y vida real producidos por la falsa interpretación de Todas las almas como un roman à clef. Es también en esta obra donde se cuenta la historia del "legendario, real y ficticio" Reino de Redonda, del que Marías se acababa de convertir en soberano, con el nombre de Xavier I, tras la abdicación de Jon Wynne-Tyson.23​ Con evidente tono lúdico, Marías (pese a su republicanismo confeso) aceptó el título con el objeto de defender el legado literario del Reino, nombró una corte formada por personajes de la cultura nacional e internacional y convocó un premio anual. En 2000 creó la editorial Reino de Redonda.24​25​

En 2002 comenzó a publicar la que podría calificarse como su novela más ambiciosa, Tu rostro mañana. Aunque de lectura independiente, continúa con algunos de los personajes (en particular, el narrador) de Todas las almas. Debido a su extensión, más de 1500 páginas, el autor decidió publicarla en tres tomos (Fiebre y lanza, 2002; Baile y sueño, 2004; y Veneno y sombra y adiós, 2007).26​

En 2011 publicó Los enamoramientos,27​ novela con una trama en parte detectivesca, pero que plantea problemas filosóficos, éticos. La historia está relatada en primera persona por María, la protagonista que trabaja en una editorial, y es la primera vez en que Marías utiliza una narradora (antes solo había escrito un relato corto desde la perspectiva femenina).28​ Salida en abril, a octubre de 2011 la novela había sido traducida ya a 18 idiomas y la edición de Alfaguara había vendido más de 100.000 ejemplares.29​ La novela no solo tuvo un gran éxito de público, sino también de crítica: fue elegida libro del año 2011 por el suplemento cultural Babelia de El País.30​

En 2012, Marías fue galardonado con el Premio Nacional de Narrativa español. Este galardón lo concede el Ministerio de Cultura de ese país. Marías rechazó el premio y aseguró que agradecía "la gentileza del jurado" y que esperaba que no se tomara su postura "como un feo":

Estoy siendo coherente con lo que siempre he dicho, que nunca recibiría un premio institucional. Si hubiera estado el PSOE en el poder hubiera hecho lo mismo... He rechazado toda remuneración que procediera del erario público. He dicho en no pocas ocasiones que en el caso de que se me concediera no podría aceptar premio alguno.31​
Javier Marías, octubre de 2012

Marías reunió, en 2012, en un volumen titulado Mala índole (nombre de un cuento largo que había publicado, por entregas, en el diario El País en 1996 y dos años más tarde en libro aparte) los relatos que consideraba que podían ser reeditados. Al respecto, explicó: “Dado lo poco que he frecuentado el noble arte del cuento en los últimos tiempos, es posible que ya no escriba más y que lo que aquí se ofrece acabe siendo la totalidad aceptada y aceptable de mi contribución al género”.32​ Esta antología contiene los 26 relatos ya incluidos en sus anteriores libros de cuentos —Mientras ellas duermen y Cuando fui mortal— más cuatro escritos después de que esas recopilaciones fueron publicadas.32​

Sus obras han sido traducidas a 40 idiomas y publicadas en 50 países.29​ El prestigioso sello inglés Penguin ha decidido incorporar siete libros de Marías —cinco novelas, un libro de relatos y otro de ensayos— a su colección de Modern Classics (el acuerdo correspondiente se cerró en la Feria del Libro de Fráncfort 2011), con lo que este novelista pasa a ser el sexto escritor en lengua española incluido en ese selecto club después de Jorge Luis Borges, Federico García Lorca, Gabriel García Márquez, Pablo Neruda y Octavio Paz.29​

Falleció en Madrid el 11 de septiembre de 2022 debido a una neumonía bilateral provocada por la covid.1​
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