Evocando a los personajes de la Iglesia, de la Literatura, del Cine, de la música y la tv que nacieron y o murieron un día como hoy...
miércoles, 25 de septiembre de 2024
Un día como hoy 26 de septiembre
El 26 de septiembre es el 269.º (ducentésimo sexagésimo
noveno) día del año en el calendario gregoriano y el 270.º en los años
bisiestos. Quedan 96 días para
finalizar el año. Podcast 2019
Cosme y Damián (del griego Κοσμάς
y Δαμιανός) fueron dos hermanos médicoscristianos,
célebres por su habilidad en el ejercicio de su profesión y por su costumbre de
prestar servicios desinteresadamente.1
Los dos hermanos fueron torturados, quemados vivos y, como sobrevivieron,
fueron decapitados por orden de Diocleciano hacia
el año 300 d. C. La devoción a los dos hermanos fue una de las más
extendidas a partir de la segunda mitad del siglo IV, en tanto que en el siglo
siguiente Teodoreto de Ciro refiere
noticias de su martirio y de su culto.
La festividad de Cosme y Damián se celebra el 26 de
septiembre. Cosme significa en griego "adornado, bien presentado",
y Damián "domador de sí mismo". Se los considera patronos de
los médicos en general (junto con Lucas el Evangelista)2
y de los cirujanos en particular, de los farmacéuticos (junto con Santiago
el Mayor), y de los barberos (junto con Catalina de Alejandría y Martín de Porres.
Nació en el seno de una familia hidalga del muy antiguo
linaje de Feijoo, en el pazo de
Casdemiro, parroquia de Santa María de Melias, a las riberas del río
Miño y un poco más abajo de su unión con su afluente, el Sil.
Sus padres fueron don Antonio Feijoo Montenegro y Sanjurjo y
doña María de Puga Sandoval Novoa y Feijoo. Cursó sus estudios primarios en
el Real Colegio de San
Esteban de Ribas de Sil,1
en el municipio de Nogueira de Ramuín. En 1688, a
los doce años, ingresó en la Orden
Benedictina en el monasterio de San
Julián de Samos, cuando era su abad fray Anselmo de la Peña,
quien sería después general de su congregación en España y Arzobispo de Otranto (Reino
de Nápoles).
Convertirse en monje benedictino le supuso voto de pobreza y,
por tanto, renunciar a sus derechos como mayorazgode
su casa. Desde entonces se consagró al estudio, llegando a ser nombrado
"maestro general" en su orden, y dio clases en distintos lugares
de Galicia,
de León y de Salamanca, en
cuya Universidad estudió
también. Ganó por oposición una cátedra
de Teología en
la Universidad de Oviedo y
allí residió desde 1709 hasta el fin de sus días, consagrado al
estudio, a la enseñanza, a la composición y defensa de sus obras (que
levantaron gran polvareda en cuanto a detractores y seguidores desde que en
1726 salió el primer tomo de su Teatro Crítico) y a sostener un caudaloso
epistolario, bien con otros eruditos y científicos de su propia orden, como
fray Martín Sarmiento, o con sabios
y escritores de toda España, Europa y América. Sus obras principales, el Teatro
crítico universal y las Cartas eruditas y curiosas, fueron
probablemente las obras más impresas y leídas en la España del siglo XVIII, de
suerte que bien pudo desechar todo argumento de autoridad y
proclamar con orgullo:
Yo, ciudadano libre de la República de las Letras, ni esclavo
de Aristóteles ni aliado de sus enemigos, escucharé siempre con preferencia a
toda autoridad privada lo que me dictaren la experiencia y la razón.
En los últimos años de su vida fue atacado por la sordera y
una extrema debilidad en las piernas obligaba a traerlo a los oficios del coro
en silla de ruedas; falleció en su colegio
de San Vicente de Oviedo el 26 de septiembre de 1764, a los
ochenta y siete años, once meses y dieciocho días, y está enterrado en la iglesia de Santa María
de la Corte (Oviedo).
La Sociedad
Económica de Sevilla lo incluyó entre sus socios
numerarios; Fernando VI le dio el
título de consejero real en prenda de su estima y Carlos III le regaló por
la misma razón un ejemplar de Las antigüedades de Herculano. El papa Benedicto
XIV y el cardenal Quirini hicieron de él
grandes elogios y fue por muchos escritores y sabios respetado y agasajado.
Se considera a Feijoo el introductor del género
ensayístico en la literatura española, así como
uno de los más famosos miembros (junto con Mayans)
de la que es considerada la Primera Ilustración Española (desde 1737 hasta
poco después de la muerte de Fernando
VI), tras una primera etapa de pre-ilustración representada por
los novatores:
un grupo constituido fundamentalmente por médicos y cuyas obras se
reimprimieron sin pausa a lo largo de todo el siglo
XVIII.
(Ivan Petrovich Pavlov; Riazán, actual Rusia, 1849 -
Leningrado, hoy San Petersburgo, id., 1936) Fisiólogo ruso. Hijo de un pope
ortodoxo, Ivan Pavlov cursó estudios de teología, que abandonó para ingresar en
la Universidad de San Petersburgo y estudiar medicina y química. Una vez
doctorado, amplió sus conocimientos en Alemania, donde se especializó en
fisiología intestinal y en el sistema circulatorio. En 1890 sentó plaza de
profesor de fisiología en la Academia Médica Imperial.
Al mismo tiempo dirigía los laboratorios del Instituto de
Medicina experimental, en los cuales trabajó más de cuarenta y cinco años en
diversas investigaciones, entre las que resultarían célebres las que se
referían al aparato digestivo y a los reflejos condicionados. Muy joven aún, le
causó viva impresión la obra de Sechenov sobre los reflejos cerebrales, y
empezó sus trabajos acerca de la inervación cardiaca y sobre la autorregulación
de la presión sanguínea.
A partir de 1888 se consagró al estudio de las funciones
digestivas. Ivan Pavlov creó y perfeccionó técnicas fisiológicas asombrosas en
su época, y pudo, gracias al método de la "experimentación crónica",
llevar a cabo importantes investigaciones sobre el páncreas, el hígado y las
glándulas salivales. Pero las más notables fueron las concernientes a la
actividad secretora del estómago, para lo cual aisló una parte de este órgano
("el pequeño estómago de Pavlov"); tales investigaciones representan
una de las más importantes conquistas científicas del siglo XIX y valieron a
Pavlov el premio Nobel en 1904.
Pavlov es conocido, sobre todo, por la formulación de la ley
del reflejo condicionado, que desarrolló después de advertir que la salivación
de los perros que utilizaba en sus experimentos podía ser resultado de una
actividad psíquica. Al tal efecto realizó el famoso experimento consistente en
tañer una campana inmediatamente antes de dar el alimento a un perro. Tras
repetir tal acción durante varios días, se observaba que, cuando el animal
estaba hambriento, empezaba a salivar en cuanto oía el sonido de la campana,
aunque no se le diese ningún alimento.
Al permitir un análisis psíquico del animal, es decir, al
estudiar su capacidad de diferenciar los estímulos y de responder a ellos,
Pavlov abrió nuevos caminos a la psicología, a la psiquiatría e inclusive la
pedagogía, ya que pudo considerarse toda forma de educación como esencialmente
basada en la formación de los reflejos condicionados. Se elaboraron así teorías
en que el proceso de aprendizaje y del conocimiento eran el resultado de una
multitud de reflejos condicionados a lo largo de la vida.
Estas tesis se extendieron con rapidez en Estados Unidos,
abriendo una profunda brecha con la concepción freudiana de la voluntad. La
visión fisiológica de la psicología había sido ya iniciada por el filósofo
alemán Ernst
Heinrich Weber en la primera mitad del siglo XIX, con los ensayos que
analizaban las respuestas humanas a su entorno y la interpretación de sus
propias impresiones sensoriales recogidas en la llamada ley de Weber, relativa
a la existencia de un umbral absoluto y a una respuesta logarítmica en el caso
de las sensaciones.
La guerra civil y el advenimiento del comunismo no interfirieron
en sus investigaciones. A pesar de no ser afecto al nuevo régimen, los
comunistas, que valoraban su talla como científico, no lo represaliaron como a
tantos otros que, como él, habían mostrado su rechazo a los métodos del
gobierno. En una ocasión llegó a declarar: «Por este experimento social que
estáis realizando, yo no sacrificaría los cuartos traseros de una rana.»
Los comunistas no dudaron en aplicar la teoría del reflejo
condicionado de Pavlov a fines que su descubridor nunca hubiese podido imaginar:
el condicionamiento de seres humanos, efectuado en el sistema carcelario
soviético. En los años treinta, Pavlov volvió a significarse al anunciar el
principio según el cual la función del lenguaje humano es resultado de una
cadena de reflejos condicionados que contendrían palabras.
**********
1888:
Nace T. S. Eliot, poeta, dramaturgo escritor y editor
británico-estadounidense, premio nobel de literatura en 1948 (fallecido en 1965).
Thomas Stearns Eliot, conocido como T. S. Eliot (San
Luis, Misuri; 26
de septiembre de 1888 - Londres;
de enero de 1965) fue un poeta, dramaturgo y crítico literariobritánico-estadounidense.
Representó una de las cumbres de la poesía en lengua
inglesa del siglo
XX. Según José María Valverde, en
efecto, «la publicación de The Waste Land, convierte a T. S. Eliot en la
figura central de la vida poética en lengua inglesa. [...] La crítica saludó el
complejo y oscuro poema [...] como símbolo de una época de desintegración, que
trataba desesperadamente de poner algún orden en el creciente caos aplicando
mitologías y formas heredadas del pasado».
Eliot nació en los Estados
Unidos y se trasladó al Reino
Unido en 1914, con 25 años. Se hizo ciudadano británico en
1927, con 39. Acerca de su nacionalidad y del papel de ésta en su trabajo,
afirmó: «[Mi poesía] no hubiese sido la misma si hubiese nacido en Inglaterra,
y tampoco si hubiese permanecido en Estados Unidos. Es una combinación de
cosas. Pero en sus fuentes, en sus corrientes emocionales, viene de Estados
Unidos».
El crítico Edmund
Wilson afirmó de Eliot: «Es uno de nuestros auténticos poetas
únicos».
En 1948 le fue concedido el Premio Nobel de
Literatura «por su contribución sobresaliente y pionera a la
poesía moderna»
(Messkirch, Alemania, 1889 - Todtnauhaberg, actual Alemania,
1976) Filósofo alemán. Discípulo de Edmund
Husserl, su indiscutible preminencia dentro de la filosofía
continental se ha visto marcada siempre por la polémica, sobre todo la de su
adhesión al régimen nacionalsocialista, manifestada en el discurso que
pronunció en la toma de posesión de la cátedra en la Universidad de Friburgo
(1933).
La renuncia a la cátedra, muy poco después de ocuparla, no
evitó que en 1945 fuera destituido como docente en Friburgo, tras la ocupación
de Alemania por los aliados. Sólo en el año 1952 se reincorporó, si bien su
actividad académica fue ya mucho menos constante. Aunque recibió de algunos de
sus discípulos, como Herbert
Marcuse, la sugerencia insistente de que se retractara públicamente
de su discurso de 1933, el filósofo desestimó el consejo y nunca quiso dar
explicaciones.
Si bien para algunos es imposible abordar su obra sin
reservas, la mayoría de filósofos y estudiosos actuales prefieren tomar el
trabajo de Heidegger en su sentido estrictamente filosófico, que no resulta
menos controvertido. Desde la filosofía analítica, su obra ha sido criticada
con dureza, sobre todo por Rudolf
Carnap. Pero el pensamiento heideggeriano también ha suscitado
adhesiones entusiastas: así, la filosofía francesa de las décadas de 1960 y
1970 (Jacques
Derrida, Emmanuel
Levinas, Paul Ricoeur) admiró la capacidad de precisión de su
lenguaje, así como su aportación al discurso humanístico.
La obra de Heidegger suele entenderse como separada en dos
períodos distintos. El primero viene marcado por Ser y tiempo, obra que,
pese a quedar incompleta, plantea buena parte de las ideas centrales de todo su
pensamiento. En ella, el autor parte del presupuesto de que la tarea de la
filosofía consiste en determinar plena y completamente el sentido del ser, no
de los entes, entendiendo por «ser» (aunque la definición de este concepto
ocupa toda la obra del autor, y es en cierto sentido imposible), en general,
aquello que instala y mantiene a los entes concretos en la existencia.
En la comprensión heideggeriana, el hombre es el ente
privilegiado al que interrogar por el ser, pues sólo a él «le va» su propio
ser, es decir, mantiene una específica relación de reconocimiento con él. La
forma específica de ser que corresponde al hombre es el «Ser-ahí» (Dasein), en
cuanto se halla en cada caso abocado al mundo, lo cual define al «ser-ahí» como
«Ser-en-el-mundo». La distinción de la filosofía moderna, desde Descartes,
entre un sujeto encerrado en sí mismo que se enfrenta a un mundo totalmente
ajeno es inconsistente para Heidegger: el ser del hombre se define por su
relación con el mundo, que es además práctica («ser a-la-mano») antes que
teórica («ser ante-los-ojos»).
Estas categorías le sirven para comprender por dónde pasa la
diferencia entre una vida auténtica, que reconozca el carácter de «caída» que
tiene la existencia, es decir, la imposibilidad de dominar su fundamento (el
ser), y una vida inauténtica o enajenada, que olvide el ser en nombre de los entes
concretos. La dimensión temporal del ser, en cuanto proyecto del «ser-ahí» y
enfrentamiento a la muerte (el ser-ahí es también «ser-para-la-muerte»), sería
el otro gran olvido de la filosofía clásica. El esfuerzo de Heidegger por
pensar el ser como relación de los entes en el tiempo está en la base del
posterior movimiento hermenéutico.
En la segunda etapa de su pensamiento, el filósofo estudia la
historia de la metafísica como proceso de olvido del ser, desde Platón, y como
caída inevitable en el nihilismo (cuando se piensa el ente tan sólo, éste
termina por aparecer vacío). En sus últimas obras, realiza un acercamiento al
arte como lugar privilegiado donde se hace presente el ser. Para Heidegger, se
hace también necesario rehabilitar los saberes teórico-humanísticos, a fin de
mostrar que lo que constituye a todo hombre en cuanto tal no es su capacidad
material de alterar el entorno, sino la posibilidad que tiene de hacer el mundo
habitable: el hombre debe comprender que no es «el señor del ente sino el pastor
del ser» y que «el lenguaje es la casa del ser». Antes que la técnica, el
lenguaje, y en general la conciencia (la capacidad de interrogarse del Dasein),
son los dos elementos que constituyen al hombre en cuanto existente o, lo que
es lo mismo, en cuanto hombre.
Entre 1922 y 1954 trabajó en la secretaría de Estado de la Santa
Sede. Durante su estadía allí, Montini junto a Domenico
Tardini fueron considerados como los más cercanos e influyentes
colaboradores del papa Pío XII, quien en 1954 lo
nombró arzobispo de Milán, la diócesis más grande
de Italia,
por lo que se convertía automáticamente en secretario de la Conferencia
Episcopal italiana. Allí fue conocido pronto como el «arzobispo de los pobres»,
por su amistad con los trabajadores de las fábricas a los que visitaba. Juan
XXIII lo elevó al cardenalato en 1958, y después de la
muerte de Juan XXIII, Montini fue considerado uno de los más probables
sucesores.
Tomó el nombre de Pablo para indicar su misión renovadora en
todo el mundo de la difusión del mensaje de Cristo. Reabrió el
Concilio Vaticano II, dándole prioridad y dirección. Después de que el Concilio
hubiera finalizado su labor, Pablo VI se hizo cargo de la interpretación y
aplicación de sus mandatos, a menudo caminando por una delgada línea entre las
expectativas contrapuestas de los distintos grupos dentro de la Iglesia
católica. La magnitud y la profundidad de las reformas afectaron a todas las
áreas de la Iglesia, superando durante su pontificado las políticas similares
de reforma de sus predecesores y sucesores.
Pablo VI fue un gran devoto mariano, por lo que constantemente habló en
congresos marianos y reuniones mariológicas,
visitó varios santuarios y publicó tres encíclicas marianas. Citando a las
enseñanzas de Ambrosio de Milán, nombró a María como la Madre de la Iglesia durante el Concilio
Vaticano II. Pablo VI buscó el diálogo con el mundo, con otros cristianos,
otras religiones y ateos, sin excluir a nadie. Se vio como un humilde servidor
de la humanidad y exigió cambios significativos de los acaudalados de Estados
Unidos y Europa a favor de los pobres en el Tercer
Mundo.
Sus posiciones sobre el control de la natalidad (véase Humanae
vitae) y otros temas fueron controvertidos en Europa
Occidental y América del Norte, pero fueron aplaudidos
en Europa Oriental y América
Latina. Durante su pontificado se llevaron a cabo muchos cambios en el
mundo, revueltas estudiantiles, la guerra
de Vietnam y otros trastornos mundiales. Pablo VI trató de entenderlos
a todos, pero al mismo tiempo, de defender el «depósito de la fe», que se le
había confiado.
De entre los cardenales que creó, tres llegarían a ser sus
sucesores como papa: Karol Wojtyła el 26 de junio de 1967, quién tomaría el
nombre de Juan Pablo II el 16 de octubre de 1978; Albino
Luciani el 15 de agosto de 1973, quien se convertiría en Juan
Pablo I el 26 de agosto de 1978; y Joseph Ratzinger el 27 de junio de
1977, electo papa el 19 de abril de 2005 bajo el nombre de Benedicto
XVI.
Nilo Menéndez Barnet. Destacado
compositor y pianista cubano. Director de orquesta. Autor del conocido
bolero Aquellos ojos verdes. Durante su estancia de
63 años en EE. UU. escribió música para varias películas entre las que se
encuentran “Aquellos ojos verdes”, interpretada por Nat King Cole, The Platters,
las orquestas de Percy Faith y Ray Conniff,
y Antonio Machín.
«...La pieza —que resultó un
éxito mundial— presenta características que es preciso analizar, y éstas son el
empleo de notas que definen determinados incisos o frases melódicas, que no
corresponden —como ocurría en el bolero tradicional— con las que integran el acorde de
tríada sencillo (acorde natural, mayor o menor, de tres sonidos), sino que
vienen a ser agregaciones complementarias de la tónica (sexta añadida, séptima
y novena mayores), mientras que en la dominante esas notas se hallan por encima
de la novena. La innovación aparecida en esta obra fue resultado de la
influencia recibida del impresionismo musical francés, que había pasado a
los Estados Unidos de Norteamérica cabalgando en las sonoridades
negro-blancas del jazz.
El manejo pragmático de estos recursos por los músicos norteamericanos —que, en
su mayor parte, habían visitado a Francia en condición de oficiales, clases y soldados
durante la Primera Guerra Mundial—, fue la pauta
seguida por Nilo Menéndez para la realización de Aquellos ojos verdes, y a
partir de su triunfo se hizo usual que en las melodías de nuestras canciones
—y, de forma esporádica, en la armonía— aparecieran elementos del impresionismo
[...].»
A mediados de la década del
50, compuso el ballet Tu antifaz, dedicado a la bailarina Alicia Alonso,
en el cual «su música está preñada de dulzura y dinamismo en el baile», según
expresó el propio compositor.
Muerte
Nilo se mantuvo más de seis
décadas en EE.UU. Falleció el 15 de
septiembre de 1987,
en California, y según informaciones de sus investigadores, su último deseo,
fue que sus restos se sepultaran en Cuba, aspiración cumplida el 11 de
diciembre de 1990.
Sus cenizas actualmente descansan en el Cementerio de Colón.
Luis Carlos González
Mejía .Fue un gran representante de la cultura paisa. Algunos de sus
muchos poemas como La ruana, Antioqueñita y Caminos de Caldas fueron
musicalizados por destacados compositores nacionales.
Luis Carlos González Mejía
nació en Pereira el 26 de septiembre de
1908 en el hogar de Florentino González Mejía y Ana Francisca Mejía Jaramillo y
desde sus primeros años inició su afición por hacer versos pero nunca aceptó
que se le llamara poeta.
Hizo estudios hasta cuarto
de bachillerato, pero fue un completo autodidacta que se desempeñó desde
barrendero de la Personería Municipal hasta gerente de las Empresas Públicas de
su natal Pereira.
Después de su primer
bambuco, “Vecinita”, compuesto en 1940 en homenaje a una hermosa muchacha pereirana vecina
del poeta, fueron musicalizados muchos de sus versos, los cuales se han
convertido en reliquias auténticas de nuestra música colombiana en la
actualidad. Los poemas de Luis Carlos González fueron musicalizados por grandes
compositores y de manera muy especial por Enrique Figueroa y José Macías, los
cuales fueron un éxito. Luego, para el año 1946, publica su primer libro de
poesía llamado “Sibaté”.
Distinciones
La Estrella de Oro de la
Gobernación de Antioquia,
La Cruz de los Fundadores
de la Alcaldía de Pereira,
La Gran Cruz del
Departamento de Risaralda,
La Cruz de San Carlos del
Congreso Nacional y
La Gran Cruz de Boyacá de
la Presidencia de la República.
Muerte
Por una inmensa ironía de
la vida, Luis Carlos González, el inmortal poeta que siempre manifestó su
desagrado por los homenajes, murió en Pereira el 17 de agosto de 1985 en
momentos en que recibía el posterero, de parte del Banco de la República, a la
edad de 77 años, en medio del dolor de una ciudad que siempre lo admiró y
consideró como su hijo predilecto.
Su primer papel protagonista fue en la película de suspense El síndrome de China [The China Syndrome] (1979) junto a Jane Fonda, Jack Lemmon y Michael Douglas, interpretando a Evan McCormick, el corrupto presidente de la compañía de gas y electricidad de California, un papel que le dio a conocer fuera de Estados Unidos. Según los datos de la Internet Movie Database, tenía rasgos faciales similares al actor Karl Malden y a menudo era confundido con él.
Era conocido por su papel en la serie de ciencia ficciónV de la cadena NBC (1983), en la segunda temporada —La batalla final (1984)—, interpretó a John, el comandante supremo de los Visitantes.
Otros papeles principales del mismo género incluyeron participaciones recurrentes en la serie de NBC SeaQuest DSV como el almirante Noyce, y en Star Trek: Voyager como almirante Owen Paris, el padre de Tom Paris. Tuvo dos apariciones como invitado especial en Quantum Leap (1989 y 1993), y en una serie para niños fue el capitán Galaxy —Moe Stein—, un viajero del tiempo. Ha aparecido en varias convenciones de fanes debido a sus papeles en series de ciencia ficción.
Falleció a los ochenta y siete años el 26 de mayo de 2020 en su domicilio en Los Ángeles a causa de un cáncer.23
1938:
Nace José Miguel Class, cantante
puertorriqueño, (“El Gallito de Manatí”), cantante y Compositor. (fallecido en 2017).
FECHA DE NACIMIENTO: 26 de septiembre de 1938
LUGAR DE NACIMIENTO: Manatí, Puerto Rico
FALLECIMIENTO: 13 de abril de 2017
"El Gallito de Manatí", cuyo verdadero nombre es
José Miguel Class, nació y se crió cantando décimas en el barrio Pugnado en
Manatí, la Atenas de Puerto Rico. A la edad de nueve años quedó huérfano de
madre y junto a su padre se trasladó a San Juan, donde cursó estudios en la
escuela Padre Rufo, mientras en sus ratos libres vendía el periódico El
Imparcial y continuaba componiendo números jíbaros esperando su golpe de
suerte.
Fue con una décima de su propia composición titulada "El
huerfanito" que logró presentarse en el exitoso programa "Tribuna del
arte", junto a Rafael Quiñones Vidal. Su presentación en dicho programa
tuvo tan buena acogida que siguió trabajando junto a Quiñónes Vidal, con quien
se graduó en 1954. Durante ese tiempo "El Gallito" compuso valses,
boleros y rancheras, así como temas folklóricos.
Al llegar la década de 1960, José Miguel Class se convirtió
en uno de los máximos vendedores de discos. En medio de la revolución
nuevaolera, el joven fue de los artistas más taquilleros en el circuito de
teatros hispanos de Nueva York, Chicago y Nueva Jersey, mientras en Puerto Rico
sus canciones se programaron con fuerza en WKBM y otras emisoras radiales del
interior del País.
En 1970, Sylvia de Grasse le dio acceso a El Gallito en la
pantalla televisiva creando para él el espacio "Serenata moderna".
Semanalmente, Class, quien entonces se distinguía por llevar su pelo largo,
bigote y tupidas patillas, le cantaba a una joven del público que competía
luego por el título de "Miss Serenata Moderna".
En esa época le surgió además la oportunidad de incursionar
en la pantalla grande con la película "Yo soy el gallo". La cinta,
dirigida por Yeddu Mascorieto, contó con episodios autobiográficos de la vida
de El Gallito al narrar la historia de un joven pueblerino humilde y simpático,
que quiere ser cantante, a lo que su familia se opone.
A finales de la década de 1970, José Miguel regresó a la
pantalla chica con su propio programa "Yo soy el gallo" por el Canal
Once, el cual se mantuvo nueve años en el aire.
En los años 80, El Gallito cambió la pantalla chica por las
ondas radiales y se dedicó a su programa en la emisora La Fabulosa de Juncos,
seguido por otro en Radio Voz, donde se mantuvo por más de cinco años con el
programa "Alegrando la Mañana con José Miguel". En dicho espacio
radial, Class también fungió como programador de música tocando temas típicos
de Puerto Rico así como huapangos, rancheras, pasodobles, además de salsa y
merengue. Simultáneamente, el compositor de "Pídeme",
"Sálvame", "Hasta aquí te trajo el río" y otras, siguió con
su carrera de cantante, lanzando el álbum "Los problemas", el cual
obtuvo una calurosa recibida por su público.
En las postrimerías de la década del 80, José Miguel realizó
uno de sus tantos viajes a Nueva York ésta vez para presentar el espectáculo
"Voces y guitarras" junto a Odilio González ("El Jibarito de
Lares"). Ambos artistas, favoritos del público hispano neoyorquino,
obtuvieron lleno total en las tres funciones que presentaron en los teatros
Puerto Rico y Commodore; aunque no consiguieron la misma receptividad de las
emisoras latinas en Nueva York.
En los 90, El Gallito presentó el disco "El
regreso", compuesto por temas como "Sirva más tragos", "Se
volvió a reír de mí" y "Tu amor no me hace falta", el cual
significó un reencuentro con el pasado musical, con la bohemia y las canciones
de despecho. Asimismo en esos años, José Miguel logró trascender en Colombia,
país donde actuó ante unas 50,000 personas que asistieron a sus cinco presentaciones
en la Plaza de Toros de Santamaría, La Dorada, el Estadio Municipal Los Alpes y
el Coliseo de Armenia; llevándolo a considerar establecerse en la tierra de
García Márquez indefinidamente.
El artista manatieño se integró en el 1991 al Conjunto
Quisqueya, famosa agrupación de merengue dirigida por Aneudi Díaz; grabando
junto al grupo el disco "Quisqueya presenta a El Gallos sello de
calidad" y logrando posicionar el tema "Si tu me llegas a fallar"
en los primeros lugares en las listas de preferencia.
En las postrimerías de los 90 El Gallito lanzó la producción
navideña "Los gagos parranderos" junto al popular Tavín Pumarejo. La
original propuesta musical, que tuvo como primer corte promocional "Vamos
a celebrar", se convirtió rápidamente en uno de los elepés favoritos del
público puertorriqueño. Más tarde, en 1999, José Miguel presentó su producción
número 139 titulada "Classico", compuesta por 10 temas románticos y
para la cual contó con la más avanzada tecnología. Dicha producción sirvió de
base para sus presentaciones en el teatro Commodore en Nueva York, así como
para su gira por Londres, Inglaterra.
En el año 2000, El Gallito recibió un merecido homenaje por
sus 50 años de trayectoria artística. La celebración, que tuvo lugar en la
Hacienda Country Club, reunió artistas como Odilio González, Lily y su Gran
Trío y Quetzy Alma.
Ya entrado el siglo XXI, el cantante colombiano Charlie Záa
grabó el disco compacto “De un solo sentimiento”, que incluía composiciones de
José Miguel como “Quiéreme en vida” y “Decidido”. Con dicha producción Záa se
unió al grupo de intérpretes que grabaron temas de Class como fueron Flor
Silvestre, Antonio Aguilar y Wilfrido Vargas. Este último le llevó al merengue
su composición “Sálvame”.
Complicaciones de salud mantuvieron a José Miguel Class un
tanto alejado del mundo artístico. Pero aún así participó esporádicamente en
diversos proyectos como fue en 2008 el Gran Festival de la Música Campesina que
auspició la aseguradora Triple SSS.
Tras una larga carrera y un amplio legado discográfico, el
eterno Gallito de Manatí entró a la inmortalidad el 13 de abril de 2017.
Desde 1954 empezó a cantar en la finca de su padre La Armenia, demostrando además su facilidad para interpretar varios instrumentos como el acordeón, el piano, la guitarra, el bajo, el tiple, el cuatro, la tumbadora, caja y la gaita. Aprovechaba las ausencias del capataz de la finca para utilizar su acordeón. En una fiesta organizada por su padre para los trabajadores, Lisandro fue el centro de la fiesta tocando canciones populares como La hija de Amaranto, Cumbia cienaguera y El Alto del Rosario. Este hecho marcó el comienzo en firme de su carrera como acordeonero y cantante.4
En 1959 compuso el paseoEl Saludo, canción que lo hizo muy popular. Posterior a este le siguieron otros éxitos como La gorra no se me cae (1963), La miseria humana (1976), Entre Rejas (1977), El guayabo de la ye (1978), Baracunatana (1981) y Estás pillao (1982), entre otras canciones que en su mayoría se convirtieron en parte del folclor colombiano y son comunes en el conjunto musical Los Corraleros de Majagual desde 1961, con quienes participó en canciones como Suéltala pa que se defienta, Hace un mes, La flaca de Vitola, entre otras. Sin embargo, en 1965 formalizó su propio conjunto para amenizar bailes y fiestas tradicionales. Sin embargo continuó integrando el grupo de Los Corraleros bajo la dirección de Manuel Cervantes y como acordeonista titular.
Su primera participación en el Festival de la Leyenda Vallenata fue en 1969, donde no ocupó una posición destacada pero fue aclamado por el público; ganándose el sobrenombre de El Rey sin corona (en dicho festival el ganador obtiene el título de Rey Vallenato, por decisión del jurado) que a la postre él lo convertiría en tema de una canción. En de 1975 se volvió a presentar, ocupando el segundo lugar. En 1978 fue galardonado como Rey Sabanero del Acordeón en un certamen de vallenato realizado en Sincelejo.4
En 1975 le puso son con nombre La miseria humana a un poema conocido como “La gran miseria humana” o “Laurina Palma” del poeta Gabriel Escorcia Gravini, 1892 a 1920, conocido como “El poeta del cementerio”.5
Sus temas son ampliamente populares en países vecinos a Colombia, como el Perú donde el grupo peruano de cumbia estilo acordeón, el "Cuarteto Continental" obtuvo licencia por parte de Alberto Maraví para regrabar a través de INFOPESA del Perú varios de sus temas con cantantes y músicos reconocidos del país Inca en 1985 mezclados en sus famosas "cumbias pegaditas" unos de sus temas "Cumbia de oriente" fue regrabado por el Cuarteto Continental por el más prolífico cantante peruano Julio Mau, las portadas de los discos peruanos de INFOPESA (Industria Fonográfica Peruana, Sociedad Anónima) muestran en la parte trasera una fotografía entre el productor peruano Alberto Maraví y Lisandro Meza.
Su éxito ha llegado a varios lugares de centro y Norteamérica, particularmente México donde tiene un reconocimiento entre los "sonideros" y la gente aficionada a la música tropical, a través de la disquera mexicana Discos Musart llegó a colocar con gran éxito en la radio mexicana temas como "Sal y Agua" que es interpretada incluso por grupos de "música norteña" mexicana, además de haber compuesto temas dedicados a México como "Cumbia del amor" donde prosa la letra en voz de Lisandro "¡Acapulco, esta es tu cumbia!, ¡cumbia, cumbia mexicana, de Colombia, con mucho sabor!" en referencia a la ciudad turística más famosa de México, sus temas fueron programados reiteradamente en la ciudad de México en las desaparecidas estaciones de radio "La tropi Q" del 92.9 FM de la capital azteca en los 80 y "Radio Ai la catedral de la música tropical" en los 90, así como "Sabrosita 590" de AM y sus repetidoras en el país, logrando no solo consolidarse con sus temas de cumbia, si no también con Vallenatos y Paseos Sabaneros. Su tema más escuchado en 1994 en México fue "Mi Razón de Ser" colocado en altos hits de popularidad a través de "Balboa Records" subsidiaria de Musart, tema del cual, el grupo mexicano de la Ciudad de Monterrey "La tropa Vallenata" regrabó el mismo también con gran éxito, así como "La tropa Colombiana" también de esa ciudad norteña. Sus temas son ampliamente populares a la fecha en el país del norte.
Meza es conocido recientemente por las nuevas generaciones en Colombia por canciones populares y polémicas como Niño Majadero (también famosa en México), El hijo de Tuta (Versión de la canción "El jornalero" original de Octavio Meza), El macho y Para político no; en las que mezcla el doble sentido con el sentir popular y algunos hechos nacionales. Puntualmente El hijo de Tuta es una burla a los jefes o patrones mandones y que mal pagan a sus empleados, llamándolos hijuetuta en una analogía a la palabra vulgar. La canción Para político no la compuso a raíz de los escándalos por parapolítica de Colombia, en la que también prima el doble sentido y la burla a la desprestigiada clase política colombiana.
Después de
servir en la primera guerra
mundial, en la cual fue seriamente herido, él y su familia se
mudaron a Connecticut en EE.UU. Estuvo casado
tres veces y tuvo tres hijos, uno de los cuales, Christopher, fue su albacea
literario.
"Durante
años fue una constante fuente de asombro para mí encontrar mis escritos entre
"Juveniles", Lofting informó. "Ya no me molesta, pero todavía
siento que debería haber una categoría de "Seniles" para compensar el
epíteto."
Lynn Anderson (Grand Forks, Dakota del Norte, 26 de septiembre de 1947 - Nashville, Tennessee, 31 de julio de 2015)1 fue una cantante de country, multiganadora de premios de la Música Country de Estados Unidos y conocida por su cadena de hits a finales de 1960's, 1970's y 1980's, más notable su icónico hit de 1970, un megahit mundial "(I Never Promised You a) Rose Garden", que ganó en 1971 el Premio Grammy por mejor interpretación vocal femenina.2 Este hit hizo que Anderson cruzara de una artista de regular exposición a una estrella nacional auxiliada por la televisión, siendo una de las más populares cantantes country de 1970's. Fue hija de la cantante Liz Anderson.
Anderson tuvo 12 números 1°, 18 Top 10 y más de 50 hits en Top 40. Fue nombrada "Top Female Vocalist" (La mejor vocalista femenina) por the Academy of Country Music (ACM) dos veces y "Female Vocalist of the Year" por the Country Music Association (CMA), Anderson ganó un premio Grammy (fue nominada en siete ocasiones), People's Choice Award y American Music Award (AMA). Ocupó el lugar número 13 de acuerdo al libro de [[Joel Whitburn's) "Billboard Hot Country Singles" y teniendo la posición más alta en Country Music Hall of Fame (Salón de la fama de la música country). Anderson fue la primera mujer artista cantante de country en ganar el American Music Award (en 1974) siendo la primera en llenar el Madison Square Garden ese mismo año.
Debutó en 1966 a la edad de 19 años, y tuvo su primer hit Ride, Ride, Ride. Después de una seria de 10 Top sencillos en las listas de country durante finales de 1960's, Anderson firmó para el sello Columbia Récords (hoy Sony), en 1970. Bajo Columbia, tuvo su cadena más grande de hits. Cuando firmó la canción ("(I Never Promised You a) Rose Garden"), permaneció como una de las más grandes vendedoras en la música country de todos los tiempos. Llegó al número uno de la lista de música country de Estados Unidos y el número tres en la lista de Billboard Pop Chart. También llegó al tope de las listas en varios países del mundo, algo imprecedente en ese tiempo. CMT colocó "Rose Garden" en el número 83 de su lista de "100 Greatest Songs in Country Music History" (Las 100 canciones más grandes en la historia de la música country). Anderson continúo grabando y siendo una atracción popular en sus conciertos hasta su muerte, teniendo regularmente presentaciones en salones de centros y teatros.
Fue hija del galés Brinley "Bryn" Newton-John (1914-1992) y la judía alemana Irene Helene Born (1914-2003). Su abuelo materno fue el físico y matemático alemán Max Born, que obtuvo el premio Nobel de Física en 1954.
Cuando tenía cinco años, su familia se trasladó a Australia, donde a su padre le ofrecieron un trabajo como profesor en una universidad de Melbourne. Tuvo una hermana, la actriz Rona Newton-John, la cual falleció de cáncer. Se la conoció por el apodo Livvy, de Olivia. En Australia, donde transcurrió su infancia y adolescencia, estudió en la Universidad de Melbourne.
En 1974 representó al Reino Unido en el Festival de Eurovisión que se celebró en la ciudad inglesa de Brighton. Interpretó el tema «Long Live Love» y quedó en la 4.ª posición resultando como ganadores los suecos ABBA (con «Waterloo») y en segunda posición Gigliola Cinquetti. En ese año su tercer álbum, If You Love Me, Let Me Know, llegó a las primeras posiciones de la lista de álbumes, y una balada del disco, «I Honestly Love You», se afianzó en el primer lugar del Billboard estadounidense.
De inmediato se encerró en los estudios de grabación para grabar el siguiente L.P., que fue un auténtico éxito en el mercado estadounidense: Have You Never Been Mellow, que escaló sin problemas al primer puesto de álbumes en 1975 y colocando al tema homónimo en el primer lugar del Hit Parade. Otra canción del disco destacó: se trata de «Please Mr. Please», otra balada en el estilo country.
En 1975 se fue a vivir a los Estados Unidos, donde alcanzó pronto fama como cantante de música pop y también de música country. A lo largo de su carrera sus canciones alcanzaron en cinco ocasiones el primer puesto en las listas de ventas. Una de ellas fue «Physical», que permaneció durante diez semanas en ese puesto. También obtuvo cuatro premios Grammy. En 1979 intervino en el concierto benéfico Music for UNICEF, junto con artistas como Bee Gees, ABBA, Donna Summer, Rod Stewart entre otros, cantando Rest your love on me y The Key.
También fue actriz, participando en películas de carácter musical. Su mayor éxito fue Grease, con John Travolta.
Las siguientes no tuvieron igual éxito, en especial Xanadu, que fracasó a pesar de la participación de Gene Kelly, pero cuya banda sonora, compuesta por Jeff Lynne, miembro fundador de Electric Light Orchestra (ELO), fue un éxito, en especial los temas Xanadu y Suddenly (dueto con Cliff Richard) grabado en Estados Unidos en marzo de 1980. Tampoco triunfó Tal para cual, mal acogida por el público, aunque su banda sonora fue igualmente un gran éxito.
Después de ser diagnosticada de cáncer de mama se convirtió en defensora de la investigación sobre el cáncer. Fue portavoz del producto Liv-Kit para el autoexamen de mamas. También fue propietaria parcial de la Gaia Retreat & Spa en Byron Bay, Australia, que se anuncia como «el lugar ideal para renovar, actualizar y restaurar su mente, cuerpo y alma».3
Su activismo en el entorno de los problemas de salud se caracterizaba por su participación en muchas causas humanitarias. Canceló una gira de conciertos en 1978 en Japón, para protestar contra la masacre de delfines atrapados en redes de pesca de atún4 (posteriormente la gira fue reprogramada cuando el gobierno japonés le aseguró que el tema se estaba investigando). Participó en el concierto de 1979 Music for UNICEF Concert para la transmisión mundial televisiva del Año Internacional del Niño. Durante el concierto, los artistas interpretaron canciones y donaron sus regalías a perpetuidad, algunos en beneficio de la causa. Fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente.5 También fue portavoz nacional, durante diez años, de la fundación medioambiental Children's Health Environmental Coalition (CHEC), creada en 1991 tras la trágica muerte de Colette Chuda, la mejor amiga de Chloe, por una forma rara de cáncer infantil. (Chuda fue presentada junto con Newton-John y a su hija Chloe en la portada de su álbum Warm and Tender de 1989).6
De igual forma, el diagnóstico de cáncer influyó notablemente en que su música hiciera alguna referencia a ello. En 1994 colabora en el álbum "Songs From Heathcliff" de Cliff Richard. Igualmente en 1994 lanza Gaia: One Woman's Journey. Este fue el primer álbum en el que escribió todas las canciones, animándose a participar más activamente como compositora a partir de entonces. Un disco realacionado fue Stronger Than Before, de 2005; las ganancias obtenidas de las ventas del álbum se donaron a la investigación del cáncer de mama.
En 2008 recaudó fondos para ayudar a construir el Olivia Newton-John Cancer and Wellness Centre en Melbourne, Australia.
En 2018 colabora en la grabación del tema Everybody´s Someone de Cliff Richard incluida en el álbum "Rise Up".
A finales de 2019 fue nombrada Dama del Imperio Británico, por su carrera artística y por su labor humanitaria en la lucha y prevención del cáncer.
portavoz nacional durante diez años de la fundación medioambiental Children’s Health Environmental Coalition (CHEC), creada en 1991 tras la trágica muerte de Colette Chuda, la mejor amiga de Chloe, por una forma rara de cáncer infantil. Estuvo casada entre 1984 y 1995 con el actor Matt Lattanzi. De este matrimonio tuvo una hija, Chloe Rose, nacida en 1986. Newton fue criada bajo el catolicismo pero cuando cumplió veintisiete años dejó su vida religiosa a un lado. En 1985 volvió a conservar sus creencias y hasta su muerte se consideró budista y ha dicho que sus creencias religiosas estaban en "trabajo". A finales de los 80 lanzó junto a su amiga Pat Farrar una marca de ropa llamada Koala Blue, en Australia y los Estados Unidos, que por errores financieros la llevó a la bancarrota en 1992, pero de la que se recuperó económicamente gracias a la publicidad y telefilmes para la pequeña pantalla.
Newton-John durante una presentación en el Teatro Estatal de Sídney en septiembre de 2008.
Desde 1996 mantuvo una relación sentimental con Patrick McDermott, un camarógrafo, hasta que este desapareció en extrañas circunstancias durante una excursión en barco en 2005. Pero en 2016, surgieron rumores de que McDermott había sido visto en México7 y de que había simulado su muerte para romper su relación con Olivia. El 21 de junio de 2008, en lo alto de una montaña en Perú con el solsticio de invierno como testigo,se casó en secreto con el magnate John "Amazon" Easterling.
En 1992 estuvo preparada para otro regreso al éxito, cuando lanzó su tercera colección de grandes éxitos, Back to Basics - The Essential Collection 1971-1992, y planeó su primera gira desde su disco Physical realizada diez años antes. Poco después del lanzamiento del álbum, le fue diagnosticado un cáncer de mama que le obligó a cancelar toda la publicidad para el recopilatorio, incluyendo el tour (donde recibió su diagnóstico el mismo fin de semana en que su padre murió).8 Después de un largo tratamiento, se recuperó.9
En 2012, después de veinte años de la detección de su cáncer, volvió a padecerlo, pero lo mantuvo en secreto. En 2017 reveló que fue diagnosticada con un cáncer por tercera vez. Explicó que los médicos le diagnosticaron un tumor en la base de la columna vertebral, y que fue sometida a radioterapia; también dijo seguir terapias naturales y consumir aceite de cannabis para los dolores. «Sigo un tratamiento natural y estoy muy bien»,10 declaró al canal australiano Seven Network desde su residencia en California.
El 8 de agosto de 2022, Newton falleció en su casa ubicada al sur de California, a los 73 años, a causa de este padecimiento.11 En septiembre, su familia le realizó un servicio conmemorativo en California.12 Su cuerpo fue cremado y sus cenizas fueron divididas; una parte de ellas se esparcieron en Byron Bay,1314 otra parte fue llevada a descansar en su rancho de Santa Ynez y el resto se disperso «en otros lugares que ella amaba».15
Smiley publicó su primera novela, Barn Blind, en 1980 y, en 1985, ganó el Premio O. Henry por su cuento "Lily", el cual fue publicado en The Atlantic Monthly. Su novela de 1991 A Thousand Acres, basada en la obra El rey Lear, ganó el Premio Pulitzer a la Novela en 1992. Esta novela fue adaptada en la película hómonima de 1997.
Es el miembro más reconocible de Los Lobos; Rosas es conocido por sus características gafas de sol negras, su barba tipo perilla, su peinado hacia atrás, ser zurdo y por ser el único miembro de la banda originario de México. Su voz de canto es una reminiscencia de Chicago eléctrico, muy similar a la leyenda del blues Howlin' Wolf. Su forma de tocar la guitarra fue influenciado por Jimi Hendrix.
Aparte de shows en vivo con Los Lobos, César Rosas ha estado activo como músico de sesión y acompañante durante las últimas décadas. Además, ha publicado un álbum en solitario en 1999 llamado Soul Disguise.1
Aunque de pequeña Linda Hamilton pensó en ser una famosa
arqueóloga, con el tiempo se dio cuenta que la interpretación era lo que
realmente le gustaría hacer. Linda Hamilton comenzó trabajando con niños en un
grupo de teatro en su ciudad natal y tras pasar algunos años tomó clases de
interpretación en el Washington College en Chestertown (Maryland),
posteriormente se abrió camino hasta llegar a Nueva York y
estudiar en el famoso instituto de teatro Lee Strasberg, que le sirvió de ayuda
para buscar su lugar en Hollywood. Los primeros papeles de Linda Hamilton fueron
para la televisión y poco importantes.
Su gran oportunidad llegó con una película que suponían que
no tendría mucho éxito y que no duraría mucho en las salas titulada The
Terminator, Terminator en España y México y El Exterminador en el
resto de Hispanoamérica. Su papel era el de una mujer que debía huir de un
androide, interpretado por Arnold Schwarzenegger, que debe impedir el
nacimiento de su hijo John Connor, que será el futuro líder de la resistencia
humana y salvaría al mundo. La película fue un éxito de taquilla y su papel muy
llamativo, hasta tal punto que 6 años después lo volvió a interpretar cambiando
de tal forma el personaje que la bautizaron como la heroína favorita de
Hollywood.
Su carrera artística comenzó cuando su profesor de danza
animó a sus padres a buscar un agente para ella. Comenzó entonces a hacer los
anuncios publicitarios para TV, y pronto empezaron a llegar ofertas para
aquella niña rubia de ojos azules, entre ellos algún episodio de la
serie La tribu de los Brady.
A la edad de once años consigue, entre cientos de
competidoras, el papel de Mary en La casa de la pradera. Sería
el personaje que la lanzó a la fama en todo el planeta y el que interpretó
durante nueve años.
Ganó un Premio
Emmy por su papel en Which Mother Is Mine? (1979) de la
cadena ABC. En 1979 viajó a Madrid para ser entrevistada por Mayra Gómez Kemp en el programa de Televisión
Española "625 líneas". Fue nominada en 1976 como mejor actriz
principal en una serie dramática por su trabajo en La pequeña casa de la
pradera, que también le valió el Premio Tp de Oro de 1980.
Tras la cancelación de la serie, ha intervenido en diversas
películas especialmente rodadas para televisión.
Vida personal
Con su marido Michael Sloan tienen dos hijos, Piper (nacida
en febrero de 1991) y Griffin (nacido en junio de 1996). Vive en Montreal
(Quebec, Canadá) desde el año 2002. Ella y su esposo se naturalizaron
canadienses en 2007.
**********
1964:
Primera emisión en USA de la serie de tv Gilligan's Island("La
Isla de Gilligan").
La serie contó con tres temporadas: 36 episodios en la
primera temporada, 32 en la segunda y 30 en la tercera, y así, con un total de
98 episodios. La primera temporada fue filmada íntegramente en blanco y negro,
aunque estos episodios fueron posteriormente coloreados para la redifusión.
La segunda y tercera temporada del show (62 episodios) y las tres secuelas de
películas de televisión fueron filmados en color.
La isla de Gilligan terminó con calificaciones sólidas
durante su transmisión original, y luego creció en popularidad durante décadas
de redifusión, sobre todo en los años 1970 y 1980. Hoy en día, el personaje
principal de Gilligan es ampliamente reconocido como un icono cultural
estadounidense y es considerada una serie de culto por muchos seguidores, lo
que originó diversas secuelas televisivas.
Historia
Cuando el bote turístico S.S. Minnow con el capitán, su
ayudante y cinco pasajeros emprenden un tour de tres horas, en medio del paseo
cae una fuerte tormenta, el barco se accidenta en medio del Océano Pacífico y las siete personas terminan
varadas en una isla a 480 km de Hawái, y tratarán de hacer lo posible para poder irse de esa
isla. Pero mientras no lo logren tendrán que vivir todos juntos en esa isla,
hasta que llegue "el milagro".
El personaje principal era un torpe marinero llamado
Gilligan, interpretado por Bob Denver.
Denver no había sido la primera elección, sino Jerry Van Dyke (hermano
menor del afamado Dick) que rechazó el papel. Denver había tenido un
papel relativamente destacado en la serie "The Many Loves of Dobie Gillis":
era el joven beatnik Maynard G. Krebs. Junto a él estaba el siempre
jovial y animoso Capitán (interpretado por un actor de westerns clase B, Alan
Hale Jr.). Su nombre (Jonas Grumby) sólo es pronunciado en el piloto. La
simpatía del Capitán tenía una destinataria preferida (Ginger) y un límite: las
torpezas de su ayudante, que frecuentemente lo sacaban de quicio.
Entre los náufragos había una excéntrica pareja de
millonarios. Jim Backus interpretaba con mucha gracia y don de improvisación al
distraído Thurston J. Howell III (Backus era también la voz del dibujo
animado Mr.
Magoo, y había actuado en "Rebelde
sin causa" representando nada menos que el papel del padre de James Dean).
Su esposa Eunice "Lovey" Wentworth Howell era en realidad Natalie
Schafer, quien por contrato había bloqueado ser objeto de primeros planos (ya
tenía 62 años).
Tina Louise representaba a la bomba sexual y estrella de
Hollywood Ginger Grant (en alusión a los míticos Ginger
Rogers y Cary Grant). Tina se veía a sí misma como la verdadera
protagonista y chocaba a menudo con los productores, exigiendo mayor lucimiento
en los guiones. Además discutía el perfil del personaje, que originalmente era
más bien sarcástico y de lengua afilada. El resultado final fue un personaje,
fusión entre Marilyn Monroe y Lucille
Ball, más un look cercano al de Myrna Loy.
Las peleas dieron por resultado que no apareciera en ninguno de los telefilmes
de reunión.
Quedan otros dos personajes mencionados como "y todos
los demás" en la letra de "La balada de la isla de Gilligan" (de
George Wyle y el productor Sherwood Schwartz) pegadiza canción que al comienzo
de cada capítulo explicaba cómo los náufragos habían encontrado su destino.
Dawn Wells era una antigua Miss Nevada, y su papel, el de Mary-Ann, una
simpática granjera de Kansas que era la única persona del grupo con alguna
habilidad para las tareas domésticas y la más complaciente con las torpezas de
Gilligan. Por último, el obsesivo y distraído Profesor Roy Hinkley (Russell
Johnson), tan enfrascado en sus extrañas investigaciones que nunca percibía la
atracción que despertaba en Ginger y, en menor medida, en Mary-Ann.
Stockman
grabó un álbum en solitario a finales de los 90, pero el LP nunca
fue liberado. Ha escrito las canciones "Forever", "Hot
Thing" y "Let It Go"; está última para la película de DisneySeventeen
Again.
Epítome de Roma —protagonizó Roma, ciudad abierta y Mamma Roma— y una de las grandes actrices europeas de postguerra, se la llamó «La Magnani» o simplemente «Nannarella».
*********
1982:
Primera emisión en USA de la serie de tv "Knigh Rider" (El
Auto Fantástico, en Latinoamérica, "K-2000" en los países
francófonos).
Knight Rider (conocida como El coche fantástico en España, El
auto increíble en México y El auto fantástico en el resto
de Hispanoamérica) fue una serie de televisiónestadounidense de
los años 1980. El personaje protagonista de la serie, Michael
Knight (interpretado por el actor David
Hasselhoff), es un defensor de los pobres y desamparados, cuyo nombre real
es Michael Long, que combate la injusticia conduciendo un prototipo de
automóvil de alta tecnología. El automóvil, llamado KITT (Knight Industries Two
Thousand), incorpora una computadora central, que realmente es una IA
(inteligencia artificial) autoconsciente, altamente inteligente y con capacidad
de hablar e interactuar como si fuese una persona normal.
El modelo de automóvil que se utilizó en la serie para
encarnar a KITT era un Pontiac
Firebird Trans Am v8. Producida por Glen
A. Larson, la serie fue un hito para los adolescentes y pre-adolescentes de
la época y lanzó a la fama a Hasselhoff. Michael y KITT eran destinados a
misiones por Devon Miles (Edward Mulhare) el cual aparecía en cada capítulo
mandando a Michael y a KITT a una misión. Bonnie Barstow (Patricia McPherson) y April Curtis (Rebecca Holden) fueron las
mecánicas de KITT en la serie. Era la primera vez que una mujer se hacía cargo
de un automóvil en una serie. Bonnie estuvo en la primera, tercera y cuarta
temporada mientras que en la segunda temporada estuvo ausente porque Patricia
McPherson tuvo diferencias con los ejecutivos. Fue reemplazada por Rebecca
Holden interpretando a April, la cual no gustó a los seguidores de la serie y
los ejecutivos decidieron traer de nuevo a Bonnie. Reginald Cornellius III, RC
para abreviar, fue la última incorporación regular a la serie. Interpretado
por Peter Parros se encargaba de
ayudar a Devon y Bonnie en lo que necesitasen y algunas veces ayudaba a Michael
con algún caso en especial. Peter Parros fue regular desde el primer episodio
de la cuarta temporada.
Ha vendido más de 5 000 000 de copias alrededor del mundo (es su segundo disco con más ventas, después del álbum Más). En España se adquirieron un millón de copias en sólo una semana.1 El alma al aire confirmó la consolidación de Sanz en el estrellato de la música.
La crítica profesional realizó muy buenas críticas hacia el disco aunque comparándolo con su anterior álbum Más (1997) algunos coincidían en que la calidad de las canciones no era tan buena. El álbum permaneció varias semanas en algunas listas de éxito y sus sencillos Cuando nadie me ve, Quisiera ser y El alma al aire lograron alcanzar el número uno en Los 40 Principales.
Todas las canciones escritas y compuestas por Alejandro Sanz.
2000/2001 El alma al aire (edición normal/especial)
N.º
Título
Duración
1.
«Cuando nadie me ve»
5:12
2.
«Hay un universo de pequeñas cosas»
5:22
3.
«Quisiera ser»
5:30
4.
«Para que me quieras»
4:29
5.
«Llega, llegó soledad»
4:37
6.
«El alma al aire»
6:03
7.
«Me iré»
5:40
8.
«Hicimos un trato»
4:37
9.
«Tiene que ser pecado»
5:05
10.
«Silencio» (A partir del minuto 6:35 tiene la pista escondida «Desde mis centros»)
8:22
Todas las canciones escritas y compuestas por Alejandro Sanz salvo indicadas.
Luego de obtener breves papeles cinematográficos, ganó la
atención de la prensa pública cuando fue seleccionada como una de las WAMPAS Baby Stars. Esto llevó a que Stuart fuera contratada por Universal Studios en su juventud, con la que realizó más de una docena de
películas; durante esa etapa se destacan sus participaciones en The Old Dark House (1932), The Kiss Before the Mirror (1933), The Invisible Man (1933),
las tres dirigidas por James Whale. Después de abandonar Universal, firmó contratos con diferentes
compañías cinematográficas, que inicialmente la lanzaron como actriz en
películas de comedia. Se retiró de la
actuación en la década de 1940, aunque retomó su carrera en 1976. Dirigida
por James Cameron, intervino en Titanic (1997), protagonizada
por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. Por su papel en aquella película, fue nominada al Óscar a la mejor actriz
de reparto a
sus 87 años. Tras el éxito de la misma, Stuart apareció en el cine y la
televisión con personajes importantes hasta su retiro definitivo como actriz en
2004. Al momento de su muerte, contaba con aproximadamente 50 películas
filmadas.
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