El 29 de septiembre es el 272.º (ducentésimo
septuagésimo segundo) día del año en el calendario
gregoriano y el
273.º en los años bisiestos. Quedan 93 días para finalizar el año.
Podcast 2018
Santoral de la Iglesia
Católica:
Santos Arcángeles
Miguel, Gabriel y Rafael
Hoy celebramos la fiesta de los tres Arcángeles que nombra la
Sagrada Escritura
La palabra Arcángel proviene de dos palabras. Arc = el principal. Y ángel. O
sea "principal entre los ángeles. Arcángel es como un jefe de los ángeles.
San Miguel.
Este nombre significa: "¿Quién como Dios? O: "Nadie
es como Dios".
A San Miguel lo nombre tres veces la S. Biblia. Primero en el capítulo 12 del
libro de Daniel a donde se dice: "Al final de los tiempos aparecerá
Miguel, al gran Príncipe que defiende a los hijos del pueblo de Dios. Y
entonces los muertos resucitarán. Los que hicieron el bien, para la Vida
Eterna, y los que hicieron el mal, para el horror eterno".
En el capítulo 12 del Libro del Apocalipsis se cuenta lo siguiente: "Hubo
una gran batalla en el cielo. Miguel y sus ángeles combatieron contra Satanás y
los suyos, que fueron derrotados, y no hubo lugar para ellos en el cielo, y fue
arrojada la Serpiente antigua, el diablo, el seductor del mundo. Ay de la
tierra y del mar, porque el diablo ha bajado a vosotros con gran furor,
sabiendo que le queda poco tiempo".
En la Carta de San Judas Tadeo se dice: "El Arcángel San Miguel cuando se
le enfrentó al diablo le dijo: ‘Que te castigue el Señor’".
Por eso a San Miguel lo pintan atacando a la serpiente infernal.
La Iglesia Católica ha tenido siempre una gran devoción al Arcángel San Miguel,
especialmente para pedirle que nos libre de los ataques del demonio y de los
espíritus infernales. Y él cuando lo invocamos llega a defendernos, con el gran
poder que Dios le ha concedido. Muchos creen que él sea el jefe de los ejércitos
celestiales.
San Gabriel.
Su nombre significa: "Dios es mi protector".
A este Arcángel se le nombra varias veces en la S. Biblia. Él fue el que le
anunció al profeta Daniel el tiempo en el que iba a llegar el Redentor. Dice
así el profeta: "Se me apareció Gabriel de parte de Dios y me dijo: dentro
de setenta semanas de años (o sea 490 años) aparecerá el Santo de los
Santos" (Dan. 9).
Al Arcángel San Gabriel se le confió la misión más alta que jamás se le haya
confiado a criatura alguna: anunciar la encarnación del Hijo de Dios. Por eso
se le venera mucho desde la antigüedad.
Su carta de presentación cuando se le apareció a Zacarías para anunciarle que
iba a tener por hijo a Juan Bautista fue esta: "Yo soy Gabriel, el que
está en la presencia de Dios" (Luc. 1, 19).
San Lucas dice: "Fue enviado por Dios el ángel Gabriel a una ciudad de
Galilea, a una virgen llamada María, y llegando junto a ella, le dijo: ‘Salve
María, llena de gracia, el Señor está contigo’. Ella se turbó al oír aquel
saludo, pero el ángel le dijo: ‘No temas María, porque has hallado gracia
delante de Dios. Vas a concebir un hijo a quien pondrás por nombre Jesús. Él
será Hijo del Altísimo y su Reino no tendrá fin’".
San Gabriel es el patrono de las comunicaciones y de los comunicadores, porque
trajo al mundo la más bella noticia: que el Hijo de Dios se hacía hombre.
San Rafael.
Su nombre significa: "Medicina de Dios".
Fue el arcángel enviado por Dios para quitarle la ceguera a Tobías y acompañar
al hijo de éste en un larguísimo y peligroso viaje y conseguirle una santa
esposa.
Su interesante historia está narrada en el día 7 de febrero.
San Rafael es muy invocado para alejar enfermedades y lograr terminar
felizmente los viajes.
Se celebra este 29 de septiembre en todo el planeta.
El Día Mundial del Corazón (DMC), que se celebra anualmente
el 29 de septiembre, es una oportunidad para que la gente participe en la mayor
intervención mundial contra las enfermedades cardiovasculares.
Fue instituido hace exactamente 17 años. La Federación
Mundial del Corazón con el apoyo de la OMS y la Unesco eligió el 29 de
septiembre de 2000 como el primer Día Mundial del Corazón. Esto obedeció a una
estrategia para poder tener la oportunidad de dar a conocer masivamente las
enfermedades cardiovasculares, su prevención control y tratamiento.
La página DíaMundial del Corazón señala que las enfermedades
cardiovasculares (ECV) siguen siendo la principal causa de muerte y
discapacidad en el mundo de hoy: más de 17,3 millones de personas mueren por
enfermedades cardiovasculares cada año y constituyen casi la mitad de los 36
millones de muertes de las enfermedades no transmisibles y se espera que el
número de muertes por ECV aumente a 23,6 millones para el 2030.
Alrededor del 80% de estas muertes son prematuras, ocurren
antes de los 70 años de edad, restando los años de trabajo más productivos de
las personas, lo que puede tener un impacto económico y emocional devastador en
las familias de países de ingresos bajos y medianos, donde los recursos humanos
y financieros son más limitados para hacer frente a ellos y el costo de la
inacción es inmenso, agrega el sitio.
El incremento de las enfermedades cardiovasculares en dichos
países se ha relacionado con la urbanización progresiva que facilitan estilos
de vida poco saludables (consumo de tabaco, dietas malsanas, inactividad física
y uso nocivo del alcohol).
Está considerado la máxima figura de la literatura española y es universalmente
conocido por haber escrito El ingenioso Hidalgo don
Quijote de la Mancha (conocida habitualmente como el Quijote),
que muchos críticos han descrito como la primera novela moderna
y una de las mejores obras de la literatura universal, además de ser el libro
más editado y traducido de la historia, solo superado por la Biblia. Se le ha
dado el sobrenombre de «Príncipe de los Ingenios».
Don Quijote de la Mancha ha sido unánimemente definido
como la obra cumbre de la literatura universal y una de las máximas creaciones
del ingenio humano. Considerado asimismo el arranque de la novela moderna y
concebido inicialmente por Cervantes como una parodia de los libros de caballerías,
el Quijote es un libro externamente cómico e íntimamente triste, un
retrato de unos ideales admirables burlescamente enfrentados a la mísera
realidad; no son pocos los paralelos que se han querido establecer con la
España imperial de los Austrias, potencia hegemónica destinada a gobernar el
mundo en el siglo XVI y a derrumbarse en el XVII, y con la vida de su autor,
gloriosamente herido en el triunfo de Lepanto y abocado luego a toda suerte de
desdichas.
A diferencia de la de su contemporáneo Lope de Vega, quien
conoció desde joven el éxito como comediógrafo y poeta y también como seductor,
la vida de Cervantes fue ciertamente una ininterrumpida serie de pequeños
fracasos domésticos y profesionales, en la que no faltó ni el cautiverio, ni la
injusta cárcel, ni la afrenta pública. No sólo no contaba con rentas, sino que
le costaba atraerse los favores de mecenas o protectores; a ello se sumó una
particular mala fortuna que lo persiguió durante toda su vida. Sólo en sus
últimos años, tras el éxito de las dos partes del Quijote, conoció cierta
tranquilidad y pudo gozar del reconocimiento hacia su obra, aunque sin llegar
nunca a superar las penurias económicas.
Cuarto de los siete hijos del matrimonio de Rodrigo de
Cervantes Saavedra y Leonor de Cortinas, Miguel de Cervantes Saavedra nació en
Alcalá (dinámica sede de la segunda universidad española, fundada en 1508 por
el cardenal
Cisneros) entre el 29 de septiembre (día de San Miguel) y el 9 de octubre
de 1547, fecha en que fue bautizado en la parroquia de Santa María la Mayor.
La familia de su padre conocía la prosperidad, pero su abuelo
Juan, graduado en leyes por Salamanca y juez de la Santa Inquisición, abandonó
el hogar y comenzó una errática y disipada vida, dejando a su mujer y al resto
de sus hijos en la indigencia, por lo que el padre de Cervantes se vio obligado
a ejercer su oficio de cirujano barbero, lo cual convirtió la infancia del
pequeño Miguel en una incansable peregrinación por las más populosas ciudades
castellanas. Por parte materna, Cervantes tenía un abuelo magistrado que llegó
a ser efímero propietario de tierras en Castilla. Estos pocos datos acerca de
las profesiones de los ascendientes de Cervantes fueron la base de la teoría
de Américo
Castro sobre el origen converso (judíos obligados a convertirse en
cristianos desde 1495) de ambos progenitores del escritor.
El destino de Miguel parecía prefigurarse en parte en el de
su padre, quien, acosado por las deudas, abandonó Alcalá para buscar nuevos
horizontes en el próspero Valladolid, pero sufrió siete meses de cárcel por
impagos en 1552, y se asentó en Córdoba en 1553. Dos años más tarde, en esa
ciudad, Miguel ingresó en el flamante colegio de los jesuitas. Aunque no fuera
persona de gran cultura, Rodrigo se preocupaba por la educación de sus hijos; el
futuro escritor fue un lector precocísimo y sus dos hermanas sabían leer, cosa
muy poco usual en la época, aun en las clases altas. Por lo demás, la situación
de la familia era precaria.
En 1556 Leonor vendió el único sirviente que le quedaba y
partieron hacia Sevilla con el fin de mejorar económicamente, pues esta ciudad
era la puerta de España a las riquezas de las Indias y la tercera ciudad de
Europa (tras París y Nápoles) en la segunda mitad del siglo XVI. A los
diecisiete años, Miguel era un adolescente tímido y tartamudo, que asistía a
clase al colegio de los jesuitas y se distraía como asiduo espectador de las
representaciones del popular Lope de Rueda,
como recordaría luego, en 1615, en el prólogo a la edición de sus propias
comedias: «Me acordaba de haber visto representar al gran Lope de Rueda, varón
insigne en la representación y del entendimiento».
En 1551 la hasta entonces pequeña y tranquila villa de Madrid
había sido convertida en capital por Felipe II, por lo que en los años
siguientes la ciudad quintuplicaría su tamaño y población; llevados nuevamente
por el afán de prosperar, los Cervantes se trasladaron en 1566 a la nueva
capital. No se sabe con certeza que Cervantes hubiera asistido a la
universidad, a pesar de que en sus obras mostró familiaridad con los usos y
costumbres estudiantiles; en cambio, su nombre aparece en 1568 como autor de
cuatro composiciones en una antología de poemas en alabanza de Isabel de
Valois, tercera esposa de Felipe II, fallecida ese mismo año. El editor del
libro, el humanista Juan López de Hoyos (probable introductor de Cervantes a la
lectura de Virgilio, Horacio, Séneca y Catulo y,
sobre todo, a la del humanista Erasmo de
Rotterdam) se refiere a Cervantes como «nuestro caro y amado alumno». Otros
aventuran, sin embargo, que en el círculo o escuela de Hoyos, Cervantes había
sido profesor y no discípulo.
Soldado de Lepanto
En el año de 1569 un tal Miguel de Cervantes fue condenado en
Madrid a arresto y amputación de la mano derecha por herir a un tal Antonio de
Segura. La pena, corriente, se aplicaba a quien se atreviera a hacer uso de
armas en las proximidades de la residencia real. No se sabe si Cervantes salió
de España ese mismo año huyendo de esta sanción, pero lo cierto es que en
diciembre de 1569 se encontraba en los dominios españoles en Italia, provisto
de un certificado de cristiano viejo (sin ascendientes judíos o moros), y meses
después era soldado en la compañía de Diego de Urbina.
Pero la gran expectativa bélica estaba puesta en la campaña
contra el turco, en la que el Imperio español cifraba la continuidad de su
dominio y hegemonía en el Mediterráneo. Diez años antes, España había perdido
en Trípoli cuarenta y dos barcos y ocho mil hombres. En 1571 Venecia y Roma
formaban, con España, la Santa Alianza, y el 7 de octubre, comandadas por el
hermanastro bastardo del rey de España, Juan de
Austria, las huestes españolas vencieron a los turcos en la batalla de
Lepanto. Fue la gloria inmediata, una gloria que marcó a Cervantes, el cual
relataría muchos años después, en la primera parte del Quijote, las
circunstancias de la lucha. En su transcurso recibió el escritor tres heridas,
una de las cuales, si se acepta esta hipótesis, inutilizó para siempre su mano
izquierda y le valió el apelativo de «el manco de Lepanto» como timbre de
gloria.
Junto a su hermano menor, Rodrigo, Cervantes entró en batalla
nuevamente en Corfú, también al mando de Juan de Austria. En 1573 y 1574 se
encontraba en Sicilia y en Nápoles, donde mantuvo relaciones amorosas con una
joven a quien llamó «Silena» en sus poemas y de la que tuvo un hijo,
Promontorio. Es posible que pasara por Génova a las órdenes de Lope de
Figueroa, puesto que la ciudad ligur aparece descrita en su novela
ejemplar El licenciado Vidriera, y finalmente se dirigiera a Roma, donde
frecuentó la casa del cardenal Acquaviva (a quien dedicaría La Galatea),
conocido suyo tal vez desde Madrid, y por cuya cuenta habría cumplido algunas
misiones y encargos.
Fue ésta la época en que Cervantes se propuso conseguir una
situación social y económica más elevada dentro de la milicia mediante su
promoción al grado de capitán, para lo cual obtuvo dos cartas de recomendación
ante Felipe
II, firmadas por Juan de Austria y por el virrey de Nápoles, en las que se
certificaba su valiente actuación en la batalla de Lepanto. Con esta intención,
Rodrigo y Miguel de Cervantes se embarcaron en la goleta Sol, que partió de
Nápoles el 20 de septiembre de 1575, y lo que debía ser un expedito regreso a
la patria se convirtió en el principio de una infortunada y larga peripecia.
El cautiverio en Argel
A poco de zarpar, la goleta se extravió tras una tormenta que
la separó del resto de la flotilla y fue abordada, a la altura de Marsella, por
tres corsarios berberiscos al mando de un albanés renegado de nombre Arnaute
Mamí. Tras encarnizado combate y la consiguiente muerte del capitán cristiano,
los hermanos cayeron prisioneros. Las cartas de recomendación salvaron la vida
a Cervantes, pero serían, a la vez, la causa de lo prolongado de su cautiverio:
Mamí, convencido de hallarse ante una persona principal y de recursos, lo
convirtió en su esclavo y lo mantuvo apartado del habitual canje de prisioneros
y del tráfico de cautivos corriente entre turcos y cristianos. Esta
circunstancia y su mano lisiada lo eximieron de ir a las galeras.
Argel era en aquel momento uno de los centros de comercio más
ricos del Mediterráneo. En él muchos cristianos pasaban de la esclavitud a la
riqueza renunciando a su fe. El tráfico de personas era intenso, pero la
familia de Cervantes estaba bien lejos de poder reunir la cantidad necesaria
siquiera para el rescate de uno de los hermanos. Cervantes protagonizó, durante
su prisión, cuatro intentos de fuga. El primero fue una tentativa frustrada de
llegar por tierra a Orán, que era el punto más cercano de la dominación
española.
El segundo, al año de aquél, coincidió con los preparativos
de la liberación de su hermano. En efecto, Andrea y Magdalena, las dos hermanas
de Cervantes, mantuvieron un pleito con un madrileño rico llamado Alonso
Pacheco Pastor, durante el cual demostraron que debido al matrimonio de éste
sus ingresos como barraganas se verían mermados, y, según costumbre, obtuvieron
dotes que fueron destinadas al rescate de Rodrigo, quien saldría de Argel el 24
de agosto de 1577. Los hermanos pudieron despedirse pese a haber fracasado el
segundo intento de fuga de Miguel, que se salvó de la ejecución gracias a que
su dueño lo consideraba un «hombre principal».
El tercer intento fue mucho más dramático en sus
consecuencias: Cervantes contrató un mensajero que debía llevar una carta al
gobernador español de Orán. Interceptado, el mensajero fue condenado a muerte y
empalado, mientras que al escritor se le suspendieron los dos mil azotes a los
que se le había condenado y que equivalían a la muerte. Una vez más, la
presunción de riqueza le permitió conservar la vida y alargó su cautiverio.
Esto sucedía a principios de 1578.
Finalmente, un año y medio más tarde, Cervantes planeó una
fuga en compañía de un renegado de Granada, el licenciado Girón. Delatados por
un tal Blanco de Paz, Cervantes fue encadenado y encerrado durante cinco meses
en la prisión de moros convictos de Argel. Tuvo un nuevo dueño, el rey Hassán,
que pidió seiscientos ducados por su rescate. Cervantes estaba aterrado: temía
un traslado a Constantinopla. Mientras tanto su madre, doña Leonor, había
iniciado trámites para su rescate. Fingiéndose viuda, reunió dinero, obtuvo
préstamos y garantías, se puso bajo la advocación de dos frailes y, en
septiembre de 1579, entregó al Consejo de las Cruzadas cuatrocientos setenta y
cinco ducados. Hassán retuvo a Cervantes hasta el último momento, mientras los
frailes negociaban y pedían limosna para completar la cantidad. Por último, el
19 de septiembre de 1580, fue liberado, y tras un mes en el que para limpiar su
nombre pleiteó contra Blanco de Paz, se embarcó para España el 24 de octubre.
Retorno a la patria
Cinco días más tarde, después de un lustro de cautiverio,
Cervantes llegó a Denia y volvió a Madrid. Tenía treinta y tres años y había
pasado los últimos diez entre la guerra y la prisión; la situación de su
familia, empobrecida y endeudada con el Consejo de las Cruzadas, reflejaba en
cierto modo la profunda crisis general del imperio, que se agravaría luego de
la derrota de la Armada Invencible en 1588. Al retornar, Cervantes renunció a
la carrera militar, se entusiasmó con las perspectivas de prosperidad de los
funcionarios de Indias, trató de obtener un puesto en América y fracasó.
Mientras tanto, fruto de sus relaciones clandestinas con una joven casada, Ana
de Villafranca (o Ana de Rojas), nació una hija, Isabel, criada por su madre y
por el que aparecía como su padre putativo, Alonso Rodríguez.
A los treinta y siete años, Cervantes contrajo matrimonio; su
novia, Catalina de Salazar y Palacios, era de una familia de Esquivias, pueblo
campesino de La Mancha. Tenía sólo dieciocho años; no obstante, no parece haber
sido una unión signada por el amor. Meses antes, el escritor había acabado su
primera obra importante, La Galatea, una novela pastoril al estilo puesto
en boga por la Arcadia de Jacopo
Sannazaro ochenta años atrás. El editor Blas de Robles le pagó 1.336
reales por el manuscrito.
Esta cifra nada despreciable y la buena acogida y el relativo
éxito del libro animaron a Cervantes a dedicarse a escribir comedias, aunque
sabía que mal podía competir él, todavía respetuoso de las normas clásicas, con
el nuevo modo de Lope de Vega,
dueño absoluto de la escena española. Las dos primeras (La comedia de la
confusión y Tratado de Constantinopla y muerte de Selim, escritas
hacia 1585 y desaparecidas ambas) obtuvieron relativo éxito en sus
representaciones, pero Cervantes fue vencido por el vendaval lopesco, y a pesar
de las veinte o treinta obras compuesta en esta etapa (de las que sólo
conocemos nueve títulos y dos textos, Los tratos de Argel y Numancia),
alrededor de 1600 había dejado de escribir comedias, actividad que retomaría al
final de sus días.
Entre 1585 y 1600 Cervantes fijó su residencia en Esquivias,
pero solía visitar Madrid solo; allí alternaba con los escritores de su tiempo,
leía sus obras y mantenía una permanente querella con Lope de Vega. En 1587
ingresó en la Academia Imitatoria, primer círculo literario madrileño, y ese
mismo año fue designado comisario real de abastos (recaudador de especies) para
la Armada Invencible. También este destino le fue adverso: en Écija se enfrentó
con la Iglesia por su excesivo celo recaudatorio y fue excomulgado; en Castro
del Río fue encarcelado (1592), acusado de vender parte del trigo requisado. Al
morir su madre en 1594, abandonó Andalucía y volvió a Madrid.
Pero las penurias económicas siguieron acompañándole.
Nombrado recaudador de impuestos, quebró el banquero a quien había entregado
importantes sumas y Cervantes dio con sus huesos en prisión, esta vez en la de
Sevilla, donde permaneció cinco meses. En esta época de extrema carencia
comenzó probablemente la redacción de Don
Quijote de la Mancha. Entre 1604 y 1606, la familia de Cervantes, su
esposa, sus hermanas y su aguerrida hija natural, así como sus sobrinas,
siguieron a la corte a Valladolid, hasta que el rey Felipe III ordenó
el retorno a Madrid.
El Quijote
En 1605, a principios de año, apareció en Madrid El
ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha. Su autor era por entonces un hombre
enjuto, delgado, de cincuenta y ocho años, tolerante con su turbulenta familia,
poco hábil para ganar dinero, pusilánime en tiempos de paz y decidido en los de
guerra. La fama fue inmediata, pero los efectos económicos apenas se hicieron
notar. Cuando en junio de 1605 toda la familia Cervantes, con el escritor a la
cabeza, fue a la cárcel por unas horas a causa de un turbio asunto que sólo
tangencialmente les tocaba (la muerte de un caballero asistido por las mujeres
de la familia, ocurrida tras ser herido aquél a las puertas de la casa), don
Quijote y Sancho ya pertenecían al acervo popular.
Su autor, mientras tanto, seguía pasando estrecheces. No le
ofreció respiro ni siquiera la vida literaria: animado por el éxito del Quijote,
ingresó en 1609 en la Cofradía de Esclavos del Santísimo Sacramento, a la que
también pertenecían Lope de Vega y Francisco de
Quevedo. Era ésta costumbre de la época, que ofrecía a Cervantes la
oportunidad de obtener algún protectorado.
En aquel mismo año se firmó el decreto de expulsión de los
moriscos y se acentuó el endurecimiento de la vida social española, sometida al
rigor inquisitorial. Cervantes saludó la expulsión con alegría, mientras su
hermana Magdalena ingresaba en una orden religiosa. Fueron años de redacción de
testamentos y contiendas sórdidas: Magdalena había excluido del suyo a Isabel
en favor de otra sobrina, Constanza, y Cervantes renunció a su parte de la
finca de su hermano también en favor de aquélla, dejando fuera a su propia
hija, enzarzada en un pleito interminable con el propietario de la casa en la
que vivía y en el que Cervantes se había visto obligado a declarar a favor de
su hija.
A pesar de no conseguir siquiera (como tampoco lo logró Góngora)
ser incluido en el séquito de su mecenas el conde de Lemos, recién nombrado
nuevo virrey de Nápoles (el cual, sin embargo, le daba muestras concretas de su
favor), Cervantes escribió a un ritmo imparable: las Novelas ejemplares vieron
la luz en 1613; el Viaje al Parnaso, en verso, en 1614. Ese mismo año lo
sorprendió la aparición, en Tarragona, de una segunda parte espuria del Quijote escrita
por un tal Alonso
Fernández de Avellaneda, que se proclamó auténtica continuación de las
aventuras del hidalgo. Así, enfermo y urgido, y mientras preparaba la
publicación de las Ocho comedias y ocho entremeses nuevos nunca
representados (1615), acabó la segunda parte del Quijote, que se
imprimiría en el curso del mismo año.
A principios de 1616 estaba terminando una novela de
aventuras en estilo bizantino: Los trabajos de Persiles y Sigismunda. El
19 de abril recibió la extremaunción y al día siguiente redactó la dedicatoria
al conde de Lemos, ofrenda que ha sido considerada como exquisita muestra de su
genio y conmovedora expresión autobiográfica: «Ayer me dieron la extremaunción
y hoy escribo ésta; el tiempo es breve, las ansias crecen, las esperanzas
menguan y, con todo esto, llevo la vida sobre el deseo que tengo de vivir...».
Unos meses antes de su muerte, Cervantes había tenido una
recompensa moral por sus penurias e infortunios económicos: uno de los censores,
el licenciado Márquez Torres, le envió una recomendación en la que relataba una
conversación mantenida en febrero de 1615 con notables caballeros del séquito
del embajador francés: «Preguntáronme muy por menor su edad, su profesión,
calidad y cantidad. Halléme obligado a decir que era viejo, soldado, hidalgo y
pobre, a que uno respondió estas formales palabras: "Pues ¿a tal hombre no
le tiene España muy rico y sustentado del erario público?". Acudió otro de
aquellos caballeros con este pensamiento y con mucha agudeza: "Si
necesidad le ha de obligar a escribir, plaga a Dios que nunca tenga abundancia,
para que con sus obras, siendo él pobre, haga rico a todo el mundo"».
En efecto, ya circulaban traducciones al inglés y al francés
desde 1612, y puede decirse que Cervantes supo que con el Quijote creaba
una forma literaria nueva. Supo también que introducía el género de la novela
corta en castellano con sus Novelas ejemplares y sin duda adivinaba
los ilimitados alcances de la pareja de personajes que había concebido. Sus
contemporáneos, si bien reconocieron la viveza de su ingenio, no vislumbraron
la profundidad del descubrimiento del Quijote, fundación misma de la
novela moderna. Así, entre el 22 y el 23 de abril de 1616, murió en su casa de
Madrid, asistido por su esposa y una de sus sobrinas; envuelto en su hábito
franciscano y con el rostro sin cubrir, fue enterrado en el convento de las
trinitarias descalzas, en la entonces llamada calle de Cantarranas. A
principios de 2015, un grupo de investigadores que se había propuesto localizar
su tumba encontró un ataúd con las iniciales "M.C.", pero el examen
de su contenido reveló que no podía ser el del escritor. En marzo del mismo
año, los estudiosos concluyeron que sus restos mortales se hallaban en un enterramiento
en el subsuelo de la cripta, mezclados tras un traslado con los de otras
dieciséis personas.
Las fuentes del arte de Cervantes como novelista son
complejas: por un lado, don Quijote y Sancho son parodia de los caballeros
andantes y sus escuderos; por otro, en ellos mismos se exalta la fidelidad al
honor y a la lucha por los débiles. En el Quijote confluyen, pues,
realismo y fantasía, meditación y reflexión sobre la literatura: los personajes
discuten sobre su propia entidad de personajes mientras las fronteras entre
delirio y razón y entre ficción y realidad se borran una y otra vez. Pero el
derrotero de Cervantes, que asistió tanto a las glorias imperiales de Lepanto
como a las derrotas de la Invencible ante las costas de Inglaterra, sólo conoció
los sinsabores de la pobreza y las zozobras ante el poder. Al revés que su
personaje, no pudo escapar nunca de su destino de hidalgo, soldado y pobre.
(Michelangelo Merisi; Caravaggio, actual Italia, 1571 - Porto
Ercole, id., 1610) Pintor italiano. Principal figura de la pintura italiana de
su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, Simone
Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas
venecianos.
De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no
sólo por su original enfoque de la obra pictórica, sino también por su vida
irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su
carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos.
De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por
su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición
consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la
intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que
esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de
vigor incomparable.
Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del
realismo su bandera, Caravaggio pretendió ante todo que ninguna de sus obras
dejara indiferente al espectador. Desde el principio de su estancia romana
rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas
estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras
mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa.
Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de
género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza
muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta primera etapa creativa El
tañedor de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte
protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la
música. En estas primeras obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio
de los juegos de luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como
creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de
dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista.
La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada
por suntuosos tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que
inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del
artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa y trabaja por
encargo de los grandes comitentes de la época. Algunas de sus obras son
rechazadas por el naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos, pero no
faltan los mecenas laicos dispuestos a adquirir de buen grado aquellos cuadros
que el clero no ve con buenos ojos.
A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del
artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi y de
la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de San Mateo y El
martirio de San Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La
conversión de San Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por
una intensa acción dramática, muy estudiadas desde el punto de vista
compositivo y en las que se obtienen resultados espléndidos con una gran
economía de medios.
En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio
obligado a huir de Roma, adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió
cuatro años después en una playa solitaria, aquejado de malaria. En esta última
época había pintado algunas obras en las que su dramatismo característico
dejaba paso a una gran serenidad.
Elizabeth Cleghorn Gaskell (pronunciación original inglesa: /ˈgæskəl/) (o Elizabeth
Stevenson; 29
de septiembre de 1810 – 12
de noviembre de 1865), a menudo citada como Mrs.
Gaskell, fue una novelista y escritora de relatos inglesa durante la época victoriana. Durante mucho tiempo fue recordada
fundamentalmente por su biografía de Charlotte Brontë, pero sus novelas, hoy revalorizadas,
ofrecen un excelente retrato de las vidas de muchos sectores sociales
(incluyendo a menudo a los más pobres), con una agudeza tal que atrae el
interés tanto de los historiadores
sociales como de
los amantes de la literatura.1
Miguel de Unamuno y Jugo (Bilbao, 29 de
septiembre de 1864-Salamanca, 31 de diciembre de 1936) fue un escritor y filósofoespañol perteneciente
a la generación del 98. En su obra cultivó gran variedad de géneros
literarios como novela, ensayo, teatro y poesía. Fue,
asimismo, diputado en Cortes de 1931 a 1933 por Salamanca.1
Fue nombrado rector de la Universidad de Salamanca tres veces;
la primera vez en 1900 y la última, de 1931 hasta su destitución, el 22 de
octubre de 1936, por orden de Franco.
(Bilbao, 1864 - Salamanca, 1936) Escritor, poeta y filósofo
español, principal exponente de la Generación del 98. Entre 1880 y 1884 estudió
filosofía y letras en la Universidad de Madrid, época durante la cual leyó
a Thomas
Carlyle, Herbert Spencer, Friedrich Hegel y Karl Marx.
Se doctoró con la tesis Crítica del problema sobre el origen y prehistoria
de la raza vasca, y poco después accedió a la cátedra de lengua y literatura
griega en la Universidad de Salamanca, en la que desde 1901 fue rector y
catedrático de historia de la lengua castellana.
Inicialmente sus preocupaciones intelectuales se centraron en
las cuestiones éticas y los móviles de su fe. Desde el principio trató de
articular su pensamiento sobre la base de la dialéctica hegeliana, y más tarde
acabó buscando en las dispares intuiciones filosóficas de Herbert
Spencer, Sören
Kierkegaard, William James y Henri Bergson,
entre otros, vías de salida a su crisis religiosa.
Sin embargo, las contradicciones personales y las paradojas
que afloraban en su pensamiento actuaron impidiendo el desarrollo de un sistema
coherente, de modo que hubo de recurrir a la literatura, en tanto que expresión
de la intimidad, para resolver algunos aspectos de la realidad de su yo. Esa
angustia personal y su idea básica de entender al hombre como "ente de
carne y hueso", y la vida como un fin en sí mismo, se proyectaron en obras
como En torno al casticismo (1895), Mi religión y otros ensayos (1910), Soliloquios
y conversaciones (1911) o Del sentimiento trágico de la vida en los
hombres y en los pueblos (1913).
El primero de los libros fue en realidad un conjunto de cinco
ensayos en torno al "alma castellana", en los que opuso al
tradicionalismo la "búsqueda de la tradición eterna del presente", y
defendió el concepto de "intrahistoria" latente en el seno del pueblo
frente al concepto oficial de historia. Según propuso entonces, la solución de
muchos de los males que aquejaban a España era su "europeización".
Sin embargo, estas obras no parecían abarcar, desde su punto
de vista, aspectos íntimos que formaban parte de la realidad vivencial. De aquí
que literaturizase su pensamiento, primero a través de un importante ensayo
sobre dos personajes clave de la literatura universal en la Vida de don
Quijote y Sancho (1905), obra en la que, por otra parte y en flagrante contradicción
con la tesis europeísta defendida en libros anteriores, proponía
"españolizar Europa". Al mismo tiempo, apuntó que la relación entre
ambos personajes cervantinos simbolizaba la tensión existente entre ficción y
realidad, locura y razón, que constituye la unidad de la vida y la común
aspiración a la inmortalidad.
El siguiente paso fue la literaturización de su experiencia
personal a fin de dilucidar la oposición entre la afirmación individual y la
necesidad de una ética social. El dilema planteado entre lo individual y lo
colectivo, entre lo mutable y lo inmutable, el espíritu y el intelecto, fue
interpretado por él como punto de partida de una regeneración moral y cívica de
la sociedad española. Él mismo se tomó como referencia de sus obsesiones del
hombre como individuo: "Hablo de mí porque es el hombre que tengo más
cerca."
Su narrativa progresó desde sus novelas primerizas Paz
en la guerra (1897) y Amor y pedagogía (1902) hasta la
madura La tía Tula (1921). Pero entre ellas escribió Niebla (1914), Abel
Sánchez (1917) y, sobre todo, Tres novelas ejemplares y un prólogo (1920),
libro que ha sido considerado por algunos críticos como autobiográfico, si bien
no tiene que ver con hechos de su vida, sino con su biografía espiritual y su
visión esencial de la realidad: con la afirmación de su identidad individual y
la búsqueda de los elementos vinculantes que fundamentan las relaciones
humanas. En ese sentido, sus personajes son problemáticos, víctimas del
conflicto surgido de las fuertes tensiones entre sus pasiones y los hábitos y
costumbres sociales que regulan sus comportamientos y marcan las distancias
entre la libertad y el destino, la imaginación y la conciencia.
Su producción poética comprende títulos como Poesía (1907), Rosario
de sonetos líricos (1912), El Cristo de Velázquez (1920), Rimas
de dentro (1923) y Romancero del destierro (1927), éste último
fruto de su experiencia en la isla de Fuerteventura, adonde fue deportado por
su oposición a la dictadura de Primo de Rivera. También cultivó el
teatro: Fedra (1924), Sombras de sueño (1931), El otro (1932)
y Medea(1933).
Sus poemas y sus obras teatrales abordaron los mismos temas
de su narrativa: los dramas íntimos, amorosos, religiosos y políticos a través
de personajes conflictivos y sensibles ante las formas evidentes de la
realidad. Su obra y su vida estuvieron estrechamente relacionadas, de ahí las
contradicciones y paradojas de quien Antonio Machado calificó
de "donquijotesco".
Considerado como el escritor más culto de su generación,
Miguel de Unamuno fue sobre todo un intelectual inconformista que hizo de la
polémica una forma de búsqueda. Jubilado desde 1934, sus manifiestas antipatías
por la República española llevaron dos años más tarde al gobierno rebelde de
Burgos a nombrarlo nuevamente rector de la Universidad de Salamanca, pero fue
destituido a raíz de su pública ruptura con el fundador de la Legión. En 1962
se publicaron sus Obras completas, y en 1994 se dio a conocer su novela
inédita Nuevo mundo.
Es reconocido como un físico con grandes capacidades tanto en
el plano teórico como experimental. El elemento fermio, que fue
producido en forma sintética en 1952, fue nombrado en su
honor.
Émile Édouard Charles Antoine Zola, más conocido
como Émile Zola (París, 2 de abril de 1840-ibídem, 29
de septiembre de 1902), fue un escritor francés,
considerado el padre y el mayor representante del naturalismo.
Tuvo un papel muy relevante en la revisión del proceso de Alfred
Dreyfus, que le costó el exilio de su país.
(París, 1840 - 1902) Novelista francés, principal figura del
naturalismo literario. Hijo de Francesco Zola, ingeniero emigrante italiano, y
de Émilie Aubert, proveniente de la pequeña burguesía francesa, pasó su
infancia en Aix-en-Provence y estudió en el colegio Bourbon. Fue compañero de
Paul Cézanne, con quien mantuvo una sólida amistad, y tomó contacto con la
literatura romántica, especialmente con la narrativa de Victor Hugo y la poesía
de A. De Musset, su favorito.
Al morir su padre en 1847, se trasladó a París junto a su
madre y continuó sus estudios en el instituto Saint-Louis. Tras fracasar en su
examen de graduación, en 1859 consiguió un empleo administrativo en una oficina
de Aduanas y en 1862 empezó a trabajar para el departamento de publicidad de la
editorial Hachette. Se interesó por la poesía y el teatro, y colaboró para
periódicos como Le Figaro, Le Petit Journal y Le Salut Public.
Sus primeros libros publicados fueron un conjunto de relatos
titulados Cuentos a Ninon (1864), y una novela autobiográfica con
influencia del romanticismo, La confesión de Claude (1865). Escribió
dos obras de teatro que no fueron representadas, La fea (1865)
y Magdalena (1865), y en 1866 fue despedido de Hachette. Comenzó a
trabajar como cronista literario y artístico en el periódico L'Événement, y
publicó los trabajos de crítica pictórica Mis odios (1866) y Mi
salón(1866), donde hizo una enérgica defensa de Manet, cuestionado en esa época
por los sectores académicos.
A partir de ese momento se dedicó por completo a escribir, se
alejó paulatinamente del romanticismo y sintió afinidad con el movimiento
realista y el positivismo. Aplicó su experiencia periodística en Los
misterios de Marsella (1867), una novela folletinesca, y publicó su
primera obra importante, Teresa Raquin (1867), con la que ganó cierto
prestigio en el ambiente literario.
Con la novela Madeleine Férat (1868) fue
consolidando su estilo, y la lectura de Introducción a la medicina
experimental, de Claude Bernard, lo inspiró para concebir un conjunto de
novelas escritas "con rigor científico", donde quería relatar la
historia natural de varias generaciones de una familia bajo el Segundo Imperio.
Así nació la monumental serie Los Rougon-Macquart,
integrada por La fortuna de los Rougon (1871), La
ralea (1871), El vientre de París (1873), La conquista de
Plassans (1874), La caída del Abate Mouret (1875), Su
excelencia Eugène Rougon(1876), La taberna (1877), Una página de
amor (1878), Naná (1879), Lo que se
gasta (1882), El paraíso de las damas (1883), La alegría de
vivir (1884), Germinal(1885), La obra (1886), La tierra (1887), El
sueño (1888), La bestia humana(1890), El
dinero (1891), La derrota (1892), y El Doctor
Pascal (1893).
En los treinta y un volúmenes que comprenden las veinte
novelas trazó la genealogía de más de doscientos personajes y sus textos fueron
tan elogiados como criticados. Recibió duros cuestionamientos por parte de
escritores católicos como M. Barrès, L. Bloy y B. d'Aurevilly que veían en el
carácter positivista de su obra signos de decadencia, dogmatismo y una
"absoluta carencia de espiritualidad".
Su obra ensayística comprende volúmenes teóricos sobre el
naturalismo, como La novela experimental (1880), El naturalismo
en el teatro (1881), Nuestros autores
dramáticos (1881), Los novelistas naturalistas (1881), Documentos
literarios(1881), y Una campaña (1882); así como textos de crítica y
polémica, entre los que destacan Viaje de vuelta (1892), Nueva
campaña (1897), y fundamentalmente ¡Yo acuso! (1898), un extenso
artículo dirigido al Jefe de Estado francés y publicado originalmente en el
periódico L'Aurore, donde defendió la inocencia del capitán de origen judío A.
Dreyfus, acusado de alta traición a la patria por los militares antisemitas.
El efecto causado por su participación en el Caso Dreyfus lo
posicionó como líder de las fuerzas progresistas (republicanos y socialistas)
que reclamaron al gobierno derechista la defensa de los derechos humanos en la
República. El gobierno, apoyado por los partidos conservadores, el ejército
nacionalista y la Iglesia Católica, lo acusó por injurias y lo persiguió, por
lo que se exilió en Inglaterra hasta que se demostró la inocencia definitiva de
Dreyfus y el complot militar.
En 1899 volvió a París y pudo ver indultado a Dreyfus, y el
29 de septiembre de 1902 murió asfixiado por la defectuosa combustión de una
chimenea, hecho que suscitó muchas sospechas dadas las reiteradas amenazas de
muerte que había recibido.
Su influencia sobre las generaciones posteriores de
escritores no fue sólo literaria, ya que su actitud de involucrarse tanto en la
literatura como en la realidad social se transformó en un paradigma del
escritor comprometido y dominó la escena cultural de occidente hasta la década
de los 70. También es autor de las series Las tres ciudades, compuesta
por Lourdes (1894), Roma (1896) y París (1898),
y Los cuatro evangelios, integrada
por Fecundidad (1899), Trabajo (1901), Verdad(póstuma,
1903) y Justicia (inacabada).
Diesel nació en París en
1858, segundo de los tres hijos de Elise Strobel y Theodor Diesel. Sus padres
eran inmigrantes bávaros asentados en París. En 1870 la familia tuvo que
abandonar Francia al estallar la guerra franco-prusiana, y Rudolf fue enviado
a Augsburgo.
Luego regresó a París como representante de la empresa de máquinas frigoríficas
de su maestro.
Entre 1893 y 1897 construyó en los talleres de la
compañía MAN
AG, perteneciente al grupo empresarial alemán Krupp, el primer
motor del mundo que quemaba aceite vegetal (aceite de palma) en condiciones de
trabajo. Éste fue presentado en la feria internacional de París y
posteriormente fue llamado con el apellido de su inventor.
El Instituto de Ingenieros Mecánicos le concedió la Orden del
Mérito por sus investigaciones y desarrollos sobre los motores con aceite de
maní (cacahuete), que posteriormente usaron petróleo por
ser un combustible más económico.
Se consideraba así mismo como un filósofo social, aunque de
su libro Solidarismus, donde describe su visión de la empresa, solamente
se vendieron 200 ejemplares.
Se supone que murió ahogado por noche del 29 al 30 de
septiembre de 1913, pues desapareció del buque que cubría el trayecto de Amberes a Inglaterra en
el que viajaba. Un par de días después, un bote de la guardia costera encontró
su cuerpo. Como era lo común en aquel entonces, sólo se tomaron sus
pertenencias (identificadas posteriormente por su hijo) y el cuerpo fue
arrojado de nuevo al mar. La inexistencia de una nota o carta de suicidio ha
inducido a pensar que podría haberse tratado de un accidente: Diesel, víctima
de frecuentes dolores de cabeza, tal vez habría salido a pasear a cubierta, y
caído al agua en un descuido. Sin embargo, también es cierto que no se puede
descartar totalmente el suicidio, dado que su situación económica entonces era
desesperada, pues se encontraba casi en quiebra. Existe la hipótesis de que
agentes alemanes lo asesinaran para evitar la difusión de sus inventos, todavía
no se ha comprobado que esto sea real, pero continúa siendo un misterio
su muerte.
Stanley Kramer (29 de septiembre de 1913-19 de febrero de 2001)
fue un director y productor estadounidense. Su trabajo fue reconocido con el
premio En memoria de Irving G. Thalberg en 1961.
Stanley Kramer vivió junto a su abuela en la zona del barrio
neoyorquino de Manhattan conocido
como La cocina del infierno.
Desde una edad muy temprana, Kramer tuvo contactos con la industria del cine.
Su tío, Earl Kramer, trabajó en la distribución de las películas de la Universal Pictures y
su madre era secretaria de la Paramount Pictures.
Así las cosas Kramer acabó sus estudios en el DeWitt Clinton High School
del Bronx y en la Universidad de
Nueva York. Kramer tenía pensado empezar derecho cuando en el último
año de carrera, se le ofreció la posibilidad de trabajar en el departamento de
elaboración de guiones de la 20th Century Fox.
En 1941, trabajó como ayudante de producción en The Moon
and Sixpence y So Ends Our Night.1 Dos años después, Kramer es alistado
en el ejército y trabaja en las unidades de cine de Nueva York. En 1948 Kramer
crea una productora independiente, Screen Plays Inc. Sus socios en la compañía
son el guionista Herbie Baker, el publicista George Glass y el productor Carl Foreman, al que conoció durante la
guerra.
Aunque su primer trabajo con la compañía fue un fracaso, So
This Is New York (1948), de Richard Fleischer, la siguiente película
dirigida por Mark Robson, El ídolo de barro,
protagonizada por Kirk Douglas, fue
todo un éxito. La película recibió seis nominaciones a los Oscar: Mejor Actor, mejor actor secundario,
mejor fotografía en blanco y negro, mejor banda sonora y mejor guion original y
ganó el Oscar en la categoría de mejor montaje. En los siguientes años, Kramer
produciría films tan importantes como Cyrano
de Bergerac (1950), de Michael Gordon que supuso otro éxito
rotundo como productor u Hombres,
de Fred Zinnemann y
que supondría el debut de Marlon Brando.
Una año después, Harry Cohn, presidente de Columbia Pictures ofrecería a Kramer la
oportunidad de hacer películas con la firma de su estudio. Kramer tenía plena
libertad de realizar proyectos siempre que no pasaran del millón de dólares de
presupuesto. [cita requerida] Aunque
Kramer aceptó el trabajo, se dedicó el resto del año a acabar un proyecto
independiente de gran interés para él, Solo ante el peligro,
un western dirigido por Fred Zinnemann. El proyecto, aparte de ser un
éxito total de público, recibió cuatro Óscars: el de mejor actor principal (Gary Cooper), mejor montaje, mejor canción y
mejor guion original, aparte de cuatro nominaciones más, entre las que estaban
la dedicada al mejor director, a la mejor película y al mejor argumento.
En octubre de 1951, Kramer acabó su relación con Carl Foreman, que tuvo que testificar por su
pasado comunista ante la Comisión de actividades antiamericanas. Kramer empezó
a producir películas para Columbia. Una época poco fructífera donde cabe
destacar Muerte de un viajante (1951), The Sniper (1952), The
Member of the Wedding (1952), Hombres olvidados (1953)
o ¡Salvaje! (1953), películas de escaso estilo, valor y éxito.[cita requerida]
En 1953 el presidente de Columbia Harry Cohn y Stanley Kramer
acordaron rescindir el contrato del productor. De todas maneras, Kramer quiso
despedirse de la compañía con el único éxito de su etapa por la productora. El
film, El motín del Caine,
fue una adaptación de la novela de Herman Wouk y fue dirigida por Edward Dmytryk. A pesar del éxito, Kramer tuvo
que resistir las críticas de la marina norteamericana ya que el papel irascible
y tirano del teniente Philip Francis Queeg, que encarnaba Humphrey Bogart, atentaba contra la moral de
la marina.
Después de El motín de Caine, Kramer abandona
Columbia y crea su propia productora, aunque en ésta ocasión en el cargo de
director. En este tiempo, Kramer se ocupa de dirigir y producir sus propias
películas. Así, surgen productos como No serás un extraño (1955)
y Orgullo y pasión (1957).
Aunque Kramer era conocido en todo Hollywood por sus ideas liberales, nunca fue
incluido en la lista negra de Hollywood. En 1961, dirige ¿Vencedores o
vencidos? lo que le vale su primera nominación para los
Oscar como director.
En contraposición a sus proyectos más contestatarios y sociales,
en 1963 Kramer produce y dirige la comedia multimillonaria El mundo
está loco, loco, loco. Cuatro años después, Kramer realiza Adivina
quién viene esta noche, una película muy polémica en su época
por mostrar el matrimonio entre un hombre negro y una mujer blanca pero de la
de la que se cree que el director se sintió profundamente orgulloso. El film
recibió dos premios Oscar (mejor
actriz y mejor guion original) y otras ocho nominaciones a: mejor actor, mejor
actor secundario, mejor actriz secundaria, mejor dirección artística, mejor
director, mejor montaje, mejor banda sonora original y mejor película.
En los siguientes años, Kramer dirigió títulos como Bendice
a los animales y a los niños (1971), Oklahoma Crude (1973)
y Más allá del amor (1979). Kramer
escribiría su propia autobiografía bajo el título A Mad Mad Mad Mad
World: A Life in Hollywood y moriría el 19 de febrero de 2001 en Los Ángeles.
Nació en la ciudad de Salta a las 11:05 de la mañana.
Hijo de José María Leguizamón Todd y María Virginia Outes Tamayo. Estuvo casado
con Ema O. Palermo. Cuando tenía 20 años le comunicó a su padre, quien prefería
que fuera a París para perfeccionarse, que iba a estudiar Derecho; el Cuchi se
dirigió a La Plata, donde en 1945 obtuvo el título de
abogado.
Cantó con el coro universitario, jugó rugby,
fue profesor de historia y filosofía y diputado provincial, y ejerció durante
treinta años la abogacía, hasta que decidió abandonar. Según sus palabras:
"Estoy harto de vivir en la discordia humana. Me produce una gran
satisfacción ver una vieja en el mercado tarareando una música mía. Una vez
venía bastante enojado con todos estos inconvenientes que tiene la vida, y un
changuito (muchachito) pasó en bicicleta, silbando la Zamba del pañuelo.
Entonces lo paré y le pregunté qué es lo que silba: -No sé; me gusta y por eso lo
silbo-, me contestó. Ya ves, ésa es la función social de la música".
En los años 1940, cuanto tenía algo más de 25 años,
trenzó una amistad entrañable con el poeta Manuel J. Castilla,
el hijo del jefe de la estación de Cerrillos, a quien en una de sus obras mayores
le diría: "Padre, ya no hay nadie en la boletería". Al Cuchi, muchas
veces con letra de Castilla, le debe la música argentina y universal,
zambas, chacareras, carnavalitos, vidalas inolvidables en las que habitan
el amor, la tragedia, la miseria, el sarcasmo, la ternura. Era un enamorado de
la baguala ("Toda gran zamba encierra
una baguala dormida: la baguala es un centro musical geopolítico de mi
obra") pero también de Johann Sebastian Bach, Gustav Mahler, Maurice Ravel, Igor Stravinsky, Arnold Schönberg y
sobre todo de Beethoven,
al que definió con sabiduría como "definitivo". Pero no se quedó ahí,
también admiró a otro genio argentino, Enrique "El Mono" Villegas, y a
brasileños como Chico Buarque, Milton Nascimento, Vinicius ("Las
corrientes de música popular americana más importantes están en Brasil") y
el jazzista estadounidense Ellington. Capaz de organizar en Salta primero
y en Tucumán más tarde conciertos de campanarios (literalmente,
pues el sonido lo proveían los bronces de las iglesias), es cierto que
Leguizamón saltó sobre el pentagrama y pulsó cuerdas, digitó
teclados, sopló en maderas, cobres y cuernos, como se escribió alguna vez, a
pura oreja. La prueba es que intentó también un concierto de locomotoras, fascinado por "ese
instrumento musical maravilloso que tiene fácilmente dieciocho escapes de gas
que son sonidos y un pito con el cual se pueden hacer maravillas, por no contar
su misma marcha". Al principio —hasta hizo fundir una quena para agregarla
a la máquina— los ferroviarios lo miraban como a un bicho raro. Después se
entusiasmaron. Los maquinistas lo saludaban con el saludo sonoro de la
locomotora, que además le enseñaron a plasmar.
En tiempos del presidente argentino Arturo Illia, Gustavo Leguizamón fue diputado
provincial extrapartidario y en tiempos del gobernador peronista de Salta
Roberto Romero, asesor cultural de la provincia. Fue entonces cuando embistió
con mayor fiereza contra una burocracia sorda que impedía importar pianos y
protagonizó en la Legislatura debates memorables para propender al
descongelamiento cerebral. Capaz de respetar a Churchill tanto cuanto despreciaba
a Thatcher, Malvinas fue para él una herida abierta
pero no ciega, porque supo adjudicar responsabilidades cuando se preguntó por
qué fuimos y no peleamos. Impensable en Buenos Aires, Leguizamón —que mascaba
hojas de coca, y defendía la costumbre— fue parte del paisaje de Salta, a la que
amó profundamente, desde los olores de sus yuyos secos hasta el aire que viene
de la quebrada escondida por la cual Belgrano sorprendió a los españoles. Se
casó con Ema Palermo, teniendo cuatro hijos de ella: Juan Martín (1961), José
María (1963), Delfín Galo (1965) y Luis Gonzalo (1967).
Es autor de las zambas más famosas y que representan a la
cultura musical de Salta; la música popular; además de haber compuesto obras
populares es un compositor que ha contribuido con su talento y su expresión al
acervo cultural salteño. Sus obras son características por su armonía y ritmo
por su riqueza melódica, su temática musical. Escribió entre otras: "Zamba
del Pañuelo", "Zamba del Mar", "Zamba del Panza Verde"
con Jaime Dávalos,
"Chacarera del Expediente", "Carnavalito del Duende",
"Zamba Argamonte" con Manuel J. Castilla,
"Zamba para la Viuda" con Miguel Ángel Pérez, "Bajo el azote del
Sol" con Nella
Castro.
Su musicalidad y asonancia fue única y componía algunas de sus
obras a la medida de la interpretación del Dúo Salteño, con quien mejor acuñó las
disonancias que emergían como duendes traviesos de las melodías. Su simpatía y
espontaneidad brotaban a borbotones en la cotidianeidad salteña. Ganó numerosos
premios por su labor artística: Premio SADAIC, Premio Fondo Nacional de la
Artes. Compuso una obra que Virtú Maragno estrenó con la Orquesta Sinfónica de Santa Fe: es su
"Preludio y Jadeo". Compuso la música para la película La redada -
1997 dirigida por Rolando Pardo) en la que además interpreta como actor a
"Picaflor".
Falleció en Salta el 27 de septiembre de 2000 a las 16:30
aproximadamente; dos días antes de que pudiera cumplir los 83 años de edad.
Nacido en Huntsville, (Texas), era hermano
del actor Dana Andrews. Empezó su carrera en un papel menor, en
la película de 1943,
Crash Dive con Tyrone Power, en 1953 tiene un papel en Battle Circus,
con Humphrey Bogart, seguida del film: Take the High
Ground, con Richard Widmark, Prisoner of War 1954, junto a Ronald
Reagan, y en el clásico de Robert Taylor, Rogue Cop, donde interpreta a Eddie
Kelvaney, hermano de Taylor. A finales de los años 50 y en los
años 60, aparece como invitado en las series: Playhouse 90, Climax!, Alfred
Hitchcock Presenta, La Dimensión Desconocida, Death Valley Days, El Virginiano,
El Fugitivo, Cuero Crudo, Bonanza. En 1966 protagoniza la serie inglesa El Barón,
interpretando a John Mannering, "The Baron". Se filmaron 30 capítulos
de la serie de I.T.C. Televisión. En los años 70 continúa apareciendo, como
invitado en Misión: Imposible, El
gran chaparral, Galería Nocturna, Sexto sentido, La ley del
révolver, El Hombre Nuclear, La isla de la fantasía y en los años 80
en Hotel, Dallas, y en la película para la
televisión: Gunsmoke: Return to Dodge, con James
Arness... En los años 90 en Columbo con Peter Falk,
y en Se ha escrito un crimen (Murder, She Wrote).
S.W.A.T.
En 1975 es contratado para protagonizar la serie S.W.A.T., interpretando al Teniente
Dan 'Hondo' Harrelson, jefe del grupo especial S.W.A.T.,2
En la serie lo acompañaban: Robert
Urich como el Oficial Jim Street, Rod Perry como el Sargento Deacon,
Mark Shera como el Oficial Luca, y James Coleman como el Oficial T.J. McCabe.
Se filmaron 37 capítulos de la serie entre 1975 - 1976. En la película
S.W.A.T. 2003,
Steve Forrest tiene una pequeña intervención como el conductor del camión.
Empezó a escribir guiones junto a su colega David Newman mientras colabora
de editor en la revista Esquire. El éxito le llegó en Kramer contra Kramer que además de
guionista también fue el que dirigió la película.
Dos de sus tíos paternos fueron asesinados por causas
desconocidas.
Por lo general escribe todos los guiones de sus películas.
Jerry Lee Lewis (Ferriday, Luisiana, 29 de septiembre de 1935-Condado de DeSoto, Misisipi, 28 de octubre de 2022)12 fue un cantante, compositor y pianistaestadounidense, pionero del rock and roll. Fue ampliamente considerado como uno de los cantantes más influyentes e importantes del rock y uno de los pianistas más influyentes del siglo xx. Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado una seria alternativa frente a Elvis Presley, el "Rey del Rock". Su popularidad decayó a finales de los años cincuenta al hacerse público que se casó con su prima Myra Gale Brown, de 13 años de edad. Su carrera resurgió a mediados de los años 60 con varios éxitos en la música country.
Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo, junto con otros pioneros del estilo, y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24º de los mejores músicos del siglo.3 Su vida fue llevada la gran pantalla en la película Great Balls of Fire! (1989), donde fue interpretado por el actor Dennis Quaid.
Tras la muerte de Little Richard en mayo de 2020, y hasta su propio fallecimiento, Jerry Lee Lewis se convirtió en el último sobreviviente de la edad dorada del Rock and Roll de los años 50.
Jerry Lee Lewis nació en una familia muy pobre de Ferriday, en la parroquia de Concordia, al este de Luisiana. Comenzó a tocar el piano en su juventud junto a sus primos Mickey Gilley y Jimmy Swaggart, posteriormente uno de los primeros teleevangelistas. Debido al talento mostrado por Jerry Lee ya desde su infancia, sus padres hipotecaron su granja para comprarle un piano. Influenciado por la música popular entonces emitida por la radio en programas como The Louisiana Hayride o Grand Ol' Opry, mezcló los estilos de la época (country, rhythm and blues, boogie-woogie y góspel) para crear el suyo propio.
En sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues y el 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema "Drinkin wine, spoo-dee-o-dee".4
En 1952, con 16 años, contrajo matrimonio con Dorothy Barton, dos años mayor que él (en esa época, en el sur de los Estados Unidos, eran comunes los matrimonios a temprana edad). Ese mismo año grabó sus primeras canciones: una composición para piano llamada "New Orleans boogie" y una versión de la balada country de Lefty Frizze "Don't stay away ('til love grows old)". En septiembre de ese año su madre lo envía a una escuela religiosa de Waxahachie, Texas, para que interpretase música exclusivamente religiosa, pero pronto fue expulsado por tocar una versión de "My God is real" en estilo boogie-woogie.
En 1953, sin divorciarse de su primera esposa, se casa con Jane Mitcham cuando esta queda embarazada del que sería el primer hijo de Lewis, Jerry Lee Lewis Jr.5 En 1954 volvió a grabar, haciendo versiones de canciones country como "If I ever needed you" y "I don't hurt anymore".6 En estos primeros años actuó en clubes en Ferriday, Natchez, Misisipi y Nashville (Tennessee). Al intentar aparecer en The Louisiana Hayride es rechazado ya que según los ejecutivos del programa debía tocar la guitarra y no el piano.
En 1956, después de leer un artículo sobre Elvis Presley en una revista, viaja a Memphis para probar suerte grabando en su misma compañía discográfica, Sun Records. En ese momento, el dueño de la discográfica, Sam Phillips, se encontraba en un viaje en Florida así que fue Jack Clement quien grabó sus primeras canciones para el sello: una versión de "Crazy arms" de Ray Price y una composición propia llamada "End of the road".
El 4 de diciembre del mismo año se produce un acontecimiento histórico cuando, en una sesión improvisada en la sede de la compañía, graba varios temas junto a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash. Bautizados Million Dollar Quartet ("El cuarteto del millón de dólares") en un artículo periodístico aparecido días después e inmortalizados en una célebre fotografía con Elvis al piano, la grabación no vería la luz pública hasta décadas después.
Fue en 1957 cuando Lewis alcanza un éxito masivo con "Whole Lotta Shakin' Goin' On". En un principio, Sam Phillips no estaba convencido de grabar esta canción debido a su contenido sexual que la hacía más propia del gusto del público negro, pero finalmente acepta y se graba como cara B de un sencillo que incluía como tema principal It'll be me. "Whole Lotta Shakin' Goin' On" fue tocada en vivo por primera vez en un bar de Arkansas el 22 de febrero e impresionó tanto al público que la tuvieron que repetir veinticinco veces en la misma noche. Por su alto contenido sexual, excesivo para la sociedad de la época, fue censurada en muchos programas de radio y televisión. Después de no ser admitida en The Ed Sullivan Show, calificada de inmoral, la presenta en The Steve Allen show, gracias al cual alcanza el número uno en las listas de country y R&B y el tercer puesto en las de pop, llegando a vender seis millones de discos en todo el mundo.
Tras el éxito espectacular del sencillo, el escritor de canciones Otis Blackwell, que ya había trabajado para Elvis, compone junto a Jack Hammer el que sería el tema de mayor éxito de la carrera de Lewis, "Great Balls of Fire". No obstante, Sam Phillips tuvo que convencer al cantante para grabar la canción ya que Jerry rehusaba debido a su contenido blasfemo. El tema logra un gran éxito a nivel mundial y es n.⁰ 1 en las listas de los Estados Unidos y el Reino Unido.
En esa época se produce la que quizá sea la anécdota más conocida en la carrera de Jerry Lee Lewis, origen de su fama de artista problemático que le daría su apodo de "The Killer": según este relato, en una actuación en el Brooklyn Paramount Theatre de Nueva York, Lewis fue programado como telonero del músico Chuck Berry. Como protesta, cuando subió al escenario llevó una botella de Coca-Cola llenada con gasolina y, mientras interpretaba vigorosamente Great Balls of Fire en el piano, vació la gasolina sobre el mismo piano y lo incendió a la vista del impactado público. Al terminar de tocar, con el piano aún en llamas, se oyó a Lewis diciéndole a Berry "Supera esto, negro". No obstante, si bien se tiene constancia de que tanto la provocación a Chuck Berry como el incendio del piano ocurrieron realmente, las fuentes disponibles indican que en realidad se trató de dos shows distintos. Tampoco se sabe con certeza si el incidente del piano ocurrió apenas una vez (la única verificada) o formó parte regular de su espectáculo. En cualquier caso, nunca ocurrió una vez finalizada la década de los 50.7
En el verano de 1958 Lewis era el músico con más éxito del momento gracias a dos temas más: "Breathless" y "High School Confidential", que lograron altas posiciones en las listas. Esta última apareció en la banda sonora de la película del mismo nombre en la que Lewis actuó. No obstante, su carrera sufriría a finales de año un tremendo varapalo, del que en cierto modo nunca llegó a recuperarse, al conocerse un nuevo dato sobre su vida privada que escandalizó a la sociedad de la época.
Cuando Jerry Lee Lewis viajó a Memphis en 1956, conoció a Myra Gale Brown, la hija de su primo, el bajista J.W. Brown.8 El 12 de diciembre del año siguiente se casaron en Hernando, Misisipi aunque todavía Lewis no se había divorciado de su segunda esposa. Myra Brown solo contaba con 13 años en la fecha de la boda, mientras que Jerry Lee tenía 22, razón por la cual ambos ocultaron el matrimonio.
El 22 de mayo de 1958 Jerry Lee Lewis llegó a Gran Bretaña junto con su familia, incluyendo a su esposa, aunque se le había recomendado que ésta no fuese. En el aeropuerto de Londres un periodista local descubre el matrimonio y al preguntar por la edad de la esposa, Lewis contesta que Myra tiene 15 años. La prensa británica descubre pronto que Myra tenía 13 años causando un gran escándalo y la popularidad de Lewis, muy elevada entre el público británico, se reduce considerablemente; después de solo tres conciertos con escasa audiencia la gira se cancela y Lewis es deportado de Gran Bretaña.
El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical y sufrió el ostracismo del público, pasando de ganar 10 000 dólares la noche a 250. La discográfica Sun Records lanza un sencillo llamado The Return of Jerry Lee que es una entrevista en la que se utilizan partes de las canciones en tono humorístico. En el lado B se incluye Lewis Boogie, pero el disco es un fracaso y no llega a las listas. En 1959 nace su tercer hijo, Steve Allen Lewis, el nombre es en honor al presentador de televisión que presentó a Jerry.
En 1960 Sun Studios, en un esfuerzo de recuperar la carrera de Lewis, graba canciones instrumentales bajo el seudónimo The Hawnk, pero el estilo de Jerry es muy reconocible y el intento fracasa.9 El único éxito de Lewis durante este periodo sería una versión del What'd I Say de Ray Charles en 1961. Su popularidad se recupera un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 60, pero su éxito no se replica en los Estados Unidos.
El 22 de abril de 1962, un Domingo de Pascua, Steve Allen Lewis muere ahogado en la piscina a la edad de tres años mientras estaba bajo el cuidado de su abuelo Elmo Lewis, tragedia que Jerry interpreta como un castigo por su turbulento pasado. Cinco días después del entierro Lewis hace una gira por el Reino Unido donde resulta muy bien recibido; sin embargo, desde la muerte de su hijo, la relación con Myra empeora y aumenta la dependencia hacia los fármacos y el alcohol.
En 1963 Jerry y Myra tienen una hija, Phoebe Lewis, la cual tuvo una estrecha relación con su padre y ya adulta sería su mánager. Ese mismo año expira el contrato con Sun Studios y entonces Lewis se incorpora a Smash Records. Ese año vuelve a hacer una gira por Europa en Inglaterra, Escocia, Alemania y Francia.
En 1964 Lewis actúa en el concierto "Live at Star-Club" en la ciudad alemana de Hamburgo del que saca un álbum con ese mismo título considerado uno de los mejores y más salvajes "en vivo" de la historia del rock.101112131415
Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se centra casi exclusivamente en la música country con éxito, con muchas canciones destacando en las listas de hits, incluyendo un "número uno" con To make love sweeter for you en 1969. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, Lewis nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes del escándalo de su boda con Myra, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.
La década de 1970 comienza con varias desgracias personales para Lewis: en 1970 su segunda esposa le pide el divorcio; en 1971 fallece su madre; en 1973 su hijo de 19 años, Jerry Lee Lewis Jr., muere en un accidente automovilístico; y en 1979 fallece su padre, Elmo Lewis. Un año después de divorciarse se vuelve a casar.
El comportamiento errático e incoherente de Lewis durante la última parte de la década de los 70 y principios de la década de 1980 le condujo a una larga hospitalización cercana a la muerte por úlcera sangrante en 1981. Poco después, su cuarta esposa, Jaren Gunn Pate, se ahoga en la piscina de la casa de una amiga; poco más de un año después, su quinta cónyuge Shawn Stephens aparece muerta en su casa por sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también sufre adicción a las drogas, se interna voluntariamente en la clínica de desintoxicación Betty Ford.
Durante el resto de la década Lewis volvió a tener problemas de salud y es internado en varias ocasiones. También tiene problemas con la administración tributaria de EE. UU. y acumula una deuda de casi 3 millones de dólares en impuestos impagos. La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart tras un escándalo sexual en 1986, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia; Swaggart es también pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también toca el piano, llegando a grabar algunas canciones con Van Morrison.
En 1987 Lewis vuelve a tener un hijo con su sexta esposa, el niño se llamará Jerry Lee Lewis III. En 1989, una película de Orion Pictures basada en los primeros años de su carrera y titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego) nuevamente atrajo sobre él la mirada del gran público; el filme estaba basado en el libro de la exesposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, junto con Winona Ryder y Alec Baldwin.
En 2007 saca un DVD en vivo de su álbum del que vende más de 500 000 discos. En 2008 actúa en la entrega de los premios Grammy, en el Capitolio de los Estados Unidos y realiza otra exitosa gira por Europa.
El 29 de septiembre de 2010 Jerry Lee cumple 75 años lanzando el disco Mean old man, un disco apegado a su estilo country.16
El 17 de abril de 2011 Jerry Lee Lewis realizó un concierto en el Record Store Day de Nashville, TN, el cual fue grabado y posteriormente lanzado en 2012 como Live At Third Man Records. En realidad este concierto estaba planeado para el día 16 de abril, pero este se pospuso debido a que las condiciones de frío y mucho viento hubieran podido arruinar la grabación en vivo del show. El evento fue producido por Jack White para Third Man Records, y grabado en directo a cinta analógica. La banda estuvo conformada por el guitarrista Steve Cropper, el baterista Jim Keltner, el bajista Jack Lawrence (Greenhornes, The Dead Weather), y el legendario Kenny Lovelace, guitarrista que acompaña a Lewis desde 1966. A modo sencillo se publicó el tema "Why You Been Gone So Long?" a través de YouTube.
En 2014 se lanza un nuevo trabajo en estudio llamado Rock & Roll Time.
El 28 de febrero de 2019, Lewis sufre un ataque cerebrovascular, por lo que sus presentaciones son canceladas. En febrero de 2020 se anuncia, luego de un año de ardua rehabilitación, el regreso de Lewis a los estudios para la preparación de un nuevo álbum.17 Se recuperó por completo de muchas apariciones canceladas por problemas de salud.18
El 26 de octubre de 2022, TMZ y otros medios anunciaron su muerte, aunque la noticia se probó falsa.20 Sin embargo, dos días después falleció en su casa de Nesbit, Misisipi, de una neumonía a la edad de 87 años.21222324
En sus canciones se encuentra a menudo el tema de la
emigración y el sentimiento de gran apego a la tierra natal, la región
meridional de Apulia, y a la vida de los campos, con llamadas a la campiña y a
sus colores. Una de las piezas que él compuso, Zapponeta, está dedicada a
su ciudad natal; otro título suyo muy conocido es "País".
En la década de los 1960 comenzó su carrera musical; pero el
tono de su voz no le permitió lograr el éxito con rapidez. En 1963 apareció su
primer sencillo y al siguiente año logró cierta popularidad con el tema
"Amor, Regresa a Casa". En 1965 fue invitado a participar en el Festival de San Remo, logrando
llegar a la ronda final.
En 1966 y 1967 se presentó en el festival, pero no logró
llegar a la final. Su carrera continuó sin grandes sucesos, hasta que repentinamente
en 1970, también en San Remo, logró reconocimiento al alcanzar el segundo lugar
con el tema "La prima cosa bella".
La consagración definitiva le llegó en el año 1971, y en 1972
repitió su éxito. En 1974 se presentó una vez más en San Remo y llegó a
finalista. En 1972 participó en el Festival de la Canción de
Eurovisión.
Por sus canciones en castellano goza de gran popularidad en
Latinoamérica, entre ellas, "Los días del arco iris", "Lisa de
los ojos azules" (1969), "Trotamundos" (1968), "Rosa",
"Primera cosa bella", "El corazón es un gitano" (1971),
"El último romántico" (1971) y "Como Violetas" (autores de
Como violetas: Gaetano Améndola y Peppino Gagliardi). Sus éxitos lograron
llegar a Argentina, Chile, Perú y otros
países de Latinoamérica, donde realizó giras y presentaciones
entre los años 1970 y 1980.
En su época de oro grabó y cantó muchos temas, incluso en castellano; y sus
temas "Vagabundo" y "Guitarra suena más bajo", junto a
otros más, recorrieron Latinoamérica y lograron situarse entre los primeros en
las listas de éxitos. Su estilo tan personal y romántico sirvió para que se le
comenzara a llamar «El Último romántico», gracias a un tema con ese nombre, el
cual popularizó y también sirvió para darle mayor fama.
Los inicios
Originario de un pequeño pueblo en los campos de la
región foggiane,
deja Apulia para
trasladarse a Milán en busca de aceptación como cantante; en los
primeros años de permanencia en la capital lombarda para mantenerse efectúa
también humildes trabajos como camarero y albañil.
Después de haberlo escuchado cantar, algunos colegas lo
impulsan a emprender la carrera musical, y así Michele, elegido el nombre
artístico de Nicola di Bari (en honor al santo, de quien es devoto), participa en 1961 en
un concurso de canciones nuevas con una pieza suya, "Piano pianino",
y lo gana: comienza así y a exhibirse en algunos locales de Milán, pero
continuando el trabajo de día. Una tarde lo escucha Walter Guertler, que decide
proponerle un contrato por su casa discográfica, la Jolly, y de contratarlo
como colaborador para permitirle tener más libertad por su actividad musical;
el primer corte en cambio, "Piano...pianino...", pasa inadvertido.
Continúa teniendo noches, incluso algunas en Suiza.
Los primeros éxitos
En 1964 participa en el Cantagiro con "Amor vuelve a
casa", obteniendo un discreto éxito. El año siguiente se presenta al
Festival de San Remo con "Amigos míos" (en pareja con Gene Pitney) y
al Cantagiro con "Lloraré".
Vuelve al Festival en 1966 con "Ella me espera", y
de nuevo al Cantagiro con "3.000 tambores", y todavía, por cuarta vez
consecutiva, a San Remo en 1967 con "Miren a sus espaldas". En estos
años en Jolly conoce y se convierte en amigo de Luigi Tenco, y años después le
dedicará un álbum completo a las canciones del cantautor. Estos primeros éxitos
lo vuelven un nombre conocido, por el cual a fines de 1967 es contactado por
RCA, que lo contrata y le hace editar en 1968 el cover de una canción de Eric
Charden, "El mundo es gris el mundo es azul", que tiene un gran éxito
(años después Franco Battiato, en su célebre canción "Cuccurucucu",
la citará), repetido el año siguiente por otro versión, "Eternamente",
de la película Luces de la ribalta de Charles
Chaplin: pero falta todavía una gran afirmación, que se tendrá en los
primeros años de la década siguiente.
Años 1970
La vuelta se produce en 1970: Gianni
Morandi debería cantar en San Remo la canción "Primera cosa
bella", canción con la música escrita por Nicola De Bari y la letra de
Mogol, pero el boloñés renuncia poco antes del Festival y RCA elige al
cantautor foggiano para acompañar a los Ricchi e Poveri (Ricos y Pobres). La
canción revela ser un gran éxito, incluso resultando segunda, y Nicola Di Bari
se vuelve muy requerido a pesar de nadie creyera en él antes del Festival.
Un hecho singular puede dar la medida de aquel éxito: se
trata todavía hoy de una de las piezas más melódicas y pegadizas de la música
italiana del período, que sin embargo ofrecía gran calidad, basta pensar que en
San Remo De Bari fue precedido por Celentano con "Quien no trabaja no hace
el amor" y seguido en el tercer puesto por Sergio Endrigo con la propuesta
"Arca de Noé", en el cuarto puesto otra pieza que ha entrado en la
historia de la música italiana, "Eternidad" de Camelonti, y en el quinto
otra canción histórica, "La espada en el corazón", escrita por Lucio
Battisti, Mogol y Donida para Patty Pravo y Little Tony.
En la etiqueta del disco se ha indicado producción Número
Uno, que es la casa discográfica de Lucio Battisti; en efecto Battisti, al
escuchar la canción de Di Bari (cuya letra fue escrita por Mogol), se ofreció a
grabar la prueba para presentar a Morandi, y tocó por lo tanto la guitarra,
haciéndose acompañar de Franz Di Cioccio en batería, Damiano Dattoli en bajo,
Andrea Sacchi en guitarra eléctrica y Flavio Premoli en teclado; cuando Morandi
renunció, Nicola Di Bari, aconsejado por el arreglador Giampiero Reverberi,
decide utilizar esta base, en cuanto ya era óptima, añadiendo la orquesta de
arcos arreglada por el maestro Reverberi.
El segundo puesto de San Remo no detiene a Di Bari: en verano
sale con una nueva pieza de gran éxito, "Vagabundo", que conquista
las clasificaciones también en Sudamérica y en España, y en otoño repite como
el éxito de los sencillos anteriores con "Una jovencita como tú"
(versión de una pieza de Bobby Darin con letra en italiano escrita por Giuseppe
Lo Bianco).
Nicola De Bari todavía se impone al gran público y gana el
Festival de San Remo en 1971 con "El corazón es un gitano" en pareja
con Nada y en 1972 con "Los días del arco iris", también presentados
en el Festival de Eurovision de aquel año, en
Edimburgo: en tal ocasión recibieron muchos aplausos y lisonjeros juicios de la
crítica, ganando un honorable sexto puesto. A esta canción está ligada un
episodio de censura: en efecto en el Festival de San Remo le fue impuesto por
la comisión de censura de la RAI de modificar una estrofa de "Los días del arco
iris", en el que canta "Giacesti bambina ti alzaste giá donna"
(te acostaste niña, te levantaste como mujer), modificando el verso en "Tu
eras niña, te levantaste ya mujer", en las versiones en disco la
modificación está ausente.
En 1971 gana en Canzonissima con "Guitarra suena más
bajo", batiendo in extremis Massimo Rainero; de esta canción también Mina,
años después, ofrecerá una bella interpretación; en 1971 también es el año de
un homenaje a Luigi Tenco, con el álbum Nicola Di Bari canta a Luigi
Tenco.
En 1973 es el año de "País", que resulta muy
exitoso, no repetido por el disco siguiente, Por ejemplo... a mí gusta el
Sur, escrito por un joven cantautor, Rino
Gaetano, que se volverá después muy conocido años después. Vuelve al
Festival de San Remo en 1974 con menos éxito, con "El loco de la
aldea", mientras en 1975 se encomienda a Paolo Frescura, que escribe la
pieza "El amor te hace linda" (Ti fa bella l'amore), que pasa sin
embargo inadvertida.
El cine
En los años 1970 la actividad artística de Nicola di Bari
también ha interesado al cine: ha participado en la película
policíaca Turín negra del 1972, con la dirección de Carlo Lizzani y
al lado de actores del calibre de Bud
Spencer.
En precedencia recitó con otros dos cantantes, Don Backy y
Caterina Caselli, en la película La inmensidad – La muchacha del
Piper del 1967, dirigida por Oscar De Fina y en La muchacha del cura,
de 1970, dirigida por Domenico Paolella.
Los años siguientes, con el cambio de sello discográfico de
RCA a Carosello, sus ventas en Italia se ven reducidas (con una pequeña
excepción con La más bella del mundo en 1976) y de una consiguiente
disminución de la actividad en la península.
Continúa su carrera en Sudamérica, dónde continuó logrando
considerable éxito aún después de 1975: todavía es posible escuchar en la radio
algunas de sus más famosas canciones de los años 1970 traducidas al español.
También ha compuesto algunas canciones en esta lengua, cuya
versión italiana nunca fue publicada, como son los casos de "El último
pensamiento" y "El último romántico", cantadas solo en italiano
por Nicola en una aparición televisiva.
Anécdota
Cuando niño, cantaba de una manera muy particular. Nicola di
Bari contaba la siguiente anécdota en un medio de prensa: "sus compañeros
de colegio lo persuadieron para que ayudara a vender a un heladero que no tenía
pregonero. No solo se acabaron los helados, sino que se formó un tumulto para
escucharlo; fue entonces cuando él decidió que sería un cantante popular.
Se llamó Madeline Gail Wolfson, nació en Boston y vivió en Nueva
York desde pequeña. Estudió en la Martin Van Buren High School de Queens, donde ganó una beca para estudiar
actuación en la Hofstra University, donde se graduó en 1964.
Le siguió Luna de papel por el que ganó una
nominación al Óscar como
mejor actriz de reparto como "Trixie Delight"4 y tres notables intervenciones en
films cómicos de Mel Brooks: Blazing Saddles (1974) (su
memorable parodia de Marlene Dietrich como "Lili von
Shtupp" en el lejano oeste le mereció otra candidatura al Oscar),5 Young Frankenstein como
la novia del monstruo parodiando a Jeanette MacDonald (1974)6 y High Anxiety (1977).
Después de varios films, en 1983 protagonizó su propio show en
televisión "Oh Madeline", participando en varios shows como el de
Los Muppets, Carol Burnett, Johnny Carson,7 en la celebración del centenario
de Irving Berlin en Carnegie Hall8 etc.
Hacia el final de su carrera regresó al teatro en el papel
de Judy Holliday en
el revival de Born Yesterday (Nacida ayer) en 1989.
Diagnosticada con cáncer de ovario en 1999, se casó en
octubre de ese mismo año con su compañero John Hansbury, murió un mes después a
la edad de 57 años.
Trabajó con Kenny
Rogers en los años sesenta y produjo sus primeros 3 álbumes con su
grupo The First Edition, así mismo produjo el trabajo de Dolly
Parton en el álbum 9 to 5 and Odd Jobs de 1981. Su primer
Grammy lo obtuvo a los 23 años por el Arreglo Instrumental de "Classical
Gas" de Mason Williams. A los 24 se convirtió en el director
musical de The Andy Williams Show.
Pero su gran éxito vino con la composición en conjunto con Pete Carpenter) del tema de la
serie The Rockford Files del productor Stephen J. Cannell.
Ferrero abandonó la secundaria después de su segundo día de
clases y se unió al Teatro de Actores de California en Los Gatos, California. En 1979 se mudó a Los Ángeles y comenzó a actuar en Hollywood.
Miguel Gallardo nació en Granada, España y a los ocho años se
trasladó con su familia a vivir a Barcelona.
Terminando la adolescencia ingresó en la Universidad de Ingeniería Técnica
de Villanueva y Geltrú, estudiando simultáneamente
solfeo, guitarra y piano en el Conservatorio de Música de
Barcelona.
En la década de
1990, se retiró de la música para dedicarse a su empresa productora y
editora Veramusic y dar oportunidad a
nuevos talentos emergentes, entre ellos Azúcar
Moreno y David Bustamante. Tenía proyectado retornar
nuevamente a la música para el nuevo milenio.
Sus inicios
Comienza en la música en conjuntos musicales de Barcelona
como Los Kifers a finales de los años
1960, incluso llega a ensayar unos meses con Los Sirex.
Su carrera discográfica comienza en Barcelona como compositor de
otros artistas: Grupo Imagen y Los Amaya,
con el gran apoyo de Tony Ronald. Como cantante, sus primeros dos sencillos
los lanzó bajo el nombre "Eddy Gallardo" en 1970 y 1971, respectivamente.
En 1972 y 1973 lanza otros dos sencillos más, esta vez con el nombre
"Miguel Gallardo", el cual utilizaría el resto de su carrera.
Durante 1974 lanza
primeros sencillos que destacaron en el mercado, "Recordando a Glenn"
y "Quédate",
canción inspirada en el poema "Farewell" de Pablo
Neruda con la que logra su primer número uno en España.
Su primer éxito internacional
En 1975 lanza su primer gran éxito, "Hoy tengo ganas de
ti" y luego, en este mismo año, lanza su primer álbum, Autorretrato,
convirtiéndose en el primer artista español en ser distribuido por el
prestigioso sello EMI-Harvest.
A partir de este momento se consolida en el mercado
hispanoamericano. Temas como "Hoy tengo ganas de ti" —el cual ha
alcanzado más de dos millones en ventas y que ha sido versionado en otras
lenguas como francés, inglés, portugués, chino, finlandés, griego—, fue prácticamente
la carta de presentación de Miguel Gallardo en México, siendo un éxito rotundo
y muy popular en las estaciones de radio. "Otro ocupa mi lugar",
"Gorrión", "Y tú dónde estás", "Saldré a buscar el
amor", "Y apago la luz" ratifican su éxito.
En 1988 lanza su álbum América, grabado en Los Ángeles.
Ese mismo año fue nominado a los Premios
Grammy por América.
En 1990 recibe el premio ACE (Asociación
de Críticos del Espectáculo) de Nueva York, como el mejor cantante latino.
El disco 1+1=3 fue lanzado al mercado en 1990, el
cual fue su último álbum.
Hacia mediados de la década de 1990, crea su propia editorial
y productora musical denominada Veramusic, dedicada a buscar y lanzar nuevos
compositores, autores e intérpretes. En junio de 1999 recibió de
Sony ATV Music Publishing un Disco
de Diamante por las ventas del catálogo de Veramusic en sus tres
primeros años de existencia, en los cuales cuenta con canciones grabadas por
artistas como Azúcar Moreno, Sergio
Dalma, Ana Torroja (Mecano), Ana Belén, Alejandra Guzmán, Valeria
Lynch, Lucero, Greta
y Los Garbo, Mijares y Betty
Missiego, entre otros. En julio de ese mismo año, recibió otro Disco de
Diamante, por las ventas de las canciones escritas por Miguel Gallardo en esos
años. También produjo el álbum Dando Guerra de Los
Del Río.
Muerte
Murió en la Clínica Anderson de Madrid a la
edad de 56 años, donde estaba ingresado a consecuencia de un cáncer, que
según fuentes, se originó en uno de sus riñones, mas no se sabe cuándo empezó
su enfermedad.
En 1980 Loretta publicó el single de
verano Notti
d'agosto escrito para ella por Franco Califano (su querido amigo también
en la vida privada) y emprendió una nueva gira internacional con su hermana
Daniela titulada Supergoggi que llega a los países de América Latina .
En el mismo año, junto con la hermana de Daniela, ella es
también la estrella de un programa de televisión variedad episodio de
exitosa obra de teatro
en varieté , dirigida por Antonello Falqui y transmitido por la red 1 RAI, donde dos hermanas
personifican parejas famosas de los acontecimientos italianos y internacional.
En 1981 participó como cantante en el Festival de
Sanremo con su canción más famosa, Maledetta primavera ,
ganando el segundo lugar en la clasificación final. Maldito primavera demostrará
ser un éxito internacional del que se vendieron más de un millón de copias (que
luego serán grabados en muchas cubrir varias lenguas extranjeras) obteniendo
el disco de oro y platino , y pronto se convirtió en
un árbol de hoja perenne de la música
italiana.
Luis Andrés Caicedo Estela (Cali, 29 de septiembre
de 1951 – Ibídem,
4 de marzo de 1977) fue un escritorcolombiano. A pesar de su prematura muerte, su obra es
considerada como una de las más originales de la literatura colombiana. Caicedo
lideró diferentes movimientos culturales en la ciudad vallecaucana como el
grupo literario los Dialogantes, el Cineclub de Cali y la revista
Ojo al Cine. En 1970 ganó
el I Concurso Literario de Cuento de Caracascon su
obra "Los dientes de caperucita", lo que le abriría las puertas a un
reconocimiento intelectual. Escribió que vivir más de 25 años era una
insensatez, lo que es visto por muchos como la razón principal de su suicidio el 4 de marzo
de 1977 cuando tenía tan solo 25 años de edad y había recibido una copia del
libro ¡Que viva la música! editado por Colcultura, entidad colombiana
para la promoción de la lectura.
La obra de Caicedo hace relevancia a la sociedad urbana y sus
problemas sociales, principalmente con respecto al mundo actual. Su literatura
simboliza la masificación del cuerpo como objeto de consumo en el límite de la
dinámica de intercambio, constituyéndose así como un visionario de los cambios
sociales derivados del modelo económico.
Contrario a la escuela literaria del realismo mágico, la obra de Caicedo se inspira
completamente en la realidad social, lo que ha hecho que algunos estudiosos le
den la importancia como alternativa en América Latina a figuras prominentes
como Gabriel García Márquez. Especialmente el
periodista, escritor y cineasta chilenoAlberto
Fuguetsigue la obra de Caicedo, al cual llama «el primer enemigo de Macondo». A
pesar de su fama en Colombia, Caicedo es poco conocido en América
Latina, seguramente debido a su temprana muerte. Sin embargo, la permanente
organización de su producción literaria y la influencia que tiene en nuevas
generaciones de escritores como Rafael
Chaparro, Efraím Medina, Octavio Escobar Giraldo y Ricardo Abdahllah, hacen que
cada vez más cobre gran valor el aporte literario del "escritor con cara
de estrella del pop", como lo llama el chileno Alberto
Fuguet.
Lauzon, nació en una familia humilde, se desempeñó haciendo
varios trabajos hasta que obtuvo el título en Comunicaciones, posteriormente
estudió cine en Los Ángeles en
los años 70. Hizo algunos
cortometrajes con los cuales recibió varios premios, dos de sus películas
fueron bastante galardonadas lo cual le permitió ser considerado uno de los
directores más importantes de la época.
Estaba preparando su tercera película cuando murió con su novia
Marie-Soleil Tougas en un accidente de avión.
Su película Léolo (1992)
fue nominada al premio Palma de Oro,
máximo galardón otorgado en el festival de Cine de Cannes.
Léolo, su película más renombrada forma parte de las 100 películas
más importantes de toda la historia según la revista Times.
Su tía era la actriz, cantante y bailarina Ruby Keeler (1909-1993). Su hermano es Joey D. Vieira ―también conocido como Donald Keeler―, que representó a «Porky» en las primeras tres temporadas (1954-1956) de la serie de televisión Lassie.2
Después de que se canceló La Familia Addams, a Ken le resultó difícil conseguir trabajo en Hollywood (un hecho común para los niños actores). Su corta carrera actoral le afectó en su regreso al sistema de escuelas públicas, donde era víctima de acoso escolar (Bullying) , por lo que tuvo que cambiar de escuela a menudo.[cita requerida]
A los 17 años entró en el Ejército, junto a su único amigo de la infancia, Adam Knowles.[cita requerida] Posteriormente Ken hizo apariciones en convenciones y ofreció sus servicios para papeles de actuación. Trabajó tras las cámaras como técnico en estudios de grabación, y como escenógrafo entre 1992 y 2002.
Jon Olav Fosse nació en Haugesund, Noruega. Visitó España cuando tenía dieciséis años. En esa ocasión un polícia le apuntó con un arma, por estar durmiendo en un banco de una estación, y eso –en aquella época– era ilegal. Es admirador de Federico García Lorca.4
Escribe desde los doce años, como refugio de una adolescencia triste, precedida de una infancia alegre. Ya adulto dejó el consumo de alcohol por la religión. Ha sido sucesivamente: luterano, ateo, cuaquéro y católico tras casarse con Ana, católica (desde 2013). Está casado y tiene seis hijos.4
Debutó en 1983 con la novela Raudt, svart (Rojo, negro). Su primera obra, Og aldri skal vi skiljast (Y nunca nos separaremos) se escribió y publicó en 1994. El autor ha escrito novelas, cuentos, poesía, libros infantiles, ensayos y obras de teatro. Sus obras han sido traducidas a más de cuarenta idiomas. Es ampliamente considerado como uno de los más grandes dramaturgos contemporáneos del mundo.
Su carrera inició en 1988 donde formó parte como vocalista de
la Orquesta Los Melódicos y también de la Orquesta del
Maestro Porfi Jiménez.
Carrera
Su primer disco como solista lo lanza al mercado en
septiembre de 1990 con el tema llamado "LA MORENA" dicho
tema llegó a los primeros lugares. Luego le toco al tema "YO POR
TI" y más tarde al tema POR QUERERTE TANTO el cual grabó a
dúo con Diveana una artista que le siguió los pasos, vendiendo la increíble
cantidad de 350.000 copias haciéndole acreedor de disco de oro, disco de
platino y doble platino solo en Venezuela ya que en Colombia, Ecuador, Perú,
Bolivia, Chile y Panamá vendió un millón y medio de copias convirtiéndose el
más importante exponente de la música tropical y creador del tecnomerengue de
todos los tiempos. De inmediato la televisora más importante de Venezuela
llamada Venevisión lo firmó como artista exclusivo, participó
en muchas ocasiones en el programa más visto de Venezuela llamado Sábado Sensacional y en el cual logró
acumular en sus presentaciones una audiencias de 80 por ciento de rating todo
un récord.
En 1992 graba su segundo disco llamado EL
TECHNOMERENGUE disco que de inmediato se colocó en el primer lugar de
radiodifusión, luego su súper éxito LA PIERNONA este tema le dio
muchas satisfacciones a Miguel ya que las chicas que bailan con él esta canción
le dan un toque fresco y sexy a su ya fabuloso show, luego le tocó a el súper
éxito y primer lugar en Venezuela Colombia, Ecuador, Perú (tierra querida),
Panamá, Chile y Bolivia JUNTO A TU CORAZON arrasó en todas las
carteleras musicales en todos estos países y permanece sonando en el tiempo sin
duda uno de sus más grandes clásicos, luego su tema llamado DULCEMENTE BELLA
otro bombazo musical que coloca a Miguel Moly como el líder musical bailable de
la región.
En 1995 graba su tercer cd titulado SIEMPRE, SIEMPRE el cual fue otro
récord de ventas con 370 mil copias, temas como lloré, mamita
mía, la catira y siempre, siempre arrasaron en las
carteleras. Para 1995 participa en el carnaval de las Islas Canarias, ante
llenos totales, y un fastuoso cierre en el último día del festival, en la Plaza
España de Santa Cruz de Tenerife, ante un lleno de casi dos millones de
personas
En el 1997 es llamado por Sony Music, convirtiéndose en ese momento como el
primer tecnomerenguero de Sony Music en el mundo (mucho antes que Elvis Crespo)
Donde firma un contrato por tres años y tres discos el primero de ellos
titulado Mejor que Nunca, llevando a los primeros lugares su primer
promocional Como no vas a quererla de su autoría, luego
lanzaron No te vayas de mi lado también de su autoría temas que se
posicionaron muy bien en Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia y en muchos otros
países donde Sony promocionaba el cd llevando a Miguel Moly a ser el primer
artista venezolano en pegar todos sus temas uno tras otro sin fallar: 13 fueron
sus súper éxitos seguidos.
En 1998 graba su quinto disco llamado Miguel Moly y su proyecto X. En este
cd Miguel experimenta un cambio de estilo musical y hace merengue house muy
pegado en ese momento por grupos como Proyecto 1, Sandy y
Papo, Ilegales, Fulanito. Temas como mujeres calientes siempre va pa
lante se pegaron de inmediato en todas las radios.
En 1999 es llamado a formar parte de la disquera de Ricardo Montaner HECHO
A MANO DISCOS. en esa disquera Miguel Moly graba su sexto disco
llamado COMO TU LO QUERIAS, este nombre se le dio por que en esa
oportunidad Miguel regresó al tecnomerengue y esa fue precisamente la razón por
la cual se retira de sony music, porque ellos le obligaron a grabar en merengue
house y él quería volver a sus orígenes. Y eso es lo que precisamente hizo
cuando lanzo su primer tema llamado Dime Morena el cual sonó por más
de 32 semanas en los primeros lugares todo un récord para ese entonces.
En 2000 graba un CD de súper éxitos para discos fuentes titulado Miguel Moly
The Best Of Tecnomerengue Lo Mejor del Tecnomerengue disco este que aun lo
siguen vendiendo por Internet y el cual ya lleva 2 millones de copias vendidas
hasta el momento.
En 2002 graba su octavo CD llamado TE VI CON EL de este CD se pegaron
el tema Dame Tu Vida y Te vi con El, llevando a Miguel Moly a
ser el primer artista venezolano en pegar todos sus temas uno tras otro sin
fallar 18 fueros sus súper éxitos. Seguidos.
En 2004 regresa con su disquera original velvet de Venezuela y lanza su novena
producción discográfica llamada Para Que No Pares De Bailar y de
inmediato se pegaron en todas las radios su primer sencillo llamado Por
Amarte Así, versionando en merengue la balada de Cristian Castro, luego sonó un
tema llamado Que No Pare De Bailar y luego Lloviendo Estrellas.
En 2006 es lanzado su primer 40 éxitos, un doble CD que recogía toda la carrera
musical de Miguel Moly en esos 16 años de carrera que tenía para ese momento,
pero también incluyendo un tema nuevo llamado Si Tú No Estás
Conmigo ese tema fue grabado en tres versiones merengue, balada, y salsa
lo que lo hizo sonar en todas las emisoras de todos los estilos y géneros una
estrategia publicitaria muy bien realizada.
Luego Miguel Moly hace una pausa a nivel discográfico y se dedica a viajar con
su orquesta y hacer largas giras de conciertos, monta tres centros de
operaciones uno en España (Madrid) otro en Colombia (Bogotá) y otro en Ecuador
(Quito). Haciendo más de 600 conciertos en esos tres años en esos países.
En 2009 firma un contrato de dos años con su nueva disquera Cobi Music, y
es lanzado al mercado su segundo grandes éxitos esta vez con 5 temas nuevos
comenzando con el tema llamado Y Como Se Mata El Gusano tema que ha
sido versionado por cientos de orquestas en el mundo entero, pero que lo dio a
conocer Miguel Moly y trae de nuevo a la palestra discográfica, y radial no
solo en Venezuela sino también suena fuerte en Colombia ecuador y en España el
tema fue lanzado por la discográfica española open record en un CD llamado puro
caribe 2009 CD que se vendieron en El Corte Inglés y por Internet más de 1
millón de copias en el verano español, este tema ha sido una locura en todas
las fiestas que es colocado ya que es súper divertido bailarlo.
en el 2010 suena su siguiente sencillo titulado Lárgate tema que
suena desde hace 40 semanas, en abril de ese año fue entregada por su disquera
velvet su disco de oro por las ventas alcanzadas. ese tema también sonado en
Canarias.
En definitiva, Miguel Moly es uno de los artistas más importantes en el género
bailable, el que más tiempo se ha mantenido vigente, constante y exitoso por
más de 20 años de carrera, y es uno de los artistas que más dinero ha ganado en
su género.
Mauricio Abaroa Suzarte
nació un 29 de septiembre en la Ciudad de México; es el segundo de seis hijos
de los señores Gabriel Abaroa y Cristina Suzarte, y sus hermanos son Gabriel,
Cristina, Sergio, Liliana y Alejandro. Es licenciado en Arquitectura y cuenta
con estudios de posgrado en Mercadotecnia y Finanzas en la Universidad de
Columbia.
A los seis años de edad
descubre su vocación por este arte, cuando su padre llevó a casa durante una
Navidad instrumentos musicales: “Desde ese día supe que la música me
acompañaría por el resto de mi vida”, asegura.
Empieza a tocar el bajo a
los siete años y poco tiempo después el piano. Formaba parte del grupo creado
por sus padres La Familia Abaroa, con el cual se presentó en eventos públicos
organizados por delegaciones de la Ciudad de México durante más de diez años.
Su primera obra Había
una vez fue compuesta el 20 de septiembre de 1985, un día después del
terremoto que sacudió a nuestro país, cuando Mauricio conoce a un niño que
acababa de perder a su madre debido a que el edificio en donde vivían se había
derrumbado: “Al conversar con él, tratando de brindarle un poco de consuelo, me
dijo que lo que más tristeza le daba era no haber podido despedirse de ella;
esta historia me conmovió y me inspiró para escribir mi primera canción”.
Por otra parte, su primer
tema grabado fue En el boulevard (Corre corre), sencillo del segundo
álbum de Flans,Almas gemelas, producido por Melody.
Otras de sus canciones
son Ya no te puedo querer, interpretada por
Jorge Coque Muñiz; Serán tus celos, con Lupita
D’Alessio; Te parece, con Mimí; En dónde estás tú, con Cristian Castro; Cuántas
horas, cantada por Alissa; Vive, con Marta Sánchez; Sólo siempre tú,
con Daniela Romo; El amor de mi vida, con Yuri; La Fuerza de mi voz,
con Axel Muñiz; No se me acaba el alma, escrita en colaboración con
Armando Manzanero y en voz de Mijares; Escondidos, popularizada por Olga
Tañón y Cristian Castro; Prométeme, con Óscar de la Hoya, y La fuerza
del destino, con Marc Anthony y Sandra Echeverría, estas últimas tres escritas
en colaboración con Rudy Pérez.
Además de la composición
trabaja en proyectos empresariales como Earth Town Entertainment (compañía de
management en Estados Unidos), The Town Management (promoción y producción en
México), e35 (plataforma de distribución y generadora de nuevos contenidos en
nuestro país) y Autor3s (promoción e impulso para autores hispanoamericanos).
Mauricio Abaroa, cuya obra
está conformada en gran parte por baladas, asegura que al crear canciones ayuda
a su corazón a expresarse: “Al momento de escribir trato de transportar
emociones que están directamente relacionadas con lo que siento.
“Componer es un don que nos
otorga Dios a un manojo de privilegiados que no debemos olvidar que únicamente
estamos siendo ‘usados’ para una causa mucho más trascendente que sabernos
‘dueños’ de nuestras canciones”, explica.
Entre los galardones a los
que ha sido acreedor a lo largo de su carrera musical destacan un primer lugar
en el Festival Valores Juveniles Bacardí por Ganas de ti, interpretada por
Magdalena Zárate; un tercero en el Festival OTI con su canción Tú y yo, en
la voz de Lolita Cortés; múltiples nominaciones al Latin Grammy, y el
reconocimiento Trayectoria 25 Años (2017) otorgado por SACM.
Jill Whelan (nacida el 29 de septiembre de 1966) es una
actriz estadounidense. Ella es mejor conocida por su papel de Vicki
Stubing, la hija del capitán Stubing en la exitosa serie de televisión The
Love Boat (El Crucero del amor).
Después de asistir a un campamento de verano a los 7 años,
Whelan aterrizó en una serie de comerciales. A la edad de 11 años, fue
lanzada en la serie de televisión de corta duración Friends (una serie poco
conocida de 1979). Más tarde ese año, Whelan interpretó el papel de Lisa
Davis, una niña enferma, en el avión! Después
de que la serie "the love boat" fuera cancelada en 1986,
ella trabajó en un álbum titulado nuestro tiempo . Durante la
década de 1980, Whelan sirvió como portavoz nacional de la campaña
antidrogas " Just Say No " de la Primera
Dama Nancy Reagan . Posteriormente tuvo un papel
en la telenovela de larga duración The Young and the Restless .
El 10 de septiembre de 2008, Whelan apareció con varios otros
miembros del elenco de la película Airplane! en
un segmento de la reunión en la demostración de hoy de NBC . En
octubre de 2008, Whelan hizo su debut en el cabaret de la Ciudad de Nueva York
con su one-woman show Jill
Whelan: Una tarde en muelle seco en la sala metropolitana .
De septiembre a noviembre de 2011, Whelan apareció en la farsa
británica Move Over Mrs. Markham en el Teatro West Theater Restaurant
en el área de Toronto, Ontario.
Whelan fue puesto en reemplazo de Mark Thompson , que se retiró el 17 de
agosto de 2012, después de 25 años co-anfitrión de The Mark & Brian Show en KLOS en Los
Ángeles, pero durante la transmisión final de Thompson, co-anfitrión Brian
Phelps anunció que él, estaba dejando KLOS. Jill conoció a su
compañero, Brian Phelps, hace más de 20 años y los dos han querido trabajar
juntos desde entonces. Phelps y Whelan son co-anfitriones de un podcast de
comedia en www.brianandjillshow.com. Whelan y Phelps comparten un amor por
la comedia de improvisación, y han creado cientos de personajes juntos que han
realizado tanto en el escenario durante improvisación y ahora en bocetos
realizados en su podcast.
Nació en Haywards Heath
(Reino Unido) en 1967. Fue cantante de Suede, banda británica que debutó
en 1993 con un álbum homónimo que alcanzó los primeros puestos de las listas en
UK. Después con discos como “Dog man star” (1994) o “Coming up”(1996)
confirmaron a Suede como una de las bandas más importantes de los 90.
En 2002 se publicó “A new
morning”, disco tras el cual Suede anunció su separación. Tras la reunión con
su antiguo guitarrista, Bernard Butler, en “The Tears” Brett Anderson
anunció un debut en solitario para 2006.
Erika se hizo muy popular tras su participación en la serie de televisiónBaywatch.
En julio de 1989 apareció en la portada de la revista Playboy.1
Entre 1989 y 1992 apareció en 44 episodios de la primera y
segunda temporada, así como en los dos primeros episodios de la tercera
temporada de la popular serie de salvavidas playeros Baywatch.
Marcos nació el 29 de septiembre de 1971. Vivió en Barcelona y
compuso e interpretó un himno para el FC Barcelona, "Barça "¿El
título de su canción? Eterns.
Hijo del cantante Dyango y de Lydia
Llunas. Tiene tres hermanos: Lluis, Luján y Jordi. Tiene dos hijos: Izan Llunas
y Axel Llunas.
Trayectoria profesional
Comenzó su carrera en el año 1993 al ser invitado
a México por
la empresa Televisa para grabar su primer material discográfico.
El álbum se tituló “Marcos Llunas”, fue disco de oro en gran parte de
Latinoamérica y cosechó grandes premios como “El Heraldo”, el galardón de “Los
grandes de siempre en domingo” y el “premio revelación del año” de los premios
TV y Novelas.
Se hizo conocido con canciones como Completamente
tuyo, Para reconquistarte, La de siempre, La reina de las
diosas, La dueña de mis ojos, Eres mi debilidad (con la que ganó
el Festival de la OTI en 1995), Sin
rencor (con la que quedó sexto en el Festival de la Canción de
Eurovisión 1997 celebrado en Dublín, Irlanda)
o Vale la pena, entre otras. En 1995 grabó su segundo disco nuevamente
producido en México por Juan Carlos Calderón, lanzando dos versiones,
una en español y otra en portugués. Consiguió gran éxito en Latinoamérica,
donde recibió numerosos galardones y llegó a crear su propio sello
discográfico.
En 1996, lanzó su tercer y más exitoso disco de su
carrera hasta el momento: “Vida”, siendo el último grabado en México.
En 1997 grabó el disco “Mi historia”. Representó a España en el Festival de Eurovisión5 y
consiguió una meritoria sexta plaza, convirtiéndose así en el único español en
haberse presentado en ambos festivales. Ese mismo año fue jurado en Viña
del Mar. En 1999: Lanzó su primer disco en catalán “Pluja d’estels”, y
decide instalarse en Miami y crear su propia Compañía: “Blue Music”; bajo este
sello sale la quinta producción de su carrera: “Desnudo”, en la cual se revela
como compositor, productor e intérprete. “Desnudo” fue lanzado en Puerto Rico
en Octubre de 1999 y, sucesivamente, en 18 países más, alcanzando los primeros
puestos de las listas de radio con el bolero de Rudy
Pérez“Completamente Tuyo”, con el tema “Hoy que te vas”, compuesto por
Marcos y con el gran éxito “La reina de las diosas”, compuesto por Alejandro
Abad y producido por Brian Rawling (ganador de dos Grammy’s ese
año por la producción de Cher).
En el 2008, se dedica a otra gran pasión la Opera,
perfecciona su canto y colabora como primer y segundo tenor en diferentes
operas en España como Rigoletto o La Traviata de Verdi, Il signor Bruschino de
Rossini o Bastien Bastienne de Mozart.
En el 2012 edita un disco tributo a su padre
Dyango:4
“A LA VOZ DEL ALMA”. Logra disco de oro en Perú con importante repercusión
en Chile.6
Participa de coach con Myriam Hernández y Américo en "el mejor de Chile" en
TVN . Colaboró como coach en el programa "La Voz Perú”.
2013: Graba el sencillo “Para Siempre”, con Rommy Marcovich,
siendo parte de la banda sonora de la telenovela “Al Fondo Hay Sitio”, en Perú y se consolidó como
una de las canciones más solicitadas en las emisoras de dicho país.
2014: Estrenó en Perú su versión del tema “Regresa” (vals
peruano). En México grabó un tema acompañado por La Original Banda El Limón
y Ana Bárbara, se trata del éxito “Ese Hombre” (el
cual Dyango interpretara
al lado del dúo Pimpinela). 2015: Grabó el single “Rosa sin Espinas” a dúo con
el italiano Paolo Meneguzzi; grabó en México una nueva versión
de “Corazón mágico” a dúo con David Cavazos; y, estrenó su versión del tema
“Que levante la mano” (originalmente cumbia) con un estilo muy español. En ese
mismo año presentó en Argentina, Panamá, México y Bolivia su CD tributo a
Dyango "A la voz del alma". Además, realizó una gira extensa por
varios países de América.
2016: Estrenó su single al ritmo de bachata: “No Te Vayas” y
grabó el videoclip en la Ciudad de Buenos Aires. Realizó presentaciones en Chile,
Argentina y Perú. Su tema “Que te vaya bien” fue parte de la banda sonora de la
telenovela “Mis tres Marías” (América Televisión – Perú). Es
productor y compositor del cantante peruano Ivan Farias Luque, quien presentó
su single “DAME” el 29 de noviembre en la ciudad de Lima. El mes de diciembre
realizó una gira promocional en la ciudad de Córdoba – Argentina, y grabó en
versión cuarteto el tema “No Te Vayas” junto al cantante Wally Mercado, cantante del grupo
Sabroso, nacido en en Chilecito, La Rioja – Argentina.
En el verano del 2017, se presentó en varia ciudades de
Chile y en Argentina. Cerró el Festival Sanagasteño en (La Rioja - Argentina)
junto al cantante Wally Mercado y su grupo "Sabroso". Con shows por
primera vez en Cosquín, Carlos Paz (Provincia de Córdoba) y en Santa Rosa - La
Pampa). En Carlos Paz participó como artista invitado en un evento solidario
para los damnificados por el alud en la Provincia de Jujuy. En febrero estuvo
presente en eventos solidarios en Chile junto a otros artistas , a fin de
recaudar fondos para los damnificados por los desastrosos incendios en dicho
país. Este 2017 estrena su nuevo single “Vuela Corazón”. Marcos Llunas se
encuentra preparando su próximo disco LATINIZACIÓN con ritmos latinos.
Próximamente se presentará en la Ciudad de México Y Panamá.
Raúl Alejandro Escajadillo Peña, conocido como Aleks
Syntek (n. Mérida, Yucatán; 29 de septiembre de 1969), es
un cantante y compositormexicano. Ha obtenido siete nominaciones a
los Premios Grammy
Latinos, una nominación al premio Grammy cinco nominaciones a
los premios MTV
latinos, y ganador de dos premios Billboard
latino ganador del premio Ariel de la academia de
Cinametografia Mexicana a la mejor música de película, y actual tendencia
De niño, en los años 1970, participó en comerciales para la
televisión. Participó en el programa «Rehilete» producido por RTC, y después
como comediante inicia con «Alegrías de medio día (infantil)» en 1979 que
después derivó en el programa de televisión «Chiquilladas»
transmitido por Televisa en la primera mitad de la década de 1980. Tras su
salida del programa decide dedicarse por completo al mundo de la música
trabajando como asistente y programador en estudios de grabación musical. Fue
apodado por sus amigos debido a un suceso curioso: Aleks en
ese entonces no contaba con el dinero suficiente para comprar un teclado, por
lo que solía pedirlos prestados a sus amigos, dicha situación hizo que lo
conocieran como «EL sinTeclados», que después derivó a llamarlo Syntek.[cita requerida] Después
de haber participado con miembros del grupo Caifanes para formar la banda «Pistolas
de Platino» y después formar parte de Kenny
y los eléctricos hasta que en 1987 formó su propio grupo,
llamado Aleks Syntek
y la Gente Normal.
Aleks Syntek es un artista internacional de formación
autodidacta y forma parte del consejo directivo de la Sociedad de Autores y
Compositores de México (SACM).
Como intérprete y cantante, Aleks ha lanzado nueve álbumes
recibiendo numerosos discos de Platino y Oro por las altas ventas de los
mismos. Ha recibido también tres Billboard Awards,
un Latin Grammy Award,
multi-nominado al Grammy Latino y multi-nominado en MTV Latino, así como otros
premios especiales tales como «The Honor Composer Achievement Award» entregado
por la cadena Univision de las manos del actor Edward James Olmos y
«The Music Legacy Award» entregado por SESAC American Society of Composers
(Sociedad Norte Americana de Compositores)
Los padres de Mickey Taveras son Raúl Almánzar y Modesta
Taveras de ascendencia ecuatoriana. Se instruyó como músico en la Escuela de
Bellas Artes y Cultos en la misma República Dominicana; aprendió a tocar
la guitarra y
el piano,
también cursó clases de armonía y solfeo.
Posteriormente y gracias a estas enseñanzas, aprendió a realizar sus propios
arreglos musicales y composiciones. Una persona que sirvió de inspiración a
Taveras fue Pedro Fernández, de quien interpretaba
sus sencillos musicales. A la edad de 12 años, creó un grupo musical de rock, el cual se
tituló Los pícaros de Moca. Dos años después crea otra agrupación musical
titulada Variedades Musicales. Al poco tiempo formó parte de un grupo que
tocaba e interpretaba jazz y baladas en inglés.
En septiembre de 1995 lanza su primer álbum discográfico titulado Lucharé,
el cual contiene exitosos temas como «Quiéreme», «A pesar del
tiempo» Y que me pasa, Luchare, Por que te quiero, No te da, «Me
gustas». Este álbum fue un éxito en ventas a nivel mundial, principalmente
en América.
En Colombia logró ventas discográficas que sobrepasaron las 500,000 copias, con
la cual Mickey Taveras obtuvo el premio del mejor intérprete en el festival de
Viña del Mar en 1996.
Su segundo álbum fue Más romántico y contuvo
exitosos temas como «Mi historia entre tus dedos» y gracias a este y
varios sencillos más, logró una nominación a los Premios Lo Nuestro.
Tiempo después, lanza otro álbum discográfico, pero esta vez
del género bachata,
el cual se tituló Sigo Siendo Romántico: Grandes éxitos de la Bachata,
pero este, a diferencia de sus álbumes predecesores, no logra gran
comercialización y éxito, aunque Mickey Taveras recibió una nominación a los
premios Grammy Latino.
En el 2013, lanzara al mercado dos discos con una calidad
única. "Te esperare" se compone de 3 salsas, 3 merengues y 5
bachatas. "Pasado y presente" es el sueño de Mickey Taveras en este
álbum muestra su gran calidad vocal, su toque musical mas su maestría para
componer y en ritmo de pop, rock y balada nos refresca la memoria con los
éxitos que hizo en salsa entre 1996 y 2002. "Me gustas", "Y que
me pasa", "A pesar del tiempo", "Quiereme", "Por
que te quiero". Grabo el tema "Me enloqueses" tema que hiciera
éxito Charlie Zaa en su álbum "Ciego de amor". El primer sencillo que
se está lanzando se titula "Alguien como tu". También están los
temas: "Vamos a darlo todo", una canción al rey de reyes "A
Jesus", una canción al ser que nos trae a este mundo "Mama",
"El niño" y "Asesina a sangre fría". En
el 2016 graba una nueva producción bajo el apoyo de Plus Latin Shows,
con su tema principal " Hoy Ya Me Voy " con la colaboración
Especial de José aguirre. El lanzamiento del disco se tiene estimado para el
mes de agosto 2016.
Miguel Ángel Builes Gómez (* Donmatías, Antioquia, 9
de septiembre de 1888 - † Medellín, 29
de septiembre de 1971), fue un eclesiástico y escritor colombiano, obispo de
la Iglesia católica. Durante casi cuarenta y tres
años gobernó la Diócesis de Santa Rosa de Osos, en
los cuales fue un personaje polémico, debido a su postura acérrima frente a los
gobiernos liberales del país y especialmente era intransigente a todo lo
referente al comunismo, pues los consideraba posiciones políticas e ideológicas
que no iban con la Doctrina de la Iglesia y con las buenas costumbres.
La serie comenzó en 1985 y duró 7
años en el aire. Se emitió originalmente en la cadena estadounidense ABC. Actualmente los derechos los
posee la CBS,
siendo emitida por canal TCM. Destaca la banda sonora, creada
por Randy Edelman (autor junto
a Trevor
Jones de la música de la película El último mohicano).
La fama de MacGyver viene de su habilidad para improvisar
cualquier artilugio con elementos simples y de lo más variados: chicles, clips, mecheros, neumáticos,
etc, su inseparable navaja suiza multiusos y su Jeep descapotable.
Es un agente secreto cuya arma más peligrosa es su inteligencia. Con tan solo
su mochila repleta de diversos objetos normales y corrientes, siempre es capaz
de fabricar toda clase de elementos y escapar de todos los peligros que se
topan en su camino, tanto en sus diversas misiones como en su vida cotidiana.
Tiene parte de scout y
otra parte de genio. Nunca usa armas de fuego y nunca mata a
nadie.
El 23 de septiembre de 2016 se estrenará un reboot de la
serie en CBS, Richard Dean Anderson ha asegurado que
aunque se lo pidieron no
participará en el proyecto.
Fue durante su desempeño
profesional en una empresa particular que empezó a interesarse por la
composición musical. En julio de 1951 inicia su
vertiginosa carrera de compositor y arreglista, soprendiendo a los aficionados
de música criolla al introducir en valses y polkas la "replana",
argot equivalente al slang norteamericano o al lunfardo argentino,
con lo cual adquirió popularidad inmediatemente. Así surgen, entre diversos
temas exitosos: "Carretas, aquí es el tono", "Cabeza de
clorofila" y "Yo la quería Patita",
los mismos que fueron popularizados por Los Troveros Criollos.
Era hijo de Emmanuel y Helen Schwartz, un matrimonio de
judíos húngaros del barrio del Bronx, donde nació.
Durante la segunda guerra mundial sirvió en la
U.S. Navy entre 1942 y 1945, en un submarino.
Célebre por su físico de galán y su acento típicamente neoyorquino,
su nombre quedará ligado a su interpretación en Con faldas y a lo loco (1959) con Jack
Lemmon y Marilyn Monroe, si bien cuenta con una extensa
carrera al haber actuado en más de cien películas desde el año 1949 hasta 2008.
Curtis también ha rodado para televisión, en especial
con Roger
Moore en la magnífica serie The
Persuaders!, y en McCoy. También prestó su voz al personaje invitado de «Stony
Curtis» en Los Picapiedra.
Desde principios de los años 1980,
Curtis tenía una segunda carrera como pintor. Residió los últimos años de su
vida en Las Vegas.
Reddy fue exitosa como cantante en la década de 1970 con diversos éxitos, incluyendo tres primeros lugares en las listas de popularidad estadounidenses.2 Vendió más de 15 millones de álbumes y 10 millones de sencillos, y fue la primera cantante australiana en hacerse merecedora del premio Grammy. En 1974 se convirtió en ciudadana estadounidense a través de la naturalización, pero usualmente vivía en Sídney, Australia.3
Helen trabajó como Hipnoterapista Clínica en Sídney y fue jefa de la Australian Society of Clinical Hypnotherapists.
El 6 de agosto de 2015, la familia de Reddy emitió un comunicado confirmando que se había retirado de actuaciones en vivo y que vivía en el asilo de ancianos, pero negaron informes que sufría de demencia.4
De ascendencia irlandesa, escocesa e inglesa,5 Reddy nació dentro de una familia acomodada en el ámbito de los negocios del espectáculo, sus padres fueron intérpretes muy conocidos del género vodevil en Australia, su madre Stella Lamond (1909-1973), cantante y actriz y, su padre, el escritor y comediante Max Reddy; su hermana mayor también es cantante y actriz, Toni Lamond (1932-) ; y su sobrino también es cantante y actor: Tony Sheldon.
Reddy comenzó a interpretar papeles al lado de sus padres a los cuatro años de edad. Durante su adolescencia estuvo casada con un músico de mayor edad que ella, de quien tuvo una hija: Traci, pero se divorciaron al poco tiempo. Después de comenzar su carrera en radio y televisión en Australia , ganó un concurso de talento en el popular programa televisivo Bandstand lo cual le permitió emigrar a los Estados Unidos en 1966. Fijando su residencia en Nueva York, ahí conoció a Jeff Wald, un agente de la "William Morris Agency"; después de vivir juntos por cuatro días, Reddy y Wald contrajeron matrimonio; subsecuentemente él se convertiría en su manager.
Después de una temporada en Chicago, la familia se mudó a Los Ángeles, California, en donde Reddy intentó establecerse como cantante. Veintisiete sellos discográficos la rechazaron antes de firmar contrato con la Capitol Records en 1970.
Al lado de su amiga y compatriota Olivia Newton-John, Reddy se convirtió en la más exitosa de las estrellas femeninas de los 1970, con catorce temas colocados entre las 40 principales de 1971 a 1978, Reddy también ejerció influencia -animando a su amiga- en la carrera de Newton-John, sugiriéndole viajar de Gran Bretaña a los Estados Unidos a principios de 1970, al poco tiempo Olivia ganó el papel estelar de "Sandy" en la versión fílmica del musical "Grease" (Brillantina) después de un encuentro con Allan Carr -productor de la película- en una fiesta verificada en casa de Reddy.
El primer tema en colocarse dentro de los 40 principales fue su versión del tema "I Don't Know How To Love Him" (No sé como amarlo) de la ópera musical Jesucristo Superstar. Logró colocar a nivel internacional un éxito regrabado en 1972 con el himno feminista: "I Am Woman" (Soy mujer) que ella coescribió al lado del músico australiano, Ray Burton, tema que se colocó en primer lugar de las listas de popularidad de Estados Unidos. Reddy atribuyó el ímpetu por escribir "I Am Woman" y por el movimiento feminista a su compatriota expatriada, la crítica de Rock australiano y pionera feminista Lillian Roxon. Reddy es citada en el libro de Fred Bronson "The Billboard Book of Number One Hits", donde se dice que ella: buscaba canciones para grabar que reflejaran la auto imagen positiva que ella poseía a partir de unirse al movimiento feminista, pero no encontró alguna, así que "Me di cuenta que la canción que buscaba no existía, y tenía que escribirla por mi misma". El sencillo apenas apareció en listas a su lanzamiento en verano de 1972, pero tiempo después fue adoptado como himno feminista por lo que fue solicitado por los escuchas de manera insistente, lo que propició que volviese a aparecer en listas y convertirse en un gran éxito. "I Am A Woman" ganó el premio Grammy por mejor interpretación vocal femenina, y en la ceremonia de entrega de premios ella concluyó su famoso discurso de aceptación dando gracias a Dios"porque ella hace todo posible".
En 1974 interpretó el personaje de la hermana Ruth en la película "Aeropuerto 1975"; en ella canta una versión acústica de su tema "Best friend" para confortar a Linda Blair, la famosa niña de "El exorcista" y a su madre Bárbara Bel Geddes, que posteriormente se convertiría en Miss Ellie Ewing, la matriarca de la familia Ewing en la serie "Dallas". En 1977 protagonizó la película musical de la Disney Pedro y el Dragón Elliot, en el papel de Nora. Por esta película, la canción Candle on the water (Faro sobre el agua) que interpretó fue nominada al Oscar a la mejor canción original.
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