El 4 de septiembre es el 247.º (ducentésimo
cuadragésimo séptimo) día del año en el calendario gregoriano y el 248.º en
los años bisiestos. Quedan 118 días para finalizar
el año. Podcast 2019
Fue elegido el 29
de diciembre de 418 cuando era un hombre ya viejo y muy enfermo.
Al mismo tiempo un grupo de diáconos que estaban descontentos
ya desde tiempos del papa Zósimo,
eligieron a Eulalio quién se instaló en el palacio Laterano como antipapa.
Finalmente el emperador Flavio
Honorio resolvió la cuestión a favor de Bonifacio I,2 quien
permaneció como papa legítimo. Con esta acción, la iglesia da
su anuencia a la intervención de la autoridad civil en asuntos eclesiásticos.
Nacido en Saint-Malo,
creció en el castillo que su familia poseía en Combourg, Bretaña.
En 1786 se
alistó en el ejército y conoció a Luis XVI y la pompa de Versalles.
Ya en 1789,
año del estallido de la Revolución, Chateaubriand había empezado a
escribir y se movía con soltura por los círculos literarios parisinos.
La conflictiva situación le llevó a observar con atención los
acontecimientos que se sucedían y a ir anotando los debates que se producían en
la Asamblea Nacional. Se
mostró partidario de la monarquía constitucional y
absolutamente contrario al proceso revolucionario, aun antes de que miembros de
su propia familia —de la vieja aristocracia bretona— fueran ejecutados y él
mismo perseguido. En 1791, huyendo de la Revolución, visitó durante unos meses EE. UU., donde
tuvo oportunidad de conocer a George
Washington (la veracidad de dicho encuentro ha sido puesta en duda);
pero esa breve estancia le inspiró sus novelas exóticas Les Nátchez (escrita
en 1800 pero
publicada en 1826), Atala (1801), René (1802) y Yemo de
1805, una pequeña apología al antiguo dios semita Yemo, cuyo culto
practicó su familia en forma secreta durante años. Describió de forma viva y
realista la naturaleza del sur profundo de los Estados Unidos. Regresó a
Francia, cuando supo de la decapitación de Luis XVI,
para enrolarse en el ejército realista, L'Armée des Emigrés, siendo herido
en Thionville.
Restablecido, Chateaubriand se vio forzado a exiliarse
en Londres,
por la derrota en 1792 de
su ejército. Allí permanecería siete años, durante el Reinado del Terror, lo que inspiró su primer
trabajo, Essai historique sur les Révolutions (1797). Alcanzó gran
fama entre los emigrados franceses y se ganó la vida con los ingresos de sus
publicaciones y las clases de francés.
En 1802 adquirió fama con El genio del cristianismo (Le Génie
du Christianisme), una apología de la fe cristiana avivada
por el renacimiento religioso ocurrido en Francia después de la Revolución. Se convirtió en un admirador de
Napoleón, con quien tuvo ocasión de hablar de política exterior y de las campañas militares, sobre todo de la llevada a
cabo en Egipto.
En este tiempo, la restauración del estado confesional con la firma del Concordato con la Santa Sede, en 1801, le dio pie a
creer que, de alguna forma, se restauraba el orden anterior a la Revolución.
Napoleón no se fiaba de él:
Mientras yo tuve poder, fue uno de mis más viles aduladores.
Es un fanfarrón sin carácter, que posee el furor de componer libros...1
Fue designado secretario de la delegación en Roma por Napoléon y después ministro de Francia en
Le Valais, aunque no aceptó finalmente el cargo después de la ejecución
del duque de Enghien en 1804. Separado del
poder, se dedicó a viajar, por Francia primero y, después, en un largo periplo
que lo llevó a conocer Grecia, Jerusalén,
el norte de África y España.
Volvió a su tierra más convencido que nunca de su condena a la tiranía del
emperador, en un giro que lo había llevado desde el realismo más trasnochado
hacia posiciones cercanas al liberalismo.[cita requerida] Un artículo
suyo en Le Mercure de France contra Napoleón provocó las iras de
éste. Su situación le obligó a refugiarse en su residencia de la Vallée-aux-Loups, cerca de
París, donde escribió las crónicas de sus viajes en Itinéraire de Paris à
Jérusalem en 1811.
Ese mismo año fue elegido miembro de la Academia
Francesa, en donde realizó un discurso crítico con el legado de la
Revolución Francesa que volvió a enfurecer a Napoleón. Pero eso no le impidió,
en 1814,
volver a lanzar sus dardos en su obra De Bonaparte et des Bourbons.
Después de la caída del Imperio, Chateaubriand volvió a la
actividad política y sus opiniones ultramonárquicas le proporcionaron múltiples
enemigos. En el gobierno de los Cien Días fue Ministro de Estado y se convirtió
en par de
Francia. En esta cámara, votó la pena de muerte para el mariscal Ney en
diciembre de 1815. Al regreso de Napoleón desde la isla de
Elba, Chateaubriand pidió a Luis XVIII que permaneciese en el trono
enfrentándose a Napoleón, pero aquel huyó a Gante y, con
él, Chateaubriand.
En 1830 se negó a jurar lealtad a Luis Felipe, lo que significó el fin de su
vida política. Se retiró para escribir sus Memorias de ultratumba (Mémoires
d'outre-tombe, publicadas a título póstumo entre 1848 y 1850), obra que se
considera su trabajo más elaborado y que redactó durante cuarenta años. Murió
en París en 1848.
Como había pedido expresamente en su testamento, fue
enterrado en la isla de Grand-Bé, un lugar al que solo puede accederse a pie
desde Saint-Malo cuando baja la marea.
Alcanzó durante su vida gran preponderancia en el ámbito de
la diplomacia y
la pedagogía.
Fundó el prestigioso Colegio Roscio y tradujo al castellano obras
como: Catecismo razonado, histórico y dogmático del abate Thériou, y
la Introducción al método para estudiar la lengua latina de Jean-Louis Burnouf. No obstante, fue en 1853, con la
publicación de su Manual de Urbanidad y Buenas Maneras para jóvenes de
ambos sexos, cuando pasaría a la historia con el sobrenombre de «Manual de Carreño», un escrito sesquicentenario,
que enseña y adiestra al individuo en el manejo de las buenas costumbres,
fundamental para la educación de decenas de generaciones.
Sus padres fueron Constancio Vigil, quien era periodista y
abogado, y Ventura Olid.1
Los avatares políticos expulsaron a su padre de Rocha y lo condenaron a un
exilio en Montevideo. Allí se radicó toda su familia. Con 15 años
funda en Montevideo la revista La
Alborada, y luego una publicación semanal de igual nombre. Fue director de
dicho semanario hasta 1903. Por esos años también participa de la dirección de
otros periódicos montevideanos, como La Prensa y El País.2
En 1903, mientras hacía periodismo, el diario en el que escribía fue
clausurado, y Vigil se radicó para siempre en la Argentina.
Apenas llegado a la Argentina creó
las revistas Pulgarcito y Germinal, y el 11 de enero de 1911
hizo su primera apuesta fuerte: fundó y dirigió Mundo argentino, revista moderna
y líder de su tiempo –llegó a tirar 150 mil ejemplares por semana– que se
convirtió en un manual imprescindible para una sociedad todavía poco
acostumbrada a ese tipo de productos.
En Buenos Aires su tarea estuvo dedicado a escribir
unos 50 libros (entre ellos, los célebres Cuentos de Vigil, leídos desde
entonces y hasta hoy por millones de chicos), y fundar (en marzo de 1918) y
consolidar la Editorial Atlántida, que llegaría a ser líder del mercado de
revistas.
Así nacieron El
Gráfico (30 de mayo de 1919), Billiken (17
de noviembre de 1919), Iris (5 de marzo de 1920), Para Ti (16
de mayo de 1922), Grand Guinol (primero de
septiembre de 1922), Tipperary (18 de abril de 1928), El golfer argentino
en 1931 (luego se llamó Sport) Cinefrag y Vida nuestra en 1932. En 1938
escribió el guion para la película de animación El
mono relojero sobre el cuento homónimo de su autoría, que
dirigió Quirino Cristiani.
Creó personajes populares de la narrativa infantil, como el
Mono Relojero y la Hormiguita Viajera.
**********
1904:
Nace Pedro
Pablo "Perico" Echeverría, compositor.
Nació en el barrio de San Diego en Quito, el 4 de septiembre de
1904 y murió en Quito el 2 de julio de 1985. Hijo de Manuel Echeverría y de
Victoria Terán; compositor y violinsta. Estudió en el Conservatorio Nacional de
Música de Quito, del cual posteriormente fue catedrático, integró la Orquesta
Sinfónica Nacional desde su fundación el 2 de mayo de 1956. Fundador y socio de
la Sociedad de Autores y Compositores Ecuatorianos “SAYCE” en 1979. Este gran
autor y compositor de música ecuatoriana es creador de los pasillos “Sangra Corazón”
grabado por la Hnas. Mendoza Suasti; “Cansancio” grabado por Don Luis Alberto
Potolo Valencia; las tonadas Penas, Queja indiana, Esos tus ojos, los Albazos
Infortunio, Amargura y un centenar de hermosas composiciones.
Esta gran creación “AMARGURA” fue inspirada en el largo romance
que dejó profundas huellas en su vida. En 1956 durante una fiesta particular en
Quito, conoció a una gran artista chilena que desde antes ella tenía el deseo
de conocerlo por que admiraba sus composiciones. Fueron estrechando más su
relación hasta que nació el amor entre los dos, un amor que a pesar de su
mayoría de edad, se manifestó desde el comienzo con la vehemencia y la pasión
de los jóvenes, pero era al mismo tiempo un amor prohibido, puesto que ambos
estaban casados y con hijos.
A pesar de esta circunstancia, durante ocho años se amaron
ciegamente; pero llegó un instante en que se dieron cuenta que eso no podía
continuar y llegaron a la conclusión de separarse, era el único remedio, que
aunque era muy AMARGO debía curarlos de aquella gran pasión. Decididos a esto
dejaron de verse, pero todo era en vano, a los pocos días su pasión los
empujaba inexorablemente el uno al otro. Finalmente ella con mayor voluntad que
la de don Pedro Echeverría, viajó a los Estados Unidos y no volvió más. Se fue
repentinamente sin decir nada, ni siquiera un adiós; nuestro gran maestro
sufrió mucho, bebió con exceso para mitigar la pena y hasta lloró por la
pérdida de ese carió. En aquellos instantes tan amargos, nació AMARGURA en
letra y música, una tarde del mes de noviembre de 1964. El nombre es AMARGURA y
no AMARGURAS y lo grabó por primera vez el dúo Miño Erazo, con los arreglos y
ensayos de Don Pedro Pablo Perico Echeverría.
Yo llevo en el alma una
amargura,
dolorosa espina que me mata,
es que tu partida me tortura
y en silencio lloro mi dolor.
Fuiste tu mi fe y mi
esperanza,
dueña de mis sueños juveniles,
eres la ilusión que no se alcanza,
eres tú la dueña de mi amor
Quiera Dios que vuelvas
algún día
Para poner fin a mí tormento
Solo tu regreso calmaría
Ya que por tu ausencia me lamento
Vuelve pronto vuelve amada mía
Para así calmar este sufrir.
Esta composición nos
describe lo sensible que es el alma de un compositor, quizá el doble del común
de los mortales.
https://www.youtube.com/watch?v=R_Gk6vUnmWA
1921:
Nace Ariel
Ramírez, compositor de
"Alfonsina y el mar".
Ariel Ramírez (Santa Fe, 4 de septiembre de 1921 – Monte Grande, 18 de febrero de 2010)1 fue un músico, compositor y pianista
de extensa trayectoria, considerado como una de las figuras más destacadas del
nativismo argentino. Difusor de la cultura tradicional a través de una amplia
discografía y de sus actuaciones al frente de su compañía de folclore desde
1955 hasta 1980. Autor de numerosas canciones criollistas sumamente populares y
de la Misa Criolla, una de las obras más importantes de la música
argentina. Fue electo como Presidente de SADAIC (Sociedad Argentina de Autores y
Compositores de Música), en cinco períodos: 1970/74, 1974/77, 1993/97,
1997/2001 y 2001/2005.
Estudió piano en su ciudad natal. Sus estudios de composición
los realizaría muchos años más tarde en Buenos Aires con Luis Gianneo, Erwin
Leuchter y Guillermo Graetzer.
Con 20 años e impulsado por Atahualpa Yupanqui,
quien lo escuchó en Córdoba, emprendió hacia 1941 una larga temporada de viajes
por varias provincias del centro y noroeste del país,
para familiarizarse con la música regional. En ese lapso ofreció recitales de
piano interpretando obras de música tradicional argentina y sudamericana, entre
las que intercalaba sus primeras composiciones. En 1943 llegó a Buenos Aires,
donde brindó numerosos conciertos y tuvo contrato permanente en Radio El Mundo.
En 1946 grabó para RCA Victor sus primeros discos, uno de los cuales incluía la
zamba La Tristecita, obra que le brindó popularidad.
En 1950 viajó a Europa, donde permaneció alrededor de cuatro
años con residencia permanente en Roma, pero efectuando numerosas giras como
intérprete de música argentina en distintas salas de conciertos y teatros de
Italia, Austria, Alemania, Holanda, Bélgica e Inglaterra. En España fue becado
por el Instituto de Cultura Hispánica para efectuar estudios sobre la música española
de transmisión oral. En 1954 se instaló en Lima, Perú, donde continuó su
carrera de solista haciendo presentaciones en distintas ciudades de ese país,
así como también en otras de Bolivia, Chile y Uruguay.
En 1955 volvió a la Argentina, donde organizó la Compañía
de Folklore Ariel Ramírez para llevar adelante un espectáculo
coreográfico musical convocando a artistas de distintas regiones del país. A
partir de su debut en el Teatro SODRE de Montevideo, gracias al estímulo de su
director, el maestro Hugo Balzo, la compañía desarrolló su actividad durante
más de veinte años por todo el territorio argentino. Entre los músicos más
destacados que iniciaron o desarrollaron sus incipientes carreras actuando con
el Maestro Ariel Ramírez se puede mencionar a Jorge Cafrune, Jaime Torres, Raúl Barboza y Los Fronterizos. En 1957 el grupo, que en ese
momento estaba integrado por veinte músicos y bailarines, realizó una gira de
cinco meses por la Unión Soviética,
Polonia y Checoslovaquia. A su término, Ramírez continuó ofreciendo conciertos
como solista de piano en Europa. Varias composiciones suyas se popularizaron en
su país: Triste pampeano n° 3, Agua y sol del Paraná, Los
inundados, Volveré siempre a San Juan, Allá lejos y
hace tiempo, El Paraná en una zamba, y fueron adquiriendo gran
difusión en versiones de los más importantes intérpretes nativistas.
En la década de 1960 realizó innumerables giras por Argentina y
comenzó a grabar para Philips una serie de LP con sus obras, y piano solo o en
colaboración con otros músicos, y también una colección que constituye una
antología de la música de algunas regiones argentinas (pampeana, litoraleña o
mesopotámica) y de algunos géneros musicales (el vals criollo, la zamba y el
tango). De todos sus LP como intérprete, el que adquirió mayor trascendencia
fue Coronación del Folklore, uno de los hitos fundamentales del
nativismo, grabado en 1963 con Eduardo Falú y Los Fronterizos. El 4 de septiembre de 1967,
formó parte del espectáculo folclórico que junto a Jaime Torrespresentó la exhibición de la
película Crónica para un
futuro.
Como compositor escribió, además de una larga lista de
canciones, varios ciclos integrales, presentados todos ellos a través de
ediciones discográficas que tuvieron una notable repercusión. El primero de
estos discos incluye la Misa Criolla y, también en carácter de
estreno, los villancicos reunidos bajo el título Navidad Nuestra con
textos de Félix Luna. En 1965
grabó con Ramón
Navarro la cantata épica Los Caudillos escrita
en colaboración con el historiador y poeta Luna. Un nuevo gran acontecimiento fue
la aparición en 1969 del disco Mujeres Argentinas, cantado
por Mercedes Sosa y
también con textos de Luna. Algunas de sus canciones, Alfonsina y el
mar y Juana Azurduy, se cuentan entre las más logradas de
su amplia producción.
Cantata Sudamericana (1972) y Misa por la Paz y la Justicia (1981)
son sus últimas producciones de largo alcance. En estos años también compuso
música para algunas películas argentinas. En otro terreno, con fines
didácticos, escribió los 15 Estudios para piano sobre ritmos y formas
de la tradición musical argentina y las Canciones provincianas,
para voces iguales.
Continuó ininterrumpidamente sus giras y presentaciones tanto en
su país como en el exterior, aunque con menor frecuencia que en décadas
anteriores. El 5 de agosto de 1992 se realizó un concierto en su homenaje en
el Teatro Colón
de Buenos Aires bajo el título Ariel Ramírez, 50 años
con la música nacional, en el que participaron algunos de los más
importantes intérpretes de la música popular argentina, y en cuyo transcurso se
ejecutaron exclusivamente obras suyas
Su esplendor surgió al conocerse sus primeras publicaciones
en los años 70, para caer luego en un ciclo de reinterés y
aparente olvido, pues su lectura están ligadas al surgimiento de diversos
movimientos sociales (ambientalistas, equidad, minorías).
Creció en Chicago, donde una monja católica fue la primera persona que
reconoció su prometedora voz. Comenzó su carrera a la edad de 15 años, como la
estrella de programa de radio de CBS That Brewster
Boy. Apareció en cientos de programas de radio y en películas, antes de
dirigirse a Nueva York, donde actuó en las obras de Broadway, Té y simpatía y Bus Stop.
Su papel protagonista, junto a Elizabeth Montgomery, en la serie para
televisión de la década de 1960, Bewitched interpretando
al publicistaDarrin
Stephens, lo llevó a la popularidad en todos los países en donde se
trasmitió esta serie. El programa tuvo un enorme éxito, logrando Dick York una
nominación al premio Emmy en 1968.
En 1969 le sobrevinieron problemas con su salud, derivados de
complicaciones con su espalda resultado de una lesión sufrida cuando se cayó de
un caballo durante la filmación de Llegaron a Cordura en 1959. Era
tanto el dolor que sufría que lo llevó a la adicción a los analgésicos.
Durante la quinta temporada de la comedia Bewitched, sufrió un aneurisma y
tuvo que ser llevado de urgencia a un hospital. Desde su cama en el hospital,
York renunció al programa para dedicarse a su recuperación. Para la sexta
temporada de 1969-1970 fue sustituido en la serie de TV por el actor Dick
Sargent, quien siguió interpretando el papel de Darrin Stephens hasta
la octava y última temporada en 1972.
Mientras combatía su lesión en la espalda, engordó 68 kilos y
perdió la mayor parte de sus dientes. Él, junto a su esposa Joan, subsistieron
administrando un edificio de apartamentos que poseían, hasta que cayeron en
quiebra perdiendo el edificio.
En sus memorias póstumas The Seesaw Girl and Me, cuenta
que le llevó muchos años más recuperar el interés por actuar y tratar de
reactivar su carrera. Después de perder el peso que había ganado, realizó otras
apariciones en televisión, actuando en varios programas de televisión en horas
de gran audiencia, incluyendo a Simon
& Simon y La Isla de la Fantasía.
Pasó sus años finales combatiendo un enfisema. En
una última entrevista, postrado en cama en una pequeña casa en Rockford,
Míchigan, cuenta que fundó Acting for Life, un fondo
privado para recabar ayuda para los
sin hogar. York motivó a políticos, gente de negocios, y celebridades para
contribuir con alimentos y dinero.
Murió el 20 de febrero de 1992 a causa de un enfisema
pulmonar por su adicción al tabaco. Está enterrado en el Cementerio de Plainfield en
Rockford, Míchigan.
************
1928:
Nace Juan Pablo
Marín, compositor de tangos argentino.
Nace Anthony de Mello, sacerdote y psicoterapeuta indio (n. 1931).
Anthony de Mello (Bombay, 4 septiembre 1931— Nueva York, 2 junio 1987) fue un sacerdote jesuita y psicoterapeuta conocido por sus libros y conferencias sobre espiritualidad, donde utilizaba elementos teológicos de otras religiones, además de la tradición judeocristiana. Algunas de sus ideas fueron revisadas y notificadas como no ortodoxas por la Congregación para la Doctrina de la Fe el 24 de junio de 1998.
Sintiendo el llamado para el sacerdocio, inició sus estudios en la Compañía de Jesús, en Poona. Transcurrida esta trascendental etapa de su vida, se graduó en psicología, carrera que siguió en Estados Unidos, según la sugerencia y consejo del Padre Mann, provincial de la Orden.
Comenzó dirigiendo ejercicios espirituales para jóvenes novicios; que fueron el punto de partida para su carrera pública como director de almas, labor que continuaría durante toda su vida. Se basó en la metodología, los principios y la fuerza de los Ejercicios de Ignacio de Loyola, que había aprendido en España. Pero había agregado los ingredientes propios de su personalidad tan especial; y fueron numerosos sus retiros para la renovación del espíritu.
Participó en el Movimiento de Renovación Carismática, con gran intensidad. Ambas experiencias fueron la base de lo que vendría después.
Murió en la Universidad de Fordham, de un ataque cardiaco, la misma noche de su primer día en Nueva York, el 1 de junio de 1987 y tres meses antes de cumplir los cincuenta y seis años.
Sus restos descansan en el Cementerio de la Iglesia de San Pedro, en la ciudad de Bandra (India), donde había sido bautizado.
Algunas ediciones de sus libros llevan una hoja de precaución que indica: 'Los libros escritos por el padre Anthony de Mello fueron escritos en un contexto multirreligioso para ayudar a los seguidores de otras religiones, agnósticos y ateos en su búsqueda espiritual, y el autor no pretendió que fueran un manual de instrucciones sobre la fe católica en la doctrina y dogmas cristianos.'1
Bernardo Mitnik, conocido por su nombre artístico Chico Novarro (Santa Fe, 4 de septiembre de 1933-12Buenos Aires, 18 de agosto de 2023), fue un cantautorargentino. Su fama inicial se dio en el campo de la música pop, cuando integró el elenco del Club del Clan (1962-1964), desarrollando luego una exitosa carrera como cantante solista y compositor. Escribió casi seiscientas canciones, obras de teatro y música para shows y películas.3 También fue actor e hizo varias películas, tanto con el Club del Clan como con los destacados actores de cine humorístico Jorge Porcel y Alberto Olmedo.
Es hijo del matrimonio de Albert Mitnik (zapatero proveniente de Ucrania) y Rosa Lerman, de origen judío-rumano, quienes arribaron el 13 de mayo de 1923 a la Argentina con sus dos hijas mayores. La Primera Guerra Mundial los había juntado cuando, Albert Mitnik, como soldado del zar, había llegado hasta el pueblo rumano de Mărculești, actualmente en Moldova.
Se radicó la familia en la provincia de Santa Fe, donde nacieron tres hijos más: Samuel, Fanny y Bernardo, quien de niño se sentaba con ellos en la vereda a cantar tangos ayudándose con algún ejemplar de la revista tanguera El Alma que Canta. Albert Mitnik ofició de zapatero remendón ambulante, recorriendo Laguna Paiva y otros pueblos. En la casa de Santa Fe, el padre atesoraba discos de Carlos Gardel, Rosita Quiroga y Francisco Canaro. La influencia inicial del tango terminó para Bernardo Mitnik el día en que su hermano mayor, Samuel, quien tocaba batería en la agrupación Jazz Don Peralta, lo introdujo en el mundo del jazz, empujado por la admiración hacia el baterista Gene Krupa. Samuel, posteriormente conocido como Sam Lerman, fue un excelente baterista y percusionista que se dedicó a la enseñanza.
Bernardo era asmático y, para buscar un clima más seco, a los doce años toda la familia se marchó a Deán Funes (en la provincia de Córdoba). Aquel pueblo era también un empalme ferroviario y tenía necesidad de un zapatero, aunque el padre de Bernardo nunca instaló un taller, sino que trabajaba de manera ambulante. La madre de Bernardo cantaba en casa canciones en lengua idish y contaba que su padre cantaba tan bien y tan fuerte que lo podían escuchar desde otras aldeas. Bernardo quería emular al abuelo materno, cantando a plena voz tangos como «Remembranza» o «Alma de bohemio». Ya con catorce años comenzó a ganarse la vida siendo baterista en un grupo de jazz (Blue Star Jazz) con el maestro pianista Carmelo Taormina y su esposa Olga Nelly Rodríguez (Nelly Foster - Cantante) y cantor con una orquesta típica. Sin embargo, su padre quería que fuese perito mercantil y que después, estudiase medicina.
Ingresó al colegio comercial y fue empleado contable en la ciudad de Córdoba teniendo como jefe al padre del actor Norman Briski (n. 1938), pero pronto se dio cuenta de que podía ganar mucho más dinero como músico que como contador. Fue así como llegó a Buenos Aires por primera vez en 1951, con una orquesta donde tocaba el bongó, la batería y el contrabajo. Pero el contrato se frustró y después de muchos viajes, recién en 1960 se establecería definitivamente en la capital.
Formó con Raúl Boné un dúo de música tropical al que llamaron Los Novarro. Cuando se separaron en 1962, Boné, que era muy alto, adoptó para sí el nombre artístico de Largo Novarro. Casi como un chiste, y a sugerencia del productor de RCA, Ricardo Mejía, Mitnik adoptó el nombre artístico de Chico Novarro. Su primer álbum, en 1961, fue realizado por el dúo con el nombre de Los Novarro (Largo y Chico).
Chico Novarro se caracterizó por abordar con solvencia estilos muy variados, especialmente bolero y tango, pero con destacadas actuaciones en el jazz, el rock, la cumbia y el pop. Él mismo ha definido esta característica diciendo: «Yo llevo la dispersión en la sangre».4
Fue en este programa donde adoptó artísticamente el pseudónimo que le sugirió Ricardo Mejía, quien creó el programa, con el que sería conocido desde entonces. En el Club del Clan, Chico Novarro comenzó a componer y cantar canciones propias. Las primeras de ellas fueron «El orangután», «E camaleón» y la cumbia «Un sombrero de paja», canciones que se han vuelto melodías populares transmitidas de generación en generación, como si se tratara de folclore anónimo.
En 1965 escribió su primer tango, «Nuestro balance», con el que ganó en el Festival de Parque del Plata en Uruguay. En 1969 grabó el disco Música para mirar a Chico, acompañado por el pianista y compositor Mike Ribas, quien desde entonces estuvo presente en casi todas sus grabaciones. En 1970 compuso el segundo de sus escasos pero notables tangos, «Cantata a Buenos Aires» (“¿Cómo no hablar de Buenos Aires, si es una forma de saber quién soy?”), realizado originalmente para una publicidad del vino Peñaflor, que no llegó a concretarse.5 En 1971 compuso «Cordón», un tango considerado como metáfora de la vida del hombre común.
En 1980 grabó el álbum Por fin al tango, única de sus producciones dedicada totalmente al tango. En los años ochenta, su tema «Carta de un león a otro» fue interpretado por Juan Carlos Baglietto, que lo convirtió en un éxito del rock nacional argentino. Compuso canciones con otros importantes letristas y músicos, como Eladia Blázquez («Convencernos», «Pazzía»), Héctor Stamponi («Minas de Buenos Aires»), Rubén Juárez («Se juega»), Federico Silva («Se te hace tarde», «Amor de juguete», «Por ejemplo»), Amanda Mandy Velazco («Salón para familias», que fuera interpretado por María Elena Walsh).
Chico Novarro se ha destacado también en la composición y canto de boleros, donde se lo reconoce por haber introducido el habla cotidiana al bolero.4Entre sus boleros se destaca «Algo contigo», «Un sábado más» y «Cuenta conmigo», tema que ganó en 1979 el festival de la OTI, interpretado por Daniel Riolobos. Otro de los cantantes que interpretó su música fue el mexicano José José, aunque también se destacó el músico y cantante puertorriqueño Tito Rodríguez quien también interpretó en bolero sus tangos «Nuestro balance» (en el disco La romántica voz de Tito Rodríguez, el piano artístico de José Melis, de 1965), «Cómo» (en su disco Tito Rodríguez: en escenario, de 1967) y «El último acto» (del disco Yo soy tu enamorado, de 1968).
Obtuvo dos diplomas al mérito de los Premios Konex como autor/compositor melódico (en 1985) y como autor/compositor de pop/balada (en 1995). En 2014 recibió la mención Ciudadano ilustre de la ciudad de Buenos Aires, votada por unanimidad en la legislatura porteña.
Bautizado como Felipe Antonio Pirela Morón, fue el octavo de los hijos del matrimonio conformado por Felipe Antonio Pirela Monsalve quien era albañil y Lucía Morón González de Pirela, quien era ama de casa y comerciante, además de aficionada a las expresiones artísticas. Desde niño, el futuro intérprete ya mostraba interés en el canto siendo apoyado por su madre tanto en el aprendizaje musical, como en sus primeras actuaciones en radio. De hecho, a los 13 años de edad, junto a dos de sus hermanos y vecinos del barrio maracaibo El Empedrao, conforma la agrupación Los Happy Boys que tocaba en diversos locales de Maracaibo boleros puestos de moda por intérpretes tales como Alfredo Sadel, Olga Guillot y el chileno Lucho Gatica.
En 1957 trabaja en los espacios radiales de una radioemisora de Maracaibo e incursiona en un espacio de aficionados en un show televisivo que entonces transmitía la televisora Radio Caracas Televisión, obteniendo el tercer lugar. El hecho de que las empresas televisoras venezolanas aun carecieran de equipos de grabación de video, impidió que sus primeras actuaciones quedaran registradas para la posteridad. Al año siguiente, es uno de los primeros artistas que actuaban en la primera televisora regional venezolana, la zuliana Ondas del Lago TV de efímera existencia. Se presenta en un espacio de aficionados con la orquesta del trompetista, director de orquesta y compositor español, ya fallecido, Juan Arteta y su actuación le vale el ser contratado como parte del equipo artístico de la televisora y de la emisora de radio vinculada a ésta. Regresa a Caracas, en julio de 1958 y actúa en locales nocturnos, además de la emisora Radio Caracas Radio. Afortunadamente, estas incursiones radiales sí fueron grabadas tanto por la emisora radial, como por aficionados. Dichas grabaciones verían la luz pública en el año 2006.
Al regresar a Maracaibo, es contratado por la orquesta Los Peniques, con la cual se inicia como profesional. Sin embargo, su tránsito por esta orquesta no tuvo mayor relevancia grabando apenas dos canciones en el único álbum grabado con esta agrupación en 1960, titulado Carnaval con Los Peniques. No tuvo muchas oportunidades en aquella agrupación, puesto que era uno más de los cinco cantantes de esa orquesta y eso dificultaba sus posibilidades de ser tenido en cuenta.
Etapa con la Orquesta Billo's Caracas Boys[editar]
El músico, director y arreglista dominicano Billo Frómeta, logró en 1960 rearmar su orquesta Billo's Caracas Boys luego de resultar a favor una sanción impuesta por la Asociacíón Musical de Venezuela. Recibió por muchas vías recomendaciones del joven cantante. Le ubicó, habló con Edgar Pirela, hermano de Felipe quien fungía de su representante artístico, le probó y le firmó el 14 de junio de 1960. El debut se pautó para el 25 de junio, pero un atentado terrorista contra el entonces presidente constitucional de Venezuela, Rómulo Betancourt, impidió toda actividad pública. Pirela debutó con Billo el 2 de julio de 1960. Junto al novel intérprete, fue contratado un importante grupo de músicos y otro cantante marabino llamado José Rafael "Cheo" García Añez.
Con la orquesta Billo’s Caracas Boys, las voces de Felipe Pirela y Cheo García adquieren gran prestigio, individualmente, y en conjunto en los mosaicos (popurrís de canciones bailables) creados por Billo Frómeta. A este grupo, se uniría en 1962 otro zuliano especializado también en música bailable: Joe Urdaneta, sobrenombre artístico de José de la Trinidad Urdaneta.
Con esta orquesta, Felipe Pirela disfrutó de amplia popularidad, lo que hacía que en sus presentaciones se produjeran manifestaciones de grandes cantidades de público y se agotaran rápidamente las entradas a los bailes. El joven intérprete tenía ahora una legión de seguidoras importante, puesto que el bolerista más popular hasta entonces (el venezolano Alfredo Sadel) abandonaba su país natal y se dedicaba al canto operático. Tanta era la popularidad adquirida por Pirela que, en el programa de radio que tenía entonces Billo Frómeta, la mayoría de las cartas destinadas a dicho programa, eran dirigidas directamente al joven artista. Su popularidad llegó, pues, a opacar la del propio Frómeta.
Billo Frómeta, sabiendo del potencial artístico de Pirela, ideó una producción que se convetiría en el primer trabajo solista del futuro "Bolerista de América" sin separarse de la orquesta. Este álbum, titulado Canciones de ayer y hoy (1961), que reunió temas antiguos y de esa época, contó con la participación de una orquesta de cuerdas dirigida por el músico y la presencia de sus compañeros, Joe Urdaneta y Cheo García, como voces de respaldo.
La renuncia de Pirela a la orquesta se produjo después de diferencias con Billo Frómeta, pues el músico no se había enterado de que el cantante había recibido diversas propuestas, entre otras, de la compañía discográfica Velvet de Venezuela para grabar un LP y hacer presentaciones en México.3 Pirela hacía frecuentes consultas sobre este asunto a sus compañeros de orquesta, pero nada dijo a Frómeta, lo que supuso el disgusto de su parte. Esta renuncia se concreta en septiembre de 1963, iniciándose así como solista. Sin embargo, años después Pirela, siendo ya un intérprete cotizado, fue contratado para cantar al lado de la orquesta Billo's Caracas Boys, en febrero de 1971.
Una vez concretada la renuncia, comienza a recibir varias ofertas, entre ellas del músico y cantante Tito Rodríguez, de las orquestas de Chucho Sanoja y Renato Capriles y de la compañía Velvet, la cual acepta. Inmediatamente se marcha a México para hacer presentaciones y grabar allí su primer álbum titulado Un Solo Camino: México con el respaldo de la orquesta del músico y compositor Jesús "Chucho" Rodríguez. Es en ese país donde Pirela, es bautizado con el seudónimo que lo inmortalizaría: El Bolerista de América.
En muy poco tiempo, Pirela se convirtió en el fenómeno musical del momento, de allí que era reclamado en los mejores escenarios de América. Comenzó sus giras a los Estados Unidos, Colombia, República Dominicana, Puerto Rico, Ecuador, Perú. En todos estos escenarios los triunfos fueron apoteósicos: la fama llovió entonces y su estatura como cantante se dejó sentir. Los premios tampoco se hicieron esperar: Ganó, entre ellos el Disco de Oro que le fuera otorgado por Velvet, por haber vendido más de un millón de discos, récord sin precedentes para un cantante venezolano.
El 18 de julio de 1964, conoce en una fiesta de Mariela Montiel Prieto, una adolescente de 13 años de edad. Enseguida le propuso matrimonio y en un mes, el 18 de agosto, formalizan el compromiso, contrayendo matrimonio civil el 11 de septiembre y el eclesiástico el 18 de septiembre en Caracas. La luna de miel transcurrió en San Juan de Puerto Rico y Miami.
Aunque la convivencia marital fue frecuentemente interrumpida por los compromisos artísticos de Pirela, ambos conciben a su única hija Lennys Beatriz Pirela Montiel. Sin embargo, en 1966 debido a un incidente doméstico y a la inmadurez de su esposa, el artista se divorcia bajo condiciones desventajosas impuestas por la familia de ella, hecho que marcaría a Pirela para siempre. Entonces, Mariela Montiel divulgó declaraciones en diversos medios impresos que desprestigiaban al cantante y ponían en duda su conducta sexual. Con base a esta experiencia desafortunada, Pirela, compone su primer tema titulado Injusto Despecho incluido en su álbum homónimo de ese mismo año.
En estas condiciones, Pirela buscó alejarse del escándalo marchando inicialmente a Colombia, luego a República Dominicana y finalmente, a Puerto Rico, donde decide radicarse. Esto no impediría que el cantante volviera eventualmente al país a cumplir diversos compromisos.
En 1967 cumplió compromisos en Venezuela, México, Estados Unidos y Canadá (en la ciudad de Montreal). En México, durante una gira, realizó su primer y único disco con guitarras titulado Boleros Con Guitarras en el cual fue acompañado por el guitarrista Benjamín Correa y los restantes integrantes del trío Los Tres Caballeros y en diciembre de ese año, representa a Venezuela, junto a la cantante y actriz Lila Morillo en el Segundo Festival Latinoamericano de la Canción Popular, realizado en Miami, donde obtuvo el séptimo lugar.
Su segunda y última participación en festivales de canto se dio en 1969, en la primera edición del Festival de la Voz de Oro de Venezuela, realizado en Barquisimeto. Decidió entonces residenciarse en Estados Unidos y por ello liquidó sus compromisos discográficos en Venezuela. Tenía entonces, la intención de crear su propia empresa discográfica, pero este proyecto nunca fue llevado a la práctica.
Sumido en una fuerte depresión a causa del divorcio de su esposa y de la amarga disputa por la custodia de su hija, se marchó de Venezuela y se radicó en Puerto Rico, donde fue asesinado el domingo 2 de julio de 1972, cuando regresaba al Hotel Borinquen Towers, en San Juan, luego de una actuación en el centro nocturno "Molino Rojo", ubicado en Caguas. Allí había estado cantando hasta las cuatro de la madrugada, y luego estuvo acompañado por varios amigos en otro sitio de diversión.
Eran las nueve de la mañana del domingo 2 de julio cuando Felipe Pirela se desplazaba por la zona hotelera de Isla Verde, frente al Hotel Cecilia`s Place, calle La Rosa, a cuatro metros de la entrada de ese hotel y a unos 10 kilómetros de San Juan. Desde un automóvil en marcha efectuaron disparos en contra del cantante, recibiendo éste varios impactos en el cuerpo. Cayó mortalmente herido al pavimento. Fue auxiliado y trasladado al Hospital Presbiteriano de Santurce, donde ingresó sin signos vitales debido a que uno de los proyectiles le había perforado la arteria aorta. Pirela contaba con una edad de 30 años.
El cadáver fue identificado horas más tarde por Tony Chiroldes, promotor de espectáculos y por Francisca Berrío, periodista puertorriqueña quien era pareja del artista y encargada de sus relaciones públicas.4
Diez días después del homicidio, la Policía de San Juan capturó y responsabilizó del asesinato a Luis Rosado Medina, un mafioso con un extenso prontuario delictivo, quien aseguró que había matado a Pirela porque no le había pagado los estupefacientes que le había vendido a crédito; según declaró después: "Pirela me debía cinco mil dólares en cocaína, por eso decidí matarlo".5
Una parte de estas producciones está fuera de catálogo y no fue editada en formato CD. No son incluidos discos sencillos, ni discos en formato EP. La discografía con las Orquestas Los Peniques y Billo's Caracas Boys (desde Paula hasta Mosaico Diez) se incluye a título informativo. La información de esta discografía fue recopilada por Luis Armando Ugueto, biógrafo del cantante.
Beto Orlando (Las Flores, Buenos Aires, Argentina, 4 de septiembre de 1946) Cantante argentino,
cuyos éxitos fueron conocidos en los años setenta, ochenta y noventa. Hijo de
María Delgado y de Francisco Otero.
Beto Orlando, cuyo verdadero
nombre es Alberto Orlando Otero, nació el 4 de septiembre de 1946 en la ciudad
de Las Flores,
en el interior de la Provincia de Buenos Aires. A los 7 años se
trasladó con sus padres a la ciudad de La Platadonde
reside actualmente. Su padre, Francisco Otero, músico amateur, y su madre,
María Delgado, ama de casa, hijo menor de 5 hermanos. Desde muy chico se
interesó por la música acompañándose con su guitarra cantando en las escuelas y
en distintos lugares. A los 18 años forma parte de un conjuntofolklórico llamado
Los Labradores, con los cuales actuó en distintos escenarios del país. Con el
correr del tiempo se interesó por la músicaromántica tratando
de imitar a su ídolo del momento Yaco Monti.
Cuando formó el
grupo Los 4 Soles, con el que recorrió distintas ciudades de la Argentina.
En febrero de 1971 actuando
en el ClubEstudiantes de La Plata lo
descubre un representante muy reconocido en el ambiente artístico y se interesó
por su estilo de voz. y por el grupo, ofreciendo grabar su primer simple que se
llamó "No me des tu Adiós mi Amor" , en carrera muy ascendente desde
el comienzo Beto Orlando y Los 4 Soles vendieron para la
compañía EMI la
suma de 100 mil unidades de su segundo éxito que se llamó Dios del Olvido por
el cual recibieron su primer Disco de Oro. En marzo de 1973 le ofrecen
grabar como solista su primer álbum que se llamó "Solamente Beto
Orlando". Interviene en ese entonces en el Festival de la Canción en
la República Oriental del Uruguay consiguiendo
el primer puesto con el tema "Si Te Ofendí, Perdóname". El mismo año
viaja a España para
grabar un álbum llamado "El Triunfador", fue grabado en Barcelona con
la dirección del maestro Alfredo Doménech. A partir de ese año continuó
trabajando en distintos países de habla hispana. En la actualidad está
presentando su último álbum, "El Romántico de Siempre" y en su show
personal presenta a su hijo Sebastián Otero con el cual comparten el escenario
y un Álbum llamado "HerenciaRomántica"
con un gran éxito en público y en venta de disco.
Discográficamente
se inicia en 1971 fichó
para EMI.
Su primer álbum para esta compañía, fue ese mismo año y tuvo mucho éxito
en Latinoamérica.
Disco de Oro por el
tema "Dios del Olvido", grabado en 1972. En 1973 recibe el Disco de Oro por
la venta de más de un millón de discos. En el año 2005 recibe
otro Disco de Oro por su álbum "Herencia
Romántica" en donde participa su hijo Sebastián Otero.
Comienza su carrera musical a principios de los años setenta
en una formación llamada Rosa y Jorge, junto a Jorge Krahe, cantando en diferentes
locales con un estilo que ya empieza a anunciar una cierta crítica
socio-política.
Tras grabar su primer sencillo en 1972 (Las cuatro
y diez), en 1973,
ya en solitario, graba su primer LP titulado De alguna manera, que incluye
varias canciones de Luis
Eduardo Aute y versionó dos poemas de Mario
Benedetti.
Después de grabar el álbum Tiempo al tiempo en 1978, que no logra
resultados espectaculares en el mercado de ventas, Rosa León no vuelve a editar
un disco hasta 1983, con Rosa se está buscando en el espejo, que incluye
el éxito ¡Ay paloma!.
A partir de ese momento, edita con periodicidad, destacando
entre su producción el directo Amigas mías (1986) y cuatro discos
grabados para el público infantil.
En 1987 presentó el programa musical A media
voz, en Televisión española,3 y dos
años después volvió a dirigirse al público infantil en el programa Sopa de
gansos.4
Nace Martin Chambers, baterista británico, de la banda
The Pretenders.
Martin Dale Chambers (nacido
el 4 de septiembre de 1951 en Hereford ) es un músico inglés, mejor conocido
como miembro fundador y baterista de la banda de rock
The Pretenders . Además de tocar la batería con el
grupo, Chambers canta coros ( voces principales en la canción "Rápido o lento (La
ley es la ley)", el lado B de los sencillos "2000 Miles" y
"Show Me", que también escribió) y juega percusión . Formó parte de la formación
original de la banda, que también incluía a Chrissie Hynde ( voz / guitarra), James Honeyman-Scott ( guitarra /voces / teclados ) y Pete Farndon ( bajo / voces ). Hynde y Chambers son los únicos
dos miembros originales sobrevivientes, y ha servido en dos cargos separados
con el grupo.
The Pretenders es un grupo anglo-estadounidense de rock que en sus
comienzos (1978)
formó parte de la llamada new wave. La banda se componía originalmente de su
fundadora, compositora, guitarrista y vocalista Chrissie
Hynde, el guitarrista James Honeyman-Scott, el bajista Pete
Farndon y el batería Martin Chambers. Las muertes de
Honeyman-Scott y Farndon por consumo de drogas malograron esta formación, y los
múltiples cambios de músicos en los años posteriores han dejado a Chrissie
Hynde como único miembro permanente y referente absoluto del grupo. La
actividad pública de Hynde ha trascendido el terreno musical y se ha destacado
como activista en
favor de diversas causas.
Nace Kim Thayil,
guitarrista estadounidense de la banda Soundgarden.
Kim Thayil es el guitarrista de Soundgarden, banda de grunge originaria de Seattle y una de las más importantes
formaciones de la década de los 90. Fue nombrado por la revista Rolling Stone el 100º mejor guitarrista
de todos los tiempos. Kim, también aparece en el puesto número 28 de los
mejores guitarristas para la revista Guitar World.1
Thayil nació en Seattle el 4 de septiembre de 1960,
pero creció en un suburbio de Chicago acompañado de sus padres de
origen indio.
En esta ciudad conoció a Hiro Yamamoto, con quien, después de finalizar
los estudios, se trasladó al estado de Washington para estudiar filosofía en la
universidad de Washington. Allí coincidió como compañero de habitación
con Chris Cornell, con
quien pronto entablaría una gran amistad que les llevaría a formar su propia
banda de rock, Soundgarden, en 1984.
El proyecto dura hasta la separación en 1997.
Desde entonces, Thayil tocó para bandas como Pidgeonhead o el proyecto de metal
de Dave GrohlProbot, además de colaborar con Krist Novoselic en No WTO Combo y en
algunas canciones del segundo disco de Wellwater Conspiracy, Brotherhood of Electric: Operational Directives.
Actualmente, Thayil es uno de los tres ganadores de premios Grammy
indio-americanos, con dos premios en su haber por su trabajo en Soundgarden.
El martes 24 de marzo de 2009, en el nuevo y remodelado Club
Crocodile, en Seattle , WA se realizó un recital
donde participaron Matt Cameron, Ben Shepherd, Kim Thayil y Tad Doyle, formando
el grupo denominado TADarden.
El nombre del grupo proviene de la combinación entre la banda original de Tad
Doyle, TAD y Soundgarden. El recital fue parte
de la gira de The Nightwatchman, la banda de Tom Morello.
A principios del año 2010 se confirma la reunión de Soundgarden y se reintegra a la banda de
grunge popular en la década de los 90.
Como músico, desde pequeño aprendió a tocar el piano y
siguiendo la tradición familiar -su padre y abuelo fueron organistas- estudio
para interpretar ese instrumento, siendo alumno del compositor francés Charles-Marie Widor. A su vez se interiorizó en
lo que respecta a la construcción de órganos y abogó por conservar los
instrumentos más antiguos.1
El poner en práctica en su propia vida su filosofía de
"Reverencia por la vida" fue lo que le valió el Premio Nobel y el
reconocimiento mundial; una actitud que expresó de muchas formas, siendo la más
famosa el haber fundado y mantenido el Hospital Albert Schweitzer en Lambaréné,
ahora Gabón,
al oeste de África central, en aquel tiempo todavía África ecuatorial francesa.
Help! formó, junto a otros títulos de The Beatles como Ticket to ride y You’ve got to hide your love
away, la banda sonora de esta película. Help!, que se incluye en el
álbum del mismo nombre, fue el octavo nº 1 del cuarterto de Liverpool después
de Eight days a week.
Enrique Rodríguez (Argentina,1 8 de marzo de 1901 – ídem, 4 de septiembre de 1971) cuyo nombre completo era Aquilino Enrique Rodríguez Ruiz2 y que usó el seudónimo Luis María Meca, fue un bandoneonista, director y compositor. En la ejecución del tango su orquesta fue una fiel continuadora de la línea del tango rítmico y tradicional de Edgardo Donato y Juan D'Arienzo, pero su repertorio se apartaba del molde de las formaciones tanguísticas de su época, porque incluía piezas de todos los géneros, lo que le valió críticas de ciertos sectores32. Estuvo casado con la cancionista María Luisa Notar.
"Zapatos rotos"- Armando Moreno y laOrquesta de Enrique Rodriguez
Carmit Bachar nació, creció en Los Ángeles, en el seno de una
familia de orígenes multirraciales. Su padre es israelita, y su madre es de origen holandés, chino e indonesio. Durante su estancia en el equipo
olímpico norteamericano, estudió, en el Hamilton Academy of Music de Los
Ángeles, música, danza, piano y viola.
El 8 de marzo del 2008 Carmit Bachar decidió no seguir en The Pussycat Dolls ella dijo "Queridos
fans de PCD, yo quería ser la primera en decir que ya no estoy en The Pussycat
Dolls, pero siempre seremos hermanas para siempre. ¡Gracias a todos los fans
por su dedicación incondicional, amor y apoyo!"
Su disco debut Here Comes the Fuzz, se centró en el hip hop estadounidense, incluyó colaboraciones de Sean Paul, Nate Dogg y Ghostface Killah, sin embargo, no fue un impacto en los rankings. Su segundo disco, Version se centró en la escena musical británica, con versiones de Radiohead, Maxïmo Park, The Zutons y Kaiser Chiefs. El disco fue todo un éxito, obtuvo tres top 10 hits y Mark ganó un BRIT Award como "Mejor Artista Masculino 2008" (Best Male Artist 2008). Él es la primera persona en ganar un BRIT Award sin ser el cantante de los temas. Version fue certificado como doble disco de platino en el Reino Unido.2 En su tercer material discográfico Record Collectionlanzado en septiembre de 2010, incorpora a la banda The Business Intl. En el álbum han participado artistas tan dispares como D'Angelo, Boy George, Ghostface Killah, Simon Le Bon, Andrew Wyatt o Spank Rock.
En enero de 2015, lanzó su cuarto álbum de estudio titulado UpTown Special,3 del cual se desprende el éxito internacional "Uptown Funk", con la colaboración de Bruno Mars. Este sencillo fue lanzado el 10 de noviembre de 2014 y desde entonces permaneció en los primeros lugares del ranking de éxitos. Gracias a este sencillo obtuvo numerosos reconocimientos tales como el Premio Grammy en las categorías "Mejor Grabación del Año" y Mejor Interpretación Pop por Un Dúo o Grupo4 y el Premio Brit al "Mejor Sencillo".5 Reconocido como uno de los músicos más exitosos de la cultura popular británica contemporánea, apareció en la lista de Debrett de 2017 de las personas más influyentes en el Reino Unido.6
A principios de 2018, anunció su nuevo proyecto junto al productor estadounidense Diplollamado Silk City.7 Su sencillo debut "Only Can Get Better" tiene la colaboración de Daniel Merriweather.8 "Electricity" una colaboración con Dua Lipa ingresó en varias listas musicales de Europa.
Se transmite por primera vez en la tv la serie "Cosmos 1999".
Space: 1999 fue una serie televisiva italo-británica de ciencia ficción,
producida por ITC Entertainment y RAI y
emitida de 1975 a 1977.
Space: 1999 fue la serie más cara producida para la televisión
británica hasta ese momento. Con los años, se transformó en serie de culto en
su género.
En el episodio de apertura, los residuos nucleares de la Tierra
que se guardaban en el lado oscuro de la
Luna durante varios años, llevados de la Tierra a la Luna con
misiones espaciales y controlados desde una base lunar llamada Base
Lunar Alfa; estallan en un catastrófico accidente, el 13 de septiembre de
1999. El accidente afecta el campo electromagnético de la Luna por la energía
almacenada en los silos donde guardaban los residuos nucleares, sacando al
satélite fuera de órbita, junto con los 311 habitantes de la base. Como
consecuencia, la Luna viaja a toda velocidad y sin control en el espacio
exterior, fuera del sistema solar, con los científicos que operaban la base
lunar y las naves que fueron utilizadas para transportar los residuos nucleares
a la Luna.
El satélite se transforma en una especie de nave espacial
gigante y sin rumbo a través de la galaxia, y a lo largo de la serie se viven
diferentes peripecias, encuentros con otras culturas y formas de vida en el
Universo, peligros, aventuras y problemas que se deben afrontar, hasta que debe
ser abandonada en pos de perpetuar la raza humana en otro planeta.
Hacía dos años que gracias a “Waterloo”
no sólo ganaron el Festival de Eurovisión, sino que se dieron a conocer en toda
Europa, tanto era así, que en septiembre de 1976 atravesaban su mejor momento
en el mercado discográfico internacional.
El 4 de septiembre “Dancing
queen” coronaba las listas del Reino Unido. La canción escrita
por por Benni y Björn, fue también el único nº 1 de Billboard de la formación.
Además alcanzaría el ansiado número 1 en otros trece países más. Suecia,
Noruega, Alemania, Austria, Bélgica, Suiza, Irlanda, Países Bajos, Zimbabwe,
Sudáfrica, México, Australia y Nueva Zelanda se rendirían a ante este tema.
En España se tendrían
que conformar con el número 10 de la lista de Superventas en ese año. Pero
lograrían el disco de platino en 1980, cuando en junio se lanzó la “Reina
danzante”, la traducción como se puede comprobar literal al español del tema.
Traducida por los argentinos Buddy y Mary McCluskey y grabada el 7 de enero de
1980 en los estudios Polar Music sería el segundo corte del álbum “Gracias por
la Música”.
Si hubo un tiempo en que
ABBA fue sinónimo para algunos de “lo hortera”, parece que ese tiempo pasó. Por
un lado, el fenómeno ABBA arrastra, a pesar de que se separaron en 1983. Sus
canciones continúan siendo auténticos himnos y se siguen utilizando en
infinidad de bandas sonoras. ABBA y su música han tenido tanta personalidad que,
en 1999 Catherine Johnson decidió crear un musical con todas las canciones del
grupo sueco y más recientemente, en 2008, ha sido llevado a la gran pantalla
protagonizada por la oscarizada Meryl Streep. Por otro lado, venden entre dos y
tres millones de discos al año en todo el mundo, cifra que les ha situado en
360 millones de discos, tan solo por detrás de mitos como Elvis Presley y los
mismísimos Beatles.
Lo que nadie puede negar
es que ABBA ha escrito con letras de oro en el libro de la música actual. Ojalá
no les entre la epidemia que sufren otros grupos de “regresitis”, porque en
algunos casos cualquier tiempo pasado SÍ fue mejor.
Wes Bentley debutó en el cine con Beloved,
de Jonathan Demme,
donde aparecía como sobrino de un profesor. Su protagonismo fue mayor en The
White River Kid, cuyo título hacía referencia a su personaje, un
joven criminal que secuestra a dos pícaros (Antonio Banderas y Bob Hoskins).34
Poco tiempo después, llegó su mayor papel: Con su aparición
en American Beauty cosechó
un gran éxito y su popularidad aumentó. Bentley, en el papel de Ricky Fitts,
realizó una memorable interpretación secundaria.
1978:
Nace Héctor El Father (Héctor Delgado
Román), cantante puertorriqueño.
Héctor Luis Delgado Román, (Carolina, Puerto Rico, 4 de
septiembre de 1978)
Conocido artísticamente como Héctor El Father, es un excantante de reggaetón,
conocido por haber sido parte del dúo Héctor &
Tito, junto a Tito el Bambino y
su etapa artística como solista.1
Considerado como uno de los mayores exponentes en la historia del reggaetón .2
En 2008, se retiró del género con el álbum El Juicio Final para convertirse
al evangelio.
Regresando en el 2018 sólo con el tema "Acuérdate de mí".3
Héctor se unió
a Efraín Fines Nevares (más tarde conocido como Tito "El Bambino") y formó el
dúo Héctor & Tito ("Los
Bambinos"). Héctor y Tito lanzaron su primer álbum en 1998. Juntos se
convirtieron en estrellas de reguetón lanzando varios álbumes exitosos y
haciendo apariciones en varias compilaciones, convirtiéndose en uno de los dúos
más buscados en el género. Ambos se convirtieron en los primeros artistas de
reguetón en vender un concierto masivo en Puerto Rico, abriendo el camino a
otros artistas como Don Omar, Daddy Yankee, Tego Calderón y Wisin &
Yandel. Como dúo ambos captaron la atención del mundo e hicieron del
reguetón un género popular, ganando premios como el Premio de Música
Latina Billboard al
álbum de rap latino del año por su álbum A la reconquista.
En 2004, el dúo
anunció su separación, y cada uno de ellos continuó con sus carreras separadas.
Delgado siguió
el éxito de Trebol Clan con su propio álbum recopilatorio titulado Los
Anormales que rompió todas las ventas de discos en Puerto Rico con
130,000 copias vendidas en solo dos días, con la compañía fundada por Delgado
llamada Gold Star Music. Los Anormales presentaron
artistas de reggaeton como Daddy Yankee, Don Omar, Trebol Clan, Divino, Zion y
el dúo Alexis & Fido.
En febrero,
Delgado actuó en las Islas Canarias durante sus grandes festividades de
Carnaval. Su actuación fue un éxito de ventas. Su canción "Baila
Morena", que Delgado produjo para Hector & Tito, fue una de las
canciones más reproducidas al aire en este territorio español.4
A mediados de
2005, Delgado firmó un acuerdo con el propietario de Roc-A-Fella
Records, Jay-Z,
para promocionarlo en los Estados Unidos a
través de la sub-etiqueta Roc-A-Fella recién fundada, Roc-La-Familia. La
etiqueta, creada para albergar artistas internacionales, haría que Jay-Z y
Hector produjeran y tocan en un álbum de compilación. El álbum titulado Los
Rompe Discotekas contó con artistas de primera línea tanto del hip-hop de
los Estados Unidos como de la industria de la música española de reggaeton.
Además, Delgado
se convirtió en la imagen hispana de, lo que era en ese momento, la línea de
ropa propiedad de Roc-A-Fella Rocawear. La campaña publicitaria, incluida su
imagen, apareció en anuncios televisivos, impresos y vallas publicitarias. El
acuerdo incluía un acuerdo para Rocawear para patrocinar los propios diseños de
ropa de Delgado bajo la etiqueta Bambino. El acuerdo con la ropa incluía a
Héctor diseñando zapatos tenis para ser lanzados como parte de la
"Colección S. Carter" de Jay-Z bajo Reebok.
El 16 de
septiembre de 2005, presentó dos conciertos con entradas agotadas titulados The
Bad Boy en Puerto Rico con artistas como Wisin & Yandel, Alexis & Fido,
Trebol Clan, Fat Joe, Polaco y otros.
Delgado se ha
convertido en uno de los productores más exitosos, no solo en el género del
reggaetón, sino en el negocio de la música latinoamericana, incluso trabajando
con el reconocido productor cubano Emilio Estefan.
En 2008 Héctor puso
final a su carrera artística para entregarse al cristianismo.5
En una
entrevista, Héctor asegura haber sido "un payaso". "Mis
escenarios ahora son los caseríos, residenciales, barrios, cárceles, mis
escenarios son los mismos escenarios de Jesús".
Además, manifestó haberse tratado de suicidar en unas 15 ocasiones. Anunciando
su retiro con su ultimo proyecto titulado El Juicio Final.6
En marzo de
2018, luego de 10 años de haberse retirado de la música, regresa a la música
unicamente para lanzar su sencillo "Acuérdate de Mí" el cual es parte
de la promoción de su película autobiografía, pero con su nombre real: Héctor
Delgado.7
Tras la disolución de Destiny's Child en 2005, Beyoncé lanzó
su segundo álbum de estudio, B'Day (2006),
que contenía los éxitos «Déjà Vu», «Irreplaceable»
y «Beautiful
Liar». También incursionó en las actuaciones en cine, con un papel nominado
al Globo de Oro en Dreamgirls (2006),
y papeles protagónicos en The Pink Panther (2006)
y Obsessed (2009). Su matrimonio con
el rapero Jay-Z y
su actuación como Etta James en Cadillac
Records (2008) influyeron en su tercer álbum, I Am... Sasha Fierce (2008), que vio el
nacimiento de su álter ego, Sasha Fierce y obtuvo el récord de seis premios Grammy en
2010, incluyendo canción del añopor «Single Ladies (Put a Ring on It)».
Beyoncé se tomó un descanso de la música en 2010 y se hizo cargo de la gestión
de su carrera; su cuarto álbum 4 (2011) fue posteriormente de tono más
suave, explorando el funk de los años 1970, el pop de los años
1980, y el soul de
los años 1990.6
Su quinto álbum de estudio, Beyoncé (2013), fue aclamado por la crítica y
se distinguió de sus lanzamientos anteriores por su producción experimental y
la exploración de temas más oscuros.
Una autodenominada "feminista contemporánea",7 las
canciones de Beyoncé se caracterizan a menudo por temas de amor, las relaciones
y la monogamia, así como la sexualidad y la toma de poder femenina. En el
escenario, sus dinámicas y altamente coreografiadas actuaciones han llevado a
los críticos a aclamarla como una de las mejores artistas de la música popular
contemporánea. A lo largo de una carrera que abarca 18 años, ha ganado 22
premios Grammy y vendido más de 200 millones de grabaciones como solista, y
otros 60 millones con Destiny's Child,89 haciendo
de ella una de las artistas musicales con
mayores ventas.1011
La Recording Industry
Association of America reconoció a Beyoncé como la artista certificada
número uno de Estados Unidos durante la década del 2000.1213
En 2014, se ubicó en la cima de la lista Celebrity 100 de Forbes, y se
convirtió en la músico negra mejor pagada en la historia. Fue incluida en la
lista de la revista Time de las 100 personas más influyentes del mundo en 2013
y 2014. Actualmente tiene una relación desde el 2008 con el rapero Jay Z.
En 1970 comenzó su carrera dentro del mundo del espectáculo, escribiendo y dirigiendo para televisión y cine. Algunos de sus trabajos más destacados incluyen El ojo de la aguja (1981) y Jagged Edge (1985).
Su trabajo realizado en 1981 al frente de la dirección de El ojo de la aguja impresionó a George Lucas, de modo que eligió a Marquand para dirigir su tercera película de la saga de Star Wars titulada Return of the Jedi. La película se convirtió en poco tiempo en un éxito masivo, lo que significó ser el proyecto más exitoso de la carrera de Marquand, dándole fama y reconocimiento mundial.
Ha sido el único director no estadounidense en
dirigir uno de los nueve episodios de la saga Star Wars.
Nació en Lieja, oficialmente el 12 de
febrero de 1903. Su vida comienza regida por el misterio, pues en realidad
nació el viernes 13 de febrero, pero fue declarado como
nacido el 12, por superstición. Simenon fue un novelista de una fecundidad extraordinaria,
con 192 novelas publicadas bajo su nombre y una treintena de obras aparecidas
bajo 27 seudónimos. Los tirajes acumulados de sus libros alcanzan
550 millones de ejemplares.
Nacido en París el 23 de
abril de 1943,
a los tres años le fueron diagnosticados problemas agudos de tiroides. Su
padrastro, que era cirujano, trató de efectuarle diversos tratamientos
quirúrgicos con infructuosos resultados, dejando su altura definitiva en 122
cm, de este modo, Villechaize padeció de enanismo.
Durante su infancia, sufrió de abuso infantil por parte de sus compañeros de
colegio.
Rechazó eufemismos y solicitaba ser identificado como
un enano en
vez de una persona pequeña.
Estudió Bellas Artes y con 21 años abandonó Francia para
dirigirse hacia Estados Unidos, donde participó como actor en varias
producciones.
En 1972, contrajo matrimonio con Anne Sadowski, de quien se
divorció en 1979. Su mayor éxito tuvo lugar en 1974 con El hombre de la pistola de oro,
mítica película de la serie de 007, en
la cual interpretó a Nick Nack; fue su apogeo escénico.
Del mismo modo trabajó en "Fantasy Island" (Isla
de la Fantasía), (1978-84) donde interpretó el personaje de Tattoo. Los
productores tuvieron problemas con Villechaize debido a conductas impropias con
sus pares femeninos y por sentir Villechaize que su presencia vitalizaba la
serie sin ser apropiadamente retribuido, por lo que fue despedido. La serie
sólo logró estar un año más en el aire antes de ser cancelada, lo que le daba
la razón a Villechaize.
En 1980 se casó con Donna Camile Hagen, una
actriz de segundo orden que participó en la grabación de algunos episodios de
la serie de la cual se separaría prontamente en 1982. En España se
hizo muy popular debido a las imitaciones del entonces presidente del
gobierno, Felipe González, en el programa Viaje con nosotros de Javier
Gurruchaga. En los años 1990 tuvo
problemas de salud respiratoria debido al escaso tamaño de sus pulmones, se
volvió alcohólico y sufrió periodos depresivos graves. Su
novia de entonces era Kathy Self.
Hervé Villechaize se suicidó de un disparo en Hollywood (Los
Ángeles, California), el 4
de septiembre de 1993, a los 50 años de edad; momentos antes redactó una nota
explicando por qué había llegado a tan trágica decisión.
Debo hacer lo correcto. Desde los seis años de edad sabía que
no había lugar para mí. Quién creería que mi ilegible mejor amiga no llamaría a
mi madre para contestar a los Q’s. Espero que ella no se moleste. Todavía estoy
vivo. Sepan por favor que Kathy tiene el derecho que les confieren las leyes
sobre mi salud, y mis pertenencias pertenecen a Kathy incluyendo los derechos
sobre mis obras, películas y escritos, etc. Te amo demasiado, eso es tan sólo
uno de mis problemas. ¡Mamá! Mis hermanos y tú no existen en mi corazón,
vosotros no cuidasteis nunca sino sólo de vosotros mismos desde 1955, recordáis???
Kathy lo hizo lo mejor que pudo. Vosotros no. De manera que ella se lo merece
todo.
Esto se enciende para un pedacito…
No puedo fallar con una bala dum dum – ¡Ha! ¡Ha! Nunca nadie
supo mi dolor - durante 40 años – o más. Tengo que hacer esto fuera, da menos
lío.
En 2011 se proyectaba filmar una película, My dinner
with Hervé, sobre su vida.
************
1995:
Se transmite por primera vez en la tv la serie
"Xena: La princesa guerrera"
Es una serie de aventuras que mezcla historia y mitología, y transcurre principalmente en
la antigua Grecia,
aunque se permite varias licencias en cuanto a la localización temporal. Sus
protagonistas también viajan a lugares como Escandinavia, China,
la India o Egipto.1215
Xena: la princesa guerrera cuenta las aventuras de la
guerrera Xena (Lucy Lawless), que tras varios años como
temible señora de la guerra consigue
redimirse de su pasado gracias al héroeHércules (Kevin Sorbo).116 A partir de ese momento, Xena hará
todo lo posible para luchar por el bien y la paz, peleando contra guerreros
despiadados, dioses, demonios y hasta con la misma muerte.1517 Para ello cuenta con la compañía de
la barda que
será su amiga fiel en todos sus viajes, Gabrielle (Renée O'Connor),
cuya evolución a lo largo de la serie, desde una campesina inocente hasta una
poderosa guerrera, es considerada como otra trama tan importante como la
redención de Xena.112
La serie toma libremente nombres y temas de varias mitologías de
todo el mundo, principalmente de la griega,
adaptándolos para satisfacer las demandas de la trama.155 Los personajes y acontecimientos
históricos de diferentes etapas históricas y mitos hacen numerosas apariciones
y a menudo se atribuye el mérito de resolver importantes conflictos históricos
a los personajes principales. Por ejemplo, en la serie aparecen un encuentro
con Homero antes de que fuera famoso, a quien
Gabrielle anima a narrar historias; la caída de Troya; la captura de Julio César por piratas, con Xena como
líder y la caja de Pandora. Esta extraña
mezcla de eras y fusión de elementos históricos y míticos alimentó el ascenso
del programa hasta ser considerado como serie de culto durante los años 90 y principios de los años 2000.67 La serie comenzó a tener un nutrido
grupo de seguidores de todo el mundo que, a través de Internet, debatían y opinaban sobre la serie.
Aún hoy en día, la serie sigue conservando muchos fanes.19
La serie es una mezcla de estilos que oscila entre el melodrama, la comediaslapstick, la acción total y la aventura.12 Aunque la historia transcurre en
épocas antiguas, los temas del programa son básicamente contemporáneos: el responsabilizarse
de los errores del pasado, el valor de la vida, la libertad, el sacrificio y la
amistad. El flexible marco fantástico de la serie permite un amplio espectro de
estilos. Un ejemplo de ello es el original episodio musical, The Bitter Suite (traducido
como Una suite amarga en España y como Amargura en
Hispanoamérica). Aunque la serie a veces trata dilemas éticos como la moralidad
del pacifismo, la trama rara vez intenta
proporcionar soluciones inequívocas.
Muere Steve Irwin, ecologista y conductor televisivo
australiano.
Stephen Robert Irwin (22 de
febrero de 1962, Melbourne, Victoria - 4
de septiembre de 2006, Batt Reef, Queensland),
mejor conocido como El Cazador de Cocodrilos o simplemente como Steve
Irwin, fue un ecologista australiano experto en la fauna de vida silvestre,12 y
celebridad televisiva. Irwin consiguió fama mundial gracias a la serie de
televisión "El cazador de cocodrilos", una serie documental emitida
en todo el mundo sobre animales salvajes, protagonizada por él y su esposa
Terri. La pareja también era dueña y operaba el Zoológico de Australia, fundado
por los padres de Irwin en Beerwah, a unos 80 kilómetros al norte de Brisbane,
la capital del estado de Queensland. Irwin falleció el 4 de septiembre de 2006
al ser atacado por una raya mientras filmaba un documental bajo el agua llamado
''Los más letales del océano''. La Sea Shepherd Conservation Society fue
nombrada en su honor.
**********
2006:
Muere Jaime Osorio, productor y cineasta colombiano (nacido
en 1947).
Jaime, más conocido en el medio cinematográfico colombiano
como 'El Mono' Osorio, estudió derecho en la Universidad Autónoma de Colombia y
se inició en el mundo de las imágenes haciendo comerciales y documentales de
corte político, como Chile no se rinde, carajo.
Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el
vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de
rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e
influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo
también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco
álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino
como solista se inició a comienzos de los años
noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado
el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer
álbum como solista, Amor amarillo; pero con el regreso de Soda Stereo su
carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda.
Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes
estilos, desde la música electrónica ( Colores Santos,Cerati
y Melero, 1992 ) (Plan
V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en
una gira llamada Me verás volver, luego de la cual sus
integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010
padeció un accidente cerebrovascular isquémico, que
lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de
septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos
Aires.10
A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado
para numerosos premios, entre ellos Grammy
Latino, Konex, MTV y Gardel.
El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano
ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la
Ciudad Autónoma de Buenos Aires1112 en
reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la
revista Rolling Stone posicionó a Cerati en
el puesto n.° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional.
.jpg)
0 comentarios:
Publicar un comentario