Un día como hoy 7 de septiembre

El 7 de septiembre es el 250.º (ducentésimo quincuagésimo) día del año en el calendario gregoriano y el 251.º en los años bisiestos. Quedan 115 días para finalizar el año. 





Podcast 2019 

1905: 

Nace Rogelio Martínez, músico cubano (f. 2001).

Rogelio Martínez Díaz (*Matanzas, Cuba 7 de septiembre de 1905 - † Nueva York, 13 de mayo de 2001) fue director de la afamada Sonora Matancera desde 1948, cargo que le dejara su primer director: Valentín Cané. Fue apodado también como "El Gallego". Tocaba la guitarra y participaba en el coro.

A Rogelio Martínez se le debe la difusión mundial de esta agrupación musical, de la que hasta el día de hoy sus grabaciones siguen vigentes, con la misma alegría y ritmo contagioso de siempre. Ingresó a la agrupación en 1926 y se quedó para siempre.

Fue gran descubridor de figuras de talla internacional como Celia Cruz, Vicentico Valdés, Nelson Pinedo, Carlos Argentino, Bienvenido Granda, Gloria Díaz, Rodolfo Hoyos, entre otros.

Desde el exilio cubano el 15 de julio de 1960, junto a la Sonora Matancera, no volvió más a su Cuba.

Radicó en Nueva York, (Estados Unidos) junto a su familia, falleciendo en esa ciudad a los 95 años, en 2001.

https://www.youtube.com/watch?v=O0QN5ePYDRg







1909: 

Nace Elia Kazan, director turco de cine nacionalizado estadounidense (fallecido en 2003).

Elia Kazan (Kayseri, 7 de septiembre de 1909 – Nueva York, 28 de septiembre de 2003) fue un director de cine y escritorestadounidense de origen griego. Su nombre griego es Elias Kazanjoglou (Ηλίας Καζαντζόγλου).

Nació en Kayseri (Cesarea de Capadocia), en el antiguo Imperio otomano (actual Turquía). Era hijo de un comerciante de alfombras griego, por lo que formaba parte de la minoría de lengua griega y religión cristiana ortodoxa del Imperio otomano.

Su familia abandonó su país natal para trasladarse a Berlín cuando Elia solo tenía dos años de edad. Después de una breve estancia en la capital alemana, que no mejoró su situación económica, en 1913 la familia se instaló en Nueva York, donde el cabeza de familia montó un negocio de alfombras con el que consiguió enriquecerse con rapidez, hasta que la crisis de 1929 puso fin a su prosperidad.

Actividad teatral

Interesado por el teatro, en 1930 Kazan ingresó en la Universidad de Yale, donde cursó Arte Dramático durante dos años, costeándose los estudios con su trabajo como portero de noche de un edificio. Montó su primera obra teatral, El segundo hombre, de Samuel N. Behrman, en 1931, y en 1932 debutó como actor en la obra Chrysalis, que tenía a Margaret O'Sullivan y Humphrey Bogart como protagonistas. Por esas mismas fechas se incorporó al Group Theatre, una formación que entendía el arte escénico de una manera novedosa y experimental para la época. Llevó a escena, entre otras obras, La muerte de un viajante y Después de la caída, ambas de Arthur Miller.

Pronto se reveló como uno de los directores más innovadores del Group Theatre, lo que le valió en 1943 el premio de la crítica por la puesta en escena de The Skin on our Teeth, de Thornton Wilder. En 1947 fue, junto con Cheryl Crawford y Robert Lewis, uno de los fundadores del Actor's Studio, la mítica escuela de formación de actores. Esta escuela tuvo una influencia decisiva en el teatro estadounidense y de ella salieron actores de la talla de Marlon Brando, Montgomery Clift, Geraldine Page y Paul Newman.

En 1944 dirigió su primer largometraje, A Tree Grows in Brooklyn (Lazos humanos). Le siguieron Boomerang (El justiciero, 1947) y The Sea of Grass (Mar de hierba, 1947), que le valieron dos premios de la crítica; Gentleman's Agreement (La barrera invisible, 1947) por el que obtuvo su primer Óscar; Pinky (1949); Panic in the Streets(Pánico en las calles, 1950); y A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo, 1951), por la que fue nominado al Óscar. Los años siguientes a estos hechos fueron los más prolíficos de toda su carrera. Sin desatender la dirección dramática ni la actividad literaria, realizó numerosas y célebres películas: Viva Zapata! (1952); Man on a Tightrope (Fugitivos del terror rojo, 1952); On the Waterfront (Nido de ratas / La ley del silencio, 1954) por la que ganó su segundo Óscar en 1955; East of Eden (Al este del paraíso / Al este del Edén, 1955) su cuarta nominación al Óscar como director; Baby Doll (1956); Wild River (Río Salvaje, 1960); Splendor in the Grass(Esplendor en la hierba, 1961).

Más tarde redujo su actividad cinematográfica, hasta que la abandonó para dedicarse enteramente a la producción literaria desde finales de los setenta. Sus últimas realizaciones fueron America, America (1963), a partir de una novela autobiográfica publicada en 1962; The Arrangement (El compromiso, 1968); The Visitors (Los visitantes, 1972); y The Last Tycoon (El último magnate, 1976).

Este famoso director, fue acusado reiteradas veces de acoso sexual, aún así, eso no le impidió seguir con su carrera.

Actividad literaria

Como autor literario también logró el reconocimiento de público y crítica. Aparte de America, America, publicó The Assassins(1972); The Understudy (1974); Acts of Love (1978); The Anatolian (1982); y Elia Kazan: a Life (1989), minuciosas memorias por las que desfilan numerosos personajes de Hollywood. En España se publicaron seis novelas suyas con los títulos: Los asesinos, América, América, El doble, El compromiso, El hombre de Anatolia y Actos de amor. También se publicó su autobiografía titulada Mi vida.

Galardones

Consiguió dos Óscar, ambos como mejor director. También recibió en 1999 un Honorífico al conjunto de su carrera. Además de los Óscar por sus películas, Kazan recibió numerosos galardones como el Premio de Maestros del Cine, otorgado por el diario 'Times' en 1989 y, en febrero de 1996, el Oso de Oro especial por el conjunto de su obra en el Festival de Berlín.

Matrimonio[editar]

Contrajo matrimonio en tres ocasiones. Con Molly Day Thacher en 1932, con la que tuvo dos hijos y dos hijas, y con la actriz Barbara Loden en 1967, con la que tuvo dos hijos más, ambas fallecidas. En 1982 se casó con Frances Rudge con la que estuvo hasta la muerte del director.

Joseph R. McCarthy, senador que lideró el Comité de Actividades Antinorteamericanas entre 1950 y 1956.

Testimonio en la caza de brujas

Consiguió una cierta notoriedad tras su testimonio ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas en la época del mccarthismo y la caza de brujas. En 1952, el mismo año en que se estrenaba su Viva Zapata!, testificó contra sus antiguos compañeros del Partido Comunista, delación con la que consiguió seguir desarrollando su carrera y su status, pero que no olvidaron algunos actores y demás colegas de su profesión. Kazan inicialmente se negó a dar nombres, pero después nombró a ocho ex miembros del Group Theatre que él identificó como comunistas: Clifford Odets, J. Edward Bromberg, Lewis Leverett, Morris Carnovsky, Phoebe Brand, Tony Kraber, Ted Wellman y Paula Miller. Más tarde comprometió también a Lee Strasberg. Aunque todos estos ya eran viejos conocidos del Comité, su declaración no les ayudó en sus carreras, que quedaron truncadas. Al recibir Elia Kazan su Óscar honorífico, varios colegas se negaron a aplaudirlo y a ponerse en pie, para dejar así patente su rechazo.

Kazan trató de justificar sus delaciones. En su novela El Anatolio y en su película America, America, explica que su admiración por el modo de vida americano le llevó a velar por su país. Estas obras autobiográficas cuentan los avatares de un joven griego anatolio que, como otros millones de emigrantes, deja su tierra natal hostil para acceder al nuevo paraíso. Tampoco fue casual que Kazan deformara la historia de la lucha de los obreros portuarios de Nueva York en La ley del silencio. Los sindicatos de obreros portuarios, que en la realidad tenían mayoría de comunistas, aparecen dominados por la Mafia. El protagonista, representado por Marlon Brando, hace una auténtica apología de la delación.

***********

1912:

Nace Pedro Salcedo, cantante y compositor colombiano.

El maestro Pedro Salcedo nació en Corozal, Sucre, en 1912. Desde joven creó su Orquesta, con la que alcanzó a grabar varios discos. Dentro de sus composiciones están La pollera azul, Corozal y Sincelejo, la olla, La estereofónica. Compuso cumbias, gaitas, porros, etc., varias de las cuales fueron grabadas por las orquestas de Lucho Bermúdez, La Billos, Los Hermanos Martelo y Los caribes entre otras.

Nació en Corozal, departamento de Sucre, el 7 de septiembre de 1912, en el hogar formado por  Pedro Salcedo (Ebanista) y Julia Ortega (hogar). Proveniente de una familia de extracción humilde, honesta, trabajadora  y numerosa (era el tercero de ocho hermanos, ya fallecidos). Murió en la ciudad de Bogotá D.C., el 12 de marzo de 1998 y sus restos reposan en el cementerio Jardines de Paz, ubicado en el norte de la misma ciudad.
Precoz director; a los ocho años fundó una banda infantil que interpretaba melodías de porros, cumbias y gaitas con unos instrumentos (pitos)  que él  mismo fabricaba con el fututo o fitongo de la hoja  del árbol de papayo y de  maguey. Tiempo después, el profesor  Fortunato Beleño Gómez le enseñó teoría, armonía y arreglo musical. A los 10 años hace su primera canción, un porro, que titula “Emilita”,  dedicada a su paisana de 8 años, Emilia Lambraño. Con el maestro Agustín González aprende a interpretar el Saxofón y el Clarinete, su instrumento preferido, que tocaba tan bien como los mejores clarinetistas de la época: Lucho Bermúdez, Ismael Gil, Leopoldo Cogollo y Alex Acosta (De una época posterior), entre otros; el bombardino lo ejecutaba con tanta maestría que era de los pocos que podían tocar con limpieza el “solo musical” que  hacía parte de  la canción “La Danza de Sara”, por esto lo llamaban “El León de la Sierra”.
Siendo muy joven, ejecutando trompeta y bombardino de émbolo, integra la banda musical de Corozal,  8 de Diciembre, fundada por el maestro Pedro Mulett. A los 15 años de edad (1925) , crea la agrupación musical “Orquesta Jazz, Perlas de la Sabana”, con grandes  músicos, entre los cuales se cuentan: Pedro Mulett (Bajo de cuerda), Ismael Gil (Saxo y Clarinete), Luis Carlos Gil (Trompeta),  Florentino González (Trompeta), Alfonso Mendoza (Bombardino y Trombón de vara),  Demetrio Guarín (Trompeta), Guillermo Vides (Redoblante), Benedicto Vergara (Bombo y platillo), Atilio Vergara, (Trompeta), Hernando Tinoco (Cantante), Luis Basanta (Cantante), entre otros.
Posteriormente, en 1930,  a los 20 años de edad, crea la orquesta “Claridad”,  que amenizaba las fiestas de los pueblos aledaños y la zona del caribe, con algunos músicos de la banda anterior como base de la orquesta y nuevos  como: Carlos Muleth (Saxo y clarinete), Ángel Muleth  (Saxo y clarinete), Agustín González (Saxo), Mingo Muleth (Batería), Gilberto Lora “Cacagua”(Cantante), René Díaz Silvio (Batería y redoblante) y Eustiquio Amin “El Turco” (cantante), Eliécer Muleth (Congas).
El 22 de noviembre de 1935, contrae matrimonio con Isabel María Benavides, mujer  que siempre fue su apoyo, quien lo acompañó hasta su última morada, y a quien le dedicó dos canciones: un bello acróstico con ritmo de vals, que tituló “Isabel María”, obra que siempre cantaba el maestro Salcedo, y el Bolero, “Tengo fe en ti” que fue grabado por El Combo Maravilla de Barranquilla,  cantando Wilson Choperena;  posteriormente lo graba en Bogotá  el trío de la novela Las Juanas.
En la década de los 40, el maestro Salcedo, en la plenitud de su máxima inspiración, compone los porros, cumbias, gaitas, fandangos y mapalés que más éxito han tenido, tanto nacional como internacionalmente: La Estereofónica, Corozal y Sincelejo, La Buchaca, La Olla, Sabor de Cumbia (hoy La Medallita, con una nueva letra del maestro Calixto Ochoa), Ron Blanco, Ayapel, Carmen Helena, y la cumbia instrumental Takasaluma (compuesta entre los años 1939-1940, cuando vivía en Magangué), la cual el maestro Salcedo se la dedica al  pueblo Takasaluma que queda cerca de Magangué, obra que sirvió de base para la melodía y el arreglo irrepetible que él le hiciera a la famosa cumbia “La Pollera Colorá”, que fue  grabada con su agrupación musical, “Pedro Salcedo y su Orquesta”,   en marzo de 1961, en Barranquilla.
En el año 1955, el maestro Salcedo viaja con su familia al puerto petrolero, Barrancabermeja (Santander del Sur, a orillas del río Magdalena), buscando nuevos horizontes para su esposa y sus 10 hijos, quienes heredaron el talento artístico musical  de su padre; interpretan: saxo, clarinete, piano, acordeón y percusión, además tienen el don de  la composición musical. En la ciudad petrolera, el maestro Salcedo crea, inicialmente, la orquesta, “Los Millonarios del Ritmo”, que después se llamaría “Pedro Salcedo y su Orquesta”,  agrupación por donde desfilaron reconocidos maestros de la música: Edmundo Arias, Benny Bustillo, Adolfo “Papa Salá” Castro, José “Mañungo” Ricardo, Cecil Cuao, Juan Madera, Wilson Choperena, Aida Manfugás, Pedro “Peyo” Torres, William Salcedo B, Pedro Salcedo Jr, Marina Barragán…entre otros. La Orquesta tocaba en los diferentes Clubes Sociales de Barrancabermeja y también en las diferentes festividades y carnavales que se celebraban en el país, alternando con las mejores agrupaciones musicales nacionales e internacionales.
En su larga trayectoria artística, compuso más de 500 obras musicales, destacándose, adicionalmente a las mencionadas anteriormente, las siguientes: La Pollera Azul, El arranque, Cumbia de la Candelaria, La fruta del Marañón, Tócame ese Porro, Cabaretera (Las Mujeres), Paulina Calvete, Cumbia Petrolera, El Trancazo, Barrancabermeja, Gaita del 61, Cumbia en el Bohío, Las Cosas de Miguel, entre otras. Sus obras fueron grabadas por diferentes orquestas nacionales, como Los Corraleros de Majagual, El Binomio de Oro, Los Hermanos Martelo, Juancho Torres, Pedro Laza, Clímaco Sarmiento, La Sonora Cordobesa,  Lucho Bermúdez, Lisandro Mesa, los 8 de Colombia, Aníbal Velásquez, Los Martelitos, y muchas más. Varias de sus obras fueron grabadas por  Orquestas Internacionales, como: La Billos Caracas Boys de Venezuela (Corozal y Sincelejo, en 1973). El Súper Combo los Tropicales de Venezuela (Compadre Polo), El Cuarteto Continental de la Argentina (La medallita), La Orquesta de Eduardo Armani de la Argentina (La Buchaca, en 1948); diferentes agrupaciones musicales Mexicanas grabaron La Pollera Azul y La Estereofónica las cuales tuvieron mucho éxito en ese país.
En el año 1965, en una fiesta organizada por la Colonia Corozalera en Bogotá, el maestro Salcedo estrena el  porro “Noches Corozaleras”, canción elegida como el Himno de la ciudad de Corozal, y  en cuya letra él manifiesta la gran admiración que sentía por la tierra que lo vio nacer, la tierra del mote'e queso, de los diabolines, del corozo, del pastel de arroz y de las calles de piedra (que él no volvió a ver); en esta canción el maestro Salcedo le envía un mensaje a sus coterráneos, invitándolos a  “querer a su tierrita, por la que hay que trabajar”.
En febrero de 1998, la Editora Fondo Musical Ltda le da un Disco de platino con la leyenda: “Al maestro Pedro Antonio Salcedo Ortega por las ventas en Colombia del Álbum Carolina Sabino, Las Juanas” que  incluye sus temas: La Pollera Azul, Corozal y Sincelejo, Cumbia de la Candelaria y Noches Corozaleras,  grabados en la disquera SONOLUX.
En el año de 1981, en el segundo concurso de música Colombiana para Compositores, organizado por el Instituto Colombiano de Cultura de Bogotá, dos de sus obras: “El Ramillete” y “Éxtasis” son premiadas, participando por la zona Atlántica.
Como reconocimiento a su extensa obra musical, que lo acredita como uno de los grandes compositores de Colombia, se hace merecedor de varios homenajes y distinciones:
- En marzo 15 de 1975, con el Decreto Número 201,  La Gobernación de Sucre (siendo el Gobernador,Gustavo Dájer Chadid), le confiere  “La Orden de la Corraleja”, por su Aporte a la Música Nacional.
- El 20 de julio de 1992, el maestro Raúl Rosero P., como presidente de SAYCO, conjuntamente con la disquera CBS, le hace  un emotivo y gran homenaje por la Televisión, allí le entregan una placa “Como Reconocimiento por  su Labor Artística y Valioso Aporte Musical al Folclor Costeño”.
- En junio 8 de 2002, La Junta Directiva, en cabeza de su presidente Fernando José Tovar,  La Fundación para el Desarrollo de Corozal “FUNDECOR”, le hace entrega de una placa que dice: “Rinde Tributo a la Memoria de PEDRO SALCEDO ORTEGA, Gloria de la Música”
- El Primer Encuentro Nacional  Folclórico De Sabana, llevado a cabo en Corozal (Sucre) el 14, 15 y 16 de diciembre de 1990, llevó su nombre: “Pedro Salcedo O.”
- Fue director de la Banda Departamental de Sucre.

- La Casa de la Cultura de Corozal lleva su nombre: “PEDRO ANTONIO SALCEDO ORTEGA”.

http://pedroantoniosalcedoortega.blogspot.com/

https://www.youtube.com/watch?v=rYGLbXpZXNA

1912: 

Nace David Packard, empresario e ingeniero estadounidense, fundador de Hewlett-Packard (f. 1996).

David Packard (7 de septiembre de 1912 - 26 de marzo de 1996), fue un ingeniero y empresario estadounidense. Cofundador junto a Bill Hewlett, de la compañía de electrónica Hewlett-Packard.

Vida[editar]

Nació en Pueblo, Colorado, y recibió su título en la Universidad de Stanford en 1934. Después, trabajó para la Empresa General Electric en Schenectady, Nueva York.

En 1938, volvió a Stanford, donde recibió el máster en ingeniería eléctrica al año siguiente. Ese mismo año, se casó con Lucile Salter, con quien tendría cuatro hijos: David, Nancy, Susan, y Julia. Lucile murió en 1987.

En 1939, junto a Bill Hewlett comenzaron su compañía en el garaje de Packard con una inversión de capital inicial de 538 dólares estadounidenses. La compañía, donde Packard demostró ser un administrador experto y Hewlett proporcionó muchas innovaciones técnicas, se convirtió en el productor más grande del mundo de pruebas electrónicas y dispositivos de medida. También se hizo un productor principal de calculadoras, computadores e impresoras láser y de inyección.

Packard fue presidente de Hewlett-Packard desde 1947 hasta 1964, Director Ejecutivo desde 1964 hasta 1968, Presidente del Comité Ejecutivo a partir de 1964 y hasta 1968, y desde 1972 hasta 1993.

Al llegar a la presidencia en 1969 Richard Nixon, éste le designó subsecretario de defensa bajo Melvin Laird. Packard estuvo hasta 1971, cuando renunció y volvió a Hewlett-Packard al año siguiente, como presidente del Comité Ejecutivo. En las décadas de los 70 y 80 Packard fue un consejero prominente de la Casa Blanca en temas de Defensa.

Obra benéfica[editar]

Desde principios de los años 1980 y hasta su muerte, Packard dedicó la mayor parte de su tiempo y dinero a proyectos filantrópicos. Incitado por sus hijas Nancy y Julia, en 1978 Dave y Lucille Packard crearon la Fundación Acuario de Bahía Monterey. La pareja donó 55 millones de dólares para construir el nuevo acuario, que abrió en 1984 con Julia Packard como directora ejecutiva. En 1987, Packard donó 13 millones de dólares para crear el Instituto de investigación Acuario de Bahía Monterey, y la Fundación Packard desde entonces ha proporcionado aproximadamente el 90% del presupuesto de operaciones de dicho instituto. Por sus esfuerzos filantrópicos, le concedieron el Premio Sylvanus Thayer de la Academia Militar de los Estados Unidos en 1982.

En 1964, la pareja fundó la Fundación David y Lucile Packard.¹​En 1986, donaron 40 millones de dólares para el edificio que hizo Lucile, el Hospital infantil en la Universidad de Stanford inaugurado en junio de 1991. Al morir, su testamento dio aproximadamente 3,7 mil millones de dólares a la Fundación Packard, incluyendo grandes cantidades de bienes raíces de gran valor en Los Altos Hills (California). Las tres hijas de Packard son presidentas del comité ejecutivo de la Fundación Packard de Fideicomisarios.

1913: 

Nace Anthony Quayle, actor y director teatral británico (fallecido en 1989).

John Anthony Quayle (Ainsdale, 7 de septiembre de 1913-Londres, 20 de octubre de 1989) fue un actor y director de teatro británico.

Nacido en Ainsdale, Inglaterra, estudió en la Rugby School y en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres. Tras actuar en el music hall, se unió al elenco del teatro Old Vic en 1932. Durante la Segunda Guerra Mundial fue oficial de la Armada y fue miembro de las Unidades Auxiliares. Posteriormente se sumó al Special Operations Executive y sirvió como oficial de enlace con los partisanos de Albania. En 1944 fue ayudante del Gobernador de Gibraltar. Describió sus experiencias en forma de ficción en el libro Eight Hours from England.

Carrera

Entre 1948 y 1956 dirigió el Teatro Shakespeare Memorial, y dejó la base para la creación de la Royal Shakespeare Company. Entre los papeles de William Shakespeare que él mismo interpretó se incluyen Falstaff, Otelo, Benedicto en Mucho ruido y pocas nueces, Enrique VIII de Inglaterra, y Aarón en Tito Andrónico, junto a Sir Laurence Olivier. Además, fue Mosca en la obra de Ben Jonson Volpone, y también interpretó obras contemporáneas, como Long Day's Journey into Night de Eugene O'Neill.

Su primer papel para el cine fue breve y sin créditos en la película de 1938 Pigmalión. Posteriores interpretaciones cinematográficas fueron, entre otras, las que hizo en el film de Alfred Hitchcock The Wrong Man (1956), en Ice-Cold in Alex(1958), Tarzan's Greatest Adventure (1959), Los cañones de Navarone (1961) y en la película de David Lean Lawrence de Arabia(1962). Fue nominado a un Oscar al mejor actor de reparto en 1969 por su interpretación del cardenal Wolsey en Ana de los mil días. Hizo en varias ocasiones papeles de honrados oficiales británicos, aportando su propia experiencia durante la guerra y dando un grado de autenticidad a los personajes que no conseguían otros actores no combatientes. Uno de sus mejores amigos, de su época en el Old Vic, fue el actor Alec Guinness, con quien coincidió en varios filmes.

Quayle debutó en Broadway con la obra The Country Wife en 1936. Treinta y cuatro años más tarde, se ganó el aplauso de la crítica por su papel protagonista en la pieza de Anthony Shaffer Sleuth, por la cual ganó un premio Drama Desk.

Entre sus interpretaciones televisivas se incluye Armchair Theatre: The Scent of Fear (1959) para la cadena ITV, el papel principal en la serie de 1969 de la ITC Entertainment Strange Report y el papel del general Villers en la adaptación de 1988 de The Bourne Identity. También fue el narrador de la serie documental Reaching for the Skies.

Quayle fue nombrado caballero en 1985 y falleció en Londres en 1989 a causa de un cáncer de hígado. Se casó en dos ocasiones. Su primera esposa fue la actriz Hermione Hannen (1913-1983) y su segunda esposa y viuda la también actriz Dorothy Hyson (1914-1996). Con la última tuvo dos hijas, Jenny y Rosanna, y un hijo, Christopher.

*********

1923:

Creación de la INTERPOL.

La Organización Internacional de Policía Criminal (INTERPOL) es la mayor organización de policía internacional, con 190 países miembros, por lo cual es una de las organizaciones internacionales más grandes del mundo, tan sólo por detrás de las Naciones Unidas. Creada en 1923 bajo el nombre de Comisión Internacional de Policía Criminal, tomó el nombre común de INTERPOL a partir de su dirección telegráfica.

La misión de INTERPOL es la comunicación policial para un mundo más seguro y por eso apoya y ayuda a todas las organizaciones, autoridades y servicios cuyo objetivo es prevenir o combatir la delincuencia internacional.

La sede central de la organización está en Lyon, Francia. El Secretario General es Jürgen Stock, quien asumió el cargo el 7 de noviembre de 2014 durante la 83.ª reunión de la Asamblea General de INTERPOL. La presidencia corresponde a Meng Honwei.

Debido al papel políticamente neutral que debe jugar, la constitución de la Interpol prohíbe en su artículo 3 cualquier tipo de relación con crímenes políticos, militares, raciales. ​ Su trabajo se centra en la seguridad pública, terrorismo, crimen organizado, tráfico de drogas, tráfico de armas, tráfico de personas, lavado de dinero, pornografía infantil, crímenes económicos y corrupción.

***********

1936: 

Nace Jorge Porcel, humorista y cantante argentino (f. 2006)

Jorge Raúl Porcel (Buenos Aires, 7 de septiembre de 1936 - Miami, 16 de mayo de 2006) fue un comediante, actor, cantante y director teatral argentino. Desde joven se dedicó al humorismo, y en sus filmes trabajó también haciendo una dupla memorable junto a Alberto Olmedo.

Índice

·         1Trayectoria

o    1.1Sus comienzos en la radio

o    1.2Carrera como actor de cine

o    1.3Carrera como actor de televisión

o    1.4Carrera como actor de teatro

o    1.5Música

o    1.6Historieta

o    1.7Cambio de rumbo

o    1.8Sus últimos años de vida

o    1.9Fallecimiento

·         2Trascendencia

·         3Teatro

·         4Cine

·         5Programas de televisión

·         6Programas de radio

·         7Discografía

·         8Premios

·         9Referencias

·         10Enlaces externos

Trayectoria[editar]

Sus comienzos en la radio[editar]

En 1957, Jorge Porcel estaba realizando imitaciones en un restaurante del porteño barrio de Barracas, cuando fue descubierto por el popular animador uruguayo Juan Carlos Mareco, quien lo recomendó al año siguiente para el programa de radio La Revista Dislocada. En este histórico programa, creado por Délfor Dicásolo, tuvo como compañeros entre otros a Carlitos Balá, Mario Sapag, Nelly Beltrán y Raúl Rossi.

Carrera como actor de cine[editar]

Su debut en la pantalla grande fue en 1962 con Disloque en Mar del Plata, pero su primer protagónico lo obtuvo en 1964 con la película El gordo Villanueva. Su consolidación a nivel internacional se dio, sin lugar a dudas, con su famoso dúo realizado con Alberto Olmedo, uno de los más recordados en la televisión y el cine argentino, a través de decenas de películas durante la década de los 70 y buena parte de los 80. Eran habituales colaboraciones de los mismos actores invitados con papeles secundarios de diverso estilo, tales como Javier Portales, Mario Sánchez, Adolfo García Grau, Tincho Zabala, Moria Casán y Susana Giménez, con las que departieron en varias cintas. Algunos de ellos eran parte del elenco de programas televisivos que presentaron. La temática era diversa, pero en general se caracterizaban por ser comedias livianas, con un alto contenido sexual (algunos semi desnudos femeninos) y dirigidas a un público adulto. Ciertas películas (aunque eran propias de Olmedo o de Porcel por separado) contaban con apariciones breves de su compañero respectivo. Dicha situación tan particular hacía difícil asociar un actor sin la presencia del otro. La mayoría fueron dirigidas por Gerardo Sofovich o por su hermano Hugo. Unas cuantas fueron por Enrique Carreras, sin que se perdiera la línea temática. Ya en la década de 1980 hicieron películas con un tono más dirigido hacia la familia. Luego de ser ensombrecido el estreno de su última cinta junto a Alberto Olmedo (Atracción peculiar) por el deceso de su compañero y amigo en marzo de 1988, Porcel decide asumir otro rol de vida. Sin embargo, filma con la dirección habitual de Enrique Carreras la última película que realizaría en Argentina, llamada El profesor punk. Fue estrenada oficialmente el 7 de julio de 1988, tan sólo 4 meses después del accidente que causó la muerte de Olmedo. Sobre el final se ve en pantalla una dedicatoria a su amigo. Para el año de 1993, ya radicado en los Estados Unidos, intervino con un breve papel en el cine de Hollywood personificando a "Saso" en la película de Brian de Palma, Carlito's Way junto a Al Pacino. Ésta será su última película.

Carrera como actor de televisión[editar]

En 1965 formó parte de la primera encarnación del programa Operación Ja-Já, de los hermanos Gerardo Sofovich y Hugo Sofovich.

En 1969 integró la mítica formación de El botón, de Gerardo y Hugo Sofovich compartiendo elenco con Alberto Olmedo, Fidel Pintos, Juan Carlos Altavista, Haydeé Padilla, Mario Sapag, Tristán, Adolfo García Grau, Ernesto Bianco, Jorge Salcedo, Pepe Soriano, Javier Portales, María Rosa Fugazot, Dorys del Valle, Gogó Andreu, Carmen Morales, Mabel Manzotti y Vicente La Russa.

En 1972 se incorporó a la mesa de Polémica en el bar, de Gerardo Sofovich, junto a otros actores como Javier Portales, Fidel Pintos, Juan Carlos Altavista y Adolfo García Grau. Ese mismo año hizo dupla por primera vez con Alberto Olmedo ―algo que se repetiría muchísimas veces en el cine― para el programa Fresco y Batata.

A comienzos de la década de 1980 trabajó en dos programas de Gerardo Sofovich que superaban los 60 puntos de rating: Polémica en el bar donde hizo una dupla memorable con Juan Carlos Altavista y también compartió la mesa con Javier Portales, Mario Sánchez, Julio de Grazia y Rolo Puente. Mientras tanto en Operación Ja-Já reemplazó a Fidel Pintos para recrear un personaje a su medida, el peluquero Don Mateo.

Tras años de éxito protagonizó ―apoyado en un elenco pero donde él ya era la figura excluyente― programas como Operación Porcel, y ¿Lo viste a Porcel? (emitido por Canal 11 y en donde cantó el bolero Sabor a mí junto al cantor tanguero PolacoGoyeneche) y El circo más gordo del mundo. Finalizando esa década, por Canal 9, realizó el programa Las gatitas y ratones de Porcel, donde se destacó por sus personajes: "El Rofo" ―sátira del vendedor de periódicos "El Rafa"―, el Carnicero y la "Tota" ―caricatura de una vecina porteña― junto al destacado cómico argentino Jorge Luz quien componía "La Porota". En 1990, por el mismo canal, intentó repetir el éxito de Las gatitas y ratones con un nuevo ciclo de breve paso por la pantalla, Las bebitas y bebotes de Porcel, en el cual adoptó un humor más inocente e ingenuo, el cual no fue bien aceptado por el público.²​

Luego dejó en pausa su carrera para trasladarse a los Estados Unidos donde realizó el programa A la cama con Porcel, que tuvo gran éxito entre la comunidad argentina residente en los estados unidos.

En el año 1994, ya radicado en Estados Unidos, retornó por un tiempo a Argentina para realizar por el canal Telefé un ciclo junto a Jorge Luz, que fue su último trabajo en la televisión local, titulado La Tota y la Porota, el cual se basó en una forma de humor familiar e inocente, el cual tampoco logró repetir el éxito de los ciclos picarescos de los años ochenta.

En Chile, se presentó en el programa Jappening con Ja, en el sketch de La Oficina como el Señor Petete como también en el programa A la Suerte de la Olla.

Carrera como actor de teatro[editar]

Debutó en la revista en 1966 y siempre se destacó en ese rubro en Buenos Aires y Mar Del Plata. Entre las muchas obras que protagonizó están: El Maipo de gala (1976), escrita y dirigida por Gerardo Sofovich, junto a Ethel Rojo, Alberto Olmedo, Adolfo García Grau, Carmen Barbieri y Enrique Pinti; En el Astros, las estrellas (1975), también de Gerardo Sofovich, con Susana Giménez, Tristán y Vicente Rubino; La revista nunca vista (1978), con Ethel Rojo, Olmedo, Don Pelele, Juan Carlos Calabró; La revista de las súper estrellas (1981), junto a Moria Casán, Olmedo y Susana Giménez; Seguimos rompiendo las olas (1982), con libro y dirección de Hugo Sofovich con Casán, Olmedo y Portales; Prohibida (1983), junto a Olmedo, Patricia Dal y Mario Sapag. En 1974, Jorge Porcel encabezó un elenco que completaban Nélida Roca y Susana Giménez en el teatro Astros que tuvo gran afluencia de público (vendió 285 000 entradas), La Revista de Oro, de Gerardo Sofovich.³​

Música[editar]

En 1980 grabó el disco de boleros Puro corazón. Jorge Porcel era un amante de la música y en sus programas cantaba boleros, como en Las gatitas y ratones de Porcel (donde estaba habitualmente acompañado por el pianista Mike Rivas) y en ¿Lo viste a Porcel?. Con su personaje de Don Mateo participó de un disco del programa Operación Ja-Jácantando junto a Rolo Puente el éxito de Leo Dan «Libre, solterito y sin nadie».⁴​

Historieta[editar]

En la década de 1970, durante varios años, Cielosur Editora publicó varias revistas dedicadas a personajes de televisión, como Piluso, Minguito y el Gordo Porcel. Las aventuras del Gordo Porcel fue el título de la dedicada a Jorge. La trama habitual ―con dibujos de Francisco Mazza― consistía en que el Gordo se metía en líos y confusiones varias, en el tiempo que le dejan las comilonas que le prepara su madre, con quien vive. Otros personajes habituales son su novia y su perro Banana, que tenía su propia historieta.⁵​

Cambio de rumbo[editar]

La muerte repentina y prematura de Olmedo marcó significativamente el rumbo en la vida de Porcel. Rodó un último film (El Profesor Punk) estrenada el 7 de julio de 1988 en Argentina. A comienzos de 1991 decide radicarse permanentemente en la ciudad de Miami, Estados Unidos, motivado inicialmente por una oferta para presentar un show nocturno de variedades para adultos llamado A la cama con Porcel donde debuta el 14 de enero de 1991 por la cadena televisiva Telemundo.

En 1993 participó de la famosa película Carlito's Way, como parte del elenco encabezado por el actor Al Pacino. Esta sería su última incursión cinematográfica, tras una extensa carrera. En 1995 y hasta sus últimos días de vida se convirtió al cristianismo evangélico, y llegó a oficiar como Pastor. Incluso cuestionó duramente su vida anterior llena de excesos y lujos, admitiendo que el dinero y la popularidad es efímera, pero el calor y el cariño del público es eterno. También para esos años creó un restaurante de comida argentina e italiana en Miami, llamado A la pasta con Porcel, adornado con imágenes y caricaturas que recordaban su época como actor.

Sus últimos años de vida[editar]

A finales de los años noventa, la salud de Porcel se empezó a deteriorar. Probó sin éxito varias dietas. Después se sumó una diabetes que complicó su condición clínica. "El gordo", como lo conocían en el mundo del espectáculo, sufrió durante varios años el mal de Parkinson y problemas de columna que lo obligaron a movilizarse en silla de ruedas. En diciembre de 2005 había sido sometido a una operación de apéndice de la cual se había recobrado favorablemente. En comunicado de prensa en 2006 el vocero oficial de la familia, Alberto Ávila, indicó: «Porcel ya había vendido un restaurante que poseía en Miami, y lo único que estaba haciendo era terminar una serie de libros sobre el evangelismo, fe que profesaba».⁶​

Fallecimiento[editar]

Jorge Porcel falleció el martes 16 de mayo de 2006 a los 69 años, por una complicación de una operación de vesícula a la que había sido sometido. Sufrió un paro cardiorrespiratorio en el Mercy Hospital de Miami. Según su vocero, Ávila, Porcel murió a las 19:20: "Jorge se había sobrepuesto a varias intervenciones a las que fue sometido anteriormente, pero su exceso de peso, que fue algo siempre bastante complejo, y la enfermedad de Parkinson lo habían hecho pasar por un momento complicado durante los últimos años de su vida (...), lo llevaron al desenlace final de un paro cardiorrespiratorio motivo de su fallecimiento", explicó Ávila. Sus restos fueron velados en Estados Unidos y luego trasladados a Argentina para su inhumación en el cementerio de la Chacarita. Debido a su profesión de fe evangélica, la familia evitó la capilla ardiente del cementerio y efectuó una pequeña ceremonia de despedida en el Panteón de Actores celebrada por un pastor relacionado con su fe.⁷​

1936: 

Nace Buddy Holly, cantante estadounidense (f. 1959).

Charles Hardin Holley, más conocido como Buddy Holly (Lubbock, Texas, 7 de septiembre de 1936 - Clear Lake, Iowa, 3 de febrero de 1959),³​²​ fue un compositor y cantante estadounidense de mediados de la década de 1950, considerado hoy en día como uno de los pioneros y creadores del rock and roll. Holly fue descrito por el crítico Bruce Eder como: «la fuerza creativa más influyente en el temprano rock and roll».⁴​

Si bien durante su corta trayectoria de cinco años solo alcanzó a publicar tres álbumes de estudio, su innovación y sobresaliente obra musical sirvieron de inspiraron y fue la influencia de muchos músicos posteriores como The Beatles, The Hollies, The Beach Boys, The Rolling Stones, Don McLean y Bob Dylan, entre otros, además de ejercer una profunda influencia en la música popular.⁵​

Buddy Holly murió a los 22 años en el accidente aéreo conocido como "El día que murió la música", debido a que en el mismo murieron también Ritchie Valens (famoso por su interpretación de "La bamba") y el cantante The Big Bopper.

Fue uno de los primeros artistas que ingresaron en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, después de Chuck Berry, James Brown, Ray Charles, Sam Cooke, Fats Domino y The Everly Brothers.⁶​ En el 2004 la revista Rolling Stone situó al músico en el puesto n.º 13 en su lista The 100 Greatest Artists of All Time.⁷

^{https://www.youtube.com/watch?v=kemivUKb4f4}

1940:

Nace Felipe Bojalil Garza, actor, cantante y compositor mexicano.

Felipe Bojalil Garza nació un 7 de septiembre en la ciudad de San Antonio, Texas, hijo de Felipe Bojalil Gil (Felipe Gil o El Charro Gil) y la cantante de boleros Eva Garza, por lo que es heredero de una dinastía musical de la canción popular de México, y no sólo por sus padres, sino porque en su familia abundaban las estrellas, como Los Hermanos Martínez Gil, (sus tíos Pablo y Carlos), Alfredo El Güero Gil (el requinto de oro de Los Panchos) y el compositor y “Crooner” Chucho Martínez Gil.

A temprana edad soñaba con ser físico matemático para construir las naves espaciales de sus fantasías, y cuando leyó El Principito, de Antoine de Saint-Exupéry, su creatividad se desató y empezó a componer versos, poemas y acrósticos dedicados al universo, al hombre y a Dios.

A los 15 años vivió en Nueva York, en donde fue acólito en una iglesia y se integró al coro, así nació su amor por el canto, que se complementaba en su hogar, ya que sus padres cantaban todos los días.

Unos años después volvió a la Ciudad de México. Su inquietud por cantar crecía, por lo que se dio a la tarea de poner música a algunos de sus poemas, y así produjo sus primeras canciones.

Felipe empezó a cantar rock y baladas en los Cafés Cantantes, y visitaba constantemente las oficinas de Discos CBS para llevar sus composiciones, con la esperanza de que les gustaran, pero no pasaba nada. Un buen día fue a visitar al Mtro. Rubén Fuentes a la empresa RCA Víctor, en donde los directivos lo escucharon y de inmediato le ofrecieron un contrato para grabar su primer acetato.

Corría el año de 1961 cuando lanzaron su primer material, bajo el pseudónimo de Fabricio, el cual contenía los temas Ruedas, Camina, no Corras, Siempre Balanceándonos, Amor Sincero, Princesita, Multiplicación y Yo te querré, con lo cual se consolidó como uno de los pioneros del rock en español.

Grabó entonces el disco En el Mismo Camino, que tuvo gran éxito en Sudamérica: se mantuvo durante seis meses en el primer lugar en Colombia, Perú, Venezuela y Chile. Al reverso del disco venía su canción Eres tú, que tuvo muy buena aceptación en todo México.

En 1962 debutó como actor y cantante en las películas Buenos Días Acapulco, con Viruta y Capulina, y Baila Mi Amor, la cual protagonizó al lado de Jaime Fernández, Begoña Palacios y Lola Beltrán. Durante ese mismo año participó como invitado en muchos programas de televisión, como TV Musical y Variedades de Medianoche, conducido por Manuel El Loco Valdés.

Su primera gira artística fue en el año de 1963, por Latinoamérica, en donde obtuvo sonados éxitos como cantautor en los países que visitó: Nicaragua, Panamá, El Salvador, Costa Rica, Colombia, Perú y Venezuela.

Al año siguiente lo contrató la Televisora Canal 13, de Argentina, por lo que se mudó a ese país y radicó allá hasta el mes de agosto de 1966.

En 1967 se incorporó al elenco del programa de televisión Cómicos y Canciones, con Gaspar Henaine Capulina, Las Hermanas Navarro y Roberto Gómez Bolaños Chespirito, el cual estuvo al aire hasta 1969, que fue el año en que dejó atrás el pseudónimo de Fabricio para adoptar el nombre de Felipe Gil, con el apellido materno de su padre, que éste mismo usaba como principal en su nombre artístico.

En 1970 resultó ganador en el Festival Internacional de Miami, con su canción Tú, interpretada por Rosario de Alba. En 1973 triunfó en el Festival OTI con La canción del Hombre, interpretada por Gualberto Castro, y en 1975 repitió la hazaña con el mismo intérprete, pero en esta ocasión con el tema La felicidad. Ese mismo año ganó en el Festival Internacional La Voz y la Canción de Puerto Rico, con su obra El río, en coautoría con José Enrique Muñoz, que interpretó Manoella Torres.

Otro gran año fue 1981, cuando conquistó el primer lugar con su canción Libre sin amor, interpretada por él mismo, además de que triunfó rotundamente en el Festival OTI con su gran éxito Lo que pasó, pasó, cantada por Yoshio.

El mayor éxito del Mtro. Felipe Gil fue como compositor de grandes éxitos internacionales como Hasta que vuelvas con letra de Mario Arturo Ramos, cantada por Gualberto Castro, José José, Vicky Carr y Luis Miguel; Libre como gaviota con letra de Mario Arturo Ramos, con Manuella Torres; Señora corazón con Johnny Laboriel, y Yo sin tu amor con el Grupo Límite.

Otras canciones destacadas de su inspiración son Ana del aire, con música de Mario Arturo Ramos; Cuando salga la luna y Dime por qué, en coautoría con Alfredo Bojalil; Mira el sol, con letra de Héctor Meneses; Te amo y Amigos del universo.

Además ha sido autor de temas musicales para las telenovelas Yara, Acompáñame, AI Rojo Vivo, El Maleficio y Espejismo; en ésta última participó como actor principal, al lado de Carlos Piñar y Fanny Cano. También musicalizó el programa de Héctor Suárez Qué Nos Pasa.

Desde 1983, el Mtro. Felipe Gil fungió como Primer Vocal del Consejo Directivo de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM), y en diciembre de 2007 fue nombrado Vicepresidente Operativo, cargo que ocupa hasta la fecha.

En 1986 publicó su primer libro, Amigo, un cuento filosófico que plantea las preguntas que desde niños todos nos hacemos, el cual deja al descubierto las amplias inquietudes de este cantautor mexicano.

En noviembre de 2011 recibió el Reconocimiento Trayectoria 50 años, que otorga la Sociedad de Autores y Compositores de México.

https://www.youtube.com/watch?v=0enln5elL_M

1942:

Nace Pablo Herrero, músico y compositor español.

Pablo Herrero Ibarz es un músico y compositor español.

Índice

·         1Biografía

o    1.1Carrera

·         2Discografía

o    2.1Como compositor

·         3Referencias

·         4Enlaces externos

Biografía[editar]

Carrera[editar]

En 1965 formó parte del grupo instrumental Los Relámpagos, que abandonó en 1968 junto con José Luis Armenteros. Los dos dieron un nuevo rumbo a sus carreras produciendo y componiendo para otros artistas como Doctor Pop¹​ y Juan Bau²​ en una productora llamada "Mecenas". Entre los dos han compuesto varias de las canciones más conocidas de la segunda mitad del siglo XX de la música española, convirtiéndose en el equipo de composición y producción más importante y prolífico de España³​

Sus canciones han sido interpretadas por cantantes como Fórmula V, Nino Bravo, Francisco, Juan Bau, Basilio, Jarcha y Rocío Jurado.

La canción Venezuela es una de las canciones más emblemáticas para ese país. El tema ha sido versionado por muchos artistas. En 2010 escribió Pablo Herrero :

Efectivamente somos españoles pero si que estuvimos allí varias veces....Esa canción la hicimos y la grabamos en Caracas en los estudios de TH (Ahora me parece que ya no están) para un artista que se llama Balbino. Y no surgió de un encargo....sino del amor por la acogida y el cariño de sus gentes. No supimos agradecerlo de otra forma que escribiendo esa canción. Lo de "Soy desierto, selva, nieve y volcán..." tiene más que ver con el estado de ánimo del caminante...pero por otra parte todo lo que se dice es cierto...

Desarrolló toda su carrera en Madrid. Ha sido vicepresidente de la SGAE.

Participó en un grupo vintage llamado Trastos Viejos, en el que le acompañaban viejos músicos de los años sesenta y setenta:

• José Luis Armenteros: guitarra (hasta su fallecimiento el 11 de junio de 2016).
• Eduardo Buddy García Velasco: voz (Los Charcos y Los Camperos).
• Fernando Mariscal: batería (Los Zipi y Zape, Los Polaris y Los Relámpagos).
• Eduardo Talavera: bajo eléctrico (Los Saturnos y Los Relámpagos).
• Luis Álvarez: guitarra solista (Los Tiburones, Los Kurois, Los Dayson, Vicky y Los Polaris y alguna actuación con Los Relámpagos).

Murió el 5 de diciembre de 2023 a los 81 años.⁷​

^{https://www.youtube.com/watch?v=tfpqKPsAjAM}

https://www.youtube.com/watch?v=e0PCWrFFYbs

https://www.youtube.com/watch?v=ELnkgb228Pk

1946: 

Nace Juan José Benítez, ufólogo y periodista español.

Juan José Benítez (Pamplona, 7 de septiembre de 1946), más conocido como J. J. Benítez, es un periodista español, conocido por sus trabajos en investigación y divulgación del fenómeno OVNI y su saga de novelas Caballo de Troya.

Estudió en la Universidad de Navarra en la carrera de periodismo y consiguió la licenciatura en 1965. Comenzó a trabajar para el periódico La Verdad de Murcia en enero de 1966. Después empezó a trabajar en el periódico Heraldo de Aragón. Recorrió el mundo como enviado especial y fue periodista en varios diarios regionales españoles, como los ya mencionados, y La Gaceta del Norte.

Más tarde se traslada a Bilbao, donde continúa como periodista para La Gaceta del Norte. A partir de 1972, se especializa en el tema ovni y cubre todas las noticias relacionadas con esta materia para su periódico, las primeras de las cuales fueron sobre la Fuerza Aérea Española. En 1975, realiza investigaciones sobre el sudario de Turín, hecho que marcó su vida al dar origen a la serie de novelas Caballo de Troya, sobre la visión de Benítez acerca de la vida de Jesús de Nazaret. En el epílogo de la primera novela, afirma que es el primer libro donde introduce ficción (refiriéndose al viaje en el tiempo) en una obra que refleja sus investigaciones. Sin embargo, voces críticas manifiestan que esta novela inspira y plagia relatos y ensayos de otros autores.

En una entrevista, Benítez señala que Jesucristo es «el Gran Extraterrestre». Además afirma: «Los lectores se van a encontrar con el comienzo de su etapa como predicador, pero diferente a la versión oficial. Yo mismo me he sorprendido. Por ejemplo, lo que se conoce como la ceremonia del bautismo en el Jordán es más fascinante de lo que nos han contado, de que entró al agua y apareció una paloma. Lo de la paloma es un invento de los evangelistas».

Ha realizado trabajos para la televisión, conferencias, artículos de prensa y entrevistas con testigos de supuestos fenómenos ovni. Con frecuencia, estas obras han recibido críticas negativas por parte de diversos sectores, como el caso de los escépticos, aunque, según sus palabras, la duda (su principal objetivo) debe siempre estar presente.

En 1976 recibió de la mano del Teniente General Felipe Galarza, Jefe del Estado Mayor del Ejército del Aire Español, 12 expedientes OVNI clasificados que Benítez publicaría íntegramente en su libro "Ovnis: Documentos Oficiales del Gobierno Español" (que posteriormente se reeditaría con el título "Ovni: alto secreto"). Fue la primera desclasificación de archivos OVNI en España después que en diciembre de 1968 fuera declarado el tema ovni como "Materia Reservada".

En 1979 dejó el periodismo activo y se dedicó por completo a la investigación. Desde entonces ha ido compaginando sus investigaciones sobre los ovnis y los “no identificados”, con la de la vida de Jesús de Nazaret.

En 1992 intervino en los cursos de verano de la Universidad Complutense en El Escorial, en el que disertó sobre la problemática del tema OVNI, que dio lugar a críticas desfavorables por parte de la comunidad científica española. En este mismo año comenzó el proceso de la llamada desclasificación de archivos ovni recogidos por el Ejército del Aire en España, que duró hasta 1999. Benítez mantuvo siempre una postura muy crítica a esa desclasificación describiéndola como una "manipulación en toda regla". Acusó a un grupo de civiles, comandados por el investigador Vicente-Juan Ballester Olmos de colaborar con el antiguo MOA, Mando Operativo Aéreo (actual MAC, Mando Aéreo de Combate), para desprestigiar el tema OVNI dando, según Benítez, conclusiones racionales interesadas y en muchos casos con errores técnicos.

En octubre de 2006 se publicó la octava parte de la serie Caballo de Troya (Jordán). En 2010, y pese a que no suele prologar ningún libro, escribió el prólogo a Ovnis, alto secreto, el primer libro de su amigo Marcelino Requejo. En noviembre de 2011, publicó su último libro, Caballo de Troya 9: Caná, el último de la saga "Caballo de Troya".

Críticas

A J. J. Benítez se le acusa de realizar investigaciones poco rigurosas, que ignoran el método científico, por lo que son poco fiables o directamente erróneas. Según él mismo reconoce que «[l]a ciencia es muy importante, pero el corazón más». También se le ha criticado porque en sus investigaciones a menudo no revela cuál es su fuente, lo cual hace que muchos crean que dicha fuente en realidad no existe.

Ha sido acusado en varias ocasiones de plagio, por haber copiado en varios de sus libros páginas enteras del Libro de Urantia sin mencionar la fuente original; siendo el caso más célebre el de su saga Caballo de Troya. Benítez ha negado estas acusaciones en multitud de ocasiones y nunca ha sido demandado por la Fundación Urantia, cuyos textos supuestamente plagió, ​ textos que se consideran en dominio público en Estados Unidos desde 1983, ​ e internacionalmente desde 2006.

A Benítez también se le ha acusado de perpetrar fraudes, como en el vídeo que presentó en el episodio "Mirlo Rojo" de la serie de televisión Planeta Encantado. En él se veían supuestas construcciones alienígenas en la Luna ocultadas por la NASA, asegurando que el vídeo que poseía y que los espectadores estaban viendo era alto secreto. ​ Debido a los numerosos errores que contenía el video, como el extraño comportamiento físico de los diferentes objetos, fallos en los trajes de los astronautas, etc., se realizó una investigación del mismo y se descubrió que había sido una empresa de animación la que había creado el vídeo, ​ señalando ésta a Benítez como su cliente.

Dicho documental también posee errores en la información acerca de casi todos los aspectos técnicos de la misión del programa lunar (Apollo 11), destacándose el funcionamiento del cohete Saturno V, velocidad de escape, ubicación del sitio de alunizaje y telemetría biomédica.

A su vez, Benítez se defiende de estas acusaciones, insistiendo en la veracidad de sus investigaciones y en que no se trata de obras de ficción, a pesar de no mostrar pruebas válidas ni confirmar sus fuentes. Por ejemplo, en el caso del video de "Mirlo Rojo" Benítez señala que en el documental se dice que las imágenes son "inéditas", lo cual es correcto puesto que no se habían emitido antes por televisión y, además, al final aparece el nombre del estudio de animación. Dice que los críticos no han atacado el hecho en sí, la hipótesis de que se encontraron ruinas alienígenas en la Luna y que después estas fueron destruidas, sino sólo que no se avisara de que era una recreación, aunque no ha aclarado de dónde procede el vídeo original, por qué no lo muestra, y ni siquiera conforma si él lo ha visto realmente. ​ Respecto a las fuentes que en ocasiones oculta, sus defensores aluden al posible peligro que estas correrían si se desvelara su identidad, a pesar de que muchas veces son personas que ya han fallecido. Benítez ha señalado algunos errores que han cometido los pseudoescépticos por lo que, según él, son ellos los que realizan investigaciones poco rigurosas.

El 2 de julio de 2007 se dictó una sentencia que condena a uno de los habituales detractores de J. J. Benítez, Luis Alfonso Gámez, a pagarle una indemnización de 6000 euros por haber vulnerado su honor en varias de las entradas de su blog. Si bien el fallo fue a favor del demandante, cabe señalar que no se le requirió a Gámez eliminar los escritos, puesto que no se puso en duda lo que ahí se decía, y el juez redujo la indemnización a 6000 euros frente al mínimo de 50 000 euros pedido por el demandante, ya que sentencias similares en el Tribunal Supremo han supuesto una indemnización entre los 6000 y los 18 000 euros. La sentencia es firme puesto que Luis Alfonso Gámez optó por no recurrirla.

*********

1949: 

Nace Gloria Gaynor, cantante de música pop estadounidense.

Gloria Fowles (n. Newark, Nueva Jersey, 7 de septiembre de 1949), de nombre artístico Gloria Gaynor, es una cantante de música disco y soul estadounidense. Cuatro de sus éxitos más conocidos son «I Will Survive» (1979), «Never Can Say Goodbye» (1974), «I Am What I Am» y «Can't Take My Eyes Off You».

Carrera musical

Gloria Gaynor nace el 7 de septiembre de 1949 en Newark, ciudad del estado de Nueva Jersey. Empieza su carrera con la banda Soul Satisfiers durante los 60. Su primer single se edita en 1965 bajo el título "She'll be sorry / Let me go baby".

Al lado del productor Meco Monardo, se convierte en una de las máximas divas de la era disco, gracias a arreglos tomados del sonido Philadelphia Soul de artistas como The O'Jays y M.F.S.B. Y llega su mayor éxito: "I will survive" (que en español significa "Sobreviviré"). Por primera vez, la letra de una canción se escribe desde el punto de vista de una mujer, arremetiendo a su ex amante con que ella ya es libre y puede seguir adelante sin él. La canción se convirtió en un himno de la liberación femenina y hoy en día sigue sonando con fuerza en discotecas y karaokes.

Su otro gran éxito fue una versión de The Jackson 5: "Never Can Say Goodbye" ("Nunca puedo decir adiós"). Sería versionado con enorme éxito nuevamente por Jimmy Sommerville, líder del grupo The Communards.

Su tercer gran éxito, "I am What I am" ("Soy lo que soy") se convertiría en himno llenos de frases y palabras motivadoras, dice Gaynor que no le gusta cantar canciones tristes.

En febrero de 1980 se presentó en el XXI Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.

Gloria Gaynor encabeza éxito tras éxito y se convierte en la reina de las pistas de baile durante 20 años. Su música traspasa fronteras y Europa se rinde a ella. Grabó versiones de éxitos del cine, como "The Eye of the Tiger" (de Rocky III) y "The Heat is On" de Superdetective en Hollywood, originalmente grabada por Glenn Frey, de los Eagles. También hizo un cameo en la serie de televisión That 70's Show interpretando su famoso I Will Survive.

Hoy en día la popularidad de Gloria Gaynor parece haber disminuido, aunque sus canciones continúan siendo reconocidas por el público y una de ellas forma parte de las 100 más imprescindibles según la revista Rolling Stone.

En 2008 a los 59 años, Gloria grabó una canción a dúo con Miguel Bosé para el álbum de duetos Papito y ofreció varias actuaciones en España. La canción elegida fue un éxito de Bosé, «Hacer por hacer».

Gaynor se convirtió al cristianismo​ y tiempo después lanzó un álbum de música gospel titulado We Will Survive (Nosotros Sobreviviremos), título que posteriormente llevó su libro homónimo publicado en 2014.

"I will survivre"- Gloria Gaynor

https://www.youtube.com/watch?v=gYkACVDFmeg

*********

1950: 

Nace Julie Kavner, actriz estadounidense.

Julie Deborah Kavner (7 de septiembre de 1950)¹​ es una actriz estadounidense ganadora de dos Premios Emmy, principalmente reconocida por ser la voz de Marge Simpson en la serie animada de televisión Los Simpson. Además, actuó en varias películas dirigidas por Woody Allen,²​ e interpretó a Brenda Morgenstern en Rhoda en los 1970s.

Índice

·         1Biografía

o    1.1Primeros años

o    1.2Carrera

§  1.2.1Los Simpson

·         2Filmografía

·         3Series

·         4Videojuegos

·         5Referencias

·         6Enlaces externos

Biografía[editar]

Primeros años[editar]

Kavner nació en Los Ángeles, California, hija de Rose, una trabajadora social, y David Kavner, un fabricante de muebles.³​ Creció en el sur de California, lo cual sorprende a mucha gente que la identifica con su papel como la neoyorquina Brenda Morgenstern. Kavner asistió a la Escuela Secundaria Beverly Hills, y estudió Teatro, graduándose con honores en la Universidad San Diego en 1971. Su hija nació en 1984..⁴​

Carrera[editar]

En 1975, recibió una nominación por su papel protagónico en el especial The Girl Who Couldn’t Lose.⁵​ Kavner es una de las actrices que frecuentemente aparece en las películas de Woody Allen.²​ Es vista frecuentemente como actriz de reparto. Kavner tuvo el papel de Brenda Morgenstern en el programa televisivo Rhoda.²​ Una vez que terminó Rhoda, Kavner comenzó a trabajar en películas. Ha aparecido en varias películas de Woody Allen, incluyendo Radio Days (junto con Michael Tucker, Mia Farrow, y Diane Wiest); New York Stories (con Allen); Alice (nuevamente con Farrow); Shadows and Fog (otra vez con Allen); Hannah and Her Sisters (con Allen) y Deconstructing Harry (junto con Richard Benjamin y Julia Louis-Dreyfus). También apareció en Awakenings (junto con Robin Williams y Robert De Niro), Revenge of the Stepford Wives (1980), y la comedia de 1992 de Nora Ephron This Is My Life. Este papel en particular fue el que la iba a lanzar a la fama, pero tuvo críticas regulares y no fue un éxito de taquilla. Desde ese entonces, Kavner ha trabajado en papeles como actriz de reparto y como actriz de voz. Más recientemente, ha interpretado a la madre de Adam Sandler en Click. También trabajó en Tracey Ullman en su famoso programa de comedia, además de Tracey Takes On.²​

En teatro, ha trabajado bajo la dirección de Burt Reynolds en Two for the Seesaw junto con Martin Sheen en el Teatro Reynolds’s Dinner en Jupiter, Florida. En Canadá, protagonizó It Had To Be You, escrita por Renée Taylor y Joseph Bologna.

En la película de Disney El rey león 3, Kavner hizo la voz de la madre de Timón en la versión en inglés original.

Los Simpson[editar]

En Los Simpson, Kavner hace las voces de Marge Simpson, Patty Bouvier, Selma Bouvier, Jacqueline Ingrid "Jackie" Bouvier y Gladys Bouvier.²​ Es reconocida por negarse a hacer las voces de sus personajes en público. Kavner incluso no permite que la fotografíen ni filmen cuando graba las voces de Los Simpson. La razón de esto es que contorsiona su cara cuando habla, y no quiere que el público la vea. Para hacer la voz de Marge, Kavner hace crecer su voz un octavo, y la hace más áspera; para hacer las de Patty y Selma, baja su voz un octavo, y la hace aún más áspera.

El creador de la serie, Matt Groening, dijo, "Mi idea original sobre la familia de Marge era que fuesen completamente infelices. Lo que le dije a Julie originalmente fue que debía interpretarlos como que le quitaran la vida a todo lo que ven".⁶​

1951:

Nace  Chrissie Hynde, cantante y guitarrista estadounidense, de la banda The Pretenders.

Christine Ellen Hynde, conocida como Chrissie Hynde (7 de septiembre de 1951, Akron, Ohio), es una cantante, guitarrista y compositora de rock estadounidense, fundadora y único miembro original del grupo The Pretenders.

La ciudad de Akron, Ohio, es célebre por sus fábricas de neumáticos y ha sido la sede, entre otras, de las firmas Goodyear y Firestone. Hynde estudió en el instituto de esta última, y reconocía que:

Junto con la música, Hynde tenía una segunda obsesión: cuando a los doce años, en la escuela le pidieron redactar un poema basado en su palabra favorita, la escogida fue Inglaterra, ​ lugar de origen de sus héroes de adolescencia (Beatles, Kinks, Rolling Stones, Jeff Beck).

Estudia Bellas Artes en la Universidad de Kent. Experimenta con la contracultura, el hippismo, las drogas, el vegetarianismo y la mística oriental. Entra a formar parte de una banda (donde coincide con Mark Mothersbaugh, también de Akron y luego en Devo), y es testigo en 1970 de la masacre que tuvo lugar en esa Universidad (conocía a Jeffrey Miller, una de las víctimas). Tras acabar sus estudios alterna diversos trabajos, entre ellos el de camarera, para sobrevivir y costearse el viaje a Inglaterra.

En 1973 consigue trasladarse a Londres, donde encuentra un puesto en un estudio de arquitectura, que abandona después de ocho meses. Es entonces cuando conoce al crítico británico de rock Nick Kent con el que inicia una relación y que le proporciona una plaza de redactora en el semanario New Musical Express (NME). Pero esto tampoco duró y acabaría por trabajar de dependienta en la entonces desconocida boutique SEX —propiedad de Malcolm McLaren y Vivienne Westwood, desde donde saltarían más tarde a la fama mundial Sex Pistols y la estética punk británica— para ser despedida por un altercado con un cliente.

Desde allí se traslada a Francia, donde trata sin éxito de reunir una banda, para regresar a Cleveland en 1975 y de nuevo a Francia en 1976, repitiendo el infructuoso intento de formar un grupo.

Regresa entonces a Londres, en pleno inicio del estallido del movimiento punk. A finales de 1976, Hynde contesta al clásico anuncio en la revista Melody Maker donde se reclutan músicos para un grupo, y participa en una audición para quienes luego serían 999. Jon Moss (Culture Club) o Tony James (Generation X) pasaron también por esas audiciones.6​ Comienza entonces a entablar relación con los componentes de Sex Pistols y el Bromley Contingent, estrafalario grupo de seguidores de la banda (en una entrevista a principios de los 90 declaró que estuvo a punto de convertirse en la "Señora de Sid Vicious", antes de la relación de este con Nancy Spungen, y se especula con que su propósito fuese conseguir la nacionalidad británica).

Los intentos de Chrissie Hynde por entrar a formar parte de una banda se suceden: primero, junto a Mick Jones (más tarde en The Clash); luego, con Masters of the Backside(donde Malcolm McLaren le buscó un puesto como guitarrista, pero los futuros miembros de The Damned le pidieron que abandonara el grupo); y más tarde, con la banda de Johnny Moped. Mick Jones invitó a Chrissie a acompañar a The Clash durante su primera gira por Gran Bretaña.

En un último y breve intento se incorpora a The Moors Murderers en 1978, con Steve Strange (futuro Visage) como cantante, Vince Ely en la batería, y Mark Ryan y Chrissie Hynde como guitarristas. El nombre del grupo, en honor a Ian Brady y Myra Hindley, una pareja de asesinos de niños, bastó para generar polémica y que Hynde se distanciara de él…

Finalmente, una de las maquetas grabadas por Hynde llega a manos de Dave Hill, propietario de la discográfica Real Records. Hill comenzó a intervenir en la dirección de su carrera musical, empezando por saldar el alquiler del local donde ensayaba la artista, y aconsejándole que se tomara el tiempo necesario para reunir una banda.

Actualidad

En la actualidad Hynde vive en Londres, aunque mantiene un apartamento en su ciudad natal.

Activismo

La cantante también es una reconocida feminista y defensora de los derechos de los animales. Es vegetariana y no se muestra a favor de las drogas: "Lo triste es que haya demanda para ellas. Si el mundo fuera perfecto probablemente no existirían los laboratorios que realizan drogas legales que hacen más mal que bien. Yo estoy a favor de legalizar la marihuana y no me importaría que los yonquis pudieran consumir de manera controlada si con ello se disminuye la criminalidad. Pero, con todo, las drogas es un tema que no me va y en el que no entro. Es como la carne: es legal, pero a mí comerla me parece negativo".

Chrissie Hynde es militante de PETA, una organización por los derechos de los animales, y es capaz de montar un escándalo como el que tuvo lugar tras la celebración del homenaje a Linda McCartney que ella misma organizó. "La fiesta posterior al concierto "-recuerda-" se hizo en un club clásico inglés, con reminiscencias del imperio. Todas las paredes estaban llenas de cabezas de animales disecados y unas patas de elefante servían como soporte a unas sombrillas. Dan Mathews y yo nos sentimos tan ofendidos que cogimos una de esas patas y nos dirigimos a un parque que había enfrente para darle un entierro digno y simbólico. La policía nos detuvo en la puerta y no pudimos proseguir".

Se opone a las corridas de toros (dice estar orgullosa de tocar en las plazas donde se celebran: "me gusta que se utilicen para conciertos en lugar de para otra cosa"), y también a los encierros tradicionales. A través de PETA envió una carta a la alcaldesa de Pamplona, Yolanda Barcina, exhortándola a suspender los que se celebran durante los Sanfermines11​ y convocando en su lugar un "encierro humano" que se celebra desde 2003.

"I´ll stand by you"- The Pretenders

https://www.youtube.com/watch?v=bLpmj059JFA

"Dont get me wrong"- The Pretenders

https://www.youtube.com/watch?v=D_Bj8wrXslk

"Back on the chain gang"- The Pretenders

https://www.youtube.com/watch?v=CK3uf5V0pDA

***********

1951: 

Nace Morris Albert, cantante y compositor brasileño.

Morris Albert (nacido como Mauricio Alberto Kaisermann en São Paulo, el 7 de septiembre de 1951​), es un cantautorbrasileño de ascendencia alemana, famoso por su canción hit de 1975, "Feelings". Actualmente vive en Italia.

Albert empezó su carrera cantando y tocando la guitarra en diversas bandas. En 1973, en una época en la que muchos artistas brasileños utilizaban nombres al estilo anglosajón intentando destacar en el mercado de Estados Unidos, Albert lanzó su primer álbum, que incluía "Feelings", la canción que finalmente le proporcionaría éxito mundial.

"Feelings" vendió más de 300.000 copias y alcanzó el número 45 en la lista de los mejores 100 en la Revista Billboard en 1975. "Feelings" también fue grabada e interpretada por varios artistas, como Fausto Papetti, Paloma San Basilio, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Frank Sinatra, José José, los bukis, Sarah Vaughan, The Offspring, Johnny Mathis, Orietta Berti y Pedro Cortés DJ.

"Feelings"-  Morris Albert

https://www.youtube.com/watch?v=CyBcHUe4WeQ

"Dime" (Feelings)- Morris Albert

https://www.youtube.com/watch?v=6evXj6gCIlY

*********

1962: 

Muere Isak Dinesen (Karen Blixen), escritora danesa (n. 1885).

Karen Christence Blixen-Finecke, nacida Karen Christentze Dinesen, más conocida por su pseudónimo literario Isak Dinesen (Rungsted, 17 de abril de 1885 – ibídem, 7 de septiembre de 1962), fue una escritora danesa.

Índice

·         1Infancia

·         2Viaje a África

·         3Vida como escritora

·         4Obras póstumas

·         5Legado

o    5.1Premios y honores

o    5.2Museo de Rungstedlund

o    5.3Museo Karen Blixen, Nairobi

·         6Obra

o    6.1Adaptaciones cinematográficas

·         7Eponimia

·         8Citas

·         9Véase

·         10Referencias

·         11Enlaces externos

Infancia[editar]

Su padre, Wilhelm Dinesen, militar, parlamentario, se suicidó cuando ella tenía diez años, atormentado por no resistir la presión de padecer sífilis, enfermedad que en aquella época estaba estigmatizada. Su madre, Ingeborg Westenholz, quedó sola con cinco hijos a su cargo, a los que pudo mantener gracias a la ayuda familiar. Karen, como sus hermanas, se educó en prestigiosas escuelas suizas y se la educó para las clases altas.

Desde niña, Karen sintió inclinaciones artísticas, por la escritura y por la pintura. En 1907 escribió con el seudónimo de Osceola su primer cuento, titulado “Los Ermitaños”, que fue publicado en una revista danesa. Redactó otros relatos pero al no conseguir publicarlos abandonó durante años la literatura.¹​

Viaje a África[editar]

Blixen se enamoró desde muy pequeña de Hans, su primo segundo; pero la obligaron a casarse con el hermano de éste el barón Bror Blixen-Finecke, con quien inició en Keniauna plantación de café llamada The Karen Coffee Company.²​ El matrimonio fue difícil. En el primer año de vida en común su marido le contagió la temida sífilis. Este estuvo en África antes que ella y tuvo relaciones con mujeres masáis, libres, nómadas y enfermas. Él era un portador sano.³​ Sin embargo la enfermedad nunca se manifestó en Karen de manera grave. Cansada de las infidelidades de su marido, se separaron tras seis años de matrimonio, quedándose ella con la plantación.

Aprendió las lenguas aborígenes, como el suajili, y se empapó de las costumbres locales. Los nativos la apodaban «la hermana leona» y se ganó el afecto de ellos por su coraje, su buena puntería y su habilidad como cazadora. Desde que llegó a África, Karen se sintió africana. Su integración en el continente fue inmediata y su identificación con los nativos instantánea. Vio en la cultura de los africanos algo muy importante para aprender y compartir. Su imaginación y dotes para la transmisión oral hicieron de África su lugar en el mundo.⁴​

En Nairobi, Blixen conoció a Denys Finch Hatton, un cazador británico afincado en Kenia. Empezaron una relación amorosa intensa, pero con muchos altibajos.

En 1931, Denys Finch Hatton se mató en su avión Gipsy Moth. Blixen siguió a cargo de la plantación hasta que la caída de los precios del café en 1931 la obligaron a venderla y regresar a Dinamarca en agosto de 1931 para vivir con su madre. Permaneció en la propiedad familiar de Rungstedlund el resto de su vida. Su madre murió en 1939 y ella heredó la granja familiar. Siempre pensó en volver a África pero la segunda guerra mundial se lo impidió.

Su nostalgia por la tierra africana se refleja así en una carta posterior a una vecina⁵​ de allí: “ Saluda de mi parte a todos los que aún se acuerden de mí, también al paisaje que tienes alrededor, al bosque detrás de la casa donde vivían los N`derobo, y a los viejos árboles retorcidos y llenos de flores blancas de la sabana. También, si vieras a alguno de aquellos animales que en mis años aún podíamos encontrar allá arriba, y que siempre he pensado que eran los auténticos dueños de aquellas tierras”.

Si bien ya había publicado algunos trabajos, fue entonces cuando comenzó su carrera literaria bajo diversos seudónimos, el más conocido de los cuales es Isak Dinesen, con el cual publicó una serie de apuntes autobiográficos sobre su vida en África. Pero fue su libro Memorias de África (1937) el que sin duda la catapultó a la fama a nivel mundial; inspirada en el libro se filmó la película homónima, protagonizada por Meryl Streep en el papel de Karen Blixen y por Robert Redford como Dennys Finch Hatton.

Vida como escritora[editar]

Mientras estaba en Kenia, Blixen había escrito a su hermano Tomás: "He empezado a hacer lo que hacemos los hermanos y hermanas cuando no sabemos a qué más recurrir, he empezado a escribir un libro ... He estado escribiendo en inglés porque pensé que sería más rentable ". Al regresar a Dinamarca, continuó escribiendo con seriedad. Aunque su primer libro, Siete cuentos góticos, se completó en 1933, tuvo dificultades para encontrar una editorial y utilizó los contactos de su hermano con Dorothy Canfield para ayudar a encontrar una editorial para su obra. Fue publicado en los Estados Unidos en 1934 bajo el seudónimo Isak Dinesen, aunque el editor se negó a dar un avance a Blixen y había desalentado el uso de un seudónimo. Cuando se eligió como una selección del Club Book-of-the-Month, las ventas se dispararon.⁶​ Este primer libro, muy enigmático y más metafórico que gótico, le ganó amplio reconocimiento en los Estados Unidos, y la publicación del libro en Gran Bretaña y Dinamarca lo siguió, aunque con dificultad. Incapaz de encontrar a un traductor con el que ella estuviera satisfecha, Blixen preparó las versiones danesas por sí misma, aunque no sean traducciones, sino versiones cercanas de las historias con diversos detalles diferentes. La explicación de Blixen para la diferencia fue que ella, "... quería que fuera publicada en danés como un libro danés original, y no en ninguna traducción". Los críticos daneses se entusiasmaron con el libro y se molestaron, según Blixen, por que había sido publicado primero en el extranjero. Blixen nunca más publicó un libro en inglés primero. O sus libros fueron lanzados primero en danés, o simultáneamente en danés e inglés.

Su segundo libro, ahora el más conocido de sus trabajos, Memorias de África, fue publicado en 1937⁷​ y su éxito consolidó su reputación como autora. Después de haber aprendido de su experiencia anterior, Blixen publicó el libro primero en Dinamarca e Inglaterra y luego en los Estados Unidos. Le fue concedido el Tagea Brandt Rejselegat (un premio danés para mujeres en las artes o la vida académica) en 1939. La obra despertó el interés de los críticos que no se ocuparon solamente de la valoración literaria del libro sino también en definir las propias intenciones y moralidad de Blixen. La crítica poscolonial la ha vinculado con escritores británicos contemporáneos y en algunos casos la ha marcado entre los aristócratas europeos blancos que estaban moralmente en quiebra. Los estudiosos daneses no suelen hacer juicios sobre su moral, quizás comprendiendo que, si bien los elementos del racismo y los prejuicios coloniales, dados el contexto y la época, son inherentes al trabajo, su posición como forastera, danesa y mujer es más compleja. Algunos críticos, entre ellos Carolyn Martin Shaw y Raoul Granqvist, la han considerado racista y supremacista, mientras que otros críticos como Abdul R. JanMohamed reconocieron tanto sus actitudes coloniales románticas como su comprensión de los problemas coloniales, así como su preocupación y respeto por los nacionalistas africanos.

Cinco años después de la publicación de Out of Africa, Blixen publicó una colección de cuentos cortos llamados Winter's Tales (1942, Cuentos de invierno), que le consagraron definitivamente la fama.⁸​ A partir de sus anteriores obras góticas, las historias reflejan la dureza de los tiempos, la actitud ante la vida teñida de valor y orgullo, y la esperanza hacia el futuro. Las historias no reflejan la resistencia, sino la resiliencia, y exploran la interdependencia de los opuestos. Examinó la vergüenza contra el orgullo en "La heroína", la cobardía y el coraje en "Las Perlas", las relaciones amo y sirviente en "Los esclavistas invencibles", y la vida frente a la muerte, así como la libertad frente a la prisión en "Pedro y Rosa ". En "Sorrow-acre", la historia más conocida de la colección, Blixen exploró la victimización y la opresión. Debido a la guerra, tuvo que ser creativa para publicar el manuscrito, viajar a Estocolmo y reunirse con empleados de las embajadas estadounidenses y británica. Los estadounidenses no podían enviar objetos personales, pero la embajada británica accedió, enviando el documento a su editor en Estados Unidos. Blixen no recibió más comunicación sobre los Cuentos de Invierno hasta que la guerra terminó cuando recibió correspondencia elogiando las historias de las tropas estadounidenses que las habían leído en las Ediciones de las Fuerzas Armadas durante el conflicto.

Después Blixen trabajó en una novela que llamó Albondocani durante muchos años, con la esperanza de producir un volumen en el estilo de Les Hommes de Bonne Volunté de Jules Romains, con historias entrelazadas a través de varios volúmenes. El personaje principal era el califa Harun al-Rashid, protagonista de las Las mil y una noches. En realidad, trabajaba simultáneamente en varias colecciones a la vez, clasificándolas según el tema, si pensaba que eran comercializables, escritas principalmente para ganar dinero, o literarias. Casi todos los cuentos de Blixen de los años 40 y de los años 50 siguen un estilo tradicional de la narración, tejiendo temas góticos tales como el incesto y asesinato con el mito y el embrujo como medio de explorar identidad, moralidad y filosofía. La mayoría tienen lugar en el contexto del siglo XIX o en períodos anteriores. En cuanto a su estilo deliberadamente anticuado, Blixen mencionó en varias entrevistas que quería expresar un espíritu que ya no existía en los tiempos modernos, que prefería ser más que simplemente hacer. Sus narraciones se ciernen entre la ilusión y el romanticismo, con un conocimiento agudo de los gustos preferidos de su audiencia. Blixen elaboró sus cuentos ingleses de una manera más directa y sus cuentos daneses en un estilo de escritura del siglo XIX que ella creía que les gustaría más. Las obras escritas en este período no fueron publicadas hasta casi una década después de que fueron escritas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando Dinamarca fue ocupada por los alemanes, Blixen comenzó su única novela completa, la historia introspectiva The Angelic Avengers, bajo otro seudónimo, Pierre Andrezel. Aunque escrita en danés, afirmó que era una traducción de una obra francesa escrita en el período de entreguerras y que se negaba a ser su autor. El libro fue publicado en 1944 y nominado para una tercera selección del Club del Libro-del-Mes. Blixen inicialmente no quería que el libro fuera nominado, pero finalmente aceptó la distinción. Los horrores experimentados por las jóvenes heroínas fueron interpretados como una alegoría del nazismo, aunque Blixen también negó esa interpretación, alegando en cambio que era sólo una distracción para escapar de la sensación de estar aprisionada por la guerra. En 1956, en una entrevista para The Paris Review, finalmente reconoció que era la autora, diciendo que era su "hijo ilegítimo". Dorothy Canfield describió The Angelic Avengers en su revista Book-of-the-Month News, como "de calidad literaria superlativamente fina, escrita con la distinción en un estilo exquisito".

En 1955 sufre dos operaciones, de estómago y de la espina dorsal, y su salud queda quebrantada; no pesando más de 35 kilos hasta su muerte en 1962.

En 1957 se publicó una colección de relatos, Last Tales (en danés: Sidste fortællinger), seguida del año siguiente por la colección Anecdotes of Destiny (Danés: Skæbne-Anekdoter). Últimos cuentos incluyeron siete historias que Blixen tenía la intención de que formaran parte de Albondocani. También incluía secciones llamadas New Gothic Tales y New Winter Tales. El concepto de Blixen del arte del cuento está quizás más directamente expresado en las historias de "The Blank Page" y "The Cardinal's First Tale" de su quinto libro, Last Tales. Estos cuentos ilustran su uso de insinuaciones, que Blixen empleó para obligar al lector a participar en la creación de la historia. Aunque utilizó técnicas de narradores orales, Blixen entrelazó referencias oscuras con observaciones explícitas. Su escritura no era sólo un relato de cuentos, sino una compleja capa de pistas y dobles sentidos que obligaba al lector a deducir su intención y sacar conclusiones.

El escritor y académico Javier Marias dice de sus cuentos: "en medio de ese relato del siglo XX (del que alguien como Carver no es sino culminación o depuración, en él no hay nada de precursor), en medio de ese relato contagiado de novela y convertido en poco menos que prolongación o estrambote o incluso ensayo de ésta, los cuentos de Isak Dinesen, aparecidos entre 1934 (Seven Gothic Tales) y 1963 (el ya póstumo Ehrengard, al que luego se añadieron los volúmenes Carnival, Daguerreotypes y On Modern Marriage, los dos últimos sólo de ensayos), resultan de una asombrosa originalidad no sólo porque son deliberadamente "contables", repetibles, transmisibles, sino porque intentan mantenerse en la tradición inmemorial del cuento anterior a esa contaminación, la de Las mil y una noches, por continuar con su preferencia."⁹​

Blixen planeó que Anecdotes of Destiny fuera la parte final de la colección Last Tales en 1953, pero cuando preparó todas las historias, decidió lanzar Anecdotes como un volumen aparte. El cuento más famoso de Anecdotes es "El Festín de Babette", sobre una cocinera que gasta todo el premio de la lotería de 10.000 francos para preparar una comida final, gastronómica y espectacular. La historia evalúa las relaciones y examina si la austera pero caritativa vida dirigida por las hermanas, en la adhesión a un ideal, es menos fiel a la fe que el regalo apasionado del corazón de su ama de llaves. La historia fue reproducida en una película dirigida y escrita por Gabriel Axel en 1987, ganando el Óscar a la Mejor Película Extranjera de 1988.¹⁰​

En 1959, Blixen hizo su único viaje a los Estados Unidos. Fue un viaje prolongado que abarcó de enero a abril y mientras que el propósito de su viaje era terminar una serie de películas educativas y de discusiones para la fundación de Ford y la Enciclopedia Británica, Blixen intentó gozar de ella. Protagonizó un artículo de la revista Life en la edición del 19 de enero de 1959 y asistió a dos estrenos de Broadway. Blixen fue invitado a cenar con celebridades como Babe Paley y Gloria Vanderbilt. Fue fotografiada por Richard Avedon y Cecil Beaton. Fue invitada de John Steinbeck, que organizó un cóctel en su honor; Y visitada por Maria Callas, la Premio Nobel Pearl S. Buck y los poetas E. M. Cummings y Marianne Moore. Cuando Blixen expresó su deseo de conocer a Marilyn Monroe, la autora Carson McCullers organizó una reunión con Monroe y su marido el dramaturgo, Arthur Miller.⁴​

Al volver a Dinamarca, Blixen comenzó a trabajar a pesar de su grave enfermedad, terminando los bosquejos africanos de Sombras en la hierba en 1960. A la última de sus obras publicada durante su vida, le fue concedida su quinta selección como Libro-del-Mes. Shadows explora los estereotipos y las etiquetas de los europeos y africanos, concluyendo que "los prejuicios revelan más sobre el perceptor de lo percibido". Constaba de cuatro cuentos, "Shadows of the Grass" se centró en su sirvienta somalí Farah; "La fe es revelada", trasmite la importancia del simbolismo; "El Gran Gesto", habla de temas médicos en su comunidad; y "Echoes From the Hills", en que evaluó su soledad después de dejar África y la vigilia incansable de su personal de África que se mantuvo en su antigua granja durante muchos años.

Según una investigación sobre su enfermedad, del profesor Kaare Weismann, jefe médico del hospital de Bispebjerg, lo que mató a la escritora no fue una fase avanzada de la sífilis, sino el envenenamiento progresivo debido a los tratamientos con mercurio que le aplicaron en África primero y Dinamarca después para frenar aquella enfermedad venérea.⁵​ Incapaz de comer, Blixen murió en 1962 en Rungstedlund, la finca de su familia, a la edad de 77 años, aparentemente de desnutrición. Otros atribuyen su pérdida de peso y muerte eventual a la anorexia nerviosa.

Obras póstumas[editar]

Entre las obras publicadas póstumamente por Blixen se encuentran: Ehrengard (1962), Carnival: Entertainments and Posthumous Tales(1977), Daguerreotypes and Other Essays (1979) y Letters from Africa, 1914-31 (1981). A finales de la década de los 60, Orson Wellesplaneó una antología de películas de Dinesen, en la que pretendía lanzar "The Heroine", "The Deluge en Norderney", "A Country Tale" y "Full Moon". Después de un día de rodaje en Budapest de "The Heroine", el proyecto fue cancelado porque su financiero se declaró en bancarrota. Una historia inmortal fue adaptada y filmada en 1968 por Welles y lanzada simultáneamente en la televisión francesa y en teatros. Welles más tarde intentó filmar The Dreamers, pero sólo unas cuantas escenas fueron completadas. En 1982, Emidio Greco dirigió una película italiana, Ehrengard, basada en la obra de Blixen del mismo nombre, que no fue lanzada hasta 2002 debido a las complicaciones financieras

Cine:

1954: 

Nace Michael Emerson, actor estadounidense.

Michael Emerson es un actor estadounidense, nacido el 7 de septiembre de 1954, en Cedar Rapids, Iowa.

Emerson es más conocido por sus papeles en teatro, pero también se ha dedicado a las series y películas para televisión. Se le ha podido ver en la gran pantalla en primera parte de "Saw" y "La leyenda del Zorro".

Sus actuaciones en televisión están basadas en series como "Ley y Orden", "The X-Files" y "The Practice", siendo su trabajo más reconocido el papel como Ben Linus en la serie "Lost" (Perdidos). Actualmente interpreta a Finch, un hacker multimillonario con un misterioso pasado, en "Person of Interest', serie que comenzó a emitirse en septiembre de 2011.

Ganó el Emmy en el año 2001, como Mejor Actor Invitado en Serie Dramática por su participación en The Practice, ganándolo también en el año 2009, como Mejor Actor de Reparto por su trabajo en Lost.

*********

1954:

Nace Doug Bradley, actor británico.

Douglas William Bradley (nacido el 7 de septiembre de 1954) es un actor británico.

Índice

·         1Biografía

·         2Filmografía

·         3Obra

·         4Enlaces externos

Biografía[editar]

Bradley nació en Liverpool, Inglaterra. Estudió teatro desde pequeño y comenzó su carrera actuando en comedias y dramas teatrales. Vive en Londres con su esposa, Lynne, un hijo y una hija, y un gato. Amigo desde hace mucho tiempo del novelista de terror/fantasía Clive Barker, los dos se reunían cuando asistía a la escuela secundaria, y ha trabajado con Barker en varias actividades (desde un grupo de teatro hasta las películas Hellraiser) desde principios de los años 1970. También es un fanático del Liverpool FC.

Es más conocido por interpretar el papel del cenobita "Pinhead" en las ocho primeras películas de la serie Hellraiser, así como a su alter ego, el capitán Elliot Spencer en Hellbound: Hellraiser II (1988) y Hellraiser III: Hell on Earth (1992). Es uno de los dos únicos actores que han interpretado el mismo personaje de terror ocho veces consecutivas junto a Robert Englund, quien interpretó a Freddy Krueger.

Bradley ha aparecido en un anuncio para una línea directa de seguros en el Reino Unido (como un profesor de gimnasia.) Apareciendo sobre todo en televisión, la parte trasera de autobuses, estaciones de metro y en anuncios de Internet. Ha cantado en varias canciones de Cradle of Filth. La primera es de 2000 "Her Ghost in the Fog" (así como en "Death Magick For Adept", y "Tortured Soul Asylum"), sin embargo no podía aparecer en el vídeo musical, y fue sustituido por el actor David McEwen, que desempeñaría el carácter de Kemper en Cradle of Fear.

Bradley también apareció en los siguientes álbumes de Cradle como en el álbum Nymphetamine en las canciones como Satyriasis, Swansong For A raven, Mother of Abomination, sigue su participación en ese grupo con el álbum Thornography, cuyas canciones son Tonight In Flames, Rise Of Pentagram canción instrumental, y su última aparición en ese grupo por el momento en su último álbum de Cradle llamado Godspeed On The Devil’s Thunder en la que aparece como narrador en casi todas las canciones.

Bradley también es miembro de la empresa de animación británica Renga Media, creadores de la independiente británica CGI 'Dominator' películas y cortometrajes, diviendo su trabajo entre el de productor y el de actor de voz. También hizo la voz de Loc-Nar en el corto animado Heavy Metal vs Dominator, en la que personajes del universo Dominator se reúnen y luchan con los personajes de la película Heavy Metal 2000.

1956: 

Nace Diane Warren, compositora y letrista estadounidense.

Diane Eve Warren (Van Nuys, California; 7 de septiembre de 1956) es una compositora estadounidense. Alcanzó la fama a partir de 1983 y desde entonces, sus canciones han sido interpretadas por múltiples artistas y/o han aparecido en diversas películas. ​ El éxito y reconocimiento de sus composiciones a través de los años provocaron que Peter Reichardt, antiguo jefe publicitario del sello EMI Music en Reino Unido la declarara «la compositora más importante en el mundo».

Warren ha alcanzado la cima del Billboard Hot 100 en nueve ocasiones y ha ingresado al top 10 en otras treinta y dos oportunidades.  Es la única compositora en la historia de Billboard en ingresar con siete canciones (todas interpretadas por artistas diferentes) en sus listas. Su éxito en los Estados Unidos ha sido paralelo al de Reino Unido, en donde ha sido calificada como la tercera artista femenina de mayor éxito. Algunas de sus composiciones más reconocidas son: «Rhythm of the Night» de DeBarge, «Nothing's Gonna Stop Us Now» de Starship, «If I Could Turn Back Time» de Cher, «Because You Loved Me» de Céline Dion, «I Don't Want to Miss a Thing» de Aerosmith, «How Do I Live» de LeAnn Rimes o «Un-Break My Heart» de Toni Braxton, entre otras.

Ha recibido ocho nominaciones al premio Óscar y ha ganado un Globo de Oro, un Grammy, un Emmy y tres premios Billboard.​ 
Fue incluida en el Salón de la Fama de Compositores y recibió una estrella en el Paseo de la fama de Hollywood.

https://www.youtube.com/watch?v=cAQSZhazYk8

https://www.youtube.com/watch?v=BsKbwR7WXN4

https://www.youtube.com/watch?v=VTxnqUhhlIY

************

1960:

Muere Alfonso Ortiz Tirado, cantante tenor y ortopedista mexicano,

Alfonso Ortiz Tirado (Álamos, Sonora, 24 de enero de 1893 – México DF, 7 de septiembre de 1960) fue un destacado cantante tenor y ortopedista mexicano, igualmente admirado en ambos rubros.¹​

Hijo del Dr. Alfonso Ortiz Retes, hermano del gobernador del estado de Sonora don Carlos Rodrigo Ortiz Retes, y de María Luisa Tirado originarios de Álamos.Pasó sus primeros años en Culiacán, Sinaloa y se trasladó a la Ciudad de México junto con su madre y hermanos, después del fallecimiento de su padre. Cursó la educación primaria y secundaria en el Colegio de Mascarones, donde se pusieron de manifiesto sus aptitudes para el canto.

Posteriormente, ingresó a la Escuela Nacional Preparatoria y al terminar se inscribió en la Facultad de Medicina; recibió su título profesional en 1919. Como médico cirujano fue miembro de la Academia Americana de Cirugía, de la Academia Indolatina de Medicina, catedrático de la Facultad de Medicina de la UNAM y miembro de diversos organismos médicos de México y el extranjero. Hizo interesantes aportaciones a la ciencia. Su primera inclinación fue hacia la ginecología, pero finalmente se decidió por la ortopedia, con especialización en cirugía reconstructiva.

Fue médico de cabecera de la pintora Frida Kahlo, a quien practicó varias intervenciones. De igual forma, intervino quirúrgicamente en la mejilla al músico y compositor Agustín Lara.²​ Por su gestión llegó a México la primera mesa de Olby para cirugía de espina dorsal.³​

En su faceta artística estudió en la Academia de canto del maestro José Pierson perfeccionando una cálida voz de tenor natural y se dedicó a recorrer Centroamérica y Sudamérica, Estados Unidos y algunos países de Europa dando recitales, sin descuidar la práctica de la medicina. Su dulce voz y sus numerosos discos fonográficos fueron siempre altamente apreciados en todo el ámbito hispanohablante. Actuó en la película "La última canción" (1933) al lado de la actriz María Luisa Zea.

Su actividad artística hizo posible la edificación del inmueble donde se instaló un hospital infantil, en la calle de Niños Héroes, colonia Doctores, de la capital de México. Este edificio después albergó la Unidad de Cardiología al fundarse el Seguro Social, institución que adquirió el inmueble. En el patio del mismo se encontraba una placa de bronce en la cual se leía: Levanté con mi canto este templo para aliviar el dolor, más los nombres de todos los países en los que se presentó triunfante el “Chino” Ortiz Tirado, como cariñosamente se le llamaba. Desafortunadamente esa placa desapareció cuando el hospital cambió de dueño.

El doctor Alfonso Ortiz Tirado falleció en la Ciudad de México el 7 de septiembre de 1960. Sus restos mortales descansan en el Panteón Francés de la Piedad, en la capital de la República Mexicana.

Desde 1984 en Álamos (Sonora) se viene celebrando el Festival Internacional Alfonso Ortiz Tirado en su honor que puede ser comparado con el Festival Internacional Cervantino. Este festival es titulado "Festival Alfonso Ortiz Tirado" o "FAOT" donde intervienen músicos de talla internacional, y algunas actividades se realizan paralelamente en otros lugares del estado, generalmente el festival se realiza cada año en enero.⁴​

https://www.youtube.com/watch?v=Tw6hlQBmCLo

1978:

Muere Keith Moon (32), baterista británico, de la banda The Who (n. 1946).

Keith John Moon (Londres, Inglaterra, 23 de agosto de 1946-ibídem, 7 de septiembrede 1978)²​³​ fue un músico inglés, conocido por ser baterista de la banda británica de rock The Who. Se ganó el reconocimiento por su estilo exuberante e innovador en la batería, y su excéntrico comportamiento autodestructivo, lo que le valió el apodo de «Moon the Loon» («Moon el chiflado»). Moon se unió a The Who en 1964. Participó en todos los álbumes y sencillos desde su debut, en «Zoot Suit» de 1964, hasta Who Are You de 1978, álbum que fue lanzado sólo tres semanas antes de su muerte.

Moon fue conocido por su dramática y emocionante forma de tocar la batería—evitando frecuentemente los ritmos básicos, enfocando su técnica en la rapidez, subrayando los redobles a través de los tambores, manejando ambidiestramente el doble bombo y golpeando salvajemente los platillos. Es mencionado en el Salón de la Fama del Rockcomo uno de los grandes bateristas del rock,⁴​ y de manera póstuma, fue incluido en el Rock Hall como miembro de The Who en 1990.

El legado de Moon, como miembro de The Who, como solista y como una excéntrica personalidad, sigue cosechando premios y elogios. Los lectores de la revista Rolling Stone, lo posicionaron en el segundo lugar entre «Los Mejores Bateristas de Todos los Tiempos» en 2011,⁵​ casi 35 años después de su muerte.

https://www.youtube.com/watch?v=x2KRpRMSu4g

1986:

‘Take my breath away’, nº 1 de Billboard

https://www.youtube.com/watch?v=fUis9yny_lI

La banda Berlin estaba liderada por Terry Nun, uno de los iconos femeninos de la llamada new wave que sacudió la escena musical internacional en los años 80. La canción se incluyó también en el álbum Count three and pray, el segundo del grupo tras Love life (1984).

1994: 

Muere Terence Young, cineasta británico.

Stewart Terence Herbert Young (n. 20 de junio de 1915 en Shanghái China - f. 7 de septiembre de 1994) fue un director de cine del Reino Unido, conocido por dirigir tres filmes de la serie de James Bond: Dr No, Desde Rusia con amor y Operación Trueno.

Educado en una escuela pública, estudió "Historia Oriental" en la universidad de Cambridge. Durante la Segunda Guerra Mundial, Young participó en la batalla de Arnhem, Holanda, como comandante de tanques.

En 1946 fue uno de los directores de la película Theirs is the Glory, en la que cual recreó la batalla del puente de Arnhem (Arnhem fue el hogar de la actriz Audrey Hepburn en su infancia y adolescencia). Durante la filmación de Sola en la oscuridad, Audrey Hepburn y Young bromeaban acerca de que él había estado atacando a su estrella favorita sin siquiera saberlo.

Young se inició como escritor para filmes británicos en los años 40 y 50 antes de haber dirigido varios filmes para Irving Allen y del estudio Warwick Films de Albert R. Broccoli en los 50, tales como The Red Beret con Alan Ladd. Su asociación con Broccoli en dichos filmes fue una de las razones por las que se le ofreció dirigir los dos primeros filmes de James Bond.

"Terence Young era James Bond" escribió Robert Cotton. Había cierta incertidumbre sobre si Young llenaría el perfil de Bond, el erudito y sofisticado asesino que vestía trajes Saville Row. Cotton comentó al igual que Lois Maxwell en una de las muchas biografías de Connery: "Terence tomó a Sean bajo su tutela. Lo llevaba a cenar y le mostraba como caminar, como hablar e incluso la forma de comer; muchos de los del elenco nos dimos cuenta que Sean estaba representando el tipo de carácter que Young le había enseñado". Otras películas posteriores que Young dirigió fueron Mayerling (1968) e Inchon (1981). Young murió de un ataque al corazón a la edad de 79 años en Cannes, en Côte d'Azur en Francia.

**********

2003: 

Muere Warren Zevon, músico estadounidense de rock (n. 1947).

Warren William Zevon (Chicago, Illinois, 24 de enero de 1947 - Los Ángeles, California, 7 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de ascendencia judía. Su particular punto de vista sobre la vida le hizo dar a sus canciones un tono oscuro y sórdido que a menudo complementaba con la ironía que siempre le caracterizó.

Tuvo una vida llena de altibajos, con constantes problemas en su vida personal (divorcios, alcoholismo, intentos de suicidio...) que se complementaban con un gran reconocimiento entre sus compañeros de profesión entre los que destacaban Bob Dylan, Jackson Browne, Neil Young o R.E.M.

Probablemente, su tema más conocido para el gran público sea "Werewolves of London" de su disco "Excitable Boy"; canción que pertenece a la banda sonora de la película "El color del dinero" de Martin Scorsese, aunque también ha sido versionada por gente como The Flamin' Groovies. Más allá de eso compuso excelentes temas como "Splendid Isolation", "Mohammed's Radio" o "Carmelita", que ha sido versionada por Bruce Springsteen o Counting Crows y ha tenido una gran influencia en "Agárrate a mí, María" de Los Secretos.

En lo referido a sus discos, su LP más reconocido es Sentimental Hygiene, donde estuvo rodeado de todo un elenco de colaboradores de primer nivel, en el que destacaban Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry de R.E.M., Bob Dylan, Neil Young, Mike Campbell del grupo de Tom Petty, Flea de Red Hot Chilli Peppers, o Don Henley de The Eagles entre otros. A pesar de esto, su discografía ha pasado a estar prácticamente descatalogada y tan sólo pueden conseguirse sus discos originales a través de tiendas especializadas o tiendas online.

En 2002 se le diagnosticó un cáncer de pulmón con una esperanza de vida de tan sólo tres meses. Finalmente pudo combatir a la enfermedad durante un año, tiempo que le permitió grabar un último disco, The Wind, que se publicó una semana antes de su muerte, donde colaboró Billy Bob Thornton con una versión de la conocida canción de Bob Dylan Knockin' on Heaven's Door y en la que Zevon hacía unos escalofriantes coros "Open up, open up fo me".

Su enfermedad también le sirvió para ganarse un poco de esa popularidad que su estilo de vida siempre le había negado, llegando a ser el primer artista al que el Late at Night with David Letterman de la CBS le dedicó un programa completo (30-10-2002).

https://www.youtube.com/watch?v=iDpYBT0XyvA

2014:

Muere Miltiño, cantante brasilero.

Milton Santos de Almeida (31 de enero de 1928 – 7 de septiembre de 2014), mejor conocido como Miltiño en Latinoamérica y Miltinho en Brasil, fue un cantante brasilero de samba y boleros. Inició su carrera en los años 1940 como miembro de agrupaciones como Anjos do Inferno, Namorados da Lua, Quatro Ases e Um Curinga, Milionários do Ritmo y Cancioneiros do Luar. En 1960 publicó su primer álbum como solista, Um Novo Astro, dando inicio a una exitosa carrera que le valió reconocimiento internacional, llevándolo a grabar también en idioma español. Falleció en el año 2014 debido a problemas respiratorios.

2020:

Muere Xavier Ortiz, actor, cantante, modelo, presentador de televisión y empresario mexicano.²​

Xavier Ortiz (Ciudad de México, 29 de junio de 1962 - Guadalajara, 7 de septiembre de 2020)¹​ fue un actor, cantante, modelo, presentador de televisión y empresario mexicano.²​

Índice

• 1Biografía
  • 1.1Carrera
  • 1.2Plano personal
  • 1.3Fallecimiento
• 2Filmografía
  • 2.1Cine
  • 2.2Televisión
• 3Referencias

Biografía[editar]

Carrera[editar]

Ortiz nació en 1972 y cursó estudios en odontología. Más adelante decidió convertirse en modelo y cantante, integrándose en 1989 al grupo musical Garibaldi, proyecto conformado además por Patricia Manterola, Sergio Mayer, Pilar Montenegro, Katia Llanos, Víctor Noriega, Charlie López y Luisa Fernanda Lozano. La agrupación logró reconocimiento en su país y en Latinoamérica con su fusión de géneros como el pop, la música tropical, la salsa y la música tradicional mexicana.¹​³​

Ortiz incursionó en el cine en 1993 con sus compañeros de Garibaldi en la película de René Cardona Jr. ¿Dónde quedó la bolita?. Al dejar la agrupación siguió vinculado a la actuación, apareciendo en diversas series de televisión y películas entre las que destacan Sentimientos ajenos, Camila, Duelo de pasiones, Tormenta en el paraíso y La rosa de Guadalupe.¹​

Plano personal[editar]

Ortiz era propietario del bar-restaurante La Santa en Guadalajara, México. El 17 de abril de 1999 se casó con Patricia Manterola, compañera suya en el grupo Garibaldi. La pareja se divorció en 2005.¹​ En 2014 se casó con Clarisa de León. La pareja tuvo un hijo y finalmente se separó en 2018.⁴​

Fallecimiento[editar]

El 7 de septiembre de 2020, su compañero en Garibaldi Sergio Mayer anunció vía Twitter el fallecimiento de Ortiz. Su hermana Olga también hizo el anuncio en el programa De primera mano con el periodista Gustavo Adolfo Infante y en sus redes sociales. El artista fue encontrado sin vida en su domicílio en la exclusiva colonia Providencia de Guadalajara. Según las investigaciones, se trató de un suicidio.⁵​⁶​⁷​