Evocando a los personajes de la Iglesia, de la Literatura, del Cine, de la música y la tv que nacieron y o murieron un día como hoy...
lunes, 9 de septiembre de 2024
Un día como hoy 9 de septiembre
El 9 de septiembre es el 252.º
(ducentésimo quincuagésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 253.º en los años
bisiestos. Quedan
113 días para finalizar el año. Podcast 2020
San Pedro Claver,
jesuita español (nacido en 1580).
San Pedro Claver S.J. (Verdú, junio
de 1580 — Cartagena de Indias, 9
de septiembre de 1654), cuyo nombre de nacimiento fue Pere Claver Corberó,3 fue un
misionero y sacerdote jesuitaespañol que
pasó a la posteridad por su entrega a aliviar el sufrimiento de los esclavos
del puerto negrero de Cartagena de Indias donde vivió la mayor
parte de su vida. Se apodó a sí mismo el «esclavo de los negros».
Tímido y sencillo, catalán corto en palabras y largo en
hechos, Pedro Claver Corberó, es una de las figuras del cristianismo más
apasionantes y arriesgadas del siglo XVII,
cuya vida se desarrolló en el colorido contexto de aventuras, pasiones e
injusticias del puerto negrero de Cartagena de Indias, centro de dramáticos
conflictos morales y sociales. Su entrega abnegada a los negros bozales, de los
que los teólogos de esa época discutían incluso si poseían alma, es un modelo
admirable de la praxis cristiana del amor y del ejercicio de los derechos
humanos, de los que se lo declaró «defensor» en 1985. Se lo honra como patrono de
los esclavos,
y desde 1896 como patrono de las misiones entre los negros. Se lo considera un ejemplo heroico de lo que debe ser el amor por los más
pobres y marginados.
Pedro Claver es el santo que más me ha impresionado después
de la vida de Cristo.
León XIII, en ocasión de la canonización de Pedro Claver.
"El secreto de la felicidad no
es hacer siempre lo que se quiere sino querer siempre lo que se hace"
León Tolstoi
Nació el 9 de septiembre de 1828 en la propiedad familiar de Yásnaia
Poliana (sur de Moscú).
Hijo del conde Nokolai Ilich terrateniente, y de María Nikolaievna, princesa
Volkonskaia.
Su primera infancia transcurrió en Yásnaia Poliana. En 1830 fallece su padre y
cuando tenía nueve años, murió su madre. Los hermanos Tolstoi fueron confiados
a la tutela de dos tías paternas y en 1841 pasó a vivir con una de ellas en la
ciudad de Kazán.
Recibió educación de tutores franceses y alemanes y a los 16 años entra en la
Universidad Kazán, donde cursó estudios de lenguas y leyes.
En el año 1851 se incorpora al ejército y entra en contacto con los
cosacos, que se convertirían en los protagonistas de una de sus mejores novelas
cortas, Los cosacos (1863). Como militar, participó contra los
guerrilleros tártaros en los límites del Cáucaso y en la guerra de Crimea,
en 1853.
Desde su juventud se esforzó por contribuir de manera práctica a la instrucción
pública. la idea que inspiró su primer libro "Las cuatro épocas del
desarrollo" es profundamente simbólica. En dicha obra se propuso describir
el proceso de formación del carácter del hombre, desde los primeros años,
cuando comienza la vida espiritual, hasta la juventud, cuando esa vida ha
adquirido su forma definitiva. Concluyó una obra autobiográfica, Infancia en
1852, a la que siguieron otras dos, Adolescencia (1854) y Juventud (1856).
Después aparece Sebastopol (1855-1856), tres historias basadas en la
guerra de Crimea. Se traslada a San Petersgburgo en 1856. Realiza
viajes por el extranjero (en 1857 y 1861), visitando escuelas alemanas y
francesas y, más adelante, en Yásnaia Poliana crea para sus campesinos escuelas
y centros de trabajo.
En 1862, se casó con Sofía Andréievna Bers, miembro de una culta familia
de Moscú. Durante los siguientes quince años formó una extensa familia (tuvo
quince hijos).
Escribió sus dos novelas principales, Guerra y Paz (1865-1869)
y Ana Karenina (1875-1877). Guerra y paz es un retablo de la vida
rusa durante las guerras de Napoleón, siendo su obra maestra. Ana Karenina es
una novela de costumbres de la sociedad rusa cuyo propósito moralizador no
prevalece sobre su valor artístico.
Alrededor de 1877 se convirtió al cristianismo. En Confesión (1882),
se culpa de llevar una existencia vacía y autocomplaciente y emprende una larga
búsqueda de valores morales y sociales. Escribe los ensayos Amo y criado (1894).
En ¿Qué es el arte? (1898), realiza una condena de casi todas las
formas de arte, y abogó por un arte inspirado en la moral, en el que el artista
comunicara los sentimientos y la conciencia religiosa del pueblo. Escribe
cuentos de carácter edificante, reunidos en el volumen Historias para el
pueblo (1884-1885) y obras destinadas a lectores cultos, en las que se
permite un mayor espacio para desarrollar su poderosa inventiva. La más
conocida de estas obras es "La muerte de Iván Ilich" (1886).
El cuento La sonata a Kreutzer (1889) trata de la educación sexual y
el matrimonio; la obra teatral El poder y las tinieblas (1888) es una
tragedia, y su última novela Resurrección (1899), es la historia de
la regeneración moral de un noble hasta entonces falto de escrúpulos. Sus obras
han dejado una huella imborrable en la historia de la literatura universal: la
profundidad de sus intuiciones humanas y la precisión psicológica en la
descripción de sus personajes lo erigen en uno de los pensadores morales más
fecundos y más fascinantes de la literatura de todos los tiempos.
Con 82 años, atormentado por la disparidad entre sus criterios morales y su
riqueza material, y por las disputas con su mujer, que se oponía a deshacerse
de sus posesiones, Tolstói, acompañado por su médico y la menor de sus hijas,
se marchó de casa a escondidas en medio de la noche. Tres días más tarde, cayó
enfermo de neumonía y, el 20 de noviembre de 1910, falleció en una estación de
ferrocarril en Astápovo (hoy Lev Tolstói), provincia de Lípetsk. Fue
enterrado sin ninguna ceremonia religiosa en una pequeña loma cercana a Yásnaia
Poliana, el día 22 de noviembre de 1910. En el año 2001, un biznieto de Tolstói
solicitó a la iglesia ortodoxa rusa la revocación de la excomunión pronunciada
contra el escritor ruso. Fue excomulgado en 1901 por la visión del cristianismo
que daba en sus obras.
Miguel Ángel Builes Gómez (* Donmatías, Antioquia, 9
de septiembre de 1888 - † Medellín, 29
de septiembre de 1971), fue un eclesiástico y escritor colombiano, obispo de
la Iglesia católica. Durante casi cuarenta y tres
años gobernó la Diócesis de Santa Rosa de Osos, en
los cuales fue un personaje polémico, debido a su postura acérrima frente a los
gobiernos liberales del país y especialmente era intransigente a todo lo
referente al comunismo, pues los consideraba posiciones políticas e ideológicas
que no iban con la Doctrina de la Iglesia y con las buenas costumbres.
Todo esto generó que fuera querido por unos, y odiado por
otros. En la actualidad es Siervo
de Dios.
Vida y obra
Nació en Donmatías el 9 de septiembre de 1888, sus padres
fueron Agustín Builes y Ana María Gómez. Los estudios primarios los realizó en
la escuela de su pueblo, y los estudios secundarios y de formación sacerdotal,
los hizo en el Seminario Menor de San Pedro y en el Mayor de Santafé de
Antioquia, respectivamente. Ordenado sacerdote por el obispo Maximiliano Crespo Rivera el 29
de noviembre de 1914 en la capilla del Seminario Santo Tomás de Aquino de
Santa Fe de Antioquia.
Su primer cargo fue como coadjutor de Valdivia y realizó viajes misioneros por
la sub-región antioqueña del bajo Cauca.
Luego fue párroco del Tigre, Santa Isabel, Remedios, Tierradentro (Aragón), y de nuevo,
en Remedios. Cuando no había cumplido aún 10 años de sacerdocio, fue
preconizado Obispo de Santa Rosa por
el papaPío XI,
el 27
de mayo de 1924, para suceder a monseñor Maximiliano Crespo Rivera. Recibió la
consagración episcopal en la Catedral de Bogotá (primada de Colombia),
junto con otros dos clérigos: monseñor Pedro María Rodríguez, y monseñor José
Ignacio López, el 3 de agosto de 1924, de manos de
monseñor Roberto Vicentini, Nuncio Apostólico en Colombia. Tomó posesión de la
diócesis el 22 de octubre del mismo año.
Monseñor Builes fue un personaje que no estuvo ausento de
polémica en Colombia, sus actitudes, para nada diplomáticas en un momento en
que la Iglesia intentaba crear un ambiente de tolerancia con el partido liberal que se encontraba
en el poder, hicieron de él un personaje odiado. Carecía de estrategia. Según
uno de sus biógrafos, Miguel Zapata: “Builes se consideró tutor de la jerarquía
eclesiástica en Colombia. Fustigaba a los demás obispos llamándolos perros
adormecidos,”. Su voz era la única que sonaba para denunciar, lo que según él
eran los horrores del liberalismo. “No sólo se tomó el derecho de trazar normas
a la jerarquía en general, sino que delimitó las funciones de los diputados”.
Por medio de sus explosivas pastorales (cartas), Builes lanzó
sus severas palabras no sólo contra la política; casi todos los aspectos de la
vida colombiana fueron señalados por su inacabable crítica. Su primera reprimenda
fue contra la moda femenina, pues no concebía que las mujeres utilizaran
“pantalones” y que montaran a caballo como los hombres. En la pastoral de 2 de
febrero de 1927 escribió:
“Mas como la moda es una dulce tirana, pero TIRANA, a última
hora ha dejado de ser moda femenina en las mujeres para volverse en ellas
mismas moda masculina, y han resuelto aparecer ante la faz del mundo, pásmese
el cielo, vestidas de hombre y montadas a horcajadas [en los caballos] con
escándalo del pueblo cristiano y complacencia del infierno [...] La naturaleza
humana en su tendencia a la relajación moral, buscó maneras indecorosas de vestir,
a través de los siglos; pero jamás llegó a soñar con implantar el uso del
vestido del hombre para la mujer. Semejante invención estaba reservada a los
tiempos modernos y a la nefanda acción de las logias [...] perdida la mujer se
perdió todo”.
Luego, en la misma pastoral monseñor Builes, finalmente
sentenció:
"Nos sentimos movidos a censurar y reprobar, como en
efecto censuramos y reprobamos tal práctica abominable ante Dios [... )
reservándonos a Nos personalmente la absolución de este pecado contra la moral
cristiana [...] sin que puedan hacerlo ni aun los venerables vicarios foráneos
en ningún tiempo”.
En tal condición, monseñor Builes estableció dos nuevos pecados,
exclusivos para las mujeres de su diócesis: la utilización de los pantalones y
montar a caballo “a lo hombre”, con el agravante de que sólo el prelado
personalmente podía absolverlas.
Monseñor Builes estableció el Seminario de Misiones de Yarumal,
el 29
de junio de 1927, el cual era uno de sus más grandes sueños y se resolvió
por este municipio (Yarumal) pues su clima, su localización en el norte de Antioquia, la religiosidad de sus
habitantes y, tal vez también, su mayoría conservadora, le parecieron aptos. La
labor misionera en ese momento se encontraba casi monopolizada por religiosos
españoles y fue este el primer seminario de misiones en América. Para reconocer
a los integrantes de la comunidad, Builes diseñó un crucifijo para llevar en el
pecho, con las iniciales M.X.Y.: “M” de misionero, “X” de San Francisco Xavier
y “Y” de Yarumal. Prácticamente sin recursos y con pocos seminaristas, comenzó
labores el 3 de julio. El 25
de septiembre de 1938 fueron ordenados sacerdotes los primeros siete
misioneros. En 1929,
Builes estableció también la [[Congregación de Hermanas Misioneras de Santa
Teresita del Niño Jesús, en 1951 funda otra comunidad que nace del amor
profundo a la Virgen Maria, después de haber iniciado la construcción de la
magna Basilica ubicada en Santa Rosa de Osos,a esta cuarta obra la llamò Hijas
de Nuestra Señora de las Misericordias con el lema Gloria a Dios y a la Madre
de las Misericordias, queriendo propagar su celo apòstolico por todo el mundo
entero.
“Que el liberalismo ya no es pecado, se viene diciendo
últimamente con grande insistencia; los prelados no sólo callan sino que han
prohibido hablar del liberalismo [...] y que por tanto, ser liberal ya no es
malo [...] Nada más erróneo, pues lo que es esencialmente malo jamás dejará de
serlo, y el liberalismo es esencialmente malo”.
Igualmente, como en el tema de los pantalones femeninos,
prohibió a otros clérigos que dieran la absolución al liberal, reservándose
exclusivamente para sí mismo la condición de concederla. “Así se lucha cuando
no hay armas para hacerlo en forma franca”; dijo años después. En 1932 circuló un
rumor de un posible atentado contra su vida, lo que generó que Builes, en la
fiesta de la Candelaria arremetiera contra los soviéticos, a quienes veía
cercando a Santa Rosa de Osos. Como siempre, utilizó gran
variedad de adjetivos para referirse al enemigo, los llamaba “los sin patria”,
“el tártaro sin Dios”, “el pirata atrevido”, “el moscovita audaz”.
Alfonso López Pumarejo durante su
gobierno que inició en 1934, emprendió una serie de reformas en varios aspectos del
estado, recibiendo el nombre de Revolución en Marcha. En los referentes a la
enseñanza laica y obligatoria, Builes declaró: “La educación corresponde a la
familia antes que al Estado, por lo cual éste no puede arrogarse el derecho a
enseñar y, lo que es peor, de declarar atea la enseñanza”.
Y sobre el tema de la autonomía universitaria, la hallaba
dañina y propagadora de errores. Según Builes, las normales de varones,
establecidas por el Ministerio de Educación para crear docentes “modelarán las
almas de los niños, según la mente y anhelos masónicos”; el Instituto Femenino
“dará a la patria maestras impías [...] y un personal apto para descristianizar
del todo la niñez”, y eso que el Instituto Central Femenino de Medellín se
encontraba dirigido por la moderada institutora catalana Enriqueta Séculi
Bastida.
Las publicaciones del Ministerio de Educación en su totalidad
eran “una verdadera inundación de libros impíos, de revistas pornográficas y de
cuadros murales (los de Pedro Nel Gómez) soeces, verdaderos pegotes sin
jota de arte, pero con abundancia de inmundicia (que), bajan del Ministerio de
Educación y se difunden con levadura ponzoñosa”. La coeducación, que en ese
momento se limitaba a los jardines infantiles, “en estos climas tropicales trae
consigo lo que la masonería busca: corromper la niñez y la juventud [...] los
desfiles de las niñas y señoritas a medio vestir, las gimnasias desvergonzadas
[...] todos los métodos corruptores que vienen utilizando con innegable éxito
nuestros gobernantes masones”.
Laureano Gómez Castro fue para monseñor Builes,
un personaje providencial. Lo apoyó sin ningún problema todas sus iniciativas
y, cuando Gómez Castro arremetió contra Olaya, también así lo hizo el obispo;
en el comienzo del gobierno de López Pumarejo, hubo una cierta tregua, y Builes
se mantuvo moderado; pero una vez rotas totalmente las relaciones entre los dos
políticos en 1938,
el prelado no dudó en decir que:
“el partido comunista no puede menos que felicitar a los
camaradas colombianos por la magnífica labor de penetración que han realizado
con respecto al partido de gobierno en Colombia [...] que está para sufrir muy
en breve [... ] su eliminación para dejar el paso y la silla de Bolívar a los
discípulos de Lenin”.
Esta pastoral de cuaresma remata con un discurso de tipo
marcial incitando a la guerra santa:
“¡Gobernantes de mi patria, abrid los ojos! [... ] ¿Cómo es
que olvidáis dictar leyes que rechacen al moscovita audaz que mancha con su
planta inmunda nuestro suelo? ¡soldados de mi patria! ¿Para qué recibisteis la
bandera tricolor y jurasteis defenderla, si ahora la arrojáis por tierra, para
que la pise el ruso infame? [...] Ya suenan los clarines que llaman al combate
[...] Vuestra misión es defender la patria. ¡Atrás el extranjero! ¡Viva
Colombia!”.
En dos pastorales de 1939, Builes acometió contra los
carnavales, costumbre en Antioquia, que son según él “reunión de fétidos y
contaminados elementos de todas partes para infectar la ciudad y dejar sus
huellas inmundas en los fieles, con podredumbre moral y material”. Después
condenó la soltería y, cuando arremetió contra los reinados, se mostró
profético:
“Comedia bufa y carente de seriedad de la elección de reinas
[...] como nuevo pábulo a las pasiones vergonzosas se han venido estableciendo
[...] los llamados reinados del maíz, del café, del fríjol, del tomate, del oro
y últimamente el de la sal [...] No tardarán en establecerse los reinados y las
reinas del petróleo, del carbón, de la gallina, del cerdo y del buey”.
Dos meses después de la muerte del caudillo liberal Jorge
Eliécer Gaitán y del "Bogotazo", el obispo de Santa Rosa de Osos
incitó a la revuelta y al aniquilamiento (tal vez no en el sentido físico, sino
en el moral) de los liberales. En el transcurso de la procesión del Sagrado
Corazón, demandó un juramento a los feligreses para defender a Cristo, la
Iglesia Católica, la Colombia católica. Con el paso de los años, Builes se
radicalizó más y la arremetió contra casi todo. Ya en la década de los
cincuenta, acometió contra los paseos en los que las mujeres “van y vienen
solas o acompañadas de su novios o de sus amigos, de día y de noche, por
pueblos, veredas y despoblados, en andanzas peligrosas”; el cine es “la peor
escuela de robos, de asesinatos y deshonestidades”; los libros y novelas son
“como una inundación de fango [...] que anega las almas”; la radio propaga
“conferencias disolventes e irrespetuosas”; que en las reuniones sociales y
clubes “va el gran mundo a dejar la virtud en trizas”; y respecto al baile “son
gravemente pecaminosos [...] entre éstos se encuentran el vals, la mazurca, el
galop, la polka,
el chotiz, la habanera, etc. “, y eso que prácticamente eran desconocidos
en su diócesis. Builes llegó al punto de formular una “doctrina teológica respecto
del baile”, en la que realizó descripciones detalladas de movimientos y roces,
dedicando por aparte un capítulo al baile mambo, prohibiendo
la absolución de ese pecado mortal, “horrenda corrupción”.
Builes en su pastoral del 24 de
febrero de 1953, condenó a la disidencia que pudiera levantarse contra el
presidente Laureano Gómez y su escogido Roberto Urdaneta Arbeláez. Esta era
planeada por el liberalismo comunista y “espíritus ambiciosos e inconformes del
conservatismo”, a la cual se haría frente con el corporativismo, expuesto así
con los proyectos de Laureano.
El papa Pío XII honró
a monseñor Builes con el título de Prelado Doméstico de Su Santidad, Asistente
al Solio Pontificio y Conde Romano en 1952. Viajó varias
veces a Roma,
realizando las tradicionales visitas
ad Limina. Aunque fueron las cartas pastorales (sesenta en total) las que
le dieron resonancia en Colombia y también su medio favorito, como escritor
dejó varias obras como Cuarenta días en el Vaupés y Testamento Espiritual,
entre otras.
A la edad de 80 años, obedeciendo la voluntad del papa Pablo VI,
presentó el 15 de febrero de 1967 renuncia al
gobierno pastoral de la diócesis, cargo que había desempeñado por 43 años; le
fue aceptada el 22 de abril del mismo año, y el 8 de junio también
de ese año su sucesor, monseñor Félix María Torres Parra,
quien se desempeñaba desde hacía un año como Obispo Auxiliar de Cartagena, tomó
posesión como obispo coadjutor y administrador apostólico, y en
consideración a monseñor Builes, este conservó hasta su muerte con el título de
obispo de Santa Rosas de Osos.
Sanders fue el hijo mayor de tres hermanos, en el seno de una
familia humilde de ascendencia irlandesa. Su padre falleció cuando él tenía
cinco años, por lo que trabajó y aprendió a cocinar desde pequeño. Abandonó
la escuela a los doce años para ayudar en la granja familiar y poco tiempo
después, cuando sufrió malos tratos por parte de su padrastro, se mudó a la
casa de sus tíos en Albany.
A los quince años falsificó su certificado de nacimiento para alistarse en
el ejército de los Estados Unidos y
completó su servicio militar en Cuba. Después se
trasladó a Sheffield (Alabama) y tuvo todo tipo de
empleos, como marino mercante, vendedor de seguros, bombero en los
ferrocarriles y granjero.
Estuvo casado dos veces. En 1908 contrajo
matrimonio con Josephine King, con la que tuvo tres hijos: Margaret (1910-2001),
Harland David Sanders, Jr. (1912-1932) y Mildred (1919-2010). La pareja se
divorció en 1947.
Un año después, Sanders se casó con una empleada de su restaurante, Claudia
Price, con la que permaneció hasta el fin de sus días.
Carrera profesional
En 1929 abrió una pequeña estación de servicio en Corbin
(Kentucky), en la que cocinaba platos como pollo, jamón campestre y filetes. Su popularidad como
cocinero creció hasta tal punto que el gobernador de Kentucky, Ruby Laffoon, le nombró "Coronel de Kentucky",
máxima distinción honorífica del estado, en 1935. Un año después
construyó un restaurante con un comedor para 142 comensales. Actualmente, ese
local se llama Harland Sanders Café
and Museum y es un museo sobre la historia de KFC. En ese sitio
comenzó a preparar su famoso pollo
frito a partir de una receta propia, con once hierbas y especias, que
patentó en 1940.15
En un principio lo hacía con una sartén, pero después introdujo una freidora a presión para acelerar el
servicio. Su fama se disparó en 1939 gracias al
crítico gastronómico Duncan Hines, que lo incluyó en su
guía de restaurantes. Pero la Segunda Guerra Mundial forzó un cierre
temporal de la estación por el racionamiento de la gasolina.
A comienzos de 1950, vendió el motel
por poco menos de 75.000 dólares, debido a que la construcción de la Interestatal
75reduciría el tráfico de la carretera donde su local estaba asentado. Ya
con 60 años, aprovechó la fama de su pollo frito y expandió su negocio a través
de franquicias,
bajo el nombre de Kentucky Fried Chicken. El primer
restaurante abrió en 1952 en Salt
Lake City (Utah)
y pronto creció por todo el país. En sus acuerdos de franquicia, se cedía la
receta a cambio de un pago de cinco centavos de dólar por cada pieza
despachada. Sanders realizó demostraciones personales para vender su producto y
desarrolló una apariencia distintiva con mostacho canoso, perilla y un traje
completamente blanco con corbata negra.
En 1964, vendió Kentucky Fried Chicken a un grupo inversor del
estado por 2 millones de dólares, más un salario vitalicio de 40.000 dólares al
año para hacer apariciones públicas como embajador de la marca. Dicho sueldo
llegó a incrementarse hasta unos 200.000 dólares anuales. En ese tiempo, la
empresa había alcanzado las 600 franquicias en todo Estados Unidos y unos
beneficios anuales de 300.000 dólares brutos. Al margen de su negocio más
popular, en 1968 abrió
un restaurante familiar en Shelbyville con el nombre de su esposa,
que actualmente sigue funcionando como Claudia Sanders' Dinner House.
En 1970 abandonó
el consejo de dirección de KFC, pero continuó siendo la imagen publicitaria.
Fue bautizado con el nombre Etienne Mallarmé. Al
perder a su madre en 1849, fue tutelado por sus abuelos. La muerte de su
hermana María lo marcó profundamente. Estudió el bachillerato en Sens.
En 1862, tras conocer a una joven alemana, Maria Gerhard, dejó su empleo para
vivir con ella en Londres, con la idea de
prepararse para ser profesor de inglés.
Excluido del servicio militar en 1863, se casó en Londres con María el 10 de agosto y
obtuvo su acreditación para enseñar inglés. En septiembre, fue nombrado jefe de
estudios en el Instituto de Tournon; en 1866 la
revista Parnasse Contemporain publicó diez poemas suyos; es un
año que abre un periodo fundamental para él, porque durante una estancia
en Cannes en casa de su amigo y
corresponsal Eugène Lefébure empieza
a dudar de sus convicciones estéticas primitivas; este periodo se cierra en
1869. Nombrado profesor en Besançon, comienza una correspondencia
con Paul Verlaine.
Consiguió el traslado al liceo de Aviñón y allí conoce el movimiento Félibrige y entabla amistad con sus
poetas en lengua provenzal: Théodore Aubanel, Joseph Roumanille y Frédéric Mistral,
con quienes además mantuvo correspondencia; en 1867 logra el ansiado traslado
al liceo Fontanes de París y, establecido en
la capital, abre un famoso salón o tertulia. En 1876 lo pinta Édouard Manet, el mismo año en que da a
conocer su poema L'après-midi d'un faune. Por entonces frecuenta a
los poetas parnasianos Leconte de Lisle y José María de Heredia.
Investigó el uso de la tipografía libre y el espacio en blanco
en la poesía y el verso libre en
su poema más audaz, Un coup de dés jamais n'abolira le hasard (Una
tirada de dados jamás derogará el azar), de 1897. Al año siguiente (8 de
septiembre de 1898) sufrió un fatal espasmo faríngeo mientras trabajaba en su
poema Herodías y pidió a su ayudante y a su hija que
destruyeran sus escritos diciendo: «No hay herencia literaria ahí...». A la
mañana siguiente, murió.
Durante años, sus veladas literarias fueron consideradas el
centro de la vida intelectual parisina. Entre otros asistentes, cabe mencionar
a los poetas alemanes Stefan George y Rainer Maria Rilke,
a los franceses Paul Verlaine y Paul Valéry, a los novelistas André Gide y Huysmans y al lírico irlandés W. B. Yeats.
Con dos amigos intercambió una caudalosa correspondencia: Henri Cazalis (conocido entre los parnasianos con el sobrenombre de Jean
Lahor) y Eugène Lefébure,
apasionado por la poesía y el ocultismo, que se haría muy célebre como egiptólogo. El músico del impresionismo Claude Debussy compuso en 1892 una pieza
de orquesta sobre su poema La siesta de un fauno, y el también
impresionista Maurice Ravel musicó
poemas suyos en Trois poèmes de Stéphane Mallarmé (1913); a
estos hay que agregar los compositores Darius Milhaud (Chansons bas de
Stéphane Mallarmé, 1917) y Pierre Boulez (Pli selon pli,
1957–1962).
José Lezama Lima,
poeta y escritor cubano estudioso y admirador de Mallarmé
escribió: «...es, con Arthur Rimbaud, uno de los grandes centros de
polarización poéticos, situado en el inicio de la poesía contemporánea y una de
las aptitudes más enigmáticas y poderosas que existen en la historia de las
imágenes. Sus páginas y el murmullo de sus timbres serán algún día alzados para
ser leídos por los dioses».
En un principio la obra poética de Mallarmé muestra la huella de
tres contemporáneos ilustres a los que reconoció como maestros: Théophile Gautier, Théodore de Banville y,
sobre todo, Charles Baudelaire.
Pero pronto soltó amarras y desarrolló una obra poética tan breve como
ambiciosa. El oscuro y esteticista Mallarmé inició, en la segunda mitad del
siglo XIX, una renovación de la poesía cuya influencia se siente hasta nuestros
días y que acabaría por trascender el simbolismo inicial hacia una estética más
ambiciosa, relacionada con cierto impresionismo y el orfismo que continuarían discípulos suyos
como Rainer María Rilke o
la poesía pura de Paul Valéry. Divulgó su nueva poética a través de la tertulia que mantenía en su casa, por
ejemplo la introducción del verso libre y la construcción del poema
alrededor de un símbolo central.
Fue uno de los pioneros del decadentismo francés. Dueño de una
sintaxis experimental, cuyo hipérbaton mezclaba construcciones
inglesas y latinas, y de un ritmo y vocabulario poco comunes, Mallarmé creó
poemas cerrados en sí mismos, lejos de cualquier realismo, donde el sentido
proviene de las resonancias. En su poesía las sonoridades y los colores juegan
un rol tan importante como los sentidos cotidianos que tienen las palabras, lo
cual hace su traducción realmente difícil. Según algunos autores, Mallarmé es
el creador de un impresionismo literario (escribió
que su intención era «pintar no la cosa, sino el efecto que produce», por lo
cual el verso no debía componerse de palabras, sino de intenciones, y todas las
palabras borrarse ante la sensación). Junto con otros poetas, tales como Arthur Rimbaud, fue incluido en el libro Los poetas malditos de Paul Verlaine.
1904:
Nace Claudio Ferrer,Músico y compositor puertorriqueño.
Músico y compositor puertorriqueño, nacido el 9 de setiembre de 1904, era hijo de Ramón Ferrer y Antolina Cotto. Comenzó cantando décimas siendo niño y, a la edad de 13 años, se unió a un conjunto típico de su vecindad. Integró en 1934 el famoso "Trio Borincano" dirigido por Johnny Rodríguez, como segunda voz, hasta 1936 en que organizó en Nueva York, el legendario "Cuartero Marcano". Luego en 1940, en la Isla del Encanto, con un gran conjunto musical el "Cuarteto Mayarí" que triunfó con pregones como "El Santero" y canciones jíbaras como "El eco y el carretero". El bolero “Azabache” es de su autoría, junto con "Ayudame", Mis dos amores", Bendita seas"... Víctima de cáncer pancreático, que se le complicó con un padecimiento cardíaco, este insigne músico falleció en la habitación 421 del Hospital San Pablo B justo donde pocos meses antes había muerto también Chuito el de Bayamón B, en la ciudad que lo acogió como uno de sus hijos más distinguidos, Bayamón, el 31 de diciembre de 1979. Sus restos reposan en el Cementerio Los Cipreses.
Pavese nació en Santo Stefano Belbo, donde su padre, procurador de tribunal en Turín, tenía una delegación. En 1914 muere el padre, lo que le causa un primer trauma. Su madre, de hecho, compensará la ausencia del marido educando de modo bastante rígido a su hijo. Estos lugares y experiencias infantiles son los que mitificará el futuro escritor.
Pavese cursa estudios secundarios en Turín con Augusto Monti, colaborador de Gobetti, narrador y pedagogo. Es su primer contacto con el mundo de los intelectuales y con personalidades como Leone Ginzburg, este muy cercano siempre, Tullio Pinelli, Vittorio Foa (estudioso de los problemas políticos y sociales) y Norberto Bobbio. En su época universitaria es cuando Pavese se interesa por la literatura norteamericana; en esos años, alterna su trabajo de traductor con la enseñanza del inglés. Se licencia con una tesis sobre el poeta norteamericano Walt Whitman.
En 1935 es confinado por sus actividades antifascistas (de hecho, sólo había conservado unas cartas comprometedoras de una activista comunista de la que se había enamorado); tras este exilio publica un importante libro de versos que había empezado en 1928: Trabajar cansa (1936), muy innovador y que, junto a sus obras narrativas, atrae todavía a un público muy amplio. En ese mismo período empieza la composición de El oficio de vivir, diario literario y existencial que seguirá escribiendo hasta el final de su vida.
De vuelta de su confinamiento, Pavese descubre que la mujer a la que amaba se ha casado, lo que le ocasiona un segundo trauma. A partir de ese momento se angustia, temeroso de que lo ya sucedido se pueda repetir. La angustiosa sensación del fracaso lo acompañará hasta la muerte.
En 1938 se estabiliza su relación con la editorial Einaudi. En 1940 termina El bello verano,con el que obtendrá en 1950 el Premio Strega, e inicia Feria de agosto. En 1941, publica De tu tierra.
Llamado a filas, se le dispensa por el asma que padece. Desde el 8 de septiembre de 1943 hasta la liberación de Italia se refugia en primer lugar en casa de su hermana, y luego en un colegio de Somascos en Casale Monferrato, sin contacto con los acontecimientos que sacuden Italia, mientras muchos de sus amigos entran en la Resistencia. Narra estas experiencias en La casa en la colina (que escribe entre 1947 y 1948). En esta obra se pone de manifiesto el conflicto entre su elección y la de sus amigos, muchos de los cuales murieron. Al terminar la guerra, sin embargo, quizá para compensar su anterior elección, Pavese entra en el Partido Comunista Italiano por sugerencia de una amiga.
El desengaño amoroso que sufre tras la ruptura de su relación sentimental con la actriz norteamericana Constance Dowling —a la que dedica sus últimos versos, Vendrá la muerte y tendrá tus ojos— sumado al trauma generado por el temprano fallecimiento de su padre cuando Pavese tenía seis años, la muerte de varios de sus amigos durante la Segunda Guerra Mundial y su malestar existencial lo llevan al suicidio el 26 de agosto de 1950, en Turín.
Nace Marco Antonio Campos "Viruta", actor y humorista mexicano (fallecido
en 1996).
Marco Antonio Campos «Viruta» o «Viruta» a secas (Ciudad
de México, 9 de septiembre de 1919 – ibídem, 19 de febrero de 1996) fue un
actor, comediante, cantante, músico, guionista y locutor mexicano. Inició su
vida artística formando parte de algunos tríos como: El Póker de la Armonía,
Trío Latino, Los Romanceros, Viruta y Chamula y uniéndose a Gaspar
Henaine «Capulina», en el año de 1952.
Nació en el barrio de Vallejo, de Ciudad de México, el 9 de
septiembre de 1919. Fue el primogénito de Luis Roberto Campos, militar y
capitán de artillería en la Revolución Mexicana, y Sara Contreras,
una adelita.
Mercedes Álvarez, la abuela materna de Marco Antonio, fue la que lo estimuló en
sus primeras manifestaciones artísticas, enseñándole a tocar el piano.
Capulina y sus años de fama
Una tarde en 1951, mientras comía en la cafetería de la XEW-AM, Marco
Antonio Campos fue abordado por Gaspar
Henaine, actor y comediantemexicano,
conocido por su nombre artístico de «Capulina». Henaine había tenido conflictos
con sus compañeros del trío Los Trincas, quienes lo habían abandonado en Nueva York.
Henaine le pidió a Campos que participara con él en el programa Cómicos y
canciones. En primera instancia, Campos no aceptó, debido a que igualmente él
había tenido un conflicto con su compañero José Domínguez Flores «Chamula»,
producto del alcoholismo de este último. Adicionalmente estaba cansado de ser
su patiño.
Sin embargo, ante la insistencia de Henaine, Campos aceptó la oferta.
Comenzaron juntos en el programa Capulina y Don Viruta,
en la radio. Gracias al éxito del programa,
el dúo entra en la televisión, y posteriormente fueron conocidos como «Viruta
y Capulina», y luego se integraron al programa Cómicos y canciones. Su
éxito arrasador en este programa los catapultó al cine
mexicano. Sus primeras películas como pareja fueron Se los chupó la
bruja y La sombra del otro, ambas de 1957. Como dúo, filmaron 25
películas con éxito similar.
Separación y rompimiento con Gaspar Henaine
Ambos actores mantuvieron una estrecha amistad en la vida
real durante su época como dúo. Sin embargo, en 1966, la relación de Campos con
Henaine empeoró debido a desacuerdos.
Durante un acto benéfico en Acolman, en
beneficio de niños desvalidos, Antonio Espino «Clavillazo», entregó una
donación de diez mil pesos. Cuando Henaine iba a entregar su donación, Campos
lo sentó y se levantó, diciendo: «pues nosotros, creo que con que nos vean en
la televisión están ayudados». Pero Henaine dijo: «¡qué buen chiste se echó mi
compadrito!», y también ellos dieron diez mil pesos, ante la ira de Campos.
Este incidente precipitó que Henaine propusiera el quiebre del dúo. Versiones
indican que Campos habría ofrecido actuar como representante de Henaine,
ofrecimiento que posteriormente fue ignorado por Campos. Este último incidente
representaría el quiebre definitivo del dúo, aunque en 1966 se reencontraron
para filmar sus dos últimas películas: Un par de robachicos y Dos
pintores pintorescos. Al decir de sus cercanos, «parecían los mismos, pero no
se hablaban fuera de escena». Luego de estas películas, Campos y Henaine nunca
volvieron a trabajar juntos.
Etapa en solitario
Luego del quiebre, Henaine continúo con una ascendente
carrera cinematográfica. Campos, en tanto, intentó continuar con su carrera en
solitario haciendo papeles secundarios en películas como Tráiganlos vivos
o muertos, Pistoleros bajo el sol, Debieron ahorcarlos antes, El
hijo de los pobres y El agente viajero, pero todos sus personajes
pasaron sin mayor éxito. Condujo también un programa infantil semanal
denominado "Cine Safaria" en el canal dos de televisión, donde se
transmitía alguna de sus películas.
Se cuenta que Henaine intentó de muchas formas reconciliarse
con Campos, incluso ofreciéndole roles en sus películas, a lo que este último
se negó permanentemente. Raúl
Velasco los quiso reunir en el programa Siempre en domingo para
hacerles un homenaje, a lo que Campos se negó insistentemente, indicando que no
quería volver a ver ni a hablarle a Henaine, ni aunque le ofrezcan todo el
dinero del mundo y el trofeo que les iban a dar.
Vida personal
Campos y su esposa María de los Ángeles Pérez Castro nunca
lograron tener hijos, debido a su delicado estado de salud. María de los
Ángeles estaba enferma de cáncer y falleció. Se dice que Henaine, y su esposa
María Elena Frías, asistieron al funeral sin embargo al llegar Henaine prefirió
esperar en el estacionamiento mientras su esposa entraba a la funeraria y
luego, durante el funeral, ella fue expulsada por Campos afirmando que ya no
eran bienvenidos.
Después de este episodio, Campos se volvió un hombre
hermético. Su madre lo acompaña en su soledad hasta que varios años después,
también fallece. Solo y enclaustrado, Campos enfrentaría el momento más
angustiante de su vida debido a que sufrió tres infartos. El cuarto lo llevaría
a su fallecimiento.
Enfermedad y muerte
Campos tenía una fuerte adicción al tabaco, en algunas
películas y series de televisión acostumbraba a fumarse un cigarrillo.
Mientras dormía en la habitación de su casa, solo y
encerrado, Campos sufrió un infarto al corazón. Trató de levantarse pero el
dolor lo tiró al piso; tampoco podía sentir sus piernas, así que se arrastró
por el piso y las escaleras hasta llegar al teléfono de la sala de su casa. Sin
aliento y poco antes de perder el sentido logró comunicarse con la telefonista
del 060 -emergencias- donde pidió que se le rescatara, hasta que llegaron los
servicios de la ambulancia a llevarlo al hospital. Días después Viruta fue
sometido a una cirugía a corazón abierto pero durante la intervención, cuando
le aplicaron la anestesia, falleció el 19 de febrero de 1996 a la edad de 76
años, víctima de un aneurisma en el corazón. Debido a infartos anteriores solo
le quedaba la mitad de su corazón.
Campos nunca se reconcilió con Gaspar Henaine
"Capulina", (su compañero de éxitos) quien no fue a su funeral. Su
inasistencia obedeció a una severa advertencia que Campos había hecho, el mismo
Henaine declaró que Campos había pedido a su familia que si él moría primero,
no se le permitiera la entrada a su velorio y si asistía, lo sacaran
inmediatamente «a patadas».
Los restos de Campos descansan en una gaveta Lote de la Asociación Nacional de Actores en
el Panteón Mausoleos del Ángel de Ciudad de México.
Nació en La Jolla, población cercana
a Los Ángeles,
y recibió el nombre Clifford Parker Robertson III. Sus padres tenían un rancho
y eran acomodados. Durante los años escolares, Robertson se apuntó a clases de
teatro porque era la forma de evitar tener que asistir a varias de las clases
en la escuela. No obstante, esta actividad le sirvió para desarrollar un
interés por la interpretación.
Durante la Segunda Guerra
Mundial fue llamado a filas y a su regreso del servicio militar
ingresó en la Universidad
Antioch del estado de Ohio.
Su primer trabajo fue como locutor de radio, pero pronto se orientó hacia el
teatro, lo cual hizo viajando durante dos años con una compañía ambulante.
Desde allí consiguió un papel en Broadway, donde debutó en 1952 en
una obra dirigida por Joshua Logan.
Al cabo de tres años, Logan le ofreció un papel secundario
en Picnic, película protagonizada por William Holden y Kim Novak que significó el comienzo de su
carrera cinematográfica. El mismo año ya obtuvo un papel principal en la
película Autumn Leaves,
estrenada en 1956, en la que actuó junto a Joan Crawford. Las críticas de su actuación
fueron positivas, lo que le permitió tener peso en la elección de sus
siguientes películas.
En 1963 protagonizó la película bélica PT 109, basada en las heroicas acciones
del entonces teniente John F. Kennedy en el Pacífico durante
la Segunda Guerra
Mundial que le valdrían la Medalla
de la Armada y del Cuerpo de Marines. Fue el propio presidente
Kennedy quien eligió personalmente a Robertson para interpretar su personaje.
Durante los años que siguieron Robertson siguió realizando películas que en
general fueron taquilleras. Se puso de manifiesto que este actor de cara seria
no sería una estrella del cine, pero sí un actor fiable, capaz de interpretar
personajes muy dispares.
En 1968 Robertson actuó en Charly,
adaptación de la novela Flores para Algernon,
en la que interpretó de forma magistral a una persona con retraso mental que es sometida a un
experimento científico, como consecuencia del cual su inteligencia se
desarrolla hasta niveles de genio. Por esta actuación obtuvo un Óscar al mejor actor principal y una
nominación al premio Globo de Oro. Desde
entonces intervino en numerosas películas, en papeles que a medida que se ha
hecho mayor han sido frecuentemente de carácter secundario, sin que ello
mermase el reconocimiento de la crítica y del público. También fue participando
en producciones para la televisión, medio en el que llegó a sentirse cómodo.
Su gusto musical por la música mexicana le fue trasmitido por su padre, Refugio Záizar, quien acostumbraba llevarle serenata a su esposa María del Refugio Torres Jiménez. Se trasladó a vivir con su madre a la Huasteca potosina cuando tenía ocho años de edad. Por influencia de su hermano Antonio, quien era sacerdote, estudió en el Seminario Guadalupano y formó parte del coro de la iglesia junto con su hermano David. David y Juan fueron escuchados por un productor de radio quien los invitó a la Ciudad de México.1
En la capital integraron el trío Tamazula y se presentaron en ocho programas de radio en la XERH gracias a la oportunidad brindada por Arsenio Tuero. Los hermanos David y Juan Záizar formaron con Daniel Terán y Refugio Calderón el cuarteto de Los Cantores del Bosque, el cual se presentó en la XEW. El locutor Pedro de Lille les brindó más oportunidades para continuar su carrera artística. Disuelto el cuarteto, Juan y David formaron el dúo de los Hermanos Záizar grabando su primer LP en 1951 para la RCA Victor. Con su hermano grabó sesenta discos y como solista veinte, tanto para la RCA como para Peerless. Juan inició su carrera como actor en el teatro de revista con Roberto Soto mediante las recomendaciones de Jorge Negrete.
Participó con su hermano en las películas Sangre en la barranca, Los cuatro Juanes, Ahí vienen los Argumedo y La escondida, esta última dirigida por Emilio el IndioFernández. En 1986 participó en la telenovela El precio de la fama y en 1990 en Mi pequeña Soledad. En 1970 fue vocal del Consejo Directivo de la Sociedad de Autores y Compositores de México.2
Además de los reconocimientos entregados por las disqueras, la Asociación Nacional de Actores lo galardonó con la Medalla “Virginia Fábregas”. En febrero de 1976, los hermanos Záizar fueron declarados hijos predilectos de Tamazula, y en octubre del mismo años se les rindió un homenaje en el parque Agua Azul de Guadalajara. Murió el 6 de febrero de 1991. En 2009, la Dirección General de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura de Jalisco inauguró un museo en su honor en Tamazula, el cual además de contar con otras salas que muestran la historia de la localidad, exhibe los trajes de charro de los hermanos Záizar, su discografía, fotos y una fonoteca.3
Entre algunas de sus composiciones se encuentran: “¡Qué padre es la vida!”, “La basurita”, “Cielo rojo”, “No tiene la culpa el indio”, “Las quejas de un cancionero”, “El cofrecito”, Marieta, “Dolor de mi dolor”, “Un mar de penas”, “Canción ranchera” y “Cruz de olvido”.
Fue cantante y actor en la segunda promoción de la compañía artística "Najal" del ejército israelí, cofundador de la compañía "Batzal Yarok" ("cebolla verde"), y luego trabajó en el teatro y en películas de su país, Israel. Su obra más famosa, con la que ganó un Globo de Oro y estuvo nominado al Oscar al mejor actor en 1971 por su papel de Tevye en "Fiddler on the roof" (en español El violinista en el tejado). Otras de sus más notables apariciones en cine fueron en Galileo (1975), en donde interpretó a Galileo Galilei, Flash Gordon (1980), en donde se le pudo ver como el doctor Hans Zarkov, ayudando a Flash Gordon a luchar contra el malvado Ming el despiadado, y For Your Eyes Only (1981), en donde interpretó el papel de Milos Columbo.
1936:
Nace Jerrold
Immel,compositor de música para la televisión
de los Estados Unidos.
Hijo de torero,1 estudió Historia y se licenció por
la Universidad
Complutense de Madrid en los años 70. Trabajó dando clases y traduciendo
del inglés. También ejerció como crítico literario y, en esa época, se interesó
por el cine, Fue entonces que escribió sus primeros guiones, que posteriormente
fueron llevados al cine.
Su reputación como guionista y las amistades que cultivó le
permitieron rodar la película Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto en
1995, que le valió dos Premios Goya: por el guion y la dirección. Después del
éxito de su primera película preparó el guion de Madrid Sur, un
filme de ciencia-ficción que no pudo ser rodado por falta de financiación.
Su último filme hasta la fecha es Solo quiero caminar,
estrenado en noviembre de 2008, que le ha valido una nueva nominación al Goya
como Mejor Director.
Es el presidente de la Asociación Autores Literarios de Medios
Audiovisuales (ALMA).
En 2012 publicó su primera novela, Simpatía por el
diablo, en la que hay referencias a su amigo, el escritor Javier Marías y, particularmente, a la
novela Los enamoramientos. Este libro, homenaje a los Rolling Stones y su mítica canción Sympathy for the
Devil, es «un thriller con tintes de novela negra de políticos corruptos,
banqueros insaciables y ciudadanos resistentes en la España actual, en el que
no falta por supuesto el mundo de los toros».1 Díaz Yanes es Duke of
Michelín del ficticio Reino de Redonda, que encabeza Marías con el
nombre de King Xavier I.
1951:
Nace Tom Wopat,actor y
cantante estadounidense.
Tom Wopat nació un 9 de Septiembre de 1951,
es un actor y cantante estadounidense.
Nacido en Lodi, Wisconsin, EUA.
Su debut en televisión fue en la serie dramática "One Life to Live.
Alcanzó la fama en 1979 como
Luke Duke en la serie de televisión The Dukes of Hazzard,
junto con John Schneider. También
interpretó a Jeff, uno de los ex maridos de Cybill Shepherd en la serie de televisión
Cybill.
También se embarcó en una carrera musical. Ha grabado ocho
discos. Musicalmente se alterna entre el rock and roll y estilos de la música
country, aunque sus dos últimos discos han sido de pop clásico.
En 1971, Dave Stewart se aseguró un contrato para grabar un
álbum como parte de la banda de folk rockLongdancer, pero no tuvieron éxito
comercial. A mediados de los años 1970 formó
parte de la banda de rock
progresivo Childs justo cuando el mercado para ese género se acababa.
Entonces Stewart pasó varios años viviendo en casas abandonadas en Londres.
Literatura promocional lanzada en 2006 declara que Stewart
perteneció a un grupo llamado Platinum Weird desde 1973
hasta 1974. El grupo fue formado realmente en 2004 y la historia de los años
1970 fue admitida como "80% verdadera" por Stewart.
A finales de 1976 fue presentado a Annie
Lennox por un amigo mutuo. En poco tiempo, Stewart y Lennox se
volvieron amantes. Para 1977, la pareja había trabajado junto al músico Peet
Coombes (también originario de Sunderland), lanzando un sencillo con Logo
Records como The Catch. Esta
agrupación se convirtió en The
Tourists, la cual disfrutó de un éxito moderado, incluyendo un cover que fue
bien aceptado de la canción de Dusty
Springfield "I Only Want To Be With You".
Tanto The Tourists como el romance entre Stewart y Lennox
terminaron en 1980. En este punto, Stewart comenzó un nuevo proyecto musical
junto a Lennox, Eurythmics. La agrupación fue uno de los dúos más
consistentes de pop-rock de los años 1980.
El grupo se separó luego del lanzamiento del disco We
Too Are One y la gira que le siguió en 1990. El dúo se reunió en 1999
para grabar el álbum Peace y
realizar una gira mundial. La última vez que Lennox y Stewart trabajaron juntos
fue en dos canciones que aparecieron en el álbum recopilatorio de 2005 Ultimate
Collection
Después de Eurythmics
Cuando Eurythmics se disolvió en 1990, Stewart lanzó un
álbum como solista junto a los Spiritual
Cowboys. A través de los años 1990, Stewart lanzó varios álbumes,
incluyendo el aclamado Greetings from the Gutter de 1994. También
escribió la autobiografía "ficticia" Sly-Fi en 1999. Cuando
su esposa de aquel entonces, Siobhan Fahey, se separó de Bananarama y
formó Shakespears Sister, Stewart coescribió algunas
de las canciones del álbum Hormonally Yours, incluyendo el
mayor éxito internacional de la agrupación, "Stay",
bajo el seudónimo Manu Guiot.
Stewart continuó trabajando en una variedad de proyectos y,
en 2004, se mudó a los Estados
Unidos para concentrarse en su trabajo de bandas sonoras. En 2007,
anunció en su página de MySpace que estaría realizando conciertos que mostrarían
el trabajo de toda su carrera. De acuerdo al anuncio, estaría acompañado por
varios músicos invitados así como por una orquesta.
Stewart ha declarado que por primera vez en muchos años ha estado escribiendo
canciones en su guitarra, a pesar de que no tiene planes para un nuevo álbum
como solista.
El proyecto más reciente de Stewart fue la coproducción del
álbum de Ringo StarrLiverpool
8. Stewart se vio envuelto en el proyecto luego de que el productor
original, Mark Hudson, se enemistará con Ringo. Debido a que
Hudson había producido algunas canciones antes de la llegada de Stewart, ambos
fueron acreditados como coproductores del álbum. Liverpool 8 fue
lanzado en enero de 2008.
Eric Serra nació el 9 de septiembre de 1959. Su padre, Claude, era un famoso escritor de canciones francesas en los años 1950 y años 1960 y como tal expuso a Eric al mundo de la música a temprana edad. Su madre murió cuando solo tenía siete años de edad. Al inicio de los años 1980 conoció al director Luc Besson el cual le pidió que compusiera la música de su primera película "L'Avant dernier". Desde entonces Serra ha musicalizado cada una de las películas de Besson incluyendo aquellas con guiones suyos como Wasabi.
En 1995, fue elegido como el compositor de la película GoldenEye, la primera cinta de Pierce Brosnan como James Bond. Su partitura fue fuertemente criticada por la utilización de música y sonidos electrónicos ajenos al lenguaje musical de las películas del agente 007.
Grant ha recibido un Globo de oro, un BAFTA y
un Premio César honorífico. En sus películas ha
recaudado más de 2400 millones de dólares de 25 estrenos cinematográficos de
todo el mundo.3
Logró su éxito internacional después de protagonizar la película Cuatro bodas y un funeral (1994).4
En la década de 1990, fue un actor cinematográfico destacable, frecuente en
películas con actuaciones galanes y cómicas5
como Mickey ojos azules (1999) y Notting Hill (1999). Con la
llegada del siglo XXI, Hugh se había establecido como un actor hábil en el
talento cómico satírico, pero dio un giro a su interpretación y comenzó a
interpretar roles de canalla y mujeriego, un giro
aclamado por la crítica, como en las películas El diario de Bridget Jones (2001), Un niño grande(2002), y American Dreamz (2006).6
Más tarde interpretó otros roles como en la película de drama de
ciencia-ficción El atlas de las nubes (2012).
Dentro de la industria del cine, Grant se cita como «una
anti-estrella» que se acerca a sus papeles como un actor de carácter, y los
intentos de hacer que su actuación parezca espontánea. Sus señas de identidad
son sus habilidades cómicas con un toque de ironía indiferente, sarcasmo y
gestos físicos estudiados, así como su entrega al diálogo, precisamente,
oportuna y llena de expresiones faciales.7
La cobertura de la prensa rosa de la vida de Grant fuera de la
gran pantalla a menudo ha eclipsado su trabajo como actor. A lo que él ha sido
muy franco acerca de su falta de respeto por la profesión de la actuación, y en
su desprecio hacia la cultura de la celebridad y la hostilidad hacia los medios
de comunicación.8910
En una carrera que abarca 30 años, Grant ha afirmado repetidamente que «actuar
no es una verdadera vocación, solo un trabajo que se me da bien».11
Hugh es dueño de una productora de cine llamada Simian
Films.
1963:
Nace Amaury Gutiérrez,
cantante y compositor cubano.
Amaury Gutiérrez es un cantautor y compositor cubano nacido
el 9 de septiembre de 1963. Cuando se
encontraba cursando la secundaria decidió dedicarse a la música y su
oportunidad llegó al responder a una convocatoria de la Escuela de Instructores
de Arte, institución donde obtuvo una beca.
En sus composiciones, Amaury Gutiérrez pone énfasis especial
en el aspecto vocal, no sólo por su pasado académico, sino por el particular
sentimiento que le imprime a sus interpretaciones. Sus influencias como
compositor y cantante son múltiples y provienen de fuentes tan diversas
como Pablo Milanés, Djavan, Caetano
Veloso, Rubén Blades, Andy
Montañez, Stevie Wonder, Al Jarreau, Soraya, e
incluso Paul McCartney. En el proceso creativo de la
composición, Amaury confiesa que posee más facilidad para componer la música
primero y después desarrollar el texto, teniendo como instrumento principal, su
inseparable compañera: la guitarra.
Amaury Gutiérrez define su estilo como “Pop Cubano”, una
mezcla de diversos géneros musicales que incluyen la antigua y la Nueva Trova,
algunos giros de música contemporánea y el sentimiento autoral de la época
dorada del bolero, e incluso, de la música y la lírica mexicana.
Su primer álbum Amaury Gutiérrez (1999) fue nominado
al Grammy Latino y vendió más de 600 mil copias. Él
recibió el premio de artista de brecha del año por Premio Onda en España en 2000. En el 2009
Amaury Gutierrez celebro con un espectacular concierto su 20th Aniversario de
carrera artística con una producción de Jossel Calveiro, Reinaldo
"Pachy" Lopez y Fernando "Teo" Calveiro, donde se le
unieron invitados como Luis Enrique, Gema corredera entre Otros.
Nacido en el seno de una familia judía de origen ruso y fue
criado en Manchester (Nuevo Hampshire), Sandler
tuvo el primer encuentro con la comedia a los 12 años, con una actuación
espontánea en el club Basthon. Desde entonces actuó con regularidad en
clubs de comedia por todo el estado mientras obtenía el título de Bellas Artes
por la Universidad de Nueva York.
Durante su carrera, Adam Sandler se ha involucrado en todos
los aspectos de la producción de películas. Colaboró en los guiones de Little
Nicky, Billy Madison, Un
papá genial y El
chico ideal, entre otros. También trabajó como productor ejecutivo en
diferentes rodajes.
Sandler pasa tiempo en su estudio de grabación, durante sus
descansos en su ocupada agenda de rodaje. Varios de sus álbumes de comedia para
Warner Bros Records han sido multiplatino. Hace varios años, Sandler lanzó una
página web en la que va incluyendo minipelículas protagonizadas por él mismo,
el equipo de "Happy Madison Productions", y su perro Meatball, todos
ellos en su rutina diaria
Vanity Fair publicó la lista de
los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de
2010. Sandler fue clasificado número 7 en la lista, ganó unos $50 millones
estimados por sus películas.
La serie se situó en 1968. El gobierno de los Estados Unidos
maneja un proyecto secreto denominado Tic-Toc que consiste en construir una
máquina del tiempo. La máquina, una especie de corredor de forma cilíndrica
llamado túnel del tiempo, se encuentra en un complejo subterráneo en Arizona. El
proyecto está bajo el mando del general Heywood Kirk (Whit Bissell). La operación del
túnel está a cargo de dos científicos: la doctora Ann McGregor (Lee
Meriwether) y el doctor Raymond Swain (John Zaremba).
A medida que el costo del proyecto aumenta, el senador Leroy
Clark (Gary
Merrill) lanza una investigación del proyecto. Clark cree que el túnel
requiere mucho dinero y da pocos beneficios. Luego de hacer un recorrido por el
complejo, el senador anuncia que desea cerrar el proyecto.
El doctor Tony Newman (James
Darren), un joven científico del proyecto, enciende el túnel sin que nadie
lo observe y viaja a través del tiempo, para probar que el túnel funciona.
Llega a la cubierta del RMS Titanic en la tarde del 14 de
abril de 1912.
Posteriormente, el personal de control del túnel se da cuenta de que éste está
activado y que el doctor Newman se encuentra a bordo del Titanic. Como no
pueden traer a Newman al presente, el doctor Douglas Phillips (Robert
Colbert), amigo del doctor Newman, se ofrece a ser trasladado por el túnel
al Titanic. Phillips lleva consigo un periódico de fecha 16 de abril de 1912
(un día después del naufragio del Titanic) para convencer al capitán de que
cambie el rumbo y así evitar que el Titanic colisione con un iceberg.
Phillips se encuentra con Newman. Luego, ambos le comentan al capitán lo que pasará
y le muestran el periódico como prueba. El capitán no les cree, tira el
periódico y los manda arrestar. Phillips y Newman escapan, pero no logran
impedir que suceda la catástrofe. En los instantes previos al hundimiento, el
túnel del tiempo los saca de allí.
Como el túnel está todavía en fase de prueba y no está
preparado para transportar objetos más complejos que simples materiales, la
máquina no puede hacer que los dos hombres vuelvan a casa. Durante toda la
serie, Tony Newman y Douglas Phillips viajan por distintas épocas de la
humanidad, mientras son vigilados por el grupo de científicos del túnel. Ellos
pueden ver lo que le ocurre a los dos viajeros, por medio de una gran pantalla
de rayos catódicos, e intentan ayudarlos en las
situaciones de peligro.
Reparto
Fuente: imdb.com.
James Darren como el doctor Anthony
"Tony" Newman.
Estudió en el East Central High School y en
el Blinn College. Debutó en 1981 en el filme Raggedy man, de Jack Fisk y participó en la
película The Steeler and the Pittsburgh Kid (1981). Al año siguiente
fue elegido para el film E.T., el extraterrestre, actuando el rol de un
niño que hace amistad con un extraterrestre. El film resultó un éxito de
taquilla y promocionó su carrera.
De regreso en San Antonio, participó en una serie de comerciales para televisión, mientras
seguía sus estudios en el colegio. En los años siguientes de la década de
1980 actuó en las películas Misunderstood (1984), Cloak
& Dagger (1984), Frog Dreaming(1986), Murder One (1988)
y Valmont (1989), de Miloš
Forman.
En la década de 1990, ya adolescente, participó en las
películas para televisión Psicosis IV - El comienzo (1990) donde
interpreta el papel como Norman Bates joven, A Taste for
Killing (1992), Beyond Obsession (1994), Indictment: The
McMartin Trial (1995), que le valió una nominación al premio Globo de
Oro, Riders of the Purple Sage (1996), Moby Dick (1998)
y Happy Face Murders (1999).
Para la pantalla grande actuó en Fuego
en el cielo (1993), Curse of the Starving
Class (1994), Leyendas de pasión (1994), Bombshell (1996), Hijacking
Hollywood (1997), Niagara, Niagara (1997), Suicide
Kings (1997), Moby Dick (1998)
y Fever (1999).
En la década de
2000 participó en A Good Baby (2000), All the Pretty Horses (2000), The
Quickie (2001), Dead in the Water (2002), I'm with
Lucy (2002), Gangs of New York(2002), I Capture the Castle (2003), Briar
Patch (2003), 11:14 (2003), Honey
Baby (2003), Dead Birds (2004), The Hard
Easy (2005), Desperation (2006) (película para TV), The
Last Sin (2007), Paranormal Activity (2007), Suffering
Man's Charity (2007) y Red Velvet (2009).
También participó en dos series de televisión, Masters
of Horror (2005) y Without a Trace (2007-2008).
Michael Steven Bublé (Burnaby, Canadá, 9 de septiembre de 1975),
es un cantante y actor canadiense.
Ha ganado diversos premios, incluyendo cuatro Grammy y varios Juno Awards. Los logros
obtenidos alcanzaron modestas posiciones en las listas de los Estados Unidos, pero su álbum homónimo estuvo entre
los diez primeros del Líbano, del Reino Unido y en su propio país. Pero no fue
hasta 2005 en donde se convirtió en todo un éxito
comercial en los Estados Unidos con su álbum It's time,
del que vendió 8 millones de copias. Está casado con la actriz y cantante
argentina Luisana Lopilato.
Michael también ha aparecido en la serie Rove en cuatro
ocasiones.
Michael
Steven Buble nació en Burnaby, Columbia Británica en Canadá, hijo de Lewis
Bublé, un pescador de salmón.1 Bublé tiene ascendencia italiana y franco-canadiense. Tiene dos hermanas menores,2 Cyrstal (una actriz) y Brandee.3 Asistió a Seaforth Elementary School y Cariboo Hill Secondary School.4 De acuerdo con una entrevista de Oprah el
9 de octubre de 2009, Bublé soñó con convertirse en un cantante famoso desde
los dos años. Cuando era adolescente, dormía con su Biblia y rezaba para
convertirse en cantante.56 El interés de Bublé por la música jazz
comenzó alrededor de los cinco años cuando su familia tocaba el álbum White
Christmas por Bing Crosby en los tiempos de Navidad.789 La primera vez que su familia notó su
talento musical fue en Navidad cuando Bublé tenía trece años, y lo escucharon
cantar la frase "May your days be merry and bright" (en español
"Que tus días sean felices y brillantes") cuando la familia estaba
cantando la canción "White Christmas" en el auto.10
Bublé tenía
una fuerte pasión por el hockey sobre hielo y
quería convertirse en un jugador profesional de hockey para Vancouver Canucks, pero creyó que no era bueno para
ello.11 En 2010, con conciertos logró una tasa de
$65 millones en todo el mundo,121314 diciendo "Quería ser jugador de
hockey. Sí fuera bueno jugando al hockey, probablemente no estaría cantando
ahora." Bublé a menudo jugaba hockey en su juventud,15 miraba los juegos de Vancouver Canucks con
su padre,16 y dijo que él "iba a cualquier juego
en casa de niño... Recuerdo que quería ser Gary Lupul, quería ser Patrik
Sundstrom e Ivan Hlinka. Solía pensar que ser nombrado Michael Bublé era genial
porque era cercano a llamarse Jiri Bubla."17 Bublé también compartía su interés por el
hockey con su abuelo.18
Desde los
catorce a los veinte años, Michael pasó sus veranos trabajando como pescador
comercial con su padre y compañeros de tripulación.1920 Bublé describió su experiencia de trabajo
como "El trabajo físico más mortal que sabré en mi vida. Nos íbamos por
dos, a veces tres meses y la experiencia de vivir y trabajar entre hombres del
doble de mi edad me enseñó muchas responsabilidades y lo que significa ser un
hombre."
Sus primeros
compromisos como cantante eran en clubes nocturnos a los 16 años y eran
facilitados por su abuelo italiano Demetrio Santagà, un plomero oriundo de una
pequeña ciudad de Preganziol,
cerca de 20 kilómetros de Venecia, que
ofrecía sus servicios de plomero a cambio de tiempo en escenario para su nieto.
El abuelo de Bublé también pagaba por sus clases de canto. Uno de sus
instructores vocales era Joseph Shore, el barítono de la ópera. Bublé creció
escuchando la colección de jazz de su abuelo y acredita a su abuelo por
animarlo a la música jazz. "Mi abuelo realmente era mi mejor amigo. Fue el
único que me abrió un mundo entero de música que parecía haber pasado en mi
generación. Aunque me gusta la música rock 'n' roll y moderna, la primera vez
que mi abuelo puso Mills Brothers,
algo mágico sucedió. La letra era tan romántica, tan real, la forma en que una
canción debería ser por mí. Era como ver un flash de mi futuro
ante mí. Quería ser cantante y sabía que esta sería la música que quería
cantar."21 Bublé nunca paró de creer que se
convertiría en una estrella, pero admitió que él probablemente sería el único
que creía en su sueño, diciendo que incluso su abuelo materno pensó que Bublé
sería "un acto de apertura para alguien en Las Vegas".22 La abuela materna de Bublé, Iolanda Moscone,2324 también era italiana, de Carrufo, Villa
Santa Lucia degli Abruzzi, Italia.25 Bublé ha dicho que nunca aprendió a leer o
escribir música, utilizando solo la emoción para llevar su habilidad como
compositor.2627
A los 18
años, Bublé entró en un concurso de talentos locales y ganó. Pero después de
ganar, fue descalificado por la organizadora Beverly Delich porque era menor de
edad. Después de eso, Delich inscribió a Bublé en el Canadian Youth Talent
Search, y ganó. Seguido a esa victoria, Bublé le pidió a Delich que sea su
mánager. Delich aceptó y representó a Bublé por los siguientes siete años no
tan fructíferos. De acuerdo a Delich, Bublé haría cada concierto imaginable,
incluyendo concursos de talento, convenciones, cruceros, centros comerciales,
salones de hoteles, bares, clubes, conciertos, revistas musicales, e incluso
cantos ocasionales de Santa Claus.2829
En 1996,
Bublé apareció en Death Game (también conocido como Mortal
Challenge) como Drome Groupie. También en 1996, apareció (sin créditos) en
dos episodios de The X-Files como
marinero de submarino.30
Su primera
actuación en televisión nacional fue en 1997, en el documental Bravo! titulado Big
Band Boom!, dirigido por Mark Glover Masterson.
A comienzos
de 1997, Bublé se convirtió en un invitado frecuente en el programa de Vicki
Gabereau en CTV. Durante su
primera temporada el programa salía en vivo, lo que trabajó a favor de Bublé.
Cuando un invitado regular se vio obligado a cancelar, el productor musical del
programa (Mark Fuller) a menudo le pedía a Bublé que apareciera a último
momento. En una ocasión, Bublé compartió el escenario con Diana Krall, que estaba nominada a un Grammy por
jazz. De acuerdo a Fuller, Krall estuvo impresionada con la actuación de Bublé.
Las apariciones de Gabereau le permitieron a Bublé a tener gran exposición,
pero también ayudaron al cantante a perfeccionar sus habilidades en televisión
como cantante y como invitado en entrevistas. En una muestra de agradecimiento
mutuo, Bublé apareció en el final del programa de Gabereau en 2005, junto a
Jann Arden y Elvis Costello.
Bublé recibió
dos nominaciones al Premio Genie en 2000 por dos canciones que escribió para la
película Here's to Life!("I've
Never Been In Love Before", "Dumb ol' Heart").31 Grabó tres álbumes independientes (First Dance, Babalu, Dream).32 Pero a los 25 años de edad Bublé se mudó de Columbia Británica
a Toronto, Ontario y estaba listo para renunciar el sueño
de músico profesional para mudarse a Vancouver, Columbia Británica, para
perseguir una carrera en periodismo cuando llegó un golpe de suerte en 2000.33
En 2000, la
carrera de Bublé llegó a una cadena de acontecimientos sorprendentes. Un
ayudante del ex-ministro Brian Mulroney, Michael McSweeney, vio la actuación
de Bublé en una fiesta de negocios, y recibió una copia del álbum independiente
de Bublé. McSweeney mostró el álbum a Mulroney y a su esposa y Bublé fue
invitado a cantar en la boda de la hija de Mulroney, Caroline, donde cantó
"Mack the Knife"
de Kurt Weill. En la boda, Bublé fue presentado a David
Foster, un productor ganador de premios Grammy quien había trabajado
previamente con artistas como Madonna, Whitney Houston, Michael Jackson, Céline Dion, Barbra Streisand, Kenny G., Cher, Josh Groban, y Andrea Bocelli.1034
Inicialmente,
Foster se mostró reacio a firmar con Bublé a su sello 143 Records porque él "no sabía cómo
comerciar este tipo de música." Bublé se mudó a Los Ángeles durante un breve período, con su
agente, para convencer a Foster a que lo aceptara. Eventualmente, Foster aceptó
en producir un álbum para él sí recaudaba $500,000 para cubrir los costos de la
producción, y Bublé lo hizo. Foster terminó cubriendo los costos de producción
al final bajo su sello, sin garantías de apoyo de Warner Brothers, y después que Bublé recibiera el
sello personal de aprobación y apoyo del amigo de Foster, Paul Anka. Después que David Foster se puso de
acuerdo con producir el álbum debut de Bublé, Bruce Allen, quien Bublé había
perseguido durante años para que sea su mánager, también firmó a Bublé.3536
Bublé hizo
algunas actuaciones en este período; en 2000, como un cantante de karaoke
en Duets junto a Gwyneth Paltrow y Huey Lewis, y en 2001, como Van Martin (un
propietario de club), en Totally Blonde.
El segundo álbum de estudio de
Bublé, It's Time,
fue lanzado el 15 de febrero de 2005, de nuevo por 143/Reprise Records. El
álbum incluía canciones como "You Don't Know Me", "Feeling Good", "Can't Buy Me Love",
"Save the Last Dance for Me", "Song for You", y
"Quando, Quando, Quando" (un dueto con la cantante canadiense
pop Nelly Furtado).
También incluía una canción original, "Home",
co-escrita por Bublé, su director musical Alan Chang, y Amy Foster-Gilles (la
hija de David Foster).
El álbum alcanzó el número 1 en
Canadá, Italia, Japón, y la lista Billboard Top Jazz, número 2 en
Australia, y número 7 en Billboard 200. Además llegó al top 10
de Reino Unido, Suiza, Noruega, Austrai, y
Suecia. El álbum pasó 104 semanas en Billboard Top Jazz Charts,
incluyendo un récord de 78 semanas en el puesto número 1.43 It's Time estuvo
en Billboard Top Jazz Album en 2005 y 2006. El primer
sencillo, "Feeling Good", tuvo un poco de éxito comercial. Sin
embargo, el segundo sencillo del álbum, "Home" llegó al puesto 1
en Billboard Adult Contemporary Tracks y 72 en Billboard Hot 100. El tercer sencillo,
"Save the Last Dance for Me", llegó al número 5 de Billboard
AC Track Chart y 99 en Billboard Hot 100.44
En 2005, también apareció en un
comercial para la línea Starbucks Frappucino, cantando su sencillo "Come
Fly with Me". El sencillo apareció como bonus track en la edición de
Starbucks de It's Time.45
Bublé ganó cuatro Premios Juno en 2006 por Álbum Pop del
Año - It's Time, Sencillo del Año - "Home", Álbum del Año
- It's Time, Artista del Año, y estuvo nominado para el Premio Juno
Fan Choice, pero perdió con la banda canadiense punk rock Simple Plan.46 Estuvo nominado dos veces para un
Grammy en la categoría Mejor Álbum Tradicional de Pop en 2006 (It's Time)
y 2007 (Caught in the Act), pero perdió, en ambos casos, con Tony Bennett. En 2007, Bublé recibió una
nominación para un premio Juno, por elección de los admiradores, pero perdió
contra Nelly Furtado.47
En el plano ideológico, Mao asumió los planteamientos
del marxismo-leninismo pero
con matices propios basados en las características de la sociedad china, muy
diferente de la europea. En particular, el comunismo de
Mao otorga un papel central a la clase campesina como motor de la revolución,
planteamiento que difiere de la visión tradicional marxista-leninista de
la Unión Soviética, que veía a los campesinos como una
clase con escasa capacidad de movilización y adjudicaba a los trabajadores
urbanos el papel central en la lucha de clases.
La etapa de gobierno de Mao estuvo caracterizada por intensas
campañas de reafirmación ideológica, que provocarían grandes conmociones
sociales y políticas en China, como el Gran Salto Adelante y especialmente
la Revolución Cultural, momento en el que su poder
alcanzó las cotas máximas al desarrollarse un intenso culto a la personalidad en torno a su
figura. Aún hoy en día, el papel histórico de Mao está rodeado de una gran
controversia. Años después de su muerte, en 1981, el Partido Comunista de China publicó
un análisis oficial sobre la responsabilidad de Mao en los problemas sociales y
económicos derivados de sus políticas, en el que se le achacaban errores
graves, aun cuando se reconocía su papel como gran líder revolucionario y
artífice de la subida al poder del Partido Comunista. Desde entonces, el
Partido Comunista de China ha mantenido esta valoración histórica de Mao como
un gran líder, fuente de legitimidad del propio partido, que sin embargo habría
cometido algunos errores graves. Fuera de la República Popular, las valoraciones de Mao han
variado desde la visión amable que lo mostraba como un líder popular hasta la
percepción de su etapa en el poder como un ejemplo de autoritarismo tiránico y
brutal. La mayor discrepancia entre estas visiones contrapuestas de la figura
de Mao se refiere a cuál habría sido su nivel de responsabilidad en el fracaso
de muchas de las políticas radicales que se adoptaron durante su liderazgo, así
como a las cifras de muertos como consecuencia, directa o indirecta, de esas
campañas políticas. Los más alcistas hablan de más de 70 000 000,
mientras que los más bajistas los cifran en 10 000 000. Por
otro lado entre 1949 y 1975 la esperanza de vida aumentó: de 44 a 65. A
comienzos de los años 1970, Shanghái tenía
una tasa de mortalidad infantil menor que Nueva York.
La tasa de alfabetización subió del 15 % en 1949 al 80 % a mediados
de los años 1970. Entre 1949 y 1976 China, el «enfermo de Asia», se transformó
en una potencia industrial importante, con una tasa de desarrollo igualada
solamente por los grandes auges de crecimiento de la historia.
Antes de dedicarse a la interpretación jugaba como portero en la selección venezolana.1 Ha participado en telenovelas producidas por distintos países, como México, Colombia, Venezuela, Estados Unidos y España. Su comienzo en las telenovelas fue en 1997, cuando participó en la telenovela venezolanaA todo corazón. Estuvo dos años inactivo, debido a una parálisis facial, hasta que en 1999, grabó la telenovela Enamorada.
Pasión de Gavilanes fue la novela que le catapultó a la fama mundial, gracias a su personaje Óscar Reyes, un ambicioso y guapo joven que al intentar vengar junto a sus hermanos la muerte de su hermana pequeña, cae enamorado de una de sus mayores enemigas.
En La mujer en el espejo volvió a compartir escenas de amor con la que fue su compañera en Pasión de Gavilanes, Paola Rey. Esta vez, el personaje que interpreta es Marcos Mutti, un ingeniero químico mujeriego que cae rendido a los pies de su nueva compañera de trabajo, Maritza Ferrer, una chica que guarda muchos secretos.
Estas dos novelas le permitieron ser muy conocido, sobre todo en España, donde a raíz de ambas le surgieron varias oportunidades de trabajo.
A finales de 2006 participó en la cuarta edición del programa español Mira quien baila en TVE, donde mostró sus dotes para el baile, ganando la mayoría de las galas y quedando finalmente en segunda posición, por detrás de la gimnasta Estela Giménez.
Entre febrero de 2007 y abril de 2008 grabó en Colombia una telenovela llamada La marca del Deseo para el canal Telefutura. Su personaje se llamaba Luis Eduardo Santibáñez, un arquitecto preocupado por la naturaleza que se enamora de una muchacha que luego resulta ser su hermana.
En mayo de 2008, comenzó a grabar capítulos para la segunda temporada de Tiempo final, emitida por FOX. En 2011 actuó como antagonista en la telenovela colombiana La Teacher de inglés del Canal Caracol.
Los otros hermanos Warner eran Harry
Warner (1881–1958), Albert
Warner (1883–1967), y Sam Warner (1887–1927),
miembros de una familia judía de lengua yidis,
originaria de Krasnosielc, Polonia. Un zapatero llamado Benjamin Warner
(probablemente Varna), se había casado con Pearl Leah Eichelbaum en 1876. La
pareja tuvo tres hijos, uno de los cuales murió con 4 años de edad. Buscando un
mejor futuro para su familia, en 1883 Benjamin viajó a Hamburgo, Alemania, y después embarcó a América. Sus dos
hijos supervivientes, Hirsch (posteriormente Harry) y Anna, y su esposa se
unieron a él en Baltimore (Maryland,
Estados Unidos), antes de pasado un año. El resto de los hermanos Warner (junto
con dos hermanas) nacieron en Estados Unidos, exceptuando a Jacob (más tarde
llamado Jack), quien nació en London (provincia de Ontario, en Canadá).
Tras dos años difíciles en Canadá, Benjamin Warner y su familia
se trasladaron a Baltimore. En 1896, la
familia se instaló en Youngstown (estado de Ohio),
siguiendo a Harry Warner, que estableció un comercio de zapatos en el corazón
de la ciudad. Jack Warner, que pasó buena parte de su juventud en Youngstown,
indicó en su autobiografía que sus experiencias allí ayudaron a formar su
carácter:
J. Edgar Hoover me
dijo que Youngstown en aquellos días era una de las ciudades más duras de Estados
Unidos, y un lugar de reunión de mafiosos sicilianos. Había uno o dos
asesinatos cada sábado por la noche en nuestro vecindario, y los cuchillos y
los nudillos de metal eran un equipo estándar en los jóvenes merodeadores.
En 1910, los hermanos Warner reunieron sus recursos y se
dedicaron a formar una productora cinematográfica. Cuando la Warner Bros se
formó en 1918, Jack fue el jefe de producción junto a su hermano mayor Sam. Sam
falleció en 1927 (justo antes del estreno del primer film sonoro, El cantante de jazz)
(la primera película de la compañía), y Jack quedó solo al mando de la
producción. Dirigió el estudio Warner de Burbank, California con mano de hierro.
En 1956, Jack, Harry y Albert anunciaron la venta de Warner
Bros. Jack trató en secreto con un sindicato, que pasó a controlar la compañía.
Cuando Harry y Albert conocieron los tratos de su hermano, ya era tarde. Aunque
los hermanos habían tenido muchas discrepancias a lo largo de las décadas
pasadas, este último suceso supuso la ruptura con Jack, con el cual no
volvieron a hablar.
El comediante Jack Benny, que había trabajado para la Warner
Brothers, bromeaba acerca de que "Jack Warner haría un mal chiste antes
que una buena película".
(París, 1901 - 1981) Psiquiatra, filósofo y psicoanalista
francés. Basó su obra en una revisión de las teorías de Freud y fue
una de las figuras más importantes del estructuralismo francés contemporáneo.
Como teórico y médico suscitó casi siempre adhesiones y rechazos radicales. Su
relación con el movimiento freudiano contrastaba con sus fuertes tensiones con
la IPA, la Asociación Psicoanalítica Internacional (su estilo didáctico y la
brevedad de sus sesiones desencadenaron un rechazo que tiene raíces más
profundas), y con el progresivo distanciamiento de sus colegas franceses a lo
largo de una serie de escisiones.
En 1964 fundó
la École Française de Psychanalyse (más tarde École Freudienne de Paris). En los años sesenta y setenta, el
"lacanismo" consiguió una amplia aceptación incluso fuera de Francia,
sobre todo en América del Sur y en Italia, y promovió una vasta actividad
interdisciplinar de desigual nivel, que aumentó su notoriedad. En enero de
1980, después de la publicación de L'Effet 'Yau de Poêle(1979), donde el
filósofo y crítico F. George describe su experiencia "lacaniana" y,
con un estilo brillante y sin medias tintas, trata a Lacan de "charlatán",
éste disolvió la École. Acusado de autoritarismo por sus seguidores, un mes más
tarde fundó una nueva asociación, La Cause Freudienne.
Después de De la psychose paranoïque dans ses rapports
avec la personnalité(1932), Lacan desarrolló su complejo pensamiento en los ensayos
reunidos en los Escritos (Écrits, 1966) y, entre otras obras,
en Le Stade du miroir (1937), Les formations de
l'inconscient (1956-1957), El seminario: Los cuatro conceptos
fundamentales del psicoanálisis (Les quatre concepts fondamentaux de la
psycanalyse, 1973), El seminario: aún y El seminario: Las
psicosis.
A pesar de proclamar un "retorno a Freud",
desarrolló un pensamiento personal y heterodoxo. Autor elíptico y de difícil
interpretación, situó en el centro de su sistema una lingüística estructural,
relacionada con Jakobson y Saussure.
Pero para Lacan no es el subconsciente el que determina el lenguaje, sino al
contrario. Es fundamental el significado del símbolo fálico que estructura la
propia función simbólica. En Die Bedeutung des Phallus (1958),
aparecido en los Escritos, se ocupa de la autoridad paterna, la
prohibición y el falo como objeto del deseo materno, deseo que nace de la
carencia.
Lacan parece sostener que no se puede dar una respuesta a la
carencia del Otro: la aceptación de este hecho constituiría la madurez del
individuo. Gran parte del psicoanálisis no
está de acuerdo con este planteamiento. Algunas actitudes autoritarias y
sacerdotales de Lacan, su estilo a veces ambiguo y su visión nihilista del
mundo han sido objeto de estudio junto con su obra.
Una vez calmadas las polémicas, Lacan ha sido reconsiderado:
F. Fornari muestra cómo no acepta el inconsciente freudiano, sino que investiga
el preconsciente; mientras, J. A. Miller seleccionaba de su producción lo que
es heurística y clínicamente válido. Sin embargo, el "caso Lacan"
puede considerarse también como un síntoma del descontento de la institución
psicoanalítica, de los nudos no resueltos de su estructura corporativa, de su
tendencia a negar y difundir las incongruencias. Lacan intuyó estos fenómenos,
aunque confundidos con su propia conflictividad, y los interpretó
dramáticamente, sin poder, por otra parte, dar una respuesta que fuera más allá
de una protesta elaborada y atractiva.
Nació en Salerno, en una familia de la burguesía intelectual
salernitana, se doctoró en filosofía en Nápoles en
1922.
Fue profesor de historia y filosofía del Liceo Umberto I
de Nápoles hasta
el año 1927, y luego en el Istituto di Magistero Suor Orsola Benincasa hasta
1936. En ese periodo colaboró también con la revista Logos.
En 1972 se trasladó a Milán, donde,
dejado el periódico turinés, colaboró con Il
Giornale de Indro
Montanelli, asumiendo durante cerca de un año el cargo de asesor de la
cultura del ayuntamiento de Milán.
Definía su filosofía como un existencialismo positivo;
la positividad que Abbagnano reivindica para su propio pensamiento se opone al
existencialismo negativo de Jaspers y al ontologismo de Heidegger,
aunque se esfuerza en conservar los aspectos de éstos que le parece que pueden
incluirse en una visión crítico-constructiva de la existencia.2
En 1943 obtuvo
un papel de primer plano en el debate sobre el existencialismo que
se publicó en la revista Primato.
Movido por esta exigencia también prestó especial atención a
las corrientes neoempiristas y pragmatistas del pensamiento anglosajón, sobre
todo al empirismo radical de Dewey.
Escribió una extensa Historia de la filosofía (Storia
della filosofia, tres vols., 1949-1953) y un léxico filosófico. Reflexionó
largamente sobre la noción de posibilidad, deteniéndose especialmente en la
filosofía de Kierkegaard.2
Contra el nihilismo de
otros autores, Abbagnano propone una noción de la existencia como posibilidad
de ser, que el hombre realiza, aunque con riesgos, mediante el uso de la razón,
entendida como capacidad de inventar nuevas técnicas. También se interesó por
la sociología, y en su escuela se formaron estudiosos de prestigio, no sólo de
filosofía sino también de ciencias sociales.
Entre 1953 y 1962 fue el inspirador del grupo de intelectuales
y filósofos que reciben el nombre de neoiluminismo italiano,
organizando una serie de reuniones para conseguir la construcción de una
filosofía «laica», abierta a las principales corrientes del pensamiento
filosófico internacional.
NaceLauren Daigle, cantante y compositora estadounidense.
Lauren Ashley Daigle (nacida el 9 de septiembre de 1991) es una cantante y compositora de música cristiana contemporánea estadounidense. Después de firmar con el sello Centricity Music, lanzó su álbum debut, How Can It Be, en 2015. Alcanzó el número 1 en la lista BillboardTop Christian Albums, ha sido certificado Platino por la RIAA y produjo tres singles número 1. en la lista BillboardChristian Airplay («First», «Trust in You», and «O'Lord»). El tercer álbum de estudio de Lauren, Look Up Child, fue lanzado en septiembre de 2018. Reforzado por el éxito del crossover pop del single «You Say», debutó en el n.° 3 en la lista Billboard 200, convirtiéndose en el cristiano más alto álbum de una mujer en más de 20 años, y el número 1 en la lista de los mejores álbumes cristianos, con 115,000 unidades equivalentes al álbum vendidas en la primera semana.1 El sencillo principal del álbum, «You Say», alcanzó el número 29 en la lista Billboard 100 y ha batido el récord durante el número de semanas en el número 1 en la lista BillboardHot Christian Songs a las 35 semanas para cualquier artista solista. El álbum y el sencillo le dieron a Lauren dos premios Grammy. Además de dos premios Grammy, Lauren ha ganado siete premios GMA Dove, cinco premios Billboard Music Awards, dos premios American Music Awards y ha tenido cuatro sencillos número 1 en las listas BillboardChristian Airplay y Hot Christian Songs.
Damian Joseph McGinty Jr. más conocido como Damian
McGinty (09 de septiembre 1992, Derry, Irlanda del Norte) es un cantante y actor
norirlandés, conocido por ser el ganador de la primera temporada de The Glee Project.
Desde pequeño destacó en la música, tan sólo a los 6 años de
edad ganó su primer concurso de canto y a los 14 se convirtió en el miembro más
joven del grupo Celtic Thunder después
de que Phil Coulter le mostrara un vídeo de Damian cantando en el coro de su
iglesia a Sharon Browne. Entre sus inspiraciones se encuentran Michael Bublé, Dean Martin y Frank Sinatra.
Damian McGinty fue uno de los cuatro finalistas en el reality
show The Glee Project.
Durante el séptimo episodio, Cameron Mitchell, uno de los contendientes y el
mejor amigo de Damian, decidió salir del certamen y lo salvó de la eliminación.
El 21 de agosto de 2011 se emitió el último capítulo de la
primera temporada de The Glee Project, y Damian resultó ser ganador al igual
que su compañero Samuel Larsen,
para participar en 7 capítulos en la tercera temporada de la serie Glee,1 en la cual tendrá que interpretar
a Rory Flanagan,
un estudiante de intercambio irlandés que se aloja en la casa de Brittany Pierce,2 confirmándose actualmente que renovó
contrato con FOX indefinidamente
para seguir en la temporada.3
Oliver Burgess Meredith (n. Cleveland; 16
de noviembre de 1907 - f. Malibú; 9
de septiembre de 1997) fue un famoso actor estadounidense,
candidato al Óscar en dos ocasiones. Actuó en más de 100
películas, así como en diferentes series de televisión, siendo reconocido
también por poner la voz al personaje animado "Puff, el dragón mágico". Apareció más
de 170 veces en televisión.
Lucio Battisti (Poggio
Bustone, 5 de marzo de 1943 — Milán, 9
de septiembre de 1998) fue un músico, compositor y cantante, considerado entre
los más grandes e influyentes músicos del rock italiano,la balada y la música
ligera, tanto como compositor e intérprete de su propia música y la de otros
artistas.
Sus comienzos a mediados de los años 60 fueron como autor de
canciones para otros artistas. De los textos de las canciones se encargaba el
letrista Mogol. En 1966 grabó su primer
sencillo, Per una lira. Muchas de sus canciones fueron grabadas
reiteradamente por innumerables cantantes y grupos, italianos y extranjeros,
tales como Mina, Paolo
Meneguzzi, I Camaleonti, Patty
Pravo, Dik Dik, Antonio
Zabaleta, Dyango, Fedra, Ricardo
Montaner, Laura Pausini, Emmanuel, etc.
Ha vendido más de 25 millones de discos.
Lucio Battisti fue y sigue siendo considerado como uno de los
músicos y cantantes más influyentes de la historia de la música popular
italiana. Su producción representó un cambio importante y decisivo en la escena
del pop italiano a partir de finales de la década de los años 60. Influido por
bandas anglosajonas de principios de los años 60, pero más aún por el sonido
Rhythm and Blues de Otis Redding o Ray Charles. Lucio Battisti supo conjugar
como nadie la tradición melódica puramente italiana con lo mejor del R&B y
las corrientes musicales anglosajonas. Lucio Battisti fusiona elementos
folclóricos de la música Italiana con el rock y el pop después de 1970,
logrando establecer un sonido muy innovador para entonces y conjuntamente
con bandas como Premiata Forneria Marconi ,Formula
3 y Alberto Radius sellaron las líneas que la música popular Italiana seguiría
después de 1970 a través de trabajos que en un principio fueron mal
comprendidos y severamente criticados por un sector de la audiencia, mientras a
la vez un público más joven descubría el poder de sus ideas musicales.
Battisti se impuso finalmente con Il mio canto líbero, obra
que rompió records de ventas y popularidad e incluyó la fusión de los elementos
folclóricos, el rock y la corriente progresiva del rock, logrando atraer la
atención de músicos de todas partes del mundo. Los trabajos de Lucio Battisti y
el letrista y poeta Mogol se encaminaron también a elevar el talento de otros
cantantes Italianos; ambos componen discos para Mina y producen
grandes éxitos de la época entre los que se destaca la canción Amor mío para
la obra de Mina Mazzini, que constituye la intensa fusión del
poder vocal de la soprano, de las innovadoras melodías de Lucio Battisti, la
intensa letra de Mogol y la presencia de la vanguardia y el rock Sinfónico con
los arreglos de la Premiata Forneria Marconi que
acompaña la grabación de estudio.
Lucio produce otros discos Il nostro caro angelo 1973
y Anima Latina 1974 que se
sumergen profundamente en la vanguardia, la música fusión y el rock progresivo.
Destaca en este último la canción La Machina del tempo. Anima latina es considerada
una verdadera obra Maestra de la música del siglo XX, que incide en un
sofisticado complejo rítmico difícil de seguir. En la obra aparecen texturas
intrincadas y fusiones que por primera vez hacen su aparición en la música
popular. A pesar de que se trató de un disco complejo, grabado bajo un concepto
casi hermético, es considerado por la crítica como el trabajo mejor
desarrollado por el dúo Battisti-Mogol. Ya a estas alturas, variedad de músicos
latinoamericanos como Charly García, L.A Spinetta, Milton Nascimiento, habían
visto en las lejanas tierras de Italia un gran despliegue de genialidad y la
inspiración a ir aún más lejos desde el rock y la Balada, asumiendo una lírica
latinizada que se amalgamaba con las concepciones mas anglosajonas de la
melodía.
En 1976 aparece el single Ancora tu, dentro de una nueva
producción que se adelantó de forma increíble a los terrenos de la música House
y el Tecno-dance. La canción influye notablemente sobre el sonido de muchos
cantantes italianos, españoles e ingleses. Battisti hasta entonces había hecho
de la experimentación en el estudio un hogar para la producción musical,
apartado de los escenarios y los conciertos y buscando adelantarse a los
grandes exponentes de la música internacional, razón por la cual comienza a
consagrarse como un genio creativo y reconocido internacionalmente.
Siempre inquieto e innovador, tras una larga racha de éxitos
con el letrista italiano Mogol, comienza una nueva
andadura tras el último disco que compusieron juntos, Una giornata uggiosa, en
1980. Battisti, en su afán de innovación musical, cambia y evoluciona.
Su primer álbum sin Mogol como letrista será E già en 1982, un disco de transición
con rasgos experimentales de sonoridad electrónica, y de una indudable calidad.
En este disco no se utilizan instrumentos musicales "al uso" (no hay
guitarras ni pianos), sino que la sonoridad de los doce temas está basada en
modernos teclados electrónicos y sintetizadores de entonces, opción muy
avanzada y atrevida en aquella época. Las letras las firma su esposa bajo el
seudónimo de Velezia, aunque muchos de sus fans entienden que en los textos
tuvo influencia muy directa el propio Lucio. A partir de 1986, con el
disco Don Giovanni, y en los
siguientes cuatro discos, el poeta romano Pasquale Panella será el
letrista de los temas compuestos por Lucio Battisti.
Tras una larga enfermedad, Lucio Battisti murió en un
hospital de Milán el 9 de septiembre de 1998, a la edad de 55
años. Aunque nunca se reveló la causa oficial de su deceso, circuló la versión
nunca confirmada de que el músico falleció de cáncer. El
funeral fue estrictamente privado en Molteno, y sólo
20 personas fueron invitadas, incluido su amigo y compositor Mogol.
Músicos como David
Bowie declaran su admiración hacia la música de Battisti; de hecho,
Bowie intentó traducir al inglés algunas canciones de Battisti en 1997, lo que
se vio interrumpido con la muerte de éste. Por otro lado, Paul
Mc Cartney, quien guarda en su colección toda la discografía de Battisti y
sentía admiración por su música, también quiso acercarse a traducir alguna
producción al idioma inglés. El legado es enorme, porque en muchas de sus
canciones hay aproximaciones claras a muchos estilos dentro del rock, elemento
que anticipan el Grunge, el Tech House y
que fueron influencias para el desarrollo estilístico del rock de los 80. Su
forma de construir canciones, sus fraseos y las secciones de las canciones
sorprenden por la originalidad al mismo tiempo que la fuerza de las ideas que
contienen musicalmente sus canciones.
Blair apareció en varias películas y series de televisión. En el cine debutó en el drama bélico Jump Into Hell (1955)3 y su última aparición fue en El jinete eléctrico (1979). Apareció en diversas series de televisión destacando, por el número de episodios en que intervino, The Rifleman y Daniel Boone, esta última protagonizada por Fess Parker.4
Blair murió en su casa de North Wildwood (Nueva Jersey, EE. UU.) a los 80 años de edad a causa de un cáncer de mama.54
Interesado en la música jazz desde su juventud, Bell fue uno de los creadores de la agrupación The Jazziacs con su hermano Robert, la primera encarnación de Kool & The Gang.2 Aportando su voz y tocando el saxofón, publicó con el grupo su primer disco en 1969 y participó como músico, compositor y productor durante gran parte de la trayectoria de la agrupación.3 Escribió y produjo populares canciones de Kool & The Gang como "Celebration", "Jungle Boogie", Cherish" y "Open Sesame". En una entrevista, aseguró que escribió la letra de "Celebration" después de leer apartes de La Biblia en un cuarto de hotel.1
Bell era musulmán y recibió el nombre de Khalis Bayyan por el imán Warith Deen Mohammed.4 Estuvo casado con Tia Sinclair Bell y tuvo diez hijos.5 El músico falleció en su casa en las Islas Vírgenes Estadounidenses el 9 de septiembre de 2020 a los sesenta y ocho años. Aunque no se especificó una causa, su muerte fue descrita como repentina.6
Jones fue dueño de una de las voces más reconocidas en la industria del cine de Hollywood, desempeñándose en varias ocasiones como actor de voz.23 Sin embargo en su infancia sufría de tartamudez. En un episodio de la serie de televisión Biography, el actor afirmó que superó la afección a través de la poesía, hablando en público y actuando, aunque tardó varios años en conseguirlo. Tras terminar la universidad sirvió en el ejército de los Estados Unidos durante la guerra de Corea antes de iniciar una carrera en la actuación. El 12 de noviembre de 2011 fue galardonado con el Óscar honorífico, junto a Dick Smith y Oprah Winfrey.4 El 9 de noviembre de 2015, Jones recibió el premio Voice Arts Icon.5 El 25 de mayo de 2017 recibió un Doctorado Honorario en Artes de la Universidad de Harvard, concluyendo el evento con la famosa frase utilizada en la saga Star Wars: "Que la Fuerza te acompañe".4
Jones nació en Arkabutla, Misisipi, el 17 de enero de 1931,6 hijo de Ruth (Williams) Jones, una maestra y mucama, y Robert Earl Jones, un boxeador, mayordomo y chofer que abandonó la familia poco después del nacimiento de James y que más tarde se convirtió en actor. Jones y su padre no llegaron a conocerse hasta la década de 1950, pero luego se reconciliaron.7
Desde los cinco años fue criado por sus abuelos maternos, John Henry y Maggie Williams.8 Más tarde el actor describió a su abuela Maggie como la "persona más racista que conocí en mi vida, con un desprecio doblemoralista por la gente blanca".9
Desde niño desarrolló un tartamudeo grave por lo que se negaba a hablar en voz alta, hasta que, a los 13 años, uno de sus profesores hizo que descubriera que tenía un don para la poesía e insistió en que leyera cada día una poesía en clase para que fuera corrigiendo su problema. Irónicamente, dos de sus papeles más famosos han sido prestando su voz, a Darth Vader en la saga de La guerra de las galaxias y a Mufasa en El rey león. El actor se ha referido a este hecho afirmando: "Fui tartamudo. No podía hablar. Así que mi primer año de escuela fue mi primer año mudo, y luego esos años mudos continuaron hasta que llegué a la escuela secundaria".10
Tras asistir a la Universidad de Míchigan donde realizó un curso pre-médico, Jones se unió al Cuerpo de Entrenamiento de Oficiales de Reserva. Se sentía cómodo dentro de la estructura del entorno militar.11 Durante el curso de sus estudios, Jones descubrió que no estaba hecho para ser médico. En cambio, se centró en el teatro en la Escuela de Música, Teatro y Danza de la Universidad de Míchigan con la idea de hacer algo que disfrutaba. Se graduó de la universidad en 1955.12
Con la intensificación de la guerra en Corea, Jones esperaba ser llevado allí tan pronto como recibiera su comisión como segundo teniente. Mientras esperaba sus órdenes, trabajó como asistente en el Teatro Ramsdell en Manistee, Míchigan, donde anteriormente había actuado. Jones fue comisionado a mediados de 1953, después del final de la guerra de Corea. Asistió a la Escuela de Rangers y recibió su insignia (aunque afirmó durante una entrevista en The One Show de la BBC en 2009 que se ausentó del entrenamiento de Ranger). Inicialmente debía presentarse en la instalación militar Fort Leonard Wood, pero su unidad fue enviada para establecer un comando de entrenamiento en el antiguo Campamento Hale cerca de Leadville, Colorado. Su batallón se convirtió en una unidad de entrenamiento en el accidentado terreno de las Montañas Rocosas. Jones fue ascendido a primer teniente antes de lograr su alta. Más adelante se mudó a Nueva York para estudiar teatro, trabajando como portero para poder ganar su sostenimiento.13
Jones comenzó su carrera como actor en el Teatro Ramsdell en Manistee, Míchigan. Entre 1955 y 1957 se desempeñó como actor y director de escena. Realizó su primer papel como Otelo de Shakespeare en este teatro en 1955.14 Su carrera temprana también incluyó una aparición en la serie antológica de radio de la ABC Theater-Five.15
Jones es un consumado actor de teatro; ganó los premios Tony en 1969 por The Great White Hope y en 1987 por Fences. Ha actuado en muchos roles de Shakespeare: Otelo, el Rey Lear, Oberón en Sueño de una noche de verano, Abhorson en Medida por medida y Claudio en Hamlet. En 1973 interpretó a Hickey en Broadway en el Teatro Circle in the Square en una nueva versión de The Iceman Cometh. Encarnó a Lennie en la producción de 1974 de la adaptación de la novela de John SteinbeckDe ratones y hombres, con Kevin Conway como George y Pamela Blair como la esposa de Curley. El 7 de abril de 2005, James Earl Jones y Leslie Uggams encabezaron el elenco en una versión afroamericana de Broadway de On Golden Pond, dirigida por Leonard Foglia y producida por Jeffrey Finn. En febrero de 2008 actuó en Broadway como Big Daddy en una producción afroamericana de Cat on a Hot Tin Roof de Tennessee Williams, dirigida por Debbie Allen. En noviembre de 2009 James retomó el papel de Big Daddy en Cat On A Hot Tin Roof en el Teatro Novello en Londres, producción protagonizada por Sanaa Lathan como Maggie, Phylicia Rashad como Big Mamma y Adrian Lester como Brick. En octubre de 2010 Jones regresó al escenario de Broadway en Driving Miss Daisy de Alfred Uhry junto con Vanessa Redgrave en el Golden Theatre.16
Su primera aparición en el cine ocurrió interpretando a un joven y delgado teniente Lothar Zogg en Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb. En 1967 interpretó a un cirujano y líder rebelde haitiano en The Comedians. Su primer papel protagónico llegó de la mano de su interpretación del boxeador Jack Jefferson en The Great White Hope (1970), coprotagonizada por Jane Alexander. Por su papel, Jones fue nominado como Mejor Actor por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, convirtiéndose en el segundo artista afroamericano (después de Sidney Poitier) en recibir una nominación.17 En 1974 protagonizó junto a Diahann Carroll la película Claudine, la historia de una mujer que cría a sus seis hijos sola después de dos matrimonios fallidos.
Interpretó a Timothy en The Cay (1974), al villano ficticio Thulsa Doom en Conan el Bárbaro (1982), a "Few Clothes" Johnson en Matewan (1987), al rey de Zamunda Jaffe Joffer en Coming to America (1988), al autor Terence Mann en Field of Dreams (1989), al señor Mertle en The Sandlot (1993), al reverendo Stephen Kumalo en Cry, The Beloved Country (1995), a Raymond Lee Murdock en A Family Thing (1996) y el vicealmirante James Greer en La caza del octubre rojo (1990), Juego de patriotas (1992) y Peligro inminente (1994), entre muchos otros roles.
El actor también es conocido por aportar la voz del villano Darth Vader en la película de 1977 Star Wars y sus secuelas The Empire Strikes Back (1980) y Return of the Jedi (1983). Darth Vader fue interpretado en el traje por David Prowse en la trilogía de la película, con Jones doblando el diálogo de Vader en posproducción porque el marcado acento inglés de Prowse fue considerado inadecuado para el papel por George Lucas.18 Jones no fue acreditado por su trabajo en las dos primeras películas de Star Wars, aunque más tarde se le acreditaría por la primera película en su relanzamiento en edición especial en 1997.18 Como explicó en una entrevista de 2008:
Cuando Linda Blair hizo el papel de la niña en El exorcista, contrataron a Mercedes McCambridge para que hiciera la voz demoníaca saliendo de ella. Y hubo controversia sobre si Mercedes debía obtener el crédito. Yo era uno de los que pensaba que no, que solo eran efectos especiales. Entonces, tratándose de Darth Vader, dije: no, solo soy efectos especiales. Pero llegué a ser tan identificado con Vader que para la tercera película pensé: de acuerdo, les dejaré poner mi nombre en ella.19
Aunque no acreditada, la voz de Jones posiblemente fue usada en la escena final de la película Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith (2005), cuando el villano se presenta sin su habitual máscara. Cuando se le preguntó específicamente al actor si había suministrado su voz, posiblemente de una grabación anterior, Jones le dijo a Newsday: "Tendrían que preguntarle a Lucas sobre eso. Yo no lo sé".19 Jones aportó la voz de Vader nuevamente en la serie animada de televisión Star Wars Rebels y en la película Rogue One: una historia de Star Wars (2016).20
Sus otros papeles de voz incluyen al león Mufasa en la película de Disney de 1994 El rey león y su secuela The Lion King II: Simba's Pride. Las grabaciones de archivo de la película se usaron más tarde para la versión en inglés del videojuego de 2006 Kingdom Hearts II, ya que el propio Jones no quiso hacer de nuevo el papel. Más recientemente, interpretó a Mufasa en el telefilme piloto de 2015 The Lion Guard: Return of the Roar.21 En febrero de 2017 se anunció que Jones volvería a interpretar al personaje en la película El rey león de 2019, producción que será dirigida por Jon Favreau.22
En 1990 Jones realizó un trabajo de voz para el primer especial de Halloween "Treehouse of Horror" de la popular serie de televisión Los Simpson, en el que fue el narrador del poema de Edgar Allan Poe "El cuervo". En 1996 recitó el clásico poema de béisbol "Casey at the Bat" con la Cincinnati Pops Orchestra.23 Recitó el poema nuevamente en 2007 antes de un partido como local de los Filis de Filadelfia el 1 de junio de 2007.
También ha hecho el eslogan de CNN, "This is CNN", así como "This is CNN International", y la apertura para el programa matutino de CNN New Day. Jones también fue portavoz desde hace mucho tiempo de la empresa Bell Atlantic y más tarde de Verizon. También prestó su voz para la apertura de la cobertura de la NBC de los Juegos Olímpicos de verano de 2000 y 2004; "The Big PI in the Sky" en el videojuego Under a Killing Moon; en The Creation, una película de plastimación; y en varios episodios de Los Simpson. Jones también prestó su voz en una secuencia narrada en la comedia de Adam Sandler y Kate BeckinsaleClick, estrenada en junio de 2006. Jones narró los 27 libros del Nuevo Testamento en el audiolibro James Earl Jones Reads the Bible.24
Jones tiene la distinción de ser el único actor en ganar dos premios Emmy el mismo año, en 1991 como Mejor Actor por su papel en Gabriel's Fire y como Mejor Actor de Reparto por su trabajo en Heat Wave.25
Interpretó al autor Alex Haley en la miniserie de televisión Roots: The Next Generations; al comandante James Solomon en las secuencias de acción en vivo del videojuego Command & Conquer: Tiberian Sun y al oficial de policía Neb Langston en el programa de televisión Under One Roof, por el cual recibió una nominación al premio Emmy. También apareció en anuncios de televisión y radio para Verizon Business DSL y Verizon Online DSL de Verizon Communications. Jones apareció en la temporada de 1963-1964 en un episodio de la serie dramática sobre la vida universitaria, Channing, protagonizada por Jason Evers y Henry Jones. También se le pudo ver en la telenovela Guiding Light e interpretando a Thad Green en "Mathnet", una parodia de la serie Dragnet emitida en el programa de humor Square One Television.
En 1969, Jones participó en la realización de tomas de prueba para la serie educativa infantil Sesame Street; estos cortos, combinados con segmentos animados, se mostraron a grupos de niños para medir la efectividad del entonces innovador formato. Como se cita en las notas de producción incluidas en el lanzamiento de DVD Sesame Street: Old School 1969-1974, el corto que tuvo el mayor impacto con audiencias de prueba fue uno que muestra a Jones calvo contando lentamente hasta diez. Este y otros segmentos con Jones fueron finalmente transmitidos como parte de la serie Sesame Street cuando se estrenó en 1969 y Jones es citado como el primer invitado famoso en esa serie, aunque un segmento con Carol Burnett fue realmente el primero en ser transmitido.
Jones en 2010.
Ha interpretado personajes principales en televisión en tres series. Primero, apareció en el corto drama policial de la CBS, Paris, que se emitió durante el otoño de 1979. Esta serie fue notable por ser la primera en la que Steven Bochco ejerció como productor ejecutivo. El segundo programa se emitió en la ABC entre 1990 y 1992, la primera temporada se tituló Gabriel's Fire y la segunda (después de una revisión de formato) Pros and Cons. En los dos formatos de ese programa, Jones interpretó a un expolicía condenado injustamente por asesinato que, tras salir de prisión, se convirtió en detective privado. En 1995, Jones protagonizó Under One Roof en el papel de Neb Langston, un policía afroamericano viudo que comparte su casa en Seattle con sus hijos. El programa solamente fue emitido durante seis semanas. De 1989 a 1993, Jones fue el presentador de la serie de televisión para niños Long Ago and Far Away. En 1996 participó en el drama de la CBS Touched by an Angel en el episodio "Clipped Wings". En 1998 Jones protagonizó el aclamado programa An American Moment (creado por James R. Kirk y Ninth Wave Productions). Jones asumió el papel dejado por Charles Kuralt tras su fallecimiento en 1997. También hizo una aparición especial en "The House of Luthor", el episodio final de la primera temporada de Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman como Franklin Stern y ha actuado como estrella invitada en comedias como Frasier, Will & Grace, Two and a Half Men y Everwood.
En 2009 Jones apareció en el drama médico House, M.D. en un episodio de la sexta temporada titulado "The Tyrant", interpretando a un brutal dictador africano llamado Dibala. El dictador había hecho amenazas contra una minoría étnica, el Sitibi, y el equipo se ocupa de cuestiones éticas relacionadas con el tratamiento de un posible asesino en masa. Entre 2013 y 2014 apareció junto a Malcolm McDowell en una serie de anuncios para Sprint Corporation.26 Apareció en un episodio de la séptima temporada en la serie de humor The Big Bang Theory titulado "The Convention Enigma".
En 2015 Jones interpretó al juez Caleb Thorne en la serie de drama estadounidense Agent X en un elenco conformado por Sharon Stone, Jeff Hephner y Jamey Sheridan, entre otros. La serie fue transmitida por el canal TNT del 8 de noviembre al 27 de diciembre de 2015.
Jones se casó con la cantante y actriz estadounidense Julienne Marie en 1968, a quien conoció en la obra de teatro Otelo en 1964.27 No tuvieron hijos y se divorciaron en 1972.28 En 1982 se casó con la actriz Cecilia Hart, con la que tuvo un hijo, Flynn Earl Jones.29 Hart falleció el 16 de octubre de 2016, tras una lucha de un año contra el cáncer de ovario.30
En abril de 2016, Jones habló en público por primera vez en casi 20 años sobre su condición de salud al ser diagnosticado con diabetes mellitus tipo 2, enfermedad con la que convivió desde mediados de la década de 1990.31El 9 de septiembre de 2024, falleció a los 93 años en su domicilio, en Pawling, Condado de Dutchess, en el estado de Nueva York.32
escuchar (?·i) (París, 18 de marzo de 1842 – Valvins, 9 de septiembre de 1898)
fue un poeta y críticofrancés, uno de los grandes del siglo XIX, que representa la culminación y al
mismo tiempo la superación del simbolismo francés. Fue antecedente claro
de las vanguardias que
marcarían los primeros años del siguiente siglo.
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