El 25 de octubre es el 298.º (ducentésimo nonagésimo octavo) día del año en el calendario gregoriano y el 299.º en los años bisiestos. Quedan 67 días para finalizar el año.
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625:
Muere Bonifacio
V, papa italiano (n. hacia 570).
Bonifacio V. (Nápoles, ¿? – Roma, 25 de octubre de 625) fue el papa n.º 69 de
la Iglesia católica desde 619 hasta su muerte.1
Elegido papa el 8 de noviembre de 618, no fue consagrado
hasta pasados casi trece meses, el 23 de diciembre de 619, al no recibir hasta
entonces la confirmación del emperador bizantino Heraclio I.
Hizo muchos esfuerzos por convertir al cristianismo al rey Edwin de Northumbria (parte de lo que hoy
se conoce como Inglaterra).
Durante su pontificado promulgó el decreto por el que las
iglesias se considerarían lugares de asilo para los perseguidos que buscasen
refugio en ellas.
1647:
Muere Evangelista Torricelli, físico italiano
(nacido en 1608).
Evangelista Torricelli (Faenza, Italia, 15 de octubre 1608-Florencia, Italia, 25 de octubre 1647)
fue un físico y matemático italiano. Inventó el barómetro de mercurio en
1643.12
Primeros
años[editar]
Sus padres no tenían
mucho dinero y al ver el potencial que tenía Torricelli decidieron enviarlo con
su tío Jacopo, un fraile camaldolense, que lo educó bajo su tutela.3 En 1627 fue enviado a Roma para que
estudiara ciencias con el benedictino Benedetto Castelli (1579-1645), llamado
por Urbano VII para enseñar matemáticas en el colegio de la Sapienza y uno de
los primeros discípulos de Galileo.
Estudió una de las
obras de Galileo Galilei, Dialoghi
delle nuove scienze (Diálogo de la nueva ciencia) (1630), lo
que le inspiró el desarrollo de algunos de los principios mecánicos allí
establecidos que recogió en su obra De motu. En 1632,
Castelli se puso en contacto con Galileo para mostrarle el trabajo de su pupilo
y solicitarle que lo acogiera, propuesta que Galileo aceptó, por lo que Torricelli
se trasladó a Arcetri, donde ejerció de
amanuense de Galileo los últimos tres meses de la vida del sabio italiano,
quien falleció a principios del año siguiente. Tras la muerte de Galileo,
Torricelli, que deseaba volver a Roma, cedió a las ofertas de Fernando II de Médici y,
nombrado filósofo y matemático del gran duque y profesor de matemáticas en
la Academia de Florencia,
se estableció definitivamente en esta ciudad.
Trabajo
científico[editar]
En 1643, Torricelli
utilizó el mercurio haciéndolo ascender en un tubo cerrado, creando vacío en la
parte superior, empujado por el peso del aire de la atmósfera. Demostró que el
aire tiene peso, e inventó el barómetro. La unidad de presión torr se nombró en
su memoria. El teorema de Torricelli es una aplicación del principio de
Bernoulli y estudia el flujo de un líquido contenido en un recipiente, a través
de un pequeño orificio, bajo la acción de la gravedad. Publicó su trabajo sobre
el movimiento bajo el título Opera geometrica. La publicación, junto a esta
obra, de varios trabajos sobre las propiedades de las curvas cicloides le
supuso una agria disputa con Roberval, quien le acusó de plagiar sus soluciones
del problema de la cuadratura de dichas curvas. Aunque no parece haber dudas de
que Torricelli llegó al mismo resultado de forma independiente, el debate sobre
la primicia de la solución se prolongó hasta su muerte.
{\displaystyle V_{t}={\sqrt
{2\cdot g\cdot \left(h+{\frac {v_{0}^{2}}{2\cdot g}}\right)}}}Publicó su
trabajo sobre el movimiento bajo el título Opera geometrica. La
publicación, junto a esta obra, de varios trabajos sobre las propiedades de las
curvas cicloides le
supuso una agria disputa con Roberval, quien le acusó de plagiar sus
soluciones del problema de la cuadratura de dichas curvas. Aunque no parece
haber dudas de que Torricelli llegó al mismo resultado de forma independiente,
el debate sobre la primicia de la solución se prolongó hasta su muerte.
Entre los descubrimientos
que realizó, se encuentra el principio que dice que si una serie de cuerpos
están conectados de modo tal que, debido a su movimiento, su centro de gravedad no puede ascender o descender,
entonces dichos cuerpos están en equilibrio. Descubrió además que la envolvente de
todas las trayectoriasparabólicas descritas por los
proyectiles lanzados desde un punto con igual velocidad, pero en direcciones
diferentes, es un paraboloide de revolución. Así mismo, empleó y
perfeccionó el método de los indivisibles de Cavalieri.
También realizó importantes
mejoras en el telescopio y el microscopio,
siendo numerosas las lentes por él fabricadas y grabadas con su nombre que aún
se conservan en Florencia.
Muerte[editar]
Torricelli falleció a los 39
años en Florencia, el 25 de octubre de 1647, a pocos días de haber
contraído fiebre tifoidea. Fue enterrado en la Basílica de San Lorenzo. Dejó
todas sus pertenencias a su hijo adoptivo, Alessandro Di Almagro.
Eponimia[editar]
La unidad de presión
denominada torr es
un homenaje a su apellido.
El cráter lunar Torricelli lleva este nombre
en su memoria.4
El asteroide (7437)
Torricelli también conmemora su nombre.5
************
1825:
Nace Johann Strauss II, compositor austríaco
(fallecido en1899).
Johann Strauss II (St.
Ulrich, Viena, Austria, 25 de
octubre de 1825 - Viena, 3 de
junio de 1899) fue un compositor austriaco conocido
especialmente por sus valses, como El Danubio azul. Hijo del compositor Johann
Strauss I y
hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard
Strauss, Johann II es
el más famoso de la familia Strauss. Fue conocido en su vida como «el rey del
vals» y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el
vals, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la
Corte Imperial de los Habsburgo. Sus obras gozan de mayor popularidad que las
de sus predecesores, como su padre y Josef Lanner. Algunas de sus polcas y marchas son también muy conocidas, así como su opereta Die Fledermaus (El Murciélago).
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1838:
Nace Georges
Bizet, compositor francés (fallecido en 1875).
Alexandre-César-Léopold Bizet,
conocido como Georges Bizet (París, 25 de octubre de 1838-Bougival, 3 de juniode 1875),
fue un compositor francés, principalmente de óperas. En una carrera cortada por su muerte
prematura, alcanzó escasos éxitos hasta su última obra, Carmen, que se convirtió en una de las
obras más populares e interpretadas de todo el repertorio operístico.
Bizet ganó varios premios a lo
largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de
París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido
como un pianista excepcional, aunque prefirió no
aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Tras regresar a
París después de pasar casi tres años en Italia, se dio cuenta de que en los
principales teatros de ópera parisinos
se prefería interpretar el repertorio clásico más arraigado antes que las obras
de nuevos compositores. Sus composiciones orquestales y para teclado fueron
asimismo ignoradas en su gran mayoría, lo que estancó su carrera por lo que
tuvo que ganarse la vida principalmente mediante arreglos y transcripciones de
la música de otros. En su busca del ansiado éxito, comenzó varios proyectos
teatrales durante la década de 1860, muchos de los cuales abandonó. Ninguna de
las dos óperas que se llegaron a escenificar —Los pescadores de
perlas y La bella
muchacha de Perth— tuvieron éxito de inmediato.
Tras la guerra
franco-prusiana de 1870-71, en la que Bizet sirvió en la
Guardia Nacional, tuvo algo de éxito con su ópera de un acto Djamileh, aunque la suite orquestal L'Arlésienne derivada
de su música incidental de
la pieza teatral del mismo nombre de Alphonse Daudet tuvo un éxito
instantáneo. La producción de la última ópera de Bizet Carmenfue
retrasada debido al miedo de que sus temas de traición y asesinato pudieran
ofender a la audiencia. Tras su estreno el 3 de marzo de 1875, Bizet estaba
convencido de que la obra iba a ser un fracaso; murió de un ataque al corazón tres
meses más tarde, sin saber que resultaría un éxito espectacular y duradero.
El matrimonio de Bizet
con Geneviève
Halévy fue feliz de manera intermitente y fruto del cual
tuvieron un hijo. Tras su muerte, sus composiciones, excepto Carmen,
estuvieron en general desatendidas. Regalaron o se perdieron los manuscritos y
las versiones publicadas de sus obras a menudo eran revisadas y adaptadas por
terceros. No creó escuela ni tuvo discípulos ni sucesores evidentes. Tras años
de abandono, sus obras se empezaron a interpretar de nuevo con más frecuencia
en el siglo XX. Críticos posteriores lo han proclamado como un compositor de
gran brillantez y originalidad cuya muerte prematura significó una gran pérdida
para la música teatral francesa.
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1881:
Nace Pablo Picasso, pintor español (fallecido en 1973).
Pablo Ruiz Picasso1 (Málaga, 25 de octubre de 1881- Mougins, 8 de abril de 1973)
fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque, del cubismo.
Es considerado desde el génesis
del siglo XX como uno de los mayores pintores
que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo
y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus
trabajos están presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros
géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de
libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografíay vestuario para montajes teatrales. El
crítico de arte y coleccionista Christian Zervos reproduce en su catálogo
más de 16 000 obras de Picasso.2
En lo político, Picasso se
declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido
Comunista de España y del Partido Comunista
Francés hasta su muerte,3 acaecida el 8 de abril de 1973 a
los 91 años de edad, en su casa llamada «Notre-Dame-de-Vie»,45 situada en Mougins (Francia). Está enterrado en el parque
del castillo de
Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).6
*************
1910:
Muere Narciso Serradel Sevilla. Músico (compositor) mexicano.
Narciso Serradel SevillaNació en Alvarado el 25 de enero de 1843 y murió en Ciudad de México el 25 de octubre de 1910. Ingresó en el seminario, instado por su familia. Huyó para estudiar música y medicina. En 1862 puso música a versos del español Francisco Martínez de la Rosa (Granada, 1788-1862) para crear la canción La Golondrina, que cantaban los prisioneros mexicanos en Clermont-Ferrand. La versión de Martínez de la Rosa (posible traducción al francés de un poema morisco) dice:
«Aben Ahmet al partir de Granada / su corazón desgarrado sintió / allá en la Vega, al perderla de vista / con débil voz su lamento expresó: / Mansión de amor, celestial paraíso, / viví en tu seno y mil dichas gocé. / Voy a partir a lejanas regiones / de donde nunca jamás volveré. / Veré en abril la costa africana / la golondrina hacia España volar. / ¿A dónde irá tan alegre y ufana? / tal vez su nido en mi techo a colgar. / ¡Oh! cual te envidio al mirar que te alejas / ave feliz, mensajera que amé; / lleva un recuerdo a mi patria querida / a donde nunca jamás volveré».
Conocida con el plural Las Golondrinas, con otra letra, se canta actualmente en las despedidas. Luchó contra la Intervención Francesa con el general Ignacio Zaragoza. Aprehendido y deportado a Francia a la caída de Puebla (1863), ahí terminó sus estudios de medicina. No aceptó la liberación que llegó casi de inmediato, por lo que fue enviado a París donde, arraigado, terminó sus estudios de medicina. Volvió a México (1865) y ejerció en Veracruz. Organizó bandas de música y compuso danzas, polkas y mazurcas. Se radicó en Tlalixcoyan. Siguió componiendo y ejerciendo la medicina en ese lugar. Profesor en Ciudad de México (1885). Para Pedro Melgarejo Vivanco se trata de, «... el más universal de los alvaradeños».
Diccionario Enciclopédico Veracruzano / Roberto Peredo / UV
1912:
Nace Benito de Jesús, compositor puertorriqueño.
Benito de Jesús Nacido el 25 de octubre de 1912 en la Barceloneta, Puerto Rico fue un legendario compositor puertorriqueño de baladas románticas, incluyendo " Nuestro Juramento ", [1] "La copa rota", "Sigamos pecando". También fue fundador del grupo Trío Vegabajeño . [2]
Benito de Jesús comenzó su carrera musical a muy temprana edad. Participando en el programa radial del inolvidable Rafael Quiñones Vidal, el joven de Barceloneta fue afianzando su nombre en el argot popular hasta que un día coincidió con Fernandito Alvarez y Pepito Maduro y crearon el inimitable Trío Vegabajeño.
Juntos realizaron giras artísticas por Centroamérica, las Antillas y los Estados Unidos. Y con la unión de Jorge Hernández en el requinto, y la innegable armonía que lograban, el sonido del Vegabajeño se instituyó en el pentagrama nacional con fuerza.
Pero parte del éxito del Trío radicó en las canciones que estos interpretaban. Repertorio que en gran medida recayó también en la inspiración del propio Benito.
Con su primera composición, "Llanto de mar", la cantera de inspiraciones musicales era un tesoro por descubrir. Títulos como "Brisas de Navidad", "Tarde", "Mi angustia de bohemio" y "Sigamos pecando", entre otras, dejaron una huella entre los amantes de la música romántica del Caribe.
A la par con estas creaciones, su nombre trascendió en el pentagrama internacional al son de "Nuestro juramento". Cuentan que fue Olimpo Cárdenas quien primero la grabó en el extranjero. Pero este legendario tema no tardó en ser adoptado por el cantante ecuatoriano Julio Jaramillo quien, a raíz de su éxito con la canción, fue apodado por la industria como "Mr. Juramento".
Al paso del tiempo, "Nuestro juramento" ha trascendido en el pentagrama, por más de medio siglo, siendo ésta la canción con la que el joven colombiano Charlie Záa logró su internacionalización a mediados de la década de 1990.
Pero ese "Juramento" que escribió don Benito como prueba de amor a su fiel esposa y compañera, doña Gloria, y que con el paso del tiempo cuenta entre sus versiones con una adaptación al japonés, tiene como homólogo la creación de "La copa rota". Es ésta la canción que después de medio siglo no hay miembro de la industria que pueda definir a ciencia cierta cuántas monedas acumuló en la era dorada de las velloneras cuando un despechado Felipe Rodríguez, le daba voz y sentimiento. O lo mismo, cuando 20 años después, catapultó a los primeros lugares de las listas al internacional José Feliciano.
En medio de toda esa vida prolífera en canciones, surgió un himno de unidad: "Cantares de Navidad". Es ésta la canción conocida por todos como "El ramillete" que de Jesús gestó en un viaje de San Juan a Barceloneta y que desde 1952 ha sido tema obligado de cada temporada navideña.
La aportación musical de Benito de Jesús al pentagrama se ilustró nuevamente en las postrimerías de siglo XX con el lanzamiento de un compacto en el que ejecutó temas de su propia inspiración tocando el cuatro puertorriqueño.
En abril de 2004 el insigne músico recibió un emotivo homenaje en la ciudad de Chicago, en el estado de Illinois, distinguiéndole como uno de los "Puertorriqueños del Año" por parte del magazín El Rican, que edita el periodista Tony Quintana. Un año más tarde la Asociación de Coleccionistas de Música Popular de Puerto Rico le dedicó la portada de la edición anual de su revista, mientras la compañía Disco Hit lo honró en el primer volumen de su serie "Los grandes compositores de Puerto Rico".
Don Benito de Jesús falleció en la tarde del 24 de junio de 2010 en el Hospital Auxilio Mutuo de San Juan, en Hato Rey, Puerto Rico .
Autor:
Javier Santiago para la Fundación Nacional para la Cultura Popular y Wikipedia.
1921:
Muere Bat Masterson,
periodista y abogado estadounidense (nacido en1853).
William Barclay “Bat” Masterson (Montérégie, Quebec, Canadá, 26 de
noviembre de 1853 – Nueva York, 25 de
octubre de 1921) fue —entre otros oficios y aficiones—
un alguacil, sheriff, apostador, promotor y
escritor de boxeo. Además de ser reconocido como un hábil
pistolero del popularmente llamado “viejo oeste” de los Estados
Unidos.
*************
1928:
Nace Teresa Gutiérrez, actriz colombiana (fallecida en
2010).
Teresa Gutiérrez (n. Bogotá, 25 de octubre de 1928 –
m. ibídem, 9 de marzo de 2010)
fue una actriz colombiana de
televisión. Considerada en su país como uno de los principales iconos de
la pantalla chica,
por haber participado en una gran cantidad de telenovelas. Alcanzó la cumbre de
su carrera con la telenovela La abuela, en donde interpretaba a una
perversa abuela que dominaba a todos en una casa. Inició como locutora de radio
y luego pasó a ser actriz. Falleció en su residencia, por causas naturales.1
Biografía[editar]
Inició su carrera
artística a los seis años en la radionovela El doctor X de la
emisora Nueva Granada. A los 14 años continuó siendo actriz de voz en las
radionovelas de las emisoras Nueva Granada y Nuevo Mundo, obteniendo amplia
aceptación de la audiencia; se destaca su trabajo en El
derecho de nacer.2
A partir de 1955
participa en los dramatizados del Teleteatro de la recién inaugurada televisión
colombiana, con la transmisión en vivo de Su primer cliente,
adaptación una obra de Charles Dickens dirigida por Bernardo Romero
Lozano. A finales de los años 70 interpreta a Brígida de Paredes en
la exitosa telenovela La abuela,
que batió rércords de audiencia y con la que se consagra como una de las
actrices más importantes del país.3
Se destacan sus
trabajos en las telenovelas La marquesa de
Yolombó (1978), Los
cuervos (1984), Tuyo es mi
corazón (1985), Calamar (1989), ¿Por qué mataron a Betty si era tan buena muchacha? (1989), La madre (1998), La guerra de las
Rosas (1999), Pecados
capitales(2002), entre otras.
Su última aparición
fue en la telenovela Los Victorinos de Telemundo, donde interpretó a Aurora Gallardo.
Vida
personal[editar]
Estuvo casada con el
cantante Alberto Granados, con quien tuvo dos hijos: María Margarita,
también actriz, y Luis Alberto, administrador de empresas. Después de su
divorcio, se fue a vivir a Argentina con el violinista Américo Bellotto, con
quien tuvo dos hijos más: Ilia y Miguel Varoni. Abandonó la actuación para
dedicarse a su hogar, pero un accidente terminó con su matrimonio y regresó a
Colombia para continuar con la actuación. Es abuela de la actriz Majida Issa.3
**************
1935:
Nace Jaime Martínez, integrante de "Los
Hermanos Martínez". (fallecido en 2010).
Martínez nació en San Gil,
el 25 de octubre de 1935 y desde su niñez estuvo vinculado por la música,
por herencia de su padre, Camilo Martínez, músico santandereano muy respetado.
Por 52 años, conformó el
dueto de Los Hermanos Martínez, junto con su hermano Mario, un año menor, que
toca el tiple y hacía la segunda voz.
La época dorada del dueto
fue en los años 60 y 70, a la par con otros conjuntos musicales de música
colombiana del interior como Silva y Villalba, y entre sus interpretaciones,
una de las más destacadas fue la canción Almirante.
Los Hermanos Martínez
llegaron a grabar más de 30 discos de Larga Duración y seguían en los
escenarios, incluso en el año de su muerte 2010. Entre los múltiples homenajes
recibidos, cabe destacar que el festival de duetos que se celebra en
Floridablanca (Santander) lleva, desde hace más de 15 años, el nombre de
Festival de Duetos Hermanos Martínez.
Tanto Jaime Martínez, como
su hermano Mario comenzaron en la música mucho antes de la creación del dueto.
Comenzaron integrando la agrupación Nocturnal Colombiano, dirigida por el
maestro Oriol Rangel; después integraron Los Maestros, en la que estaba también
el organista Jaime Llano González, con quien alternaron toda la vida, incluso
en actuaciones recientes.
"El dueto de los
Hermanos Martínez es toda una institución en la música colombiana -afirma
Carlos Gómez, periodista de radio que durante muchos años trabajó con ellos en
Radio Santa Fe, en programas dedicados a la difusión de la música del
interior-. Llegaron a Bogotá, siendo desconocidos. Sus primeros maestros fueron
sus padres y tíos. Ellos tenían un tío sacerdote con gran oído musical que
solía corregirlos mucho y les andaba durísimo.
De hecho, su padre era un maestro
de la música santandereana".
Gómez agrega que el dueto siempre tuvo una predilección por las canciones de José A. Morales (como Collar de canciones),
https://www.youtube.com/watch?v=rDZROBwRCSY
aunque también interpretaron muchas composiciones de Jorge Villamil (como La vieja hacienda El Cedral) Arnulfo Briceño, Adriano Salas, Carlos Vieco y Carlos Martínez. Durante años fueron el conjunto de planta en Radio Santa Fe y alcanzaron a trabajar también en Radio Nueva Granada.
Gómez agrega que el dueto siempre tuvo una predilección por las canciones de José A. Morales (como Collar de canciones),
aunque también interpretaron muchas composiciones de Jorge Villamil (como La vieja hacienda El Cedral) Arnulfo Briceño, Adriano Salas, Carlos Vieco y Carlos Martínez. Durante años fueron el conjunto de planta en Radio Santa Fe y alcanzaron a trabajar también en Radio Nueva Granada.
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1938:
Muere Alfonsina
Storni, poetisa argentina (nacida en 1892).
Alfonsina Storni (Capriasca, Suiza, 29 de mayo de 18921234- Mar del Plata, Argentina, 25 de octubre de 1938)
fue una poeta y escritora argentina del modernismo.5
Sus padres, dueños de una cervecería en San Juan,
regresaron a Suiza en 1891. En 1896, volvieron a
Argentina junto con Alfonsina, quien había nacido durante la estancia de la
pareja en el país europeo. En San Juan, concurrió al jardín de infantes y
desarrolló la primera parte de su niñez. A principios del siglo XX la
familia se mudó a Rosario (provincia
de Santa Fe), donde su madre fundó una escuela domiciliaria y su padre instaló
un café cerca de la estación de ferrocarril Rosario Central. Alfonsina se
desempeñó como mesera en el negocio familiar, pero dado que este trabajo no le
gustaba se independizó y consiguió empleo como actriz. Más tarde recorrería
varias provincias en una gira teatral.6
Storni ejerció como maestra en
diferentes centros educativos, y escribió sus poesías y algunas obras de teatro
durante este período. Su prosa es feminista y, según la crítica, posee una
originalidad que cambió el sentido de las letras de Latinoamérica. Otros
dividen su obra en dos partes: una de corte romántico, que trata el tema desde
el punto de vista erótico y sensual y muestra resentimiento hacia la figura del
varón, y una segunda etapa en la que deja de lado el erotismo y aborda el tema
desde un punto de vista más abstracto y reflexivo. La crítica literaria, por su
parte, clasifica en tardorrománticos a los textos editados entre los años 1916
y 1925, y a partir de Ocre encuentra rasgos de vanguardismo y
recursos como el antisoneto (soneto en verso blanco). Sus composiciones reflejan,
además, la enfermedad que padeció durante gran parte de su vida y muestran la
espera del punto final de su vida, expresándolo mediante el dolor, el miedo y
otros sentimientos.7
Fue diagnosticada con cáncer de mama, del cual fue operada. A pedido
de un medio periodístico se realizó un estudio de quirología, cuyo diagnóstico no fue acertado.
Esto la deprimió, provocándole un cambio radical en su carácter y llevándola a
descartar los tratamientos médicos para combatirla.8
Se suicidó en Mar del Plata arrojándose de
la escollera del Club Argentino de Mujeres. Alfonsina consideraba que el
suicidio era una elección concedida por el libre albedrío, y así lo había
expresado en un poema dedicado a su amigo y amante, el también poeta
suicida Horacio Quiroga.
Hay versiones románticas que dicen que se internó lentamente en el mar; algunas
de esas versiones sirvieron para componer la canción «Alfonsina y el
mar», basada enteramente en como se suicidó Alfonsina. Su cuerpo fue
velado inicialmente en esa ciudad balnearia y finalmente en Buenos Aires.
Actualmente sus restos se encuentran enterrados en el Cementerio de la
Chacarita.9
************
Índice
Primeros años[editar]
Carrera musical[editar]
Muere Charlie
Figueroa, cantante puertorriqueño.
Nació en Santurce, Puerto Rico, en 1928 y murió el
25 de octubre de 1955, a los 27 años de edad.
1938:
Nace Isaac Villanueva Mendoza, compositor colombiano de música tropical.
Isaac Villanueva (Piojó, 25 de octubre de 1938-Barranquilla, 26 de enero de 2024)1 fue un compositor colombiano de música caribeña.
Fueron grabadas más de quinientas canciones de su autoría, entre las que se cuentan La cumbia universal, La machaca, Golfo de Morrosquillo, Lo mío es mío, El armadillo, Vení- vení, El ausente, El arbol, El cocinero mayor, La vi partir, Los patulecos, Maruja, La parabólica, Mete y saca, El negro adentro, La punta colorá y El pescador de Barú, interpretadas por diversas orquestas como Los Diplomáticos, La Sonora Dinamita, Gabriel Romero, Eliseo Herrera, Pedro Laza, Los Melódicos, Los Tupamaros, Juan Piña, Los Pico Pico, Los Vecinos de Nueva York, Wilfrido Vargas, Diomedes Díaz y Fruko y sus Tesos con el Joe Arroyo.234
Historia[editar]
Descendiente de la familia española asentada en Colombia, a los 14 años de edad marchó a estudiar bachillerato a Cartagena, donde cursó estudios de música en la Escuela de Bellas Artes.2
En 1965 entró a trabajar como productor, autor y director artístico en Discos Fuentes de Medellín. Trabajó diez años en el departamento de ventas y veinticinco como director y productor artístico. Entre las canciones que ha compuesto y se han hecho populares en Colombia, otros países de habla hispana y en Estados Unidos, están: “El Ausente”, en la voz de Joe Arroyo; “La guayaba”, que aparece en la lista de las mejores canciones de salsa de todos los tiempos, "Mete y Saca" de la Banda La Bocana; y “Maruja”, de La Sonora Dinamita.25
Participó como jurado de varios festivales del Porro de San Pelayo; del Porro y Fandango de Sincelejo; Festival de la Leyenda Vallenata, Festival por los Derechos Humanos y Festival del Bolero en Antioquia, Festival de la Canción Inédita, Festival de Bandas en Paipa-Boyacá y en las Noches Barranquilleras- Festival de Orquestas en el Carnaval de Barranquilla.
Los Pico Pico[editar]
A comienzos de 1976 montamos Pico pico, una salsa gallega, originaria de Puerto Rico, para que la vocalizara un niño cesarense llamado Edgar Murillo. El tema se grabó y quedó muy bien. Intentamos hacer un long play, con 11 cortes más vocalizados por Murillo, pero él niño fue cortante: “Yo canto vallenato, a mí esa vaina, y que salsa, no me gusta”. Nadie pudo persuadirlo. No insistimos más. Con Fruko llegamos al acuerdo de buscar otros niños para sacar adelante el proyecto. Presenté, entonces, a Jaime Alain, hijo de mi hermano Jaime, para que interpretara La piñata, una canción escrita por Ángel, el hijo mayor mío. Asunto solucionado. Los integrantes definitivos fueron Julio Ernesto Estrada Jr., hijo de Fruko; mi sobrino Jaime Alain, y mi hijo Luis Felipe. En homenaje a la canción Pico pico le colocamos ese mismo nombre al grupo infantil. El primer long play incluyó, también, La piñata, que compartió los éxitos con Pico pico. El grupo hizo un total de tres trabajos de larga duración, de los que ‘pegaron’ Los enanos, Caperuza, El burrito de Belén y Campanitas, un hermoso villancico del compositor sinceano Juan Severiche Vergara.
***************
Helen Maxine Lamond Reddy, conocida como Helen Reddy (Melbourne, Victoria; 25 de octubre de 1941-Los Ángeles, California; 29 de septiembre de 2020)1 fue una actriz y cantante pop australiana.
Reddy fue exitosa como cantante en la década de 1970 con diversos éxitos, incluyendo tres primeros lugares en las listas de popularidad estadounidenses.2 Vendió más de 15 millones de álbumes y 10 millones de sencillos, y fue la primera cantante australiana en hacerse merecedora del premio Grammy. En 1974 se convirtió en ciudadana estadounidense a través de la naturalización, pero usualmente vivía en Sídney, Australia.3
Helen trabajó como Hipnoterapista Clínica en Sídney y fue jefa de la Australian Society of Clinical Hypnotherapists.
El 6 de agosto de 2015, la familia de Reddy emitió un comunicado confirmando que se había retirado de actuaciones en vivo y que vivía en el asilo de ancianos, pero negaron informes que sufría de demencia.4
Primeros años[editar]
De ascendencia irlandesa, escocesa e inglesa,5 Reddy nació dentro de una familia acomodada en el ámbito de los negocios del espectáculo, sus padres fueron intérpretes muy conocidos del género vodevil en Australia, su madre Stella Lamond (1909-1973), cantante y actriz y, su padre, el escritor y comediante Max Reddy; su hermana mayor también es cantante y actriz, Toni Lamond (1932-) ; y su sobrino también es cantante y actor: Tony Sheldon.
Reddy comenzó a interpretar papeles al lado de sus padres a los cuatro años de edad. Durante su adolescencia estuvo casada con un músico de mayor edad que ella, de quien tuvo una hija: Traci, pero se divorciaron al poco tiempo. Después de comenzar su carrera en radio y televisión en Australia , ganó un concurso de talento en el popular programa televisivo Bandstand lo cual le permitió emigrar a los Estados Unidos en 1966. Fijando su residencia en Nueva York, ahí conoció a Jeff Wald, un agente de la "William Morris Agency"; después de vivir juntos por cuatro días, Reddy y Wald contrajeron matrimonio; subsecuentemente él se convertiría en su manager.
Después de una temporada en Chicago, la familia se mudó a Los Ángeles, California, en donde Reddy intentó establecerse como cantante. Veintisiete sellos discográficos la rechazaron antes de firmar contrato con la Capitol Records en 1970.
Éxito en 1970[editar]
Al lado de su amiga y compatriota Olivia Newton-John, Reddy se convirtió en la más exitosa de las estrellas femeninas de los 1970, con catorce temas colocados entre las 40 principales de 1971 a 1978, Reddy también ejerció influencia -animando a su amiga- en la carrera de Newton-John, sugiriéndole viajar de Gran Bretaña a los Estados Unidos a principios de 1970, al poco tiempo Olivia ganó el papel estelar de "Sandy" en la versión fílmica del musical "Grease" (Brillantina) después de un encuentro con Allan Carr -productor de la película- en una fiesta verificada en casa de Reddy.
El primer tema en colocarse dentro de los 40 principales fue su versión del tema "I Don't Know How To Love Him" (No sé como amarlo) de la ópera musical Jesucristo Superstar. Logró colocar a nivel internacional un éxito regrabado en 1972 con el himno feminista: "I Am Woman" (Soy mujer) que ella coescribió al lado del músico australiano, Ray Burton, tema que se colocó en primer lugar de las listas de popularidad de Estados Unidos. Reddy atribuyó el ímpetu por escribir "I Am Woman" y por el movimiento feminista a su compatriota expatriada, la crítica de Rock australiano y pionera feminista Lillian Roxon. Reddy es citada en el libro de Fred Bronson "The Billboard Book of Number One Hits", donde se dice que ella: buscaba canciones para grabar que reflejaran la auto imagen positiva que ella poseía a partir de unirse al movimiento feminista, pero no encontró alguna, así que "Me di cuenta que la canción que buscaba no existía, y tenía que escribirla por mi misma". El sencillo apenas apareció en listas a su lanzamiento en verano de 1972, pero tiempo después fue adoptado como himno feminista por lo que fue solicitado por los escuchas de manera insistente, lo que propició que volviese a aparecer en listas y convertirse en un gran éxito. "I Am A Woman" ganó el premio Grammy por mejor interpretación vocal femenina, y en la ceremonia de entrega de premios ella concluyó su famoso discurso de aceptación dando gracias a Dios "porque ella hace todo posible".
Cine y teatro[editar]
En 1974 interpretó el personaje de la hermana Ruth en la película "Aeropuerto 1975"; en ella canta una versión acústica de su tema "Best friend" para confortar a Linda Blair, la famosa niña de "El exorcista" y a su madre Bárbara Bel Geddes, que posteriormente se convertiría en Miss Ellie Ewing, la matriarca de la familia Ewing en la serie "Dallas". En 1977 protagonizó la película musical de la Disney Pedro y el Dragón Elliot, en el papel de Nora. Por esta película, la canción Candle on the water (Faro sobre el agua) que interpretó fue nominada al Oscar a la mejor canción original.
https://www.youtube.com/watch?v=rptW7zOPX2E
1944:
Nace Jon Anderson,
cantante británico, de la banda Yes.
Jon Roy Anderson (Accrington, Lancashire, Inglaterra, 25 de octubre de 1944),
más conocido como Jon Anderson, es un cantante, compositor y músico inglés. Es fundador del grupo de rock progresivo británico Yes, además de su trabajo como solista y
con Vangelis (dúo Jon and Vangelis).
Índice
·
3Estilo
Primeros años[editar]
Anderson nació en el pueblo de Accrington, en Lancashire, Reino Unido. Es hijo de Albert y Kathleen
Anderson. Asistió de pequeño a la St. John's Infants School, en
Accrington, y comenzó sus primeros ensayos musicales a temprana edad, tocando
la tabla de lavar en Little John's Skiffle Group, donde interpretaban canciones
de Lonnie Donegan,
entre otros.
Abandonó la escuela a los 15 años, y realizó una serie de
trabajos variados, incluidos el de peón de granja, el de conductor de camiones
y el de lechero.
Carrera musical[editar]
En 1962, Anderson se unió a The
Warriors (también conocido como The Electric Warriors), donde
él y su hermano compartían el rol de vocalista líder. Abandonó esta banda
en 1967.
En 1968 editó dos simples como solista,
cantó brevemente en las bandas The Gun y The Open
Mind, y en el verano de ese año se unió a un grupo llamado Mabel
Greer's Toyshop, que también lo formaban el bajista Chris Squire y el guitarrista Peter Banks. Anderson encabezó esta banda,
pero terminó abandonando el grupo antes de que terminara el verano.
Anderson, Squire y Banks deciden formar el grupo Yes, con Bill Bruford como baterista y Tony Kaye como teclista. Su álbum debut fue editado en 1969.
1948:
Muere
Boris Ivanovich Fomin ( en ruso : Бори́с Ива́нович Фоми́н , AFI: [bɐˈrʲis ɨˈvanəvʲɪtɕ fɐˈmʲin] ; 12 de abril de 1900 - 25 de octubre de 1948) fue un músico y compositor ruso y soviético que se especializó en el romance ruso .
Varias de las canciones de Fomin se hicieron populares en la década de 1920, la más notable "Dorogoi dlinnoyu" (" Дорогой длинною ", "Por el largo camino"), conocida comúnmente por su versión en inglés " Those Were the Days ", que se hizo mundialmente famosa en 1968 por Mary Hopkin y se le atribuye a Eugene Raskin , quien en 1962 escribió la letra en inglés de la melodía y reclamó la canción como suya. Fue compuesta por Boris Fomin en 1924, interpretada y grabada por primera vez por Tamara Tsereteli (1925) y Alexander Vertinsky (1926); fue este último quien la popularizó en el extranjero. [ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]
Biografía
[ editar ]Primeros años de vida
[ editar ]Boris Ivanovich Fomin nació en San Petersburgo . Su padre Ivan Yakovlevich (1869-1935) era un oficial de alto rango del ejército que servía en la oficina de control militar del Estado, que contaba a Mikhail Lomonosov entre sus parientes lejanos. Su madre Yevgenia Ioannovna Pekar (1872-1954), hija de la dama de compañía de Alejandro II , era de origen austriaco ; se casó (pero pronto se divorció) con un hombre italiano , y fueron los talentos musicales de este último los que se consideraron heredados por su nieto, quien a la edad de cuatro años tocaba bien el acordeón , aunque tenía obvias dificultades para sostenerlo. [ 4 ] Boris tenía tres hermanas, Valentina (un año mayor), Lydia y Olga, 8 y 12 años menores, respectivamente. [ 2 ]
Educación
[ editar ]Por orden de su padre, Boris se unió a una escuela de piano , pero su pasión por la música era imposible de ignorar. A los doce años, se unió a la clase de piano de la profesora del Conservatorio Anna Yesipova , cuya lista de alumnos incluía a Sergei Prokofiev . Después de la muerte de Yesipova en 1914, Fomin, bajo la tutela de dos de sus colegas, Benditsky y Sakharov, se unió a la Filarmónica de San Petersburgo. Un año después se inscribió en el Conservatorio de San Petersburgo . Su educación se vio interrumpida por la Revolución de 1917 y más tarde nunca intentó completarla. En retrospectiva, argumentaron los biógrafos, el diploma del Conservatorio habría hecho su vida posterior mucho más fácil. [ 2 ]
En marzo de 1918, invitado personalmente por Vladimir Lenin para unirse al aparato militar del nuevo gobierno bolchevique , Ivan Fomin llegó a Moscú y pronto se mudó con su familia a un apartamento de cinco habitaciones junto a Chistye Prudy . A principios de 1919, Boris Fomin se presentó voluntario al Ejército Rojo . Como graduado de la Realschule, fue enviado a trabajar en la reparación y restauración de los ferrocarriles de primera línea, pero también disfrutaba como artista escénico, a menudo presentando espectáculos unipersonales en los andenes de los vagones. [ 2 ]
Carrera musical temprana
[ editar ]En 1921 Fomin regresó a Moscú y escribió la música para la opereta La carrera de Pirpoint Black , con letras de Konstantin Podrevsky y Alexey Fayko. El espectáculo tuvo un gran éxito en Moscú y Petrogrado en 1922, pero fue recibido con frialdad por la prensa bolchevique, que desconfiaba mucho del género en su conjunto. "Allí la música es apenas un poco mejor que la de Kalman o Lehar ", escribió un "crítico" de un periódico, con toda seriedad. [ 2 ]
Los tres ballets que escribió Fomin (incluidos Max y Moriz , con Vadim Shershenevich como libretista) no le aportaron el reconocimiento que ansiaba. En ese momento, probó suerte con el romance ruso y en él encontró su verdadera vocación. [ 2 ]
Su amistad con el poeta y letrista Konstantin Podrevsky fue fundamental en esto. Se conocieron en 1923 cuando ambos se convirtieron en miembros de la Unión Soviética de Escritores de Música y Teatro. [ 3 ] Juntos escribieron unas 30 canciones, una de las primeras fue "Dorogoi dlinnoyu", escrita a fines de 1924. Su primera intérprete fue Tamara Tsereteli, quien grabó la canción en 1925. Un año después, Alexander Vertinsky la grabó en París ; incluyó la canción en su repertorio estándar y continuó interpretándola a lo largo de su carrera, aunque realizó varios cambios en la letra.
Entre otros temas de éxito que Fomin escribió a mediados de la década de 1920 se encuentran "Ei, drug-gitara" (Oye, mi amiga guitarra), "Tvoi glaza zelyonye" (Tus ojos verdes), así como "Tolko raz" (Sólo una vez), este último dedicado a la ex cantante de banda gitana Maria Masalskaya, entonces suegra . [ 2 ]
Fomin se convirtió en una celebridad y durante los tres años siguientes disfrutó de ser parte de la vida artística de Moscú.
Denunciado como 'contrarrevolucionario'
[ editar ]Todo esto terminó abruptamente en junio de 1929, cuando la Conferencia Pansoviética de Músicos, celebrada en Leningrado , declaró que el romance ruso era un género "contrarrevolucionario". Más tarde se supo que " Dorogoi Dlinnoyu", una nostalgia melancólica por los "viejos tiempos", había sido prohibida antes, en 1927. [ 3 ]
En 1937, Fomin fue arrestado, aparentemente como resultado de violaciones en la provincia rusa de la prohibición impuesta a sus canciones. Pasó un año en Butyrka , luego fue liberado. [ 4 ] Se rumoreaba que Stalin admiraba su canción "Sasha" (con letra de Pavel German), interpretada por Izabella Yurieva , aunque sus biógrafos dudan que hubiera sido razón suficiente para que el líder soviético interviniera personalmente: consideran que la liberación fue el resultado combinado de la mala salud de Fomin y la razón "técnica" de que al menos algunos de sus acusadores e investigadores habían sido arrestados y procesados, una situación que no era inusual en el apogeo de la Gran Purga . [ 2 ]
Carrera musical posterior
[ editar ]Dos de las canciones que escribió a finales de los años 30 se hicieron famosas: "Izumrud" ("Esmeralda") y "Ne govori mne etikh slov nebrezhnykh" ( "No me digas esas palabras descuidadas" ). Muchas otras se han perdido. [ 2 ] Sin embargo, en 1939-1940 las canciones de Fomin comenzaron a salir nuevamente en discos, interpretadas por Izabella Yurieva ("Sasha", "Palabras y deseos", "Todo está por delante", "¡Canta, gitano!", "Sonríe", "Sólo una vez"), Tamara Tsereteli ("No puedo amarte", "Vamos, no estés tan triste", "La reunión") y Klavdiya Shulzhenko ("Nariz respingada", "Palabras sencillas", "Hijos"). [ 6 ]
Cuando estalló la Gran Guerra Patria , Fomin se quedó en Moscú. Con el apoyo del Ministerio del Interior , organizó el teatro Yastrebok (El joven halcón), que durante casi un año fue el único que funcionó en la capital soviética, y actuó regularmente para los combatientes del Ejército Rojo en el frente . La sensación de urgencia y de que lo necesitaban nuevamente le dio la energía para luchar contra la enfermedad. Escribió más de 150 canciones con temas de guerra; al menos tres de ellas fueron grabadas y publicadas en 1945 por Klavdiya Shulzhenko. [ 7 ]
Cuando la guerra terminó y los funcionarios comenzaron a regresar a Moscú, Fomin volvió a convertirse en un autor "olvidado". Su nombre fue "recordado", brevemente, como la campaña "antiposhlust" inspirada por Zhdanov de 1946, y Fomin se encontró en la lista de "extranjeros ideológicos", encabezada por Mikhail Zoshchenko y Anna Akhmatova . [ 2 ]
Muerte
[ editar ]Durante muchos años Fomin sufrió tuberculosis , aunque se negaba rotundamente a considerarse un enfermo. Para la gente que le rodeaba, parecía una "fuente de optimismo", según Galina Alexandrovna, su esposa:
- "Nunca fue un tipo hogareño. Siempre sociable, siempre trabajando... Escribía canciones por la noche, porque no había tiempo para ellas durante el día. Siempre me maravilló su incansable incansabilidad. Era un hombre muy enfermo, nunca se desesperó, siempre creyó en un futuro mejor... [estaba seguro] de que la campaña contra el romance era una especie de 'ceguera temporal', y que llegaría el momento en que la gente comenzaría a cantar sus canciones nuevamente. Esa creencia aparentemente le dio la fuerza". [ 2 ]
En 1948, la salud de Fomin se deterioró y tuvo que ingresar en la clínica Vysokiye Gory. Sus amigos lograron conseguirle penicilina (una rareza en aquellos tiempos en la URSS, disponible sólo para los miembros de la nomenclatura ). La cura podría haberle salvado la vida antes, pero para entonces ya era demasiado tarde. Boris Ivanovich Fomin murió el 25 de octubre de 1948. Fue enterrado en el cementerio de Vvedenskoye . [ 8 ] [ 2 ]
Legado
[ editar ]Boris Fomin, que escribió más de 400 canciones, tres ballets y tres operetas, se hizo famoso en la década de 1920 como un maestro del romance ruso . Después de 1929, cuando todo el género fue declarado "contrarrevolucionario", Fomin cayó en el olvido y todos sus éxitos famosos fueron prohibidos. En la Unión Soviética post-estalinista, algunos de ellos fueron recuperados (notablemente, por Nani Bregvadze , quien interpretó y grabó "Dorogoi dlinnoyu" en 1967), pero invariablemente como "canciones populares", sin acreditar a su autor. A fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, artistas populares como Oleg Pogudin y Nina Shatskaya comenzaron a interpretar las canciones de Fomin. La primera biografía completa de Fomin, El feliz desafortunado ( Счастливый неудачник ), de Elena y Valery Ukolovs, salió en 2000. El legado de canciones del compositor disfrutó de un renacimiento, y el público en general en Rusia se sorprendió al darse cuenta de que algunos de sus romances más queridos que creían que eran canciones "tradicionales" o "folk", fueron escritos por Boris Fomin, un compositor cuyo nombre no ha sido mencionado en la prensa soviética durante décadas. [ 9 ]
1955:
Muere Charlie
Figueroa, cantante puertorriqueño.
Nació en Santurce, Puerto Rico, en 1928 y murió el
25 de octubre de 1955, a los 27 años de edad.
Una de las canciones que ha
sido emblemática en su voz y que lo identifica inmediatamente como Charlie
Figueroa es “BUSCO TU RECUERDO”, acompañado por el magnífico grupo
musical “La Sonora Malecón Club”, siendo el compositor de tan bella
melodía el maestro José Barros de origen colombiano. Melodía
que se ha escuchado a lo largo de más de cincuenta años como si se tratara de
una nueva y novedosa composición.
Entre las grandes
interpretaciones del grandioso Charlie Figueroa, además de “Busco tu
recuerdo”, su canción insignia, están, entre otras muchas más, “El último
suspiro”, “Madrigal”, “Irresistible”, Arrullo de Palmas”, “Tu serás mía”,
“Culpa el Destino”, “No pises mi camino”, “Que te pasa”, “La vida es un sueño”,
“Margie”, “Añoranzas”, “No llores más”, “Como tu reías”, “Por eso me voy”,
“Plegaria de amor”, “Olga”, “desgraciadamente”, “Negra fatalidad”, etc.
En reseñas que se han
publicado en la red se ha reconocido expresamente que en cuanto a grandes
intérpretes del bolero, de muchos de ellos no se sabe nada o muy poco de su
vida o biografía, como es el caso de Charlie Figueroa, pero, eso si, los
que se dicen biógrafos del inmortal Daniel Santos insisten en
continuar escribiendo en Internet que el gran Charlie
Figueroa imitaba, admiraba o cantaba con el mismo estilo
del “Inquieto anacobero”, lo que a nuestro muy personal parecer no se
ajusta a la realidad, ya que ambos, si bien es cierto que tenían un timbre de
voz que se asemejaban en sus tonalidades, los estilos eran totalmente diferentes,
sus formas de decir las canciones diferían totalmente, ya que
mientras Daniel Santos siempre fue un dicharachero, un cantante
inquieto, Charlie Figueroa, por el contrario, lo caracterizaba la seriedad
en el ejercicio de su profesión, tenia más bien una personalidad introvertida,
callada, amigo de pocas palabras, aunque no le faltaron sus momentos de ser
dicharachero y alegre cuando los motivos se prestaban para ello.
https://www.youtube.com/watch?v=HD8SouPlXKw
1955:
Nace Gale Anne
Hurd,
Gale Anne Hurd1 (n. Los Ángeles, California, Estados Unidos, 25 de octubre de 1955)
es una productora y guionista de cine y televisión, economista y comunicadora estadounidense. Comenzó su carrera profesional
como productora y guionista en 1984. Fundó su propia productora
cinematográfica Western Pacific Production, con la que ha producido
numerosas películas conocidas internacionalmente como las películas de Terminator, de Alien,
de Punisher,
de Hulk y demás películas destacadas.
Actualmente desde 2010 trabaja como productora ejecutiva de
la famosa serie de televisión The
Walking Dead.
Ha recibido diversos premios como los Saturn, Independent
Spirit, el National Board of
Review, etc y desde 2012 tiene una estrella
en el Paseo de la
Fama de Hollywood.
Estuvo casada entre 1985 y 1989 con James Cameron, entre 1991 y 1993 con Brian De Palma con el que tiene una hija
y desde 1995 con Jonathan Hensleigh.
1956:
Nace Matthias Jabs, guitarrista alemán, de la banda
Scorpions.
Matthias Jabs (Hannover, Alemania Occidental, 25 de octubre de 1955) es un músico, compositor y empresarioalemán, conocido mayormente por ser guitarrista líder de la banda
de hard rock y heavy metal Scorpions desde 1978 hasta la actualidad. Inició su
carrera profesional en 1975 en Fargo, luego pasó a la banda de rock melódico
Lady y en 1978 ingresó a su banda actual en reemplazo de Uli Jon
Roth. Después
de Rudolf
Schenker, Jabs es el
guitarrista que más tiempo ha permanecido en el grupo alemán, además ha
colaborado en todos los álbumes desde Lovedrive de 1979 ya sea como
guitarrista líder, rítmico y compositor. Por otro lado, en 2007 abrió su tienda
MJ Guitars en Múnich, que se especializa en venta y reparación de guitarras,
bajos y otros instrumentos de cuerda, como también en la comercialización de
otros equipos y accesorios asociados.1
*************
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Carrera[editar]
Primeros papeles[editar]
Los Simpson[editar]
Otros trabajos[editar]
Familia[editar]
Trayectoria[editar]
Índice
Datos biográficos[editar]
Primeros estudios[editar]
Primer reconocimiento: clarinetista[editar]
En la Ciudad de México[editar]
La Revolución mexicana[editar]
Matrimonio[editar]
Concurso de la canción mexicana de El Universal[editar]
Banda de Policía[editar]
Compositor[editar]
1957:
Nace Nancy Cartwright (voz de Bart Simpson).
Nancy Campbell Cartwright (Kettering,
Ohio, Estados Unidos; 25 de octubre de 1957)
es una actriz estadounidense, comediante y actriz de voz. Es principalmente reconocida
por prestar su voz para las voces de Bart Simpson, Nelson Muntz, Todd Flanders y Ralph Wiggum en la serie animada Los Simpson.1La actriz y cantante Sabrina Carpenterreveló en una entrevista que
Nancy es su tía.
Biografía[editar]
Nancy Cartwright nació el 25 de octubre del año 1957 en Kettering,
Ohio. Se mudó a Hollywood en 1978 y estudió junto al
actor de voz Daws Butler. Su
primer papel como profesional fue realizar la voz de Gloria en la serie
animada Ricky
Ricón, tras lo cual tuvo un protagónico en la película para
televisión Marian Rose White (1982) y su primer
largometraje, Twilight Zone: The
Movie (1983).
En su búsqueda de trabajo como
actriz de voz, en 1987 Cartwright audicionó para un papel en una serie de cortos
animados sobre una familia disfuncional que se emitiría
durante El Show de Tracey
Ullman. Cartwright tenía la intención de obtener el papel
de Lisa Simpson, la
hija menor; cuando llegó a la audición, decidió que el papel de Bart, el
hermano de Lisa, era más interesante. Matt Groening, el creador de la serie, le
permitió audicionar para la voz de Bart en el mismo lugar. Realizó su voz
durante tres semanas en El show de Tracey Ullman, y en 1989, los
cortos se convirtieron en un programa de media hora de duración titulado Los
Simpson. Por su subsecuente trabajo personificando a Bart, Cartwright
recibió un Premio Primetime Emmy en
la categoría Mejor actuación de voz en 1992 y un premio Annie por Mejor actuación de voz
en el campo de la animación en 1995.
Cartwright ha realizado las
voces de docenas de personajes animados, incluyendo a Chuckie
Finster en Rugrats y en All Grown Up!, a Rufus de Kim Possible, a Mindy de Animaniacs, a Margo Sherman en El crítico y a Chip en The
Kellys. En 2000, publicó su autobiografía, My Life as a
10-Year-Old Boy, y más tarde la adaptó en un monólogo.
Primeros años[editar]
Nancy Cartwright asistió a la
Escuela Secundaria Fairmont, y participó en el teatro escolar y en la banda que
organizaba las marchas. De vez en cuando participó en competencias de discursos
públicos, obteniendo el primer lugar en la categoría de "Interpretación
humorística" en el Torneo Nacional del Distrito de dos años de duración.
Los jueces le sugerían que se dedicase a realizar voces de dibujos animados.
Nancy se graduó de la escuela en 1976 y aceptó una beca para la Universidad de Ohio.2 Continuó participando en competencia
de discursos en público; durante su segundo año, quedó segunda en el Torneo
Nacional de Dicción con su discurso "El arte de la animación".3
En 1977, Cartwright obtuvo un
empleo de medio tiempo realizando voces para comerciales radiales en Dayton.4 Un representante de Warner Bros. Records visitó
la radio en que se emitía su voz, WING, y más tarde le envió una lista de
contactos de la industria de la animación.5 Uno de los contactos era Daws Butler, conocido por realizar las voces
de personajes como Huckleberry Hound, Snagglepuss, Elroy Jetson y
el Oso Yogi. Cartwright lo llamó, y dejó un
mensaje con acento de Cokney en su máquina contestadora. Butler inmediatamente
le devolvió la llamada y aceptó ser su mentor. Le envió un libreto por correo y
le pidió que le enviase una cinta de ella misma leyéndolo. Una vez que recibió
la cinta, Butler la criticó y le contestó con consejos. Durante el año
siguiente continuó de esta forma, completando un libreto nuevo cada varias
semanas. Cartwright describió a Butler como "absolutamente sorprendente,
siempre alentador, siempre correcto".6
Cartwright regresó a la
Universidad de Ohio para cursar el segundo año, pero fue transferida a la Universidad
de California, Los Ángeles (UCLA) para estar más cerca de
Hollywood y de Butler.4 Su madre, Miriam, falleció en el
verano de 1978.7 Cartwright estuvo a punto de cambiar
sus planes de mudanza pero, el 17 de septiembre de 1978, se mudó a Westwood, California.8
Carrera[editar]
Primeros papeles[editar]
Cuando asistía a la UCLA, la
cual no tenía un equipo fijo para participar en los concursos de discursos
públicos,10 Cartwright continuó entrenándose
como actriz de voz con Butler. Recordó "cada domingo, me tomo un autobús
durante veinte minutos hasta Beverly Hills para recibir una lección de
una hora y pasar allí cuatro horas. Tenía cuatro hijos, pero ninguna hija, por
lo que me sentía como la bebé de la familia".9 Butler le presentó a varios de los actores
de voz y a los directores de Hanna-Barbera. Después de que conoció al
director Gordon Hunt, éste le
pidió una audición para un papel recurrente, como Gloria, en la serie de televisión Ricky
Ricón. Recibió el libreto, y más tarde trabajó con Hunt en
muchos otros proyectos. A finales de 1980, Cartwright firmó un contrato con una
agencia de talentos y obtuvo un papel protagónico en un piloto para una comedia de situación llamada In
Trouble. Cartwright describió el programa como "digno de olvidarse,
pero realmente propulsó mi carrera como actriz".11 Se graduó de la UCLA en 1981 con un
título en teatro.12 Durante el verano, Cartwright
trabajó con Jonathan Winters como
parte de una compañía de improvisación en el Kenyon
College en Gambier, Ohio.11
De regreso en Los Ángeles, Cartwright obtuvo el protagónico
en la película para televisión Marian Rose White. Janet Maslin, una crítica de The New York Times,
la describió como "una actriz rechoncha, torpe y ligeramente bizca, cuya
naturalidad contribuye en gran forma al impacto de la película".13 Cartwright le respondió enviándole
una carta en la que aseguró no ser bizca, e incluyó una fotografía.14 Más tarde, Cartwright audicionó para
el papel de Ethel, una chica que queda atrapada en un mundo de dibujos animados
en el tercer segmento de Twilight Zone: The
Movie. Allí conoció al director Joe Dante y más tarde lo describió como
"un verdadero aficionado a las caricaturas, y una vez que hubo mirado mi
currículum y detectado el nombre de Daws Butler, comenzamos a hablar y a
compartir anécdotas sobre Daws y sobre la animación. Después de aproximadamente
veinte minutos, dijo, 'considerando tu historia personal, veo que no podría
seleccionar a nadie que no fueses tú para este papel'".15 Fue su primer papel en un
largometraje.15 El segmento se basó en la serie de
televisión The Twilight Zone,
específicamente en el episodio It's a Good Life, el cual tendría una
parodia en el episodio Treehouse of Horror
II (1992) de la serie animada Los Simpson.16
Cartwright continuó trabajando
como actriz de voz en series y programas como Pound Puppies, Popeye
and Son, Snorks, My Little Pony, Saturday
Supercade y la película The Chipmunk
Adventure (1987).17 Se unió a un grupo y comenzó a
grabar voces de personajes con papeles menores en películas, aunque en la
mayoría de los casos el sonido era eliminado y solo podían oírse fragmentos de
los diálogos. Realizó papeles menores en varias películas, incluyendo El
clan del oso cavernario (1986), Silverado (1985), Sixteen Candles (1984), Back to the
Future Part II (1989) y The Color Purple (1985).18 El más notable fue en la
película Who Framed Roger
Rabbit(1988) como un zapato "zambullido" en ácido. Lo
describió como su "primera escena de muerte en la pantalla",18 y trabajó duramente para transmitir
la emoción de la escena.
En 1985, audicionó para un
papel como Cynthia en Cheers. En la audición
simplemente dijo su línea y abandonó el set. Cartwright decidió aprovechar la
oportunidad de ser diferente y continuó caminando, abandonando también el
edificio y yendo a su hogar. Los productores se mostraron confundidos, pero
obtuvo el papel.18 Para tener más experiencia como
actriz, Cartwright comenzó a asistir a varias clases con Milton
Katselas. Él le recomendó que estudiase La strada, una película italiana de 1956
protagonizada por Giulietta Masina y
dirigida por Federico Fellini.
Comenzó interpretando "todas las escenas imaginables" de la película
en su clase y pasó varios meses tratando de obtener los derechos para producir
una adaptación teatral.19 Visitó Italia con la intención de
conocer a Fellini y para pedirle permiso en persona. Pese a que nunca se
conocieron, Cartwright escribió un diario del viaje y más tarde escribió una
obra llamada En la búsqueda de Fellini, basada parcialmente en su
viaje.19 La obra fue co-escrita por Peter
Kjenaas, y Cartwright ganó un Premio Drama-Logue luego de interpretarla en Los
Ángeles en 1995. En una entrevista de 1998, declaró sus intenciones de
convertirla en un largometraje.20
Los Simpson[editar]
Desde 1987 Cartwright
ha sido la voz de Bart Simpson y
otros personajes de la serie Los Simpson. Inicialmente ella se postuló
para el personaje de Lisa, pero pronto
se le indicó que su voz podría ser más adecuada para Bart, por lo que Matt Groening le permitió probarse en
dicho rol, y luego de escucharla lee le dio el trabajo.21 Cartwright era la única miembro del
equipo de voces que contaba con estudios formales de entrenamiento y educación
de voz.22 La muletilla de Bart "Cómete
mis shorts" fue un agregado de Cartwright en uno de los libretos, que se
remonta a un incidente de su pasado escolar.23 Cartwright también le presta su voz
a varios otros personajes tales como Nelson Muntz, Todd Flanders, Ralph Wiggum, Kearney y otros estudiantes.24
Hasta 1998, Cartwright recibía
una paga de $30.000 por
temporada. En esa época ella y otros cinco actores de los personajes
principales de Los Simpson tuvieron una disputa con Fox en la
que fueron amenazados de ser reemplazados por otros actores, llegando el
estudio al extremo de preparar el casting para las nuevas voces. Sin embargo,
el diferendo fue resuelto y desde 1998 hasta el 2004, recibieron una paga de $125.000
por temporada. En el 2004, los actores de voz volvieron a amenazar con detener
sus labores, reclamando un pago de $360.000
por temporada.25 La huelga se resolvió dentro del
plazo de un mes26 y Cartwright actualmente recibe un
pago de $400.000
por temporada.27
Otros trabajos[editar]
Además de su trabajo en Los Simpson, ha sido la voz de otros
muchos personajes en series animadas, incluyendo Kim Possible, Rugrats Crecidos, Los sustitutos, Richie Rich, La
Troopa Goofy, Animaniacs, Pinky and the Brain, Mi pequeño pony, The Critic, God,
The Devil and Bob, Mike, Lu y Og, Pound Puppies, The Snorks, Galaxy High como
también el último trabajo de Chuck Jones', Timberwolf.28
Cartwright también ha aparecido
en cámara en numerosas series de televisión y películas, tales como Fame, Empty Nest, Cheers, El príncipe del rap, Twilight Zone: The
Movie, Flesh +
Blood, y Godzilla. Además, fue
la actriz principal de la película Marian
Rose White. Cartwright actuó en el episodio de la sexta
temporada de 24 como
Jeannie Tyler, la mujer, Chloe, que O'Brian piensa es la patrocinadora actual
de AA de Morris O'Brian (en la misma temporada Kiefer Sutherland y Mary Lynn Rajskubrepresentaron sus papeles
como Jack Bauer y Chloe O'Brian en el episodio de Los Simpson "24 Minutes").
Cartwright es también la voz
de Putt-Putt en
el juego de computadora interactivo para niños. Si bien la invitaron a que
realizara las voces femeninas para South Park, ella declinó la oferta,
indicando que el libreto era ofensivo para sus estándares; finalmente, el papel
lo tomó Maria Kay Bergman.
Su autobiografía, "My Life
as 10 years boy" ("Mi vida como un chico de 10 años"), permite
asomarse a la trastienda de la serie Los Simpson. Este libro fue
convertido en una obra de teatro que fue presentada en el Edinburgh
Festival Fringe durante el 2004.28 La obra no fue bien acogida por el
público.29
En enero de 2009 Cartwright
desató polémica al grabar un anuncio telefónico, con la voz la cual dobla a
Bart Simpson, que recordaba a los ciudadanos que tendría lugar una
multitudinaria congregación de cienciólogos en la ciudad de Los Ángeles.
Todo apunta a que podría tener problemas legales, ya que lo habitual en el
sector es que la voz del personaje esté sujeta a los derechos de la productora,
Twentieth Century Fox. El productor ejecutivo de Los Simpson, Al Jean, ha dado alguna pista sobre el
descontento declarando que: "Los Simpson no apoyan, ni han apoyado nunca,
ninguna religión, filosofía o sistema de creencias más profundo que las
barritas Butterfinger(una
chocolatina)".
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1959:
Nace Ivan
Villazon, cantante y compositor colombiano de música vallenata.
Iván Francisco Villazón Aponte (Valledupar, Colombia, 25 de octubre de 1959),
conocido como Iván Villazón, es un cantante y compositor colombiano de música vallenata.
Su carrera comenzó en 1984 después de abandonar sus
estudios universitarios donde cursando la carrera de Derecho.2
Familia[editar]
Iván
nació el 25 de octubre de 1959 en Valledupar, Magdalena Grande, actual departamento del Cesar,
en el hogar del político liberal Crispín Villazón De Armas y
Clara Elisa Aponte López, de cuya unión nacieron cinco hijos.23 Sus hermanos son Francisco, Clemencia, María
Paulina y Ana María Villazón.4
Es
sobrino, por parte de madre, del también dirigente político José Antonio Murgas Aponte.
Su
hermana Clemencia Villazón, contrajo matrimonio con Camilo Cano Busquets, hijo
menor del ilustre periodista colombiano Guillermo Cano Isaza,
propietarios del diario El Espectador.
Iván
contrajo matrimonio con Aida Mercedes García Tolosa, de cuya unión nacieron
tres hijos; Crispín Enrique, Iván
David y Daniel Camilo Villazón García.15
Trayectoria[editar]
Villazón
pasó su infancia en la ciudad de Valledupar, donde asistió a la escuela
secundaria en el Colegio María Montessori. Creció amando parrandas y fiestas
que su padre Crispín Villazón De Armas organizaba
con músicos locales como el acordeonero Colacho Mendoza, Adán Montero, Ovidio
Granados, el cajero Rodolfo Castilla y el juglar Alejandro Durán,
entre muchos otros. Fue amigo de infancia del acordeonero Gonzalo Arturo Molina,
con quien creó un conjunto musical de vallenato, con Iván tocando la guacharaca.6 "El Cocha" e Iván participaron en
la categoría infantil y luego en la juvenil del Festival
de la Leyenda Vallenata, en esta última "El Cocha" se
coronó como "Rey Vallenato", categoría acordeón juvenil en
1982.6
Villazón
fue enviado a la ciudad de Bogotá para cursar estudios secundarios en el
Colegio REFOUS. Después de graduarse, pasó cuatro años en la universidad
estudiando derecho en la Universidad Externado,
pero se retiró para seguir una carrera como cantante vallenato.
En 1984 Villazón
grabó su primer disco con el acordionero Alfredo Gámez en la casa
disquera Philips Records y
la llamó El Arco Iris, con una canción del mismo nombre escrito por Rafael Escalona. El álbum fue un éxito y la canción
sigue siendo considerada en su marca registrada.
En 1985 se
asoció con el acordionero Orangel Maestre y lanzó un nuevo álbum, bajo el mismo
sello discográfico, con el nombre de Una Voz, Un Rey. Tres canciones de este
álbum se convirtieron en grandes éxitos: Mella Condolete, del compositor Hernando Marín, Pedazo de Acordeón Alejo Durán, y Sufrir de nuevo por Iván
Ovalle.
En 1986 Villazón
se unió con el acordionero Raúl Martínez para
grabar dos álbumes, Los Virtuosos y Vamos Amanece, bajo la disquera CBS ( Ahora Columbia Records). La
galardonada canción El amor es un Cultivo registrada en este álbum se convirtió
en un gran éxito, junto con Sed de alma y Matica de toronjil. En 1987,
grabaron su tercer álbum llamado Los Virtuosos Volumen II, la producción de dos
grandes éxitos: Recuérdame, escrito por el cantante y compositor Gustavo Gutiérrez Cabello,
Yo tenía Un Amigo escrita por el compositor Rafael Manjarréz Mendoza y todo
pasa por Iván Ovalle. Las diferencias personales surgidas entre Villazón y
Martínez causa la separación.
En 1988 Villazón
se unió con el acordionero y más tarde rey de reyes del Festival la leyenda
vallenata, Gonzalo Arturo "El
Cocha" Molina que había sido el socio de Diomedes Díaz. Ellos grabaron el álbum Por ti
Valledupar del que produjo tres grandes éxitos: No espero más escrita por el
compositor Efrén
Calderón, Que Siga la fiesta, de José
Alfonso Maestre y Por ti Valledupar de Gustavo Gutiérrez
Cabello, bajo el sello discográfico CBS. En 1989,
grabaron su segundo álbum, junto con el nombre Enamorado de Ella con canciones
de éxito, Mis condiciones Gustavo Gutiérrez y Enamorado de Ella por Rafael
Manjarrez. En 1990, grabaron su tercer álbum bajo el sello
discográfico CBS titulado El Amor Canta Vallenato con los éxitos: Mi novia
querida, de Gustavo Gutiérrez, El Amor Canta Vallenato de Hernán Urbina Joiro y
Vola' pajarito, de Alejo Duran.
Este
mismo año, Villazón y Molina decidieron seguir caminos diferentes y Villazón se
asoció con el acordeonista Beto Villa para grabar el álbum La Compañía bajo el
sello de grabación EMI. Este álbum representa su álbum más exitoso,
porque todas las canciones del álbum se convirtieron en grandes éxitos en la
radio, incluyendo El Perdón, El Niño Bonito, La Suegra, El Guayabito y La
Fuerza del Amor. Después de esta exitosa producción de Villazón y Beto Villa,
Villazón tuvo dos años fuera de los escenarios y estudios de grabación.
En 1993 Villazón
trabajó con el acordeón de Franco
Arguelles y grabó el álbum Un Mar de Lágrimas con el sello
discográfico colombiano Codiscos, con
las canciones de éxito, Quereme por Juancho Rois, cuando hablo de Tí por Iván Ovalle y un
mosaico musical en honor Pacho Galán. En 1994,
grabaron su segundo álbum, junto con el nombre Noticias, la producción de
canciones de éxito como Decídete de Fabián Corrales,
Noticias por y Efraín Barliza Acabaste Con mi Vida Juancho Rois por. Este año
el grupo ganó el Congo de Oro premio en la Carnaval de Barranquilla,
la Sirena de Oro en el Festival
de la Leyenda Vallenata y el Super Estrella Internacional de
Oro Canción del Año por la canción Decídete por Fabian Corrales. El grupo
también adquirió importancia internacional en los lugares donde el vallenato no
es parte de la corriente, como Cuba, Canadá y Aruba.
En 1996 Villazón y Arguelles grabó el álbum Sin
límites bajo el sello Codiscos en la que se trató de una fusión
con otros géneros musicales con canciones como Almas Felices por Alfonso Cotes
Maya, La Pelionera de Emiliano Zuleta y cuando esta Ilusión muera, de
Luis Egurrola. Esta colaboración no fue muy exitosa. Más tarde se cambió a las
discográficas BMG Ariola de Colombia, la grabación del álbum
Entrégate con canciones como Más No te ruego por Jorge Valbuena, Entrégate por
Fabián Corrales, Yo la vi de Jacobo Ibarra y Marcos Torres, y Corazón Sensible
por Franco Argüelles. Este álbum obtuvo un Disco de Oro por sus ventas y un
segundo, Congo de Oro. En 1999 Villazón y Arguelles lanzó
los álbumes Tiempo de Vallenato y luego Detalles.
En 2000 Arguelles
dejó el grupo para grabar un álbum con Diomedes Díaz. Villazón se asoció
con Saúl
Lallemand produciendo los álbumes siguientes: El Mundo al
Reves, Amores,
Juglares Legendarios I, Póngale la Firma, El
Desafío, El Gallo Fino, El Poder del Amor y El Aviador.
A
finales de 2014 presenta al público el tema Contigo
no vuelvo y tras promocionarlo conquista sin problemas al público que
lo coloca en el Top Latin Songs - Vallenato Colombia de Monitor Latino donde lleva más de 2 meses dentro
del top 20, consolidando un éxito más en su carrera.7
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Nace Chad Smith (Red
Hot Chili Peppers)
Índice
Biografía[editar]
Índice
Biografía[editar]
Grabaciones[editar]
Estilo y legado[editar]
1961:
Nace Chad Smith (Red
Hot Chili Peppers)
Chadwick "Chad" Gaylord Smith (Saint Paul, Minnesota; 25 de octubre de 1961)1 es un músico estadounidense. Es mejor conocido por ser el
baterista de la banda de rock Red Hot Chili Peppers,
con quienes grabó ocho álbumes de estudio y de la cual es miembro desde 1988
hasta la actualidad. Smith también es el baterista de la banda de hard rock Chickenfoot2 y de la banda instrumental Chad
Smith's Bombastic Meatbats.3 Además, ha colaborado con numerosos
artistas como John Frusciante, Glenn Hughes, Jake Bugg, Dave Navarro, Dixie Chicks y Johnny Cash, entre otros.
A lo largo de su carrera, Smith ha recibido diversos reconocimientos.
Los lectores de la revista Rolling Stone votaron a Chad como el
13º mejor baterista de rock de la historia.4 Además, la revista Spin situó a Chad en el puesto número
10 en la lista de "Los 100 Mejores Bateristas de Música Alternativa".5 Por otra parte, está en el puesto
número 6 en la lista de los "50 Mejores Bateristas de Todos los
Tiempos",6 como así también en el puesto número
10 en la lista de "Los 20 Mejores Bateristas de los Últimos 25 Años",7 ambas listas publicadas por la
revista Rhythm. Chad también fue nombrado por la revista DRUM!
Magazinecomo "Baterista Funk del Año" en un total de 12 años.8 En 2012, Chad fue incluido en
el Salón de la Fama
del Rock, como miembro de Red Hot Chili Peppers.9
1964:
Nace Nicole
Hohloch, cantante alemana.
Nicole Seibert (25 de octubre de 1964, Saarbrücken) es una cantante alemana.
Índice
Biografía[editar]
Nacida en Saarbrücken, Alemania, el 25 de octubre de 1964.
Representó a Alemania en el Eurovisión
1982 donde ganó con la canción, "Ein Bisschen Frieden"
("Un Poco de Paz"), con músicade Ralph Siegel y letra de Bernd
Meinunger. Cuando cantó la canción al final de la votación
interpretó partes de la canción en inglés, francés, neerlandés y español junto con la versión original
en alemán.
La versión en inglés de la canción, "Un Poco de Paz" ("A
Little Peace") se convirtió en la 500ª. canción en llegar al número 1
de las listas de popularidad en las listas inglesas.1
Se han grabado versiones en francés ("La Paix sur
Terre"), neerlandés ("Een
Beetje Vrede"), español ("Un poco de
paz"), danés("En
Smule Fred") y polaco ("Troszeczkę
ziemi, troszeczkę słońca").
1970:
Muere Guillermo
Portabales, compositor y guitarrista cubano.
José Guillermo Quesada Castillo, más conocido
como Guillermo Portabales (Rodas, Cuba, 6 de abril de 1911 - San Juan, Puerto Rico, 25 de octubre de 1970),
fue un compositor y guitarrista cubano que popularizó
entre los años treinta y sesenta la guajira, un
estilo cubano de música campesina. Sus
lánguidas, melancólicas y líricas guajiras, así como su estilo elegante de
cantar lo hicieron popular en toda América Latina.
Índice
Biografía[editar]
A los once años, Portabales comenzó a trabajar como asistente en
una imprenta en Cienfuegos. En 1928,
hizo su debut en la estación de radio CMHI, y
de ahí en adelante dividió su tiempo entre su trabajo como ayudante de impresor
y su oficio de cantante.
En sus comienzos, Portabales interpretaba diferentes estilos de
canciones como tango, bolero y son, hasta que descubrió que sus oyentes
disfrutaban más con sus guajiras. Fue refinando el estilo y lo denominó guajira
de salón. De esta forma interpretó temas bucólicos de la vida del campesino cubano o guajiro,
como se le llama. Portabales cantaba y tocaba guitarra, y se acompañaba de bajo, percusión y
una guitarra, que hacia las veces de requinto.
Su guajira resultaba una exquisita mezcla rítmica con elementos de bolero y
son.
Portabales va a Puerto Rico en 1937 y le gusta tanto que
permanece por dos años, realizando presentaciones en radio, clubes y teatros.
En 1939, se casa con la periodista puertorriqueña Arah
Mina López, con la que retorna a Cuba ese mismo año. Por muchos
años, Portabales realizó numerosas giras por Colombia, Venezuela, Ecuador, Perú, Panamá, Nueva York y Tampa.
Ya en La Habana, Portabales
realizó presentaciones en vivo con el Trío Matamoros. En 1953, finalmente se instaló
en Puerto Rico, desde donde siguió grabando, realizando presentacioes y giras
al exterior. El triunfo de la revolución cubana lo
encuentra radicado desde años en Puerto Rico y, aunque realizó grabaciones en
1960 en Cuba, asumiría una postura crítica con el régimen revolucionario
expresada en términos discretamente poéticos.1
Portabales murió trágicamente en San Juan, Puerto Rico, el 25 de
octubre de 1970, a consecuencia de un accidente automovilístico.
Grabaciones[editar]
Sus primeras grabaciones se encuentran reeditadas en el disco
compacto Guillermo Portabales. El creador de la guajira de salón
1937-1943. Al vaivén de mi carreta (Tumbao TCD 084). También existe la
grabación Guillermo Portabales. El carretero (World Circuit
WCD 023), donde se incluye material de tres diferentes sesiones en los años
sesenta.
Estilo y legado[editar]
Su repertorio, en un principio muy amplio, más tarde se
especializó en lamentos y guajira-son unidos con un poco de guaracha. Con su forma dulce de interpretación
creó el género guajira de salón.2 Su estilo fue un reflejo del lado
español del criollo en contraste con otros trovadores
cubanos del siglo XX. Su música viene directamente de la tradición de los
viejos campesinos de origen hispano, los guajiros.
Aunque como compositor no tuvo la trascendencia de su
coterráneo Ñico Saquito, las
composiciones de Portabales presentan una excelente calidad y siguen siendo
populares hoy día. Cuatro de sus más notables canciones son: "El
carretero", "Nostalgia
guajira", "Cuando
salí de Cuba" y "Cumbiamba". Su voz y su técnica como
guitarrista se perfeccionaron sustancialmente con el paso de los años. La
calidad de su voz, su pureza y sutil evocación de emociones así como su calidad
instrumental fueron una influencia importante en la nueva generación de
músicos.
1971:
Nace Raúl Quijano, músico español, de la banda Café Quijano.
Raúl Quijano (n. León, España, 25 de octubre de 1971), es un músico, cantante, filántropo y productor español, miembro del grupo Café Quijano.
Índice
Biografía[editar]
Café Quijano[editar]
Inicia su carrera artística junto a sus hermanos Manuel y Óscar de la mano de Warner Music con el lanzamiento del primer álbum del mismo nombre de la banda: "Café Quijano" (1998) que incluye la colaboración del cineasta Ricardo Franco con el tema "Loco de Amor" y supone una posterior gira de más de 50 conciertos por España.
Con el lanzamiento en 1999 de su segundo disco "La extraordinaria paradoja del Sonido Quijano", alcanzan un éxito sin precedentes y se convierten en uno de los referentes de la música en Español a nivel internacional, siendo su primer single "La Lola" número uno en emisoras de radio de más de 30 países.1
Los dos años posteriores al lanzamiento de este álbum suponen una gira de conciertos de gran despliegue y numerosos actos, colaboraciones y reconocimientos entre los que se incluyen las dos nominaciones a Mejor Nuevo Grupo en los Latin Grammy Awards, Mejor Álbum de Rock Alternativo en los Grammy Academy Awards, convirtiéndose así en el primer grupo español en ser nominado al Grammy Americano. Destaca además su colaboración en el disco "Duetos" de Armando Manzanero con el tema "Esperaré", la inclusión del tema "Así se va" como banda sonora de la película Por la libre, o su participación en la película Torrente 2: Misión en Marbella de Santiago Segura, en la que además de aparecer junto a la modelo y actriz Inés Sastre, aportan un tema llamado "En mis besos".
2001 se convierte en el año de "La taberna del Buda" vendiendo cerca de un millón de copias. Producido por Humberto Gatica , co-producido por Kenny O'Brien y grabado en Los Ángeles, se compone de un elenco que demuestra la liga en la que Café Quijano juega en estos momentos, contando con el mismísimo David Foster al piano. "La taberna del Buda" traerá consigo una gira en 2002, haciendo sustentar al grupo el récord de Artista Español que más directos ha ofrecido en una sola gira, con más de un millón de espectadores como asistentes, recibiendo el Premio de la Academia de la Música a la mejor gira y el Premio Ondas. Este mismo año entre otras colaboraciones, participarán en la banda sonora de la película de Disney, Lilo & Stitch con la versión de Elvis Presley del tema "Burning Love", "Ardiente amor"2
Tres años más tarde editan su cuarto álbum "¡Qué grande es esto del amor!" (2003), que incluirá colaboraciones de lujo como las de Celine Dion o Joaquín Sabina. En 2004, participarán en la gala homenaje a Carlos Santana, 2004 Latin Recording Academy "Person Of The Year" junto a otras estrellas del nombre de Herbie Hancock, Black Eye Peas, Fher, del grupo Maná, La Ley, Dave Matthews, Ozomatli, Robi Rosa, Rob Thomas o Julieta Venegas, vuelven a estar nominados al Latin Grammy 2004 por "¡Qué grande es esto del amor!" y componen el tema "Sírvame una copita" para la selección Española de la Eurocopa 2004.
En 2008 se publica por parte de la compañía Warner "Grandes éxitos".
Después de ocho años en los que los miembros de la banda impulsan sus diferentes carreras en solitario, el 30 de octubre de 2012 se produce el lanzamiento de su quinto álbum de estudio: Orígenes: El Bolero , el cual se convierte en cuestión de horas en el número uno de álbumes más vendidos en iTunes España. Se trata de un álbum que rompe con el sonido de sus anteriores trabajos para ahondar en las raíces musicales de la banda y se compone de once boleros (doce en su edición digital) que suenan a los clásicos de toda la vida, con reminiscencias de Los Panchos y la música tradicional cubana, tratándose de composiciones actuales y genuinas, compuestas por ellos. En esta ocasión repiten con el productor, y arreglista Kenny O'Brien, y con el músico Armando Manzanero que participa a dúo con los hermanos en el último tema del disco Quiero que mi boca se desnude
1974:
Muere
José López Alavez, músico y compositor mexicano, autor de la Canción mixteca.
José López Alavez (Huajuapan de León, Oaxaca, 14 de julio de 1889 - Ciudad de México, 25 de octubre de 1974)
fue un músico y compositor mexicano, autor de la Canción mixteca.
Índice
Datos biográficos[editar]
Primeros estudios[editar]
Nació en Huajuapan de León, Oaxaca, el 14 de julio de 1889, hijo
de José López y Rita Alavés. A la edad de diez años fue impulsado por su
hermano Abraham al estudio de la música, recibiendo enseñanzas de mandolina y guitarra. En 1900, forma parte de la banda
infantil en Huajuapan, que integró el maestro Fidencio
Toscano y donde fue clarinetista.
En 1907, su familia decide enviarlo a la capital donde termina,
con mención honorífica, sus estudios en el conservatorio de música con las
asignaturas de solfeo, piano, clarinete, armonia, francés, contrapunto, entre
otras, hasta el año de 1927.
Primer reconocimiento: clarinetista[editar]
Durante este lapso y con motivo del Centenario
de la Independencia de México, obtiene el primer premio como
clarinetista que le otorgan el presidente de la República Mexicana, el general
don Porfirio Díaz Mori,
y el secretario de Educación
Pública, Justo Sierra,
aunado a una pensión por dos años, para continuar sus estudios en la Ciudad de México.
En la Ciudad de México[editar]
Radicó en la Casa
del Estudiante "José Yves Limantour",
ubicada en el Barrio del Carmen,
en donde tuvo la oportunidad de conocer y relacionarse con músicos como el
maestro Quiroz, Ángel
Badillo y otros artistas, además de los maestros del
Conservatorio como Oteo, Gabriel
Unda, Ignacio
Castillo, Isidro
Jiménez, Rafael
J. Tello, Antonio
Gomenzada, Julián Carrillo y Alba Herrera y Ogazón.[cita requerida]
La Revolución mexicana[editar]
En un ambiente de inquietud estudiantil, compone en 1912 la
melodía de la Canción mixteca, como parte del Álbum de Compositores
Juveniles, en la Casa del Estudiante. En 1914, decide tomar parte activa en
la Revolución mexicana,
a través de una de las bandas de música pertenecientes a la División del
Norte, de la Brigada del general Fernando
Reyes. Teniendo estas fuerzas villistas ocupada la Ciudad de Querétaro,
en 1915, el profesor José
López Alavés, integrante de la banda de música, compone bajo la
arboleda de la Alameda Hidalgo de Querétaro, la letra de la Canción Mixteca.
Matrimonio[editar]
En 1916, contrae nupcias con Carmen
Monroy Molina, a quién conoció en el callejón del Estanquillo número
13, donde estuvo alojado. Le sobreviven siete hijos: Carmen, Luz María, José de
Jesús, Ignacio, Guadalupe, Víctor Manuel y María Teresa.
Concurso de la canción mexicana de El Universal[editar]
En 1918, gana el concurso de la primera canción
mexicana, convocado por el periódico El
Universal, con la Canción mixteca y
en segundo lugar con la canción La
apasionada. En el mismo año, se efectúa un festival de música
mexicana, en la Alameda Central de
la Ciudad de México, con la cooperación de la Banda de
Policía, dirigida por Arturo
Rocha. Acudió a este evento el maestro Lerdo de Tejada, quien
presenta al público al compositor oaxaqueño, como triunfador del concurso.
Banda de Policía[editar]
Cuando dejó de pertenecer a las bandas de la Revolución, causa
alta como primer clarinetista en la nueva Banda de Policía, fundada por
el Velino
M. Preza en octubre de 1920, durante el gobierno de Álvaro Obregón.
La Banda de Policía viajó a los Estados Unidos y a La Habana, Cuba,
con el fin de celebrar diversos conciertos. Radicado en la Capital, se dedica a
dar clases de piano, a formar coros y orquestas (en la Secretaría
de Trabajo y Previsión Social y en la Consolidada, entre
otras), así como a armonizar con el piano en las principales salas de películas
mudas que se proyectaban.
Compositor[editar]
Además de la más conocida (la Canción mixteca), son
de su autoría: Campanitas pueblerinas, Linda chiquita y ¡Cuánto
te quiero, morena!, entre otras.
En 1947, compone un himno al general Antonio de León,
nacido en Huajuapan, Oaxaca, y quien se distingue por haber formado parte
del Ejército Trigarante.
Destacan, entre sus hechos de armas, la toma
del fuerte de Yanhuitlán, con lo que se hizo posible la entrada a la
ciudad de Oaxaca, nombrándolo Coronel en 1821. En 1847, se ofreció como
voluntario ante la invasión para combatir al frente de una brigada oaxaqueña
muriendo en la batalla del
Molino del Rey.
1984:
Nace Katy Perry,
cantante estadounidense.
Katheryn Elizabeth Hudson (Santa Bárbara, California, 25 de octubre de 1984),
más conocida por su nombre artístico Katy Perry, es una cantante y compositora estadounidense, que saltó a la fama en 2008
con «I Kissed a Girl»
y «Hot n Cold» de su segundo álbum One of the Boys (2008).
Entre 2010 y 2011, tuvo aún mayor éxito con Teenage Dream,
que para su promoción lanzó seis sencillos de los cuales cinco —«California Gurls», «Teenage Dream»,
«Firework», «E.T» y «Last Friday
Night (T.G.I.F.)»— se ubicaron en el puesto número 1 del Billboard Hot 100, lo que la convirtió en
la primera artista femenina en lograr dicha hazaña y la segunda en general
después de Michael Jackson con
su álbum Bad (1987).
Posteriormente, en 2012 publicó los temas «Part of Me» y «Wide Awake», que también tuvieron éxito en
varios países. Su cuarto álbum, Prism (2013) generó dos
sencillos superventas, «Roar»
y «Dark
Horse», que encabezaron varias listas de popularidad.
Perry principalmente realiza
sus composiciones musicales con Dr. Luke, Max Martin y Bonnie McKee, y en canciones habla acerca
del empoderamiento,
la autoestima y situaciones de la vida
cotidiana. Es influenciada por Freddie Mercury y Alanis Morissette, y se caracteriza por tener
un sentido idiosincrásico y
basado en la diversión de moda que incorpora colores brillantes y figuras de
frutas y alimentos, principalmente la sandía. Sus espectáculos cuentan con trajes de
diseñadores notorios y con puestas en escenas bastantes elaboradas.
Perry ha recibido
numerosos premios, incluyendo tres menciones en el Libro
Guinness de los récords a su vez ha figurado varias veces
en la lista de las «mujeres que más ganaron en la música» de Forbes.
A lo largo de su carrera, ha vendido once millones de álbumes y ochenta y un
millones de sencillos en todo el mundo, lo que la convierte en una de las
artistas con más ventas de todos los tiempos. Perry también ha lanzado los
perfumes Purr, Meow! y Killer
Queen. En julio de 2012, lanzó un documental autobiográfico
titulado Katy Perry: Part of
Me, en él dio detalles de la disolución de su breve matrimonio
con actor y comediante Russell Brand. En 2014, fundó su sello
discográfico Metamorphosis Music.
También ha prestado su voz para la Smurfette (Pitufina) en The Smurfs (2011) y The Smurfs 2(2013).
************
Historia[editar]
Discografía[editar]
Santo Domingo
(1967) Velvet Música de Venezuela[editar]
1984:
Nace Sara Helena Lumholdt, cantante sueca, de la
banda A*Teens.
Sara Helena Lumholdt, nacida el 25 de octubre de 19841
en Estocolmo, Suecia y
apodada por sus más cercanos como Saris o Flumholt,
era la integrante más joven del grupo pop sueco, A*Teens (
que fue concebido como una "banda tributo" en honor a ABBA). Desde que el grupo
se separó en el año 2004, ha tomado un breve descanso.
A principios del 2007 Sara colaboró con la compañía WeSC y en
abril se lanzó el disco "Let's Get Physical With WeSC", haciendo una
versión del éxito de Olivia Newton John en los 80. En agosto
del mismo año Sara anticipaba un hit debut en las radios suecas, "Glamour
Bitch" con el rapero Milano Money. Ambas canciones no forman parte del
álbum en solitario de Sara.
En febrero del 2008 Sara voló a Los Ángeles,
lugar donde conoció Josh Skinner, con quien co-escribió las letras para su
primer disco solista y trabajó con el productor ganador de un Grammy, Ted
Perlman.
En total son 12 las canciones para el disco debut Back
to You. Lumholdt y Periman abandonaron el proyecto por discrepancias
artísticas. Las canciones han sido filtradas por Periman poniendo fin al
interés comercial en este.
Posteriormente, participó en el Melodifestivalen 2011 con la canción
"Enemy". Quedó descalificada en la tercera semifinal, al quedar en
séptima posición.
1986:
Hablamos de Cyndi
Lauper y de su disco, True colours”. Precisamente el tema que daba título
al álbum alcanzaba el nº1 del Billboard americano el 25 de octubre de 1986.
1991:
Muere Luis
Gerardo Tovar, actor, locutor y declamador venezolano.
Luis Gerardo Tovar (Caracas, Venezuela, 4 de octubre de 1932 - Caracas, 25 de octubre de 1991)
fue un actor, locutor y declamador venezolano.1
Historia[editar]
Se
inició en el mundo artístico como estudiante de Teatro en el Liceo Fermín Toro
junto a Román Chalbaud y
bajo la tutela de Alberto
de Paz y Mateos. Posteriormente, se marchó a París a estudiar Teatro
con el dramaturgo rumano Eugene Ionesco, filmó una película al lado de Catherine Deneuve y trabajó un año como escritor
y locutor para América Latina en la BBC de
Londres. Tras innumerables reconocimientos, Luis Gerardo Tovar participó en dos
dramáticos de televisión (La loba y Daniela)
contratado por el canal televisivo venezolano Venevisión.
Este
artista incursionó en el medio discográfico, como declamador, usando como
música de fondo las canciones previamente conocidas de diferentes artistas
(como el grupo italiano "The comunicatives" y la agrupación
venezolana "Punto Sur"). Este tipo de declamación denominada “Canción
Hablada” se hizo famosa a finales de los 60 y comienzos de los 70 en las voces
de diversos actores y locutores, como Clemente Vargas Jr. Algunas
de las letras de estos poemas fueron escritas por él o por sus colaboradores.
Tovar
incursionó además, en la radio, la televisión, el cine y la publicidad. En este
último caso, algunas empresas de publicidad buscaron su voz grave, la cual se
hizo "emblemática" para ciertos productos e igualmente, elaboró por
mucho tiempo los guiones de espectáculos como el certamen Miss Venezuela. A principios de la década de 1980,
formó y fue productor de la agrupación musical juvenil Grupo Unicornio, la cual le permitió obtener su
primer premio en el Festival de la OTI.
Más tarde, con una melodía de su autoría titulada “La felicidad”, interpretada
por el cantante Alfredo Alejandro,
se hizo acreedor del segundo galardón y se posicionó como el primer compositor
ganador en dos oportunidades por mejor composición en el reconocido festival.
En 1982 realizó
la adaptación para televisión del cuento infantil venezolano La
Cucarachita Martínez de Antonio Arraiz, la cual fue protagonizada por Joselo y Mary
Soliani como figuras principales. Fue transmitida por el
canal Venevisión el
25 de diciembre de ese año. También realizó un musical llamado Secretos
del Triunfo, basado en las experiencias de los ensayos del Miss Venezuela. Igualmente se transmitió por Venevisión mas esto fue en mayo de 1985.
Luego
de un cúmulo de experiencias en el mundo del espectáculo y la canción, el actor
se retiró de la televisión para dedicarse a escribir piezas teatrales
infantiles, oficio que le hizo merecedor del Premio Municipal de Dramaturgia
Infantil Aquiles Nazoa en 1985. Su último trabajo para la pantalla pequeña fue
como libretista del programa del actor y presentador de radio y televisión
Carlos Omobono llamado Tú y Yo Con…. El 25 de octubre de 1991,
falleció a causa de un paro respiratorio.
Discografía[editar]
Santo Domingo
(1967) Velvet Música de Venezuela[editar]
Casi
por accidente, un día de 1967 el artista grabó en un estudio de grabación de
Alemania Occidental el tema "Santo Domingo", con el respaldo
instrumental y vocal del grupo italiano The Communicatives,
sencillo que ocupó los primeros lugares en difusión en países europeos como
Alemania, Luxemburgo, España, Austria, México, Estados Unidos y Venezuela.
*************
1999:
En Colombia se emite el primer capítulo de Yo soy Betty, la fea, catalogada
posteriormente como una de las telenovelas más exitosas de todos los tiempos.
Yo soy Betty, la fea o
simplemente Betty, la fea es una telenovela colombiana, creada por RCN Televisión y escrita por Fernando Gaitán,
ganadora del Guinness
Records 2010 como la telenovela más exitosa de todos los
tiempos.678 Se estrenó el 25 de octubre de 19994 y finalizó el 8 de mayo de 2001.
Está protagonizada por Ana María Orozco y Jorge Enrique Abello,
con las participaciones antagónicas de Natalia Ramírez, Lorna Paz, Luis Mesa y Julián Arango.
Su versión original fue emitida
en muchos países con gran éxito, incluyendo a toda Latinoamérica, con elevados niveles de
audiencia. En el 2010 entró al libro de los Guinness
World Records como la telenovela más exitosa de la historia, al
ser emitida en más de 180 países, ser doblada a 25 idiomas y al contar con al
menos unas 28 adaptaciones alrededor del mundo.678
El personaje principal es Beatriz Aurora Pinzón
Solano, que es una mujer poco atractiva pero inteligente que
trabaja para una compañía de modas llamada Ecomoda. Betty, como
cariñosamente le dicen, tiene que soportar constantemente los insultos y
desprecios de sus compañeros de trabajo, especialmente de la secretaria Patricia
Fernández, el diseñador Hugo Lombardi y Marcela
Valencia.
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2002:
Muere Richard
Harris, actor irlandés (nacido
en 1930).
Richard St. John Harris (Limerick, Irlanda, 1 de octubre de 1930 - Londres, 25 de octubre de 2002)
fue un actor, cantante y guionista irlandés, conocido por haber intervenido en
numerosas películas como Rebelión a bordo, Camelot (1967)
o La Biblia de John Huston, pero sin duda pasará a la
historia como el aristócrata inglés capturado en Un hombre llamado
Caballo (1970).
En su vejez interpretó a Albus Dumbledore en las dos primeras
películas de la saga "Harry Potter"; Harry
Potter y la piedra filosofal (2001) y Harry
Potter y la cámara secreta (2002). Su último trabajo en el
cine fue Apocalipsis (2002),
de Raffaele
Mertes.
Harris fue un conocido playboy
y bebedor, parte de una generación de actores británicos e irlandeses
como Albert Finney, Laurence Harvey, Peter Finch, Oliver Reed, Richard Burton y Peter O'Toole.
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