El 5 de octubre es el 278.º (ducentésimo septuagésimo
octavo) día del año en el calendario
gregoriano y el
279.º en los años bisiestos. Quedan 87 días para finalizar el
año. Podcast 2019
Escribió un largo diario en el
que recogió alrededor de 600 mensajes que recibió de Jesús.
Elena Kowalska, nació en Glogowiec en 1905, cerca de Cracovia, en
Polonia. Unas pocas semanas antes de su vigésimo cumpleaños, entró a la
Congregación de las Hermanas de Nuestra Señora de Misericordia, adoptando el
nombre María Faustina. En 1928 tomó los votos definitivos como monja.
El comienzo de la devoción a la Divina
Misericordia El 22 de Febrero de 1931, tuvo una visión de Jesús en el pueblo de
Plock, Polonia. Sor Faustina relata en su diario lo que Nuestro Señor le dijo
de esta manera:
"Pinte una imagen de acuerdo a esta visión, con las palabras'Jesús,
en Vos confío' Yo deseo que esta imagen sea venerada, primero en tu capilla
y luego en el mundo entero."
"Yo prometo que, el alma que venere esta imagen, no perecerá.
También prometo victoria sobre sus enemigos aquí en la tierra, especialmente a
la hora de la muerte. Yo mismo la defenderé con mi propia Gloria."
"Los dos rayos indican Agua y Sangre. El rayo pálido
significa el Agua que hace las almas justas. El rayo rojo significa la Sangre
que es la vida de las almas."
"Estos dos rayos salieron de las profundidades de Mi tierna
Misericordia, cuando Mi corazón agonizado fue abierto por la lanza en la
Cruz."
A partir de 1931, Faustina, tuvo una serie de revelaciones de
Jesús. Todas ellas las escribió en su diario de más de 600 páginas. Durante
casi 20 años, estuvo prohibida la devoción a la Divina Misericordia. Desde el
15 de abril de 1978, la Santa Sede permitió la práctica de esta devoción.
Sor Faustina murió de tuberculosis, el 5 de octubre de 1938, en
Cracovia. Sus restos mortales yacen en la capilla del convento bajo la
milagrosa imagen de la Divina Misericordia, fue beatificada el 18 de abril de
1993 y canonizada el 30 de abril del 2000 por S. S. Juan Pablo II.
Extractos de los Mensajes de Nuestro Señor,
según algunos extractos del diario de Santa Faustina
Sobre la Imagen.
"Ofrezco a los hombres la vasija con la que han de seguir
viniendo a la fuente de la misericordia para recoger las gracias. Esa vasija es
esta imagen con la firma: Jesús, en Vos confío"
Sobre la Coronilla.
"Alienta a las personas a recitar la Coronilla que te he
dado... Quien la recite, recibirá gran misericordia a su hora de la muerte. Los
sacerdotes la recomendaran a los pecadores como su último refugio de salvación.
Aún si el pecador mas empedernido recite esta Coronilla al menos una vez,
recibirá la gracia de Mi infinita Misericordia. Deseo conceder gracias
inimaginables a aquellos que confían en Mi Misericordia."
"Escribe que cuando reciten esta Coronilla en presencia del
moribundo, Yo me pondré entre mi Padre y él, no como Justo Juez sino como
Salvador Misericordioso."
Sobre la Festividad.
"Yo quiero que esta imagen sea solemnemente bendecida el
primer domingo después de Pascua; ese domingo ha de ser la Fiesta de Mi
Misericordia."
"En aquel día están abiertas las entrañas de Mi Misericordia.
Derramaré un mar entero de gracias sobre las almas que se acercan al manantial
de Mi misericordia; el alma que se confiese [dentro de ocho días antes o
después] y comulgue [el mismo día] obtendrá la remisión total de culpas y
castigos"
La Hora de la Misericordia (Las Tres
de la Tarde)
"Te recuerdo, hija mía, que tan pronto como suene el reloj a
las tres de la tarde, te sumerjas completamente en mi Misericordia, adorándola
y glorificándola; invoca su omnipotencia para todo el mundo, y particularmente
para los pobres pecadores; porque en ese momento la Misericordia se abrió
ampliamente para cada alma."
"A la hora de las tres imploren Mi misericordia,
especialmente por los pecadores; y aunque sea por un brevísimo momento, sumérgete
en Mi Pasión, especialmente en Mi desamparo en momento de agonía. Esta es la
hora de gran misericordia para el mundo entero. Te permitiré entrar dentro de
Mi tristeza mortal. En esta hora, no le rehusare nada al alma que me lo pida
por los méritos de Mi Pasión."
Sobre la Novena.
"Deseo que durante esos nueve días traigas almas a la fuente
de Mi misericordia, que de allí podrán tomar fuerza y consuelo y cualquier
gracia que necesiten en las adversidades de la vida, especialmente en la hora
de la muerte."
Enseñar con autonomía empodera a los docentes
Como todos los años, el 5 de octubre se celebra, desde 1994, el Día Mundial de
los Docentes, que conmemora la Recomendación conjunta de la OIT y la UNESCO relativa a
la situación del personal docente (1966), cuyo 50° aniversario
fue celebrado el año pasado. La Resolución de 1966 constituye el marco de
referencia fundamental para abordar los derechos y las responsabilidades de los
docentes a escala mundial.
Este año, el Día Mundial de los Docentes conmemora también el 20° aniversario
de la Recomendación de la UNESCO relativa a la Condición del
Personal Docente de Enseñanza Superior (1997). En los debates
acerca de la condición de los docentes se olvida muy a menudo a esta categoría
de personal. Al igual que los docentes de preescolar, primaria y secundaria,
los docentes de la enseñanza superior son parte de una profesión que requiere
conocimientos especializados, capacidades específicas y competencias
pedagógicas.
El Día Mundial de los Docentes de 2017 tendrá como tema “Enseñar en libertad,
empoderar a los docentes” haciéndose eco del tema de la edición de 2015 el cual
quedó definido con motivo de la aprobación, en septiembre de 2015, de los
nuevos Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) y reafirmó que el
empoderamiento de los docentes constituía la prioridad principal entre todas
las estrategias de desarrollo y educación.
Reconocido
por su empuje intelectual y su erudición,
por su espíritu crítico así como su excepcional
genio, marcó hitos en la historia de cada uno de los campos en los que
participó: sentó las bases del drama burgués en teatro,
revolucionó la novela con Jacques le fataliste o La
religiosa y el diálogo con La paradoja del comediante, y,
por otra parte, creó la crítica a través de sus salones. En conjunto con Jean-Baptiste le Rond d’Alembert alentó,
supervisó la redacción, editó y compiló una de las obras culturales más
importantes de la centuria: L'Encyclopédie, obra magna compuesta por
72 000 artículos, de los cuales unos 6000 fueron aportados por el propio
Diderot.
En filosofía,
su obra solo en apariencia sería lateral, pues fue citado muy a menudo
por Ernst Cassirer en un texto clave, La
filosofía de la Ilustración, por su innovación en muchos campos; así sucede
en la nueva ciencia de la vida que él presagia desde la mitad de su existencia.
De hecho anuncia en su Pensées sur l'interprétation de la nature(1753), libro que se abre
con esta ironía:
Joven
toma y lee. Si puedes llegar hasta el final de esta obra, no te costará
comprender otra mejor. Como me he propuesto no tanto instruirte como
ejercitarte, poco me importa que admitas mis ideas o que las rechaces, con tal
de que ocupen toda tu atención. Alguien más capacitado te enseñará a conocer
las fuerzas de la naturaleza; me bastará con haber puesto las tuyas a prueba.
Adiós.
En
el centro del pensamiento de Diderot estaba el conflicto —y esto puede ser
válido también para otros pensadores del siglo XVIII— entre la razón y la
sensibilidad: sens et sensibilité. Para Diderot, la razón se
caracterizaba por la búsqueda de conocimientos con fundamento científico y por
la verificabilidad de los hechos observados empíricamente, pero sin quedarse
estancados en la evaluación meramente cuantitativa de la realidad a través de
enunciados matemáticos. Entre los años 1754 y 1765 desarrolló su
«teoría de la sensibilidad universal» (sensibilité universelle).
Para
Denis Diderot, las ciencias naturales no se distinguirían por buscar un porqué, sino por encontrar soluciones a
través de responder al cómo.
En
el transcurso de su vida como intelectual, Diderot se dedicó a los más
distintos ámbitos de la ciencia; sus intereses abarcaron áreas de la química,
de la física, de las matemáticas, así como también, y sobre todo, de la
historia natural, la anatomía y la medicina. Por todo ello, Diderot formó parte
del espíritu intelectual del siglo XVIII,
manteniéndose al tanto y participando activamente de las principales
discusiones y formación de teorías en su época.
En
cuanto a su posición filosófica, mantuvo una postura materialista no
dogmática, actitud especialmente evidente en sus obras posteriores. Aunque
Denis Diderot no era un filósofo dedicado a los problemas teóricos fundamentales2
ni a las reflexiones analíticas sistematizadoras, se le cuenta, sin embargo,
entre los autores filosóficos más polifacéticos e innovadores del siglo XVIII.
Debido
a sus ideas y publicaciones ilustradas frente al ideario colectivo del Antiguo Régimen, Denis Diderot y sus compañeros
de ruta se vieron con frecuencia expuestos a una actitud represiva de parte del
poder público. Su experiencia a raíz de su detención en 1749 le llevó a estar
vigilante frente a nuevas represiones por parte de las diversas agencias de la
censura, aunque algunas personas pertenecientes a los círculos influyentes y dominantes,
como p. ej. Mme de Pompadour, la querida de Luis XV, así como
también algunos ministros, pero ante todo el jefe de la censura, Censure
royaleGuillaume-Chrétien de Lamoignon de
Malesherbes, clandestinamente le apoyaban a él y a los
enciclopedistas.
Por
lo anterior, los círculos interesados de su época, que le conocieron
exclusivamente por sus publicaciones, solo tuvieron acceso a una reducida
selección de sus ensayos, novelas, obras de teatro y principalmente artículos
escritos para L'Encyclopédie.
(Popayán, 1766 - Santafé de Bogotá, 1816) Abogado, político y
patriota colombiano. Cuarto hijo (primer varón) de una familia de nueve
hermanos, fue su padre el español Francisco Jerónimo de Torres, comerciante,
minero y propietario de vastas extensiones territoriales al sur de Neiva, en la
costa del Pacífico y en Popayán, casado con la payanesa María Teresa Tenorio.
Camilo Torres estudió en el
Seminario de Popayán, en el que era rector el presbítero ecuatoriano Juan
Mariano Grijalva y ejercía la docencia José Félix Restrepo. En aquellos tiempos
se estaban revolucionando los métodos de enseñanza, de acuerdo con la reforma
educativa propuesta por el fiscal Francisco Antonio Moreno y Escandón. Allí
tomó clases de griego, latín, retórica, matemáticas, filosofía y teología,
preparación ésta, especialmente la de lenguas clásicas, que le permitió dominar
varios idiomas: italiano, francés, inglés y alemán.
Una vez que terminó el ciclo de
estudios en Popayán, se trasladó a Santafé de Bogotá, donde obtuvo los títulos
de bachiller y doctor en Derecho Canónico y Filosofía en el Colegio Mayor del
Rosario, donde fue pasante, conciliario segundo y vicerrector. A los 28 años se
recibió como abogado de la Real Audiencia y lo fue también de los Reales
Consejos. Torres fue el más eminente de los abogados de su época, pues además
de cumplir con todos los requisitos, recibió de la Corte española la facultad
de litigar en todas las audiencias de América. De él opinó Humboldt que era
"un coloso de la inteligencia".
Camilo
Torres había estudiado en Popayán con Francisco Antonio Zea, Joaquín de Caycedo
y Cuero, Francisco Antonio Ulloa y José María Cabal, así como con su primo Francisco José de Caldas. Con algunos de ellos volvió a
encontrarse en Santafé y, al igual que la mayoría de los criollos cultos de la
época, se vinculó a la actividad intelectual que por los primeros años de la
última década del siglo XVIII distinguió la capital.
Participó,
entonces, en la Tertulia del Buen Gusto, organizada por doña Manuela
Sanz de Santamaría y Prieto, quien tenía un gabinete de historia natural
ordenado y clasificado por ella misma. En dicha tertulia se hablaba de
literatura y cuestiones científicas, se improvisaban versos y se trataban temas
frívolos al calor de un tradicional chocolate santafereño; en ella participaron
el cartagenero José Fernández Madrid, el payanés Francisco Antonio Ulloa (viejo
amigo de Torres), el timaneyo José Miguel Gutiérrez de Caviedes, el cartagenero
Manuel Rodríguez Torices y el bumangés Custodio García Rovira, personajes que
desempeñaron un papel importante en la primera independencia, todos ellos
egresados del Colegio Mayor del Rosario o del San Bartolomé, los dos centros
docentes más importantes de la capital.
En
1794, Camilo Torres se vio involucrado en el llamado "Motín de los
pasquines": las paredes de Santafé amanecieron cubiertas de pliegos
manuscritos que contenían protestas contra la opresión del gobierno español.
Dicho movimiento, el primero que se presentaba después de los Comuneros, fue
promovido por los estudiantes del Rosario y estaba íntimamente ligado a la
publicación de Los derechos del hombre y del ciudadano que
realizó Antonio Nariño; se acusó entonces a Torres por ser
catedrático del Rosario y amigo de Francisco Antonio Zea; las autoridades
allanaron su biblioteca y encontraron gran cantidad de libros en francés que
fueron llevados para que la Inquisición los analizara, pero el dictamen
favoreció a Torres y salió absuelto de toda culpa.
Frente a sus amigos implicados
en estos hechos, Torres asumió una posición ambivalente: adelantó una de sus
más importantes intervenciones judiciales cuando actuó en defensa de Francisco
Antonio Zea, quien finalmente fue desterrado a Cádiz, junto con otros
conspiradores, el 3 de noviembre de 1795. Sin embargo, se negó a defender al
Precursor Antonio Nariño, pese a ser su amigo personal.
En 1795 asumió la defensa de
los estudiantes payaneses sindicados de sedición, Nicolás y Juan José Hurtado,
en sociedad con el abogado Luis de Ovalle. En 1797 defendió al cura Eloy de
Valenzuela, antiguo subdirector de la Real Expedición Botánica y en ese momento
párroco de Girón, quien había sido acusado de pronunciar un sermón
revolucionario.
Torres también actuó como
abogado de pobres, cargo desde el cual defendió ocasionalmente a algunas
personas de escasos recursos económicos. Por lo general, se distinguió como
defensor de los privilegios institucionales del sector criollo residenciado en
Santafé. También se ocupó de consolidar una importante fortuna, para lo cual
recurrió con frecuencia a sus conocimientos jurídicos. Fue así como adelantó
una brillante defensa en favor de su hermano Miguel y asociados sobre el
bergantín inglés El Vigilante, apresado por ellos y cuya propiedad les
correspondía, a pesar del desconocimiento por parte del presidente de Quito,
barón de Corondelet. En 1802 Camilo Torres contrajo matrimonio con Francisca
Prieto Ricaurte, con quien tuvo seis hijos.
El Memorial de agravios
En 1808, Napoleón Bonaparte
invadió España y colocó a su hermano José en el trono español; como
consecuencia, la política colonial de las Cortes españolas cambió. Se
constituyó la Junta Suprema de España e Indias, que se erigió en gobierno
general del reino.
En esa coyuntura surgió la
figura política de Camilo Torres, que se declaró antirregentista y partidario
de Fernando VII; se opuso a las determinaciones tomadas en la metrópoli, ya
que, pese a estar ésta ocupada, continuaba exigiendo obediencia a las colonias.
Propuso seguir el ejemplo de las provincias españolas que se proclamaron
soberanas para apoyar irrestrictamente al rey de España, lo que significaba
crear juntas provinciales de gobierno, a la manera de las de la Península, en
la Nueva Granada, desconociendo la Junta de Sevilla.
Pese a la protesta de Torres y
de muchas otras voces en las diferentes colonias, la Junta sevillana, aún bajo
el dominio de José Bonaparte, declaró que las propiedades allende el mar eran
prioridad de la monarquía española y autorizó la presencia de sus
representantes en la Junta Central, pero en un número inferior al de los
españoles. El ambiente político de las colonias se caldeó cada vez más.
La
nominación de candidatos, por terna, se realizó en los cabildos de Santafé y de
las principales ciudades de las provincias. Una vez nominados los candidatos,
el representante se designó en un sorteo en que resultó elegido Antonio de
Narváez. Por su parte, Camilo Torres fue nominado por Popayán. Fue nombrado
asesor del Cabildo de Santafé, corporación que se había convertido en el
baluarte de los criollos. Fue además asesor de la Casa de Moneda. Desde tales
cargos Camilo Torres sentó su airada protesta contra la Junta Central española,
en un opúsculo que se ha llamado el Memorial de agravios y cuyo título es Representación del Cabildo de
Bogotá a la Suprema Junta Central de España.
En ese documento, Torres dio
una respuesta, en nombre del Cabildo de Santafé, a la Junta Central ante la
intención de permitir americanos en ese organismo, pero en un número irrisorio.
Es, por lo tanto, una aguda crítica al régimen colonial, pero sin expresar
abiertamente la separación definitiva de las colonias americanas de España.
Afirmó que América y España, Las Españas, eran parte de un reino con iguales
derechos, y por tanto ninguna de las partes podía imponer leyes sobre la otra.
Denunció la discriminación contra los criollos y pidió para este sector el
derecho a ocupar posiciones de alto rango.
El documento nunca llegó a
España y el virrey no quiso prestarle atención, hasta el punto de que nombró a
seis españoles como miembros del Consejo y más tarde desconoció el nombramiento
de Luis Caicedo como alférez real, medidas todas que impidieron el pacto
colonial y permitieron la ola cada vez más creciente de motines en las
distintas provincias de la Nueva Granada.
La conjura del observatorio
astronómico
Camilo Torres participó
activamente en los hechos del 20 de julio de 1810 en Santafé de Bogotá. Planeó
la conjura en el observatorio astronómico que dirigía su primo Francisco José
de Caldas, formó parte de la Junta de Gobierno constituida luego de los
incidentes, y le comunicó al virrey Amar y Borbón la decisión de la Junta para
que pusiese a las órdenes de ésta el depósito y el parque de artillería. Acorde
con su posición de defensa de los derechos del rey de España, propuso que el
virrey fuera el presidente de la Junta Suprema, medida que fue desaprobada
popularmente, pese a lo cual continuó insistiendo en que debía existir un
entendimiento entre las partes patriotas y españoles europeos, al punto que fue
vocal-secretario en el manifiesto del 18 de septiembre de 1810 levantado con
tal fin.
En diciembre de 1810, Torres
participó como diputado por Pamplona en el Supremo Congreso. Exigió que no se
aceptara a Emigdio Benítez la credencial que lo acreditaba como diputado por
Sogamoso; tal petición recibió voto negativo de los demás miembros, y Torres se
retiró junto con León Romero (delegado por Mariquita), Joaquín Camacho y Manuel
de Bernardo Álvarez (delegado por Santafé).
El
11 de enero de 1811 se llevaron a cabo las elecciones para el Colegio Electoral
de Cundinamarca. Torres resultó elegido, junto con Manuel Camacho y Quesada,
por la Catedral, y con su viejo amigo Frutos Joaquín Gutiérrez fue electo
secretario de dicha institución colegiada, que sesionó durante un mes, al cabo
del cual se proclamó la primera Constitución de carácter monárquico de la
provincia de Cundinamarca y se nombró como presidente a Jorge Tadeo Lozano.
Desde un comienzo Torres había
defendido la tradición de los cabildos autónomos, pues consideraba justo que
las provincias ejercieran su soberanía, y por ende el federalismo, posición que
no era compartida por Antonio Nariño y otro grupo de criollos llamados
centralistas. El Precursor Antonio Nariño asumió la Presidencia el 21 de
septiembre de 1811 y la rivalidad entre las dos formas de gobierno fue cada vez
más notoria, al punto que se formaron dos partidos: el de los
"pateadores" encabezado por Nariño y el de los "carracos"
dirigido por Torres; de esta última facción formaban parte la mayoría de los
miembros de las Juntas de Notables establecidas desde el grito de
Independencia.
El 27 de noviembre de 1811, un
número minoritario de delegados reunidos en Santafé firmó el Acta de Federación
de las Provincias Unidas de la Nueva Granada, de la que Torres fue redactor y
principal promotor, como diputado por la provincia de Pamplona. En dicho
documento se conservó la antigua división administrativa, las provincias
cedieron al Congreso la defensa militar, dispusieron que éste ejerciera las
funciones legislativas y ejecutivas, y rompieron definitivamente con el
regentismo, así como, días después, con el gobierno de Antonio Nariño en
Cundinamarca.
Camilo Torres fue elegido
presidente del Congreso y jefe del ejecutivo nacional, cargos que ejerció entre
1812 y 1814, y para los que fue nombrado en el Congreso federalista reunido en
Villa de Leiva el 4 de octubre de 1812. El centro de la facción federalista fue
Tunja, desde donde se emprendió una ofensiva militar contra el gobierno de
Cundinamarca.
Se
encendió así la primera guerra civil, que estremeció al país y dio la victoria
los centralistas de Nariño. Poco después fue negociada la paz entre los dos
gobiernos, la cual duró hasta noviembre de 1814, cuando, ante la derrota de
Antonio Nariño en las provincias del Sur, los ejércitos federalistas comandados
por Simón Bolívarsometieron, el 11 de diciembre de 1814, al
presidente Manuel de Bernardo Álvarez.
Torres fue elegido presidente
de las Provincias Unidas, pero ante la inminente reconquista española y el caos
reinante (pues durante los cuatro años de vida independiente poco se había
hecho por organizar el nuevo gobierno), su mandato fue débil, sin posibilidades
de actuación; lo único importante fue que planteó a los españoles una fórmula
de compromiso para preservar la República del desastre; por otra parte,
ascendió al coronel Serviez a general, y le dio la misión de organizar un nuevo
ejército con los restos de Tunja y Cachirí.
Finalmente, renunció a la
presidencia en marzo de 1816; cedió el cargo a José Fernández Madrid. Viajó a
Popayán, donde se entregó al jefe realista Francisco Warleta, quien lo encarceló
y envió a Santafé, donde fue fusilado y colgado de la horca; su cabeza se
exhibió ante el pueblo y sus bienes fueron confiscados.
NaceLouis
Lumière, inventor francés, creador del cine.
Auguste Marie Louis
Nicolas Lumière (Besançon, 19 de octubre
de 1862-Lyon, 10 de abril de 1954) y Louis
Jean Lumière (Besançon, 5 de octubre de
1864-Bandol, 6 de junio de 1948) fueron dos
hermanos franceses, inventores del cinematógrafo.
Hijos de Antoine
Lumière y de Jeanne Joséphine Costille, Auguste y Louis nacieron en Besançon (Francia), pero crecieron
en Lyon. Ambos trabajaron en el taller
fotográfico de su padre, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis
hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.
A partir de 1892,
empezaron a trabajar en la posibilidad de fotografiar imágenes en movimiento.
Patentaron un número significativo de progresos notables.
De regreso de un viaje
a París, Antoine Lumière trajo un kinetoscopio. Los dos hermanos lo examinaron
atentamente y pronto concibieron un proyecto que harían realidad partiendo de
los inventos ya existentes. Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector:
el cinematógrafo, que
se basaba en el efecto de la persistencia
retiniana de las imágenes en el ojo humano. Al comienzo, ellos
mismos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para
transportarlo de un lugar a otro.
El cinematógrafo fue
patentado el 13 de febrero de 1895. Ese mismo año, los Lumière rodaron su
primera película, La
sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (Salida
de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir). Fue presentada el
22 de marzo de 1895, tres días después del rodaje, en una sesión de la Société
d'Encouragement à l'Industrie Nacional en París.
El primer cartel de cine de la historia, el de la película El
regador regado de los hermanos Lumière (1895)
Tras diversas
presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la
Sorbona, en Bruselas y otros
lugares, los Lumière decidieron hacer una exhibición comercial de las películas
que habían rodado. Finalmente, lo celebraron en el Salon indien du
Grand Café, un sótano en el número 14 del Boulevard des
Capucines, el 28 de diciembre de 1895. Se proyectaron, además
de Salida de la fábrica Lumière, otras películas como Llegada
de un tren a la estación de la Ciotat y El
regador regado, en la que aparece el jardinero Jean-François Clerc.
Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental,
Cámara cinematográfica de los hermanos Lumière, expuesta en el Instituto Lumière de
Lyon
Aunque los hermanos
dijeron «el cine es una invención sin ningún futuro», aprovecharon todo lo que
el nuevo invento les ofreció para montar un negocio rentable. Los Lumière
enviaban un cinematógrafo y un operador donde fuera requerido, por ejemplo, a
la coronación de Nicolás II de Rusia.1
Su posición económica
y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las
posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la
producción cinematográfica.
Hijo de Joseph Feinberg y Fanny Lieberman, ambos joyeros, Louis es el mayor de cuatro hermanos —Morris, Philip (que murió prematuramente), y Lyla, una profesora de enseñanza primaria. Siendo apenas un niño, sufrió un accidente sobre su brazo derecho cuando su padre sin querer le derramó parte del ácido que usaba para comprobar la autenticidad y la calidad metálica de las alhajas con las que trabajaba. Este desventurado incidente pudo haber sido peor de no ser porque fue sorprendido antes de beber la sustancia y, ante la desesperación, Joseph reaccionó en consecuencia quitándole el recipiente que terminó por rociarle buena parte de su contenido, provocando un severo daño en una de sus extremidades. Tras recibir un adecuado tratamiento médico, debió complementar su rehabilitación siguiendo una terapia estricta que incluía el manejo de algún instrumento musical a cuerda, lo que le llevó a ejercitarse tocando el violín. Éste no sólo le permitiría poner en funcionamiento aquellos músculos lesionados, sino que constituiría además el puntapié inicial de su carrera musical.
Louis pronto comenzaría luciéndose como violinista profesional, participando con frecuencia en numerosos teatros locales y siendo premiado por sus grandes dotes artísticas. Asimismo ejerció el pugilismo en la categoría de los pesos livianos, pero lo abandonaría una vez iniciado en el mundo del espectáculo. Su enorme talento y la capacidad de combinar música y danza le hicieron merecedor de un privilegiado lugar entre las celebridades de la época.
Próximo a 1921, consiguió empleo en el “Newsboy Sextette” de Gus Edwards, haciendo uso del violín, bailando, y contando chistes en acento judío. En el número figuraban además Mabel Haney, su futura esposa, y Loretta, su hermana. Juntos coprotagonizarían el sketch de Las hermanas Haney y Fine, en el teatro Vaudeville.
En 1925, Ted Healy, un actor y guionista allegado a los hermanos Horwitz, le sorprendió en una de sus increíbles actuaciones interpretando un estilo de baile ruso. Inmediatamente después fue llamado a escena para formar parte del que sería el nuevo trío cómico en compañía de Moses (Moe) y Samuel (Shemp) Horwitz. Su debut tuvo lugar en Broadway, en la obra Una noche en Venecia. A partir de ese entonces posaría para la figura animada de los Tres Chiflados, "Soup to Nuts", de la compañía cinematográfica Fox —precursora de la 20th Century Fox— y hacia 1934, tras su renuncia con MGM, firmaría contrato con Columbia Pictures, saliendo en pantalla ese mismo año.
Detrás de cámaras, Larry llevaba una vida bastante despreocupada y desorganizada, a menudo concretando grandes festines, y llegando con retraso a reuniones importantes. Era además un pésimo administrador, prestaba dinero a quienes debían pagar deudas, y despilfarraba el importe sobrante en bienes suntuarios y costosos regalos. Este descuidado manejo de su capital lo hundiría prácticamente en la miseria cuando Columbia decidió poner fin a "Los Tres Chiflados" en 1958.
Larry Fine una vez recordó las numerosas lesiones que sufrieron durante la producción de "Three Little Pigskins". Curly se quebró una pierna y Larry perdió un diente cuando Joseph Young, hermano del actor Robert Young, lo golpeó en la mandíbula.
Larry decía que las escenas más duras en "In the Sweet Pie and Pie" y en otros filmes, fueron aquellas que tenían pasteles. Como Fine relata: "A veces nos quedábamos sin pasteles, y el utilero los rehacía levantando los restos del piso, pero también juntando polvo, clavos, astillas y tachuelas. Otro problema fue fingir que tú no sabías cuándo un pastel te estaba por alcanzar. Para resolver esto, Jules White (el director) me diría: 'Ahora Larry, Moe te va a golpear con un pastel a la cuenta de tres'. Entonces Jules White le diría a Moe: 'Golpea a Larry a la cuenta de dos!' Así que cuando llegó el tiempo de contar, nunca llegué a tres, porque Moe me impactó con el pastel!"
Cada vez que había una escena en que los Chiflados soñaban con mujeres y decían los nombres de ellas, Larry siempre decía el nombre de su esposa, Mabel.
Pasó la mayor parte de su vida en hoteles, primero en el President hotel de Atlantic City, y más adelante en el Knickerbocker de Hollywood. El estilo jovial de su esposa, una dama de buen gusto y demasiado aventurada como para llevar a cuestas las riendas de una casa, fue quizás el motivo principal por el cual tardaron en comprar su propia residencia en Los Feliz, California.
Larry y Mabel tuvieron dos hijos: Johnny, el mayor, que falleció en un violento accidente de tránsito en noviembre de 1961, y Phyllis, la hija que permaneció a su lado en los momentos más difíciles por los que debió atravesar la familia. Seis años más tarde, el 30 de mayo de 1967, mientras se encontraba en una gira conmemorativa por el aniversario de la serie, se vio obligado a abandonarla de forma inmediata al enterarse de que su esposa, con quien llevaba casado 41 años, había muerto.
Destacó por su participación en los más prestigiosos teatros de Estados Unidos, entre ellos, Keystone, Alhambra, Broadway, Nixon's Grand, y el Allegheny, y por su denotada producción televisiva y cinematográfica, rebasando una cifra sorprendente de 200 intervenciones.
Scrambled brains (1951) y The Three Stooges meet Hercules (1962), formaron parte de sus películas predilectas de los Tres Chiflados, y los actores Spencer Tracy, Peter Falk , Clark Gable, Milton Berle, Redd Foxx y Jack Benny, sus preferencias a la hora del entretenimiento. 1Desde comienzos de los años 1960 hasta 1970, Larry continuó realizando excursiones de la mano de Moe Howard y Curly-Joe, hasta sufrir una hemiplejia que le impidió seguir contribuyendo con el show.
Falleció el 24 de enero de 1975, producto de una hemorragia cerebral, a la edad de 72 años, y a tan sólo unos meses de diferencia respecto de su viejo amigo y compañero de trabajo, Moe Howard, que moriría en mayo de ese año. Fue sepultado en el cementerio de Forest Lawn, Glendale
.
1908:
NaceFrancisco Gorrindo,compositor de tangos argentino.
Hacia fines de la década del 30 el nombre de Francisco Gorrindo alcanzó, de pronto, una gran notoriedad, como consecuencia de la aparición de una serie de tangos cuyas letras quedaron inmediatamente incorporadas al oído y a la emoción popular.
Sentenciosas, entradoras, porque estaban amasadas con un lenguaje directo, sentido y sencillo, y aunque marcaban descreimiento y señalaban injusticias, ese material produjo verdaderos impactos entre 1936 y 1940. Y todo ello había salido de la pluma de este bardo quilmeño, postulándose en ese tiempo con sensación de suceso.
No obstante la gran popularidad de esa obra, poco se sabe de su autor, Pancho Gorrindo. Si bien su producción total abarca casi setenta títulos y ella acusa algunas desigualdades, unas cuantas composiciones se salvan y sobrepasan holgadamente el nivel medio y, entre éstas, Las cuarenta es la que más identifica al autor y la que ha alcanzado categoría de clásico. Pero insistimos, detrás de Las cuarenta hay muchas otras rescatables que trataremos de puntualizar en este trabajo.
Froilán Francisco Gorrindo nació en Quilmes (suburbio de la ciudad de Buenos Aires), el 5 de octubre de 1908, y allí transcurrió toda su vida. En un hogar de clase media, recibió influencias, educación y apoyo de unas tías maduras, además de su madre, ya que a muy corta edad perdió a su padre. Y sobre todo le fue inculcada una rígida conducta que asimiló en lo moral y en lo espiritual, puesto que en lo formal fue ganado por la calle, en donde si bien tomó rápida experiencia de vida, adquirió al mismo tiempo, el gusto por la bohemia y las calaveradas, hábitos y costumbres nocheras de las que no pudo desprenderse ni aún cuando formó su propio hogar.
Alto, delgado, usaba invariablemente esos amplios moños oscuros, clásicos en los vates populares de aquellos años. Campechano, cordial, mezcla de orillero y hombre de asfalto, se desplazó cómodamente en los círculos del ambiente nocturno, con su habitual bonhomía, irradiando afecto y simpatía.
Aunque sólo cursó estudios primarios eso no lo limitó a seguir su vocación por las letras, y su agudo instinto de observación y su rebeldía lo derivaron a la poesía, en la cual encontró el propicio campo de expresión para reaccionar y pronunciarse con acento profundo. En su mensaje hubo rigor y aspereza, pero además hondura y escepticismo.
Hay distintas etapas de creación en la trayectoria autoral de Francisco Gorrindo. La primera corresponde a sus inicios, recién traspuestos los 20 años de edad. A esa época, un tanto indcisa y de aproximación a los grandes artistas del género, pertenece su primer tango "Perdón de muerta", con música del guitarrista Pablo Rodríguez, que alcanzaría la grabación inmediata en la voz de la esposa de éste, la cancionista Mercedes Simone, el 11 de febrero de 1931.
La segunda etapa -la más feliz y exitosa- comenzó en 1936 y se prolongó casi hasta el final de la década. Aunque algunas de esas letras pudieron haber sido gestadas antes, en espera de encontrar un compositor e intérprete indicado para proyectarlas. Recordemos también que en esa época contrajo matrimonio con Emma Lepanti, con la cual tuvo tres hijos.
El inicio de esa etapa lo marca "Triste domingo", una traducción que hizo Gorrindo, junto al músico Julio Rosenberg, de la composición de Lazlo y Resco, canción de la cual dejó una bellísima versión Mercedes Simone.
Casi simultáneamente se produce la aparición de "Las cuarenta", con música de Roberto Grela cantado por primera vez por Fernando Díaz en una gira por el interior del país y luego en Radio Belgrano de Buenos Aires y posteriormente fue cantado por Azucena Maizani en el Teatro Nacional.
Con esta obra el nombre de Gorrindo alcanzó rápida y amplia popularidad, y los registros discográficos y la repercusión traspusieron nuestras fronteras.
También a principios de 1937, Charlo le grabó otro hermoso tango titulado "Novia", con música de Francisco Rofrano. En estos versos no hay escepticismo, ni aspereza, ni rebeldía. Son de otra temática -la del amor y la esperanza- que también frecuentó con acierto.
Por ese tiempo, ha conseguido Gorrindo un acercamiento a la orquesta de Juan D'Arienzo, cuyas actuaciones han alcanzado enorme popularidad. Se vinculó estrechamente a su director y a diversos músicos de la agrupación, desde donde dio a conocer muchos de sus tangos.
Precisamente fue al Rey del Compás que Gorrindo le entregó la letra de su tango "Paciencia", D'Arienzo le compuso la música y lo grabó inmediatamente, con la voz de su cantor Enrique Carbel el 29 de octubre de 1937, logrando otro suceso. Más tarde lo volvería a grabar con las voces de Alberto Echagüe (en dos oportunidades) y Horacio Palma.Agustín Magaldi lo grabó en enero de 1938, unos meses antes de morir, dándole el espaldarazo definitivo al éxito.
El año 1938 señalará para Pancho Gorrindo otro tramo exitoso de su carrera de autor. De salida, escribe un tango muy lindo, "Dejame ser así", con música de Enrique Rodríguez, quien lo grabó con su orquesta y el cantor Roberto Flores. El 28 de junio, siempre en 1938, Mercedes Simones le registra una hermosa canción, "Verano", con música de Joaquín Mauricio Mora. E inmediatamente otros tres impactos: "Gólgota", un hermoso tango musicalizado por el pianista Rodolfo Biagi, quien registró en el disco con la voz de Teófilo Ibáñez. Siempre en 1938, el mismo tango quedó impreso en otra placa discográfica, esta vez la de Francisco Lomuto cantando Jorge Omar. Y seguidamente la grabó un cantor de enorme popularidad en esos años, el rosarino Héctor Palacios.
Después otro tango y otro éxito: "La bruja", con música del pianista Juan Polito, grabado por D'Arienzo con la voz de Alberto Echagüe. Angel Vargas registró esta misma obra poco tiempo después con guitarras.
Al poco tiempo, otra muestra de su inspiración, "Ansiedad", un tango musicalizado por un bandoneonista de D'Arienzo, Domingo Moro. Y remató esta segunda etapa autoral, en 1939, con Mala suerte, tango con música de Francisco Lomuto, quien lo grabó inmediatamente con Jorge Omar. Luego lo cantará Charlo.
De la misma época, es otro tango con D'Arienzo: "Dos guitas", quien lo grabó también con Alberto Echagüe.
Del tercer período, de los años cuarenta en adelante, trascendieron pocos títulos. Uno de ellos es "La vida es corta", con música de Ricardo Tanturi quien lo llevó al disco con la voz de Alberto Castillo. Y mediando la década, otro tango muy importante: "Magdala", con música de su gran amigo Rodolfo Biagi. Grabado primero por D'Arienzo con Armando Laborde y después por el propio Biagi con Jorge Ortiz.
Hay algunos otros títulos con letras de valor, pero insistimos, su mejor tiempo ya había pasado.
Froilán Francisco Gorrindo vivió siempre en Quilmes, su vida transcurrió yendo y viniendo al centro de Buenos Aires, con noches y madrugadas de por medio, desgastándose en un casi cotidiano contacto con los ambientes de la música ciudadana y cumpliendo con su trabajo de empleado municipal.
Murió de una penosa enfermedad el 2 de enero de 1963, pero sus versos, sus tangos y una calle de su amado Quilmes están reteniendo su recuerdo. En ellos regresa siempre Francisco Gorrindo: "Vieja calle de mi barrio / donde he dado el primer paso / vuelvo gastado el mazo / en inútil barajar."
Y volverá, además porque supo expresar, con sencillez y emoción a toda una época del tango. La que sintió y vivió agotando sus noches y sus copas, en las que vibró con cuerdas de auténtico poeta popular.
Robert Lee Thaves nació el 5 de octubre de 1924 en Burt, Iowa , donde su padre, John, publicaba periódicos locales. Su padre murió cuando él tenía 13 años. [ 1 ]
El deseo de Thaves de convertirse en dibujante de cómics comenzó en su infancia. No tuvo una formación formal, sino que practicó estudiando y dibujando las obras de otros dibujantes. Era tan hábil que podía identificar al dibujante de una tira cómica sin mirar la firma .
Se casó con su esposa Katie en 1954, y se mudó con ella a Manhattan Beach, California tres años después. [ 1 ] Se inscribió en el programa de doctorado en la Universidad del Sur de California , pero lo abandonó antes de completar su título debido al éxito de su carrera empresarial. [ 2 ]
Mientras aún estaba en la universidad, su primera caricatura se publicó en revistas. Siguió interesado en la caricatura y desarrolló la tira de Frank y Ernest mientras trabajaba como psicólogo industrial, vendiendo ocasionalmente cómics a publicaciones como Saturday Evening Post , True y Cosmopolitan . [ 1 ] [ 2 ]
Frank y Ernest comenzaron a aparecer en revistas a principios de los años 1960. Se distribuyó a nivel nacional por primera vez el 6 de noviembre de 1972. El distribuidor de Frank y Ernest , United Media, dijo que la tira fue publicada por más de 1.300 periódicos y leída por 25 millones de personas. [ 1 ] Fue la primera tira de un solo panel en aparecer en formato de "panel" y la primera en usar letras de imprenta para su diálogo.
También dibujó la tira de corta duración King Baloo , que se emitió durante la década de 1980. Co-creada con Scott Stantis, [ 1 ] su formato era idéntico a Frank y Ernest , pero presentaba al Rey titular.
Su hijo Tom comenzó a colaborar con él en Frank y Ernest en 1997. El mayor de los Thaves había planeado que su hijo se hiciera cargo de la tira antes de su muerte.
En una tira cómica de Frank and Ernest de 1982, Thaves escribió sobre Fred Astaire : "Seguro que era genial, pero no olvidemos que Ginger Rogers hizo todo lo que hizo, al revés... y con tacones altos". El sitio web oficial de Ginger Rogers le da crédito a Thaves y utiliza su línea original. A menudo, la cita se atribuye incorrectamente a Faith Whittlesey . [ 3 ] A veces, la cita se atribuye a Ann Richards , quien popularizó la línea en su discurso de la Convención Nacional Demócrata de 1988 , parafraseándola como: "Pero si nos dan una oportunidad, podemos actuar. Después de todo, Ginger Rogers hizo todo lo que hizo Fred Astaire. Ella solo lo hizo al revés y con tacones altos, [ 4 ] ", aunque Richards le dio crédito a la periodista de televisión Linda Ellerbee por darle la línea. Ellerbee dijo que escuchó la línea de un compañero de viaje en un avión. [ 5 ]
Ganó varios premios por Frank y Ernest , incluido el National Cartoonist Society Newspaper Panel Cartoon Award en 1983, 1984 y 1986. Ganó el premio HL Mencken a la mejor caricatura en 1985 y fue seleccionado como "Punster of the Year" en 1990.
Varias tiras cómicas rindieron homenaje a Thaves en las semanas posteriores a su muerte en 2006: Candorville el 14 de agosto; Arlo & Janis el 29 de agosto y Prickly City (una tira escrita por su colaborador en King Baloo, Scott Stantis) el 10 de septiembre. [ 1 ]
Nace Ismael Rivera, cantante puertorriqueño (fallecido en
1987).
Ismael Rivera (San Mateo de Cangrejos, Santurce, Puerto Rico, 5 de octubre de 1931 - 13 de mayo de 1987), simplemente
conocido por el apodo de Maelo, "el Sonero Mayor de Puerto Rico" y también como
"el Brujo de Borinquen", fue un cantante puertorriqueño de género salsa. En los años
1970 formó parte
de la Fania
All Stars. De sus temas más
populares se recuerda Las Caras Lindas, escrito por Tite Curet Alonso y "El Nazareno", tema que habla de los
peregrinajes que hizo desde 1975 a 1985 a la procesión del Cristo Negro de Portobelo, Panamá.1
Miller nació en el seno de una familia de músicos de jazz. Su padre, George "Sonny" Miller, era un músico amateur y su esposa, Bertha, cantante. Miller aprendió de mano de su padrino, Les Paul, sus primeros acordes de guitarra a los cinco años. Les Paul y su mujer Mary Ford fueron unos visitantes habituales en la casa de los Miller. Paul alentaba al pequeño Steve con sus dotes prodigiosas de guitarrista. La mayor parte del éxito de Steve fue gracias a la ayuda de Paul. Miller continúa usando muchas de las técnicas que le enseñó Les Paul.
En 1950, la familia de Steve se trasladó a Dallas, Texas. En St. Mark's School, Miller formó su primera banda, The marksmen. Miller enseñó a su compañero Boz Scaggs acordes de la guitarra para que pudiera entrar en la banda.
Al regreso a Estados Unidos, Miller se trasladó a Chicago, donde se sumergió a sí mismo en la escena del blues de la ciudad.Durante su estancia en Chicago, trabajó con el músico de la harmónica Paul Butterfield y grandes músicos de blues como Muddy Waters, Howlin' Wolf y Buddy Guy, y todos de ellos alentaron al joven guitarrista para continuar con su carrera musical. En 1965, Miller y el teclado Barry Goldberg formaron la Goldberg-Miller blues band y comenzaron tocando en la escena de los clubes de Chicago. Firmaron un contrato con Epic Records y grabaron el sigle The mother song y pronto formaron un contrato para tocar habitualmente en un club de blues de Nueva York.
Cuando volvió de Nueva York, se quedó decepcionado por el estado de el blues de Chicago, entonces, voló a Texas con esperanzas de estudiar música en la Universidad de Texas en Austin, pero le denegaron el acceso. Entonces compró un transporte y viajó a San Francisco. A su llegada, gastó los últimos cinco dólares que le quedaban para entrar en un concierto de la Butterfield Blues Band y Jefferson Airplane en el auditorio Filmore. Miller se enamoró de la escena de Blues que por entonces había en Chicago y decidió quedarse.
En 1967, formó la Steve Miller Band (en el inicio llamada Steve Miller Blues Band). Anunciado como el Miller Band, se retractaron de Chuck Berry en su Live at Fillmore Auditorio álbum lanzado ese año. En 1968, lanzaron un álbum, Children of the future, el primero en una serie de álbumes arraigada al estilo blues psicodélico que dominaban la escena de San Francisco.
El grupo siguió la publicación de su segundo álbum, Sailor, con los álbumes Brave a new world, Your saving Grace y Number 5. Esos primeros cinco discos se hicieron respetar en los Estados Unidos. Algunas canciones de este periodo aparecen en el álbum recopilatorio Antology, el cual incluye la aparición especial de Paul McCartney en las canciones "Celebration" y "My dark hour". El año 1973 marcó un punto de inflexión en la carrera de Steve Miller, con el álbum The Joker que fue un éxito popular en los EE.UU. Fly Like an Eagle y Book of dreams también fueron éxitos comerciales. Varios títulos salieron en singles y se convirtieron en éxitos: "Rock'n Me", "Take the money and run", "Jet Airliner" y "Jungle Love".
Aunque la Steve Miller Band había limitado éxito comercial de pico, su popularidad en curso ha sido notable. En 1978 el álbum Greatest Hits 1974-1978 fue publicado. El mismo contenía todos los grandes éxitos de sus dos álbumes populares, Fly Like an Eagle y Libro de los Sueños (además de la pista del título del Joker), que fueron grabadas durante las sesiones de grabación misma en 1976 y posteriormente publicado con un año de diferencia. Esta popularidad también alimentó exitosas giras de conciertos a lo largo de los años 1980 y 1990, a menudo con un gran número de personas más jóvenes estar presentes en los conciertos, muchos de los cuales eran fanáticos de los grandes éxitos e, inevitablemente, compraron el álbum de grandes éxitos. Miller a menudo figura con otros grupos de rock clásico, tocando una gran variedad de su música, incluyendo una selección de sus blues, obra que data de fines de 1960. Escuchando las noticias de la muerte de su padrino Les Paul en 2009, Miller contestó: "No puedo creer que se haya ido, le echaré mucho de menos. Mis oraciones irán dirigidas a él". En memoria de Paul, Miller cantó dos canciones en el funeral privado.
Nace Brian Johnson, cantante británico, de la banda AC/DC.
Brian Francis Johnson De Luca (Dunston, 5 de octubre de 1947) es un cantante británico conocido por ser el vocalista de AC/DC. Fue elegido para reemplazar a Bon Scott, tras su muerte en 1980. Su primer álbum como vocalista de AC/DC fue Back In Black. Tenía una voz innovadora en las bandas de rock de aquella
época. Está situado en el puesto número 39 en la lista de los 100 mejores
vocalistas de metal de todos los tiempos de la revista Hit Parader.1En 2016, tras diagnosticársele problemas auditivos, se vio
obligado a abandonar su carrera como vocalista de forma indefinida, siendo
sustituido por Axl Rose como vocalista de AC/DC para la gira Rock or Bust.2
Nace Jeff Conaway, actor estadounidense (f. 2011).
Jeffrey Charles
William Michael «Jeff» Conaway (Nueva York, 5 de octubre de 1950-Encino, California; 27 de mayo de 20112)
fue un actor estadounidense famoso por su interpretación en la película Grease y
en las series de televisión estadounidenses Taxi y Babylon 5.
En 1992 dirigió la película Bikini Summer II.3
Comenzó su carrera
artística en Broadway a la edad de dos años. Su trayectoria despuntó
iniciada la década de 1970. Compaginó sus intervenciones en pequeños papeles en
televisión con actuaciones sobre los escenarios. Además, intervino en la
película de DisneyPedro y el dragón Elliot (1977).
En esa época, formó parte del reparto original del musical Grease,
dando vida a Danny Zuco. Cuando el espectáculo fue adaptado al
cine, el papel lo consiguió el joven John Travolta,
en ese momento muy popular gracias a Fiebre del sábado noche. No obstante,
Conaway fue llamado para formar parte del reparto, encarnando a Kenickie,
el mejor amigo de Danny. El éxito de la película le proporcionó
gran popularidad, que se incrementó al participar en la serie de
televisión Taxi entre 1978 y 1982, cuando interpretó a Bobby
Wheeler. Entre sus compañeros de reparto se incluían Danny DeVito y Andy Kaufman.
Con posterioridad
desarrolló una carrera desigual, compaginando cine y televisión. Destaca su
paso por las series The Bold and the Beautiful (1989-1990)
y Babylon 5 (1994-1998).
En 2008 participó en el reality showCelebrity
Rehab with Dr. Drew, en el que se hizo pública su adicción al alcohol y
la cocaína.
Estuvo nominado en
dos ocasiones (1978 y 1979) a los Globos de Oro por
su interpretación en la serie Taxi.
Falleció el 27 de
mayo de 2011 a los 60 años en un hospital de California tras haber sufrido una
supuesta sobredosis. El actor sufría una neumonía y problemas
respiratorios en el momento en que se produjo la posible sobredosis.
Mientras
filmaba National Lampoon's Animal House conoció
al músico y compositor Stephen Bishop,
con quien luego mantuvo una relación y convivencia. Después saldría con Patrick Moore.
El 1 de mayo de 1988 en Nueva Inglaterra Allen
se casó con el actor Kale Browne, del que se divorciaría 10 años más tarde, dando a
luz a su hijo Nicholas el 14 de septiembre de 1990. A partir de este
nacimiento, Allen espació más sus intervenciones en películas, concentrándose
en pequeños papeles. Actualmente da clases de interpretación en el Simon's Rock College of Bard.
Barker es uno de
los más aclamados autores en los géneros de horror y fantasía.
Inició su carrera con diversos relatos de horror recopilados en la serie Libros
de Sangre (Books of Blood) y la novela faustianaEl libro de las maldiciones (The
damnation game). Posteriormente se trasladó hacia el género de la fantasía
moderna con toques de horror.1 El estilo más característico de
Barker es la idea de que existe un mundo subyacente y oculto que convive con el
nuestro (idea que comparte con Neil Gaiman), el rol de la sexualidad en
lo sobrenatural y
la construcción de mitologías coherentes,
complejas y detalladas.
Libros de Sangre fue publicado
en Estados Unidos en
una edición barata. Sin embargo, la originalidad, intensidad y calidad de las
historias hicieron que el ya popular por entonces Stephen King manifestara: “He visto el
futuro del horror y su nombre es Clive Barker” (parafraseando una famosa frase
dicha de Bruce Springsteen en
sus comienzos).
Nacido de padre de
procedencia vasco francesa y madre rusa cosaca, durante su infancia vivió en la
ciudad de Ituzaingó, junto a su padre y tres hermanas. Inició su relación con
la música cuando, a los ocho años, debió partir hacia Estados Unidos para tratarse
un problema de asma. Su estadía en ese país coincidió con el boom de la «beatlemanía»
lo cual, como a la gran mayoría, influyó decisivamente en su futuro. Fue así
que ―cuando todavía era menor de edad, lo que no le permitía permanecer en los
boliches rockeros― formó parte de pequeños grupos como The Alley Cats (donde
tocaba la guitarra) y The Lords of London (a cargo de la batería). También
estuvo a punto de formar un grupo con el baterista Carmine Appice, quien poco
después sería parte del legendario trío Beck, Bogert & Appice.
Tras su regreso a
Argentina, a finales de la década del sesenta, Lebón era asiduo del local La
Manzana, uno de los pocos boliches de rock que existían en Buenos Aires,
regentado por Billy Bond, uno de los más excéntricos pioneros del rock
vernáculo. En ese sitio conoció a Pappo ―otro «estable»
del lugar, al igual que Nacho Smilari y Héctor Starc― quien en 1970 lo
incorpora como bajista en la primera alineación de su grupo Pappo's Blues,
conformada también por Black Amaya en batería y un fugaz paso del bajista Vitico.
Esta primera formación de Pappo's Blues registró un disco homónimo en 1971, que
tuvo un notorio éxito, siendo además, según quienes tuvieron la oportunidad de
verlos y escucharlos, uno de los mejores power trio del momento.
Simultáneamente, y
bajo el seudónimo de «Davies», Lebón participó como guitarrista ―con el
baterista Black Amaya― de la grabación del primer disco de La Pesada del Rock and Roll, junto al
mencionado Billy Bond.
Su necesidad de
estar en actividad lo llevó a acompañar al cantante Carlos Bisso y
luego partir a España. Allí se volvió a encontrar con Pappo, con quien formó
un fugaz grupo del que también participó Ciro Fogliatta.
En realidad se trató de un intento de hacer resurgir al grupo Los Gatos,
pero sin el líder (el tecladista y compositor rosarino Litto Nebbia),
que no prosperó. A finales de 1971 fue baterista de Color Humano,
grupo liderado por Edelmiro
Molinari. Junto a esta alineación grabó el álbum debut con cinco
temas para el sello Microfón.
En 1985, 1995 y
2015 recibió el Premio Konex ―Diploma al Mérito― como uno
de los cinco mejores cantantes de rock y autor/compositor de rock de la última
década.
Hija del galerista Albert Loeb y nieta del también galerista Pierre Loeb, pasa su infancia en Nueva York, Estados Unidos.
Apasionada de teatro, se inscribe a los famosos Cursos Florent de París bajo la dirección de Francis Huster. Actúa en Succès escrita por los primeros autores del grupo TSE, cuyos trajes y decorados fueron creados por Paloma Picasso. Y participa en numerosas películas realizadas por Adolfo Arrieta, James Ivory o Jacques Demy.
En 1983, el primer álbum de Caroline Loeb Piranana sale al mercado (Ze Records), siendo autora de todas las letras. El álbum se realiza en Nueva York, con la carátula de Jean-Baptiste Mondino. En 1986 se convierte en una estrella con el título C’est la ouate del que es intérprete y coautora. La canción se convierte en un éxito internacional (n.º 1 en Italia, n.º 3 en España, n.º 5 en Francia, n.º 10 en Alemania, Austria, Argentina...).1 Publica un segundo álbum Loeb CD en 1987.
A partir de 1993, Caroline Loeb dirige a numerosos artistas con repertorios de Édith Piaf, Marlene Dietrich, Jacques Prévert, etc. En 1999, dirige Shirley en el Festival de Aviñón, siguiendo los cuadernos de Shirley Goldfarb. La intérprete, Judith Magre, es recompensada con un Molière, máximo galardón del Teatro Francés.
En 2007, dirige y actúa en Les Monologues du vagin (Los Monólogos de la vagina) en París.
En 2008, Caroline Loeb se lanza en la realización cinematográfica con el cortometraje Vous désirez? (¿Qué desea?), realizado para la colección X-plicit Films. La película se presentó en la Mostra de Venecia en septiembre con los cortos de Laetitia Masson, Arielle Dombasle, Helena Noguerra y Lola Doillon.
En julio de 2008 en el Festival de Aviñón, vuelve a subirse a un escenario con el espectáculo musical Mistinguett, Madonna & Moi. Evocando los iconos que admira desde siempre: Mae West, Tallulah Bankhead, Zizi Jeanmaire o Arletty y canta sus canciones junto a títulos de Serge Gainsbourg, Joséphine Baker, Fred Astaire, Yvette Guilbert y Madonna. Desde el 2 de octubre de 2008, representa este espectáculo en el Théâtre des Blancs Manteaux en París.2
El 5 de enero de 2009, publicó su nuevo álbum Crime Parfait (Crimen Perfecto), mezcla de canciones poéticas y emotivas con matices de humor negro.
https://www.youtube.com/watch?v=01jK2yQg-0w
1962:
Nace
Luis Alberto Posada, cantante colombiano.
Luis Alberto Posada.Es un cantante de mucha trascendencia, y hoy
con sus obra es un icono, un idolo, pero por encima de todo un ser excepcional,
colmado de nobleza, carisma y un don de gente insuperable.
Biografía
Nació en la ciudad de Cartago
Valle un 5 de
Octubre de 1962, hijo de Brocardo
Posada y doña Clementina
Hernández, cuando tan solo contaba con ocho años de edad, falleció
su progenitora y quedaron huérfanos 10 hermanos. En 1976 se
traslado a la ciudad de Medellín, buscando
mejores oportunidades, empezó a vender cigarrillos al menudeo en
establecimientos públicos y con las primeras ganancias compro un carrito para
vender papas, oficio que desempeño durante 2 años. Siendo aun niño, sintió gran
pasión por la música, pero solo hasta los 21 años se dedica a ella como
profesional. Comenzó su carrera artística guiado por su amigo Leonel
Betancourt, quien le enseño los principios del canto. Su primera
grabación fue 'destino
fatal', patrocinada por los hermanos echeverry; luego vinieron: 'maldito
agravio' y 'preso
por dinero'. Siempre sintió una gran admiración por el gran
artista Julio Jaramillo.En
el año 1978 el gran ídolo actuaba en la ciudad
de Cartago al lado de grandes artistas como Olimpo
Cardenasy, Oscar Agudelo, el
portero no le permitió entrar al balneario donde se presentaba y tuvo que
conformarse con ver el rostro de este gran artista Julio Jaramillo de lejos. Ha hecho
grandes giras artísticas a nivel Internacional en países como Europa,
actuando en España, Inglaterra, Suiza, Estados Unidos, también viajo al Ecuador,
para conocer la tumba de su gran ídolo Julio Jaramillo , hombre sencillo,
humilde y poseedor de un extraordinario Don de Gente, es poco amigo del licor,
le gusta la comida vegetariana. Hasta el momento ha realizado 23 trabajos
discográficos en CD, lleva 18 años de carrera artística; ha grabado para
diferentes casas disqueras, en su mas reciente trabajo discográfico grabado en
la casa disquera Discos Lags, titulado De
Rico a Mendigo, en el actual año del 2003.
La música popular representa la idiosincrasia y el sentimiento de quienes hemos
amado, quizás sufrido al ver que nuestro amor nos deja. o quizá una pena
material lacera nuestro talento, goza de la simpatía y el aprecio del pueblo
Colombiano.
Comenzó su carrera artística a la
edad de 12 años, como modelo publicitaria en televisión. Tras una breve
estancia en Japón, a los 17 años se
insala en Hollywood donde
consigue el papel de Cara en la serie Valerie (1990-1991).
En 1992 es seleccionada para participar en
el reparto de Melrose Place,
una de las series de mayor impacto en la televisión de la década de 1990.
Interpretó el papel de Jane Mancini durante las siete
temporadas que la emisión se mantuvo en antena, hasta 1999.
En cuanto a su carrera
cinematográfica, debutó junto a Oliver Stone en la película The Doors (1991),
interpretando a la esposa del guitarrista Robby Krieger. Con posterioridad ha
participado, entre otros títulos, en Book of Love y el
thriller Mikey.
Es autora del libro para
niños Tickle Monster, editado en abril de 2008.
1971:
Nace Ale Sergi,
cantante argentino, de la banda Miranda.
Alejandro Gustavo Sergi Galante ( Haedo, Buenos Aires, Argentina, 5 de octubre de 1971)
conocido simplemente como Ale Sergi es un cantantecompositor y productor musicalargentino. Es conocido por su distintivo falsetto y por ser el cantante del
grupo de popMiranda! y a partir de septiembre de 2015,
también es uno de los vocalistas de la banda Meteoros. Además de ocupar el rol de vocalista
en dicha agrupación, también cumple la función de guitarrista ocasional. En
noviembre de 2016 presenta otra banda paralela a Miranda! y Meteoros, llamada
" Satélite 23" donde es compositor, guitarrista y ocasional cantante.1
Thomas George "Tom" Hooper (Londres, 1972) es un director, guionista y productor
cinematográfico y de televisión británico. Su película El discurso del rey ha
ganado un premio Óscar.
Valentine tocaba en
las bandas Kid Quarkstar, Mondello y Happy Dog en Nebraska. En 2000, Happy Dog
cambio su nombre por el de Square y
se trasladó a Los Angeles,
California desde Anaheim, California en
donde tenía clases particulares de guitarra en su hogar. Valentine también ha
tocado con Reel Big Fish,
cuando el guitarrista Aaron
Barrettse había fracturado una mano, y más tarde en 2001 cuando
Barrett se cayó por unas escaleras. Valentine muestra una foto de Reel Big Fish
en el programa MTV Cribs cuando
apareció junto a Maroon 5. Eventualmente, los integrantes de Square y de Kara's Flowers se convirtieron en amigos,
y cuando Kara's Flowers estaba en busca de otro guitarrista, Valentine se les
unió. Tensiones personales en Square ayudaron en su decisión, y poco después,
Kara's Flowers se convirtió en Maroon 5.
Su familia vive en
Highland, Utah, y sus padres Robert and Shauna Valentine
trabajan para la Brigham Young
University, que pertenece a y es regida por la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días.
Su padre es profesor de español, mientras que su madre es empleada
administrativa; tiene tres hermanas y un hermano.Valentine se considera un
mormón activo o practicante; de pequeño solía asistir a la iglesia con su
familia, pero ahora debido a sus compromisos y al poco tiempo libre del que
dispone, sólo asiste esporádicamente cuando visita su casa familiar.2 A pesar de ello, su familia es un
pilar importante para él, según ha declarado en una entrevista: {{cita|«Cuando
estamos de gira, nos rodeamos de mucha gente que quiere algo de ti todo el
tiempo. Es maravilloso tener una sólida base familiar sobre la cual apoyarse,
mucha gente no tiene eso, me siento realmente afortunado».2 Durante su infancia, mostró gran
interés por la música, creando instrumentos de cartón para jugar con sus
amigos. Debido a ello, sus padres lo anotaron en clases de guitarra (primero en
un programa escolar, luego con un profesor privado). Recibió su primera
guitarra de regalo al conseguir una insignia de Eagle Scout (la
más alta del rango de insignias) en su grupo de boy scouts.3
Durante su
adolescencia, fue invitado a tocar con el ensemble de jazz de la Universidad de
Nebraska, compartiendo escenario con músicos del doble de su edad.
Gracias a ello, desarrolló muchas conexiones con otros músicos y recibió
reconocimientos, pero al no percibir la carrera de músico como lucrativa,
consideró estudiar la carrera de Publicidad. Pero en el año 2000, Valentine y
su banda Square ganaron el premio Ernie Ball de batalla de las bandas en
Nebraska, por lo cual viajaron a Los Ángeles, donde fueron los ganadores de la
final del certamen.2Luego de ello, conoció a los miembros
de Kara's Flowers uniéndose
a la banda, e incorporando a la misma su estilo de componer y sus conocimientos
de jazz. El nuevo grupo cambió su nombre a Maroon 5 apenas firmó con el sello BMG.
James declaró:
«Me siento muy afortunado por haber seguido con la música, porque
ciertamente hay tiempos difíciles. Supongo que esa fue una de las grandes
lecciones que aprendí - que tus metas pueden alcanzarse».4
Participo en el duo
Héctor y Tito desde el 1996 hasta el 2004.El dúo inició su carrera musical en
los años 90 con el nombre de Los Bambinos.En aquella época colaboraron con
otros artistas de Reggaetón, publicaron varios álbumes con los que obtuvieron
reconocimiento del público en América.
En 2006 Tito el
Bambino lanzó su primer disco de reguetón como solista llamado Top of the Line en
el que también participaron otros cantantes de reguetón como Don Omar, Daddy
Yankee, entre otros, y escalo al número uno en Puerto Rico. El éxito que tuvo
"Top of the Line" lo llevó a lanzar una segunda edición para 2007
llamada Top of The Line: El Internacional con
cinco canciones inéditas que no estaban incluidas en "Top of the
Line" como el hit de reguetón «Siente el boom». En este disco incluyó a
otros cantantes de reguetón como Jowell &
Randy y De la Ghetto.
"Top of The Line" obtuvo un disco de platino.
En 2007 lanzó su
segundo álbum titulado It's My Time con colaboraciones de
artistas como RKM & Ken-Y y Toby Love logrando
éxitos con los temas «En la disco», «El Mambo de las Shorty», «La Busco», entre
otros.
En 2009 con su
lanzamiento titulado El Patrón obtuvo
otro de sus más grandes éxitos, esta vez titulado «El amor»
producida por Luis Berríos Nieves. En 2010 su canción, “El amor”, fue
galardonado con la canción latina del año por la ASCAP.
Entre su lista de
reconocimientos, Tito el Bambino cuenta con siete premios Billboard, una
Antorcha de Oro por su participación en el Festival Viña del Mar 2010 y de esa misma
edición una Antorcha y una Gaviota de Plata.
Invencible es el sexto
álbum de Tito el Bambino. Contiene temas con Wisin &
Yandel, Gilberto Santa Rosa, Daddy Yankee y
muchos más, este disco se lanzó el 8 de febrero de 2011 con el que consigue un
disco de oro. En 2011, recibió los reconocimientos de canción latina del año y
el de compositor del año por la ASCAP.1
El 21 de noviembre de 2011 realizó una
re-edición del álbum Invencible titulado como Invencible
2012, cuenta con 5 temas nuevos.2
En 2012 publicó su
quinto álbum de estudio Invicto cuenta con 14 temas y 2 bonus
tracks3
publicados posteriormente, y apariciones especiales de artistas como el
cantante Marc Anthony, el artista urbano Yandel,
la agrupación cristiana Tercer Cielo y
el salseroTito Nieves;
cuenta con los singles «Dame la ola», «¿Por qué les mientes?» y «Tu olor».4
El 24 de noviembre de 2014, se publicará
en iTunes como preventa5
su sexto álbum de estudio titulado Alta Jerarquía,
con múltiples colaboraciones de artistas como Zion &
Lennox, Chencho (parte del dúo Plan B, Cosculluela, Wisin, Alexis & Fido,
entre otros. Después de década en la música el 13 de marzo del 2015 realizará
su primer concierto en el Coliseo de Puerto Rico después
de que fuera invitado a las 2 funciones de Coliseo de Cosculluela al
All Aggest Concert de Plan B y The Powerful and Love Tour
de Wisin6
Nace Sergio Luis Rodríguez, acordeonero y compositor colombiano.
Desde muy niño incursionó en la música
vallenata como acordeonero. Inició su preparación como estudiante en la
Academia de Música Andrés ‘El Turco’ Gil en Valledupar. Siguiendo su vocación
estudió Música y se tituló ‘Músico Productor con énfasis en técnicas de
grabación’ en la Universidad de Los Andes de Bogotá. Nacido el 5 de octubre de 1985 en Valledupar. Sergio
Luis Rodríguez Ávila, comenzó su participación en el Festival de la Leyenda
Vallenata en el año 1992, quedando como finalista; lo que le sirvió de
plataforma para ganar en la Categoría Infantil en los años 1994 y 1997. Luego
en el año 2009 participó en el 42º Festival de la Leyenda Vallenata, obteniendo
su tercera corona como Rey Profesional.
Como compositor
Otra de las facetas de Sergio Luis Rodríguez está en el
sendero de la composición. Este reconocido acordeonero tiene canciones en la
voz de los grandes intérpretes, todas ellas exitosas en las estaciones radiales
y en el querer de los seguidores de este género musical.
La primera canción que le grabaron a Sergio Luis Rodríguez
fue ‘Está bueno’, a cargo de Luifer Cuello y Manuel Julián, la cual salió al
mercado el 10 de mayo de 2004 en el álbum ‘La nueva ola’ que contiene 7
canciones.
Es un autor al que le han grabado muchas canciones de su
autoría, intérpretes como Jorge Celedón, acaba de grabarle ‘Goza’; Felipe
Peláez, ‘Tan natural’; Martín Elías, ‘Muchachita loca’; ‘Beto’ Zabaleta,
‘Enamorado de ti’; Peter Manjarrés, ‘El amor de mi vida’; Jorge Oñate, ‘Tu
indecisión’; entre otras. El artista que más le ha grabado ha sido Peter
Manjarrés, con un total de 13 canciones.
Sergio Luis Rodríguez pertenece a una academia de
acordeoneros rigurosamente clásicos y eso se nota en sus trabajos, tanto en acordeón
como en el piano. Además de esos dos instrumentos, también toca guitarra, caja,
guacharaca, congas, batería, la dulzania y el bandoneón.
Ha sido acordeonero de Los Delfines del Vallenato, Los Niños
Acordeoneros y Cantores del Vallenato del ‘Turco Gil’, Peter Manjarrés; como
invitado especial hizo un álbum con Andrea Griminelli. Ha grabados con los
siguientes artistas una canción: Felipe Peláez, Iván Villazón, Diego y Nico
Pineda, Eliana Raventos, Bazurto, Martín Elías, y La Combinación Vallenata.
Como solista, cantó y tocó el acordeón en el año 2010, grabo
el álbum ‘Un rey para la historia’ donde tuvo como invitado especial a
Emilianito Zuleta.
Premios
Ha ganado dos veces el Grammy Latino en la categoría
Vallenato/Cumbia, siendo acordeonero de Peter Manjarrés, en el 2008 con el
álbum ‘Solo Clásicos’ y en el 2009 con el álbum ‘El Caballero’ y tres veces el
Congo de Oro del festival de orquestas del Carnaval de Barranquilla.
José del Refugio Sánchez Saldaña nació el sábado 3 de mayo de 1921. Su padre, don José del Refugio Sánchez Heros, Capitán Primero Pagador del Ejército Mexicano, se trasladaba con su regimiento a Ciudad Victoria, Tamaulipas, a través de la sierra de Altamira; con él viajaba su esposa, Felipa Saldaña Cabello de Sánchez, a quien poco después de la media noche le asaltaron los dolores del parto.
su esposa dio a luz un varoncito, a quien le pusieron el nombre de José del Refugio, y que, con el correr de los años, se le conocería como Cuco Sánchez. Poco tiempo después nació Enrique, su único hermano.
La familia tuvo que viajar mucho durante los primeros cinco años de vida del pequeño Cuco, hasta que, un día, su padre decidió ir al norte a enlistarse con el General Álvaro Obregón. La familia no lo volvió a ver hasta después de muchos años.
Su madre los llevó a vivir a la Ciudad de México, en Tulyehualco, en donde consiguieron comprar algunas chivas y vacas para vivir. Así fue que Refugio se convirtió en pastor y vivió una infancia difícil, ya que tuvo que trabajar muy duro para procurar algunas comodidades a su madre y hermano.
Desde su infancia se distinguió por decir frases bonitas, las cuales le gustaban mucho a su madre, quien por ello las anotaba. Cuando Cuco aprendió a escribir, redactaba ideas muy completas y poéticas, y al poco tiempo descubrió su capacidad y facilidad para desarrollar melodías para acompañar esas frases y pensamientos.
Así que decidió acudir a la XEW con su trabajo, pero sus primeros intentos fueron vanos, ya que ni siquiera consiguió que le permitieran entrar al edificio.
Un día tuvo un golpe de suerte, ya que Alonso Sordo Noriega le consiguió la oportunidad de que entrara a platicar con algunos intérpretes. Fue así como consiguió que le grabaran algunas canciones.
Más adelante sucedió que, en un programa de Radio Mil, no se presentó un cantante, por lo que Paco Malgesto le sugirió que cantara. Desde esta primera presentación logró una gran aceptación del público; a partir de ese momento comenzó su desarrollo y, poco a poco, fue tomando el estilo que lo caracterizó y lo llevó al éxito.
Cuco Sánchez comenzó su carrera artística en 1937 pero fue en 1939 que su canción Mi chata lo lanza a la fama. Compuso más de 200 canciones, varias de ellas para el cine. Su estilo retoma la tradición de la canción revolucionaria.
También tuvo participación en varias películas como Socios para la aventura (1958), "Fallaste corazón" al lado de Jacqueline Andere, Alma Delia Fuentes, Ana María Bibriesca y José Alonso, filmada en 1970 en la famosa colonia Villa Coapa (Narciso Mendoza - Tlalpan) de la Ciudad de México, película dramática catalogada como una muy buena película de drama de su época y en 1992 el productor Valentín Pimstein lo invitó a formar parte del elenco de la telenovela María Mercedes en el papel de Genaro.
Fundó Apple en 1976 junto
con un amigo de la adolescencia, Steve Wozniak, con ayuda del excompañero de
Jobs en Atari, Ron Wayne en el garaje de su casa.
Aupado por el éxito del Apple II Jobs
obtuvo una gran relevancia pública, siendo portada de Time en 1982.14 Contaba 26 años y ya era millonario
gracias a la exitosa salida a bolsa de la compañía a finales del año anterior.
La década de los 80 supuso la
entrada de potentes competidores en el mercado de los ordenadores personales,
lo que originó las primeras dificultades empresariales. Su reacción fue
innovar, o mejor dicho, implementar: a principios de 1984 su
compañía lanzaba el Macintosh 128K,
que fue el primer ordenador personal que se comercializó exitosamente que usaba
una interfaz
gráfica de usuario (GUI) y un ratón en
vez de la línea de comandos.
Después de tener problemas con la cúpula directiva de la empresa que el mismo
fundó, renunció.15 Jobs vendió entonces todas sus
acciones, salvo una. Ese mismo año recibía la Medalla Nacional de Tecnología
del presidente Ronald Reagan,
cerrando con este reconocimiento esta primera etapa como emprendedor. Regresó en 1997 a la compañía,
que se encontraba en graves dificultades financieras, y fue su director ejecutivo hasta
el 24 de agosto de 2011.16171819 En ese verano Apple sobrepasó
a Exxon como la empresa con mayor
capitalización del mundo.20
Durante los años 90 transformó una empresa
subsidiaria adquirida a Lucasfilm en Pixar,
que revolucionó la industria de animación con el lanzamiento de Toy Story. La integración de esta compañía
en Disney,
de la que era proveedor, convertiría a Jobs en el mayor accionista individual
del gigante del entretenimiento. En el año de su muerte, su fortuna se valoraba
en 8300 millones de dólares21 y ocupaba el puesto 110 en la lista
de grandes fortunas de la revista Forbes.
En su segunda etapa en Apple,
también cambió el modelo de negocio de la industria musical: aprobó el
lanzamiento del iPod en 2001,
y en 2003 la tienda online de
música de iTunes, que en
siete años vendió más de 10 000 millones de canciones y dominó
completamente el negocio de música en línea, a un precio de 0,99 USD por
canción descargada.22 Ya en 2009 lograba acaparar el 25
por ciento de la venta de música en los Estados Unidos, y es la mayor tienda
musical por volumen de ventas de la historia.23 Según el registro de patentes de los
Estados Unidos, 323 patentes de Jobs figuran a nombre de Apple.24
Charles L. Napier (12 de abril de 1936 – 5 de octubre de 2011) fue un actor de
nacionalidad estadounidense, conocido por su interpretación de militares y
personajes duros.
Nacido en Mt. Union1
(Kentucky)
sus padres eran Sara Lena Loafman (1897-1974) y Linus Pitts Napier (1888-1991).2
Tras terminar el bachillerato, en 1954 se alistó en el Ejército de los Estados Unidos, sirviendo
en la 11ª División Aerotransportada y alcanzando el empleo de sargento.
Tras licenciarse,
estudió en la Universidad Western Kentucky en Bowling Green (Kentucky), graduándose en
1961 tras estudiar arte y educación física. Él quería ser entrenador de
baloncesto, y su primer trabajo fue el de entrenador ayudante del equipo de su
vieja high school. Poco después dejó esa ocupación y trabajó para una compañía
de puentes y una agencia publicitaria, hasta que se mudó a Clearwater (Florida), donde dio clases de arte
en la JFK Junior High School.
En 1964 volvió a la
Western Kentucky, donde D. Russell Miller le estimuló a dedicarse a la
actuación. Tras algún éxito en el local Alley Playhouse, Napier volvió a Florida,
donde siguió enseñando a la vez que actuaba en el ambiente teatral de la
comunidad, trabajando finalmente en el Clearwater's Little Theatre. En esa
época, además, se dedicó a otra pasión, la pintura.1
Tras filmar una
película de camioneros, Napier escribió artículos y tomó fotografías durante
unos años para la revista Overdrive, hasta que una huelga de
transportes en 1973 le hizo recalar en Hollywood.
Allí, Napier hubo de vivir en su coche en un aparcamiento, hasta que, según
él, Alfred Hitchcock le hizo llamar,
consiguiendo un contrato con Universal
Studios.1
En 1986 Napier
volvió a actuar con Rod Taylor en la serie Outlaws, en la cual
interpretaba a Wolfson Lucas, y en la que también trabajaban Richard
Roundtree y William Lucking.
Napier dio voz a
Duke Phillips, personaje de la serie de la década de 1990 El crítico.
Desde 1997 a 2001 dio también voz a Zed en Hombres de Negro (la serie). Además,
fue actor de voz en varios episodios de Los Simpson,
y dobló al sheriff en Los calamareños, en algunos de ,los
episodios, aunque le reemplazó Bobby Ellerbee.
En la sexta
temporada de Curb Your Enthusiasm en 2008, hizo un
pequeño papel como un barbero que echa de su comercio a Larry David.
Charles Napier
falleció en Bakersfield (California), el 5 de octubre
de 2011, tras haber sufrido el día anterior un colapso.3Tenía
75 años de edad. No se conoce la causa exacta de su muerte, aunque en mayo de
2010 Napier había recibido tratamiento para luchar contra unos coágulos de sus
piernas.4
Fue enterrado en el Cementerio Nacional de Bakersfield.
Chantal Akerman (Bruselas, 6 de junio de 1950 - París, 5 de octubre de 2015)1 fue una directora
de cine belga, artista y profesora de cine en la European Graduate
School.2 Sus películas
están basadas en observaciones sobre la vida cotidiana, la necesidad de comer,
la sexualidad, el aislamiento y la política de exclusión en el siglo XX. Se dio
a conocer más al público con el film Jeanne Dielman,
23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), donde ejemplifica su modo de evadir la
narrativa convencional mediante la elipsis. En los últimos años destacó
asimismo por la escritura.
2018
Muere Héctor Ulloa, actor, compositor y cantante colombiano.
Héctor Horacio Ulloa Rodríguez (La Vega, Cundinamarca; 14 de julio de 1936-Ibidem, 5 de octubre de 2018) fue un actor colombiano y una de las figuras más importantes de la historia de la televisión del país.1 Famoso por protagonizar Don Chinche, condecorada como la mejor serie del siglo XX en Colombia.23 Compuso uno de los boleros más famosos del país, Cinco centavitos4 cantado luego por consagrados artistas.5
Incursionó en la política y fue diputado a la Asamblea Departamental de Cundinamarca, alcanzando la votación más alta de la corporación.
En el año 2000, en el marco del Festival de Cine de Cartagena, recibió el galardón obtenido por la serie Don Chinche, como la mejor serie del siglo XX en Colombia.6 Asimismo, en 2012, se le otorgó el premio honorífico Víctor Nieto a toda una vida.7 El 22 de abril de 2016, recibió el premio honorífico Vida de Palabras.8
Su última aparición en pantalla fue un el documental El Culebro: La historia de mi papá, un largometraje sobre la vida de su mejor amigo Hernando Casanova.9 Sin embargo, su aparición final en una película de ficción, ocurrió en 2013, en la película Roa del director Andrés Baiz.10
Ulloa falleció a los 82 años, en una finca de su propiedad en su pueblo natal.
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