Un día como hoy 29 de octubre

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El 29 de octubre es el 302.º (tricentésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 303.º día en los años bisiestos. Quedan 63 días para finalizar el año.


Podcast 2019




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1740:

Nace

James Boswell, 



noveno Laird Auchinleck (Edimburgo, 29 de octubre de 1740 - Londres, 19 de mayo de 1795) fue un escritor, abogado y aristócrata escocés, conocido por su biografía sobre el doctor inglés, intelectual y hombre de letras del siglo XVIII Samuel Johnson (1709-1784), titulada La vida de Samuel Johnson (1791, The Life of Samuel Johnson, LL.D.).

Biografía

Hijo de Lord Auchinleck (léase lord Affleck), juez del tribunal supremo de Escocia, estudió derecho primero en las universidades de Edimburgo (1753-1758) y Glasgow (1758-1762), donde fue alumno de Adam Smith. Posteriormente, completaría su formación en Utrecht. Antes de partir para dicha ciudad, conoció el 16 de mayo de 1763 a Samuel Johnson en Londres, figura a la que profesaba una gran admiración y con la que le uniría, posteriormente, una gran amistad. Tras graduarse en Utrecht, realizó numerosos viajes por Europa, en los que se relacionó además con personajes relevantes de su tiempo, tales como Rousseau, Voltaire, el general Pasquale Paoli, David Hume,... Fruto de esos viajes, animado por Samuel Johnson, esbozaría varios libros de viajes como Boswell in Holland y Boswell on the Grand Tour: Germany and Switzerland (1763-1764) que no se publicaron hasta el siglo XX.

También escribiría y publicaría An Account of Corsica (1768), "Un relato de Córcega", del que se sentía muy orgulloso por sus simpatías corsas y su amistad con Pasquale Paoli. Boswell estuvo en la isla de Córcega en octubre y noviembre de 1765 y tras su vuelta emprendió una amplia campaña de prensa en favor de la República de Córcega, proclamada tras su sublevación contra la dominación de la República de Génova. Escribió decenas de artículos en el London Chronicle, una gaceta de fuerte tirada. El libro fue publicado a mediados de febrero de 1768 y consiguió un gran éxito —superó los 4000 ejemplares en varias ediciones—, siendo traducido a varios idiomas como el italiano, el holandés, el alemán y el francés. Este libro, como ha destacado Antoine Franzini, además de aportar una notoriedad a su autor, «hizo más por la gloria de Paoli y por la imagen de la república corsa que todos los otros relatos de viajeros o de militares».[1]

Tras esta etapa, residió un tiempo en Londres antes de volver a Edimburgo, donde se casó en 1769, y donde comenzó a ejercer la abogacía, sin gran éxito. Su vida fue especialmente licenciosa, frívola y disoluta: solía salir de casa, y tras pasar semanas enteras entre prostíbulos y tabernas, volver a ella con alguna infección venérea. En ese tiempo, solía realizar un viaje anual a Londres en primavera, donde pasaba la Pascua con Johnson, quien siempre le ofrecía sus consejos. En 1773, invitó a Samuel Johnson a Escocia, y con él realizaría un memorable viaje por las Hébridas que relataría en A Journal of a Tour to the Hebrides (1785). Durante este tiempo comenzaría a frecuentar los círculos de Lord Monboddo y Lord Kames en Edimburgo, donde se codearía además con el poeta Robert Burns, John Home, Adam Smith,... Además, por su amistad con Samuel Johnson se hizo miembro de The Club, club de caballeros londinense compuesto por la flor y nata de los círculos intelectuales británicos, contándose entre sus miembros, entre otros, el propio Samuel Johnson, el pintor sir Joshua Reynolds, el gran historiador Edward Gibbon, el escritor Thomas Sheridan y su hijo, el escritor y dramaturgo Oliver Goldsmith, el famoso actor David Garrick, el político Edmund Burke, el naturalista sir Joseph Banks,...

Durante este tiempo llevaría un diario detallado de todos sus encuentros con Johnson y otras personalidades de la época. Por ejemplo, estuvo en el lecho de muerte de David Hume, al que Boswell le preguntó si no prefería enmendarse y creer en una vida después de la muerte para poder encontrarse con sus amigos, a lo que Hume contestó que ninguno de sus amigos había creído en la vida después de la muerte, por lo que no esperaba encontrarlos;... Conversaciones como esta las recogía en sus diarios y su correspondencia, que son una valiosa fuente de anécdotas y de datos sobre la vida durante el siglo XVIII.

Sin embargo, su opus magnum es la biografía de Johnson, La vida de Samuel Johnson (1791), en la que, a partir de las notas que él mismo tomaba de sus conversaciones con Johnson, y de la correspondencia y anécdotas que otros le proporcionaron, realiza un soberbio retrato del doctor Johnson, de su tiempo, obra y opiniones, amén de reclamar el valor de la amistad. Esta obra está considerada como la mejor biografía en lengua inglesa, y ha sido tomada como un referente biográfico moderno -el mundo anglosajón incluso afirma que Boswell creó la biografía moderna.

Tras la muerte de Johnson en 1784, Boswell se mudó a Londres, donde probó suerte en los tribunales londinenses, de nuevo con poco éxito. Por entonces, afectado por alguna enfermedad venérea y el alcoholismo, su salud se vio resentida. Su propia fama y posición social se fueron volviendo más y más precarias conforme su círculo de amistades iba falleciendo y, debilitado y apartado de la mayor parte de los círculos intelectuales del momento, dedicó sus últimos años a escribir su La vida de Samuel Johnson como vehículo para reivindicar a su amigo. La propia publicación de la biografía en 1791 le acarreó numerosos problemas, al publicar en ella detalles, anécdotas y correspondencia entre Johnson y muchas personalidades todavía vivas que, pese a haberle proporcionado la información, consideraron que Boswell había violado su confianza y su intimidad al publicar sin ningún pudor los detalles y los nombres de los involucrados.

Finalmente, falleció en 1795, mientras preparaba la cuarta edición de La vida de Samuel Johnson, que fue completada, aportando numerosas notas, por el erudito shakesperiano Edmond Malone, también amigo de Samuel Johnson y del propio Boswell.

Valoración

Su fama póstuma fue, curiosamente, la de un idiota y un pervertido: los intelectuales del siglo XIX consideraban que la magnífica biografía del Dr. Johnson era fruto de la feliz labor de un idiota; su familia, abochornada por su fama de libertino, utilizaría su retrato para lanzar, literalmente, dardos contra él. La leyenda dice que parte de su correspondencia fue descubierta (y rescatada) en Calais de entre las hojas que un pescadero usaba para envolver el pescado (anécdota parecida a la de Bach y el carnicero de Mendelssohn), y la mayoría de su correspondencia, diarios y notas serían ocultadas por vergüenza hasta que fueron redescubiertas en 1920 en el castillo de Malahide, al norte de Dublín, donde se habían afincado, por matrimonio con los Talbot, algunos de sus descendientes. Desde entonces, su figura vivió una gran revalorización, con la publicación de biografías, ensayos y estudios críticas que lo elevaron a una figura prominente del panorama intelectual dieciochesco. Desde luego, Boswell se codeó con las principales luminarias de la época (y en sus cartas y notas aporta valioso material sobre ellos), y escribió una de las obras cumbre del género biográfico, contribuyendo sobremanera a la fama póstuma del Dr. Johnson, y a que otros muchos intelectuales de la época no hayan caído en el olvido.

Fue Boswell el primer autor que utilizó el adjetivo "romántico". En su obra de 1768 "An Account of Corsica" el término aparece cuatro veces: para calificar la vista de la ciudad de Corti desde el monasterio de los franciscanos, para describir un agreste valle en el que se asentó la Orden de la Iglesia Griega de San Basilio, al nombrar el sonido de un instrumento de cuerda parecido a la cítara y en la mención al retiro de Rousseau en Ginebra.

Obra

Edición en español

Referencias

  1. Franzini, Antoine (2018). «Boswell, l'Écossais qui fit la célébrité de Paoli». Les Collections de L'Histoire (en francés) (81): 33.

Enlaces externos








1816:

Muere  Francisco José de Caldas, astrónomo y geógrafo colombiano; fusilado.


Francisco José de Caldas y Tenorio (Popayán, octubre de 1768 - Santafé, 29 de octubre de 1816) fue un científico, ingeniero militar, geógrafo, botánico, astrónomo, naturalista y periodista Neogranadino, prócer de la independencia de Colombia. Por su erudición y vastos conocimientos sobre tantas disciplinas fue conocido entre sus contemporáneos como El Sabio, epíteto con el cual pasó a la historia de Colombia.

Biografía[editar]

Independencia de Colombia[editar]

Caldas pertenecía a la clase privilegiada de criollos ilustrados que no veían con buenos ojos la presencia del virrey Amar y Borbón representante de la corona española, debilitada por la invasión de los ejércitos napoleónicos a la península ibérica.
Dispuestos a aprovechar la oportunidad de establecer un nuevo gobierno, los criollos comenzaron a entablar una serie de reuniones para organizarse. Estas fueron llevadas a cabo en la casa de José Acevedo y Gómez. Sin embargo, los asistentes a estas reuniones descubrieron que la casa estaba bajo vigilancia. Caldas, aprovechando su condición de director del Observatorio Astronómico de Bogotá, permite entonces que las reuniones se realicen en dicha edificación.

El Florero de Llorente[editar]

Artículo principal: El Florero de Llorente
Caldas fue parte del plan para iniciar el incidente que conduciría a los hechos del 20 de julio conocidos como El Florero de Llorente.1​

La Patria Boba[editar]

Artículo principal: Patria Boba
En 1811 la presidencia de la Nueva Granada es asumida por Antonio Nariño, y Caldas fue nombrado capitán del Cuerpo militar de Ingenieros. Para 1812 asciende al grado de teniente coronel.
En 1813 se le relacionó con la rebelión contra Nariño, y tras ser derrotados sus autores, Caldas, por temor a represalias marchó a Antioquia donde se le confirió el grado de coronel y fue nombrado Director de fábricas e ingeniero de armamentos.
Entre 1813 y 1814 se encargó de las fortificaciones del río Cauca, de la instalación de una fábrica de fusiles y pólvora.
En 1815 fue llamado por el entonces presidente Camilo Torres, su primo, para hacerse cargo de la creación de una Escuela Militar en Nueva Granada, y la construcción de baterías, fosas y puentes en las inmediaciones de la capital. A finales de ese año, fue enviado por José Fernández Madrid a prestar servicios en el ejército del norte y fortificar los caminos de Guanacas y del Quindío.
Tras la sucesión de victorias del ejército realista después de la toma de Cartagena de Indias por las fuerzas expedicionarias de Pablo Morillo, Caldas huyó al sur con la intención de embarcarse en el puerto de Buenaventura en el Pacífico, ya que Popayán estaba aún bajo control patriota, pero tras la victoria del español Juan Sámano en la batalla de la Cuchilla del Tambo, Caldas fue soprendido y apresado diez leguas distante, en la hacienda de Paispampa, para ser trasladado a Bogotá y juzgado por un Consejo de Guerra.2​3​

Muerte[editar]

Tras su captura, Caldas fue sentenciado a muerte por los tribunales de justicia, negándose el militar español Pablo Morillo a indultarle, y que, ante las peticiones de clemencia,4​ responde: "¡España no necesita de sabios!".
Cuando bajaba las escalinatas de la Universidad del Rosario, en camino hacia el patíbulo, dibujó en una pared la letra griega θ, enigma que tradicionalmente se ha interpretado como Oh, larga y negra partida.
Fue fusilado por la espalda el 29 de octubre de 1816 en la plazuela de San Francisco (hoy Parque Santander) de Bogotá, junto a Francisco Antonio de Ulloa. Caldas murió a la primera descarga, cuyos disparos le entraron por la espalda y le abrieron el pecho. Los cadáveres fueron enterrados en la iglesia de la Veracruz,5​ donde reposaron hasta 1904 cuando fueron encontrados cerca de la puerta de la iglesia.
Guillermo Valencia quien era representante a la Cámara, solicitó a la Academia Colombiana de Historia el traslado de los restos de los próceres a Popayán, llegando a esta ciudad en febrero de 1905. Los restos reposaron en la iglesia de San José, luego en la Catedral y finalmente, en 1940, pasaron al Panteón de los Próceres de Popayán.6​



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1911: 

Muere Joseph Pulitzer, editor estadounidense (nacido en 1847).


Joseph Pulitzer (nacido József Pulitzer —en húngaro Pulitzer József—, también conocido como Joe; Makó, Hungría, 10 de abril de 1847–Charleston, Estados Unidos, 29 de octubre de 1911) fue un editor estadounidense de origen judíohúngaro, conocido por su competencia con William Randolph Hearst que originó la llamada prensa amarilla y por los premios periodísticos que llevan su nombre, los Premios Pulitzer. Además se le puede considerar un pionero del «infotainment», esa mezcla de información y entretenimiento en la que los periódicos no han dejado de profundizar desde entonces.
Biografía[editar]
Nacido en Makó, Hungría, Pulitzer inició la carrera militar pero fue rechazado por el ejército austríaco debido a su frágil salud y a su mala visión. Emigró a los Estados Unidos en 1864 para luchar en la Guerra Civil Estadounidense. Tras la guerra se fue a vivir a San Luis (Missouri) donde en 1868 empezó a trabajar para un periódico de lengua alemana, el Westliche Post. Se unió al Partido Republicano y fue elegido en 1869 para la Asamblea del Estado de Missouri. En 1872 Pulitzer compró el periódico en el que trabajaba por 3000 dólares. Después, en 1872, compró el St. Louis Dispatch por 2700 dólares y fusionó los dos diarios para crear el St. Louis Post-Dispatch, que terminó siendo el periódico diario de San Luis. Fue ahí donde Pulitzer desarrolló su papel como portavoz del hombre corriente con exclusivas y con un acercamiento a la noticia fuertemente populista.
En 1883 Pulitzer, ya millonario, adquirió el New York World, un periódico que estaba perdiendo dinero año tras año. Pulitzer dirigió la atención del periódico hacia historias de interés humano, escándalos y sensacionalismo. En 1885 fue elegido para la Cámara de Representantes de los Estados Unidos, pero renunció tras unos pocos meses de servicio (al parecer por no encontrar en la política un ámbito que colmase sus intereses de realización personal). En 1887, reclutó a la famosa periodista de investigación Nellie Bly. En 1889 introdujo una hoja dominical en la edición dominical,1​ y seis años después la primera historieta en color de un periódico: La luego inmensamente popular The Yellow Kid de Richard F. Outcault. Bajo la dirección de Pulitzer, el diario aumentó su circulación de 15 000 a 600 000 ejemplares, convirtiéndolo en el primer periódico del país en difusión.
El editor del periódico rival New York Sun atacó a Pulitzer llamándole en 1890 «el judío que abandonó su religión». Tras el ataque, que tenía por objeto el quitarle los lectores judíos, la ya frágil salud de Pulitzer se deterioró rápidamente y tuvo que abandonar la actividad periodística de forma directa, aunque continuó dirigiendo activamente el periódico desde su retiro en Bar Harbor, Maine y desde su mansión de Nueva York.
En 1895, William Randolph Hearst adquirió el periódico rival New York Journal, al que condujo a una guerra de difusión. Esta competición con Hearst, en concreto en todo lo que se refirió a la cobertura antes y después de la guerra hispano-estadounidense, que no fue más que una creación producto de buscar una historia más amarilla, escandalosa, y falta de veracidad, con el objeto de atraer más público.
La guerra hispano-estadounidense es recordada como el producto de muchas fuentes fraudulentas y carentes de hechos concretos, y la ambición y egoísmo de dos hombres que crearon una guerra con el solo objetivo de vender periódicos. Cabe destacar que Pulitzer omitió mencionar que la batalla clave de esa guerra fue peleada por caballería afroamericana.
También afectó a la naciente industria de las tiras cómicas al provocar un trajín de autores como Richard Felton Outcault, George McManus o Rudolph Dirks entre los diarios de uno y otro magnate, hasta el punto de acudir a los tribunales para conservar la propiedad de sus series.2​
Como consecuencia de la denuncia del pago fraudulento de 40 millones de dólares por parte de Estados Unidos a la compañía francesa del Canal de Panamá en 1909, Pulitzer fue denunciado por difamar a Theodore Roosevelt y a J. P. Morgan. Los jueces rechazaron la acusación, en una victoria para la libertad de prensa.
En 1892, Pulitzer ofreció al presidente de la Universidad de Columbia, Seth Low, financiar la primera escuela de periodismo del mundo. La Universidad rechazó inicialmente el dinero, evidentemente influida por la polémica figura de Pulitzer. En 1902, el nuevo presidente de la Universidad, Nicholas Murray Butler, fue más receptivo hacia el plan de la escuela y de instaurar unos premios, pero no sería hasta la muerte de Pulitzer que este sueño se haría realidad. Pulitzer dejó a la Universidad 2 millones de dólares en su testamento, lo que permitió la creación en 1903 de la Columbia University Graduate School of Journalism (la escuela de periodismo), que sería una de las más prestigiosas del mundo, aunque ya no fuese la primera, por haberse creado antes la de la Universidad de Missouri.
Joseph Pulitzer murió a bordo de su yate en el puerto de Charleston, Carolina del Sur, en 1911. Está enterrado en el cementerio Woodlawn del Bronx, en Nueva York. En 1917, fueron convocados los primeros Premios Pulitzer de acuerdo con los deseos de Pulitzer.
En 1989 Pulitzer fue situado en el paseo de la fama de San Luis.


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1922:

Nace Neal Hefti, trompetista, pianista, arreglista y compositor estadounidense de jazz, conocido especialmente por sus trabajos para la big band de Count Basie.


Neal Hefti (Hastings, Nebraska, 29 de octubre de 1922 - Toluca Lake, California, 11 de octubre de 2008) fue un trompetista, pianista, arreglista y compositor estadounidense de jazz, conocido especialmente por sus trabajos para la big band de Count Basie.

Historial[editar]

Comenzó tocando, como trompetista, en orquestas de rumba en Cuba. Después regresó a Estados Unidos, y se incorporó a las big bands de Charlie Barnet, Harry James y Earl Hines. Enrolado en la orquesta de Woody Herman desde 1944, obtiene diversos éxitos como compositor y arreglista, por lo que es reclutado por Norman Granz para un proyecto con Charlie Parker (1948).

Después comienza su larga colaboración como arreglista y compositor de la big band de Count Basie, con quien permanecerá treinta años. Algunos de los temas que compuso para Basie se han convertido en estándares reconocidos, como es el caso de "Lil' Darlin", "Why not", "Cute", "Lolly Pop" y otras muchas. Finalizada su relación con Basie, se instala en California y trabaja componiendo bandas sonoras para el cine y la televisión. Entre sus bandas sonoras, destaca la de Harlow (1965), por la que recibió dos nominaciones Grammy por la canción "Girl Talk", así como la de la serie de TV "Batman", que también logró tres nominaciones.1​ También trabajó como director musical en el show de Frank Sinatra.


1925: 

Nace Robert Hardy, actor británico.


Timothy Sydney Robert Hardy, CBE (Cheltenham, Inglaterra, 29 de octubre de 1925-Brístol, Inglaterra, 3 de agosto de 2017),1​ fue un actor británico. Hardy fue uno de los actores más respetados de Gran Bretaña, con una carrera de seis décadas y que incluye una gran variedad de papeles en el cine, teatro y televisión.

Índice

·         1Biografía
·         2Filmografía (parcial)
·         3Premios
o    3.1Premios BAFTA
·         4Referencias
·         5Enlaces externos

Biografía[editar]

Hardy nació en Cheltenham, Inglaterra, hijo de Jocelyn Dugdale y Henry Hardy. Estudió en Oxford, donde obtuvo una licenciatura con honores.
Debutó profesionalmente con la Royal Shakespeare Company en Stratford-upon-Avon, en 1949, en múltiples temporadas clásicas allí y en el Old Vic. Posteriormente se trasladó al West End para trabajar en producciones como Mucho ruido y pocas nueces, Habeas Corpus, The Rehearsal, A Severed Head, The Constant Couple, Dear Liar y Body & Soul. La larga y distinguida carrera de Robert Hardy incluye papeles en películas como El espía que surgió del frío, 10 Rillington Place, El joven Winston, The Shooting Party, Robin Hood, Frankenstein de Mary Shelley, Sentido y sensibilidad, An Ideal Husband y más recientemente como Cornelius Fudge en la saga de Harry Potter.
Robert Hardy escribió y presentó documentales para televisión sobre Enrique V, Gordon of Khartoum y la serie Horses in our Blood. Además, publicó dos libros sobre las guerras medievales que se llaman Longbow y The Great War-Bow.










1926:

Nace Jon Vickers,

Jon (Jonathan Stewart) Vickers (Prince Albert, Saskatchewan, 29 de octubre de 1926-Ontario, 10 de julio de 2015)[1] fue un tenor heroico canadiense.

Formado en Toronto, debutó en el Royal Opera House de Londres en 1956, y en Festival de Bayreuth en 1958 como Sigmund, uno de sus roles más representativos, en El anillo del nibelungo de Richard Wagner. Durante los años 60 y 70 fue uno de los cantantes más requeridos por los teatros internacionales.

Entre las cualidades de Vickers se suele destacar el poder y sutileza de su voz, su complexión física fornida y musculosa, y sus cualidades dramáticas, todo ello le sirvió para ser un memorable intérprete de papeles como Tristan, Otello, Samson (de Saint-Saëns y Händel), Eneas, Florestan o el atormentado Peter Grimes de Benjamin Britten, uno de sus máximos triunfos.

Por motivos religiosos (Vickers era un ferviente cristiano) rehusó cantar el papel de Siegfried, en la ópera homónima, y Tannhäuser, pero fue un excepcional Parsifal.

Actor de intensidad desconocida en los escenarios líricos, su desempeño en escena será recordado como Jason (junto a Medea por Maria Callas), Don José (junto a la Carmen de Grace Bumbry), Otello (junto a Renata Scotto o Mirella Freni), Siegmund (junto a Leonie Rysanek o Régine Crespin), Samson (junto a Shirley Verrett), , Neron (junto a Gwyneth Jones como Poppea), Florestán (junto a Christa Ludwig o Helga Dernesch), Pollione (junto a la Norma de Montserrat Caballé) y muy especialmente como Tristan junto a Birgit Nilsson, pareja ideal de los roles wagnerianos sólo lo cantaron juntos seis funciones en el Teatro Colón de Buenos Aires, una en el Metropolitan Opera, la Ópera Estatal de Viena, la Ópera Estatal de Baviera en Múnich el Teatro Antiguo de Orange del que existe una valiosa filmación.

A partir de la década de 1980 se dedicó a la enseñanza, siendo uno de sus alumnos más conocidos el también canadiense, Ben Heppner, que suele ser identificado como su heredero (no solo por su parecido como por cantar el mismo repertorio).

Falleció a la edad de 88 años.

Discografía principal

  • Beethoven - Fidelio - Klemperer
  • Beethoven - Fidelio - Karajan
  • Bellini - Norma - Patané (DVD)
  • Bizet - Carmen - Karajan (DVD)
  • Britten - Peter Grimes - Colin Davis
  • S.Saens - Samson et Dalilah - Pretre
  • S.Saens - Samson et Dalilah - Colin Davis (DVD)
  • Schubert - Winterreise
  • Verdi - Otello - Levine DVD)
  • Verdi - Otello - Serafin
  • Verdi - Otello Karajan (DVD)
  • Wagner - Tristan & Isolde - Karajan
  • Wagner - Tristan & Isolde - Böhm (DVD)
  • Wagner - Die Walküre - Karajan
  • Wagner - Die Walküre - Leinsdorf

Referencias

Enlaces externos









 1930: 

Nace Omara Portuondo, cantante cubana.

Omara Portuondo (La Habana, 29 de octubre de 1930) es una cantante cubana de son y boleros, además de ser una de las mayores representantes del llamado Feeling. Conocida como «La diva del Buena Vista Social Club» o «La novia del feeling».

Trayectoria artística[editar]

Primeros años[editar]

Su madre pertenecía a una familia cubana de abolengo de ascendencia española y se esperaba de ella un casamiento que la uniera a otras familias de la sociedad, pero escapó con el hombre al que amaba, un jugador de béisbol del equipo nacional. El matrimonio tuvo tres hijas, y, como en cualquier hogar cubano, había música; no tenían dinero, pero tenían las voces de los padres, cantando en la cocina donde hacían sus vidas diarias. Omara, que nació en el barrio de Cayo Hueso de La Habana, recuerda sus canciones, incluida entre sus favoritas La bayamesa, de Ernesto Grenet y Sindo Garay (también cantada por Compay Segundo en Buena Vista Social Club). Estas fueron sus primeras lecciones informales de canto, y dichas canciones pasaron a formar parte de su repertorio de toda la vida.
Cuando su hermana Haydée se convirtió en bailarina del famoso cabaré Tropicana, Omara pronto la siguió, por accidente: la compañía de danza se vio reducida un día de 1945 cuando una bailarina se retiró dos días antes de un importante estreno. Omara había visto ensayar a su hermana tan a menudo, que se sabía todos los pasos, así que le pidieron que ocupara el lugar dejado libre.
Era un cabaret muy chic, pero dije que era inadmisible. Era muy tímida y me daba vergüenza mostrar mis piernas.
Omara Portuondo
Pero su madre la convenció al decirle que no podía defraudarlos; así comenzó una carrera como bailarina, formando una pareja famosa con el bailarín Rolando Espinosa.1​ Hasta el día de hoy actúa en Tropicana.

La novia del feeling[editar]

Los fines de semana Omara y Haydée cantaban estándares de jazz con algunos amigos: César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y el pianista Frank Emilio Flynn. El grupo se hacía llamar Loquibambla Swing, y el estilo que tocaban era una musica con influencias del jazz que luego se conoció como feeling ―castellanizad «filin». En su debut de radio, Omara fue anunciada como Omara Brown, «la Novia del Filin». Ese nombre artístico pronto fue olvidado, pero todavía no la definición que lo acompañó.
En 1950 fue integrante de la Orquesta Anacaona, y hacia 1952 Omara y su hermana Haydée Portuondo formaban un cuarteto vocal femenino con Elena Burke y Moraima Secada, liderado por la pianista Aída Diestro. Se convirtieron en uno de los cuartetos vocales más importantes de la música cubana y Omara permaneció con el Cuarteto Las d'Aida durante 15 años, aunque la formación original solo grabó un álbum para RCA Víctor en 1957. Realizaron numerosas giras por América con innovadores arreglos vocales de Aida; tuvieron oportunidad de compartir escenarios con Édith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Moré y también sirvieron como acompañantes de Nat King Cole cuando este se presentó en Tropicana.

Su carrera en solitario[editar]Debutó en solitario con el álbum Magia negra, aparecido en 1959, en el que cruza música cubana y jazz e incluye versiones de That Old Black Magic y Caravan de Duke Ellington. Después siguió con Las De Aída hasta 1967, año en que comenzó a dedicarse finalmente su carrera en solitario, actuando en Cuba y en algunos festivales del exterior representando al país.

En los años 70 cantó con la Orquesta Aragón y viajó extensamente, haciendo presentaciones en varios países como Francia, Japón, Bélgica, Finlandia y Suecia. Omara realizó muchas grabaciones a lo largo de las dos décadas siguientes; pero la mejor viene a ser el álbum que grabó con Adalberto Álvarez en 1984 y dos álbumes realizados para el sello español Nubenegra: Palabras y Desafíos.
El director cubano Fernando Pérez Valdés hizo un documental sobre la cantante titulado Omara, en 1983.

Los nuevos tiempos[editar]

En el año 2000 World Circuit lanzó Buena Vista Social Club presenta... Omara Portuondo, el tercer disco de este conjunto que contó con la participación de músicos como Rubén González, Orlando ''Cachaíto'' López, Manuel ''Guajiro'' Mirabal y Jesús "Aguaje" Ramos, y además apariciones de artistas invitados como Eliades Ochoa, Compay Segundo, Manuel Garban e Ibrahim Ferrer.
El álbum, acogido con grandes elogios de la crítica, condujo a Omara a una gira mundial en 2000-2001 con sus compañeros del Buena Vista, Rubén González e Ibrahim Ferrer.
El 2002 realizó una extensa gira internacional en solitario, con numerosas fechas en Norteamérica y Europa. En otoño del mismo año participó en el Festival de Jazz en Japón.
En el 2003 hace una gira por Canadá y Estados Unidos.

El presente[editar]

En septiembre del 2003 graba en los estudios de la EGREM lo que será su segundo disco solitario producido por World Circuit.
El álbum Flor de amor marca un cambio de dirección y los músicos cubanos combinados con una selección de músicos brasileños dan al disco un sonido distinto.
El 5 de noviembre de 2009 ganó el Premio Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum Tropical Contemporáneo, con Gracias, pero lo relevante es que se convierte en la primera artista cubana residente en su país en ganar este prestigioso galardón y recogerlo con sus propias manos. En el disco Omara hace un recorrido por sus 60 años de carrera artística, con participaciones especiales del cubano Pablo Milanés, el uruguayo Jorge Drexler y el brasileño Chico Buarque.
En 2010 grabó un tema para la película la versión española The Princess and the Frog, traducida como Taina y el sapo, de Walt Disney, interpretando una canción de la anciana Mama Odie: Dig a Little Deeper; sin embargo, para la banda sonora de la versión para Latinoamérica, titulada La princesa y el sapo, no grabó ninguna.


https://www.youtube.com/watch?v=yV2sbQu7Yw4
1932:

Muere Reveriano Soutullo, compositor español de zarzuelas y pasodobles.



Reveriano Soutullo Otero (Puenteareas, Pontevedra, 11 de julio de 1880 - Madrid, 29 de octubre de 1932) fue un compositor español de zarzuelas y pasodobles.
Índice
·         1Biografía
·         2Obras
·         3Muerte y legado
·         4Enlaces externos
Biografía[editar]
Su padre dirigía la banda de Redondela, por lo que Reveriano tuvo la música cerca desde pequeño. A los 19 años, fue a estudiar al conservatorio de Madrid y mientras, se ganó la vida tocando el cornetín. Sufrió una infección en el oído que lo dejó medio sordo. En Madrid hizo la prueba de acceso y entró directamente en el primer curso de armonía. Estudió tres años de armonía y composición, asignatura en la que le dieron el premio extraordinario. En el conservatorio de Madrid le dieron clase profesores famosos como Arín y Fontanilla.
Entre 1906 y 1907 volvió a Vigo, donde le dieron una beca para estudiar música en el extranjero. Gracias a ello entró en contacto con músicos italianos y alemanes; pero los músicos que más le marcaron los encontró en París: Debussy y Ravel.
Obras[editar]
Volvió a Madrid donde empezó a componer zarzuela. Compuso varias zarzuelas famosas, entre ellas, Rosa de Flandes, compuesta en colaboración con el maestro Enrique Estela, y Amores de aldea.
Entre 1919 y 1931 forma un famoso tándem con Juan Vert, con quien compuso grandes éxitos como:
·         La leyenda del beso
·         El último romántico
·         La del Soto del Parral
·         La caída de la tarde
·         La Venus de Chamberí
·         El regalo de boda
Juan Vert murió en 1931 a causa de un infarto.
Reveriano Soutullo abrió, asociado con Manrique Villanueva, una editorial musical en 1910, con la que ganó bastante dinero.
Muerte y legado[editar]
Murió en 1932 a causa de una complicación en el postoperatorio de una operación de oído. Fueron famosas obras suyas como Puenteareas, Suite Vigo, y una fracción de La leyenda del beso fue utilizada por Mocedades en la canción Amor de hombre.




https://www.youtube.com/watch?v=l_v-w9uHNbs







1935:

Nace  Isao Takahata, cineasta japonés.



Isao Takahata (高畑 勲 Takahata Isao?) (Ise, 29 de octubre de 1935-Tokio, 5 de abril de 2018) fue un director, productor y guionista de películas y series de animación japonesa. Fue cofundador, junto con su amigo Hayao Miyazaki, de los estudios Ghibli. Su obra más reconocida es La tumba de las luciérnagas.1​

Índice

·         1Biografía
·         2Obra
o    2.1Televisión
o    2.2Filmografía
·         3Referencias

Biografía[editar]

Takahata asistió a la Universidad de Tokio, donde se gradúo en literatura francesa. Fue la película Le Roi et l'Oiseau del animador francés Paul Grimault lo que le llamó la atención por sus posibilidades y decidió dedicarse al mundo de la animación.2​ Takahata inició su carrera en los estudios de Toei Animation como ayudante de dirección, donde dirigió su primera película, Las aventuras de Hols: Príncipe del sol —Taiyou no Ouji Horusu no Daibouken, 1968—, en la que también participó Miyazaki.
Entre 1974 y 1978, también con la intervención de Miyazaki, trabajó en Nippon Animation para World Masterpiece Theater, series de animación para la televisión basadas en clásicos de la literatura infantil y juvenil. La primera obra fue Heidi, la niña de los Alpes(1974). Revolucionaria por su concepción reposada y costumbrista, lejos de las series de animación de la época con tramas de acción y fantasía, la obra fue un sorprendente éxito mundial.[cita requerida]
Después Takahata dirigió otras dos series de pareja calidad e importancia: Marco (De los Apeninos a los Andes) y Ana de las Tejas Verdes.
Más tarde, él y Miyazaki se independizaron y fundaron Studio Ghibli en 1985, en la cual Takahata ha dirigido cinco películas: La tumba de las luciérnagas (1988), considerada por muchos[¿quién?] una de las obras maestras del cine animado japonés), Recuerdos del ayer (1991), Pompoko (1994), Mis vecinos los Yamada, (1999) y El cuento de la princesa Kaguya (2013), película basada en el cuento popular japonés El cortador de bambú (Taketori Monogatari).
También participó en otros roles (principalmente como productor) en Nausicaä del Valle del Viento (1984), El castillo en el cielo(1986), y Nicky, la aprendiz de bruja (Kiki: entregas a domicilio en Hispanoamérica, 1989), dirigidas por Hayao Miyazaki.
Murió el 5 de abril de 2018 a la edad de 82 años debido a un cáncer de pulmón.3​4​

Obra[editar]

Televisión[editar]

·         Lupin III (ルパン三世, Rupan Sansei, 1971).
·         Heidi, la niña de los Alpes (アルプスの少女ハイジ, Arupusu no Shōjo Haiji, 1974).
·         Marco (母をたずねて三千里, Haha wo tazunete sanzenri, 1976).
·         Ana de las Tejas Verdes (赤毛のアン , Akage no an, "Ana del cabello rojo", 1979).












1940: 

Nace Frida Boccara, cantante francesa, ganadora del Festival de la Canción de Eurovisión 1969 (falleció en 1996).


Frida Boccara (29 de octubre, 1940 en Casablanca – 1 de agosto, 1996 en París) fue una conocida cantante francesa. Fue una de las cuatro ganadoras del Festival de la Canción de Eurovisión 1969 celebrado en Madrid.

Carrera[editar]

Era natural de Casablanca, Marruecos, donde nació el 29 de octubre de 1940. Frida provenía de una familia judíaoriginaria de Livorno, en Italia.
La música ocupa un lugar importante en la vida de Frida. Su vocación y predisposición artísticas, se manifiestan en ella desde su infancia, cosa que no es de extrañar pues en su familia hay otros grandes artistas. Uno de sus hermanos es un destacado actor teatral y otro un notable pianista.
Frida Boccara siendo una jovencita, asiste a un concierto en Casablanca, donde actúa el grupo estadounidense The Platters. Se entrevista más tarde con el mánager del grupo, Buck Ram, quien al verla tan entusiasmada por dedicarse a la música la invita a estudiar música.
Tras el bachillerato, deja Casablanca para instalarse en París donde obtiene una licenciatura en Filología Clásica. Paralelamente, inicia los estudios de soprano lírica y monta un trío musical con su hermano y un amigo del conservatorio.
En 1960 participa en el Festival de la Rose d'Or en Antibes. En 1964, se presenta con "Autrefois", y en 1965 con "Aujourd'hui". Dos años más tarde, publica "Cent Mille Chanson" que la hará famosa entre el gran público.
En 1964 emociona y fue merecidamente ovacionada en el Festival de la Canción de Sanremo donde interpreta "L'ultimo tram". Otras participaciones suyas en festivales de la época fueron sus dos contribuciones al Festival de la Canción Mediterránea, así como en el I Festival de la Canción de Mallorca (donde obtuvo el primer premio con el tema "Quand Palma Chantait").
Adquiere una gran fama mundial en 1969 al participar en el Festival de la Canción de Eurovisión. Gana junto con otras tres cantantes más: Lulu (Reino Unido), Lenny Kuhr (Países Bajos) y Salomé (España). Interpretó el tema "Un jour, un enfant" de Eddy Marnay y Emil Stern. Esta canción se sitúa durante varias semanas en los primeros puestos de las radios francesas. Ese mismo año, recibe el premio de la Academia Charles-Cros.
Esto supuso su consagración como una artista internacional, realizando giras por Australia, Canadá ( en Québec fue especialmente apreciada), Sudamérica y Rusia(donde llega a vender más de un millón de discos). En los Países Bajos disfrutó igualmente de mucha popularidad.
Después de varios discos con distinta fortuna, Frida Boccara desaparece del panorama musical francés.
Pero en 1996 vuelve a ser noticia por su frágil estado de su salud, falleciendo el 1 de agosto del mismo año en París por una infección pulmonar a los 56 años. Sus restos son enterrados en el cementerio judío de Bagneux, a las afueras de la capital francesa.
En 1999, Yvon Chateignier, publica un nuevo disco de la cantante. Este disco póstumo recopila las mejores canciones de Frida haciendo hincapié en las canciones clásicas que había publicado. También se incluyen canciones inéditas como " Un jour on vit ", que dio título al disco.


https://www.youtube.com/watch?v=vG57O5kFkv8




https://www.youtube.com/watch?v=VAdT71n7hII




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1944: 

Nace Denny Laine, músico británico, de la banda The Moody Blues y the Wings.









Brian Frederick Arthur Hines, conocido artísticamente como Denny Laine (Birmingham, 29 de octubre de 1944-Naples, Florida, 5 de diciembre de 2023)1​, fue un músico, compositor y multiinstrumentista británico. Es famoso por haber sido guitarrista y líder vocal de la banda de rock The Moody Blues en sus inicios y por ayudar a fundar y ser parte de la banda de rock Wings junto con Paul McCartney.

Biografía

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Denny Laine es de origen gitano, fue educado en Yardley Grammar School en Birmingham, y aprendió a tocar la guitarra desde niño bajo la influencia de la leyenda del Gypsy Jazz (Jazz manouche) Django Reinhardt; hizo su primera actuación en solitario como músico a la edad de 12 años y comenzó su carrera como músico profesional al frente de Denny & The Diplomats, donde también tocaba Bev Bevan el que más tarde sería batería de The Move y la Electric Light Orchestra.

En 1964, Laine había dejado a The Diplomats para unirse a Mike Pinder en The Moody Blues y cantó su primer gran éxito, "Go Now". Destacan otras canciones de los principios del grupo que incluyen "From The Bottom Of My Heart", "Can't Nobody Love You" y la armónica-ripping "Bye Bye Bird". Sin embargo, la pertenencia de Denny a los Moody Blues fue de corta duración y, después de una serie de agravios comparativos, Laine dejó la banda en agosto de 1966 (el último registro publicado por The Moody Blues en el que aparece Laine es "Life's Not Life" / "He Can Win"en enero de 1967, aunque en octubre de 1966 el sencillo "Boulevard de la Madeleine" fue un paso adelante hacia un sonido más elegante, que luego sería famoso en la carrera del grupo).

Después de salir de The Moody Blues, formó la banda String Electric, formada por Denny (guitarra, voz), Trevor Burton (guitarra, otro exmiembro de The Move) y Viv Prince (batería), también con sonidos de cuerdas electrificadas en un formato no muy diferente al posterior de Electric Light Orchestra. Publicaron dos sencillos, "Say You Don't Mind / Ask The People" (abril de 1967, DRAM) y "Too Much In Love / The Catherine Wheel's" (enero de 1968, DRAM) y, en junio de 1967, compartieron escenario con The Jimi Hendrix Experience y Procol Harum,en el Teatro Saville, en Londres. Sin embargo, la atención nacional no pudo ser, y el pionero Electric String Band se separó. (No hubo al parecer un tercer sencillo grabado llamado "Why Did You Come?". La razón de que nunca se publicara se desconoce, pero se ha rumoreado que el tema se terminó y, probablemente, el lado B fue enviado por correo a la Decca y se perdió). Laine y Burton, luego pasaron a la banda Balls desde 1969 hasta la desintegración de la banda en 1971, con ambos teniendo también tiempo para ensayar en Ginger Baker's Air Force en 1970. (Un único sencillo fue emitido: "Balls", "Fight For My Country" / "Janie, Slow Down" por UK Wizard Records. Curiosamente, el lado A fue reeditado en el Reino Unido y publicado por el Epic en los EE. UU. con el nombre de Trevor Burton, algo extraño, ya que Laine y Burton compartieron voz en el lado B. El sencillo fue reeditado de nuevo como BLW como "Live In The Mountains" por el pequeño sello "Pye". Se supone que fue un álbum de Balls registrado, pero nunca vio la luz). En 1967 la canción de Laine "Say You Don't Mind" fue un éxito cuando se grabó en 1972 por el ex-Zombie, Colin Blunstone.

En 1971, Denny se unió a Paul McCartney para fundar el grupo conocido como Wings, y se quedaría con ellos durante diez años hasta que se separó oficialmente en 1981. Denny improvisó el ritmo de guitarras, coros, teclados y bajo, escribiendo y coescribiendo, siendo así un artista en solitario sólido. Junto a Paul y su esposa, Linda, formó el núcleo de la banda, llamándosele el "la extraña bestia de las 3 alas" (strange, 3-winged beast). Fue con Wings que Denny disfrutó del mayor éxito comercial y crítico de su carrera, incluyendo la coescritura del éxito "Mull of Kintyre".

En enero de 1980, McCartney fue arrestado por posesión de marihuana a su llegada a un aeropuerto para una gira en Japón. El tour fue cancelado. Wings registrado durante el año en las pistas nuevas, así como pistas aún en las bóvedas, pero un comunicado de prensa de Paul a principios de 1981 anunció oficialmente que los Wings se había separado. Las nuevas pistas terminaron en los siguientes dos álbumes de Paul en solitario, y se dice que, a partir de ahí, la relación de Laine con McCartney fue agria, (la especulación era que los asuntos financieros fueron el motivo de esta disolución, similar a la amistad McCartney/Jackson) aunque esto fue desmentido por Laine en una entrevista,2​ diciendo que una pelea con McCartney y un final negativo de Wings no son más que inventos de la prensa y la opinión pública.

La canción del primer álbum en solitario de Denny después de Wings, llamado "Japanese Tears", parecía ser un ataque mucho más visible hacia McCartney que el de John Lennon con "How Do You Sleep?" en 1971. Sin embargo, una inspección más cercana a la letra indica que es más bien una irónica historia sobre la desilusión de un fan japonés luego de que la gira de Wings se cancelara (o, posiblemente, incluso lágrimas de emoción a la llegada de Wings en Japón en la primera aparición en el lugar).

En 1986 Denny ensayó en la Caridad Birmingham Heart Beat Concert 1986, que fue un día muy especial, para recaudar dinero para los niños del Birmingham's Hospital.

Denny se declaró en bancarrota a mediados de los años 80 después de vender sus derechos lucrativos de sus compañeros de publicación de "Mull of Kintyre" para el coautor McCartney. Sin embargo, no ha dejado de grabar música a una tasa prolífica y ha aparecido en las convenciones de los Beatles y de los tributos tanto para The Beatles y Wings. Estuvo trabajando en una autobiografía.

Tuvo un breve matrimonio con Jo Jo Laine (1953-2006), con quien tuvo un hijo, Laine Hines, y una hija, Heidi Hines.3​ Tuvo otros tres hijos de otras relaciones: Lucianne Grant, Damian James, y Ainsley Laine-Adams. Su última esposa fue Rosha.4​

Fallecimiento

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Denny Laine estaba en la UCI (Unidad de cuidados intensivos) conectado a un ventilador volumétrico de asistencia mecánica ventilatoria desde hacía una semana. No hubo mejoría pero sí presentó un deterioro importante debido a la agudización de la enfermedad pulmonar intersticial crónica asociada a una infección pulmonar severa que dañó más sus pulmones. Falleció el 5 de diciembre de 2023 a la edad de 79 años.




1944:

Nace  Robbie van Leeuwen, músico holandés 


Robbie van Leeuwen (nacido el 29 de octubre de 1944, La Haya) es un músico holandés quien realizó su trayectoria artística como guitarrista, sitarista, vocalista y principal compositor de las bandas neerlandesas, Shocking Blue y Galaxy-Lin. Sus composiciones más conocidas fueron con la banda Shocking Blue, como "Venus", que alcanzó el número 1 en Estados Unidos y Reino Unido, "Love Buzz", que fue versionado por Nirvana y lanzado como su primer single, "Demon Lover" y "Never Marry a Railroad Man".

Originalmente, el guitarrista tenía una banda influenciada por los Rolling Stones y The Pretty Things; decidió integrarse en Shocking Blue, un equivalente holandés de Jefferson Airplane que combinaba un estilo de rock-duro con la vocalista Mariska Veres.

En 1973, Robbie Leeuwen deja la banda temporalmente, y su lugar es ocupado por Martin van Wijk. En 1974, el grupo se desintegró y Mariska Veres decidió comenzar una carrera en solitario. A mediados de la década de 1970 Robby reunió un grupo experimental, «Galaxy Lin», un sonido con elementos de folk y jazz. A finales de 1970 puso en marcha el proyecto «Mistral» para crear nuevas canciones. El resultado de ello fueron tres sencillos y tres cantantes: Sylvia Van Asten, Mariska Veres y Marian Shattelyayn. En 1979, Robbie quiso revivir Shocking Blue, incluso escribió una canción, «Louise». Sin embargo, la canción no fue publicada y la reunión no tuvo lugar. Después del colapso del proyecto Mistral en los años 80, Robbie van Leeuwen se trasladó de La Haya a Luxemburgo, donde vivió tranquilamente lejos del mundo del espectáculo para volver a los Países Bajos en 1996.



https://www.youtube.com/watch?v=8LhkyyCvUHk


 




1946:


Nace Peter Green,


Peter Allen Greenbaum (Londres, 29 de octubre de 1946-Londres, 25 de julio de 2020), más conocido como Peter Green,[1] fue un músico, compositor, multiinstrumentista y productor discográfico británico de blues rock y rock, conocido mayormente por haber sido el guitarrista y sucesor de Eric Clapton en John Mayall & the Bluesbreakers, y por ser el fundador de Fleetwood Mac.

Inició su carrera profesional en 1966 en la banda de Peter Bardens y al año siguiente ingresó a la agrupación de John Mayall, donde participó en las grabaciones de A Hard Road. A mediados de 1967 decidió fundar su propio grupo al que llamó Fleetwood Mac, en donde fungió como guitarrista, compositor y vocalista principal. Estuvo en la banda durante solo tres años, ya que en 1970 decidió retirarse, aunque otros medios informaron que los otros integrantes lo despidieron debido a su mala salud mental. Tras su salida de Fleetwood Mac, inició su carrera solista con el disco The End of the Game y colaboró hasta 1973 en varios álbumes de otros artistas. Sin embargo, en la segunda mitad de los setenta fue diagnosticado con esquizofrenia, circunstancia que lo obligó a retirarse de la música para pasar gran parte de su tiempo en hospitales psiquiátricos.

En 1979 retomó su carrera solista y durante los primeros años de la década de 1980 publicó cinco álbumes de estudio. Sin embargo, en 1984 se alejó nuevamente de la música para vivir como ermitaño. En 1991, después de que su familia interviniera en su rara forma de vida, formó Peter Green Splinter Group que en sus casi diez años de existencia lanzaron siete álbumes de estudio y uno en directo, hasta que en 2004 le dio término abruptamente. Desde entonces dio algunas presentaciones esporádicas, siendo en 2010 la última aparición pública como músico.

Peter Green es considerado como una de las figuras más importantes del blues británico, cuyo marcado vibrato y su economía de estilo lo posiciona como uno de los guitarristas más creativos y originales que ha dado Inglaterra.[2] En 2004 fue incluido en el puesto 58 de la lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.[3] Mientras que en junio de 1996 fue votado como el tercer mejor guitarrista de todos los tiempos por la revista Mojo.[4]

Carrera

Primeros años

Nació en el barrio de Bethnal Green de Tower Hamlets en Londres, siendo el menor de cuatro hijos del matrimonio judío integrado por Joe y Ann Greenbaum. A los 10 años de edad su hermano Michael trajo una guitarra española y desde entonces comenzó a tocarla bajo la influencia de Hank Marvin de The Shadows, Muddy Waters, B.B. King y de antiguas canciones judías.[5] A los 15 años acortó su nombre al actual y comenzó a tocar el bajo en algunas bandas locales como Bobby Dennis and the Dominoes y The Tridents, donde versionaban distintas canciones de la música popular. A mediados de 1966 fue convocado por Peter Bardens para ser el guitarrista líder de su banda Peter B's Looners, que más tarde pasó a llamarse Shotgun Express, donde compartió además con Mick Fleetwood y Rod Stewart. Junto con la banda publicó el sencillo «If You Wanna Be Happy», una versión instrumental del cantante Jimmy Soul, que se convirtió en su debut discográfico.[6]

Su paso por John Mayall & the Bluesbreakers

Peter Green en vivo con Fleetwood Mac en 1970.

Mientras aún era parte de la banda de Bardens, tuvo la oportunidad de sustituir a Eric Clapton en John Mayall & the Bluesbreakers en tres conciertos, hasta que Clapton retornó al grupo.[2] Seis meses después Clapton se retiró definitivamente de la banda y Green fue contratado como miembro oficial por el mismo John Mayall, que en una entrevista mencionó: «Sabía que Peter iba a tener que afrontar las comparaciones con Clapton. Los fans eran abiertamente hostiles hacia el nuevo guitarrista, gritando que querían que Eric volviera». Sin embargo, su talento se impuso ante las críticas de los fanáticos y al poco tiempo logró una gran repercusión en la escena musical británica.[5]

Su primera grabación con los Bluesbreakers fue A Hard Road publicado en febrero de 1967, donde compuso los temas «The Same Way» y la instrumental «The Supernatural», que lograron una buena aceptación de los fanáticos de la banda. Debido a su habilidad en la guitarra sus compañeros lo apodaron «The Green God». Al poco tiempo renunció para crear su propia agrupación de blues, siendo su reemplazo el guitarrista Mick Taylor.[7] Antes de su salida grabó algunas pistas para el disco Crusade publicado en septiembre de 1967, pero esas canciones solo salieron a la luz cuando el álbum se remasterizó en 2007.[8]

Fleetwood Mac

En 1967 decidió fundar su propia banda y para ello convocó a sus amigos y compañeros en Bluesbreakers, Mick Fleetwood y John McVie, y al guitarrista Jeremy Spencer, que por ese entonces tocaba en The Levi Set. Debido a cuestiones contractuales con John Mayall, McVie no pudo aceptar la proposición, por ende y por el tiempo que duraba su contrato Green llamó a Bob Brunning para tocar el bajo.[9] Green escogió el nombre del grupo basándose en los apellidos de Fleetwood y McVie. Fleetwood Mac tocó su primer concierto el 13 de agosto de 1967 en el British Jazz and Blues Festival.[5] Meses más tarde y tras la llegada de McVie, firmaron con la discográfica independiente Blue Horizon Records y en 1968 debutaron con Fleetwood Mac, que logró el puesto 4 en la lista británica UK Albums Chart.[10]

Durante su paso por Fleetwood Mac se convirtió en su principal compositor; cuyo estilo de interpretación, voz y letras marcaron los primeros años de la banda, que les permitió ser considerados como uno de los grupos más importantes del blues británico. Entre 1967 y 1970 participó en dos álbumes de estudio y de un recopilatorio, donde sus composiciones «Black Magic Woman», «Man of the World», «Oh Well» y «The Green Manalishi» lograron situarse en los top 10 del conteo inglés de sencillos, incluso la instrumental «Albatross» obtuvo el primer número 1 de la banda en el Reino Unido.[10]

Tras la publicación de «Man of the World» en 1969, sus compañeros notaron un cambio en la forma de componer sus canciones, ya que incluyó letras generalmente melancólicas y oscuras. Por aquel entonces comenzó a consumir grandes dosis de LSD, se dejó crecer la barba y comenzó a vestirse con túnicas y crucifijos, lo que llamó la atención de los críticos, los fans y de sus propios compañeros.[5] Adicionalmente a ello cambió su forma de ver el dinero, ya que quería donar todos los ahorros del grupo a la caridad y vivir con lo justo y necesario. Años más tarde sobre esta etapa de su vida comentó: «Pensé que tenía demasiado dinero para ser feliz y normal. Miles de libras es simplemente demasiado para una persona que trabaja solo para mantenerse y de repente sentí que no lo merecía».[5] En 2009, Clifford Davis, mánager de la banda por aquel entonces, comentó que los problemas mentales tanto de Green como de Danny Kirwan se agravaron en marzo de 1970, tras consumir una fuerte cantidad de LSD en Múnich y que se le atribuyó como la causante principal de su esquizofrenia.[11] Después del lanzamiento del sencillo «The Green Manalishi» decidió abandonar Fleetwood Mac, aunque otros medios mencionaron que los otros integrantes lo despidieron por su obsesión de donar el dinero de la banda, cuyo último concierto se celebró el 20 de mayo de 1970.[12]

Años posteriores

Peter Green en vivo en Yugoslavia en 1983.

A las pocas semanas de su salida de Fleetwood Mac participó como artista invitado de John Mayall en el Bath Festival of Blues and Progressive Music, celebrado entre el 27 y 29 de junio en Somerset, Inglaterra.[13] Además, colaboró como guitarrista líder en algunas canciones del disco The Answer, el debut discográfico como solista de Peter Bardens. Por ese entonces además compuso los temas de su primer trabajo como solista denominado The End of the Game, que incluyó sonidos más cercanos al jazz fusión que a su clásico blues. Por su parte, en 1971 tuvo una breve reunión con Fleetwood Mac, después de que le solicitaran si podía ayudarles a culminar las últimas fechas de su gira por los Estados Unidos, tras la salida de Jeremy Spencer.

Entre 1970 y 1973 colaboró como artista invitado en varias producciones de distinguidos artistas de rock, blues y blues rock como Toe Fat, Jeremy Spencer, B.B. King, Country Joe McDonald, Brunning Sunflower Blues Band, The Gass, Dave Kelly y Richard Kerr. Incluso colaboró con su guitarra en la canción «Night Watch» del séptimo álbum de estudio de Fleetwood Mac, Penguin, pero no fue acreditado. Tras ello, desapareció de la escena musical durante varios años debido al avance de su enfermedad mental y al abusivo consumo de drogas.[14] En la segunda mitad de los años 1970 se le diagnosticó esquizofrenia, por lo cual pasó gran parte de su tiempo en hospitales psiquiátricos sometido a terapias electroconvulsivas.[15]

A principios de 1977 volvió a ser noticia en la prensa inglesa al ser arrestado por amenazar con un rifle a su contador y mánager de Fleetwood Mac, Clifford Davis. El confuso incidente ocurrió después de que Davis le fuese a entregar personalmente un cheque estimado en 30 000 libras esterlinas, por concepto de derechos de autor y otras regalías relacionadas con su antigua banda. Según la versión entregada por la policía, Green amenazó con un rifle a Davis para que se alejara de su casa y dejara de enviarle los cheques, sin embargo otros medios mencionaron que el arma nunca la tuvo en sus manos en esos momentos. Aun así, fue condenado a ingresar en el hospital psiquiátrico Horton de Londres y más tarde fue trasladado a la clínica mental The Priory.[14] Cabe señalar que durante su largo tratamiento para poder controlar su esquizofrenia, se casó con Jane Samuels en enero de 1978 y al poco tiempo nació su hija Rosebud-Samuels Greenbaum, pero por desgracia, su matrimonio no duró mucho.[14]

El renacimiento profesional y su segundo retiro de la música

En 1979, y tras cumplir con su ingreso hospitalario impuesto judicialmente, se enfocó en relanzar su carrera profesional después de ocho años de silencio discográfico. Con la ayuda de su hermano Michael firmó con el sello PVK, propiedad del productor Peter Vernon-Kell, quienes le consiguieron músicos de sesión para grabar su segundo álbum In the Skies, como su amigo Peter Bardens y Snowy White. Según se supo después, ese mismo año participó como artista invitado no acreditado en la canción «Brown Eyes» del disco Tusk de Fleetwood Mac.[16]

Durante la primera parte de los años 1980 publicó tres álbumes de estudio y un recopilatorio, que lograron una crítica regular. A su vez, siguió participando como músico invitado para algunas producciones de otros artistas como en el disco solista de Mick Fleetwood, The Visitor. En 1983 y junto con Vincent Crane, Ray Dorset y Len Surtees fundó la banda de blues rock Katmandu, cuyo único álbum A Case for the Blues salió a la venta en 1984. En ese mismo año dio término a la banda y se retiró de la música por segunda vez, para vivir como ermitaño durante los siguientes seis años en una pequeña casa en Richmond, donde luchó en soledad contra su esquizofrenia.[14]

La rehabilitación y la banda Peter Green Splinter Group

En vivo en 2009, durante la gira Peter Green and Friends.

En 1991 su hermano Len y su esposa Gloria lo sacaron de su solitaria vida y lo trasladaron a la casa de su madre en Great Yarmouth, donde comenzó un largo proceso de recuperación.[14] Por aquel tiempo, tanto su familia como sus amigos entregaron varios informes de su caso a la Oficina de Tutela Pública del estado inglés, un organismo creado para salvaguardar la salud y los intereses financieros de los enfermos mentales, quienes aceptaron la solicitud.[17]

En 1995 y con la ayuda de su amigo y guitarrista Nigel Watson fundó la banda Peter Green Splinter Group, que en sus casi diez años de existencia tuvo varios músicos invitados como por ejemplo Neil Murray y Cozy Powell. Entre 1997 y 2003 lograron una destacada carrera con siete álbumes de estudio y uno en directo, y cuyas presentaciones bordearon los 1000 conciertos en total. Sin embargo, la banda acabó abruptamente en 2004 cuando Green canceló una gira y la grabación de un nuevo disco para establecerse en Suecia.[17] La separación de la banda generó varias discusiones entre los músicos y la familia de Green, ya que los primeros afirmaron que la Oficina de Tutela Pública había tomado tantas atribuciones en su vida privada que fueron los culpables directos de su salida. Por su parte, la familia Green se defendió afirmando que la decisión fue exclusiva de Peter, debido a que estaba infeliz y estresado con su vida profesional.[17]

Apariciones esporádicas

A los meses después de su viaje a Suecia fue invitado a participar del proyecto The British Blues All Stars, que reunió a varios músicos del blues con la idea de iniciar una gira en 2005. A pesar de poseer varias fechas confirmadas por el Reino Unido, la gira se canceló después de la muerte del saxofonista Dick Heckstall-Smith en diciembre de 2004. Años más tarde la gira se retomó y se grabó el disco en vivo Live at the Notodden Blues Festival en 2007, donde compartió con los músicos Kim Simmonds, Tom McGuinness, Long John Baldry, Gary Fletcher, Bob Hall, Colin Eric Allen y Steve Beighton.[18] En febrero de 2009 anunció su nueva gira llamada Peter Green and Friends, donde tocó varios éxitos de Fleetwood Mac, Peter Green Splinter Group y de su carrera como solista. El tour contempló presentaciones por Europa y Australia hasta mediados de 2010, siendo su última aparición pública como músico.

Fallecimiento

Peter Green murió el 25 de julio de 2020, en cuyo comunicado la familia expresó: «Es con pesar que la familia de Peter Green anuncia su muerte este fin de semana, pacíficamente mientras dormía», señalando además que en los próximos días habrá otra declaración.[19]

Influencias y legado

A lo largo de su carrera y en varias entrevistas ha citado a varios guitarristas del blues y del rock como sus grandes influencias, aunque siempre ha mencionado que Hank Marvin de The Shadows, Muddy Waters, B.B. King y las antiguas canciones judías han sido las principales.[5] Por su parte, él también ha sido nombrado como influencia directa de otros tantos guitarristas ya sea de blues rock, hard rock o heavy metal como Joe Perry, Steve Hackett, Andy Powell, Gary Moore, Bernie Marsden, Dave Edmunds y Rich Robinson, entre tantos otros.

Peter Green es considerado como uno de los guitarristas más importantes del blues británico ya que creó un estilo único y diferente a otros músicos, y cuyo sonido nació después de que invirtiera un imán de la pastilla del mástil de su guitarra.[20] De igual manera y de acuerdo a la crítica, su marcado vibrato y su economía de estilo lo posiciona como uno de los guitarristas más creativos y originales que ha dado Inglaterra.[2] Incluso el fallecido B.B. King alguna vez mencionó: «Él tiene el tono más dulce que he oído, fue el único que de verdad me hizo sudar».[21] Por otro lado, sus canciones han sido versionadas por otros artistas en diferentes géneros musicales como por ejemplo Santana, Judas Priest, Tom Petty, Aerosmith, Status Quo, The Black Crowes y Midge Ure. Adicional a ello el fallecido guitarrista Gary Moore, que como dato compró la Gibson Les Paul de 1959 usada personalmente por Green a principios de su carrera, le dedicó el álbum tributo Blues for Greeny en 1995.

Discografía

Con Fleetwood Mac

Carrera solista

Álbumes de estudio
Álbumes recopilatorios

Con Peter Green Splinter Group

Álbumes de estudio
  • 1997: Peter Green Splinter Group
  • 1998: The Robert Johnson Songbook
  • 1999: Destiny Road
  • 2000: Hot Foot Powder
  • 2001: Time Traders
  • 2001: Blues Don't Change
  • 2003: Reaching the Cold 100
Álbumes en vivo
  • 1999: Soho Session

Colaboraciones

  • 1967 - John Mayall & the Bluesbreakers: A Hard Road
  • 1967 - John Mayall & the Bluesbreakers: Crusade
  • 1967 - Eddie Boyd: Eddie Boyd and His Blues Band Featuring Peter Green
  • 1968 - Eddie Boyd: 7936 South Rhodes
  • 1968 - John Mayall: Blues from Laurel Canyon
  • 1968 - Gordon Smith: Long Overdue
  • 1968 - Duster Bennett: Smiling Like I'm Happy
  • 1969 - Otis Spann: The Biggest Thing Since Colossus
  • 1969 - Bob Brunning Sunflower Blues Band: Trackside Blues
  • 1969 - Clifford Davis: «Come On Down and Follow Me» (sencillo)
  • 1969 - Duster Bennett: Bright Lights
  • 1970 - Duster Bennett: 12 Dbs
  • 1970 - Bob Brunning Sunflower Blues Band: I Wish You Would
  • 1970 - Clifford Davis: «Man of the World» (sencillo)
  • 1970 - Gass: Juju
  • 1970 - Jeremy Spencer: Jeremy Spencer

Referencias

  1. «Murió Peter Green, fundador de Fleetwood Mac». Diario de Cultura. Consultado el 25 de julio de 2020.
  2. Marshall, Wolf (2007). «Peter Green: The Blues of Greeny». Vintage Guitar Magazine 28 (11): 96-100.
  3. «58: Peter Green». Rollingstone.com (en inglés). Archivado desde el original el 5 de enero de 2013. Consultado el 11 de febrero de 2016.
  4. «Mojo - 100 Greatest Guitarists of all time». Rocklistmusic.co.uk (en inglés). Archivado desde el original el 29 de junio de 2012. Consultado el 11 de febrero de 2016.
  5. «The Penguin Biographies - Peter Green». Fleetwoodmac.net (en inglés). Archivado desde el original el 5 de abril de 2010. Consultado el 4 de febrero de 2016.
  6. Bruce Eder. «Biography - Peter B's Looner». Allmusic.com (en inglés). Consultado el 4 de febrero de 2016.
  7. Boles, David. «Peter Green: The Green God with the Holy Grail Guitar». Bolesblogs.com (en inglés). Consultado el 4 de febrero de 2016.
  8. «John Mayall & the Bluesbreakers - Crusade». Discogs.com (en inglés). Consultado el 4 de febrero de 2016.
  9. «Bassplayer, a life with Fleetwood Mac - John McVie». Fleetwoodmac.net (en inglés). 5 de junio de 1995. Archivado desde el original el 24 de septiembre de 2010. Consultado el 4 de febrero de 2016.
  10. «Fleetwood Mac: Singles - Albums». Officialcharts.com (en inglés). Consultado el 4 de febrero de 2016.
  11. Entrevista a Clifford Davis, documental Peter Green: Man of the World, BBC (2009)
  12. Documental Peter Green: Man of the World, BBC (2009)
  13. «1970 Bath Blues Festival». Rockmusicmemorabilia.com (en inglés). Consultado el 5 de febrero de 2016.
  14. «Peter Green Biography». Fmlegacy.com (en inglés). Archivado desde el original el 20 de septiembre de 2013. Consultado el 5 de febrero de 2016.
  15. Celmins, 1995, p. 143.
  16. «Fleetwood Mac/Peter Green». Fleetwoodmac.org (en inglés). Consultado el 8 de febrero de 2016.
  17. «The Blue Letter Archives - Rock Legend told to ditch his band». Fleetwoodmac.net (en inglés). Archivado desde el original el 20 de julio de 2011. Consultado el 9 de febrero de 2016.
  18. «Overview Live at the Nortodden Blues Festival». Allmusic.com (en inglés). Consultado el 9 de febrero de 2016.
  19. Agencia EFE (25 de julio de 2020). «Muere a los 73 años Peter Green, uno de los fundadores de Fleetwood Mac».
  20. «15 Iconic Les Paul Players». Gibson.com (en inglés). Consultado el 10 de febrero de 2016.
  21. «Fleetwood Mac - Peter Green». Fleetwoodmac.org (en inglés). Consultado el 10 de febrero de 2016.

Bibliografía









1947: 

Nace Richard Dreyfuss, actor estadounidense.


Richard Dreyfuss (Nueva York, Estados Unidos; 29 de octubre de 1947) es un actor estadounidense.
Biografía[editar]
Nació en la ciudad de Nueva York, hijo de un abogado. Los primeros años de su vida transcurrieron en Nueva York, hasta que, a la edad de nueve años, se trasladó con su familia a Los Ángeles.
La carrera de Dreyfuss como actor comenzó tan pronto llegó a Los Ángeles. Participaba en obras teatrales en el centro judío de Beverly Hills. A los 15 años de edad fue seleccionado para actuar en televisión. Se matriculó en la universidad, pero al año siguiente fue llamado a filas para ir a Vietnam. Se declaró objetor de conciencia y realizó un servicio alternativo como auxiliar en un hospital. Al mismo tiempo intervino en pequeños papeles de series de televisión. Durante los años siguientes actuó en varios teatros de Nueva York, tanto en Broadway, como en otros teatros.
La primera participación de Dreyfuss en una película de cine fue muy corta, en El graduado, en la que tuvo que decir una sola frase. Poco después intervino en Dillinger y, sobre todo, en American Graffiti (1973), película que tuvo un considerable éxito, y en la que participó también Harrison Ford.
Su primer papel protagonista lo tuvo Dreyfuss en un film canadiense, y después ya fue contratado por Steven Spielbergpara Tiburón, película con la que Dreyfuss se dio a conocer a las grandes audiencias. Dos años después Spielberg contó con él de nuevo para Close Encounters of the Third Kind (En castellano, encuentros En La Tercera fase" o "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo"), que tuvo un éxito comparable a la anterior. A partir de entonces la carrera de Dreyfuss siguió una trayectoria ascendente. En 1977 interpretó The Goodbye Girl, película por la que ganó un Óscarcomo mejor actor principal. Fue el actor más joven en recibir este galardón en la historia de los Óscar.
Durante los siguientes años, Dreyfuss intervino en varias películas, pero ninguna de ellas tuvo un éxito significativo de taquilla. Esto contribuyó posiblemente a que tomase drogas en dosis crecientes, hasta que sufrió un accidente de automóvil. A raíz de ello ingresó en un centro de desintoxicación y consiguió librarse de las drogas. Volvió entonces al cine y actuó en varias películas, en las que demostró que seguía siendo el mismo gran actor. Desde entonces ha ido apareciendo de forma regular no sólo en el cine, sino también en televisión y en el teatro, y es considerado como uno de los actores más sólidos y apreciados del momento actual.
En 1995 fue Nominado al Oscar como Mejor actor y al Globo de Oro: Mejor actor por su actuación en Mr. Holland's Opus (Triunfo a la Vida). La película fue escrita por Patrick Sheane Duncan (por la cual recibió la nominación Premio Globo de Oro al mejor guion) y dirigida por Stephen Herek.
Dreyfuss estuvo casado por primera vez entre 1983 y 1995, de cuyo matrimonio tiene tres hijos. En 1999 se casó por segunda vez.
En febrero de 2014 intervino en el programa de televisión The Late Late Show, presentado por Ryan Tubridy, donde echó a llorar después de haber conocido a la nieta del actor Robert Shaw, compañero suyo en la película Jaws, quien falleció en 1978 a los 51 años de edad debido a un ataque cardiaco.1​
Desde febrero de 2016 interpreta al estafador Bernard Madoff en el telefilme Madoff, que está basado en el libro Las crónicas de Madoff.2​
Vida privada[editar]
Richard Dreyfuss ha tenido problemas con algunos de los actores con quien ha trabajado, como por ejemplo con Robert Shaw en la película Jaws y con Bill Murray en la película What About Bob?.3​4​5​ Tampoco se llevó bien con el director Oliver Stone durante el rodaje de W., que se refería a él como un fascista.6​
Dreyfuss es maníaco depresivo, se lo confesó a Stephen Fry, y además sufre problemas de memoria y no es capaz de aprenderse textos largos.7​ En 2006 apareció en el documental de Stephen Fry Stephen Fry: The Secret Life of the Manic Depressive , donde Fry, que también padece este desorden, lo entrevista en relación a su vida con la enfermedad.







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1948:

Nace  Kate Jackson, actriz estadounidense (Sabrina Duncan en Los Ángeles de Charlie).


Catherine Elise Jackson, conocida artísticamente como Kate Jackson (Birmingham, Alabama, 29 de octubre de 1948), es una actriz estadounidense, famosa sobre todo por su papel de Sabrina Duncan en la serie de TV Los ángeles de Charlie.1​

Biografía[editar]

Jackson estudió en la Universidad de Misisipi, donde fue miembro de una hermandad de mujeres gamma de Kappa Kappa, sin embargo no llegó a graduarse. Se trasladó a Nueva York y comenzó su carrera como actriz participando en la serie Dark Shadows (1970). Posteriormente, entre 1972 y 1976 interpretó el papel de la enfermera Jill Danko en la serie de éxito Los patrulleros (The Rookies).2​
Sin embargo, el personaje que le proporcionó fama mundial fue el de Sabrina Duncan en la serie de detectives Los ángeles de Charlie, en la que intervino entre 1976 y 1979.
En 1982, protagonizó junto a Harry Hamlin la película Su otro amor, que abordaba el tema de la homosexualidad.
Entre 1983 a 1987, Jackson fue la protagonista de otra serie de detectives, El espantapájaros y la Sra. King, junto a Bruce Boxleitner. Con posterioridad, protagonizó Babyboom (1988) y Lover Boy (1989). Desde entonces, Jackson ha intervenido en numerosas producciones especialmente rodadas para televisión.
En cuanto a su vida privada, Jackson contrajo matrimonio con el actor y productor Andrew Stevens, de quien se divorció en 1982. Se casó entonces con el redactor David Greenwald, pero también se divorciaron dos años más tarde. Su tercer matrimonio duró igualmente dos años entre 1991 y 1993.
Consiguió luchar con éxito contra un cáncer de pecho en 1987 y 1989.
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1955: 

Nace Roger O'Donnell, músico británico, de la banda The Cure.



Roger O'Donnell, nacido el 29 de octubre de 1955, es un teclista británico, conocido por su trabajo con The Cure y The Psychedelic Furs. También ha colaborado con The Thompson Twins, Berlin, y ha desarrollado una carrera en solitario muy activa.

Vida y carrera musical[editar]

Roger O'Donnell nació en una familia de músicos. Su familia apoyó su carrera musical desde el primer momento. O'Donnell dejó la escuela de arte para comenzar una carrera profesional como músico. Su primera actuación profesional tuvo lugar en 1976 (año de formación de The Cure, en el ayuntamiento de Oxford, en el grupo de Arthur Brown, icono del pop británico.
A comienzos de los años 80, durante su involucración con The Thompson Twins, Berlin y The Psychedelic Furs, O'Donnell se convirtió en un gran fan de algunos sintetizadores producidos por Sequential Circuits, como el clásico Prophet 5, el Prophet T8 o el Prophet VS.

Actividad con The Cure[editar]

En 1987, O'Donnell, amigo desde mucho tiempo atrás de Boris Williams, se unió como teclista a The Cure, en sustitución de Lol Tolhurst. Tocó con la banda durante el tour de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, apareció en los vídeos musicales de "Just Like Heaven" y "Hot Hot Hot!!!" y se le puede encontrar en el arte promocional del tour, a pesar de que no participó en la grabación del álbum. La entrada de O'Donnell a los teclados permitió a Porl Thompsonenfocarse de manera completa en la guitarra, en lugar de ayudar a Tolhurst en los teclados en muchas canciones. Algunas de las actuaciones de O'Donnell durante el tour pueden ser escuchadas en la re-edición deluxe Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me
Durante la grabación del siguiente álbum, Disintegration, se convirtió en un miembro a tiempo completo de la banda. Sus contribuciones a la composición pueden ser escuchadas en las canciones "Untitled" y "Fear of Ghosts," cara-b del sencillo "Lovesong." Durante esta época, también participa en el álbum en directo Entreat.
Tras el tour de la banda de 1989 para Disintegration, las tensiones internas del grupo se acentuaron. O'Donnell deja la banda momentáneamente en 1990 por diferencias de opinión con el resto de miembros.
O'Donnell volvió a la banda en 1995 y colaboró en la grabación de Wild Mood Swings, Bloodflowers, y The Cure. También aparece en el DVD en directo Trilogy. En este periodo O'Donnell introdujo a The Cure a la grabación digital.
A comienzos de 2005, O'Donnell comenzó a trabajar en su álbum en solitario The Truth In Me. A pesar de ello, afirmaba que no tenía intención de dejar The Cure. No obstante, en mayo de aquel mismo año, Robert Smith decidió reformar el grupo, prescindiendo de O'Donnell y Perry Bamonte. Smith comunicó a O'Donnell su decisión por e-mail. Tras su salida de los Cure, el grupo no tuvo teclista entre 2005 y 2011, y Smith ha anunciado que no tiene intención de reclutar teclista de ahora en adelante.
Tanto Roger O'Donell como Perry Bamonte fueron rápidamente sustituidos por Porl Thompson, que volvía a la formación.
En 2011, Roger regresa a The Cure, tras la serie de conciertos "Reflections".



https://www.youtube.com/watch?v=n3nPiBai66M



https://www.youtube.com/watch?v=mGgMZpGYiy8




https://www.youtube.com/watch?v=ijxk-fgcg7c




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1957: 

Muere Louis B. Mayer, productor de cine y empresario estadounidense (n. 1884).


Louis Burt Mayer, nacido Eliezer Meir (en ruso: Лазарь Меир; Minsk, Imperio Ruso; 12 de julio de 1884-Los Ángeles, California; 29 de octubre de 1957), inmortalizado a la posteridad como Louis B. Mayer o simplemente L.B., fue un empresario, ejecutivo y productor de cine estadounidense, que ejerció como «director de producción» y «presidente» del mítico imperio industrial cinematográfico MGM, del cual fue además miembro fundador. Fue además el creador y máximo exponente del denominado Star-system.

Biografía[editar]

Nacido en el seno de una familia judía, cuando era aún muy pequeño su familia emigró a Saint John, New Brunswick (Canadá), donde su padre inició un negocio propio en la explotación comercial de la chatarra y su reciclaje, en el cual su hijo se involucra, extendiéndo sus actividades hasta Los Ángeles, donde Louis B. Mayer se involucra en la construcción del teatro Gem Theater, que sería el primer cine, de una larga cadena que él mismo erigiría.
En 1917 fundó su propia compañía de cine, Louis B. Mayer Pictures, añadiendo a sus actividades la producción y distribución de películas, para que finalmente en 1924, se concretó una multimillonaria fusión empresarial, entre la Goldwyn Pictures Corporation, Metro Pictures y la propia compañía de Mayer, dando forma al mítico coloso del cine, la Metro-Goldwyn-Mayer.
A partir de entonces, Louis B. Mayer, asume como «Director de Producción» y «Presidente» de la MGM y se encarga de diseñar y estructurar el Star-system, como método para la creación artificial y planificada de estrellas para el estudio, alineadas al mismo mediante contratos con salarios modestos y un férreo control sobre su imagen pública. Bajo estos términos, Meyer logró trabajar con actores y actrices como Conchita Montenegro, Greta Garbo, Clark Gable, Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Lon Chaney, Joan Crawford, Jean Harlow, Judy Garland, Hedy Lamarr entre muchos otros, avalando la producción de notables éxitos en la industria cinematográfica, con lo cual cimentó la denominada «Era Dorada de la MGM». Igualmente fue uno de los principales impulsores del cine sonoro como posteriormente lo fue también de la implementación del Tecnicolor en la elaboración de películas.
Mayer alcanzó una predominancia y control sobre la industria cinematográfica que superó y a medida eclipsó la fama, la posición y reconocimiento de centenares de personalidades de Hollywood. De hecho, durante nueve años, desde 1937, Luois B. Mayer fue la persona mejor pagada de Estados Unidos, con un salario anual de US$ 1,3 millones, el equivalente actual a más de US$ 21 millones. Su carácter regio y determinado, como ejecutivo y hombre de negocios, le permitió consolidar a la MGM, con una cadena sucesiva de éxitos, siguiendo los preceptos que él mismo había creado, pero para la década de 1950, el poderío de Mayer comenzó a desmoronarse. El surgimiento de estrellas «rebeldes» al Star-system, tales como Marilyn Monroe, quien a pesar de haber sido creación del mismo, consiguió antes de su trágico fallecimiento, que los estudios finalmente tuvieran que pagar la multimillonaria cifra de 1 millón de dólares por película, algo sin precedentes y que quebrantaba el precepto básico del Star-system, de mantener sueldos bajos o moderados para los actores y actrices. A este caso se sumaron muchos otros, como los de Katharine Hepburn que consiguió sucesivamente elevar su propia cotización como actriz y seguir filmando a pesar de envejecer, Clark Gable que renunció a la MGM, logrando un cambio de estudios; y Elizabeth Taylor que conseguiría elevar cada vez más sus contratos en materia de honorarios, y lograr la independencia de los estudios, en cuanto a su carrera actoral, todas estas acciones que consiguieron independizar sus imágenes y fortunas, del sistema de los estudios.
A esta caída del Star-system, se añadió un período de tres años entre 1948 y 1951, en los que MGM, no logró cosechar ningún Oscar, a pesar de todas sus producciones y tentativas. Para el momento, esto unido a la renuncia de Mayer al cargo de «Jefe de Producciones» y un fallo ante un tribunal de California en el que se determinaba que los estudios no podían seguir concentrando de forma total, la creación, distribución y presentación en cines de las películas, ocasionaron que el sistema de estudios de la «Era Dorada de Hollywood», que el propio Mayer había ayudado a crear finalmente, se enfrentara a su extinción.
Meyer se retiraría progresivamente de la industria cinematográfica, sin embargo, no vendería la mayoría accionaria sobre MGM sino hasta seis años después del dictamen de los tribunales, retirándose de forma definitiva, de todos sus negocios y posiciones dentro de los estudios, para 1950, falleciendo siete años después, el 29 de octubre de 1957 a los 73 años.







1957: 

Nace Dan Castellaneta, actor de voz estadounidense.





Daniel Louis "Dan" Castellaneta (29 de octubre de 1957) es un actor de voz, actor y comediante estadounidense, principalmente reconocido por ser la voz en ingles de Homer Simpson, Krusty el payaso, el jardinero Willie y otros personajes populares de la serie de animación de FOX Los Simpson.1​




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1957:

Bobby Helms graba Jingle Bell Rock.


Bobby Helms graba  Jingle Bell Rock, que llegará a ser un  clásico en las fiestas de navidad.
La canción fue regrabada por múltiples intérpretes , entre ellos Brenda Lee, mas la versión de Bobby Helms será la más popular.
" Jingle Bell Rock " es una popular canción de Navidad estadounidense lanzada por primera vez por Bobby Helms en 1957 (después de que se grabó en octubre de 1957). Ha recibido airplay frecuente en los Estados Unidos durante cada temporada de Navidad desde entonces. "Jingle Bell Rock" fue compuesta por Joseph Carleton Beal (1900-1967) y James Ross Boothe (1917-1976). Beal era un profesional de las relaciones públicas nacido en Massachusetts y residente desde hace mucho tiempo de South Ocean Avenue en Atlantic City, Nueva Jersey , y Boothe fue un escritor estadounidense en el negocio de la publicidad. [1] [2] [3] [4] [5] [6]


https://www.youtube.com/watch?v=itcMLwMEeMQ

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1961: 

Nace Randy Jackson, músico estadounidense, de la banda The Jackson Five.


Steven Randall "Randy" Jackson (Gary, Indiana, 29 de octubre de 1961) es un cantante y músico estadounidense, y el miembro que más tarde se incorporó a The Jacksons. Apodado Little Randy, es el más joven de los hermanos Jackson varones, y el segundo más joven de los nueve hermanos Jackson, antes de su hermana Janet.

Índice

·         1Biografía
·         2Discografía
o    2.1Álbumes
o    2.2Sencillos
o    2.3The Jackson 5
§  2.3.1Álbumes de Estudio
§  2.3.1.1The Jackson 5 (Motown)
§  2.3.1.2The Jacksons (CBS)
o    2.4Sencillos Top 10 en Estados Unidos y Reino Unido
·         3Referencias

Biografía[editar]

Randy tenía solo cuatro años de edad cuando se formaron los Jackson 5 y por tanto no era miembro. Mientras que sus hermanos estaban de gira, él perfeccionaba sus habilidades como músico, en el dominio de piano. Entró a formar parte del grupo cuando cambiaron de discográfica en 1976, de la Motown a la CBS, y Jermaine lo abandonó.1​ El grupo, con estos cambios, pasó a llamarse The Jacksons.2​
En 1989, Randy se casó con Eliza Shaffe. El 17 de junio de 1990, Eliza dio a luz a su hija Steveanna.3​ Stevanna Shaffe-Jackson, aspirante a actriz y cantante, apareció en Zoey 101. Randy y Eliza se divorciaron en 1991 mientras ella estaba cursando su segundo embarazo. Randy fue acusado y declarado culpable por cargos de abuso conyugal en su contra.4​ Pasó un mes en la cárcel y luego otro en una clínica psiquiátrica.5​ Eliza dio a luz a su segunda hija, llamada Soraya Shaffe-Jackson, una aspirante a cantante y modelo.
Durante su matrimonio con Eliza Shaffe, Randy tuvo un romance con Alejandra Genevieve Oaziaza, con la que tuvo una hija llamada también Genevieve.6​ Tras el divorcio de su primera esposa continuó con Oaziaza; con la que tuvo otro hijo, Randy Jr., en 1991. La relación de pareja terminó en 1994.
El 2 de mayo de 1996, Randy voló desde California a Nueva York para rescatar a su hermana La Toya Jackson de su marido Jack Gordon, que supuestamente la maltrató durante seis años y medio.7​ Randy y La Toya inmediatamente tomaron un avión directo a Las Vegas. Allí, La Toya fue tratada por hematomas y presentó la solicitud de divorcio.


 https://www.youtube.com/watch?v=s3Q80mk7bxE&list=PL16KSOz0930Eowm2o44kpavrsiS4J34cm







1968:

Muere Nicasio Safadi, músico ecuatoriano de origen libanés.


Nicasio Espiridón Safadi Reves (Beirut, Líbano 1896- Guayaquil, 29 de octubre de 1968)1​ fue un músico ecuatoriano de origen libanés.

Biografía[editar]

Nacido en Beirut, Líbano, a finales del siglo XIX,1​ emigró a Guayaquil-Ecuador en unión de sus padres, cuando tenía 5 años de edad. Músico de carácter autodidacto, estudió por cuenta propia y se volvió compositor e intérprete.
En 1910 ya dominaba la lengua de la madre patria y sabía tocar guitarra de “oído”. Todas las noches de ese Guayaquil que no volverá, “el turquito” alegraba a los habitantes de su barrio con canciones ecuatorianas. Decidió aprender música a su manera, dominando la guitarra, el bandolín, el contrabajo y empezó a componer. Al mismo tiempo formó una serie de dúos con: José Alberto Valdivieso Alvarado (Diablo Ociosos), con Zapatier, con el “peruano” Chávez y otros.
Años más tarde, en compañía de Enrique Ibáñez Mora, a quien apodaban "El Pollo", y con quien formó el dúo Ecuador, partió el 4 de junio de 1930, en el Transatlántico “Santa Teresa”2​ con rumbo a Nueva York a grabar sus primeros discos para las marcas Ónix de Ecuador, y CBS Columbia Internacional. Grabó así el pasillo "Guayaquil de mis amores", compuesto por el orense Lauro Dávila y con música de su propia autoría, además de otras 37 canciones en 19 discos de carbón de 78 rpm, el 19 de junio de 1930.2​ Gracias a este suceso, en Ecuador se celebra el Día del músico ecuatoriano en aquella fecha.3​ También realizaron una serie de exitosas presentaciones en ciudades como Buenaventura, Panamá y la Habana.
Nicasio Safadi tuvo muchos discípulos, entre ellos: Carlos Rubira Infante, Olimpo Cárdenas, Dúo Mendoza Sangurima, Julio Jaramillo, Máxima Mejía, Blanquita Palomeque, Dúo Saavedra Palomeque, Nancy Murillo, Vicentica Ramírez, Pepe Oresner, Hnos. Montecel, entre otros.
Contrajo matrimonio con Enriqueta Vásconez en Guayaquil con quien tuvo 5 hijos, entre ellos Cristina Safadi de Diab quien guarda la historia musical de Nicasio Safadi.4​ En los últimos años de su vida, una inesperada trombosis lo tuvo durante varios meses cerca del momento final. Repuesto, a costa de tanto sacrificio, quedó sin embargo imposibilitado de mover manos y brazos, por lo que no volvió a tocar su guitarra; a pesar de todo, seguía componiendo llegando a sumar veinte álbumes de sonetos-pasillos. En los últimos años, fijó su residencia en una villa de la ciudadela “La Atarazana”, frente a la cual cruza la avenida que hoy lleva su nombre.
En homenaje a él, la escuela del pasillo en el Museo de la Música Popular Julio Jaramillo Laurido, lleva su nombre.5​

Composiciones[editar]

Entre sus más destacadas obras tenemos: “Invernal”, “Jilguerito tráeme besos”, “Romance criollo de la niña guayaquileña”, “Así quiero tenerte”; “Evocación nostálgica”, “Suspiro del alma”, “Y ya no he de volver” entre otros.1​
Safadi Reves, falleció en Guayaquil el 29 de octubre de 1968, al día siguiente fue sepultado en la misma ciudad mientras entonaban “Guayaquil de mis amores”, tal como él lo había manifestado en más de una oportunidad.

https://www.youtube.com/watch?v=jEcz2XZ8Cgs

https://www.youtube.com/watch?v=EiylOfVumIk


https://www.youtube.com/watch?v=VqJLBo9XrOM








1971: 

Nace Winona Ryder, actriz estadounidense.


Winona Laura Horowitz /wɪˈnəʊnə ˈlɔɹə ˈhɔɹəvɪts/2​ (Olmsted County, Minnesota, 29 de octubre de 1971), más conocida como Winona Ryder, es una actriz estadounidense dos veces nominada al Óscar y ganadora de un Globo de Oro. Aunque su debut fue en Lucas (1986), su primer rol importante fue interpretando a Lydia, una adolescente de estética gótica, en la película Beetlejuice (1988).
Después de varias apariciones en la televisión y en la radio, apareció en el filme Escuela de jóvenes asesinos, en un papel tan criticado como aclamado. En 2000 recibió una estrella en el Paseo de la fama de Hollywood, California.3​









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1972: 

Nace Gabrielle Union, actriz estadounidense.



Gabrielle Monique Union (nacida el 29 de octubre de 1972) es una actriz, cantante y exmodelo estadounidense. Entre sus papeles notables está el de Isis junto a Kirsten Dunst en la película Bring It On. Union también ha compartido cartel con Will Smith y Martin Lawrence en la película Bad Boys II, con Eddie Murphy en la película Pluto Nash y Meet Dave, ha interpretado el papel de la Dra. Courtney Ellis en la serie dramática de la CBS City of Angels. Además, trabajó junto a LL Cool J y Meagan Good en Deliver Us from Eva, estrenada en 2003. Gabrielle ha formado parte del jurado del famoso concurso televisivo, America´s Got Talent [[1]], durante la temporada 14.









1981: 

Muere Georges Brassens, cantautor francés (nacido en 1921).


Georges Brassens (Sète, Languedoc-Rosellón, Francia, 22 de octubre de 1921-Saint-Gély-du-Fesc, cerca de Montpellier, 29 de octubre de 1981) fue un cantautor francés, exponente relevante tanto de la chanson française como de la trova anarquista del siglo XX.
Alcanzó la fama gracias a las melodías de sus canciones, sencillas y elegantes; y a sus letras, variadas y elaboradas. Se le considera uno de los mejores poetas franceses de la posguerra (ganó el premio nacional de poesía). Puso música a poemas de muchos otros escritores, como Louis Aragon, Victor Hugo, Jean Richepin, François Villon y otros. Fuera de su país, actuó en Suiza, Bélgica, Canadá e Inglaterra. Es célebre la grabación en vivo de Brassens cantando en Londres la «Ballade des dames du temps jadis», poema del mencionado Villon donde el autor se pregunta «y que fue de Juana, la buena lorena que los ingleses quemaron en Rouen».
En francés sus canciones fueron interpretadas por muchísimos cantantes y músicos, humoristas, etc. Algunos de ellos fueron Salvatore Adamo, Carla Bruni, Coluche, Manu Dibango, Juliette Gréco, Françoise Hardy, Noir Désir, Francis Cabrel, Renaud y Alain Souchon.
Los primeros en interpretar sus temas en español fueron Paco Ibáñez, que cantó varias de sus canciones durante su largo exilio parisino traducidas por Pierre Pascal; y en España, Jesús Munárriz (fundador de la editorial Hiperión), que tradujo algunas canciones de Brassens que solía cantar en actuaciones esporádicas (y casi siempre declaradas ilegales) y también Chicho Sánchez Ferlosio; en Argentina Nacha Guevara y Jorge Schussheim, a fines de los años sesenta en el Instituto Di Tella de Buenos Aires interpretaron Le pornographe y Marinette, respectivamente; también en España los argentinos Claudina y Alberto Gambino sacaron en 1971 un LP con 12 canciones de Brassens. Una de las canciones más conocidas de esta serie fue «La mala reputación» (La mauvaise réputation), cuya versión en español fue también luego adaptada por Paco Ibáñez desde la tradición de la canción protesta, el cantante rock Loquillo, la banda argentina de rock folklórico Arbolito. También interpretan a Brassens los españoles Javier Krahe (La tormenta, Marieta y alguna no editada), Joaquín Carbonell y el cantautor chileno Eduardo Peralta, quien incluso tiene un disco completo dedicado a Brassens, que contiene, entre otras, versiones de: «Brave Margot», «Fernande», «Jeanne», «Le fossoyeur»; además de otras excelentemente logradas como «Historia de falsedad» y «La guerra del 14».
Las canciones de Brassens fueron también traducidas e interpretadas por otros cantantes menos conocidos, como el uruguayo Julio Canapa o el francés Antoine Candelas.
Brassens murió de cáncer en 1981, en ​​Saint-Gely-du-Fesc, después de haber sufrido problemas de salud durante muchos años, y fue enterrado en el Cimetière le Py en Sète.
En 2009, el cantautor español Albert García tradujo «Les copains d'abord» con el nombre de «Compañeros de viaje», una de las canciones de Brassens más conocidas en Francia, pero que, a diferencia de «La mauvaise réputation», «Marinette» o «Le gorille», no había sido aún publicada en castellano.
También ha sido traducido al español por Agustín García Calvo (19 canciones).
Además, en lengua catalana, han cantado a Brassens en los años 60 Josep Maria Espinàs y, posteriormente, el cantautor Miquel Pujadó, dedicando varios de sus discos a su obra. En este idioma hay también una versión de "La fille a cent sous" cantada por Joan M. Serrat. Brassens también ha sido traducido al italiano por Fabrizio de André.








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1982: 

Nace Espinoza Paz, cantante y compositor mexicano.





Isidro Chávez Espinoza, más conocido como Espinoza Paz (29 de octubre de 1981, Angostura, Sinaloa),1​ es un músico y cantautor mexicano, especializado en los estilos de banda, norteño ,mariachi y duranguense.
Empezó su carrera de compositor desde pequeño, al crear su primer título denominado "La artista de la escuela" dedicado a una compañera de la que estaba enamorado. A los 13 años sufrió una perdida irreparable, la muerte de su madre. En honor a ella y a que siempre lo apoyó tomó el nombre artístico de Espinoza Paz, dado que su madre era María de la Paz Espinoza, pero nunca conoció a su padre.

Carrera[editar]


En 1996, emigró a Sacramento, California, varios meses más tarde, decidió regresar a México, donde sufrió la experiencia más dura de su vida: el fallecimiento de su madre, la señora María de la Paz Espinoza. A partir de ese momento, Paz se embarcó en lo que parecía un viaje sin fin para convertirse en un músico exitoso. Volvió a los Estados Unidos y trabajó como jardinero en Oregón por aproximadamente un año.Espinoza Paz (Isidro Chávez Espinoza) nació el 29 de octubre de 1981 en La Angostura, una pequeña ciudad al norte del estado de Sinaloa, México. Tenía 11 años cuando escribió su primera canción, cuando tenía 13 años ya había escrito 20 canciones; sin embargo, no fue hasta que su padre le envió dinero de los Estados Unidos para comprar su primera guitarra.
Decidió concentrarse en su carrera como compositor y, convencido de su vocación, regresó a México una vez más. Su "musa" era un amigo de California, Daniel Sheree Kent. Su relación platónica inspiró muchas de sus canciones. Durante los siguientes ocho años llamó a las puertas y cantó en bandas regionales, siempre buscando "la oportunidad".

Éxito[editar]

Su gran oportunidad llegó cuando mostró algunas de sus creaciones a El Coyote, un popular cantante de banda de Sinaloa que grabó sus canciones "Besitos En El Cuello", "Prohibido" y "Para Impresionarte", que de inmediato se convirtieron en éxitos.

En diciembre de 2006, Paz se reunió con Martin Fabian, una personalidad muy conocida dentro de la industria de la radio y la música, que inmediatamente previó el talento extraordinario dentro del joven cantante y compositor. Pronto comenzaron a colaborar en su álbum debut "Paz En Tu Corazón". Este proyecto fue lanzado en 2007 en asociación con Nueva Generación Music Group. Otro álbum lanzado de forma independiente, "Amigo Con Derechos", siguió en 2008 antes de que a Paz se le ofreciera un contrato de grabación con el sello discográfico Universal Latino, que lanzó su primer álbum principal "El Cantautor del Pueblo" en 2008 en su subsidiaria Machete Music. Este álbum contó con ocho favoritos previamente lanzados, como "El Celular" y "Amigo con Derechos", además de cuatro nuevas grabaciones. El single de este álbum, "El Proximo Viernes" alcanzó el puesto nº14 en la lista "Hot Latin Tracks" de Billboard.
Pronto Paz estaba escribiendo canciones para una larga lista de artistas Regionales, incluyendo Sergio Vega, La Arrolladora Banda El Limón, Cuisillos de Arturo Macías, Julio Chaidez, La # 1 Banda Jerez de Marco A. Flores, Jenni Rivera, Chuy Lizarraga y su Banda Tierra Sinaloense, Valentin Elizalde, El Potro de Sinaloa, Calibre 50, Grupo Montez de Durango, K-Paz De La Sierra, Julión Álvarez, El Chapo de Sinaloa, Lupillo Rivera, Bronco y Duelo, entre muchos otros. Además de ser el compositor de "Me enamoré de ti" e "Ingeniosa explicación", temas interpretados por el humorista y cantante Omar Chaparro.
En 2010 lanzó el álbum "Del Rancho Para El Mundo", que incluyó el éxito "Al Diablo Lo Nuestro". El álbum fue nominado para un Grammy Latino y fue certificado como Gold. En 2011 lanzó otro álbum de venta de oro: "Canciones Que Duelen". Este álbum debutó en el nº1 en la lista Latin Albums de Billboard e incluyó el sencillo "Para No Perderte". El álbum también fue lanzado en una versión de lujo con un DVD que contiene varias actuaciones en vivo.
En 2012 lanzó "Un Hombre Normal", un álbum de recopilación con algunos de sus éxitos más grandes, remixes y varias grabaciones nuevas. La pista del título alcanzaría el nº1 en las listas latinas. Durante este tiempo Paz decidió lanzar un álbum de todas las canciones de Mariachi con el grupo Mariachi Sol De México. El álbum que originalmente fue titulado "Las Facturas del Destino" fue retitulado y no fue lanzado hasta 2016.

Otras grabaciones[editar]

Intérpretes de talla internacional han grabado sus temas, siendo adaptados a otros ritmos como pop, salsa o balada:
  • La cantante mexicana Thalia en el 2009, grabó el tema "El Próximo Viernes" al ritmo pop para su exitoso álbum Primera fila.
  • El tema: "Un Hombre Normal", se ha convertido en el tema más versionado del cantautor, en 2012 fue grabado al ritmo de salsa por Danny Frank, en el 2013 por la cantante Ana Victoria al ritmo de pop para su álbum Color Amor, con el título "Si Mañana No Me Ves (Un Hombre Normal)", el cantante venezolano Ricardo Montaner lo grabo al ritmo de balada en 2016 para su álbum Ida y vuelta. Además de ser interpretado en varios programas de talentos y por aficionados.





https://www.youtube.com/watch?v=G7Bg1QLXB6c











1983:

Muere Irving Szathmary , compositor  musical húngaro-estadounidense.


Nacido Isadore Szathmary (30 de octubre de 1907 - 29 de octubre de 1983) en Quincy, Massachusetts y fallecido en Valletta , Malta en vísperas de su 76º cumpleaños, fue un compositor  musical húngaro-estadounidense conocido por haber compuesto el tema musical de la serie de tv Get Smart , El Super Agente 86 en Latinoamerica, Denis la menace, en francês . 

Su esposa era Irene Szathmary (nacida en 1905) y su hija era Elizabeth Szathmary (nacida en 1938). [1]
Biografía [ editar ]
Primero entre  seis hijos, su hermano menor era el comediante Bill Dana . Szathmary era un pianista niño prodigio desde la edad de cinco años. [2] Antes de graduarse de la Escuela secundaria de Quincy en 1925, adoptó el nombre "Irving". [3] Al mismo tiempo, formó una banda con su hermano Albert, los síncronos sinfónicos de Szathmary. Al Szathmary (26 abril 1906 hasta 9 junio 1975) más tarde tuvo una carrera como actor y era un sustituto de Get Smart . [4] Otro hermano fue Arthur (1916-2013), quien fue miembro del Departamento de Filosofía de la Universidad de Princeton en 1947-1986. [5] Otro hermano, Sidney tocó el violín en la Orquesta Sinfónica de Indianápolisde 1945 a 1978 [6] La familia tenía una hermana, Fannie (23 de julio de 1919 - 8 de enero de 2010) que era bibliotecaria de derecho asociado en la Universidad del Sur de California . [7]
Carrera musical [ editar ]
Szathmary comenzó a organizar una variedad de orquestas, incluyendo Benny Goodman en 1934, Emery Deutsch en 1935, Artie Shaw en 1936 y Andre Kostelanetz de 1936 a 1977 y desde 1937, Paul Whiteman [8] hasta que se unió a Jack Teagarden en 1940.
Durante la Segunda Guerra Mundial, transcribió muchas piezas orquestales en V-Disc para militares estadounidenses y comenzó a grabar arreglos para cantantes destacados como Frank Sinatra y Mary Martin . Compuso un gran éxito Leave It To Love en 1948.
Durante la década de 1950, compuso música para un programa de radio de 1950 de las Naciones Unidas sobre la adicción a las drogas llamado The Shooting Gallery que fue narrado por Gary Cooper . Hizo los arreglos para Your Hit Parade y The Ed Sullivan Show .
Cuando su hermano comediante, Bill, llegó a Nueva York a principios de la década de 1950, interpretándose bajo su nombre de nacimiento Szathmary, Irving le advirtió: "¿No sabes que tengo fama en la música?" eso llevó a Bill a adoptar el apellido "Dana" después de que su madre "Dene" [3]
En 1959, Irving encabezó Citation Records [9]
Irving a menudo usaba los nombres Szath-Myri e "Irving Zathmary".
Trabajo de televisión [ editar ]
Fue Bill Dana quien presentó a su hermano al escritor de comedias y productor de televisión Leonard Stern para componer la música para el programa de televisión de Stern I'm Dickens, He's Fenster . A Stern le encantaba el sonido tonto del viejo tema de Laurel y Hardy y sugirió algo así. Szathmary regresó uno o dos días después con un tema. "Sentí que había algo único al respecto", dice Stern, pero Szathmary decidió preparar una demostración más elaborada. Un día o dos más tarde, regresó con un bajista, baterista, saxofonista e incluso un vocalista con Irving tocando el piano. "Finalmente comencé a escuchar la melodía distintiva", dice Stern. "Entonces lo contraté, y él hizo los arreglos y dirigió la orquesta también". [10]
Szathmary también compuso la música para un piloto de televisión sin éxito de Stern 1963 , Duncan be Careful, y compuso la música de fondo para The Bill Dana Show de su hermano .
Su colaboración con Stern lo llevó a componer el tema y calificar todos los episodios de Get Smart hasta que se retiró a Malta cuando la serie salió del aire.





https://www.youtube.com/watch?v=AJ6gdRfBW6c


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1983: 

Nace Amit Sebastian Paul, cantante sueco, de la banda A-Teens.





Amit Sebastian Paul, nacido el 29 de octubre de 1983, en Piteå, al Norte de Suecia, es un cantante de pop que obtuvo la fama internacional por haber sido miembro de la banda de pop sueca A*Teens.
Amit Sebastian Paul, nacido el 29 de octubre de 1983, en Piteå, al Norte de Suecia, es un cantante de pop que obtuvo la fama internacional por haber sido miembro de la banda de pop sueca A*Teens.

Índice

·         1Biografía
o    1.1Inicios
o    1.2A*Teens
o    1.3Carrera en solitario
·         2Discografía en solitario
o    2.1Sencillos
o    2.2Songs in A Key of Mine (2008)
o    2.3Videos musicales
o    2.4Enlaces externos
·         3Referencias

Biografía[editar]

Inicios[editar]

Amit Paul nació en Suecia, pero sus orígenes no radican allí, su padre es Bengalí Hindu y llegó a Suecia 10 años antes de que naciese Amit, mientras que su madre es originaria de Värmland, al Este de Suecia.1​ De familia humilde, se dio cuenta que tendría que trabajar duro. Descubrió muy pronto que la música sería importante en su vida, aunque se pensaba que su carrera profesional sería lo que le diese ingresos.

Comenzó a tocar el piano con 4 años, durante su infancia cantaba en una iglesia de su ciudad natal. Con 10 años ingresó en un conservatorio de Estocolmo, donde vivía por aquel entonces, en donde aprendió a tocar música clásica. A los 13 años ingresa en una escuela de baile, empujado por su hermana. Como bailarín se enfrentó por primera vez al público y a raíz de esta academia entró en contacto con el casting que le llevaría a ingresar en A*Teens.

A*Teens[editar]

En noviembre de 1998, a la edad de 15 años, Amit es elegido, a través de un casting a formar parte de una banda de pop juvenil que, en principio se dedicaría a interpretar versiones del grupo sueco y mundialmente conocido ABBA. La banda comenzó llamándose ABBA*Teens y la integraban, junto a Amit: Marie Eleonor Serneholt, Dhani Lennevaldy Sara Helena Lumholdt. Lanzaron un álbum, titulado The Abba Generation que constaba de 12 pistas, todas ellas versiones de ABBA. Su primer single, "Mamma Mia" estuvo ocho semanas consecutivas como número uno en las listas suecas. Este hecho hizo plantearse el lanzamiento de la banda al mercado internacional. La banda se rebautizó como A*Teens, y solo con su primer álbum vendieron 3 millones de álbumes a nivel mundial.2​
La banda estuvo activa entre 1998 y 2004, en lo que publicaron cinco discos, uno de ellos recopilatorio: The Abba Generation(1999), Teen Spirit (2001), Pop 'til You Drop (2002), New Arrival (2003) y Greatest Hits (2004), habiendo vendido en su carrera más de 6 millones de discos en todo el mundo3​ La banda se separó a finales del 2004, momento en el cual todos los miembros comenzaron sus carreras en solitario.



https://www.youtube.com/watch?v=ggiUMDccO0Y



1985: 

Nace Ximena Sariñana, actriz y cantante mexicana.






Ximena Sariñana Rivera (Guadalajara, Jalisco, México, 29 de octubre de 1985) es una actriz y cantante mexicana, ganadora en la categoría de Artista Revelación en los Premios MTV. Fue nominada a los Premios Grammy y Premios Grammy Latinos por su álbum Mediocre.1​

Biografía[editar]

Es hija del cineasta mexicano Fernando Sariñana, de raíces gallegas, y de Carolina Rivera, de origen sefardí.
Ha participado en las telenovelas Luz Clarita, María Isabel y Gotita de amor; y en las películas Hasta morir, Todo el poder, El Segundo Aire, Amor extremo, Amarte duele y Niñas Mal.1​
En 2006 integró la banda Feliz No Cumpleaños, con la que grabó el EP La familia feliz.1​
En 2007 viajó a Buenos Aires y Uruguay para grabar su primer disco como solista, con la ayuda de los productores, Tweety González y Juan Campodónico. El álbum de su debut llevó por nombre Mediocre, y se lanzó a la venta en febrero de 2008 junto con el sencillo Vidas paralelas. En abril, ganó el Disco de oro en México, por la venta de 50 mil discos.
En 2009 participó en la película Enemigos íntimos y en las bandas sonoras de Paradas continuas2​ y The Twilight Saga: New Moon (Frente al Mar) .3​
Estudió música en México en la Academia para Música Fermatta, luego fue becada en el Five Week Program del Berklee College of Music.
De septiembre de 2010 a abril de 2011 actuó como telonera de los conciertos de la cantante estadounidense Sara Bareilles, en el Kaleidoscope Heart Tour.
En 2011 realizó una gira por el continente asiático, presentando su disco homónimo. Tuvo tanto éxito que varios meses después regresó a presentar diferentes puestas en escena. El 19 de septiembre de 2011 obtuvo una sesión en vivo para la revista Rolling Stone.
Ha participado en conciertos como Coachella, Lollapalooza y LAMC en Nueva York.
En el 2012 inició una gira en México para presentar su álbum homónimo en inglés, junto a la chilena Francisca Valenzuela quien presentó su nuevo álbum Buen Soldado.

Participó en el álbum Papitwo cantando el tema "Aire soy" junto a Miguel Bosé siendo así que participó en La Voz... México como asesora de Miguel Bosé en el apartado Las Batallas; y en el álbum Cómo te voy a olvidar interpretando el tema "Mis sentimientos" del grupo Los Ángeles Azules.


https://www.youtube.com/watch?v=hnCQlCqjvqo



https://www.youtube.com/watch?v=2fN3fi_x7ao






1987:

Nace Manuel Medrano, cantautor colombiano.


Manuel Alejandro Medrano López (Sincelejo, Colombia; 29 de octubre de 1987,), simplemente conocido como Manuel Medrano, es un cantautor colombiano de pop,1​ ganador de dos Premios Grammy Latinos.
Inicios[editar]
Sus inicios en la música se dan gracias al apoyo de su familia. La historia de Manuel Medrano comienza cuando reprobó un año escolar, y como "castigo" le regalaron una guitarra a sus 14 años. Desde los 16 años empezó a escribir sus canciones, lo que lo motivó a empezar su carrera como solista.2​
Tocó en distintos bares de Bogotá durante varios años mientras componía varias de las canciones que años después le darían el reconocimiento a nivel nacional.
Salto a la fama[editar]
Las redes sociales, principalmente YouTube fueron los principales medios por los cuáles se dio a conocer, versionaba canciones de otros artistas y hacía versiones acústicas de las suyas. En el año 2015 saltó a la fama con la canción "Afuera del planeta" comenzó a sonar en las redes sociales, pero no fue hasta el lanzamiento de "Bajo el agua" que obtuvo reconocimiento,3​ su vídeo oficial alcanza más de 100 millones de reproducciones en YouTube;4​ tanto fue su éxito y su aceptación que obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy Latino 2016.




https://www.youtube.com/watch?v=zLX_GcXt2pI



https://www.youtube.com/watch?v=Q_bfKBC89OQ




https://www.youtube.com/watch?v=c6du9gSEDu8



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1992: 

Nace Andrea Lagunés, actriz y cantante mexicana.



Andrea Lagunés Barrales, conocida simplemente como Andrea Lagunés, es una cantante y actriz mexicana, nacida en la Ciudad de México el 29 de octubre de 1992, empezando a trabajar en televisión a la edad de 4 años, y que se hizo famosa al protagonizar la telenovela Gotita de amor.1​


https://www.youtube.com/watch?v=_LlT-tYi27o&t=16s




2014:

Muere Frank Dominguez, cantautor y pianista cubano.


Francisco Manuel Ramón Dionisio Domínguez Radeón (Matanzas, Cuba, 9 de octubre de 1927 — Mérida, Yucatán, México, 29 de octubre de 2014), era un cantautor y pianista cubano, figura del movimiento filin. Desde la edad de 8 años comenzó a practicar el piano. Siguiendo los deseos de su padre, un farmacéutico, estudió la carrera de farmacología pero sin ejercerla ya que prefirió la música.
En 1958, lanzó su primer disco: Frank Domínguez canta sus canciones. Autor del bolero: Tú me acostumbraste (1957), su mayor éxito, y de Pedacito de cielo, Cómo te atreves?, Me recordarás, Imágenes . Pero ha sido seguramente la primera la que más veces ha dado la vuelta al mundo en las voces de intérpretes como Los Tres Ases, Olga Guillot, Chavela Vargas, María Dolores Pradera, Pedro Vargas, Caetano Veloso, Domenico Modugno, Tom Jones, Mina, Gal Costa, María Bethania, Lola Flores, Los Sabandeños, Bambino, Luis Miguel, Sara Montiel, Gipsy Kings, Natalia Lafourcade, Omara Portuondo, Los Macorinos, Chucho Valdés y Andrea Bocelli.1​
En 2017 se incluye el tema "Tu me acostumbraste" en el disco "Musas" de la intérprete mexicana Natalia Lafourcade , acompañada de la estupenda cantante de origen cubano Omara Portuondo y Los Macorinos
Desde 1992, Frank Domínguez vivía en Mérida, Yucatán, naturalizándose mexicano.









 https://www.youtube.com/watch?v=_k-WJS-7dXI




2024:

Muere Teri Garr, actriz estadounidense.



Terry Ann "Teri" Garr1​ (Lakewood, Ohio, 11 de diciembre de 1944 - Los Ángeles, California, 29 de octubre de 2024)2​ fue una actriz y cómica estadounidense nominada al Premio Oscar a la mejor actriz de reparto en 1982 por la película Tootsie. También fue muy popular por su actuación en la película Young Frankenstein (1974).

Biografía

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Primeros años

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Garr nació en Lakewood, Ohio. Su padre, Eddie Garr (nacido Gonnoud), fue un artista de vaudeville, cómico y actor cuya carrera llegó al cénit con el papel principal en el drama de Broadway Tobacco Road. Su madre, Phyllis Lind (nacida Emma Schmotzer),1​ era una bailarina y modelo.3​4​5​ Garr se graduó de la Magnificat High School, una escuela católica femenina ubicada en Rocky River, Ohio. Asistió a la Universidad de California y al Actor's Studio, para ampliar su formación.

Carrera

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Teri apareció en numerosas películas con diferentes nombres en los créditos (Terri Garr, Terry Garr, Teri Hope, o Terry Carr). Su debut en el cine fue como extra en 1963 con la película A Swingin' Affair. Durante sus inicios, apareció en diferentes películas de Elvis Presley, normalmente como bailarina; en una de ellas coincidió con una debutante Raquel Welch. También tuvo un cameo como dama en la película del grupo The Monkees (Head). También tuvo un papel en The Andy Griffith Show.

Garr poco a poco fue teniendo mayor protagonismo. Su época dorada fue en la década de 1970 y principios de la década de 1990 con distintas películas. Su primer rol en una cinta de peso fue en el drama criminal de Francis Ford Coppola La Conversación, junto a Gene Hackman, John Cazale, Frederic Forrest, Harrison Ford y Robert Duvall. Pero el papel que le lanzó al estrellato sería el de la sexy Inga, asistente del doctor Frankenstein en El jovencito Frankenstein. Después llegarían Oh, God!, Encuentros en la tercera fase, El corcel negro y Mr. Mom. Fue nominada a los Premios Óscar por su papel de amiga de Dustin Hoffman en Tootsie.

Garr también apareció con cierta frecuencia en televisión. Después de aparecer en The Andy Griffith Show también tuvo papeles en Batman en 1966 (episodio 7, sin figurar en los títulos), y en Star Trek en el episodio "Assignment: Earth" (1968). Otras intervenciones fueron The Sonny and Cher Comedy Hour, The Ken Berry 'Wow' Show, The Burns and Schreiber Comedy Hour, The Bob Newhart Show, y Barnaby Jones, entre otros. También apareció en Saturday Night Live en tres ocasiones a finales de las décadas de 1970 y 1980 así como en el show de David Letterman.6​7​ En la década de 1990, tuvo un papel en la serie Friends como la extraña madre biológica de Lisa Kudrow.

En octubre de 2002, Garr hizo público que sufría esclerosis múltiple.8​ Después de años de secretismo sobre su estado de salud, Garr explicó sus razones para hacerlo público: "Explico mi historia por primera vez para intentar ayudar a gente que sufre la enfermedad. Puedo decir a esa gente que no está sola y que hay razones para ser optimista porque hay tratamientos posibles". No se ha esclarecido desde cuánto tiempo sufre la enfermedad; en 2002, explicó a Larry King que lo sufría desde hacía 19 años, pero en 2005, cuando hacía promoción del libro, dijo que desde hacía 25. En cualquier caso, se puede datar el diagnóstico de su enfermedad entre 1980 y 1983.

Desde que Garr anunció que tenía esclerosis múltiple, se ha convertido en una activista sobre los riesgos de la enfermedad y la búsqueda económica para los tratamientos y la investigación. Es la embajadora en Estados Unidos de la National Multiple Sclerosis Society y de la National Chair for the Society's Women Against MS program (WAMS).9​

Fue madre adoptiva de una niña y residía en Los Ángeles. El 21 de diciembre de 2006, sufrió un aneurisma cerebral en su casa de Los Ángeles. Su hija de 13 años fue a ayudarla pero no la pudo levantar. Llevada a urgencias, su agente de relaciones públicas anunció una pronta recuperación de la actriz.10​ Finalmente, Garr concedió una entrevista en Late Show with David Letterman el 19 de junio de 2008, al mismo tiempo que trabajó en Expired.

Garr murió por complicaciones de la esclerosis múltiple en su casa de Los Ángeles, el 29 de octubre de 2024, a la edad de 79 años.11​










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