El 21 de octubre es el 294.º (ducentésimo nonagésimo cuarto) día del año en el calendario gregoriano y el 295.º en los años bisiestos. Quedan 71 días para finalizar el año.
En
2004 fue declarada beata de la Iglesia católica habiéndose
conocido un milagro obrado por intercesión suya. En diciembre de 2012 se dio a
conocer el veredicto por parte del grupo de evaluación del proceso de su
canonización, según el cual, un segundo milagro fue obrado por intercesión
suya, con lo que se completaron los requerimientos para su declaración como
santa, lo que la convirtió en la primera santa de nacionalidad colombiana.
El papa Franciscoinscribió
su nombre en el libro de los santos mediante la fórmula canónica en solemne
concelebración eucarística en la plaza de San Pedro el
12 de mayo de 2013.3
Esta gran mujer que así escribe, la Madre
Laura Montoya, maestra de misión en América Latina, servidora de la verdad y de
la luz del Evangelio, nació en Jericó, Antioquia, pequeña población colombiana,
el 26 de Mayo de 1874, en el hogar de Juan de la Cruz Montoya y Dolores Upegui,
una familia profundamente cristiana. Recibió las aguas regeneradoras del
Bautismo cuatro horas después de su nacimiento. El sacerdote le dio el nombre
de María Laura de Jesús. Dos años tenía Laura cuando su padre fue asesinado, en
cruenta guerra fratricida por defender la religión y la patria. Dejó a su
esposa y sus tres hijos en orfandad y dura pobreza, a causa de la confiscación
de los bienes por parte de sus enemigos. De labios de su madre, Laura aprendió
a perdonar y a fortalecer su carácter con cristianos sentimientos.
Desde sus primeros
años, su vida fue de incomprensiones y dolores. Supo lo que es sufrir como
pobre huérfana, mendigando cariño entre sus mismos familiares. Aceptando con
amor el sacrificio, fue dominando las dificultades del camino. La acción del
Espíritu de Dios y la lectura espiritual especialmente de la Sagrada Escritura,
la llevaron por los caminos de la oración contemplativa, penitencia y el deseo
de hacerse religiosa en el claustro carmelitano. Tenía sed de Dios y quería ir
a El “como bala de cañón”.
Esta mujer admirable
crece sin estudios, por las dificultades de pobreza e itinerancia a causa de su
orfandad, hasta la edad de 16 años cuando ingresa en la Normal de Institutoras
de Medellín, para ser maestra elemental y de esta manera ganarse el sustento
diario. Sin embargo, llega a ser una erudita en su tiempo, una pedagoga
connotada, formadora de cristianas generaciones, escritora castiza de alto
vuelo y sabroso estilo, mística profunda por su experiencia de oración
contemplativa.
En 1914, apoyada por monseñor
Maximiliano Crespo, obispo de Santa Fe de Antioquia, funda una familia
religiosa: Las Misioneras de María Inmaculada y Santa Catalina de Sena, obra
religiosa que rompe moldes y estructuras insuficientes para llevar a cabo su
ideal misionero según lo expresa en su Autobiografía: Necesitaba mujeres
intrépidas, valientes, inflamadas en el amor de Dios, que pudieran asimilar su
vida a la de los pobres habitantes de la selva, para levantarlos hacia Dios.
Samuel Taylor Coleridge nació el 21 de octubre de 1772 en la ciudad de Ottery St Mary, Devonshire. Era el más joven de trece hermanos. Su padre, el reverendo John Coleridge, era un vicario muy respetado. Samuel fue constantemente ridiculizado por su hermano mayor, Frank, en parte por celos, ya que sus padres constantemente alababan y favorecían a Samuel. Para escapar de estas injurias, se refugiaba en la biblioteca local, donde descubrió su pasión por la palabra escrita.
Después de la muerte de su padre en 1781, fue enviado a Christ's Hospital, un internado en Londres, colegio conocido por su desagradable atmósfera y estrictas normas. Allí se hizo amigo de Charles Lamb. A lo largo de su vida, Coleridge idealizó a su padre como una persona inocente y piadosa, mientras que su relación con su madre resultó extremadamente difícil. Su infancia se caracterizó por la constante búsqueda de atención, lo que se relaciona con su personalidad dependiente de adulto. Rara vez podía volver a casa durante los años de colegio, distancia con su familia que resultó muy dañina, desde el punto de vista emocional. Su soledad en el colegio se describe en el poema Frost at Midnight.
Desde 1791 hasta 1794 Coleridge estudió en el Jesús College de la Universidad de Cambridge. En 1792 obtuvo la Medalla de Oro Browne por una oda que escribió sobre el comercio de esclavos. En noviembre de 1793 abandonó el colegio y se alistó a los dragones reales (unidad militar de caballería pesada), quizá porque había contraído deudas o porque la joven que amaba lo había rechazado; en cualquier caso, sus hermanos consiguieron que lo licenciaran unos meses después (irónicamente por supuesta locura), y fue readmitido en el Jesús College. Dejó Cambridge sin obtener ningún título.
En la universidad descubrió ideas políticas y teológicas que entonces se consideraban radicales. De su amistad con el poeta Robert Southey nace un drama en verso titulado The fall of Robenspierre (La caída de Robespierre, 1794).
Coleridge en 1795.
En 1795, abre un curso público sobre la historia de la Revolución francesa, de la que entonces era entusiasta. Coleridge se unió a Southey y al poeta Robert Lowell en un plan, pronto abandonado, de fundar una sociedad utópica de tipo comunista, llamada pantisocracia, en la que todos mandasen por igual, en las tierras salvajes de Pensilvania. Ese mismo año, los dos amigos se casaron con las hermanas Sarah y Edith Fricker, pero el matrimonio de Coleridge no resultó feliz. Llegó a detestar a su mujer, y con el tiempo se divorció de ella. Durante su fallido matrimonio, y después, amó a una mujer llamada Sarah Hutchinson, que no compartió su pasión. Por aquel entonces conoció a Wordsworth y a su hermana Dorothy, haciéndose amigos íntimos.
Southey se marchó a Portugal, pero Coleridge permaneció en Inglaterra. En 1796 publicó Poems on Various Subjects. Fue en esta época cuando comenzó a usar opio como analgésico. Tanto sus cuadernos de notas, como los de Dorothy Wordsworth, recogen que sufría varias enfermedades, incluyendo dolor de muelas y neuralgia facial. Por aquel entonces, el consumidor de opio no estaba estigmatizado, pero también es cierto que se sabía poco de los aspectos fisiológicos o psicológicos de la adicción.
Los años 1797 y 1798, durante los cuales los amigos vivieron en Nether Stowey, Somerset, son de los más fructíferos en la vida de Coleridge. Además de la Rima del anciano marinero, compuso el poema simbólico Kubla Khan, escrito, según él mismo dijo, como resultado de un sueño provocado por el opio, en "una especie de ensoñación"; y la primera parte de su poema narrativo Christabel. Durante este período también produjo sus muy loados poemas de "conversación": This Lime-Tree Bower My Prison, Frost at Midnight, y The Nightingale.
En 1798 Coleridge y Wordsworth publicaron un volumen conjunto de poesía, las Baladas líricas, que marcaría el punto inicial del movimiento romántico inglés. Aunque el productivo Wordsworth contribuyó al volumen con más poemas, la primera versión de Coleridge de la Rima del anciano marinero era el poema más largo y llamó más la atención que ningún otro.
En el otoño de ese año Coleridge y Wordsworth marcharon a Alemania. Coleridge se desilusionó completamente al conocer la Revolución francesa, que consideró muy radical; puso entonces su atención en la filosofía alemana, especialmente el idealismotrascendental de Immanuel Kant. Aprendió alemán y llegó a estudiar en la Universidad de Gottingen. Igualmente, se interesó en la crítica literaria del dramaturgo del siglo XVIII, Lessing, y en las obras de Friedrich Schlegel y de Friedrich Schelling. Extrae de los cantos de los Minnesänger y de las leyendas locales los temas de nuevas obras. Coleridge estudió alemán y, al volver a Inglaterra, tradujo al inglés la trilogía dramática Wallenstein del poeta clásico alemán Friedrich Schiller.
Coleridge criticaba el gusto literario de sus contemporáneos, temiendo que esa falta de gusto, en el creciente número de personas alfabetizadas, acabara profanando la propia literatura.
En 1800 regresó a Inglaterra y poco después se asentó con su familia y amigos en Keswick en el Lake District de Cumberland para estar cerca de Grasmere, donde habían ido a vivir Wordsworth y su hermana. Se enamoró de Dorothy Wordsworth, amor nunca correspondido que lo perseguirá el resto de su vida. Pronto se vio acosado por problemas maritales, enfermedades, creciente dependencia del opio, tensiones con Wordsworth y falta de confianza en sus capacidades poéticas, todo lo cual impulsó la composición de Dejection: An Ode y la intensificación de sus estudios filosóficos.
De 1804 a 1806, Coleridge vivió en Malta y viajó por Sicilia e Italia, con la esperanza de que, al abandonar el húmedo clima de Inglaterra, su salud mejorara y pudiera reducir el consumo de opio. Trabajó en la administración británica de Malta, como secretario del gobernador Sir Alexander John Ball. Thomas de Quincey sostiene en su Recollections of the Lakes and the Lake Poets que fue entonces cuando se hizo profundamente adicto al opio, usando la droga como sustituto del vigor y la creatividad de juventud, ya perdidos; se ha sugerido, no obstante, que esto refleja más bien las experiencias de Quincey, y no las de Coleridge.
Entre 1808 y 1819 este "gigante entre enanos", como a menudo fue denominado por sus contemporáneos, dio una serie de conferencias en Londres y Bristol; las dedicadas a Shakespeare renovaron el interés en el dramaturgo como modelo para escritores contemporáneos.
En 1816 empeoró su adicción, sufría depresión y se encontraba distanciado de su familia; por todo ello, estableció su residencia en el hogar del médico James Gillman, en Highgate, Londres. Ese año publicó Christabel y Kubla Khan, que lo hicieron famoso.
En casa del doctor Gillman acabó su mayor obra en prosa, la Biographia Literaria (1817), un volumen compuesto por veinticinco capítulos de notas autobiográficas y disertaciones sobre diversos temas, incluyendo algunos de teoría literaria y crítica. Destaca su definición sobre la naturaleza de la poesía y la imaginación: hizo una famosa distinción entre la imaginación primaria y la secundaria por un lado, y la fantasía, por otro. Publicó otros escritos mientras vivía en la casa Gillman, pudiendo destacarse Sibylline Leaves (1817), Aids to Reflection (1825), y Church and State (1830). Murió de un ataque al corazón en Highgate el 25 de julio de 1834.
Su padre, Pierre de Lamartine
(1752-1840) era un caballero de Pratz, capitán en el regimiento de caballería
Dauphin, y su madre, Alix des Roys, era hija del intendente general del duque de Orleans. Los primeros diez años de su vida
los pasó en el campo, en Milly, en el sur de Borgoña, rodeado por la naturaleza, sus hermanas, su
madre y, sobre todo, por el padre Dumont, pastor de Bussières que le inculcó una gran fe religiosa,
reforzada por los años que pasó en el colegio de Belley, durante los cuales leyó a Chateaubriand, a Virgilio y a Horacio.
De
familia militar de la pequeña nobleza provinciana francesa, viajó bastante
durante su juventud. En 1816, víctima de cierta depresión, se trasladó a tomar
las aguas en Aix-les-Bains (Saboya). Allí el poeta conoció a Julie Charles,
nacida con el nombre de Hérettes Bouchaud, mujer casada con el físico y
aeronauta Jacques Charles y seis años mayor que él, que sufre de
"consunción", como se conocía entonces a la tuberculosis galopante. Los dos jóvenes
comenzaron una relación romántica que duró hasta la muerte de Julie en
diciembre de 1817 a la edad de 33 años. El poeta se vio profundamente afectado
por esta trágica pérdida que le inspiró, en parte, sus Meditaciones
poéticas (1820). En ese mismo año, quizá para librarse de esa
tristeza, contrajo matrimonio con la inglesa Mary Ann Elisa Birch. Y como su
defensa de la restauración
borbónica en 1814 le valió entrar en la carrera diplomática,
ocupó su primer puesto oficial bajo el gobierno de Luis XVIII en la secretaria de la embajada
francesa de Nápoles desde
1825 hasta 1828.
En
1829 fue elegido miembro de la Academia francesa. Fue electo diputado en 1833 y
1839, y ocupó brevemente el cargo de gobernador durante la revolución
de 1848 en Francia. Tras la caída de Luis Felipe de Orleans,
fue ministro de Asuntos Exteriores, cargo que lo habilitó a presidir un
gobierno interino en la recién proclamada República, desde el 24 de febrero de
1848 hasta el 11 de mayo del mismo año.
Durante
su período como político en la Segunda República Francesa,
realizó esfuerzos que finalmente condujeron a la abolición de la esclavitud y de la pena de muerte, así como también fomentó la libertad
de prensa y reunión, el derecho al trabajo y los programas cortos de
capacitación laboral. Era un idealista político que apoyó la democracia y el pacifismo, y su postura moderada sobre la mayor parte
de cuestiones hizo que sus seguidores lo abandonaran. Tras fracasar en la elección
presidencial del 10 de diciembre de 1848, se retiró de la
política y se dedicó a la literatura.
Al
margen de sus dotes administrativas, Lamartine sobresalió en el panorama
literario por la delicadeza de sus versos y sus excepcionales representaciones
de la naturaleza. De su producción poética cabe mencionar Meditaciones
poéticas (1820); Nuevas meditaciones poéticas (1823), Armonías
poéticas y religiosas (1830), Jocelyn (1836), La
caída de un ángel (1838) y Los recogimientos (1839).
Como historiador escribió Historia de los girondinos y como
narrador Raphaël (1848) y Graziella(1852), que
recogen sus vivencias personales. Su obra tuvo especial influencia entre los
integrantes del Salón Literario de 1837. En torno a él se formó un grupo de
escritores vinculados al romanticismo, entre los cuales y principalmente se
hallaba Esteban Echeverría.
Es
famoso por su poema parcialmente autobiográfico Le Lac (El
Lago), que describe en retrospectiva el ferviente amor compartido por una
pareja desde el punto de vista del hombre desconsolado. Lamartine fue un
maestro en el uso de las formas poéticas del francés. Fue uno de los muy pocos
literatos franceses en combinar su escritura con su carrera política.
Yo soy el primero que ha hecho
descender la poesía del Parnaso y ha dado a lo que se llamaba la Musa, en vez
de una lira de siete cuerdas de convención, las fibras mismas del corazón
humano, tocadas y enmudecidas por las innúmeras fricciones del alma y de la
naturaleza [...] Esto no era un arte, era un alivio de mi propio corazón que
sacudió sus propios sollozos ("Prefacio"
de Primeras meditaciones)
Pido gracia por las
imperfecciones de estilo que herirán a menudo a los delicados. Lo que se siente
fuertemente se escribe rápido (Prefacio a Harmonies)
Los temas de su poesía
puramente lírica son cuatro: el amor, la melancolía, la naturaleza y la fe. El
amor, un amor de éxtasis lánguidos, "amorosos silencios" y miradas
compenetradas, se eleva cuando canta a Julie Charles; la melancolía (Flauberthablaba del "lirismo consuntivo" de
Lamartine), la naturaleza que refrena todo su desconsuelo y la fe, a veces
desesperada, pero no tanto como en Alfred de Vigny. Lamartine llega a Dios a través de
la contemplación de la naturaleza, en el espectáculo de los cielos, en la
tierra.
En cuanto a su poesía épica y filosófica,
resulta un poco más impostada que la meramente lírica. En Jocelyn poema
narrativo ambientado en la época revolucionaria, refleja en nueve épocas la
epopeya de la redención por el sacrificio y tuvo un gran éxito popular; se
inspira tal vez en un personaje real que conoció en su adolescencia, el abate
Dumont. La chut d'un ange, "La caída de un ángel", es de
mera ficción. Es una epopeya metafísica en la que el ángel Cédar es reducido a
esclavitud por la hermosa Daïda. El argumento es demasiado complicado y no tuvo
el éxito del anterior. Como poeta social canta una "Marsellesa de la
paz" y contempla todos los bienes posibles de la humanidad a través de la
"fraternidad social": la extinción de la pena de muerte y de la
guerra y una sociedad fundada sobre la libertad en que todos los bienes se
repartan con igualdad entre los hombres.
Terminó su vida en la pobreza,
como tantos otros literatos, el 28 de febrero de 1869,
en París. Es considerado como el primer romántico francés, y es reconocido por Verlaine y los simbolistas como una importante influencia.
Alfred
Nobel nació en una familia de ingenieros. Cuando tenía nueve años de edad, la
familia se trasladó a Rusia, donde él y sus
hermanos recibieron una esmerada educación en ciencias naturales y humanidades.1
Regresó
a Suecia en 1863, completando allí las investigaciones que había iniciado en el
campo de los explosivos: en 1863 consiguió controlar mediante un detonador las
explosiones de la nitroglicerina, inventada por el italiano Ascanio Sobrero; en 1865 perfeccionó el
sistema con un detonador de mercurio; y en 1867 consiguió la dinamita, un explosivo
plástico resultante de absorber la nitroglicerina en un material sólido poroso,
con lo que se reducían los riesgos de accidentes (las explosiones accidentales
de la nitroglicerina, en una de las cuales había muerto su propio hermano Emil,
habían despertado fuertes críticas contra Nobel y sus fábricas).
En 1895 fundó Elektrokeviskas
Aktiebolaget, más conocida como Eka, en Bengtsfors, Suecia.2 La empresa fue finalmente absorbida
por el grupo AkzoNobel que
todavía en la actualidad mantiene parte de su nombre.3
También
desarrolló sus capacidades literarias como para escribir poesía en inglés. Su
obra Nemesis, una tragedia en prosa sobre el episodio de Beatrice
Cenci, inspirada en parte por la obra de Shelley The Cenci, fue
impresa mientras agonizaba. La tirada completa de la obra, salvo tres
ejemplares, fue destruida al ser considerada escandalosa y blasfema.
Actualmente, además de una edición en sueco, existe otra en francés.4
En
su testamento firmado el 27 de noviembre de 1895 en
el Club Sueco-Noruego de París, Nobel instituye con
su fortuna un fondo con el que se premiaría a los mejores exponentes en
la Literatura, Fisiología o Medicina, Física, Química y
de Paz.
Posteriormente fue creado el Premio de Economía, aunque no es propiamente un Nobel,
sino en memoria a Alfred Nobel.5 Una hemorragia cerebral le causó la
muerte cuando estaba en su hogar en San Remo, Italia, el 10 de diciembre de 1896 a
la edad de 63 años.
Se
calcula que su fortuna en el momento de su muerte era de 33 000 000
coronas, de las que legó a su familia apenas 100 000 coronas. El resto fue
destinado a los Premios Nobel.
Tuvo
su primer contacto con la literatura en Cuneo.
Estudió en un liceo de Turín. Entró a los dieciséis años en la
Academia Militar de Módena, donde obtuvo el título de
oficial. Con esta categoría participa en la batalla de Custoza de 1866.
Luego se haría viajero y escritor, reflejando en sus obras las vivencias de sus
viajes. Su obra se caracteriza por la mezcla del romanticismo y el realismo con
un propósito altamente ético en el sentido de orientar al
lector siempre hacia el bien.
Marruecos (1876), España (1873), Holanda (1874),
son algunos de los numerosos libros de viajes que alcanzaron también éxito
por la facilidad demostrada para describir rápidamente los lugares y costumbres
que se ofrecen ante su vista. Posteriormente, escribió su novela Los
amigos (Gli amici, 1883).
De
Amicis más tarde se uniría al Partido Socialista, en cuyo periódico Il
Grido del Popolo publicó artículos que luego reunió en su libro Cuestión
social (Questione sociale, 1894), sobre el cual dictó varias
conferencias. Vuelve a la actividad literaria con Novela de un maestro (1890),
cuyo estilo, diferente al empleado en sus obras anteriores, según ciertos
críticos fue amargo y desencantado. Su siguiente trabajo, L'idioma
gentile (1905), fue una apología no solo de la lengua italiana, sino
también de las tradiciones y cultura de su país.
Anteriormente,
publicó en 1886 su obra, tal vez la mejor conocida, Corazón concebida
en la forma de diario personal de un niño, Enrique, a través de su año escolar
como alumno de tercer grado en una escuela municipal de Turín, alternado con
narraciones de tono emotivo. Fue traducida a múltiples idiomas y llevada al
cine y la televisión y posteriormente en forma de dibujos animados en la serie
japonesa Marco, de
los Apeninos a los Andes, inspirada en la narración interpolada
en este libro denominada De los Apeninos a los Andes.
Margaret Dumont (Nueva York, Estados Unidos, 21 de octubre de 1882 - 6 de marzo de 1965), fue una actriz cómica estadounidense. Más conocida por su participación en varias películas de los Hermanos Marx, interpretando el papel de mujer rica e ingenua, de porte aristocrático, y que siempre se dejaba embelesar por Groucho Marx.
Groucho dijo de ella que prácticamente era el quinto Hermano Marx (en realidad sí hubo cinco hermanos Marx, pero en el cine nunca actuaron juntos más de cuatro).
Nacida como Daisy Juliette Baker en Brooklyn, Margaret contrajo matrimonio en 1910 con el adinerado empresario, John Moller Jr., con el que estuvo casada hasta el fallecimiento de él en 1918. Eso motivó su vuelta al teatro de vodevil donde empezó (a pesar que su biografía oficial hablaba de un pasado de grandes teatros y palacios, rumores que ella misma alentó, al igual que su falsa edad, 7 años menos de los que en realidad tenía y que mantuvo hasta su muerte).
Groucho dijo que mucha gente pensaba que estaban casados en la vida real, cosa que, como se ha dicho, no era cierta. Sin embargo, en 1992, Victoria Dumont, sobrina de la actriz, encontró un baúl, que la famosa Margaret Dumont había guardado celosamente durante muchos años, que contiene un importante número de apasionadas cartas que Margaret Dumont intercambió con Groucho, en las cuales queda el testimonio de un amor verdadero y un exquisito debate intelectual que duró hasta la muerte de ella en 1965. Además de la correspondencia se incluyen fotografías y películas caseras de Groucho y Margaret divirtiéndose en París, en Bélgica, Cuba, Nueva York y México. Algunas fotografías los muestran vacacionando acompañados por los hijos de Groucho. Nunca pudieron casarse porque la actriz, luego de quince años de haber perdido a su primer esposo, contrajo nupcias en una feria de beneficencia con un exmilitar ebrio de apellido Stanley, con quien se mudó, sin saber que la ley no reconocía ese matrimonio como legal por tratarse de un acta de matrimonio de fiesta popular y no de un documento oficial firmado por un juez. Cabe señalar que el propio Groucho dejaba en claro, antes de iniciar una relación, su amor por Dumont.
Los papeles que interpretó en las películas de los Hermanos Marx resultaban encantadoramente inocentes, ya que traslucían una innegable atracción por el personaje encarnado por Groucho, siempre un vividor impresentable, al que perdonaba una y otra vez sus incalificables atropellos y desdenes en cuanto este desplegaba sus lisonjas, tomando incluso por halagos o rarezas los surrealistas insultos de Groucho, que a menudo no comprendía, con lo que despertaba en el público a la vez la risa y la compasión.
Este es uno de esos típicos diálogos, perteneciente a Sopa de ganso:
Groucho: No es que me importe, pero, ¿dónde está tu marido?
Margaret Dumont: ¡Ha muerto!
G: Seguro que solo es una excusa.
MD: Estuve con él hasta el final.
G: No me extraña que falleciera.
MD: Lo estreché entre mis brazos y lo besé.
G: Entonces, fue un asesinato. ¿Te casarías conmigo? ¿Te dejó mucho dinero? (Responde primero a lo segundo).
MD: ¡Me dejó toda su fortuna!
G: ¿No comprendes lo que intento decirte? Te amo.
G: Pensarás que soy un sentimental, pero ¿te importaría darme un mechón de tu cabello?
MD: ¿Un mechón de mi cabello?
G: Y no te quejes. Te iba a pedir toda la peluca. Cásate conmigo y tendremos nuestra propia familia.
MD: Oh, sería maravilloso. Y dime, cariño, ¿tendríamos una bonita casa?
G: Pues claro, ¿no estarás pensando en mudarte?
MD: Temo que después de llevar algún tiempo casados encuentres una mujer hermosa y te olvides de mí.
G: No te olvidaré. Te escribiré todas las semanas.
A lo largo de su vida, actuó en más de cincuenta películas, sin contar pequeñas intervenciones en cine mudo. Su primera aparición en una película de los Hermanos Marx fue en Los cuatro cocos, en 1929, interpretando el papel de Mrs. Potter, el mismo papel que tenía en la obra de teatro en la que se basó la película.
Pocos días antes de su muerte, que se produjo por un ataque al corazón, hizo su última aparición en el programa de televisión The Hollywood Place, al que también asistió Groucho, y fue por tanto la última vez que estuvieron juntos. Se sabe, por el testimonio de Arthur Marx, hijo de Groucho Marx, que el comediante se dejó morir después del fallecimiento de Margaret y abrumado por los problemas maritales que tuvo con su última esposa, una adicta y violenta estafadora que, a menudo falsificaba la firma de Marx para extraer dinero de sus cuentas bancarias. Al morir Dumont, Groucho cubrió el costo de los servicios funerarios y colocó una pata de conejo en el ataúd de la actriz.
Margaret Dumont será recordada por generaciones como la adorable y digna mujer de alta aristocracia, con encantadora sonrisa y sencilla elegancia. En las entrevistas que concedió, tanto en prensa como en televisión, conservó siempre el aire añejo del antiguo estilo teatral, con su cuidada dicción, y una voz potente que se podía proyectar para alcanzar la última fila del teatro. También era una correcta cantante de melodías clásicas, faceta esta que aprovechó en algunas de sus películas.
Falleció el 6 de marzo de 1965 a la edad de 82 años (a pesar de que todo el mundo creía que tenía 76). Fue incinerada el mismo día. Sus cenizas reposan en Los Ángeles, en la casa de su tío.
Muere José Hernández, poeta, político y periodista
argentino (nacido en 1834).
José Rafael Hernández y
Pueyrredón (10 de noviembre de 1834 -
21 de octubre de 1886) fue un militar, periodista, poeta y
político argentino,
especialmente conocido como el autor del Martín Fierro, obra máxima de la literatura gauchesca.
En su homenaje, el 10 de noviembre —aniversario de su nacimiento— se festeja en
la Argentina el Día de la Tradición.
Tras
iniciarse como militar en defensa de la autonomía del Estado de Buenos Aires,
entre 1852 y 1872 desarrolló
una intensa actividad periodística, enfrentado al predominio de la ciudad de Buenos Aires en
la organización de su país. En una época de gran agitación política, sostuvo
que las provincias no debían permanecer ligadas al gobierno de Buenos Aires.
Participó
en una de las últimas rebeliones federales,
dirigida por Ricardo López Jordán,
cuyo primer intento de acción finalizó en 1871 con
la derrota de los gauchos y el exilio de Hernández en el Brasil. Después de esta revolución continuó siendo
durante un tiempo asesor del general revolucionario, pero con el tiempo se
distanció de él.
A
su regreso a la Argentina, en 1872, continuó su lucha por medio del
periodismo y publicó la primera parte de su obra maestra, El gaucho Martín Fierro.
Fue a través de su poesía como consiguió un gran eco para sus propuestas y la
más valiosa contribución a la causa de los gauchos. Junto con la continuación de la obra, La vuelta de Martín Fierro(1879),
forman un poema épico popular. Es generalmente considerada la obra cumbre de
la literatura argentina.1234 Posteriormente desempeñó los cargos de
diputado y senador de la provincia de Buenos Aires. Ocupando este último cargo,
defendió la federalización
de Buenos Aires en un memorable discurso, enfrentándose a Leandro N. Alem.
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1911:
Nace Mary Blair,
animadora, diseñadora gráfica, ilustradora y guionista estadounidense.
Fue uno de los compositores ingleses más polémicos del siglo XX, debido a un estilo neorromántico y neoclásico que ya había sido prácticamente relegado al pasado y a sus consiguientes roces con la crítica especializada.
El Guildhall de Northampton, ciudad natal de Arnold.
Malcolm Arnold nació en Northampton el 21 de octubre de 1921, en una familia acomodada: su padre dirigía una próspera factoría de calzado. Era el menor de cinco hermanos, y mantuvo una relación especialmente estrecha con su hermana mayor, Ruth, mujer de convicciones feministas que le transmitió su pasión por la música. Tras comenzar a estudiar música en su localidad natal, gracias a la tradición musical familiar (su abuelo era maestro de capilla de la iglesia de Northampton), e impulsado por el impacto que le produjo escuchar en directo a Louis Armstrong en Bournemouth con doce años, estudió trompeta con Ernest Hall, uno de los trompetistas más importantes de la época y miembro de la Orquesta Sinfónica de la BBC, y composición con Gordon Jacob en el Royal College of Music de Londres. Su estancia en dicha institución fue un tanto pasajera.1
En 1941, a la temprana edad de veinte años, contrajo matrimonio con Sheila Nicholson. En julio de ese mismo año ingresó en la Orquesta Filarmónica de Londres como segundo trompeta, pasando en 1943 al puesto de trompeta principal. Durante la Segunda Guerra Mundial, en consonancia con otros compositores pacifistas de la época, se declaró objetor de conciencia y no se alistó en el ejército. La muerte de un hermano en batalla y las presiones externas le empujaron a alistarse como voluntario en 1944. La perspectiva de la guerra le produjo tal rechazo que, al poco tiempo, se pegó un tiro en un pie, provocándose una grave lesión gracias a la cual pudo dejar el frente. A su vuelta de la guerra, entre 1945 y 1946, permaneció en la Orquesta Sinfónica de la BBC como trompeta segundo junto a Ernest Hall, volviendo después a la Orquesta Filarmónica de Londres, donde permanecería hasta 1948.
Su estancia en la orquesta le proporcionó un excelente conocimiento de sus características y de las tesituras y personalidades de los diferentes instrumentos. Durante esta etapa participó en el estreno de obras de George Gershwin o Béla Bartók, además de en la interpretación y grabación de todas las sinfonías de Gustav Mahler, bajo la batuta de los directores más importantes de la época, como Anatole Fistoulari o Leonard Bernstein en el caso de la Quinta Sinfonía de Chaikovski. Todo ello desarrolló sus dotes de orquestador, faceta en la que destacaría posteriormente.
El prestigio de Malcolm Arnold como trompetista era notorio, convirtiéndose rápidamente en uno de los más importantes instrumentistas de viento ingleses de la época. Sin embargo, sus inquietudes se encontraban, principalmente, en el campo de la composición. Su carta de presentación como compositor fue su obertura Beckus the Dandipratt en 1943, de la que existe una grabación de la Orquesta Filarmónica de Londres en la que interviene el propio compositor como trompetista. A esta obra se sumaron algunas piezas de cámara que, durante esta etapa, compuso para diferentes amigos de la orquesta. El abandono de la orquesta en 1948 supuso también el abandono de su actividad como intérprete y su dedicación exclusiva a la composición.
Fruto de su matrimonio fueron dos hijos, Katherine y Robert. Su carácter autodestructivo (con 20 años le fue diagnosticada una esquizofrenia) y su propensión al alcoholismo, unidos al efecto devastador que en él provocaban las críticas cada vez más adversas a su obra, terminaron por destrozar el matrimonio, divorciándose en 1965 para volver a casarse apresuradamente el mismo año tras dejar embarazada a la que sería su segunda esposa.
Tras su época dorada, que comprende los años 1950 y los 1960, la crítica comenzó a despreciar la música de Malcolm Arnold, situada, a su juicio, fuera del momento histórico musical: mientras que la atonalidad, el serialismo y otras corrientes vanguardistas se abrían paso en el mundo de la música culta, Arnold seguía recurriendo a un estilo melódico, tonal, de aire neorromántico, de éxito popular y como continuador de Richard Strauss, Gustav Holst, Dmitri Shostakóvich e incluso Aaron Copland, pero que se situaba al margen del camino irreversible que la música clásica había tomado hacia nuevos sonidos. La crítica también se mostró reticente ante el sentido del humor que sus obras dejaban entrever, lo que le hizo ser considerado como un compositor poco serio. El complejo carácter de Arnold, combinado con este rechazo y los ataques mentales que sufría su tercer hijo, que padecía autismo, le llevaron a un nuevo divorcio en 1975 y a un intento de suicidio.
Imagen del condado de Norfolk, último destino de Arnold.
En 1979, tras un nuevo ataque mental, ingresó en el hospital psiquiátrico de St. Andrews, donde permaneció hasta 1984. Durante estos siete años de crisis mental no compuso ninguna obra, lo que contrasta con el frenético ritmo de producción que había llevado anteriormente. Durante esta etapa de crisis mental, en la que Arnold volvería a intentar suicidarse, rompió relaciones con sus hijos, al sentirse incomprendido por ellos. Al ser dado de alta en 1984, y en la más absoluta carencia de dinero, conoció a Anthony Day, asistente social, quien lo alojó en su domicilio y rectificó su situación económica precaria. De esta forma, Day se convirtió en su cuidador y manager comercial.
A partir de la obtención del título de Sir, que la reina Isabel II de Inglaterra le otorgó en 1993, fueron múltiples y variados los homenajes que recibió. En junio de 2006, la Universidad de Northampton le concedió un doctorado honorario en honor a su carrera musical. El mundo de la música inglesa trató así de compensar los años en los que ignoró su producción musical. A pesar de esta rectificación, la crítica especializada aún hoy aparece dividida entre quienes lo consideran un auténtico genio y quienes no ven en él más que un compositor con una extraordinaria facilidad.
Malcolm Arnold dejó la composición en 1990, entre otros motivos debido a su delicado estado de salud. Desde 1984 vivió en Attleborough (Norfolk, Inglaterra) con Anthony Day. Durante esta etapa, declaró no tener ganas de crear más música. Sin embargo, se mostró muy satisfecho de su extensa obra.2
El deterioro de su estado de salud fue constante desde 2002, año en el que acudió por última vez a la interpretación de su obra en directo. Murió el 23 de septiembre de 2006 en un hospital de Norwich (Norfolk), a la edad de 84 años, debido a una infección pulmonar, semanas antes de su 85 cumpleaños y de la celebración del Malcolm Arnold Festival, que se convirtió en un homenaje a su vida y su música.
Tras muchas otras bandas sonoras (a lo largo de su vida compuso más de 100), se despediría de la música para cine en 1970, con David Copperfield, uno de sus trabajos más recordados por el público. A pesar del prestigio y rendimientos económicos que esta actividad cinematográfica le proporcionó, él siempre deseó ser reconocido por su producción musical formal.
A lo largo de su carrera, Celia
Cruz interpretó y popularizó internacionalmente ritmos como el son, son montuno, guaguancó, rumba, guaracha y bolero. Sin embargo, el género que llevó al
estrellato fue la salsa, ritmo
cubano influenciado por estilos de diferentes partes del mundo, y que la
estableció como una de las principales artistas femeninas en la historia de
la música latinoamericana.3
Construyó su carrera en un
principio en Cuba, luego en México (país donde también pertenece a la Época de
Oro del cine mexicano), Colombia, Venezuela y el resto de Latinoamérica, ya
posteriormente en Estados Unidos y
por todos los continentes del mundo. Celia Cruz fue, si no la más, una de las
más destacadas cantantes y mejor pagada del siglo XX; rompió mitos convirtiéndose ella misma en
un mito, marcó pautas y estableció un hito en la historia de la música cubana y
latinoamericana. Creó un estilo único y una imagen icónica de insuperable
atractivo gracias a un don carismático y musical difícilmente repetible,
estableció un lugar de respeto para las mujeres que interpretan música folclórica por lo que es el paradigma y
la bandera de la liberación femenina en la música popular del continente americano, conquistando además diferentes
continentes y trasmitiendo su mágica alegría, contagiosa hasta en los
territorios más lejanos, abriendo el camino a los artistas latinos en latitudes
donde ella fue quien primero expuso y despertó el interés del público a la
música de Latinoamérica, por lo que se le considera como el símbolo auténtico
de la cultura latina en
el mundo.
Celia Cruz también hizo famosa
la expresión «azúcar!» que adoptó y quedó en la memoria colectiva
como su frase identificativa, que ella gritaba como anuncio carnavalesco
incitando a la diversión. Con un talento sin precedentes e incomparable y una
energía insólita se convirtió en un ícono y baluarte de la música a nivel
mundial y es la cantante hispana que más cariño y seguidores logró en el mundo.
Su carrera formó un legado invaluable y referencia ineludible para las futuras
generaciones que descubren en ella una impactante y prolífica fuente de
inspiración.
Nació en el barrio de Santos
Suárez de La Habana. Su padre, Simón Cruz, era un fogonero de ferrocaril, y su
madre, Catalina Alfonso Ramos, ama de casa. Celia Cruz compartió su infancia
con sus tres hermanos –Dolores,
Gladys y Bárbaro– y numerosos primos, y sus quehaceres incluían arrullar
con canciones de cuna a
los más pequeños; así empezó a cantar. Solía observar los bailes y
a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la
hora de saltar al interior. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su
padre quería que fuese maestra de escuela, y no sin pesar intentó satisfacerle
y estudiar magisterio, pero pudo más el corazón cuando estaba a punto de
terminar la carrera y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de
Música.4
Mientras tanto, Celia Cruz
cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas
radiofónicos para aficionados, como La hora del té o La corte suprema
del arte, en los que obtenía primeros premios tales como un
pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango
"Nostalgia" recibió en pago 15 dólares en Radio García Serra. Más
tarde cantó en las orquestas Gloria
Matancera y Sonora Caracas y formó parte
del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México.4
Antes de ingresar en la
orquesta Sonora Matancera, Celia Cruz participó en un espectáculo
musical y comedia titulado «La corte suprema del arte» donde compartió escena
con cantantes destacados de la época, como Aurora Linchetti. Poco tiempo
después participó en la Radio Cadena Suaritos, junto a una
agrupación que interpretaba coros yorubas y ritmos de batá, logrando por esa
época su primera grabación junto al cantante Obdulio Morales. Los temas que grabó en ese
momento serían incorporados más tarde a una de las primeras compilaciones de su
trabajo en formato de Larga Duración. En 1948,
Roderico Rodney Neyra fundó el grupo de bailarinas Las
Mulatas de Fuego y Celia fue contratada junto a este grupo como
cantante, alcanzando un gran éxito. En Venezuela es contratada para grabar sus
primeros discos de 78 rpm comerciales por la disquera Comercial
Serfaty5 respaldada por la Orquesta
"Leonard Melody" con los siguientes temas:
A mediados de año viaja el
grupo a México, obteniendo los mismos éxitos y, al
regresar a La Habana, Celia grabaría dos temas con la agrupación Sonora
Matancera.
Poco después fue contratada por
la emisora Radio Cadena Suaritos. Llegó el año de 1950,
cuando conoció al empresario Rafael Sotolongo quien la buscó porque quería que
cantara con el Conjunto Sonora Matancera, ya que la
cantautora Myrta Silva había
decidido dejar la agrupación para retornar a Puerto Rico donde había adquirido una
propiedad y quería disfrutarla, dejando disponible la vacante para una voz
femenina. Su ingreso fue aprobado por el director de la agrupación, Rogelio Martínez.
Al enterarse de dicha entrevista los directivos de la radio donde trabajaba,
fue despedida arbitrariamente.
Existía un programa radial
llamado "Cascabeles Candado" y cuya orquesta exclusiva era la
Sonora Matancera. Un buen día, Celia luego de la entrevista con Don Rogelio fue
a Radio Progreso donde ensayaban de lunes a sábado de 9 a.m. a
12 p.m., con el primero que se encontró en el estudio fue con el que sería su
futuro esposo: Pedro Knight que
era el segundo trompetista de la Sonora. Habiendo llegado todos los
integrantes, ensayaron, pero no sonaba nada bien. Celia como tenía sus arreglos
que no coincidían con el número de integrantes de la Sonora, se los entregó a
Severino Ramos para que los adecuase, y que la llamaran para cuando estuvieran
listos los mismos. Debutó con la agrupación el 3 de agosto de 1950.
Inicialmente no fue acogida por el público, mandando cartas al director y a la
Radio para que fuese cambiada, no logrando su objetivo. Rogelio Martínez,
teniendo fe en ella fue a su casa discográfica SEECO Records, cuyo director y
gerente era Sidney Siegel. Allí hubo otra oposición, ya que el criterio
de Mr. Siegel, como le llamaban, era que las mujeres no vendían
discos y no podían atreverse a cometer semejante error, pero aun así, Rogelio
convenció al dueño retándolo y es así que grabó el 15 de diciembre de 1950 en
formato 78 rpm. Sus dos primeras canciones fueron:
Serie
Canción
Compositor
S 7076-A
Cao Cao Maní Picao
José Carbó Menéndez
S 7076-B
Mata Siguaraya
Lino Frías
Fue tal el éxito que Mr.
Siegel dio el visto bueno y así Celia empezó haciendo sus grabaciones
con la Sonora Matancera, matrimonio musical que duró quince años. Sus éxitos
inolvidables: Burundanga, Caramelo, El
Yerberito Moderno, Tu voz, Ritmo, tambó y flores, Pa'
la paloma, Nuevo ritmo omelenkó, Vallán vallende, La
sopa en botella, en total registró 188 números.
El 15 de julio de 1960,
ya iniciada la Revolución cubana dirigida
por Fidel Castro, surge
un contrato para la Sonora Matancera en México. Celia no
imaginaba que jamás volvería a pisar suelo cubano. El gobierno cubano le
prohibió volver a Cuba. Cuando cumple el mes de estancia en México, recibe la
noticia del fallecimiento de su padre Simón Cruz. Trabajaron en el Terrazza
Casino desde el 22 de julio del mismo año hasta el 20 de noviembre de 1961.
Ese mismo año la Sonora y Celia viajaron a los Estados Unidos y comenzó a actuar Celia
sin la Sonora en el Hollywood Palladium en la ciudad de
Hollywood. En 1962, se volvió a integrar con la Sonora
Matancerasiendo contratados por el empresario Guillermo Arenas. Adquirió
una vivienda en Nueva York. Aunque
intento regresar a Cuba para ver a su madre enferma, el gobierno cubano le
prohibió el regreso.
Un día fatal para Celia llegó
el 7 de abril de ese año, cuando se estaba
preparando para actuar, recibe la noticia del fallecimiento de su madre
Catalina Alfonso, que venía luchando con un cáncer terminal de vejiga. Pero ese
trago amargo se superó cuando el 14 de julio se casó en ceremonia civil
con Pedro Knight. Luego
hicieron gira por Europa con la Sonora
Matancera y en 1964, cuando se encontraba
en Japón, se presentó con Tito Puente.
En 1965,
Celia culminaría una etapa vertiginosa de quince años con la Sonora
Matancera. En ese lapso grabaría con las orquestas de René Hernández y Vicentico Valdés y
termina su contrato discográfico con Seeco Records. Al Celia quedar como
solista, su esposo Pedro Knight decidió dejar su puesto en la Sonora Matancera
para convertirse en su representante, arreglista y director personal, el 30 de abril de 1966.
En este tiempo, Celia Cruz había adoptado la nacionalidad estadounidense. Ese
mismo año, Tito Puente la
llamó para trabajar junto con su orquesta.
En 1966,
Celia y Tito Puente iniciaron una asociación que editó cinco álbumes musicales.
También grabó álbumes con la Orquesta de Memo Salamanca, Juan
Bruno Tarraza y una placa discográfica con Lino Frías,
todos ellos bajo TICO Records. Estos álbumes no alcanzaron tanto éxito como se
esperaba, pero uno que otro número sí tuvo amplia difusión, como es el caso
de Bemba Colorá. Sin embargo, después de ello, Cruz se unió a Vaya
Records. Un cambio musical la hizo ingresar a la salsa. En 1973,
se alió con el pianista y artista exclusivo del sello disquero FANIA, Larry Harlow y encabezó un concierto
de música afrocubana en
el Carnegie Hall de
Nueva York. Allí Celia Cruz interpretó Gracia Divina, su primera
canción de salsa y la puerta a este nuevo ritmo. El álbum resultante de este
encuentro fue producido por el ya desaparecido Jerry Masucci y quien es considerado uno
de los creadores del género salsa junto
al músico dominicano Johnny Pacheco.
Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el
Yankee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por
líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania.
Durante los 80, Celia Cruz grabó y realizó varias giras en
Latinoamérica, presentándose en múltiples conciertos y programas de televisión
donde quiera que iba, cantando tanto con estrellas jóvenes como de su propia
época.
En 1982 se reencontró con la
Sonora Matancera, y grabó el disco Feliz Encuentro. Ese mismo año
también se le rindió un homenaje en el Madison Square Garden,
y la acompañaron todos aquéllos que la respaldaron en su carrera artística y
también artistas invitados.
En 1984 conoce al presentador
chileno Mario Kreutzberger (conocido como Don Francisco), quien la invita a
actuar en su programa Sábado Gigante que animaba en Chile y
años más tarde en Estados Unidos.
En 1987, Celia hizo un
concierto en Santa Cruz de
Tenerife. Ese concierto fue reconocido por la editora del Libro Guinness de
Récords como el más grande al aire libre, el cual récord se
mantiene en la actualidad. En la Plaza
de España de Santa Cruz acudieron 250.000 personas (bailando la
misma canción), junto a la orquesta venezolana del maestro Luis María Frómeta ("Billo"), la
Billo's Caracas Boys. Esta fue su única presentación con esta orquesta, a pesar
de su vieja amistad con el maestro Billo. Viaja a Venezuela para participar por
primera vez en el "Miss Venezuela", llevado a cabo en el majestuoso
Teatro Municipal de Caracas.
En 1988 participó en la
canción: "Vasos Vacíos" con los Fabulosos Cadillacs.
En 1989 ganó su primer Premio Grammy por el disco que grabó con
Ray Barretto, y también fue invitada para celebrar los 65 años de la Sonora
Matancera en el Central Park de
Nueva York, compartiendo escenario con sus antiguos compañeros como Nelson
Pinedo, Daniel Santos, Carlos Argentino, Vicente "Vicentico" Valdés y
Bobby Capó.
En 1991,
el 2 de febrero, Venezuela la homenajea con la firma del libro de la casa del
artista, donde Celia impuso su firma y huellas, dejando un bello mensaje de
agradecimiento a Venezuela por su cariño y afecto. En dicho libro se encuentran
las firmas de los más reconocidos artistas en Venezuela.
En 1992 participó
con los actores Armand Assante y Antonio Banderas en la película Los
Reyes del Mambo ("Mambo Kings"). También participó en el
homenaje discográfico que se le rindió a la cantante y actriz española Lola Flores, grabando a dúo con ella su ya
famoso tema Burundanga; participa por segunda vez en "Miss
Venezuela", compartiendo escenario con su amigo, El Sonero del Mundo,
Oscar D'León.
En 1993,
bajo el sello discográfico del empresario Ralph Mercado (RMM Records), grabó su
disco Azúcar Negra. En ese mismo año, se estrena como actriz de
televisión con la telenovela mexicana Valentina,
junto a Verónica Castro.
En 1994, Willy Chirino le produce el disco Irrepetible,
donde canta a dúo con ella el tema Caballero y Dama. En este álbum
se encuentran temas destacados como La Guagua, Mario Agüe de Pedro Luis Ferrer y Limón y Menta de
la compositora Concha Valdés Miranda.
En 1990 logra
viajar a Guantánamo (Cuba),
para dar un concierto. Cuando salió de esta presentación se llevó en una bolsa
unos gramos de tierra de Cuba, la misma que pidió que fuera colocada en su
ataúd cuando muriera.
En 1997 acepta
un nuevo reto en su carrera al protagonizar para la red televisiva
mexicana Televisa, la telenovela dramática El alma no tiene
color, un remake de la clásica película
mexicana Angelitos Negros. Celia interpreta el
papel de una mujer negra que da a luz a una hija blanca, personaje que en su
momento interpretó la legendaria Rita Montaner. El 25 de octubre de ese año la ciudad
de San Francisco declara
oficialmente esa fecha como el Día de Celia Cruz.
En 1998 lanzó
su disco Mi vida es cantar, del cual sale uno de los temas que la
identificó desde entonces, La Vida es un Carnaval. Además participó
en el Teletón organizado en Chile por el presentador
Don Francisco, y en La Gran Noche de Raphael,
en España. Viajó a Venezuela para participar en
la fiesta del 40 aniversario de la orquesta venezolana "Los
Melódicos", y la vida artística de su director Renato Capriles. En esa
festividad compartió escenario con artistas de la talla de Oscar D'Leon y Andy
Montañez, entre otros.
Otro hito destacable en su
carrera ocurrió en 1999, cuando fue invitada por
el tenor italiano Luciano Pavarotti para
participar en Módena (Italia) en el
concierto Pavarotti and Friends. También ese mismo año firmó un
nuevo contrato con la empresa transnacional Sony Music para la cual realizaría sus
últimas grabaciones.
En el 2000 es
invitada al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile donde
se presenta con gran éxito y gracias a su simpatía y excelente calidad vocal es
escogida por los periodistas que cubren el evento como la Reina
del Festival de Viña del Mar. El mismo año es nominada al Grammy y
lo gana por su álbum Celia and Friends, sin pensar que ese mismo
año Tito Puente, fallecería mientras era
intervenido quirúrgicamente.
En el 2001 gana
el Grammy nuevamente por su disco "Siempre Viviré". Viaja a
Venezuela para promocionar su disco "Siempre Viviré",
realizando una amplia gira por todo el país sudamericano.
En el 2002,
grabó un nuevo álbum, La Negra
Tiene Tumbao, en el cual Johnny Pacheco fue uno de los productores
y en el que incursiona en las variantes modernas de los ritmos caribeños,
influidos por el rap y el hip hop.Como lo organizaron en el año 2001,
ella viajó a Venezuela para celebrar sus 55 años de vida artística, con una
bella presentación en el canal 4, Venevisión. Firmó el libro de La Casa del
Artista, como ya lo había hecho en el año 1991 en otro homenaje, y 25 años
después lo volvió a firmar para conmemorar su 55 años en la música. Se ofreció
un gran concierto en el Teatro Teresa Carreño, llamado "Celia, 55 años de
música". Esa fue su última presentación en Venezuela. Al momento de
finalizar el concierto se le notó un poco triste y dijo que cuando ella estaba
en Venezuela se sentía como en su patria y acotó que siempre llevaría a
Venezuela en su corazón. Esa fue su manera de despedirse de Caracas.
Durante una presentación en
México, sufre un percance de salud. A raíz de esto, se descubre que padece de
cáncer en el cerebro (un glioma, tumor cerebral muy
agresivo), sometiéndose a una operación para extirparlo a finales de ese año,
para luego intentar retomar su carrera artística. Grabó un disco, su último,
titulado Regalo del Alma. En el 2002,
y a pesar de su enfermedad (puesto que el tumor había vuelto a crecer), se
presentó en los Premios Grammy Latinos, donde fue ganadora del premio, y
participó en el musical cantando por primera vez en vivo "La negra tiene
tumbao".7 En marzo de 2003, su último año de
vida, le fue ofrecido un homenaje por parte de la cadena hispana
estadounidense Telemundo, en el que
participaron figuras como Gloria Estefan, Marc Anthony, La India, Gloria Gaynor, Patti LaBelle y otros más.
La tarde del 16 de julio de 2003,
falleció en su casa de Fort Lee (Nueva Jersey) a la edad de 77 años.8 Por deseo expreso de ella, sus restos
mortales fueron primero trasladados a Miami durante dos días para recibir el
homenaje de sus admiradores del exilio cubano,9 regresando y reposando finalmente en
el Cementerio Woodlawn del Bronx (Nueva York).10
En febrero de 2004 su
último álbum, publicado después de su muerte, ganó un Premios Lo Nuestro como
mejor álbum de salsa del año.
Al año siguiente fue publicada
una biografía titulada Celia: Mi vida, basada en más de 500 horas
de entrevistas con la periodista mexicana Ana
Cristina Reymundo. Se planeó llevar al cine la historia de su vida y
la actriz estadounidense Whoopi Goldberg, admiradora de la cantante,
manifestó su interés en representarla, pero el proyecto fue rechazado en el
2005.
A lo largo de una carrera de
más de 50 años en los escenarios, cosechó multitud de éxitos, premios y
reconocimientos. Es poseedora de una estrella en el Paseo de La Fama en
Hollywood y en Caracas, cinco premios Grammy, doctorados Honoris Causa de
tres universidades de Estados Unidos, así como haber recibido en 1994 el
premio National Endowment for the Arts, de manos del entonces
presidente Bill Clinton, que
constituye el más alto reconocimiento que otorga el gobierno de los Estados
Unidos a un artista. Multitud de discos de oro y platino, una carrera donde
grabó más de 80 discos, y fue acompañada por los más grandes cantantes de su
tiempo, incluidos muchos de habla no hispana, son muestra del enorme
reconocimiento internacional que recibió Celia Cruz, que justamente fue
llamada La Reina de la Salsa.
En 2015, fue realizada la
telenovela Celia,
de RCN Televisión y Telemundo, que está basada en su vida. Las
encargadas de interpretarla fueron Jeimy Osorio y Aymée
Nuviola, en sus etapas de joven y adulta, respectivamente. Y contó
con la voz de Patty
Padilla quien interpreto las canciones de la serie por su gran
parecido a la voz de la cantante.
Nace Alvaro
Villalba, integrante del Dueto musical colombiano "Silva y
Villalba".
Alvaro Villalba a la derecha
A Silva le gustaba cantar rancheras; a Villalba,
música llanera.
Así recuerda Rodrigo Silva la noche en que se
conoció con su compañero de dueto: “Era 1967, estábamos en la heladería El
Dorado, en El Espinal (Tolima). Álvaro estaba con sus amigos y yo con los míos,
y alguien propuso que uniéramos las mesas”. Toda la noche cantaron y bebieron
hasta la saciedad.
Álvaro Villalba recuerda que en ese momento
el periodista Luis H. Rivas Rojas les dijo: “A ustedes hay que presentarlos en
el concurso La Orquídea de Plata Phillips, en Bogotá”.
En aquella época Álvaro tenía un dueto que se
llamaba Guzmán y Villalba, y Rodrigo otro que se denominaba Silva y Falcini.
Pero decidieron acabar con los grupos y dedicarse a su nuevo dueto que haría
historia. Un año más tarde se presentaron a La Orquídea de Plata, el máximo
evento nacional de la canción. “Pero no nos dejaron ganar porque había una
rosca muy grande”, acota Villalba.
En 1969 el dueto grabó Viejo Tolima, su
primer disco. Seis canciones de Jorge Villamil, entre ellas Oropel, una de José
A. Morales y otras tres del propio Silva.
Garzón y Collazos también habían interpretado
Oropel, pero en las voces de Silva y Villalba fue un éxito nacional. “Yo nunca
creí en Oropel, pero ya ve lo que es hoy esta canción”, dice Villalba.
En el emocionado homenaje que se les rindió
el sábado en el teatro Colsubsidio, en Bogotá, 47 años después, un auditorio
enamorado de su música cantó en coro: “Amigo, cuánto tienes, cuánto vales;/
principio de la actual filosofía;/ amigo, no arriesgues la partida,/ tomemos
este trago, brindemos por la vida,/ brindemos por la vida pues todo es Oropel”,
algo que en sus inicios no estaba ni en el mejor de sus sueños.
Los acompañó la Orquesta de Cuerdas Serenata
Colombiana, agrupación juvenil que dirige María José Villamil.
“El maestro Villamil fue el primero en
apoyarnos. Además de dejarnos grabar sus temas, nos presentó el dueño de los
estudios Ingesón-Tech. H. Sánchez y ahí nació todo”, recuerda Rodrigo Silva.
En 1969 hacer publicidad de un disco que solo
conocían Villamil, Silva, y Villalba era difícil, pero estos se ingeniaron una
estrategia. “Estuvimos en cuanto concurso había, y lo más increíble de todo es
que nos llegaban telegramas de todo el país, y cuando Viejo Tolima salió a la
venta recibimos Disco de Oro y Platino”, cuenta Villalba. Vendieron más de cien
mil copias.
Bambuco con bajo
Para entonces, Garzón y Collazos, los grandes
representantes de este mismo género musical, llevaban 31 años de carrera.
“Tuvimos una relación maravillosa con ellos, tanto así que hicimos varios
discos y muchas presentaciones a su lado”, anota Villalba.
Pero Silva y Villalba quisieron imprimir a su
música un estilo que no fuera similar al de los maestros. “Cambiamos el sonido
de la guitarra y el tiple. Quisimos que ya no fuera ‘tinguis tiringuis
tinguis’, sino que le agregamos otros sonidos, manifiesta Silva.
“Y buscamos hacer show, pues antes los duetos
no hablaban con el público y estaban todo el tiempo de pie. Nosotros teníamos
la ventaja de que Rodrigo era bastante carismático y hacía reír a la gente con
sus chistes, cosa que yo nunca tuve porque siempre fui muy parco”, dice Álvaro
Villalba, mientras su esposa Cecilia le arregla el nudo de la corbata.
Silva agrega: “Y no se te olvide que nosotros le pusimos el bajo, ningún dueto
lo tenía en ese momento”.
La idea era darle profundidad al sonido que
ellos estaban creando. Aquel bajista era Carlos Peñuela, con quien grabaron
Pescador, lucero y río, Tolima Grande, Al Sur, Soñar contigo, Llano Grande, El
caracolí, Adiós morena, Oropel, El canalete y Viejo Tolima, entre decenas de
canciones que ellos cantan aún emocionados: “Cómo añoro y recuerdo al viejo
Tolima,/ cómo con mi morena podía vivir/ hasta que en una tarde de crudo
invierno/ tuve que con mi negra salir de allí”.
Letras que en sus voces cobrarían importancia con el tiempo. Quizás la más
famosa, El Barcino, de Jorge Villamil, empezó a tener tanta popularidad, que
cada vez que llegaban a alguna ciudad, las personas antes de saludarlos
soltaban el mugido del torito mmmmm. Y ellos respondían “ole, ole”.
Tiempo después aparecería una de las
canciones más queridas, el bambuco Soy colombiano, de Rafael Godoy.
“La cantamos por primera vez en Nueva York;
había por lo menos 10.000 colombianos aplaudiendo y tomando aguardientico
–narra Villalba–. Cuando llegamos a Colombia fue impresionante ver como en cada
escenario gritaban ‘soy colombiano, soy colombiano’, y brindaban con
aguardiente. ‘A mí deme un aguardiente,/ un aguardiente de caña/ de las cañas
de mis valles/ del anís de mis montañas…’ ”.
Entre más de quinientas canciones y cuarenta
“hijos”, como les dice el maestro Silva a sus discos, para el dueto es difícil
pensar en alguna más importante que la otra. Los colombianos, en sus 47 años de
carrera, no olvidan las estrofas de Las acacias, de Espumas, Campesina santandereana,
Pueblito viejo, Reclamo a Dios, Yo también tuve veinte años, Cenizas al viento,
entre tantas otras.
Lloran los guaduales
Pero la vida de uno de los duetos más
exitosos de la música andina colombiana no fue siempre de alegría.
Al cabo de veinte años de estar en los escenarios, una noche de copas casi le
cambia el rumbo. “Al terminar un concierto nos fuimos de fiesta, como tantas
veces. Nos encantaba el aguardiente, y por esas cosas del trago terminé
peleando con Villalba; pega duro”, cuenta el maestro Rodrigo.
Aquel altercado hizo que se separaran durante
seis meses. En ese lapso se presentaban con otros acompañantes, pero nunca se
sintieron cómodos con ellos.
“Eso no fue nada. Yo me puse a pensar, y en
últimas fueron unas vacaciones”, celebra Villalba.
Silva lo abraza y dice, “yo tuve ocho
matrimonios y de Villalba solo me separé una vez”.
Dicen que hasta el obispo de Ibagué intervino
para que volvieran. “Como si fuéramos un par de novios”, agrega Rodrigo.
De aquella pelea le quedó a Villalba una alegría inmensa, pues mientras andaba
en busca de un abogado para enfrentar a Rodrigo Silva, conoció a Cecilia, la
mujer que pocos meses después se convertiría en su segunda esposa, y con la que
tuvo dos hijos.
“Cuando mi mamá se dio cuenta de que salía
con Álvaro, me pegó; ella era de esas mujeres bravas y sobreprotectoras”,
cuenta ella. Pese a todo, logró llevarla hasta el altar, y luego de ello
regresó con Silva.
Vendrían años más duros. En 1999, a Rodrigo
Silva le diagnosticaron cáncer de boca. “Me hicieron una cirugía que duró 23
horas y después me hicieron seis refacciones más –relata con humor–. Aunque me
sirvió bastante porque quedé con un acento francés”, dice, acerca de su
dificultad de pronunciación con las “erres”.
Por esos días denunció que el Instituto del
Seguro Social no lo quería atender porque, presuntamente, Sayco lo había sacado
de la lista de afiliados. A causa de ese episodio de salud tuvo que vender su
fábrica de confecciones. Artistas amigos dieron conciertos para recaudar
fondos, hasta que en el 2004 fue atendido de nuevo por el Seguro.
Más tarde, Rodrigo se enteró de que Villalba, el guitarrista, sufrió una
isquemia cerebral transitoria que le hizo perder la coordinación en sus dedos y
volver sus pasos cada vez más lentos.
Hoy permanece poco tiempo de pie y habla
mucho menos que su colega. “Ya me estoy recuperando, ya no punteo pero todavía
toco la guitarra”, dice.
‘Olvidar para poder vivir’
Como dice Llamarada, el vals de Jorge
Villamil que Silva y Villalba convirtió en un éxito de la época, este dueto
necesita olvidar para poder vivir, pues luego de casi cinco décadas en los
escenarios, y con setenta años cada uno, se retiran con un sinsabor.
“Si alguien nos quiere rendir un homenaje de
verdad, nos deberían entregar una pensión, pues luego de tanto tiempo de
labores no la tenemos”, se queja Silva.
Villalba ataca: “Muchos políticos nos han
dicho que van a intentar por algún lado, pero nadie cumple", dice Álvaro.
Rodrigo refuerza: “Quieren perdonar a tantos que nos han hecho daño y a nosotros,
que sí le dejamos algo a la cultura, nos abandona el Estado”.
‘Me llevarás en ti’
El concierto de despedida de los escenarios
fue tremendo. Comenzó “al sur, al sur, al sur/ del cerro del Pacandé/ esta la
tierra bonita/ la tierra del Huila / que me vio nacer”, que los asistentes
cantaron de pie.
Silva, con el humor que lo caracteriza,
invitó: “Tienen que cantar todos, porque bien cara que está la boleta”. El
público empezó a pedir canciones a gritos, “¡maestro, Viejo Tolima!”, otro
exigió ¡Pueblito viejo!.
La noche fue majestuosa, nostálgica y, por
qué no, alegre. Cuando se escuchó El Barcino, el estruendoso aplauso hizo que
Villalba, tan parco como es, se pusiera de pie y dijera: “Gracias, gracias,
esto es lo que queríamos”. En adelante, no dijo nada más, solo cantó.
Más adelante, Silva le dijo a la gente:
“Cenizas al viento hoy se nos olvidó. Ustedes tendrán que interpretarlo”.
Todos cantaron y lloraron: “Yo me voy hasta el monte mañana / yo me voy a
cortar leña verde/ para hacer una hoguera y en ella/ y en ella echar a quemar
tu cariño”.
Villalba se puso de pie por única vez en la
noche. Silva le quitó la nostalgia al momento, cuando dijo:
“Nosotros nos retiramos y ustedes nos dedican cenizas al viento”.
El concierto duró en total una hora y media.
Cuando parecía que todo había terminado y el público gritaba “¡otra, otra,
otra!”, Rodrigo Silva dijo:
“Les voy a contar un secreto: ya nosotros
qué. Siempre un artista antes de terminar el concierto le dice a la gente hasta
luego, y es para que le digan otra, otra, otra. Si el público no lo hace,
preocúpese, hermano”.
Tenían listo El Barcino para cantarlo de
nuevo y cerrar el espectáculo.
Cuando todo acabó, como si fueran un par de
estrellas de rock, dejaron que el público cantara, con algo de tristeza, en un
coro que no era precisamente celestial: “A mí deme un aguardiente/ un
aguardiente de caña/ de las cañas de mis valles/ del anís de mis montañas…”.
En ese momento, que todos sabíamos que era
histórico, los maestros miraron al público.
Álvaro Villalba nos dio la bendición.
Rodrigo Silva solo atinó a decir: “Gracias”.
Se quedó en silencio algunos segundos y
agregó:
“Adiós Colombia”.
Y se retiraron. Sus seguidores siguieron
cantando sus letras, incluso hasta cuando la estampa de los dos ya no se veía
en el escenario.
En televisión, marcó su vida el encontrarse con su hermana Leydi Hito en la forma de hacer comedia en México, ya que, por medio de un estilo espontáneo, caracterizado por el humor negro, se dedicó a hacer denuncia social, y escapó a las normas de censura establecidas en su época. Con programas como ¿Qué nos pasa? y Verdá o fixión, logró crear un sinnúmero de personajes populares que reflejaban el día a día de la idiosincrasia mexicana. Personajes caricaturescos como Flanagan, con su clásico estribillo ¡queremos rooock!, Doña Zoyla, la madre dominante y manipuladora; El no hay, un dependiente de tienda que nunca atendía bien; El Burócrata, el típico empleado público que pone más obstáculos que soluciones, etc. Meseros, choferes, vendedores, porteros de condominios y otros más formaron parte de su variado repertorio.
Tales contenidos de sátira política y crítica social llevaron a que Suárez fuera amonestado en distintas ocasiones incluso por el entonces presidente Miguel de la Madrid2 y que saliera en distintas ocasiones de las empresas Televisa. La primera ocurrió tras un sketch de Jesús Martínez "Palillo"3 en el programa Mala noche…¡no! con Verónica Castro. Suárez fue despedido y sería acusado de insultar al presidente por lo que acudió directamente con Carlos Salinas, quien afirmó que no habían sido órdenes suyas y por el contrario, le ofrecía un nuevo espacio. Suárez se dirigió hacia Imevisión, televisora aún pública en donde comenzó el programa de sketches cómicos, La cosa4 resultando un éxito. Suárez saldría de la televisora ya como TV Azteca por desacuerdos económicos con el empresario Ricardo Salinas Pliego.2 Suárez realizó un viaje a Miami y pediría a Juan Carlos Méndez, su alumno y pareja artística que no entregara los materiales filmados de La cosa al no tener un acuerdo con Salinas Pliego. A su vuelta Méndez había entregado los materiales por lo que acusó jurídicamente a dicha televisora, afirmando que tras su salida de La cosa, la televisora haría un programa idéntico al suyo llamado Puro loco,5 mismo que protagonizaría Juan Carlos Méndez.6 Suárez volvería a Televisa en 1998 para hacer una segunda temporada de ¿Qué nos pasa?, misma que concluyó según Suárez por una nueva acción de censura de Emilio Azcárraga Jean en 1999.2 En 2011 tendría un nuevo desencuentro con Televisa por el programa Iniciativa México.7
El 19 de mayo de 2013, se le hizo un homenaje del Roast Comedy Central, y fue el primer personaje de Latinoamérica en ser "rostizado" en este programa.[cita requerida]
En mayo de 2017 denunció estar recibiendo desde enero amenazas de muerte a él y a su familia por criticar y hacer sátira política sobre el entonces presidente Enrique Peña Nieto en un sketch en donde le pide, “de la manera más atenta”, que renuncie. La denuncia fue realizada en una entrevista con Carmen Aristegui Flores en la que narró diversos actos de intimidación sufridos. También lo denunció a la Procuraduría General de la República (PGR).89
Héctor Suárez Hernández falleció a los 81 años el 2 de junio del 2020.1 Su hijo Héctor Suárez Gomís confirmó el deceso vía Twitter en horas de la mañana de ese día.10
Estudiante
en la DePaul University, conoció a Danny
Seraphine y Walter
Parazaider, quienes le animaron a unirse a la banda de rock que
ambos habían formado, llamada "The Big Thing". A raíz de una jam
session en la universidad(febrero de 1967), en la que también participó
el trombonistaJames
Pankow, se incorporó al grupo, que sería el núcleo de Chicago. Permanecerá
con ellos hasta la actualidad.
En 1987 publicó una novela
semiautobiográfica titulada Postales desde el filo llevada al
cine tres años más tarde por el director Mike Nichols con título homónimo e
interpretada por Meryl Streep en
el papel de Carrie y Shirley MacLaine en el de su madre, Debbie Reynolds.
Hija del cantante Eddie Fisher y de la actriz Debbie Reynolds. Tenía un hermano menor, el
actor Todd Fisher, y sus abuelos paternos fueron inmigrantes judíos procedentes de Rusia;4 por parte materna, sus ancestros
procedían de Inglaterra e Irlanda, de religión evangélica.5
Apareció en algunas
producciones con su madre antes de empezar su primer trabajo de cine, cuando
interpretó a la seductora joven de Warren Beatty en Shampoo (1975),
de Hal Ashby.
Después de estos éxitos luchó
contra la dependencia de las drogas y el alcohol y vivió un breve matrimonio con
el cantante Paul Simon.
Su carrera cinematográfica se
resintió considerablemente lo que se reflejaría en la poca calidad de las
películas que interpretaba, como Under the Rainbow (1981)
y Hollywood Vice Squad (1986), exceptuando a la ganadora de
tres premios Óscar de
1986 Hannah y sus hermanas.
A partir de entonces trabajó como actriz secundaria, en comedias tales
como When Harry Met
Sally... (1989), Sibling Rivalry (1990) y Soapdish (1991).
Ejerció también de escritora, publicando en 1987 la novela
semiautobiográfica Postales desde el
filo. En 1990 el director Mike Nichols le encargó el guion para la adaptación
al cine de su libro, con Meryl Streep en el papel de Carrie
y Shirley MacLaine en
el papel de su madre en una época de su vida. Fisher siguió escribiendo y
publicó otras novelas como Surrender the Pink y Delusions
of Grandma. En 2001 se llevó a la pantalla otro guion suyo: fue el
telefilme These Old Broads,
con un cuarteto protagonista de lujo formado por su madre Debbie Reynolds, su antigua enemigaElizabeth Taylor, Shirley MacLaine y Joan Collins.
Fisher contó públicamente los
problemas que había tenido con las drogas, su batalla con el trastorno bipolar y la adicción a
los antidepresivos en
el programa 20/20 del
canal de televisión de la ABC.
En septiembre de 2009 publicó
una biografía llamada Wishful Drinking, donde narra sus
experiencias en clave de humor, riéndose de su tendencia al alcoholismo y sus
fracasos sentimentales.6
En una de sus entrevistas más
reveladoras en octubre de 2010, mientras se encontraba en Sídney, Australia, confesó su fuerte adicción a
la cocaína durante el rodaje de Star
Wars: El Imperio contraataca (1980) y que sobrevivió a una sobredosis.
«Poco a poco me di cuenta de que estaba usando las drogas un poco más que otras
personas y que estaba perdiendo mi control sobre ellas. (...) Le di tanto a la
cocaína en Star Wars que incluso John Belushi me dijo que tenía un problema».78
El 23 de diciembre de 2016,
sufrió un infarto masivo mientras se encontraba en
un vuelo que la trasladaba de Londres a Los Ángeles, aplicándose inmediatamente
medidas de reanimación. Fue trasladada a un centro médico de la ciudad en grave
estado. La popular actriz estadounidense se encontraba realizando la gira de
promoción de su nuevo libro, La princesa diarista.9
Al día siguiente, 28 de diciembre de 2016,
su madre, la también actriz Debbie Reynolds, mientras preparaba las honras
fúnebres de su hija, falleció de un accidente cerebrovascular fulminante.
Tras ambos
fallecimientos, Todd Fisher,
hermano de Carrie, subastó 1.500 recuerdos personales,13 entre los que se encuentran la casa
en la que vivieron juntas, una figura de acción de
la princesa Leia, la silla que utilizó en el rodaje de Star Wars,
etc.14 Los beneficios obtenidos pararán en
las organizaciones
benéficasThe Thalians (fundada
por Debbie Reynolds) y The
Jed Fundation, que previene el suicidio de los jóvenes, elegida por
Billie Lourd.15
Nace Steve Lukather, guitarrista estadounidense, de la
banda Toto.
«Africa»
es una canción interpretada por el grupo de rock Toto. La canción fue
lanzada en su álbum Toto IV. También fue publicada como sencillo, alcanzando la
primera posición en el Billboard
Hot 100 en febrero de 1983 y la posición 3 en la UK
Singles Chart en ese mismo mes.1
La canción fue escrita por el teclistaDavid
Paich y el baterista Jeff
Porcaro. Paich cantó los versos de la canción, acompañado por Bobby
Kimball y Steve Lukather en el coro.
Nace Julio Médem, director de cine y guionista español.
Julio Medem Lafont (San Sebastián, País Vasco, 21 de octubre de 1958)
es un director, guionista y productor de cine español. Su cine destaca por el
punto de vista que adoptan los personajes ante un suceso inesperado.
Nació en el seno de una
familia burguesa el 21 de octubre de 1958 en San Sebastián. Las raíces de Medem tienen
diferentes orígenes: su padre, Julio Medem Sanjuán, es hijo de un alemán y de
una valenciana, y su madre, Margarita Lafont Mendizábal, de un francés y de una
vasca.
…Su afición por el cine
nació gracias a una cámara súper 8 con la que su padre, un virtuoso cineasta
amateur, rodaba la vida de la familia. Por las noches, clandestinamente, Julio
cogía la cámara para experimentar junto a su hermana Ana. Poco a poco y mediante
el montaje de esos fotogramas el futuro director comenzó a descubrir la
poderosa fascinación que es manejar el espacio y el tiempo, el atractivo que es
crear una ficción de la nada con una modesta cámara de súper 8 y una pequeña
moviola.
A pesar de la aspiración
por ser psiquiatra, desde pequeño fue un aficionado al cine y con su hermana
Ana jugaban a hacer películas con la cámara en súper-8 de la familia. Sus
primeros cortometrajes fueron: El ciego (1974), El
jueves pasado (1977) y Fideos (1979) y más tarde,
realiza otros cortometrajes del mismo formato durante su carrera, Si yo
fuera poeta… (1981), Teatro en Soria (1982).
Al mismo tiempo, empieza
a colaborar en las revistas Cinema 2002, Casablanca y
en el periódico La voz de Euskadirealizando críticas
cinematográficas.
En 1979 vuelve a San
Sebastián para estudiar el segundo ciclo de medicina. Tres años más tarde
termina la carrera, licenciándose en Medicina y Cirugía General por la
Universidad del País Vasco. Más tarde realiza sus primeros cortometrajes en 35
mm. Patas en la cabeza (1985), producida por Luis Campoy y el
propio Medem, consigue ganar el Premio de Cine Vasco y el Certamen
Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao. En este último
concurso, pero un año más tarde, gana el Premio Telenorte con su galardonado
cortometraje Las seis en punta (1987).
Desde ese año, Medem
empieza a trabajar como colaborador de la Crónica de la segunda guerra
carlista, producido por José María Tuduri, y en La espalda del
cielo, cortometraje de Germán
Beltrán. Realiza a la vez, el mediometraje Martín (1988)
producido por Elías Querejeta y
el documental El Diario Vasco. En una época de aislamiento y crisis
económica de la familia de Medem, trabaja como montador en otro corto
titulado El puente, dirigido por Koldo
Eizagirre en 1990.
Tras esta serie de
cortometrajes escribe el guion del largometraje Vacas y
busca subvenciones públicas en Euskadi sin éxito, por lo que se va a
Madrid donde consiguió financiación a través del Ministerio de Cultura mediante
el Sistema de ayuda a la creación de guiones. A partir de ahí trata
de encontrar productora, con nulo resultado. Al final, Fernando Garcillán, a
través de Sogetel, aceptó. Este primer largometraje de Medem, rodado en
Elizondo en 1992, obtuvo el Goya a la Mejor Dirección Novel, además
de diversos galardones en los festivales de Tokio, Turín, Alejandría, Londres, Montreal.1
A finales de mayo de
1992, se embarca en su segundo proyecto, La ardilla roja, guion que había escrito
durante los dos años difíciles que precedieron el rodaje de Vacas. De
nuevo consigue ayuda para la financiación gracias al Ministerio de Cultura y a
Fernando Garcillán. Se estrena el 21 de abril de 1993. Una comedia de misterio
en la que el amor y el sexo jugarán un papel importante y que obtuvo el Premio
de la Juventud en el Festival de Cannes.
El recorrido internacional de la película es imparable. Recomendado por Stanley Kubrick, recibió la propuesta de Steven Spielberg para dirigir El
Zorro, pero finalmente la trayectoria y coherencia que quería seguir
llevaron a Julio Medem a rechazar la oferta.
Poco antes del estreno de La
ardilla roja nace su segunda hija, Alicia, afectada de síndrome de Down,
hecho que será clave para la vida de Medem. Además la productora que creará
cuatro años después, en 1997, llevará su nombre (Alicia Produce).
En 1994 rueda el
videoclip de Antonio VegaOcéano
de sol. En febrero de 1995 (tras varios retrasos mientras se esperaba
a Antonio Banderas,
que finalmente no interpretó al protagonista, Ángel), se empezará a rodar el
guion de Tierra, que no se estrenará hasta 1996. Se presentó ese
mismo año en Cannes, donde fue recibida con una larguísima ovación del público
en el pase oficial. Es aquí donde Medem concoce a la que será su segunda
esposa, Montse Sanz, que fue ayudante de decoración en Tierra y,
a partir de entonces, firmará la dirección artística de sus películas. En esa
época, Medem se muda a Madrid.
Comienza la siguiente
etapa con Los amantes
del Círculo Polar (1998), su cuarto largometraje, que le
brindó el reconocimiento del público y le consolidó como uno de los grandes
valores de la cinematografía española. Además se proyectó con gran éxito en el
Festival de Venecia. El trágico final de esta historia de amor le perseguía en
sus pensamientos, así que en el siguiente guion quiso recuperar a la Ana que
moría al final de este filme y darle vida en otra historia. Así encontró al
personaje de Lucía.
Surge el proyecto
de Lucía y el sexo (2001) con Paz Vega de protagonista. Esta película,
rodada entre Madrid y la isla de Formentera y que inauguró un sistema de
rodaje en alta definición, el HDCAM, que jamás se había utilizado para un
largometraje en Europa,2 obtuvo un gran éxito en la taquilla
española —cuarto lugar en 2001—, acompañado de un merecido reconocimiento a
nivel internacional.
En 2003, Medem estrena
su documental sobre el conflicto vasco que titulará La
pelota vasca, la piel contra la piedra. Es la primera película
producida completamente por Alicia Produce. Presentado en el Festival
de Cine de San Sebastián en el apartado Especiales de
Zabaltegi, el filme generó una gran polémica, entre otras cosas, porque dos de
los entrevistados pidieron retirar del filme sus testimonios.3 En este documental el conflicto vasco
es analizado y comentado por setenta personas ante la cámara de Medem en
típicos espacios de la geografía de Euskadi: frontones, acantilados, playas,
montes de caseríos. Desde esta polifonía de voces Julio Medem compone un complejo
tejido de opiniones y momentos históricos concebido desde un doble compromiso
ético: la oposición a la violencia y la invitación a un diálogo político. Hay
que destacar que es el documental más visto de la historia del cine español en
salas comerciales, con más de 377000 espectadores.
¡Hay motivo!, producida en 2004, es
la obra colectiva de 32 cortometrajes realizados por otros tantos directores y
gente de cine. Una crítica sobre varios aspectos de la realidad española del
momento, incidiendo en la política del gobierno de José María Aznar.
Tuvo escasa repercusión en salas, pero cierto éxito en internet.
Entre tanto, Medem
recibe dos reconocimientos más a su filmografía, uno en el marco del II
Festival Internacional de Cine de Acapulco (México) y, por otro lado, el Instituto de Cine
de Noruega le homenajeará con un ciclo.
En 2007 se estrena Caótica Ana, película inspirada en su
hermana, que falleció en 2001 en un accidente de tráfico cuando se dirigía a
inaugurar una exposición en Cariñena. Toma una vertiente más misteriosa dejando
de lado el tono de comedia del principio. Además de a su hermana, está dedicada
a su hija Alicia, con quien había realizado un breve cortometraje, En
las ramas de Ana, para el proyecto medioambiental Natura Movies dentro del
Notodofilm Festival.
La película, en la que
invirtió mucho dinero propio y que le dejó en una situación económica difícil,
no consiguió tener la cantidad de público a la que él aspiraba: "Tuvo
200.000 espectadores, una cifra por encima de la media de un filme español, pero
estaba destinada por muchas razones a llegar a mucho más público", dijo en
su momento.4
Asumido el
"fracaso" de su filme, quizás el más personal, tras largos meses en
los que se encerró a escribir (y después de una sincera confesión pública en el
diario El País),4 regresó en enero de 2009 con su
octavo largometraje, el séptimo de ficción, Room in Rome (Habitación
en Roma), su primera historia rodada íntegramente en inglés y con una
sencilla producción.
Con su productora Alicia
Produce participa en el filme Yo, también (2009), elogiado en el
Festival de San Sebastián y premiado con las Conchas de Plata a la Mejor Actriz
(Lola Dueñas) y Mejor Actor (Pablo Pineda).
Aspasia,
amante de Atenas es su primera novela. Publicada en
marzo de 2012 por Espasa, esta obra nació ante la imposibilidad de transformar
en película un guion sobre Pericles y su época.5
En mayo de 2014 comenzó
el rodaje de su último largometraje, titulado Ma ma y
protagonizado por Penélope Cruz, Luis Tosar y Asier Etxeandia. La película se estrenó el 11
de septiembre de 2015.6
*********
1980:
Nace Kim Kardashian, actriz y modelo
estadounidense, del Reality-Show, Keeping Up with the Kardashians.
Kimberly Noel Kardashian West,
conocida como Kim Kardashian (Los Ángeles, 21 de octubre de 1980),
es una empresaria y
estrella estadounidense de reality show en E!Keeping Up
with the Kardashians. Su prominencia ha aumentado a partir de
enero de 2011 con el estreno de Kourtney and
Kim Take New York, que comparte con su hermana Kourtney Kardashian,
mientras dejan Los Ángeles para abrir su tercera tienda DASH en Nueva York. En 2010, fue una de las famosas
con más ganancias, estimadas en $6 millones de US$. Ha lanzado múltiples
fragancias y accesorios, ha sido estrella invitada en destacados programas de
televisión (entre ellos The Oprah Winfrey
Show), compitió en Dancing with the Stars y
tuvo papeles en películas como Disaster Movie y Deep in the Valley.
En 2010, junto con sus hermanas Kourtney y Khloé Kardashian, lanzó una
autobiografía, Kardashian Konfidential.
Tiene dos hijos en común con su
esposo el rapero Kanye West, North
(nacida el 15 de junio de 2013)
y Saint (nacido el 5 de diciembre de 2015).
Muere
Juan
Camacho, cantante español (nacido en 1947).
Juan Camacho Coy (Valencia, 16 de febrero de 1947 - Madrid, 21 de octubre de 1982)
conocido artísticamente como Juan Camacho, fue un cantanteespañol de música ligera cuya carrera musical
transcurrió en los años 60 y 70. Primeramente en diversas agrupaciones como Los
Ángeles Negros, Los Diapason's o Los Relámpagos, para posteriormente
convertirse en cantante solista.
Juan Camacho se inició
colaborando en diversos grupos de música juvenil valencianos como Los
Satélites, Los Huppies, Los Ciclones, Los Ángeles Negros y Los Diapason's (con
éstos últimos llega a grabar incluso un single) hasta que ingresó en Los Relámpagos como guitarra rítmica. Con
este grupo grabaría dos singles, "Yo canto" (donde Juan Camacho cantó
precisamente los dos temas) y "Catalunya Plora - Bolero Mallorquín",
además del LP "Piel de Toro", uno de los mejores álbumes de Los Relámpagos para RCA.
Después conoció a Juan Pardo,
quien le propuso grabar en 1973 un single como solista, "Vamos a
bailar" y "Es mi canción", que no se vendieron nada mal en el
ámbito de Valencia. El disco salió a la venta tan sólo con el apellido del
cantante: Camacho. Al año siguiente fichó por CBS,
que en ese momento buscaba nuevos cantantes, y grabó dos nuevos singles:
"Mía" y "Llámame". La crítica musical aplaudió su
prometedor futuro y rápidamente le compararon con artistas de la talla de Nino Bravo, Camilo Sesto -valencianos al igual que
él-, e incluso con su productor y amigo Juan Pardo.
En 1975 se presentó
al Festival de Benidorm logrando
la victoria del XVII festival con "A ti, mujer", por delante del
cantante canario Braulio. El
triunfo del festival hizo que se convirtiera en un rostro conocido en toda
España y fue promocionado en toda América, publicando discos en Chile,
Argentina, Colombia, Ecuador, Méjico y Estados Unidos.
Ya en 1976, consiguió
ser número uno con "Júrame", un bolero clásico de la mejicana María Grever.
En 1977 grabó dos nuevos
singles y cambió de compañía, pues a partir de entonces sus grabaciones fueron
editadas por EPIC, filial de CBS.
Entre 1978 y 1979 grabó
las que serían sus últimas cuatro canciones, las dos últimas compuestas
por Umberto Tozzi,
pero que nunca aparecieron recogidos en ningún LP al igual que sus grabaciones
de 1977.
En sus últimos años Juan
estuvo más centrado en la familia y en la gestión de un negocio privado
dedicado a la compra-venta de vehículos antiguos. Aun así, siguió realizando
galas y produciendo a otros artistas.
Precisamente al término
de una de esas galas, el 8 de agosto de 1982,
después de haber cantado la noche anterior en Castellote (Teruel)
sufrió un accidente de tráfico en Tordesalas (provincia de Soria),
camino de otra actuación en Orense. Tras varios meses
en coma falleció en el hospital Francisco Franco (actual Gregorio Marañón)
de Madrid el 21 de octubre de 1982.
Hijo de padre mexicano, Víctor
Manuel Casillas Arias y madre sueca, Marie Christina Alexandra
von Uckermann, desde los dos años de edad Christopher llamó la atención de
directores de comerciales en México y Estados Unidos, logrando ganar a los 11 años
de edad "El Águila Dorada" por haber realizado más de 160 comerciales.
En la trama de Rebelde se forma
un grupo musical que logra gran impacto en la audiencia, así Christopher y sus
compañeros Dulce María, Anahi, Maite Perroni, Christian Chávez y Alfonso Herrera,
comienzan una gran aventura que los lanzó a la fama internacional: la
banda RBD. Christopher recorrió el mundo con gran
éxito de la mano de RBD, visitando más de 23 países, 116 ciudades
vendiendo más de 17 millones de discos, 10 millones de temas digitales, 2
millones de entradas de conciertos, 20 millones de distintos artículos de
promoción y 4 millones de DVD. También fue parte de récords como el que alcanzó
en el concierto Latino más exitoso en la historia de Estados Unidos el 21 de
marzo de 2006 junto a sus compañeros de banda, congregando a más de 63.000
espectadores en la ciudad de Los Ángeles, California, para después repetir el
mismo éxito en distintos estadios del mundo como el Maracaná en Brasil, el Estado Nacional en Bucarest
en Rumania, el Vicente Calderón en Madrid, también en el Coliseo Miguel Agrelot
en Puerto Rico y entre otros. Dicho grupo
musical anunció su disolución a mediados de 2008.
En 2005 junto
a sus amigos, fundó la Ferbuss empresa de joyería en cual las
ventas se convertían en fondos para instituciones contra el cáncer. En 2006,
con cambios estructurales, la Ferbuss se volvió Vonego y
estrenó en el año siguiente una página en internet, donde se puede comprar
collares, pulseras y anillos en oro y plata fabricados por la empresa.
Después de la separación
de RBD, Christopher comenzó una nueva etapa como
solista. Su nuevo single fue "Light Up the World Tonight" (hecho
en Brasil, junto a un amigo), esta canción habla
de ser quien eres y vivir el momento. La canción ha ido muy bien vía Internet
en lugares como España, que logró alcanzar
el #1 por iTunes. Hace poco
Christopher empezó su trabajo junto a Rudy Maya, quien fue
productor de artistas internacionales como Rihanna.1
En mediados de agosto de 2009,
Christopher fue convocado para hacer un casting para el personaje protagónico
de la serie Kdabra, Luca, a los cuatro días de haber
realizado la prueba de casting viajó a Bogotá, Colombia, para comenzar a
filmar.2
Kdabra es una serie llena de
intrigas y suspenso que lleva al espectador a una propuesta interesante en la
que cada capítulo deja una pista que lleva a otra y así sucesivamente hasta
llegar a la cúspide del misterio en donde se encuentra la respuesta a todas las
interrogantes. El personaje de Luca es un joven de 17 años que ha escapado de
una comunidad religiosa, y que realiza trucos que, aparentemente, no tienen
ninguna explicación racional. En noviembre de 2010, von Uckermann volvió a
Colombia para filmar la segunda temporada de Kdabra, que tiene previsto su estreno para el
primer semestre del 2011.3 Christopher tuvo la oportunidad de
componer la canción principal para dicha serie, Vivir Soñando
El 16 de noviembre de 2010,
lanzó Somos, su primer
disco como solista de manera independiente.4 El álbum se caracteriza por ser una
propuesta innovadora y diferente, en la cual dicho artista despliega todo su
talento con "Una combinación electrónica, minimalista,
alternativa, sonidos clásicos, beats y muy experimental", textualmente
dicho por el propio von Uckermann.5
El 2 de septiembre debuta en
las radio el primer sencillo del álbum debutó. «Sinfonía», nombre que lleva el single, es una
canción profetista e innovadora de pop alternativo, con sonidos de violines y
tambores, donde Uckermann expone una vez más su vena creativa. El sencillo es
el resultado de la colaboración creativa entre Christopher, Jodi Marr (Mika) y George
Noriega, quienes son los autores de la canción. Bajo la producción
de George
Noriega (Shakira, Ricky Martin, Draco) y la mezcla de Gustavo
Celis (Beyonce, Shakira, Marc Anthony). Christopher confesó en una
entrevista que es una persona muy visual y necesita rodearse de colores y
objetos para inspirar su música, revelando que tiene sinestesia, es decir, que escucha música
cuando ve colores; que según cuenta, esto le sucede desde pequeño.6
Tan sólo a horas de su
lanzamiento, Somos se
posicionó en #5 Itunes Latino, #4 Itunes México Y #9 Itunes España. También
llegó a encontrarse en #14 de Latin Pop Albums en los charts de Billboard. Christopher anunció en enero del
2011 el lanzamiento de su segundo single, «Apaga
La Máquina».7
En junio de 2011 Christopher
realizó una pequeña gira por Brasil, en las ciudades
de Recife, São Paulo, Río de Janeiro y Fortaleza,
para hacer showcases y firmas
de autógrafos, recibiendo a sus fans durante varias horas y deleitándolas con
su nuevo sencillo y otras canciones, siendo algunas de RBD y
una en especial que fue la versión en español de la canción Can't Help
Falling in Love, del conocido Elvis Presley, esta fue nombrada Me
enamoro de ti.
Uckermann se dedica al Skateboarding, deporte en el que es muy hábil
y el cual apoya para su crecimiento en Ámerica Latina. Además del deporte, su
pasión es la producción musical e innovar todo lo que toque. Lograr cambios
positivos en la gente por medio de su música es lo que lo apasiona.
Muere
Juan Harvey Caicedo, locutor y
declamador colombiano.
Juan Harvey Caycedo Velasco (Santander de Quilichao, Cauca, 3 de julio de 1937 – Bogotá, 21 de octubre de 2003)
fue un periodista, actor y locutor de radio en Colombia.
Juan Harvey Caycedo Velasco nació el 3 de julio de 1937 en
Santander de Quilichao, departamento del Cauca; era hermano medio del
periodista Antonio José Caballero.1
Fue uno de los fundadores de la televisión y el cine en
Colombia. Participó en producciones cinematográficas como El río de las
tumbas en 1964 y en varias novelas de televisión como "El Gallo
de Oro" y "Manuelita Sáenz", entre muchas otras. Su carrera se
desarrolló principalmente como locutor de radio trabajando en RCN, en la HJCK y finalmente en Caracol en donde participó
en programas tan famosos como Pase la tarde y La Luciérnaga. En este último
mostraba su faceta humorística haciendo la voz de diversos personajes
ficticios, en años anteriores fue locutor oficial de la programadora Jorge Barón Televisión. Fue reconocido como una de las voces comerciales más
solicitadas, gracias a lo cual participó en campañas de productos y servicios
de diversa índole: bancarios, comerciales, gubernamentales, etc. Estudió
Derecho en la Universidad Nacional, aunque nunca se graduó y Producción de Cine
y Televisión en la Universidad de Siracuse en Estados Unidos.
Fue presidente de la Asociación Colombiana de Locutores en
varias oportunidades y luchó, desde su abolición, por la necesidad de que los
locutores contaran con una licencia de locución que le confiriera estatus y
confiabilidad al oficio, por la responsabilidad que éste implica.
Adicionalmente a su trabajo de locutor fue un divulgador de la
poesía y en especial del folclor llanero. En el año 2003 se retiró de La
Luciérnaga, y después de completar una correría llamada Tributo al
llano. En el mismo año muere el 21 de octubre, en su residencia tras lo que
su familia reportó había sido un derrame cerebral. Sin embargo, el
periodista Edgar Artunduaga reveló en su libro Finales Tristes que el
locutor realmente cometió suicidio a causa de una depresión profunda en la que
le sumió la cancelación de sus roles radiales.2
Muere
Robert L. Collins, creador de la
serie de tv estadounidense "The
police Woman", La mujer policía.
COLLINS, Robert L.
1 de junio de 1930 - 21 de octubre de 2011
Bob fue
un galardonado escritor / director de series de televisión como The Bold Ones,
The Senator y Police Story. El episodio "The Wyatt Earp
Syndrome" de Police Story se ha preservado como una película de
entrenamiento para las Academias de Policía de LA & NY. Sus películas
de televisión incluyen: LA CALIDAD DE LA MISERICORDIA, SERPICO, HUEY LONG, UN
ACTO DE VIOLENCIA, DINERO AL LADO, J. EDGAR HOOVER, PRIME TARGET, ACCHILE
LAURO, JONNY RYAN, EN LOS BRAZOS DE UN ASESINO, MAFIA PRINCESS y GIDEON'S
TRUMPET (que está en la colección permanente de The Museum of Modern Art y The
Library of Congress). Creador de la serie de televisión MOVING ON, SERPICO
and POLICE WOMAN (innovadora como la primera serie en protagonizar una
protagonista femenina). Bob dirigió LA MUERTE DE UN VENDEDOR en el Teatro
Odyssey en Los Ángeles. Entre las luminarias teatrales que dirigió fueron Henry
Fonda, José Ferre, John Houseman, Karl Malden Tony Musante, Lee Grant,
Tony Curtis, Treat Williams, Louise Fletcher, Rip Torn, Ed Asner, Jaclyn Smith,
Michael Nouri, John Spencer y Angie Dickinson. Los premios y nominaciones de Bob incluyen The Emmy, The Writers 'Guild
Award, The Directors' Guild Award, The Cable Excellence Award, The Humanitas
Prize, The Christopher Award, The NAACP Image Award, The Mystery Writers 'of
America Award, The Peabody Award y El Premio Jack Webb 2009. A Bob le
sobreviven su esposa, Dorothy Mark, sus hijos Clay (Robin), Curtis (Sharon),
Casey, su nuera Cindy, su hermano Frank (Trisha), sus nietos Ryan, Leslie,
Rachel, Kyle, Sarah, Caleb y sus sobrinas. Kate y Anne.
Los servicios se llevarán a cabo a la 1:00 p.m., el jueves 27 de octubre de
2011 en Westwood Memorial Park, 1218 Glendon Ave, Westwood, CA.
Las donaciones pueden hacerse en la memoria de Bob a su organización benéfica
favorita: Doctors Without Borders, 333 Seventh Ave, 2nd Floor, NY, NY
10001-5126.
Publicado en Los Angeles Times desde el 22 de
octubre hasta el 23 de octubre de 2011
Gleason, un novelista y productor veterano, comenzó como escritor
de series de 1960 como Rawhide, Laramie, My Favorite Martian, The Big
Valley y Peyton Place , y continuó hasta los años 70
con Marcus Welby, MD, Cannon, McCloud y Rich.
Man Poor Man Book 2 , que también ejecutó.
Como cocreador (con Robert Butler) y productor ejecutivo de Remington
Steele , Gleason lanzó la carrera de un James Bond Pierce Brosnan,
quien actuó como coprotagonista en el alegre drama detectivesco de NBC 1982-87
con Stephanie Zimbalist. Después de Steele , Gleason fue
productor ejecutivo de Murphy's Law en los 80 y Diagnosis
Murder en los 90, y continuó su carrera de escritor con episodios
de Lois & Clark, Police Academy: The Series y Charmed ,
entre otros créditos. En 2013 escribió la novela negra "Working
Dirty".
"Es con profunda tristeza que lanzo la noticia de que Michael
Gleason falleció ayer por la mañana a la edad de 78 años. No hay palabras para
describir adecuadamente al hombre que creó personajes amados por millones de personas
en todo el mundo. Su talento para dar vida a los personajes era
simplemente un atisbo del genio que tecleaba diligentemente día y
noche. Debajo había un hombre que amaba la vida, que la vivió al máximo, y
que le dio amor incondicional a cualquiera que lo conociera. Deja atrás un
legado de alegría y risa, de innumerables horas de entretenimiento y seres
queridos que siempre lo mantendrán en nuestros corazones y nuestra
mente. Nunca habrá otro como él.
De acuerdo con su biografía del autor "Working Dirty",
vivió en Marina del Rey, California, con su esposa Jan y es padre de ocho
hijos.
Susan Sullivan, quien co-protagonizó en Rich Man Poor Man
Book 2, tuiteó sus condolencias.
Nacido el 15 de febrero de 1953 en el municipio de Villanueva, La Guajira. Hijo de Agustín Cuadrado y Cristina Hinojosa, de cuya unión nacieron Egidio, Heber, José y Dina Luz.
Dina Luz contrajo matrimonio con Rafael Escalona y se convertiría en musa de numerosas canciones vallenatas.8
Egidio comenzó a ejecutar el acordeón desde muy joven, a la edad de 6 años.9 Participó en los concursos de acordeones del Festival Folcórico Patronal de su natal Villanueva en sus inicios, evento que antecedió al Festival Cuna de Acordeones en Villanueva.7
En 1983, Egidio volvió a participar en el Festival Vallenato, esta vez en la categoría profesional, pero ocupó el segundo lugar, tras ser vencido por el acordeonero Julio Rojas. Al año siguiente, en 1984, Egidio volvió a concursar, enfrentando en el certamen al acordeonero Orángel “El Pangue” Maestre, también villanuevero, quien resultó vencedor.7
Egidio decidió participar por tercera vez en 1985, finalmente ganándose el concurso de Rey del Festival de la Leyenda Vallenata, categoría profesional del acordeón.
En el acordeón Egidio interpretó las canciones:10
En 1993, Egidio grabó junto a Vives el álbum Clásicos de La Provincia bajo el sello Sonolux (Colombia) / Discos Philips/Polygram (Internacional). De esta producción se internacionaliza el tema La gota fría de Emiliano Zuleta Baquero, la cual es interpretada en el acordeón por Egidio.
'alfrəd
'bɛɳhɑ:ɖ noˈbɛ:l (?·i)/ (Estocolmo, 21 de octubre de 1833-San Remo, 10 de diciembre de 1896)
fue un químico, ingeniero, inventor y fabricante de armas sueco, famoso principalmente por la invención
de la dinamita y por crear los premios que llevan su nombre. Nobel fue
propietario de la empresa Bofors, compañía a la que
orientó desde la producción de hierro y acero, a la fabricación a gran escala
de cañones y otros armamentos. Registró durante su vida 355 patentes y en la
actualidad su nombre sobrevive en varias compañías, como Dynamit Nobel y AkzoNobel.
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