El 15 de
noviembre es el 319.º (tricentésimo decimonoveno) día del año en
el calendario gregoriano y el 320.º en
los años bisiestos. Quedan 46 días para finalizar
el año.
Podcast 2018
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Santoral de la Iglesia Católica:
San Alberto
Magno
Alberto significa: "de
buena familia" (Al = familia. Bert = buena).
Ya en su tiempo la gente lo
llamaba "El Magno", el grande, el magnífico, por la sabiduría tan
admirable que había logrado conseguir. Lo llamaban también "El Doctor
Universal" porque sabía de todo: de ciencias religiosas, de ciencias naturales,
de filosofía, etc. Era geógrafo, astrónomo, físico, químico y teólogo. La gente
decía "Sabe todo lo que se puede saber" y le daba el título de
"milagro de la época", "maravilla de conocimientos" y otros
más.
Tuvo el honor San Alberto de
haber sido el maestro del más grande sabio que ha tenido la Iglesia Católica,
Santo Tomás de Aquino, y esto le aumentó su celebridad. El descubrió el genio
que había en el joven Tomás.
Nació en Alemania en 1206.
Era de familia rica y de importancia en el gobierno y en la alta sociedad. Su
padre era Conde, o sea gobernador de la región. Estudió en la Universidad de
Padua. Allí se encontró con el más grande pescador de vocaciones, el beato
Jordán de Sajonia, sucesor de Santo Domingo, y aunque el papá de Alberto se
oponía a que su hijo se hiciera religioso, sin embargo la personalidad de
Jordán fue tan impresionante para él, que dejó todo su futuro de hacendado,
político y hombre de mundo, y entró de religioso con los Padres Dominicos.
Él mismo contaba que de
joven le costaban los estudios y por eso una noche dispuso huir del colegio
donde estudiaba. Pero al tratar de huir por una escalera colgada de una pared,
en la parte de arriba, le pareció ver a Nuestra Señora la Virgen María que le
dijo: "Alberto, ¿por qué en vez de huir del colegio, no me rezas a Mí que
soy ‘Trono de la Sabiduría?’.
Si me tienes fe y confianza,
yo te daré una memoria prodigiosa. Y para que sepas que sí fui yo quien te la
concedí, cuando ya te vayas a morir, olvidarás todo lo que sabías". Y así
sucedió. Y al final de su vida, un día en un sermón se le olvidó todo lo que
sabía, y dijo: "Es señal de que ya me voy a morir, porque así me lo
anunció la Virgen Santísima". Y se retiró de sus labores y se dedicó a
orar y a prepararse para morir, y a los pocos meses murió.
En Colonia, en París y en
varias otras universidades fue profesor brillantísimo y de muchas naciones iban
estudiantes a escuchar sus clases. Él tuvo el mérito de haber separado la
teología de la filosofía, y de haber descubierto que el filósofo Aristóteles
tiene un gran parecido con las ideas cristianas (lo cual perfeccionará luego su
discípulo Santo Tomás).
Escribió 38 volúmenes, de
todos los temas. Teología, filosofía, geografía, química, astronomía, etc. Era
una verdadera enciclopedia viviente.
Fue nombrado superior
provincial de su comunidad de Dominicos. Y el Sumo Pontífice lo nombró
Arzobispo de Ratisbona, pero a los dos años renunció a ese cargo para dedicarse
a dar clases y escribir, que eran sus oficios preferidos.
Habiendo sido de familia muy
rica y de alta posición social, recorrió Alemania predicando, y viajando de
limosna y hospedándose donde le dieran posada como a un limosnero. Era una
buena práctica para aumentar la virtud de la humildad.
El 15 de noviembre de 1280,
mientras charlaba tranquilamente con unos religiosos de su comunidad, quedó
muerto plácidamente. Tenía 74 años. Dejaba fama de haber sido más sabio que
todos los sabios de su tiempo. Todas las enseñanzas tenían por fin llevar el
alma hacia Dios que es amor.
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Día
Mundial sin Alcohol
Cada 15 de noviembre todos
los años se celebra el Día Mundial Sin Alcohol. Es un día en el que
gracias a diversas iniciativas se pretende concienciar a la población de las
graves consecuencias que puede llegar a tener el consumo de alcohol.
Origen
La Organización Mundial de
la Salud (OMS) decidió establecer un día para fomentar la responsabilidad de
las personas sobre todo de los jóvenes para controlar el consumo de alcohol,
siendo establecido el 15 de noviembre.
Consecuencias
El consumo excesivo de
alcohol lleva consigo y está relacionado con un gran número de trastornos y
enfermedades, entre las que se encuentran:
Daño cerebral.
Problemas de memoria.
Adicción y dependencia.
Subida de la tensión arterial.
Posibilidad de desarrollar
tipos de cáncer.
Daño en las mucosas del
aparato digestivo.
Problemas de alimentación.
Además de las consecuencias
personales asociadas a ciertos tipos de enfermedades, también se distinguen
ciertas actitudes o hechos que pueden ocurrir cuando una persona no controla la
ingesta de alcohol:
Vandalismo.
Peleas, violencia.
Problemas familiares.
Aumento de suicidios.
Disminución de los reflejos.
Mayor probabilidad de sufrir
un accidente.
¿Qué se hace?
Se realizan diversas
actividades en las que se intenta enseñar a los jóvenes las graves
consecuencias que pueden llegar a tener si toman alcohol sin control, así como
las consecuencias que tienen sus actos en caso de que hagan algo malo estando
en el estado de embriaguez.
En muchas ciudades del mundo
se realizan jornadas en las que las personas pueden comprobar de primera mano
las consecuencias que ha tenido el alcohol en un gran número de víctimas de
tráfico cuyos accidentes fueron resultado de una excesiva ingesta de alcohol.
Personas en sillas de ruedas, personas con falta de algún miembro del cuerpo,
etc. enseñan con su historia lo que no se puede hacer: mezclar la conducción
con el alcohol.
La persona que se pone al volante debe de tener todos los reflejos al máximo y no estar bajo los efectos del alcohol, drogas, etc.
La persona que se pone al volante debe de tener todos los reflejos al máximo y no estar bajo los efectos del alcohol, drogas, etc.
Las campañas de prevención
del mismo modo intentar concienciar a la población mundial de todas aquellos
problemas que generan las adicciones, especialmente el alcohol. Pretender
sensibilizar a las padres de la importancia que tiene enseñar a sus hijos los
peligros que tiene el alcohol.
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1630:
Muere Johannes
Kepler, astrónomo y matemático alemán (nacido en 1571).
Johannes Kepler (Weil
der Stadt, Alemania, 27 de diciembre de 1571 - Ratisbona, Alemania, 15 de
noviembre de 1630), figura clave en la revolución científica, astrónomo y matemático alemán; conocido fundamentalmente por sus leyes
sobre el movimiento de los planetas en su órbita alrededor del Sol. Fue colaborador de Tycho
Brahe, a quien
sustituyó como matemático imperial de Rodolfo II.
Biografía[editar]
Kepler se crio en el seno de
una familia protestante luterana que vivía en la ciudad de Weil der Stadt en Baden-Wurtemberg, Alemania. Su abuelo había
sido alcalde de su ciudad natal, pero cuando nació Johannes, la familia se
encontraba en decadencia. Su padre, Heinrich Kepler, era mercenario en el
ejército del duque de Wurtemberg y,
siempre en campaña, raramente estaba presente en su domicilio. Su madre, Katherina Guldenmann llevaba una casa de
huéspedes, era curandera y herborista, y más tarde fue acusada de brujería.
Kepler, nacido prematuramente a los siete meses de embarazo, era hipocondríaco de naturaleza endeble y
sufrió toda su vida una salud frágil. A la edad
de tres años, contrajo viruela, lo que, entre
otras secuelas, debilitaría severamente su vista. A pesar de su salud, fue un
niño brillante al que le gustaba impresionar viajeros en la hospedería de su
madre con sus fenomenales facultades matemáticas.
Heinrich Kepler tuvo además
otros tres hijos: Margarette, de la que Kepler se sentía muy próximo,
Christopher, que le fue siempre antipático, y Heinrich. De 1574 a 1576, vivió
con Heinrich —quien era epiléptico— en casa de
sus abuelos mientras que su padre estaba en una campaña y su madre había ido en
su búsqueda.1
Al regresar sus padres, Kepler
se trasladó a Leonberg y entró en
la escuela latina en 1577. Sus padres le despertaron el interés por la astronomía. Con cinco años, observó el cometa de 1577, comentando que su madre
lo llevó a un lugar alto para verlo. Su padre le mostró a la edad de nueve años
el eclipse de luna del
31 de enero de 1580, recordando que la Luna aparecía bastante roja. Kepler
estudió más tarde el fenómeno y lo explicó en una de sus obras de óptica. Su padre partió de nuevo para la
guerra en 1589, desapareciendo para siempre.
Kepler terminó su primer ciclo
de tres años en 1583 con retraso, debido a su empleo como jornalero agrícola,
entre nueve y once años. En 1584, entró en el Seminario protestante de Adelberg
y dos años más tarde, en el Seminario superior de Maulbronn.
Obtuvo allí el diploma de fin
de estudios y se matriculó en 1589 en la universidad de
Tubinga. Comenzó primero a estudiar ética, dialéctica, retórica,
griego, hebreo, astronomía y física, y más tarde teología y ciencias humanas.
Continuó con sus estudios después de obtener la maestría en 1591. Su profesor de
matemáticas, el astrónomo Michael Maestlin, le enseñó el sistema heliocéntrico de Copérnico que
se reservaba a los mejores estudiantes. Los otros estudiantes tomaban como
cierto el sistema geocéntrico de Ptolomeo, que afirmaba que la Tierra estaba inmóvil y ocupaba el centro
del Universo, y que el Sol,
la Luna, los planetas y las estrellas giraban a su alrededor. Kepler
se hizo así un copernicano convencido y mantuvo una relación muy estrecha con
Maestlin; no vaciló en pedirle ayuda o consejo para sus trabajos.
Mientras Kepler planeaba
hacerse pastor luterano, la escuela protestante de Graz buscaba
a un profesor de matemáticas. Abandonó entonces los estudios de Teología para
tomar el puesto y dejó Tubinga en 1594. En Graz, publicó almanaques con
predicciones astrológicas –que él escribía– aunque negaba algunos de sus
preceptos. En la época, la distinción entre ciencia y creencia no estaba
establecida todavía claramente, y el movimiento de los astros, todavía bastante
desconocido, se consideraba gobernado por leyes divinas.
Kepler estuvo casado dos veces.
Contrajo el primer matrimonio, de conveniencia, el 27 de abril de 1597 con
Barbara Müller. En el año 1600, fue obligado a abandonar Austria cuando
el archiduque
Fernando promulgó un edicto contra los protestantes. En octubre
de ese mismo año se trasladó a Praga,
donde fue invitado por Tycho Brahe, que
había leído algunos trabajos de Kepler. Al año siguiente, Tycho Brahe falleció
y Kepler lo sustituyó en el cargo de matemático imperial de Rodolfo II y trabajó frecuentemente como
consejero astrológico.
En 1612 murió su esposa Barbara
Müller, al igual que dos de los cinco niños —de edades de apenas uno y dos
meses— que habían tenido juntos. Este matrimonio de conveniencia, organizado
por sus allegados, lo unió a una mujer «grasa y simple de espíritu», con
carácter execrable. Otro de los hijos murió a la edad de siete años. Solo su
hija Susanne y su hijo Ludwig sobrevivieron. Al año siguiente, se casó en Linz con
Susanne Reuttinger, con la que tuvo siete niños, de los que tres fallecerán muy
temprano.
En 1615, su madre, entonces a
la edad de 68 años, fue acusada de brujería. Kepler, persuadido de su
inocencia, pasó seis años trabajando en su defensa ante los tribunales y
escribiendo numerosos alegatos. Debió regresar dos veces a Wurtemberg. Ella
pasó un año encerrada en la torre de Güglingen, a expensas de Kepler, y escapó
por poco de la tortura. Finalmente, fue liberada el 28 de septiembre de 1621
pero, debilitada por los duros años de proceso y de encarcelamiento, murió seis
meses más tarde. En 1628 Kepler pasó al servicio de Albrecht von
Wallenstein, en Silesia, quien le
prometió, en vano, resarcirle de la deuda contraída con él por la Corona a lo
largo de los años. Un mes antes de morir, víctima de la fiebre, Kepler abandonó
Silesia en busca de un nuevo empleo.
Kepler murió en 1630 en
Ratisbona, en Baviera, Alemania, a la edad de 58 años.2
En 1632, durante la guerra de los
Treinta Años, el ejército sueco destruyó su tumba y se perdieron
sus trabajos hasta el año 1773. Recuperados por Catalina II de Rusia,
se encuentran actualmente en el Observatorio de
Pulkovo en San Petersburgo, Rusia.
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1670:
Muere Comenio, obispo, teólogo y educador checo (n. 1592).
Juan Amos Comenio (pronunciación), en latín Comenius, derivando actualmente en el apellido Commentz (Uherský Brod, Moravia, 28 de marzo de 1592 - Ámsterdam, 15 de noviembre de 1670) fue un teólogo, filósofo y pedagogo nacido en la actual República Checa. Fue un hombre cosmopolita y universal, convencido del importante papel de la educación en el desarrollo del hombre. La obra que le dio fama por toda Europa y que es considerada como la más importante, es la Didáctica Magna, y su primera edición apareció en el año de 1630. Le dio importancia al estudio de las lenguas y creó una obra llamada Puerta abierta a las lenguas.
Se le conocía como el Padre de la didáctica. En su obra Las nuevas realidades, Peter Drucker realza la posición de Comenio como el inventor del libro de texto, en un intento (exitoso por cierto) de incentivar la autonomía del proceso formativo para evitar que el gobierno católico eliminara del todo al protestantismo en la República Checa. «Si la gente lee la Biblia en casa, no podrá confundirse» fue el pensamiento de Comenio.
Los grandes aportes realizados a la Pedagogía, sus viajes por diferentes países de Europa (en muchos de ellos, invitado por reyes y gobernadores), y la alta preparación y constancia en su labor de educar, le valieron el título de "Maestro de Naciones".
1738:
Nace William Herschel, astrónomo alemán.
William Herschel, nacido Friedrich Wilhelm Herschel (Hannover, Brunswick-Luneburgo, Sacro Imperio Romano Germánico, 15 de noviembre de 1738-Slough, Berkshire, Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda, 25 de agosto de 1822), fue un astrónomo y músico germano-británico, descubridor del planeta Urano y de otros numerosos objetos celestes, y padre del también astrónomo John Herschel.
1862:
Nace Gerhart
Hauptmann, dramaturgo alemán, premio nobel de literatura en 1912 (fallecido
en 1946).
Gerhart Hauptmann (n.
Obersalzbrunn (actual Szczawno Zdrój, Polonia) 15 de
noviembre de 1862 - † Agnetendorf, 6 de junio de 1946). Dramaturgo, novelista, poeta alemán del Naturalismo y premio
Nobel de literatura.
(Obersalzbrunn,
1862 - Agnetendorf, 1946) Dramaturgo y novelista alemán que obtuvo el premio
Nobel en 1912. Escritor mundialmente célebre, se dedicó al principio a la
escultura, y como escultor llegó a Italia después de un largo viaje marítimo
descrito posteriormente en La aventura de mi juventud (1937),
con la secreta intención de marchar luego a Grecia, meta ideal de cualquier
alemán fascinado por el clasicismo; en Nápoles, sin embargo, creyó haber
hallado una abundancia de arte griego susceptible de justificar una estancia
que luego continuó en Roma.
Una
enfermedad infecciosa le hizo regresar a Alemania; tras algunas tentativas
inciertas en el campo épico-poético, Gerhart Hauptmann descubrió su vocación de
dramaturgo bajo la influencia directa de los inspiradores del naturalismo
alemán, Arno Holz y Johannes Schlaf. El estreno de Antes de la aurora (1889), que provocó incidentes
y violentas discusiones, señala, en efecto, el triunfo del movimiento
naturalista; Hauptmann permanecería fiel a algunos elementos típicos del teatro
naturalista (el estudio del ambiente, el empleo de formas dialectales y la
presentación de casos más o menos patológicos) a lo largo de toda su
producción, hasta los últimos tiempos.
El
joven dramaturgo iba progresando de año en año y sus éxitos se sucedían.
En Almas solitarias (1891) ofreció el drama del
hombre aislado en un pequeño ambiente burgués provinciano, mientras en Los tejedores (1892), audaz obra dramática de
masas que mereció incluso la aprobación de Tolstoi, dio lugar a una producción todavía hoy
representada con fortuna, sobre todo en Rusia y en los escenarios de los
teatros de izquierda. En ella se narra el levantamiento contra los empresarios
capitalistas de los obreros del ramo textil, desempleados y hambrientos por la
brusca introducción de las máquinas.
Gerhart
Hauptmann volvió al drama de multitudes con Florian Geyer (1895);
pero el gran número de personajes y aun la misma amplitud del episodio, que no
permite centrarlo en torno a un protagonista, impidió el franco éxito de la
obra. En cambio, mantiene aún su vitalidad la comedia de ambiente La piel de castor (1893), cuya protagonista es una
astuta y simpática mujer del pueblo que logra inducir a error a cuantos la
conocen, singularmente a quienes se juzgan superiores a ella.
Motivos
en el fondo vinculados todavía al naturalismo persisten en dos de los dramas de
Gerhart Hauptmann más logrados: El cochero Henschel (1898),
tragedia del hombre traicionado, y Rosa Bernd (1903),
pieza también trágica en torno a una infanticida. Al mismo tiempo que estos
temas netamente naturalistas, el escritor silesiano iba desarrollando también
otros de neta filiación simbolista, como puede apreciarse en La ascensión de Hannele (1893), y todavía más en
la famosa obra La campana sumergida (1896),
que consagró en todo el mundo la celebridad de Hauptmann y fue objeto de
diversas adaptaciones musicales, entre ellas la del italiano Ottorino Respighi.
Constituye
una característica del dramaturgo el traslado a la escena o a las novelas de
algunos acontecimientos de su vida, como, por ejemplo, el litigio matrimonial
con su primera esposa y su posterior vínculo conyugal. Junto a la gran mole de
sus creaciones teatrales figuran numerosos textos en prosa y poesía, algunos de
los cuales no habrán de caer fácilmente en el olvido: así, Manuel Quint, el loco en Cristo(1910) y El hereje de Soana (1918).
Hacia
los últimos años de su existencia, Hauptmann se dedicó con renovado interés al
teatro griego, y llegó incluso a concretar una tetralogía sobre los Atridas
(1941-44), en la que el antiguo mito cobra nuevas significaciones. Una de sus
postreras creaciones, en cambio, no fue precisamente una obra teatral,
sino El gran sueño(1942), especie de "itinerarium"
medieval, más bien hermético, inspirado en la Divina Comedia y
escrito en tercetos.
Póstumamente
apareció el drama Herbert Engelmann (1950) en la
elaboración escénica de Carl Zuckmayer; por otra parte, la novela
incompleta Winckelmann(1954) fue ordenada y
acabada por Frank Thiess. El anciano Hauptmann, que había preparado en secreto
una obra dramática antinazi, Tinieblas (1943),
no parecía destinado a la suerte reservada a los silesianos tras la Segunda Guerra Mundial; pero antes de partir para el
destierro le fue concedido morir en aquella tierra que cantara en sus dramas.
Sus restos mortales, junto con los manuscritos y parte de sus libros y obras,
fueron enviados, tras muchas dificultades, a la zona occidental.
**************
Índice
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Emigración a Venezuela[editar]
Etapa de la Billo's Caracas Boys[editar]
1915:
Nace Billo
Frómeta,
músico, compositor y director de orquesta dominicano.
Luis María Frómeta Pereira, (Santo Domingo, República Dominicana, 15 de noviembre de 1915 - Caracas, Venezuela, 5 de mayo de 1988), más conocido como Billo Frómeta,
fue un músico, compositor y director de orquesta dominicano.
Índice
·
2Legado
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Junto a su padres y hermanos, vivió en San Francisco de Macorís, República Dominicana donde inició sus estudios de música, materia de pénsum en
la escuela primaria. Aprendió teoría y solfeo con el profesor
Sixto Brea, armonía y composición con el profesor Rafael Pimentel, además de
saxofón y clarinete con el profesor Oguis Negrete.
A los quince años fue fundador y primer director, con el grado
de Capitán, de la Banda del Cuerpo de Bomberos de la capital, circunstancia que
le ayudó a ampliar sus conocimientos de música. Posteriormente, fue miembro
fundador de la Orquesta Sinfónica de Santo Domingo. En 1933 se traslada a la
capital, e imparte clases de guitarra a domicilio,
realiza arreglos musicales para pequeños conjuntos. Así conoce al joven Freddy Coronado quien le proporcionó trabajo como saxofonista en la
orquesta que acompañaba a los artistas que pasaban por la ciudad. Coronado,
estudiante de violín y saxofonista lo
animó a formar un grupo que se llamó Conjunto Tropical y que trabajaba en la emisora de radio HIN.
La reunión de Freddy Coronado, Francisco Damirón, José Ernesto Chapuseaux y Billo Frómeta,
dio como resultado la formación de una orquesta de baile denominada Santo
Domingo Jazz Band, la cual fue dirigida por Damirón al principio y luego
por Billo, cuando el primero se mudó a Puerto Rico. En sus inicios Billo
estudió Medicina en la Universidad de Santo Domingo, y, aun así, disponía
tiempo para interpretar y tocar en compañía de otros aspirantes en el arte
musical. Al comenzar su tercer año de estudios, ingresó en el hospital militar,
donde estuvo hasta que fue obligado a usar el uniforme de guardia; a esto se
negó, por una probable aversión al régimen militar de entonces, y por ello fue
expulsado de la Academia de Medicina.
Emigración a Venezuela[editar]
Llegó a Venezuela el 31 de diciembre
de 1937, para tocar en el Roof Garden, local de baile en Caracas, en el centro
de la ciudad. Los hermanos Sabal, empresarios y dueños del local, decidieron
cambiar a último momento el nombre de la orquesta, por el de Billo's
Happy Boys sin notificar a Billo Frómeta. Al saber el representante
diplomático de República Dominicana acreditado en Caracas sobre este cambio de nombre, hubo
protestas en República Dominicana porque no era mencionada la capital de aquel
país. Este inconveniente, y el hecho de estar República Dominicana bajo la
dictadura de Rafael Leonidas Trujillo y la prórroga consecutiva del
contrato, obligaron a los integrantes de la orquesta a permanecer en Caracas,
con un exiguo sueldo. Sin embargo, ello motivó a la agrupación a permanecer en
Venezuela, adquiriendo cada día mayor raigambre en el seno del público.
Etapa de la Billo's Caracas Boys[editar]
En 1938, aparece en el incipiente cine sonoro venezolano en la
película sonora Taboga, en la cual la orquesta interpreta este
tema, cantado por Ernesto Negrito Chapuseaux. Igualmente,
realiza sus primeras grabaciones a través de un contrato con la
discográfica RCA
Victor,
con producciones en formato de 78 r.p.m. En esta etapa, entabla amistad con el
músico y compositor mexicano Agustín Lara, quien reside durante
un tiempo en Caracas. Como Agustín Lara estaba contratado por una editora
musical que le impedía producir temas que no fuesen de corte romántico, éste
debió recurrir al artilugio de firmar sus temas bailables para Billo's Happy
Boys con diversos seudónimos, práctica que continuaría al regresar a suelo
mexicano.
En 1939, Billo Frómeta se vio afectado por el tifus de tal manera que se consideraba
imposible salvarlo, por parte de sus médicos. No obstante, logró recuperarse y
continuó su trabajo orquestal. En agosto de 1940, Billo reagrupa su orquesta y
le cambia el nombre a Billo's Caracas Boys,
nombre que aún mantiene y colocado en honor a la ciudad donde residiría hasta
el final de sus días. Muchísimos músicos y cantantes pasaron por esta orquesta,
destacando entre ellos el cubano Manolo Monterrey y los
venezolanos Rafa
Galindo, Miguel Briceño (cuñado de Galindo) y Víctor Pérez. Según costumbre de la
época, también acompañó a vocalistas solistas, que no formaban parte de su
banda como el tenor Alfredo Sadel, el vocalista y
director coral Vinicio Adames, el cantante
español José María Madrid, el tenor Marco Tulio Maristany y la cantante cubana Candita
Vásquez. Mientras grababa para RCA Víctor, Frómeta firmó un pequeño
contrato con la filial argentina del sello discográfico transnacional Odeón para la cual
produjo dos discos de 78 r.p.m., entre octubre y noviembre de 1945. Ninguna de
esas grabaciones sería reeditada posteriormente por Odeón o EMI.
En 1946 adquiere a la estación radial Radio Caracas Radio un espacio de una hora de duración, para producir su
propio programa semanal, denominado A gozar muchachos animado
por Marco Antonio Lacavalerie, conocido por su apodo de Musiú
Lacavalerie. La emisora radial poseía equipos de grabación discográfica
para respaldo de algunos de sus programas; Billo aprovecha tal circunstancia y
edita los discos con su apodo Billo. Los discos eran manufacturados
en Estados Unidos y, posteriormente, distribuidos en Venezuela por la empresa
Comercial Serfaty. En 1948, abandona RCA Víctor, y continúa la edición de sus
discos con sello propio.
En 1955, la filial venezolana de General Electric, patrocinante principal
del espacio radial de Billo Frómeta, acuerda con el músico producir uno de los
primeros discos de larga duración grabado en Venezuela, dirigiendo una orquesta
conformada con músicos de la Orquesta Sinfónica de Venezuela, que
respaldaban a la pianista y compositora María Luisa Escobar y al vocalista Marco Tulio Maristany, con la actuación del
conjunto de música llanera del compositor y músico venezolano Vicente Flores.
Este disco, titulado Concierto Venezolano, no fue editado
comercialmente pues la empresa lo ofreció como regalo de Navidad a sus
empleados, y fue el primer trabajo de Billo en este formato. Ese año, se
convierte en uno de los fundadores de la Sociedad de Autores y Compositores de
Venezuela,
junto a Luis Alfonzo Larrain y Manolo Monterrey. En 1956, enfrenta una demanda respecto
a su primer matrimonio contraido con la venezolana Mercedes Olimpia Senior, no
disuelto formalmente, y es condenado a pasar cien días en prisión hasta febrero
de 1957. 1
1916:
Muere Henryk Sienkiewicz, escritor polaco, premio nobel
de literatura en 1905 (nacido en 1846).
Henryk Adam Aleksander
Pius Sienkiewicz de Oszyk /ˈxɛnrɨk
ˈadam alɛˈksandɛr ˈpʲus ɕɛnˈkʲevʲitʂ de ˈɔʂɨk/ (Wola Okrzejska, Polonia, 5 de mayo de 1846 - Vevey, Suiza, 15 de noviembre de 1916),
fue un escritor polaco, Premio
Nobel de Literatura en 1905.
Es el quinto premio Nobel (1905) en la historia del galardón y el primero de Europa Oriental.
Su
vida[editar]
Se inició como
periodista en 1869; realizó varios viajes entre 1876 y 1879, y trabajó en
los Estados Unidos como
enviado especial entre 1876 y 1878. En 1882 fue nombrado director del periódico
conservador Słowo y en 1885 fundó su propio periódico, Krauss-Maffei,
que tan solo duró tres años.
No solo destacó por
sus dotes literarias sino como un gran defensor de su, por entonces, oprimida
patria polaca. Siendo ya un prestigioso periodista y gran defensor de la causa
de Polonia, dirigió una carta abierta a Guillermo II en
la que se oponía a la germanización de la Posnania, atrayendo la atención mundial sobre
el futuro de su país, que por entonces se hallaba bajo el dominio de Alemania, Austria-Hungría y Rusia.
En los comienzos de
la Primera Guerra
Mundial se hallaba en Suiza, donde formó, junto con Paderewski,
el comité para las víctimas de la guerra en Polonia.
Especializado en temas
sociales, fue muy popular en su tiempo. Sus obras más importantes se refieren a
los problemas sociales del campesinado y los sectores bajos en Polonia. Sus
cenizas descansan en la catedral
de San Juan en Varsovia.
Las obras de
Sienkiewicz, traducidas a más de cuarenta idiomas, lo convirtieron en uno de
los autores más leídos del siglo XX.
Trilogía[editar]
Consiguió una gran fama con la publicación de su trilogía sobre la lucha
polaca frente a las invasiones del siglo XVII —A sangre
y fuego (1884), El diluvio (1886),
y El
señor Wolodyjowski (1888)—,
una epopeya moderna considerada como uno de los grandes relatos épicos de todos
los tiempos. En estos tres libros, el premio Nobel polaco presentó universales
historias de amor y de guerra a través de personajes soberbiamente construidos,
conjuras y una acción trepidante que nos habla de cuestiones imperecederas,
todo ello encuadrado en medio de magníficas recreaciones históricas.
Sienkiewicz, maestro
consumado del más recio realismo,
supo brindar como nadie una amplia visión sobre uno de los momentos decisivos
en el proceso de configuración política de Lituania, Polonia, Rusia y Ucrania, relatando las amenazas que hicieron
peligrar la existencia de la nación polaca y que cambiaron la cara de Europa
Oriental durante el siglo XVII y
narrando también la vida hombres y mujeres trágicamente separados por la
imprudencia y el orgullo, víctimas de sucesivas oleadas de invasiones
extranjeras que dividieron a la nación contra sí misma, revelando lo mejor y lo
peor de cada persona.
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1917:
Muere Émile
Durkheim, sociólogo, sicólogo y filósofo francés (nacido en 1858).
Émile Durkheim (Épinal, Alsacia-Champaña-Ardenas-Lorena; 15 de abril de 1858-París, 15 de noviembre de 1917)
fue un sociólogo y
filósofo francés. Estableció formalmente la sociología
como disciplina académica y,
junto con Karl Marxy Max Weber, es considerado uno de los padres
fundadores de dicha ciencia.12
Durkheim creó el primer
departamento de sociología en
la Universidad de
Burdeos en 1895, publicando Las
reglas del método sociológico. En 1896 creó la primera revista
dedicada a la sociología, L'Année Sociologique.
Su influyente monografía, El suicidio (1897), un estudio de los
tipos de suicidios de acuerdo a las causas que lo generan, fue pionera en
la investigación social y
sirvió para distinguir la ciencia social de la psicología y la filosofía política.
En su obra clásica, Las
formas elementales de la vida religiosa (1912), comparó la
dimensión sociocultural de las vidas de las sociedades aborígenes y modernas,
con lo que ganó aún más reputación.
Durkheim perfeccionó el positivismo que primero había
ideado Augusto Comte,
promoviendo el realismo
epistemológico y el método
hipotético-deductivo. Para él, la sociología era la ciencia de
las instituciones, y su
meta era descubrir «hechos sociales»
estructurales. Durkheim fue un mayor exponente del funcionalismo
estructuralista, una perspectiva fundacional tanto para la
sociología como para la antropología. Según su visión, las ciencias sociales
debían ser puramente holísticas; esto es, la
sociología debía estudiar los fenómenos atribuidos a la sociedad en su
totalidad, en lugar de centrarse en las acciones específicas de los individuos.
************
1920:
Nace Orlando Rodríguez Fierro, Cantante y compositor cubano.
Orlando Leopoldo Rodríguez
Fierro (Orlando Fierro). Cantante y compositor, muy admirado por su presencia
personal, elegancia de movimiento en escena, se le considera uno de los
compositores de boleros más cantado en los últimos cincuenta años.
Contenido
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Síntesis biográfica
Nació en el ultramarino
puerto de Regla, La
Habana, el 15
de noviembrede 1920,
siendo el único artista de una familia de seis hijos formada por Ana Manuela
Fierro Garriz y de José Rodríguez Viera Malvel.
Sus inicios
Comenzó a cantar en 1942 en
un programa de la radio cubana llamada La Corte Suprema del Arte, donde logró
sobresalir entre muchos otros siendo seleccionado como “Estrella Naciente”
Trabajó con Bobby
Collazo y Juan
Bruno Tarraza, quienes fueron sus amigos, compartiendo
escenarios además con figuras emblemáticas como Rosita
Fornés, Esther Borja, Luis
Carbonell, Beny Moré, Elena
Burke, Nat King Cole, Pedro
Vargas, en importantes escenarios como Tropicana, El
Gato Tuerto, el hotel Capri y Sherezada, en el Teatro
América, en el cabaret El Aloy, en la calle Fábrica.
Compositor
Además de cantante Orlando
Rodríguez Fierro es el autor de muchas canciones tales como:
Si sientes llover
Si tú te vas
Así la quiero, (registrada
por la Peer Music), aunque dice haber inscrito
Solamente y recientemente
unas veinte a su nombre en Cuba.
En 1948 regresa
a Cuba y trabaja en televisión, radio y cabaré, también en el importante teatro
América junto a figuras como Esther
Borja.
Realizó viajes de trabajo a
varios países latinoamericanos, entre ellos Panamá y Venezuela, y
a los Estados Unidos.
En 1949 firmó
un contrato con la RCA Víctor para grabar varias placas con canciones de
autores cubanos y mexicanos como Gonzalo Curiel, Osvaldo Farrés y otros.
Ya en 1950 fue
considerado por la prensa internacional el mejor intérprete cubano del
compositor mexicano Agustín
Lara.
En 1958 regresó
a Cuba y desarrolló una etapa intensiva de cabarés, giras nacionales,
festivales y galas.
Jubilación
Decidió jubilarse en 1980 y
se apartó del mundo activo de la música. Aunque se presentaba en algunos
escenarios como en 1981 hizo
programas de televisión como Juntos a las 9 y Meridiano, espectáculo como
Tardes de Feeling en el Rumbo de San José de las Lajas.
Retorno al escenario
Después de más de veinte
años en silencio, volvió al escenario, esta vez en el marco del XVI Festival Internacional
Boleros de Oro En el 2002 es
entrevistado por Jacobo Sabludovsky para la radio mexicana.
En Octubre de 2004 fue
invitado por el Centro Libre de experimentación Teatral y Artística (CLETA)
para participar en el Festival Cervantino Guanajuato 2004
Regresa a México para
ofrecer un tributo a quienes lo conocieron y apoyaron 59 años atrás, ahora tuvo
la oportunidad de conocer a figuras como Roberto
Cantoral, Armando
Manzanero y la viuda de Agustín Lara.
La última noche que pasé contigo
inspiró la obra teatral de igual nombre que Fierro protagonizó junto a actores
chicanos y mexicanos en el X Encuentro Latinoamericano de Teatro, en el marco
del Festival
Actuó en el cabaré Las Vegas
y También fue invitado al programa televisivo El Expreso
Actualidad
En la actualidad es miembro
de la UNEAC,
canta boleros, tangos y canciones españolas, asiste a las ediciones del Festival Internacional
Boleros de Oro
Honores y reconocimientos
Recibió un reconocimiento
por su trayectoria artística en el XVIII Festival Internacional Boleros de Oro
En el XX Festival la Asamblea Municipal del Poder
Popular en Holguín le
entregó el Aldabón de la Periquera, símbolo de la cuidad, por sus elevados
valores culturales.
El 12
de noviembre de 2006 las
instituciones culturales y las organizaciones políticas del municipio le
ofrecieron un homenaje por su 86 cumpleaños, al que asistieron importantes
personalidades de la cancionística y al mismo tiempo amistades personales del
artista, así como figuras actuales reconocidas como Mayra Luz Alemán Vizcaíno y Mundito
González
1922:
Nace Francesco
Rosi, cineasta italiano
(f. 2015).
Francesco Rosi (Nápoles; 15 de noviembre de 1922 - Roma; 10 de enero de 2015)1
fue un director de cine y guionista italiano.
Índice
Biografía[editar]
Rosi estudió derecho,
a pesar de estar interesado en estudiar cine. Entró a la industria
cinematográfico como asistente de Luchino Visconti en La tierra
tiembla en 1948. Realizó su debut como director en el
filme Camicie rosse, un proyecto que tomó del director Goffredo Alessandrini, luego de que este
abandonase la producción en 1952. Rosi logró fama como director gracias a su
película de 1958 La sfida.
Durante los años 1960,
Rosi dirigió filmes que se centraban en temas controvertidos. Uno de estos
fue Salvatore
Giuliano, sobre el bandolero siciliano del mismo nombre, por el
que ganó el Oso de Plata a la mejor dirección en
el Festival Internacional de Cine de
Berlín en 1962. En 1967 dirigió un filme con producción
de Carlo Ponti: C'era una volta,
con Sofía Loren, Omar Sharif y Dolores del Río.
Entre 1972 y 1976,
Rosi dirigió tres filmes que son considerados sus obras más importantes. El
primero es Il caso Mattei, el
cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1972, seguido
por Lucky Luciano en
1974 y Cadaveri eccellenti en
1976.
En 1984 rodó Carmen, versión fílmica de la ópera
de Georges Bizet con Plácido Domingo, y en 1987 Cronaca di una morte annunciata, una
adaptación de la novela Crónica de una muerte anunciada de Gabriel García Márquez, con un reparto
internacional: Rupert Everett, Anthony Delon, Irene Papas, Lucía Bosè y Ornella Muti,
entre otros.
La 58° edición del
Festival Internacional de Cine de Berlín rindió homenaje a Rosi al exhibir
trece de sus películas en la sección de Homage, reservada a
cineasta con logros y calidad mundial. Recibió un Oso de Oro Honorífico el 14
de febrero de 2008.
Rosi murió el 10 de
enero de 2015 a los 92 años debido a complicaciones de una bronquitis.2
1924:
Nace Gianni Ferrio,
director de orquesta y compositor italiano (f. 2013).
Gianni Ferrio (Vicenza, 15 de noviembre de 1924 - Roma, 21 de octubre de 2013) fue un compositor, director de orquesta y arreglista italiano.1
Índice
o
4.1Cine
Trayectoria artística[editar]
Nacido en Vicenza
(Véneto), Ferrio estudió en los conservatorios de Vicenza y Venecia.2En
1953, Ferrio comenzó una intensa actividad discográfica; siete años después
compuso sus primeras bandas sonoras para el cine, iniciando una carrera que
incluye cerca de 120 bandas sonoras, especialmente para los géneros del spaghetti
western el giallo y
la commedia sexy all'italiana.2
Su obra "Un dólar de plata", el tema principal de la banda
sonora Un dollaro bucato de Giorgio Ferroni, más tarde
fue incluida en la banda sonora de Inglourious Basterds , de Quentin
Tarantino.3
Como compositor de música de cine, colaboró con directores como Luigi Zampa, Ermanno Olmi, Miklós Jancsó, Marco Ferreri, Duccio Tessari, Giuliano
Carnimeo o Sergio Corbucci.4
También fue
conocido por su trabajo en la música pop, sobre todo por su colaboración con la
cantante Mina, para quien compuso, entre otras, la
canción "Parole parole" , y escribió los arreglos y orquestaciones
para muchas de sus canciones y álbumes.56
La última colaboración con Mina era para su álbum de 2012, 12 (American Song
Book) , para lo cual Ferrio proporcionó tradicionalmente los arreglos de
cuerda. Otros clásicos de la música italiana de gran éxito internacional
fueron Non gioco più y Picolissima serenata,
además de la propia Parole parole, tema que tuvo versión en
diferentes idiomas como el alemán, español, holandés, japonés, turco o
el francés, lengua en la que fue interpretada
por Dalida y Alain Delon.784
Fue el conductor
oficial del Festival de Música de Sanremo en 1959 y 1962 y para el Festival de
la Canción de Eurovisión 1965.9
También participó, como director, en varios importantes programas televisivos
italianos.2
En su faceta de director de orquesta colaboró también con la Orquesta Roma
Sinfonietta.10
Una de sus última apariciones al frente de una orquesta fue en 2007 cuando fue
invitado de nuevo a San Remo.11
Vida personal[editar]
Ferrio se casó con
la actriz nacida en Argentina Alba Arnova.12
Fallecimiento[editar]
Ferrio falleció en
Roma la noche del 21 de octubre de 2013, según informaron los medios italianos,
que lo calificaron como "el señor de la música italiana".711813104
1929:
Nace Ed Asner, actor, cantante y productor estadounidense.
Edward Asner (Kansas City, Misuri; 15 de noviembre de 1929-Los Ángeles, California; 29 de agosto de 2021)1 fue un actor estadounidense, ganador de cinco Globos de Oro y siete Premios Emmy, presidente del Screen Actors Guild, y principalmente conocido por su papel como Lou Grant en The Mary Tyler Moore Show y en el spin-off de esa serie Lou Grant.
Carrera artística[editar]
En 1965 participó como actor invitado en la serie El fugitivo en el capítulo «Three Cheers for Little Boy Blue», en el papel de Roy Malinek, en el que recibía a un amigo llamado Georgie (Richard Anderson), que sería benefactor de su ciudad natal mediante la construcción de un parque industrial, aunque debido a los celos trata de asesinarlo, pero "El Fugitivo" (David Janssen) lo impide.
En 1977 se unió al elenco de la miniserie Raíces, basada en la novela homónima de Alex Haley, en la que interpretó al capitán Thomas Davies, un prestigioso marino que por necesidad económica se ve obligado a aceptar el mando del velero Lord Ligonnier, un barco destinado al traslado de esclavos desde la costa de Gambia, en África, hasta Annapolis, en Maryland (Estados Unidos), lo que le provoca un conflicto moral con sus principios cristianos. Asner ganó el premio Emmy por dicho papel.
Dio voz a J. Jonah Jameson, el editor del Daily Bugle, en la serie de animación para televisión Spider-Man (1994) y fue la voz de Ben Parker, el tío de Peter Parker / Spiderman, cuyo homicidio inspiró a Peter Parker a ser superhéroe, en la serie de animación The Spectacular Spider-Man (2008). En 1999 formó parte del elenco de The Bachelor como Sid Gluckman, padre de Jimmie, interpretado por Chris O'Donnell.
En 2002 dio vida al cardenal Angelo Roncalli en la miniserie Juan XXIII, el papa de la paz.
En 2003 Ed Asner fue Santa Claus en la película Elf, protagonizada por Will Ferrell. En 2009 le puso voz a Carl Fredricksen en Up, película de animación de Pixar. En marzo de 2013 fue la estrella invitada en el remake de la serie de televisión Hawaii Five-0 (2010), en la que dio vida a Agust March, papel que ya había interpretado en la serie original de 1989. Participó en 2014 en el elenco de la película El inventor de juegos. En 2018 interpretó a Sid, el padrastro rico de Johnny en la serie Cobra Kai.
Falleció en Los Ángeles, California, el 29 de agosto de 2021, a los 91 años de Causas naturales.2
**************
Índice
Biografía[editar]
1930:
Nace J. G.
Ballard, escritor
británico (f. 2009).
James Graham
Ballard (Shanghái, 15 de noviembre de 1930-Londres, 19 de abril de 2009) fue un escritor inglés de ciencia ficción. Un gran número de sus escritos
describen distopías.1
Índice
·
1Vida
·
2Obra
o
3.3Otros
Vida[editar]
J. G. Ballard nace
en Shanghái (China)
en 1930 de padres ingleses. Durante la Segunda Guerra Mundial fue encerrado junto
con su familia en un campo de concentración japonés,
experiencia que relataría en su obra El imperio del sol,2propuesta
para el Booker Prize, ganadora del Guardian Fiction Prize y que más tarde
llevaría al cine Steven Spielberg en la película homónima.
En 1946 su familia
se traslada a Gran Bretaña e inicia estudios de medicina
en la Universidad de Cambridge, aunque no los
completará. A continuación, trabaja como redactor en un periódico técnico y
como portero del Covent Garden, antes de incorporarse a la RAF en Canadá como
piloto. Una vez licenciado, trabaja durante seis años como adjunto a la
dirección de una revista científica, para pasar más tarde a dedicarse por
completo a la literatura.
Falleció el 19 de abril de 2009, víctima de un cáncer de próstata.1
Obra[editar]
Sus primeros
cuentos datan de 1956 y
en los años 60 se convierte en uno de los autores de referencia
de la llamada nueva ola de la ciencia ficción inglesa. Su literatura
desarrolla la problemática del siglo XX,
ya sean las catástrofes medioambientales o el efecto en el hombre de la
evolución tecnológica.
En su primera
novela, El mundo sumergido (1962), imagina las
consecuencias de un calentamiento global que provoca que los casquetes polares
se derritan, una de las primeras obras de clima ficción.3
Le siguieron El viento de ninguna parte (1962), La sequía (1965) y El mundo
de cristal (1966),
ambientada en un área boscosa de África occidental que está, literalmente,
cristalizándose.
En 1973 publicó Crash,
una meditación turbadora y explícita sobre la relación entre el deseo sexual y
los coches, y que provocó un tenso debate sobre los límites de la censura
contra la «obscenidad» cuando David Cronenberg la
adaptó al cine en 1996.
La película Crash estuvo a punto de no poder
ser estrenada en Inglaterra.[cita requerida] Tras Crash llegaron La isla de cemento (1974), Rascacielos (1975), Compañía de
sueños ilimitada (1979)
y Hola América (1981).
En 1984 Ballard llegó a
un público mucho más amplio con la obra autobiográfica El imperio del
sol, la historia de un niño en tiempos de guerra, que luego continuó
en La bondad de las mujeres (1991). El día de
la creación, otra novela situada en África, se publicó en 1987 y Furia
Feroz en 1988.
Sus siguientes
novelas fueron Fuga al paraíso (1994), un relato
apocalíptico que transcurre en un atolón del Pacífico, Noches de cocaína (1996) y Super-Cannes (2000), ambas
reelaboraciones de la novela negra clásica en una decadente
Costa del Sol, la primera, y en la Riviera, la segunda. Ballard fue también un
autor de relatos muy prolífico y, en 1996, apareció su colección de ensayos y
reseñas Guía del milenio para el usuario.
1932:
Nace Petula Clark, cantante, actriz y compositora británica.
Petula Clark, CBE (Epsom, Surrey, Inglaterra, 15 de noviembre de 1932) es una cantante, actriz y compositora británica, conocida por sus
exitosas canciones en los años 1960, en especial «Downtown», «I Know a Place», «My Love», «Colour
My World», «A Sign of the Times» y «Don't
Sleep in the Subway». Con más de 70 millones de discos vendidos en
el mundo, se ha convertido en la artista británica más prolífica, como se
registra en el Libro Guinness de récords mundiales.1
Índice
Biografía[editar]
Nació el 15 de noviembre de 1932 en Epsom, Surrey, Inglaterra. Pertenece
a una familia de artistas y, como no podía ser de otra manera, desde muy joven
se interesaen diferentes producciones.2
Con solo trece años empieza su incursión en la gran pantalla con
el film A medal for the
General, ese mismo año también participa en Strawberry Roan, Query y I
Know where I’m going; éste fue el principio de una larga filmografía. Ejemplos significativos son, Dance may (1950), The Gay Dog (1954), Daggers Drawn (1964) o Never never Land (1982), entre muchas otras.
A los veintidós años arranca simultáneamente una brillante
carrera en la música. Se estrena con
"The little shoemaker", al que le siguen "Alone" y
"Sailor", canción que llegó a ser nº1 en 1960. Precisamente en esta década en las que todas
sus canciones se convertían en éxitos, decidió trasladarse a Francia tras contraer
matrimonio con Claude Wolf.
Musicalmente su gran éxito es el tema "Downtown",
del compositor Tony Hatch,3 sencillo que se colocó en
el nº1 en el Reino
Unido y
en Estados Unidos de acuerdo a Billboard en el año 1964.4 Esta canción fue
también grabada por Frank Sinatra y la versión de
Clark se puede oír al inicio de la tercera temporada de la popular serie Lost,
así como también en la banda sonora de dicha serie.
También tuvo un segundo número uno en Estados Unidos en 1966 con la canción
"My Love".
La fama que le brindó la música le ofreció la posibilidad de
trabajar en televisión en producciones
con gran éxito.
1945:
Nace Anni-Frid Lyngstad, cantante sueca, de la banda
ABBA.
Anni-Frid Synni Lyngstad /ˈaniːfriːdˌsʏniː
ˈlʏŋstɑːd/ (Ballangen, Narvik, Noruega, 15 de noviembre de 1945),
también conocida como Frida y por matrimonio su alteza
serenísima la princesa Anni-Frid Reuss von Plauen, es una cantante
y compositora sueca que formó parte del grupo ABBA.
Biografía[editar]
Infancia[editar]
Anni-Frid nació en Bjørkåsen
(Ballangen), cerca de Narvik (Noruega), cinco meses después de finalizar
la Segunda Guerra
Mundial, como resultado de una relación entre Synni, una joven noruega, y un sargento alemán casado, Alfred Haase. Anni-Frid
siempre creyó que su padre había muerto cuando su barco de vuelta a Alemania se hundió durante la guerra.
Después de que una revista alemana publicara la historia de su origen en 1977,
Anni-Frid descubrió que su padre no había muerto y pudo conocerlo en persona en
una cita organizada por su por aquel entonces prometido, Benny Andersson.
Al final de la Segunda Guerra
Mundial, su madre y abuela habían buscado refugio en Suecia por temor a represalias por parte
de la población noruega, cuyo gobierno puso a muchos de los niños nacidos de
padres alemanes en instituciones mentales o los mandó al extranjero. Synni
murió antes de que Anni-Frid cumpliera dos años, por lo que Anni-Frid fue
criada por su abuela Arntine en Torshälla.
Desde muy pequeña, demostró sus
aptitudes para el canto, pues cuando entró al colegio por primera vez en 1952,
todos quedaron impresionados por su voz. Su profesora la sacaba todos los
viernes a cantar delante de la clase. Pero cuando no se trataba de cantar,
Frida era muy tímida "recuerdo que era una niña muy dulce y muy tímida.
Cada sábado iba a la biblioteca y volvía a casa con una enorme pila de
libros." Eran bastante pobres, pues Arntine trabajaba de costurera y no
obtenía mucho dinero, pero aun así se las arregló para comprar un piano a
plazos. Ella era también quien le tejía la ropa, normalmente jerséis de lana y
faldas plisadas de cuadros escoceses.
Inicios[editar]
Hizo su debut a los 11 años, en
una actuación a beneficio de la Cruz Roja. Un año más tarde, fue a hablar en
persona con el director de la Evald Ek Orkesta para pedirle ser la vocalista de
su banda. El propio Evald admitió "era difícil de creer como una persona
tan joven podía cantar tan bien. Además, tenía una gran versatilidad sobre el
escenario, no tenía vergüenza para cantar".
Así que, Anni-Frid consiguió su
primer trabajo como cantante de jazz a
los trece años. Más tarde, a los 16 años formó su propio grupo y se casó
en 1963 con Ragnar
Fredriksson, uno de los componentes, a los dieciocho años. Tuvo dos
hijos con él, Hans (nacido el 26 de enero de 1963) y Ann Lise-Lotte (el 25 de
febrero de 1967) antes de divorciarse. Consiguió el divorcio el 19 de mayo de
1970, el mismo día que su abuela Arntine murió a los 71 años.
Gana el enésimo concurso
durante el verano, lo que le asegura un puesto en el concurso nacional New
Faces en 1967, el cual gana con la canción «En ledig dag». El presentador del
concurso Lasse Holmqvist fue quien le anunció que como parte del premio iba a
aparecer esa noche en el programa Hylands Höger-Hörna de la
televisión nacional, presentado por el popular Lennart Hyland, quien tenía esa
noche un especial de larga duración. Era el 3 de septiembrede 1967,
noche en la que los suecos pasaban de conducir por la izquierda a hacerlo por
la derecha, para adaptarse a las normas internacionales, por lo que las
autoridades suecas prefirieron tener a la población pegada a la televisión.
La actuación de Frida fue vista
en toda Suecia, lo que le valió un contrato con EMI Suecia y la publicación de
su primer disco En ledig dag.
Poco a poco comenzó a ser
conocida en todo el país, lo que le llevó a trasladarse a Estocolmo debido a las numerosas galas y
viajes al exterior, como sus visitas a Japón o Venezuela.
Su primer lanzamiento
importante fue en un recopilatorio de nuevos cantantes editado por EMI, donde
se incluyó «Mycket kär» y «När du blir min». También participó en un disco de
canciones de Disney, donde interpretaba «Silbando al
trabajar» de Blancanieves
y los siete enanitos. Todo sigue su curso y una vez acabados los
sesenta tenía en su haber varios sencillos y una larga duración.
ABBA[editar]
El 3 de septiembre de 1967,
Anni-Frid ganó un concurso televisivo de talentos, lo que le valió un contrato
con EMI, publicando sus primeros sencillos. Grabó
su primer álbum en 1971, producido por Benny Andersson, creando la base de ABBA. A
partir de 1972, y durante una década, su principal
actividad estuvo ligada a este grupo aunque lanzó en solitario el álbum en
sueco Frida ensam (Frida a solas) en 1975.
Se casó con Benny Andersson,con el que ya vivía hace algunos años, el 6 de octubrede 1978,
divorciándose de él solo tres años más tarde, en 1981. El grupo ABBA se
disolvería un año después. En febrero de 1982,
Frida comenzó la grabación de su primer álbum en inglés (Something’s Going
On) producido por Phil Collins de
donde se obtuvo el tema, «I Know There's Something Going On»; este tema es
considerado el hit de la cantante. Le siguió en 1984 el
álbum Shine, producido por Steve Lillywhite. De ahí se obtendrían
dos grandes temas, «Shine» y «Slowly»; esta última fue regrabada por el grupo
mexicano Timbiriche.
Luego Frida se retiró de la vida pública durante varios años.
La realeza[editar]
En 1992, Frida se casó con el
Príncipe Heinrich Ruzo Reuss von Plauen (24 de mayo de 1950–29 de octubre de 1999),
que murió de cáncer linfático en 1999. Un año antes, en 1998, la hija que había
tenido Frida en su primer matrimonio, Ann Lise-Lotte Casper (25 de febrero de 1967–13 de enero de 1998)
murió en un accidente de tráfico en los Estados Unidos, donde vivía. El matrimonio de
Anni-Frid con el príncipe le confirió el derecho a
titularse Su Alteza Serenísima la Princesa Anni-Frid Reuss, Condesa de
Plauen, y le abrió las puertas de la Corte Real sueca, dado que su marido
era amigo de la infancia del rey Carlos XVI
Gustavo.
Vida actual[editar]
A principios de los años 1990, dedicaba la mayor parte de su
tiempo a problemas ambientales, aunque en 1996 apareció un nuevo álbum en
solitario en sueco, Djupa andetag (Suspiros profundos).
En 2004, grabó una canción
compuesta por su gran amigo Jon Lord (The Sun Will Shine Again), al
que le rindió homenaje en la edición de 2013 de Zermatt Unplugged.
En la actualidad, la princesa
Reuss von Plauen reside en Zermatt, Suiza,
y se dedica a obras de caridad, en especial, con la prevención de drogas y
temas ambientales. Se la ha visto últimamente en las premieres del
musical Mamma Mia! en
compañía de otro integrante de ABBA, Björn Ulvaeus.
Próximamente, en diciembre de
2014 sacó una nueva canción, "1865", en honor al monte Cervino y su
autobiografía.
************
https://www.youtube.com/watch?v=DmUrJ_9u9E8
1949:
Nace Raúl Porchetto, músico y compositor argentino.
Raúl Porchetto (Mercedes, Buenos Aires, 15 de noviembre de 1949) es un músico y compositor argentino, considerado uno de los pioneros del rock nacional.
Índice
Biografía[editar]
Los setentas[editar]
En 1972 edita su primer disco Cristo Rock, álbum de corte progresivo, con músicos de La Pesada del Rock and Roll como banda de apoyo, incluyendo a un muy joven Charly García en teclados; y participa del famoso concierto denominado "Acusticazo". Desde los años 1973 hasta 1975 editó dos simples que fueron luego incluidos en compilados y dio varios shows para lo que formó una banda llamada Reino de Munt, en la que tocaron entre otros Alejandro Lerner y Gustavo Bazterrica.
En 1976, integró el grupo acústico Porsuigieco, junto a León Gieco, María Rosa Yorio, Charly García y Nito Mestre (quienes acababan de desarmar Sui Generis).
Desde entonces y hasta 1979 graba varios álbumes para EMI, en los que colaboran artistas como Pedro Aznar, Gustavo Bazterrica, Alejandro Lerner y Lito Epumer.
Los ochentas[editar]
En 1980 edita Metegol y en 1981 Televisión, con la participación de los futuros G.I.T., discos de rock moderno, con un marcado sesgo new wave, de los primeros en su tipo en Argentina.
En 1982, cuando todavía gobernaba la dictadura militar, Porchetto cambia de banda (Gringui Herrera en guitarra; Willie Campins en bajo y Fernando ”Pepi” Marrone en batería), con esta edita 2 LPs: Che pibe, que incluye el tema «Che pibe, vení votá» cantado a dúo con León Gieco y que fue Disco de Oro. En 1983, después de la Guerra de las Malvinas, edita «Reina madre» que incluye el tema del mismo nombre, una ficticia carta de un soldado inglés a su madre, donde se preguntaba por lo ilógico de la guerra. Este álbum es uno de los más vendidos del rock nacional Argentino (doble platino).
Tras editar El mundo puede mejorar, con F. Marrone (batería), Babu Cerviño (teclados), Alambre González (guitarra) y Sirso Iseas (bajo) en 1984, regresa con otro exitoso disco en 1986: Noche y día que incluye «Bailando en las veredas», este sería su último álbum con alcance masivo. Entre ambos discos, en 1985, recibió el Premio Konex en la disciplina 'Mejor autor de rock'.
Entre 1987 y 1996 realiza cuatro álbumes y en este último edita Fuera de juego, disco que contiene nuevas versiones de sus clásicos, entre las que se destaca la participación de Sandro en «Bailando en las veredas». También realiza Madre de Dios, una obra sinfónico–coral en cinco movimientos escritos por Porchetto a la manera clásica, sobre los textos evangélicos. Se presentó en el Estadio Obras con las voces a cargo del propio Porchetto, Jairo, Guillermo Guido, el coro Kennedy y Ángel Mahler.
Actualidad[editar]
En 2001 edita Centavos de amor, en 2007 presenta un musical titulado Yo soy. En el año 2010 edito Dragones y planetas y en 2018 realizó su último álbum a la fecha, Sombras en el cielo además de un material grabado en vivo con todos sus clásicos que incluye duetos con artistas de renombre.
1951:
Nace José
Vélez, cantante y compositor español.
José Velázquez Jiménez (Telde, Gran Canaria; 15 de noviembre de 1951),
más conocido como José Vélez, es un cantante y compositor español.
Biografía[editar]
Primeros años e inicios de su carrera musical[editar]
José Vélez nació el 15 de
noviembre de 1951 en la ciudad de Telde de la isla de Gran Canaria,
en el seno de una humilde familia numerosa, siendo el segundo de diez hermanos.
Desde temprana edad José Vélez
destacó por su voz, siendo invitado a cantar en los actos del colegio o en
cualquier celebración familiar. Tan pronto se fue corriendo la fama de su voz,
fue invitado a actos y fiestas populares, comenzando por las fiestas de los
barrios cercanos hasta las principales de su ciudad, a pesar de que no era del
todo del agrado de su madre que se dedicase a cantar. Era realmente su padre
quien siempre le animaba a que hiciera “lo que el alma le pedía”. En esta
época, el cantante era conocido por el diminutivo de su verdadero nombre:
“Joselillo Velázquez” y tenía solo 7 años.
El éxito obtenido en aquellas
improvisadas actuaciones hizo que, con solo 8 años, comenzara a actuar en
calidad de solista con un grupo local llamado “Trío Maravillas”. A finales de
los años 1950 la radio era el medio principal de promoción, donde los artistas
cantaban en directo en los estudios. Además, numerosas emisoras organizaban
festivales de la canción para dar a conocer nuevos talentos, como lo eran el
Cine Avellaneda, Radio Las Palmas y Radio Atlántico con Miguel
Magrans, Jorge Alemán o Marisa Naranjo, que presentaban estos
festivales. Un productor afamado y mánager en aquel entonces
del Dúo Dinámico, Joan Manuel Serrat y José
María Lasso de La Vega, organizaba el festival más importante de la
isla, en un antiguo pabellón multiusos llamado “El Frontón” y cercano a la
céntrica calle de Triana de Las Palmas de
Gran Canaria. José se presentó al concurso y, fue tal el éxito, que
el productor se fijó en él para hacerle una prueba como solista. José ganó el
concurso, cuyo premio era un viaje a Madrid para iniciar una carrera artística
pero, de nuevo, su madre se opuso. Esto no desanimó al artista, que todavía era
niño, y continuó participando en los mejores concursos de la época, obteniendo
poco a poco mayor popularidad.
A partir de los años 60 comenzó
la oleada de turistas a la isla, y José Vélez empezó a actuar en las mejores
salas de la época: los Hoteles Husa, Metropol, la Piscina Julio Navarro,
Tropical, el Hotel Santa Catalina, la Sala Papagayo donde empezó a coger tablas
con grandes orquestas de la época. A la edad de 12 años, José fue invitado a
participar en el festival de la canción “Isla de La Palma”. Era la primera vez
que salía de la isla de Gran Canaria. Este festival era uno de los principales
de las islas y de los pocos que se televisaban en directo. José ganó el
festival por aclamación y su emisión le posibilitó que comenzara a conocerse en
toda Canarias. El premio económico fue de 8.000 pesetas, una cantidad
considerable para la época.
Entre los 14 y 16 años, José
Vélez continuó actuando por toda Canarias, pero el artista tenía hambre de
éxito y, sobre todo, la ilusión de grabar un disco con posibilidades, y esto solo
se podía hacer en Madrid o Barcelona. Esta vez con la bendición
definitiva de su madre y el dinero ahorrado, y sin cumplir aún los 17 años
viajó a Madrid.
Los primeros años en Madrid[editar]
En 1967, José llegó a Madrid
con algunas cartas de recomendación que no sirvieron absolutamente para nada,
por lo que continuó cantando con afamadas orquestas de la época que actuaban en
las salas de la cadena “Reizabal”, las mejores de la época. También continuó
presentándose a festivales y concursos musicales, obteniendo en todos ellos
primeros puestos. Esta etapa duró cinco años, hasta que la compañía
discográfica Columbia, dirigida por Enrique Martín Garea, le hizo su primer
contrato importante. Su primer single, con el que se presentó
al Festival de Benidorm pasó
desapercibido; luego de conocer al autor Ricardo Ceratto que escribió para él
''Es así la vida'', segundo single. En la cara B se encontraba
'' No hagas que me enamore de ti ''
''Es Así La Vida'' obtuvo el
premio a la popularidad en el festival de Alcobendas de Madrid y a partir de
ahí la canción empieza a sonar en toda España.
El single "Es
así la vida" se presenta en el festival de Viña Del Mar (Chile) y no se
clasificó. Posteriormente fue número 1 en Chile con la anécdota de que la cara
B fue número 1 en Miami. Con esta oportunidad la compañía graba un
segundo single: “Con una copa de más”, que también fue éxito
en Chile, España, Colombia, Finlandia y Francia, lo que ocasionó que el artista
viajara por primera vez a América, visitando Chile y Miami
A su vuelta, en el año 1974
José Vélez graba su tercer single y el que sería su primer éxito mundial: Vino
griego, una versíon cover de la canción original "Griechischer
Wein" del cantante austriaco Udo Jürgens. No obstante, al principio la
canción no conseguía entrar en las listas populares de la época y no fue hasta
9 meses después - (que José Vélez la interpreta en un programa de televisión
presentado por José María Iñigo)
-, donde la canción se convierte en número 1 y se agota en todas las tiendas de
discos. La compañía de discos se lanza a grabar el que sería el primer LP del
artista con el título genérico de Vino griego, incluyendo los 2
singles anteriores y canciones inéditas, entre las que se encuentra ¿Por
qué te fuiste pá?, canción compuesta por José Vélez en agradecimiento al
constante apoyo que le dio en vida su padre y que no pudo ver su éxito. Vino
griego se convirtió no solo en el primer éxito nacional de José Vélez,
si no que traspasó la frontera hacia toda Europa y América, obteniendo puestos
privilegiados en países como Canadá, Finlandia, Alemania, Colombia, España. Fue
tanto el éxito de Vino griego que se grabó inmediatamente el
primer álbum que fue un éxito en ventas en muchos países.
La consolidación internacional[editar]
José Vélez graba su segundo
disco: "Romántica". Era el año 1976, donde España vive la transición a
la democracia. José Vélez representa al país en el Festival
de Sopot (Polonia) con la canción
que da título al disco, ganando el mismo y consolidándose como uno de los
artistas españoles con más proyección internacional. Sonando su canción en
todos los países del Este, Colombia, Chile, Cuba y España, “Romántica” fue
grabada en varios idiomas. En este segundo disco, se incluye “Canarito”, que es
la primera canción que José Vélez dedica a su tierra. La canción fue éxito internacional
y al artista se le comenzó a denominar “El Canarito”, apelativo con el que
todavía se le conoce mundialmente.
1978 su tercer disco - Eurovisión[editar]
A finales de los años 70 en
España solo existía la televisión pública y el festival de Eurovisión tenía
un seguimiento popular muy importante. La elección del representante nacional
era comentada públicamente y contaba con una promoción muy importante. El
artista pone una condición previa, que el vídeo de la canción se grabe en
Canarias, que fue aceptada. La grabación fue dirigida por Valerio Lazarov. José Vélez comenta: “Los
momentos vividos con motivo de la celebración del festival de Eurovisión fueron
tantos y tan intensos, que todavía tengo la sensación de que fue un sueño. Hay
que tener en cuenta que España estaba en la transición democrática y el resto
de Europa la trataba escépticamente, siendo el lugar donde se celebra el
festival París, Francia. Creo que hicimos una buena y
digna actuación”. Efectivamente, España alcanzó la octava posición en la
edición del año 1978, con la canción Bailemos un vals". A pesar de que no
ganó, la canción se tradujo a varios idiomas, incluyendo el japonés, y acaparó
los primeros puestos de las listas de países como Canadá consiguiendo Disco de Oro, en
Bélgica Disco de Platino y Triple Disco Platino en España. Fue la
canción más sonada en ese año. Había sido compuesta por el "Dúo Dinámico" que ya había ganado quince
años antes con la canción La, la, la interpretada por Massiel. José Vélez fue el artista más
contratado del año (151 conciertos; datos de la revista Show press).
Argentina, su segundo hogar[editar]
José Vélez y su nuevo disco que
se llama "Confidencias" lo lleva a lo más alto en éste país vendiendo
más de tres millones de discos y actuando en los lugares más prestigiosos de
éste país y un hombre aclamado por el pueblo, así como en Colombia, Uruguay,
donde viajaba permanentemente. Tuvo especial repercusión en Sudamérica, se
escuchó mucho en España, pero sobre todo, en Argentina y en Colombia el artista
triunfó y se posicionó durante toda la década entre los primeros puestos de las
listas de ventas de los países. Varias canciones suyas han marcado una época a
lo largo de su carrera, Procuro olvidarte, Un año más, A
cara o cruz, Hoy canto por no llorar y muchísimos hits
más. Diecinueve Discos de Platino, treinta y dos de Oro fueron el resultado de
una carrera ascendente en la época de Argentina. Es en esta década donde José
Vélez actúa en los auditorios más prestigiosos de todo el mundo como: el
auditorio “Arena” de Los Ángeles, el hotel “Waldorf Astoria” en Nueva York, el “Madison Square Garden”
de Nueva York, “Dai Countin Auditorio” de Miami,
“Teatro de La Zarzuela” en Madrid o el Teatro “Gran Rex” o el “Luna Park”
de Buenos Aires, donde
actuó unas diez veces en la misma época.
Trabajando en Hispanoamérica[editar]
José Vélez durante éstos veinte
años no paró de trabajar en América, el siempre comenta que es su segunda
patria después de Canarias. Argentina le dio tanto cariño que no se sintió
extranjero, sino todo lo contrario. Iba a España a trabajar en verano y sobre
todo a ver a su familia a Canarias mientras trabajaba. Comenzó a sentirse
cansado por el gran esfuerzo de hacer tantos conciertos seguidos y empezó una
etapa sabática, marcada por el acontecimiento del fallecimiento de su madre,
José Vélez vuelve a la arena con un disco que conmemora su trigésimo
aniversario en la música y que lleva el título genérico de “Por ti, 30 años”.
Es un disco con temas inéditos, excepto 2 actualizaciones de canciones
incluidas en su primer disco: “Este oficio de cantante” y “Amor con amor se
paga”. La canción seleccionada para la promoción de este disco, “Canario
latinoamericano” fue un éxito total en su tierra, contagiándose posteriormente
al resto del país y a varios países latinoamericanos. Esta etapa está marcada
por la decisión de José Vélez de permanecer más tiempo entre Madrid y Canarias,
permaneciendo menos tiempo en sus otras residencias habituales como Buenos
Aires, y coincidiendo con múltiples actuaciones por todas las islas, donde el
artista recibe el cariño de sus paisanos como nunca anteriormente; no en vano,
José Vélez siempre ha sentido el cariño y apoyo de su pueblo, agradeciéndolo
públicamente siempre que puede. Después de cinco años sin viajar a Argentina,
debido a su etapa sabática y los compromisos en España, New York y Colombia,
José Vélez decide volver a Argentina en el año 2006: “ Yo pensé que no me
recordarían, y regresar a Argentina después de tanto tiempo fue uno de los recuerdos
más bonitos de toda mi vida”. Este primer viaje dio lugar a otro, donde el
artista realizó una gira de casi 3 meses por el país, teniendo que retrasar la
vuelta a España por 2 veces, debido a la demanda de conciertos y el éxito
obtenido. En el Teatro Gran Rex donde actuó José Vélez, el teatro con más
capacidad de público de la Calle Corriente en Buenos Aires, dejó a una parte
del público en la calle sin poder entrar en el mismo, debido a la gran demanda
del artista. En este momento nace la semilla del último trabajo del artista:
“Auténtico”. El año 2007 transcurre entre los preparativos, selección de las
canciones y grabación del disco, alternando este trabajo, con los conciertos
programados. En agosto de 2007, José Vélez realiza en su municipio natal el
concierto conmemorativo de su 30 aniversario, congregando en el mismo a 30.000
personas en una noche memorable en la playa de Melenara, donde no se había
visto nunca tal acontecimiento.
*************
1952:
Nace Antonella
Ruggiero, vocalista del grupo italiano Matía Bazar.
Biografía[editar]
Sus comienzos[editar]
Grabó su primer disco “Io
Matia” en el año 1974. Matia es el nombre artístico con el cual
Antonella empezó oficialmente una carrera como solista también en ese año, con
un antiguo disco de vinilo de 45 rpm,
aunque ya había colaborado con el grupo Jet en su disco de vinilo
titulado “Fe, Esperanza y Caridad”, haciendo los coros. De la unión de
algunos miembros del Jet y de Matia nació en 1975 la
banda conocida como Matia Bazar.
Matia Bazar[editar]
Fue así que en el año 1975 ella
creó ese histórico grupo junto con Piero Cassano (voz y percusiones), Aldo
Stellita (bajo), Giancarlo Golzi (batería), Carlo Marrale (voz y guitarra). La
voz inigualable de Antonella Ruggiero en concierto y la habilidad innovadora de
los otros músicos, llevó al grupo hasta alcanzar reconocimientos sobresalientes
en toda Europa. Tuvieron varios éxitos año tras año. “Ma
Perché”, “Solo Tu”, “Per Un’ora d’Amore” (Por Una Hora A
Tu Lado en español), “Stasera Che Sera" (Esta Tarde Que
Tarde en español), “Cavallo Bianco”, “Il Video Sono Io”,
“Mister Mandarino”, “Ti Sento” (Te Siento en
español), “Vacanze Romane”, son algunos de esos éxitos. Su sociedad con
el grupo concluyó en 1989. Después de 7 años, hizo
su debut como solista con el álbum titulado “Libera”, como resultado de un
viaje catártico realizado en nuevas atmósferas culturales y musicales.
Carrera en solitario[editar]
Su renovado éxito fue
confirmado dos años más tarde en la edición 1998 del Festival de Sanremo,
cuando obtuvo el segundo lugar con “Amore Lontanissimo” (Dónde Estás
Ven A Mí en versión española), que también mereció el premio de la
crítica al mejor arreglo. Además el álbum correspondiente (“Registrazioni
Moderne”) fue grabado en español para publicación en Argentina y España, con el título “Grabaciones Modernas”,
editado por la casa Universal Music,
el cual también contiene aquellas canciones que la hicieron famosa con la
banda Matia Bazar, pero en
versiones inéditas cantadas en español, y acompañada por nuevos grupos
italianos de pop y rock.
En el año 1999,
estuvo en el Festival de Sanremo con
su marido Roberto Colombo para cantar “Non Ti Dimentico”, y fue clasificada
en el segundo lugar de nuevo. Esta canción fue dedicada a Aldo Stellita (ex
fundador, miembro, autor y músico de Matia Bazar) quién había fallecido
inesperadamente en 1998, y quién había sido su
compañero de banda. Inmediatamente después del festival, Antonella lanzó su
tercer CD como solista, titulado “Sospesa”. Este álbum fue considerado
como un trabajo de primera pues incluyó dos participaciones inolvidables: al
maestro Ennio Morricone que
la acompañó con “And Will You Love Me”, y a Giovanni Lindo Ferretti,
quién escribió junto con Antonella y Roberto Colombo la canción “Di Perle e
Inverni”.
Su ductilidad vocal, su gusto
musical, su enérgica emoción con el público, confirmaron el valor de la artista
como uno de las voces más importantes en la historia de la música italiana. En
el año 2003 regresó de nuevo a la competencia
de Sanremo con la canción “Di un Amore”
(que obtuvo el noveno lugar), y en 2005 con
“Echi D’Infinito” que ganó el premio en la categoría “Mujeres”, y al
mismo tiempo el tercer lugar en la clasificación general. En el año 2005,
junto con los coros de silario.it Sant'Ilario Di Rovereto y
del Valle
Dei Laghi di Padergnone (pueblos de la provincia de Trento), asumió el papel principal del
proyecto “Echi
D’Infinito”, una recuperación de canciones populares alpinas,
acompañada sólo por voces humanas.
Recientemente surgió el aspecto
más experimental y poliédrico de Antonella Ruggiero. Al mismo tiempo del Festival de Sanremo donde
ella interpreta al público sus más hermosas canciones, con mucha frecuencia
realiza giras con distintos tipos de concierto:
·
“Sacrarmonia”, un concierto dedicado a la música sacra
del mundo;
·
“Homenaje a Amalia Rodrigues”, un concierto comprometido
con el fado portugués y su más famosa intérprete;
·
“Four
Steps for Broadway”, un recital dedicado a los musicales más famosos
de Broadway (“Tonight”, “Over the Rainbow”, “Summertime”);
·
“Stralunato recital”, donde ella interpreta sus más
canciones más famosas y significativas.
En el año 2007 participó
una vez más en Sanremo con la
canción “Canzone Fra le Guerre” (escrita en colaboración con Cristian
Carrara), que alcanzó el noveno lugar al final. Durante la tercera tarde
de Sanremo (dedicada a los anfitriones),
ella concursó cantando sin instrumentos musicales, tan sólo acompañada de los
Coros de Valle del Laghi y de S. Ilario (de región italiana de Trentino-Alto Adige).
El viaje artístico de Antonella
Ruggiero evoluciona continuamente. Sin tener que abandonar la música pop que la
volvió famosa también a nivel internacional, la cantante presta su poderosa voz
para hacer viajar en la música y en el cantar de diferentes orígenes y
culturas. Antonella Ruggiero también ha cantado muchas veces en países
anglosajones. Hay que recordar la versión de “Ti Sento” que se volvió
famosa en la Gran Bretaña con el título
“I Feel You”. El 4 de junio de 2004,
ella interpretó un concierto en el Museo de Brooklyn, Nueva York, como adelanto mundial de su CD con
cantos sacros de inspiración cristiana y de varias partes del mundo. Este CD/DVD
se titula “Sacrarmonia Live (Il Viaggio)” y está publicado en Italia por Egea Records. Acompañada
por Mark Harris (piano),
Carlo Cantina (cuerdas), e Ivan Ciccarelli (percusiones), el 25 de noviembre de
2004 ella cantó en el Sugar Club de Dublín, Irlanda.
Su página oficial en la red de
Internet se encuentra en la dirección www.antonellaruggiero.com, donde también
se pueden adquirir en línea casi todos sus discos.
*************
Índice
Biografía[editar]
Biografía[editar]
Discografía[editar]
Los Rodríguez[editar]
1972:
Nace Jonny Lee Miller, actor británico.
1954:
Muere Lionel Barrymore, actor, cantante,
director y guionista estadounidense (n. 1878).
Lionel Herbert Blythe (Filadelfia, 28 de abril de 1878-Beverly Hills, 15 de noviembre de 1954),
conocido como Lionel Barrymore, fue un actor de teatro, radio y
películas estadounidense.
Índice
o 3.1Óscar
Biografía[editar]
Barrymore fue
el hermano mayor de Ethel y John Barrymore, y sus padres fueron Maurice
Barrymore y Georgiana
Drew. Se casó con las actrices Doris Rankin e Irene Fenwick.
Comenzó su
carrera en los escenarios a comienzos de los años
1900. En 1907, luego de pasar algunos años en París, volvió a Broadway, donde estableció una reputación como actor
dramático. Él probó su talento en algunas obras como Peter Ibbetson(1917), The
Copperhead (1918) y The Jest (1919).
En 1924 dejó
Broadway por Hollywood. En
1930 fue el ayudante de dirección de Wesley Ruggles en la película The Sea Bat. En 1931 ganó
un Óscar por
su papel de abogado alcohólico en A Free Soul (1931), después de haber sido candidato
en 1930 al premio al mejor
director por Madame X. Aunque pudo representar
muchos tipos de personajes, como el malvado Rasputín en Rasputin and the Empress de 1932 (en
donde coprotagonizó con John y Ethel Barrymore), estuvo, durante los años 1930 y años 1940, estereotipado como un gruñón, pero
normalmente dulce, hombre anciano en algunas películas como La isla misteriosa(1929), Grand Hotel (1932, con John), Cena a las ocho (1933, película en la que
participaba también su hermano John, aunque no tuvieran escenas juntos), Capitanes intrépidos (1937), You can't take it with you (1938), Duelo al sol (1946), y Key Largo(1948).
Por la calidad humana transmitida, es probable que su rol más conocido sea el
protagonizado en Vive como quieras(1938), donde encarnó a Martin
Vanderhof o, más cariñosamente, Grandpa (el abuelo),
como le llamaba su nieta Alice Sycamore, interpretada por Jean Arthur.
Interpretó al
villano señor Potter en la película ¡Qué bello es vivir! (1946), dirigida por
Frank Capra y cuyo personaje sería considerado uno de los mejores villanos de
la historia de Hollywood por el América Film Institute (AFI).
Personificó
al irritable Doctor Gillespie en una serie de películas del Doctor
Kildare en los años 1930 y años 1940, y el rol del título en las series de radio
de los 1940s Mayor of the Town. Después de haberse roto la cadera
dos veces, quedó confinado en una silla de ruedas, pero siguió actuando. Así se
explica por qué interpretó al Dr. Gillespie en silla de ruedas, y por qué no
era capaz de interpretar a Scrooge en la versión en película 1938 de MGM, A Christmas Carol.
Barrymore
murió el 15 de noviembre de 1954 de
un ataque al corazón,
y está enterrado en el Cementerio Calvary en el Este de
los Ángeles, California.
Tiene una
estrella en el Paseo de
la Fama de Hollywood en el 1724 de la Calle Vine.
Es el tío
abuelo de la actriz Drew Barrymore.
1954:
Nace Kevin S. Bright, director y productor estadounidense.
Nace Kevin S. Bright, director y productor estadounidense.
Kevin S. Bright (nacido en 1954, Nueva York) es un productor ejecutivo y director estadounidense. Sus créditos incluyen Friends, la comedia de situación estadounidense muy popular en otros países, y Joey, el spin-off de la anterior.
Se graduó de la universidad de Emerson College y se mudó a Los Ángeles en 1982. En 1993, Bright firmó contrato con Marta Kauffman y David Crane, los que crearon Friends, y fue el productor ejecutivo. También dirigió 42 de los episodios de la serie. Cuando terminó Friends el 6 de mayo de 2004, Bright produjo Joey, la cual finalizó en 2006.
En 2006, Bright volvió a Boston para enseñar en el Colegio Emerson. Durante su estancia allí, produjo un episodio piloto para un programa de internet titulado Browne at Midnite.
1954:
Nace Tony Thompson, baterista de la
formación original de la banda de rhythm and bluesy funk estadounidense Chic.
Tony Thompson (Estados Unidos, 15 de noviembre de 1954 - Los Ángeles, 12 de noviembre de 2003)
fue un baterista de la formación original de la
banda de rhythm and bluesy funk estadounidense Chic como también baterista de estudio
con una larga lista de trabajos y participaciones como la banda The
Power Station con el bajista y el guitarrista de Duran Duran y el
vocalista Robert Palmer.
Biografía[editar]
Su primera aparición fue en el grupo Labelle de la década de 1970, seguido por un largo período
con Chic, pionero de la era disco,
donde colaboró en la creación de éxitos como "Dance Dance Dance (Yowsah,
Yowsah, Yowsah)", "Le Freak" y "Good Times".
Después de la separación de Chic en 1981, Thompson hizo muchos
trabajos con el productor Nile Rodgers (exguitarrista de Chic) y trabajó con
numerosos artistas como Diana Ross, Debbie Harry, Sister Sledge, Jody Watley, Madonna, Rod Stewart, Robert Palmer, Mick Jagger, y David Bowie (en su álbum "Let's
Dance" de 1983 y el subsecuente tour "Serious
Moonlight").
Durante un gran evento de caridad Live Aid de 1985,
Thompson se reunió con los miembros antiguos de Led Zeppelin en el palco (junto con Phil Collins) en el estadio John F. Kennedy, y
fue preguntado por su posible integración definitiva en la banda sustituyendo
al baterista John Bonham, en una
propuesta de reunión para 1986. Dicha propuesta no llegó a realizarse, porque
aquel año Thompson sufrió un serio accidente de automóvil y no estaba en
condiciones de participar.
En noviembre de 2003 se le diagnosticó un carcinoma en las células
renales. Falleció un mes después, en Los Ángeles, el 12 de noviembre de 2003,
a los 48 años.
1957:
Muere Orlando
de la Rosa. Compositor y pianista cubano.
Nacido en el año 1919; uno de tantos
nombres significativos de la música popular cubana. Fallece el 15 de
noviembre de 1957.
Contenido
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Síntesis Biográfica
Nació en la La Habana el 15 de abril de 1919 en un humilde hogar,
que apenas le pudo propiciar parte de los estudios de bachillerato. En cuanto a
lo que se suele llamar “la educación musical”, inició estudios de piano a los
nueve años de edad con su madre y luego asistió a clases de solfeocon un profesor, de
quien la ficha del Diccionario de la
Música Cubana de Helio Orovio, no pudo recoger ni su nombre. Solo su
apodo: Pachencho.
Fue nieto por vía materna
del notable danzonero Raimundo Valenzuela. Las elocuentes
limitaciones para adquirir cultura académica no fueron en definitiva un
obstáculo para que ya en la adolescencia Orlando de la Rosa dominara
muy bien el piano y empezara a componer. Apenas con veintiún años, en 1940, dio a conocer su primer
bolero, llamado "Ya sé que es mentira", con lo que iniciaba una
órbita de trabajo que solo pudo prolongarse por quince años y dio como frutos
importantes obras, que contribuyeron a introducir un estilo nuevo en la canción
cubana, como "Vieja Luna", "Cansancio", "Tu
llegada", "No vale la pena", "Mi corazón es para ti",
"Nuestras vidas", "La canción de mis canciones", "Para
cantar al "No vayas a pensar", "Anoche hablé con la luna",
"La mazucamba" (rumba desaforada-sic-), "Te lo ruego,
no me abandones", "Esto es felicidad (con Boby Collazo), y otras.
En 1948 hizo giras por Estados
Unidos. Trabajó en diversos medios: Radio, TV, Cabarets, Filmes que
musicalizó, y acompañó a importantes cantantes, lo que resintió su salud
sensiblemente. Grabó varios discos. Fue del grupo de pianistas compositores que
en la década del 40 dotaron al cancionero cubano de gran cantidad de excelentes
obras.
Cuarteto vocal
Aunque ocupaba la mayor
parte de su tiempo como pianista acompañante, pudo ofrecer conciertos de música
popular y fundó un reconocido cuarteto vocal que llevaba su nombre, además de
mantenerse por mucho tiempo en la popularidad. Al cuarteto de Orlando de
la Rosa, pertenecieron dos jovencitas llamadas Elena Burke y Omara
Portuondo, distinguibles cantantes cubanas conocidas en el mundo entero.
Composiciones más conocidas
Entre las composiciones más
conocidas de Orlando de la Rosa están:
"Cansancio"
"Vieja luna"
"Mi corazón es para
ti"
"Qué emoción"
"Nuestras vidas"
"Si te dicen"
"No vale la pena".
1964:
Germán Vilella (Torrejón de Ardoz, España, 15 de noviembre de 19641 es un baterista español de música rock.
Empezó su carrera en el grupo Piter Pank,
la banda Mercedes Ferrer y Los Rodríguez. También realizó colaboraciones
con artistas como Antonio Flores, Luz Casal Luis Eduardo Aute y Alex y Cristina.2
Discografía[editar]
Los Rodríguez[editar]
·
Buena suerte (1991)
·
Disco pirata (Directo 1992)
·
Sin documentos (1993)
·
Hasta luego (Recopilatorio 1996)
·
Para no olvidar (Recopilatorio 2002)
1972:
Nace Jonny Lee Miller, actor británico.
Jonathan Lee Miller (Kingston upon Thames, 15 de noviembre de 1972) es un actor británico.
Índice
Biografía[editar]
Inicios[editar]
Jonathan Lee Miller nació en la población de Kingston upon Thames, ubicada al suroeste de Londres, Inglaterra. En el mundo artístico es mejor conocido como Jonny Lee Miller. Su padre es Alan Miller, un actor de teatro y director de escena de la cadena de televisión BBC, y su madre es Anne Lee (apellido de soltera), quien trabajó en el pasado en la producción de obras teatrales.12 El abuelo materno de Miller fue el famoso actor Bernard Lee, quien ha recibido reconocimiento por sus actuaciones en las primeras once películas de James Bond por el papel de M. En varias ocasiones, Miller ha declarado que recuerda agradablemente haber presenciado la grabación de programas como Top of the Pops y Blue Peter en los estudios de televisión cuando acompañaba a su padre.3
Miller realizó sus estudios primarios en las escuela Tiffin School ubicada en Kingston upon Thames. En esta escuela obtuvo sus primeras experiencias actorales, y formó parte de la banda escolar de Swing.4 Miller abandonó la escuela a los 17 años, para ejercer su carrera de actor.5
Carrera cinematográfica[editar]
La primera aparición de Miller en televisión fue como extra sin acreditar en la serie Doctor Who, en el serial Kinda de 1982, cuando tenía 9 años. Su debut propiamente dicho fue a los 11 años de edad, en la serie británica Mansfield Park (1983).6 Durante los siguientes años de su vida participó en numerosas series televisivas, como la serie titulada EastEnders con el personaje de Jonathan Hewitt. Miller consiguió su primera intervención en el cine, en la película Hackers (1995), donde compartió el papel protagonista con la actriz Angelina Jolie. En 1997, Miller estuvo involucrado en la creación y el funcionamiento de la compañía británica de producción de cine, llamada Natural Nylon, en compañía de sus amigos Jude Law, Sadie Frost, Ewan McGregor, Sean Pertwee, Damon Bryant y Bradley Adams. Sin embargo, la compañía Natural Nylon fue declarada en bancarrota en el 2003.7 Aparte de EastEnders, Miller ha colaborado en otros proyectos de televisión de la BBC, como Los cuentos de Canterbury (en el papel de Artie), en The Pardoner's Tale y en Lord Byron, un filme dedicado a la biografía de ese escritor, entre otros. Además, trabajó en los Estados Unidos, en la serie Smith, transmitida por la cadena de televisión CBS durante el otoño del 2006. No obstante, su primera aparición en la televisión estadounidense fue en la miniserie Dead Man's Walk, de 1996.
Poco tiempo después de actuar en Hackers, Miller fue seleccionado en el reparto del filme Trainspotting (1996), donde conquistó el reconocimiento del público. Obtuvo el papel de Sick Boy para este filme, debido a la recomendación realizada por Ewan McGregor a los productores. El acento de voz que utilizó en la película fue tan convincente que algunas personas pensaron equivocadamente que era de origen escocés.8 En 1997, participó en la película Regeneration, basada en la novela del escritor Pat Baker sobre la Primera Guerra Mundial. En el año 2000, Miller interpretó el personaje de Simon Sheppard en la película producida por Wes Craven titulada Dracula 2000.
En el 2005, Miller fue considerado para reemplazar al actor Pierce Brosnan en el papel de James Bond; sin embargo, el actor Daniel Craig fue seleccionado.8 Al año siguiente, Miller interpretó al ciclista Graeme Obree en la película The Flying Scotsman. En el 2007, fue elegido para el papel protagonista de la serie estadounidense Eli Stone. En el 2010, participó en la quinta temporada de Dexter, donde encarnó a Jordan Chase, el principal antagonista de la temporada. Actualmente y desde el 2012, interpreta a Sherlock Holmes en la nueva serie Elementary.
Vida privada[editar]
En el año 1996, Miller contrajo matrimonio con la actriz Angelina Jolie, separándose en 1997, y divorciándose en 1999.9 En 2007, el publicista de Miller anunció que el actor estaba comprometido con la actriz Michele Hicks.10 En julio de 2008, Miller y Hicks contrajeron matrimonio en la ciudad de Los Ángeles. En el momento de su boda, Hicks estaba embarazada de cinco meses y medio.
1973:
Nace Liniers, historietista, ilustrador, pintor y editor argentino.
Liniers ―seudónimo
de Ricardo Siri (Buenos Aires, 15 de
noviembre de 1973)― es un historietista, ilustrador, pintor y editor argentino conocido por ser el autor de Macanudo, que es publicado desde 2002 en el diario La Nación,
entre otras obras. En el año 2012 recibió un Diploma al Mérito en Artes
Visuales por la Fundación Konex, en el 2014 fue declarado Personalidad Destacada en el Ámbito de la Cultura de
la Ciudad
de Buenos Aires por
la Legislatura Porteña y en el 2018 recibió un Premio
Eisner en la
categoría Mejor Publicación para Lectores Novatos por su
libro Buenas noches, Planeta,1 y el premio Inkpot Award.2
1976:
Nace Virginie Ledoyen, actriz francesa.
Virginie Fernández (París, 15 de noviembre de 1976), conocida como Virginie Ledoyen, es una actriz y modelo francesa . Entre sus papeles destaca Françoise de La playa, película en la que actuó junto a Leonardo DiCaprio.
Biografía[editar]
Virginie pasó su infancia en Aubervilliers, Francia, hija de una restauradora y nieta de un español12. Tomó el apellido Ledoyen del apellido de soltera de su abuela materna, actriz amateur.
Nacida en Francia en 1976, Virginie Ledoyen, tras varios anuncios de televisión, empezó su carrera cinematográfica a los diez años con Les exploits d’un jeune Don Juan. Poco más tarde protagonizó junto a Marcello Mastroianni y Ángela Molina El ladrón de niños (1991) dirigida por Christian de Chalonge, La Ceremonia (1995) de Claude Chabrol, Jeanne y el Chico Formidable bajo las órdenes de Olivier Ducastel (1997) y Finales de agosto, principios de septiembre, de Olivier Assayas (1998).
Gracias a su intervención en el año 2000 en la película La playa junto a Leonardo DiCaprio, Virginie se ha convertido en una de las actrices francesas con más proyección internacional.
Ha protagonizado una treintena de largometrajes entre los que destaca 8 mujeres, dirigida por François Ozon, en la que compartió cartel con algunas de las actrices francesas más destacadas del momento, Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart y Fanny Ardant. Su trabajo en esta película les valió el Oso de Plata de Berlín en 2002, y el premio a la Mejor Actriz en en los European Film Awards 2002.
Entre sus últimos trabajos estrenados en nuestras pantallas destaca El internado, el primer largometraje de Pascal Laugier. Recientemente ha trabajado en Holly, del director Guy Moshe.
En 2007 rodó la película Bosque de sombras junto a Gary Oldman en las Peñas de Aya (Guipúzcoa).
En 2011 participa en la serie de televisión francocanadiense XIII (La Serie) en el papel de la mercenaria rusa Irina Svetlanova.
1977:
Nace Sean Murray, actor estadounidense.
Sean Harland Murray (Bethesda, 15 de noviembre de 1977) es un actor estadounidense. Es conocido por su papel de Timothy McGee en la serie de televisión NCIS y por el papel de Danny Walden en la serie JAG. También interpretó a Thackery Binx en la película Hocus Pocus.
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Biografía[editar]
Vida temprana[editar]
Murray nació en Bethesda, Maryland. Es hijo de Vivienne Bellisario, quien es la 4ª esposa del productor y guionista Donald P. Bellisario. Murray pasó su infancia cerca de Coffs Harbour, en Nueva Gales del Sur, Australia, y tiene la doble nacionalidad en los Estados Unidos y Australia.1 Estudió en la Bonita Vista Junior High School en Chula Vista, California.
Carrera como actor[editar]
Comenzó su carrera como actor trabajando en la película cómica Backfield in Motion (1991). Sus otras actuaciones incluyen un papel como actor de reparto en series como Harts of the West (1993) y JAG (1995), y un pequeño papel en la comedia de situación The Random Years (2002). Ha realizado múltiples apariciones como artista invitado en series como ER (1994). Además ha figurado como protagonista en Too Romantic (1992) y también en varias películas como Hocus Pocus (1993), y This Boy's Life (1993). Desde 2003 interpreta al agente Timothy McGee en la serie NCIS, papel que al principio interpretaba de forma recurrente en la serie.
Vida personal[editar]
Está casado con Carrie James desde el 26 de noviembre de 2005, con la que tiene dos hijos: Caitlyn Melissa Murray, nacida el 3 de mayo de 2007 y River James Murray, nacido el 22 de abril de 2010.2
Murray es hijastro de Donald P. Bellisario, productor de NCIS, hermano de Chad W. Murray, quien ha trabajado en la realización de NCIS, y hermanastro de David Bellisario y Julie B. Watson, que han trabajado en la producción de NCIS. También es hermanastro de Troian Bellisario, que interpretó a Sarah McGee en NCIS y a Spencer Hastings en la serie 'Pretty Little Liars', y de Michael Bellisario, que interpretó a Charles "Chip" Sterling también en NCIS.
1984:
Nace Chyno Miranda, cantante venezolano quien fue integrante del grupo musical Calle Ciega2 y del dúo Chino y Nacho.
Jesús Alberto Miranda Pérez (La Guaira; 15 de noviembre de 1984), más conocido como Chino o Chyno Miranda, es un cantante venezolano quien fue integrante del grupo musical Calle Ciega2 y del dúo Chino y Nacho.
Índice
Biografía[editar]
Chyno nació en la La Guaira de Venezuela el 15 de noviembre de 1984. Formó parte de muchos grupos musicales antes de debutar como parte del dueto Chino y Nacho, y como son Calle Ciega, Scala 1, Censura C y el Reality Show de Venevisión Generación "S".
El 26 de agosto de 2017 contrajo matrimonio con la venezolana y comunicadora social Natasha Araos.34
Carrera artística[editar]
Inicia su carrera como miembro de los grupos “Scala 1”, “Censura C”, participó en el Reality Show de Venevisión “Generación S”5 y fue miembro de Calle Ciega, antes de ser parte del dúo Chino y Nacho, con el que consigue fama internacional.
A lo largo de su carrera como parte de Chino y Nacho, creó éxitos como “Mi niña bonita”, "Tu angelito", “Lo que no sabés tú”, “El poeta”, "Regálame un muac", "Bebé bonita", “Me voy enamorando (con Farruko)” y su último hit “Andas en mi cabeza (con Daddy Yankee)".
Chyno, ha cantado en grandes escenarios del mundo como: Madison Square Garden, American Airlines Arena, The Fillmore, House of Blues, La Quinta Vergara, entre muchos otros. Su última gira “Radio Universo Tour” como parte de Chino y Nacho contó con más de 80 conciertos.
En su faceta como actor Chyno protagonizó la película “El malquerido en donde personificó al cantante de boleros Felipe Pirela y por el cual fue nominado a un Grammy latino por el Soundtrack de la película, cantado por él mismo.
Separación de Chino y Nacho[editar]
En marzo del 2017 Pablo Villalobos el ex manager de Chino y Nacho informó la separación durante la ceremonia de los Premio Lo Nuestro. Villalobos compartiendo a través de su cuenta de Instagram una frase y una fotografía solo con Chyno que decía:
“Aquí comenzó todo, aquí terminó todo y aquí comienza todo de nuevo”.6
En una entrevista que le realizaron a Chyno, él comentó lo siguiente:
Nacho ya venía preparando su carrera en solitario desde hace tiempo y yo respeto eso. Siento que no es un "hasta luego" sino un "hasta pronto" y que, en alguna oportunidad, podríamos regresar con mucho cariño y entregar música incluso hasta con más intensidad. En la vida hay que cerrar ciclos y abrir otros. Ahora, pusimos éste en pausa. Creo que nos faltaron cosas por lograr, mercados que conquistar, pero bueno, no era el momento. Espero que Nacho sea bastante feliz en su nueva etapa como solista. Yo ahora es que me estoy activando con el tema de la música porque antes estaba dedicado 100 % a Chino y Nacho y no había hecho nada aparte, pero en esta ocasión, dadas las circunstancias, me tocó salir a la calle y trabajar. Todo terminó de manera armoniosa. Yo sigo pa' lante, con muchas energías positivas, me encantan los retos y espero que todo salga de maravilla.7
Carrera como solista[editar]
Chyno Miranda comenzó ya su carrera como solista dejando atrás a Chino y Nacho y empezando una nueva etapa de su carrera. En abril del 2017 grabó su primer sencillo Quédate conmigo con la colaboración de Gente de Zona y Wisin. Dicho sencillo fue lanzado con su vídeo oficial el 16 de junio de 2017.
Chyno decidió cambiar la forma de escritura de su nombre para así dejar atrás al Chino Miranda que formaba parte de Chino y Nacho y llegar con el "Chyno" Miranda en su nueva etapa como solista. Además si usaba el nombre artístico de Chino podría tener problemas porque pertenece a un grupo español. Para debutar como tal, el 16 de junio de 2017, lanzó su primer sencillo «Quédate conmigo» que contó con la participación de Wisin y Gente de Zona.8 Debido a su promoción como estreno, logró superar la cantidad prevista en YouTube. El 14 de septiembre de 2017, lanzó su sencillo «Tú me elevas» en dedicatoria a su matrimonio con Natasha Araos.
Posteriormente en el 26 de octubre, presentó el sencillo «Hasta el ombligo» donde contó con la colaboración del dúo puertorriqueño Zion & Lennox. A partir de esto, Chyno empezó a realizar diversas colaboraciones con diversos artistas como Carlos Baute, 3Ball MTY, Olga Tañón y Agustín Casanova, ex-vocalista de la agrupación uruguaya Márama.
En 2018, lanza el sencillo «Sin trucos de belleza» el cual lo interpreta con el rapero Neutro Shorty y el puertorriqueño Juhn.
En agosto del mismo año lanzaría el sencillo «Me provoca» y en septiembre lanzó dos sencillos «Roce» con Tomas The Latin Boy y «El peor» junto a J Balvin.
Reencuentro con Nacho[editar]
El 22 de febrero 2019 en el festival "Venezuela Aid Live", Chyno se reencontró con Nacho para interpretar juntos el tema "Mi Niña Bonita"9 poniendo fin a su muy mediática disputa que llevó a ambos cantantes a ocupar decenas de titulares con sus polémicas declaraciones. Al momento no se ha revelado si volverán a colaborar juntos como dúo musical.
1989:
Muere Alejo Durán,
compositor colombiano de música vallenata.
Gilberto Alejandro Durán Díaz (El Paso - Cesar,
9 de febrero de 1919 - Montería, 15 de noviembre de 1989), conocido
como Alejandro Durán y apodado el negro Alejo, fue
un acordeonero,
compositor y cantante colombianode vallenato.2 En 1968 ganó el concurso de
acordeoneros del Primer Festival
de la Leyenda Vallenata, convirtiéndose así en el primer Rey
Vallenato.3
Origen[editar]
Hijo de Náfer Donato Durán
Mojica y Juana Díaz.4 Entre sus hermanos figuran Luis
Felipe Durán, y cantautor, acordeonero Náfer Durán.5 Su hermano Luis Felipe grabó un álbum
en 1949 sin mucho éxito.
Sus ancestros provienen
de Antioquia con Pío Durán, su bisabuelo, quien era músico e interpretaba
el tiple, su hijo Juan Bautista Durán Pretel y
abuelo de Náfer, también fue músico; acordeonero y gaitero.5
El Paso es un pueblo situado entre los
ríos Cesar y Ariguaní, habitado desde un principio por vaqueros, agricultores y
tocadores de tambor. De niño Alejandro deambulaba por la sabana, trabajando
desde los diez años en la finca Las Cabezas. 6
Su carrera[editar]
Inicios[editar]
Cuando tenía 23 años, empezó a
trabajar como ayudante de vaquería en algunas fincas del departamento del Magdalena Grande.
Allí Alejo descubre en la voz de los vaqueros, el tono y los temas de las
canciones rústicas tan ajenos a lo que conocía, dejándolo cautivado.
En 1943, a los 26 años, saca el
viejo acordeón de su tío
Octavio de un baúl en donde empieza a tocarlo y hacerlo sonar de acuerdo con su
tono de voz grave, ronca y parecida a la de su madre cuando cantaba tamboras en
diciembre.
Según David Sánchez Juliao,
Durán aprendió a tocar la caja, violina y guacharaca, el acordeón ya mencionado
lo aprendió cuando ya era mayor y tuvo entre sus profesores a Octavio Mendoza
conocido como "El negro Mendo" y Víctor Julio Silva.1 Con sus hermanos Nafer y Luis Felipe
organizaron un grupo musical y amenizaban fiestas en la región del sur de
Bolívar.1 Su primer disco lo grabó en la ciudad
de Barranquilla con
sus hermanos y nombraron la agrupación "El Conjunto de Los Tres
Duranes" que grabaron bajo los sellos discográficos; Fuentes, Curro,
Silver, C.B.S y Tropicaly.1 Durán adquirió el apodo de "El
Rey Negro del Acordeón" por parte de sus admiradores.1Su primera canción fue un son llamado
Las Cocas.
Durán fue quien extrajo al
acordeón las notas más sonoras y fuertes, acompañándolas con el titubeo de su
cabeza que llevaba siempre embutida en un sombrero sabanero. Su monótona
melodía, su estilo pausado, el modo de interpretar, las entonaciones que salían
de una sola hilera del acordeón, se parecían a los primeros juglares que se
dieron a la tarea de descubrir los secretos escondidos de los primeros
instrumentos. Su fama empezaba y por ese entonces en El Paso ya se hablaba de
él, porque sus discos llegaban a la orilla del río.6
Primer Festival de la Leyenda Vallenata[editar]
En el Primer Festival de la
leyenda Vallenata (1968), organizado desde la casona colonial de Hernando
Molina, se realizó en medio del escepticismo de amigos y allegados de Alfonso
López y Consuelo Araújonoguera, quienes no creyeron que el certamen pudiera
alcanzar el éxito que finalmente tuvo. En una improvisada tarima de madera se
llevó a cabo el Primer Concurso de Acordeoneros en el que compitieron: Luis
Enrique Martínez ("El Pollo Vallenato"),
Ovidio Granados Durán, Emiliano ZuletaBaquero
y Alejandro Durán Díaz.
Un grueso grupo de sus
seguidores daba por descontado que el Rey sería el viejo Emiliano Zuleta, y
bajo ese supuesto se lo llevaron a celebrar anticipadamente durante toda la
tarde, de tal manera que por la noche, cuando llegó la hora de la competencia,
Emiliano no estuvo disponible durante los tres llamados que se le hicieron para
que subiera a competir. Esto motivó su descalificación y, aseguran algunos, le
despejó el camino a Alejo Durán, quien para ese entonces no tenía el renombre y
la popularidad que después lo hizo famoso.
Alejo concursó con la puya
"Mi pedazo de acordeón", el son "Alicia Adorada", el
merengue "Elvirita" y el paseo "La cachucha bacana". El
segundo lugar fue para Ovidio Granados y el tercero para Luis Enrique Martínez.
Fueron jurados: Rafael Escalona Martínez, Tobías Enrique Pumarejo, Gustavo
Gutiérrez Cabello, Jaime Gutiérrez de Piñerez y Carlos H. Escobar.6
En 1968 ganó el concurso de
acordeoneros del Primer Festival
de la Leyenda Vallenata, convirtiéndose así en el primer Rey
Vallenato. En la final del concurso Rey de Reyes del Festival
de la Leyenda Vallenata (1987), cuando parecía seguro ganador y
favorito absoluto del público, equivocó la ejecución de los bajos en la puya de
su autoría "Pedazo de acordeón". Acto seguido, detuvo la ejecución y,
abriendo los brazos dijo al público presente en la plaza
Alfonso López de Valledupar: "Pueblo: Me he acabado de
descalificar yo mismo".3 Y procedió a dar las explicaciones
del caso al jurado y a bajarse de la tarima Francisco El Hombre.
Posteriormente, ante la insistencia del público, el jurado le permitió terminar
su actuación, pero la corona fue finalmente para Colacho Mendoza en
medio de protestas y disparos.
Legado[editar]
Algunas de sus composiciones e
interpretaciones más destacadas son Fidelina, Altos del
Rosario, 039, Guepajé, Pobrecito corazón, Los
campanales, Este Pobre Corazón, El bautismo, El
Compromiso, Los Lentes, La Puya Vallenata, Mi
Folclor, Carmencita, Besito Cortao, A dónde
estará Durán, El Adivino, A mi Pueblo, Qué
tienen las mujeres, Las Viejas no me quieren y Ceja
Encontrada. En ellas canta a las mujeres (Alicia Adorada -autoría
de Juancho Polo Valencia-, Evangelina, Elvirita, Reyita, Candy, Cata, Ángela, Cornelia, La
Niña Guillo, Mayito y Cholita, entre otras), a
los amigos, al paisaje y a las costumbres de su tierra.
En sus interpretaciones usó interjecciones
populares como "¡Oa!", "¡Hombe!", "¡Apa!", "¡Sabroooso!",
y "¡Aaay!". En donde cultivó todos los ritmos vallenatos,
la puya("Pedazo de Acordeón", entre
otras), el paseo ("La
cachucha bacana", entre otras), el merengue ("Maruja", entre
otras), el son ("Joselina
Daza", "Fidelina", entre otras) y la tambora ("La candela viva").
Personajes célebres en la
cultura colombiana apoyaron el talento de Durán, como fue el reconocido caso
de Gabriel García
Márquez cuando habló de la 'Gota fria': 'Para mi gusto es una
canción perfecta, y por lo tanto, un punto de referencia que no pueden perder
de vista los creadores de hoy'. Más que una composición para tener presente, es
un punto de partida, para decir, que hoy en día no se compone con ese talento y
esa creatividad, de la cual carecen casi un 80 por ciento de los compositores
modernos.
Este tema musical fue
reconocido por (ASCAP) la Sociedad Americana de Compositores y
Editores de Estados Unidos, por alcanzar el primer lugar entre los artistas
latinos. Durán es el único compositor de música vallenata que ha logrado esta
distinción: lo curioso es que SAYCO, ni los medios de comunicación hicieron
circular esta información. A pesar de todos estos logros, 'El Viejo Mile' sigue
siendo ese hombre de extracción popular, humilde, al que no se le olvida los
caminos de El Plan y Manaure.
En el año 2000, Caracol Televisión estrenó
una telenovela en homenaje al juglar llamada "Alejo, la
búsqueda del amor".
Muerte[editar]
Gilberto Alejandro Durán Díaz
murió el 15 de noviembre de 1989 en la ciudad de Montería. Días atrás , un
infarto le había deteriorado su corazón y la diabetes fue deteriorando su
cuerpo, para no recuperarse más. Sus restos reposan en el cementerio Jardines
de Esperanzas del municipio de Planeta Rica.6
************
Índice
Miembros[editar]
Historia[editar]
Les Surfs[editar]
1993:
Muere Monique (Monikya),
del grupo musical “Les Surfs”.
Les Surfs fue
un grupo musical procedente de Madagascar que
gozó de gran popularidad en el mundo francófono y en el de habla hispana en los
años sesenta. Su mayor éxito fue la adaptación al francés y español del éxito
de The Ronettes Be My Baby, titulado
en español Tú serás mi baby. Estuvieron juntos de 1963 hasta 1971.
Índice
·
5Éxitos
Miembros[editar]
·
Monique (Monikya), nacida el
8 de mayo de 1945; murió el 15 de noviembre de 1993
·
Nicole, nacida el 21 de julio de 1946;
murió el 5 de mayo de 2000
·
Coco, nacido el 19 de junio de 1939
·
Pat, nacido el 13 de abril de 1941
·
Rocky, nacido el 7 de mayo de 1942
·
Dave, nacido el 4 de diciembre de
1943
Historia[editar]
La andadura del grupo comenzó el
14 de octubre de 1958 cuando
cuatro hermanos y dos hermanas provenientes de una familia malgache se
unieron con el nombre de Rabaraona Frères et Soeurs y ganaron un concurso
organizado por la estación Radio Tananarive,
interpretando temas de The Platters. El conjunto cambió de nombre a
Les Beryls y comenzó una serie de giras por su país natal, que acrecentaron su
popularidad. En septiembre de 1963, los hermanos fueron elegidos para
representar a Madagascar -a petición del gobierno francés- en la inauguración
de la segunda cadena televisiva en París. Conquistaron así la simpatía del
pueblo francés, y el sello fonográfico Disques Festival, en la persona de Roger
Marouani, los contrató casi inmediatamente, quedando en manos de Jean-Louis
Rafidy, quien se convirtió en su representante.
Les Surfs[editar]
Una vez contratados por Disques
Festival, cambiaron su nombre por el de Les Surfs, en referencia al nuevo ritmo
americano que hizo su aparición por aquellos años, el Surf.
Su primer éxito fue Reviens vite et oublie y con él iniciaron
una gira junto a la cantante Sheila. Su corta estatura (1.48m en promedio) no fue
impedimento para convertirse en grandes figuras de la canción. Lograron el
éxito en los países de habla hispana con su versión de las Ronettes, Tú
serás mi baby. En el Olympia de París se consagraron como "ídolos de
la juventud", y fueron jaleados como la gran revelación del año en
Francia. Su recorrido exitoso los llevó a Europa (Francia, España Italia, Rumania), Oriente Medio, África y América.
Participaron cuatro veces en el Festival de San Remo y
tres veces en el Festival de Montreux en Suiza, e hicieron algunas
incursiones en el cine y la televisión. Compartieron el escenario con diversas
luminarias internacionales de la época. Su presencia en los medios se prolongó
hasta principios de los 70. Los cambios en las modas musicales comenzaron a limitar
sus actuaciones, además de la nueva condición de Monique y Nicole, que se
habían convertido en madres de familia. Monique tuvo 3 hijos y Nicole otros
tres.
En 1971, tras concluir una
gira por las Antillas y Canadá,
decidieron separarse. En Quebec, Monique, la cantante principal, y su hermano Rocky
prosiguieron una carrera como el dúo Rocky et Monique, que duró dos años
(1979-1982). Después Monique regresó a Francia y poco después a Madagascar.
Allí se reunió con cuatro de sus hermanos (Roland, Remy, Luc et Dominique) y en
1989 se lanzaron al mundo del espectáculo bajo el nombre de Surfs-Feedback, con
el objetivo de participar de nuevo en emisiones televisivas. Monique falleció
el 15 de noviembre de 1993 y
Nicole el 5 de mayo de 2000.
Rocky siguió actuando en solitario como "Rocky des Surfs",
presentando el espectáculo Il etait une fois...Les Surfs (Érase
una vez... Les Surfs). Efectuó numerosas giras por Madagascar, acompañado por
Surfs Feed back, y viajó ocasionalmente a Francia.
Posteriormente, reformó el grupo
de Les Surfs integrando a sus hermanos Dady, Dominique y Luc e incorporando a
sus dos sobrinas Jackya y Mirana, renombrándolo Les Surfs2, aunque siguió
actuando en solitario para no interferir en el desarrollo de esta última
formación.
1999:
Muere Gene Levitt,
creador de la serie de tv la Isla de la
Fantasía.
Eugene Levitt (28 de mayo de
1920, Nueva York , Nueva York -
15 de noviembre de 1999, Los Ángeles , California ) fue un escritor, productor y
director de televisión estadounidense. [1]
Biografía [ editar ]
Los padres de Levitt
fueron Charles y Teresa Levitt. Tenía una hermana mayor, Betty
Ruth. Su madre murió cuando Gene tenía alrededor de 12 años. [ cita requerida ] Levitt
luego asistió a la Universidad de
Wyoming . Después de la graduación, se mudó a Chicago, donde
trabajó como periodista hasta que se alistó en el Cuerpo
de Marines de los Estados Unidos .
En la década de 1940,
Levitt escribió para programas de radio, incluidas Las aventuras
de Philip Marlowe . [2]
Levitt fue escritor de
muchas series de televisión en los años 1950 y 1960, incluyendo Highway
Patrol , Maverick , Adventures
in Paradise y Combat! . Pasó a dirigir en la
década de 1970, trabajando en series como Alias Smith, Jones y McCloud . Su
logro más significativo fue la creación de la serie de televisión Fantasy Island
*************
2003:
Antonio Tormo (18 de
septiembre de 1913 – 15 de noviembre de 2003) fue un cantante argentino de música folklórica de Argentina. En la década
de 1930 integró La Tropilla de Huachi Pampa, uno de los primeros en tener éxito masivo,
donde cantaba a dúo con Diego Canales. Con los Huachi Pampa, a fines de la década
de 1930 cantó
en El
fogón de los arrieros, el primer programa radial de música
folklórica de alcance nacional. En 1950 grabó el simple "El rancho 'e la Cambicha" que se convirtió en el mayor éxito de la
historia musical de la Argentina, vendiendo 5 millones de unidades. En 1955 fue
prohibido por la dictadura
militar autodenominada Revolución Libertadora.
https://www.youtube.com/watch?v=gBgzPkAe4Jk
2017:
Muere Luis
Bacalov, pianista, director de orquesta y compositor italiano nacido en
Argentina (n. 1933); compuso la banda sonora de las
películas El cartero (Oscar 1996) y Django Unchained.
Índice
Biografía[editar]
Bacalov ha sido nominado dos
veces al Oscar: una en 1966, por Il Vangelo secondo Matteo (El
Evangelio según san Mateo, de Pier Paolo Pasolini); y otra en 1995 por Il Postino (El
cartero, de Michael Radford), obteniendo la estatuilla en esta
ocasión.
En los primeros años de las
década de 1970, colaboró con diversas bandas italianas de rock
progresivo.
Como curiosidad, cabe
destacar que dos de sus canciones aparecen en las películas Kill Bill,
del director Quentin Tarantino, y otras tantas en la
película Django Unchained del mismo director,
incluyendo el tema Django extraído de la banda sonora del film
homónimo.
Composiciones[editar]
1966, Banda sonora de la
película Django
1967, Banda sonora de la
película Yo soy la revolución
1970, Banda sonora de la
película La muerte de un presidente
1972, Banda sonora de la
película Gran duelo al amanecer
1995, Banda sonora de la
película El cartero
1996. Banda sonora de la
pelicula Ilona llega con la lluvia
1999, Banda sonora de la
película Carta de Amor
2003, Mi Mancherai (El cartero) canción
interpretada por Josh Groban
2003, Banda sonora de la
película Kill Bill Vol. 1, Tema The Grand Duel perteneciente
a la banda sonora original de Gran duelo al amanecer
2013, Banda sonora de la
película Django Unchained
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