Santoral de la Iglesia Católica:
-- Espera un poco -le dijeron- y verás salir a la señora con la faltriquera llena.
Giovanni Pico della Mirandola (Mirandola, 24 de febrero de 1463 - Florencia, 17 de noviembre de 1494) fue un humanista y pensador italiano.2
Es especialmente conocido por los eventos acaecidos en 1486, cuando, a la edad de veintitrés años, se propuso defender contra todo opositor 900 tesis de religión, filosofía, filosofía de la naturaleza y magia, de la que pensaba que se halla unida por vínculos indisolubles a la religión.3 Para ello escribió la Oratio de hominis dignitate, que ha sido señalada como un «manifiesto del Renacimiento»,4 y constituye un texto fundamental del humanismo renacentista, así como de la llamada «reforma hermética».5 También fue uno de los primeros autores que impulsaron la Cábala más allá de los círculos judíos, constituyéndose en fundador de la Cábala cristiana.
Biografía[editar]
Mientras estudiaba en la Universidad de Bolonia publicó, a los catorce años, Las decretales. Luego viajó por el territorio italiano y más tarde por Francia, donde también asistió a la universidad. Estudió sobre todo lenguas: griego, árabe, hebreo y caldeo, con el propósito de entender la Cábala, el Corán, los oráculos caldeos y los diálogos platónicos en sus textos originales.
En 1485, durante su estancia en París, leyó los trabajos de Averroes (1126-1198), el filósofo y teólogo asharí hispanoárabe que introdujo el pensamiento aristotélico en Occidente. Allí concibió la idea de unificar las tradiciones culturales sobrevivientes en aquella época. Al año siguiente, ya de regreso en Italia, con sólo veintitrés años, raptó en Arezzo a la esposa de Giuliano Moriotto dei Medici, un pariente pobre de los Medici florentinos, por lo que fue perseguido, atacado y herido. Luego, hacia finales del año 1486 publicó en Roma sus Conclusiones philosophicae, cabalisticae et theologicae, conocidas como Las 900 tesis.6
Se trata de novecientas proposiciones recogidas de las más diferentes fuentes culturales, tanto de filósofos y teólogos latinos como de los árabes, los peripatéticos y los platónicos. No excluyó tampoco a los pensadores esotéricos, como Hermes Trimegisto, ni a los libros hebreos. La obra iba precedida de una introducción, que tituló Discurso sobre la dignidad del hombre, texto que se ha convertido en clásico y donde Pico formula tres de los ideales del Renacimiento: el derecho inalienable a la discrepancia, el respeto por las diversidades culturales y religiosas y, finalmente, el derecho al crecimiento y enriquecimiento de la vida a partir de la diferencia.7
En cuanto a las tesis, su intención era demostrar que el cristianismo era el punto de convergencia de las tradiciones culturales, religiosas, filosóficas y teológicas más diversas. Su intención era que estas novecientas conclusiones se discutieran en Roma después de la Epifanía de 1487 por los doctos de todo el mundo, para entablar una paz filosófica entre los cultivadores de todas las doctrinas. Un ejemplo es esta interpretación de la creación basada en el Génesis y el Timeo de Platón:
Cuando Dios terminó la creación del mundo, empieza a contemplar la posibilidad de crear al hombre, cuya función será meditar, admirar y amar la grandeza de la creación de Dios. Pero Dios no encontraba un modelo para hacerlo. Por lo tanto se dirige al primer ejemplar de su criatura, y le dice: "No te he dado una forma, ni una función específica, a ti, Adán. Por tal motivo, tendrás la forma y función que desees. La naturaleza de las demás criaturas la he dado de acuerdo a mi deseo. Pero tú no tendrás límites. Tú definirás tus propias limitaciones de acuerdo con tu libre albedrío. Te colocaré en el centro del universo, de manera que te sea más fácil dominar tus alrededores. No te he hecho mortal, ni inmortal; ni de la Tierra, ni del Cielo. De tal manera, que podrás transformarte a ti mismo en lo que desees. Podrás descender a la forma más baja de existencia como si fueras una bestia o podrás, en cambio, renacer más allá del juicio de tu propia alma, entre los más altos espíritus, aquellos que son divinos."
Sin embargo trece de esas tesis fueron consideradas "sospechosas de herejía". El papa las vinculó con la magia cabalística y prohibió seguir adelante con el debate. Pico no tuvo mejor idea que escribir una Apología en la cual defendía esas tesis cuestionadas, lo que los doctores eclesiásticos consideraron un acto de soberbia y obstinación. Juzgado y condenado por herejía, Pico fue excomulgado (como también lo fuera su hermano Galeotto en 1483),8 por lo que huyó a Francia, donde fue detenido y conducido a la cárcel de Vincennes. El heredero del trono de Francia, y futuro rey, Carlos VIII, intercedió en su favor y fue liberado. Tiempo después aceptó una invitación de Lorenzo el Magnífico de Medicis (1449-1492), banquero, político y mecenas italiano, y se instaló en Florencia.
Últimos años[editar]
En el año 1489 finalizó el Heptaplus, relato místico sobre la creación del universo, en el que bucea sobre el Génesis buscando desentrañar sus significados más recónditos. Dos años después, con veintiocho años de edad, renunció a sus cuantiosos bienes y a su parte del principado familiar y se entregó a un profundo fervor religioso. Viajó por toda Italia como mendicante hasta que en 1493, el papa Alejandro VI lo absolvió de cualquier imputación de herejía y lo admitió de nuevo en la Iglesia católica. Pico, sin embargo, no abjuró de ninguna de sus tesis. Ingresó en la Orden de los Dominicos, cuyos hábitos llegó a vestir poco antes de su muerte.
Muerte[editar]
El 17 de noviembre de 1494 Pico y Poliziano fueron envenenados en extrañas circunstancias.9 Corrió el rumor que uno de sus secretarios le había envenenado debido a su estrecha relación con Savonarola.10
En 2007, los cuerpos de Pico y de Poliziano fueron exhumados en la iglesia de San Marcos de Florencia y científicos bajo la tutela de Giorgio Gruppioni, profesor de antropología de Bolonia, usaron tecnología avanzada para determinar la causa de ambas muertes.11 En febrero de 2009 anunciaron que los exámenes forenses mostraban que tanto Poliziano como Pico della Mirandola habían sido asesinados por envenenamiento por arsénico, probablemente por el sucesor de Lorenzo, Pedro II de Médici.12
Legado[editar]
Una parte de su Disputationes adversus astrologiam divinatricem fue publicada en Bolonia tras su muerte. En este libro Pico presenta argumentos contra la práctica de la astrología que han tenido una enorme importancia durante siglos, hasta nuestras fechas. Disputationes está influido por los argumentos contra la astrología expuestos por su admirado personaje intelectual, San Agustín de Hipona, y también por ideas mantenidas por su maestro, Marsilio Ficino, que le habría animado a escribirlo. La enemistad de Pico contra la astrología parece deberse principalmente al conflicto con las nociones cristianas de libertad de elección. Pero los argumentos de Pico van más allá de las objeciones de Ficino (que era astrólogo). El sobrino de Pico, un ferviente seguidor de Savonarola editó el manuscrito para su publicación tras su muerte, y posiblemente fue corregido para ser aún más crítico. Esto explica el hecho de que Ficino promocionara el manuscrito y lo apoyara con entusiasmo antes de su publicación.
Pico llegó a reunir una de las bibliotecas personales más ricas del Renacimiento, que legó a un amigo con la condición de no cederla a ningún convento, como era lo usual en la época entre los hombres de su condición, lo que coincide con su talante independiente y sus firmes y sostenidas convicciones de eterno rebelde ante la autoridad eclesiástica. Su fama era grande a su muerte, como demuestra su epitafio.
Hic situs est PICUS MIRANDOLA, cætera norunt/Et Tagus et Ganges, forsan et Antipodes.13
Aquí yace Pico della Mirandola: el Tajo, el Ganges, aun las Antípodas saben el resto.
Historia[editar]
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Formación de The Byrds[editar]
Biografía y carrera[editar]
Filmografía[editar]
- 1984 - Los gritos del silencio (The Killing Fields)
- 1986 - La misión (The Mission)
- 1989 - Creadores de sombras (Fat Man and Little Boy)
- 1992 - La ciudad de la alegría (City of Joy)
- 1995 - The Scarlet Letter
- 1999 - Goodbye, Lover (Goodbye, Lover)
- 2000 - Vatel (Vatel)
- 2007 - Captivity (Captivity)
- 2009 - You and I (You and I)
- 2011 - Encontrarás dragones (There be Dragons)
- 2012 - Singularity
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Jeffrey «Jeff» Scott Buckley (Anaheim, California, 17 de noviembre de 1966-Memphis, Tennessee, 29 de mayo de 1997) fue un músico y cantautor estadounidense de rock alternativo, reconocido por la revista Rolling Stone en el listado de Los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos según Rolling Stone con el número 39°.[1] Es reconocido por su primer y único álbum de estudio, titulado Grace en 1994.[2] Fue considerado uno de los músicos de rock más prometedores de su generación, pero por desgracia, en la cima de su éxito, murió ahogado en el río Wolf (afluente del río Mississippi) mientras nadaba a la altura de la ciudad de Memphis, donde residía.[3] Fue hijo del también cantautor Tim Buckley (1947-1975), quien falleció también muy joven, a los 28 años.
Biografía
Primeros años
Nacido en Los Ángeles, California, Jeff Buckley fue el único hijo de Mary Guibert y Tim Buckley. Su padre era compositor y publicó una serie de discos de folk y jazz muy aclamados a finales de los 60s y principios de los años 1970.[4] Su madre era de ascendencia panameña, y su padre provenía de una familia de emigrantes irlandeses de Cork.[5] Buckley se crio con su madre y su padrastro, Ron Moorhead, en el sur de California, mudándose continuamente dentro del condado de Orange.[6] También tenía un hermanastro, Corey Moorhead (quien llamó a su primer hijo varón Jeffrey James, en honor a Buckley). Durante su infancia fue conocido como Scott «Scottie» Moorhead pero cuando tenía aproximadamente diez años, decidió tomar su nombre de nacimiento tras conocer a su padre (a quien no volvió a ver), aunque para su familia siguió llamándose Scottie.[7]
A los dieciocho años se trasladó a Los Ángeles, donde se graduó en el curso de dos años del Musician's Institute.[8] Buckley siempre se refirió a su paso por este centro como una «pérdida de tiempo», aunque hizo amigos de por vida allí.[9] Su bagaje musical se reflejó en aquellas bandas en las que participó antes de iniciar su carrera en solitario. En Los Ángeles formó parte de la banda de reggae de Shinehead, así como en otras bandas en las que normalmente se limitaba a tocar la guitarra.[10]
Comienzos de su carrera
Buckley se trasladó a Nueva York en 1990.[11] Su debut en público como cantante fue una actuación en 1991, un tributo a su padre, Tim Buckley, en la iglesia de St. Ann de Nueva York. No se le pagó como intérprete.[12] Simplemente eligió mostrar sus respetos a su padre diciendo: «Esto no es un trampolín, esto es algo muy personal». Interpretó «I Never Asked To Be Your Mountain» con un amigo llamado Gary Lucas, acompañándole a la guitarra, y cantó una versión a capela de «Once I Was», que dejó al auditorio en completo silencio.[13] Cuando se le preguntó por este concierto en particular, Buckley contestó que «no era mi trabajo, no era mi vida. Pero me sentía mal por no haber estado presente en su funeral (de su padre), de que nunca tuve la oportunidad de decirle nada. Aproveché ese concierto para mostrarle mis últimos respetos».
Buckley se convirtió pronto en intérprete solista habitual en el café Sin-é de Greenwich Village, donde atrajo la atención de los ejecutivos de Columbia Records. En 1993 Columbia publicó un EP de cuatro temas grabados en el café Sin-é.[14]
Grace
Buckley tocó con el guitarrista experimental Gary Lucas y su banda Gods and Monsters.[15] En 1994, Buckley publicó su disco debut Grace, compuesto por diez canciones.[16][17] Las ventas progresaban lentamente, pero el álbum enseguida recibió las alabanzas de la crítica y el aprecio de otros músicos (entre ellos Jimmy Page, Robert Plant, Bob Dylan, Thom Yorke, Neil Peart y Paul McCartney). Muchos consideran su versión del «Hallelujah» de Leonard Cohen como la grabación definitiva de dicha canción y probablemente sea la más conocida de Buckley.
Tras la publicación de su primer y aclamado disco, Buckley pasó más de dos años de gira por todo el mundo. Parecía ser una forma agotadora pero eficaz de mantener la independencia de su compañía discográfica, con la que mantenía una relación bastante tensa.[18] En 1995 Buckley realizó un concierto en el Olympia de París, un local que había hecho famosa a la cantante francesa Édith Piaf y que él consideró el mejor de toda su carrera.[19]
También realizó una gira conocida como «Phantom Solo Tour». La inició en diciembre de 1996 utilizando diversos seudónimos como Father Demo, Jaime de Cevallos, Topless America, Smackcrobiotic, The Halfspeeds, Crackrobats, y Martha and the Nicotines. Como justificación a tan misteriosa gira, Buckley publicó una nota en internet argumentando que había perdido el anonimato de tocar en pequeños locales y cafés:
Hubo una época en mi vida no hace mucho tiempo en la que podía llegar a un café y simplemente hacer lo que quería, tocar música, aprender tocando, explorar lo que ello significa para mí, esto es, divertirme cuando aburro y/o entretengo a una audiencia que no me conoce o que no sabe a qué me dedico. En esta situación me puedo permitir el precioso e irremplazable lujo de equivocarme, de arriesgarme, de rendirme. He trabajado muy duro para conseguir todo esto, este entorno donde trabajar. Lo amaba y ahora que lo he perdido lo echo de menos. Lo único que estoy haciendo es reclamarlo.[20]
Durante toda su carrera, Buckley hizo varias versiones sobre escena de sus artistas preferidos: Bob Dylan, The Smiths, Siouxsie Sioux, Leonard Cohen, Bad Brains, MC5, entre otros.[21]
Muerte
Buckley murió el 29 de mayo de 1997, a la edad de treinta años, ahogado en el río Wolf en Tennessee.[22] Su muerte estuvo envuelta en misterio, debido a que no es posible determinar si se trató de un accidente imprudente o si se suicidó a causa del trastorno bipolar que padecía. Los testimonios que entregan mayores antecedentes respecto a los sucesos que rodearon su muerte, son la biografía escrita por David Browne (“Dream Brother”) y un documental emitido por la BBC en 2002, donde se narran los hechos acontecidos aquella fatídica noche del 29 de mayo de 1997. Según estos relatos, Buckley había viajado hasta Memphis, para grabar su segundo disco, que llevaría por nombre “My Sweetheart The Drunk”, y esa noche llegaría su banda a la ciudad para comenzar el proceso de grabación.
Por lo general, Gene Bowen (Road Manager de Buckley) lo acompañaba a todos lados para evitar que se metiera en problemas. Sin embargo, esa noche Jeff decidió salir a dar una vuelta, acompañado por el roadie Keith Foti. Al parecer habrían recorrido toda la ciudad escuchando canciones de John Lennon y Jane's Addiction en un grabador doble casetera que Foti había comprado el día anterior. Cuando decidieron ir a la sala de ensayo para esperar a la banda, se dieron cuenta de que estaban perdidos, y al cabo de una hora de infructuosos esfuerzos por llegar a la Young Avenue, decidieron llamar a Bowen para pedirle que los ayudara a encontrar el camino. Sin embargo, no pudieron contactarlo, ya que se había ido al aeropuerto a recibir al resto de los músicos. Fue en ese instante que Buckley tuvo la idea de que fueran a la ribera del Río Wolf para tocar guitarra y seguir escuchando música.[23]
El río no era apto para el baño, pero no existían carteles de advertencia que informaran de un potencial riesgo. Además, Buckley ya había nadado antes ahí. Mientras Foti tocaba la guitarra, Jeff tomó el grabador y caminó hasta la orilla del río, dejando el dispositivo bastante cerca del agua. Alrededor de las nueve de la noche y en un acto inexplicable, Buckley se metió al agua completamente vestido, incluso con sus botas puestas, y a medida que se iba internando a lo más profundo del río, comenzó a interpretar «Whole Lotta Love» de Led Zeppelin. En un momento, Foti movió de lugar el grabador para evitar que fuese a mojarse con las olas que produjo un barco que pasaba por el sector, y al levantar la vista Jeff ya había desaparecido. El cuerpo de Buckley fue encontrado desnudo cinco días después, al final de Beale Street, y solo pudo ser identificado por el característico piercing de su ombligo.[3] La autopsia realizada posteriormente no reveló la presencia de alcohol ni drogas en su cuerpo.[24]
Tras la muerte de Buckley, algunas de las demos grabadas para su segundo álbum fueron publicadas bajo el nombre de Sketches for My Sweetheart the Drunk. Se han publicado otros tres discos con grabaciones en vivo, así como un DVD de un concierto en Chicago.[25]
Jeff Buckley y el virtuosismo de sus versiones
Jeff Buckley solía realizar con mucha frecuencia versiones propias de canciones de otros músicos, especialmente en sus presentaciones en vivo, de hecho así consiguió ser valorado como músico en sus comienzos. Generalmente, se trataba de canciones muy antiguas, simples (tocadas solo con piano o guitarra) y de cantautores relativamente desconocidos, con un sonido de blues o jazz. La gran calidad interpretativa y vocal de Buckley le valía grandes elogios por estos covers, por su sensible y melancólica forma de cantar.
El más célebre es el de «Hallelujah», que si bien es de un cantautor muy importante como Leonard Cohen, realmente nunca fue una de sus canciones más destacadas. Sin embargo Buckley la transformó en un clásico.[26] Pero también se destacan mucho los de canciones como «Lilac Wine» (inspirada en la versión de Nina Simone), «Corpus Christi Carol» (canción clásica del célebre compositor británico Benjamin Britten), incluidas en Grace, «Je n'en connais pas la fin» (canción francesa clásica), I Know It's Over de The Smiths, I Shall Be Released (Bob Dylan), «The Other Woman» (inspirada por Nina Simone), «Calling You» (Bob Telson) y varios de Bob Dylan y Van Morrison; todas ellas interpretadas solo con su guitarra eléctrica, sin distorsión alguna.
Una de las destacadas presentaciones en que se aprecia su especial forma de realizar covers fue la conocida como «Live at Sin-é», basada casi únicamente en covers y realizada en el café «Sin-é» en Nueva York, en la que Buckley solo toca acompañado de su guitarra eléctrica sin ningún otro músico adicional. Hasta entonces el músico aún no lanzaba ningún disco oficial y fue originalmente publicada en 1993, pero solo unas cuantas canciones. En 2003 se lanzó la «Legacy Edition» con el show completo.
Legado
Músicos como Thom Yorke y Matthew Bellamy citan a Jeff Buckley entre sus influencias, y Grace ha sido laureado por artistas como Bob Dylan (uno de los ídolos de Buckley), Paul McCartney, Jimmy Page, Steven Wilson, Morrissey, Robert Plant, Chris Cornell, Myles Kennedy, Neil Peart, Lana Del Rey.
El trabajo de Buckley, aparentemente anómalo con su época, ha tenido una influencia enorme. Se han escrito numerosas canciones en su tributo, entre las que destacan «Teardrop» de Massive Attack con Elizabeth Fraser,[27] «Memphis» de PJ Harvey, «Blind River Boy» de Amy Correia, «Memphis Skyline» de Rufus Wainwright, «Wave Goodbye» de Chris Cornell, «Song For A Dead Singer» del grupo belga Zita Swoon, «A Coat of Butterflies» de Kevin Morby, "Río Wolf" del grupo español Rufus T. Firefly y varios temas del grupo de New Jersey Ours, etc. También es nombrado en la canción «Shakespeare» de la cantante y actriz Miranda Cosgrove. Vocalistas como Thom Yorke de Radiohead, Matt Bellamy de Muse y Chris Martin de Coldplay reconocen que su voz les influye.[28]
Zharick Andrea León Villalba (Cartagena, Colombia; 17 de noviembre de 1977) es una actriz y modelo colombiana, conocida principalmente por su trabajo en telenovelas. Interpretó a la cantante Rosario Montes en la telenovela Pasión de gavilanes y a Bella Cepeda en el melodrama Doña Bella, que le valió premios como el Latin Pride Award en 2010. Y en 2019 debutó en el cine de la mano de la exitosa comedia Los Ajenos Fútbol Club Interpretando a su protagonista Martina Ibáñez.
Biografía
Se crio con una disciplina casi militar, pues su padre es marino y su novio de infancia José Montes (cuyo padre era militar), actualmente también es marino. Desde pequeña se familiarizó con las armas, los movimientos de defensa personal, las artes marciales y el Kung-fu.
Se inició como modelo en su época de adolescencia. Felipe Eljach la convenció para que concursara en La Chica Águila, en donde obtuvo el primer puesto. A los 17 años dejó Cartagena para trasladarse a Bogotá, combinando el modelaje con los estudios de Comunicación Social y Periodismo en la Universidad Javeriana. La oportunidad en la televisión se dio cuando hacía parte de una agencia de modelos, y fue escogida para presentar el magazín Non Plus Ultra. Luego le propusieron la interpretación de un personaje en la serie Hombres.
Posteriormente, acudió a una prueba en la que fue solicitada y obtuvo el papel de Carolina en Dos Mujeres. Esa oportunidad fue determinante en su vida, ya que le sirvió de catapulta para futuros melodramas. Su primer protagónico fue A dónde va Soledad en 2000.
En 2003, fue a Miami a realizar una audición para el papel de la provocativa cantante Rosario Montes en la telenovela colombiana Pasión de Gavilanes, resultando elegida sin necesidad de padrinos. Con este personaje alcanzó el reconocimiento internacional y estuvo en giras de conciertos por América Latina y Europa para presentar la banda sonora de la telenovela, a pesar de que ella no es cantante profesional.
En 2004, apareció en la portada de la revista colombiana SoHo y protagonizó la novela Dora, la celadora. En 2005, coprotagonizó El baile de la vida. En abril del mismo año, se presentó en la Plaza de Artes y Oficios del Parque Forestal (Centro Cívico) de Guayaquil, Ecuador, adonde acudieron miles de personas para observarla. Para finales de 2005, viajó otra vez a España, y posó en la portada da la revista masculina Interviú.
Regresó a Miami en 2006, encarnando a Iluminada Urbina, la villana en la nueva versión de la novela La viuda de Blanco, donde compartió créditos con los actores mexicanos Itatí Cantoral y Francisco Gattorno. En 2007, regresa a las tablas colombianas, protagonizó la novela Sobregiro de Amor para el canal Caracol TV. Zharick dio a luz a su hijo Luciano, fruto de su unión con el también actor Martin Karpan, ya que ellos se conocieron durante las grabaciones donde eran ambos antagonistas.
En 2009, protagonizó la telenovela Doña Bella al lado de Fabián Ríos, Marcelo Buquet y Stephanie Cayo. Un año más tarde, actuó en la serie La Pola, interpretando a Catarina Salavarrieta en su etapa adulta.
Contrajo matrimonio con el director de videos comerciales Nicolás Reyes. La ceremonia fue un rito chamánico, en los terrenos del Parque nacional natural Tayrona en la Sierra Nevada de Santa Marta. La celebración duró 15 días y solo invitaron a doce personas. En febrero de 2011, Zharick se separó oficialmente de Nicolás Reyes.
A mediados de octubre de 2010, fue galardonada como actriz del año en los Latin Pride International Awards. La cita fue en la sala Máximo Avilés Blonda, del Palacio de Bellas en Santo Domingo, República Dominicana.
Después es llamada para ser la antagonista principal de la serie de CMO Producciones y Caracol TV, La Promesa cuyo fin era reemplazar a Angie Cepeda. El rodaje se produjo en México, España, Colombia y Panamá. En la producción la cartagenera compartiría créditos con los mexicanos Luis Roberto Guzmán, Aislinn Derbez y el español Manuel Navarro.
En 2013 MundoFox y RCN Televisión lanzaron la telenovela de la franja nocturna Los Graduados, en la cual Zharick compartió créditos con el actor Jorge Enrique Abello. En la producción, la actriz interpreraría a Jimena, una adolescente con sobrepeso quien fue víctima de bullying y matoneo por parte de sus compañeros de colegio. Posteriormente, después de años en el exterior, la tierna y afligida "gordita" ya convertida en una mujer tenaz y dispuesta a cobrar venganza de todos los que la vulneraron, vuelve, sin embargo esta vez convertida en la hermosa y seductora Patricia, quien deja a su paso un sinfín de historias envueltas en el engaño y la traición, producto en parte, de las secuelas que dejó su difícil adolescencia.
Al culminar su trabajo en Los Graduados, la artista decide tomar un receso y viaja continuamente con su hijo Luciano. En dicho transcurrir, León decide asistir a un taller de Yoga en el parque Nacional Natural Tayrona, en el departamento de Magdalena, Colombia, en donde conoce al instructor de yoga y empresario mexicano José Rodrigo Bonilla, con quién emprende una nueva relación en la cual Bonilla le pide a León retirarse de los reflectores. Entre 2013 y 2014 la actriz viaja continuamente a México, vendiendo su propiedad de La Calera, Cundinamarca, Colombia y estableciéndose por un tiempo en el país norteamericano. Por aquel tiempo, la colombiana recibe la noticia que será madre por segunda vez y en 2014 da a luz a su segunda hija Levana Bonilla León. Durante el primer año y medio de vida de su hija, la actriz y Bonilla permanecen juntos, a pesar de los continuos viajes del empresario. Antes de que Levana cumpliese un año la actriz se muda de nuevo a Bogotá; sin embargo en abril de 2016 se dan indicios que el mexicano y León rompen su relación por motivos aún no revelados.
El 2017 recibe a León como un nuevo florecer mediático al hacer parte de la producción de Fernando Gaitán La ley del corazón del canal RCN.
Su regreso lo harácon el canal RCN, bajo la dirección de Sergio Cabrera en la serie biográfica del fallecido periodista colombiano Jaime Garzón en el papel de Tutti quien sería el eterno amor del fallecido periodista colombiano, para este nuevo personaje la actriz tuvo que hacerse un cambio de imagen, y estará acompañada por Santiago Alarcón, Katherine Vélez, entre otros actores.
Zharick León será Martina Ibáñez en Los Ajenos Fútbol Club, una película dirigida y producida por Juan Camilo Pinzón, que narra la historia de una mujer y tres hombres muy viejos que se ven envueltos en una absurda historia que los convoca, a pesar de su carácter, a probar lo mejor de sí mismos y a convertirse en la más inesperada de las familias. Una historia que los reconcilia con la vida y les recuerda que aún en medio de las tragedias cotidianas, hay tesoros por descubrir.
Zharick prepara su primer personaje protagónico para cine en la cinta que se filmará a partir de abril de 2018 en Bogotá y Barranquilla sumándose a un reparto conformado por Daniel Lugo, Salvo Basile, Alberto Barrero, Ana María Arango, Valentina Lizcano, Walter Luengas, Nelson Camayo y Luis Tamayo entre otros. Los Ajenos Fútbol Club fue distribuida en varios países de América Latina por Cinecolor Films (Disney/Pixar) y fue estrenada en noviembre en salas colombianas. Está producida por JC Pinzón Film Colombia, con el apoyo de Caracol Cine, la Alcaldía de Barranquilla, Dago García Producciones, Latin WE, Cinecolor Films y ADC Colombia.
Harry Charles Salusbury Lloyd (Hammersmith, Londres, Inglaterra; 17 de noviembre de 1983) es un actor británico, conocido por haber interpretado a Will Scarlett en la serie Robin Hood, a Viserys Targaryen en la serie de HBO Juego de tronos y por darle la voz a Viktor en la serie Arcane.
Biografía
Harry es hijo de la editora de libros infantiles Marion Evelyn Dickens y su tátara-tátara abuelo fue el escritor victoriano Charles Dickens. Harry es primo de la escritora Lucinda Hawksley y del actor Gerald Dickens.
En 2001 asistió al Eton College y se graduó de la Universidad de Oxford el 26 de julio de 2005.
Carrera
Mientras estudió en el Eton formó parte del elenco de la película televisiva David Copperfield con el papel de Steerforth, en 1999. Luego interpretó a Rivers en la película Goodbye, Mr. Chips. Lloyd estudio en el Christ Church de Oxford, donde se unió a la Oxford University Dramatic Society. Apareció en varias obras de teatro.
Hizo el papel de Valentín en El beso de la mujer araña y el de Antipholus de Siracusa en la obra de William Shakespeare The Comedy of Errors, de la OUDS. En el verano de 2005 salió de gira por Japón junto con Felicity Jones. Salió de Oxford graduándose con un superior en segundo grado. Se graduó en la universidad de Oxford el 27 de julio de 2007.
En 2006 se unió al elenco de la serie Robin Hood, donde interpretó a Will Scarlet, un joven miembro de la banda de Robin Hood, hasta el 2007, después de que su personaje decidiera quedarse en la tierra prometida con Djaq.
A principios de 2007 hizo su debut profesional en los "Trafalgar Studios" en A Gaggle of Saint. También interpretó a Jeremy Baines, un estudiante cuya mente es absorbida por una especie de extraterrestres llamada The Family of Blood, en los episodios de Doctor Who "Human Nature" y "The Family of Blood".
En 2011 apareció como personaje regular durante la primera temporada de la serie Game of Thrones, donde interpretó a Viserys Targaryen, el hermano mayor de Daenerys Targaryen.[1] Ese mismo año interpretó a Herbey Pocket, el mejor amigo de Pip (Douglas Booth), en la miniserie Great Expectations.
En 2012 apareció en la miniserie The Hollow Crown, donde interpretó a Edmund Mortimer. En dicha serie compartió créditos con los actores Jeremy Irons, Alun Armstrong y Tom Hiddleston.
En enero del 2014 se unió al elenco principal de la serie Manhattan, donde interpretó a Paul Crosley, un científico británico,[2] hasta el final de la serie en 2015.
En 2015 se unió a la miniserie Wolf Hall, donde interpretó a Henry Percy, VI conde de Northumberland.
El 30 de septiembre de 2016 se anunció que Harry Lloyd se había unido al elenco de la serie Counterpart, donde dio vida a Peter Quayle, un director de clase alta en la agencia de Howard. En la serie comparte créditos con los actores J. K. Simmons y Olivia Williams. El programa fue estrenado en 2017.[3][4]
En 2018 interpretó a la versión joven de Joe Castleman, personaje interpretado en su versión más adulta por Jonathan Pryce, en la película de drama La buena esposa.
Christopher Paolini (California, Estados Unidos, 17 de noviembre de 1983) es un escritor estadounidense conocido por su saga de libros "El legado", compuesto por cuatro novelas: Eragon, Eldest, Brisingr y Legado.
Biografía
Christopher Paolini nació el 17 de noviembre de 1983 en el sur de California. Sus padres son Talita Hodgkinson y Kenneth Paolini, que es fotógrafo, y tiene una hermana menor llamada Angela. Se mudó a una edad muy temprana al Valle del Paraíso, en el Estado de Montana, y ha residido prácticamente toda su vida en una granja junto al río Yellowstone.
Paolini fue educado en casa por sus padres y se graduó del instituto a los 15 años por un curso por correspondencia de la American School de Chicago, Illinois.
Fue muy aficionado a la lectura desde joven, con especial predilección por los libros de misterio, ciencia ficción y fantasía, de autores como J. R. R. Tolkien (El señor de los anillos) o Frank Herbert (Las crónicas de Dune). Solía escribir relatos breves y poemas cuando era un adolescente, y visitaba la biblioteca con frecuencia.
Esther Rolle (Pompano Beach, 8 de noviembre de 1920 - Culver City, 17 de noviembre de 1998) fue una actriz estadounidense conocida por su papel de Florida Evans en la comedia de situación Maude (de la cadena de televisión CBS) y su derivada Good Times.
Primeros años
Esther Rolle era hija de los inmigrantes bahameños Jonathan Rolle (agricultor) y Elizabeth Rolle. Esther fue la décima de 18 hijos (entre ellos se cuentan las hermanas actrices Estelle Evans y Rosanna Carter).[1]
Rolle comenzó la escuela secundaria en la Booker T. Washington High School (en Miami)[2] y la terminó en la Blanche Ely High School (en Pompano Beach). Empezó a estudiar en el Spelman College (en Atlanta), pero se mudó a la ciudad de Nueva York.[2] Allí asistió consecutivamente al Hunter College, a The New School for Social Research y a la Universidad de Yale. También fue miembro de la hermandad Zeta Phi Beta.[3] Durante muchos años, Rolle trabajó durante el día en una tienda en el centro de Nueva York.[4]
Carrera
Danza
Rolle fue miembro del Shogolo Oloba (grupo de danzas de Asadata Dafora),[1] que más tarde se rebautizó como Federal Theater African Dance Troupe. En 1960 se convirtió en directora de la troupe.[2]
Teatro
Los primeros papeles de Rolle fueron en los escenarios de Nueva York, debutando en la obra The Blacks (1962). Participó en obras de teatro producidas por Robert Hooks y la Negro Ensemble Company. También apareció en las producciones de The Crucible y de Blues for Mr. Charlie.[4]
El papel más prominente de Rolle en esa época fue como Miss Maybell en la obra Don't Play Us Cheap (1973), de Melvin Van Peebles.[5]
En 1977, Rolle interpretó a Lady Macbeth en una versión haitiana de Orson Welles en el Henry Street New Federal Theater (en Manhattan).
Televisión
Rolle es más conocida por su papel en televisión como Florida Evans, el personaje que interpretó en dos comedias de 1970. El personaje fue presentado como ama de llaves de Maude Findlay en Maude, y se separó en la segunda temporada de la serie en Good Times, un espectáculo sobre la familia en Florida. Rolle fue nominado en 1975 al Premio Globo de Oro como mejor actriz en una musical o comedia por su papel en Good Times. Rolle tenía diecinueve años más que su marido en la serie, John Amos.
Rolle luchaba por obtener temas y guiones más relevantes, y estaba disconforme con el éxito del personaje J. J. Evans (representado por el actor Jimmie Walker) que llevó al programa hacia lo que ella creía que era un sentido frívolo. Como resultado, el actor John Amos, que interpretaba el papel de James Evans (el padre de J. J.), abandonó el programa después del final de la tercera temporada. Más tarde, en un enfrentamiento con Norman Lear (el productor de Good Times), Rolle también abandonó el programa cuando terminó la cuarta temporada. La serie continuó sin ella durante la quinta temporada, aunque consiguió traerla de regreso para la sexta y última temporada de la serie.
En 1979 ganó un premio Emmy por su papel en la película para televisión Summer of My German Soldier.[6]
Entre sus papeles de estrella invitada participó en el episodio «Behind the wheel», de la exitosa serie de televisión El Increíble Hulk, donde interpretó a la propietaria de un negocio de taxis.[4]
En los años noventa, Rolle fue invitada sorpresa en el talk-show de RuPaul (en el canal VH-1). Fue llevada para sorprender a la invitada Beatrice Arthur, quien fue su coprotagonista en Maude. Los dos no se habían visto en años, dijo Bea Arthur, y se abrazaron afectuosamente.
Música
En 1975, Rolle lanzó un álbum de música llamado The Garden of My Mind.[7]
Cine
La primera aparición de Rolle en la pantalla fue un pequeño papel sin acreditar en Matar a un ruiseñor (1962), y más tarde apareció en The Learning Tree (1969), de Gordon Parks.[8]Su hermana, la actriz Estelle Evans, apareció en ambas películas.[8]
Después del final de Good Times, Rolle apareció en varias películas para cine y televisión, incluyendo Driving Miss Daisy y My Fellow Americans. Un papel memorable fue el de la tía Sarah en Rosewood (1997), de John Singleton.
Tuvo un papel importante en Know Why the Caged Bird Sings, basada en las memorias de Maya Angelou. En 1979 ganó el premio Emmy en la categoría «mejor actriz de reparto en una miniserie o película» por su trabajo en la película para televisión Summer of My German Soldier. En 1998 filmó su última película, Train Ride, que se estrenó en 2000.
Vida personal y muerte
El único matrimonio de Rolle, con Oscar Robinson (entre 1955 y 1975), terminó en divorcio, y no tuvo hijos.
Después de residir varios años en Los Ángeles (California), Rolle falleció el 17 de noviembre de 1998 en Culver City (California),[1] debido a complicaciones generadas por la diabetes. Su cuerpo fue trasladado en avión de regreso a su ciudad natal, Pompano Beach (Florida).
Rolle era metodista, y solicitó que su funeral se celebrara en la Iglesia Bethel African Methodist Episcopal. Su familia pidió que en lugar de flores se enviaran donaciones a organizaciones como el capítulo afroestadounidense de la Asociación Estadounidense de la Diabetes, el Bethune-Cookman College (en Daytona Beach), la Black Academy of Arts and Letters (Academia Negra de las Artes y las Letras, en Dallas), el Jenesse Center (en Los Ángeles), y la escuela primaria y secundaria Marcus Garvey (en Los Ángeles).[9]
Enrique Urquijo Prieto (Madrid, 15 de febrero de 1960 - Madrid, 17 de noviembre de 1999)[1][2]fue un compositor, cantante, bajista y guitarrista español. Formó parte de los grupos de pop rock Tos, Los Secretos y Los Problemas. Es uno de los cantantes más emblemáticos del movimiento juvenil surgido durante la transición. El Concierto homenaje a Canito, batería de Tos fallecido, se convirtió en el pistoletazo de salida de la llamada movida madrileña.[3][4][5][6]
Biografía
Nació en Madrid, vinculado al barrio de Argüelles, donde vivió su infancia y juventud y permaneció la mayor parte de su vida. Fue el segundo de cuatro hermanos: Javier, el primogénito vinculado también en sus orígenes al grupo Tos y aún vinculado al mundo de la música; Álvaro, el tercero, (actual líder de Los Secretos tras la muerte de Enrique) y Lydia, nacida en 1972.
Junto a sus hermanos Javier y Álvaro y su amigo José Enrique Cano Canito, compañero también del colegio FEM, formaron el grupo Tos. Tras la muerte de este último, consecuencia de un accidente de automóvil en la madrugada del 1 de enero de 1980, renombraron la agrupación musical como Los Secretos. El concierto homenaje al batería desaparecido, conocido como Concierto homenaje a Canito, se celebró el 9 de febrero de 1980 en la Escuela de Ingenieros de Caminos de la Universidad Politécnica de Madrid y se ha considerado como el pistoletazo de salida de la denominada Movida madrileña.[3][5][6][4] Con su álbum homónimo, Los secretos, iniciaron su carrera que incluye temas emblemáticos de la música española de los 80 como: "Déjame", "Ojos de perdida", y la versión "Sobre un vidrio mojado".
Durante su trayectoria musical, Enrique Urquijo dejó un legado de quince discos con Los Secretos y dos con Los Problemas. En su música se denotan diversas influencias, desde Neil Young a Jackson Browne, José Alfredo Jiménez o Warren Zevon. Con Los Secretos, Enrique contribuyó a introducir el country rock en España.
Con su grupo paralelo, Los Problemas, Enrique daba rienda suelta a sus gustos más personales tocando rancheras, versiones, temas propios y temas de Los Secretos adaptados a esa formación. Actuaba en pequeños locales y se hacía acompañar de músicos amigos, entre ellos Begoña Larrañaga que fue inseparable compañera durante años.
Fruto de su relación con Almudena Navarro Barrio, tuvo en 1994 una hija, María, a la que dedicó las canciones Pero a tu lado y Agárrate a mí, María.
Enrique es uno de los músicos más destacados de la movida madrileña, su carrera musical fue muy dilatada, fue mucho más allá de la citada "Movida", trabajó en varios estilos y es considerado uno de los mejores compositores de su generación. Su sensibilidad, forma especial de componer e interpretar y sus letras sencillas, han hecho que sea compositor de numerosos temas que forman ya parte de la historia de la música española.
El último tema que compuso fue Hoy la vi, cuya maqueta fue editada y arreglada por su hermano Álvaro e incluida en el álbum homenaje A tu lado (2000). La canción fue compuesta por Enrique tras reencontrarse, un mes antes de su fallecimiento, con su primer amor Eloísa, tal y como recoge Miguel Ángel Bargueño en su libro Enrique Urquijo: Adiós tristeza.[7] Hoy la vi fue interpretada en directo por Los Secretos por primera vez en el Palacio de los Deportes de Madrid en diciembre de 2009.
Su última actuación en directo fue en Zaragoza, colaborando a la guitarra y la voz en el tema "Te debo una canción" del grupo aragonés Ixo Rai, a quienes acompañaba como invitado. La última aparición pública de Enrique fue en la ceremonia de entrega de los Premios Amigo, el jueves 4 de noviembre de 1999, menos de dos semanas antes de su muerte.
Muerte
En el año 1999, Enrique llevaba varios meses desintoxicado. Sus familiares y amigos manifiestan que el nacimiento de su hija María supuso un renacimiento para el artista y que, conforme iba creciendo la pequeña, Enrique comenzó a ser cada vez más y más consciente de la necesidad de recuperarse, de dejar atrás viejos hábitos y de dedicarse en cuerpo y alma a su hija. Su círculo cercano así lo atestiguó; incluso recuperó la relación con su hermano mayor, Javier, con el que llevaba años distante como consecuencia del abrupto final de éste con Los Secretos.[8] Sin embargo, los médicos habían advertido a la familia Urquijo que, como consecuencia de su prolongada abstinencia, era probable una fuerte recaída.[9] En noviembre de 1999, el propio Enrique comenzó a dar síntomas de que su abstinencia estaba llegando a su fin, y él mismo se puso en contacto con su hermano Álvaro para ingresar en un centro de desintoxicación y pasar unos días controlado y alejado del alcohol y las drogas.[8] En cierto momento de su estancia, Enrique pidió el alta voluntaria. Como su entrada en el establecimiento fue igualmente voluntaria y se encontraba en buen estado, se le devolvió el dinero que consignó en el momento de su ingreso, así como su documentación, y se vio solo, en esas circunstancias, en la noche de Madrid. Al salir, se dirigió al barrio de Malasaña, donde entró en un piso en compañía de otras dos personas y consumió una pequeña cantidad de coca base. Aparentemente y en cierto punto, Enrique perdió el conocimiento y las dos personas que le acompañaban decidieron trasladar y dejar su cuerpo en un portal del mismo barrio.[9].[10]
El cuerpo sin vida de Enrique Urquijo fue hallado sobre las 9 de la noche del miércoles 17 de noviembre de 1999, en el portal número 23 de la calle del Espíritu Santo, en el barrio madrileño de Malasaña.[11] Tras su muerte se extendió la creencia popular de que Enrique falleció debido a una sobredosis; sin embargo, su hermano Álvaro en su libro Siempre hay un precio[12] desmiente este fatal desenlace, sosteniendo que la causa real fue una mezcla de la medicación legal que Enrique tenía recetada y que estaba tomando sumada a, como se ha dicho, una pequeña dosis de coca base.[13] Álvaro, además, subraya en todo momento que la muerte de Enrique fue completamente accidental, pues no hubo ninguna intención del artista por quitarse la vida, sino, simplemente, de repetir lo que tantas otras veces Enrique había hecho.
Está enterrado en el Cementerio de la Almudena de Madrid.
El mismo músico con el que no era difícil cruzarse por los bares del mítico barrio madrileño de la «movida», del que era uno de los referentes, «soportado por un cuerpo que parecía tan débil y a punto de venirse abajo como un castillo en la arena, con las manos en los bolsillos, aspirando a grandes bocanadas el humo».
Y así era, porque el líder de Los Secretos pasó la mitad de su vida sumido en un círculo vicioso que le llevaba de la depresión a las drogas y viceversa: «Cuando sentía el hormigueo de la desesperación, recurría al alcohol, la heroína, la cocaína o los tranquilizantes para conseguir una especie de muerte efímera», recogía Miguel Ángel Bargueño en su ya mencionada obra Adiós tristeza, la biografía de este poeta maldito del pop, que publicó en 2005.
Cuando Homero tenía apenas tres meses de edad la familia se trasladó a la ciudad de México, en donde vivió una infancia llena de dificultades y carencias. A los siete años fue atacado por la parálisis infantil, enfermedad que se creía incurable, por lo que su repentino alivio fue considerado como un auténtico milagro.
Su madre le compró una guitarra rústica, a la que Homero se aferró día y noche, empeñándose en aprender a tocarla, hasta que consiguió ejecutar su primera canción, que fue La Panchita, de Joaquín Pardavé.
Empezó a tocar en fiestas familiares, festivales escolares y eventos especiales, a dueto con su hermano mayor, y a los 12 años formó un grupo tropical al que llamó Son Estrella. Más adelante se unió con un joven de su edad que tocaba el salterio y juntos recorrían la calle de Bucareli amenizando a los transeúntes con sus instrumentos.
Se mudó entonces al barrio de Tepito, en donde formó dos grupos tropicales en los que tocaba el tresillo cubano. Con ellos obtuvo muchas satisfacciones, aunque también muchas amarguras, pues sus compañeros tenían empleos estables y la música era sólo un pasatiempo, mientras que para Homero era su forma de sustento, pues desde muy joven le tocó ser cabeza de familia.
Aprendió a tocar los temas más populares de Los Panchos y formó un dueto, que se presentaba en eventos varios y en carpas, hasta que lo invitaron a irse a Matamoros, Tamaulipas, a trabajar con un trío que tocaba en diversos establecimientos. Gracias a la calidad de sus ejecuciones, los invitaron a realizar una serie de 18 programas en una estación de radio local, con lo que mejoró su situación económica.
Regresó a la capital y se integró al Trío Los Cachorros, cuyo estilo versátil les valió el reconocimiento del público, por lo que se les presentaron grandes oportunidades, como la de actuar en el Teatro Cervantes y en la programación nocturna de la XEW.
Corrían los años 50 cuando tuvo la fortuna de conocer a destacados compositores e intérpretes, como Roberto Cantoral y su hermano Antonio, Marco Antonio Muñiz, Pepe Jara y otras personalidades. Para entonces ya había empezado a componer sus propios temas y logró que el Trío Los Yucas le grabara el primero de ellos, Mi dicha.
A ésa le siguieron muchas grabaciones más con diversos intérpretes, hasta que se hizo realidad una de sus grandes ilusiones: que el prestigiado trío Los Panchos le grabara sus canciones, y éstas fueron Esperaré en Dios, Credo, Seas como seas y Equivocaste el camino.
Más adelante Homero conoció a algunos ejecutivos de Discos Columbia, quienes lo invitaron, junto con su Trío Sensación, a grabar con ellos. Realizaron un disco de larga duración con la guatemalteca Alicia Azurdia, otro con la venezolana Adilia Castillo y algunos más
Gracias a los contactos que fue estableciendo en el medio artístico y en el discográfico, tuvo la oportunidad de recomendar a un grupo que se llamaba Tropical Santanera, en el que tocaba su hermano, Héctor Aguilar. Obtuvieron el visto bueno y así Homero inició una cadena de grabaciones con este grupo, que tomó el nombre de La Sonora Santanera.
Esto le abrió las puertas de todas las casas grabadoras, gracias a lo cual realizó más de mil grabaciones con innumerables artistas, empezando con la Sonora Santanera, Sonia López y Los Freddy’s, además de Javier Solís, Vicente Fernández, Juanello, Manoella Torres, Lola Beltrán, Yolanda del Río, Amanda Miguel, Conchita Solís, Valentina Leyva, Isabel Rojas, Julia Palma, José Luis Rodríguez El Puma, Pedro Fernández, Ángeles Ochoa, María de Lourdes, Alejandra Ávalos y muchos artistas más, incluyendo grupos populares como Los Humildes, Los Tigres del Norte, Ramón Ayala y Los Bravos del Norte, Carlos y José, Los Caminantes, Bronco, Los Mier, etc.
En 1970 fue seleccionado para representar a México en la Olimpiada de la Canción, que se efectúo en Atenas, Grecia. Participó con la canción Avalancha, interpretada por Raúl Vale, y obtuvo el cuarto lugar.
Entre sus canciones más exitosas, que aún permanecen en el gusto del público, destacan: Mi razón, El nido, Ya te conocí, Cara o cruz, El botones, Acorralada, Mi adiós, Nuestro último año nuevo, Yo no quisiera llorar, Pena negra, Las fiestas de diciembre, Guaguancó mexicano, Veinte años, también conocida como A muchos años, Me da vergüenza, Déjenme llorar, El número cien, Yo no me quiero ir y La misma gran señora, por mencionar sólo algunas.
También compuso obras en coautoría con el Mtro. Rosendo Montiel, como El cariño que perdí, Caja musical, Es mejor decir adiós, Ya no vine, Y me quedé con María, Una mentira más, y varias más.
El Mtro. Aguilar ha recibido más de 60 premios y reconocimientos, como los tres de la Promotora Hispano Americana de Música (PHAM), en 1966, por las altas ventas de sus temas Pena negra y Mi razón; en el año de 1993, en Houston, Texas, le entregaron el Trofeo de la Canción del Año por Fíjate; en 1997 fue reconocido en su tierra natal, Pachuca, Hidalgo, como el Mejor Compositor Hidalguense de la Época; la Medalla Agustín Lara (1987) y la presea Trayectoria por 50 años (2006), ambas otorgadas por la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM).
Homero Aguilar falleció el 17 de noviembre de 2009, dejando un legado de incuestionable valor en la historia de la música popular mexicana.
Obra literaria[editar]
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