A los catorce años se unió a una compañía de espectáculos itinerante en la que actuaba como músico tocando el concertino y la mandolina, y con la que recorrió ciudades de Italia, Francia, Suiza y Austria, y aún muy joven, en 1910, viajó a la Argentina.6
Como actriz teatral, Schafer
actuó en el circuito de Broadway en
17 obras entre 1927 y 1959, a menudo en papeles de reparto. La mayor parte de
esas actuaciones tuvo lugar en piezas de corta trayectoria, a excepción
de Lady in the Dark(1941-42), The Doughgirls (1942-44),
y Romanoff and Juliet (1957–58). Además, trabajó en una
reposición de Seis
personajes en busca de autor, bajo la dirección de Sir Tyrone Guthrie (1955–56), e intervino en
producciones stock y de carácter regional.
Sin embargo, Schafer es sobre
todo conocida por actuar en la sitcomLa isla de Gilligan,
en la cual encarnaba a la esposa del millonario, Lovey Howell. Ella repitió el
papel en los telefilmes spin-off rodados con posterioridad al fin
de la serie, al igual que hizo en la producción de animación Gilligan's
Planet en 1982. Originalmente pensado como una gran dama
sin sentido del humor, Schafer trabajó con los guionistas para conseguir que su
personaje fuera similar a los papeles atolondrados que en la década de 1930
habían interpretado Mary Boland y Billie Burke. Schafer sugirió específicamente
que los guionistas leyeran la obra de George S. Kaufman y Marc ConnellyDulcy, a fin de
conocer al mareante personaje del título.
Tras finalizar sus estudios de
arte dramático, desempeñó pequeños papeles en cuatro películas en 1935 y
progresó hasta su papel protagonista en Fire Over England (1937). Elogiada
por su belleza, sintió que sus atributos físicos en ocasiones le impedían ser
tomada en serio como actriz. A pesar de su fama en la gran pantalla, fue sobre
todo una actriz de teatro; durante su carrera de 30 años, desempeñó papeles que
fueron desde las comedias de Noël Cowardy George Bernard Shaw hasta
personajes clásicos de Shakespeare como Ofelia, Cleopatra, Julieta y Lady Macbeth. Ya en sus últimos años,
desempeñó algunos papeles secundarios en unas pocas películas.
Durante su matrimonio con Laurence Olivier, con el que estuvo casada en
segundas nupcias entre 1940 y 1960, el público la identificaba a menudo junto a
su marido, con el que coprotagonizó tres películas y numerosas producciones
teatrales, a menudo dirigidas por el propio Olivier. Tenía reputación de ser
difícil trabajar con ella y durante gran parte de su vida adulta padeció trastorno bipolar, además de episodios
recurrentes de tuberculosis crónica,
que le fue diagnosticada por primera vez a mediados de la década de 1940 y que
finalmente fue la causa de su muerte a los 53 años de edad.1 A pesar de que su carrera tuvo
períodos de inactividad, en 1999 el American Film
Institute la clasificó como una de las mayores
estrellas del cine clásico de Hollywood.
*************
1929:
Nace
Carlos A. González, compositor mexicano.
Carlos Aurelio González
Villarreal, nació el 5 de noviembre, en Monterrey, Nuevo León. Sus padres
fueron, don Aurelio Moncayo y doña Ofelia Villarreal Martínez.
Cursó sus estudios básicos, secundaria y bachillerato en varios colegios de su
natal Monterrey, y concluye su carrera de médico en la Universidad Autónoma de
Nuevo León.
Carlos González, tiene en su haber algunas anécdotas de gran significado en su
vida, como una que data de 1948, cuando era profesor de Gimnasia del Colegio
Morelos, y conoce en una exposición escolar a quien, tiempo después, sería su
esposa para toda la vida, y la musa que lo inspiró para componer su canción
Ojos cafés. Asimismo, refiere que el Trío Copacabana interpretó el tema,
estrenándolo un 15 de diciembre como serenata para su novia en ese
entonces.
Por otra parte intentó dar a conocer su creación, proponiéndola a diferentes
cantantes. A pesar de no hallar los medios para difundirla, tuvo la fortuna de
conocer a don Fernando Z. Maldonado, quien a su vez lo presenta con Mariano
Rivera Conde, Director Artístico de la RCA Víctor, y al escuchar el tema le
causa una muy grata impresión.
A pesar de los esfuerzos y tesón, los avances no fueron tan positivos como él
esperaba y regresa a su natal Monterrey, en 1950.
Por esas mismas fechas el Trío Copacabana se traslada a la Ciudad de México
buscando una oportunidad para grabar. Así, un día, los presentan con el maestro
Vicente Garrido, quién los bautizó con el nombre de Trío Monterrey y les dio la
oportunidad de grabar en discos Iberia.
De esta forma, el tema se escuchó por primera vez en una radiodifusora, el 11
de febrero de 1951.
Otras composiciones de su inspiración son: Divina tú, Mujercita, Ansias de ti,
Aquí estoy, Nuestro aniversario, Eternamente, interpretadas por Ana Gabriel y
Guadalupe Pineda y Tú lo eres todo, ejecutada por el Trío Los Dandy´s.
No cabe duda que la obra que mayores satisfacciones le ha dado es Ojos cafés,
que ha sido grabada por intérpretes como: Vicente Fernández, Trío Monterrey,
Trío Canta Recio y el Cuarteto Armónico.
En octubre de 2008, el Mtro. Carlos González recibió la presea Trayectoria 25 y
más…, que otorga la Sociedad de Autores y Compositores de México a sus socios
como homenaje a su carrera en la creación musical. Murió el 14 de marzo del 2018.
Su infancia la vivió en la
ciudad de Soledad en Atlántico.
Luego se trasladó a Barranquilla, donde
estudió piano y luego empezó a trabajar como
pianista en varias orquestas locales. Su carrera como solista arranca en 1965 cuando
graba su primer sencillo Odio gitano, composición de Cristóbal
Sanjuán.
Años más tarde tiene la
oportunidad de grabar a dúo con el ecuatoriano Julio Jaramillo y Olimpo Cárdenas varias
canciones entre las cuales tenemos otra versión de Odio gitano y Dos
rosas. Él hizo varias giras al exterior, en las cuales visitó países
como México, Venezuela, Perú y Ecuador, donde es recordado con gratitud por
grabar con Julio Jaramillo la canción Odio Gitano. Él contaba que
en Ecuador en las cantinas hay rockolas y en cada una hay al menos cinco
de sus éxitos.
El resto de su carrera la vivió
reeditando sus éxitos y grabando temas nuevos. En 1978 fue
uno de los que envió condolencias al pueblo ecuatoriano cuando falleció Julio Jaramillo. Su hijo Checo es un importante cantante de música
tropical.
Algunos de sus éxitos son Traicionera de
Jaime R. Echavarria, El contragolpe de Miguel
Valladares, Si hoy fuera ayer de Edmundo Arias, La
cárcel de Sing Sing de Bienvenido Brens, El último beso (Last Kiss) de Wayne Cochran y su mayor hit: La
copa rota de Benito de Jesús.1
Como anécdota se puede indicar
que su tema La cárcel de Sing Sing es uno de los boleros más
sonados en Perú, y que su voz tan característica ha propiciado que en más de
una película filmada en dicho país, se coloque de fondo alguno de sus temas
para crear ciertos ambientes. Tal es el caso de películas como "Pantaleón
y las Visitadoras", "Django, la otra cara", etc.
Actualmente (2008) vive
"retirado" de los escenarios en Soledad, ya que esporádicamente
brinda conciertos. En el 2006, alternó escenario
exitosamente en El Salvadorcon Leo Dan, donde es, ha sido, y seguirá siendo
un ícono de la música romántica melancólica.
Dassin nació en Nueva York. Su padre, Jules Dassin (1911- 2008), fue un actor y
director norteamericano de ascendencia judía ruso-polaca y ucraniana, autor de
obras del llamado "cine negro". Su
madre, Beatrice
Launer (1913-2005), era una virtuosa violinista de origen
austro-húngara. Dassin pasó su infancia en Nueva York y Los Ángeles; siendo aún niño, acompañó al
exilio en Europa a sus padres, víctimas de la política anti-comunista del senador Joseph McCarthy.
Los años 60 le vieron alcanzar sus primeros
éxitos gracias a temas como «Les Dalton», «Guantanamera», «Siffler sur la
colline» o «Les Champs-Élysées». Por los 70, las canciones de Dassin alcanzaron la
cúspide de las listas de éxito en Francia y lo llevaron definitivamente a la
fama. Era la época de «L'Amérique», «Le
Moustique», «Si tu t'appelles mélancolie», «Le café des trois colombes», «À
toi» y especialmente «L'été indien».
Probablemente como un
reconocimiento a sus padres, de ideología de izquierda, las grabaciones de
Dassin fueron permitidas en la Unión Soviética.
Fue también un talentoso políglota, llegando a grabar canciones en alemán, castellano, italiano, griego, incluso en japonés. Además, por supuesto, del francés y del inglés.
En 1973, la muerte de su primer
hijo, Joshua, lo sumió en una profunda depresión; cuatro años después se separó
de Maryse, con la que se había casado el 18 de enero de 1966. El 14 de enero de
1978 se casó en Cotignac con Christine
Delvaux, a quien conoció en Ruan dos
años antes. Tendrían dos hijos: Jonathan (14 de septiembre de 1978) y Julien
(22 de marzo de 1980).
Lo sobrevivieron sus hijos,
Jonathan y Julien Dassin, y sus hermanas Julie y Richelle Dassin. De entre
los compositoresya fallecidos, Joe Dassin es el
que genera más ingresos por derechos de autor en Francia.
Nace Jim Steranko, ilustrador y escritor estadounidense.
James Steranko (Reading, Pensilvania, 5 de noviembre de 1938) es un dibujante de comicestadounidense. Su trabajo más célebre es su personaje Nick Fury, y ha sido un innovador de la Edad de Plata del Comic. En la serie de Nick Fury introdujo el surrealismo en una forma distinta a la que venía siendo introducida en la serie del Doctor Extraño. Su técnica narrativa, a pesar de ser algo común hoy en día, fueron una gran novedad en su época, donde se acostumbraba a narrar prácticamente todo lo que sucedía en las viñetas, él introdujo tres páginas sin un solo dialogo, efecto de sonido o cuadro de texto1
Según su biografía autorizada, sus abuelos eran ucranianos y buscaron trabajo en las minas de antracita de Pensilvania. Durante la Gran Depresión Steranko y su familia vivieron en una casa de tres habitaciones y un lavabo en el exterior.
George Lucas acudió a él para diseñar los bocetos sobre la apariencia del aventurero "Indiana Jones", dando como resultado el característico personaje que todos conocemos.
Conoció a Paul Simon en sexto año de secundaria. Entre los años 1956 y 1962 tocaban juntos música con el sobrenombre de Tom & Jerry. Garfunkel se hacía llamar Tom Graph. Se matriculó en la Universidad de Columbia a principios de los sesenta, allí tocó con los Kingsmen, un grupo a capella en el que todos eran hombres. Durante su estancia en la universidad, también fue miembro de la Alpha Epsilon Pi, la única fraternidad judía en Estados Unidos y Canadá. En 1962 se sacó el Bachillerato de Artes licenciándose en Historia del Arte.
En 1963 volvió a unirse al dúo con Paul Simon, aunque ahora ya bajo sus nombres reales, Simon y Garfunkel. En octubre de 1964 publican Wednesday Morning, 3 AM, su primer álbum gracias a Columbia Records. El álbum no tuvo buena acogida, y el dúo se separó.
Al año siguiente el productor Tom Wilson añadió sonidos eléctricos a la canción The Sound of Silence (ya que la original sólo contaba con la guitarra y las voces del dúo), llevándola al nº 1 de las listas norteamericanas. Se volvieron a juntar, y en los años sucesivos grabaron cinco discos más, logrando ser reconocidos como uno de los grupos más populares de los años sesenta. El dúo publicó en 1970 el álbum más elogiado de su carrera, Bridge Over Troubled Water; sin embargo, el dúo se volvió a separar debido a los diferentes intereses entre ambos y las ganas de emprender cada uno carrera en solitario.
Rubén Juárez nació el 5 de noviembre de 1947 en Ballesteros, Provincia de Córdoba, y creció en Avellaneda, en el sur del Gran Buenos Aires. Estudió bandoneón desde temprana edad y en 1956, a los 9 años, ingresó en la Orquesta Juvenil del Club Atlético Independiente. En su adolescencia estudió guitarra, lo que lo llevó a integrar varios conjuntos de rock. Años después conoció al guitarrista Héctor Arbello, quien había tocado junto a Julio Sosa, «El Varón del Tango». Juárez y Arbello formaron un dúo con el cual comenzaron a realizar giras por distintas provincias de la Argentina.
A los 22 años, por intermedio de Lucio Demare, Juárez llegó a la boîteCaño 14, consagrándose desde su debut como uno de los artistas más destacados del lugar. Cuando el bandoneonista Aníbal Pichuco Troilo lo escuchó por primera vez en vivo, Juárez le pidió a Pichuco que fuera su padrino artístico. El 2 de junio de 1969 grabó su primer tema en la discográfica Odeón, Para vos, canilla, que fue un éxito inmediato. Un año después fue convocado por el animador Nicolás "Pipo" Mancera para cantar en su famoso y muy visto ciclo televisivo Sábados Circulares de Mancera, lo que lo hizo famoso.
Además de su excelente voz clara y grave, se caracterizó por utilizar un bandoneón blanco. Es posiblemente el único intérprete de tangos que ha unido al canto el hecho de ejecutar el bandoneón simultáneamente, lo cual lo convierte en un artista único dentro de la historia de la música rioplatense. Desde el 2003 -cuando realizaba una temporada en Carlos Paz- Rubén Juárez solía cantar acompañado por su hija primogénita, la también tanguera Lucila Juárez.
En 2008 se le diagnosticó cáncer de próstata, que lo obligó a someterse a sesiones de quimioterapia cada tres semanas en la ciudad de Córdoba. En el mes de abril de 2010 se descubrió que el cáncer había hecho metástasis en los huesos, y en la noche del 28 de mayo de 2010, el actor y conductor Coco Sily interrumpió el programa Animales sueltos para pedir que la Casa del Actor enviara una ambulancia para traer a Juárez desde Carlos Paz, ya que había sufrido una descompensación que lo obligaba a abandonar la internación domiciliaria. Inmediatamente fue internado en terapia intensiva en el sanatorio Güemes de la Ciudad de Buenos Aires, donde falleció el 31 de mayo de 2010, a los 62 años.[2][3][4]
Cuando tenía 16 años, se mudó a Los Ángeles, donde su madre lo inscribió en un grupo de actuación para poder aumentar su ámbito social. Después de graduarse de la Universidad de California, eligiendo el teatro Old Globe en San Diego. Eligió la carrera de actor en ese teatro, para lo cual se mudó a Nueva York, volviendo luego a Los Ángeles, para realizar dos papeles en series de la cadena CBS, comenzando así su carrera en televisión.
En videojuegos, es principalmente conocido por poner su voz a Andrew Ryan (principal antagonista del videojuego Bioshock) y al doctor Nefarious (villano de la serie de videojuegos Ratchet & Clank).
Nació en Buenos Aires, en una familia numerosa de diez hermanos. A los 15 años debuta como profesional en locales nocturnos de su ciudad como vocalista y un año después aparece en Telenoche presentado por Andrés Percivale.
En 1968 el grupo se reduce a un dúo acústico que llaman Pedro y Pablo, nombre con el cual serían conocidos en las siguientes décadas, generando una legión de fans que fue aumentando con los años sobre la base de la poesía de sus letras, las vocalizaciones y riqueza musical, y la actitud contestataria.
Comienzan a circular por los cafés concert y teatros del circuito porteño, hasta que en 1969 graban su primer simple con los temas Yo vivo en esta ciudad y Los caminos que no sigue nadie. En 1970 graban su primer LP, que contiene los temas del simple y el hit La marcha de la bronca, canción con la cual ganan el primer premio en el "Festival Nacional de Música Beat". Otros temas que componían aquel primer LP fueron ¿Dónde va la gente cuando llueve?, Vivimos, paremos, Che ciruja y Guarda con la rutina, entre otros.
A partir de 1971, el sello discográfico comienza a rechazar temas de Cantilo propuestos para el segundo disco, como En este mismo instante o Catalina Bahía, por lo cual cambian al sello Trova y graban en 1972 el segundo LP llamado Conesa. Los temas antes censurados fueron luego canciones emblema del dúo y, en el caso de Catalina Bahía, se convirtió en un auténtico himno de fogón. En 1973 graba su primer LP solista llamado Miguel Cantilo y Grupo Sur y en 1974 graba Apóstoles, junto a Durietz y a otros músicos de La Cofradía de la Flor Solar, aunque este álbum no aparecería hasta 1981 por razones de censura.
Hijo de inmigrantes noruegos,
Hexum fue el protagonista de la serie de ciencia-ficción Voyagers! (Viajeros), la que
fue puesta al aire en la cadena NBC durante la temporada televisiva 1982-83. Él
también apareció en las películas producidas para televisión The Bear y Making
of a Male Model, compartiendo el rol protagónico con Joan Collins y Roxie Roker, y en un episodio de Hotel,
antes de ser seleccionado para la serie de acción Cover Up.
A los 10 años su tío le regaló
su primera guitarra, algo que no aprobaba su padre, un diplomático de carrera.
Al poco tiempo sus padres se divorciaron, por lo que el futuro cantante se fue
a vivir con su madre y su hermano a la ciudad de Vancouver.
Bryan Adams pasó parte de su
infancia y adolescencia en Portugal, habida cuenta
de la profesión de su padre (embajador). Vivió en Birre,
cerca de Cascais, a unos 25 km de Lisboa. Esto le llevó a aprender el idioma portugués.
A los quince años dejó la escuela y se unió a una banda como cantante haciendo
giras por Canadá.
En 1979 Adams
realizó su primer aporte musical y junto con Jim Vallance (al que había conocido un
par de años antes, baterista del grupo Prism,
y con el cual se encontró por casualidad en una tienda de discos), realizaron
un dueto, grabaron un demo y tras varios intentos fallidos en compañías
discográficas, recibieron su primera oferta de la compañía A&M y su primer álbum, Bryan Adams,
bajo el sello discográfico A&M Records; se grabó en 1980,
siendo producido por Jim Vallance y Bryan Adams, destacando el tema Remember.
En el año 1981, bajo el sello
discográfico A&M Records, editó su segundo álbum You Want It - You
Got It. En este álbum colaboran en los teclados Tommy Mandel, en
el bajo Brian Stanley y en la batería Mickey Curry, y Bryan Adams toca la
guitarra y el piano. En este álbum destaca el tema Lonely Nights que marcaría el estilo
de algunas canciones futuras.
En el año 1983, Bryan contó con
la integración del guitarrista Keith Scott y el bajista Dave Taylor, y grabó junto con ellos, el tercer
álbum de estudio titulado Cuts Like a Knife, bajo el sello
discográfico A&M Records. Este fue su primer gran éxito, todo gracias a
canciones como Cuts Like a
Knife, "Straight From The
Heart", This
Time y The
Best Was Yet To Come (canción escrita y dedicada a título
póstumo a Dorothy Stratten,
playmate canadiense de la revista Playboy y que fue asesinada por su marido
el 14 de agosto de 1980). Asimismo, Bryan ganó su primer Disco
Platino. Este álbum fue producido por Bryan Adams y Bob
Clearmountain.
El año 1984 sería
culminante en la carrera de Bryan Adams, puesto que gracias al lanzamiento de
su álbum Reckless, obtuvo
varios galardones y reconocimientos (ejemplo de ello, el recibimiento de
los Premios Juno).
Canciones como Heaven, Summer of '69, Run To
You, Somebody y
el dueto con Tina Turner, It's
Only Love, son temas considerados clásicos del rock. El
tema "Kids Wanna Rock" es otro de los emblemas que
el rockero canadiense alumbró en este álbum, no tan exitoso como los
anteriores, pero con un contenido algo fuerte, un ritmo bastante atrayente, con
una sonoridad de guitarra eléctrica rítmica muy potente, punteos muy profundos
y sonoros. Este tema es uno de los que pertenece a los más rockeros que Bryan
conserva en su extenso repertorio. Todas las canciones de este álbum son
composiciones de Bryan Adams y Jim Vallance. Fue producido por Bryan Adams y
Bob Clearmountain.
En el año 1987,
vino el lanzamiento de su no tan exitoso (si se compara con su anterior trabajo
discográfico), Into The Fire,
el quinto álbum de Bryan. Canciones como Hearts On Fire y Heat
Of The Night, que fueron elegidas como singles, tuvieron
relativo éxito. Este álbum fue producido por Bryan Adams y Bob Clearmountain.
En el año 1988,
en Werchter, Bélgica, Bryan realizó el que hasta ahora se considera
su concierto más prodigioso, se trata del Live! Live! Live!, al cual asistieron más de
50.000 personas. En este concierto, Bryan presenta un recordatorio de sus
éxitos clásicos, sobre todo de Cuts Like a Knife y Reckless. Originalmente, se había
dispuesto que el concierto seria transmitido por TV, pero tal fue el éxito
alcanzado y la magnitud del evento y asistencia del público, que se decidió
grabarlo en su totalidad y sacarlo al mercado.
Importante actor de carácter, de imponente físico y de facciones
duras. Su nombre completo era Wardell E. Bond y fue amigo íntimo de John Ford. Creció en Denver y acudió a la Universidad de
California. Por aquel entonces era jugador del mismo equipo de
fútbol americano que John Wayne. Llegó
fortuitamente al cine por John Ford, que lo
contrató como extra en 1929, llegando a participar con él en 24 películas.1 En los que serían los últimos años de
su vida fue popular su participación en la serie televisiva Wagon Train
(Caravana)
1961:
Nace Rafa
Sánchez, cantante español, de la banda La Unión.
Tiene cinco hermanos y no es el único artista de la familia ya
que tiene dos hermanos gemelos que son pintores. Antes de formar parte de La
Unión estudiaba Arquitectura, pero
abandonó la carrera la cual no volvió a retomar.
Comenzó su carrera en 1973,
cuando tenía diez años de edad, protagonizando junto a su padre Ryan O'Neal la película Luna de papel. Por esta interpretación
ganó el premio Óscar a
la mejor actriz de reparto, de esta manera se convirtió en la
persona más joven en ganar un Premio de la Academia en una categoría de
competición. Después apareció en otros proyectos de menor perfil como The
Bad News Bears (1976), Nickelodeon (1976)
e International Velvet (1978).
Durante la década de 1990, su adicción a las drogas puso
en peligro su carrera durante bastante tiempo hasta que retornó en 2002, año en
que desempeñó un papel secundario en la película The
Scoundrel's Wife. De 2005 a 2009 actuó en la serie
televisiva Rescue Me,
donde hace el papel de la hermana del protagonista.
Judy Reyes (Bronx, Nueva York; 5 de noviembre de 1967) es una actriz de cine estadounidense hija de padres dominicanos. Es conocida por su papel como la enfermera Carla Espinosa en la serie de televisión de la NBC Scrubs, que se mantuvo en pantalla desde 2001 hasta 2010.
Fue cofundador y director de la revista semanal Pilote y ganó fama como guionista de
varias historietas, trabajando con destacados dibujantes de Bélgica y Francia. Su creación de mayor éxito fueron las
aventuras de Astérix el Galo,
junto al dibujante Albert Uderzo en Pilote (1959).
Otros destacados trabajos suyos son las series Lucky Luke, El pequeño Nicolás y
el Gran Visir Iznogud.
Tras estudiar música, intentó ganarse la vida como saxofonista, pero tras una gira llegó a California, donde abandonó la música para empezar su carrera como actor, en un principio como figurante, hasta que en 1935 firmó un contrato con Paramount y tuvo su primer papel principal en The Gilded Lyly, dirigida por Wesley Ruggles y con grandes estrellas del momento, como Claudette Colbert y Ray Milland.
Durante la década de 1930 siguió participando en comedias, pero a partir de 1940 comenzó también a intervenir en películas de distintos géneros como western, drama y cine negro demostrando su versatilidad como actor.
En 1960 actuó en el filme clásico El apartamento, de Billy Wilder, en la que MacMurray es el malvado jefe que se aprovecha del personaje interpretado por Jack Lemmon para seducir a la bella ascensorista, interpretada por Shirley MacLaine.
Después de una larga lucha contra la leucemia, murió a los 83 años de edad, de neumonía, en Santa Monica. Fue sepultado en el cementerio Holy Cross Cemetery en Culver City.
Hatfield nació en Beaver Dam, Wisconsin y se trasladó con su
familia a Anaheim, California cuando
tenía cuatro años. Se graduó en 1958 en Anaheim High School, donde formó parte
en el coro de la escuela cantando y jugó béisbol. Brevemente, considerado como un
jugador profesional, pero su pasión por la música lo llevó a dedicarse al canto
mientras que todavía asistía a la escuela secundaria. Finalmente encontraría a
su compañero de canto Bill Medley mientras
asistía a la Universidad
Estatal de California, Long Beach. Hatfield es un alumno de la
fraternidad Sigma Alpha Epsilon.
Hatfield tuvo un corto matrimonio con Joy Ciro, quien apareció
como bailarina en el Programa de T.A.M.I. Show y Where
the Action Is. Tuvieron dos hijos, Bobby Jr. y Kalin. En 1979, Hatfield se
casó con su segunda esposa, Linda, y felizmente se casaron durante 24 años
hasta que falleció. Tuvieron dos hijos juntos, Vallyn y Dustin.
Etapa del éxito, disolución y resurgimiento[editar]
Hatfield y Medley empezaron a cantar en dúo en 1962 en el área
de Los Ángeles después
de ser parte de un grupo de cinco miembros llamado a las Paramours.1 A menudo se les dijo que sonaban
como afroamericanos,
cantantes de gospel y nombradolos como el dúo
"The Righteous Brothers" después de que un fan comentó con respecto a
su forma de cantar, "eso es de justos, hermanos".".1
Su primera canción como The Righteous
Brothers fue "Little Latin Lupe Lu" y su primer # 1
"You've Lost
That Lovin' Feelin'" producido por Phil Spector en 1964. Siguieron éxitos
como "(You're My) Soul and Inspiration" y "Unchained
Melody", el último de los cuales fue realmente un tema de Hatfield en
solitario que grabó nuevamente tras el éxito de la película Ghost,
señalando a sus amigos que no había perdido ninguna de las notas altas en su
tenor/falsete desde la grabación original, pero en realidad había obtenido una
nota. El dúo se disolvió en 1968, pero regresó con otro
éxito en 1974, el # 3 "rock and roll Heaven".
El dúo fue incluido en el Salón de la fama
del Rock and Roll en marzo de 2003 por Billy Joel.
Bobby Hatfield fue hallado muerto en su cama en un hotel
de Kalamazoo (Michigan) poco
antes de un concierto. Es un verdadero shock, dijo el mánager David Cohen en una entrevista telefónica.
Medley, según comentó Cohen, estaba destrozado. En
enero de 2004, un informe de Toxicología llegó a la
conclusión de que una sobredosis de cocaína había precipitado un fatal ataque al corazón.2 The Sun informó la muerte de Hatfield con
la portada titular "Ha perdido ese sentimiento Livin'".3
Nació en Leigh-on-Sea, hijo de Robert J. Fowles, un próspero comerciante de tabaco y Gladys Richards, maestra. Después de estudiar en el Bedford School, estudió francés y alemán en la universidad de Edimburgo y en el New College de Oxford, donde se interesaría por el existencialismo francés. Era una gran admirador de la obra de Albert Camus y Jean-Paul Sartre. Tras licenciarse sirvió en la Armada británica y en 1950, comenzó a trabajar como profesor en Francia, Grecia e Inglaterra.
El éxito de su primera novela El coleccionista (The Collector) en 1963, hizo que dejara la docencia para dedicarse en exclusiva a la literatura.
En 1968, Fowles se mudó a Lyme Regis en Dorset, que serviría como escenario de la novela La mujer del teniente francés (The French Lieutenant's Woman).
En ese mismo año adaptó al cine su novela El mago (The Magus) dirigida por Guy Green (basada en sus experiencias en Grecia y escrita antes que El coleccionista dirigida esta por William Wyler), pero la película no tuvo éxito. La mujer del teniente francés también se llevó a las pantallas en 1981, dirigida por Karel Reisz con guion del dramaturgo Harold Pinter (Premio Nobel de Literatura en 2005), y por la que fue nominado al Oscar. También El Mago, una obra de culto en Estados Unidos, se llevaría a la gran pantalla en 1968.
La obra de no ficción más conocida de Fowles es probablemente Aristos (The Aristos), una colección de reflexiones filosóficas. Muchos críticos lo consideran como el padre del postmodernismo británico.
También recurre a la ironía para interpolar alusiones a teorías científicas y artísticas de la época en que se ambienta sus narraciones, como sobre Darwin o los prerrafaelistas, parodiando así determinada tradición narrativa victoriana.
2005:
MuereLink Wray, guitarrista y cantautor estadounidense de rock and roll (n. 1929).
Fred Lincoln "Link" Wray Jr. (Dunn, Carolina del Norte, 2 de mayo de 1929 - Copenhague, 5 de noviembre de 2005) fue un guitarrista y cantante ocasional de los años cincuenta.
Wray destaca por ser pionero en un nuevo sonido de guitarra eléctrica, como lo demuestra el éxito de la canción instrumental «Rumble» en 1958, de Link Wray and his Ray Men, que fue pionera en un overdrive, distorsión de sonido de guitarra eléctrica.
También inventó el power chord, importante técnica de la guitarra de rock moderna, recurso muy utilizado en el punk y el hard rock.1 Rolling Stone incluyó a Link en el número 45 en su lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.2
Muere Jaime Duque Grisales,
piloto colombiano y fundador del parque Jaime Duque (nacido en 1917).
Jaime Duque Grisales (Villamaría, 11 de junio 1917-Tocancipá, 5 de noviembre de 2007) fue
un pilotocolombiano de la década de 1940. Es
conocido por ser el fundador del Parque Jaime Duque que
empezó a funcionar en 1983.1
Su primera esposa fue Yolanda
Romero Moyano. De esta relación no hubo hijos.
En 1983, se inauguró el parque que lleva su
nombre, ubicado en el municipio de TocancipáCundinamarca a 34 kilómetros de Bogotá.2 Inauguró y organizó rutas
internacionales de Avianca; cruzó los mares
utilizando la navegación astronómica, cuando no existían ayudas de radio.
Falleció en 2007 a los 90 años
debido a complicaciones renales y cardíacas.2
Escribió cientos de libros
sobre historia argentina que tuvieron amplía difusión como Yrigoyen, El
45, Los Caudillos, y Breve
historia de los argentinos, también hizo obras de ficción y
poemas, como el premiado cuento "La fusilación" del libro La
última montonera, del cual se realizó una película.
Junto a Ariel Ramírez compuso la poesía de obras
musicales como los álbumes Navidad nuestra (1964), Los
caudillosde 1966, Mujeres argentinas de 1969,
donde se destacan sus canciones "Alfonsina y el
mar", "Juana Azurduy" y "Cantata
sudamericana" de 1971.
Desempeñó algunos cargos
públicos como ser Secretario de Cultura de la Municipalidad de la Ciudad de
Buenos Aires (1986-1989).
Falleció en Buenos Aires el 5
de noviembre de 2009.
Con sus películas ganó premios
nacionales e internacionales, considerándosele un director de culto,[cita requerida]exitoso
y respetado. Sus películas Crónica de un niño
solo y El
romance del Aniceto y la Francisca suelen ser evaluadas
entre las mejores de la historia del cine argentino. En el año 2000, el Museo
Nacional de Cine Argentino realizó una encuesta entre cien críticos,
historiadores e investigadores de cine de todo el país. La consigna era «Cuáles
son los 100 mejores films del cine sonoro argentino», dando como
resultado Crónica de un niño solo el mejor film (con más del
75 % de los votos). En 1998, la revista Tres Puntos (de
Buenos Aires) hizo una encuesta a cien personalidades del ambiente
cinematográfico (desde directores y actores hasta reflectoristas y escenógrafos)
con la consigna «Elija las cinco mejores películas argentinas de la historia y
el mejor director cinematográfico». La película ganadora resultó ser El
Romance del Aniceto y la Francisca y Favio el elegido como mejor
director, ambas distinciones por amplia mayoría.[cita requerida] En
2001, Leonardo Favio recibió el Diploma al Mérito de los Premios Konex como uno de los cinco
mejores directores de cine de la década en Argentina.
Como cantante fue uno de los
precursores de la balada romántica
latinoamericana en los años sesenta y setenta, alcanzando el éxito en toda América Latina. Entre sus canciones más
populares se encuentran Ding Dong estas cosas del amor (con
Carola), Simplemente una rosa de la película del mismo
nombre, Fuiste mía un verano, Ella ya me olvidó, Quiero
aprender de memoria, Mi tristeza es mía y nada más, Para saber cómo es la soledad (de Luis Alberto Spinetta),
"Mi amante niña mi compañera", "Ni el clavel ni la rosa",
"La foto de carnet", "No juegues más" y Chiquillada (de José Carbajal). Sus canciones han sido
versionadas en más de catorce idiomas.4
Una parte sustancial de la vida
de Leonardo Favio se relaciona con su adhesión y militancia en el peronismo. Resultado de ello es su
película Perón,
sinfonía del sentimiento (de 1999),
un documental con una duración de 6 horas.
Falleció el 5 de noviembre de 2012,
a causa de una neumonía agravada,
luego de estar varias semanas internado en una clínica de Buenos Aires.
Su inicio como cantante fue en celebraciones de cumpleaños y
fiestas patronales, donde con su voz y carisma logró ganarse la aceptación del
público. En 1977 se unió a la orquesta “X uno del sabor”, en Vicente Noble, San Francisco de
Macorís. Dada su afinidad en el canto, su maestro de música, Arturo
Méndez, le recomendó trasladarse a Santo Domingo para que probara otros
escenarios.
Un día después de su llegara Santo Domingo, fue contratado por
Gerardo Veras para ingresar a la orquesta “Los Diamantes”. Luego de dos años en
este grupo pasó a formar parte de “La Santo Domingo All Star Band”.
En el momento que se formaba el grupo “El Equipo”, Dioni
Fernández y Sandy Reyes lo
integraron al frente de esa orquesta, en la cual permaneció por un año y siete
meses.Luego se radicó en Venezuela, donde formó
una agrupación llamada “Los jacarandosos de Benny Sadel”, compuesto por
dominicanos y venezolanos.
Wilfrido Vargas le
propuso que formara parte de su orquesta; éste aceptó y regresó al país. Con
Wilfrido, Sadel sólo logró hacer cuatro bailes, ya que Vargas no agilizó los
trámites para poner su visado al día, para que viajara y participara de una
gira que tenía la orquesta en el extranjero. Por esa razón, tuvo que volver a
Venezuela con “Los jacarandosos de Benny Sadel”, hasta que en 1983 inició con
Aramis Camilo en “La Organización Secreta”.
Con orquesta de Aramis Camilo & La Organización Secreta, se
le recuerda por los temas "Ven llévame contigo y Querida".
Posteriormente formó su propia orquesta. Entre sus temas más
sonados están “Majao, majao”, “Dicen”, “Vuelve”, “Cada vez más”, “Te seguiré
queriendo”, “Algo de mi”, “Maldita sea”, “Amor, amor” y “Majando”. Sus temas
como "Alza Tu Copa", "Te He Prometido", "Yo soy
Asi", entre otros, Lograron éxitos extraordinarios, de Boston se traslada
a Nueva York donde luego se regresa a Santo Domingo, con una carrera
establecida. Benny Sadel produce un CD por Elvis Productions/Discomania, con
temas como: "Tanto Amor", "Dos cosas" , "Tu Me Vas a
Dejar", "Un Mal Sueño" , entre otros. En una presentación tras
sufrir un mareo en una actuación en un centro de diversión de los Estados
Unidos, se le detectó con leucemia.
En 2008 ingresó como figura principal a “Los Toros Band”. Con
este agrupación no concretaron mayores resultados.
Benny Sadel murió en el Jacobi
Medical Center de Nueva York, por leucemia . Sus restos fueron puestos en
velatorio en la Funeraria Blandino siendo visitado por diferentes
personalidades del ámbito artístico y político, donde artistas como Kaky Vargas y Sergio Vargas cantaron uno de sus temas
te seguiré queriendo y amor eterno de Rocio Durcal.2
Su vasto conocimiento en filosofía, política, historia y religión, plasmado en más de 50 libros y más de 400 artículos –muchos de ellos traducidos a más de seis idiomas–, lo convierte en uno de los más prestigiosos pensadores filosóficos americanos del siglo xx, que ha contribuido en la construcción de una filosofía comprometida. Ha sido crítico de la modernidad, como era histórica, apelando a un "nuevo" momento denominado transmodernidad. También ha sido crítico del helenocentrismo, del eurocentrismo y del occidentalismo. Defiende la postura filosófica que ha sido denominada bajo el rótulo de "giro descolonizador" o "giro decolonial".
Enrique Dussel y Noam Chomsky en Loyola University. Chicago. 1994.
Estudió cinco años en la Escuela de Bellas Artes,4 posteriormente entre 1953 y 1957 estudió filosofía en la Universidad Nacional de Cuyo. Su tesis de licenciatura trata la noción del bien común entre los griegos. Radicado en España, siguió sus estudios filosóficos en la Universidad Complutense de Madrid. En 1959 presentó su tesis (en la que continuó investigando acerca del bien común) y obtuvo el doctorado.
Desde 1959 y hasta 1961 vivió en Nazaret, Israel, junto al sacerdote Paul Gauthier, trabajando como carpintero. Esta experiencia en Oriente Medio determinó su futura reflexión, porque allí tuvo la oportunidad de vivenciar al pobre como excluido.
Radicado en Francia en 1961, estudió Teología e Historia en La Sorbona. En un viaje a Alemania en 1963 conoció a su futura esposa, Johanna Peters. Se puso en contacto con Joseph Lortz, y entre 1964 y 1966 estudió en el Archivo de Indias de Sevilla. Obtuvo un título en estudios de la Religión en el Instituto Católico de París, en 1965. Sus conocimientos e intereses por la historia de la Iglesia en el periodo de la conquista y colonización de América, eclosionaron en su tesis Les Evêques hispano-americains, defenseurs et evangelisateurs de l' indien, 1504-1620 (Obispos hispanoamericanos, defensores y evangelizadores del indio), por la que obtuvo el Doctorado en Historia.
En 1968 regresó a Mendoza para enseñar Ética en la Universidad Nacional de Cuyo. Entre 1969 y 1973 comenzó una prolífica etapa de su reflexión marcada por la influencia de Heidegger y Husserl, cuyo resultado son importantes publicaciones. Sin embargo, su lectura del libro Totalidad e Infinito de Emmanuel Lévinas le produjo, según sus palabras, el "despertar del sueño ontológico heideggeriano". Ocurrió entonces en su pensamiento un "desquiciamiento de todo lo hasta entonces aprendido".6
Sus diferentes actividades derivaron en acusaciones de diversa índole por parte de los grupos paramilitares surgidos en aquellos tiempos, lo tildaron de marxista y se convirtió en víctima de frecuentes amenazas de muerte. Estos episodios finalmente desembocaron en un atentado con bomba en su casa en 1973.
Durante la primera década del siglo xxiDussel formó parte delGrupo modernidad/colonialidad, el más importante colectivo de pensamientoposcolonialenAmérica Latina. Continuó escribiendo en diferentes periódicos y revistas latinoamericanas hasta su fallecimiento.8
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