El 10 de diciembre es el 344.º (tricentésimo cuadragésimo cuarto) día del año en el calendario gregoriano y el 345.º en los años bisiestos. Quedan 21 días para finalizar el año.
Podcast 2018
El Día de los
Derechos Humanos se celebra cada 10 de diciembre, coincidiendo con la fecha en
que la Asamblea
General adoptó la Declaración
Universal de Derechos Humanos, en 1948.
Día
de los Derechos Humanos, 10 de diciembre[editar]
El Día de los Derechos
Humanos se celebra todos los años el 10 de diciembre. "Se conmemora el día en
que, en 1948, la Asamblea
General de las Naciones Unidas aprobó la Declaración
Universal de los Derechos Humanos. En 1950,
la Asamblea adoptó la resolución 423 (V), invitando a todo los Estados y
organizaciones interesadas a que observen el 10 de diciembre de cada año como
Día de los Derechos Humanos".1 En esta ocasión el Día está dedicado
al lanzamiento de una campaña de un año de duración para conmemorar el 50
aniversario de los dos pactos internacionales de derechos humanos: el Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y
Culturales y el Pacto Internacional de Derechos Civiles y Políticos,
que fueron adoptados por la Asamblea General el 16 de diciembre de 1996
Día de los Derechos Humanos 2017
La Declaración Universal de los Derechos Humanos comienza su 70º aniversario
Defendamos la equidad, la justicia y la dignidad humana
El Día de los Derechos Humanos se celebra cada 10 de diciembre, coincidiendo con la fecha en que la Asamblea General adoptó la Declaración Universal de Derechos Humanos, en 1948. Para celebrar el que será el 70 aniversario el próximo año, lanzamos hoy una campaña con la que queremos destacar la trascendencia de este documento histórico, que proclamó los derechos inalienables inherentes a todos los seres humanos, sin importar su raza, color, religión, sexo, idioma, opiniones políticas o de otra índole, origen nacional o social, propiedades, lugar de nacimiento ni ninguna otra condición.
La Declaración, cuyo borrador redactaron representantes de distintos contextos jurídicos y culturales de todo el mundo, expone valores universales y un ideal común para todos los pueblos y naciones. Además, establece que todas las personas tienen la misma dignidad y el mismo valor.
Gracias a este documento —que con sus versiones en 500 idiomas se ha convertido en el más traducido del mundo— y el compromiso de los Estados con sus principios, la dignidad de millones de personas se ha visto fortalecida, y se han sentado las bases de un mundo más justo. Aunque aún quede camino por recorrer para que las promesas que encierra se cumplan plenamente, el hecho de que haya perdurado en el tiempo es prueba inequívoca de la universalidad imperecedera de sus valores eternos sobre la equidad, la justicia y la dignidad humana.
La Declaración nos fortalece a todos y los principios que recoge son tan relevantes en la actualidad como lo fueron en 1948. Debemos luchar por nuestros propios derechos y por los del prójimo. Podemos pasar a la acción en nuestras vidas diarias para defender aquellos derechos que nos protegen y así fomentar la unión de todos los seres humanos.
La Declaración Universal de los Derechos Humanos comienza su 70º aniversario
Defendamos la equidad, la justicia y la dignidad humana
El Día de los Derechos Humanos se celebra cada 10 de diciembre, coincidiendo con la fecha en que la Asamblea General adoptó la Declaración Universal de Derechos Humanos, en 1948. Para celebrar el que será el 70 aniversario el próximo año, lanzamos hoy una campaña con la que queremos destacar la trascendencia de este documento histórico, que proclamó los derechos inalienables inherentes a todos los seres humanos, sin importar su raza, color, religión, sexo, idioma, opiniones políticas o de otra índole, origen nacional o social, propiedades, lugar de nacimiento ni ninguna otra condición.
La Declaración, cuyo borrador redactaron representantes de distintos contextos jurídicos y culturales de todo el mundo, expone valores universales y un ideal común para todos los pueblos y naciones. Además, establece que todas las personas tienen la misma dignidad y el mismo valor.
Gracias a este documento —que con sus versiones en 500 idiomas se ha convertido en el más traducido del mundo— y el compromiso de los Estados con sus principios, la dignidad de millones de personas se ha visto fortalecida, y se han sentado las bases de un mundo más justo. Aunque aún quede camino por recorrer para que las promesas que encierra se cumplan plenamente, el hecho de que haya perdurado en el tiempo es prueba inequívoca de la universalidad imperecedera de sus valores eternos sobre la equidad, la justicia y la dignidad humana.
La Declaración nos fortalece a todos y los principios que recoge son tan relevantes en la actualidad como lo fueron en 1948. Debemos luchar por nuestros propios derechos y por los del prójimo. Podemos pasar a la acción en nuestras vidas diarias para defender aquellos derechos que nos protegen y así fomentar la unión de todos los seres humanos.
1198:
Muere Averroes,
filósofo hispano-árabe (nacido
en
1126).
Averroes (latinización del nombre árabe أبو الوليد محمد بن أحمد بن محمد بن رشد ʾAbū l-Walīd Muḥammad ibn ʾAḥmad ibn Muḥammad ibn Rušd; Córdoba, Al-Ándalus, 14 de abril de 1126–Marrakech, 10 de diciembre de 1198) fue un filósofo y médico andalusí, maestro de filosofía y leyes islámicas, matemáticas, astronomía y medicina.
1830:
Nace Emily Dickinson,
Emily Elizabeth Dickinson (Amherst, Massachusetts, 10 de diciembre de 1830-ibidem, 15 de mayo de 1886) fue una poeta estadounidense, su poesía apasionada la ha colocado en el reducido panteón de poetas fundamentales estadounidenses junto con Edgar Allan Poe, Ralph Waldo Emerson y Walt Whitman.
Dickinson procedía de una familia de prestigio y poseía fuertes lazos con su comunidad, aunque vivió gran parte de su vida recluida en su casa. Tras estudiar durante siete años en Amherst Academy, asistió brevemente al seminario femenino Mount Holyoke antes de regresar a la casa familiar en Amherst. Sus vecinos la consideraban excéntrica; tenía predilección por vestir siempre ropa blanca, era conocida por negarse a saludar a los invitados y en los últimos años de su vida, por ni siquiera querer salir de su habitación. Dickinson nunca se casó y la mayoría de amistades que tenía dependían completamente de la correspondencia.
En la intimidad de su hogar Dickinson era una prolífica poeta; sin embargo, durante su vida no se llegó a publicar ni una docena de sus casi 1800 poemas.a El trabajo publicado durante su vida fue alterado significativamente por los editores, adaptándolos a las reglas y convenciones poéticas de la época. No obstante, los poemas de Dickinson son únicos en comparación con los de sus contemporáneos: contienen líneas cortas, por lo general carecen de título, contienen rimas consonantes imperfectas [half rhyme] y una puntuación poco convencional.1 Muchos de sus poemas se centran en temas relacionados con la muerte y la inmortalidad, dos temas también recurrentes en las cartas que enviaba a sus amigos.
Los conocidos de Dickinson probablemente sabían de sus escritos pero no fue hasta después de su muerte, en 1886, cuando Lavinia, la hermana pequeña de Dickinson, descubrió los poemas que Emily guardaba y se logró hacer evidente la amplitud de su obra. Su primera colección de poesías se publicó en 1890 por conocidos personajes como Thomas Wentworth Higginson y Mabel Loomis Todd, aunque alteraron significativamente los originales. El erudito Thomas H. Johnson publicó en 1955 una colección completa de Dickinson, la primera de su poesía, y en su mayoría sin cambios. A pesar de que tuvo una crítica y recepción desfavorable y escéptica entre finales del siglo xix y principios del xx, Emily Dickinson está considerada de forma casi universal como una de las más importantes poetas estadounidenses de todos los tiempos.23
1896:
Muere Alfred Nobel,
inventor sueco (nacido en
1833).
Alfred Bernhard Nobel /
'alfrəd
'bɛɳhɑ:ɖ noˈbɛ:l (?·i)/ (Estocolmo, 21 de octubre de 1833-San Remo, 10 de diciembre de 1896) fue un químico, ingeniero, inventor y fabricante de armas sueco, famoso principalmente por la invención de la dinamita y por crear los premios que llevan su nombre. Nobel fue propietario de la empresa Bofors, compañía a la que orientó desde la producción de hierro y
acero, a la fabricación a gran escala de cañones y otros armamentos. Registró
durante su vida 355 patentes y en la actualidad su nombre sobrevive en varias
compañías, como Dynamit Nobel y AkzoNobel.
'alfrəd
'bɛɳhɑ:ɖ noˈbɛ:l (?·i)/ (Estocolmo, 21 de octubre de 1833-San Remo, 10 de diciembre de 1896) fue un químico, ingeniero, inventor y fabricante de armas sueco, famoso principalmente por la invención de la dinamita y por crear los premios que llevan su nombre. Nobel fue propietario de la empresa Bofors, compañía a la que orientó desde la producción de hierro y
acero, a la fabricación a gran escala de cañones y otros armamentos. Registró
durante su vida 355 patentes y en la actualidad su nombre sobrevive en varias
compañías, como Dynamit Nobel y AkzoNobel.
1897:
Nace Ernesto Cortázar, argumentista y director de cine, músico y compositor mexicano.
Ernesto Cortázar Hernández (10 de diciembre 1897 - 30 de noviembre 1953) fue un argumentista y director de cine, músico y compositor mexicano, nacido en Tampico, Tamaulipas y fallecido en Lagos de Moreno, Jalisco. Entre las películas que dirigió figura Noche de Ronda (1942), Jalisco, nunca pierde (1937), Juan charrasqueado (1947). Fue socio fundador y, más tarde, presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México. Se le considera como uno de los más exitosos letristas de las canciones de la época de oro del cine mexicano, haciendo mancuerna con el maestro Manuel Esperón quien creó la música de muchas de las piezas que juntos realizaron en tal época.1
Datos biográficos[editar]
A los 29 años de edad fundó un quinteto llamado Los Trovadores Tamaulipecos, integrado por él con Lorenzo Barcelata, Alberto Caballero, Antonio García Planes y Andrés Cortés Castillo que participó en la filmación de la película Mano a mano (1932).
Con Juan S. Garrido, compositor, escribió la música de las películas El tesoro de Pancho Villa, bajo la dirección de Arcady Boytler, y La familia Dressel, dirigida por Fernando de Fuentes, en 1935.
Como escritor de cine Ernesto Cortázar creó historias para producciones que abordaron géneros de arraigo popular, como la comedia ranchera, melodramas y cine de rumberas, en las que lucieron artistas como Carmen Guerrero, Carlos López Chaflán, Pedro Armendáriz —en sus primeras apariciones—, Joaquín Pardavé, Mapy Cortés, Jorge Negrete, Meche Barba, Rosa Carmina y para la película donde debutó Germán Valdés "Tin Tan", Hotel de verano.
En 1938, Cortázar y el también músico y compositor, Lorenzo Barcelata, crearon la compañía productora de cine, Producciones Barcelata-Cortázar, con la que realizaron películas como La reina del río, dirigida por René Cardona (1938).
En 1942 dirigió Noche de ronda, su primera película. Dirigió más tarde otras 17 películas. Como argumentista, guionista o director, sus películas más sobresalientes fueron Jalisco nunca pierde (1937), Seda, sangre y sol (1941), Juan Charrasqueado (1947), Amor con amor se paga (1948), En cada puerto un amor (1948), Mancornadora (948 ), Si Adelita se fuera con otro (1948), Callejera (1949), Amor de la calle (1950), Traicionera (1950, Cuando tú me quieras (1950), Los tres alegres compadres (1951), Los hijos de María Morales (1952), Ambiciosa (1953), entre otras.
Con el compositor Manuel Esperón fue coautor de, entre muchas canciones, Ay, Jalisco, no te rajes, No volveré, Serenata tapatía, Amor con amor se paga, Hasta que perdió Jalisco, Aunque me cueste la vida, Chaparrita cuerpo de uva, Águila o sol y El aventurero. También escribió las letras de canciones en coautoría con otros compositores connotados como Lorenzo Barcelata, Luis Arcaraz y Chucho Monge.
Ernesto Cortázar murió con su esposa en un accidente automovilístico cerca de Lagos de Moreno, Jalisco, el 30 de noviembre de 1953. En tal fecha ocupaba el puesto de presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México.
Fue padre del también compositor Ernesto Cortázar II (1940 - 2004), autor de las bandas sonoras de más de 75 películas.2
Dorothy Lamour (10 de diciembre 1914 – 22 de septiembre 1996) fue una actriz de cine, y cantante estadounidense. Se la recuerda sobre todo por trabajar en la serie de exitosas comedias “Road to...” con Bing Crosby y Bob Hope.
Primeros años[editar]
Lamour nació en Nueva Orleans, Luisiana, como Mary Leta Dorothy Slaton. Hija de Carmen Louise LaPorte y John Watson Slaton. Los dos trabajaban como camareros. De origen español e irlandés. El matrimonio de sus padres duró solo unos años, y su madre se volvió a casar con Clarence Lambour, y Dorothy tomó su apellido. Este matrimonio también acabó en divorcio cuando Dorothy era una adolescente. La economía familiar era tan desesperada que cuando tenía 15 años, falsificó la firma de su madre en un documento que le autorizaba a abandonar el colegio. Más tarde, asistió a una escuela de secretariado para la que no necesitaba el diploma de la escuela secundaria. Era una excelente mecanógrafa y normalmente escribía sus propias cartas, incluso después de hacerse famosa. Después de ganar en 1931 el concurso de belleza Miss Nueva Orleans, su madre y ella se mudaron a Chicago, donde Dorothy ganaba 17 dólares a la semana como ascensorista en los almacenes Marshall Field en la calle State. No tenía formación como cantante pero un amigo le convenció para que se presentara para un anuncio con Herbie Kay, un director de orquesta que tenía un programa nacional de radio llamado The Yeast Foamers.
Dejó la orquesta de Kay y se mudó a Manhattan, donde Rudy Vallee, un cantante conocido por entonces, le ayudó a conseguir un trabajo de cantante en un conocido night club, El Morocco. Trabajó también en 1 Fifth Avenue, un cabaret donde conoció a Louis B. Mayer, magnate de los estudios MGM. Fue Mayer quien organizó una prueba de cámara para Dorothy, que la llevó a ser contratada por la Paramount en 1935. Ese mismo año, consiguió su propio programa musical de 15 minutos en NBC Radio. También cantó en el conocido programa de radio de Rudy Vallee. Cuando estaba en el apogeo de su popularidad, sus fanes sugirieron que su apellido fue creado por un agente a partir de la palabra francesa "amour". Fue Dorothy quien la adaptó de Lambour, que era el apellido de su padre adoptivo, Clarence. Conoció a J. Edgar Hoover, director del F.B.I. Según el biógrafo de Hoover Richard Hack, Hoover estaba interesado en Dorothy, pero ella solo quería una amistad. Hoover y Lamour fueron grandes amigos hasta la muerte de Hoover. Lamour nunca negó los rumores de una aventura amorosa entre ellos.
Carrera[editar]
En 1936, se trasladó a Hollywood y trabajó regularmente en películas de Paramount Pictures. El papel que hizo de ella una estrella fue Ulah (una especie de Tarzan femenina) en The Jungle Princess (1936). Mientras se le adjudicaba fama como símbolo sexual, Lamour también demostró talento como actriz cómica y dramática. Estuvo entre las actrices más populares del cine entre 1936 y 1952. Trabajó en la serie de películas Road to... con Bing Crosby y Bob Hope en los años 40 y 50. Las películas fueron grandes éxitos durante los 40, y cada año se situaban entre las más taquilleras. Las películas se centraban más en Hope y Crosby, ella estaba preciosa, y cantaba algunas de sus canciones más conocidas. Su contribución a las películas fue considerada, tanto por el público como por los dueños de los teatros, de tanta importancia como la de Crosby y Hope. La serie finalizó con Road to Bali (1952) cuando su comenzó su declive mientras que Crosby y Hope continuaron siendo importantes figuras del negocio. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, era una de las pinup más populares entre los soldados, con Betty Grable, Rita Hayworth, Lana Turner y Veronica Lake. Lamour fue en gran medida responsable de poner en marcha las giras de bonos de guerra, en las que estrellas de cine viajaron por todo el país vendiendo bonos del gobierno al público. Solo Lamour promovió la venta de unos 21 millones de dólares en bonos de guerra.
Otras películas de Lamour son:
- The Hurricane de John Ford (1937),
- Spawn of the North (1938),
- Disputed Passage (1939),
- Johnny Apollo (1940),
- Aloma of the South Seas (1941),
- Beyond the Blue Horizon (1942),
- Dixie (1943),
- A Medal for Benny (1945),
- My Favourite Brunette (1947),
- On Our Merry Way (1948)
- la ganadora del Oscar a la mejor película The Greatest Show on Earth (1952).
- Donovan's Reef (1963).
Como actores principales trabajaron William Holden, Tyrone Power, Ray Milland, Henry Fonda, Jack Benny, George Raft y Fred MacMurray.
En los primeros años 50 su carrera se fue apagando, y comenzó una nueva carrera como animadora de club nocturno y ocasionalmente actriz de teatro. En los años 60, volvió a la pantalla, con papeles secundarios en tres películas y al teatro, con la gira de Hello Dolly que duró un año cerca del final de la década.
Últimos años[editar]
El buen humor de Lamour y su falta de pretensiones le permitieron tener una carrera muy larga en el mundo del espectáculo. Fue una atracción en el circuito de dinner theatre de los 70. En los 60 y 70, vivía con su marido Liamos Ross Howard III (con el que se casó en 1943), en Baltimore, Maryland. El murió en 1978. Lamour publicó su autobiografía My Side of the Road en 1980, volvió a actuar en clubes nocturnos, y actuó en obras y series de televisión tales como Hart to Hart, Crazy Like a Fox y Se ha escrito un crimen.
Durante los años 1990, solo trabajó en contadas ocasiones pero le hicieron varias entrevistas en revistas y programas televisivos. En 1995, el musical Swinging on a Star, una revisión de canciones escritas por Johnny Burke se estrenó en Broadway y se mantuvo tres meses en cartel. Lamour aparecía en los créditos como “asesora especial”. Burke fue autor de muchas de las más famosas canciones de la serie de películas Road to....El musical fue nominado para los premios Tony como mejor musical y la actriz en el papel de Dorothy Lamour, Kathy Fitzgerald, también fue nominada.
Lamour murió en su casa en North Hollywood, California a los 81 años. Fue enterrada en el cementerio Forest Lawn, Hollywood Hills en Los Angeles, California.
1919:
Nace Esther Forero, cantante colombiana (fallecida en 2011).
Esther Forero Celis (Barranquilla, 10 de diciembre de 1919 – Barranquilla, 3 de junio de 2011)
más conocida como Esthercita Forero o "La Novia de Barranquilla", fue
una cantante y compositora colombiana.12
Inicios[editar]
Empezó a cantar desde
los cuatro años de edad en las tertulias familiares y teatros de su ciudad
natal, Barranquilla. A los catorce años debutó en la emisora "La Voz de
Barranquilla", cuatro años más tarde realizó giras por todo el territorio
colombiano. En la ciudad de Bogotá hizo actuaciones en la Media
Torta, Teatros y emisoras radiales.
Éxito
internacional[editar]
En 1942 realizó
su primera gira al exterior; estuvo en Panamá, donde actuó con éxito en Radio
Estrella de Panamá, con acompañamiento del pianista y compositor Avelino
Muñoz. En 1945 fue a Venezuela donde dio a conocer por primera
vez la música costeña. Luego se dirigió a Santo
Domingo, República Dominicana,
país en el que escribe su primera canción "Santo Domingo" la cual
llegó a convertirse en el segundo himno de República Dominicana.
Hacia 1950 grabó con el compositor puertorriqueño Rafael Hernández discos de
gran suceso en Puerto Rico, lo cual
contribuyó a que la música colombiana se abriera paso entre las otras
expresiones populares del Caribe.3
En Cuba actuó
con la orquesta de Pancho Portuondo, en 1952 siguió
a Nueva York, en donde son ampliamente conocidas
sus canciones y empieza a grabar con el conocido pianista y compositor René
Touzett. Esther Forero fue un ícono del folclor colombiano y especialmente del
carnaval de Barranquilla, del que fundó el desfile nocturno La Guacherna en
1974.4
Regreso
a Colombia[editar]
Esther Forero regresa
a Colombia en 1959, después de diez años de estar divulgando
nuestra música en el exterior. Desde entonces, estuvo grabando su música con
orquestas como la de Pacho Galán, Nuncira Machado, Aníbal Velásquez, Clímaco
Sarmiento, entre otras, con cantantes de la categoría de Gabriel Romero, Joe
Arroyo y Alfredo Gutiérrez.
Por iniciativa de
Esthercita, en 1974 se rescató una tradición perdida, la de realizar desfiles
nocturnos alegrados con cumbiambas y tamboras, y fue así como se realizó la
primera guacherna.
En 1975 grabó en Barranquilla
el disco "Érase una vez en La Arenosa", bajo la batuta del
maestro Pedro "Pete" Vicentini y
acompañada por el cantante Alcibíades "Alci" Acosta. Este disco narra
la historia de Barranquilla en canciones, y ha sido hondamente apreciado por
todos los barranquilleros.
Reconocimientos[editar]
A lo largo de su vida
recibió homenajes por parte de las colonias latinoamericanas. Recibió
innumerables homenajes, medallas, pergaminos, placas y trofeos, en
reconocimiento a la magna labor que ha desarrollado a lo largo de su existencia
como embajadora de la música colombiana ante el mundo, en consecuencia, la
Sociedad de Autores y Compositores de Colombia la condecoró con la "Orden
de Santa Cecilia".
En 1998 el Ministerio
de Cultura de Colombia le otorgó el título Emérito 1998 "Por su
indiscutible aporte a la música colombiana ante el mundo, por su dedicada labor
y por haber sido vocera de los más positivos valores de nuestra cultura del
mundo". Recientemente la Honorable Cámara de Representantes le concedió la
Orden "Policarpa Salavarrieta", con el grado de Comendador.
Canciones[editar]
Esthercita Forero le
ha cantado a su tierra de manera entrañable y nostálgica. Sus canciones hacen
parte del imaginario colectivo barranquillero y han calado profundamente en la
identidad de sus habitantes, que las reconocen y veneran como himnos populares.
Autora de conocidos temas de honda aceptación popular como "Mi vieja
Barranquilla" (1974), "Luna barranquillera" (1963), "La
Guacherna" (1976), "Volvió Juanita" (1978), "Palito 'e
matarratón" (1964), "Tambores de Carnaval" (1978), "Nadie
ha de saber" (2002), "El hombre del palo", entre otros.
Muerte[editar]
Falleció el viernes 3
de junio de 2011 a los 91 años de edad en la Clínica La Asunción de
Barranquilla, tras complicaciones de varios órganos. Llegó con una luxación de
hombro a la clínica el miércoles 11 de mayo de 2011 producto de una isquemia cerebral.56
https://www.youtube.com/watch?v=dNwbhU2Tnag
1919:
Alexander Courage, compositor estadounidense (fallecido en 2008).
Alexander Courage (10 de diciembre de 1919 – 15 de mayo de 2008)
es un veterano compositor de bandas sonoras norteamericano famoso por -entre
otras cosas-, ser el creador del tema musical de la
serie original Star Trek. Se diplomó en la "Eastman
School of Music" en 1941, y pronto se convirtió en uno de los más
prestigiosos orquestadores de Hollywood, aunque como compositor en solitario
nunca ha sido considerado uno de los grandes.
En 1987 hizo la música de Superman para
el filme Superman IV.
1919:
Nace Vicentico Valdés, cantante cubano de boleros y guarachas f. 1995).
Vicente Valdés Valdés (La Habana, Cuba; 10 de diciembre de 1919 - Nueva York, Estados Unidos; 26 de juniode 1995)1 fue un cantante cubano de música
popular.
Índice
[ocultar]
·
7Fuentes
Biografía[editar]
Vicentico Valdés fue hermano menor del también cantante
Alfredito Valdés, y junto a él fue integrante del Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro.
También fue integrante de la orquesta "Cosmopolita" que dirigía Antonio María Romeu.
Trabajó también con la Sonora Matancera, interpretando principalmente
guarachas y guaguancós tales como Yo no soy guapo (guaracha de
Reineiro Martínez) y el bolero mambo Decídete mi amor. Uno de sus
temas más representativos en esa época fue su versión de Los aretes de
la luna, original de José Dolores Quiñones, tema que contribuyó a darle a
conocer ante el gran público.
Nueva York[editar]
Radicado en New York, conoció
a Noro Morales. Éste lo integró a su orquesta y
con él grabó temas como Guararé de Ricardo Fábregas, y Qué
problema de Rudy Castel.
En los años subsiguientes, su repertorio se concentró en la
interpretación de boleros , aunque
continuó cantando otros ritmos autóctonos de su tierra como guajiras, sones o
guarachas.
Para el sello Seeco grabó una cantidad de temas, entre boleros,
guarachas y hasta cumbias. En el álbum, Así canta el corazón,
acompañado por su propia orquesta y con arreglos y dirección de René Hernández
(pianista de la orquesta de Machito durante algún tiempo), incluyó temas
como: Ya 'ta el guateque (ritmo orizá), Negro de
sociedad (motivo afro), Cumbia que se va de ronda, (cumbia) Yuyumbé (guaracha) y
varios boleros como Tú mi adoración original de José Antonio
Méndez. Asimismo, el álbum Algo de ti, contiene el bolero del mismo
nombre, original de Juan P. Miranda, y otros boleros como Estoy locode
Javier Vásquez, Conozco tu historia de Mario de Jesús y Sálvame de
Atilio Bruni.
Con la orquesta de Tito Puente grabó Nueva vida,
de Giraldo Piloto y Alberto Vera, Guaguancó en Tropicana, de M. A.
Espinoza, Soy feliz, La gloria eres tú, y Tú mi
amor divino estos dos últimos boleros de José Antonio Méndez.
Su orquesta[editar]
En su madurez como cantante, Vicentico Valdés tuvo su propia
orquesta y contó con arreglos musicales de René Hernández, Joe Caín y Javier
Vásquez. La orquesta estuvo integrada por Alfredo Armenteros, Víctor Paz, Jimmy
Frisaura y Pat Russo en las trompetas; Jesús Caunedo y Al Tenenbaum como saxos
alto; Shelly Gold como saxo tenor; Dave Kurtzerm en el saxo barítono; Frank
Anderson como pianista; Bobby Rodríguez en el bajo; Mervin Gold en el trombón;
Félix Ventura en las congas; Joe Rodríguez en el timbal y José Mangual en
el bongó. En el coro estuvieron Chivirico Dávila
y Felo Brito.
Vicentico Valdés falleció en New York el 26 de junio de 1995.
1923:
Nace Harold Gould, actor estadounidense (fallecido en 2010).
Harold V. Goldstein (n. Schenectady, Nueva York, Estados Unidos; 10 de diciembre de 1923 - f. Woodland Hills, California, Estados Unidos; 11 de septiembre de 2010), conocido por su nombre artístico Harold Gould, fue un
actor estadounidense de cine, televisión y teatro, cuya carrera se extendió
durante 50 años.
1928:
Nace Dan Blocker, actor estadounidense (fallecido en 1972).
Dan Blocker o Dan
Davis Blocker (Bobby Dan Davis Blocker: De Kalb, de Texas, 10 de diciembre de 1928 – Los Ángeles, de California, 13 de mayo de 1972)
fue un actor estadounidense recordado
principalmente por su papel de Hoss Cartwright en la serie western de televisión Bonanza.
Biografía[editar]
Era hijo de Ora Shack Blocker y
Mary Davis Blocker. La familia se trasladó a O'Donnell poco
después de su nacimiento.
El futuro actor acudió al Texas
Military Institute y después se graduó en el Sul Ross State Teacher's College
en Alpine, Texas, donde consiguió un máster en artes dramáticas.
Blocker tuvo diversos trabajos,
como profesor, actor y artista de rodeo. Parece ser que trabajó como gorila de
bar mientras era estudiante, gracias a su gran corpulencia (1.91 m y 136 kg).
Blocker fue alistado y sirvió
en la Guerra de Corea.
Posteriormente se casó con Dolphia Parker, a quien había conocido siendo
estudiante en Sul Ross State. Tuvieron cuatro hijos: el actor Dirk Blocker, el
productor David Blocker, y las gemelas Debra Lee y Danna Lynn.
Seguidor de la Iglesia
Metodista Libre, y partidario del político Eugene
McCarthy (posteriormente promocionó al candidato a la
presidencia por el Partido
Demócrata de los Estados Unidos en 1968, Hubert Humphrey), Blocker desarraigó a su
familia a finales de los años sesenta, trasladándose a Europa, pues era
contrario al rumbo que llevaba la Guerra de Vietnam.
Stanley Kubrick intentó seleccionar a
Blocker para su película Dr. Strangelove, tras la marcha atrás
de Peter Sellerspara
hacer el papel de Major T.J. "King" Kong. Blocker rechazó el papel,
pues lo encontraba demasiado liberal. Dicho papel fue finalmente interpretado
por Slim Pickens.
Robert Altman hizo amistad con Blocker
mientras dirigía episodios de Bonanza. Años después, eligió a Blocker
como Roger Wade en The Long Goodbye (El largo adiós).
Desafortunadamente, Blocker falleció antes de iniciar el rodaje. El papel fue
para Sterling Hayden,
y la película se dedicó a Blocker. Su muerte, en Los Ángeles en 1972, fue repentina, a
causa de un tromboembolismo
pulmonar secundario a una intervención rutinaria de la vesícula biliar.
El reparto y equipo de Bonanza fueron sacudidos por su muerte,
y se especulaba que la pérdida del personaje más cariñoso de la serie aceleró
su final. Bonanza duró otra temporada, pero ésta es la menos
repuesta de toda la serie.
1928:
Muere Mackintosh, arquitecto, diseñador y acuarelista escocés,
Charles Rennie Mackintosh (7 de junio de 1868 – 10 de diciembre de 1928) fue un arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, que tuvo una importancia fundamental en el movimiento Arts and Crafts y que además fue el máximo exponente del Art Nouveau en Escocia. Fue el padre de Elizabeth Nicol Rennie que también siguió sus pasos.
Protomodernista (antecedente del modernismo). Trata de reformar rompiendo con lo anterior. Saltó a la fama después de exponer sus muebles en la Secesión de Viena en 1900 y formó parte del grupo The Four (Los cuatro) de la Escuela de Glasgow, creado en 1897, siendo su principal figura junto a su mujer Margaret Macdonald, la hermana de esta, Frances Macdonald y el marido de esta última, Herbert MacNair.
Tomó elementos del Arts and Crafts, y fue muy bien aceptado por la oposición al Art Nouveau belga (fue un héroe para la Secesión).
Fue uno de los arquitectos más destacados de los personajes vinculados al Art Nouveau (incluyendo a Victor Horta), pero después de 1913 no recibió más encargos y murió en la miseria en 1928 (miseria que también está relacionada con su afición a la bebida).
1936:
Muere Luigi Pirandello, escritor italiano, premio nobel de literatura en 1934 (nacido en 1867).
Luigi Pirandello (Agrigento, 28 de junio de 1867 - Roma, 10 de diciembre de 1936)
fue un reconocido dramaturgo, novelista y escritor de relatos cortos italiano,
ganador en 1934 del Premio Nobel de
Literatura.
Biografía
inicial[editar]
Nació el 28 de junio de 1867 en
Villaseta de Càvusu, llamada actualmente Xaos (en
todo caso la etimología de tal lugar, según el mismo Pirandello, derivaría de
la palabra griega Kaos). En el siglo XX Càvusu/Xaos se ha transformado
en una "contrada" o suburbio de la ciudad siciliana de
Agrigento, motivo por el que es frecuente que en muchos textos se dé como lugar
de nacimiento la ciudad de Agrigento, e incluso la ciudad vecina de Porto Empedocle.
Luigi Pirandello era
hijo de Caterina Ricci-Gramitto y de Stefano Pirandello, comerciante garibaldino de clase mediapero de ascendencia ilustre,
inversor en la industria del sulfuro. Tanto los Pirandello como los
Ricci-Gramitto eran fuertemente antiborbónicos y participaban activamente en
el movimiento "Il Risorgimento",
destinado a la unificación democrática de Italia. Stefano llegó a participar en
la famosa aventura de Los Mil,
siguiendo a Garibaldi a la batalla de Aspromonte mientras
Caterina, que apenas contaba con trece años, debió emigrar junto con su padre
a Malta donde había sido enviado al exilio por la monarquía borbónica reinante.
De los sentimientos de
decepción que sus padres (especialmente Caterina) acuñaron tras el
establecimiento de la unificación y su posterior y traumática realidad,
Pirandello extraería buena parte de la atmósfera emocional que caracterizaría
sus escritos, especialmente la novela Los viejos y los jóvenes. Es
también posible que la sensación de traición y resentimiento inculcara en el
joven Luigi la desproporción entre ideales y realidad que subraya en su
ensayo L'Umorismo ("El humorismo").
Como muchos niños
acomodados de la época, Pirandello recibió su educación básica en su propio
hogar. Quedó fascinado por las fábulas y leyendas de tono mágico que
su tutora Maria Stella solía narrarle. A la precoz edad de doce años escribió
su primera tragedia. A insistencia
de su padre se inscribió en una escuela
técnica, educación que complementó con el estudio de humanidades en
el gimnasio, por las que sentía mucha mayor afinidad.
Su infancia
transcurrió entre Girgenti (actual Agrigento, cambiado por Mussolini), y Porto Empedocle a orillas del mar. Luego
de ser víctimas de maniobras fraudulentas, la familia se
trasladó a Palermo en 1880. Fue en Palermo donde terminó
el liceo, se enfrascó en la lectura de poesía italiana del siglo XIX, especialmente de escritores
como Giosuè Carducci y Graf,
empezó a escribir sus primeros poemas y se enamoró de su prima Lina. Durante
este período comienzan los primeros signos del serio contraste que lo separaría
de su padre, cuando Luigi encontró cierta correspondencia que insinuaba la
existencia de una relación extramarital por parte de Stefano. El joven
Pirandello empezó a acercarse emocionalmente a su madre, relación que se
transformaría en una verdadera veneración que tendría su punto cumbre, tras la
muerte de Caterina, en las hondas páginas de la novela Colloqui con i
personaggi de 1915.
Su amor por su prima,
inicialmente visto con desagrado, fue de pronto tomado con gran seriedad por la
familia de Lina, que demandó que Luigi abandonara sus estudios para dedicarse
de lleno a la administración de las inversiones familiares en el negocio
del azufre, a fin de que los jóvenes pudieran
casarse prontamente. En 1886, durante unas
vacaciones, Luigi visitó las minas de azufre de Porto Empedocle y comenzó a trabajar con
su padre: esta experiencia resultó esencial para su obra, y sus impresiones se
reflejarían en relatos como Il Fumo, Ciàula scopre la Luna, Los
viejos y los jóvenes.
Trayectoria[editar]
El casamiento, que
parecía inminente, fue pospuesto y Pirandello se inscribió en la Universidad de
Palermo en los departamentos de Leyes y Letras. En el campus de la universidad
cultivó la amistad de jóvenes ideólogos como Enrico
La Loggia, Giuseppe De Felice Giuffrida y Francesco
De Luca.
De allí pasó en 1887 a
la Universidad
de Roma, donde protagonizó un serio incidente con un profesor, por
lo que se vio obligado a abandonar la Casa de Estudios. Se trasladó a Bonn donde
se doctoró el 21 de marzo de 1891 con
una tesis en alemán que versa
sobre la lengua siciliana. Al
poco tiempo, regresó a Italia.
El 27 de enero de 1894 en
Girgenti contrae matrimonio con María Antonietta Portulano. Ese mismo año
publicó su primer libro de relatos, Amores sin
amor.
Desde 1897 enseñó
literatura italiana en el Instituto Superior de Magisterio. Un cataclismo provoca daños irreparables en
la mina de azufre en la que su padre tenía invertidos sus bienes y la dote de
Maria Antonietta, lo que le causó graves dificultades económicas y una fuerte
depresión. Publicó en 1904 su novela El difunto Matías Pascal,
posiblemente basada en esa traumática experiencia, que se constituyó en un
enorme éxito, siendo traducida rápidamente a varios idiomas.
Su acercamiento al
partido fascista en los años veinte fue un hecho extraño, aunque no puede
desligarse de su proximidad a cierta vanguardia italiana. Pero pidió la entrada
directamente a Mussolini, tras el asesinato de Giacomo Matteotti en 1924, y apoyó al
mandatario por ese hecho. Todo ello causó un gran desazón entre sus lectores y
en la ciudadanía italiana sojuzgada; para algunos fue el suyo un modo de ir
contra la corriente intelectual, pero lo cierto es que el Régimen le nombró a
continuación presidente de la Academia Italiana recién fundada, lo cual, eso
sí, más bien lo alejó de esa compañía política. Y si bien logró tanto el premio
Nobel en 1934 como el reconocimiento de su valor como novelista y autor
teatral, ese gesto de 1924 no ha dejado de
empañar su imagen. Queda el recuerdo de su individualismo a ultranza, de su
encierro ascético en una humilde caja, de su original literatura, especialmente
de los relatos y las piezas teatrales.
1936:
Nace RamónArcusa, cantante, autor, compositor, productor y arreglista musical.
Ramón Arcusa Alcón (Barcelona, 10
de diciembre de 1936) es un cantante español, conocido por ser integrante
del Dúo Dinámico.
Es además autor, compositor y arreglista de varias canciones destacándose como
productor discográfico de varios artistas. Fue también actor en varias
películas.
Biografía[editar]
Es conocido por ser,
en primer lugar, uno de los integrantes de una de las bandas más famosas de la
historia de la música en España, el Dúo Dinámico, junto a Manuel de la Calva,
pioneros del pop-rock y del fenómeno fanes en España. Y en segundo lugar por
haber contribuido a la carrera de Julio Iglesias, como productor
discográfico, autor de muchas de sus canciones de éxito, y arreglador de la
mayor parte de sus canciones desde 1977 hasta 1995. Productor de otros muchos
artistas, y director musical de la obra teatral Quisiera ser.
Siendo niño, estudió
música en el Conservatorio
Municipal de Música de Barcelona, y siguiendo la tradición paterna,
aprendió a cantar jotas (cante regional de Aragón, España), y ganó varios concursos de
esa canción autóctona. Con tan sólo 16 años se incorpora al departamento de
delineación de la fábrica barcelonesa Elizalde S.A. dedicada a la fabricación
de motores de aviación, estudiando al mismo tiempo Peritaje Industrial.
Con
el Dúo Dinámico[editar]
Allí conoce a su
futura pareja artística, Manuel de la Calva.
Más adelante, y sabiendo de las inquietudes musicales de Manuel, Ramón le
propone formar un Dúo musical. Tras interpretar juntos unas canciones en la
fiesta de Navidad de su empresa del año 1958, inician un recorrido artístico
que se prolongaría por más de 50 años.
Antes de hacerlo con
Manolo, Ramón había formado un trío con su hermano mayor y otro amigo, Emilio
Tito. La muerte inesperada de su hermano rompe esa unión musical. Manolo, a su
vez, formaba parte de un club de jazz en Barcelona, el Club Hondo, interesado
por la música moderna de entonces. Unidos por la misma inquietud, se ponen a
trabajar. En 1959 graba con el Dúo su primer disco EP para la Compañía del Gramófono Odeón. Hasta 1967 grabarían
36 discos EP, 144 canciones en total. Ese año, cambian de compañía y
grabarían con Vergara un LP, y más tarde, en 1970 y en
Londres otro álbum de la mano del arreglador Kenny Clayton. Conseguirían 17
números uno en las listas españolas, en Discomanía, Los 40 principales,
reflejadas asimismo en Billboard, la revista americana de música por
excelencia.
En este tiempo, entre
1960 y 1964 han tenido la oportunidad de filmar cuatro
películas como protagonistas: Botón de ancla en color, Búsqueme a esa chica,
Escala en Tenerife y Una chica para dos, alternándolas con exitosas giras con
el Dúo por toda España. En muchas de ellas contratan para actuar con ellos a
famosos como Los Platters, Los Cinco Latinos, Lucho Gatica o Luis Mariano. Todo
eso, en una vorágine sin fín, alternando su actividad con giras por Argentina,
Chile, Perú, Venezuela y Méjico.
La
etapa del Dúo se cierra (de momento)[editar]
Con el auge de la
canción protesta que definía la pre-democracia musical en España, y creyendo
que habían cubierto una etapa de su vida, deciden, en 1972, de acuerdo con
Manolo, retirarse de los escenarios, y lo hacen en el programa de José Mª
Íñigo Estudio Abierto.
Los dos toman caminos separados, aunque seguirán compartiendo su música, esta
vez desde las bambalinas. Ramón será contratado por su antigua discográfica,
EMI para ser director artístico de la compañía en Madrid, y Manolo hará lo
mismo, en la ‘Fábrica de Discos Columbia’, también en Madrid. Ahora podrán
ofrecer su experiencia a nuevos artistas.
Ramón, al frente del
A&R de EMI, empieza a buscar talentos, y produce a artistas locales: Víctor y Diego, Paco Revuelta, Los Chunguitos, Rosa León, Vino
Tinto, y Manolo Otero entre otros, consiguiendo
éxitos significativos. En 1974 decide dejar EMI y empieza a trabajar como
freelance. Las compañías empiezan a reclamar sus servicios, y entonces produce
a Luis Fierro, Ángela Carrasco, Phil Trim, Pepe Domingo Castaño, Braulio, Acuario y Sirarcusa,
entre otros, y colabora como arreglador para otras producciones de su amigo
Manolo de la Calva.
Ganar
el Festival de Eurovisión en 1968[editar]
En 1968 presentan una
canción a TVE para la preselección de la canción que debería representar a
España en ese evento. La historia es la siguiente. Manolo y Ramón habían hecho
una melodía, y José María Lasso de la Vega, a la sazón mánager del dúo y
también de Joan Manuel Serrat,
tiene la idea de que Serrat ponga la letra a esa música y que la cante para
Eurovisión. Serrat la escucha, le gusta, y promete hacerla, pero no llega a
tiempo para el límite de presentación establecido por TVE. Manolo hace esa
noche anterior una letra, confiando en poder cambiarla luego si Serrat trae la
suya. La canción se llamará La, la, la, y se dejará todo el estribillo
así, sin letra específica, para que sea ‘universal’ y todos la puedan cantar,
no importa el idioma.
La canción sale
elegida unánimemente y será Bert Kaempfert quien haga el arreglo.
Joan Manuel no ha hecho la letra, pero eso sí, una versión en catalán. Se
graban las dos versiones en Milán, y Serrat hace la promoción habitual por toda
Europa con el tema. Un par de semanas antes, en un movimiento que parece
político, anuncia que no irá a Eurovisión si no canta la canción en catalán. Él
está en París, desde donde ha hecho el anuncio, y TVE y el régimen, no admiten
la ‘insumisión’ que su propuesta significa.
Pocos saben que Juan
José Rosón, director de TVE, llamó al Dúo Dinámico para que estuvieran
preparados para ir a cantarla a Londres en lugar de Serrat. Pero la compañía de
éste se rebela, y logra imponer que vaya un artista de su casa. Piensan
en Massiel, pero está actuando en Méjico. Se
acuerda así, y llega a Madrid con prisas para grabar la canción y presentarse a
tiempo en el Royal Albert Hall de
Londres, donde se celebra el evento. La canción es favorita desde la promoción
de Serrat y la consideran ya virtual ganadora. El día del festival, Massiel
sale arrolladora, defiende la canción con valentía y gana el Festival, por
delante del favorito británico e ídolo entonces Cliff Richard, que queda segundo con su
canción Congratulations.
Curiosamente, y es
cosa que pocos conocen, el día de los ensayos se presentó a Manolo y Ramón en
el hotel donde estaban un chico español que estaba estudiando en Londres, y
vaticinó que ‘La, la, la’ sería la ganadora, y también que ese mismo año oirían
hablar de él: era Julio Iglesias, y ese mismo año ganaría en el festival de
Benidorm con su canción La vida sigue
igual.
En otras
colaboraciones del Festival de Eurovisión, Ramón hace la letra en 1972, de la
música de Augusto Algueró Amanece, y en 1978 compone con Manolo la
canción Bailemos un vals,
que cantará José Vélez, y donde Ramón también dirigirá la orquesta del
Festival, esta vez en el Palais des Congrès de París.
Julio
Iglesias entra en su vida: de 1977 a 1995[editar]
En 1976, Ramón había
sido invitado para ser jurado del Festival de Viña
del Mar en Chile. Acompañaba también a su producido Manolo Otero, que actuaría allí. En esa gira,
coincidieron con Julio Iglesias en varios países, y éste envió a su mánager
Alfredo Fraile, para intentar un acercamiento profesional a Ramón Arcusa, cosa
que no fructificó: éste quería seguir siendo ‘independiente’. Pero en 1977,
Ramón compone la canción ‘Soy un truhán, soy un señor’, y piensa que el único
que puede cantarla ‘como Dios manda’ es Julio Iglesias. Como era artista de
Columbia, habla con su amigo Manolo y le propone una cita con Julio. Quedan
para verse, le canta la canción, y le gusta tanto que decide grabarla
inmediatamente. La estrena en TVE en la noche del 15 de junio de 1977 durante
el recuento de votos de las primeras elecciones democráticas después de Franco.
Julio Iglesias propone
entonces a Ramón la producción de su próximo álbum, que incluirá 'Soy
un truhán, soy un señor’, que será el álbum ‘33 años’, con todos los
arreglos también del propio Ramón. Y la producción del siguiente, ‘Emociones’;
y visto el éxito, sigue como su productor discográfico y arreglador
indiscutible hasta 1995 en que deciden separarse artísticamente. Durante esos
casi 18 años compone con Julio y con Manolo éxitos como ‘Quijote’ o ‘Pobre diablo’, canción que
llega a ser número uno en Francia como ‘A
vous les femmes’. Viaja y graba con Julio en muchos estudios del
mundo: Madrid, Milán, Miami, Los Ángeles, Nueva York, Río de Janeiro, Londres,
París… Tiene oportunidad de conocer a Diana Ross, Frank Sinatra, Steve Wonder,
Los Beach Boys... Se calcula que de su colaboración con Julio se habrán vendido
más de 150 millones de álbumes en todo el mundo. Más adelante, producirá
discográficamente a otros artistas entre los que destacan dos álbumes para Paloma San Basilio y el cantante
sueco Christer Sjögren.
Vuelta
del Dúo a los escenarios[editar]
A finales de 1978, ya
con España en la democracia, el público vuelve a reclamar al Dúo Dinámico para
que se suba de nuevo a los escenarios, y así lo hacen con redoblado éxito con
giras cada año hasta el día de hoy. Ramón compaginará su trabajo como artista y
como productor de Julio Iglesias. En 1980, EMI publica un álbum recopilatorio
de Dúo, 20
éxitos de Oro, que venderá más de un millón de copias. En 1986, Sony
ofrece al Dúo, de la mano de su presidente y amigo, Manolo Díaz, la posibilidad
de grabar de nuevo, 16 años después de su última grabación. La oferta sorprende
a Manolo y a Ramón, pero aceptan el reto. Grabarán un total de ocho
álbumes hasta 2001, con guateques de sus clásicos de los ’60, y
canciones nuevas como ‘Tú vacilándome y yo esperándote’ o ‘Resistiré’, que es elegida por Pedro
Almodóvar para su película ¡Átame!, Interpretada por Victoria Abril,
Loles León y Antonio Banderas, canción que se convierte en un himno desde
entonces, siendo cabecera musical de programas de TV Resistiré.¿vale? en
Telecinco (España) y Resistiré, novela en
Argentina. En 2001 graban el álbum El Penúltimo.
El
musical ‘Quisiera ser’[editar]
En septiembre de 2007
se estrenó en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid el musical Quisiera ser,
que se mantuvo una temporada en cartel. Libreto de Jorge Herrera y 24 canciones del Dúo
Dinámico. Ramón Arcusa fue el director musical de la obra, y arreglador de
muchos de los temas. El musical siguió en gira en 2009 por Pamplona, Palma de
Mallorca, Valencia y Castellón
Celebrando
los 50 años del Dúo Dinámico[editar]
En 2011, Sony ofrece
al Dúo la posibilidad de grabar un disco para celebrar el 50 aniversario de la
carrera. Ramón será el productor y arreglador principal De 'Somos jóvenes'. En él colaborarán, cantando
con Manolo y Ramón, Miguel Ríos, Soledad Giménez, Alaska, Lolita, Andy &
Lucas, Carlos Baute, Ana Torroja, Diana Navarro, Los Pecos, Leslie, de los
Sírex y Santy, de Los Mustang, Julio Iglesias, y Joan Manuel Serrat, siendo en
las Navidades de ese 2011 disco de platino con más de 50.000 copias vendidas.
Actualmente, Ramón
Arcusa sigue dando conciertos con Manuel de la Calva -el Dúo Dinámico- por toda
España, y colaborando esporádicamente con el artista, más importante en su
vida, aparte de Manuel, con el que ha compartido miles de horas en estudios y
de éxitos: Julio Iglesias.
1941:
Nace Fionnula
Flanagan, actriz irlandesa.
Fionnula Flanagan (Dublín, 10 de diciembre de 1941) es una actriz irlandesa de teatro, cine y televisión.
Índice
·
2Carrera
Vida temprana[editar]
Nació
como Fionnghuala Manon Flanagan en Dublín, Irlanda,
lugar donde fue criada por sus padres, Rosanna y Terence Niall Flanagan.1
Creció hablando fluidamente en irlandés e inglés.
Aunque sus padres no eran hablantes nativos del primer idioma, querían que
Fionnula y sus cuatro hermanos lo aprendieran. Flanagan fue educada en Suiza e Inglaterra,
fue entrenada en el Abbey Theatre de Dublín y viajó por toda
Europa antes de establecerse en Los Ángeles en
1968.
Carrera[editar]
Uno de los
primeros roles interpretados por Flanagan fue el de Máire en la versión
televisiva de la obra de teatro An triail, la cual fue producida
por el canal irlandés Telefís Éireann en 1965. Por esta
actuación, ganó un Jacob's Award en la ceremonia anual realizada en Dublín.2
Dos años después, el rol de Gerty McDowell en la versión fílmica de la
novela Ulises la convirtió en una de las
intérpretes más destacadas del escritor James Joyce.
Su debut
en Broadway lo
hizo en 1968 con la obra Lovers, de Brian Friel. Luego participó
en The incomparable Max (1971), Ulysses in Nighttown (siendo
nominada al premio Tony) y James Joyce's women (1977).
Este último proyecto, que le valió premios del Círculo de Críticos en Los Ángeles y San Francisco, fue adaptado al cine en
1988, teniendo nuevamente el rol de Harriet Shaw Weaver.
En la
televisión estadounidense, Fionnula ha aparecido en diversos telefilmes,
entre ellos The Legend of Lizzie Borden (1975), The Ewok Adventure (1984)
y A Winner Never Quits (1986). Ganó un premio Emmy por
su participación en la miniserie de 1976, Hombre rico, hombre pobre.
Algunas de las series/miniseries semanales en las que Fionnula Flanagan ha
participado son La conquista del Oeste (1977)
—por la que fue nominada por segunda vez al Emmy—, Hard Copy (1987)
y H.E.L.P. (1990).
Flanagan
también es conocida por trabajar en tres de las series derivadas de Star Trek: Star Trek: espacio profundo nueve(episodio
«Dax»), Star Trek: la nueva generación (episodio
«Inheritance») y Star Trek: Enterprise. Otro personaje
recurrente interpretado por Flanagan es el de Eloise Hawking en varios
capítulos de la serie Lost.
Flanagan ha
aparecido en numerosas películas, entre ellas Waking Ned Devine (1998), Los otros (2001) y Transamérica (2005).
En la película de 1985, James Joyce's women, hizo el papel de seis
mujeres diferentes en la vida de James Joyce,
siendo memorable la escena en que recita un monólogo desnuda
mientras simula que se masturba. En 2006, Flanagan comenzó a trabajar en la
serie Brotherhood, donde interpretó a Rose Caffee.
Vida
personal y política[editar]
Flanagan
apareció junto a Helen Mirren en En el nombre del
hijo, una película de 1996 escrita y dirigida por Terry George, donde
interpretó a la madre de un huelguista de
hambre del Ejército Republicano Irlandés
Provisional. Posteriormente, en un acto conmemorativo presentado por
el partido político Sinn Féin en Dublín, Flanagan pronunció un discurso para
los republicanos irlandeses y sus
familiares fallecidos durante el último episodio del Conflicto de Irlanda del Norte.
Flanagan
estuvo casada con el psiquiatra Garrett O'Connor entre 1972 y 2015, año en que
este falleció. O'Connor también era un nacionalista irlandés y junto a su esposa
ofrecían fiestas para la comunidad irlandesa en su casa de Hollywood Hills.
Garrett era primo del actor Carroll O'Connor.
1953:
Muere Juan Carlos Cobián, tanguero argentino (n.
1896).
Juan Carlos Cobián, fue un destacado compositor, director de orquesta, pianista y letrista de tango argentino que
nació en Pigüé, Provincia de Buenos Aires, el 31 de mayo de 1896 y murió en Buenos Aires el 10 de diciembre de 1953.
Era un
innovador como ejecutante y como compositor. Cuando compuso Salomé inició
junto a Enrique Pedro Delfino, creador del tango Sans
Souci la tendencia innovadora del "tango romanza". Como
pianista, fue el primero en llenar con adornos en los bajos de los silencios de
la melodía –procedimiento que sería luego sistematizado por Francisco De
Caro-. Por su calidad de ejecutante y su delicadeza en la ejecución
fue llamado "el Chopin del tango".1
Su desenvoltura al hablar, su impecable esmoquin,
sus modales distinguidos y su maestría pianística fascinaban a mujeres otoñales
y aristocráticas y fomentaban su bien ganada fama de Don Juan.
De los muchos
tangos que escribió, algunos son considerados verdaderos clásicos del género,
como Los dopados (luego retitulado Los mareados,
con letra de Enrique Cadícamo), La casita de mis viejos, Niebla del Riachuelo, Nostalgias, El motivo(1914)
y A pan y agua (1919).
1955:
Nace Ana Gabriel,
cantante mexicana.
María Guadalupe Araújo Yong, (Guamúchil, Sinaloa; 10 de diciembre de 1955),12 llamada artísticamente como Ana
Gabriel, es una cantautora y compositora mexicana, conocida con el sobrenombre de La
Diva de América.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Ana Gabriel, desde los 9 años
de edad, empezó a cantar junto a José Barrientos y a urdir sus primeras
composiciones musicales, influida por los temas románticos de Agustín Lara y María
Greever, cuyas letras no las entendía por aquel entonces en toda su
intensidad; pues, como ella misma reconoce, es una apasionada del amor y todas
las canciones que ha compuesto es fruto de enamoramiento. Desde pequeña, Ana
Gabriel sintió una gran ilusión por llegar a convertirse en artista y nunca
cejó en su esfuerzo tesonero.
Desde los 6 años me di cuenta
que me gustaba cantar y componer, una bendición de Dios, que pocos tienen la
fortuna de darse cuenta, y a pesar de mi corta edad, yo estaba decidida a
llegar a los corazones de muchos. Quiero contarles también que yo nunca he
recibido una clase de canto ni de vocalización. Los primeros y únicos consejos
fueron de mi abuelo materno Roberto, nombre que le pusieron en México pues su
verdadero nombre era Yang Quing Yong Chizon, originario de China.3
Hasta los quince años
permaneció en Guamúchil,
para emigrar junto con su familia a Tijuana en busca de mejores horizontes.
Allí terminó sus estudios de contabilidad y comenzó a trabajar en diversos
bares de hoteles de la ciudad fronteriza, hasta que finalmente, llegó la gran
oportunidad de participar en Valores Juveniles y en
donde Juan “El Gallo”
Calderón le aseguró un gran futuro como cantante.3
Aunque muchos directores
artísticos de ciertas discográficas manifestaron que su estilo no era
comercial, que tenía que cambiarlo si quería triunfar, no les hizo caso. Ana
Gabriel decidió darse 1 año más para conseguir discográfica sino se dedicaría a
la contabilidad.
Trayectoria musical[editar]
Ana Gabriel inicia su carrera
el 15 de septiembre de 1974 en Tijuana. En 1979 José
Barrientos, su mánager en aquel
entonces, buscó un nombre con el cuál darse a conocer, decidiéndose por
"Ana Gabriel", con el que se le conoce hasta ahora.
A principios de los años 1980 empezó a cantar en los bares de
Tijuana hasta que en 1984 participó en
valores como compositora, nunca como intérprete. El tema No me lastimes
más quedó en segundo lugar y ese fue el empuje que la dio a conocer,
gracias al apoyo del Sr. José Barrientos, de la compañía C.B.S.,
hoy Sony Music.
En 1985 grabó
su primer disco de larga duración que llevó por título Un estilo,
que si bien no resultaba muy comercial, si era bastante elocuente para la
presentación del artista. Al año siguiente Ana logró participar en el Festival de la OTI,
alcanzando el quinto lugar con la canción A tu lado, misma que se
incluye en su álbum Sagitario, donde también se encuentran temas
como Y Aquí Estoy, Eso no Basta y Mar y
Arena.
En 1987 Ana
Gabriel alcanza el primer lugar en la selección nacional para la OTI,
y en Lisboa, Portugal, donde se llevó a cabo el festival de
la OTI de ese año, alcanzando un tercer lugar,
el cual le abrió las puertas que la hizo conocida en toda Latinoamérica.
En 1989 Ana
Gabriel logra posicionarse a nivel internacional, dentro del mercado
estadounidense, su álbum Tierra de Nadiepermaneció en listas
del Billboard varios meses.
Ha grabado a dúo con artistas
como Armando Manzanero, Pedro Fernández, Yuri, Plácido Domingo, Jon Secada, Rocío Jurado, Vikki Carr y José Feliciano, entre otros.
En 2013, ante más de 15.000
personas que agotaron las entradas del Arena de Santiago, fue galardonada con disco
de diamante por más de 1 millón de discos vendidos en Chile.4 En mayo de ese mismo año, es
confirmada para actuar en el LV Festival de la Canción de Viña del Mar.5
En diciembre de 2014, la
cantante Ana Gabriel comunicó a los reporteros del programa Ventaneando de TV Azteca que
en 2015 publicaría su nuevo proyecto discográfico luego de siete años sin
lanzar un disco con temas inéditos.6
1957:
Nace Michael Clarke Duncan, actor estadounidense
(fallecido en
2012).
Michael Clarke Duncan (Chicago, 10 de diciembre de 1957 – Los
Ángeles, 3 de
septiembre de 2012)1 fue un actorestadounidense conocido por su papel en la
película The Green Mile (1999),
por la cual recibió nominaciones a los premios Oscar y Globo de Oro, entre otros galardones. También actuó en
otros filmes como Armageddon (1998), The Whole Nine Yards (2000), El rey Escorpión (2002), Daredevil (2003), Sin City (2005)
y Talladega
Nights: The Ballad of Ricky Bobby (2006). Además intervino
prestando su voz en cintas como Brother Bear (2003), Kung Fu Panda (2008) y Linterna Verde (2011).
1960:
Nace Kenneth
Branagh, cineasta, guionista y actor británico.
Sir Kenneth Charles
Branagh /ˈkɛnɪθ tʃɑːlz ˈbrænə/ (Belfast, Irlanda del Norte, Reino Unido; 10 de diciembre de 1960)
es un director, guionista y actor cinematográfico y teatral británico. Es muy reconocido por haber
dirigido y/o actuado en muchas adaptaciones de obras clásicas shakesperianas en
el cine, de las cuales sobresalen Enrique V (1989; por la cual fue nominado
al Óscar como mejor
director y mejor actor), Otelo (1995)
y Hamlet (1996;
por la cual fue nominado al Óscar al mejor
guion original), en muchas de las cuales colaboró con su exesposa,
la actriz Emma Thompson.
Como actor, su presencia ha
sido destacada en producciones tanto de cine como de televisión, como Wild Wild West(1999), The Road to El Dorado (2000), La solución final (2001), Harry
Potter y la cámara secreta (2002), Valkyrie(2008), entre otras. En 2011, fue
nominado al Óscar como mejor
actor de reparto al encarnar a Laurence Olivier en la cinta My Week with Marilyn.
Como director, su diverso
trabajo también ha sido reconocido. Algunas de sus producciones son Morir todavía (1991), Swan Song (1992; por la cual fue
nominado al Óscar al mejor
cortometraje) y Frankenstein
de Mary Shelley (1994). En 2011, dirigió la
superproducción Thor, que
fue un éxito de taquilla a nivel mundial, recaudando más de 400 millones de
dólares.
Branagh es uno de los
directores/actores más respetados en su país, y ha acaparado candidaturas a los
premios más prestigiosos del cine, entre ellos, cinco nominaciones al Óscar, cinco nominaciones al Globo de Oro y ha sido premiado con
un Emmy y tres BAFTA.
1966:
Muere Petronio Álvarez,
Patricio Romano Petronio Álvarez Quintero (Buenaventura, 1 de noviembre de 1914 - Cali, 10 de diciembre de 1966) fue un músico, poeta e inspirador colombiano de música del pacífico. Su currulao "Mi
Buenaventura", está entre sus obras más reconocidas.
1968:
Muere Karl Barth,
teólogo protestante suizo (nace
1886).
Karl Barth (Basilea, Suiza, 10 de mayo de 1886 -
ibíd., 10 de diciembre de 1968)
fue un influyente teólogo reformado, considerado uno de los pensadores
cristianos del siglo XX. A partir de su experiencia como pastor, rechazó su
formación en la típica teología liberal predominante, típica del protestantismo del siglo XIX. En su
lugar, Barth tomó un nuevo rumbo teológico, llamado inicialmente “teología dialéctica”,
debido a su énfasis sobre la naturaleza paradójica de la verdad divina. Otros
críticos se han referido a Barth como el padre de la “neo-ortodoxia”,
término enfáticamente rechazado por el propio Barth. El pensamiento teológico
de Barth recalca la soberanía de Dios, principalmente a través de su innovadora
“doctrina de la elección”.
Biografía[editar]
Aunque nació en
Basilea, Karl Barth vivió de niño en Berna.
Entre 1911 y 1921 sirvió
como pastor reformado en el pueblo de Safenwil (cantón de Argovia).
En 1913 contrajo matrimonio con Nelly Hoffman,1 una talentosa violinista; de este
matrimonio nacerían cuatro hijos y una hija. En 1916 comenzó a trabajar en su
obra Der Römerbrief (en español, Carta a los romanos,
o Comentario a la Carta a los romanos).2 La teología dialéctica de
Karl Barth, un antecedente intelectual relevante en la lucha contra el nacionalsocialismo, nació con el comentario de
1919 de este teólogo suizo a la Carta a los romanos.3
Posteriormente fue
profesor de Teología en Gotinga (1921-1925), Münster (1925-1930)
y Bonn (1930-1935).1 Durante su estancia en Gotinga
conoció a Charlotte
von Kirschbaum, quien a la larga vendría a ser su secretaria y
asistente, jugando un importante papel en la redacción de la extensa obra de
Barth: "Dogmática
Eclesial". Tuvo que abandonar Alemania en 1935, por negarse a
prestar juramento a Adolf Hitler.1 Barth regresó a Suiza y fue profesor
en la Universidad de
Basilea hasta su retiro en 1962,
aunque siguió enseñando hasta su muerte.
Barth, originalmente,
fue educado dentro del pensamiento del protestantismo liberal, bajo las
enseñanzas de maestros como Wilhelm
Herrmann, pero se rebeló contra esta teología en tiempos de la Primera Guerra
Mundial. Esta reacción fue determinada por varios factores, entre
los que destacan su compromiso con el movimiento religioso socialista suizo y
alemán en los que figuraban hombres como Herman
Kutter, la influencia del movimiento del "realismo
bíblico" alrededor de hombres como Christoph Blumhardt y Søren Kierkegaard,
y el impacto de la filosofía escéptica de Franz Overbeck.
Su obra más importante
es la dogmática eclesial, catorce tomos con más de diez mil páginas. Su tesis
principal:
1. Dios es Dios, pero es
Dios para el mundo.
2. El mundo es mundo,
pero amado por Dios.
3. Dios se encuentra con
el mundo en su Palabra, Jesucristo.
1968:
Muere Thomas Merton, escritor y poeta religioso francés (nacido en 1915).
Thomas Merton (31
de enero de 1915 - 10 de diciembre de 1968) fue un escritor católico y místico. Fue monje trapense de la Abadía
de Getsemaní, Kentucky, fue poeta,
activista social, y estudiante de religiones comparadas. En 1949 fue ordenado
sacerdote y se le dio el nombre de Padre Louis.123
Merton escribió más de 70
libros, en su mayoría sobre la espiritualidad, la justicia social y una pacifismo cristiano, así como decenas
de ensayos y opiniones. Entre las obras más
perdurables de Merton está su autobiografía bestseller La montaña de
los siete círculos (1948), que envió a decenas de veteranos de la
Segunda Guerra Mundial, los estudiantes, e incluso los adolescentes que acuden
a los monasterios en los EE.UU.,45 y también fue presentado en la lista
de la Nacional revisión de
los 100 mejores libros de no ficción del siglo.6 Merton fue un defensor entusiasta de
las religiones y de su entendimiento. Fue pionero en el diálogo con las figuras
espirituales asiáticas prominentes, entre ellos el Dalai Lama, el escritor japonés DT Suzuki ,
el monje budista tailandés Buddhadāsa, y el monje vietnamita Thich Nhat Hanh , y es autor de libros
sobre el budismo zen y el taoísmo. En los años transcurridos desde su
muerte, Merton ha sido objeto de varias biografías.
1970:
Nace Alexandra Restrepo, actriz colombiana.
Alexandra Restrepo (Medellín, 10 de diciembre de 1970)2 es una actriz y humorista colombiana hija de Francisco José Restrepo (locutor y
presentador de noticias), conocida por sus participaciones y personajes en el
programa Sábados felices y
por su participación en la telenovela ¿Dónde carajos
está Umaña? con el personaje de Sagrario.
Carrera[editar]
Inicia su carrera en
varias producciones de la televisión colombiana en especial Musidramas de
Producciones Punch, luego en dos seriados de la desaparecida programadora Do Re
Creativa Tv como lo fueron Deseos y Mi barrio,
también en Los frescos y La daga de oro avanzó
también en otras producciones como la recordada Cuando quiero llorar no
lloro de la serie Los victorinos de RTI. después la
llamó Caracol Televisión para participar en Sábados felices donde Alfonso Lizarazo le brindó su oportunidad
en varios papeles diferentes, su padre Francisco José Restrepo la recomendó
para avanzar en su carrera ya en su tiempo siguió en La posada la
comedia costumbrista de TeVecine al igual
en Fronteras del regreso de Colombiana de
Televisión después se retira de Sábados felices y
regresa cuando Caracol se convierte en canal privado luego hizo un papel
pequeño en Pedro el escamoso de Sanchez ya en su trayectoria
es invitada para trabajar en la telenovela El baile de la vida en
su participación especial, después demostró su carrera en la serie
comedia Vecinos y su destacamento en ¿Donde carajos esta
Umaña? con el recordado papel de Sagrario una trabajadora del campo del
altiplano cundiboyacense que mezclaba su acento con el costeño su frase era
"¡Eche sumerce no joda!" donde se ganó el cariño del pueblo colombiano. Tuvo su sección dentro del programa Sábados
felices Las aventuras de Sagrario en la cual entrevistó a sus invitados con sus recordadas frases que muchos
televidentes de Colombia la siguen recordando.
Sábados
felices[editar]
Cuando Alexandra
Restrepo ingresó al elenco de Sábados felices en 1992, sus amigos no la
apoyaron, inclusive le aconsejaron retirarse del espacio, pues según ellos no
le convenía a su carrera artística; además, durante mucho tiempo, ninguna
programadora la volvió a llamar «porque infortunadamente en Colombia existe el
estigma de que quien hace humor no puede hacer papeles dramáticos». Toda esta
situación le costó lágrimas y momentos de depresión muy fuertes.
1978:
Muere Edward D. Wood Jr., cineasta estadounidense (n.
1924).
Edward Davis Wood, Jr., más conocido como Ed Wood, (Poughkeepsie, Estado de Nueva York; 10 de octubre de 1924 – Hollywood, California; 10 de diciembre de 1978) fue un director, productor, guionista, editor
y actor de cine estadounidense, que quedó definido
tras su muerte en 1978 como el peor director de todos los tiempos, gracias a la
dirección desastrosa de películas como Glen o Glenda y Plan 9 del espacio exterior. Actualmente es
valorado como «director de culto». Es considerado como el precursor del
subgénero de cine clase Z.[cita requerida]
En 1994 Tim Burton rodó una película
sobre sus inicios en el mundo del cine, Ed Wood,
con Johnny
Depp como
protagonista.
«Say Say Say» —en español «Di, Di, Di» o «Diga, Diga, Diga»— es una canción pop escrita y realizada por Paul McCartney y Michael Jackson. Fue producida por George Martin para el quinto álbum solista de McCartney de 1983, Pipes of Peace. Fue grabada en 1982 mientras McCartney producía el álbum Tug of War, cerca de un año antes del lanzamiento de «The Girl Is Mine» —primer sencillo del dúo—, grabado para el álbum de Jackson de 1982 Thriller. Luego del lanzamiento en octubre de 1983, «Say Say Say» se volvió el séptimo Top-ten de Jackson en el mismo año. Fue número uno en Estados Unidos, Noruega y Suecia entre otros países, alcanzando el número dos en Reino Unido y entrando entre los diez primeros en Australia, Austria, Nueva Zelandia, Holanda, Suiza y más de veinte países. Fue certificado como platino por Recording Industry Association of America. También incluido en el álbum Pipes of Peace, McCartney y Jackson cantaron a dúo otra canción con el título «The Man».
«Say say say» se promocionó con un exitoso vídeo musical protagonizado por ambos cantantes dirigido por Bob Giraldi. El vídeo, estilo película, se ambienta a principios del siglo XX y sus protagonistas son dos timadores que se ganan la vida como vendedores ambulantes y teatreros que van de pueblo en pueblo, llamados Mac y Jack —McCartney y Jackson, respectivamente—. También figuran en el video la esposa de McCartney —Linda— y la hermana de Michael, La Toya. Fue rodado en Santa Ynez Valley, California.El día 2 de septiembre del 2013 la revista Billboard publicó su lista Hot 100 55th Anniversary: The All-Time Top 100 Songs donde se colocó en la posición #40.1
1985:
Nace Raven-Symoné,
actriz y cantante estadounidense.
Raven-Symoné Christina Pearman (Atlanta, 10 de diciembre de 1985),3 conocida solo
como Raven-Symoné (/ˈreɪ.vən sɪˈmoʊn/,
sin acento) o simplemente Raven, es una actriz, cantante, diseñadora de modas, compositora, bailarina y productoraestadounidense. Raven-Symoné ha
aparecido en varias series de televisión como Olivia Kendall en The Cosby Show y Nicole Lee en Hangin'
with Mr. Cooper, a finales de 1980 y principios de 1990 respectivamente.4 Del 2003 al 2007,
actuó en la serie de Disney Channel nominada a
los Premios
Emmy, Es Tan Raven en la que
interpretó a Raven Baxter.4 Asimismo ha protagonizado películas
como The Cheetah Girls, The Cheetah Girls 2, For One Night, College Road Trip, Revenge of the Bridesmaids, entre otras.4 En el 2012, debutó en
el musical de Broadway, Sister Act,
donde interpretó el papel protagonista de Deloris Van Cartier.5
Durante su carrera musical, ha lanzado cuatro álbumes de
estudio, Here's to New Dreams (1993), Undeniable (1999), This Is My Time (2004) y Raven-Symoné (2008),
así como múltiples bandas sonoras, entre ellas destacan The Cheetah
Girls (2003), That's So
Raven (2004), That's So Raven Too! (2006), The
Cheetah Girls 2 (2006), consiguiendo certificaciones de
discos de platino y oro tanto por sus ventas nacionales como internacionales.6
En el 2012, se colocó en el número 4 en "The 25 Wealthiest
Black Women in Hollywood"7 y en el número 1 en la
lista "10 Richest Black Actresses Under 40" de Loop21.8
1988:
Muere Richard S. Castellano, actor estadounidense
(n. 1933).
Richard Salvatore Castellano (4 de septiembre de 1933 - 10 de diciembre de 1988) fue un actor estadounidense.
Biografía[editar]
Castellano nació en el Bronx, Nueva York. Se hizo conocido
por su papel en la película Lovers and Other
Strangers (1970), por la cual fue nominado al premio Oscar como mejor actor
de reparto. Volvió a ganar reconocimiento en 1972 por el papel de Peter Clemenza, uno de los jefes de la
familia Corleone en El Padrino. La película fue un éxito en la taquilla y Castellano, junto a
varios compañeros del reparto, se volvió un nombre conocido. Su personaje dijo
una de las más famosas y recordadas frases de la película: "Leave the gun,
take the cannoli" (deja el arma, toma el cannoli),
una línea improvisada.1 También trabajó en
televisión, protagonizando The Super en el papel de Joe
Girelli y Joe and Sons en el papel de Joe Vitale, un
viudo italoamericano a cargo de una familia.
Se dice que no volvió a interpretar su papel en El padrino II debido a que
Castellano y su representante insistían que mantener el control de los diálogos
del personaje. El director Francis Ford Coppola lo consideró insostenible y Castellano no fue incluido en
la película. Esta historia fue discutida por la viuda de Castellano en 1991 en
una carta a la revista People.2 Su ausencia en la
película se podría deber a que su personaje muere entre el final de la primera
película y el inicio de la segunda.
Según declaraciones de su viuda, Richard S. Castellano era
sobrino de Paul Castellano, uno de los jefes de la Familia criminal Gambino.3
Murió de un ataque al corazón a la edad de 55 años.
2019:
Muere Gershon Kingsley, compositor de origen alemán.
Götz Gustav Ksinski,1 más conocido como Gershon Kingsley (Bochum, Alemania, 28 de octubre de 1922-Nueva York, Estados Unidos, 10 de diciembre de 2019),2 fue un compositor estadounidense contemporáneo de origen judío-alemán. Conocido en la música popular como uno de los miembros del dueto musical Perrey and Kingsley.
Fue conocido internacionalmente por componer, en 1969, el tema instrumental de música electrónica «Popcorn» (en castellano «Palomitas de maíz»).
Primeros años[editar]
Kingsley nació como Götz Gustav Ksinski en 1922 en Bochum, República de Weimar, hijo de Marie Christina, ama de casa, y Max Ksinski, comerciante de alfombras y pianista. Su padre nació judío y su madre, originalmente católica, se convirtió al judaísmo.3 Creció en Berlín, donde sus padres tenían una gran tienda de alfombras. Se conocieron en Essen, cuando su padre, de vuelta de Berlín en un viaje de negocios, se dejó caer por un bar de vinos regentado por dos hermanas, una de las cuales pronto se convirtió en la madre de Kingsley. El mayor de los Ksinski había pasado la noche tocando el piano en el bar, tras lo cual el romance floreció rápidamente.4
En 1938, mientras sus padres y su hermano se dirigían a Cuba y, finalmente, a Estados Unidos, Kingsley viajó a través de Génova a Palestina y se unió a un kibbutz:
Todos éramos muy felices en el kibbutz. Estábamos en Palestina. Fue una gran experiencia estar como en nuestro propio país ("quasi in unserem eigenen Land zu sein"). Por las mañanas trabajábamos en el campo y por las tardes asistíamos a clases de agricultura. La mitad de nosotros éramos chicos, la otra mitad chicas. Hablábamos, bailábamos, estábamos enamorados: éramos libres y los nazis estaban lejos. Era como un oasis. Fue una época maravillosa, maravillosa, maravillosa.Gershon Kingsley, citado en 2014 por Tobias Feld
Como su padre era judío, huyó de la Alemania nazi en 1938 para instalarse en Palestina-Tierra de Israel, donde este músico autodidacta de 15 años comenzó su carrera musical. Escapó de Alemania unos días antes de la Noche de los Cristales rotos y se unió al kibbutz Ein Harod, en la Palestina británica, mientras sus padres se quedaban en esa época. En el kibbutz aprendió a tocar el piano. Se unió a la Policía de asentamientos judíos (Notrim) y también tocó jazz en Tel Aviv y Jerusalén. Estudió en el conservatorio de música de Jerusalén. Sus padres y su hermano habían escapado a Cuba, desde donde, finalmente, lograron obtener visados para Estados Unidos, donde Kingsley se reunió con ellos ocho años después.5 Tras la Segunda Guerra Mundial, Kingsley emigró a Estados Unidos, donde se convirtió en director de foso de espectáculos musicales de Broadway tras graduarse en el Instituto de las Artes de California.
Carrera musical[editar]
La carrera musical de Kingsley despegó con el lanzamiento de The In Sound from Way Out! en 1966, grabado con Jean-Jacques Perrey. El dúo Perrey y Kingsley publicó su siguiente álbum en 1967, titulado Kaleidoscopic Vibrations: Electronic Pop Music From Way Out, y posteriormente tomaron caminos distintos. Emprendiendo una carrera en solitario, Kingsley, en 1969, publicó en Audio Fidelity Records, el álbum 'Music to Moog By', un disco de Moog que consistía principalmente en versiones de canciones como: Scarborough Fair, una balada inglesa, Für Elise de Beethoven (rebautizada como "For Alice Beethoven"), Twinkle, Twinkle, Little Star, una nana inglesa, y finalmente Nowhere Man y Paperback Writer, ambas escritas por los Beatles John Lennon y Paul McCartney. Pero también había material original, como: "Hey, Hey" (compuesta con Janice Eileen Davies), que fue sampleada por RJD2 para la canción "The Horror" o su composición más conocida, Popcorn, que se convirtió en su "canción insignia", otros temas originales del álbum incluyen compuestos por Kingsley: "Sheila", "The First Step" (un tema que se añadió en algunas ediciones antes de Popcorn), "Sunset Sound", "Trumansburg Whistle"
Su siguiente esfuerzo musical fue con una banda llamada First Moog Quartet en 1970: Como resultado de una petición del famoso empresario Sol Hurok para escuchar las capacidades del sintetizador Moog demostradas en vivo. Otros miembros del grupo eran Howard Salat, Stan Free, Eric W. Knight y Ken Bichel. El 30 de enero de 1970, el grupo se convirtió en el primero en tocar música electrónica en el Carnegie Hall. Con la presencia de Robert Moog, les acompañaron otros músicos y cuatro cantantes.6 Aunque las reacciones fueron diversas,7 los resultados inmediatos incluyeron una gira universitaria y algunos trabajos interesantes en colaboración con la Boston Pops Orchestra.
Solamente grabaron un álbum en 1970, titulado First Moog Quartet, en Audio Fidelity Records, que consistía en grabaciones en directo de su gira nacional con cuatro sintetizadores Moog. Algunas de estas composiciones son más experimentales, con Spoken word y Beat poetry por ruidos y tonos sintéticos. Posteriormente, Kingsley fue más allá del Moog y fue pionero en el uso de los primeros sintetizadores digitales Fairlight y Synclavier.8 Y al menos un sencillo de 45 rpm. Arthur Fiedler pidió a Kingsley que escribiera un Concerto for Moog; el cuarteto interpretó la obra, con partitura para cuarteto de sintetizadores y orquesta sinfónica, con la Boston Pops en 1971.9
Baroque Hoedown[editar]
A Gershon Kingsley con Perrey también se le atribuye la composición de la canción "Baroque Hoedown", publicada en su álbum de 1967, utilizada por Walt Disney Productions para el Main Street Electrical Parade en sus parques temáticos; y la canción "The Savers", más conocida como el tema del programa de juegos The Joker's Wild de 1972 a 1975 pasaría a la fama en 1968 como la música ganadora del Premio Clio para un anuncio de televisión de las bebidas dietéticas No-Cal.10 También compuso el logo sting (logo animado acompañado de música) para la WGBH-TV de Boston, que aparece en todo Estados Unidos en la programación de la PBS producida por la emisora.11
Popcorn[editar]
Muchos artistas han versionado su canción "Popcorn", entre ellos Hot Butter, The Popcorn Makers, Anarchic System, La Strana Società, Los Pekenikes (1972), Jiri Korn, Klaus Wunderlich (1973), Vyacheslav Mescherin's Orchestra (1979), Magic Men (1983), M&H Band (1988), Slotmachine & Gemini 7, Aphex Twin (1992), Gigi D'Agostino (1994), The Boomtang Boys (1999), Marsheaux (2003), Crazy Frog, Herb Alpert and the Tijuana Brass, Messer Chups (2005), Muse, The Muppets (2010), Red Axes (2019) y otros.
La canción se utilizó en la serie de animación soviética Nu, pogodi!. El lanzamiento japonés de Pengo utilizó una interpretación de 8 bits de este tema de Gershon Kingsley. A principios de 2019, el año en que murió Gershon Kingsley, el compositor experimental Blanck Mass eligió "Popcorn" como una de las 10 composiciones más influyentes de su carrera.12 También es especialmente interesante la versión del grupo de pop italiano La Strana Società de 1972, cuyo conjunto por aquel entonces incluía a Umberto Tozzi, todavía desconocido en aquel momento, pero que más tarde alcanzaría la fama mundial con éxitos como "Gloria", "Tu" y "Ti Amo".
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