El 17 de diciembre es el 351.º (tricentésimo quincuagésimo primer) día del año en el calendario gregoriano y el 352.º en los años bisiestos. Quedan 14 días para finalizar el año. Podcast 2018
Fue nombrado
cardenal por el papa Adriano IV para posteriormente actuar como canciller para
el papa Alejandro III en el concilio que en 1172 se celebró
en Avranchesy
que dio lugar a la absolución del rey inglés Enrique II de la acusación de
asesinato de Tomás Becket.
Preparando la
flota que habría de transportar las tropas cristianas a Tierra Santa se
desplazó a Pisa al
objeto de lograr el cese de hostilidades entre esa ciudad y Génova.
Las profecías
de San Malaquías se refieren a este papa
como Ensis Laurentii (La espada de Lorenzo) cita que hace
referencia a que antes de ser elegido pontífice fue cardenal de San Lorenzo y a
que en su escudo de armas aparecen dos espadas.
En
1813 le fue concedido el título honorífico de Libertador por
el Cabildo de Mérida en
Venezuela, que, tras serle ratificado en Caracas ese mismo año, quedó asociado a su
nombre. Los problemas para llevar adelante sus planes fueron tan frecuentes que
llegó a afirmar de sí mismo que era «el hombre de las dificultades» en una
carta dirigida al general Francisco de Paula
Santander en 1825.
Participó
en la fundación de la Gran Colombia, nación que intentó consolidar como una
gran confederación política y militar en América, de la cual fue presidente. Bolívar es
considerado por sus acciones e ideas el Hombre de América y
una figura de la historia universal. Dejó un legado político en los países latinoamericanos,
algunos de los cuales lo han convertido en objeto de veneración nacionalista.
Ha recibido honores en varias partes del mundo a través de estatuas,
monumentos, parques, plazas, etc. Sus ideas dieron origen a la corriente
política del bolivarianismo.
Sus padres Juan Martínez Chilleron y Matilde Serrano de Martínez
lo llevaron con ellos de Barcelona a la Argentina en 1906, radicándose en
Buenos Aires. Allí cursó estudios primarios, de bachillerato y de música en el
conservatorio del diario La Prensa que luego profundizó bajo las tutelas de los
maestros Ernesto Drangosch y Alberto Williams, obteniendo el título
de Profesor de piano en el Conservatorio Drangosch. En 1918 comenzó su carrera
de compositor.
Durante su labor en Buenos Aires fue el pianista oficial de la
famosa cupletista Teresita Zazá (Teresa Maraval)
quien le estrenó casi todos sus tangos: ¡Hijo mío!, ¡Mujercita
mía!, Pajarito cantor, ¡Pobre Madre! y Presentimiento.
Después de una de las giras artísticas que realizaba por
diversos países integrando compañías de revistas, zarzuelas u operetas, se radicó en la Ciudad de México en 1921 y permaneció allí por algunos años.
Viajó a Buenos Aires primero y a Chile después, radicándose en este país
durante doce años hasta 1943, trabajando como locutor, actor radioteatral, musicando películas y
dirigiendo el Orfeón Catalán de Santiago además de algunas
radioemisoras.
Volvió a México en 1943, fue nombrado gerente de la editorial
Promotora Hispanoamericana de Música P.H.A.M. y se radicó en el país en forma
definitiva, y obtuvo la ciudadanía mexicana.
¿Dónde estás corazón? nació como canción con letra y música de Luis Martínez
Serrano y fue estrenada en 1924 por el barítono Daniel Arroyo en el Teatro
Regis de la ciudad de México, acompañado por la orquesta dirigida por el autor
en el marco de en la revistaMéxico a la vista y tuvo gran repercusión en
México y España. Dos años más tarde el bandoneonista Augusto P. Berto llegó a
México en el curso de una larga gira por países de América que realizaba con la
compañía teatral de Camila Quiroga, y al frente de su trío
típico (con Roberto Tach y Remo Bolognini), que actuaba en los intervalos.
El 13 de marzo de 2013,
el cónclave que
se celebró tras la renuncia de
Benedicto XVI eligió como papa a Jorge Mario Bergoglio,
quien manifestó su voluntad de ser conocido como 'Francisco' en honor al santo de Asís.
Bergoglio es el primer papa jesuita y el primero proveniente del hemisferio
sur. Es el primer pontífice originario de América y el primero no europeo desde el sirioGregorio III ―fallecido en 741―.
Conocido por su humildad, su
adhesión a la opción preferencial
por los pobres —principio que abarca a los marginados y
sufrientes de distinta extracción— y su compromiso de diálogo con personas de
diferentes orígenes y credos, Francisco mostró una variedad de gestos pastorales indicativos
de sencillez, entre los que se incluyen su decisión de residir en la Casa de Santa Marta en
lugar de la residencia papal en el Palacio
Apostólico Vaticano usada por sus antecesores desde 1903. Entre
las acciones que hasta la fecha han caracterizado su pontificado destacan sus
iniciativas de reforma de la Curia romana en campos tan diversos como
la economía y las finanzas, la administración, los tribunales eclesiásticos y
el derecho canónico, las comunicaciones sociales, la sanidad, el laicado y la
familia.10 Con ello propugnó soluciones en
temas complejos que incluyen la transparencia en las finanzas vaticanas, la
coherencia entre la misión evangelizadora y la actividad económica, la
simplificación de la burocracia, la eficacia de la comunicación, la nulidad
matrimonial, la lucha contra la pedofilia y los abusos, y la protección de
menores y migrantes.10 Al poco tiempo de su elección, en
2013 la revista Time lo consideró una
de las cien personas más influyentes,
incluyéndolo en el grupo de los «líderes»,11 y meses más tarde lo nombró «persona del año»
2013.12 Su fotografía fue portada de la
revista Rolling Stone internacional
en dicho año.
Hijo de John y Thelma Toole.
Toole tuvo una infancia bastante protegida en Nueva Orleans, dominada por su
madre Thelma Ducoing Toole, quien no le dejaba jugar con otros niños. Fue un
magnífico estudiante. Tras graduarse en la Universidad Tulane,
realizó un graduado superior en lengua inglesa en la Universidad de
Columbia y luego pasó un año como profesor asistente de inglés
en la Universidad del Suroeste de Luisiana (actualmente
la UL Lafayette) en Lafayette, Luisiana. Después se trasladó a Nueva York para coger un puesto de
profesor en el Colegio
Hunter. También dedicó algo de tiempo a intentar sacarse un
doctorado en Columbia, pero no lo acabó porque tuvo que acudir a filas en
el Ejército de
los Estados Unidos en 1961,
donde sirvió dos años en Puerto Rico enseñando inglés a los
reclutas hispano-hablantes en Fort Buchanan.
Después de este tiempo en el
ejército, Toole regresó a Nueva Orleans para vivir con sus padres y comenzar a
enseñar en el Dominican College. Pasó tiempo deambulando por el Barrio
Francés con músicos, y, al menos en una ocasión, ayudó a un
amigo músico con su segundo trabajo vendiendo tamales en
un puesto callejero. Después de que Toole se graduara con honores en la
Universidad Tulane, trabajó brevemente en una fábrica de ropa masculina. Ambos
escenarios jugaron un importante papel en la realización de su gran novela
cómica La conjura de los
necios.1
Toole envió su manuscrito a la
editorial Simon & Schuster. Después de la excitación inicial por el libro,
el editor lo rechazó, diciendo que el libro "no trataba realmente de
nada", aunque realmente la razón de la negativa sería que su novela hundía
demasiado el dedo en la llaga. Toole comenzó a deteriorarse rápidamente después
de perder la esperanza de publicar su libro, que él consideraba una obra
maestra. Comenzó a emborracharse y a descuidar sus actividades profesionales,
dejó de enseñar en las clases doctorales de Tulane, hundiéndose en una profunda
depresión que lo llevó a sentirse un absoluto fracasado. 2
Toole se suicidó el 26 de marzo
de 1969, después de desaparecer de Nueva Orleans, poniendo un extremo de una
manguera de jardín en el tubo de escape de su coche y el otro en la ventanilla
del conductor. La nota de suicidio que dejó fue destruida por su madre, que
hizo declaraciones confusas sobre sus contenidos generales. Fue enterrado en el cementerio
de Greenwood en Nueva Orleans.32
Algunos biógrafos han propuesto
que un factor en su depresión fue la confusión sobre su sexualidad. Un amigo
opinó que su dominante madre no le permitió abrir sus sentimientos hacia
ninguna mujer aunque tuvo citas con mujeres. Algunos amigos y parientes de
Toole desaprueban la idea de que fuera homosexual, por ejemplo, David Kubach,
un amigo de toda la vida que también sirvió con Toole en el ejército declaró:
"el no conocerle cambia mucho las cosas".
Hill nació en el suburbio de Blackley, en el Gran Mánchester. Se crio en una familia católica de mineros. Hill asistió al Xaverian College y luego a la Manchester Polytechnic School of Drama. Se graduó con un diploma en teatro en 1970.2
Hizo su debut en el escenario en John, Paul, George, Ringo... and Bert, de Willy Russell, en 1974. Continuó con carrera como actor a ambos lados del Atlántico, protagonizando producciones británicas y estadounidenses tanto en cine o en televisión como en los escenarios.
El prestigio le llegó con el papel de Yosser Hughes, un hombre de clase obrera en crisis, en la serie para la BBC de Alan Bleasdale, The Black Stuff (1979) y su secuela, Boys from the Blackstuff (1982).3 Su personaje y las frases de este se hicieron muy populares entre los críticos del gobierno de Margaret Thatcher, debido al elevado desempleo.4 Hill había trabajado antes en pequeños papeles para la televisión británica, donde destacó su aparición como el soldado romano Valerius Gratus en Yo, Claudio (1976).
Gracias a su marcado físico amerindio, ha ganado notabilidad
por sus excelentes personificaciones de nativos estadounidenses en el cine y es
recordado por sus notables actuaciones en filmes épicos como El último mohicano o Bailando con lobos.
Studi fue educado en la India Chilocco Escuela Agrícola en el
norte de Oklahoma. Antes de asistir a la
escuela primaria, sólo hablaba cheroqui.
En 1967, fue enrolado en el
Ejército y sirvió 18 meses en la Guerra de Vietnam. Después de su baja con
honra, Studi estudió en Tulsa Junior College.
1949:
Nace Paul Rodgers,
cantante británico, de las bandas Free y Bad Company.
Paul Rodgers (Middlesbrough, Inglaterra; 17 de diciembre de 1949) es
un cantantebritánico, conocido por ser miembro fundador de las bandas Free y Bad Company. Ambas bandas disfrutaron del éxito internacional en la
década de 1970. Antes de establecer su carrera en solitario, también fue
miembro de The Firm y The Law. Entre 2005 y 2009 se reunió con dos miembros de Queen,
formando la alineación llamada Queen + Paul
Rodgers, con la cual salió de
gira y grabó un álbum. A Rodgers también se le ha dado el apodo de "The
Voice" (La Voz).12 Ha sido calificado en el puesto #55 del ranking "Los 100 Grandes
Cantantes de Todos los Tiempos" de Rolling Stone..3 Esta figurado en el puesto 9 en el listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos
los tiempos.
Hija de padres artistas
Víctor y Asita de Mallarino, quiso ser arquitecta. Crear. Poner el espacio en
su lugar. No alcanzó a intentarlo cuando acompañó a un amigo y vio cómo le
destruían una maqueta en plena clase. Entonces, estudió comunicación social
para encaminarse por el lado de los libretos.
Pero la necesidad tiene cara
de... ¡sálvese quien pueda! Y ella creyó poder hacerlo: "Acepté actuar
profesionalmente por urgencia económica. Necesitaba el dinero". Su ópera
prima se llamó Vamos a contar mentiras, bajo la dirección de Bernardo
Romero Lozano. En vivo se dio cuenta de que le fascinaba la actuación. Que no
era un embeleco. Que no era imitando a sus hermanos María Angélica y Víctor.
"Hoy siento que esto es lo mío".
Es modesta. Dice que a pesar
de todos estos años de trabajo ininterrumpido, aún le falta un camino por
recorrer. Quiere, por ejemplo, representar a un ser del medioevo en la pantalla
grande.
De los que ha hecho, tiene
personajes preferidos, de sus afectos, como el de Lucía Lauratti en El
cuento del domingo, bajo la dirección de su propio hermano, Víctor.
"Lo hice en un buen momento de madurez, en todo sentido. Es uno de los
papeles con los que mejor me he sentido". Ana Frank es otro.
Claro, si le recordó la historia española de su madre, quien tuvo que lidiar
con la densa Guerra Civil de la Península.
Michael Edward Mills (nacido
el 17 de diciembre de 1958),
conocido como Mike Mills, fue el bajista de la banda R.E.M., principalmente conocido por encargarse
del bajo y del piano, pero también en ocasiones instrumentos de percusión,
cuerdas y teclados. También contribuyó en la creación de las letras de la
banda.
Mike
Mills nació en Orange County, California. De chico se mudó con su familia a Macon,
Georgia, a principios de los años '60. Su padre, Frank, fue
cantante, llegando a tener actuaciones en The Ed Sullivan Show.
Su madre, Adora, fue profesora de piano, lo que ayudó a que Mike descubriera su
interés por la música a una edad temprana. Conoció al baterista Bill Berry en la secundaria, con el que
luego formaría una banda. Ellos conocieron a Michael Stipe y Peter Buck después de empezar la Universidad de
Georgia en Athens.
Mills, Berry, Buck y Stipe
decidieron dejar la universidad y concentrarse en la banda, ahora llamada
R.E.M. La banda consiguió una rápida aceptación y un buen número de seguidores,
por lo que conseguirían firmar un contrato discográfico con I.R.S. Records.
Mills
es responsable de muchas de las letras de canciones de R.E.M. como "Find
the River", "At My Most Beautiful",
"Why Not Smile", "Let Me In", "Wendell Gee", "(Don't Go Back To) Rockville", "Beat a Drum", "Be Mine" y
"What's the Frequency, Kenneth?".
Además de poner su voz a muchas canciones, es el cantante principal en
canciones como "Texarkana", "Near Wild Heaven",
"Superman" y la versión de The Troggs, "Love Is All Around".
Mills es también conocido por
su colección de trajes coloridos y extraños que a veces usa en el escenario,
como el que puede verse en el vídeo de "What's the Frequency,
Kenneth?" y en muchos de los conciertos del Monster
Tour en 1995. Esos trajes se conocen como "Nudie suits".
Sara Elizabeth Dallin (Bristol, Reino Unido, 17 de diciembre de 1961) es una
cantante y compositora inglesa del grupo Bananarama. Ella cofundó el grupo con Siobhan
Fahey y Keren Woodward en 1979, y ha sido decisiva en la longevidad del grupo,
a pesar de los cambios de componentes. Ocasionalmente, Dallin interpreta a la
guitarra.
Sara conoció a Keren Woodward
estudiando en la Grammar School de Bristol, antes de marchar a Londres en la
adolescencia.1
Dallin dio a luz a una niña,
Alice, a finales de 1991.2
Ella es apasionada de la
música, el baile, la moda, el deporte y el teatro.
Sus padres son Jorge d'Ambrosio
Robles y Carmela Robles Gallardo, es el cuarto de cinco hermanos. Viene de una
familia de artistas por parte de su madre quien es una eximia pianista
huanuqueña maestra de piano clásico y por parte de su padre adquiere la
descendencia italiana. Es nieto del compositor de música sacra (sacramentada)
Juan de Dios Robles Templo quién es cantante y arreglista de la música clásica y sobrino
nieto del musicólogo y reconocido compositor peruano, Daniel Alomía Robles autor
del El cóndor pasa.
Sus inicios musicales fueron
formados en casa ya que, con la madriguera musical empezó con la ejecución del
piano clásico, posteriormente en la adolescencia se nutre de la música popular
y se convierte en compositor de diversos géneros.
Su primera composición ganadora
y galardonada fue en 1986 (el periódico del cielo) donde fue ganador del
festival de Huánuco. Su segunda obra ganadora y galardonada fue en 1987 (quiero
a mi pueblo) en el festival internacional en Huánuco. Posteriormente, empieza a
componer obras musicales entregándole a diversos grupos de su tierra natal las
obras como:
Pueblo galleta, La bella Dora,
Qué pasa pues, El sueño de una historia, Mi perdón, Mi sombra y yo , Agüita
dulce y Volveré. Así mismo, Pelo d'Ambrosio ha sido creador de muchos himnos de
ciudades y pueblos del Perú en donde, es reconocido por sus magníficas letras.
En su trayectoria musical
cultivo géneros como la trova, el country en español, rock en inglés y español,
diversa música latino americana y música andina peruana. Así mismo, fue parte
de muchos grupos de rock del centro del Perú en donde, con esfuerzo fundó del
legendario grupo huanuqueño " The Quispe". Posteriormente, se dedicó
de lleno al proyecto "Pata Amarilla" que luego se convertiría en
"Pelo D'Ambrosio y la banda pata amarilla". Pelo d'Ambrosio es
creador del 100 % de las canciones que se grabaron con el proyecto pata
amarilla, en letra música y arreglos de todos los instrumentos (con excepción
de las canciones Rosaura Linda y Esperare).
Su disco "Lejos de ti
", tiene 24 canciones de las cuales muchos grupos y solistas de todo el
mundo han usado varias de ellas en su repertorio siendo así una de los discos
más vendidos y hasta el día de hoy ha llegado a la cifra récord de 400
versiones grabas. La misma suerte, sucede con las canciones "Y que
paso", "He sentido amor".,3 "Esta noche" y
"Alpaquitay" las cuales han empezado a tener 150 versiones grabas
cada una.
Hoy en día es considerado como
uno de los compositores más influyente e importante de Hispanoamérica .
Jovovich comenzó su carrera de modelo a los once años,
cuando Richard Avedon la presentó en los anuncios de Revlon, Las mujeres
más inolvidables del mundo, y continuó su carrera con otras campañas
notables para cosméticos L'Oréal, Christian Dior, Donna Karan y Versace. En 1988, tuvo su
primer papel profesional en la película para televisión Night Train to Kathmandu, y ese mismo año actuó en su primer
largometraje: Two Moon Junction. Después tuvo más
apariciones en series de televisión como Fair Exchange (1989),
y en el mismo año un papel de una jovencita francesa (en ese entonces con solo
14 años) en la serie Married with Children, además de otros personajes en pequeñas
producciones cinematográficas. Ganó notoriedad con la película romántica Return to the Blue Lagoon (1991), la secuela de The Blue Lagoon.
Además de su carrera como modelo actuación, Jovovich lanzó un
álbum musical, The Divine Comedy en 1994. Además
continúa publicando demos de otras canciones en su página web oficial y
contribuye con las bandas sonoras de películas, sin embargo Jovovich aún no ha
lanzado otro álbum. En 2003, ella y la modelo Carmen Hawk crearon la línea de
ropa Jovovich-Hawk, que cesó sus operaciones a principios de 2008.3 En su tercera
temporada antes de su desaparición, las piezas se podían encontrar en Fred
Segal en Los
Ángeles,
Harvey Nichols, y en más de 50 tiendas en todo el mundo. Jovovich también tiene
su propia compañía productora, Creature Entertainment.
Es conocida por ser una de las
dos componentes y autoras del dúo musical femenino Ella Baila Sola. Este dúo, integrado por
Marilia Andrés Casares y Marta Botía Alonso tuvo éxito en la
música española e hispanoamericana con canciones como Lo echamos a
suertes, Cuando los sapos bailen flamenco, Amores de
barra, Mujer florero, etc.
Su bisabuelo Julio Casares Sánchez fue
músico y creador del primer diccionario ideológico de la lengua española. Su
tío Cristián Casares Fernández–Alvés, se dedicó al teatro y colaboró en la
letra de algunas canciones que Marilia incluyó en discos de Ella Baila Sola. Aficionada a escribir y
dibujar, compuso su primera canción en inglés a los once años. Estudió en un
colegio bilingüe de Madrid y comenzó las carreras de derecho y marketing,
dejando esta última para dedicarse plenamente a la música.
Estudiando COU conoce
a Marta Botía Alonso, con quien forma el grupo Ella baila sola en Madrid,
juntan sus voces para formar un dúo e interpretar las canciones que ella tenía
escritas y las nuevas composiciones que pudieran continuar creando.
En el año 1994 ensayando
en El Retiro conocen
a Javier Álvarez,
quien les sugiere que se pongan en contacto con un productor que él conoce
llamado Gonzalo Benavides. En el bar "Harp" en Malasaña, Madrid, donde los domingos actuaban
cantautores amateurs y ocasionalmente el dúo, Gonzalo Benavides las ve por primera vez
y muestra su interés por ser su productor.
Después de ser rechazadas por
varias compañías es Hispavox (hoy EMI Music), y Javier Lozano más concretamente,
quien apuesta por el dúo.
Cantan temas propios en inglés
y en español en sus primeras actuaciones en locales de Madrid. Cuando surge la
posibilidad de grabar un disco deciden cambiar su nombre al de Ella baila sola
cuando una amiga común sugiere el título de una canción de Sting,
"They dance alone"
o en castellano, "Ellas bailan solas".
En 1995 conocen
a los que serán sus músicos habituales hasta casi el final del dúo. Destacan
Alfonso y Ángel Luis Samos, arreglistas y músicos de la banda en los tres
discos y en las consiguientes giras, José Vera, bajista, Jorge García,
batería, Diego Galaz,
violinista, y Cuco Pérez, acordeonista. Con colaboraciones de músicos como
Alfonso Pérez, Vicente Climent, Joel Shearer y Gary Novak entre otros.
En el año 1996 se
edita su primer disco titulado Ella baila sola.
En el disco incluyen temas compuestos tanto individualmente como entre ambas
(" Amores de barra", "Muere el silencio"), forma de
trabajar que continuarían en todos sus discos.
Los temas "Lo echamos a
suertes", "Cuando los sapos bailen flamenco", "Amores de
Barra", "Mujer florero" se convierten inmediatamente en los más
emitidos en la radio y a su presentación en Madrid en la sala Caracol acude
tanta gente que actúan dos veces esa misma noche.
El éxito de público les hace
comenzar su primera gira por España, ofreciendo en el año 1997 unos
cien conciertos. Hispavox distribuye su disco en Latino América, donde viajan a
casi todos los países para actuar y promocionar cada trabajo en múltiples
ocasiones. México, Venezuela, Chile, Argentina, EEUU, etc.
La canción Amores de
Barra compuesta por ambas será la única del grupo que fue número 1 en
todos los países de Latinoamérica a la vez.
En el año 1998 sacan
su segundo disco llamado E.B.S, que es presentado en Buenos Aires, Argentina. Graban el primer video del disco de
la canción Que se me va de las manos en la Casa de
Isla Negra, del poeta Pablo Neruda en la región de Valparaíso, en Chile.
En el año 2000 aparece el
tercer y último disco Marta y Marilia.
Ese mismo año participan
en Mira que eres canalla Aute disco homenaje al cantautor y
artista español Luis Eduardo Aute cantando la
canción No sabes como sufrí.
También en este año Marilia
colabora en el homenaje al grupo español fusiónTriana junto al pianista Chano
Domínguez en la canción Recuerdo de una noche.
A finales de 2001 las
componentes del dúo deciden por mutuo acuerdo disolver el grupo definitivamente
mediante una rueda de prensa en Madrid.2
En 2001 ese mismo año Marilia
graba con el grupo indieElefantes en su disco Azul producido
por Enrique Bunbury cantando
en la canción Me gustaría poder hacerte feliz.
En 2003 colabora en el disco
contra el cáncer Ellas y la Magia.
En 2004 colabora en el disco
contra la violencia de género titulado Hay que volver a empezar cantando
una versión del tema "Yo no soy esa" escrito por la cantautora
española Mari Trini y
junto al resto de artistas (entre las que figura Rocío Jurado) colabora en el tema
principal del disco Hay que volver a empezar. Un proyecto ideado
por el periodista musical Santiago Alcanda que se presentó en
una gala en televisión en la que uno de los picos de audiencia fue la actuación
de Marilia. Siendo esta su primera aparición en televisión tras la disolución
del grupo.
En 2012 Marilia inicia su nuevo
proyecto musical con su nombre 'Marilia' grabando un primer disco
titulado Subir una montaña creando su propio sello y
editandolo de forma independiente en 2013.
Desde entonces inicia una gira
que comenzará con un primer concierto en Londres en diciembre de 2012 en la
sala Bedford y que seguirá por las distintas ciudades de
España hasta hoy. En 2015 presenta su disco por primera vez en México, en
el Día
Internacional de la Mujer en la ciudad de Uruapan,
Michoacán. Ese año ofrece en total 5 conciertos en México entre
DF, Querétaro y Uruapan, mientras continúa su gira en España. Termina el año
con un ´entradas agotadas´ en una de las salas más míticas de la ciudad
el Café Berlín de Madrid.
En 2016 Marilia sigue tocando
en directo en España y en México. Siendo su primer concierto del año en febrero
en el Teatro Auditorio de Cuenca con motivo del XX Aniversario
de la Declaración de la ciudad de Cuenca como Patrimonio de la Humanidad
presentando su nuevo proyecto. También participa en marzo en el festivalEllas
Crean 2016 celebrado en Madrid.
Actualmente sigue realizando
conciertos entre España y México, y participando en eventos benéficos como Save Gender Museum. En marzo de 2017 presentó
su último disco llamado "Infinito" en la sala Galileo,3 y en junio del mismo año en la nueva
sala Café Berlín,4 ambos conciertos en Madrid.
En ese periodo (1960-1963), Ellis grabó varios discos como titular, con músicos como Jacki Byard, Ron Carter, Paul Bley, Gary Peackocko Eric Dolphy. En estas grabaciones, Ellis realiza experimentos con el tempo y la tonalidad, dentro de una dinámica generalizada en la época, cercana al free jazz, aunque más adelante se mostrará bastante crítico con este estilo.3
En 1963, tras haber realizado giras por Europa del Este y haber publicado un artículo en Down Beat sobre esta experiencia, monta el grupo The Improvisational Workshop, junto a Lalo Schifrin, Roswell Rudd y Steve Swallow y, paralelamente, toca como solista con la New York Philarmonic Orchestra, en las obras Improvisation, dirigida por Leonard Bernstein, y Journey into Jazz, de Gunther Schuller. Las grabaciones resultantes de esta experiencia, se publicaron en 1965 bajo el título de Leonard Bernstein conducts music out of time. En 1964, estudiará etnomusicología en la UCLA, con el intérprete hindú de sitar, Hari Har Rao, con quien trabajará además en el Hindustani Jazz Sextet.
Al año siguiente, 1965, monta su primera big band, con veintitrés músicos y, con ella, se presenta en el Festival de Jazz de Monterey de 1966, obteniendo un éxito espectacular.4 El concierto se edita en formato Lp por el selloPacific Jazz. Durante unos meses, Ellis mantiene un sexteto, con el que realiza varios conciertos, entre ellos uno en el Fillmore West junto a Grateful Dead y Big Brother and the Holding Company. Pero, a la vez, mantuvo a su big band, tocando cada lunes durante casi un año, en el Club Havana de Hollywood.5 Paralelamente, graba con Frank Zappa y Al Kooper, sendos discos.
En esta época, Ellis comienza a trabajar con compases poco usuales, extraídos de la música folclórica y de desarrollos matemáticos de los tempos tradicionales, llegando en este terreno mucho más lejos de lo que había llegado cualquier músico anterior, tocando en metros como 19/8 (interpretado en divisiones de 3-3-2-2-2-1-2-2-2) y otros aún más largos (hasta 85). Algunos de sus ritmos se plantean como ecuaciones matemáticas, como un blues en ritmo de 11/4, ejecutado como 32/3/4 y, ello, con verdadero swing.6 Ellis movía a su big bandpor este tipo de compases, de forma fácil y ligera. En 1967 se publica un nuevo álbum de la banda, grabado en directo en varios festivales de la costa Oeste, bajo el título de Live in 32/3/4 (Pacific Jazz).
El productor de Columbia, John H. Hammond, ficha a la banda y edita su primer disco en estudio, Electric Bath, en septiembre de 1967. El álbum tiene una recepción magnífica por parte de la crítica (es nominado a los Premios Grammy de ese año, y obtiene el galardón como Mejor disco de jazz del año en Down Beat), pero también por parte del público, alcanzando el nº 8 en el Jazz Top de Billboard. Su siguiente disco, Shock Treatment (1968) no satisfizo al propio Ellis, aunque ese mismo año se publicó el tercero para Columbia, mixto en estudio y en vivo, titulado Autumn, que sí consiguió continuidad con la calidad de Electric Bath.2 También el disco The Don Ellis Band goes Underground (1969), que incluía una primera versión del tema Bulgarian Bugle, en compás de 33/16, consiguió buena recepción y ventas.
En 1970, la banda de Ellis volvió al Filmore West en un concierto junto a Quicksilver Messenger Service, uno de los grupos emblemáticos de la sicoldeliacaliforniana, que se editó como doble-Lp. El rendimiento de la banda en escena, muy por encima de sus trabajos en estudio, llevaron a Columbia a publicar en 1971 otro disco en vivo, grabado en un club de San Francisco (California), Tears of Joy, en el que Ellis amplía la big band con una sección de cuerdas formada por dos violines, una viola y un cello. Gracias a una novedosa, por entonces, amplificación eléctrica para ellas (el sistema Transducer de Barcus-Berry), logró un empaste perfecto de las cuerdas con los instrumentos de viento. La banda, además, llevaba dos baterías y percusión, que en algunos temas se ampliaban a tres, con él mismo.7 Este tipo de estructura de big band, se mantuvo también en otros discos, como Soaring (1973). Este mismo año, sin embargo, se publicó también Haiku, con cuarteto y orquesta de cuerdas, introspectivo y organizado sobre la poesía haikujaponesa, y totalmente diferente de los anteriores.
En 1972, el director de cineWilliam Friedkin, propone a Ellis la composición, con su banda, de la banda sonora de su nueva película, The French Connection, que se publica en 1973 y obtiene el Grammy al Mejor arreglo instrumental. A partir del éxito de esta BSO y de la secuela del film, French Connection II (1975), Ellis realiza un buen número de trabajos para cine y TV: Kansas City Bomber (1972), The Seven-Ups (1973), Movin' On (1974), Man belongs to the Earth (1974), The Deadly Tower (1975), Doctor's Hospital (1975), Ruby (1977) o Natural Enemies (estrenada en 1979, después de su muerte).
Ellis es una figura muy propia de la época en que vivió, y un músico muy polémico, en el estilo en que lo era Stan Kenton:8 Muy influenciado por John Cage y Stockhausen, su trabajo con big band muestra una fuerte personalidad y la capacidad de jugar con los tempos y los tonos, manejando una amplia paleta de instrumentos y sonoridades a los que sacaba el máximo rendimiento. Es una de las grandes figuras del jazz orquestal moderno.
Como instrumentista, desarrollaba también estos factores, utilizando una trompeta especial, capaz de tocar cuartos de tono. Usaba también, con frecuencia, la amplificación electrónica.
Ellis está también considerado como un interesante teórico musicólogo, habiendo publicado un gran número de artículos y varias obras importantes, entre ellas The new rhythm book (1972), y Cuartos de tono: Un texto con ejemplos musicales, ejercicios y estudios (1975).
Guillermo Cano Isaza (Bogotá, Colombia12 de agosto de 19251 — † Bogotá, 17 de diciembre de 1986)
fue un periodista colombiano. Perteneció a la tercera generación de periodistas
de la familia de Fidel Cano Gutiérrez,
fundador de El Espectador.
Se desempeñó como cronista taurino, deportivo, hípico, cultural y político.
Dirigió El Espectadordesde 1952 hasta el día de su muerte. Fue
asesinado por sicarios del narcotráfico.
Cano Isaza fue el guía y el maestro de
toda una generación de periodistas, que recibió de él no sólo la formación
profesional, sino los principios éticos que defendió a lo largo de su vida y el
ejercicio de su carrera como periodista. Hijo de Gabriel Cano y Luz Isaza, se vinculó
directamente a la redacción del diario El Espectador,
como cronista taurino, deportivo, hípico, cultural y político, recién egresado
del Gimnasio Moderno,
en 1942. Fue el fundador del Magazín Dominical, secretario de dirección,
codirector, con Gabriel Cano, y director de El Espectador desde el 17 de septiembre de 1952. En 1986
recibió el Premio Nacional de Periodismo CPB en la modalidad de prensa, por su
columna dominical "Libreta de Apuntes", cuya variedad
temática iba desde los recuerdos de personajes de la vida nacional, hasta
comentarios críticos acerca de los problemas del país. Fue aficionado al fútbol
e hincha de Independiente Santa
Fe.
En 1980 le fue otorgado el
Premio Simón Bolívar a la vida y obra de un periodista. Con motivo del centenario
del nacimiento de don Fidel Cano, fundador de El Espectador, escribió "El abuelo que no conocí", y para la
conmemoración del 90 aniversario de El Espectador, escribió "Posdata a la
autobiografía de un periódico", páginas donde se integran el escritor
sensible y el periodista veterano.
Fue enviado especial a
los Juegos Olímpicos
de Múnich en 1972, y en notas especiales escribió acerca de lo
ocurrido en el "Septiembre
Negro", aunque esto no fue muy relevante
Fue asesinado al salir de la
sede del periódico, el 17 de diciembre de 1986. Su crimen fue
declarado en 2010 por la Fiscalia
General de la Nación como delito de lesa
humanidad, al hacer parte de “un plan sistemático y generalizado”
que los narcotraficantes colombianos desarrollaron en aquel momento contra
periodistas, líderes y dirigentes políticos que defendían la extradición; lo
que significa que las investigaciones por este hecho no prescribiran.2
Así como hay fenómenos que compulsan el desaliento y la
desesperanza, no vacilo un instante en señalar que el talante colombiano será
capaz de avanzar hacia una sociedad más igualitaria, más justa, más honesta y
más próspera.
Último editorial firmado por Guillermo Cano., publicado el 17 de
diciembre de 1986.
El miércoles 17 de diciembre de 1986 sicarios
a órdenes de "Los Priscos",
un grupo de criminales al servicio del cartel de Medellín,
asesinaron frente a la sede del diario a su director Guillermo Cano Isaza. Los
asesinos esperaron a que el hiciera un giro en U en la Avenida del Espectador,
poco después de las 19:00. Uno de los maleantes se acercó rápidamente a la
camioneta familiar un Subaru Leone Wagon vino-tinto
de placa AG 5000 que conducía Cano y le disparó en ocho ocasiones al pecho con
una ametralladora.
En un fallo de octubre de 1995,
nueve años después del asesinato, María Ofelia Saldarriaga, Pablo Enrique
Zamora, Carlos Martínez Hernández y Luis Carlos Molina Yepes fueron encontrados
culpables de conspiración para cometer el crimen y sentenciados a 16 años y 8
meses de cárcel. Sin embargo, en otra sentencia del 30 de julio de 1996, el
Tribunal Superior de Bogotá revocó el fallo, absolviéndolos a todos de cargos
en el crimen, a excepción de Molina Yepes, que fue el único condenado y quien
había sido recién capturado el 18 de febrero de 1997. Con anterioridad habían
sido considerados autores intelectuales Pablo Escobar, Evaristo Porras, Gonzalo Rodríguez
Gacha y el mismo Molina Yepes, todos ellos capos del Cartel de Medellín.7
Según un informe aparecido en
diciembre de 2007 en El Espectador, después de la muerte de Pablo Escobar, en 1993, algunos de los
sicarios que trabajaron para él, como John Jairo Velásquez Vásquez, alias Popeye,
revelaron detalles de la participación de la organización del capo en este
delito. Durante las investigaciones fueron asesinadas 12 personas incluyendo a
un magistrado, una juez y el abogado de la parte civil. La única persona que ha
respondido judicialmente por el crimen es Luis Carlos Molina Yepes, quien pagó
a los sicarios que asesinaron a Cano. Molina Yepes aparece dentro de la
investigación vinculado a Carlos Alberto Gaviria Vélez, hermano de José Obdulio Gaviria,
quien fue asesor presidencial de Álvaro Uribe Vélez y
primo del extinto capo Pablo Escobar. Molina Yepes purgó solamente seis años de
cárcel.8 Estas revelaciones provocaron la
renuncia del embajador en Londres y ex ministro Carlos
Medellín, quien está casado con una de las hijas de Cano.9
Décadas más tarde alias Popeye,
quien era pagador de los dineros a Los Priscos, y coordinador de sus
actividades tras la muerte de Pinina, contó que el operativo en contra de Cano
Isaza lo llevó a cabo personalmente Jorge Pabón alias El Negro Pabón, jefe
máximo del sicariato en Bogotá para Pablo Escobar, y que fue un operativo
particularmente fácil. El esclarecimiento se hizo en el marco de la falsa
vinculación a un ciudadano de apellido Tobón, quienes otras autoridades
ejecutivas y judiciales señalaban de haber sido el autor material de acuerdo a
investigaciones adelantadas. alias Popeye presentó una fotografía en la que
aparece departiendo con alias El Negro Pabón y alias El Arete, y que fue Pabón
quien realizó el homicidio debido a que era el hombre de más alto rango que
Escobar tenía y su furia en contra del director del periódico El Espectador así
lo ameritaba. Lo peor de todo es que la Policía finalmente si identificó que
quien había perpetrado el crimen era un Tal Jorge Tobón o Pabón y por ello
procedió injustamente a incriminar a un ciudadano de apellido Tobón que nada
tenía que ver y que sólo tenía un apellido parecido a quien se estaba buscando.
Pabón era el asesino personal de Escobar y por quien se inició la guerra en
contra del así llamado Cartel de Cali. Posteriormente alias otto y alias popeye
confirmaron que el autor material del hecho era Jorge Elí Pabón y no el
ciudadano Jorge Argiro Tobón quien después de un año de injustos señalamientos10
Una de las más respetadas
escritoras en lengua francesa, publicó novela, ensayo, poesía y tres volúmenes
de memorias familiares, que tuvieron una gran acogida por parte de la crítica y
los lectores. Su obra más famosa es la novela histórica Memorias de Adriano (1951).
Marguerite
Antoinette Jeanne Marie Ghislaine Clenewerck de Crayencour nació en Bruselas (Bélgica). Su madre, Fernande de Carttier
de Marchienne,2 que provenía de una familia
aristocrática belga, murió a los diez días de su nacimiento por complicaciones
en el parto, y la niña fue educada por su padre, Michel-René Clenewerck de
Crayencour, que tenía 50 años cuando ella nació y que provenía de una familia
aristocrática francesa. Hasta los 10 años vivieron en la casa familiar
regentada por la abuela paterna Noemi Dufresne, en el norte de Francia, Mont
Noir, en Saint-Jans-Cappel (región
Nord, actual Hauts de
France (fr) ), cerca de la frontera con Bélgica. Yourcenar leía
a Raciney a Aristófanes a la edad de ocho años. Su
padre le enseñó latín a los 10 y griego clásico a los 12. Después de la
muerte de su abuela en 1910, su padre vendió la propiedad familiar en 1913, en
contra de la opinión de su otro hijo Michel-Joseph, fruto de un matrimonio
anterior y adquirió una casa de verano en Ostende. A partir de entonces la niñez de
Marguerite transcurrió entre Lille, la casa de Ostende y
largas estancias en la costa azul en Menton o Montecarlo,
donde su padre acudía con asiduidad porque era muy aficionado al juego.
Los combates de la Primera Guerra
Mundial les obligan a huir de Ostende y refugiarse en Londres. La casa de Ostende es destruida y
antes del fin de la guerra se trasladan a París. En medio del ambiente
belicista y anti alemán que se vive allí, su padre le da a leer las obras
de Romain Rolland,
ferviente pacifista, que le causan una impresión perdurable. Después de la
guerra se trasladan a Montecarlo, con frecuentes viajes a Italia y a Suiza, en
Montreux o Lausana, donde su padre acaba instalándose
cuando le diagnostican el cáncer que acabaría con su vida poco después.
Marguerite, que nunca acudió a
la escuela, recibía la educación básica a través de preceptores y la completaba
por los consejos de su padre, que era muy inconformista y había llevado siempre
una vida errante por toda Europa en los lugares preferidos por la aristocracia
de la época. Su padre, que tenía aficiones literarias, le dio a leer desde muy
joven las obras de los mejores escritores europeos de la época como Flaubert, Maeterlinck o Rilke y
le introdujo a los autores clásicos como Virgilio, que eran una de sus preferencias.
Tenían un método de lectura en voz alta compartido en que se iban alternando en
la lectura de la misma obra. Cuando Marguerite muestra sus inclinaciones hacia
la escritura, su padre se las alienta de manera firme y encarga la publicación
a su costa, en 1921 y 1922, de las primeras obras de la escritora, los
poemarios El jardín de las quimeras y Los dioses no
han muerto, que ella después apartó del corpus de sus obras que se
publicó en la Biblioteca de la
Pléiade.
La familia fue concebida por
Groening y poco después debutó en una serie de cortos de
animación producidos por James L. Brooks.2 Groening creó una familia
disfuncional y nombró a sus personajes en honor a los miembros de su propia
familia, sustituyendo su propio nombre por Bart.23 Los cortos pasaron a formar parte
de El show de Tracey
Ullman el 19 de abril de 1987,4 pero después de tres temporadas se
decidió convertirlos en una serie de episodios de media hora en horario de máxima audiencia. Constituyó un
éxito de la cadena Fox y fue la primera serie de este canal
en llegar a estar entre los 30 programas más vistos en la temporada 1992-1993 en Estados Unidos.5
Los Simpson ha
ganado numerosos
premios desde su estreno como serie, incluyendo 25 premios Emmy, 24 premios Annie y un premio Peabody. La revista Time del
31 de diciembre de 1999 la calificó como la mejor serie del siglo XX,8 y el 14 de enero de 2000 recibió una
estrella en el Paseo de la
Fama de Hollywood. Los Simpson es una de las series
estadounidenses de dibujos animados de
mayor duración9 y el programa estadounidense de
animación más largo.10 El gruñido de fastidio de Homer «D'oh!» ha sido incluido en el
diccionario Oxford English
Dictionary, mientras que la serie ha influido en muchas comedias
de situación animadas para adultos.11
2002:
Muere Frederick Knott:
Frederick Major Paull Knott (28 de agosto de 1916 - 17 de diciembre de 2002) fue un dramaturgo y guionista inglés conocido por sus complejas tramas relacionadas con el crimen. Aunque era un escritor reacio y completó una pequeña cantidad de obras, dos se han vuelto famosas: el thriller teatral londinense Dial M for Murder , luego filmado en Hollywood por Alfred Hitchcock , y la obra de 1966 Wait Until Dark , que fue adaptada a una película de Hollywood dirigida por Terence Young . También escribió el misterio de Broadway Write Me a Murder .
Tiene un hijo llamado Tony Knott que asistió a Princeton Day School en la década de 1970.
Knott nació en Hankou, China, hijo de misioneros ingleses , Margaret Caroline (née Paull) y Cyril Wakefield Knott. [ 1 ] Se interesó en el teatro después de ver representaciones de obras de Gilbert y Sullivan realizadas por la Sociedad de Ópera de Hankow. [ 2 ] Descendiente de una línea de propietarios de molinos de Lancashire, Knott provenía de un entorno lo suficientemente rico como para ser enviado de regreso a Inglaterra para recibir educación privada, y desde 1926 fue educado en la Escuela Sidcot y luego, a partir de 1929, en la Escuela Oundle en Northamptonshire .
En 1934, Knott ingresó en el Downing College de Cambridge para estudiar derecho. [ 3 ] Como jugador de tenis excepcional (una profesión a la que le dio el personaje central en Dial M for Murder ), se convirtió en un Blue y en 1937 fue miembro del equipo de tenis Oxford-Cambridge que jugó contra el equipo Harvard-Yale en Newport . Se graduó en 1938 con un título de tercera clase en derecho, [ 3 ] pero el estallido de la Segunda Guerra Mundial le impidió competir en Wimbledon.
Sirvió en la artillería del ejército británicocomo instructor de señales desde 1939 hasta 1946, ascendiendo al rango de mayor y finalmente se mudó a los Estados Unidos. Conoció a Ann Hillary en 1952 y se casó con ella en 1953; vivieron en Nueva York durante muchos años. [ 2 ]
Aunque Dial M for Murder fue un éxito en el teatro, originalmente fue una producción televisiva de la BBC. Como pieza teatral, se estrenó en el Teatro Westminster en Victoria, Londres, en junio de 1952, dirigida por John Fernald y protagonizada por Alan MacNaughtan y Jane Baxter . A esta producción le siguió en octubre una exitosa presentación en la ciudad de Nueva York en el Teatro Plymouth , donde Reginald Denham dirigió a Maurice Evans , Richard Derr. Gusti Huber . Knott también escribió el guion de la película de Hollywood de 1954 que Hitchcock filmó para Warner Brothers en 3D , protagonizada por Ray Milland y Grace Kelly , con Anthony Dawson y John Williams repitiendo sus personajes de la producción teatral de Nueva York, que le había ganado a Williams un premio Tony por su papel como el inspector Hubbard. Anteriormente vendió los derechos cinematográficos a Alexander Korda por solo £ 1,000. La obra también se convirtió en una película para televisión en 1981 protagonizada por Christopher Plummer y Angie Dickinson , como la película de 1985 Aitbaar en India , y como Un asesinato perfecto en 1998 con Michael Douglas y Gwyneth Paltrow . [ 2 ] Basada en la misma trama, una película de televisión soviética Tony Wendice's Mistake ( ru:Ошибка Тони Вендиса ) se estrenó en 1981.
Knott dejó de escribir obras de teatro y optó por vivir cómodamente de los ingresos que obtenía de sus obras anteriores. "No creo que el impulso ya estuviera allí. Estaba perfectamente feliz como estaban las cosas", dijo su esposa Ann Hillary. [ 2 ] Murió en la ciudad de Nueva York en diciembre de 2002.
2005:
Muere Benjamín Sánchez, compositor mexicano.
Benjamín Sánchez Mota fue
hijo de Pantaleón Luévano y Concepción Marentes, pero sus apellidos los tomó de
sus padrinos. Nació un 21 de septiembre en Luis Moya, Zacatecas, en donde
radicó hasta 1950, año en que se trasladó a Morelia, Mich.
En Morelia formó parte del coro de niños cantores, y en 1952 se trasladó a la
Ciudad de México, en donde ingresó al Conservatorio de las Rosas para iniciar
sus estudios formales de música.
La primera canción que le grabaron fue el "Corrido de Félix Bustos",
interpretada por Luis Pérez Meza, en junio de 1953. Más adelante tendría más
éxitos, como "La Divina Garza", "La Pavita", "Dos
Corazones Errantes", "Chiquita pero Picosa", "Mi Loca
Pasión", "Amores con Falsete", "Ya Viene Amaneciendo",
y muchas más.
De entre los múltiples intérpretes que grabaron sus canciones, destacan: Los
Perlitas, Luis Pérez Meza, La Torcacita, Lucha Villa, Los Alegres de Terán, El
Charro Avitia, Paco Michel, Antonio Aguilar, Dora María, Vicente Fernández y
Luis Aguilar.
También escribió algunas canciones en coautoría con Rubén Fuentes, Gamboa
Ceballos, Miguel Martínez, Guillermo Acosta, Raúl Herrera Verdín y Rogelio
Brambila.
A lo largo de su trayectoria ha recibido diversos homenajes, como los que le
organizaron las autoridades municipales y estatales de Guanajuato, Puebla,
Durango, Nuevo León y Zacatecas, donde fue nombrado Hijo Predilecto. Asimismo
ha recibido el reconocimiento de diversas organizaciones, como la Asociación
Nacional de Charros y el Grupo Impulsor de la Canción Mexicana, además de
compañías editoras de música como PHAM, EMMI, Grever, Brambila y EDIMUSA, y
empresas grabadoras, como Musart, Peerless, CBS y Orfeon, además de que recibió
la medalla Agustín Lara por parte de la Sociedad de Autores y Compositores de
Música (SACM).
Benjamín comenta que una de las mayores satisfacciones que le ha dado su
carrera es el haberle brindado los recursos para sostener a su familia y
brindarles estudios profesionales para sus hijos.
Parafraseando su canción "Si Volviera a Nacer", platica: "Sólo
quiero cantar al mundo mis canciones… Todas dicen la verdad y hablan con
sinceridad de la vida y sus pasiones”. "Le he cantado a mi país porque ahí
está la raíz de tan bellas tradiciones".
Benjamín Sánchez Mota falleció, lamentablemente, el 17 de diciembre del
2005.
En la SACM, tuvimos la oportunidad de rendirle el último homenaje que recibió
en vida, con la celebración de sus 50 años como socio activo de nuestra
Sociedad, el 26 de octubre del mismo año.
Luis Demetrio alcanzó fama
internacional con temas como: Calendario, La Puerta, Si
Dios me quita la vida, Felicidad, La copa de vino, Yo
no sé que siento aquí y Eres todo para mí, entre otros
muchas joyas musicales.1
Como los temas históricos le
apasionaban realizó el proyecto "Historia de México Cantada" para
promover un mejor conocimiento de la historia mexicana a través de la música,
animado por el escritor Salvador Novo, quien le ofreció colaboración.3
Durante su última gira por
Colombia con presentaciones en las ciudades de Bogotá y Medellín, conoció al
cantante de género romántico Carlos Duque, a quien entregó los temas
"Malvada" y "Me Siento un Jesucristo" temas de la
Discográfica "Discomoda Colombia" Años más tarde Alfonso Martínez
"La Voz Criolla de Morelos" graba el bolero "Malvada" entre
otros temas en Homenaje al Compositor Yucateco.
Muere Cesária Évora, cantante caboverdiana (nacida en
1941).
Cesária Évora (Mindelo, 27 de agosto de 1941 – São Vicente, 17 de diciembre de 2011)
fue una cantantecaboverdiana conocida
con el sobrenombre de «la reina de la morna».
También era conocida como «la diva de los pies descalzos», debido a su
costumbre de presentarse descalza sobre los escenarios, en solidaridad con los
sin techo y las mujeres y niños pobres de su país.
Cise, como
era conocida por sus amigos, comenzó a cantar y a hacer actuaciones los
domingos en la plaza principal de su ciudad, acompañada por su hermano Lela, al
saxofón. Mas su vida está intrínsecamente ligada al barrio de Lombo, en las
inmediaciones del cuartel del ejército portugués, donde cantó con compositores
como Gregório Gonçalves. A los 16 años, Cesária comenzó a cantar en bares y
hoteles y, con la ayuda de algunos músicos locales, ganó mayor notoriedad
en Cabo Verde, y fue proclamada la "Reina de
la Morna".
A los veinte años fue invitada
a trabajar como cantante para el Congelo - compañía de pesca creada por capital
local y portugués -, recibiendo conforme a las actuaciones que hacía. En 1975,
año en que Cabo Verde adquirió la independencia, Cesária, frustrada por
cuestiones personales y financieras, aliados a la dificultad económica y
política del joven país, dejó de cantar para poder sostener a su familia.
Durante este período, que se prolongó por diez años, Cesária tuvo que luchar
contra el alcoholismo.
Igualmente, Cesária llamó a ese período de tiempo sus Dark Years (sus
"años oscuros").
Animada por Bana (cantante y empresario caboverdiano
radicado en Portugal), Cesária Évora volvió a cantar, y se presentó en
Portugal. En Cabo Verde, un francés llamado José da Silva la persuadió de ir
a París, y allí acabó por grabar un nuevo álbum
en 1988, La diva aux pieds nus ("La diva de los pies
descalzos") - que es como se presenta en los palcos. Este álbum fue
aclamado por la crítica, y la impulsó para iniciar la grabación del álbum Miss
Perfumado en 1992. Desde entonces fijó su residencia en la
capital francesa. Cesária se volvió una estrella internacional a los 47 años de
edad.
El blues caboverdiano
de Cesária Évora en general habla de la larga y amarga historia de aislamiento
del país y del comercio de esclavos, así como de la emigración, ya que se dice que el número de
caboverdianos que viven en el exterior es mayor que la población total del
país.
La voz afinada de Cesária
Évora, acompañada de instrumentos que dan un toque melancólico, resalta lo
emocional en su música, y los oyentes que no entienden su lengua consiguen
percibir las emociones en sus canciones.
Después de diversas
complicaciones de salud, incluida una operación
a corazón abierto en el 2010, la cantante anunció su retirada
de la música, y canceló los conciertos que tenía previstos el 23 de septiembre
de 2011.1
Cesária Évora murió el sábado
17 de diciembre de 2011 a los 70 años, en el Hospital
Baptista de Sousa, en Mindelo, donde se encontraba internada con un
cuadro de insuficiencia respiratoria y edema pulmonar. Unas horas antes de su muerte
atendió al periodista español Marc Serena en su domicilio particular, que lo
explicó en un artículo.2
Era hermana
del director de cine, productor y actor Garry Marshall (1934-2016) y de la productora de
televisión Ronny
Hallin (nacida como Ronelle L. Marshall).
Penny debutó como actriz a finales de la década de 1960.
Intervino en la serie The Odd
Couple, entre 1971 y 1975, y más adelante realizó el papel de
una trabajadora loca en la serie de televisión Laverne & Shirley (desde 1976 a 1983).
En 1979 intervino en una de las primeras películas de Steven Spielberg: 1941.
"Uno se despide de todo, uno se despide del que fue ayer, de amores que ya no están, de amigos que ya no están, de amistades que dejaron de ser, hasta de uno mismo cuando se va, eso es algo inherente al ser humano."2
Aprendió a tocar la guitarra de mano de su padre, y simultáneamente comienza a componer en 1964, de manera intuitiva y necesaria, cuando cursaba la segunda enseñanza. Por aquellos años otros jóvenes en diferentes puntos de la geografía cubana descubrían a la vez las experiencias sociales y la canción, y años más tarde, en 1972, conformarían lo que se dio a conocer como el movimiento de la Nueva Trova. Una de sus voces más representativas junto a Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Noel Nicola, Lázaro García y Augusto Blanca, entre otros, Vicente trabajó durante quince años en la organización ocupando diferentes responsabilidades incluyendo la presidencia. Vicente fue el hermano mayor del también cantautor Santiago Feliú (1962-2014).3
Compuso música para obras de teatro, televisión y espectáculos y ha colaborado en programas culturales como asistente de dirección y director musical. Fue asesor de música de la radio y la televisión cubanas y guionista, locutor y director de radio. Al momento de su muerte, el 17 de diciembre de 2021, dirigía el centro cultural Canto de Todos, que promueve encuentros e intercambios, desde la canción, en los países de Iberoamérica.5
2024:
Muere
María Luisa Paredes Bartolomé (Madrid, 3 de abril de 1946-Madrid, 17 de diciembre de 2024),1 conocida como Marisa Paredes, fue una actrizespañola con una destacada trayectoria teatral y cinematográfica, desarrollada también en países como Francia, México e Italia. Considerada una de las actrices más importantes de su generación, actuó en más de 75 películas, en más de 80 ficciones de televisión y en 15 obras de teatro, con los directores más importantes del cine europeo. Por su trabajo ganó numerosos premios: el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, la Gran Medalla Vermeil de la Villa de París, el Fotograma de Plata en seis ocasiones, el Premio de Honor en el Festival de Cine de Astorga y el Premio Goya de Honor, entre muchos otros.
Marisa Paredes nació en Madrid en 1946. Desde niña mostraba una gran vocación por el teatro e inició sus estudios en el Conservatorio y en la Escuela de Arte Dramático de esa ciudad. En 1960 (a los catorce años de edad), debutó en cine en la película Esta noche tampoco (José Osuna) y en 091 Policía al habla (José María Forqué). Al año siguiente, debutó en teatro. Actuó con la compañía de Conchita Montes como meritoria. Asimismo, empezó a trabajar en el programa de televisión Estudio 1, donde representó personajes de Ibsen, Shakespeare, Chejov o Neville.
El teatro la ha acompañado durante toda su trayectoria profesional, hasta hace poco triunfaba en el teatro con Hamlet (con Eduard Fernández), aunque el número de intervenciones como actriz en cine o televisión (Estudio 1 entre otros) es considerable.
En las décadas de 1960 y 1970, Marisa Paredes interpreta papeles secundarios en filmes de géneros muy dispares; interviene en la película El mundo sigue (1965) de Fernando Fernán Gómez, en algún spaghetti western y en una comedia de Marisol.
Posiblemente Ópera prima (1980) de Fernando Trueba supuso un punto de inflexión y el inicio del despegue de Marisa Paredes en el cine.
Desde el 2000 al 2003, fue la presidenta de la Academia del Cine Español, haciendo frente a la época más controvertida y polémica de esta, ya que en el momento inicial de la guerra de Irak, los profesionales del cine español se manifestaron rotundamente en contra de todo ello en la gala de los Premios Goya del año 2003.
pronunciación (?·i)), fue
un militar y político venezolano,
fundador de las repúblicas de la Gran Colombia y Bolivia. Fue una de las figuras más destacadas de
la emancipación
hispanoamericana frente a España.
Contribuyó a inspirar y concretar de manera decisiva la independencia de las
actuales Bolivia, Colombia, Ecuador, Panamá,4 Venezuela y la reorganización del Perú.
Así como hay fenómenos que compulsan el desaliento y la
desesperanza, no vacilo un instante en señalar que el talante colombiano será
capaz de avanzar hacia una sociedad más igualitaria, más justa, más honesta y
más próspera.
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