Un día como hoy 20 de diciembre
El 20 de diciembre es el 354.º (tricentésimo quincuagésimo cuarto) día del año en el calendario gregoriano y el 355.º en los años bisiestos. Quedan 11 días para finalizar el año.
Podcast 2018
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Convencida de que la promoción de la cultura de la solidaridad y el
espíritu de compartir es importante para la lucha contra la pobreza, la Asamblea General proclamó el 20 de diciembre como Día Internacional de la Solidaridad Humana. "La solidaridad ha definido el trabajo de las Naciones
Unidas desde el
nacimiento de la Organización que, desde su creación, atrajeron a los pueblos
del mundo para promover la paz, los derechos humanos y el desarrollo económico
y social. La organización fue fundada en la premisa básica de la unidad y la
armonía entre sus miembros, expresada en el concepto de seguridad colectiva que
se basa en la solidaridad de sus miembros a unirse «para mantener la paz y la
seguridad internacionales»".
Este año, la celebración del Día
Internacional de la Solidaridad Humana llega después de que los líderes
mundiales adoptasen los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS), que
constituye un programa nuevo e inclusivo -después de los Objetivos de
Desarrollo del Milenio (ODM) - para
erradicar la pobreza, proteger el planeta y garantizar la dignidad para todos.
El
nuevo programa de los ODS pone en el centro a la persona y al planeta, se apoya
en los derechos humanos y está respaldado por una alianza mundial decidida a
ayudar a la gente a superar la pobreza, el hambre y las enfermedades. Se
forjará por tanto sobre la base de una cooperación y solidaridad mundiales.
217:
Muere Ceferino, papa
católico italiano (n. siglo II).
Ceferino (Roma, Imperio Romano; ¿?-Ib.; 20 de diciembre de 217)
fue el papa n.º 15 de la Iglesia católica de 199 a 217.2
Índice
o 3.1Citas
Biografía[editar]
Hijo de Abundio,3 al iniciar su pontificado nombró
a Calixto, que sería su sucesor, archidiácono de Roma,
cargo equivalente al actual de secretario de estado, y que supuso convertirlo
en su principal consejero, lo que dada la escasa formación teológica de
Ceferino lo hizo depender totalmente de aquel.
Conocemos mucho más de Ceferino que de cualquier otro pontífice
de los primeros años de la Iglesia, aunque esta información está posiblemente
sesgada al proceder del teólogo romano Hipólito,2 quien, en su obra Philosopheumena,
acusaba al papa de adepto al monarquianismo modalístico o modalismo, doctrina que negaba la Trinidad y
que posiblemente aceptó Ceferino, influenciado por su consejero Calixto, como
respuesta al montanismo.2 En dicha obra, Hipólito describe a
Ceferino como torpe e ignorante, lo cual puede ser cierto, ya que no gozaba de
los conocimientos teológicos de su archidiácono y consejero.
Ceferino estableció que los jóvenes, cumplidos los 14 años,
hiciesen la comunión por Pascua45 y que los cálices no fueran de
madera, sino de vidrio.3 Introdujo, además, el uso de la
patena. También excomulgó a Tertuliano.
Ordenó que los sacerdotes y diáconos se ordenasen públicamente
en presencia de muchos clérigos y legos para que fuera manifiesta la inocencia
y que fueran dotados para estos oficios personas de vida irreprensible.5
Durante su pontificado, iniciado bajo el gobierno del
emperador Septimio Severo,
se reanudaron las persecuciones contra los cristianos,6 persecuciones que se suavizaron a su
muerte y durante el mandato de su sucesor, Caracalla, pero que se reactivaron al
ascender, en 217, al trono del imperio Macrino, lo que hace afirmar a ciertas fuentes
que Ceferino murió en ese mismo año tras sufrir martirio, aunque, al no existir
pruebas documentales de tal afirmación, lo más probable es que falleciera de
muerte natural.6
Ceferino fue enterrado en una cámara sepulcral suya propia cerca
del cementerio de Calixto en la Vía Apia.25
La oración propia de las misas que se celebran por San Ceferino
es el Praesta quaesumus, propia de los pontífices mártires.57
1912:
Nace Avelino
Muñoz, compositor panameño.
AUNQUE AVELINO CURSÓ SUS ESTUDIOS EN PANAMÁ Y SE PREPARÓ
MUSICALMENTE ALLÍ, SE CONVIRTIÓ EN UN HOMBRE QUE FUE EXPLORANDO EL MERCADO
CENTROAMERICANO EN BUSCA DE MEJORES GARANTÍAS PARA TRABAJAR LA MÚSICA,
ENCONTRANDO BUENAS PERSPECTIVAS EN PUERTO RICO, GRABANDO ALLÍ CON SILVIA DE
GRASSE LA CANCIÓN "MORENA TUMBA HOMBRES", MIENTRAS QUE EL TEMA “YA
VOY HACIA TI”, SE CONVERTÍA EN ÉXITO EN TODA AMÉRICA, EN DISTINTAS VERSIONES
ORQUESTALES.
‘Avelino Muñoz fue, además, impulsador de talentos y representó
a Panamá en distintos países donde creó orquestas y dirigió artistas de la
talla de Fernando Fernández, Toña La Negra, Bobby Capó y Mirta Silva, por
mencionar algunos, e hizo grabaciones de temas panameños sobre su propia música
en sellos discográficos tan importantes como RCA Victor; Marvela, y Grecha, del
cual fue director artístico, lo que le permitió la difusión de la música
folclórica de Panamá especialmente la tamborera'.
Avelino Muñoz, hijo del español José Muñoz Moyeja y de la
panameña Clotilde Barrios, es el segundo de los nueve hijos de esta pareja.
Luego de culminados sus estudios en el Colegio La Salle, Avelino dedica tiempo
completo a la música, principalmente al piano, instrumento que en casa
aprendieron a interpretar casi todos sus ocho hermanos, principalmente
Salvador, su hermano mayor.
Le dio gran importancia al impulso de nuevos valores de la
música panameña. En 1938, grabó por primera vez acompañando a la inmortal
Silvia Degrasse, en la Tamborera: La morena tumba hombre, aunque según mi
humilde criterio, esta grabación fue realizada en un ritmo de Son Cubano, más
que de Tamborera.
Impulsó otros artistas que lograron gran renombre nacional e
internacional como Johnny Motete Palm, Los Hermanos Hernández, Manny Bolaños y
algunos otros.
Durante los años comprendidos entre 1938 y 1944, participa en
los arreglos del himno de Acción Comunal, movimiento nacional de corte político
social. Forma parte de importantes grupos musicales nacionales. En 1941, por
iniciativa del presidente de la república, el doctor Arnulfo Arias, constituye
un grupo de músicos para fundar la Orquesta Sinfónica Nacional. Para 1942,
comienza su periplo por toda América Latina, acompañando grandes artistas y en
1944, organiza la orquesta de Avelino Muñoz. Hace múltiples presentaciones en
el Jardín Balboa, Jardín El Rancho, en el Club de Equitación de la Policía
Nacional en Panamá La Vieja. Abre un local conocido como el Salón Muñoz,
ubicado en el barrio de San Francisco.
Durante los años 1945-1950, viaja a países como República
Dominicana, en donde deja una estela de triunfos desde la dirección de una de
las orquestas más importantes como fue La Super Orquesta San José. Por su
talento y don de gente es condecorado por el gobierno dominicano y contratado
para difundir la marca de órganos Hammond en aquel país; en vista de su
reconocido talento como organista.
Graba en Colombia la controversial pieza: La múcura, en la voz
de Bobby Capó; este artista sostiene que la canción la escuchó por primera vez
en Panamá, pero el colombiano Antonio Fuentes la registró como propia, en ritmo
de Porro.
El año siguiente Bobby Capó, interpreta de la autoría de Avelino
Muñoz el bolero: Irremediablemente solo y en la voz de la inmortal Toña la
Negra: Maldición gitana, con el acompañamiento del propio Avelino.
En México su carrera musical se desarrolla como la de cualquier
mexicano, así lo contratan para tocar en exclusivos lugares como Versalles
acompañando a diferentes artistas como Pedro Vargas, María Luisa Landin, al
doctor Alfonso Ortiz Tirado. Dirige la orquesta del recordado Mario Ruíz
Almengol, entre otros.
En Cuba acompañó a Benny Moré y a Manolo Álvarez. Viaja por ocho
estados de la Unión Americana, dejando huellas de su música.
En Colombia se presenta en centros nocturnos como el Hotel
Nutibara; en el Hotel Caribe de la cadena Hilton de Puerto Rico, en Chile se
presenta en Goyescas, en Brasil en Copacabana, entre otros.
Durante su estadía en Argentina, acompaña con su marco musical
la canción Nostalgia Panameña cuyo autor e intérprete es Bolívar Rodriguez
Mendieta de la provincia de Herrera; quien a la sazón era parte de un grupo de
estudiantes, entre los cuales se encontraba Marisin Villaláz González Ruiz, Adolfo
Vargas y otros estudiantes panameños que cantaban y disfrutaban su juventud en
las calles de Buenos Aires, entonando música panameña, con tonadas ancestrales
de tamboritos y cumbias.
https://www.youtube.com/watch?v=evllgEKM2eI
1914:
Nace Manuel Chávez Guerrero, cantante y compositor ecuatoriano.
Biografía de Los Yumbos:
Este dueto, trío o cuarteto casi siempre fue ecuatoriano, pero es incluido en
este trabajo porque estuvo muy vinculado al sentir antioqueño, a la música de
nuestro pueblo y vivieron mucho tiempo en Medellín, ciudad a la que quisieron
bastante. Manuel Chávez Guerrero nació en Quito (Ecuador) el 20 de diciembre de
1914; desde muy niño le gustó la música y a los veintitrés años de edad hizo
dueto con un compañero de apellido Ojeda. En esos días llegó al Ecuador una
compañía cubana de variedades, que venía del Perú e iba para Colombia; ellos
fueron contratados por esta empresa, se embarcaron para nuestro país y
actuaron en Ipiales, Pasto y Popayán, ciudad donde se desbarató la compañía,
pero Chávez y Ojeda siguieron a Cali donde actuaron con gran éxito. Ojeda
regresó al Ecuador y Chávez se unió a otro paisano llamado Bolívar García;
actuaron en Pereira y Manizales e hicieron las primeras grabaciones en el
sello Electra con el nombre de García y Chávez. Cantaron luego en Bogotá, Cali
y por fin lo hicieron en Medellín; aquí se casaron ambos con dos mujeres que
también eran cantantes. Así que el Cuarteto García Chávez viajó a hacer
presentaciones en Perú, Bolivia y Argentina, pero en este último país les
dijeron: -El nombre de ustedes no es que esté mal, pero nos gustaría otro que
dijera algo de su país, de su tierra, en fin... Manuel Chávez recordó entonces
una tribu ecuatoriana todavía existente y dijo: -¡Los Yumbos; llámenos Los
Yumbos! Pasaron luego al Uruguay, pero García y su mujer se quedaron en Buenos
Aires y Los Yumbos se transformaron en un dueto formado por Manuel Chávez y su
esposa peruana Catia Duran. En el Ecuador se encontraron al guitarrista Gonzalo
Mendoza y volvieron a ser trío. Regresaron a Colombia y aparecieron en el
auditorio de La Voz de Antioquia, donde los contactó la casa disquera Sonolux y
grabaron dieciocho canciones, unas propias y otras de compositores
ecuatorianos. Posteriormente Los Yumbos fueron a Venezuela y República
Dominicana; Mendoza regresó al Ecuador y quedó otra vez el dueto mixto de Catia
y Manuel, que nueve años después regresó a Colombia. Por incompatibilidad de
caracteres se terminó el matrimonio y el dueto; entonces Manuel se unió al
cantante Jorge Jiménez y reaparecieron Los Yumbos. Grabaron cinco discos de
larga duración para Sonolux, Codiscos, Victoria y Ondina, pero en toda la
carrera hicieron dieciocho y fueron éxitos de Los Yumbos melodías como:
Cenizas, La López Pereyra, Latidos, Mamá vieja, Engañera, Culpable, El último
beso de mi madre, Pañuelo blanco, En las puertas del olvido, Rancho chileno,
No te imploro, Las dos puntas, Hondos pesares, Cruel mujer, Rondador, Desdén,
Chola cuencana, Embustera, Ende que te vi, Los indios rojos, Lamento, Horas de
desvelo, Pájaro campana y muchos otros.
https://www.youtube.com/watch?v=Av0vEAXyVH8
1917:
Nace David Bohm,
físico estadounidense (fallecido
en
1992).
David Joseph Bohm (Wilkes-Barre, Pensilvania; 20 de
diciembre de 1917-Londres, Inglaterra; 27 de octubre de 1992) fue un físico estadounidense que hizo
importantes contribuciones en los campos de la física teórica, la epistemología y la neuropsicología. Ha sido ampliamente considerado como uno de los mejores físicos
cuánticos de todos los tiempos.
1918:
Nace María
Teresa Márquez, Cantante, autora y compositora.argentina.
Cantante, autora y
compositora María Teresa Villone artísticamente “María Teresa Márquez” nació en
el barrio de Caballito (Buenos Aires) el 20 de Diciembre de 1918.
Se inició en el canto a muy
corta edad actuando en fiestas escolares.
Ya consolidada como
cantante, a mediados de la década del 30 se relacionó con grandes artistas
paraguayos como Demetrio
Ortíz y Félix Pérez Cardozo con los que inició una prolífica
relación artística y autoral, integrando como cancionista la orquesta de Pérez
Cardozo.
En esta etapa se relaciona
con artistas del género litoraleño con los que realiza audiciones radiales en
“LR4 Radio Splendid”.
En la década del 40 realiza
presentaciones en la ciudad de Corrientes, acompañada del conjunto “Los Gauchos
de Vence Rincón”, dirigidos por el acordeonista José Cayetano Ramírez.
A principios de la década
del 50 realiza sus primeras grabaciones para el sello “Pampa”, acompañada de
grandes orquestas como la del maestro Pérez Cardozo y Armando Imperiale, con un repertorio
que combinaba obras de autores paraguayos como “Recuerdos de Ypacarai”,
“Lucerito alba”, “Burrerita” y “Galopera”, con clásicos del chamamé como “Ah mi
Corrientes porá”, “Villanueva” y “Corrientes Poty”.
María Teresa Márquez se
destacó además como una inspirada y prolífica compositora de obras como “Allá
en mi Litoral”, “Amor que vuelve”, “Añoranza”, “Canción de ausencia”, “Paraguay
te amo” y su inmortal obra, “Mis noches sin ti”, compuesta junto al artista
paraguayo Demetrio Ortíz.
Alejada de los escenarios
María Teresa Márquez falleció el 19 de Octubre de 2000 en Brasil donde se
encontraba radicada.
Fuente: Fundación memoria
del chamamé (Online)
https://www.youtube.com/watch?v=1SYUm0QDF4E
Walter Huambachano Icaza
18.12.2002
1920:
Nace María de
Jesús Vasquez, "La chola", cantante peruana.
Ella Fitzgerald para Estados
Unidos, Edith Piaf para Francia, Céline Dion para Canadá… y para el Perú y
Latinoamérica Jesús Vásquez, “Reina y Señora de la Canción
Criolla”, la más grande intérprete de todos los tiempos de nuestro acervo
popular costeño.
Un corazón peruano y
un nombre que desde hace mucho tiempo reina no solamente en el corazón de todos
los peruanos, sino también en el corazón de todos aquellos que aman la música
criolla del Perú.
“La Chola” Jesús Vásquez, como cariñosamente se le llama, vio la luz del día un 20 de diciembre de 1922 en una casa de vecindad que pertenecía a la familia Paz-Soldán en la calle de Pachacamilla, en la que hoy se alza el edificio de la Hermandad del Señor de los Milagros.
“La Chola” Jesús Vásquez, como cariñosamente se le llama, vio la luz del día un 20 de diciembre de 1922 en una casa de vecindad que pertenecía a la familia Paz-Soldán en la calle de Pachacamilla, en la que hoy se alza el edificio de la Hermandad del Señor de los Milagros.
Pero… oh sorpresa!
todo estaba escrito…, porque fue en ese mismo lugar en que un mulato de Angola
pintara por inspiración propia, hace muchísimos años, la verdadera efigie del
“Cristo de Pachacamilla”, conocido mundialmente como “El Señor de los
Milagros”.
Yo pienso, y creo, que
el Cristo Moreno, en reciprocidad a ese fervor que Lima entera le tiene, nos
regaló uno de sus más patéticos milagros; el otorgarnos como premio especial
una angélica voz, una reina incontestable, a la Reina y Señora de la Canción
Criolla : María de Jesús Vásquez!!!.
Desde muy corta edad,
escuchaba en una habitación los ensayos del trío “Los Criollos”, integrado por
el gran y eximio pianista, don Lucho de la Cuba, guitarras y voces del gran Ernesto
Echecopar y Luis Aramburú Raygada, secundados en el cajón por el popular “Gato
Parao”, el zambo Benítez.
Supongo que fue a
partir de ese momento que comenzó a vibrar las fibras de su criollo corazón y
por ende su inquietud por la música criolla.
Caso curioso, pues fue
la única de cuatro hermanos que se dedicó a la música, su hermano mayor,
Arturo, era médico dentista y ni Luzmila ni Lolita siguieron a Jesús en sus
andanzas musicales.
Jesús Vásquez fue
bautizada en la Iglesia de San Sebastián, donde también recibieran el agua
bendita nuestro santo moreno Martín de Porres, el insigne Coronel Francisco
Bolognesi, héroe nacional, el ilustre poeta José Santos Chocano y otras
connotadas figuras de la historia del Perú; en otras palabras, ella, Jesús, estaba
destinada a serlo.
Pienso que fueron sus
compañeras de trabajo de la imprenta La Americana, de propiedad de don Enrique
Aramburú, quienes la animaron a incurrir por la vía profesional, debido a que
ellas la escuchaban cantar a diario en el trabajo.
La conquista del éxito
llegó definitivamente cuando el año 1937 don Pedro Espinel organizó un homenaje
en la memoria de su compadre y amigo Felipe Pinglo Alva, “El Maestro”, quien
había fallecido el 13 de mayo del año anterior; y tuvo como invitada a Jesús Vásquez,
aquella jovencita aun desconocida en el
firmamento criollo, quien
interpretara por primera vez en público, el más bello valse que
escribiera Pinglo :”El Plebeyo”.
La interpretación fue tan supremamente magistral, que el público asistente la obligó a repetir tres veces, aplaudiendo de pie a su nueva estrella.
La interpretación fue tan supremamente magistral, que el público asistente la obligó a repetir tres veces, aplaudiendo de pie a su nueva estrella.
Jesús Vásquez, fue
nominada, elegida y nombrada definitivamente Reina y Señora de la Canción
Criolla, un 18 de julio de 1939, cuando don Aurelio Collantes “La Voz de la
Tradición”, organizó en el ya desaparecido Teatro Apolo que a la sazón quedaba
en la Plaza del Chirimoyo, en los Barrios Altos, un concurso en busca de una
estrella, el mismo que fue auspiciado por la “Lira Limeña” que dirigía don
Pedro Casanova.
Demás estaría explicar
la magistral actuación de Jesús Vásquez, quien a partir de ese día fue ungida y
reconocida por artistas y público en general, como la “Reina y Señora de la
Canción Criolla”.
Don Carlos Alfonso
Delgado popularmente conocido como “hermanos míos”, animador y presentador
criollo se expresó de Jesús Vásquez de esta manera : “el más grande privilegio
que he tenido en mi vida, fue el de haber conocido a esta insigne cantante, de
una sensibilidad social y humanista extraordinaria, que hasta pagaba de su
propio pecunio a sus acompañantes, cuando se trataba de cantar a beneficio de
tal o cual institución de caridad; Jesús Vásquez es el pendón del canto
peruano!, Jesús es el corazón del valse peruano!… cuando ella canta… canta el
Perú!”.
Mario Cavagnaro dijo :
“Jesús es una artista, en cuya voz canta la patria en las alturas, en las
quebradas, en la metrópoli y en los caseríos; en las mansiones, en los solares,
en los recuerdos y en el corazón. Jesús los millones de peruanos puestos de pie
te aplauden orgullosamente… y te dicen : gracias Jesús Vásquez!”.
Amén de todo lo
recorrido por esta auténtica embajadora de nuestro acervo popular, por todas
las vastas latitudes tanto nacionales como internacionales, don Fernando
Belaúnde Terry, en su primer gobierno, la condecoró con la medalla de la Orden
del Sol; posteriormente el 3 de junio de 1987 la Organización de Estados
Americanos (OEA), por méritos propios evaluados por el Consejo Interamericano
de Música, en la ciudad de Washington la declaró “Patrimonio Nacional de
América” conjuntamente con Luis Abanto Morales, Oscar Avilés y Arturo Cavero.
Esto es en síntesis,
la vida artística de quien fue, es y será para siempre Jesús Vásquez, Reina y
Señora de la Canción Criolla.
El más largo reinado de la historia, 63 años de reina, Su
Majestad Jesús I del Perú, viva el Perú y su Reina y Señora de la Canción
Criolla, Jesús Vásquez del Perú!!!
Walter Huambachano Icaza
18.12.2002
https://www.youtube.com/watch?v=NnHjND62p5c
1921:
Nace George Roy Hill, cineasta estadounidense
(fallecido en 2002).
George Roy Hill (Minneapolis, Minnesota, 20 de diciembre de 1921-Nueva York, 27 de diciembre de 2002)
fue un director, realizador y productor de cine estadounidense, recordado sobre todo por sus
películas El golpe,
por el que fue galardonado en 1973 con el premio Óscar a la mejor dirección,
y Dos hombres y un
destino.
Biografía[editar]
Roy Hill estudió en
la Universidad de Yale,
donde se graduó en 1943, y más tarde en el Trinity College de Dublín. Sirvió en la Armada de los
Estados Unidos durante la Segunda Guerra
Mundial, y fue piloto de combate en la guerra de Corea.
Comenzó su carrera
como realizador en la televisión estadounidense, dirigiendo algunos capítulos
de la serie Kraft
Televisión Theatre. En cine, sus primeras películas fueron
adaptaciones de obras teatrales de éxito en los escenarios de Broadway. Así, en 1962 rodó su primer film
importante: Toys in the
Attic, sobre la relación posesiva y de dependencia-locura que un
hombre ya maduro tiene en su casa con sus hermanas solteronas, para la que Roy
Hill contó con Dean Martin, Yvette Mimieux y Gene Tierney. Sin ser una obra plenamente
lograda, tiene la atmósfera opresiva idónea y posee buenas caracterizaciones,
aunque no logra profundizar en el porqué ni en el cómo con la contundencia que
debiera.
1964 supone un éxito
para el director, con una comedia de fina e inteligente ironía protagonizada
por un Peter Sellersen su
apogeo, The
World of Henry Orient, donde destacan también Angela Lansbury y Paula Prentiss. Con esta obra, Hill empieza a
mostrar que su cine va a consistir en historias que fluctúan constantemente
entre la risa y el drama, independientemente del género cinematográfico en que
se encuadre cada película suya, en un estilo personal y en cierto modo
introspectivo, que impregna a sus películas más famosas, El golpe y Dos hombres y un
destino.
En 1966 estrenó la adaptación
de un best seller de la época que va a convertirse en una de
las sensaciones de la temporada, Hawaii,
con tan buenas críticas como número de espectadores y muy pronto con su propio
ramillete de filmes imitando temática y/o escenario exótico. Más de tres horas
de metraje para una superproducción de excelente calidad, protagonizada
por Richard Harris, Julie Andrews y Max Von Sydow en los papeles principales,
con bella fotografía en color, música «sedante» y todos los ingredientes de un
drama de primera línea.
Su siguiente película
supondrá, al lado de ésta, un fracaso de cara a la taquilla y una división
entre la crítica especializada: Millie, una chica
moderna es un musical que versiona una obra de Broadway,
pero también es una obra visual y estructuralmente coyuntural del momento de su
estreno, pero a la vez es una historia sobre la libertad femenina y su lucha
contra las convenciones sociales, pero a la vez es una película de toque
fantástico e irreal, etc., lo que hace que pese a su frescura y buenos números,
no pueda considerársela una obra sólida y convincente a un nivel suficiente. No
obstante, ver a Mary Tyler Moore, Julie Andrews, Gwen Verdon y Dick Van Dyke en esta comedia musical
soñadora y atractiva, tiene su aquél.
Dos hombres y un
destino se estrena en 1969 y reúne por primera vez en pantalla a dos actores
en pleno auge: Paul Newman y Robert Redford. La cinta narra la historia de
dos bandidos-ladrones-fugitivos que van a verse envueltos en un delito del que
no podrán salir indemnes tan fácilmente como estaban acostumbrados, con una
joven introduciéndose en sus vidas paulatinamente. La comedia y el drama se
entremezclan con una narración en clave de western, que también se apunta un
poco a la corriente desmitificadora y de ese tipo de westerns crepusculares
donde unos personajes se sienten perdidos en un Oeste que no es el de antes,
porque ya no existe-. Romance, acción, aventuras y ensoñación se van
entremezclando para dar paso a una cinta placentera y gozosa de ver y revisar,
con una banda sonora inolvidable, que se convirtió en uno de los títulos más
emblemáticos de la década y que, además de lo dicho, también innovaba en un
género que apuntaba ya un cansancio de temas, estilos y público, herido de
muerte. Katharine Ross logró
la popularidad con su personaje en la cinta.
La década de 1970 será
la más fructífera para el director, con sus colaboraciones con Newman y Redford
juntos una vez más y luego por separado. Primero trabaja en Matadero
cinco (1972), adaptación de una celebrada novela de Kurt Vonnegut, llevada a la pantalla con más
voluntariedad y buenas intenciones que resultados, aunque varios sectores de la
crítica la califican como «de culto». Luego llega El golpe (1973),
que reedita la taquilla de Dos hombres y un destino, alcanzando
casi el rango de mítica desde su mismo estreno, que cuenta una historia de
falsificadores y timadores en la década de 1930, con elegancia, magnífica
puesta en escena y un puñado de grandes actores -la mayoría y como siempre,
secundarios no tan reconocidos por el gran público como debieran-. Más tarde,
Redford se une a Susan Sarandon, Margot Kidder y Bo Svenson en El
carnaval de las águilas (1975); el
drama-biografía-recreación de los pilotos de exhibición que intentaban
sobrevivir en tiempos difíciles, en un título no suficientemente valorado de su
director, pero casi notable. La década termina para Roy Hill con sendos films
que, sin ser maravillosos, sí le reportan popularidad y dinero: Slap Shot (1977)
(hockey-masculinidad-superación-patetismo-crisis personal-... con Paul Newman y
dos excelentes y jovencísimos Michael Ontkean y Melinda Dillon; y Un
pequeño romance (1979), con Diane Lane y Laurence Olivier en un drama sentimental
con fantástica banda sonora y expectativas cinematográficas no cumplidas.
La década de 1980
supone el final de la corta trayectoria de Hill y la sensación de que su
talento no fue aprovechado por productores y estudios, pese a que presenta una
película tan interesante como The World
According to Garp (1982), basada en la novela de John Irving, dirigiendo con estilo a Robin Williams, Glenn Close, Mary Beth Hurty John Lithgow, y sacando adelante un guion que
presentaba algunos agujeros. También consigue notoriedad con una historia que
se publicitó bien pero que al final no valía tanto: La chica del tambor con Diane Keaton, Klaus Kinski y Yorgo
Voyagis en medio del ambiente de espionaje y el descontrol
internacional de la Guerra Fría, según un inspirado John le Carré, trasplantados a una película
fría, aparatosa y que no termina de cuajar. Por último, Aventuras y desventuras de un yuppie en el campo (1988)
concebido como vehículo para el lucimiento del popular actor cómico Chevy Chase y de agradable aunque
insustancial visión, pone fin a la trayectoria del buen cineasta George Roy
Hill.
1932:
Nace John Hillerman,
John Benedict
Hillerman (Denison, Texas; 20 de diciembre de 1932-Houston, Texas; 9 de noviembre de 20171) fue un actor estadounidense.
Biografía[editar]
Hillerman apareció
en Broadway en 1959 y trabajó en las
actuaciones en directo en una variedad de lugares antes de hacer su debut
cinematográfico en 1970. Tuvo papeles
menores en películas tan notables como The Last Picture Show(71), What's
Up, Doc? (72), High Plains Drifter (73), Blazing Saddles 1974 y Chinatown (74). Sus otras películas
incluyen Lucky Lady (75), e hizo una pequeña aparición en la
película Up the Creek (84).
Magnum y otras series[editar]
Es memorable su
actuación en la serie televisiva: Magnum, P.I. interpretando a Higgins.
Como actor invitado pasó por las series:
·
Kojak - Mannix - Hawaii Five-O - Little House on the Prairie - Hart to Hart - Lou Grant - Serpico - La Mujer Maravilla- The Love Boat - Murder, She Wrote.
Nominaciones
y premios[editar]
Hillerman fue nominado
en 1982, 1983, 1985, 1987 y 1988 al premio Globo de Oro al mejor actor secundario
ganando en 1982. Hillerman también fue nominado para un
Premio Emmy por Mejor Actor de Reparto en una
Serie Dramática en 1984, 1985, 1986 y por su papel en Magnum, P.I. ganó
el premio en 1987. Su último trabajo fue en el film del
96 A Very Brady Sequel.
1945:
Nace Peter Criss,
baterista estadounidense, de la banda Kiss.
George Peter John Criscuola, (20 de diciembre de 1945)
es el baterista original, y miembro fundador
del grupo de hard rock Kiss.
Su alter-ego o nombre artístico es "El Gato" (Catman en
inglés).
Índice
o 2.2Kiss
·
4Equipo
Biografía[editar]
Nació el 20 de diciembre de 1945 en
el seno de una familia italiana, de tradición católica, compuesta por varios
hermanos, y por una profunda humildad que los hizo situarse en la parte más
pobre de Brooklyn. De todos los hermanos Peter se
transformó en el pequeño revolucionario y malcriado de la familia ganándose el
apodo de su abuela de "Hooligan" (rufián). Ya de chico ocurre un
hecho fortuito, se mete en el coro de la escuela y hace de monaguillo en varias
misas, pero descubren que alguien se estaba tomando a escondidas el vino
sacerdotal y es echado de la iglesia. No por ello Peter renunciaría a las
costumbres italianas siendo un especial cocinero de comida tradicional y ya de
adolescente viviendo independiente, trabajando en imprentas pero por las noches
dedicándose al juego clandestino por dinero. Específicamente un empedernido
jugador de pool (billar americano). Aun cuando el concepto "punk" fue
impuesto por la generación británica de los 70, Peter fue partícipe del
movimiento beatnik neyorkino con casi similares implicancias de rebeldía y anarquismo.
El joven Criss iba a ser salvado por el rock and roll, ya que su vida estaba
librada a la suerte de las pandillas de Brooklyn y los ocasionales arrestos y
revueltas con la ley local. Cuando Peter descubre el rock, incentivado por el
furor Beatle también presta atención a los discos de jazz que coleccionaban sus
padres y se transforma en un audiófilo de música popular al punto de
que con mucho esfuerzo y amor le compraron una batería (instrumento que lo
sedujo) de 3 cuerpos y así sus padres pudieron ejercer un control más estricto
sobre su hijo perdido en travesuras peligrosas.
https://www.youtube.com/watch?v=zlSFmotba2I
1946:
Nace Dick Wolf,
productor estadounidense.
Richard Anthony Wolf, más conocido como Dick Wolf (Nueva York, 20 de diciembre de 1946),
es un prestigioso creador de series dramáticas de televisión estadounidenses. Como productor ha ganado
el Premio Emmy, especialmente por sus dramas de
crímenes.
Créditos[editar]
·
FBI (2018) Serie de TV
·
Chicago Justice (2017) Serie de TV
·
Chicago Med (2015) Serie de TV
·
Chicago P.D. (2014) Serie de TV
·
Chicago
Fire (2012) Serie de TV
·
Bury My Heart at
Wounded Knee (2007)
·
Law & Order: Trial by Jury (2005) Serie de TV
·
Twin Towers (2003)
·
Crime
& Punishment (2002) Serie de TV
·
Law & Order: Criminal Intent (2001) Serie de TV
·
Arrest
& Trial (2000) Serie de TV
·
Deadline (2000) Serie de TV
·
D.C. (2000) Serie de TV
(productor ejecutivo)
·
The Invisible Man (1998) (TV)
·
Exiled: A Law & Order Movie (1998) (TV)
·
Feds (1997) Serie de TV
·
Swift
Justice (1996) Serie de TV
·
The Wright Verdicts (1995) Serie de TV
·
New York Undercover (1994) Serie de TV
·
South Beach (1993)
Serie de TV
·
The Human Factor (1992) Serie de TV
·
Mann
& Machine (1992) Serie de TV
·
School Ties (1992)
·
Law & Order (1990)
Serie de TV
·
H.E.L.P. (1990) Serie de TV
·
Nasty Boys (1990) Serie de TV
·
Christine
Cromwell (1989) Serie de TV
·
Gideon
Oliver (1989) Serie de TV
·
Masquerade (1988)
·
No Man's Land (1987)
·
Miami Vice (1984)
Serie de TV
·
Skateboard (1978)
1947:
Gigliola Cinquetti, cantante italiana.
Gigliola Cinquetti (Verona, Italia; 20 de diciembre de 1947)
es una cantante y presentadora de
televisión italiana.
Biografía[editar]
Gigliola Cinquetti
nació en la ciudad de Verona el 20 de diciembre de 1947.
Debutó a los dieciséis años en el Festival de San Remo de 1964,
junto con Patricia Carli,
ganando el concurso con la canción Non ho l'età (per
amarti) (No tengo edad (para amarte)). Dos meses
después vence en Copenhague, con la
misma canción, en el Festival
de la Canción de Eurovisión.
Ha participado en doce
ediciones del Festival de San Remo,
venciendo en dos ocasiones. La segunda de ellas fue en 1966,
en compañía de Domenico Modugno,
interpretando la canción Dio, come ti amo (Dios, cómo te
amo), perteneciente a una película de mismo nombre, protagonizada por la
propia Gigliola. En 1973 participa en el
programa "Canzonissima" venciendo con la canción Alle
porte del sole (en español A las puertas del cielo, en
inglés To the door of the sun), siendo la versión inglesa reeditada
dos años después por el cantante italoamericano Al Martino, que alcanzó la posición número 17
en el Billboard Hot 100. En 1974 participa
de nuevo en el Festival de
Eurovisión, quedando segunda con la canción Sì (el
primer puesto fue tomado por el grupo ABBA,
con la canción "Waterloo"). La versión inglesa del tema llegó a la
séptima posición de la lista de ventas inglesa. Durante las décadas siguientes,
Gigliola hizo otras apariciones en el festival de San Remo, presentándose por
última vez en el año 1995. Tres años antes de esta fecha, en 1992 publicó su
último álbum de estudio, bajo el título de La Poèsie d'une Femme,
que la llevó a realizar algunas apariciones televisivas en tierras galas.
Desde los años 1990, trabaja en la televisión pública
italiana, la RAI. Está casada con el periodista Luciano
Teodori, con quien contrajo matrimonio en 1978. Tienen dos hijos, Giovanni y
Constantino.
https://www.youtube.com/watch?v=7VNOGpKDBBI
https://www.youtube.com/watch?v=Ee2kjWpJMsk
1948:
Nace Alan Parsons,
productor, compositor e ingeniero de sonido británico.
Alan Parsons es
un ingeniero de sonido, productor musical, compositor y músico nacido el 20 de
diciembre de 1948 en Londres (Reino
Unido). Participó
en la producción de discos significativos de la historia de la música
como Abbey Road y Let It Be de The
Beatles o The Dark Side of
the Moon de Pink Floyd. Entre mediados de los años 70 y 1990, con la creación junto a Eric
Woolfson de The Alan Parsons Project, obtuvo gran popularidad y éxito comercial.
Primeros Años[editar]
De niño, Alan Parsons mostró un
gran talento musical. Aprendió a tocar el piano,
la guitarra y la flauta.
Su pasión por la música le
llevó, tras una etapa en la BBC, a ser ingeniero de
grabación en los estudios EMI y más tarde en los
estudios Abbey Road en
donde participó como asistente de grabación1 en el álbum Abbey Road (1969)
de los Beatles y en el último álbum del
grupo, Let It Be (1970).2 Como curiosidad en la última
aparición pública de los Beatles en la azotea
de un edificio londinense mientras interpretaban Get Back se
puede ver como Parsons está realizando las labores de técnico de sonido.3
"Fue el sueño hecho
realidad. (...) Fue la base sobre la que se desarrolló mi carrera, el ingeniero
que supo ver el futuro del rock. Pero en realidad me hubiera gustado trabajar
con ellos un par de años antes: en Let it be y Abbey
Road ellos ya estaban casi separados".
Alan Parsons, sobre su participación en dos discos de The Beatles (2005) [1]
Su relación con EMI fue
extensa en el tiempo y, tras la separación de The Beatles, Parsons siguió
trabajando con Paul McCartney siendo
el ingeniero de sonido en grabaciones de los Wings tales como Red Rose Speedway, Hi Hi Hi y C Moon.4 En esos años también trabajó con
los Hollies en temas como He Ain't
Heavy He's My Brother y The Air That I Breathe y con
otros grupos musicales como Pink Floyd con quienes colaboró en el
exitoso álbum The Dark Side
of the Moon, trabajo por el que fue nominado al premio Grammy
como ingeniero de sonido. Destaca también su mezcla cuadrafónica del
disco aunque no es muy conocida. Según muchos, es mejor que el mix de James Guthrie, que realizó durante los años
2002 y 2003 para el SACD que recordaba su
aniversario número 30.
Su decisión de entrar en el
área de la producción resultó en una sucesión de éxitos interpretados por
Pilot, Steve
Harley & Cockney Rebel, John Miles y Al Stewart.5
The Alan Parsons Project[editar]
Con todo la experiencia
acumulada Alan Parsons se animó a dar un paso más en el negocio musical. En el
comedor de los estudios Abbey Road conoció
un día de 1974 a Eric Woolfson,
entonces un pianista de sesión, quien había preparado durante mucho tiempo un
homenaje musical a las obras de Edgar Allan Poe.6
En 1976 se publicó el
disco Tales
Of Mystery And Imagination bajo el nombre The Alan Parsons
Project.7 Eric ayudaría a Alan a enfocar a su
carrera como artista y aunque empezaron a modo de empresa rápidamente
procedieron a componer conjuntamente. La idea que lo convirtió en un proyecto:
un grupo en el que se mezclaba una amplia gama de experimentados cantantes y
músicos de estudio, que interpretaban la pulida y austera música compuesta por
Parsons y Woolfson.
El rol de Parsons era
comparable al que un director o productor desempeña en las películas o en la
televisión, co-creando el concepto, co-componiendo la música y contratando a
artistas, mientras Woolfson es el hombre de la inspiración, cantando también en
muchas de las composiciones. A esto se agrega la presencia de Andrew Powell, quien se sumó al proyecto en
1976 como arreglista. Aportó al grupo temas como The Fall Of The House
Of Usher y compuso otros como Total Eclipse.
Nunca realizaron giras de
presentación y únicamente un concierto en 1990, en la Night Of The Proms,
poco antes de la disolución del grupo.
"Mi proyecto musical no
era cantar en directo, sino solo grabar discos. Empezamos a cantar en directo
en 1995. Hemos esperado mucho, ya que empezamos a grabar en 1976 y, hasta casi
20 años después, no hubo conciertos"
Alan Parsons, sobre The Alan Parsons
Project (2016) [2]
Bajo
esta denominación Parsons y Woolfson publicaron 10 exitosos discos de
estudio: I Robot (1977), Pyramid (1978), Eve(1979), The Turn of a Friendly Card (1980), Eye in the Sky (1982), Ammonia Avenue (1984), Vulture Culture (1985), Stereotomy(1986) y Gaudi (1987).
“Todavía pienso que nuestro
primer disco fue el mejor, porque fue revolucionario, nuevo, fresco para su
tiempo; pude plasmar ahí un montón de ideas que tenía atravesadas y me quería
dar el gusto. Me parece que funcionaron bien en ese álbum. Si tuviera que
elegir algún otro me parece que Stereotomy fue un disco muy bueno,
sin tanto éxito como Eye in
The Sky, que fue el que más vendió.”
Alan Parsons, sobre los discos de The Alan Parsons Project
(2011) [3]
Juntamente con Woolfson, y paralelamente
a la realización de The Turn Of A
Friendly Card, prepararon un disco llamado The Sicilian Defence,
que no se publicó hasta la edición en 2014 de una caja recopilatoria con toda
la discografía de The Alan Parsons Project denominada The Complete
Albums Collection.8 Era su "golpe sobre la
mesa", para satisfacer de la manera más rápida posible el contrato que
tenían en aquel entonces con Arista. The Sicilian Defence fue
grabado y mezclado en tan sólo tres días.9
En esta época Parsons también
abordó su entrada en la televisión por medio de un programa llamado London
Calling, que después se convertiría en un programa regular de MTV,
y posteriormente ayudó a crear el canal musical de cable Music Box.
1940:
Nace Luisa Maria Guell,
Intérprete cubano-española
nacida en La Habana (Cuba). Desde muy temprana edad Luisa María Güell estudió
piano, ballet, baile español y arte dramático.
En 1964 se convirtió en una
estrella juvenil idolatrada por todos; actuó en cine y teatro y grabó sus
primeros discos. Como cantante hizo popular en Cuba No tengo edad para
amarte, gracias a su carisma y al timbre de su voz.
En 1969, de la mano del
compositor Manuel Alejandro, ganó el primer premio en el Festival de la Canción
Internacional de Málaga; en 1972, representando a España, obtuvo el Premio Voz
y Canción con el tema de Herreros y Armenteros Yo me enamoro de ti, en Puerto
Rico. En 1979 consiguió en París, representando a España, el Premio de
Interpretación y se le concedió la Medalla de Oro Edith Piaf como autora y
compositora, siendo la primera artista no-francesa en recibirlo. También
musicalizó e interpretó la obra La edad de oro de José Martí, trabajo
por el que se le otorgó el Premio In the company of women. Su discografía
comprende actualmente un total de 23 obras.
En una de las reseñas que
encontramos en Internet hemos podido conocer interesantes datos como:GANADORA
DEL PREMIO ”LE GRAND PRIX EDITH PIAF” MEDALLA DE ORO” EN PARIS, OTORGADO POR
PRIMERA VEZ A UNA CANTANTE NO FRANCESA POR LA S.A.C.E.M (Sociedad de Autores,
Compositores y Editores de Música de Francia) y la “Asociación de
Amigos de Edith Piaf” por la canción de su autoria “Miedo
Tengo”, además del “Premio a la Mejor Interprete”, en el” 7 Grand Prix de
Paris International de la Chanson”. Luisa María Güell, recibe estos
premios emocionada. Cantante exitosa desde los cinco años, en que cantaba
tangos, guiada por su madre en programas infantiles de la Radio y la TV cubana,
para Luisa María Güell el escenario es lo más importante en su vida.
Baladista, con innumerables éxitos discográficos y Discos de Oro, actriz,
compositora y autora, con una voz inconfundible, amplio registro y genio
interpretativo, su versatilidad la lleva a tocar la tumbadora con ritmos
caribeños, hasta acompañarse con la guitarra entonando dulces y agresivas
melodías y proyectando al cantar fuerza, dramatismo y ternura.
https://www.youtube.com/watch?v=qmyCccocr8A
https://www.youtube.com/watch?v=pRavDS9F4FI
1954:
Nace Michael
Badalucco, actor estadounidense.
Michael Badalucco (20
de diciembre de 1954) es un actor de cine, teatro y televisión estadounidense. Su rol más destacado es como el abogado Jimmy
Berluti en la serie The Practice, con el que se llevó el
premio Emmy como mejor actor de reparto. Debutó en el cine en Toro salvaje (1980)
de Martin Scorsese, y desde entonces ha tenido papeles
importantes trabajando en reiteradas ocasiones bajo la dirección de otros
directores como los hermanos Coen, Nora Ephron y Spike Lee.
1956:
Nace Anita Ward, cantante
estadounidense.
Anita Ward nacida el 20 de diciembre de 1956 en Memphis, Tennessee)
es una cantante estadounidense. Es mayormente conocida a nivel mundial por su
exitoso sencillo de 1979 "Ring My
Bell".1
Índice
·
1Carrera
Carrera[editar]
Antes de firmar un contrato discográfico, Ward obtuvo su título
en psicología en Rust
College en Holly Springs,
Mississippi y se convirtió en profesora. Mientras grababa lo
que iba a ser su álbum debut, la compañía discográfica de Frederick
Knight le presentó una canción la que más tarde sería de Stacy Lattisaw. A Ward no le gustó esta
canción, pero Knight insistía en que la canción era necesaria para capitalizar
la tendencia de música disco, y
Ward aceptó. La canción, que al principio era una melodía dirigida a
adolescentes que hablan por teléfono, más tarde fue re-escrita con una letras
dirigida más para adultos, y el resultado fue "Ring My
Bell". El sencillo alcanzó el puesto #1 en Canadá, Estados Unidos, y en el Reino Unido en 1979.2 Discusiones con Frederick Knight, un
accidente automovilístico, y la lenta desaparición de la música disco a finales
de los años 70', declinaron la carrera de Ward, lo que la hizo merecer el
título de one-hit wonder.
Seguido del éxito de éste sencillo, Ward no consiguió otro éxito. Tiempo después
lanza "Don't Drop My Love" que no consiguió el mismo éxito, pero
alcanzó a llegar al puesto #87 en Billboard Hot 100 en EE.UU.
Durante la Nochevieja del 2002,
Ward interpretó "Ring My Bell" en el Times Square en la Ciudad de Nueva York ante
una muchedumbre de parrandistas como parte de la celebración oficial en la
ciudad. En la Nochevieja del 2005, Ward interpretó su
único exitoso sencillo en el Beale
Street en Memphis, Tennessee y
varias otras canciones disco.
También se presentó en Zagreb, Croacia el 4 de enero de 2006,
la noche antes de la Copa del
Mundo de Esquí Alpino, con otros artistas de música disco como Nile Rodgers, Chic, Village People, Thelma Houston y Rose Royce.
https://www.youtube.com/watch?v=URAqnM1PP5E
1967:
Nace Eduardo Sánchez, cineasta estadounidense de
origen cubano (Blair Witch Project).
Eduardo Miguel Ed Sánchez Quirós (La Habana, 20 de diciembre de 1968)1 es un director estadounidense de origen cubano,
famoso por codirigir con Daniel
Myrick y escribir la película de horror psicológico The Blair Witch
Project (1999).2
Índice
·
3Notas
Biografía[editar]
De niño sus padres migraron de Cuba a Estados Unidos a la ciudad de Florida. Eduardo tuvo mucho interés en el cine
desde pequeño. Que en la escuela secundaria Wheaton High School, Ed hizo
proyectos cinematográficos, tales como el corto Shrimp fried vice and
pride (in the name of love), protagonizado por su familia y sus amigos, y
por el propio Ed.1
Después ingresó en el Montgomery College, donde continuó
haciendo películas como Star Trek demented. Ingresó en
la Universidad
del Centro de Florida donde hizo Gabriel’s dream,
una película que él consideró que sería su lanzamiento a la fama. Pero esta
tardaría todavía otra década en llegar. En 1994 egresó de esa universidad con
una licenciatura en cine.1
En 1997, Ed y su amigo íntimo Daniel
Myrick comenzaron la producción de The Blair Witch
Project. Lanzada en 1999, fue la película más exitosa en la historia
del cine de la última década de los 90s (en relación con su bajo presupuesto y
sus ingentes ganancias en todo el mundo).
A pesar de que en el año 2000 existió una secuela de esa
película, llamada Book of Shadows: Blair Witch
2, Eduardo Ed Sánchez dijo que su secuela haría caso omiso a la
anterior:
De hecho, me gustó la segunda parte, pero al mismo tiempo existe
en un mundo fuera de mi película. Así que si queremos hacer una secuela
de The Blair Witch Project, tenemos que quedarnos en ese
mundo. Book of Shadows: Blair Witch 2 no se estableció en ese
mundo. Book of Shadows creó un mundo diferente. Es como si la
secuela de Tiburón hubiera comenzado con tomas de personas que
hacían la fila para ver Tiburón en el cine. Book of
Shadows funcionó de una determinada manera, pero mi mayor queja con
Artisan es que no deberían haberla llamado Blair Witch 2. Hubiera
estado bien que la hubieran llamado Blair Witch Chronicles, porque
en realidad no era una secuela de nuestra película. Esta sería una secuela
directa de nuestro film dentro de la mitología del pueblo de Burkittsville
siendo poseído o atormentado por algo.
1968:
Muere John
Steinbeck, novelista estadounidense, premio nobel de literatura en 1962 (nacido en 1902).
John Ernst Steinbeck,
Jr. (/ˈstaɪnˌbək/; Salinas, California, 27 de febrero de 1902-Nueva York, 20 de diciembre de 1968)1 fue un escritor estadounidense ganador del Premio Nobel de
Literatura y autor de conocidas novelas como De ratones y hombres, Las uvas de la
ira, La perla y Al este del Edén.
Infancia
y juventud[editar]
Steinbeck nació el 27
de febrero de 1902, en Salinas, California. Era de ascendencia alemana, inglesa
e irlandesa.2 Johann Adolf Großsteinbeck
(1828-1913), el abuelo paterno de Steinbeck, acortó el apellido a Steinbeck
cuando emigró a los Estados Unidos. La granja familiar en Heiligenhaus, Mettmann, Renania del
Norte-Westfalia, Alemania, todavía se llama
"Großsteinbeck".
Su padre, John Ernst
Steinbeck (1862-1935), trabajó como tesorero del Condado de Monterey.
La madre de John, Olive Hamilton (1867-1934), una ex maestra de escuela,
compartía la pasión de Steinbeck por la lectura y la escritura.3 Los Steinbeck eran miembros de la
Iglesia Episcopaliana, aunque Steinbeck más tarde se convirtió en agnóstico.4 Steinbeck vivía en un pequeño pueblo
rural, no era más que un asentamiento fronterizo, ubicado en una de las tierras
más fértiles del mundo. Pasó sus veranos trabajando en ranchos cercanos y más
tarde con trabajadores migrantes en las granjas de remolacha azucarera
Spreckels. Allí se enteró de los aspectos más duros de la vida de los
inmigrantes y el lado más oscuro de la naturaleza humana, que le proporcionó
material expresado en obras como Of Mice and Men.5 Exploró su entorno, caminando a
través de bosques locales, campos y granjas. Mientras trabajaba en la Spreckels
Sugar Company, a veces trabajaba en el laboratorio, lo que le dio tiempo para
escribir. Tenía una considerable aptitud mecánica y afición por reparar las
cosas que poseía.6
Steinbeck se graduó de
la Escuela Secundaria Salinas en 1919 y estudió literatura inglesa en la Universidad de
Stanford7 pero nunca pudo graduarse.8 y se fue sin título en 1925. Viajó a
Nueva York, donde hizo trabajos ocasionales mientras intentaba escribir, entre
ellos el de trabajador durante la construcción del Madison Square Garden.9 Trabajó como freelance para
el New York American, pero fue despedido.10 El resultado de esta experiencia
sería el ensayo «Making of a New Yorker» publicado en 1946 en The New York Times.10 Steinbeck regresó a California un
año después y trabajó de guía turístico en
el acuario de peces de Tahoe City, donde
conoció a Carol Henning, su primera esposa.1110 Se casaron en enero de 1930 en Los
Ángeles, donde, con amigos, intentó ganar dinero fabricando maniquíes de yeso.12
Cuando su dinero se
agotó seis meses después debido a las pocas ventas, Steinbeck y Carol
regresaron a Pacific Grove, California, a una cabaña propiedad de su padre, en
la península de Monterey, a unas pocas manzanas de los límites de la ciudad de
Monterey. El anciano Steinbeck le dio a John alojamiento gratis, papel para sus
manuscritos y, a partir de 1928, préstamos que le permitieron escribir sin
buscar trabajo. Durante la Gran Depresión, Steinbeck compró un bote
pequeño, y más tarde afirmó que podía vivir del pescado y los cangrejos que
había recogido del mar, y de las verduras frescas de su jardín y las granjas
locales. Cuando esas fuentes fallaron, Steinbeck y su esposa aceptaron
asistencia social y, en raras ocasiones, robaron tocino del mercado de
productos locales. Cualquiera que fuera la comida que tenían, la compartieron
con sus amigos. Carol se convirtió en el modelo para Mary Talbot en la novela
de Steinbeck, Cannery Row.
1969:
Nace Mauricio
Vélez, actor, comediante, presentador y cantante colombiano.
Mauricio Vélez Zuluaga (Bogotá, 20 de diciembre de 1969)
es un actor, comediante, presentador y cantante colombiano.
Índice
o 2.2Actor
Biografía[editar]
Mauricio Vélez Zuluaga, es hijo del empresario antioqueño Santiago Vélez Garcés. Estudió
y se graduó del Colegio
San Tarsicio de Bogotá. En el año de 1993 viaja
a los Estados Unidos a
la Universidad Cornell donde
inició sus estudios como herrador profesional, luego de una estadía en este
país y trabajar como ayudante de algunos de los mejores herreros del noreste
de Estados Unidos.
Ha transmitido su conocimiento a través de más de 100 cursos
dictados en todo lo largo y ancho del país, y con orgullo ha sido herrero de
algunos de los mejores caballos criollos Colombianos y también ha acompañado a
grandes equitadores de la talla de Manuel Guillermo Torres Carlos López y
Roberto Teherán entre otros, hoy en día lo hace como su hobbie pero siempre
estará dispuesto a intentar resolver y ayudar a aquellos caballos que sufren
dolencias o enfermedades y patologías en el casco.
1973:
Muere Bobby
Darin,cantante estadounidense.
Bobby Darin, cuyo verdadero nombre era Walden Robert Cassotto (Nueva York, 14 de mayo de 1936-Los Ángeles, 20 de diciembre de 1973),
fue uno de los cantantes
más
populares e ídolo de adolescentes de las décadas de 1950 y 1960.
Conocido también por su actividad polifacética, interpretó
bastantes géneros musicales como el folk, country, pop y jazz y
trabajó como actor en varias películas, llegando a
estar nominado a un Óscar en 1964.
Índice
Primeros
años[editar]
Darin nació en el seno de una familia pobre de clase trabajadora
del Bronx, Nueva York. Su padre provenía de una familia
italiana y desapareció unos pocos meses antes de que Bobby naciera. Como
resultado, su madre (que provenía de una familia descendiente de colonos
ingleses e italianos) se vio forzada a pedir ayuda para cuidar a su hijo.
De pequeño tuvo una salud frágil, quizá por una dieta deficiente
y una escasa atención médica. A los 8 años estaba aquejado de múltiples ataques
de fiebre reumática.
La enfermedad lo dejó con serios problemas de corazón. Una vez oyó cómo su
médico le decía a su madre que tendría mucha suerte si llegaba a los 16.
Bobby tenía un gran talento para la música. Cuando era adolescente podía tocar
varios instrumentos como el piano, la batería,
y la guitarra. Más tarde aprendió a tocar la armónica y el xilófono.
Alumno destacado, con un cociente intelectual de genio, Bobby se
graduó en el Bronx High School of Science y después asistió al Hunter College
con una beca. Lo que Bobby quería realmente era tener una carrera para actuar
en el Teatro de Nueva York. Dejó los
estudios y comenzó a trabajar en Clubes Nocturnos como cantante con un conjunto
de música. También trabajó en un centro turístico de las montañas de Catskill como
animador.
Bobby eligió como nombre artístico "Bobby Darin"
porque lo habían llamado así desde niño (algunos lo llamaban "Waldo"
como diminutivo de su nombre real). Escogió Darin porque una vez vio un
restaurante chino llamado "Darin Duck". El nombre del restaurante era
realmente "Mandarin Duck" ya que se habían fundido las demás letras.
Cuando Darin tenía 35 años descubrió que quien parecía ser su
hermana era en realidad su madre que había quedado embarazada muy joven. Y la
mujer que pensaba Darin que era su madre era realmente su abuela. La identidad
de su verdadero padre nunca le fue revelada.
Carrera
musical[editar]
En 1956 su agente firmó un contrato con Decca Records donde Bill Halley and
his Comets habían alcanzado la fama. Sin embargo Darin como
muchos otros cantantes empezó cantando éxitos de otros artistas.
Cuando dejó Decca Records firmó con Atlantic Records, donde escribió música para
él y para otros artistas. Después de tres grabaciones mediocres, su carrera
empezó a despegar en 1958 cuando lanzó su único single de rock Splish
Splash. Éste se convirtió en un éxito vendiendo más de un millón de copias.
A partir de entonces, Bobby tuvo un gran éxito comercial. En
1959 grabó Dream Lover, una balada que vendió varios millones de
copias. Su éxito posterior fue Mack the Knife del clásico
de Kurt Weill Three Penny Opera melodía
que estuvo como número uno en la lista de Billboard en el año 1959 por cerca de
8 semanas, y ésta, junto con Beyond The sea que se basó en el
clásico "La mer" de Charles Trenet, son sin duda las canciones más
importantes y representativas de Bobby Darin. Este último éxito nunca fue
número uno pero, vendió varios millones de copias y gracias a esta canción
Bobby ganó un premio Grammy en la edición
de 1960. Bobby Darin ganó también el premio a Mejor artista revelación. Es en
esa década cuando Darin encabeza los carteles de los casinos más importantes
de Las Vegas. Él tuvo otros éxitos que llegaron a
los primeros lugares de las listas de Billboard: "Splish and Splash"
"Multiplication", "Things" que tuvieron versiones en
español para el público de Latinoamérica, con éxitos importantes.
Otras canciones de éxito en la década de 1960 fueron I'll
be there, Hello Dolly y Fly me to the moon.
Darin se dedicó también al cine, escribiendo temas para varias películas en las
que actuaba. La película más importante de la que formó parte fue Come
September, filmada en Italia, una comedia romántica co-protagonizada
por Rock Hudson, Gina Lollobrigida y Sandra Dee. En 1962 fue
nominado un Globo de Oro por
su papel en Pressure Point. En 1963 fue nominado a un Oscar por su papel de soldado en Capitán
Newman M.D.
Últimos
años y muerte[editar]
Bobby Darin se casó con Sandra Dee en 1960 y en 1961 tuvieron a
su hijo Dodd Mitchell Darin, divorciándose en 1967.
También hizo incursiones en la política, trabajando en 1968 para
la campaña presidencial de su amigo Robert Kennedy, cuyo asesinato marcó a Bobby y
este publicó dos álbumes protesta de música Folk.
A principios de la década de 1970, continuó actuando y grabando
en estudios como Motown Records. En enero de
1971 fue operado para corregir sus afecciones de corazón con las que había
vivido desde pequeño.
En 1972 Darin tenía su propio show en la televisión
norteamericana NBC (The
Bobby Darin Amusement Company) que duró 2 años. También siguió actuando en Las
Vegas donde le administraban oxígeno después de cada actuación, dada la lesión
cardíaca que tenía.
Fue embajador de buena voluntad de la Asociación
americana del corazón. El 20 de diciembre de 1973, Darin murió
en Los Ángeles, durante
una operación que pretendía corregir daños ocasionados en sus válvulas
cardíacas. Su cuerpo fue donado a la UCLA para
la investigación.
La estrella de Bobby Darin en el Paseo de la
fama de Hollywood está en el 1735 de Vine Street.
1984:
Muere Stanley Milgram, psicólogo estadounidense. (nacido en 1933).
Stanley
Milgram, (Nueva York, 15 de
agosto de 1933 - Nueva York, 20
de diciembre de 1984) fue un psicólogo graduado de la Universidad de Yale que condujo los experimentos del mundo pequeño (la
fuente del concepto de los seis grados de separación) y el Experimento de Milgram sobre la obediencia a
la autoridad.
De familia hebrea, su padre era húngaro y su madre rumana.
Aunque se lo considera uno
de los más importantes psicólogos del siglo XX,
Milgram nunca estudió psicología durante sus estudios de ciencias políticas en
Queens College, Nueva York, donde se graduó en 1954. Se presentó a un
postgrado en psicología social en la Universidad de Harvard y fue rechazado
inicialmente a causa de falta de estudios de psicología. Fue aceptado en 1954
después de tomar seis cursos de psicología y se graduó en 1960.
Murió en 1984 de un ataque
al corazón a la edad de 51 años en su ciudad de nacimiento, Nueva York.
1987:
Nace Taliana
Vargas, actriz y modelo colombiana.
Taliana María Vargas Carrillo (Santa Marta,
20 de diciembre de 1987) es una actriz, presentadora, modelo, activista social y también imagen de
reconocidas marcas colombianas. Fue
elegida Señorita Colombia 2007-2008 y Virreina Universal
2008-2009.
Índice
Biografía[editar]
Taliana María Vargas Carrillo nació en Santa Marta el 20 de
diciembre de 1987. Es hija de María Paulina Carrillo y Juan Sebastián Vargas.
Estudió comunicación e idiomas en el Northern Virginia Community College
de Virginia, Estados Unidos;1 es políglota, pues además del español domina el inglés, el italiano, el griego y el árabe.
En 2009 debutó en la actuación interpretando a Robina
Arzuaga en la telenovelaBermúdez,
además de participar como presentadora principal en el concurso / reality show Desafío 2009: La Lucha de Las Regiones, la revancha,
ambos programas de Caracol TV. En 2011
protagonizó la telenovela Chepe Fortuna de RCN Televisión, por la cual ganó el
premio TVyNovelas como Actriz Protagónica Favorita de
Telenovela en marzo de 2011. En 2012-2013 fue protagonista de la telenovela Rafael Orozco, el
ídolo, que narra la vida del fallecido cantante de vallenato Rafael Orozco Maestre,
interpretando a a Clara Cabello, esposa del cantante[cita requerida].
En el mes de septiembre de 2013 fue, junto a Gabriel Delascasas, la
presentadora del Festival Internacional del Humor. Actualmente se encuentra
realizando varios proyectos de modelaje y actuación, además de realizar actos
de beneficencia para los menos favorecidos.
Señorita Colombia[editar]
Vargas Carrillo representó al departamento de Magdalena en
el Concurso
Nacional de Belleza de Colombia, donde obtuvo el título de Señorita
Colombia 2007-2008obteniendo
además del título principal, títulos como Señorita Elegancia Prima-tela, Reina
de la Policía, Rostro Jolie, y el mejor cuerpo del concurso.
1995:
Muere Pedro
de Urdimalas, actor, libretista y compositor mexicano.
Pedro de Urdimalas (Guadalajara, Jalisco, 22 de junio de 1911 - Ciudad de México, 20 de diciembre de 1995)
fue un actor, libretista y compositor mexicano. Su nombre verdadero
fue Jesús Camacho Villaseñor.
Argumentos cinematográficos[editar]
Pedro de Urdimalas es
responsable de haber participado en la elaboración de 46 argumentos
cinematográficos.1
Durante su carrera se abocó
principalmente a la comedia basada en
situaciones muy propias del contexto mexicano tanto rural como urbano. Llegó a
escribir argumentos tanto para la pareja de comediantes mexicanos Viruta y Capulinacomo para Pedro Infante.
Al mismo tiempo logró
adaptaciones muy célebres como la de El Hombre de papel,
basado en una historia de Luis Spota llamada El billete.
Escribió junto con Max Aub los diálogos de la obra
cinematográfica Los olvidados dirigida
por Luis Buñuel renunciando
al crédito por la incomformidad sobre una escena. Luis Buñuel le reconoció el
crédito en su libro Mi
último suspiro.
Composiciones[editar]
Entre sus composiciones más
conocidas se encuentra Amorcito corazón,
utilizada para la película Nosotros los pobres,
y la famosa copla con la que Pedro Infante y Jorge Negrete pelean en un duelo cantado
en la película Dos tipos de cuidado, Mi cariñito, maldita sea mi suerte.
Si bien el nombre de Pedro de
Urdimalas se ha disuelto a través del tiempo, su legado permanece indeleble en
la conciencia colectiva mexicana a través de su invaluable aportación al Cine Mexicano y la cultura de México.
Escribió argumentos
cinematográficos como Los tres García, Nosotros los pobres, Ustedes los ricos, Los tres huastecos, ¿Qué te ha dado
esa mujer? y A.T.M. A toda
máquina!.
Pedro de Urdimalas fallece en
la Ciudad de México el
20 de diciembre de 1995.
https://www.youtube.com/watch?v=bdDVSqQ6LEg
1996:
Muere Carl Sagan,
astrónomo estadounidense (nacido
en
1934).
Carl Edward Sagan (Nueva York, Estados Unidos, 9 de noviembre de 1934-Seattle, Estados Unidos, 20 de diciembrede 1996)
fue un astrónomo, astrofísico, cosmólogo, escritor y divulgador científico
estadounidense. Fue un defensor del pensamiento
escéptico científico y del método científico,
pionero de la exobiología, promotor
de la búsqueda de inteligencia extraterrestre a través del Proyecto SETI.
Impulsó el envío de mensajes a bordo de sondas espaciales, destinados a informar a
posibles civilizaciones extraterrestres acerca de la cultura humana. Mediante
sus observaciones de la atmósfera de Venus, fue de los primeros científicos en
estudiar el efecto invernadero a
escala planetaria. En la Universidad Cornell,
Carl Sagan fue el primer científico en ocupar la Cátedra David Duncan de Astronomía y Ciencias del Espacio,
creada en 1976, y fue director del Laboratorio de Estudios Planetarios.
Carl Sagan ganó gran
popularidad gracias a la galardonada serie documental de TV Cosmos: Un viaje
personal, producida en 1980, de la que fue narrador y coautor.
También publicó numerosos artículos científicos,1 y fue autor, coautor o editor de más
de una veintena de libros de divulgación científica, siendo los más populares
sus libros Cosmos,
publicado como complemento de la serie, y Contacto, en el que se basa la película homónima de
1997. En 1978 ganó el Premio Pulitzer de Literatura General de
No Ficción por su libro Los Dragones del Edén.
A lo largo de su vida, Sagan
recibió numerosos premios y condecoraciones por su labor como comunicador de la
ciencia y la cultura. Hoy es considerado uno de los divulgadores de la ciencia
más carismáticos e influyentes, gracias a su capacidad de transmitir las ideas
científicas y los aspectos culturales al público no especializado con sencillez
no exenta de rigor.
2007:
Muere Lydia
Mendoza, cantante y guitarrista estadounidense (n. 1916).
Lydia Mendoza (Houston, Texas, 21 de mayo de 1916 – San Antonio,
Texas, 20 de diciembre de
2007)1 fue una guitarrista y cantante estadounidense de estilo Tex-mex, norteño, y de música tradicional mexicano-estadounidense.
Fue conocida como "La Alondra de la Frontera" (en inglés
"The Lark of the Border").
Mendoza aprendió a cantar y tocar de su madre y abuela. En 1928,
como parte de la banda familiar, Cuarteto Carta Blanca, hizo sus primeras
grabaciones para el sello Okeh Records en San Antonio.
A principios de los años 1930, Mendoza atrajo la atención de
Manuel J. Cortez, pionero de la música mexicano-estadounidense en la radio. En
1934 interpretó en directo en la radio sus grabaciones de 1934 para el
sello Bluebird
Records. Su grabación, "Mal Hombre", se convirtió en un
éxito con el que hizo una intensa gira.
El 3 de marzo de 1935, Lydia Mendoza se casó con el zapatero
Juan Alvarado,2 con el que tuvo tres hijos. En 1961
enviudó y se volvió a casar en 1964 con Fred Martínez también de oficio
zapatero y con quien no tuvo hijos.1
Tras la Segunda Guerra
Mundial, Mendoza grabó para la mayoría de sellos de música
mexicano-estadounidense de Texas. Continuó actuando y grabando hasta que
un accidente
cerebrovascular en 1988 hizo que bajara su ritmo de trabajo.
Con los años, Lydia Mendoza fue objeto de numerosos premios y
honores, en 1982, fue la primera persona de Texas en recibir el National Heritage Fellowship que premia a artistas
de música folk de
Estados Unidos por parte del organismo estatal National Endowment for the Arts. En 1999, fue
galardonada con la Medalla
Nacional de las Artes, y en 2003, fue galardonada con la Medalla de
Texas de las Artes del Texas Cultural Trust.345
Lydia Mendoza murió a la edad de 91 años. Está enterrada en el
Cementerio de San Fernando en San Antonio, Texas.6
En 2013 se emitirá en Estados Unidos un sello postal con su imagen.7
https://www.youtube.com/watch?v=IpejsYhqN7M
2008:
Muere Robert
Mulligan, cineasta estadounidense (nacido en 1925).
Robert Mulligan (Nueva York, 23 de agosto de 1925 - Lyme, Connecticut, 20 de diciembre de 2008)
fue un director estadounidense de
cine y televisión adscrito al movimiento del Nuevo cine
estadounidense y más concretamente a la llamada «generación de
la televisión», junto con Stanley Kramer y Robert Altman, entre otros.
Biografía[editar]
Mulligan estudió en
la Universidad de
Fordham antes de servir en los cuerpos de la Marina
norteamericana durante la Segunda Guerra
Mundial. Al finalizar esta, obtuvo empleo en el departamento
editorial del diario The New York Times,
si bien lo abandonó pronto para iniciar su carrera en el mundo de la
televisión.
Empleado por la
cadena CBS,
Mulligan se forjó en la televisión en puestos auxiliares, trabajando como
«chico de los recados». Perseveró en su trabajo, aprendiendo los entresijos del
medio, de tal forma que en 1948 ya se encontraba dirigiendo importantes series
dramáticas. En 1959 ganó un Premio Emmy por su trabajo de dirección
en The Moon and Sixpence, una producción televisiva que supuso el
debut televisivo en los Estados Unidos de Sir Laurence Olivier.
En 1960 Robert
Mulligan dirigió su primera película para la gran pantalla y dos años después
recibió un enorme reconocimiento así como sendas nominaciones como mejor
director en los Premios Óscar y
el Directors Guild
of America por su obra Matar a un
ruiseñor,basada en la novela homónima de Harper Lee. En 1972 fue nominado también para
recibir un Globo de Oro como
mejor director y un nuevo Directors Guild Award por su
exitosa Verano del 42.
Sus películas tienen
siempre un aire nostálgico, de reconstrucción de un pasado reciente a través
del tamiz de la memoria, fundamentalmente de aquellas vivencias que tienen que
ver con el punto de vista de la niñez y de la adolescencia, enlazados a su vez
indisolublemente con acontecimientos históricos relevantes, como pudieron ser
la Gran Depresión en el sur agrícola de los Estados Unidos (To Kill a
Mockingbird) o el trauma que supuso la Segunda Guerra Mundial para aquella
generación de jóvenes norteamericanos (Summer of '42). De alguna manera
se puede decir que sus películas plantean una revisión crítica, aunque no
exenta de valores éticos y épicos, de la historia reciente de su país.
Robert Mulligan fue
hermano del actor Richard Mulligan.
2009:
Muere Brittany
Murphy, actriz estadounidense (nacida en 1977).
Brittany Anne Bertolotti (Atlanta, Georgia, 10 de noviembre de 1977-Los
Ángeles, California, 20 de diciembre de 2009), más conocida como Brittany Murphy, fue una actriz y cantante estadounidense. Como actriz apareció en y protagonizó
películas como Clueless, Just Married, Girl, Interrupted, Spun, 8
Mile, Uptown Girls, Sin City, Happy Feet y Riding in Cars with Boys. Además prestó su voz al personaje de la serie
animada King of the Hill,
a Luanne Platter y al personaje Colline en la película Futurama:
The Beast with a Billion Backs. Su última película, Abandoned,
fue comercializada directamente para vídeo.
´
2014:
Muere Alberto
Valdiri, actor colombiano (nacido
en
1959).
Alberto Valdiri (Bogotá, 14 de agosto de, 1959 - Bogotá, 20 de
diciembre de 2014)12 fue un actor colombiano, que
participó en varias series de televisión, telenovelas, más de 20 películas,
obras teatrales, cortometrajes, entre otras. Es reconocido por haber
participado en series tan famosas como Yo soy Betty, la fea, Francisco el
matemático, El fiscal y Todos quieren con
Marilyn.1 Falleció el 20 de diciembre de 2014
de un ataque cardíaco, a los 55 años.2
2018:
Muere Adolfo Echeverría, cantante, músico y compositor colombiano.
Adolfo Ernesto Echeverría Comas (Barranquilla, 3 de septiembre de 1932 - 20 de diciembre de 2018) fue un cantante,
músico y compositor colombiano.
Índice
Biografía[editar]
Nació
en Barranquilla el 3 de septiembre 1932. Se crio en el barrio San Roque y realizó sus estudios escolares
en el Colegio Salesiano de San Roque.1
Durante su estancia en la escuela estuvo siempre interesado por la literatura y
se destacaba por su participación en el coro. A principios de los años sesenta
comenzó a participar en concursos de canto organizados por las emisoras locales
de Barranquilla, como La Voz de la Patria y Emisoras Unidas, estos concursos le
valieron un moderado reconocimiento ante el panorama musical de la ciudad y
grabara así su primera canción como compositor, "El Palomo" bajo el
sello disquero Discos Eva, el cual le permitió obtener sus primeras ganancias
como compositor.1
El 3 de septiembre de 1961, tomó la decisión más importante de su vida,
renunciar a su trabajo como vendedor de ropa en el almacén Casa Vargas para
emprender su camino hacia su carrera artística. Con la liquidación que le dejó
Casa Vargas, invirtió sesenta pesos en una canción que había compuesto para
grabarla junto con un grupo de amigos músicos, conocidos como "El cuarteto
del Mónaco", quienes tocaban con él los miércoles en la Emisora Atlántico,
en esa misma emisora conoció a Vicenta "Nury" Borrás, una cantante
aficionada que fue invitada a interpretar su primer éxito "Las cuatro
fiestas" que fue lanzado en 1965 a través de Discos Fuentes,
el cual le permitió adentrarse mucho más en el mercado musical nacional.2
En
la década de 1960 formó
un grupo de músicos que impactaron a Barranquilla y
sus alrededores, la Orquesta Mónaco, donde impuso sus canciones importantes
como Las cuatro fiestas, Inmaculada, Amaciendo y La
tormenta. Ganó premios como el Congo del Oro en
1977, como mejor orquesta del carnaval de Barranquilla.
En
los últimos años ha padecido varios quebrantos de salud, entre ellos, una
depresión causada por la muerte de su madre, ocurrida a finales de 1990,
también ha tenido varias convulsiones que lo han tenido hospitalizado,
adquiriendo una bacteria que infectó parte de su cuerpo, provocando que sus
piernas fueran amputadas.34
Falleció
el 20 de diciembre de 2018 debido a una fuerte isquemia que lo aquejó en sus
últimos días.5
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