domingo, 28 de diciembre de 2025

Un día como hoy 28 de diciembre


El 28 de diciembre es el 362.º (tricentésimo sexagésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 363.º en los años bisiestos. Quedan 3 días para finalizar el año.


Podcast 2018

Octava de Navidad



Día de los Santos Inocentes


Hoy celebramos la fiesta de los Niños Inocentes que mandó matar el cruel Herodes.
Nos cuenta el evangelio de San Mateo que unos Magos llegaron a Jerusalén preguntando dónde había nacido el futuro rey de Israel, pues habían visto aparecer su estrella en el oriente, y recordaban la profecía del Antiguo Testamento que decía: "Cuando aparezca una nueva estrella en Israel, es que ha nacido un nuevo rey que reinará sobre todas las naciones" (Números 24, 17) y por eso se habían venido de sus lejanas tierras a adorar al recién nacido.
Dice San Mateo que Herodes se asustó mucho con esta noticia y la ciudad de Jerusalén se conmovió ante el anuncio tan importante de que ahora sí había nacido el rey que iba a gobernar el mundo entero. Herodes era tan terriblemente celoso contra cualquiera que quisiera reemplazarlo en el puesto de gobernante del país que había asesinado a dos de sus esposas y asesinó también a varios de sus hijos, porque tenía temor de que pudieran tratar de reemplazarlo por otro. Llevaba muchos años gobernando de la manera más cruel y feroz, y estaba resuelto a mandar matar a todo el que pretendiera ser rey de Israel. Por eso la noticia de que acababa de nacer un niñito que iba a ser rey poderosísimo, lo llenó de temor y dispuso tomar medidas para precaverse.
Herodes mandó llamar a los especialistas en Biblia (a los Sumos Sacerdotes y a los escribas) y les preguntó en qué sitio exacto tenía que nacer el rey de Israel que habían anunciado los profetas. Ellos le contestaron: "Tiene que ser en Belén, porque así lo anunció el profeta Miqueas diciendo: "Y tú, Belén, no eres la menor entre las ciudades de Judá, porque de ti saldrá el jefe que será el pastor de mi pueblo de Israel" (Miq. 5, 1).
Entonces Herodes se propuso averiguar bien exactamente dónde estaba el niño, para después mandar a sus soldados a que lo mataran. Y fingiendo todo lo contrario, les dijo a los Magos: - "Vayan y se informan bien acerca de ese niño, y cuando lo encuentren vienen y me informan, para ir yo también a adorarlo". Los magos se fueron a Belén guiados por la estrella que se les apareció otra vez, al salir de Jerusalén, y llenos de alegría encontraron al Divino Niño Jesús junto a la Virgen María y San José; lo adoraron y le ofrecieron sus regalos de oro, incienso y mirra.
Y sucedió que en sueños recibieron un aviso de Dios de que no volvieran a Jerusalén y regresaron a sus países por otros caminos, y el pérfido Herodes se quedó sin saber dónde estaba el recién nacido. Esto lo enfureció hasta el extremo.
Entonces rodeó con su ejército la pequeña ciudad de Belén, y mandó a sus soldados a que mataran a todos los niñitos menores de dos años, en la ciudad y sus alrededores. Ya podemos imaginar la terribilísima angustia para los papás de los niños al ver que a sus casas llegaban los herodianos y ante sus ojos asesinaban a su hijo tan querido. Con razón el emperador César Augusto decía con burla que ante Herodes era más peligroso ser Hijo (Huios) que cerdo (Hus), porque a los hijos los mataba sin compasión, en cambio a los cerdos no, porque entre los judíos esta prohibido comer carne de ese animal.
San Mateo dice que en ese día se cumplió lo que había avisado el profeta Jeremías: "Un griterío se oye en Ramá (cerca de Belén), es Raquel (la esposa de Israel) que llora a sus hijos, y no se quiere consolar, porque ya no existen" (Jer. 31, 15).
Como el hombre propone y Dios dispone, sucedió que un ángel vino la noche anterior y avisó a José para que saliera huyendo hacia Egipto, y así cuando llegaron los asesinos, ya no pudieron encontrar al niño que buscaban para matar.
Y aquellos 30 niños inocentes, volaron al cielo a recibir el premio de las almas que no tienen mancha y a orar por sus afligidos padres y pedir para ellos bendiciones. Y que rueguen también por nosotros, pobres y manchados que no somos nada inocentes sino muy necesitados del perdón de Dios. 





1622:

Muere  san Francisco de Sales, sacerdote y escritor francés (nacido en 1567).


San Francisco de Sales (Sales, Saboya, 21 de agosto de 1567 - Lyon, 28 de diciembre de 1622) fue un santo y obispo de Ginebra. Tiene el título de Doctor de la Iglesia, es titular y patrono de la Familia Salesiana (fundada por Don Bosco) y también patrono de los escritores y periodistas.




1855: 

Nace Juan Zorrilla de San Martín, poeta y diplomático uruguayo (fallecido en 1931).


Juan Zorrilla de San Martín (Montevideo, 28 de diciembre de 1855 - Ib. 3 de noviembre de 1931) fue un escritor, periodista, docente y diplomático uruguayo.
Biografía[editar]
Nació en Montevideo el 28 de diciembre de 1855, hijo del español Juan Manuel Zorrilla de San Martín y de la uruguaya Alejandrina del Pozo y Aragón, familia muy católica. Su madre falleció cuando el poeta tenía apenas un año y medio de vida. Fue criado con cariño y dedicación por su tía Juliana del Pozo y Aragón, esposa de Martín García de Zúñiga.
Junto a su hermano Alejandro, en 1865 fue llevado por su padre a cursar sus estudios en el Colegio de la Inmaculada Concepción de Santa Fe, República Argentina. Entre 1867 y 1872 estudió en el Colegio de los Padres Bayoneses, en Montevideo, lugar en el que comenzó sus estudios universitarios. Se recibió de bachiller en Santa Fe, en 1872. Entre 1874 y 1877 estudió en el Colegio de los Padres Jesuitas de Santiago de Chile hasta completar sus estudios como Licenciado en Letras y Ciencias Políticas. En ese período colaboró en la redacción de “La estrella de Chile” y publicó “Notas de un Himno”. En Chile recibió la influencia de las lecturas románticas de José Zorrilla, José de Espronceda y sobre todo, Gustavo Adolfo Bécquer.
En 1907 el gobierno uruguayo le encargó la creación de un ensayo histórico sobre la figura de José Gervasio Artigas, que tendría la finalidad de aportar datos a los artistas interesados en presentarse en un concurso de creación de una escultura al prócer. Dicho ensayo fue editado finalmente en 1910 y se tituló "La epopeya de Artigas".
En primeras nupcias se casó con Elvira Blanco Sienra, hija de Juan Ildefonso Blanco y nieta del Constituyente Juan Benito Blanco, con quien tuvo seis hijos. A pocos años de la muerte de ésta, contrajo enlace con su hermana, Concepción Blanco Sienra, quien le diera diez hijos. Hoy su descendencia alcanza casi las 800 personas.
Uno de sus hijos fue el escultor José Luis Zorrilla de San Martín, quien en 1921 dirigiera la última transformación de su casa del barrio montevideano de Punta Carretas, diseñando el actual comedor con la chimenea que lleva labrado en su parte superior el escudo de los Zorrilla de San Martín donde figura el lema “Velar se debe la vida de tal suerte que viva quede en la muerte”. Entre sus descendientes se encuentran el ex diputado por San José y ex Embajador, Alejandro Zorrilla de San Martín, la actriz China Zorrilla, la vestuarista Guma Zorrilla, los pintores Alfredo Zorrilla, Enrique Zorrilla de San Martín y Miguel Herrera Zorrilla y el escritor Enrique Estrázulas, entre otros.






1872: 

Nace Pío Baroja, novelista español (fallecido en 1956).


Pío Baroja y Nessi (San Sebastián, Guipúzcoa, 28 de diciembre de 1872-Madrid, 30 de octubre de 1956) fue un escritor español de la llamada generación del 98.
Fue hermano del también escritor y pintor Ricardo Baroja y tío del antropólogo Julio Caro Baroja y del director de cine y guionista Pío Caro Baroja.
Biografía[editar]
Pío Baroja creció en el seno de una familia acomodada de San Sebastián, relacionada con el periodismo y los negocios de imprenta. Su bisabuelo paterno, el alavés Rafael Baroja, fue un boticario que se fue a vivir a Oyarzun e imprimió el periódico La Papeleta de Oyarzun y otros textos (proclamas, bandos, cartillas y ordenanzas de franceses y españoles) durante la Guerra de la Independencia. Allí se casó con la hermana de otro farmacéutico apellidado Arrieta y, ayudado por sus hijos, trasladó la imprenta a San Sebastián y editó además El Liberal Guipuzcoano y algunos números de La Gaceta de Bayona que dirigía el famoso periodista y escritor Sebastián de Miñano desde Francia.
Su abuelo paterno del mismo nombre, Pío Baroja, aparte de ayudar a su padre a editar en San Sebastián el periódico El Liberal Guipuzcoano (1820-1823) durante el Trienio Liberal, imprimió la Historia de la Revolución francesa de Thiers en doce tomos con traducción del citado Sebastián de Miñano y Bedoya. Él y su hermano Ignacio Ramón continuaron con el negocio de imprenta y un hijo de este último, Ricardo, tío del novelista, será, con el tiempo, editor y factótum del periódico donostiarra El Urumea.
La madre de Pío Baroja, Andrea Carmen Francisca Nessi Goñi, nació en Madrid (1849) y descendía de una familia italiana lombarda originaria de la ciudad de Como, a orillas del lago del mismo nombre, los Nessi, a la que el escritor debe su segundo apellido. Debido a la repentina muerte de su padre, la madre marchó a educarse a San Sebastián con el abuelo Justo Goñi, y esta rama materna de los Goñi estaba vinculada a la navegación, algo que influyó en la narrativa posterior de Baroja, por ejemplo en su segunda tetralogía novelística, El mar.
El padre, José Mauricio Serafín Baroja Zornoza, fue un ingeniero de minas al servicio del estado; hombre inquieto y de ideas liberales, ejerció ocasionalmente el periodismo y su posición de ingeniero de Minas condujo a su familia a constantes cambios de residencia por toda España. Su primer apellido paterno, Baroja, procede del nombre de la aldea alavesa homónima (citada como Barolha en 1025, y situada en el actual municipio de Peñacerrada), de etimología incierta, aunque puede contener el elemento eusquérico ol(h)a 'cabaña', 'chabola'. En sus Memorias,1​ el propio don Pío aventura una posible etimología del apellido, según la cual «Baroja» sería una aféresis de ibar hotza, que en euskera significa 'valle frío' o 'río frío'. Aunque también podría tratarse de una contracción del apellido castellano Bar(barr)oja.
Baroja fue el tercero de tres hermanos: Darío, que nació en Riotinto y murió, joven aún, en 1894 de tisis; Ricardo, que sería en el futuro también escritor y un importante grabador, conocido sobre todo por sus espléndidos aguafuertes, y Pío, el hermano menor, que dejaría la profesión de médico por la de novelista hacia 1896. Ya muy separada de ellos temporalmente, nació la última hermana: Carmen, que habría de ser la inseparable compañera del novelista y la mujer del futuro editor de su hermano, Rafael Caro Raggio, ocasional escritora también. Es posible que naciera un cuarto hermano, César, y que falleciera a muy temprana edad.2​ La relación estrecha con sus hermanos se mantuvo hasta el final de sus días.








1908: 

Nace Lew Ayres, actor estadounidense (f. 1996).


Lew Ayres (28 de diciembre de 1908 – 30 de diciembre de 1996) fue un actor estadounidense.

Índice

·         1Biografía
·         2Familia
·         3Nominaciones
·         4Filmografía seleccionada
·         5Referencias
·         6Enlaces externos

Biografía[editar]

Su verdadero nombre era Lewis Frederick Ayres III,1​ nació en Minneapolis, Minnesota, y se crio en San Diego (California).
Ayres empezó a actuar en pequeños papeles en 1927. Ese año fue descubierto mientras tocaba el banjo en la orquesta de Henry Halstead, la cual estaba grabando un corto cinematográfico para Vitaphone titulado Carnival Night in Paris.
Ayres trabajó con Greta Garbo en el film de 1929 The Kiss, pero fue su papel protagonista en la película de 1930 Sin novedad en el frente el que le convirtió en una estrella. Ayres fue protagonista, junto a Janet Gaynor, de Servants' Entrance (1934), título que combinaba acción convencional con animación de The Walt Disney Company en una secuencia onírica musical. Tuvo el primer papel de Young Dr. Kildareen 1938 y se convirtió en un ídolo, protagonizando varios filmes de Kildare. En esa época también trabajó con Joan Crawford y James Stewart en The Ice Follies of 1939.
Como reflejo de sus papeles médicos y antibelicistas, Ayres fue un pacifista que quiso ser miembro del Cuerpo Sanitario durante la Segunda Guerra Mundial. El ejército no podía garantizarle el destino, por lo cual se declaró objetor de conciencia, debiendo ser destinado a un campo de Servicio Público Civil. Tener una figura famosa en esa situación era una mala imagen para el Ejército, motivo por el cual se cambiaron las normas y se facilitó la entrada de Ayres en el Cuerpo Sanitario. Sirvió en el teatro del Pacífico y en Nueva Guinea.
En 1948 fue nominado al Oscar al mejor actor por su interpretación en Belinda, pero su carrera fue escasa tras la guerra. Su compañera de reparto, Jane Wyman, se enamoró de él, divorciándose de su marido, Ronald Reagan, en 1949.
El verano de 1958, Ayres presentó once episodios de una serie televisiva del género western, emitida por CBS y titulada Frontier Justice, una producción de la empresa de Dick Powell Four Star Television.
Además, se le ofreció interpretar al Dr. Kildare en una serie de la NBC, pero su petición de que el programa no tuviera publicidad de tabaco motivó que el papel fuera finalmente en 1961 para Richard Chamberlain.
También hizo el papel de gobernador en el episodio piloto de la serie televisiva de la CBS Hawaii Five-O. Prefirió no viajar a Hawaiipara rodar la serie, pero de cuando en cuando actuó en otros personajes de la misma.
Trabajó, así mismo, numerosas veces como artista invitado en otros programas televisivos. En 1976 participó en un documental, Altars of the World, en el que se exponían sus principios filosóficos orientales, y que le valió el aplauso de la crítica.
Ayres también hizo varios papeles en producciones de ciencia ficción. Uno de ellos fue en 1977 en la segunda temporada de The Bionic Woman, como un científico pacifista, Dr. Elijah Cooper. Otro de ellos fue el de un político pacifista en el episodio piloto de la serie Battlestar Galactica en 1978.
Hacia el final de su carrera actuó en The Mary Tyler Moore Show, en el papel de padre de Murray Slaughter, personaje interpretado por Gavin MacLeod.







1915: 

Muere Juan Menéndez Pidal, poeta y folclorista español (nacido en 1858).



Juan Menéndez Pidal (Madrid, 31 de mayo de 1858 - 28 de diciembre de 1915) fue un jurista, historiador y poeta español.
Biografía[editar]
Fue hermano de Luis y Ramón Menéndez Pidal. Perteneció al Cuerpo de Bibliotecarios y Archiveros, en el que ingresó en 1896. Fue durante muchos años el director del Archivo Histórico Nacional de Madrid y el director de la Revista de Archivos, Bibliotecas, y Museos.Pese a su condición de madrileño de nacimiento siempre se consideró asturiano, tanto por el hecho de que su padre y sus hermanos Luis y Faustino habían nacido en Pajares, Lena como por pasar allí largas temporadas durante años. Abogado de carrera, tras recibir el título de licenciado en Derecho se dedicó con devoción al periodismo. Dirigió La Unión Católica, diario de Madrid, y fue redactor de El Universo, de la misma ciudad.
Su actividad política lo llevó a ser Diputado a Cortes por el Distrito de Ribadeo (desde 1891 a 1893) para posteriormente ocupar el cargo de Gobernador Civil en Pontevedra, Guadalajara y Burgos (1899-1903). En 1914 fue elegido miembro de la Real Academia de la Lengua Española ocupando el sillón con la letra A hasta 1915.






1922: 

Nace Stan Lee, historietista estadounidense.


Stanley Martin Lieber (Manhattan, Nueva York; 28 de diciembre de 1922-Los Ángeles, California; 12 de noviembre de 20182​), más conocido como Stan Lee, fue un escritor y editor de cómics estadounidense, además de productor y ocasional actor de cine.
Es principalmente conocido por haber creado personajes icónicos del mundo del cómic tales como Spider-Man, Hulk, Iron Man, Los 4 Fantásticos, Thor, Los Vengadores, Daredevil, Doctor Strange, X-Men, Pantera Negra, Hombre Hormiga y Bruja Escarlata, entre otros muchos superhéroes, casi siempre acompañado de los dibujantes Steve Ditko y Jack Kirby. El trabajo de Stan Lee fue fundamental para expandir Marvel Comics, llevándola de una pequeña casa publicitaria a una gran corporación multimedia. Todavía hoy, los cómics de Marvel se distinguen por indicar siempre «Stan Lee presenta» en los rótulos de presentación. También tuvo un programa televisivo en History Channel en donde buscaba superhumanos "reales".

Índice

·         1Biografía
·         2Obra
o    2.1Libros
o    2.2Cómics
§  2.2.1DC Comics
§  2.2.2Marvel Comics
§  2.2.3Simon & Schuster
§  2.2.4Otros
·         3En otros medios
o    3.1Cine y televisión
§  3.1.1Sus cameos en películas de Marvel
§  3.1.2Otras apariciones
o    3.2Videojuegos
o    3.3Cómics
·         4Premios
·         5Referencias
·         6Enlaces externos

Biografía[editar]

Stan Lee junto a Chris Evans(intérprete del Capitán América y La Antorcha Humana) en el Comic-Con International en San Diego, California, en julio de 2011.
Stanley Martin Lieber nació el 28 de diciembre de 1922 en Manhattan, Nueva York, hijo de Celia y Jack Lieber, un matrimonio de inmigrantes judíos rumanos. Su padre era sastre y tuvo dificultades en su trabajo debido a la Gran Depresión. Stan tenía un hermano menor llamado Larry Lieber. En 2006 dijo haber disfrutado de los libros y películas, especialmente las protagonizadas por Errol Flynn. Estudió en el instituto DeWitt Clinton del Bronx y mientras, ejerció diversos trabajos como recadero, escritor de obituarios y comunicados de prensa, hasta que a finales de 1940, poco después de concluir la escuela secundaria, consiguió un trabajo de ayudante en la editorial Timely Comics(hoy Marvel Comics) entonces propiedad de Martin Goodman. A los 20 años, debutó como guionista con un relato de dos páginas protagonizado por el Capitán América. Su objetivo entonces era convertirse en un escritor a la altura de sus admirados Robert Louis Stevenson, Arthur Conan Doyle o Edgar Rice Burroughs. Queriendo reservar su nombre para futuras novelas, firmó este primer trabajo con el seudónimo «Stan Lee» (que, en inglés, suena muy parecido a «Stanley»). Décadas después, cambió oficialmente su nombre, adoptando el seudónimo por el que era ya universalmente conocido. A veces es llamado también «Stan the Man» («Stan el Hombre»).
En 1960 Stan Lee estaba a punto de dejar Marvel Comics, pero su mujer le convenció para que crease "el comic que deseaba hacer". Y en 1961 le llegó el éxito, con la creación de los 4 Fantásticos,3​ pero todavía tenía muchas historias más por crear. En unos pocos años, creó junto con Jack Kirby y Steve Ditko a la gran mayoría de los personajes clásicos de la editorial. Este éxito hizo que Marvel se convirtiera en la editorial más importante del momento, y marcó el comienzo de la llamada Edad de Plata del cómic estadounidense. Stan Lee permanece durante gran parte de los sesenta como redactor jefe de la apodada a partir de entonces «Casa de las Ideas», siendo sucedido por su ayudante, Roy Thomas.
Incansable difusor de Marvel y emblema de una época y una forma de hacer cómics, Stan Lee no dejó de escribir columnas y guiones ocasionales. Entre ellos, la serie de especiales «Just Imagine Stan Lee…» de 2001 para DC Comics, la principal competidora de Marvel, donde recreaba a los principales personajes de su universo (Superman, Batman, Flash, entre otros).
Desde que se estrenó el UCM, en 2008, Stan Lee ha ido recibiendo homenajes simbólicos, a modo de cameo, en la mayoría de sus películas. A pesar de que, en ocasiones, su estado de salud y su avanzada edad, le impedían desplazarse hasta los sets de rodaje.
Se casó con Joan Clayton Boocock el 5 de diciembre de 1947. Su hija Joan Celia "JC" Lee nació en 1950. Otra hija, Jan, nació en 1953 y murió a los tres días de vida.4​ En 1981 los Lee se trasladaron a la costa oeste. Tras 69 años de matrimonio, en julio de 2017, fallece su esposa Joan de un derrame cerebral, a los 93 años.5​
Un año más tarde, el 12 de noviembre de 2018, fallece Stan Lee, a causa de un paro cardiorrespiratorio producido por una neumonía, en el hospital Cedars-Sinai de Los Ángeles a la edad de 95 años.6​7​

Obra[editar]


Entre sus creaciones destacan personajes que forman parte de la iconografía universal como Spider-Man, los X-Men, Iron Man, Thor, el Doctor Strange, Daredevil, Los Cuatro Fantásticos, el increíble Hulk, los Vengadores, Pantera Negra, Silver Surfer, y Nick Fury, además de su intromisión al mundo del manga con Heroman y el guion de la serie Ultimo.
Su carisma y capacidad creativa influyeron en muchos autores posteriores. Algunos de los rasgos característicos de su obra son:
·         La humanización de los personajes, más allá de su identidad superheroica. Para ello, insiste en que todos sus héroes deben tener un punto débil.
·         Un lenguaje grandilocuente y recargado, que en el caso de artículos y textos publicitarios, llega a estar entre la autoparodia y lo circense.
·         Daba una gran libertad de movimientos a sus dibujantes, por medio del llamado «método Marvel»: Lee hacía una sinopsis de la historia, que pasaba al dibujante, y luego escribía los diálogos basándose en el dibujo acabado. En ciertos casos, esto hacía difícil saber qué parte de la historia era de Lee, y qué parte del dibujante y que parte era del guionista.

·         Insistió en llamar a sus personajes con nombre y apellido con la misma letra inicial (Peter Parker, Loki Laufeyson, Matt Murdock, Stephen Strange, Dum Dum Dugan, Fantastic Four, Doctor Doom, Curtis Connors, Bruce Banner, Scott Summers, Susan Storm, Reed Richards, Otto Octavius, Green Goblin, Silver Surfer, Warren Worthington, Pepper Potts, Fin Fang Foom, Happy Hogan y J. Jonah Jameson, entre otros).

1931:

Nace Renato Capriles, músico venezolano, reconocido como el fundador y director de la orquesta Los Melódicos.



Rafael Renato Capriles Ayala (Puerto Cabello, Estado Carabobo, 28 de diciembre de 1931-Caracas, 8 de julio de 20141​), más conocido como Renato Capriles, fue un músico venezolano, reconocido como el fundador y director de la orquesta Los Melódicos.

Biografía[editar]

Primeros años[editar]

Creció en el seno de una familia numerosa de 14 hermanos, la cual se trasladó a Caracas, primero a La Pastora y luego a La Castellana. Siendo él el número 13, según sus propias palabras, su número de la suerte. Su vocación musical estuvo presente desde niño, desde pequeño todos los años le regalaban un cuatro, nunca aprendió a tocar solo a rasgarlo. También le regalaron un bongo hecho con un envase de leche Klim y uno de avena Quaker, cada vez que llegaba su familia a visitar a su mamá lo llamaban para oírlo tocar.
Tuvo un negocio de ropa en Valencia-Carabobo que perduró por dos años, se lo había comprado a su primer cuñado y a su socio, agentes viajeros de dos fábricas de ropa.

Fundación de los Melódicos[editar]

En la década de los años 50 se hizo cargo del Departamento de Relaciones Públicas de la naciente Cadena Capriles y empezó a acercarse a medios como la televisión y la radio. Pero fue en 1958 cuando decide fundar la Orquesta Los Melódicos, junto con Luis María “Billo” Frómeta, creador de la “Billo's Caracas Boys”, esto paso ya sin su banda, traba amistad con el joven músico y director de orquesta, Renato Capriles, quien le solicita arreglos y canciones para el primer álbum de su orquesta Los Melódicos. Billo Frómeta entonces compone tres temas y arregla cerca de veinticuatro para la nueva orquesta. Desde entonces, Capriles se hace amigo y, en no pocas ocasiones rival artístico de Frómeta.
La agrupación musical se hizo célebre con su lema “La Orquesta que impone el ritmo en Venezuela” y marcó una época en las siguientes décadas, además de imponer canciones que forman parte del repertorio musical del país y de ser el trampolín de destacados cantantes.Sus mayores éxitos fueron en los años setentas.
Entre los vocalistas que figuraron con esta agrupación están las cantantes femeninas Norma López, Emilita Dago, Diveana, Floriana, Liz y los cantantes masculinos Rafa Galindo, Rafael “Rafa” Pérez, Manolo Monterrey, Cherry Navarro, Cheo García, Roberto Antonio y Miguel Moly. Verónica Rey, Doris Salas, Victor Piñero y Perucho Navarro, fueron el alma de la orquesta en los años setentas.
Los éxitos más recordados de la orquesta son Apágame la vela, Yo quiero verla esta noche, Carnaval Costeño, Cumbia del Caribe, Papachongo, Mi cocha pechocha, Diávolo y Zúmbalo, entre otros. También fueron famosos los Recuerdos (mosaicos) que la orquesta interpretaba en los diferentes LP.

Renato Capriles logró crear una orquesta musical que se pudo mantener por más de medio siglo en el gusto de la audiencia y cuyos temas forman parte de las celebraciones y grandes ocasiones de los venezolanos.Además fue empresario musical organizó otras orquestas tipo big band tales como LOS SOLISTAS que emsamblo 2 ocasiones ,EL COMBO GIGANTE DE EMILITA DAGO que posteriormente seria el combo gigante simplemente ,LA INMENSA ,LA GRANDE ,LA CHICA que reportaron trabajos a más de 100 personas entre músicos ,cantantes y personal trajo a sus filas 2 estrellas de La Sonora Matancera que fueron los argentinos LEO MARINI Y CARLOS ARGENTINO . ytuvo conversaciones que no se concretaron con el conocido LARRY HARLOW para ensamblar otra agrupación a finales de los años 70.
1932:

Nace Nichelle Nichols, actriz estadounidense.


Nichelle Nichols (Robbins, Illinois, 28 de diciembre de 1932 – Silver City, Nuevo México, 30 de julio de 2022)1​ fue una actriz estadounidense, especialmente conocida por su personaje de la serie de televisión Star Trek: la serie original como la teniente Nyota Upenda Uhura. Comenzó como cantante con Duke Ellington y Lionel Hampton, para pasar posteriormente al cine y a la televisión.

Primeros años[editar]

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Este aviso fue puesto el 17 de abril de 2023.

Nichelle Nichols nació en Robbins, Illinois, cerca de Chicago. Su padre era el alcalde de la ciudad de Robbins y su principal magistrado. Estudió en Chicago, así como en Nueva York y Los Ángeles. Durante su etapa en Nueva York, apareció en el famoso club "Blue Angel" y en los clubes de Playboy como cantante. También apareció en el papel de Carmen para una producción de una compañía de Chicago en el musical de Broadway Carmen Jones.

La nombraron dos veces para la concesión del premio Sarah Siddons como mejor actriz, bailarina y cantante. Su primera candidatura a los premios Siddons fue por su representación de Hazel Sharp en Kicks and Co, y la segunda nominación, por The Blacks.

Nichols viajó por los Estados Unidos, Canadá y Europa como cantante con las bandas de Duke Ellington y de Lionel Hampton. En la costa oeste, apareció en el musical The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd , para My People, y cosechó un gran éxito en la adaptación de la obra de James Baldwin Blues for Mister Charlie. Antes de asistir a las contrataciones para la oficial Uhura en Star Trek, fue actriz invitada en una de las primeras series del productor de televisión Gene Roddenberry.

Star Trek[editar]

Nichelle Nichols, como Uhura.

Fue en Star Trek en donde Nichols ganó renombre, y fue una de las primeras mujeres afroamericanas protagonistas en una serie importante de la televisión. Durante el primer año, Nichols estuvo tentada de dejar la serie pues creía que su papel era insustancial y carecía de importancia; solamente tras una conversación con el líder Martin Luther King, Jr. cambió su opinión. King la animó personalmente a que no renunciara, diciéndole que él era un gran admirador de la serie y le dijo que «no podía darse por vencida», que ella representaba un papel que era un modelo vital para los niños y las jóvenes de color en todo el país.

Hay un mito urbano popular según el cual King habría hablado con Nichols después de ver la "escena del beso" en el capítulo número 67 de la tercera temporada titulado Los hijastros de Platón, pero se ha demostrado que no es posible, dado que este episodio se emitió varios meses después de su asesinato. Después de la primera temporada, el papel en la serie de Uhura se amplió y ya no fue únicamente servir la consola de comunicaciones.

La antigua astronauta de la NASA Mae Jemison ha citado el papel de Nichols en Star Trek como su inspiración para su deseo de convertirse en astronauta, y Whoopi Goldberg también ha hablado de la influencia de Nichols, y tuvo un trabajo ocasional en Star Trek: La nueva generación.2​

En su papel como la teniente Uhura, participó en el primer beso interracial en la historia de la televisión de Estados Unidos entre dos personajes ficticios (en diciembre de 1967, Sammy Davis Jr. y Nancy Sinatra se habían besado abiertamente en el programa de variedades Movin' with Nancy), con el actor canadiense William Shatner como el capitán James T. Kirk en el episodio de Star Trek de 1968 Los hijastros de Platón. La escena provocó airadas protestas, aunque el beso fue el resultado de un control mental extraterrestre a los personajes en la serie y no producto de una relación sentimental o amorosa entre ambos. El episodio no se transmitió por televisión en algunas ciudades meridionales, como resultado de las protestas en esos estados. La anulación del episodio hizo que muchos seguidores protestaran; algunos espectadores de los estados meridionales no eran tan hostiles como se temía.

En su autobiografía de 1994, Beyond Uhura, Star Trek and Other Memories, en la página 197, Nichols cita una carta de un blanco del sur que le escribió: «me opongo totalmente a la mezcla de razas. Sin embargo, en cualquier momento que un muchacho norteamericano con sangre en las venas como el capitán Kirk consigue a una dama hermosa en sus brazos que se parezca a Uhura, no debería dejarla ir». Durante su aparición en Comedy Central el 20 de agosto de 2006, ella se refirió al incidente y dijo al presentador, «¡Hagamos historia en la TV otra vez... y usted puede besar mi culo negro!».

A pesar de la cancelación de la serie en 1969, Star Trek siguió siendo relevante en la vida de Nichols. Ella proporcionó otra vez la voz de Uhura en Star Trek: La serie animada, en un episodio de la cual, La señal de Lorelei, Uhura asume el mando de la nave Enterprise. Nichols reconoció en su autobiografía su frustración porque esta situación no hubiera ocurrido nunca en los episodios originales. Nichols ha interpretado su papel en seis de las películas de Star Trek, y su última aparición fue en Star Trek VI: Aquel país desconocido.

La NASA y otros trabajos[editar]

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Este aviso fue puesto el 17 de abril de 2023.

Después de la cancelación de Star Trek, Nichols se ofreció voluntariamente en un proyecto especial con la NASA para reclutar minorías y personal femenino para la agencia espacial, que resultó ser un éxito. Algunos de los reclutas que consiguió contratar fueron la doctora Sally Ride, la primera astronauta mujer en los Estados Unidos, perteneciente a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos; Guion Bluford, el primer astronauta afroamericano, así como la doctora Judith Resnik y el doctor Ronald McNair, quienes volaron en varias misiones durante el programa espacial antes de su muerte en el accidente del Challenger el 28 de enero de 1986.

Entusiasta de la exploración del espacio, Nichols trabajó desde mediados de los años ochenta en el consejo superior de la Sociedad Nacional del Espacio, una organización no lucrativa y educativa de la defensa del espacio fundada por el doctor Wernher von Braun.

Siempre se interesó por los viajes espaciales; voló a bordo del observatorio de astronomía C-141 de la NASA, que analizó las atmósferas de Marte y de Saturno durante ocho horas, en una misión de gran altitud. Fue también una invitada especial en el Jet Propulsion Laboratory en Pasadena, California, el 7 de julio el 17 1976 para ver el aterrizaje de la nave Viking I en Marte. Con otros miembros de la serie original de Star Trek, acudió a bautizar el primer transbordador espacial, el Entreprise, en la fábrica norteamericana de Rockwell en Palmdale, California.

En 1994, publicó su autobiografía, Beyond Uhura: Star Trek and Other Memories, en la que señaló que tuvo una larga relación con el productor y creador de la serie, Gene Roddenberry.

Entre el final de la serie original y la serie animada, Nichols trabajó en papeles de menor importancia en cine y televisión. Hizo el papel de Dorinda en la película de 1974 Truck Turner, con Isaac Hayes. Trabajó también como actriz de voz en la serie Futurama, en varios capítulos.

Detención[editar]

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En 2014, estaba pasando el control previo a subir al avión cuando a su acompañante, un joven de 20 años, se le cayó la maleta al suelo en la terminal de American Airlines. La maleta se abrió y apareció una bolsa con metanfetamina.

La maleta en cuestión llevaba unas pegatinas en las que se podía observar inscrito el nombre de la veterana actriz. Fue por este motivo por el que los agentes de seguridad del aeropuerto la detuvieron de inmediato. Tras su arresto, Nichols declaró que no sabía que la metanfetamina se encontraba en la maleta, por lo que finalmente, al no ser de su propiedad, se procedió al arresto de su compañero, y a ella se le permitió proseguir con su viaje.

Familia y salud[editar]

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Fallecimiento[editar]

Falleció la noche del 30 de julio de 2022 por causas naturales, en su residencia en Silver City, Nuevo México. Tenía 89 años.3​






1934: 

Nace Maggie Smith, actriz británica.


Margaret Natalie Smith Cross CH, DBE (Ilford, Inglaterra; 28 de diciembre de 1934-27 de septiembre de 2024),1​ más conocida como Maggie Smith, es una consagrada actriz de teatro, ciney televisión británica. Ha grabado más de 50 películas y su extensa carrera, la cual abarca más de 60 años, la ha convertido en una de las actrices europeas de mayor reconocimiento en el mundo. Es considerada una figura importante dentro de cultura británica, fue nombrada «Dama» (Dame en inglés) por la reina Isabel II por su contribución a las artes interpretativas en 1990 y recibió la Orden de los Compañeros de Honor en 2014.2​
Smith comenzó su carrera en las tablas en el teatro Oxford Playhouse y debutó en Broadway en 1952. Por su destacado trabajo en el teatro londiense, recibió cinco premios Evening Standard por las obras El ojo público en 1962, Hedda Gabler en 1970, Virginia en 1981, The Way of the World en 1984 y Tres mujeres altas en 1994. Fue candidata al premio Tony por Vidas privadas en 1975, Noche y día de 1979, ganándolo en 1990 con Lettice and Lovage. Otras obras teatrales notables incluyen las producciones del Festival de Stratford Antonio y Cleopatra de 1976 y Macbeth de 1978 y las producciones de West End Un delicado equilibrio de 1997 y Un respiro de vida de 2002.
En la gran pantalla, Smith logró reconocimiento inicial por la cinta Nowhere to Go de 1958, la cual le originó una nominación al premio BAFTA.3​ Ganó dos premios Óscarpor las películas Los mejores años de Miss Brodie en 1969, como actriz principal, y California Suite en 1978, como actriz de reparto; siendo una de las seis actrices que han ganado el Óscar en ambas categorías.4​ Además, obtuvo otras cuatro nominaciones por las cintas Otelo de 1965, Viajes con mi tía de 1972, Una habitación con vistas de 1986 y Gosford Park de 2001. De igual manera, ha ganado cinco BAFTA, cuatro como mejor actriz y uno como mejor actriz de reparto, cuatro Emmy, tres Globos de Oro y dos SAG.5​
Entre 2001 y 2012, Smith interpretó a la Profesora Minerva McGonagall en la saga Harry Potter, la cual la hizo conocida para las audiencias más jóvenes. Otras cintas importantes en su filmografía son: Furia de titanes de 1981, Hook de 1991, Sister Actde 1992, Té con Mussolini de 1999, El exótico Hotel Marigold de 2012 y The Lady in the Van de 2015.6​ En los últimos años volvió a ser reconocida gracias al personaje de Violet, la condesa viuda de Grantham, en la exitosa serie británica Downton Abbey.7

Muerte

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El 27 de septiembre de 2024, Smith falleció en Londres en el hospital Chelsea and Westminster, a los 89 años de edad.84​85​86​​






1934:

Nace Pedro José Ramos, compositor colombiano.


Abogado, catedrático y político tolimense nacido en Ortega el 28 de diciembre de 1934, hijo del músico Zacarías Ramos, miembro durante 15 años de la Banda Departamental del Huila, y de la señora Silvia Rivera.
Desde temprana edad se inició en sus estudios musicales. Fue excelente ejecutante del tiple y la guitarra.
Su obra como compositor es extensa y cuenta con la mayoría de los aires andinos colombianos: bambucos, pasillos, valses, danzas, guabinas, rajaleñas, sanjuaneros. Una de sus primeras composiciones fue el bambuco “Ortegunita” dedicado a su esposa Melba Caballero, con quien contrajo matrimonio el 6 de agosto de 1966, y de cuya unión nacieron sus dos hijas: Silvia Patricia y Adriana Milena.
De Pedro J. Ramos podemos mencionar además, entre otros, los temas “Dígame por qué doctor?”, “Yo taba quieto en mi rancho”, “Qué es Macondo?”, “Me niego a odiar”, “Vivirás mi Tolima”, “Ojalá no crecieras”, “En ti veo a mis viejos”, “Ya es tarde”, “Mi surco”, “Fiesta Real”, “No vuelvas”, “Plegaria de amor”, etc...
“Ora sí entiendo por qué”, otra de sus clásicas composiciones en ritmo de bambuco, considerada por algunos como “canción protesta”, hizo que los Estados Unidos, en actitud completamente inexplicable, cancelaran la visa para ingresar a su país a los famosos Garzón y Collazos por el hecho de interpretarla:
“Ora que atisbo mi rancho todo jincho de pobreza,
después de haberme jodido arando una tierra ajena,
con los guámbitos más flacos que los perros del patrón,
ora si entiendo por qué hablan de revolución.”
El maestro Pedro J. Ramos se desempeñó como Notario 3º. de Ibagué desde 1975 hasta el 19 de febrero de 1990, día de su fallecimiento en dicha ciudad.


https://www.youtube.com/watch?v=Ama_3pQpL4M




https://www.youtube.com/watch?v=jW_mLJJoRH0







1937: 

Muere Maurice Ravel, compositor francés (nacido en 1875).



 Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875-París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásicoy, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).

Biografía[editar]

1875–1900: El aprendizaje[editar]

Infancia[editar]

Ravel nació el 7 de marzo de 1875, en el 12 del Quai de la Nivelle en Ciboure, departamento de los Pirineos Atlánticos, parte del País Vasco francés. Su padre, Joseph Ravel (1832-1908), era un renombrado ingeniero civil, de ascendencia suiza y saboyarda (Ravex). Su madre, Marie Delouart-Ravel (1840-1917), era de origen vasco, descendiente de una vieja familia española (Deluarte o Eluarte). Tuvo un hermano, Édouard Ravel (1878-1960) con quien mantuvo durante toda su vida una fuerte relación afectiva.1​
Pocos meses después, en junio de 1875, la familia Ravel se trasladó a París. La influencia sobre el imaginario musical de Maurice Ravel de sus orígenes vascos es discutida, puesto que el músico no regresó al País Vasco antes de los 25 años. No obstante, en la biografía escrita por Arbie Orenstein se menciona que Ravel se sentía muy unido a su madre y que ésta le transmitió su patrimonio cultural vasco (el cual, según Orenstein, habría tenido una gran influencia en la vida y la producción musical de Ravel); según dicha biografía, uno de los primeros recuerdos del compositor labortano eran las canciones folclóricas vascas que su madre le cantaba.2​ Más tarde regresaría regularmente a San Juan de Luz para pasar las vacaciones o para trabajar.
Sus padres frecuentaban los medios artísticos, fomentando los primeros pasos de su hijo que muy pronto reveló un talento musical excepcional. Comenzó el estudio del piano a los seis años bajo la guía de Henry Ghys. Niño juicioso, aunque también caprichoso y terco, pronto demostró su natural talento musical, aunque, para desesperación de sus padres y profesores, reconoció más tarde haber sumado a sus numerosos talentos «la más extrema pereza.»3​ De hecho, en un principio su padre, para obligarlo a practicar el piano, tenía que prometerle pequeñas propinas.4​ En 1887 recibió precozmente clases de Charles René (armonía, contrapunto y composición). El clima artístico y musical prodigiosamente fértil de París de fines del siglo XIX no podía sino estimular el desarrollo del joven.
Desde muy niño fui sensible a la música —a todo tipo de música—. Mi padre, mucho más cultivado en este arte que la mayoría de aficionados, supo desarrollar mis gustos y estimular tempranamente mi pasión». (Ravel, Esquisse autobiographique, 1928).5​


https://www.youtube.com/watch?v=Q4wb11w0ZHQ







1940: 

Nace Don Francisco (Mario Kreutzberger), presentador de televisión chileno.


Mario Luis Kreutzberger Blumenfeld (Talca, 28 de diciembre de 1940), internacionalmente conocido como Don Francisco, es un presentador de televisión y filántropo chileno de origen judío.1​
Es uno de los personajes más populares en el mundo de los medios de comunicación de habla hispana, fama adquirida gracias a su programa Sábado gigante, producido entre 1962 y 2015, y que llegó a emitirse en 43 países. Artífice de cruzadas solidarias, su principal obra es ser el creador en Chile de la Teletón, una campaña de beneficencia destinada a niños con discapacidad motriz.
Biografía[editar]
Mario Kreutzberger nació el 28 de diciembre de 1940, hijo de Erich Kreutzberger y Annie Blumenfeld, un matrimonio de judíosalemanes que habían llegado a Chile ese mismo año, huyendo de la Segunda guerra mundial. Su padre, tras su nacimiento, decidió emigrar desde Talca a Santiago y continuar con su negocio de sastrería. Mientras cursaba su educación primaria en el Liceo Comunal de Ñuñoa, y con un carácter muy tímido en ese entonces, dejó sus estudios por un breve período y se dedicó a trabajar en el negocio de su padre. Al volver, con un carácter más fuerte y desarrollado, llegó a ser presidente de su curso.
En el segundo año de la enseñanza secundaria, deja el colegio para dedicarse a vender ropa en provincias. Sin embargo, sus cualidades histriónicas -heredadas de su madre- lo llevan a animar eventos en sus ratos libres, llegando a actuar en el Club Israelita Macabbi, del cual era miembro. En este lugar nace el personaje que, con el tiempo, se convertiría en Don Francisco, y allí conoce a Teresa Muchnick, alias Temmy, con quien se casaría y tendría tres hijos: Patricio, Vivian, "La Vivi" (conductora de televisión, casada con Robert Wilkins) y Francisco (comunicador audiovisual).
Tras viajar a Estados Unidos por un año a estudiar Corte y Confección de Vestuario, a los 21 años decide que la televisión sería su carrera. En ese entonces, este medio de comunicación recién comenzaba sus transmisiones en Chile, y su desarrollo se produjo sólo tras la realización en el país de la Copa Mundial de Fútbol de 1962. Y aunque el riesgo en ese entonces era alto, la fascinación que la televisión estadounidense había causado en él era más grande.
Con el apoyo de su madre, pasa un año esperando fuera de la oficina de Eduardo Tironi -director ejecutivo de la cadena de televisión chilena Canal 13 en 1962- para hablar de sus proyectos, hasta que éste le brinda una oportunidad de trabajo.




1943:
Nace Judy Henríquez, actriz colombiana.

Judith Emilia Henríquez Lux, más conocida como Judy Henríquez, (Barranquilla, 28 de diciembre de 1943) es una actriz colombiana de cine, teatro y televisión. Es la viuda del escritor y libretista Bernardo Romero Pereiro.

Biografía

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Trayectoria

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Se graduó como periodista en la Universidad Javeriana de Bogotá. En los años 60, alcanzó éxito como cantante de la «Nueva Ola».1​

Sus primeras apariciones fueron en varios comerciales, pero en 1959 fue invitada a participar como extra en la primera telenovela colombiana, 0597 está ocupado. Su catapulta al estrellato llegó con su participación en la telenovela Destino: la ciudad. Es reconocida a nivel internacional por su papel protagónico en Señora Isabel, la historia de una mujer que se debatía entre la espera del amor de un joven o darse una segunda oportunidad con su esposo.2​ Otro papel importante en su carrera fue Doña Cuadrado en la telenovela Las Juanas.

Posteriormente se radicó en México con su esposo, el libretista Bernardo Romero Pereiro. Allí, la actriz tuvo participaciones en algunas telenovelas mexicanas, que eran adaptaciones de éxitos colombianos.

Vida personal

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Se casó con Bernardo Romero Pereiro el 13 de diciembre de 1968. Sus dos hijas, Adriana y Ximena Romero, también están relacionadas con el medio artístico. Adriana es también actriz y Ximena es libretista, como su padre.




1944: 

Nace Édgar Vivar, actor mexicano (Sr. Barriga).




Édgar Ángel Vivar Villanueva (Ciudad de México, 28 de diciembre de 1944)1​ es un actor, comediante y médico mexicano. Se hizo famoso por haber interpretado al personaje del Señor Barriga y a Ñoño en El Chavo del Ocho y al Botija en Los Caquitos, habiendo sido también actor de doblaje de películas de Walt Disney de Pixar como: Ratatouille, donde prestó su voz al Chef Auguste Gusteau, y Up: una aventura de altura donde hizo la voz del perro Dug.

Biografía[editar]

Egresado del Centro Universitario de Teatro, comenzó su carrera de actor teatral en 1964. Estudió y se licenció en Medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1970 —mientras desempeñaba su labor como médico— fue el segundo actor al que llamó Roberto Gómez Bolaños (Chespirito) para actuar en su programa televisivo El Chavo del Ocho (Gómez ya había llamado primero a Florinda Meza).
En estos programas Vivar fue conocido por sus personajes: el Señor Barriga, Ñoño y el caquito Botija:




1950: 

Nace Hugh McDonald, bajista actual de la banda Bon Jovi.


Hugh John McDonald (28 de diciembre de 1950 en Filadelfia) es el bajista de la banda estadounidense Bon Jovi desde 1994. Sustituyó a Alec John Such. A pesar de haber llevado tantos años con el grupo, no se le consideró miembro oficial hasta 2016, de la mano del nuevo álbum "This House Not For Sale". Vale aclarar que componía el bajo para estudio de Bon Jovi desde 1983. En 1994, tras la salida de Alec, a Hugh se le propone ser miembro oficial, cosa que este rechaza debido a que no siendo miembro oficial puede trabajar con otras bandas. Sin embargo, hasta el día de hoy, Hugh sigue trabajando con Bon Jovi al 100% en estudio y en vivo.
También ha colaborado en los álbumes solistas de Richie Sambora y Jon Bon Jovi, además de haber trabajado con músicos de la talla de Alice Cooper o Ringo Starr.



https://www.youtube.com/watch?v=lp5S3CCxDZU





1953: 

Nace Richard Clayderman, pianista francés.


Philippe Pagès (París, 28 de diciembre de 1953), conocido por su nombre artístico Richard Clayderman, es un pianista francés. Actualmente es reconocido como uno de los pianistas de música ligera más exitosos a escala mundial, con más de 70 millones de discos vendidos siendo premiado con 267 de oro y 70 de platino y habiendo realizado más de 600 conciertos alrededor del mundo. Es especialmente conocido por su interpretación de "Balada para Adelina" ("Ballade pour Adeline").
Biografía[editar]
Comenzó sus estudios de piano a muy temprana edad de la mano de su padre, quien era un profesor de música. Con 12 años ingresó en el Conservatorio de Música de París, donde cuatro años después obtuvo el Primer Lugar al Mérito. Sus primeros pasos como músico profesional los dio tocando en sesiones de grabación para poder seguir pagando sus estudios de capacitación y perfeccionamiento. En función de ello y de su especial talento tocó en grabaciones de Michel Sardou, Thierry LeLuron y Johnny Halliday.
En 1976 es convocado junto con otros 20 pianistas por el productor discográfico francés Olivier Toussaint y su socio, el compositor Paul de Senneville para realizar una prueba para la empresa discográfica francesa Disques Delphinepara grabar algunas baladas. Clayderman fue elegido y entraría a los estudios de grabación para realizar su primer álbum titulado con su nombre. En este álbum ejecutó el piano y el sintetizador siendo este uno de los dos que realizara con este instrumento. La mundialmente famosa Ballade pour Adeline, compuesta por Paul de Senneville en honor de su hija, recién nacida entonces, fue una de las piezas de este álbum que lo lanzó al estrellato mundial. Este sencillo vendió alrededor de 22 millones de copias en más de 30 países.
Actualmente lleva grabadas más de 1500 piezas musicales distintas, entre ellas El Vals Del Recuerdo de Marcelo Boasso, Yesterday (de The Beatles), The Sound of Silence y Strangers in the night. Ha grabado dos discos acompañado por la orquesta del músico alemán James Last.

https://www.youtube.com/watch?v=ITswHbJPHhQ





https://www.youtube.com/watch?v=eCCan3TFPoc&list=PLjQjaKp6EeSU8V1zJ8CvS8gzoTKgww2Wx





https://www.youtube.com/watch?v=imOd3hwgnrE&index=2&list=PLjQjaKp6EeSU8V1zJ8CvS8gzoTKgww2Wx




https://www.youtube.com/watch?v=wURpD1PIQwQ







1953:

Nace Martha Wash, cantante estadounidense.


Martha Wash (28 de diciembre de 1953) es una cantante estadounidense, que ha sido nominada dos veces al Grammy. Sus géneros son soul, R&B, pop, house y disco. Es conocida por su voz de soprano dramática, distintiva y poderosa.
Wash logró la fama mundial, al ser parte del dúo femenino Two Tons O Fun que cantaron al respaldo de la cantante Sylvester. Después de ganar su propio contrato de grabación, lanzaron tres canciones de éxito comercial que tuvieron como puesto #2 en las listas de baile. El dúo pasó a llamarse The Weather Girls en 1982, cuando lanzaron el mayor éxito de toda su carrera "It's Raining Men", que llevó al dúo a principal atención pop. Después de la separación de las chicas, Wash fue la más exitosa de las dos, ya que fue invitada a varias canciones que tuvieron éxito internacional.
Con seis canciones que alcanzaron el puesto número uno en las listas de Billboard estadounidense y otras cuatro que alcanzaron el puesto número dos. Su más reciente éxito es "I'm Not Coming Down".
Wash, también colaboró cantando el éxito "Gonna Make Your Sweat (Everybody Dance Now)" junto al proyecto C+C Music Factory.



https://www.youtube.com/watch?v=l5aZJBLAu1E




https://www.youtube.com/watch?v=18N2k1TBBRE






1954: 

Nace Denzel Washington, actor estadounidense.


Denzel Hayes Washington, Jr. (n. Mount Vernon, Nueva York; 28 de diciembre de 1954) es un actor y director de cineestadounidense, ganador de tres Globos de Oro, un Premio del Sindicato de Actores, un premio Tony y dos premios Óscar; estos por las cintas Glory como mejor actor de reparto en 1989, y por Día de entrenamiento como mejor actor principal en 2001.1​2​
Washington ha recibido el aplauso de la crítica especializada a lo largo de su carrera desde su debut en 1977, encarnando en muchas ocasiones personajes de la vida real. Algunos de ellos han sido: el activista sudafricano Steve Biko en Grito de libertad de 1987, el defensor de los derechos humanos Malcolm X en Malcolm X de 1992, el boxeador canadiense Rubin Carter en The Hurricane de 1999, el entrenador de fútbol americano Herman Boone en Remember the Titans de 2000, el poeta modernista Melvin B. Tolson en Grandes debates de 2007, y el narcotraficante Frank Lucas en American Gangster de 2007, entre otros. Ha colaborado frecuentemente con el productor estadounidense Jerry Bruckheimer y ha trabajado en numerosas ocasiones con los directores Spike Lee, Antoine Fuqua y Tony Scott. En 2016 fue homenajeado por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood con el Premio Cecil B. DeMilledurante la septuagésima tercera -73°- ceremonia de entrega de los Globo de Oro.
En 2002, Washington realizó su debut como director cinematográfico con la cinta biográfica Antwone Fisher: el triunfo del espíritu.3​ Su segunda cinta, Grandes debates, fue estrenada en 2007. Su trabajo más reciente como director, Fences, fue estrenado el 16 de diciembre de 2016 y cuenta con él y la actriz Viola Davis en los papeles estelares.4​ Fences le originó su séptima candidatura al Óscar como mejor actor principal.


1956: 

Nace Nigel Kennedy, violinista británico.


Nigel Kennedy (28 de diciembre de 1956, Brighton, Inglaterra) es un violinista y violista inglés.
Nació en Brighton, East Sussex, descendiente de un largo y prestigioso linaje de músicos. Su abuelo fue Lauri Kennedy, violonchelista británico que tocó en la Orquesta Sinfónica de la BBC, que tocó, entre otros, junto a Fritz Kreisler, Jascha Heifetz y Arthur Rubinstein.1​ Su abuela fue Dorothy Kennedy, pianista, que acompañó a John McCormack, y enseñó a los niños de Enrico Caruso. Lauri y Dorothy se establecieron en Australia, donde nació su hijo, el violonchelista John Kennedy, que fue violonchelista de la Orquesta Filarmónica Real de Sir Thomas Beecham. La madre de Nigel fue Escila Stoner, profesora de piano. Nigel no conoció a su padre hasta que tuvo 11 años.2​ Niño prodigio, a quien Yehudi Menuhin pagó sus estudios de violín desde que lo descubrió.
Muy conocido por sus interpretaciones de Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi, de la que llegó a vender más de un millón de discos, convirtiéndose en un récord de ventas en música clásica y por su trabajo con la soprano Sarah Brightman.




https://www.youtube.com/watch?v=wrrC6Go35Ro







1958:

Empieza su actividad artística el Dúo Dinámico.





Dúo Dinámico es un dúo musical español formado en 1958 por Manuel de la Calva y Ramón Arcusa, aún en activo. Se les considera uno de los grupos pioneros y más influyentes del pop español, así como precursores del fenómeno fan en la década de 1960.1​2​3​ Entre sus temas más conocidos destacan Quince años tiene mi amor, Quisiera ser, Amor de verano y Resistiré. También fueron compositores y productores para otros artistas, incluyendo la autoría del tema La, la, la con el que Massiel ganó el Festival de Eurovisión 1968 en representación de España.4​

Historia[editar]

Primera etapa (1958-1972)[editar]

El Dúo Dinámico es un grupo formado en 1958 por Manuel de la Calva (1937-) y Ramón Arcusa (1936-), dos jóvenes de Barcelona que se habían conocido en una fábrica de motores de aviación.3​ Ambos eran aficionados a la música y a raíz de su amistad comenzaron a frecuentar locales de jazz en su ciudad. La primera actuación oficial tuvo lugar el 28 de diciembre de 1958, en el programa «La comarca nos visita» de Radio Barcelona. Aunque habían pensado llamarse The Dynamic Boys, el locutor se negó a usar un nombre inglés y lo tradujo por «Dúo Dinámico».1​5​
Después de varias apariciones en la radio, De la Calva y Arcusa dejaron sus empleos en otoño de 1959 para grabar un primer EP de cuatro canciones con Gramófono Odeón (actual EMI), cuyo primer tema fue Recordándote.6​ Desde el principio, el Dúo Dinámico destacó por un estilo musical propio, tanto en canciones originales como en adaptaciones estadounidenses, que les convertiría en precursores del fenómeno fan juvenil en España.1​ El otro aspecto llamativo fue su cuidada estética, basada en prendas coloridas que contrastaban con los sobrios cantantes de la época.7​ A comienzos de los años 1960 grabarían un total de 36 EPs con cuatro temas cada uno, en su mayoría sin título.1​6​
Su primer gran éxito a nivel nacional vino con la película Botón de Ancla (1961), rodada cuando ambos estaban cumpliendo el servicio militar.8​ En la banda sonora se recogían sus canciones más populares, entre las cuales destaca Quince años tiene mi amor. Después de su estreno, se convertirían en una de las primeras bandas españolas que hizo gira por América Latina.9​ El resto de películas protagonizadas por ellos son Búsqueme a esa chica (1964, junto con Marisol), Escala en Tenerife (1964) y Una chica para dos (1966).1​
Además, el Dúo Dinámico tuvo un buen desempeño en los festivales de la canción que se celebraban en España por aquel entonces. En 1961 quedaron en segundo lugar del Festival de Benidorm con Quisiera ser. En 1966 se hicieron con el Festival del Mediterráneo gracias a Como ayer, cantada también por Bruno Lomas. Y su mayor triunfo fue la composición de La, la, la, el tema con el que España ganó el Festival de Eurovisión 1968. Aunque su intérprete fue Massiel, la canción estaba compuesta originalmente para Joan Manuel Serrat, amigo personal con el que compartían representante.4​10​ Sin embargo, la negativa de la dictadura franquista a que Serrat pudiera interpretar una parte en catalán motivó el cambio de cantante.4​10​
En 1968 el grupo pasa a llamarse «Manolo y Ramón», con una nueva etapa en la que cambian de registro musical ante el surgimiento de nuevos grupos.11​ A pesar de que no tuvieron el éxito esperado con la nueva denominación,1​ siguieron jugando un papel importante en la música española como productores de nuevos artistas como Miguel Gallardo, Manolo Otero y Camilo Sesto.
El Dúo Dinámico anunció su retirada en 1972 para centrarse en la producción discográfica.11​ Arcusa y De la Calva se convirtieron en los productores de confianza de artistas como José Vélez, Rosa León, Ángela Carrasco, Los Chunguitos y especialmente Julio Iglesias, con quien Arcusa ha trabajado casi en exclusiva desde 1978 hasta 1995.12​


https://www.youtube.com/watch?v=uS6E-KKh4CE











1959: 

Nace Ana Torroja, cantante española, de la banda Mecano.



Ana Torroja Fungairiño (Madrid, 28 de diciembre de 1959) es una cantante española. Fue la vocalista de Mecano, banda formada junto a los hermanos José María y Nacho Cano.
Inició su carrera en la música en 1981 junto a sus compañeros de grupo, los hermanos Nacho y José María Cano y, tras once años de trabajo junto a ellos, debutó como solista en 1997. Como solista sus mayores éxitos son «A contratiempo», «Ya no te quiero», «Veinte mariposas», «No me canso», «Sonrisa», «Tu habitación helada» y los duetos «Corazones» (junto a Miguel Bosé) y «Duele el amor» (con Aleks Syntek).

Biografía[editar]

Infancia[editar]

Ana es la mayor de seis hermanos: Celia, Laura, Yago, Javier y Carlos. Su padre, José Antonio Torroja Cavanillas, II marqués de Torroja, es un prestigioso ingeniero de caminos, al igual que su abuelo Eduardo Torroja Miret, I marqués de Torroja, y quizá el mayor especialista mundial de su tiempo en construcción en hormigón. Su madre, María del Carmen Fungairiño Bringas, enfermera y ama de casa, a la que Ana estaba muy unida, era hermana del conocido fiscal Eduardo Fungairiño, y murió el 26 de septiembre de 1985, cuando Ana tenía 25 años y Mecano estaba en la cima de su éxito.
Ana Torroja comenzó su etapa escolar en un liceo bilingüe en El Viso (barrio de Madrid), relativamente cercano a su casa familiar de entonces, en la calle Raimundo Fernández Villaverde. Posteriormente, estudió en un colegio religioso de Teresianas. Siendo una niña, cuenta que cantaba, a cambio de una galleta, el "frère Jacques". Su padre toca bien el piano; y en general, se puede decir que los Torroja estaban en contacto con la música a través de sus padres y abuelos.
Ana y José María Cano se conocieron en una fiesta que se celebraba en los apartamentos Tiuna, cerca del madrileño Paseo de La Habana, hacia el año 1974, siendo ambos adolescentes (14-15 años aproximadamente). En un principio, José María se sintió más atraído por la hermana menor de Ana, Celia. Sin embargo, al poco tiempo de conocerse, Ana y José María comenzaron a vivir una relación amorosa de adolescentes que duró unos 3 años, según ambos han manifestado en algunas entrevistas; probablemente hasta el traslado de José María a Valencia, después del verano de 1977.
Tras ese verano del 77, Ana comenzó la carrera de Económicas, que posteriormente abandonó hacia 1980, tras dos cursos académicos, coincidiendo con los orígenes de su carrera musical.

Salto a la fama con Mecano[editar]

Artículo principal: Mecano
Ana Torroja comenzó su carrera musical en 1977, formando un dúo totalmente amateur con José María Cano, (en ese entonces su pareja) a la vuelta de este último a Madrid en 1979. Más tarde se les unió el hermano de José María, Nacho, para formar "el grupo español que más discos ha vendido en todo el mundo", Mecano. Inicialmente, la voz del grupo era José María, mientras que Ana se limitaba a los coros. Pero posteriormente se decidió que fuera Ana la voz principal, lo que dotó al grupo de un toque ambiguo; ya que los temas, al estar escritos por los hermanos Cano, casi siempre reflejaban un punto de vista masculino. A esto contribuyó el look un tanto masculino que Ana mostró durante la segunda y siendo así muy original, marcando tendencia en todas las etapas del grupo, entre 1986 y 1992.


https://www.youtube.com/watch?v=nwcZnupTk2I





 https://www.youtube.com/watch?v=7IguUFc7af4







1966:

Nace 

Piotr Beczała (pronunciación: piɔtr beʈ͡ʂawa) nacido el 28 de diciembre de 1966 en Czechowice-Dziedzice, en el sur de Polonia, es un tenor lírico polaco.




Estudió en Katowice perfeccionándose con Sena Jurinac y Pavel Lisitsian, debutando en Linz en el Landestheater. Posteriormente fue miembro del elenco de la Ópera de Zúrich.

En el 2004 debutó en el Covent Garden en Der Rosenkavalier y en Fausto de Gounod. En noviembre del 2004 hizo su debut americano en San Francisco como Lensky en Eugene Onegin y luego en el Metropolitan Opera como el Duque de Rigoletto.

En febrero de 2009 reemplazó a Rolando Villazón en Lucia di Lammermoor en el Met.

En 2007 ganó el premio del Festival de Ópera de Múnich por su actuación en Werther, Rigoletto y Der Rosenkavalier. Debutó en la Ópera Estatal de Viena, el Festival de Salzburgo, la Ópera Alemana de Berlín y en los teatros de Fráncfort, Bilbao y Tokio.

Su repertorio incluye los papeles verdianos de Alfredo (La Traviata) y Riccardo (Un ballo in maschera); Edgardo (Lucia di Lammermoor de Donizetti), Rodolfo (La Bohème de Puccini), el príncipe (Rusalka de Dvořák), Vaudémont (Iolanta de Chaikovski), Jenik (La novia vendida de Smetana), el pastor (El rey Roger de Szymanowski), Tamino (La flauta mágica de Mozart), Don Ottavio (Don Giovanni de Mozart), Orombello (Beatrice di Tenda de Bellini) y otros.

Aunque la vocalidad wagneriana no forma parte de su repertorio habitual, debutó como Lohengrin en Dresde en 2016 bajo la batuta de Christian Thielemann junto a Anna Netrebko con gran éxito, y repitió el papel con el mismo director en 2018 en el Festival de Bayreuth y Anja Harteros, regresando al año siguiente junto a Krassimira Stoyanova y Anna Netrebko.






1970: 

Nace Elaine Hendrix, actriz y cantante estadounidense.



Katherine Elaine Hendrix (Oak Ridge, Tennessee, 28 de diciembre de 1970) es una actriz estadounidense. Es conocida por sus papeles e interpretaciones en películas como The Parent Trap (1998), Romy and Michele's High School Reunion(1997), Superstar (1999), Inspector Gadget 2 (2003) y el documental ¿¡Y tú qué sabes!? (2004).





1971: 

Muere Max Steiner, compositor austríaco de música para cine (nacido en 1888).


Maximilian Raoul Walter Steiner, conocido como Max Steiner (Viena, 10 de mayo de 1888 - Viena, 28 de diciembrede 1971) fue un compositor austriaco de música de cine, considerado junto con Victor Young y Alfred Newman, como el padre del sinfonismo clásico estadounidense. Es curioso observar como de los diez compositores más destacados de dicha época, solo dos son estadounidenses; esto repercutirá en los motivos musicales de las composiciones, siendo claramente música tardorromántica y basada en los cánones establecidos por los compositores europeos.

Biografía[editar]

Maximilian Steiner nació en Viena en 1888, donde se formó musicalmente, estudiando en la academia musical vienesa con personajes como Gustav Mahler. Pronto se ligó a la opereta vienesa, creando grandes composiciones y siendo reconocido públicamente de manera importante. Pero los ataques de la Primera Guerra Mundial le obligaron a trasladarse a EE.UU., donde se pondrá a trabajar en Broadway, consiguiendo igual de rápido su éxito.
Su trabajo en la orquesta de Rio Rita fue el motivo para que sea llamado por Hollywood, con el fin de adaptar dicha obra, de la cual ya no se separará hasta su muerte. Comenzó en RKO, y su éxito con la partitura de King-Kong (M. C. Cooper y E. Schoedsack ,1933) junto con su amistad con O´Selznick le hizo abandonar dicha productora; pero él necesitaba trabajar con una empresa más potente que pudiera soportar el volumen y nivel de trabajo que era capaz de desarrollar. Llegó a Warner donde se convirtió en director y voz cantante del departamento musical hasta su retirada y su posterior muerte en 1971 en la tierra que le consagró, Hollywood.
Era un maestro y un precursor de la marca de agua del cine norteamericano, la música enmarcadora, la música invisible pero capaz de potenciar de manera significativa el sentido de las imágenes. Por todo ello merece un lugar privilegiado entre los compositores musicales de cine. Escribió composiciones para más de trescientas películas, de las cuales una de las más representativas es Lo que el viento se llevó (V. Fleming, 1939). Además es el film preconizador del fin del sinfonismo clásico siendo a su vez su máxima expresión.
En él, se llegan a crear hasta dieciséis leitmotiv que sonaran cada vez que aparezcan los personajes e incluso cuando se habla de ellos (como sucede en la secuencia del diálogo de la ventana, que se sucede en el baile, donde al hablar de la guerra, se introduce su leitmotiv). Es destacable como este hecho de atribuir un leitmotiv a objetos inanimados, es pionero y de gran importancia puesto que Tara y la Guerra son de enorme valor para el desarrollo de la historia, convirtiéndose Tara en el elemento sobre el que gira toda la historia (esto se pondrá de relieve en la escena tan famosa de «A Dios pongo por testigo...» donde surge de manera esplendorosa su leitmotiv). También hace uso de los sonidos onomatopéyicos, como es el caso de la secuencia del bombardeo de Atlanta donde se da una amplificación de los sonidos con sentido dramático.
Hay que destacar la composición realizada para The Searchers (Más corazón que odio o Centauros del desierto) (J. Ford, 1956), una de las diez mejores obras cinematográficas de todos los tiempos, donde la música se convierte en el aparato que pone de relieve las imágenes, es decir, nos descubre sin crear significados nuevos. Esta presencia musical no sería del agrado de John Ford, puesto que el aboga por una transparencia total en la que lo visual se convierta en el único conductor de la historia. Ford prefería trabajar con Alfred Newman, pero no se puede negar la gran composición musical realizada por Max Steiner.
En definitiva, Steiner es la máxima representación del sinfonismo clásico y fuente de inspiración de los grandes compositores de hoy día pertenecientes al sinfonismo autorreferencial, como pueden ser: John Williams (Tiburón, Star Wars, ET,...), James Horner (Titanic, Leyendas de Pasión,...), Basil Poledouris (Conan el Bárbaro, La Caza del Octubre Rojo,...), etc.
Se estableció en Hollywood hacia 1929, cuando empezó el cine sonoro y, consigo, la música en las películas. Es uno de los grandes compositores de bandas sonoras, con obras maestras de la talla de 'Lo que el viento se llevó, precursora de la inclusión del leitmotiv o tema musical dedicado a un personaje o situación concretos, King Kong, o la música adicional para Casablanca, entre otros. Estuvo nominado al Óscar en 20 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por El delator (1935), La extraña pasajera (1942) y Desde que te fuiste (1944).









1975:

Muere César Guerrero, compositor ecuatoriano.


César Segundo Guerrero Tamayo, Nacido en el tradicional barrio ” La Tola” de Quito , Ecuador, el 15 de marzo de 1893 y fallecido en Quito, el 28 de diciembre de 1975; creador de letra y música de canciones populares; tocaba instrumentos musicales como la guitarra y la bandola. Fue hijo del destacado guitarrista Benjamín Guerrero, oriundo de Pasto, Nariño, Colombia, que viene a Quito a estudiar en nuestra por entonces ya famosa Universidad Central donde conoció a la quiteña Balbina Tamayo con quien formó su hogar.
César su niñez y juventud las pasó en la ciudad de Pasto donde vivió aproximadamente veinte años, de regreso a Quito formó parte de varias agrupaciones musicales de nuestro país entre ellas la estudiantina “La Lira Quiteña” junto a “El Gordo” Luis Zambrano, “Gaspagancho” Suárez, Luis Palacios, “Mr. Cachupalli” Victor Manuel Salgado y otros músicos conocidos de la época. Es el creador también del bambuco Adela y de otras canciones.
Historia de la Canción
El pasillo es una hermosa creación pero lleva consigo el misterio o la incógnita de su titulo o nombre ya que la fruta, o vegetal, el aguacate no aparece en ninguna parte de la letra, lo que ha causado mucha controversia e interés del por que de su nombre, que a la vez le da más encanto e importancia a la canción.
En el conversatorio con Eduardo “El Suco” Guerrero, hijo del compositor Guerreo Tamayo, que se publica en el internet en el Boletín Virtual dirigido por Rodrigo Llano Isaza; entrevista que se halla en el Anecdotario Quiteño escrito por Jaime Vaga Salas, donde dice: que la estudiantina (se refiere a La Lira Quiteña) famosa en su tiempo y a la que se le buscaba para las grandes recepciones en las casas más encopetadas de Quito, como las Carrión, las Maldonado y más. En una de esas casas conoció a doña María, una linda señora, toda gracias y salero, de la que salió prendado. Cuando en su quinta, al pie de un árbol de aguacate, recordando el romance, compuso, DICEN, el pasillo que llegara a se el más sentido y cantado en Quito, el Ecuador y fuera de las fronteras patrias.
Después de estas declaraciones en el Boletín Virtual comenta Llano Isaza …Destaco de la entrevista el párrafo que resalto en letra mayúscula, particularmente la palabra DICEN, la cual la he subrayado por cuanto hace que la historia de cómo o cuál fue la inspiración del autor de “El Aguacate”, Cesar Guerrero Tamayo padre del entrevistado, queda en el limbo de las especulaciones al no dar una respuesta concreta, clara y precisa que no deje duda alguna, tal es el caso si hubiese dicho por ejemplo: mi padre me dijo o mi padre me contó. AL manifestar la palabra DICEN, atribuye a otros y no a lo que bien pudo contarle su padre, razón por la cual y para mayor fantasía de esa preciosa canción a quedado rodeada con esa aureola de un insondable misterio donde la especulación del cuál fue el origen o motivo de inspiración de “El Aguacate”, seguirá navegando por el piélago de lo incierto, de lo desconocido.
Por esta razón, de la mano de la hermosura de la creación y toda la fama, existen varias teorías y especulaciones ingeniosas al respecto:
Su hija Juanita Guerrero Caicedo en la entrevista con la Dra. Eugenia Cevallos dijo que su padre …había salido con sus amigos a dar un paseo por el centro de la capital ecuatoriana, llevaba su guitarra y de cuando en cuando entonaban este pasillo que aún no tenía titulo. Al pasar por una tienda, galantearon a una guambrita que en el instante comía un aguacate, le ofrendaron un piropo que no le gustó y les contestó echando la pepa del aguacate que fue a dar en el hombro del compositor.
Otro hijo del compositor ha manifestado en radio HCJB en una entrevista con la presentadora Yolanda Molina de Aguilar, que en una reunión en la parroquia Cumbayá -en ese entonces pequeña población rural del cantón Quito cuando el autor interpretaba “su pasillo”, desde afuera uno de los chicos lanzó como un proyectil un aguacate, que cayó sobre el piano. Esto motivó el nombre.
Buscando el título para su pasillo, en esos devaneos estaba sentado a la sombra de un gran árbol de aguacates, cuando desde la fronda cae una cáscara lanzada por su hijo, quien se había encaramado a las altas ramas para dar cuenta de los aguacates. Al recibir el impacto de la cáscara del aguacate en su frente el autor decidió titular a su canción con el nombre de esta laurácea, persea americana -el aguacate- a la que inmediatamente asociamos con nuestros más deliciosos platos típicos. Lo dice Helena de Troya en Yahoo.
Cuenta que el célebre músico latacungueño César Viera, invitó a Latacunga a sus amigos músicos y poetas de Quito, entre ellos a César Guerrero. con los cuales festejó toda la noche. Al día siguiente de la farra resolvieron trasladarse hasta Loreto (localidad cercana a Latacunga); allí, sentados a la sombra de un árbol entonaban el pasillo a coro. El autor pedía un título. Alguien hizo notar que el árbol que los cobijaba era un aguacate, por lo que el grupo, entre cháchara y cháchara, gritaba: ponle “El Aguacate”.
Cuando alguna vez su creador interpretaba el pasillo, una vendedora pasaba por la calle anunciando aguacates (en el barrio La Villaflora de Quito); o, que en el zaguán de una casa, con una voz digna de un barítono de Ópera, se oye: “aguacates para el almuerzo” (en el barrio La Tola de Quito).
Por que estaba dedicado a una dama de alta alcurnia o clase social muy destacada que tenia sembrado un frondoso y vistoso árbol de aguacate en el huerto de su casa y como el autor no podía manifestar abierta o públicamente su amor optó por ponerle el nombre de “El Aguacate” a su composición con la esperanza de perpetuar en el corazón de la mujer de sus ensueños el mensaje que bien ella entendía por ese amor imposible entre los dos.
Por el encuentro casual que tiene el compositor con la mujer de sus sueños, a poco de ser el medio día, en el que la dama le regala un aguacate para el almuerzo, y éste, agradecido por el gesto, plasmó su nombre en recuerdo de aquella mujer que también por desigualdad social o estar ella ya comprometida no se podía dar a conocer su nombre, entonces que mejor que engalanarlo con el de esta fruta tan apetecida en las comidas por las gentes de la región.
Que era alusivo a los “viejos verdes”, al hombre ya entrado en años que se enamora de una jovencita que comienza la vida, cuando la del enamorado ya pasa la inexorable cuerda de los años de un cercano invierno donde la vejez obliga a refugiarse en la placidez de un dulce hogar y que mejor hacerlo en brazos de una joven y tierna mujer que lo acompañe.
Como represalia o en venganza por una lluvia de maduros aguacates que desde de las ventanas de su amada le fueron lanzados por parte del suegro o la suegra que no miraba con buenos ojos el romance de su hija con aquel músico aventurero que la pretendía, y éste para comprometer mucho más a su querida que le pedía perdón por el incidente, pasó su cuenta de cobro poniendo el sugestivo nombre a la canción dedicada a ese amor imposible.
Por lo general las canciones nacen y luego se les pone el nombre o titulo, fijándose en la frase más digerible, la más repetitiva, o la más linda, en fin; en este caso el tema se cantaba y cuando surgió la necesidad, de ponerle el título en esa época estar muy enamorado era estar “Aguacate” decidieron por este nombre que por supuesto está muy de acuerdo con su letra.
La grabación que le dio el éxito al pasillo fue la realizada en 1952 en el sello disquero, con la Orquesta del maestro Luis Aníbal Granja y cantada por Olga Beatriz y Luis Alberto Valencia, los Hermanos Valencia. Dada su hermosura la han grabado cantidad de artistas nacionales y extranjeros. Un hit contemporáneo le torna el cantautor chileno Alberto Plaza, utilizando arreglos y armonía modernos, también el connacional Juan Fernando Velasco entre otros artistas.

Letra de la canción

Tu eres mi amor,
mi dicha y mi tesoro,
mi sólo encanto y mi ilusión.
Ven a calmar mis males,
mujer, no seas tan inconstante,
no olvides al que sufre y llora
por tu pasión…
Yo, te daré mi amor
…mi fe, todas,
mis ilusiones
tuyas son
Pero tú no olvidarás
al infeliz que te adoró,
al pobre ser que un día
fue tu encanto tu mayor anhelo
y tu ilusión.

http://achiras.net.ec/el-aguacate-un-pasillo-ecuatoriano-sin-tiempo/




https://www.youtube.com/watch?time_continue=182&v=d6sJaVKAZv0





https://www.youtube.com/watch?v=lZTTc59W678






1976:

Muere
Rubén Uquillas,

fue un destacado compositor, cantante y guitarrista ecuatoriano, nacido en Quito el 15 de febrero de 1904. Realizó sus estudios iniciales con los salesianos y posteriormente en el Colegio Nacional Mejía, donde obtuvo su bachillerato. Su pasión por las artes lo llevó a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Declamación y Teatro Nacional de Quito.

acemla.com

En 1935, Uquillas se trasladó a Venezuela, donde residió hasta su fallecimiento el 28 de diciembre de 1976. Durante su carrera, compuso numerosas piezas que enriquecieron el repertorio musical ecuatoriano, entre las que destacan:

  • Pasillos: "Tatuaje" y "El Dolor de la Vida"
  • Albazos: "Apostemos que me Caso", "Pajarillo" y "El Maicito"
  • Tonada: "Ojos Azules"
  • Sanjuanitos: "El Aguacerito" y "Chiqui Chay"
  • Aires típicos: "Vestida de Azul", "Bonita Guambrita" y "Solterito"

Su legado musical ha sido interpretado por diversos artistas y continúa siendo una parte fundamental de la cultura ecuatoriana.

acemla.com







1976: 

Nace Joe Manganiello, actor estadounidense.


Joseph Michael "Joe" Manganiello (28 de diciembre de 1976, Pittsburgh, Pensilvania) es un actor estadounidense.

Índice

·         1Primeros años
·         2Carrera
o    2.1Cine y televisión
o    2.2Teatro
·         3Otros trabajos
·         4Vida personal
·         5Filmografía
o    5.1Películas
o    5.2Televisión
·         6Premios
·         7Referencias
·         8Enlaces externos

Primeros años[editar]

Manganiello nació en Pittsburgh, Pensilvania, y creció en Mt. Lebanon, un suburbio al sur de la ciudad. Es hijo de Charles y Susan Manganiello.1​Manganiello tiene ascendencia italiana (Sicilia), armenia y austríaca,2​era estudiante de la St. Bernard School, una escuela católica de Mt. Lebanon,3​y después asistió al Mt. Lebanon High School,4​donde se graduó en 1995. Creció jugando al fútbol, baloncesto y voleibol, jugó al fútbol americano en la escuela secundaria, y fue el capitán de su equipo de baloncesto y del equipo de voleibol.5​Manganiello ganó el papel de Jud Fry en la producción de su escuela, Oklahoma!, y se involucró en el estudio de televisión de la escuela. Los fines de semana, pedía prestado el equipo para hacer cine con sus amigos, y se interesó en la actuación para convertirse en un cineasta más que aficionado.6​
Después de sufrir lesiones en el fútbol, Manganiello hizo una audición para la Carnegie Mellon School of Drama, en su último año en la escuela secundaria. No fue aceptado, por lo que se matriculó en la Universidad de Pittsburgh y allí hizo teatro. Manganiello volvió a incribirse en la Carnegie Mellon un año más tarde, y fue uno de los 17 estudiantes aceptados en el programa de interpretación.7​Actuó en producciones de teatro y escribió, produjo y actuó en una película de estudiantes llamada Out of Courage 2.8​Manganiello se graduó en el 2000 con un BFA en interpretación.6​Manganiello estudió todos los estilos de teatro clásico cuando estuvo allí. Viajó a Nueva York y Los Ángeles a través de su universidad para participar en audiciones de grupo, lo que le proporcionó contactos en el negocio del entretenimiento.9​

Carrera[editar]

Cine y televisión[editar]

Manganiello se mudó a Los Ángeles después de graduarse de la Universidad Carnegie Mellon.10​Rápidamente firmó con un agente de talentos, y 3 días después, hizo la prueba para el papel de Peter Parker en la película de Sam Raimi, Spider Man de 2002. Manganiello no consiguió el papel protagonista pero logró el de Eugene "Flash" Thompson, némesis de Peter Parker, consiguiendo actuar junto a Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, y Willem Dafoe, en su primer trabajo de calidad en la universidad.11​Repitió el mismo papel varios años más tarde, haciendo un breve cameo al final de Spider-Man 3 en 2007.
Manganiello comenzó a encontrar trabajo en la televisión, interpretando al novio de Tori Spelling en So NoTORIous de VH1 en 2006, y fue la estrella invitada en Las Vegas, Jake in Progress y Close To Home ese mismo año. En 2007, apareció en "My No Good Reason", un episodio dirigido por Zach Braff de la serie Scrubs de NBC, y en la telenovela nocturna American Heiress de MyNetwork TV. También interpretó al agente Litchman, el amante del personaje interpretado por Linda Cardellini, en 4 episodios de la serie ERde NBC.
Manganiello también interpretó a Brad, el compañero de la facultad de Derecho de Marshall Eriksen, interpretado por Jason Segel, en varias temporadas de la comedia de CBS How I Met Your Mother.12​En 2008, se unió al reparto del drama de The CW One Tree Hillpara su quinta temporada, interpretando al camarero Owen Morello, el amante de Sophia Bush. Manganiello desapareció de la serie en Wilmington, Carolina del Norte, y regresó a su sexta y séptima temporadas.13​Interpretó a Stu en la comedia de Fox Til Deathdurante dos episodios, y protagonizó el cortometraje Wounded, escrito por Gloria Calderon Kellett ese mismo año,.14​
Actuó en la película bélica que salió directa a DVD Behind Enemy Lines: Colombia en 2009, junto con el luchador profesional de la WWE, Ken Kennedy. Manganiello interpretó al teniente Sean Macklin, un líder de equipo de los Navy SEALs. Una película de Fox Home Entertainment filmada en Puerto Rico15​Manganiello apareció en Medium en 2009, y ha sido actor invitado en las tres series de la franquicia de televisión CSI, de la cadena CBS: CSI: Crime Scene Investigation, CSI: Miami y CSI: NY. Tuvo un papel en la película independiente Irene in Time, escrita y dirigida por Henry Jaglom.
En 2010, Manganiello apareció en anuncios de televisión de Taco Bell en la promoción de su nuevo producto, el Tortada.16​Apareció en los pilotos de televisión de 100 Questions y la comedia de Pittsburgh, Livin' on a Prayer, escrita en parte por el escritor y compañero de How I Met Your Mother, Kourtney Kang.17​18​
Manganiello desempeña el papel del hombre lobo Alcide Herveaux en True Blood de HBO. Su personaje llegó a la tercera temporada de la serie como un guardaespaldas contratado por Eric Northman (Alexander Skarsgård) para proteger a Sookie Stackhouse (Anna Paquin), cuando su novio, el vampiro Bill Compton (Stephen Moyer), desaparece. Manganiello describe la relación de estos cuatro personajes como "amor cuadrado".19​
True Blood ya era el programa de televisión favorito de Manganiello cuando se unió al reparto. Hizo una prueba para interpretar a Coot, otro hombre lobo en la serie, pero se le pidió que dijera el diálogo de Alcide en su lugar.20​ Manganiello se dejó crecer la barba y entrenó durante cinco meses para agregar el músculo para el papel;6​La autora Charlaine Harris había descrito a Alcide que tenía "los brazos del tamaño de cantos rodados".21​Manganiello ha firmado para ser un miembro del reparto regular.22​







1976: 

Nace Vanessa Ferlito, actriz estadounidense.


Vanessa Ferlito (Brooklyn, Nueva York; 28 de diciembre de 1980) es una actriz estadounidense de ascendencia italiana.

Índice

·         1Carrera
·         2Vida personal
·         3Filmografía
o    3.1Cine
o    3.2Televisión
·         4Referencias
·         5Enlaces externos

Carrera[editar]

Con poco más de veinte años debutó en el cine al intervenir en el drama psicológico-sexual On Line en 2002. Al margen de la gran pantalla, ha aparecido en diversas series de televisión, como 24, CSI: Nueva York y Los Soprano, y en el telefilm de John Leguizamo Undefeated. Ferlito decidió dejar su papel de detective Aiden Burn en CSI: New York porque quería centrar su carrera en el mundo del cine y el teatro.1​ En 2013 regresó a la televisión con Graceland y desde 2016 con NCIS: New Orleans.







1978: 

Nace John Legend, músico estadounidense.




John Roger Stephens, conocido como John Legend, (Springfield, Ohio, 28 de diciembre de 1978) es un cantante, compositor, pianista y actor estadounidense. Ha ganado diez premios Grammy, un Premio Globo de Oro y un Oscar. En 2007, Legend recibió el Premio "Hal David Starlight " del Salón de la Fama de los Compositores. 1​
El 17 de septiembre del 2018, se convierte en un artista EGOT, por haber ganado el premio Emmy, Grammy, Oscar y Tony.
Antes del lanzamiento del álbum debut de Legend, su carrera ganó ímpetu a través de una serie de colaboraciones con varios artistas de renombre. En varios puntos de su carrera, Legend ha colaborado en sencillos como "Getting Nowhere" de Magnetic Man, "All the Lights" de Kanye West, en "This Way", de Slow Village. Además de participar en "Encore" de Jay Z, en el coro de la canción de Alicia Keys, "You Don't Know My Name", el remix que hizo Kanye West a la canción de Britney Spears "Me Against the Music" y "High Road" de Fort Minor. Legend tocó el piano en "Everything Is Everything" de Lauryn Hill. Por su trabajo en solitario, ganó un "Número 1" en la lista Billboard Hot 100 con "All of Me" en 2013. Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original en 2015 por escribir la canción "Glory" de la película Selma.


 https://www.youtube.com/watch?v=450p7goxZqg







1989:

Muere Ricardo López Méndez, poeta y compositor mexicano.


Nació en Izamal, Yucatán el 7 de Febrero de 1903. Hijo de Don Juan López Pacheco y Doña Francisca Méndez Palma.

Residió hasta los 23 años en Mérida, Yucatán, y después en la ciudad de México. Se casó con la Sra. Ligia Maldonado Ponce.

Desde muy joven destacó por su talento literario, habiendo pertenecido en la década de los 20 al grupo Esfinge, integrado por literatos yucatecos como José Esquivel Pren, Emilio Abreu Gómez, Oswaldo Baqueiro, Alberto Bolio y Antonio Mediz Bolio, entre otros. Su carrera como autor inició en Mérida, Yucatán. Su primer poema hecho canción fue Languidece una Estrellita, musicalizada por Ricardo Palmerín.

De ahí en adelante su inspirada poesía habría de recorrer el mundo envuelta en música de los mejores compositores de la época y cantada por afamados intérpretes.

Canciones como Nunca, Golondrina Viajera, Quisiera, Aléjate, Yo quiero ser y Fondo Azul con música del trovador yucateco, Augusto Cárdenas (Guty Cárdenas). Amor, Desesperadamente, Mar y Noche, con las melodías de Gabriel Ruiz; Déjame, Tu partida y Tu Boca y yo, con la inspiración musical de Gonzalo Curiel, son sólo algunas de las obras más representativas del Mtro. López Méndez.

De la vasta obra literaria de Ricardo López Méndez, destaca sin duda su poema Credo (México, creo en ti…), editado en 1940, por el que otro renombrado poeta yucateco, Antonio Mediz Bolio, otorgó la dignidad de "El Vate" a López Méndez, aduciendo que nadie había captado con más intensidad y cercanía el maravilloso misterio de la patria mexicana. Además de poeta y escritor, Ricardo López Méndez se desempeñó como periodista, locutor, radiodifusor y publicista. Colaboró en la XEW desde su fundación, junto a otros famosos locutores, como Pedro de Lille, Alonso Noriega y Manuel Bernal. También fundó y dirigió varias estaciones de radio en territorio mexicano, desde Tamaulipas hasta Yucatán y Quintana Roo. Como periodista trabajó en varios diarios de Yucatán y de la ciudad de México. El Diario de Yucatán, El Universal Gráfico, Excélsior, Novedades y El Nacional, publicaron por más de 40 años sus artículos.

Entre los reconocimientos más importantes que recibió destacan el que le otorgó la Sociedad de Autores y Compositores de México, como insigne poeta al cumplir 50 años en esta profesión; dos medallas Agustín Lara; medallas de la Cámara de Comercio; medalla Eligio Ancona; medalla Guty Cárdenas; medalla de la Asociación de Locutores, y premios de la Broadcast Music Inc. Por Amor, Amor y por Mar.

Es frecuente encontrar su busto en bronce, como homenaje público, en parques y jardines de la ciudad de México, Yucatán y otros estados del país. En Ciudad Mante, Tamaulipas, una calle lleva su nombre, al igual que un parque en Cuajimalpa, D.F.
Hijo Predilecto en varias entidades federativas de México, y desde principios de 2009 una calle que lleva su nombre en el norte de la ciudad de Mérida, Yucatán, aledaña al Centro Cultural Obrero, que también ha sido nombrado en su honor.

En Nicaragua recibió la Orden del Centenario y el Monje de Oro; la Secretaría de Educación Pública le otorgó un reconocimiento por Mejoramiento Cultural del Pueblo, y por exaltar los valores de la Nacionalidad Mexicana. La Escuela Técnica de Publicidad le dio un diploma, en el que se le reconoce como Fundador.

Una anécdota muy emotiva que el Mtro. López Méndez solía narrar, refiere que al terminar la Segunda Guerra Mundial, en la ciudad de Los Ángeles, fue invitado a un hospital donde estaban jóvenes militares a los que se les había otorgado El Corazón Púrpura, casi todos ellos de origen mexicano, principalmente de Coahuila, Nuevo León y Zacatecas. Al sentarse a comer, uno de ellos le dijo: "Señor, esa canción con letra suya, Amor, amor, nos gusta mucho, pero hay una que nos llega al alma, Nunca, la cantamos nosotros y nuestros padres." Ricardo decía que tratando de evitar que le salieran las lágrimas, pensó: "Hermano Guty (Cárdenas), sin saberlo hicimos una canción para los héroes de guerra”.

Ricardo El Vate López Méndez, falleció el 28 de Diciembre de 1989 en Cuernavaca, Morelos.

En 2009, la Sociedad de Autores y Compositores de México, de la que fue socio fundador, galardonó al Mtro. Ricardo López Méndez con la presea post mortem Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas, instituido para honrar a los autores mexicanos cuya obra haya trascendido las fronteras lingüísticas y culturales para gloria de México en el mundo, permaneciendo vigente hasta nuestros días.




https://www.youtube.com/watch?v=mHw71VcYRBQ





https://www.youtube.com/watch?v=jDuIb3qt70k







1989:

Nace Salvador Sobral, cantante y músico portugués.



Salvador Vilar Braamcamp Sobral (Lisboa, 28 de diciembre de 1989), conocido como Salvador Sobral, es un cantante y músico portugués, ganador del Festival de Eurovisión 2017 en representación de Portugal con la canción «Amar pelos dois».1​

Índice

·         1Biografía
·         2Distinciones honoríficas
·         3Referencias
·         4Enlaces externos

Biografía[editar]

Sobral nació en Lisboa el 28 de diciembre de 1989. Su padre es Salvador Luís Cabral Braamcamp Sobral (1955, nieto del 4° Conde de Sobral) y su madre es Luísa Maria Cabral Posser Vilar (1960). Su hermana mayor, Luísa Sobral, es también cantante y compositora.2​
En 2009 participó en la tercera temporada del programa televisivo Ídolos —versión portuguesa de Pop Idol— y finalizó séptimo,3​ al tiempo que lo compaginaba con la carrera de Psicología por el Instituto Superior de Psicología Aplicada.4​ Arrepentido por su decisión de participar en ese programa,2​ decidió marcharse con una beca Erasmusa Palma de Mallorca (España), donde comenzó a cantar en bares y mostrar interés por la música jazz,2​5​ además de viajar por diversas ciudades del país.6​
Abandonó la carrera de Psicología y en 2010 se instaló definitivamente en España para estudiar música en el Taller de Músics de Barcelona.4​7​
La trayectoria de Sobral se ha encaminado hacia la música jazz y alternativa, tomando como referencias a Chet Baker, la bossa nova y los sonidos latinoamericanos.7​ En 2014 formó parte de Noko Woi, un grupo venezolano afincado en Barcelona que llegaría a actuar en el festival Sónar.8​ Y en 2016, ya de vuelta a Lisboa, publicó su debut en solitario, Excuse Me, en colaboración con el pianista Júlio Resende.7​
En 2017 se proclamó vencedor del Festival RTP da Canção con la balada «Amar pelos dois», compuesta por su hermana Luísa. Gracias a esa victoria, Sobral fue el representante de Portugal en el Festival de Eurovisión 2017.9​ Ya en el certamen europeo, celebrado el 13 de mayo, el artista se proclamó vencedor con 758 puntos, liderando tanto el televoto como el jurado profesional. De este modo, el país luso se hizo con la victoria por primera vez, además de lograrlo con la mejor puntuación histórica hasta esa fecha.1​10​
En septiembre del mismo año tuvo que retirarse temporalmente de los escenarios por una dolencia cardíaca.11​12​ Sobral permaneció cuatro meses en un hospital de Lisboa a la espera de un trasplante de corazón, completado en diciembre del mismo año.13​14​ Y tras recuperarse sin contratiempos en la unidad de cuidados intensivos, recibió el alta médica el 12 de enero de 2018.15​16​ Retomaría su carrera artística con una reaparición en la final del Festival de Eurovisión 2018 junto a Caetano Veloso.17​




https://www.youtube.com/watch?v=Qotooj7ODCM






1991:

Muere  Cassandra Harris, actriz australiana (n. 1952).



Cassandra Harris (nombre artístico de Sandra Colleen Waites; Sídney, 15 de diciembre de 1948 - Los Ángeles, 28 de diciembre de 1991) fue una actriz australiana.
Cassandra trabajó en filmes de cierto éxito internacional como The Greek Tycoon, con Anthony Quinn y Jacqueline Bisset y en la serie de televisión Remington Steele, protagonizada por Pierce Brosnan, con quien estuvo casada entre 1980 y 1991.
Fue una chica Bond en For Your Eyes Only (en español: Sólo para sus ojos), en el papel de una condesa muerta una noche de amorcon James Bond (entonces Roger Moore). Fue durante el rodaje cuando Brosnan, que entonces tenía 28 años, conoció al productorde la serie Bond, Albert 'Cubby' Broccoli, que más tarde lo invitaría a ser el agente 007 en el cine.
Tuvo tres hijos: Christopher y Charlotte, de su matrimonio con Dermot Harris (entre 1970 y 1978), y Sean (n. 1983), de su matrimonio con Brosnan. Los dos primeros fueron adoptados por Brosnan tras la muerte de Dermot Harris en 1986.
Harris fue diagnosticada de cáncer de ovarios en 1987 y luchó contra la enfermedad hasta que falleció el 28 de diciembre de 1991, a los 43 años. Su hija, Charlotte, también murió de cáncer de ovarios, el 1 de julio de 2013, a la edad de 41 años.










1999: 

Muere Clayton Moore, actor estadounidense (nacido en 1914).




Clayton Moore (n. 14 de septiembre de 1914 - f. 28 de diciembre de 1999) fue un actor norteamericano. Era mundialmente famoso por interpretar en el cine y la televisión al El Llanero Solitario.
Carrera[editar]
Su verdadero nombre era Jack Carlton Moore, nació en Chicago, Illinois, empezó su carrera de niño como acróbata de circo. En 1938 llegó a Hollywood y actuó en papeles menores en películas western clase B. En 1947 filma la película Jesse James Rides Again, interpretando al legendario Jesse James, repitiendo el papel en 1948 en la película Adventures of Frank and Jesse James. Protagonizó a El Zorro en Ghost of Zorro de 1949, otras de sus películas clase B que protagonizó fueron Cyclone Fury de 1951, Montana Territory de 1952 como el comisario George Ives. Gunfighters of the Northwest de 1954., más acá en el tiempo en The Alamo: Thirteen Days to Glory de 1987acompañando al actor James Arness.
El Llanero Solitario[editar]
1949 lo eligieron para interpretar a The Lone Ranger, como se llamó la serie televisiva en inglés. Fue el mayor éxito de la cadena ABC en la posguerra: hasta 1956 se filmaron 169 capítulos.Con sus balas de plata, sombrero blanco y antifaz oscuro, el personaje de El Llanero Solitario se apoderó de Moore. En la década del 50 hizo dos películas interpretando a este solitario miembro de los Texas Rangers que, acompañado por su fiel amigo indio Toro, interpretado por el actor Jay Silverheels, que murió en 1979 a los 62 años. La quinta y última temporada de El Llanero Solitario se grabó en color, entre 1956 y 1957. Siempre hacía justicia. Cuando se fue de la serie por problemas de contrato, Moore siguió haciendo shows. Pero en 1979 la empresa dueña de los derechos de El Llanero Solitario lo obligó judicialmente a abandonar el personaje. El juez Vernon Foster dijo que Moore no podía usar más el antifaz negro ni publicitarse como El Llanero Solitario. Apenado, Moore acató la decisión del juez. En 1987 se colocó una estrella en el Sunset Boulevard de Los Angeles.





2004: 

Muere Jerry Orbach, actor estadounidense (nacido en 1935).


Jerry Orbach (Jerome Bernard Orbach: 20 de octubre de 1935 - 28 de diciembre de 2004) fue un actor estadounidense conocido por su papel estelar como el detective Lennie Briscoe en la serie estadounidense Law & Order.
También protagonizó las películas Dirty Dancing y Last Exit to Brooklyn.






2014:

Nace Leopoldo Federico, director de orquesta, compositor y bandoneonista argentino (n. 1927).



Leopoldo Federico (Ciudad de Buenos Aires, 12 de enero de 1927 - 28 de diciembrede 2014) fue un director de orquesta, compositor y bandoneonista argentinoconsiderado una de las figuras máximas del tango.1​Como ejecutante sabía tomar en la orquesta el rol de cadenero2​ y su capacidad de arreglista, le permitió crear novedosas versiones sobre antiguas partituras.3​Como ejecutante se definía "Soy eso que llaman un bandoneón cadenero que con un gesto o una mirada termina uniendo a todos los instrumentos y me los llevo conmigo en el bandoneón."4​

Con Julio Sosa[editar]

En 1959 acompañó al frente de su orquesta al cantor uruguayo Julio Sosa, grabando 64 temas para el sello CBS y Columbia Records. Los más grandes éxitos fueron: «Cambalache», «Mano a mano», «Nada», «El Firulete», «Qué me van a hablar de amor», «En esta tarde gris», «Uno», «Rencor» y una original versión de «La Cumparsita».








2016:

Muere Debbie Reynolds, cantante y actriz estadounidense (nacida en 1932).


Mary Frances Reynolds, conocida como Debbie Reynolds (El Paso, Texas; 1 de abril de 1932 - Los Ángeles, California; 28 de diciembre de 2016),3​ fue una actriz y cantante estadounidense, famosa por sus papeles en Cantando bajo la lluvia (1952), La conquista del Oeste, Molly Brown siempre a flote (por el cual fue nominada al Óscar), Mother (nominación al Globo de Oro), In & Out (1997) y por interpretar a Aggie en las películas de Halloweentown (1998-2006). Fue galardonada con un Oscar Honorífico en 2015.











2020: Muere Armando Manzanero, cantautor mexicano (n. 1935)



Armando Manzanero Canché (Mérida, Yucatán; 7 de diciembre de 1935-Ciudad de México, 28 de diciembre de 2020),1​2​3​4​ fue un compositor, cantante, actor, músico y productor discográfico mexicano, considerado por parte de especialistas, prensa y músicos como uno de los compositores más exitosos de la historia.5​6​

Escribió más de cuatrocientas canciones, de las cuales más de cincuenta han alcanzado fama internacional, como «Somos novios», «Esta tarde vi llover», «Contigo aprendí» y «Adoro». Sus temas le valieron el seudónimo de "Rey del Romanticismo" 5​ y fueron interpretados por múltiples estrellas internacionales.

Fue acreedor de un Premio Grammy a la carrera artística, reconocimiento especial con el que han sido galardonadas grandes personalidades musicales, y que se entrega a artistas que han hecho destacables contribuciones al campo de la discografía. Participó en numerosos programas de radio y televisión, grabó más de treinta discos y musicalizó numerosas películas. Era, hasta la fecha de su fallecimiento, presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México.

Falleció el 28 de diciembre de 2020 a los 85 años, por complicaciones derivadas del COVID-19


2023:
Muere

Pedro Martín José María Suárez Vértiz Alva (Callao, 13 de febrero de 1969-Lima, 28 de diciembre de 2023),1​ más conocido como Pedro Suárez-Vértiz, fue un músico, cantante, compositor y productor peruano de pop-rock, además de escritor. Luego de pertenecer al grupo Arena Hash en los años 80, con el cual realizó 2 álbumes, inició su carrera como solista y lanzó con éxito los discos (No existen) Técnicas para olvidar (1993), Póntelo en la lengua (1996), Degeneración actual (1999), Play (2004), Talk show (2006) y Amazonas (2009).2​

Trabajó como columnista en el diario El Comercio y publicó su obra: Yo, Pedro. Tras ser diagnosticado de parálisis bulbar en 2011, una enfermedad que finalmente le hizo alejarse de los escenarios, ya que le había provocado dificultades en el habla (disartria), falleció el 28 de diciembre de 2023, a la edad de 54 años a causa de un paro cardiaco.3​ Tal como lo recuerda el crítico musical Francisco Melgar: «Se convirtió en el compositor de canciones de rock más exitoso durante casi veinticinco años». Pedro Suárez-Vertiz, considerado como leyenda del rock peruano, es reconocido por Billboard como «ícono del rock peruano» y su canción Los globos del cielo, como «una obra maestra atemporal del rock en español».4​

Biografía

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Hijo de Germán Hernando Suárez Vértiz Reyes (director del Museo de Arte de Lima e hijo del pintor Germán Suárez Vértiz)5​ y Rosita Alva, nació el 13 de febrero de 1969, en el Hospital Naval de Callao, ello debido a que su madre y abuelo materno pertenecieron a la Marina de Guerra del Perú. Es hermano mayor del también músico Patricio Suárez-Vértiz y de María Fe Suárez Vértiz. Vivió toda su infancia y adolescencia en San Isidro, junto al parque El Olivar.

A los nueve años en el Colegio María Reina Marianistas, en 1978, compuso por el Día de la Madre un relato acerca de reflexiones sobre el nacer. Ya en la secundaria, sus escritos empezaron a ser musicalizados al formar una primera banda con su hermano y amigos llamada Paranoia.6​ Posteriormente, formó el grupo Arena Hash, en el cual tocaba la guitarra, componía y cantaba todas las canciones.

Paralelamente a su carrera musical con Arena Hash, ingresó, por la Pre Lima, a la Universidad de Lima y eligió la carrera de Ciencias de la Comunicación, graduándose a los 21 años en la especialidad de radio, cine y televisión.

Carrera artística

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Conforme al criterio del crítico musical Francisco Melgar, su trayectoria artística se puede clasificar en tres estilos distintivos. El primer estilo abarca géneros como el funk, el soul y el rock. El segundo estilo se manifiesta en el rock clásico, tal como lo evidencia el álbum (No existen) Técnicas para olvidar. Por último, Melgar señala que el álbum Póntelo en la lengua: «representó un retorno a la colaboración con Garrido y se convirtió en el disco más exitoso de su carrera». Con su enfoque pop y su cuidado en el estudio, el crítico señaló que este álbum «consolidó a Suárez Vértiz como la figura más prominente de la escena musical peruana en los años 90 [y] se convirtió en el compositor de canciones de rock más exitoso durante casi 25 años, manteniendo su estilo sin necesidad de modificarlo para seguir siendo relevante en la industria».7​

1985-1991: Con Arena Hash

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Pedro Suárez Vértiz formó junto a su hermano Patricio su primer grupo al que llamaron Paranoia. Poco tiempo después, a los 16 años de edad, fue gestor de la banda Arena Hash en 1985 y firmó con el sello discográfico CBS tres años más tarde. El grupo lanzó dos discos: Arena Hash (1988) y Ah Ah Ah (1991).

1993-2000: Primeros álbumes de estudio

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En 1993, lanzó su primer disco como solista titulado (No existen) Técnicas para olvidar con temas como «Cuéntame», «Globos en el cielo» y la balada «Me elevé». Gracias a este disco obtuvo un contrato con Sony Music.8​ En 1996, lanzó su segundo disco titulado Póntelo en la lengua con temas como «Los globos del cielo», «Mi auto era una rana» y «Me estoy enamorando». El disco superó las 40 mil copias vendidas y obtuvo el triple disco de platino en Perú.8​

El tema «Mi auto era una rana» musicalizó la película peruana No se lo digas a nadie, mientras que «Me estoy enamorando» formó parte de la telenovela chilena A todo dar, realizada por Mega en 1998. En ese mismo año, luego de la Super Feria de la Molina (Julio), un canal de televisión realizó un especial llamado Hecho en el Perú, en su segunda edición, esta vez con el rock, para lo cual Pedro formó un minigrupo con Patricio Suárez-Vértiz, German González y Anna Carina.

En 1999, lanzó su tercera producción titulada Degeneración actual, que contó con experimentaciones en estilos como el hip hop, el reggae, el ska y la electrónica. De este álbum figuran temas como «Degeneración actual», «Un vino, una cerveza», «Alguien que bese como tú» y «El tren sexual». Otras canciones del álbum como «Placeres y dolor» y «Cuando el sol va a salir» fueron conocidas por su aparición en la serie peruana Mil oficios.

2003-2008: Play y Talk Show

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En 2003, lanzó su primer disco de grandes éxitos titulado Anécdotas, donde recopila los éxitos de sus tres primeros discos. Para su siguiente producción, terminó su contrato con Sony Music y lanza con su propio sello Solver Label el disco Play (2004), donde destacan los temas «Bailar», «Lo olvidé» y «Cuando pienses en volver». En 2005, su tema «El triunfo tan soñado» fue el himno de la Copa Mundial de Fútbol Sub-17 que se celebró en Perú, que luego se incluiría en su siguiente producción discográfica.8​

En 2006, lanzó su disco Talk Show, con temas como «No llores más, morena» y «Como las mariposas», el cual se incluyó en la banda sonora de la película Talk Show. Al año siguiente, publicó su segundo disco recopilatorio donde repasa los éxitos de los álbumes Play (2004) y Talk Show (2006). Para este disco Pedro firma con la compañía discográfica Warner Music Spain.

2009-2012: Amazonas y Ponerme a volar

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En 2009, Pedro Suárez-Vértiz presentó Amazonas, bajo la producción de Thom Russo.9​ Esta fue grabada entre Los Ángeles y Londres. Como primer sencillo lanza el tema «Amazonas», canción latina representativa de Expo-Zaragoza '08. La canción, además, identificó la campaña Reciclar Mueve el Mundo del Ayuntamiento de Madrid en España con motivo del Día Mundial del Medio Ambiente. El segundo sencillo, «Nadia», canción que interpretó a dúo con el tenor peruano Juan Diego Flórez,10​ tema que en noviembre entra al Billboard entre las 50 mejores canciones.11​

Durante el 2010 realizó una gira por Perú, Estados Unidos y España.12​ El mismo año, Suárez-Vértiz lanzó Amazonas Uncut, edición especial de su anterior disco. Los años siguientes, realizó presentaciones en Madrid y en las ciudades italianas Milán y Roma,13​ y tuvo una participación especial en el videoclip «Me cansé» de la cantante peruana Anna Carina en 2012.14​ En 2013, Suárez-Vértiz y GianMarco grabaron el álbum recopilatorio El encuentro que contiene 16 temas, acompañado de un libro de gastronomía, el cual ha sido editado por una agencia bancaria para sus clientes.15​

2013-2023: El encuentro y Cuando pienses en volver

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En 2014, produjo el evento Cuando pienses en volver, un homenaje a su música con la presencia de muchos artistas peruanos e internacionales, donde también se produjo un disco llamado homónimamente como dicho festival pero en el cual cantaba Pedro Suárez-Vértiz (Banda), y es ahí donde ellos empiezan a realizar las presentaciones en conciertos bajo dicho nombre permitido por Pedro.

El 13 de enero de 2017, lanzó una nueva canción, tras ocho años sin sacar nuevas producciones, con ayuda de su banda homónima, llamada Siempre aquí en mi piel. Se trata de un material inédito escrito entre 2009 y 2011.16​ El 20 de julio de 2018, el Senado estadounidense, reconoció la trayectoria de Pedro Suárez-Vértiz en el marco del 197° Aniversario de la Independencia del Perú. El representante del Senado estadounidense Joseph Crowley, la OEA, y la sala de honores del Capitolio, entregaron al artista una medalla, una bandera de los EE. UU. doblada en triángulo, y una proclamación escrita a nombre del congreso estadounidense.17​18​19​20​

Pedro Suárez Vértiz fue seleccionado para componer la canción oficial de los Juegos Panamericanos Lima 2019. Durante los días 24 y 29 del mes de septiembre del 2019 se realizó el musical «Cuéntame» en el Anfiteatro del Parque de la Exposición con la producción de Los Productores.21​

El 18 de octubre de 2023, con ayuda de la inteligencia artificial, lanzó su última canción, titulada Amor, yo te perdí la fe. El tema, patrocinado por la empresa de lácteos Yoleit, había sido escrito previo a su pérdida vocal.22​23​

Fallecimiento

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A las 6:55 de la mañana del jueves 28 de diciembre de 2023, en su residencia situada en el distrito de Miraflores en Lima, falleció a la edad de 54 años. La causa de su muerte fue un paro cardiorrespiratorio, confirmado por un profesional médico.24​25​26​

Se le dio el último adiós en una misa de cuerpo presente en la Iglesia Virgen de Fátima, en el distrito de Miraflores. Horas después, sus restos fueron trasladados al camposanto Jardines de la Paz en el distrito de La Molina, donde finalmente fueron cremados.

Tras su fallecimiento, la revista Billboard lo apodó como «el ícono del rock peruano».27​ A su vez, el congresista Alejandro Cavero elaboró un proyecto de ley para conmemorar su fallecimiento como «el día del rock peruano».28​ El día se cambió al 13 de febrero, fecha de su nacimiento, y fue aprobado por el Congreso en 2024.29​

En 2024, se le realizó un concierto de homenaje llamado “Cuando pienses en volver”, que contó con la participación de artistas como Gianmarco, Eva Ayllón, Raúl Romero, Daniela Darcourt, Amy Gutiérrez, Pelo D'Ambrosio, Mar de Copas, Amén, Anna Carina, entre otros.

Vida personal

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Estaba casado con Cynthia Martínez con quien tuvo 3 hijos.30​

Padecía desde 2007 debido a la enfermedad atrofia muscular espinal presentaba dificultades al hablar y respirar, generalmente problemas de coordinación, intensidad de voz, dicción, etc. por lo cual, Pedro se tuvo que alejar de los escenarios.31​

Posteriormente su neurólogo confirmó de una parálisis bulbar.32​33​34​

Desde el año 2011, Pedro Suárez-Vértiz manifestó una evidente mala dicción. Él mismo explicó que era producto de un desorden nervioso muscular, que se evidencia con la edad, sumado a un déficit de atención crónico que lo hace lucir extremadamente distraído y enredado al hablar. Esto afectó en forma importante su canto. Pedro declaró arrepentirse de haber proclamado su defecto, pues solo provocó la atención sobre este.35​

En 2013, alejado de los escenarios publicó su primer libro: Yo, Pedro.

Filmografía

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Televisión

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2025:



Brigitte Anne-Marie Bardot (París, 28 de septiembre de 1934-Saint-Tropez, 28 de diciembre de 2025)[3]​[4]​ fue una actriz, cantante y escritora francesa, reconocida por haber sido icono de la moda y símbolo sexual de mediados del siglo XX, además de activista de derechos de los animales, fundadora y presidenta de la fundación que lleva su nombre.[5]​[6]​

Su trayectoria como actriz comenzó en 1952. Su primer éxito fue al protagonizar Y Dios creó a la mujer (1956), dirigida por Roger Vadim, la cual obtuvo reconocimiento internacional y aunque no es su primera película, es ampliamente reconocida como el vehículo que logró llevarla al centro de atención pública. Luego, protagonizó Le Mépris (1963), de Jean-Luc Godard. Por su papel en la película Viva Maria! (1965), dirigida por Louis Malle, fue nominada en los Premios BAFTA como mejor actriz extranjera. Se retiró de la industria del entretenimiento en 1973. Actuó en 47 películas, también en varios musicales y grabó más de 60 canciones. Fue galardonada con la Legión de Honor en 1985, pero se negó a aceptarlo.

Durante la década de 2000, generó controversia al criticar la inmigración y el islam en Francia y ha sido multada cinco veces por incitar al odio racial. En la actualidad, sigue siendo un importante ícono de la cultura popular. Durante la pandemia de COVID-19, apoyó al movimiento antivacunas y se opuso a la política sanitaria de Emmanuel Macron.[7]​

Biografía

Infancia

Brigitte Bardot nació en París, el 28 de septiembre de 1934. Vivió inicialmente en el distrito número tres, en un ambiente burgués. Hija de Louis Pilou Bardot (1896-1975) y Anne-Marie Mucel (1912-1978).[8]​ Su padre era un empresario originario de Ligny-en-Barrois, Lorena (Francia), dueño de una empresa llamada Usines Bardot (propiedad de Air Liquide), con sede en la calle Vineuse en la ciudad de París.[9]​[10]​ Su madre, conocida como «Toty» pasó su infancia en Italia. Brigitte y su hermana menor, Marie-Jeanne[11]​ (llamada Mijanou), nacida el 5 de mayo de 1938, recibieron una educación estricta.[12]​[13]​ Desde una edad temprana, Bardot sufrió ambliopía, aunque no tuvo consecuencias en su visión.[14]​

Durante el transcurso de su infancia, se convirtió en una niña apasionada por el ballet y la danza clásica. A los siete años entró a la escuela de danza de madame Bougart.[15]​

Primeros años

En 1947, fue admitida en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza, a pesar de la rígida selección de estudiantes y un número limitado de lugares. Durante tres años asistió a las clases de ballet de Jeanne Schwartz[16]​ y más tarde al coreógrafo ruso Boris Knyazev. También estudió con Leslie Caron, quien más tarde se hizo famosa por la película Un americano en París (1951) con la participación de Gene Kelly. Brigitte, apodada Bichette, es grácil, tiene los miembros sueltos pero poco musculosa, lenta, un poco débil en las puntas y debe escapar de los golpes. Su encuentro con Vadim la alejó de las clases y dejó de bailar clásico.[17]​ Caron creyó que Bardot pudo haberse convertido en una bailarina «hermosa» si trabajaba más duro en el aula. Knyazev no solo era un maestro de primera clase, sino también un verdadero tirano: golpeaba a los estudiantes negligentes con un látigo, y Brigitte a menudo obtuvo más que el resto. Caron recordó que «Knyazev generalmente caminaba alrededor de la clase con una pila en sus manos y, si la niña no cumplía con sus requisitos, no dudó en usarla». Sin embargo, fue gracias a Knyazev y su severa exactitud que Bardot aprendió a moverse con gracia, desarrolló una figura plegable y creó su andar famoso en el futuro.

Al comienzo de la temporada de 1948, Leslie Caron y varias otras chicas de la clase de Knyazev recibieron una invitación para el «Ballet en los Campos Elíseos». Brigitte miró desde detrás de las escenas, como ensayaba un grupo, y así tomó lecciones de artesanía. Uno de los directores de teatro, Jean Robin, se acordó bien de la niña: «Tenía entre 13 y 14 años. Me recordó a un tallo, alto y tan delgado, lejos de ser hermoso y terriblemente tímido. Tenía miedo incluso de pronunciar una palabra. Bardot nunca recibió una invitación para participar en la compañía, que el siguiente año realizó una gira a Egipto. A los trece años, sustituyó a una joven en un corto plazo para una fotografía en Jardín des modes, una coincidencia que lanzó su carrera como modelo para revistas.[18]​ A principios de 1949, Marie-France de La Villehuchet, amiga de su madre y editora del Jardin des modes junior, le hizo realizar una serie de fotografías y una portada.[16]​ Más tarde, un amigo de los padres de Bardot, Christian Foy, el bailarín principal del «Ballet en los Campos Elíseos», la invitó a ir con su conjunto de gira a la ciudad de Fougères y Rennes. Así, por primera vez, tuvo la oportunidad de actuar con una compañía de ballet profesional.[19]​ De vuelta en París, continuó asistiendo a clases Knyazev.

Trayectoria

Brigitte Bardot está considerada como un mito erótico y sex-symbol de los años 1950 y 1960. Su gran belleza y sensualidad natural comenzaron a mostrarse en la adolescencia, etapa en la que apareció por primera vez en el cine: tenía 18 años, era 1952 y se trataba de la película Le trou normand. Ese mismo año, se casó con el primero de sus cuatro maridos, el director de cine Roger Vadim. Fue una de las películas dirigidas por Vadim, Et Dieu... créa la femme (1956) la que la lanzó a la fama de la mano de Jean-Louis Trintignant. Una de las escenas protagonizadas por Bardot muestra a su personaje bailando descalza sobre una mesa y está considerada como una de las escenas más eróticas de la historia del cine.

Es una de las pocas actrices europeas que recibió la atención de los medios de comunicación estadounidenses. Cada vez que hizo una aparición pública en los Estados Unidos, fue perseguida por una horda de periodistas que tomaban nota de todos y cada uno de sus movimientos.

Bardot en Festival Internacional de Cine de Venecia de 1958

En 1954 realizó su primera película en los Estados Unidos, Un acte d'amour, coprotagonizada por Kirk Douglas. En 1965 se representó a sí misma en la película Dear Brigitte con James Stewart. Sin embargo, debido a lo limitado de su inglés, fue doblada en muchas de sus películas.

En 1974, justo después de su 40.º cumpleaños, anunció su retirada de las pantallas, tras haber protagonizado cerca de cincuenta películas y grabado varios discos, uno de ellos, el que mejores críticas obtuvo, con el chico malo de la música francesa, Serge Gainsbourg.

A partir de entonces, se dedicó a la promoción de los derechos de los animales. En 1986 creó la Fundación Brigitte Bardot para la protección de los animales en peligro.

Durante la década de 1990 generó controversia al criticar la inmigración, la islamización y el islam en Francia, y ha sido multada cinco veces por «incitar al odio racial».[20]​

En 2010 el partido Alianza Ecologista Independiente le ofreció presentarse como candidata a la Presidencia de Francia.[21]​

En enero de 2013 anunció que pediría la nacionalidad rusa tal como lo hizo Gérard Depardieu si las autoridades de su país sacrificaban a dos elefantes enfermos, pues es una activa defensora de los derechos de los animales.

En la década de 2020, durante la pandemia de COVID-19, se posicionó a favor del movimiento antivacunas y en contra de la política sanitaria de Emmanuel Macron.[7]​

Como cantante

Bardot en un cóctel (1968)

En la película Estrellas del Futuro (1955) apareció cantando por primera vez en pantalla. A finales de los años 1950, en España, Bardot compró una guitarra y aprendió tres acordes. A principios de la década de 1960, sus amigos, los artistas Jean-Max Rivière y Claude Bolling la aconsejaron para poder cantar y grabar varias canciones. Eddie Barclay, propietario de un gran estudio de grabación en Francia, donde Bardot estuvo grabando en varias ocasiones, dijo acerca de sus habilidades: «Ella no cantó tanto como contando una canción. A decir verdad, su voz es más bien débil. Pero Dios le dio a su rara habilidad de traer una canción para el oyente y de hecho, se refiere muy en serio para hacer estallar la carrera».

En 1960, lanzó el álbum pop Behind Brigitte Bardot. Posteriormente, publicó varios registros más, entre ellos Brigitte Bardot Sings (1963) [99] , B.B en (1964) y Special Bardot (1968) (las publicaciones francesas e internacionales tienen nombres diferentes y una lista alternativa de composiciones). Bardot cantó canciones en francés, inglés y español. Después de unas vacaciones en Brasil con Bob Zaguri, regresando a París, grabó la canción «Maria Nimguem» en portugués. Inclusive cantó canciones en películas en las que interpretó, incluyendo ¡Viva, María!, «Roma Boulevard», «Doctor en el mar», «Futuras estrellas» y otras.

En 1967, Bob Zaguri se convirtió en el productor del espectáculo musical Unique Bardot («Bardot Especial»). Fue una serie de diecisiete videoclips de canciones interpretadas por ella misma, cada una de las cuales contó su historia corta. Entre esas canciones estaba la famosa «Harley Davidson», escrita por el compositor francés Serge Gainsbourg. Más tarde Gainsbourg le escribió algunas canciones más, y alguna de ellas como un dúo clásico.

Consagración

Y Dios creó a la mujer

Brigitte Bardot en 1961.

En el Festival de Cine de Cannes de 1956, como una verdadera estrella, eclipsó a Sophia Loren y Gina Lollobrigida, las mejores estrellas de la época y su atractivo sexual conmovió a La Croisette.

Al mismo tiempo, Roger Vadim y Raoul Levy terminaron de escribir un guion titulado Y Dios creó la mujer. Después de no haberse realizado por falta de medios financieros, la película se filmó en Saint-Tropez. Esta producción le permitió entrar en la leyenda del cine mundial y convertirse en un mito viviente, un modelo social y un símbolo sexual internacional.

En esta película desempeñó el papel de Juliette Hardy, frente a Curd Jürgens, Christian Marquand y Jean-Louis Trintignant, con quien inició una unión. Vadim, quien aún es su marido, definió el carácter que interpreta: «Quería, a través de Brigitte, restaurar el clima de una era. Juliette es una chica de su tiempo, que se ha liberado de todos los sentimientos de culpa, de todos los tabúes impuestos por la sociedad y cuya sexualidad es completamente gratuita. En la literatura y las películas de antes de la guerra, ella habría sido comparada con una prostituta. Es en esta película una mujer muy joven, generosa, a veces sesgada y en definitiva difícil de alcanzar, sin otra excusa de su generosidad. Las escenas están censuradas, especialmente la de un cunnilingus».

Cuando se estrenó en Francia, la película fue recibida con cierta reserva por los críticos y despertó la hostilidad de los círculos conservadores. Fue criticada sin piedad por su verbo arrastrando y su articulación considera cuestionable. Paul Reboux dijo de ella: que tiene «el físico de un boniche y la forma de hablar analfabeta». Raoul Levy y Roger Vadim decidieron la explotación de la película en el extranjero y esperaron que resultara un éxito. Más tarde triunfó en Estados Unidos y Bardot se convirtió en una de las francesas más famosas en Norteamérica. Los norteamericanos incluso inventaron el término bardolâtrie para describir el entusiasmo que llegó a generar. La película luego sale a la venta en Francia y tuvo un triunfo rotundo. Cinemonde escribió: «El atractivo sexual es Marlene Dietrich, el glamour es Ava Gardner, Brigitte Bardot mezcla todos estos ingredientes explosivos, agrega un toque de fantasía personal».

Compromiso con los derechos de los animales

Relación con las cazas de focas (1973-1978)

Durante tres años consecutivos, por sus propios medios, trabajó por el bienestar de los animales. Fue portavoz de la Société pour la prévention de la cruauté envers les animaux (SPA, Sociedad para la Prevención de la Crueldad contra los Animales) y comenzó a realizar proyectos para los perros abandonados en las calles. Posteriormente se alió con Allain Bougrain-Dubourg.

A comienzos de 1976, se unió con Brian Davis, quien ostentaba un cargo en la International Fund for Animal Welfare (IFAW), y creó una campaña para denunciar la caza de focas después de ver un documental sobre este tema. Dicha práctica es tradicional entre los Inuit, quienes se encuentran en la región del Ártico, con el fin de obtener la carne, la piel, la grasa (o aceite) y los huesos de los focas. La caza de focas permitía alimentar durante siete meses a unas 15 000 familias de pescadores.

Lo que Bardot condenaba eran los métodos empleados por los cazadores, quienes generalmente atacaban crías de pocos días de vida, las cuales eran despojadas de sus pieles estando todavía conscientes en algunos casos. Bardot dirigió una manifestación frente a la embajada noruega y llegó a conmover la opinión pública, pero no lo suficiente como para hacer cambiar de opinión a los responsables de la caza.

El 15 de marzo de 1977, el presidente francés Valéry Giscard d'Estaing prohibió la importación de pieles de foca en Francia. El 20 de marzo de 1977, Bardot, que seguía siendo una estrella en los ojos de todo el mundo, se dirigió a Canadá con el fin de denunciar la caza de crías de foca por su piel. A continuación, comenzó una pelea que cambió su vida. Su viaje duró cinco días bajo la presión sin precedentes de los medios de comunicación. A su llegada, reprendió a los cazadores y les gritó «canadienses asesinos», añadiendo luego en una conferencia de prensa:

Si estoy aquí, no es para hacer turismo o para ser fotografiada como en el Festival de Cannes [...] Estamos aquí para encontrar una solución al problema a nivel mundial y rogamos, tanto el Sr. Weber como yo, y el mundo entero, que el gobierno de Canadá encuentre una solución a este problema. De todos modos, pase lo que pase, la foca está en peligro de extinción [...] Hay que decir que, aunque la caza de focas se ha efectuado durante alrededor de 300 años, las tradiciones están cambiando y sólo los tontos no cambian de opinión.
Brigitte Bardot, Conferencia de prensa en Canadá de 1977.

En su labor como activista, fue apoyada por otras personas famosas tales como Isabelle Adjani, Kim Basinger, Tippi Hedren, Ursula Andress y Johnny Hallyday.

Vida personal

Romances

El 21 de diciembre de 1952, a los dieciocho años de edad, se casó con el director Roger Vadim. Se divorciaron en 1957, después de menos de cinco años de matrimonio; no tuvieron hijos juntos, pero se mantuvieron en contacto e incluso colaboraron en proyectos posteriores. La razón declarada del divorcio fueron los asuntos de Bardot con otros dos hombres. Mientras estaba casada con Vadim, Bardot tuvo una aventura amorosa con Jean-Louis Trintignant, quien fue su coprotagonista en Y Dios creó la mujer. Trintignant en ese momento estaba casado con la actriz Stéphane Audran.[22]​ Los dos vivieron juntos durante unos dos años, abarcando el período anterior y posterior al divorcio de Bardot de Vadim, pero nunca se casaron. Su relación se complicó por la frecuente ausencia de Trintignant debido al servicio militar y el romance de Bardot con el músico Gilbert Bécaud.

A principios de 1958, su divorcio de Vadim fue seguido rápidamente por su ruptura con Trintignant y un colapso nervioso reportado en Italia, según informes periodísticos. También se notó un intento de suicidio con pastillas para dormir dos días antes, pero su gerente de relaciones públicas lo negó. Se recuperó en cuestión de semanas y comenzó una aventura con el actor Jacques Charrier. Quedó embarazada mucho antes de casarse el 18 de junio de 1959. Su único hijo, Nicolas-Jacques Charrier, nació el 11 de enero de 1960. Después de que ella y Charrier se divorciaran en 1962, Nicolas creció en la familia Charrier y tuvo poco contacto con su madre biológica hasta su edad adulta.

Brigitte Bardot en Brasil en 1964.

Su tercer matrimonio fue con el playboy millonario alemán Gunter Sachs, y duró del 14 de julio de 1966 al 1 de octubre de 1969. En 1968, comenzó a salir con Patrick Gilles, con quien coprotagonizó El oso y la muñeca (1970); pero ella terminó su relación en la primavera de 1971.

En los años siguientes, Bardot salió sucesivamente con el barman e instructor de esquí Christian Kalt, después con Luigi Rizzi un propietario de un club, el músico (productor posteriormente) Bob Zagury, el cantante Serge Gainsbourg, el escritor John Gilmore y los actores Warren Beatty y Laurent Vergez, su coprotagonista en Si Don Juan fuese mujer.[23]​ La más larga de estas relaciones fue con el escultor Miroslav Brozek; convivió con él desde 1975 hasta diciembre de 1979 y posó para algunas de sus esculturas. Después de romper con Brozek, tuvo una larga relación con el productor de televisión francés Allain Bougrain-duBourg.

Conexión con Josephine Baker

Bardot apeló con éxito en junio de 1965 a los televidentes franceses para salvar la casa-orfanato de la Dordoña de Josephine Baker en el cual ella acogía a niños de diferentes razas y de 11 países,[24]​[25]​ al cual habían desconectado la electricidad.[26]​ Baker comentó que no conocía a Bardot pero que era la única artista que le había ayudado.[27]​

Conexión con Marine Le Pen

El cuarto esposo de Bardot, su viudo, es Bernard d'Ormale, exasesor de Jean-Marie Le Pen y exlíder del partido de ultraderecha Frente Nacional (Rassemblement national desde junio de 2018); se casaron el 16 de agosto de 1992.[28]​ Bardot expresó su apoyo a Marine Le Pen, líder del Frente Nacional, llamándola «la Juana de Arco del siglo XXI». Respaldó a Le Pen en las elecciones presidenciales francesas de 2012 y 2017.[29]​

Salud

En 1974, celebrando su 40 cumpleaños, apareció en una sesión de fotos desnuda en la revista Playboy. El 28 de septiembre de 1983, cuando cumplió cuarenta y nueve años, ingirió una sobredosis de somníferos o sedantes con vino tinto. Tuvieron que llevarla de urgencia al hospital, donde le salvaron la vida después de usar una bomba estomacal para evacuar las píldoras de su cuerpo. También fue una superviviente del cáncer de mama.[30]​[31]​

Fallecimiento

Bardot murió el 28 de diciembre de 2025 en su casa, La Madrague, en Saint-Tropez, a la edad de 91 años.

El presidente francés, Emmanuel Macron, le rindió homenaje en redes sociales, describiéndola como una «leyenda del siglo». La Société Protectrice des Animaux, la organización protectora de animales más antigua de Francia, también rindió homenaje a Bardot, describiéndola como una «figura emblemática y apasionada por la causa animal». Anouchka Delon, hija de Alain Delon, amigo íntimo de Bardot, publicó fotos de recuerdo de las dos estrellas juntas. Pierre Arditi, Paul Belmondo, Jean Dujardin, Chantal Goya, Mireille Mathieu, Line Renaud, Sheila y Elsa Zylberstein también le rindieron homenaje.

La muerte de Brigitte Bardot fue noticia, y su rostro apareció en la portada del New York Times, la BBC y periódicos británicos como The Guardian, este último describiéndola como una «leyenda francesa de la gran pantalla». La prensa internacional también le dedicó una amplia cobertura.

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