El 28 de diciembre es el 362.º (tricentésimo sexagésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 363.º en los años bisiestos. Quedan 3 días para finalizar el año.
Podcast 2018
Podcast 2018
Octava de Navidad
Hoy celebramos la fiesta de
los Niños Inocentes que mandó matar el cruel Herodes.
Nos cuenta el evangelio de
San Mateo que unos Magos llegaron a Jerusalén preguntando dónde había nacido el
futuro rey de Israel, pues habían visto aparecer su estrella en el oriente, y
recordaban la profecía del Antiguo Testamento que decía: "Cuando aparezca
una nueva estrella en Israel, es que ha nacido un nuevo rey que reinará sobre
todas las naciones" (Números 24, 17) y por eso se habían venido de sus
lejanas tierras a adorar al recién nacido.
Dice San Mateo que Herodes
se asustó mucho con esta noticia y la ciudad de Jerusalén se conmovió ante el
anuncio tan importante de que ahora sí había nacido el rey que iba a gobernar
el mundo entero. Herodes era tan terriblemente celoso contra cualquiera que
quisiera reemplazarlo en el puesto de gobernante del país que había asesinado a
dos de sus esposas y asesinó también a varios de sus hijos, porque tenía temor
de que pudieran tratar de reemplazarlo por otro. Llevaba muchos años gobernando
de la manera más cruel y feroz, y estaba resuelto a mandar matar a todo el que
pretendiera ser rey de Israel. Por eso la noticia de que acababa de nacer un
niñito que iba a ser rey poderosísimo, lo llenó de temor y dispuso tomar
medidas para precaverse.
Herodes mandó llamar a los
especialistas en Biblia (a los Sumos Sacerdotes y a los escribas) y les
preguntó en qué sitio exacto tenía que nacer el rey de Israel que habían
anunciado los profetas. Ellos le contestaron: "Tiene que ser en Belén,
porque así lo anunció el profeta Miqueas diciendo: "Y tú, Belén, no eres
la menor entre las ciudades de Judá, porque de ti saldrá el jefe que será el
pastor de mi pueblo de Israel" (Miq. 5, 1).
Entonces
Herodes se propuso averiguar bien exactamente dónde estaba el niño, para
después mandar a sus soldados a que lo mataran. Y fingiendo todo lo contrario,
les dijo a los Magos: - "Vayan y se informan bien acerca de ese niño, y
cuando lo encuentren vienen y me informan, para ir yo también a adorarlo".
Los magos se fueron a Belén guiados por la estrella que se les apareció otra
vez, al salir de Jerusalén, y llenos de alegría encontraron al Divino Niño
Jesús junto a la Virgen María y San José; lo adoraron y le ofrecieron sus
regalos de oro, incienso y mirra.
Y sucedió que en sueños
recibieron un aviso de Dios de que no volvieran a Jerusalén y regresaron a sus
países por otros caminos, y el pérfido Herodes se quedó sin saber dónde estaba
el recién nacido. Esto lo enfureció hasta el extremo.
Entonces rodeó con su
ejército la pequeña ciudad de Belén, y mandó a sus soldados a que mataran a
todos los niñitos menores de dos años, en la ciudad y sus alrededores. Ya
podemos imaginar la terribilísima angustia para los papás de los niños al ver
que a sus casas llegaban los herodianos y ante sus ojos asesinaban a su hijo
tan querido. Con razón el emperador César Augusto decía con burla que ante
Herodes era más peligroso ser Hijo (Huios) que cerdo (Hus), porque a los hijos
los mataba sin compasión, en cambio a los cerdos no, porque entre los judíos
esta prohibido comer carne de ese animal.
San Mateo dice que en ese
día se cumplió lo que había avisado el profeta Jeremías: "Un griterío se
oye en Ramá (cerca de Belén), es Raquel (la esposa de Israel) que llora a sus
hijos, y no se quiere consolar, porque ya no existen" (Jer. 31, 15).
Como el hombre propone y
Dios dispone, sucedió que un ángel vino la noche anterior y avisó a José para
que saliera huyendo hacia Egipto, y así cuando llegaron los asesinos, ya no
pudieron encontrar al niño que buscaban para matar.
Y aquellos 30 niños
inocentes, volaron al cielo a recibir el premio de las almas que no tienen
mancha y a orar por sus afligidos padres y pedir para ellos bendiciones. Y que
rueguen también por nosotros, pobres y manchados que no somos nada inocentes
sino muy necesitados del perdón de Dios.
1622:
Muere san Francisco de Sales, sacerdote y escritor
francés (nacido en
1567).
San Francisco de Sales (Sales, Saboya, 21 de agosto de 1567 - Lyon, 28 de diciembre de 1622) fue un santo y obispo de Ginebra. Tiene el título de Doctor de la Iglesia, es titular y patrono de la Familia
Salesiana (fundada por Don
Bosco) y también patrono
de los escritores y periodistas.
1855:
Nace Juan Zorrilla de San Martín, poeta y
diplomático uruguayo (fallecido
en
1931).
Juan Zorrilla de San
Martín (Montevideo, 28 de diciembre de 1855 - Ib. 3 de noviembre de 1931)
fue un escritor, periodista, docente y diplomático uruguayo.
Biografía[editar]
Nació en Montevideo el
28 de diciembre de 1855, hijo del español Juan Manuel Zorrilla de San Martín y
de la uruguaya Alejandrina del Pozo y Aragón, familia muy católica. Su madre
falleció cuando el poeta tenía apenas un año y medio de vida. Fue criado con cariño
y dedicación por su tía Juliana del Pozo y Aragón, esposa de Martín García de
Zúñiga.
Junto a su hermano
Alejandro, en 1865 fue llevado por su padre a cursar sus estudios en el Colegio
de la Inmaculada Concepción de Santa Fe, República Argentina.
Entre 1867 y 1872 estudió en el Colegio de los Padres Bayoneses, en Montevideo, lugar en el que comenzó sus
estudios universitarios. Se recibió de bachiller en Santa Fe, en
1872. Entre 1874 y 1877 estudió en el Colegio de los Padres Jesuitas de Santiago de Chile hasta completar sus
estudios como Licenciado en Letras y Ciencias Políticas. En ese período
colaboró en la redacción de “La estrella de Chile” y publicó “Notas de un
Himno”. En Chile recibió la influencia de las
lecturas románticas de José Zorrilla, José de Espronceda y
sobre todo, Gustavo Adolfo
Bécquer.
En 1907 el gobierno
uruguayo le encargó la creación de un ensayo histórico sobre la figura de José Gervasio Artigas,
que tendría la finalidad de aportar datos a los artistas interesados en
presentarse en un concurso de creación de una escultura al prócer.
Dicho ensayo fue editado finalmente en 1910 y se tituló "La epopeya de
Artigas".
En primeras nupcias se
casó con Elvira Blanco Sienra, hija de Juan Ildefonso Blanco y nieta del Constituyente Juan Benito Blanco,
con quien tuvo seis hijos. A pocos años de la muerte de ésta, contrajo enlace
con su hermana, Concepción Blanco Sienra, quien le diera diez hijos. Hoy su
descendencia alcanza casi las 800 personas.
Uno de sus hijos fue
el escultor José Luis
Zorrilla de San Martín, quien en 1921 dirigiera la última
transformación de su casa del barrio montevideano de Punta Carretas, diseñando el actual comedor
con la chimenea que lleva labrado en su parte superior el escudo de los
Zorrilla de San Martín donde figura el lema “Velar se debe la vida de
tal suerte que viva quede en la muerte”. Entre sus descendientes se
encuentran el ex diputado por San José y
ex Embajador, Alejandro
Zorrilla de San Martín, la actriz China Zorrilla, la vestuarista Guma Zorrilla, los pintores Alfredo Zorrilla,
Enrique Zorrilla de San Martín y Miguel Herrera Zorrilla y el escritor Enrique Estrázulas,
entre otros.
1872:
Nace Pío Baroja,
novelista español (fallecido
en
1956).
Pío Baroja y Nessi (San Sebastián, Guipúzcoa, 28 de diciembre de 1872-Madrid, 30 de octubre de 1956)
fue un escritor español de la llamada generación del 98.
Fue hermano del
también escritor y pintor Ricardo Baroja y tío del
antropólogo Julio Caro Baroja y
del director de cine y guionista Pío Caro Baroja.
Biografía[editar]
Pío Baroja creció en
el seno de una familia acomodada de San Sebastián, relacionada con el periodismo y
los negocios de imprenta. Su bisabuelo paterno, el alavés Rafael
Baroja, fue un boticario que se fue a vivir a Oyarzun e
imprimió el periódico La Papeleta de Oyarzun y otros textos
(proclamas, bandos, cartillas y ordenanzas de franceses y españoles) durante
la Guerra
de la Independencia. Allí se casó con la hermana de otro
farmacéutico apellidado Arrieta y, ayudado por sus hijos, trasladó la imprenta
a San Sebastián y editó además El Liberal Guipuzcoano y
algunos números de La Gaceta de Bayona que dirigía el famoso
periodista y escritor Sebastián de Miñano desde
Francia.
Su abuelo paterno del
mismo nombre, Pío Baroja, aparte de ayudar a su padre a editar en San Sebastián
el periódico El Liberal Guipuzcoano (1820-1823) durante
el Trienio Liberal,
imprimió la Historia de la Revolución francesa de Thiers en doce tomos con traducción del
citado Sebastián de
Miñano y Bedoya. Él y su hermano Ignacio Ramón continuaron con el
negocio de imprenta y un hijo de este último, Ricardo, tío del novelista, será,
con el tiempo, editor y factótum del periódico
donostiarra El Urumea.
La madre de Pío
Baroja, Andrea Carmen Francisca Nessi Goñi, nació en Madrid (1849) y descendía
de una familia italiana lombarda originaria de la ciudad de Como,
a orillas del lago del mismo nombre, los
Nessi, a la que el escritor debe su segundo apellido. Debido a la repentina
muerte de su padre, la madre marchó a educarse a San Sebastián con el abuelo
Justo Goñi, y esta rama materna de los Goñi estaba vinculada a la navegación,
algo que influyó en la narrativa posterior de Baroja, por ejemplo en su segunda
tetralogía novelística, El mar.
El padre, José
Mauricio Serafín Baroja Zornoza, fue un ingeniero de minas al
servicio del estado; hombre inquieto y de ideas liberales, ejerció
ocasionalmente el periodismo y su posición de ingeniero de Minas condujo a su
familia a constantes cambios de residencia por toda España. Su primer apellido
paterno, Baroja, procede del nombre de la aldea alavesa homónima (citada
como Barolha en 1025, y situada en el actual municipio
de Peñacerrada), de
etimología incierta, aunque puede contener el elemento eusquérico ol(h)a 'cabaña',
'chabola'. En sus Memorias,1 el propio don Pío aventura una
posible etimología del apellido, según la cual «Baroja» sería una aféresis de ibar
hotza, que en euskera significa 'valle frío' o 'río frío'. Aunque también
podría tratarse de una contracción del apellido castellano Bar(barr)oja.
Baroja fue el tercero
de tres hermanos: Darío, que nació en Riotinto y
murió, joven aún, en 1894 de tisis; Ricardo, que sería en el futuro también
escritor y un importante grabador, conocido sobre todo por sus
espléndidos aguafuertes, y Pío, el
hermano menor, que dejaría la profesión de médico por la de novelista hacia
1896. Ya muy separada de ellos temporalmente, nació la última hermana: Carmen, que habría de ser la inseparable
compañera del novelista y la mujer del futuro editor de su hermano, Rafael
Caro Raggio, ocasional escritora también. Es posible que naciera un
cuarto hermano, César, y que falleciera a muy temprana edad.2 La relación estrecha con sus hermanos
se mantuvo hasta el final de sus días.
1908:
Nace Lew Ayres,
actor estadounidense (f. 1996).
Lew Ayres (28 de diciembre de 1908 – 30 de diciembre de 1996)
fue un actor estadounidense.
Índice
·
2Familia
Biografía[editar]
Su verdadero nombre era Lewis Frederick Ayres III,1 nació en Minneapolis, Minnesota, y se crio en San Diego
(California).
Ayres empezó a actuar en pequeños papeles en 1927. Ese año fue
descubierto mientras tocaba el banjo en
la orquesta de Henry Halstead,
la cual estaba grabando un corto cinematográfico para Vitaphone titulado Carnival Night
in Paris.
Ayres trabajó con Greta Garbo en el film de 1929 The
Kiss, pero fue su papel protagonista en la película de 1930 Sin
novedad en el frente el que le convirtió en una estrella.
Ayres fue protagonista, junto a Janet Gaynor, de Servants' Entrance (1934),
título que combinaba acción convencional con animación de The Walt Disney
Company en una secuencia onírica musical. Tuvo el primer papel
de Young Dr. Kildareen 1938 y se convirtió en un ídolo,
protagonizando varios filmes de Kildare. En esa época también trabajó con Joan Crawford y James Stewart en The Ice Follies
of 1939.
Como reflejo de sus papeles médicos y antibelicistas, Ayres fue
un pacifista que quiso ser miembro del
Cuerpo Sanitario durante la Segunda Guerra
Mundial. El ejército no podía garantizarle el destino, por lo cual
se declaró objetor de
conciencia, debiendo ser destinado a un campo de Servicio Público
Civil. Tener una figura famosa en esa situación era una mala imagen para el
Ejército, motivo por el cual se cambiaron las normas y se facilitó la entrada
de Ayres en el Cuerpo Sanitario. Sirvió en el teatro del Pacífico y en Nueva Guinea.
En 1948 fue nominado al Oscar al mejor actor por
su interpretación en Belinda,
pero su carrera fue escasa tras la guerra. Su compañera de reparto, Jane Wyman, se enamoró de él, divorciándose de
su marido, Ronald Reagan, en
1949.
El verano de 1958, Ayres presentó once episodios de una serie
televisiva del género western, emitida por CBS y
titulada Frontier Justice, una producción de la empresa de Dick Powell Four Star Television.
Además, se le ofreció interpretar al Dr. Kildare en una serie de
la NBC,
pero su petición de que el programa no tuviera publicidad de tabaco motivó que
el papel fuera finalmente en 1961 para Richard Chamberlain.
También hizo el papel de gobernador en el episodio piloto de la
serie televisiva de la CBS Hawaii Five-O. Prefirió no viajar
a Hawaiipara rodar la serie, pero de cuando en
cuando actuó en otros personajes de la misma.
Trabajó, así mismo, numerosas veces como artista invitado en
otros programas televisivos. En 1976 participó en un documental, Altars
of the World, en el que se exponían sus principios filosóficos orientales,
y que le valió el aplauso de la crítica.
Ayres también hizo varios papeles en producciones de ciencia ficción.
Uno de ellos fue en 1977 en la segunda temporada de The Bionic Woman, como un científico
pacifista, Dr. Elijah Cooper. Otro de ellos fue el de un político pacifista en
el episodio piloto de la serie Battlestar Galactica en 1978.
Hacia el final de su carrera actuó en The Mary Tyler
Moore Show, en el papel de padre de Murray Slaughter, personaje
interpretado por Gavin MacLeod.
1915:
Muere Juan Menéndez Pidal, poeta y folclorista
español (nacido en
1858).
Juan Menéndez Pidal (Madrid, 31 de mayo de 1858 - 28 de diciembre de 1915)
fue un jurista, historiador y poeta español.
Biografía[editar]
Fue hermano de Luis y Ramón Menéndez Pidal.
Perteneció al Cuerpo de Bibliotecarios y Archiveros, en el que ingresó en 1896.
Fue durante muchos años el director del Archivo
Histórico Nacional de Madrid y el director de la Revista de Archivos, Bibliotecas, y Museos.Pese
a su condición de madrileño de nacimiento siempre se consideró asturiano, tanto
por el hecho de que su padre y sus hermanos Luis y
Faustino habían nacido en Pajares, Lena como
por pasar allí largas temporadas durante años. Abogado de carrera, tras recibir
el título de licenciado en Derecho se dedicó con devoción al periodismo.
Dirigió La Unión
Católica, diario de Madrid, y fue redactor de El
Universo, de la misma ciudad.
Su actividad política
lo llevó a ser Diputado a Cortes por el Distrito de Ribadeo (desde 1891 a 1893) para
posteriormente ocupar el cargo de Gobernador Civil en Pontevedra, Guadalajara y Burgos (1899-1903). En 1914 fue elegido
miembro de la Real
Academia de la Lengua Española ocupando el sillón con la letra
A hasta 1915.
1922:
Nace Stan Lee,
historietista estadounidense.
Stanley Martin Lieber (Manhattan, Nueva York; 28 de diciembre de 1922-Los Ángeles, California; 12 de noviembre de 20182),
más conocido como Stan Lee, fue un escritor y editor de cómics estadounidense, además de productor y ocasional actor de cine.
Es
principalmente conocido por haber creado personajes icónicos del mundo del
cómic tales como Spider-Man, Hulk, Iron Man, Los 4 Fantásticos, Thor, Los Vengadores, Daredevil, Doctor Strange, X-Men, Pantera Negra, Hombre Hormiga y Bruja Escarlata,
entre otros muchos superhéroes, casi siempre acompañado de los dibujantes Steve Ditko y Jack Kirby.
El trabajo de Stan Lee fue fundamental para expandir Marvel Comics,
llevándola de una pequeña casa publicitaria a una gran corporación multimedia.
Todavía hoy, los cómics de Marvel se distinguen por indicar siempre «Stan Lee
presenta» en los rótulos de presentación. También tuvo un programa televisivo
en History Channel en donde buscaba
superhumanos "reales".
Índice
·
2Obra
·
4Premios
Biografía[editar]
Stan Lee junto a Chris Evans(intérprete
del Capitán América y La Antorcha Humana) en el Comic-Con
International en San Diego, California,
en julio de 2011.
Stanley
Martin Lieber nació el 28 de diciembre de 1922 en Manhattan, Nueva York, hijo de Celia y Jack
Lieber, un matrimonio de inmigrantes judíos rumanos. Su padre era sastre y tuvo
dificultades en su trabajo debido a la Gran Depresión.
Stan tenía un hermano menor llamado Larry Lieber. En 2006 dijo haber disfrutado
de los libros y películas, especialmente las protagonizadas por Errol Flynn.
Estudió en el instituto DeWitt Clinton del Bronx y mientras, ejerció diversos
trabajos como recadero, escritor de obituarios y comunicados de prensa, hasta
que a finales de 1940,
poco después de concluir la escuela secundaria, consiguió un trabajo de
ayudante en la editorial Timely Comics(hoy
Marvel Comics) entonces propiedad de Martin Goodman. A los 20 años, debutó como
guionista con un relato de dos páginas protagonizado por el Capitán América. Su objetivo entonces era
convertirse en un escritor a la altura de sus admirados Robert Louis Stevenson, Arthur Conan Doyle o Edgar Rice Burroughs. Queriendo reservar su
nombre para futuras novelas, firmó este primer trabajo con el seudónimo «Stan
Lee» (que, en inglés, suena muy parecido a «Stanley»). Décadas después, cambió
oficialmente su nombre, adoptando el seudónimo por el que era ya universalmente
conocido. A veces es llamado también «Stan the Man» («Stan el
Hombre»).
En 1960 Stan Lee estaba
a punto de dejar Marvel Comics, pero su mujer le convenció para
que crease "el comic que deseaba hacer". Y en 1961 le llegó el
éxito, con la creación de los 4 Fantásticos,3
pero todavía tenía muchas historias más por crear. En unos pocos años, creó
junto con Jack Kirby y Steve Ditko a
la gran mayoría de los personajes clásicos de la editorial. Este éxito hizo que
Marvel se convirtiera en la editorial más importante del momento, y marcó el
comienzo de la llamada Edad de Plata del cómic estadounidense.
Stan Lee permanece durante gran parte de los sesenta como redactor jefe de
la apodada a partir de entonces «Casa de las Ideas», siendo sucedido por su
ayudante, Roy Thomas.
Incansable
difusor de Marvel y emblema de una época y una forma de hacer cómics, Stan Lee
no dejó de escribir columnas y guiones ocasionales. Entre ellos, la serie de
especiales «Just Imagine Stan Lee…» de 2001 para DC Comics,
la principal competidora de Marvel, donde recreaba a los principales personajes
de su universo (Superman, Batman, Flash,
entre otros).
Desde
que se estrenó el UCM, en 2008, Stan Lee ha
ido recibiendo homenajes simbólicos, a modo de cameo, en la mayoría de
sus películas. A pesar de que, en ocasiones, su estado de salud y su avanzada
edad, le impedían desplazarse hasta los sets de rodaje.
Se
casó con Joan Clayton Boocock el 5 de diciembre de
1947. Su hija Joan Celia "JC" Lee nació en 1950. Otra hija, Jan, nació
en 1953 y murió a los tres días de vida.4
En 1981 los Lee se trasladaron a la costa oeste. Tras 69 años de matrimonio, en
julio de 2017, fallece su esposa Joan de un derrame cerebral, a los 93 años.5
Un
año más tarde, el 12 de noviembre de 2018, fallece Stan Lee, a
causa de un paro cardiorrespiratorio producido
por una neumonía, en el hospital Cedars-Sinai de Los Ángeles a
la edad de 95 años.67
Obra[editar]
Entre
sus creaciones destacan personajes que forman parte de la iconografía universal
como Spider-Man,
los X-Men, Iron Man, Thor,
el Doctor Strange, Daredevil, Los Cuatro Fantásticos, el increíble Hulk, los Vengadores, Pantera Negra, Silver Surfer,
y Nick Fury,
además de su intromisión al mundo del manga con Heroman y
el guion de la serie Ultimo.
Su
carisma y capacidad creativa influyeron en muchos autores posteriores. Algunos
de los rasgos característicos de su obra son:
·
La humanización de los personajes, más allá de su identidad
superheroica. Para ello, insiste en que todos sus héroes deben tener un punto
débil.
·
Un lenguaje grandilocuente y recargado, que en el caso de
artículos y textos publicitarios, llega a estar entre la autoparodia y lo
circense.
·
Daba una gran libertad de movimientos a sus dibujantes, por
medio del llamado «método Marvel»: Lee hacía una sinopsis de la historia, que
pasaba al dibujante, y luego escribía los diálogos basándose en el dibujo
acabado. En ciertos casos, esto hacía difícil saber qué parte de la historia
era de Lee, y qué parte del dibujante y que parte era del guionista.
·
Insistió en llamar a sus personajes con nombre y apellido con la
misma letra inicial (Peter Parker, Loki Laufeyson, Matt Murdock, Stephen Strange, Dum Dum Dugan, Fantastic Four, Doctor Doom, Curtis Connors, Bruce Banner, Scott Summers, Susan Storm, Reed Richards, Otto Octavius, Green Goblin, Silver Surfer, Warren Worthington, Pepper Potts, Fin Fang Foom, Happy Hogan y J. Jonah Jameson,
entre otros).
1931:
Nace Renato Capriles, músico venezolano, reconocido como el fundador y director de la orquesta Los Melódicos.
https://www.youtube.com/watch?v=dEe5ugkuuG8
Rafael Renato Capriles Ayala (Puerto Cabello, Estado Carabobo, 28 de diciembre de 1931-Caracas, 8 de julio de 20141), más conocido como Renato Capriles, fue un músico venezolano, reconocido como el fundador y director de la orquesta Los Melódicos.
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Creció en el seno de una familia numerosa de 14 hermanos, la cual se trasladó a Caracas, primero a La Pastora y luego a La Castellana. Siendo él el número 13, según sus propias palabras, su número de la suerte. Su vocación musical estuvo presente desde niño, desde pequeño todos los años le regalaban un cuatro, nunca aprendió a tocar solo a rasgarlo. También le regalaron un bongo hecho con un envase de leche Klim y uno de avena Quaker, cada vez que llegaba su familia a visitar a su mamá lo llamaban para oírlo tocar.
Tuvo un negocio de ropa en Valencia-Carabobo que perduró por dos años, se lo había comprado a su primer cuñado y a su socio, agentes viajeros de dos fábricas de ropa.
Fundación de los Melódicos[editar]
En la década de los años 50 se hizo cargo del Departamento de Relaciones Públicas de la naciente Cadena Capriles y empezó a acercarse a medios como la televisión y la radio. Pero fue en 1958 cuando decide fundar la Orquesta Los Melódicos, junto con Luis María “Billo” Frómeta, creador de la “Billo's Caracas Boys”, esto paso ya sin su banda, traba amistad con el joven músico y director de orquesta, Renato Capriles, quien le solicita arreglos y canciones para el primer álbum de su orquesta Los Melódicos. Billo Frómeta entonces compone tres temas y arregla cerca de veinticuatro para la nueva orquesta. Desde entonces, Capriles se hace amigo y, en no pocas ocasiones rival artístico de Frómeta.
La agrupación musical se hizo célebre con su lema “La Orquesta que impone el ritmo en Venezuela” y marcó una época en las siguientes décadas, además de imponer canciones que forman parte del repertorio musical del país y de ser el trampolín de destacados cantantes.Sus mayores éxitos fueron en los años setentas.
Entre los vocalistas que figuraron con esta agrupación están las cantantes femeninas Norma López, Emilita Dago, Diveana, Floriana, Liz y los cantantes masculinos Rafa Galindo, Rafael “Rafa” Pérez, Manolo Monterrey, Cherry Navarro, Cheo García, Roberto Antonio y Miguel Moly. Verónica Rey, Doris Salas, Victor Piñero y Perucho Navarro, fueron el alma de la orquesta en los años setentas.
Los éxitos más recordados de la orquesta son Apágame la vela, Yo quiero verla esta noche, Carnaval Costeño, Cumbia del Caribe, Papachongo, Mi cocha pechocha, Diávolo y Zúmbalo, entre otros. También fueron famosos los Recuerdos (mosaicos) que la orquesta interpretaba en los diferentes LP.
Renato Capriles logró crear una orquesta musical que se pudo mantener por más de medio siglo en el gusto de la audiencia y cuyos temas forman parte de las celebraciones y grandes ocasiones de los venezolanos.Además fue empresario musical organizó otras orquestas tipo big band tales como LOS SOLISTAS que emsamblo 2 ocasiones ,EL COMBO GIGANTE DE EMILITA DAGO que posteriormente seria el combo gigante simplemente ,LA INMENSA ,LA GRANDE ,LA CHICA que reportaron trabajos a más de 100 personas entre músicos ,cantantes y personal trajo a sus filas 2 estrellas de La Sonora Matancera que fueron los argentinos LEO MARINI Y CARLOS ARGENTINO . ytuvo conversaciones que no se concretaron con el conocido LARRY HARLOW para ensamblar otra agrupación a finales de los años 70.
https://www.youtube.com/watch?v=dEe5ugkuuG8
1932:
Nace Nichelle Nichols, actriz estadounidense.
Nichelle Nichols (Robbins, Illinois, 28 de diciembre de 1932 – Silver City, Nuevo México, 30 de julio de 2022)1 fue una actriz estadounidense, especialmente conocida por su personaje de la serie de televisión Star Trek: la serie original como la teniente Nyota Upenda Uhura. Comenzó como cantante con Duke Ellington y Lionel Hampton, para pasar posteriormente al cine y a la televisión.
Primeros años[editar]
Nichelle Nichols nació en Robbins, Illinois, cerca de Chicago. Su padre era el alcalde de la ciudad de Robbins y su principal magistrado. Estudió en Chicago, así como en Nueva York y Los Ángeles. Durante su etapa en Nueva York, apareció en el famoso club "Blue Angel" y en los clubes de Playboy como cantante. También apareció en el papel de Carmen para una producción de una compañía de Chicago en el musical de Broadway Carmen Jones.
La nombraron dos veces para la concesión del premio Sarah Siddons como mejor actriz, bailarina y cantante. Su primera candidatura a los premios Siddons fue por su representación de Hazel Sharp en Kicks and Co, y la segunda nominación, por The Blacks.
Nichols viajó por los Estados Unidos, Canadá y Europa como cantante con las bandas de Duke Ellington y de Lionel Hampton. En la costa oeste, apareció en el musical The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd , para My People, y cosechó un gran éxito en la adaptación de la obra de James Baldwin Blues for Mister Charlie. Antes de asistir a las contrataciones para la oficial Uhura en Star Trek, fue actriz invitada en una de las primeras series del productor de televisión Gene Roddenberry.
Star Trek[editar]
Fue en Star Trek en donde Nichols ganó renombre, y fue una de las primeras mujeres afroamericanas protagonistas en una serie importante de la televisión. Durante el primer año, Nichols estuvo tentada de dejar la serie pues creía que su papel era insustancial y carecía de importancia; solamente tras una conversación con el líder Martin Luther King, Jr. cambió su opinión. King la animó personalmente a que no renunciara, diciéndole que él era un gran admirador de la serie y le dijo que «no podía darse por vencida», que ella representaba un papel que era un modelo vital para los niños y las jóvenes de color en todo el país.
Hay un mito urbano popular según el cual King habría hablado con Nichols después de ver la "escena del beso" en el capítulo número 67 de la tercera temporada titulado Los hijastros de Platón, pero se ha demostrado que no es posible, dado que este episodio se emitió varios meses después de su asesinato. Después de la primera temporada, el papel en la serie de Uhura se amplió y ya no fue únicamente servir la consola de comunicaciones.
La antigua astronauta de la NASA Mae Jemison ha citado el papel de Nichols en Star Trek como su inspiración para su deseo de convertirse en astronauta, y Whoopi Goldberg también ha hablado de la influencia de Nichols, y tuvo un trabajo ocasional en Star Trek: La nueva generación.2
En su papel como la teniente Uhura, participó en el primer beso interracial en la historia de la televisión de Estados Unidos entre dos personajes ficticios (en diciembre de 1967, Sammy Davis Jr. y Nancy Sinatra se habían besado abiertamente en el programa de variedades Movin' with Nancy), con el actor canadiense William Shatner como el capitán James T. Kirk en el episodio de Star Trek de 1968 Los hijastros de Platón. La escena provocó airadas protestas, aunque el beso fue el resultado de un control mental extraterrestre a los personajes en la serie y no producto de una relación sentimental o amorosa entre ambos. El episodio no se transmitió por televisión en algunas ciudades meridionales, como resultado de las protestas en esos estados. La anulación del episodio hizo que muchos seguidores protestaran; algunos espectadores de los estados meridionales no eran tan hostiles como se temía.
En su autobiografía de 1994, Beyond Uhura, Star Trek and Other Memories, en la página 197, Nichols cita una carta de un blanco del sur que le escribió: «me opongo totalmente a la mezcla de razas. Sin embargo, en cualquier momento que un muchacho norteamericano con sangre en las venas como el capitán Kirk consigue a una dama hermosa en sus brazos que se parezca a Uhura, no debería dejarla ir». Durante su aparición en Comedy Central el 20 de agosto de 2006, ella se refirió al incidente y dijo al presentador, «¡Hagamos historia en la TV otra vez... y usted puede besar mi culo negro!».
A pesar de la cancelación de la serie en 1969, Star Trek siguió siendo relevante en la vida de Nichols. Ella proporcionó otra vez la voz de Uhura en Star Trek: La serie animada, en un episodio de la cual, La señal de Lorelei, Uhura asume el mando de la nave Enterprise. Nichols reconoció en su autobiografía su frustración porque esta situación no hubiera ocurrido nunca en los episodios originales. Nichols ha interpretado su papel en seis de las películas de Star Trek, y su última aparición fue en Star Trek VI: Aquel país desconocido.
La NASA y otros trabajos[editar]
Después de la cancelación de Star Trek, Nichols se ofreció voluntariamente en un proyecto especial con la NASA para reclutar minorías y personal femenino para la agencia espacial, que resultó ser un éxito. Algunos de los reclutas que consiguió contratar fueron la doctora Sally Ride, la primera astronauta mujer en los Estados Unidos, perteneciente a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos; Guion Bluford, el primer astronauta afroamericano, así como la doctora Judith Resnik y el doctor Ronald McNair, quienes volaron en varias misiones durante el programa espacial antes de su muerte en el accidente del Challenger el 28 de enero de 1986.
Entusiasta de la exploración del espacio, Nichols trabajó desde mediados de los años ochenta en el consejo superior de la Sociedad Nacional del Espacio, una organización no lucrativa y educativa de la defensa del espacio fundada por el doctor Wernher von Braun.
Siempre se interesó por los viajes espaciales; voló a bordo del observatorio de astronomía C-141 de la NASA, que analizó las atmósferas de Marte y de Saturno durante ocho horas, en una misión de gran altitud. Fue también una invitada especial en el Jet Propulsion Laboratory en Pasadena, California, el 7 de julio el 17 1976 para ver el aterrizaje de la nave Viking I en Marte. Con otros miembros de la serie original de Star Trek, acudió a bautizar el primer transbordador espacial, el Entreprise, en la fábrica norteamericana de Rockwell en Palmdale, California.
En 1994, publicó su autobiografía, Beyond Uhura: Star Trek and Other Memories, en la que señaló que tuvo una larga relación con el productor y creador de la serie, Gene Roddenberry.
Entre el final de la serie original y la serie animada, Nichols trabajó en papeles de menor importancia en cine y televisión. Hizo el papel de Dorinda en la película de 1974 Truck Turner, con Isaac Hayes. Trabajó también como actriz de voz en la serie Futurama, en varios capítulos.
Detención[editar]
En 2014, estaba pasando el control previo a subir al avión cuando a su acompañante, un joven de 20 años, se le cayó la maleta al suelo en la terminal de American Airlines. La maleta se abrió y apareció una bolsa con metanfetamina.
La maleta en cuestión llevaba unas pegatinas en las que se podía observar inscrito el nombre de la veterana actriz. Fue por este motivo por el que los agentes de seguridad del aeropuerto la detuvieron de inmediato. Tras su arresto, Nichols declaró que no sabía que la metanfetamina se encontraba en la maleta, por lo que finalmente, al no ser de su propiedad, se procedió al arresto de su compañero, y a ella se le permitió proseguir con su viaje.
Familia y salud[editar]
- Su hermano, Thomas Nichols, pertenecía a la Puerta del Cielo; murió el 26 de marzo de 1997, en un suicidio colectivo.
- Tuvo un hijo, Kyle Johnson.
- En 2018, se publicó que padecía enfermedad de Alzheimer.
Fallecimiento[editar]
Falleció la noche del 30 de julio de 2022 por causas naturales, en su residencia en Silver City, Nuevo México. Tenía 89 años.3
1934:
Nace Maggie Smith,
actriz británica.
Margaret Natalie Smith Cross CH, DBE (Ilford, Inglaterra; 28 de diciembre de 1934-27 de septiembre de 2024),1
más conocida como Maggie Smith, es una consagrada actriz de teatro, ciney televisión británica.
Ha grabado más de 50 películas y su extensa carrera, la cual abarca más de 60
años, la ha convertido en una de las actrices europeas de mayor reconocimiento
en el mundo. Es considerada una figura importante dentro de cultura británica, fue nombrada «Dama» (Dame en
inglés) por la reina Isabel II por su contribución a las
artes interpretativas en 1990 y recibió la Orden de los Compañeros de Honor en
2014.2
Smith comenzó su carrera en las tablas en el teatro Oxford
Playhouse y debutó en Broadway en 1952. Por su destacado trabajo en el teatro
londiense, recibió cinco premios Evening Standard por las obras El
ojo público en 1962, Hedda Gabler en
1970, Virginia en 1981, The Way of the World en
1984 y Tres mujeres altas en 1994. Fue
candidata al premio Tony por Vidas privadas en 1975, Noche
y día de 1979, ganándolo en 1990 con Lettice and Lovage. Otras obras teatrales
notables incluyen las producciones del Festival de Stratford Antonio y Cleopatra de 1976 y Macbeth de
1978 y las producciones de West End Un delicado equilibrio de 1997 y Un
respiro de vida de 2002.
En la gran pantalla, Smith logró reconocimiento inicial por la
cinta Nowhere to Go de 1958, la cual le originó una nominación
al premio BAFTA.3
Ganó dos premios Óscarpor las películas Los mejores años
de Miss Brodie en 1969, como actriz principal, y California Suite en
1978, como actriz de reparto; siendo una de las seis actrices que han ganado el
Óscar en ambas categorías.4
Además, obtuvo otras cuatro nominaciones por las cintas Otelo de
1965, Viajes con mi tía de 1972, Una habitación con vistas de 1986
y Gosford Park de 2001. De igual manera,
ha ganado cinco BAFTA, cuatro como mejor actriz y uno como mejor actriz de
reparto, cuatro Emmy, tres Globos de Oro y
dos SAG.5
Entre 2001 y 2012, Smith interpretó a la Profesora Minerva
McGonagall en la saga Harry Potter, la cual la hizo conocida
para las audiencias más jóvenes. Otras cintas importantes en su filmografía son: Furia de titanes de
1981, Hook de 1991, Sister Actde
1992, Té con Mussolini de 1999, El exótico Hotel Marigold de 2012
y The Lady in the Van de 2015.6
En los últimos años volvió a ser reconocida gracias al personaje de Violet, la
condesa viuda de Grantham, en la exitosa serie británica Downton Abbey.7
Muerte
[editar]El 27 de septiembre de 2024, Smith falleció en Londres en el hospital Chelsea and Westminster, a los 89 años de edad.848586
1934:
Nace Pedro José Ramos, compositor colombiano.
Abogado, catedrático y
político tolimense nacido en Ortega el 28 de diciembre de 1934, hijo del músico
Zacarías Ramos, miembro durante 15 años de la Banda Departamental del Huila, y
de la señora Silvia Rivera.
Desde temprana edad se inició
en sus estudios musicales. Fue excelente ejecutante del tiple y la guitarra.
Su obra como compositor es
extensa y cuenta con la mayoría de los aires andinos colombianos: bambucos,
pasillos, valses, danzas, guabinas, rajaleñas, sanjuaneros. Una de sus primeras
composiciones fue el bambuco “Ortegunita” dedicado a su esposa Melba Caballero,
con quien contrajo matrimonio el 6 de agosto de 1966, y de cuya unión nacieron
sus dos hijas: Silvia Patricia y Adriana Milena.
De Pedro J. Ramos podemos
mencionar además, entre otros, los temas “Dígame por qué doctor?”, “Yo taba
quieto en mi rancho”, “Qué es Macondo?”, “Me niego a odiar”, “Vivirás mi
Tolima”, “Ojalá no crecieras”, “En ti veo a mis viejos”, “Ya es tarde”, “Mi
surco”, “Fiesta Real”, “No vuelvas”, “Plegaria de amor”, etc...
“Ora sí entiendo por qué”,
otra de sus clásicas composiciones en ritmo de bambuco, considerada por algunos
como “canción protesta”, hizo que los Estados Unidos, en actitud completamente
inexplicable, cancelaran la visa para ingresar a su país a los famosos Garzón y
Collazos por el hecho de interpretarla:
“Ora que atisbo mi rancho
todo jincho de pobreza,
después de haberme jodido arando una tierra ajena,
con los guámbitos más flacos que los perros del patrón,
ora si entiendo por qué hablan de revolución.”
después de haberme jodido arando una tierra ajena,
con los guámbitos más flacos que los perros del patrón,
ora si entiendo por qué hablan de revolución.”
El maestro Pedro J. Ramos se
desempeñó como Notario 3º. de Ibagué desde 1975 hasta el 19 de febrero de 1990,
día de su fallecimiento en dicha ciudad.
https://www.youtube.com/watch?v=Ama_3pQpL4M
https://www.youtube.com/watch?v=jW_mLJJoRH0
1937:
Muere Maurice
Ravel, compositor francés (nacido
en
1875).
Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875-París, 28 de diciembre de 1937)
fue un compositor francés del siglo XX. Su
obra, frecuentemente vinculada al impresionismo,
muestra además un audaz estilo neoclásicoy, a
veces, rasgos del expresionismo,
y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que
revolucionaron la música para piano y para orquesta.
Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso
artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo
profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más
sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le
Robert).
Biografía[editar]
1875–1900: El aprendizaje[editar]
Infancia[editar]
Ravel nació el 7 de marzo de 1875, en el 12 del Quai de
la Nivelle en Ciboure, departamento de
los Pirineos Atlánticos,
parte del País Vasco francés.
Su padre, Joseph Ravel (1832-1908),
era un renombrado ingeniero civil, de ascendencia suiza y saboyarda (Ravex). Su madre, Marie
Delouart-Ravel (1840-1917),
era de origen vasco, descendiente de una vieja familia española (Deluarte o Eluarte).
Tuvo un hermano, Édouard Ravel (1878-1960)
con quien mantuvo durante toda su vida una fuerte relación afectiva.1
Pocos meses después, en junio
de 1875, la familia Ravel se trasladó a París. La influencia sobre el imaginario
musical de Maurice Ravel de sus orígenes vascos es discutida, puesto que el
músico no regresó al País Vasco antes
de los 25 años. No obstante, en la biografía escrita por Arbie Orenstein se
menciona que Ravel se sentía muy unido a su madre y que ésta le transmitió su
patrimonio cultural vasco (el cual, según Orenstein, habría tenido una gran
influencia en la vida y la producción musical de Ravel); según dicha biografía,
uno de los primeros recuerdos del compositor labortano eran las canciones
folclóricas vascas que su madre le cantaba.2 Más tarde regresaría regularmente
a San Juan de Luz para
pasar las vacaciones o para trabajar.
Sus padres frecuentaban los
medios artísticos, fomentando los primeros pasos de su hijo que muy pronto
reveló un talento musical excepcional. Comenzó el estudio del piano a
los seis años bajo la guía de Henry Ghys. Niño juicioso, aunque también
caprichoso y terco, pronto demostró su natural talento musical, aunque, para
desesperación de sus padres y profesores, reconoció más tarde haber sumado a
sus numerosos talentos «la más extrema pereza.»3 De hecho, en un principio su padre,
para obligarlo a practicar el piano, tenía que prometerle pequeñas propinas.4 En 1887 recibió
precozmente clases de Charles René (armonía, contrapunto y composición).
El clima artístico y musical prodigiosamente fértil de París de fines del siglo
XIX no podía sino estimular el desarrollo del joven.
Desde muy niño fui sensible a
la música —a todo tipo de música—. Mi padre, mucho más cultivado en este arte
que la mayoría de aficionados, supo desarrollar mis gustos y estimular
tempranamente mi pasión». (Ravel, Esquisse autobiographique, 1928).5
https://www.youtube.com/watch?v=Q4wb11w0ZHQ
1940:
Nace Don
Francisco (Mario Kreutzberger), presentador de televisión chileno.
Mario Luis
Kreutzberger Blumenfeld (Talca, 28 de diciembre de 1940),
internacionalmente conocido como Don Francisco, es un presentador de televisión y filántropo chileno de
origen judío.1
Es uno de los personajes
más populares en el mundo de los medios de
comunicación de habla hispana, fama adquirida gracias a su
programa Sábado gigante,
producido entre 1962 y 2015, y que llegó a emitirse en 43 países. Artífice de
cruzadas solidarias, su principal obra es ser el creador en Chile de la Teletón, una
campaña de beneficencia destinada a niños con discapacidad motriz.
Biografía[editar]
Mario Kreutzberger
nació el 28 de diciembre de 1940, hijo de Erich Kreutzberger y Annie
Blumenfeld, un matrimonio de judíosalemanes que habían llegado a Chile ese
mismo año, huyendo de la Segunda guerra
mundial. Su padre, tras su nacimiento, decidió emigrar desde Talca
a Santiago y
continuar con su negocio de sastrería. Mientras cursaba su educación
primaria en el Liceo Comunal de Ñuñoa, y con un carácter muy tímido en ese
entonces, dejó sus estudios por un breve período y se dedicó a trabajar en el
negocio de su padre. Al volver, con un carácter más fuerte y desarrollado,
llegó a ser presidente de su curso.
En el segundo año de
la enseñanza secundaria, deja el colegio para dedicarse a vender ropa en
provincias. Sin embargo, sus cualidades histriónicas -heredadas de su madre- lo
llevan a animar eventos en sus ratos
libres, llegando a actuar en el Club Israelita Macabbi, del cual era miembro.
En este lugar nace el personaje que, con el tiempo, se convertiría en Don
Francisco, y allí conoce a Teresa Muchnick, alias Temmy, con quien se
casaría y tendría tres hijos: Patricio, Vivian, "La Vivi" (conductora
de televisión, casada con Robert Wilkins) y Francisco (comunicador
audiovisual).
Tras viajar a Estados Unidos por un año a estudiar
Corte y Confección de Vestuario, a los 21 años
decide que la televisión sería
su carrera. En ese entonces, este medio de comunicación recién
comenzaba sus transmisiones en Chile,
y su desarrollo se produjo sólo tras la realización en el país de la Copa Mundial
de Fútbol de 1962. Y aunque el riesgo en ese entonces era alto, la
fascinación que la televisión estadounidense había causado en él era
más grande.
Con el apoyo de su
madre, pasa un año esperando fuera de la oficina de Eduardo
Tironi -director ejecutivo de la cadena de televisión
chilena Canal 13 en 1962-
para hablar de sus proyectos, hasta que éste le brinda una oportunidad de
trabajo.
1944:
Nace Édgar
Vivar, actor mexicano (Sr. Barriga).
Édgar Ángel Vivar Villanueva (Ciudad de México, 28 de diciembre de 1944)1 es un actor, comediante y
médico mexicano. Se hizo famoso por haber interpretado al
personaje del Señor
Barriga y
a Ñoño en El Chavo del Ocho y al Botija
en Los Caquitos, habiendo sido también actor
de doblaje de
películas de Walt
Disney de Pixar como: Ratatouille,
donde prestó su voz al Chef Auguste Gusteau, y Up: una aventura
de altura donde hizo la voz del perro Dug.
Biografía[editar]
Egresado del Centro
Universitario de Teatro, comenzó su carrera de actor teatral en 1964. Estudió y
se licenció en Medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1970
—mientras desempeñaba su labor como médico— fue el segundo actor al que
llamó Roberto Gómez Bolaños (Chespirito) para actuar en su
programa televisivo El Chavo del Ocho (Gómez
ya había llamado primero a Florinda Meza).
En estos programas Vivar fue
conocido por sus personajes: el Señor Barriga, Ñoño y el caquito Botija:
1950:
Nace Hugh McDonald,
bajista actual de la banda Bon Jovi.
Hugh John McDonald (28 de diciembre de 1950 en Filadelfia)
es el bajista de
la banda estadounidense Bon Jovi desde 1994. Sustituyó a Alec John Such.
A pesar de haber llevado tantos años con el grupo, no se le consideró miembro
oficial hasta 2016, de la mano del nuevo álbum "This House Not For Sale".
Vale aclarar que componía el bajo para estudio de Bon Jovi desde 1983. En 1994,
tras la salida de Alec, a Hugh se le propone ser miembro oficial, cosa que este
rechaza debido a que no siendo miembro oficial puede trabajar con otras bandas.
Sin embargo, hasta el día de hoy, Hugh sigue trabajando con Bon Jovi al
100% en estudio y en vivo.
También ha colaborado en los álbumes solistas de Richie Sambora y Jon Bon Jovi,
además de haber trabajado con músicos de la talla de Alice Cooper o Ringo Starr.
https://www.youtube.com/watch?v=lp5S3CCxDZU
1953:
Nace Richard Clayderman, pianista francés.
Philippe Pagès (París, 28 de diciembre de 1953),
conocido por su nombre artístico Richard
Clayderman, es un pianista francés. Actualmente es reconocido como uno de
los pianistas de música ligera más
exitosos a escala mundial, con más de 70 millones de discos vendidos siendo
premiado con 267 de oro y 70 de platino y habiendo realizado más de 600
conciertos alrededor del mundo. Es especialmente conocido por su interpretación
de "Balada para Adelina" ("Ballade pour Adeline").
Biografía[editar]
Comenzó sus estudios
de piano a muy temprana edad de la mano de
su padre, quien era un profesor de música. Con 12 años ingresó en el
Conservatorio de Música de París, donde cuatro años después obtuvo el Primer
Lugar al Mérito. Sus primeros pasos como músico profesional los dio tocando en
sesiones de grabación para poder seguir pagando sus estudios de capacitación y
perfeccionamiento. En función de ello y de su especial talento tocó en
grabaciones de Michel Sardou,
Thierry LeLuron y Johnny Halliday.
En 1976 es
convocado junto con otros 20 pianistas por el productor discográfico francés
Olivier Toussaint y su socio, el compositor Paul de Senneville para
realizar una prueba para la empresa discográfica francesa Disques
Delphinepara grabar algunas baladas. Clayderman fue elegido y entraría a los
estudios de grabación para realizar su primer álbum titulado con su nombre. En
este álbum ejecutó el piano y el sintetizador siendo este uno de los dos que
realizara con este instrumento. La mundialmente famosa Ballade pour
Adeline, compuesta por Paul de Senneville en honor de su hija, recién
nacida entonces, fue una de las piezas de este álbum que lo lanzó al estrellato
mundial. Este sencillo vendió alrededor de 22 millones de copias en más de 30
países.
Actualmente lleva
grabadas más de 1500 piezas musicales distintas, entre ellas El Vals Del
Recuerdo de Marcelo Boasso, Yesterday (de The Beatles), The Sound of Silence y Strangers
in the night. Ha grabado dos discos acompañado por la orquesta del músico
alemán James Last.
https://www.youtube.com/watch?v=ITswHbJPHhQ
https://www.youtube.com/watch?v=eCCan3TFPoc&list=PLjQjaKp6EeSU8V1zJ8CvS8gzoTKgww2Wx
https://www.youtube.com/watch?v=imOd3hwgnrE&index=2&list=PLjQjaKp6EeSU8V1zJ8CvS8gzoTKgww2Wx
https://www.youtube.com/watch?v=wURpD1PIQwQ
1953:
Nace Martha
Wash, cantante estadounidense.
Martha Wash (28 de diciembre de 1953) es una cantante
estadounidense, que ha sido nominada dos veces al Grammy. Sus géneros son soul,
R&B, pop, house y disco. Es conocida por su voz de soprano dramática,
distintiva y poderosa.
Wash logró la fama mundial, al ser parte del dúo femenino Two
Tons O Fun que cantaron al respaldo de la cantante Sylvester.
Después de ganar su propio contrato de grabación, lanzaron tres canciones de
éxito comercial que tuvieron como puesto #2 en las listas de baile. El dúo pasó
a llamarse The Weather Girls en 1982, cuando lanzaron
el mayor éxito de toda su carrera "It's Raining Men",
que llevó al dúo a principal atención pop. Después de la separación de las
chicas, Wash fue la más exitosa de las dos, ya que fue invitada a varias
canciones que tuvieron éxito internacional.
Con seis canciones que alcanzaron el puesto número uno en las
listas de Billboard estadounidense y otras cuatro que alcanzaron el puesto
número dos. Su más reciente éxito es "I'm Not Coming Down".
Wash, también colaboró cantando el éxito "Gonna Make Your
Sweat (Everybody Dance Now)" junto al proyecto C+C Music Factory.
https://www.youtube.com/watch?v=l5aZJBLAu1E
https://www.youtube.com/watch?v=18N2k1TBBRE
1954:
Nace Denzel
Washington, actor estadounidense.
Denzel
Hayes Washington, Jr. (n. Mount Vernon, Nueva York; 28 de diciembre de 1954)
es un actor y director de cineestadounidense, ganador de tres Globos de Oro, un Premio del
Sindicato de Actores, un premio Tony y dos premios Óscar; estos por las cintas Glory como mejor
actor de reparto en 1989, y por Día de entrenamiento como mejor actor
principal en 2001.12
Washington ha recibido el
aplauso de la crítica especializada a lo largo de su carrera desde su debut en
1977, encarnando en muchas ocasiones personajes de la vida real. Algunos de
ellos han sido: el activista sudafricano Steve Biko en Grito de libertad de 1987, el
defensor de los derechos humanos Malcolm X en Malcolm X de
1992, el boxeador canadiense Rubin Carter en The Hurricane de 1999, el entrenador
de fútbol americano Herman
Boone en Remember the Titans de
2000, el poeta modernista Melvin B. Tolson en Grandes debates de
2007, y el narcotraficante Frank Lucas en American
Gangster de 2007, entre otros. Ha colaborado frecuentemente
con el productor estadounidense Jerry Bruckheimer y ha trabajado en
numerosas ocasiones con los directores Spike Lee, Antoine Fuqua y Tony Scott. En 2016 fue homenajeado por
la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood con
el Premio Cecil B.
DeMilledurante la septuagésima
tercera -73°- ceremonia de entrega de los Globo de Oro.
En 2002, Washington realizó su
debut como director cinematográfico con la cinta biográfica Antwone
Fisher: el triunfo del espíritu.3 Su segunda cinta, Grandes
debates, fue estrenada en 2007. Su trabajo más reciente como
director, Fences,
fue estrenado el 16 de diciembre de 2016 y cuenta con él y la actriz Viola Davis en los papeles estelares.4 Fences le originó su
séptima candidatura al Óscar como mejor actor principal.
1956:
Nace Nigel
Kennedy, violinista británico.
Nigel Kennedy (28 de diciembre de 1956, Brighton, Inglaterra)
es un violinista y violista inglés.
Nació en Brighton, East Sussex,
descendiente de un largo y prestigioso linaje de músicos. Su abuelo fue Lauri
Kennedy, violonchelista británico que tocó en la Orquesta Sinfónica de la BBC, que tocó,
entre otros, junto a Fritz Kreisler, Jascha Heifetz y Arthur
Rubinstein.1
Su abuela fue Dorothy Kennedy, pianista, que acompañó a John McCormack,
y enseñó a los niños de Enrico Caruso.
Lauri y Dorothy se establecieron en Australia,
donde nació su hijo, el violonchelista John Kennedy, que fue violonchelista de
la Orquesta Filarmónica Real de
Sir Thomas Beecham. La madre de Nigel fue Escila
Stoner, profesora de piano. Nigel no conoció a su padre hasta que tuvo 11 años.2
Niño prodigio, a quien Yehudi Menuhin pagó
sus estudios de violín desde que lo descubrió.
Muy conocido por sus interpretaciones de Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi,
de la que llegó a vender más de un millón de discos, convirtiéndose en un
récord de ventas en música clásica y por su trabajo con la soprano Sarah Brightman.
https://www.youtube.com/watch?v=wrrC6Go35Ro
1958:
Empieza su actividad
artística el Dúo Dinámico.
Dúo Dinámico es
un dúo musical español formado en 1958 por Manuel de la Calva y Ramón Arcusa, aún en activo. Se les considera
uno de los grupos pioneros y más influyentes del pop español, así como precursores del fenómeno fan en la década de 1960.123 Entre sus temas más conocidos
destacan Quince
años tiene mi amor, Quisiera
ser, Amor de verano y Resistiré.
También fueron compositores y productores para otros artistas, incluyendo la
autoría del tema La, la, la con
el que Massiel ganó el Festival
de Eurovisión 1968 en representación de España.4
Historia[editar]
Primera etapa (1958-1972)[editar]
El Dúo Dinámico es un grupo
formado en 1958 por Manuel de la Calva (1937-)
y Ramón Arcusa (1936-),
dos jóvenes de Barcelona que se
habían conocido en una fábrica de motores de aviación.3 Ambos eran aficionados a la música y a raíz de su amistad comenzaron
a frecuentar locales de jazz en su ciudad. La primera actuación oficial tuvo
lugar el 28 de diciembre de 1958,
en el programa «La comarca nos visita» de Radio Barcelona. Aunque habían pensado
llamarse The Dynamic Boys, el locutor se negó a usar un nombre
inglés y lo tradujo por «Dúo Dinámico».15
Después de varias apariciones en
la radio, De la Calva y Arcusa dejaron sus empleos en otoño de 1959 para
grabar un primer EP de cuatro
canciones con Gramófono Odeón (actual EMI),
cuyo primer tema fue Recordándote.6 Desde el principio, el Dúo Dinámico
destacó por un estilo musical propio, tanto en canciones originales como en
adaptaciones estadounidenses, que les convertiría en precursores del fenómeno fan juvenil en
España.1 El otro aspecto llamativo fue su
cuidada estética, basada en prendas coloridas que contrastaban con los sobrios
cantantes de la época.7 A comienzos de los años 1960 grabarían un total de 36 EPs
con cuatro temas cada uno, en su mayoría sin título.16
Su primer gran éxito a nivel
nacional vino con la película Botón de Ancla (1961),
rodada cuando ambos estaban cumpliendo el servicio militar.8 En la banda sonora se recogían sus
canciones más populares, entre las cuales destaca Quince
años tiene mi amor. Después de su estreno, se convertirían en
una de las primeras bandas españolas que hizo gira por América Latina.9 El resto de películas protagonizadas
por ellos son Búsqueme a esa chica (1964,
junto con Marisol), Escala en Tenerife (1964)
y Una
chica para dos (1966).1
Además, el Dúo Dinámico tuvo un
buen desempeño en los festivales de la canción que se celebraban en España por
aquel entonces. En 1961 quedaron en segundo lugar del Festival de Benidorm con Quisiera
ser. En 1966 se hicieron con el
Festival del Mediterráneo gracias a Como ayer,
cantada también por Bruno Lomas. Y su
mayor triunfo fue la composición de La, la, la, el tema con el que España ganó el Festival
de Eurovisión 1968. Aunque su intérprete fue Massiel, la canción estaba compuesta
originalmente para Joan Manuel Serrat,
amigo personal con el que compartían representante.410 Sin embargo, la negativa de la dictadura
franquista a que Serrat pudiera interpretar una parte en
catalán motivó el cambio de cantante.410
En 1968 el
grupo pasa a llamarse «Manolo y Ramón», con una nueva etapa en la que cambian
de registro musical ante el surgimiento de nuevos grupos.11 A pesar de que no tuvieron el éxito
esperado con la nueva denominación,1 siguieron jugando un papel importante
en la música española como productores de nuevos artistas como Miguel Gallardo, Manolo Otero y Camilo Sesto.
El Dúo Dinámico anunció su
retirada en 1972 para centrarse en la producción
discográfica.11 Arcusa y De la Calva se convirtieron
en los productores de confianza de artistas como José Vélez, Rosa León, Ángela Carrasco, Los Chunguitos y especialmente Julio Iglesias, con quien Arcusa ha trabajado
casi en exclusiva desde 1978 hasta 1995.12
https://www.youtube.com/watch?v=uS6E-KKh4CE
https://www.youtube.com/watch?v=6S3tRvCuD3k
1959:
Nace Ana Torroja,
cantante española, de la banda Mecano.
Ana Torroja Fungairiño (Madrid, 28 de diciembre de 1959)
es una cantante española. Fue la vocalista
de Mecano, banda
formada junto a los hermanos José María y Nacho Cano.
Inició su carrera en la música
en 1981 junto a sus compañeros de grupo, los hermanos Nacho y José María Cano
y, tras once años de trabajo junto a ellos, debutó como solista en 1997.
Como solista sus mayores éxitos son «A contratiempo», «Ya no te quiero»,
«Veinte mariposas», «No me canso», «Sonrisa», «Tu habitación helada» y los
duetos «Corazones» (junto a Miguel Bosé) y «Duele el amor» (con Aleks Syntek).
Biografía[editar]
Infancia[editar]
Ana es la mayor de seis
hermanos: Celia, Laura, Yago, Javier y Carlos. Su padre, José
Antonio Torroja Cavanillas, II marqués de Torroja,
es un prestigioso ingeniero de caminos, al igual que su abuelo Eduardo Torroja Miret,
I marqués de Torroja,
y quizá el mayor especialista mundial de su tiempo en construcción en hormigón.
Su madre, María del Carmen Fungairiño Bringas, enfermera y ama de casa, a la
que Ana estaba muy unida, era hermana del conocido fiscal Eduardo Fungairiño,
y murió el 26 de septiembre de 1985, cuando Ana tenía 25 años y Mecano estaba en la cima de su éxito.
Ana Torroja comenzó su etapa
escolar en un liceo bilingüe en El Viso (barrio de Madrid), relativamente
cercano a su casa familiar de entonces, en la calle
Raimundo Fernández Villaverde. Posteriormente, estudió en un colegio
religioso de Teresianas.
Siendo una niña, cuenta que cantaba, a cambio de una galleta, el "frère Jacques". Su padre toca bien el
piano; y en general, se puede decir que los Torroja estaban en contacto con la
música a través de sus padres y abuelos.
Ana y José María Cano se
conocieron en una fiesta que se celebraba en los apartamentos Tiuna, cerca del
madrileño Paseo de La Habana, hacia el año 1974, siendo ambos adolescentes
(14-15 años aproximadamente). En un principio, José María se sintió más atraído
por la hermana menor de Ana, Celia. Sin embargo, al poco tiempo de conocerse, Ana
y José María comenzaron a vivir una relación amorosa de adolescentes que duró
unos 3 años, según ambos han manifestado en algunas entrevistas; probablemente
hasta el traslado de José María a Valencia, después del verano de 1977.
Tras ese verano del 77, Ana
comenzó la carrera de Económicas, que posteriormente abandonó hacia 1980, tras
dos cursos académicos, coincidiendo con los orígenes de su carrera musical.
Salto a la fama con Mecano[editar]
Artículo principal: Mecano
Ana Torroja comenzó su carrera
musical en 1977, formando un dúo totalmente amateur con
José María Cano, (en ese entonces su pareja) a la vuelta de este último a
Madrid en 1979. Más tarde se les unió el hermano de José María, Nacho, para formar "el grupo español
que más discos ha vendido en todo el mundo", Mecano. Inicialmente, la voz del grupo era
José María, mientras que Ana se limitaba a los coros. Pero posteriormente se
decidió que fuera Ana la voz principal, lo que dotó al grupo de un toque
ambiguo; ya que los temas, al estar escritos por los hermanos Cano, casi
siempre reflejaban un punto de vista masculino. A esto contribuyó el look un
tanto masculino que Ana mostró durante la segunda y siendo así muy original,
marcando tendencia en todas las etapas del grupo, entre 1986 y 1992.
https://www.youtube.com/watch?v=nwcZnupTk2I
https://www.youtube.com/watch?v=7IguUFc7af4
https://www.youtube.com/watch?v=xLgQ6AHZXAU
1966:
Nace
Piotr Beczała (pronunciación: piɔtr beʈ͡ʂawa) nacido el 28 de diciembre de 1966 en Czechowice-Dziedzice, en el sur de Polonia, es un tenor lírico polaco.
.jpg)
En febrero de 2009 reemplazó a Rolando Villazón en Lucia di Lammermoor en el Met.
https://www.youtube.com/watch?v=hg3RcYsDP0k
1970:
Nace Elaine
Hendrix, actriz y cantante estadounidense.
Katherine Elaine Hendrix (Oak Ridge, Tennessee, 28 de
diciembre de 1970) es una actriz estadounidense. Es conocida por sus
papeles e interpretaciones en películas como The Parent Trap (1998), Romy and Michele's High School
Reunion(1997), Superstar (1999), Inspector Gadget 2 (2003) y el
documental ¿¡Y tú qué sabes!? (2004).
1971:
Muere Max Steiner,
compositor austríaco de música para cine (nacido en 1888).
Maximilian Raoul Walter Steiner,
conocido como Max Steiner (Viena, 10 de mayo de 1888 -
Viena, 28 de diciembrede 1971)
fue un compositor austriaco de música de cine,
considerado junto con Victor Young y Alfred Newman, como el padre del sinfonismo
clásico estadounidense. Es curioso observar como de los diez compositores más
destacados de dicha época, solo dos son estadounidenses; esto repercutirá en
los motivos musicales de las composiciones, siendo claramente música
tardorromántica y basada en los cánones establecidos por los compositores
europeos.
Biografía[editar]
Maximilian Steiner nació en
Viena en 1888, donde se formó musicalmente, estudiando en la academia musical
vienesa con personajes como Gustav Mahler. Pronto se ligó a la opereta vienesa,
creando grandes composiciones y siendo reconocido públicamente de manera
importante. Pero los ataques de la Primera Guerra Mundial le obligaron a
trasladarse a EE.UU., donde se pondrá a trabajar en Broadway, consiguiendo
igual de rápido su éxito.
Su trabajo en la orquesta
de Rio Rita fue el motivo para que sea llamado por Hollywood,
con el fin de adaptar dicha obra, de la cual ya no se separará hasta su muerte.
Comenzó en RKO, y su éxito con la partitura de King-Kong (M.
C. Cooper y E. Schoedsack ,1933) junto con su amistad con O´Selznick le hizo
abandonar dicha productora; pero él necesitaba trabajar con una empresa más
potente que pudiera soportar el volumen y nivel de trabajo que era capaz de
desarrollar. Llegó a Warner donde se convirtió en director y voz cantante del
departamento musical hasta su retirada y su posterior muerte en 1971 en la tierra
que le consagró, Hollywood.
Era un maestro y un precursor
de la marca de agua del cine norteamericano, la música enmarcadora, la música
invisible pero capaz de potenciar de manera significativa el sentido de las
imágenes. Por todo ello merece un lugar privilegiado entre los compositores
musicales de cine. Escribió composiciones para más de trescientas películas, de
las cuales una de las más representativas es Lo que
el viento se llevó (V. Fleming, 1939). Además es el film
preconizador del fin del sinfonismo clásico siendo a su vez su máxima
expresión.
En él, se llegan a crear hasta
dieciséis leitmotiv que sonaran cada vez que aparezcan los personajes e incluso
cuando se habla de ellos (como sucede en la secuencia del diálogo de la
ventana, que se sucede en el baile, donde al hablar de la guerra, se introduce
su leitmotiv). Es destacable como este hecho de atribuir un leitmotiv a objetos
inanimados, es pionero y de gran importancia puesto que Tara y la Guerra son de
enorme valor para el desarrollo de la historia, convirtiéndose Tara en el
elemento sobre el que gira toda la historia (esto se pondrá de relieve en la
escena tan famosa de «A Dios pongo por testigo...» donde surge de manera
esplendorosa su leitmotiv). También hace uso de los sonidos onomatopéyicos,
como es el caso de la secuencia del bombardeo de Atlanta donde se da una
amplificación de los sonidos con sentido dramático.
Hay que destacar la composición
realizada para The Searchers (Más
corazón que odio o Centauros del desierto) (J. Ford,
1956), una de las diez mejores obras cinematográficas de todos los tiempos,
donde la música se convierte en el aparato que pone de relieve las imágenes, es
decir, nos descubre sin crear significados nuevos. Esta presencia musical no
sería del agrado de John Ford, puesto que el aboga por una transparencia total
en la que lo visual se convierta en el único conductor de la historia. Ford
prefería trabajar con Alfred Newman,
pero no se puede negar la gran composición musical realizada por Max Steiner.
En definitiva, Steiner es la
máxima representación del sinfonismo clásico y fuente de inspiración de los
grandes compositores de hoy día pertenecientes al sinfonismo autorreferencial,
como pueden ser: John Williams (Tiburón, Star
Wars, ET,...), James Horner (Titanic, Leyendas
de Pasión,...), Basil Poledouris (Conan el Bárbaro, La
Caza del Octubre Rojo,...), etc.
Se estableció en Hollywood hacia 1929,
cuando empezó el cine sonoro y, consigo, la música en las películas. Es uno de
los grandes compositores de bandas sonoras, con obras maestras de la talla de 'Lo
que el viento se llevó, precursora de la inclusión del leitmotiv o tema
musical dedicado a un personaje o situación concretos, King Kong, o
la música adicional para Casablanca, entre otros. Estuvo nominado
al Óscar en 20
ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por El delator (1935), La
extraña pasajera (1942) y Desde que te
fuiste (1944).
1975:
Muere César Guerrero,
compositor ecuatoriano.
César Segundo Guerrero
Tamayo, Nacido en el tradicional barrio ” La Tola”
de Quito , Ecuador, el 15 de marzo de 1893 y fallecido en Quito,
el 28 de diciembre de 1975; creador de letra y música de canciones populares;
tocaba instrumentos musicales como la guitarra y la bandola. Fue hijo del
destacado guitarrista Benjamín Guerrero, oriundo de Pasto, Nariño, Colombia,
que viene a Quito a estudiar en nuestra por entonces ya famosa Universidad
Central donde conoció a la quiteña Balbina Tamayo con quien
formó su hogar.
César su niñez y juventud
las pasó en la ciudad de Pasto donde vivió aproximadamente veinte años, de
regreso a Quito formó parte de varias agrupaciones musicales de nuestro país
entre ellas la estudiantina “La Lira Quiteña” junto a “El Gordo” Luis
Zambrano, “Gaspagancho” Suárez, Luis Palacios, “Mr. Cachupalli” Victor Manuel
Salgado y otros músicos conocidos de la época. Es el creador también del bambuco
Adela y de otras canciones.
Historia de la Canción
El pasillo es una hermosa
creación pero lleva consigo el misterio o la incógnita de su titulo o nombre ya
que la fruta, o vegetal, el aguacate no aparece en ninguna parte de la letra,
lo que ha causado mucha controversia e interés del por que de su nombre, que a
la vez le da más encanto e importancia a la canción.
En el conversatorio con
Eduardo “El Suco” Guerrero, hijo del compositor Guerreo Tamayo, que se publica
en el internet en el Boletín Virtual dirigido por Rodrigo Llano Isaza;
entrevista que se halla en el Anecdotario Quiteño escrito por Jaime Vaga Salas,
donde dice: que la estudiantina (se refiere a La Lira Quiteña) famosa en
su tiempo y a la que se le buscaba para las grandes recepciones en las casas
más encopetadas de Quito, como las Carrión, las Maldonado y más. En una de esas
casas conoció a doña María, una linda señora, toda gracias y salero, de la que
salió prendado. Cuando en su quinta, al pie de un árbol de aguacate, recordando
el romance, compuso, DICEN, el pasillo que llegara a se el más sentido y
cantado en Quito, el Ecuador y fuera de las fronteras patrias.
Después de estas
declaraciones en el Boletín Virtual comenta Llano Isaza …Destaco de la
entrevista el párrafo que resalto en letra mayúscula, particularmente la
palabra DICEN, la cual la he subrayado por cuanto hace que la historia de cómo
o cuál fue la inspiración del autor de “El Aguacate”, Cesar Guerrero Tamayo
padre del entrevistado, queda en el limbo de las especulaciones al no dar una
respuesta concreta, clara y precisa que no deje duda alguna, tal es el caso si
hubiese dicho por ejemplo: mi padre me dijo o mi padre me contó. AL manifestar
la palabra DICEN, atribuye a otros y no a lo que bien pudo contarle su padre,
razón por la cual y para mayor fantasía de esa preciosa canción a quedado
rodeada con esa aureola de un insondable misterio donde la especulación del
cuál fue el origen o motivo de inspiración de “El Aguacate”, seguirá navegando
por el piélago de lo incierto, de lo desconocido.
Por esta razón, de la mano
de la hermosura de la creación y toda la fama, existen varias teorías y
especulaciones ingeniosas al respecto:
Su hija Juanita Guerrero
Caicedo en la entrevista con la Dra. Eugenia Cevallos dijo que su padre …había
salido con sus amigos a dar un paseo por el centro de la capital ecuatoriana,
llevaba su guitarra y de cuando en cuando entonaban este pasillo que aún no
tenía titulo. Al pasar por una tienda, galantearon a una guambrita que en el
instante comía un aguacate, le ofrendaron un piropo que no le gustó y les
contestó echando la pepa del aguacate que fue a dar en el hombro del
compositor.
Otro hijo del compositor ha
manifestado en radio HCJB en una entrevista con la presentadora Yolanda Molina
de Aguilar, que en una reunión en la parroquia Cumbayá -en ese entonces pequeña
población rural del cantón Quito cuando el autor interpretaba “su pasillo”,
desde afuera uno de los chicos lanzó como un proyectil un aguacate, que cayó
sobre el piano. Esto motivó el nombre.
Buscando el título para su
pasillo, en esos devaneos estaba sentado a la sombra de un gran árbol de
aguacates, cuando desde la fronda cae una cáscara lanzada por su hijo, quien se
había encaramado a las altas ramas para dar cuenta de los aguacates. Al recibir
el impacto de la cáscara del aguacate en su frente el autor decidió titular a
su canción con el nombre de esta laurácea, persea americana -el aguacate- a la
que inmediatamente asociamos con nuestros más deliciosos platos típicos. Lo
dice Helena de Troya en Yahoo.
Cuenta que el célebre músico
latacungueño César Viera, invitó a Latacunga a sus amigos músicos y poetas de
Quito, entre ellos a César Guerrero. con los cuales festejó toda la noche. Al
día siguiente de la farra resolvieron trasladarse hasta Loreto (localidad
cercana a Latacunga); allí, sentados a la sombra de un árbol entonaban el
pasillo a coro. El autor pedía un título. Alguien hizo notar que el árbol que
los cobijaba era un aguacate, por lo que el grupo, entre cháchara y cháchara,
gritaba: ponle “El Aguacate”.
Cuando alguna vez su creador
interpretaba el pasillo, una vendedora pasaba por la calle anunciando aguacates
(en el barrio La Villaflora de Quito); o, que en el zaguán de una casa, con una
voz digna de un barítono de Ópera, se oye: “aguacates para el almuerzo” (en el
barrio La Tola de Quito).
Por que estaba dedicado a
una dama de alta alcurnia o clase social muy destacada que tenia sembrado un
frondoso y vistoso árbol de aguacate en el huerto de su casa y como el autor no
podía manifestar abierta o públicamente su amor optó por ponerle el nombre de
“El Aguacate” a su composición con la esperanza de perpetuar en el corazón de
la mujer de sus ensueños el mensaje que bien ella entendía por ese amor
imposible entre los dos.
Por el encuentro casual que
tiene el compositor con la mujer de sus sueños, a poco de ser el medio día, en
el que la dama le regala un aguacate para el almuerzo, y éste, agradecido por
el gesto, plasmó su nombre en recuerdo de aquella mujer que también por
desigualdad social o estar ella ya comprometida no se podía dar a conocer su
nombre, entonces que mejor que engalanarlo con el de esta fruta tan apetecida
en las comidas por las gentes de la región.
Que era alusivo a los
“viejos verdes”, al hombre ya entrado en años que se enamora de una jovencita
que comienza la vida, cuando la del enamorado ya pasa la inexorable cuerda de
los años de un cercano invierno donde la vejez obliga a refugiarse en la
placidez de un dulce hogar y que mejor hacerlo en brazos de una joven y tierna
mujer que lo acompañe.
Como represalia o en
venganza por una lluvia de maduros aguacates que desde de las ventanas de su
amada le fueron lanzados por parte del suegro o la suegra que no miraba con
buenos ojos el romance de su hija con aquel músico aventurero que la pretendía,
y éste para comprometer mucho más a su querida que le pedía perdón por el
incidente, pasó su cuenta de cobro poniendo el sugestivo nombre a la canción
dedicada a ese amor imposible.
Por lo general las canciones
nacen y luego se les pone el nombre o titulo, fijándose en la frase más
digerible, la más repetitiva, o la más linda, en fin; en este caso el tema se
cantaba y cuando surgió la necesidad, de ponerle el título en esa época estar
muy enamorado era estar “Aguacate” decidieron por este nombre que por supuesto
está muy de acuerdo con su letra.
La grabación que le dio el
éxito al pasillo fue la realizada en 1952 en el sello disquero, con la Orquesta
del maestro Luis Aníbal Granja y cantada por Olga Beatriz y Luis Alberto
Valencia, los Hermanos Valencia. Dada su hermosura la han grabado cantidad
de artistas nacionales y extranjeros. Un hit contemporáneo le torna el
cantautor chileno Alberto Plaza, utilizando arreglos y armonía modernos,
también el connacional Juan Fernando Velasco entre otros artistas.
Letra
de la canción
Tu
eres mi amor,
mi dicha y mi tesoro,
mi sólo encanto y mi ilusión.
mi dicha y mi tesoro,
mi sólo encanto y mi ilusión.
Ven
a calmar mis males,
mujer, no seas tan inconstante,
no olvides al que sufre y llora
por tu pasión…
mujer, no seas tan inconstante,
no olvides al que sufre y llora
por tu pasión…
Yo,
te daré mi amor
…mi fe, todas,
mis ilusiones
tuyas son
…mi fe, todas,
mis ilusiones
tuyas son
Pero
tú no olvidarás
al infeliz que te adoró,
al pobre ser que un día
fue tu encanto tu mayor anhelo
y tu ilusión.
al infeliz que te adoró,
al pobre ser que un día
fue tu encanto tu mayor anhelo
y tu ilusión.
http://achiras.net.ec/el-aguacate-un-pasillo-ecuatoriano-sin-tiempo/
https://www.youtube.com/watch?time_continue=182&v=d6sJaVKAZv0
https://www.youtube.com/watch?v=lZTTc59W678
1999:
Muere Clayton
Moore, actor estadounidense (nacido en 1914).
Clayton Moore (n. 14 de septiembre de 1914 -
f. 28 de diciembre de 1999)
fue un actor norteamericano. Era mundialmente famoso por interpretar en
el cine y la televisión al El Llanero Solitario.
Carrera[editar]
Su verdadero nombre
era Jack Carlton Moore, nació en Chicago, Illinois, empezó su carrera de niño
como acróbata de circo. En 1938 llegó a Hollywood y actuó en papeles menores en
películas western clase B. En 1947 filma la
película Jesse James Rides Again, interpretando al legendario Jesse James, repitiendo el papel en 1948 en
la película Adventures of Frank and Jesse James. Protagonizó
a El Zorro en Ghost of Zorro de 1949,
otras de sus películas clase B que protagonizó fueron Cyclone Fury de 1951, Montana
Territory de 1952 como el comisario
George Ives. Gunfighters of the Northwest de 1954.,
más acá en el tiempo en The Alamo: Thirteen Days to Glory de 1987acompañando
al actor James Arness.
El
Llanero Solitario[editar]
1949 lo eligieron para
interpretar a The Lone Ranger,
como se llamó la serie televisiva en inglés. Fue el mayor éxito de la cadena
ABC en la posguerra: hasta 1956 se filmaron 169 capítulos.Con sus balas de
plata, sombrero blanco y antifaz oscuro, el personaje de El Llanero Solitario
se apoderó de Moore. En la década del 50 hizo dos películas interpretando a
este solitario miembro de los Texas Rangers que, acompañado por su fiel amigo
indio Toro, interpretado por el actor Jay Silverheels, que murió en 1979 a los
62 años. La quinta y última temporada de El Llanero Solitario se grabó en
color, entre 1956 y 1957.
Siempre hacía justicia. Cuando se fue de la serie por problemas de contrato,
Moore siguió haciendo shows. Pero en 1979 la empresa dueña de los derechos de
El Llanero Solitario lo obligó judicialmente a abandonar el personaje. El juez
Vernon Foster dijo que Moore no podía usar más el antifaz negro ni publicitarse
como El Llanero Solitario. Apenado, Moore acató la decisión del juez. En 1987
se colocó una estrella en el Sunset Boulevard de Los Angeles.
1976:
Nace Joe
Manganiello, actor estadounidense.
Joseph Michael "Joe" Manganiello (28 de diciembre de 1976, Pittsburgh, Pensilvania) es un actor estadounidense.
Índice
·
2Carrera
·
6Premios
Primeros años[editar]
Manganiello nació en Pittsburgh, Pensilvania, y creció en Mt. Lebanon,
un suburbio al sur de la ciudad. Es hijo de Charles y Susan Manganiello.1Manganiello tiene ascendencia italiana (Sicilia), armenia y austríaca,2era estudiante de la St. Bernard
School, una escuela católica de Mt.
Lebanon,3y después asistió al Mt. Lebanon High
School,4donde se graduó en 1995.
Creció jugando al fútbol, baloncesto y voleibol, jugó al fútbol americano en la
escuela secundaria, y fue el capitán de su equipo de baloncesto y del equipo de
voleibol.5Manganiello ganó el papel de Jud Fry en
la producción de su escuela, Oklahoma!, y se involucró en el estudio de
televisión de la escuela. Los fines de semana, pedía prestado el equipo para
hacer cine con sus amigos, y se interesó en la actuación para convertirse en un
cineasta más que aficionado.6
Después de sufrir lesiones en el fútbol, Manganiello hizo una
audición para la Carnegie Mellon School of Drama, en su último año en la
escuela secundaria. No fue aceptado, por lo que se matriculó en la Universidad de
Pittsburgh y allí hizo teatro. Manganiello volvió a incribirse
en la Carnegie Mellon un año más tarde, y fue uno de los 17 estudiantes
aceptados en el programa de interpretación.7Actuó en producciones de teatro y
escribió, produjo y actuó en una película de estudiantes llamada Out of Courage
2.8Manganiello se graduó en el 2000 con
un BFA en interpretación.6Manganiello estudió todos los estilos
de teatro clásico cuando estuvo allí. Viajó a Nueva York y Los Ángeles a través de su universidad
para participar en audiciones de grupo, lo que le proporcionó contactos en el
negocio del entretenimiento.9
Carrera[editar]
Cine y televisión[editar]
Manganiello se mudó a Los Ángeles después de graduarse de
la Universidad
Carnegie Mellon.10Rápidamente firmó con un agente de
talentos, y 3 días después, hizo la prueba para el papel de Peter Parker en la película de Sam Raimi, Spider Man de 2002.
Manganiello no consiguió el papel protagonista pero logró el de Eugene "Flash" Thompson, némesis de
Peter Parker, consiguiendo actuar junto a Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, y Willem Dafoe, en su primer trabajo de calidad
en la universidad.11Repitió el mismo papel varios años
más tarde, haciendo un breve cameo al final de Spider-Man 3 en 2007.
Manganiello comenzó a encontrar trabajo en la televisión,
interpretando al novio de Tori Spelling en So
NoTORIous de VH1 en 2006,
y fue la estrella invitada en Las Vegas, Jake in
Progress y Close To
Home ese mismo año. En 2007, apareció en "My No Good
Reason", un episodio dirigido por Zach Braff de la serie Scrubs de NBC,
y en la telenovela nocturna American
Heiress de MyNetwork TV. También interpretó al agente
Litchman, el amante del personaje interpretado por Linda Cardellini, en 4 episodios de la
serie ERde NBC.
Manganiello también interpretó a Brad, el compañero de la
facultad de Derecho de Marshall Eriksen, interpretado por Jason Segel, en varias temporadas de la
comedia de CBS How I Met Your Mother.12En 2008, se unió al reparto del drama
de The CW One
Tree Hillpara su quinta temporada, interpretando al camarero
Owen Morello, el amante de Sophia Bush. Manganiello desapareció de la
serie en Wilmington,
Carolina del Norte, y regresó a su sexta y séptima temporadas.13Interpretó a Stu en la comedia
de Fox Til Deathdurante
dos episodios, y protagonizó el cortometraje Wounded, escrito
por Gloria
Calderon Kellett ese mismo año,.14
Actuó en la película bélica que salió directa a DVD Behind Enemy Lines: Colombia en 2009, junto con el
luchador profesional de la WWE, Ken Kennedy. Manganiello interpretó al
teniente Sean Macklin, un líder de equipo de los Navy SEALs. Una película de Fox Home
Entertainment filmada en Puerto Rico15Manganiello apareció en Medium en
2009, y ha sido actor invitado en las tres series de la franquicia de
televisión CSI,
de la cadena CBS: CSI: Crime
Scene Investigation, CSI: Miami y CSI: NY. Tuvo un papel en la película
independiente Irene in
Time, escrita y dirigida por Henry
Jaglom.
En 2010, Manganiello apareció en anuncios de televisión de Taco Bell en la promoción de su nuevo
producto, el Tortada.16Apareció en los pilotos de televisión
de 100
Questions y la comedia de Pittsburgh, Livin' on a Prayer,
escrita en parte por el escritor y compañero de How I Met Your Mother,
Kourtney Kang.1718
Manganiello desempeña el papel del hombre lobo Alcide Herveaux en True Blood de HBO.
Su personaje llegó a la tercera temporada de la serie como un guardaespaldas
contratado por Eric Northman (Alexander Skarsgård)
para proteger a Sookie Stackhouse (Anna Paquin), cuando su novio, el
vampiro Bill Compton (Stephen Moyer), desaparece. Manganiello
describe la relación de estos cuatro personajes como "amor cuadrado".19
True Blood ya era el programa
de televisión favorito de Manganiello cuando se unió al reparto. Hizo una prueba
para interpretar a Coot, otro hombre lobo en la serie, pero se le pidió que
dijera el diálogo de Alcide en su lugar.20 Manganiello se dejó crecer la barba
y entrenó durante cinco meses para agregar el músculo para el papel;6La autora Charlaine Harris había descrito a Alcide
que tenía "los brazos del tamaño de cantos rodados".21Manganiello ha firmado para ser un
miembro del reparto regular.22
1976:
Nace Vanessa
Ferlito, actriz estadounidense.
Vanessa Ferlito (Brooklyn, Nueva York; 28 de diciembre de 1980)
es una actriz estadounidense de
ascendencia italiana.
Índice
·
1Carrera
o 3.1Cine
Carrera[editar]
Con poco más de veinte años debutó en el cine al intervenir en
el drama psicológico-sexual On Line en
2002. Al margen de la gran pantalla, ha aparecido en diversas series de
televisión, como 24, CSI: Nueva York y Los Soprano, y en el telefilm de John Leguizamo Undefeated. Ferlito
decidió dejar su papel de detective Aiden Burn en CSI: New York porque
quería centrar su carrera en el mundo del cine y el teatro.1 En 2013 regresó a la televisión
con Graceland y
desde 2016 con NCIS: New Orleans.
1978:
Nace John
Legend, músico estadounidense.
John Roger Stephens, conocido como John Legend, (Springfield, Ohio, 28 de diciembre de 1978)
es un cantante, compositor, pianista y actor estadounidense.
Ha ganado diez premios Grammy,
un Premio Globo de Oro y
un Oscar. En 2007,
Legend recibió el Premio "Hal David Starlight " del Salón
de la Fama de los Compositores. 1
El 17 de
septiembre del 2018, se convierte en un artista EGOT, por haber ganado el
premio Emmy, Grammy, Oscar y Tony.
Antes del
lanzamiento del álbum debut de Legend, su carrera ganó ímpetu a
través de una serie de colaboraciones con varios artistas de renombre. En
varios puntos de su carrera, Legend ha colaborado en sencillos como "Getting
Nowhere" de Magnetic Man, "All
the Lights" de Kanye West, en "This
Way", de Slow Village. Además de participar en
"Encore" de Jay Z, en el coro de la
canción de Alicia Keys, "You
Don't Know My Name", el remix que hizo Kanye West a la canción de Britney Spears "Me Against the Music"
y "High Road" de Fort Minor. Legend tocó el piano en "Everything Is Everything" de Lauryn Hill. Por
su trabajo en solitario, ganó un "Número 1" en la lista Billboard Hot 100 con "All of
Me" en 2013. Ganó el Premio
de la Academia a la Mejor Canción Original en 2015 por escribir
la canción "Glory" de
la película Selma.
https://www.youtube.com/watch?v=450p7goxZqg
1989:
Muere Ricardo López Méndez, poeta y compositor mexicano.
Nació en Izamal, Yucatán el
7 de Febrero de 1903. Hijo de Don Juan López Pacheco y Doña Francisca Méndez
Palma.
Residió hasta los 23 años en Mérida, Yucatán, y después en la ciudad de México. Se casó con la Sra. Ligia Maldonado Ponce.
Desde muy joven destacó por su talento literario, habiendo pertenecido en la década de los 20 al grupo Esfinge, integrado por literatos yucatecos como José Esquivel Pren, Emilio Abreu Gómez, Oswaldo Baqueiro, Alberto Bolio y Antonio Mediz Bolio, entre otros. Su carrera como autor inició en Mérida, Yucatán. Su primer poema hecho canción fue Languidece una Estrellita, musicalizada por Ricardo Palmerín.
De ahí en adelante su inspirada poesía habría de recorrer el mundo envuelta en música de los mejores compositores de la época y cantada por afamados intérpretes.
Canciones como Nunca, Golondrina Viajera, Quisiera, Aléjate, Yo quiero ser y Fondo Azul con música del trovador yucateco, Augusto Cárdenas (Guty Cárdenas). Amor, Desesperadamente, Mar y Noche, con las melodías de Gabriel Ruiz; Déjame, Tu partida y Tu Boca y yo, con la inspiración musical de Gonzalo Curiel, son sólo algunas de las obras más representativas del Mtro. López Méndez.
De la vasta obra literaria de Ricardo López Méndez, destaca sin duda su poema Credo (México, creo en ti…), editado en 1940, por el que otro renombrado poeta yucateco, Antonio Mediz Bolio, otorgó la dignidad de "El Vate" a López Méndez, aduciendo que nadie había captado con más intensidad y cercanía el maravilloso misterio de la patria mexicana. Además de poeta y escritor, Ricardo López Méndez se desempeñó como periodista, locutor, radiodifusor y publicista. Colaboró en la XEW desde su fundación, junto a otros famosos locutores, como Pedro de Lille, Alonso Noriega y Manuel Bernal. También fundó y dirigió varias estaciones de radio en territorio mexicano, desde Tamaulipas hasta Yucatán y Quintana Roo. Como periodista trabajó en varios diarios de Yucatán y de la ciudad de México. El Diario de Yucatán, El Universal Gráfico, Excélsior, Novedades y El Nacional, publicaron por más de 40 años sus artículos.
Entre los reconocimientos más importantes que recibió destacan el que le otorgó la Sociedad de Autores y Compositores de México, como insigne poeta al cumplir 50 años en esta profesión; dos medallas Agustín Lara; medallas de la Cámara de Comercio; medalla Eligio Ancona; medalla Guty Cárdenas; medalla de la Asociación de Locutores, y premios de la Broadcast Music Inc. Por Amor, Amor y por Mar.
Es frecuente encontrar su busto en bronce, como homenaje público, en parques y jardines de la ciudad de México, Yucatán y otros estados del país. En Ciudad Mante, Tamaulipas, una calle lleva su nombre, al igual que un parque en Cuajimalpa, D.F.
Hijo Predilecto en varias entidades federativas de México, y desde principios de 2009 una calle que lleva su nombre en el norte de la ciudad de Mérida, Yucatán, aledaña al Centro Cultural Obrero, que también ha sido nombrado en su honor.
En Nicaragua recibió la Orden del Centenario y el Monje de Oro; la Secretaría de Educación Pública le otorgó un reconocimiento por Mejoramiento Cultural del Pueblo, y por exaltar los valores de la Nacionalidad Mexicana. La Escuela Técnica de Publicidad le dio un diploma, en el que se le reconoce como Fundador.
Una anécdota muy emotiva que el Mtro. López Méndez solía narrar, refiere que al terminar la Segunda Guerra Mundial, en la ciudad de Los Ángeles, fue invitado a un hospital donde estaban jóvenes militares a los que se les había otorgado El Corazón Púrpura, casi todos ellos de origen mexicano, principalmente de Coahuila, Nuevo León y Zacatecas. Al sentarse a comer, uno de ellos le dijo: "Señor, esa canción con letra suya, Amor, amor, nos gusta mucho, pero hay una que nos llega al alma, Nunca, la cantamos nosotros y nuestros padres." Ricardo decía que tratando de evitar que le salieran las lágrimas, pensó: "Hermano Guty (Cárdenas), sin saberlo hicimos una canción para los héroes de guerra”.
Ricardo El Vate López Méndez, falleció el 28 de Diciembre de 1989 en Cuernavaca, Morelos.
En 2009, la Sociedad de Autores y Compositores de México, de la que fue socio fundador, galardonó al Mtro. Ricardo López Méndez con la presea post mortem Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas, instituido para honrar a los autores mexicanos cuya obra haya trascendido las fronteras lingüísticas y culturales para gloria de México en el mundo, permaneciendo vigente hasta nuestros días.
Residió hasta los 23 años en Mérida, Yucatán, y después en la ciudad de México. Se casó con la Sra. Ligia Maldonado Ponce.
Desde muy joven destacó por su talento literario, habiendo pertenecido en la década de los 20 al grupo Esfinge, integrado por literatos yucatecos como José Esquivel Pren, Emilio Abreu Gómez, Oswaldo Baqueiro, Alberto Bolio y Antonio Mediz Bolio, entre otros. Su carrera como autor inició en Mérida, Yucatán. Su primer poema hecho canción fue Languidece una Estrellita, musicalizada por Ricardo Palmerín.
De ahí en adelante su inspirada poesía habría de recorrer el mundo envuelta en música de los mejores compositores de la época y cantada por afamados intérpretes.
Canciones como Nunca, Golondrina Viajera, Quisiera, Aléjate, Yo quiero ser y Fondo Azul con música del trovador yucateco, Augusto Cárdenas (Guty Cárdenas). Amor, Desesperadamente, Mar y Noche, con las melodías de Gabriel Ruiz; Déjame, Tu partida y Tu Boca y yo, con la inspiración musical de Gonzalo Curiel, son sólo algunas de las obras más representativas del Mtro. López Méndez.
De la vasta obra literaria de Ricardo López Méndez, destaca sin duda su poema Credo (México, creo en ti…), editado en 1940, por el que otro renombrado poeta yucateco, Antonio Mediz Bolio, otorgó la dignidad de "El Vate" a López Méndez, aduciendo que nadie había captado con más intensidad y cercanía el maravilloso misterio de la patria mexicana. Además de poeta y escritor, Ricardo López Méndez se desempeñó como periodista, locutor, radiodifusor y publicista. Colaboró en la XEW desde su fundación, junto a otros famosos locutores, como Pedro de Lille, Alonso Noriega y Manuel Bernal. También fundó y dirigió varias estaciones de radio en territorio mexicano, desde Tamaulipas hasta Yucatán y Quintana Roo. Como periodista trabajó en varios diarios de Yucatán y de la ciudad de México. El Diario de Yucatán, El Universal Gráfico, Excélsior, Novedades y El Nacional, publicaron por más de 40 años sus artículos.
Entre los reconocimientos más importantes que recibió destacan el que le otorgó la Sociedad de Autores y Compositores de México, como insigne poeta al cumplir 50 años en esta profesión; dos medallas Agustín Lara; medallas de la Cámara de Comercio; medalla Eligio Ancona; medalla Guty Cárdenas; medalla de la Asociación de Locutores, y premios de la Broadcast Music Inc. Por Amor, Amor y por Mar.
Es frecuente encontrar su busto en bronce, como homenaje público, en parques y jardines de la ciudad de México, Yucatán y otros estados del país. En Ciudad Mante, Tamaulipas, una calle lleva su nombre, al igual que un parque en Cuajimalpa, D.F.
Hijo Predilecto en varias entidades federativas de México, y desde principios de 2009 una calle que lleva su nombre en el norte de la ciudad de Mérida, Yucatán, aledaña al Centro Cultural Obrero, que también ha sido nombrado en su honor.
En Nicaragua recibió la Orden del Centenario y el Monje de Oro; la Secretaría de Educación Pública le otorgó un reconocimiento por Mejoramiento Cultural del Pueblo, y por exaltar los valores de la Nacionalidad Mexicana. La Escuela Técnica de Publicidad le dio un diploma, en el que se le reconoce como Fundador.
Una anécdota muy emotiva que el Mtro. López Méndez solía narrar, refiere que al terminar la Segunda Guerra Mundial, en la ciudad de Los Ángeles, fue invitado a un hospital donde estaban jóvenes militares a los que se les había otorgado El Corazón Púrpura, casi todos ellos de origen mexicano, principalmente de Coahuila, Nuevo León y Zacatecas. Al sentarse a comer, uno de ellos le dijo: "Señor, esa canción con letra suya, Amor, amor, nos gusta mucho, pero hay una que nos llega al alma, Nunca, la cantamos nosotros y nuestros padres." Ricardo decía que tratando de evitar que le salieran las lágrimas, pensó: "Hermano Guty (Cárdenas), sin saberlo hicimos una canción para los héroes de guerra”.
Ricardo El Vate López Méndez, falleció el 28 de Diciembre de 1989 en Cuernavaca, Morelos.
En 2009, la Sociedad de Autores y Compositores de México, de la que fue socio fundador, galardonó al Mtro. Ricardo López Méndez con la presea post mortem Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas, instituido para honrar a los autores mexicanos cuya obra haya trascendido las fronteras lingüísticas y culturales para gloria de México en el mundo, permaneciendo vigente hasta nuestros días.
https://www.youtube.com/watch?v=mHw71VcYRBQ
https://www.youtube.com/watch?v=jDuIb3qt70k
1989:
Salvador Vilar Braamcamp Sobral (Lisboa, 28 de diciembre de 1989),
conocido como Salvador Sobral, es un cantante y músico portugués, ganador del Festival
de Eurovisión 2017 en representación de Portugal con la canción «Amar pelos dois».1
Índice
Biografía[editar]
Sobral nació en Lisboa el 28 de diciembre de 1989.
Su padre es Salvador Luís Cabral Braamcamp Sobral (1955,
nieto del 4° Conde de Sobral) y
su madre es Luísa Maria Cabral Posser Vilar (1960).
Su hermana mayor, Luísa Sobral, es
también cantante y compositora.2
En 2009 participó en la tercera temporada
del programa televisivo Ídolos —versión portuguesa de Pop Idol— y finalizó séptimo,3 al tiempo que lo compaginaba con la
carrera de Psicología por el Instituto Superior de Psicología Aplicada.4 Arrepentido por su decisión de
participar en ese programa,2 decidió marcharse con una beca Erasmusa Palma de Mallorca (España), donde comenzó a cantar en bares y
mostrar interés por la música jazz,25 además de viajar por diversas
ciudades del país.6
Abandonó la carrera de Psicología y en 2010 se
instaló definitivamente en España para estudiar música en el Taller de Músics de Barcelona.47
La trayectoria de Sobral se ha encaminado hacia la música jazz y
alternativa, tomando como referencias a Chet Baker, la bossa nova y los sonidos
latinoamericanos.7 En 2014 formó
parte de Noko Woi, un grupo venezolano afincado en Barcelona que llegaría a
actuar en el festival Sónar.8 Y en 2016,
ya de vuelta a Lisboa, publicó su debut en
solitario, Excuse Me, en colaboración con el pianista Júlio
Resende.7
En 2017 se proclamó vencedor del Festival RTP da
Canção con la balada «Amar pelos dois», compuesta por su
hermana Luísa. Gracias a esa victoria, Sobral fue el representante de Portugal en el Festival
de Eurovisión 2017.9 Ya en el certamen europeo, celebrado
el 13 de mayo, el artista se proclamó vencedor
con 758 puntos, liderando tanto el televoto como el jurado profesional. De este
modo, el país luso se hizo con la victoria por primera vez, además de lograrlo
con la mejor puntuación histórica hasta esa fecha.110
En septiembre del mismo año tuvo que retirarse temporalmente de
los escenarios por una dolencia cardíaca.1112 Sobral permaneció cuatro meses en un
hospital de Lisboa a la espera de un trasplante de corazón,
completado en diciembre del mismo año.1314 Y tras recuperarse sin contratiempos
en la unidad de
cuidados intensivos, recibió el alta médica el 12 de enero de 2018.1516 Retomaría su carrera artística con
una reaparición en la final del Festival
de Eurovisión 2018 junto a Caetano Veloso.17
https://www.youtube.com/watch?v=Qotooj7ODCM
1991:
Muere Cassandra
Harris, actriz australiana (n. 1952).
Cassandra Harris (nombre artístico de Sandra Colleen Waites; Sídney, 15 de diciembre de 1948 - Los Ángeles, 28 de diciembre de 1991)
fue una actriz australiana.
Cassandra trabajó en filmes de cierto éxito internacional
como The Greek Tycoon, con Anthony Quinn y Jacqueline Bisset y en la serie de
televisión Remington Steele,
protagonizada por Pierce Brosnan, con quien estuvo casada entre 1980 y 1991.
Fue una chica Bond en For Your Eyes Only (en
español: Sólo para sus ojos), en el papel de una condesa muerta una noche de amorcon James Bond (entonces Roger Moore). Fue durante el rodaje cuando
Brosnan, que entonces tenía 28 años, conoció al productorde la serie Bond, Albert 'Cubby' Broccoli,
que más tarde lo invitaría a ser el agente 007 en el cine.
Tuvo tres hijos: Christopher y Charlotte, de su matrimonio con
Dermot Harris (entre 1970 y 1978), y Sean (n. 1983), de su matrimonio con
Brosnan. Los dos primeros fueron adoptados por Brosnan tras la muerte de Dermot
Harris en 1986.
Harris fue diagnosticada de cáncer de ovarios en 1987 y luchó
contra la enfermedad hasta que falleció el 28 de diciembre de 1991, a los 43
años. Su hija, Charlotte, también murió de cáncer de ovarios, el 1 de julio de
2013, a la edad de 41 años.
2004:
Muere Jerry Orbach,
actor estadounidense (nacido
en
1935).
Jerry Orbach (Jerome
Bernard Orbach: 20 de octubre de 1935 - 28 de diciembre de 2004)
fue un actor estadounidense conocido
por su papel estelar como el detective Lennie Briscoe en la serie estadounidense Law & Order.
También protagonizó las
películas Dirty Dancing y Last Exit to Brooklyn.
2014:
Nace Leopoldo
Federico, director de orquesta, compositor y bandoneonista argentino (n.
1927).
Leopoldo Federico (Ciudad de Buenos Aires, 12 de
enero de 1927 - 28 de
diciembrede 2014) fue un director de orquesta, compositor y bandoneonista argentinoconsiderado
una de las figuras máximas del tango.1Como ejecutante sabía tomar en la
orquesta el rol de cadenero2 y su capacidad de arreglista, le
permitió crear novedosas versiones sobre antiguas partituras.3Como ejecutante se definía "Soy
eso que llaman un bandoneón cadenero que con un gesto o una mirada termina
uniendo a todos los instrumentos y me los llevo conmigo en el bandoneón."4
Con Julio Sosa[editar]
En 1959 acompañó al frente de su orquesta al cantor
uruguayo Julio Sosa, grabando
64 temas para el sello CBS y Columbia Records. Los más grandes éxitos
fueron: «Cambalache», «Mano a mano»,
«Nada», «El Firulete», «Qué me van a hablar de amor», «En esta tarde gris»,
«Uno», «Rencor» y una original versión de «La Cumparsita».
https://www.youtube.com/watch?v=Q6-8NhDlI7w
2016:
Muere Debbie
Reynolds, cantante y actriz estadounidense (nacida en 1932).
Mary Frances Reynolds, conocida como Debbie Reynolds (El Paso, Texas; 1 de abril de 1932 - Los
Ángeles, California; 28 de diciembre de 2016),3 fue una actriz y cantante estadounidense, famosa por sus papeles en Cantando bajo la
lluvia (1952), La conquista del
Oeste, Molly Brown siempre a flote (por el cual
fue nominada al Óscar), Mother (nominación al Globo de
Oro), In & Out (1997)
y por interpretar a Aggie en las películas de Halloweentown (1998-2006). Fue
galardonada con un Oscar Honorífico en 2015.
2020: Muere Armando Manzanero, cantautor mexicano (n. 1935)
Armando Manzanero Canché (Mérida, Yucatán; 7 de diciembre de 1935-Ciudad de México, 28 de diciembre de 2020),1234 fue un compositor, cantante, actor, músico y productor discográfico mexicano, considerado por parte de especialistas, prensa y músicos como uno de los compositores más exitosos de la historia.56
Escribió más de cuatrocientas canciones, de las cuales más de cincuenta han alcanzado fama internacional, como «Somos novios», «Esta tarde vi llover», «Contigo aprendí» y «Adoro». Sus temas le valieron el seudónimo de "Rey del Romanticismo" 5 y fueron interpretados por múltiples estrellas internacionales.
Fue acreedor de un Premio Grammy a la carrera artística, reconocimiento especial con el que han sido galardonadas grandes personalidades musicales, y que se entrega a artistas que han hecho destacables contribuciones al campo de la discografía. Participó en numerosos programas de radio y televisión, grabó más de treinta discos y musicalizó numerosas películas. Era, hasta la fecha de su fallecimiento, presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México.
Falleció el 28 de diciembre de 2020 a los 85 años, por complicaciones derivadas del COVID-19
2023:
Muere
Pedro Martín José María Suárez Vértiz Alva (Callao, 13 de febrero de 1969-Lima, 28 de diciembre de 2023),1 más conocido como Pedro Suárez-Vértiz, fue un músico, cantante, compositor y productor peruano de pop-rock, además de escritor. Luego de pertenecer al grupo Arena Hash en los años 80, con el cual realizó 2 álbumes, inició su carrera como solista y lanzó con éxito los discos (No existen) Técnicas para olvidar (1993), Póntelo en la lengua (1996), Degeneración actual (1999), Play (2004), Talk show (2006) y Amazonas (2009).2
Trabajó como columnista en el diario El Comercio y publicó su obra: Yo, Pedro. Tras ser diagnosticado de parálisis bulbar en 2011, una enfermedad que finalmente le hizo alejarse de los escenarios, ya que le había provocado dificultades en el habla (disartria), falleció el 28 de diciembre de 2023, a la edad de 54 años a causa de un paro cardiaco.3 Tal como lo recuerda el crítico musical Francisco Melgar: «Se convirtió en el compositor de canciones de rock más exitoso durante casi veinticinco años». Pedro Suárez-Vertiz, considerado como leyenda del rock peruano, es reconocido por Billboard como «ícono del rock peruano» y su canción Los globos del cielo, como «una obra maestra atemporal del rock en español».4
Biografía
[editar]Hijo de Germán Hernando Suárez Vértiz Reyes (director del Museo de Arte de Lima e hijo del pintor Germán Suárez Vértiz)5 y Rosita Alva, nació el 13 de febrero de 1969, en el Hospital Naval de Callao, ello debido a que su madre y abuelo materno pertenecieron a la Marina de Guerra del Perú. Es hermano mayor del también músico Patricio Suárez-Vértiz y de María Fe Suárez Vértiz. Vivió toda su infancia y adolescencia en San Isidro, junto al parque El Olivar.
A los nueve años en el Colegio María Reina Marianistas, en 1978, compuso por el Día de la Madre un relato acerca de reflexiones sobre el nacer. Ya en la secundaria, sus escritos empezaron a ser musicalizados al formar una primera banda con su hermano y amigos llamada Paranoia.6 Posteriormente, formó el grupo Arena Hash, en el cual tocaba la guitarra, componía y cantaba todas las canciones.
Paralelamente a su carrera musical con Arena Hash, ingresó, por la Pre Lima, a la Universidad de Lima y eligió la carrera de Ciencias de la Comunicación, graduándose a los 21 años en la especialidad de radio, cine y televisión.
Carrera artística
[editar]Conforme al criterio del crítico musical Francisco Melgar, su trayectoria artística se puede clasificar en tres estilos distintivos. El primer estilo abarca géneros como el funk, el soul y el rock. El segundo estilo se manifiesta en el rock clásico, tal como lo evidencia el álbum (No existen) Técnicas para olvidar. Por último, Melgar señala que el álbum Póntelo en la lengua: «representó un retorno a la colaboración con Garrido y se convirtió en el disco más exitoso de su carrera». Con su enfoque pop y su cuidado en el estudio, el crítico señaló que este álbum «consolidó a Suárez Vértiz como la figura más prominente de la escena musical peruana en los años 90 [y] se convirtió en el compositor de canciones de rock más exitoso durante casi 25 años, manteniendo su estilo sin necesidad de modificarlo para seguir siendo relevante en la industria».7
1985-1991: Con Arena Hash
[editar]Pedro Suárez Vértiz formó junto a su hermano Patricio su primer grupo al que llamaron Paranoia. Poco tiempo después, a los 16 años de edad, fue gestor de la banda Arena Hash en 1985 y firmó con el sello discográfico CBS tres años más tarde. El grupo lanzó dos discos: Arena Hash (1988) y Ah Ah Ah (1991).
1993-2000: Primeros álbumes de estudio
[editar]En 1993, lanzó su primer disco como solista titulado (No existen) Técnicas para olvidar con temas como «Cuéntame», «Globos en el cielo» y la balada «Me elevé». Gracias a este disco obtuvo un contrato con Sony Music.8 En 1996, lanzó su segundo disco titulado Póntelo en la lengua con temas como «Los globos del cielo», «Mi auto era una rana» y «Me estoy enamorando». El disco superó las 40 mil copias vendidas y obtuvo el triple disco de platino en Perú.8
El tema «Mi auto era una rana» musicalizó la película peruana No se lo digas a nadie, mientras que «Me estoy enamorando» formó parte de la telenovela chilena A todo dar, realizada por Mega en 1998. En ese mismo año, luego de la Super Feria de la Molina (Julio), un canal de televisión realizó un especial llamado Hecho en el Perú, en su segunda edición, esta vez con el rock, para lo cual Pedro formó un minigrupo con Patricio Suárez-Vértiz, German González y Anna Carina.
En 1999, lanzó su tercera producción titulada Degeneración actual, que contó con experimentaciones en estilos como el hip hop, el reggae, el ska y la electrónica. De este álbum figuran temas como «Degeneración actual», «Un vino, una cerveza», «Alguien que bese como tú» y «El tren sexual». Otras canciones del álbum como «Placeres y dolor» y «Cuando el sol va a salir» fueron conocidas por su aparición en la serie peruana Mil oficios.
2003-2008: Play y Talk Show
[editar]En 2003, lanzó su primer disco de grandes éxitos titulado Anécdotas, donde recopila los éxitos de sus tres primeros discos. Para su siguiente producción, terminó su contrato con Sony Music y lanza con su propio sello Solver Label el disco Play (2004), donde destacan los temas «Bailar», «Lo olvidé» y «Cuando pienses en volver». En 2005, su tema «El triunfo tan soñado» fue el himno de la Copa Mundial de Fútbol Sub-17 que se celebró en Perú, que luego se incluiría en su siguiente producción discográfica.8
En 2006, lanzó su disco Talk Show, con temas como «No llores más, morena» y «Como las mariposas», el cual se incluyó en la banda sonora de la película Talk Show. Al año siguiente, publicó su segundo disco recopilatorio donde repasa los éxitos de los álbumes Play (2004) y Talk Show (2006). Para este disco Pedro firma con la compañía discográfica Warner Music Spain.
2009-2012: Amazonas y Ponerme a volar
[editar]En 2009, Pedro Suárez-Vértiz presentó Amazonas, bajo la producción de Thom Russo.9 Esta fue grabada entre Los Ángeles y Londres. Como primer sencillo lanza el tema «Amazonas», canción latina representativa de Expo-Zaragoza '08. La canción, además, identificó la campaña Reciclar Mueve el Mundo del Ayuntamiento de Madrid en España con motivo del Día Mundial del Medio Ambiente. El segundo sencillo, «Nadia», canción que interpretó a dúo con el tenor peruano Juan Diego Flórez,10 tema que en noviembre entra al Billboard entre las 50 mejores canciones.11
Durante el 2010 realizó una gira por Perú, Estados Unidos y España.12 El mismo año, Suárez-Vértiz lanzó Amazonas Uncut, edición especial de su anterior disco. Los años siguientes, realizó presentaciones en Madrid y en las ciudades italianas Milán y Roma,13 y tuvo una participación especial en el videoclip «Me cansé» de la cantante peruana Anna Carina en 2012.14 En 2013, Suárez-Vértiz y GianMarco grabaron el álbum recopilatorio El encuentro que contiene 16 temas, acompañado de un libro de gastronomía, el cual ha sido editado por una agencia bancaria para sus clientes.15
2013-2023: El encuentro y Cuando pienses en volver
[editar]En 2014, produjo el evento Cuando pienses en volver, un homenaje a su música con la presencia de muchos artistas peruanos e internacionales, donde también se produjo un disco llamado homónimamente como dicho festival pero en el cual cantaba Pedro Suárez-Vértiz (Banda), y es ahí donde ellos empiezan a realizar las presentaciones en conciertos bajo dicho nombre permitido por Pedro.
El 13 de enero de 2017, lanzó una nueva canción, tras ocho años sin sacar nuevas producciones, con ayuda de su banda homónima, llamada Siempre aquí en mi piel. Se trata de un material inédito escrito entre 2009 y 2011.16 El 20 de julio de 2018, el Senado estadounidense, reconoció la trayectoria de Pedro Suárez-Vértiz en el marco del 197° Aniversario de la Independencia del Perú. El representante del Senado estadounidense Joseph Crowley, la OEA, y la sala de honores del Capitolio, entregaron al artista una medalla, una bandera de los EE. UU. doblada en triángulo, y una proclamación escrita a nombre del congreso estadounidense.17181920
Pedro Suárez Vértiz fue seleccionado para componer la canción oficial de los Juegos Panamericanos Lima 2019. Durante los días 24 y 29 del mes de septiembre del 2019 se realizó el musical «Cuéntame» en el Anfiteatro del Parque de la Exposición con la producción de Los Productores.21
El 18 de octubre de 2023, con ayuda de la inteligencia artificial, lanzó su última canción, titulada Amor, yo te perdí la fe. El tema, patrocinado por la empresa de lácteos Yoleit, había sido escrito previo a su pérdida vocal.2223
Fallecimiento
[editar]A las 6:55 de la mañana del jueves 28 de diciembre de 2023, en su residencia situada en el distrito de Miraflores en Lima, falleció a la edad de 54 años. La causa de su muerte fue un paro cardiorrespiratorio, confirmado por un profesional médico.242526
Se le dio el último adiós en una misa de cuerpo presente en la Iglesia Virgen de Fátima, en el distrito de Miraflores. Horas después, sus restos fueron trasladados al camposanto Jardines de la Paz en el distrito de La Molina, donde finalmente fueron cremados.
Tras su fallecimiento, la revista Billboard lo apodó como «el ícono del rock peruano».27 A su vez, el congresista Alejandro Cavero elaboró un proyecto de ley para conmemorar su fallecimiento como «el día del rock peruano».28 El día se cambió al 13 de febrero, fecha de su nacimiento, y fue aprobado por el Congreso en 2024.29
En 2024, se le realizó un concierto de homenaje llamado “Cuando pienses en volver”, que contó con la participación de artistas como Gianmarco, Eva Ayllón, Raúl Romero, Daniela Darcourt, Amy Gutiérrez, Pelo D'Ambrosio, Mar de Copas, Amén, Anna Carina, entre otros.
Vida personal
[editar]Estaba casado con Cynthia Martínez con quien tuvo 3 hijos.30
Padecía desde 2007 debido a la enfermedad atrofia muscular espinal presentaba dificultades al hablar y respirar, generalmente problemas de coordinación, intensidad de voz, dicción, etc. por lo cual, Pedro se tuvo que alejar de los escenarios.31
Posteriormente su neurólogo confirmó de una parálisis bulbar.323334
Desde el año 2011, Pedro Suárez-Vértiz manifestó una evidente mala dicción. Él mismo explicó que era producto de un desorden nervioso muscular, que se evidencia con la edad, sumado a un déficit de atención crónico que lo hace lucir extremadamente distraído y enredado al hablar. Esto afectó en forma importante su canto. Pedro declaró arrepentirse de haber proclamado su defecto, pues solo provocó la atención sobre este.35
En 2013, alejado de los escenarios publicó su primer libro: Yo, Pedro.
Filmografía
[editar]Televisión
[editar]- Los cuatro finalistas (2018-2019), jurado.
0 comentarios:
Publicar un comentario