El 8 de diciembre es el 342.º (tricentésimo cuadragésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 343.º en los años bisiestos. Quedan 23 días para finalizar el año. Podcast 2018
La Inmaculada Concepción, conocida también como la Purísima Concepción, es un dogma de la Iglesia Católicaque sostiene que María, madre de Jesús, a diferencia de todos los demás seres humanos, no fue alcanzada por el pecado original sino que, desde el primer instante de su concepción, estuvo libre de todo pecado.
No debe confundirse este dogma con la doctrina de la maternidad virginal de María, que sostiene que Jesús fue concebido sin intervención de varón y que María permaneció virgen antes, durante y después del parto.
Al desarrollar la doctrina de la Inmaculada Concepción, la Iglesia Católica contempla la posición especial de María por ser madre de Cristo, y sostiene que Dios preservó a María de todo pecado y, aún más, libre de toda mancha o efecto del pecado original, que había de transmitirse a todos los hombres por ser descendientes de Adán y Eva, en atención a que iba a ser la madre de Jesús, que es también Dios. La doctrina reafirma con la expresión «llena de gracia» (Gratia Plena) contenida en el saludo del arcángel Gabriel (Lc. 1,28), y recogida en la oración del Ave María, este aspecto de ser libre de pecado por la gracia de Dios.
Celebremos la fiesta de la Inmaculada Concepción en familia, con amigos y en paz y armonía. Que esta fecha sea la ocasión perfecta para expresarle a nuestros seres queridos todo el afecto, el cariño y el amor que sentimos por ellos.
Que hoy podamos decirles cuánto los queremos y los felices que somos por contar con ellos en nuestras vidas.
Que la Inmaculada Concepción nos llene de gozo y de mucha paz espiritual para que podamos disfrutar con alegría este día tan especial.
Como pontífice estableció que los mártires no fuesen enterrados cubiertos con una simple sabana blanca sino con la «dalmática», una vestidura muy parecida al manto de los emperadores romanos y que hoy es usada por los diáconos en las ceremonias solemnes.1
Se le atribuye la práctica de la bendición de la recolección de los campos.1
Aunque el martirologio romano lo incluye entre los mártires, hoy se tiene la certeza de que no lo fue, ya que su pontificado se desarrolló en un período libre de persecuciones que habían sido suspendidas al morir el emperador Aureliano en 275.
Murió el 7 de diciembre de 283 y fue enterrado en las Catacumbas de San Calixto, posteriormente en 1659 sus reliquias fueron donadas por el Papa Inocencio X al obispo de Fidenza, el cardenal Felipe Casoni, quien después de su muerte, por testamento, se encargó de que llegaran a Sarzana, un pueblo en el centro de Lunigiana, probablemente el área de origen de este Papa.
Fue un poeta reflexivo, que expresa aquello que desea con una
perfección casi absoluta. Los principales temas que trata en su poesía son el
elogio de una vida retirada («beatus ille») y la invitación de gozar de
la juventud («carpe diem»),
temas retomados posteriormente por poetas españoles como Garcilaso de la Vega y Fray Luis de León. Escribió, además, epístolas
(cartas), las últimas de las cuales, dirigida «A los Pisones», es conocida como Arte
poética.
Sibelius compuso prolíficamente hasta mediados de la década de 1920, pero después de terminar su Séptima sinfonía (1924), la música incidental para La tempestad (1926), y el poema sinfónico Tapiola (1926), no logró concluir obras de gran envergadura en sus últimos treinta años, un declive sorprendente y desconcertante comúnmente conocido como «El Silencio de Järvenpää», la ubicación de su casa. A pesar de que presuntamente dejó de componer, siguió intentándolo, incluyendo resultados infructuosos en una Octava sinfonía. En sus últimos años, escribió música masónica y revisó algunas obras anteriores, mientras mantenía un interés activo pero no siempre favorable hacia los nuevos desarrollos en el mundo de la música.
El billete de 100 marcos finlandeses llevaba su efigie hasta 2002, fecha en que se produjo la entrada en circulación del euro.3 Desde 2011, Finlandia celebra un Día de la Bandera, el 8 de diciembre, que coincide con el cumpleaños del compositor, también conocido como el «Día de la Música finlandesa».4 En 2015, en el 150 aniversario del nacimiento del compositor, se llevaron a cabo una serie de conciertos especiales y eventos, especialmente en la ciudad de Helsinki.5
Manuel M.
Ponce nació en la ciudad minera de Fresnillo, estado de Zacatecas, al norte de
México, el 8 de diciembre de 1882, en una casa situada frente a la Plazuela del
Maíz, actualmente Jardín Obelisco. Bautizado en la Parroquia de la Purificación
el 12 de diciembre del mismo año Sus padres, Felipe de Jesús Ponce, quien
durante 14 años realizó trabajos de tenedor de libros en la estación minera de
Proaño, la de mayor producción de plata en el país; y doña María de Jesús
Cuéllar, originarios de Aguascalientes, retornaron a la
hidrocálida ciudad con la protección del gobernador de esa entidad Francisco
Rangel, cuando el infante Manuel María, el duodécimo de sus hijos, apenas
contaba con algunos meses de edad.
La afición de
doña María de Jesús por la música influyó decididamente en el destino de cuatro
de sus hijos: María del Refugio, Josefina, José Braulio y Manuel María Ponce
Cuéllar. Este último inició sus estudios de piano con su hermana Josefina,
conocida como “Pepita”, recibiendo, asimismo, instrucción musical de María del
Refugio, “Cuquita” reconocida docente, pianista, compositora y redactora del
texto “Estudio Pianístico Beethoven”. Manuel María a los seis años de edad
interpretaba enzarzadas melodías como “La zacatecana” y “Amor secreto” con la
guía de solfeo del maestro Hilarión Eslava. A los diez años sus padres y
hermanos mayores le situaron como pupilo con el licenciado Cipriano Ávila,
abogado y maestro de piano.
Fue
integrante del Coro Infantil del Templo “San Diego” de Aguascalientes, ayudante
de Órgano y titular de este instrumento desde 1898. En 1900 viajó a Ciudad de
México, iniciando estudios con los maestros Vicente Mañas, Eduardo Gabrielli y
Paulo Bengardi. Seguidamente ingresó en el Conservatorio Nacional de Música en 1901, donde permaneció hasta 1903. En 1904, fue a estudiar
cursos superiores a la Escuela de Música de Bolonia,
en Italia con
Enrico Bossi y Luigi Torchi. Posteriormente viajó a Alemania,
donde permaneció entre 1906 y 1908 y se perfeccionó
en el piano con el maestro Martin Krause,
pedagogo en el Conservatorio Stern y director de la Liszt Verein en Leipzig y
antiguo discípulo del pianista Franz Liszt.
Y regresó finalmente a México, donde se dedicó a la enseñanza, a la composición
y a dar conciertos.
En 1915 fue
a La Habana en
compañía del poeta Luis G. Urbina; ahí impartió clases de piano y colaboró en
algunos diarios de la isla. Al volver al país fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de México de 1918
a 1920; al poco tiempo, comisionado por la SEP y a solicitud de
la UNAM,
viajó a París para estudiar bajo la guía del compositor Paul Dukas.
Concluida la licenciatura en composición en la Escuela Normal de Música de
París, regresó a la ciudad de México en 1933 a ocupar el cargo de director del
Conservatorio Nacional de Música y titular de la cátedra de piano en el propio
Conservatorio y en la Escuela Nacional de Música.
En 1934 se le designó inspector de la Sección de Música
del INBA y consejero de
la Orquesta Sinfónica de México. Fue miembro del Seminario de Educación Pública
y fundador del Seminario de Cultura Mexicana. En 1945 fue nombrado director de
la Escuela Nacional de Música. En 1947 se le otorgó el Premio Nacional de
Ciencias y Artes, convirtiéndose en el primer músico en recibir esa distinción.1
Murió en la ciudad de México un año después.
Compositor
controvertido, creó una obra musical basada en temas típicos mexicanos, que
combinó con el estilo romántico europeo de su época. Otra influencia importante
en su producción fue el impresionismo;
de hecho, Ponce y José Rolónrepresentan
el impresionismo musical en México.
La fama
llegó, pero no la fortuna. Hoy en día, Estrellita (no
confundir con Twinkle twinkle, little star) es erróneamente
considerada una melodía de dominio público.
En su momento
sus canciones fueron interpretadas por los grandes cantantes del momento
como Lily Pons y Tito Schipa.
Compuso obras
para diversos instrumentos y dominó especialmente la guitarra gracias a la
amistad que sostuvo con el guitarrista español Andrés Segovia,
así como con otros compositores de este instrumento como Heitor Villa-Lobos, Federico Moreno Torroba y Joaquín Rodrigo. Fue el primer compositor
mexicano cuya música tuvo proyección internacional y su nombre fue ampliamente
conocido en el extranjero.
Sus primeras historietas estaban inspiradas en las películas de Charles Chaplin que vio mientras trabajaba como proyeccionista en un cine. Richard Felton Outcault le animó a enviar sus dibujos a la prensa, y en 1916 publicó sus primeras planchas de Charlie Chaplin's Comic Capers en el Chicago Herald. Dos años más tarde, en 1918, Segar se pasó al Chicago Evening American, para el que creó su serie Looping the Loop.
Su labor atrajo la atención de Arthur Brisbane, responsable máximo de la King Features Syndicate, propiedad del magnate William Randolph Hearst. Reclutado para la agencia, comenzó a publicar en el New York Journal la serie Timble Theatre. En 1929 creó a Popeye como personaje secundario dentro de esta tira, pero el marinero cobró rápidamente protagonismo hasta el punto de convertirse en uno de los más conocidos personajes de cómic de todos los tiempos.
Para la King Features Syndicate, paralelamente a Timble Theatre, creó la tira The Five-Fifteen (1920), que en 1926 cambió su nombre a Sappo. Murió de leucemia el 13 de octubre de 1938 en Santa Mónica.
Spencer desarrolló una concepción omnímoda de la evolución como el desarrollo progresivo del mundo físico, los organismos biológicos, la mente humana, y la cultura humana y las sociedades. Era «un exponente entusiasta de la evolución», e incluso «escribió acerca de la evolución antes de que lo hiciera Darwin».1 Como polímata, contribuyó a una amplia gama de temas, incluyendo la ética, la religión, la antropología, la economía, la teoría política, la filosofía, la literatura, la astronomía, la biología, la sociología y la psicología. Durante su vida alcanzó una tremenda autoridad, sobre todo en el ámbito académico de habla inglesa. «El único otro filósofo inglés en haber logrado tal popularidad generalizada fue Bertrand Russell, y que fue en el siglo XX».2 Spencer era «el intelectual europeo más famoso en las últimas décadas del siglo XIX»,34 pero su influencia se redujo drásticamente después de 1900: «¿Quién lee ahora Spencer?» preguntó Talcott Parsons en 1937.56
Desde
muy temprana edad se inició en la música y destacó por su producción prolífica
y la variedad de su trabajo, tanto en la música popular como en la clásica, que
al final de su vida registra más de 150 composiciones y 150 más inéditas. Creó
música para concierto y musicalización para cine. Durante 23 años fue director
musical y de orquesta de la Revista Musical Nescafé, uno de los
programas pilares de la televisión mexicana, fungió como representante y asesor
artístico de este programa al que cubrió con su talento y su conocimiento
musical. De 1943 a 1965 tuvo bajo su dirección artística varios de los
programas estelares de la XEW AM. Pionero de la Sociedad
de Autores y Compositores de México, donde a partir de 1953 ocupó
diversos cargos con gran iniciativa. Participó como director musical de
los Juegos
Olímpicos de 1968 y de los Juegos
Panamericano de 1975, ambos realizados en México. Además compuso las
fanfarrias y el himno oficial para estos juegos, con la colaboración del Ricardo López Méndezel
Vate. En 1937 realizó una gira por toda Sudamérica y las Antillas
acompañando al piano y con gran orquesta al cantante José Mojica. En esta gira, y con letra de
Mojica, compuso Nocturnal canción que hoy en día forma parte
del repertorio clásico bolerístico y es conocida internacionalmente. De hecho,
se le otorgó el Grammy a Charlie Hadenpor su disco Nocturne2que, entre otras canciones
contiene Nocturnal. También hizo un disco llamado" Land of the
Sun" incluyendo 8 temas de Sabre con el cual le fue otorgado otro Grammy
en el año de 2004.
El 8 de
diciembre de 1909, Julia Marroquín Alonso y José Sabre Montiel recibieron en su
hogar al pequeño José quien desde su nacimiento creció en un ambiente musical
bajo la tutela de su padre, conocido director de orquesta y pianista.
Posteriormente llegaron al hogar de Julia y José dos varones más, Manuel y
Jesús. Cuando cumplió 5 años inicio el estudio formal de la música con su
progenitor y a los seis años comenzó a tocar la batería en un conjunto dirigido
por su papá y que ponía fondo a las películas mudas proyectadas en el teatro
Othón y después en el teatro O´Farrill. A los 8 años debutó como solista en
los Jueves Azules del teatro O´Farrill tocando el xilófono.
Además de la formación que recibió de su padre, tomó clases con los maestros
potosinos Antonio Rodríguez y Gabriel Arriaga. Fue a la edad de 13 años cuando
tomó la dirección del conjunto de su padre al dedicarse este al comercio. Tenía
21 años cuando lo contrataron en Monterrey para dirigir la Orquesta de
Jazz del casino de Monterrey, ahí permaneció un año para regresar
después a San Luis Potosí donde conoció a Gonzalo Curiel quien andaba de gira
acompañando al Dr. Alfonso Ortiz Tirado. Curiel convenció a José Sabre
Marroquín para que tomara su lugar en la gira y fue así como el joven músico
potosino realizó su primera gira por la República Mexicana, Centroamérica y el
sur de los Estados Unidos hasta California. A fines de 1932 comenzó a laborar
en la estación de radio XEW. En 1935 da a conocer sus primeras canciones
grabándolas en RCA Victor con la participación de artistas como Juanito
Arvizu, Pedro Vargas, Chucho
Martínez Gil y Emilio Tuero, entre otros, acompañados con la
orquesta que para entonces ya había formado José Sabre Marroquín.
José
Sabre Marroquín llega a la Ciudad de México en la década de los años treinta y
tiene la oportunidad en esta ciudad de continuar sus estudios de música con el
maestro Rodolfo Halfter.
Leo Joachim Jacoby IV[1] nació en una familia judía rusa
en Nueva York. Desde pequeño demostró aptitudes
para el arte. De hecho, era considerado un niño prodigio con el violín y la
armónica. Con 17 años, Cobb marchó a Hollywood e hizo su debut en la
película Boyhood Days formando parte del grupo Borrah
Minevitch and His Harmonica Rascals.
Volvió a su ciudad natal para estudiar en la Universidad de
Nueva York, enrolándose en el grupo de teatro universitario y
paralelamente trabajando en seriales dramáticos de radio. En 1935, Cobb trabaja
en el teatro bajo la dirección de Clifford Odetscon dramas políticamente
comprometidos como Waiting for Lefty y Till the Day I
Die, compartiendo tablas con otros futuros insignes artistas como Elia Kazan, John Garfield o Martin Ritt. Todo ello tendría consecuencias
ya que Cobb y los anteriormente citados serían investigados por la Comisión de actividades antiamericanas (House
Un-American Activities Committee) del senador Joseph McCarthy.
También en la década de los 1950, figuró en la lista negra de sospechosos de la Comisión de actividades antiamericanas por
su relación con el grupo de teatro de Clifford Odets, anteriormente comentado. El
actor compareció ante la comisión en 1953, paradójicamente en el mismo momento
en el que obtenía su nominación al Oscar al mejor actor de reparto por La ley del silencio.
En esa comparecencia nombró a una veintena de compañeros que militaban en
el Partido
Comunista de los Estados Unidos.
Fue hijo del animador Max Fleischer, creador de Betty Boop. Estudió interpretación en la Universidad de Yale después
de abandonar una primera opción de convertirse en psicólogo.
Su gran oportunidad llegó en 1942 cuando los estudios de
la RKO lo
escogieron para dirigir una serie de documentales y películas animadas mudas a
las que llamó Flicker
Flashbacks.
En 1946, debutó como director de cine con Hija
del Divorcio. Poco después ganó un Óscar como productor de Design
for Death, codirigido con Theodor
Geisel, sobre la influencia cultural del Imperio japonés durante
la Segunda Guerra
Mundial, tema que retomará. Después hizo, he hecho, Acusado
a traición (1949), de intriga bélica (el protagonista sabe
que va a ser juzgado militarmente por haber traicionado a sus compañeros en un
campo de concentración japonés y busca pruebas de su inocencia).
Rodó Ven detrás de mí (1949), de persecución
policial a un estrangulador en serie (otro tema que recreará en 1968 y 1971).
Enseguida, rodó el famoso Asalto
al coche blindado (1950), film de acción trepidante de poco
más de una hora en la que falla un atraco bien planeado, pero muere uno de los
ladrones y un policía, lo que dará origen a una persecución implacable. En
1952, hace Testigo accidental, sobre la mafia y sus esfuerzos por
evitar la comparecencia de un testigo en un juicio en Los Ángeles.
Trabajó el cine de aventuras y épico en Los vikingos (1958), y el género
policial y sicológico en Impulso criminal (Compulsion)
(1959), con Orson Welles, y en la que dos jóvenes de clase alta cometen un
asesinato presuntamente perfecto sólo por realizar un crimen.
En la década de 1960, dirigió Crack in the Mirror (1960); Barrabás (1962),
basada en la novela histórica de Pär Lagerkvist; el film de ciencia ficciónViaje
alucinante (1966), sobre un científico que crea una fórmula
para reducir al ser humano a un tamaño microscópico, con sus secuelas
aventurescas; el musicalDr. Dolittle (1967); la película de
suspense El estrangulador de Boston (1968),
basada en hechos reales (trece crímenes realizados por un fontanero de vida
normal, entre 1962 y 1964), y otra de género épico Che! (1969).
Dirigió a numerosos y afamados actores durante las décadas de
1950, 1960 y 1970, entre los cuales se cuentan Lloyd Bridges, Charles Boyer,
Gig Young, James Mason, Peter Lorre, Victor Mature, Richard Egan, Ray Milland,
Joan Collins, Robert Mitchum, Robert Wagner, Broderick Crawford, Kirk Douglas,
Tony Curtis, Ernest Borgnine, Orson Welles, Dean Stockwell, Bradford Dillman,
E. G. Marshall, Don Murray, Lee Remick, Stuart Whitman, Stephen Boyd, Juliette
Gréco, Anthony Quinn, Silvana Mangano, Arthur Kennedy, Katy Jurado, Harry
Andrews, Vittorio Gassman, Jack Palance, Donald Pleasence, Raquel Welch, Edmond
O'Brien, Rex Harrison, Henry Fonda, Omar Sharif, Martin Balsam, Joseph Cotten,
James Whitmore, John Hurt, Mia Farrow, Charlton Heston, Lee Marvin, Charles
Bronson, Glenda Jackson, Oliver Reed, Peter Ustinov y Michael Caine, lo que lo
señala como un director estrella.
Escribió su autobiografía en 1993 con el título Just
Tell Me When to Cry ,donde describió las dificultades que tuvo con
actores, guionistas y productores. Aunque de estilo anecdótico y humorístico,
actores como Charlton Heston lo
nombraron como uno de los libros de referencia para saber cómo funciona por
dentro la industria del cine estadounidense.
Fue jefe de los Fleischer Studios, heredados de su padre, que
poseen los derechos de Betty Boop y Koko the Clown. En junio de 2005, realizó
todavía el documental Out of the Inkwell: Max Fleischer and the
Animation Revolution, donde se comenta la labor de su padre.
Tras sufrir una corta enfermedad, falleció un año después, a los
89 años de edad.
Con la colaboración de su esposo Federico Caldura, inventó y creó a Topo Gigio, una célebre marioneta que ha recibido un considerable éxito tanto en Italia como en el mundo. Trabajó en Roma y en Venecia en el teatro de títeres y colaboró con la RAI (Radiotelevisión Italiana), particularmente, en la sede de Milán de esa compañía radiodifusora.3
En Italia se vivía una época de innovación con la televisión y el cine animado, y fue entonces cuando Maria Perego introdujo una nueva técnica desconocida hasta ese momento, utilizando títeres en vez de dibujos animados, inspirada por el ilustrador checoJiří Trnka (tradición italiana del teatro de marionetas).
En los años 50 creó diversos personajes dedicados a los jóvenes. Antes de Topo Gigio, el más famoso era Picchio Cannocchiale. Para la creación de Picchio Cannocchiale, Maria Perego se inspiró en un personaje ya existente, amado por los niños: el Pájaro Loco. Lo mismo hizo con Topo Gigio, pero está vez tomó como inspiración a Mickey Mouse. En 1959 nace Topo Gigio, personaje que fue inmediatamente presentado en horario estelar, interpretado por la voz del actor de doblaje italiano Peppino Mazzullo, quien no se limitaba exclusivamente a programas infantiles. A finales de los años 50, Topo Gigio fue invitado a presentarse en programas con altos índices de audiencia, tales como Canzonissima (junto a Nino Manfredi y Delia Scala). El ratón atrajo no solo a niños, (por su pequeñez y su naturaleza infantil), sino que también logró atraer al público adulto. Topo Gigio también tuvo un éxito increíble en la venta de peluches. Una de las muchas peculiaridades que caracterizan a este personaje es la representación de la realidad como si de una ficción se tratase, porque, a pesar de ser un personaje ficticio, también enfrenta problemas reales, que son parte de la vida de todos, lo cual era un objetivo intencional por parte de sus creadores.
En 1974 fue coanfitrión de Canzionissima, acompañado de Raffaella Carrà y Cochi e Renato. Topo Gigio incluso llegó a hacer duetos con personalidades como Louis Armstrong y Frank Sinatra. Su creación ha sido transmitida alrededor del mundo entero. Decidida a defender su propia autonomía creativa, Maria Perego se forjó una reputación como mujer y profesionista "de hierro" con motivo de sus relaciones no siempre fáciles con la RAI. Fue la autora de una pieza musical interpretada por Memo Remigi (autor de la música) y Topo Gigio, titulado Che tipo di topo.
María Perego falleció el 7 de noviembre de 2019 a los noventa y cinco años tras sufrir un infarto en Milán, Italia donde trabajaba en la reaparición de Topo Gigio.42
https://www.youtube.com/watch?v=-MES1xlB1nA
1923:
Nace Neneco Norton, músico, director orquestal, compositor paraguayo y profesor de música.
Elio Ramón Benítez González, músico, director orquestal, compositor paraguayo y profesor de música, lleva el nombre artístico de Neneco Norton. Nació en 1923 en Asunción, capital de la República del Paraguay, un 8 de diciembre, día de la festividad de la Virgen de Caacupé, fecha importante para todos los paraguayos. Falleció el 9 de marzo de 2013, a las 89 años de edad.1
Sus padres fueron Apolonio Benítez y Hermelinda González.
Neneco se inició musicalmente en la banda del batallón Rojas Silva del Salesianito con el uso de la trompeta. Sus lecciones de teoría y solfeo elemental las tomó con Padre Ernesto Pérez, el recordado y famoso Pa´i Pérez. Posteriormente, aprendió teoría y solfeo superior con el maestro José de Jesús Villalba, para luego seguir cursos de armonía con el profesor Otakar Platill.
Estando en el batallón Rojas Silva, formó un grupo musical integrado por los exploradores salesianos, siendo sus integrantes; como cantante, Luís Osmer Meza, quien posteriormente sería el famoso Luis Alberto del Paraná, Rubito Medina en la guitarra y como clarinetista, Benjamín Cabañas y amigo de Chori. fallece en asunción el 9 de marzo de 2013 a la edad de 89 años.
Este músico obtiene el título de profesor superior de la teoría y solfeo en el conservatorio Jorge Báez y, ya inserto en la carrera de la música, forma su propia orquesta "Los Caballeros del Ritmo", notable agrupación integrada por Rudy Heyn, Chono Duarte, Paco Gómez, Victorio Ortíz y Nelson Mendoza. Con la banda realiza giras por todo el territorio de la República del Paraguay, así como por ciudades de la Argentina, Brasil y Uruguay.
Neneco Norton es autor de una de las canciones paraguayas más difundidas, "Paloma blanca". La letra dice entre sus líneas: “Amanóta de quebranto guyramí jaula pe guáicha, porque ndarekói consuelo mi linda paloma blanca”.
Este tema ha sido grabado por innumerables intérpretes nacionales e internacionales, como Julio Iglesias. Esto significa que Neneco Norton, llamado así artísticamente, ha consolidado su condición de gran creador. Pero a este éxito se suman numerosas composiciones, que dentro de su larga carrera en la música, han conocido gran difusión y aceptación.
Neneco Norton posee una larga carrera en el campo de la composición, autoría, dirección orquestal y arreglador.
La guaranía “Aquel ayer”, renombrada obra suya, marca su primera experiencia en el campo de la composición y fue grabada por Luis Alberto del Paraná, quien la catapultó al éxito. Además de escribir canciones, Neneco se dedicó a componer obras musicales para el teatro local, denominadas Zarzuelas Paraguayas.
Para ello compartió el espacio creativo con el dramaturgo y periodista paraguayo Alcibíades González Delvalle para dar a luz obras como Resedá, Naranjera, Ribereña, El arribeño, La Morena, Del Trigal, El Delegado y Cañaveral. Neneco también trabajó con el dramaturgo paraguayo Mario Halley Mora en La Promesera de Caacupé y en Mustafá. Con Crispulo Melgarejo comparte la autoría de Marido de Contrabando, El Gringo de la Loma y Escuela Pyhare. Rogelio Silvero fue otro los libretista compañero de creación de Neneco Norton. Musicalizó su obra La Calandria de mi barrio entre muchas otras piezas teatrales.
Para grabaciones discográficas, presentación en vivo, en la televisión, en la radio o en teatros, cantantes como Luís Alberto del Paraná, Agustín Barboza, Pura Agüero Vera, Ñeca González, Oscar Barreto Aguayo y muchos otros, solicitaron la dirección y arreglos orquestales de Neneco Norton a lo largo de su carrera
La canción “Yo ví un Amanecer”, con la letra del periodista Humberto Rubin y con la voz de Niño Pereira, es la otra de sus obras y representó al Paraguay en el Tercer Festival Mundial de la Canción realizada en Río de Janeiro.
La Municipalidad de Asunción le otorgó a Neneco Norton la distinción de hijo Dilecto de la Ciudad de Asunción, porque la capital fue una de las grandes inspiraciones de la obra del autor. Actualmente Neneco Norton se desempeña como profesor del área de música popular folclórica paraguaya en el Conservatorio Nacional de Música y como docente en el Centro educativo de Villa Elisa, escuela María Auxiliadora. En Autores Paraguayos Asociados (APA), donde además de ser miembro titular de su comisión directiva, enseña la escritura y estructura de la música paraguaya.
Este músico ha escrito más de ochenta composiciones, entre ellas “Paloma Blanca”, composición que ha alcanzado difusión mundial y cuyos derechos los cedió a terceros. También se destaca “Buscándote” como una de sus que ha llegado a tener gran éxito, al igual “Aquel ayer y Tus ojos”, entre muchas otras. Cantantes como: Luís Alberto del Paraná, Samuel Aguayo, Aníbal Lovera, Ramona Galarza, Julio Iglesias, entre otros; grupos como Los indios, Trío los Paraná, Los Gómez, Los Tres sudamericanos, además de grandes maestros de la música como Herminio Giménez, Florentín Giménez, o instrumentistas como Luís Bordón y Bernardo Avalos, han grabado las composiciones de Neneco Norton.
Maximilian Schell (Viena, 8 de diciembre de 1930 - Innsbruck, 1 de febrero de 2014)1 fue un actor suizo-austríaco que ganó
el premio Óscar y
que participó en más de 92 películas de cine y televisión. También fue
escritor, director y productor de varias películas. Su hermana mayor, Maria Schell (1926-2005), fue también
actriz, al igual que sus otros hermanos, Carl e Immy (Immaculata).
Nacido en Viena, hijo del escritor y
dramaturgo suizo Ferdinand Hermann Schell. Se crio en Zúrich, Suiza, e hizo su debut en Hollywood en 1958 en la película The
Young Lions sobre la Segunda Guerra
Mundial.
En 1961, participó como el abogado defensor en Judgment
at Nuremberg (Vencedores o vencidos),
papel por el cual ganó el Premio Oscar como Mejor Actor y que él ya
había encarnado para la televisión. The Pedestrian, de 1974, que él
escribió, produjo, dirigió y protagonizó, fue nominada para Mejor Película
Extranjera.
Schell no quiso ser encasillado. A pesar de haber aparecido en
varios filmes sobre la época nazi como The Man in the Glass Booth, A
Bridge Too Far, La cruz de hierro, The Odessa File, Julia y Judgment
at Nuremberg, apareció también en La Epopeya de Bolívar, Topkapi, The
Black Hole, The Freshman, Stalin, Deep
Impact, Candles in the Dark y Erste Liebe.
Entre los fanáticos de Mystery Science Theater 3000,
Schell fue conocido por su aparición en Hamlet, Prinz von Dänemark,
versión en alemán de la obra de Hamlet puesta en la pantalla.
Schell también trabajó como escritor, productor y director para
diversas películas, incluso el documental biográfico Marlene, que
ganó varios premios, donde entrevistaba a la propia Marlene Dietrich, quien vivía recluida en
París. La diva, ya anciana, se negó a aparecer en pantalla y prohibió
igualmente que su casa y recuerdos personales fuesen captados por las cámaras,
por lo cual Schell sagazmente los recreó en un plató y combinó habilidosamente
las grabaciones de voz con imágenes de archivo. El reportaje resultante fue más
revelador y crudo que una entrevista convencional; lo cual enojó a Dietrich y
la llevó a romper su amistad con Schell. Se reconciliaron un año después,
cuando el documental ganó elogios, galardones y una nominación al premio Óscar.
En 2002 Schell realizó My Sister Maria, un
documental sobre la carrera de su hermana Maria Schell y su relación con ella.
En 2000 sufrió un colapso y se le diagnosticó pancreatitis a
consecuencia de su diabetes. En ese entonces estaba trabajando en Broadway en
el estreno de la versión teatral de Judgement in Nuremberg,
intercalando el papel del abogado defensor con el de juez en jefe procesado por
delitos contra la humanidad.
Desde los años 1990, Schell apareció en muchas películas para la
TV en alemán, como la película Alles Glück dieser Erde(Toda la
suerte del mundo), de 2003, junto a Uschi Glas, y en la miniserie The
Return of the Dancing Master (2004), basada en la novela de Henning Mankell.
Se dijo que a mediados de la década de 1960 estuvo comprometido
con la modelo afroamericana Donyale Luna, aunque la boda nunca se concretó.
Sí se casó, en cambio, con Natasha Andreichenko, a quien conoció
en la filmación de Pedro el Grande. Tienen una hija, que nació en
1989.
En septiembre de 2008 el correo austríaco emitió un sello postal
en su homenaje, ilustrado con un retrato del actor realizado por el
pintor Arnulf Rainer.2
El actor falleció el 1 de febrero de 2014 debido
a "una enfermedad repentina y grave", informó su agente, Patricia Baumbauer.3
Debido a sus canciones, personalidad y actuaciones salvajes, es
considerado por críticos y fans como uno de los cantantes más icónicos e
influyentes de la historia del rock,
y, debido a las circunstancias dramáticas que rodean su vida y muerte, en la
última parte del siglo XX, fue uno de los iconos más rebeldes de la cultura
popular, representando la brecha generacional y la contracultura juvenil.5 Fue también muy conocido por
improvisar pasajes de poesía de palabra hablada mientras la banda tocaba
en vivo. Morrison se ubicó en el número 47 en la lista de Rolling Stone de los «100 mejores
cantantes de todos los tiempos»,6 y el número 22 en los «50 mejores
cantantes de rock» de la revista Classic Rock.7 Ray Manzarek dijo que Morrison
«personificó la rebelión de la contraculturahippie».8 Morrison es referido a veces por
otros apodos, como «The Lizard King» («El rey lagarto»).9
En su vida posterior, Morrison desarrolló una dependencia al
alcohol. Murió a la edad de 27 años en
París; se alega que pudo haber muerto de una sobredosis de heroína, pero como no se realizó autopsia, se
discute la causa exacta de su muerte.10 La tumba de Morrison se encuentra en
el cementerio del
Père-Lachaise en el este de París.11
El tema «Paloma Blanca», fue usado en la película La
Canción Del Verdugo de 1982 y
«Little Green Bag»
en la famosa película debut de Quentin Tarantino, titulada Reservoir Dogs de 1992.
Además, destaca la versión de «Little Green Bag» interpretada por el cantante
británico Tom Jones.
Ramón Covarrubias Garza ( Monterrey, Estado de Nuevo León, México, en 1945), cantante de música norteña. Nominado en seis ocasiones al Premio Grammy, el cual ha ganado en 4 ocasiones. Su destacada trayectoria musical lo ha convertido en uno de los íconos de la música popular mexicana.
https://www.youtube.com/watch?v=ahHeQOvHYXE
https://www.youtube.com/watch?v=EeGgx2i8fvk
????
Nace José Barette Rendon, fundador e integrante del grupo mexicano Miramar.
Nació un 8 de diciembre en Charco de Platas, una población cercana a Puerto Escondido, Oaxaca, y es el cuarto de los cinco hijos de don Pedro Barette Cruz y doña Evarista Rendón Santos.
Desde niño le gustó cantar, por lo que siempre formó parte de los coros en la escuela. Escuchar a Pedro Infante en la radio era uno de sus pasatiempos favoritos, y en el marco de la naturaleza que lo rodeaba en su niñez, la playa y el mar, fue descubriendo su vocación por la música.
Estudió solfeo, y a los 17 años de edad escribió su primera canción, Una lágrima y un recuerdo, dedicada a su novia.
Se integró a una pequeña orquesta de su localidad y algún tiempo después fundó el grupo Miramar, que adquirió fama a nivel regional y poco tiempo después repercutió nacional e internacionalmente.
Una lágrima y un recuerdo y Pobreza fatal, composiciones de José Barette, formaron parte del primer disco de Miramar, y ambas lograron gran trascendencia en el gusto del público, llegando a primeros lugares de popularidad en Centro y Sudamérica. Ambos temas, al paso de los años, han sido retomados por varios cantantes y grupos musicales en sus discografías.
En los inicios de Miramar, José fue baterista, después bajista y más adelante, y hasta la fecha, cantante principal del grupo, que ya acumula 37 años de existencia.
Dos corazones, Aquella tarde, Seguiré llorando, Me importa poco, A la mujer que amo, Dos corazones, Falsa, Por ser como soy, Lo saben todos, Morir contigo, Ofelia, Sin mirar para atrás, Ya no vuelvo contigo, son algunas de las canciones de la inspiración de José Barette, en las que ha abordado diversos géneros musicales, como la balada, la cumbia, la chilena y otros, y con un contenido esencialmente romántico en sus letras.
Además de Miramar, los temas de José Barette han sido grabados por Los Tigres del Norte, Los Cadetes de Linares, Guardianes del Amor, Grupo Lluvia, Los Hermanos Prado, Adelita Tapia, Iridián, y Cornelio Reyna, entre muchos otros.
Cuarenta y seis producciones discográficas con el grupo Miramar, le han proporcionado a José Barette reconocimientos como discos de oro y platino por altas ventas, en México, Estados Unidos y algunos países de Centro y Sudamérica; dos Calendario Azteca de Oro, de la AMPRyT, y la Tarjeta de Oro, en Caracas, Venezuela.
En octubre de 2010, la Sociedad de Autores y Compositores de México le entregó la presea Trayectoria 25 años, como homenaje a su carrera como compositor.
Al frente de su agrupación, que ahora lleva el nombre de José Barette y su Grupo Miramar de Río Grande, José continúa haciendo presentaciones y su área principal de trabajo abarca los estados de Puebla, Morelos, Tlaxcala, Veracruz, Hidalgo, Michoacán, Estado de México y Oaxaca.
Dan Earl Hartman nació en Harrisburg, Pennsylvania. Hartman se unió a su primera
banda, "The Legends", a la edad de 13 años, junto con su hermano
Dave. Hartman tocaba teclados y escribía mucha de la música del grupo. Lanzaron
varios discos, pero ninguno fue un éxito. Se unió al grupo de Edgar Winter para tocar en 3 de sus
discos; de hecho, Dan escribió la canción "Free Ride" en 1972, que
sería uno de los mayores éxitos del grupo. Inició su carrera de solista
en 1976. Una nueva versión de "Free
Ride" se usó en la película de los Mighty Morphin
Power Rangers en 1995
En 1978 Hartman llegó al N° 1 con el
sencillo "Instant
Replay"; para el álbum del sencillo, Hartman trabajó con Vinnie Vincent(conocido por su corta estancia
en Kiss) y G.E. Smith.
A este siguió su segundo gran éxito, "Relight My Fire" (de 1979).
Muchos consideran a ambas como auténticos himnos de la época disco. También
hubo un cover de Instant Replay hecho por el dúo Yell! (Paul Varney y Daniel
James) en 1990.
Volvió al éxito una vez más con su canción "I Can Dream
About You", que llegó al top-10, y que fue usado en el soundtrack de Streets of Fire en 1984.
Hartman actuaba como bartender en el video, que fue muy publicitado en MTV. En
el video, el actor afro-americano Stoney
Jackson aparecía "cantando" (moviendo los labios, más
precisamente) la canción. Hartman logró su 3.erno. 1 con "We
Are The Young." Durante la siguiente década, colaboró con artistas
como Tina Turner, Dusty Springfield, Joe Cocker, Bonnie Tyler, Paul Young, James Brown, Nona
Hendryx y Steve Winwood.
Murió a los 43 años en Westport, Connecticut de un tumor en
el cerebro producto de una complicación
del sida. Sólo después de su muerte, su
homosexualidad se convirtió en un asunto de dominio público. Al momento de su
muerte, su música estaba pasando por un momento de resurrección; un cover de
su canción "Relight My Fire" (cantado por Take That y Lulu) alcanzó el no. 1 en el Reino Unido. Las ventas de los discos de
solista, grupos, producción, compilaciones y canciones escritas por Hartman,
exceden en la actualidad los 50 millones de copias vendidas en el mundo entero.
Kim se casó dos veces. La primera de ellas en 1980 con el maquillador Ron Snyder, del que se divorció nueve años después. Posteriormente, en 1993, con el también actorAlec Baldwin, padre de su hija Ireland Eliesse y de quien se separó en 2002
Nace Warren Cuccurullo, guitarrista ítalo-estadounidense, de la banda Duran Duran.
Warren Bruce Cuccurullo (nacido el 8 de diciembre de 1956, en Brooklyn, Nueva York) es un músico de rockitaloamericano que trabajó por primera vez con Frank Zappa durante los años setenta. También fue miembro fundador de Missing Persons en los años ochenta. En 1986 se unió a Duran Duran, convirtiéndose en miembro a largo plazo de la banda hasta 2001.
Cuadros nació en la Media Luna (actual Pedro Molina) de Guaymallén, hijo de Anselmo Cuadros, un ciudadano de origen chileno, dueño de un almacén de ramos generales y de Carlota Romero. Ambos cultivaban el gusto por el canto y la música, por lo tanto Hilario tuvo ejemplo y formación musical prácticamente desde su infancia.2
Aproximadamente a los tres años, sus padres dejan la casa de la Calle Larga (aún hoy la calle principal de Pedro Molina, que actualmente lleva también el nombre del gobernador mendocino), su familia se traslada a San José, a una casona de adobes en la calle Cañadita Alegre 42, que fue demolida aproximadamente en 1995 por su mal estado de conservación. Frente a este sitio (hoy ocupado por una estación de servicio para automóviles), se encuentra una plazoleta en donde se le rinde tributo al músico.
Ya de joven, formó dúo con su hermano Guillermo, con quien interpretaba música popular cuyana. En ésa época surge su apodo de El chileno. A mediados de la década de 1920 conoció al músico originario de la Provincia de San Juan, llamado Domingo Morales, formando el dúo Cuadros - Morales.
En esta época el periodista Ernesto Fluixá le daría un nuevo apodo a Hilario, al llamarlo el Caballero de la Tradición. Su principal repertorio en estas épocas se basaba en las tonadas cuyanas, algunos como el gato, la cueca y otros ritmos típicos de la zona.
En 1928 Cuadros y Morales arriban a Buenos Aires y en 1931 ingresan al conjunto, Alberto Quini y Roberto Puccio, nombrando el mismo como Guaymallén pero al poco tiempo deciden utilizar el nombre de Los Trovadores de Cuyo; que les había dado la prensa mendocina, con ocasión de informar sobre su viaje a Buenos Aires, el cual ya no abandonarían. Ya en ésta época actuaban con considerable éxito de crítica y público, compartiendo escenarios con grandes artistas del momento, como Manuel Acosta Villafañe, Buenaventura Luna y el intérprete y compositor de origen paraguayo, el intérprete del arpa, Félix Pérez Cardozo, con quien compusieron y tocaron juntos, incorporando en sus interpretaciones instrumentos muy disimiles en su origen como el arpa paraguaya y el requinto cuyano, que era muy poco conocido incluso en el ambiente folclórico argentino.
Cuadros compuso e interpretó además obras de otros estilos folclóricos e incluso de estilos tradicionales de otros paíseslatinoamericanos, «Como pasillos colombianos», «Bambucos» o «Cieguitos». A lo largo de más de dos décadas el grupo recorrió toda la Argentina, Chile, Perú y Ecuador. En Colombia, aún hoy son muy populares sus obras.
La temática principal de las canciones más conocidas de Hilario Cuadros (y los Trovadores de Cuyo, grupo que dirigió y en el que participó desde su formación hasta su deceso), se inclinaba a rescatar los valores históricos como la Gesta Sanmartiniana, temas religiosos populares, amorosos y de costumbres y paisajes cuyanos.
José Fernando Emilio Olvera Sierra (Guadalajara, Jalisco, México, 8 de diciembre de 1959),1más conocido como Fernando Olvera o "Fher", es un cantante, guitarrista, violinista, armonicista, compositor y músico mexicano. Actualmente es el vocalista de la banda de rock pop Maná desde 1987.
José Fernando Emilio Olvera Sierra nació en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México1 el 8 diciembre de 1959. Solía cantar temas de Agustín Lara y Consuelito Velázquez, para más adelante optar por otros gustos. Sus hermanas mayores le inculcaron el gusto por el rock, lo cual le marcó el camino hacia su exitosa carrera musical.
Los orígenes de Maná se remontan en Guadalajara con un grupo musical llamado Sombrero Verde, con los tapatíos Fernando "Fher" Olvera (voz); Gustavo Orozco (guitarra eléctrica); y los hermanos Calleros: Juán Diego (bajo), Ulises (guitarra eléctrica) y Abraham (batería). En 1975 decidieron juntarse para tocar distintos temas de grupos a los que admiraban, entre ellos The Beatles y The Police. Inicialmente, se hacían llamar The Spies of the Green Hat, pero pronto el nombre se abrevió a Green Hat, y finalmente, se adaptó al español como Sombrero Verde, ya que la banda deseaba tocar rock en su propio idioma: español. En 1981 publicaron su primer disco homónimo 'Sombrero Verde'; en 1983 lanzaron 'A tiempo de rock'. En 1984, Alejandro González, de origen cubano-colombiano nacido en Miami, ocupa el lugar que Abraham deja en la batería. La vida de Sombrero Verde continuó hasta 1986, cuando el guitarrista Gustavo Orozco decide también abandonar la agrupación. En 1987, al quedar el grupo como cuarteto, Fher decide cerrar el libro de Sombrero Verde y formar una nueva banda que fusionara el rock, pop y los ritmos latinos: Maná.2
En 2006, Fher cantó a dúo con Zucchero la canción "Baila morena" para el álbum 'Zu&Co'. En 2007, cantó junto Miguel Ríos la canción "Cuando los ángeles lloran" para el álbum recopilatorio '45 canciones esenciales'. En el 2013, Fher fue invitado a participar junto al bajista Draco Sosa (México) y el baterista Roger Ferreyra (Argentina) en la grabación de su tema "Eres mi religión". El 23 de abril de 2013, Fernando fue invitado en el concierto ofrecido por Zucchero.3
Fher narró en 2009 el documental "La tierra". 4 En 2012, Fher junto con su grupo Maná (México), el bajista mexicano Draco Sosa y el baterista argentino Roger Ferreyra realizaron un concierto apoyando al, aquel entonces, candidato a la presidencia de Estados Unidos, Barack Obama.5
Teri creció en el soleado Sunnyvale, California (Estados Unidos) como hija única de Owen W.
Hatcher, un físico nuclear e ingeniero eléctrico de ascendencia inglesa e
irlandesa, y de Esther (Beshur de soltera), una programadora informática que
trabajaba en la compañía aeroespacial Lockheed Martin, de ascendencia siria, checa e
irlandesa.1 Fue a la escuela en Sunnyvale y a la
universidad en Cupertino (California) donde estudió Matemáticas e Ingeniería. Hecho que utiliza para apostar en
las carreras de caballos, a las que es muy aficionada, y aprovecha para enseñar
matemáticas a su hija a través del juego de las apuestas.
Hizo sus primeros pinitos en el baile, su verdadera vocación.
Comenzó recibiendo clases de danza en el San Juan Girls Ballet Studio de Los Altos, California, después estudió interpretación en
el American Conservatory Theater y en 1982 ya se la consideraba una de las
bailarinas más prometedoras de su región. Del baile pasó a la interpretación
como alumna del prestigioso Conservatorio Americano de Teatro. En 1984 consiguió
sus primeros minutos de fama como animadora de los San Francisco 49ers,
uno de los principales equipos de fútbol americano.
En 1985, Hatcher comenzó su carrera en la televisión al conseguir, por casualidad,
un pequeño papel de doncella en la última temporada de la serie de comediaThe Love Boat mientras acompañaba a
una amiga al casting. Apareció en
un total de 22 episodios hasta la cancelación del programa en 1986.
Su siguiente trabajo como actriz lo obtuvo nuevamente en el
medio televisivo, cuando asumió el papel de Angelica Stimac Clegg en la
temporada final de la novela de CBSCapitol, entre 1986 y 1987. Figuró en
siete episodios de la serie de acciónMacGyverentre febrero de 1986 y diciembre
de 1990 en el rol de Penny Parker. Luego realizó más presentaciones como
invitada en las series de televisión Night Court, CBS
Summer Playhouse y Star Trek:
La nueva generación. Hatcher también actuó en dos películas en
1989, la primera consistía en un rol de reparto en la comedia The Big Picture, donde se produjo su debut
cinematográfico, y la segunda en un papel principal en la película de
acción Tango & Cash.
Tiempo después, en 1991, representó uno de los papeles principales de la serie
de corta duración Sunday Dinner, de la cadena CBS. En el mismo año,
Hatcher interpretó el papel de la actriz Ariel Maloney en el largometraje Soapdish.
Su siguiente presentación fue en la película de 1992 Straight Talk, protagonizada por Dolly Parton, donde hizo un rol de reparto.
Tras varios años de interpretar roles de reparto y frecuentes
apariciones en televisión como invitada, Hatcher obtuvo amplio reconocimiento
por representar el papel de Lois Lane en la serie de acción de la
cadena ABC, Lois & Clark: The New Adventures of Superman (1993-1997).
Allí compartió escena con Dean Cain, quien
interpretó a Superman. Asimismo,
figuró en la película de 1994 The Cool Surface, un filme de bajo
presupuesto sobre una mujer víctima de la violencia doméstica,
y en El mañana nunca muere en
1997, la décimo octava película de la serie de James Bond. Por su actuación en El
mañana nunca muere fue nominada al premio Saturn por «Mejor actriz de
reparto».
Luego de la cancelación de Lois & Clark, la
actriz realizó apariciones especiales en varias comedias de televisión, entre
ellas Frasier y Seinfeld. En el cine destacó con un papel
secundario en el filme Spy Kids, de 2003.
Hatcher volvió a la televisión en octubre de 2004 para protagonizar junto
con Felicity Huffman, Marcia Cross y Eva Longoria la comedia dramática de
ABC Desperate Housewives (2004-2012).
La serie, emitida durante ocho temporadas, tuvo una gran aceptación por parte
de los críticos y el público en general. Allí representó el papel de la ama de
casa y autora de libros infantiles Susan Mayer.
Por su desempeño recibió varios premios y reconocimientos, entre ellos un Globo de Oro y tres Premios
del Sindicato de Actores.
El Concilio constó de cuatro sesiones: la primera de ellas fue
presidida por el mismo papa en el otoño de 1962.
Él no pudo concluir este Concilio ya que falleció un año después, (el 3 de junio de 1963).
Las otras tres etapas fueron convocadas y presididas por su sucesor, el
papa Pablo VI, hasta su clausura en 1965.
La lengua oficial del Concilio fue el latín.
Comparativamente, fue el Concilio que contó con mayor y más
diversa representación de lenguas y etnias, con una media de asistencia de unos
dos mil padres conciliares procedentes de todas las partes del
mundo. Asistieron además miembros de otras confesiones religiosas cristianas.
Shuhada' Sadaqat,23 anteriormente conocida como Magda Davitt y nacida como Sinéad5Marie Bernadette O'Connor (AFI: /ʃɪˈneɪd oʊˈkɒnəɹ/;6 Dublín, 8 de diciembre de 1966-Londres, 26 de julio de 2023),78 conocida profesionalmente como Sinéad O'Connor, fue una cantante y música irlandesa. Su álbum de estudio debut, The Lion and the Cobra (1987), tuvo éxito internacional. Su segundo álbum de estudio, I Do Not Want What I Haven't Got (1990), recibió críticas elogiosas tras su lanzamiento y se convirtió en su mayor éxito, vendiendo más de siete millones de copias en todo el mundo. Su sencillo principal, «Nothing Compares 2 U», fue nombrado el single número uno mundial en 1990 por los Billboard Music Awards.910
Lanzó diez álbumes de estudio: Am I Not Your Girl? en 1992 y Universal Mother en 1994, ambos obtuvieron disco de oro en el Reino Unido,11 Faith and Courage en 2000 recibió certificación de oro en Australia,12 y Throw Down Your Arms en 2005 obtuvo disco de oro en Irlanda.13 Su obra incluyó canciones para películas, colaboraciones con muchos otros artistas y apariciones en conciertos benéficos. Sus memorias del 2021, Rememberings, se convirtieron en un superventas.14
O'Connor fue conocida por su voz, su aspecto característico —frecuentemente rapado— y sus controversias personales y políticas. Era una defensora del feminismo y de la comunidad LGBT, y crítica de la Iglesia católica. En 1992, durante una actuación en Saturday Night Live, desgarró una foto del papa Juan Pablo II, en protesta por los casos de abuso sexual cometidos por miembros de la Iglesia católica, lo que provocó una gran controversia.15 A lo largo de su vida, luchó con su salud mental, incluyendo un trastorno bipolar diagnosticado y posteriormente retractado,16 y habló abiertamente sobre su abuso de sustancias e intentos de suicidio.
En octubre de 2018, anunció su conversión al islam, cambiando su nombre legal a Shuhada' Sadaqat.17 Continuó haciendo música bajo su nombre de nacimiento hasta 2021, cuando anunció su retiro de la música.18 Siguió actuando en directo hasta su muerte en julio de 2023.19 O'Connor fue una figura influyente en la música pop y alternativa y su legado perdura en la industria musical
https://www.youtube.com/watch?v=0-EF60neguk
1973:
Nace Claudia
Gurisatti, periodista y presentadora colombiana.
Claudia Gurisatti se desempeña como directora general de NTN24.
Desde 2003, RCN Internacional (División
de RCN de Colombia) designó a Claudia Gurisatti la tarea
de diseñar, desarrollar y ejecutar la idea del proyecto periodístico NTN24 como
un nuevo concepto para informar a los latinos sobre lo que ocurre en sus países
de origen y en los que escogieron para emigrar.
Premios Nobel de
PazRigoberta Menchú, Óscar Arias, Adolfo Pérez Esquivel también
han tenido sendas conversaciones con la periodista en el Programa La Noche. En
cuanto a su papel informativo en temas de conflicto, guerra y paz, Gurisatti ha
entrevistado en la última década y para el programa La Noche a más de 20
dirigentes de las guerrillas de las FARC (Fuerzas
Armadas Revolucionarias de Colombia) como Raúl Reyes, Simón Trinidad, Pablo Catatumbo y al máximo líder la
Organización Criminal Paramilitar, Carlos Castaño desde
diferentes puntos de las montañas y de la geografía de su país.4
Fue presentadora del noticiero de alcance nacional en el horario
estelar de Colombia, Noticias RCN desde
que se fundó RCN Televisión como
canal privado en 1998. Gurisatti, fue la encargada en conjunto con el también
periodista Jorge Alfredo Vargas de
dirigir la emisión nocturna del noticiero del canal RCN del 11 de Septiembre de 2001 (Atentados
del 11 de septiembre de 2001), donde se presentaron los atentados
terroristas ocurridos aquella trágica mañana en Nueva York y Washington.Gurisatti además se convirtió
en la primera mujer en Colombia en dirigir un espacio periodístico
en la radio nacional[cita requerida]. Fue en la
emisora La F.M. de RCN Radio. Dirigió ese espacio informativo
desde 2003 y hasta 2006. De 1995 y hasta 1998 antes de llegar a RCN Televisión, Claudia Gurisatti presentó
el noticiero que ocupaba en ese entonces el primer lugar de sintonía en
Colombia CM& y también era la reportera
encargada de cubrir las noticias de Guerra, conflicto y Gobierno. Siendo
testigo de combates entre la Fuerza Pública, la guerrilla, los paramilitares y
el narcotráfico.
En 1994 trabajó como periodista y presentadora en el
informativo Buenos Días Colombia
proyecto informativo de alcance nacional en Colombia. Desde 1992 hasta 1994 fue
la productora del noticiero nacional de fin de semana AM-PM,
espacio informativo entregado a los desmovilizados del M-19 después
de firmar la paz con el gobierno del Presidente César Gaviria. Este
espacio informativo llegó a la historia reciente de Colombia como un proyecto
para romper con la unánime información oficial que existía en el post
conflicto.[cita requerida] Mientras tanto
adelantaba sus estudios en La Universidad Javeriana en Bogotá, de donde obtuvo el título de
Comunicadora Social en 1995. Por su trabajo y trayectoria Claudia Gurisatti ha
sido galardonada con importantes premios y reconocimientos internacionales.
Estos son algunos: Premio
Nacional de Periodismo Simón Bolívar en dos ocasiones. La
primera al reconocimiento periodístico investigativo y la segunda por Mejor
Entrevista. Reconocimiento AMWAY al
periodismo ambiental. Premio India Catalina a
Mejor Presentadora de Noticias en el marco del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias. Premio
TV y Novelas a Mejor Presentadora de Noticias. Mención en la
Cámara Junior como reconocimiento a su carrera periodística. La Cámara de Comercio Colombo-Americana por su
parte le hizo entrega de un galardón como reconocimiento a su aporte y apoyo a
la industria de la moda colombiana. La Comisión de Política Exterior y Defensa
Nacional de Honorable Congreso de la República de Colombia la condecoró con la
Orden al Mérito a la Democracia en el Grado de Gran Caballero. Además fue
imagen de la marca de relojes TAG Hauer para
beneficio del Fondo de Desarrollo de las Naciones Unidas para la Mujer, UNIFEM juntó a Uma Thurman.
Como fruto de un romance que no se extendió en el tiempo Cristian creció en el núcleo de su familia materna donde, impulsado por el hábitat artístico que lo rodeaba, comenzó desde muy temprana edad a incursionar en las artes a través de la actuación. Finalmente se decantó por el canto, decisión que lo consagró a nivel internacional.
Ha cosechado una gran cantidad de éxitos, entre ellos 29 primeros lugares en el ranking Top Latin Songs, lo que le valió el reconocimiento como el 3.er cantante de habla hispana más destacado de la historia de Billboard, logrando, hasta la fecha, vender cerca de 30 millones de discos alrededor del mundo y haciéndose acreedor de más de 65 discos de oro y 31 discos de platino, entre otros tantos honores.
Dos años más tarde formó parte de la serie Padres
e hijos, donde iniciaría junto a Manolo Cardona esta serie. Diego Cadavid
encarnó a Diego Montoya desde 1995 hasta el 2000 cuando abandonó por completo
su personaje en esta serie.
En 1996 actuaría en Conjunto Cerrado,
representando el papel de marido.
Apareció en la telenovela del Canal RCNYo soy Betty, la fea,
donde encarnó a Román, un joven que se aprovechaba de Nicolás, pidiéndole
dinero a cambio de que saliera con sus amigos y amigas, solo para verlos
besarse.
En el 2000 actuó en Se
armó la gorda, encarnando a Felipe Galán
En el 2002 saltó a la gran
pantalla en la película Te busco, haciendo el papel de José.
En el 2003 actuó por segunda
vez en el cine, en la película El Carro, haciendo el papel de
Óscar, y en ésta actuaría con Fernando Solórzano,
con el cual volvería a actuar en varias series y telenovelas, entre ellas El
baile de la vida, La Saga Negocio
de familia y El cartel.
En el 2003 hizo parte del
elenco de en Amor a la plancha,
encarnando al portero José Chipatueca, un vigilante homosexual, que se enamoraría de uno de los
amigos de la protagonista de esta telenovela.
En el 2004 actuó en Mesa
para tres, encarnando a Alejandro... Alejo Toro, apartándose
de la telenovela por
un accidente a los 3 meses de iniciada esta[cita requerida].
Adicionalmente, en el 2004 termino
su carrera de ingeniería civil en la Universidad de los Andes.
Pero la serie que realmente
lo consagró como un gran actor fue La Saga Negocio de familia[cita requerida], serie
altamente reconocida destacada por muchos como "la mejor serie que ha
existido en la televisión colombiana"[cita requerida] en la cual fue uno
de los principales protagonistas, encarnando a tres personajes de una misma
familia a través de distintas generaciones de la historia desde los años 1940
en la Colombia de antaño hasta el año 2000.
Nació y se crio en Liverpool, donde siendo adolescente se vio inmerso en el boom británico del skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente en 1960 se convertiría en The Beatles. Cuando el grupo se desintegró a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, e icónicas canciones como «Give Peace a Chance» e «Imagine». Después de contraer matrimonio con Yoko Ono en 1969, cambió su nombre a John Ono Lennon. Lennon se retiró de la escena musical en 1975 para criar a su pequeño hijo Sean, pero resurgió junto con Ono en 1980 con el nuevo álbum Double Fantasy. Fue asesinado tres semanas después de su lanzamiento.
Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en su música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica lo persiguió debido a su constante activismo por la paz a lado de Ono. En 1971 se mudó a Manhattan, donde su oposición a la guerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas como himnos por el movimiento contra la guerra y la contracultura.
Hasta 2012, en los Estados Unidos las ventas de Lennon como solista superaban los catorce millones de unidades, y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de veinticinco sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC sobre los «100 mejores británicos», mientras que en 2008 fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos. Después de su muerte fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1987 y en el Salón de la Fama del Rock en 1994.1
https://www.youtube.com/watch?v=i5gZoiPG6kM
1984:
"Out of touch" No 1
Billboard Hot 100
https://www.youtube.com/watch?v=D00M2KZH1J0
" Out of Touch " es una canción del
dúo estadounidense Daryl Hall y John Oates de
su duodécimo álbum de estudio Big Bam Boom(1984). La canción fue
lanzada como el primer sencillo de Big
Bam Boom el 4 de octubre de 1984, y fue su último single número
uno de Billboard Hot 100 , encabezando la lista de
éxitos durante dos semanas en diciembre de 1984. También se convirtió en el
decimocuarto top 40 consecutivo del dúo. hit desde 1980. [1]
Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música
brasileña. Jobim es el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes
artistas estadounidenses, la fusiona con el jazz para
estandarizar en los años sesenta un
nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable. Jobim está considerado como
uno de los grandes compositores de bossa del siglo XX.
Las raíces musicales de Jobim se encuentran en la música clásica a
través de grandes compositores como Claude Debussy, Frédéric Chopin y Heitor Villa-Lobos,
que le influyeron decisivamente. A ello se unen el samba y el folklore brasileños, las
armonías del Cool Jazz y los musicales de Broadway. Como pianista, su toque es
sencillo y melódico, al estilo de un Claude Thornhill, aunque en algunas de sus
grabaciones llegase a demostrar que podía ser sumamente inventivo. Su guitarra
está limitada principalmente a un acompañamiento apacible a los ritmos
sincopados del jazz; su voz, suave, sencilla y ligeramente ronca, subraya los
aspectos emocionales de las letras. De entre su abundante producción puede
recordarse el tema Águas de
março, del que se han hecho numerosas versiones.
2010: Muere Leonor García, cantante y compositora peruana.
Leonor Margarita García
Larrea, nació el 1ro. de Julio de 1923 en el limeñísimo barrio Los Naranjos. La
trayectoria de "Nonoy Mangadita", como la llamaban sus tías, se
inició a los cinco años y cuando aprendió a bailar como Shirley Temple y quienes
disfrutaban de su arte gozaban viéndola imitar al famoso "Pibe" de la
película de Chaplin. Desarrolló su arte y pronto se inició en el canto, porque
poseía una excelente voz lírica y así debutó en la radio cosechando grandes
aplausos. Tenía 18 años cuando conoció al amor de su vida Gustavo Rosas Escala
y con el que trajeron al mundo a siete maravillosos hijos: Gladys, Leonor y
Antonio, "Los Gorrioncitos", y Alberto, Gustavo, Virginia y Patricia,
que marcaron el retiro de quien ya era considerada "La Voz de Oro". Valió
la pena el sacrificio, porque nació entonces la compositora que empezó a
brillar con luz propia.
Recuerdo el éxito que tuvo su
vals vals "Si te vas que me queda" y la réplica "Déjalo que se
vaya". "Los Quipus" se consagraban interpretándolo: "Yo
quiero recordarte en mi tristeza como el único amor que aún atesoro. Márchate,
mas no vuelvas la cabeza, ni te detengas porque entonces lloro". Por
supuesto que tallaban igualmente "Los Gorrioncitos", mas tarde
"Los Hermanos García" y que alcanzaron popularidad a través del
disco. De lo que si estamos seguros, es que supo incentivar en sus hijos el
amor a la música. Ella fue una gran cantante con tesitura de soprano y no podía
dejar de tener buenos herederos. Alternó en Radio Nacional del Perú con Teresa
Bolivar, fallecida este año.
El vals que la hizo famosa nos
sirvió para complacer con nuestro acordeón a decenas de personas que parece
vivieron esta historia. Casi una tragedia: "Si te vas qué me queda".
Otro de sus valses titula "No lo llames". En él sentencia que:
"No lo llames, que no vale la pena. No lo llames, ni llores por su amor.
Tu vida fue un martirio, una condena. Por fin te liberaste del dolor". Era
como aconsejar a quien tuviera esta experiencia, como sacando conclusiones de
otras historia vividas. Es que Leonor García tuvo sus inspiraciones en hechos
de la vida real y que volcaba de inmediato a su álbum de inspiraciones. Se la
recuerda mucho en las radios y llevando a sus hijos a probar fortuna y que la
consiguió. Fue de tanta imaginación creativa y la situaríamos en una escala
justa, al lado de Chabuca Granda y Alicia Maguiña. Un gran talento y muy buena
persona.
Otros valses muy queridos son:
"Hoy y mañana", "Inspiración", Otro día gris" y
"Ríe", sacado este último de una noticia que leyó en el periódico. Un
criminal de su conyuge, en estado alterado, declaraba que, al ahorcarla, ella
reía y continuaba haciéndolo. Realmente impresionante y lo grabaron los
"Hermanos García" con arreglos de Pepe Hernández, gran contrabajista
y el acompañamiento de grandes músicos peruanos. Hace buen tiempo queríamos
dedicarle esta reseña a tan gratos artistas. Conservamos en nuestra discoteca
muchas grabaciones de los hermanitos García y que se ganaron el aprecio del
público tanto en la radio como en la televisión. Bueno es destacar que Antonio
fue un gran creativo en la publicidad como "jinglista" y nos dejó tempranamente
en Marzo de 1993.
Alejandro Cortez, ya alejado
de "Los Morochucos" grabó un L.P. titulado "El Rincón de los
recuerdos" con los "Hnos. García" y editado por IEMPSA, pero en
el Ecuador. Seis de los temas pertenecen a la inspiración de Leonor García con
la guitarra de Pepe Torres. Vale recordar la oportunidad que les dio el gran
pianista Carlos Picklin que se hallaba en radio América ensayando con unos
chiquillos en busca de voces para un comercial. Saludó a Leonor e indagó sis
sus hijos cantaban. Hicieron la prueba y terminaron en la publicidad de Leche
Gloria, en un jingle que les abrió la puerta de la fama como "Los
Gorrioncitos". Vendría luego "Marcelino, Pan y Vino" con
acompañamiento y arreglos de Lucho Macedo, disco para el mundo infantil.
O'Neal nació en Los Ángeles, California, primer hijo del guionista de origen irlandés Charles O'Neal y la actriz Patricia Callaghan. Su hermano menor Kevin es actor y guionista. Cuando era joven, tuvo una prometedora carrera como boxeador, llegando a conseguir los guantes de oro al recopilar una estadística de 18 victorias, 4 derrotas y 13 nocauts. De todas maneras, su carrera estuvo destinada a la interpretación. Una de sus primeras apariciones fue en la serie Peyton Place, conocida en Latinoamérica como la La Caldera del Diablo que llegó a obtener una gran audiencia en Estados Unidos, con más de 500 episodios.
El éxito de la serie lo ayudó a dar el salto a la gran pantalla. Su primera actuación en el cine fue en The Rudgged Land (1962), de William Witney. Su primer éxito se produjo en 1968, cuando actuó en La perversa (1968), de Alex March.
El papel que realmente lo llevó a la fama fue el de Oliver Barrett en el filme de 1970 Love Story, de Arthur Hiller protagónico con la actriz Ali McGraw. Esta película fue un gran éxito no solo en Estados Unidos, sino en varios países de Latinoamerica y de Europa. Esta interpretación le valió una nominación a los Óscar en la categoría de mejor actor.
Foto policial de Ryan O'Neal, tras su detención de 2007.
A raíz de este papel, saltó a la primera plana del estrellato, convirtiéndose en el actor de moda en Hollywood. Así, se lo pudo ver en películas como ¿Qué me pasa, doctor? (1971), de Peter Bogdanovich, o El ladrón que vino a cenar (1972), de Bud Yorkin, donde intentó experimentar en el mundo de la comedia. Se convirtió en el segundo actor más rentable de la industria cinematográfica en 1972.
En 1973, actuaría junto a su hija Tatum O'Neal en Luna de papel, otra película dirigida por Bogdanovich. Esta película haría que su hija ganara el Óscar a la mejor actriz de reparto, convirtiéndose en la actriz más joven que recibía este galardón, con tan sólo diez años. Otro momento brillante para O'Neal sería cuando Stanley Kubrick, el director de prestigio de la época, le diera el papel principal en Barry Lyndon (1975). Incluso, O'Neal sonó para hacer el papel de Michael Corleone en El padrino (1972) o el de Rocky Balboa en Rocky (1976).
Sin embargo, el actor no pudo continuar su carrera de estrellato. Con un pequeño respiro con el éxito en Combate de fondo, una comedia romántica ambientada en el mundo del boxeo junto a Barbra Streisand, el aura de O'Neal se fue diluyendo poco a poco. Incluso llegó a hacer una secuela de Love Story, la película que le lanzó a la fama: La historia de Oliver.
En la década de 1980, continuó el declive de O'Neal. Cabe citar no obstante, su intervención en la película Los hombres duros no bailan (1987), inspirada a partir del éxito literario que significó la novela de igual título que escribió Norman Mailer, el cual fue también el director del filme. Aparte de esto, O'Neal se dedicó a alternar pequeños papeles en el cine con series de televisión, entre ellas, su intervención en Bones en un papel recurrente, como padre de la protagonista de la serie, la antropóloga forense Temperance Brennan.
Su vida sentimental ha sido ajetreada, manteniendo numerosos romances y habiendo contraído matrimonio tres veces con mujeres del ambiente cinematográfico. En 1963 se casó con Joanna Moore y tuvieron dos hijos, Tatum y Griffin O'Neal, antes de separarse en 1966. Moore perdió la custodia de los niños ante O'Neal debido a su alcoholismo y abuso de drogas. Su segunda mujer fue Leigh Taylor-Young, con quien tuvo un hijo, Patrick O'Neal. Tras su divorcio en 1973, siguieron siendo amigos. Luego O'Neal mantuvo una popular relación con Farrah Fawcett, una actriz famosa por sus apariciones en series televisivas que marcaron época en Estados Unidos y Europa, desde 1979. En 1985 nació su hijo Redmond O'Neal. La relación fue turbulenta debido al temperamento volátil e infidelidades de Ryan, y finalmente Farrah le dejó en 1997 tras encontrarlo en la cama con la actriz Leslie Stefanson. Volvieron a retomar su relación en 2001 y estuvieron juntos hasta el fallecimiento de la actriz en 2009.
Durante años, estuvo distanciado de sus tres hijos mayores, admitiendo en una entrevista en Vanity Fair haber sido un padre ausente. En su autobiografíaA Paper Life, su hija Tatum O'Neal confesó haber sufrido en su infancia abuso físico y emocional como resultado del abuso de drogas de su padre. Griffin O'Neal también sugirió que sus problemas emocionales y de abuso de estupefacientes de adulto fueron causados por su padre: "Era un psicópata narcisista muy abusivo. Se enoja tanto que no puede controlar nada de lo que esté haciendo".
El 4 de febrero de 2007, O'Neal fue detenido por la policía de Los Ángeles, California, acusado de agredir con un arma a su hijo mayor Griffin, durante una pelea familiar en el domicilio del actor. Ryan O’Neal fue acusado de agresión con un arma y uso negligente de la misma, ya que llegó a disparar la pistola. El artista tuvo que pagar una fianza de unos cincuenta mil dólares para recuperar su libertad.
Según la versión del propio actor (y comentada por su agente Neil Hassman), él llegó a casa junto a Fawcett y un nutrido grupo de amigos. Iban a celebrar el 60 cumpleaños de ella y su victoria sobre el cáncer tras meses de duro tratamiento médico. Según el propio O'Neal, su hijo Griffin acudió por sorpresa a la cita y, al poco de llegar, agarró el atizador de la chimenea del salón y comenzó a agitarlo en el aire amenazando con agredirle. Según sus palabras: «Entonces me puso un poco nervioso y fui al dormitorio por la pistola». Al volver, su hijo continuaba con el atizador en la mano, por lo que disparó contra la barandilla, lo que le asustó y motivó la huida precipitada del hijo.
Otras fuentes afirman que la causa del altercado fue que Griffin fue sorprendido por su medio hermano Redmond comprando drogas y que Ryan, descubriendo esto, entró en cólera y agredió a su hijo.
Esta no ha sido la primera vez que padre e hijo protagonizan enfrentamientos con repercusión en los medios. En 1983 la policía irrumpió en su domicilio después de que Ryan dejara a su hijo con dos dientes menos tras propinarle un fuerte puñetazo. Nadie entonces interpuso denuncia.
En 2001 se le diagnosticó leucemia mielógena crónica, que combatió hasta que la enfermedad remitió en 2006. Por entonces, intervino numerosas veces, junto a su compañera sentimental Farrah Fawcett, en campañas de lucha contra el cáncer.
En abril de 2012 le fue diagnosticado Cáncer de la Próstata estadío 4 y estuvo en tratamiento ya con un último reporte en que estapa en el estadio 2.2
en sueco), nacido Johan Julius Christian Sibelius1 (Hämeenlinna, 8 de diciembre de 1865-Järvenpää, 20 de septiembre de 1957), fue un compositor y violinista finlandés de finales del Romanticismo y comienzos del Modernismo. Es ampliamente reconocido como el mejor compositor de su país y, a través de su música, a menudo se le atribuye haber ayudado a Finlandia a desarrollar una identidad nacional durante su lucha por la independencia de Rusia.
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