Un día como hoy 31 de enero

El 31 de enero es el 31.º (trigésimo primer) día del año en el calendario gregoriano. Quedan 334 días para finalizar el año y 335 en los años bisiestos.

 

Santoral de la Iglesia Católica:

San Juan Bosco (1815-1888), fundador de los salesianos

Era natural de la aldea de los Becchi, a 25 kilómetros de Turín. En esta historia no puede faltar la figura de la madre, Margarita, mujer incomparable, que educó a sus hijos en la pobreza y fortaleza del más alto nivel.

Cuando era jovencito, Juan iba con su madre al mercado a vender los productos del campo. Era un mozarrón despierto y vigoroso que aún no sabía leer.

En esto, se le ocurre ser sacerdote. Y para iniciar sus experiencias, atrae los domingos a la gente junto a su casa, en un predio donde crecían dos perales. Allí hace de saltimbanqui y prestidigitador. Así entretiene santamente a todos los convecinos.

Empieza a estudiar en una escuela pública, a 5 kilómetros de su pueblo. Luego entra a estudiar en el liceo de Chieri. Para pagar sus estudios trabaja en toda clase de oficios. Por fin, a sus 26 años celebra la primera misa en Turín. Lo primero que hace es recoger chiquillos de la calle. Le siguen como si fuera un titiritero. Para eso funda los Oratorios de San Francisco de Sales. Más tarde, para atender a esa gente pequeña, funda la Congregación de los Padres Salecianos, que se extiende pronto por toda Italia, Francia y España. Es el educador de los tiempos modernos; se hace periodista, predica, confiesa, escribe y propaga la devoción a María Auxiliadora, publica libros de ciencia y religión. Es el auténtico tipo de audaz soldado de Cristo.

En la Italia del siglo pasado, uno de los divertimentos más esperados de los pobres era los que traían los titiriteros.

Hubo cierta "troupe" que, a sabiendas, representaba sus obras a la hora de la misa y, claro, las gentes, en especial los niños, se "salteaban" la misa.

Pero había un niño, Juan Bosco, que se decidió a hacer algo para que los niños volvieran a la misa.

Se las arregló para aprender trucos de prestidigitación, malabarismos y otras habilidades por el estilo. Para eso, observó mucho, entrenó más y se ejercitó con los amigos.

Más tarde llegó a desafiar a los titiriteros y malabaristas, les ganó las apuestas y se tuvieron que ir de allí humillados.

Juan se hizo dueño del domingo, de los compañeros y amigos. Comenzó de niño los domingos y acabó moviendo masas de jóvenes, organizando su tiempo libre, montando talleres y escuelas profesionales...

Se inventó el sistema de "educar jugando y aprender gozando".

Su espíritu de saltimbanqui le daba agilidad al cuerpo y ponía alas a su vocación de educador.

Les decía a los niños: "Haremos muchos juegos y entretenimientos sin que tengan que pagar nada, pero con una condición: que vengan después todos conmigo a la iglesia".

https://www.youtube.com/watch?v=VMYN_5ljLV0

1673: 

Nace Luis María Grignion de Montfort, sacerdote francés (f. 1716).

Louis-Marie Grignion de Montfort, (Montfort-sur-Meu, 31 de enero de 1673- Saint-Laurent-sur-Sèvre, 28 de abril de 1716) conocido también como el Padre de Montfort, fue un teólogo, sacerdote misionero y escritor francés, miembro de la Iglesia católica, canonizado San Luis María de Montfort en 1947. Su pensamiento teológico ha influenciado, entre otros, en el desarrollo de la doctrina mariológica contemporánea.

1797:

 Nace Franz Schubert, compositor austriaco (f. 1828).

Franz Peter Schubert (Viena, 31 de enero de 1797-ibídem, 19 de noviembre de 1828) fue un compositor austriaco, considerado el introductor del romanticismo musical y la forma breve característica pero, a la vez, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de lieder (breves composiciones para voz y piano, antecesor de la canción moderna), así como de música para piano, de cámara y orquestal.¹​

Biografía[editar]

Schubert fue uno de los principales músicos austríacos que vivió a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical europea a finales del siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió 31 años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical excelente, en especial en la última etapa de su vida, en la cual estaba ya tremendamente enfermo. Su música no fue reconocida durante toda su vida y es a partir de finales del siglo XIX cuando la música de Schubert suena con más frecuencia. Se abre camino con pequeñas obras para piano, para más tarde empezar con sinfonías. En la historia ha estado siempre escondido, a la sombra de Beethoven, solo se dice que su música es muy bella, pero resulta que no encontró ninguna orquesta que la tocara y prácticamente solo en las "schubertiadas" podía exhibir su música. Escribió más de seiscientos lieder, de los cuales gran parte, después de su fallecimiento, quedaron inéditos. Siempre ha sido visto como un compositor "frágil" que hacía bellas melodías, pero si analizamos su música, nos damos cuenta de que está repleta de tristeza. "No existe música alegre" -Franz Schubert.

Desde que nació, la muerte estuvo presente en la vida de este compositor. Eran trece hermanos aunque diez de ellos murieron al nacer, otro de ellos murió prematuramente y su madre falleció en su último parto cuando él tenía apenas quince años. La única familia que le quedaba era su padre y su otro hermano. Residían en el barrio de Liechtental. Su padre era profesor y gozaban de unos escasos ingresos para vivir.

Es un gran cantante e ingresa en Stadtkonvikt, la escolanía de la Catedral de Viena como soprano, institución la cual le becaba y mantenía aparte de darle la oportunidad de tener como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se reveló con fuerza en el joven Schubert durante estos años y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.

En 1813 le cambia la voz y no puede seguir estudiando en la escolanía, así que no le queda más remedio que trabajar como asistente de su padre en la escuela, a pesar de que no le agradaba la idea de tener que hacerlo, puesto que quería dedicarse a la música por completo.

1814 es una época de creatividad para Schubert, ya que conoce a su primer amor, Therese Grob. Estrena la Misa en la mayor con Therese de soprano. En estos años es cuando ven la luz sus primeras obras maestras, como el lied El rey de los elfos, inspirado en un poema de Goethe, uno de sus escritores más frecuentados. Después de abandonar sus funciones en la escuela paterna, Schubert intentó ganarse la vida únicamente con su música, con escaso éxito en su empresa. La principal meta que tenía Schubert estos años era encontrar trabajo como fuera y ganar dinero para que el padre de la chica de la que se había enamorado le dejara estar con ella, y el único campo que podía darle dinero de verdad era la ópera. Aunque éste fue un género que Schubert abordó con insistencia a lo largo de toda su vida, bien fuera por la debilidad de los libretos escogidos o por su propia falta de aliento dramático, nunca consiguió destacar en él. Sus óperas, entre las que merecen citarse Los amigos de Salamanca, Alfonso y Estrella, La guerra doméstica y Fierabrás, continúan siendo la faceta menos conocida de su producción.

Si Schubert no logró sobresalir en el género dramático, sí lo hizo en el lied. Un solo dato da constancia de su absoluto dominio en esta forma: sólo durante los años 1815 y 1816 llegó a componer más de ciento cincuenta lieder, la mayoría de una calidad asombrosa. Escritos muchos de ellos sobre textos de sus amigos, como Johann Mayrhofer y Franz von Schober, eran interpretados en reuniones privadas, conocidas famosamente como «schubertiadas», a las que asistía, entre otros, el barítono Johann Michael Vogl, destinatario de muchas de estas breves composiciones.

Pese a sus talentos, su padre pretendía que heredara su profesión, lo que motivó el enfrentamiento entre ellos y desencadenó la mala relación entre ambos y el abandono de la casa paterna. Fuera del hogar y habiendo decidido ganarse la vida con la música, Schubert se refugió en la casa de Franz von Schober. Así comenzó el peregrinaje. Nunca logró mantenerse sólo con sus composiciones y necesitó de la generosidad de amigos, que lo acogían en sus respectivas casas. Schubert tampoco mantuvo una relación duradera ni tuvo hijos, pero se adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindaba muchas satisfacciones personales, además de constituir un público fiel y sensible a su arte.

Schubert no pudo estrenar ni publicar ninguna de sus obras operísticas u orquestales. A lo sumo se interpretaron algunas composiciones vocales o pianísticas en las célebres schubertiadas.

En estos años Schubert contrajo sífilis. Habitualmente pasaba estrechez económica. Se volvió inseparable de sus gafas, que conformaron parte indisoluble de su apariencia y acentuaron su fisonomía tímida.

En Viena, Schubert llevó una vida bohemia rodeado de intelectuales, amante de las tabernas y de los ambientes populares, alejado de los salones y de la etiqueta nobiliaria. De este entorno procede el famoso término de schubertiadas: reuniones de artistas de todos los ámbitos que formaban un círculo brillante y animado dedicado a la música y a la lectura.

Cuando la sífilis comenzó a trastornar su vida fue, lógicamente, cuando apareció el lado más amargo y melancólico de Schubert. Así, no puede sorprendernos que, necesitado de comprensión, escribiese en 1824 estas líneas estremecedoras a su amigo Leopold Kupelwieser:

Hace tiempo que quería escribirte, pero nunca sabía desde dónde, adónde. Ahora se me ofrece la oportunidad y por fin puedo abrir mi corazón a alguien. Tú eres bueno, y seguro que me vas a perdonar lo que otros se habrían tomado a mal. En una palabra, me siento el hombre más infeliz, más miserable del mundo. Imagínate un hombre cuya salud ya no mejorará nunca y que en su desesperación sólo empeora todo en lugar de mejorarlo, imagínate un hombre cuyas más brillantes esperanzas han quedado reducidas a nada, al que la felicidad del amor y la amistad no ofrecen otra cosa que sumo dolor, al que el entusiasmo (al menos estimulante) por la belleza amenaza con desaparecer, y pregúntate si no es éste un hombre miserablemente infeliz. Mi tranquilidad ha desaparecido, mi corazón está oprimido, no lo encuentro nunca; así ahora puedo cantar todos los días, pues todas las noches, cuando me voy a dormir, confío en no despertar ya nunca, y cada mañana me anuncia sólo la misma pena del día anterior. De esta manera, sin alegría ni amigos, paso los días, a excepción de cuando me visitó Schwind y me trajo un rayo de aquellos dulces días pasados.

Durante sus últimos años escribió piezas magistrales, fruto y reflejo de sus experiencias personales y siempre con el sello inconfundible de una inagotable inspiración melódica. Por ejemplo, una tensa profundidad marca la Wanderer-Fantasie, D. 760, para piano solo (1822) o el ciclo de lieder La bella molinera (Die schöne Müllerin)(1823), estos últimos inspirados en poemas de Wilhelm Müller. En 1824 escribiría La muerte y la doncella, uno de sus cuartetos más conocidos, y ya hacia el final de su vida el intenso dolor y el aislamiento dejaron su impronta en el Winterreise, D. 911, Op. 89 (1827), también con textos de W. Müller.

Por aquel entonces, Schubert tenía solamente treinta y un años y acababa de matricularse para estudiar fuga. Pero una gonorrea,²​ complicada finalmente con una fiebre tifoidea, lo condujo a la muerte el 19 de noviembre de 1828. Se decía de Schubert que hacía tiempo ya «andaba por el mal camino», se hablaba de su afición al alcohol y la «sensualidad» —que lo llevó a tener relaciones esporádicas—. Pero esa debilidad no ensombrece de ningún modo la figura de un hombre que en sus años de madurez padecía, según muchos biógrafos, de lo que actualmente llamaríamos trastorno bipolar.³​ Esto explicaría que grandes obras quedaran incompletas sin una razón explícita.

El 30 de octubre de 1822 comenzó su Sinfonía en si menor pero, tras dos movimientos en una partitura de orquesta cuidadosamente pasada a limpio, y de empezar el tercero, la abandonó. El manuscrito con ambos movimientos completos pasó a manos de su amigo, An. Hüttenbrenner, quien los conservó en un cajón durante más de cuarenta años. En 1865 se los entregó al director de orquesta Johann von Herbeck, quien en diciembre de ese mismo año dirigió en Viena el estreno de la obra incompleta.

No hay una conclusión a la cuestión sobre los motivos que condujeron a Schubert a dejarla inconclusa; una posibilidad sugiere que parte del manuscrito se perdiera. También se ha sugerido que el poderoso Entreacto en si menor de la música de escena para Rosamunda, de 1823, fuera en realidad el último movimiento sinfónico. A favor de esta tesis: las coincidencias en orquestación con ambos movimientos existentes, incluido el añadido de los tres trombones incorporados a la orquesta clásica convencional, así como la tonalidad. A pesar de todo, la explicación más verosímil para la crítica es la que cuestiona la madurez autorial para completar dos movimientos más con la misma altura y calidad expresiva de los previos. Así, la obra queda tal como la conocemos hoy: un díptico asimétrico, pero equilibrado: primero un Allegro moderato, en el que se contraponen la tensión dramática inicial y la naturalidad lírica, seguido de un Andante con moto en mi mayor, pleno de un agitado y tumultuoso vagabundeo, que alcanza al final el descanso en una coda, cuya serenidad parece trascender el mundo.

 https://www.youtube.com/watch?v=ZpA0l2WB86E

1908:

Nace  Atahualpa Yupanqui, cantautor argentino (f. 1992).

Atahualpa Yupanqui, seudónimo de Héctor Roberto Chavero¹​²​ (Juan A. de la Peña, 31 de enero de 1908-Nimes, 23 de mayo de 1992), fue un cantautor, guitarrista, poeta y escritor argentino.

Se le considera el más importante músico argentino de folklore. En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

Biografía[editar]

Nació el 31 de enero de 1908 en el Campo de la Cruz (de la familia Segoburo, sus tíos abuelos vascos). Era una antigua posta rural, equidistante del pueblo de Colón y de la ciudad de Pergamino, al norte de la provincia de Buenos Aires.³​ Su padre mestizo de origen quechua, era oriundo de Monte Redondo, en la provincia argentina de Santiago del Estero, y su madre, de apellido Aramburu, era criolla de padres vascos. Su infancia transcurrió en Agustín Roca(partido de Junín), donde su padre trabajaba en el ferrocarril como telegrafista y se dedicaba también a la doma de caballos. Inicialmente estudió violín con el padre Rosáenz, el cura del pueblo. Más tarde aprendió a tocar la guitarra en la ciudad de Junín con el concertista Bautista Almirón, quien sería su único maestro. Inicialmente vivió en Junín en la casa de Almirón; posteriormente regresó al pueblo de Roca y viajaba 16 km a caballo para tomar las lecciones en la ciudad.⁴​ Con Almirón, Roberto Chavero descubrió la música de Sor, Albéniz, Granados y Tárrega, y también las transcripciones para guitarra de obras de Schubert, Liszt, Beethoven, Bach y Schumann.

En 1917 con su familia pasó unas vacaciones en la provincia de Tucumán, y allí conoció un nuevo paisaje y una nueva música, con sus propios instrumentos, como el bombo y el arpa india, y sus propios ritmos, la zamba, entre ellos.²​ La temprana muerte de su padre lo convirtió prematuramente en jefe de familia. Fue improvisado maestro de escuela, luego tipógrafo, cronista y músico. Jugó tenis, boxeó y se hizo periodista. A los 19 años de edad, compuso su canción «Camino del indio».³​ Conoció Jujuy, los valles calchaquíes y el sur de Bolivia.

En 1931 se casó con su prima María Alicia Martínez, quien tenía un hijo nacido en 1923 de una pareja anterior. No le había ido bien en la ciudad de Buenos Aires, así que se fueron a la provincia de Entre Ríos, donde nació su primera hija, Alma Alicia Chavero, y se afincaron un tiempo en Tala.

En enero de 1932 participó en la fallida intentona revolucionaria de los hermanos Kennedy, en La Paz (Entre Ríos), en la cual estuvieron envueltos también el coronel Gregorio Pomar y el escritor Arturo Jauretche, quien inmortalizó la patriada en su poema gauchesco El Paso de los Libres.

Después de esta derrota debió exiliarse. Tuvo que refugiarse un tiempo en Montevideo (Uruguay), y luego en otras localidades del interior oriental y el sur de Brasil. Mientras tanto su esposa había regresado a Junín (provincia de Buenos Aires), donde el 11 de enero de 1933 nació su segundo hijo, Atahualpa Roberto Chavero. Finalmente en 1936 en Rosario nació Lila Amancay Chavero. Al año siguiente, se separó de su mujer. Ella y los cuatro hijos volvieron a Junín.

En 1934 reingresó a la Argentina por Entre Ríos y se radicó en Rosario (provincia de Santa Fe). En 1935 se estableció en Racó, un caserío a unos 40 km al noroeste del pueblo de Tafí Viejo (provincia de Tucumán). Pasó brevemente por la ciudad de Buenos Aires ―donde diversos intérpretes comenzaban a popularizar sus canciones― para actuar en radio. Recorrió después Santiago del Estero, para retornar por unos meses a Raco en 1936. Realizó una incursión por Catamarca, Salta y Jujuy. Más tarde visitó nuevamente el altiplano en busca de testimonios de las viejas culturas originarias. Retornó a los valles calchaquíes, recorrió a lomo de mula los senderos jujeños y residió por un tiempo en Cochangasta (una aldea a dos kilómetros del ciudad de La Rioja).

En Tucumán, en 1942, conoció a la pianista y compositora sampedrina francocanadiense Nenette Pepín (1908-1990), con la que convivió los siguientes 48 años.⁵​

Como en Argentina no existía el divorcio, tuvieron que casarse vía Montevideo (en 1946), por lo que legalmente Yupanqui era bígamo. Con Nenette tuvo su último hijo, Roberto Chavero, el cual fue el único que Atahualpa Yupanqui mostró como tal, tal vez influido por Nenette, quien llevaba las riendas en la pareja.⁶​

A causa de su afiliación al Partido Comunista, Yupanqui sufrió la censura durante la presidencia de Juan Domingo Perón. Fue detenido y encarcelado varias veces. Al respecto ha dicho Yupanqui:

En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina... Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan.

Atahualpa Yupanqui⁷​

Chavero se fue a Francia en 1949, ya utilizaba el seudónimo Atahualpa Yupanqui.⁸​ La cantante Edith Piaf lo invitó a actuar en París el 7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con Chant du Monde, la compañía de grabación que publicó su primer LP en Europa, Minero soy, que obtuvo el primer premio de mejor disco de la academia Charles Cros, que incluía 350 participantes de todos los continentes en el Concurso Internacional de Folclor. Posteriormente, viajó extensamente por Europa.

En 1952, Yupanqui regresó a Buenos Aires, donde rompió su relación con el Partido Comunista, lo que hizo más fácil para él concertar actuaciones en radio. Mientras que con su esposa Nenette (Paule Pepín Fitzpatrick) construía su casa de Cerro Colorado (Córdoba), Yupanqui recorría el país. Musicalizó las películas Horizontes de piedra(1956), basada en su libro Cerro Bayo y Zafra (1959), actuando también en las mismas.⁹

https://www.youtube.com/watch?v=w9g9jvZ4yJ0

1915: 

Nace Thomas Merton, escritor y poeta religioso francés (f. 1968).

Thomas Merton (31 de enero de 1915 - 10 de diciembre de 1968) fue un escritor católico y místico. Fue monjetrapense de la Abadía de Getsemaní, Kentucky, fue poeta, activista social, y estudiante de religiones comparadas. En 1949 fue ordenado sacerdote y se le dio el nombre de Padre Louis.¹​²​³​

Merton escribió más de 70 libros, en su mayoría sobre la espiritualidad, la justicia social y una pacifismo cristiano, así como decenas de ensayos y opiniones. Entre las obras más perdurables de Merton está su autobiografía bestseller La montaña de los siete círculos (1948), que envió a decenas de veteranos de la Segunda Guerra Mundial, los estudiantes, e incluso los adolescentes que acuden a los monasterios en los EE.UU.,⁴​⁵​ y también fue presentado en la lista de la Nacional revisión de los 100 mejores libros de no ficción del siglo.⁶​ Merton fue un defensor entusiasta de las religiones y de su entendimiento. Fue pionero en el diálogo con las figuras espirituales asiáticas prominentes, entre ellos el Dalai Lama, el escritor japonés DT Suzuki , el monje budista tailandés Buddhadāsa, y el monje vietnamita Thich Nhat Hanh , y es autor de libros sobre el budismo zen y el taoísmo. En los años transcurridos desde su muerte, Merton ha sido objeto de varias biografías.

1917:

Los científicos alemanes Otto Hahn y Lise Meitner descubren el protactinio, elemento radiactivo.

1917:

Nace 

José G. Cruz, autor y editor de cómics mexicano, uno de los más importantes de su país durante los años cincuenta.

​

José Guadalupe Cruz Díaz (Teocaltiche, Jalisco, México; 31 de enero de 1917 - Los Ángeles, California, Estados Unidos; 22 de noviembre de 1989) fue un autor y editor de cómics mexicano, uno de los más importantes de su país durante los años cincuenta, junto a Joaquín Cervantes Bassoco.¹​

Índice

• 1Biografía
  • 1.1Infancia
  • 1.2Inicios profesionales
  • 1.3Ediciones José G. Cruz
  • 1.4Últimos años
• 2Referencias
• 3Bibliografía
• 4Enlaces externos

Biografía[editar]

Infancia[editar]

Los eventos y experiencias que José G. Cruz vive en su infancia, en la época de la Guerra Cristera en México, darán lugar a su fascinación con los personajes que representan a esta época; a los que dará vida en varias de las historietas que más tarde creará y publicará a lo largo de su carrera, como "Adelita y las Guerrillas", "Juan Sin Miedo" y "La Tigresa del Bajío".

Inicios profesionales[editar]

A partir de los 18 años, José G. Cruz se inicia como historietista, siendo su carrera una de las más exitosas y fructíferas dentro del campo de la historieta mexicana. Inicialmente colabora en las revistas Paquín, Paquito y Pepín, con muchas historias que cautivan a sus lectores, siendo uno de sus primeros grandes éxitos Adelita y las guerrillas.¹​

El 10 de febrero de 1940, José G. Cruz se casa con Doña Ana María Ayala Cornejo, con quien tiene a su primogénito José Gustavo.

En 1943, José G. Cruz empieza a utilizar el sistema del fotomontaje para hacer historietas; creando melodramas de gran arrastre como Carta brava, Percal, Tango, Ventarrón, Tenebral, Dancing y Malevaje.

A partir de 1947 colabora, escribe guiones y actúa en más de treinta películas con los directores cinematográficos Agustín P. Delgado, Chano Urueta, Miguel Morayta, René Cardona y Juan Orol.

Ediciones José G. Cruz[editar]

En 1952, funda su propia empresa editorial Ediciones José G. Cruz, en la que publica muchas historietas de gran popularidad; entre ellas, Muñequita, La pandilla, Rosita Alvírez, El vampiro tenebroso y Canciones inolvidables, así como la revista Santo, el enmascarado de plata;¹​ logrando esta última tal éxito y difusión que creará uno de los grandes íconos de la cultura popular mexicana y será publicada ininterrumpidamente durante más de treinta años.

Últimos años[editar]

A la edad de 72 años, fallece José Guadalupe Cruz Díaz en la ciudad de Los Ángeles, California, el día 22 de noviembre de 1989, dejando un legado de trabajo de cerca de seis décadas.

1929:

Nace Jean Simmons, actriz británica.

Jean Merilyn Simmons (Londres, 31 de enero de 1929-Santa Mónica, California, 22 de enero de 2010¹​) fue una actriz británica nominada en dos ocasiones al premio Óscar. Entre sus películas destacan Hamlet (1948), The Robe (1953), Horizontes de grandeza (1958), Después de la oscuridad (1958), Espartaco (1960) y El fuego y la palabra (1960).

Índice

• 1Biografía
• 2Final
• 3Filmografía
• 4Premios y distinciones
• 5Referencias
• 6Enlaces externos

Biografía[editar]

Nacida en el barrio londinense de Crouch Hill, desde niña quiso ser actriz y consiguió debutar en el cine en su adolescencia, apareciendo en la película Give us the moon (1944), de Val Guest y Caryl Brahms. Su fama en el Reino Unido tampoco tardaría mucho en llegar, ya que su figura se hizo reconocible gracias a su intervención en la película de David Lean Cadenas rotas (Great Expectations, 1946).

A partir de ese momento, sus apariciones se multiplicarían como en César y Cleopatra (Caesar and Cleopatra, 1945) de Gabriel Pascal, Narciso negro (Black Narcissus, 1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger, y sobre todo, su interpretación de Ofelia en Hamlet (1948), la adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier. Este papel le valió a Jean Simmons la candidatura al premio Óscar de 1948 a la mejor actriz de reparto (pero la estatuilla fue para Claire Trevor por su papel en Cayo Largo).

De todas maneras, esa nominación hizo de Jean Simmons una actriz atractiva para las superproducciones estadounidenses. En 1950, su popularidad aumentó aún más cuando se casó con Stewart Granger, un matrimonio que duró hasta 1960.

En la década de 1950, Jean Simmons empezó a ser habitual en las producciones hollywoodienses, en las que se codeó con varios de los actores más importantes, como Marlon Brando, Kirk Douglas, Gregory Peck, Burt Lancaster... Así, destacan sus participaciones en Androcles y el león (1952) de Chester Erskine, Cara de ángel (1953) de Otto Preminger, El manto sagrado (1953) de Henry Koster, Sinuhé, el egipcio (1954) de Michael Curtiz, Desirée (1954) de Henry Koster, o Ellos y ellas (1955) de Joseph L. Mankiewicz.

Sobresalen especialmente, en 1958, Horizontes de grandeza de William Wyler y Después de la oscuridad (Home Before Dark), de Mervyn LeRoy. Asimismo, Espartaco (1960) de Stanley Kubrick.

En 1960 se casó con el director Richard Brooks. Su esposo la dirigió en una de sus mejores películas: El fuego y la palabra (1960), y posteriormente la volvería a dirigir en 1969 en Con los ojos cerrados, por el que Jean fue candidata al Premio Oscar, en la categoría de mejor actriz principal.

Final[editar]

En la década de 1970, fue apartándose del cine para dirigir sus pasos profesionales hacia la televisión. Así, los papeles de la actriz británica serían recordados en series como Norte y Sur o El pájaro espino. La interpretación en esta última le valdría un premio Emmy. Todavía a principios de la década de 2000, seguía trabajando esporádicamente, aportando su voz a películas de animación.

Trabajó con muchos directores, pero no faltaron figuras de relieve como Lean, Olivier, al inicio, y luego los estadounidenses Wyler, Curtiz, Preminger, Daves, Mankiewicz, LeRoy, Brooks, Kubrick, Cukor, Donen, King y Wise.

Murió de cáncer de pulmón a los 80 años, en su hogar de Santa Mónica, California. Sus restos mortales fueron incinerados.

https://www.youtube.com/watch?v=cnpMUKme52Q

1933: 

Muere John Galsworthy, novelista y dramaturgo británico, premio nobel de literatura en 1932 (n. 1867).

John Galsworthy (Kingston upon Thames, Surrey, 14 de agosto de 1867 - Londres, 31 de enero de 1933) fue un novelista y dramaturgo inglés.

Biografía[editar]

Estudió en Harrow y en la Universidad de Oxford, donde se doctoró en derecho en 1890, aunque pronto comenzó a escribir, quizás debido a su amistad con Joseph Conrad.

En 1899 se publicó su primera novela, Jocelyn, bajo el seudónimo de «John Sinjohn» que habría de utilizar durante algún tiempo. En 1906 se estrenó su primera obra teatral, The Silver Box (La caja de plata), que resultó un éxito, seguida de A Man of Property (El propietario) con la que inició la famosa serie La saga de los Forsyte, pensada inicialmente para 5 volúmenes. En esta serie se muestra toda un conjunto de situaciones de la vida familiar de la alta clase media inglesa, tanto de la época victoriana como de la moderna. Tras el título inicial, publicó El veranillo de San Martín de un Forsyte (1918), En el tribunal (1920), Despertar (1920) y Se alquila (1921).

Amplió este ciclo narrativo en otras novelas y relatos cortos de los mismos caracteres y temas, entre los que destacan The White Monkey (El mono blanco, 1924), The Silver Spoon (La cuchara de plata, 1926) y Swan Song (El canto del cisne, 1928), publicados bajo el título de Una comedia moderna en 1929. A éstas siguieron a su vez Esperanzas juveniles en 1931.

Instalado en Sussex, Galsworthy escribió muchas obras teatrales y novelas, confirmándose como uno de los escritores más prolíficos de su tiempo. Entre sus obras de teatro están Justice (1910), The Skin Game (1920) y Old English (1924). Entre sus novelas también se destacan The Patrician (1911), The Dark Flower (1913), The Freelands(1915) y Saint's Progress (1919). Sus relatos cortos fueron reunidos y publicados en 1927 bajo el título de Caravan.

En 1932 fue galardonado con el premio Nobel de Literatura en reconocimiento a su eminente fuerza descriptiva.

En 1967 la BBC realizó y emitió una serie televisiva basada en la saga de los Forsyte que alcanzó una enorme popularidad tanto en Gran Bretaña como en otros muchos países.

1933:

Nace Pete "El Conde"Rodríguez, cantante puertorriqueño de Salsa.

Pedro Juan Rodríguez Ferrer (Ponce, 31 de enero de 1933 - Bronx, 2 de diciembre de 2000) fue un cantante puertorriqueño de Salsa. Por su forma de interpretación del son, apegado a las raíces se le conoce «el más cubano de los soneros boricuas».^{[cita requerida]}

Biografía[editar]

Fue el segundo de los tres hijos procreados por Emiliano Rodríguez y Anatilde Ferrer Colón. Músico por intuición, a la edad de diez años ya tocaba el bongó en el conjunto El Gondolero dirigido por su padre. A los trece años, fue a vivir con su familia al barrio latino de Nueva York y a los 17 años comenzó a trabajar en una imprenta, empleo que mantuvo hasta que fue reclutado por el ejército norteamericano para cumplir su servicio militar en el conflicto bélico de Corea. Durante dicho período (1953-1956) fue paracaidista de la Fuerza Aérea Estadounidense.

A su regreso a New York, formó parte del conjunto de Johnny Soler y poco después se unió a la Orquesta Oriental Cubana, cuyo repertorio seguía la más genuina tradición sonera. Más tarde se unió a la orquesta Jóvenes Estrellas de Cuba, dirigida por el trompetista y cantante Roberto Rodríguez, quien más adelante sería pieza clave de la Orquesta de Ray Barretto y la Fania All Stars. En esta agrupación cubrió el periodo entre (1959-1961) y realizó sus primeras grabaciones.

Luego de un breve lapso en la Orquesta Típica Novel del pianista Willie Ellis (1961-1962), fue reclutado junto a Chirivico Dávila y Monguito "el único" para remplazar a Rudy Calzado y Elliot Romero en la charanga de Johnny Pacheco. En su primera etapa grabó temas como Suavito, Como Mango, Yo soy Guajiro, Alto Songo, Guachinango y Soy del Monte.

A raíz de algunos conflictos con Monguito dejó el grupo de Pacheco y se unió al Conjunto Sensación del pianista Ray Roig (1964-1966). Pero cuando Monguito decidió pasar a las filas de la Orquesta de Larry Harlow, se reintegró a la charanga de Pacheco. El binomio Pacheco - Rodríguez bautizado como La Perfecta Combinación y Los Compadres ha sido uno de los más influyentes de la historia de la salsa.

El Conde hizo su última grabación en 1999 junto a Tito Puente & Eddie Palmieri (master piece), donde se aprecia el tema "marchando bien". el dúo con Cheo Feliciano interpretando el tema Soneros de bailadores fue grabado en 1993 para el sello RMM y su agrupación de estrellas "LA COMBINACION PERFECTA".

El Conde sufrió problemas cardíacos por muchos años pero fue renuente a una cirugía de corazón abierto. Pete “El Conde” Rodríguez falleció de un ataque al corazón el sábado 2 de diciembre de 2000 y sus restos fueron llevados a su natal Puerto Rico. Le sobrevivieron su esposa Francis, sus dos hijos Cita y Pedro Emilio y sus nietos.

https://www.youtube.com/watch?v=L6GI1r2teW4

1935: 

Nace Kenzaburō Ōe, escritor japonés, premio nobel de literatura en 1994.

Kenzaburō Ōe (大江 健三郎^?) (Uchiko, 31 de enero de 1935-Tokio, 3 de marzo de 2023)¹​ fue un escritor japonés, y una figura importante de la literatura japonesa contemporánea. Sus novelas, cuentos y ensayos, fuertemente influenciados por la literatura y la teoría literaria francesa y estadounidense, abordan cuestiones políticas, sociales y filosóficas, incluidas las armas nucleares, la energía nuclear, el inconformismo social y el existencialismo. Ōe recibió el Premio Nobel de Literatura en 1994 por crear "un mundo imaginado, donde la vida y el mito se condensan para formar una imagen desconcertante de la situación humana actual".²​

Su hijo, Hikari Ōe, nació con una malformación que, al ser intervenida, le produjo una discapacidad mental irreversible. Esta situación está presente en las obras del autor.³​

Biografía

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Kenzaburō Ōe nació el 31 de enero de 1935 en la localidad de Ose, que en la actualidad forma parte de Uchiko, en la prefectura de Ehime, en la isla de Shikoku, donde pasó su infancia y adolescencia. Fue el tercero de cinco hijos en su familia. Su padre trabajaba produciendo parte de la materia prima con la que se producían los billetes de yenes japoneses, y murió en la guerra del Pacífico cuando el futuro escritor tenía nueve años.⁴​

Asistió a la primaria en Matsuyama, al norte de Shikoku.⁵​ El balbuceo de Kenzaburō provocó que se refugiara en la lectura desde temprana edad. Por otro lado, su abuela le narró mitos e historia del folclore local, alimentando aún más el interés por la literatura en el pequeño.⁴​ El clan Ōe habría sido por muchos años responsable de mantener viva la historia de la región por tradición oral.⁶​

En 1954, Ōe dejó la isla de Shikoku por primera vez para inscribirse en la Universidad de Tokio, donde realizó estudios en letras francesas bajo la tutoría del profesor especialista en François Rabelais, Kazuo Watanabe.⁵​ Basó su tesis en los trabajos de Jean-Paul Sartre.⁴​

En 1958, terminó su primera novela, Arrancad las semillas, fusilad a los niños, en la cual narra la historia de un grupo de jóvenes que toma el control de un pueblo abandonado.⁴​

Ese mismo año recibió el Premio Akutagawa, otorgado a las jóvenes promesas de la literatura japonesa, por su novela La presa, en la que narra sus vivencias infantiles. Para el final de sus estudios, en 1959, había terminado veintidós cuentos cortos. También en 1959, editó su segunda novela, Our Era.⁴​ En la misma época, visitó Europa y conoció a Jean-Paul Sartre.⁵​

En 1960, contrajo matrimonio con la cineasta Itami Yukari, hermana del director Itami Jūzō.⁴​

El asesinato de un dirigente del Partido Socialista Japonés, Inejiro Asanuma, el 12 de octubre de ese mismo año, lo inspiró para crear Seventeen y The Death of a Political Youth, ambas historias publicadas en 1961. Esta última obra fue duramente criticada por la extrema derecha japonesa, por su descripción del atacante Yamaguchi Otoya, un militante conservador de diecisiete años. Esto provocó que el libro no fuera reeditado ni traducido. Asimismo, el autor y el editor de la novela recibieron amenazas de muerte después de su publicación.⁴​

En 1963 nació su hijo Hikari (luz), discapacitado por una hidrocefalia y con diagnóstico de autismo. Este acontecimiento se convirtió en el eje principal de su vida y de su obra. Sus títulos más importantes, como Una cuestión personal, Dinos cómo sobrevivir a nuestra locura o El grito silencioso, giran, en mayor o menor medida, en torno al tema de su hijo, como también ¡Despertad, oh jóvenes de la nueva era!

Entre marzo y julio de 1976 pasó una temporada en México, invitado por el erudito en culturas orientales Óscar Montes para desempeñarse en El Colegio de México como profesor visitante del Centro de Estudios de Asia y África. Ya que no conocía ni el español ni el inglés, los cursos de Ōe en este país se impartieron en japonés y fueron traducidos por Montes al español.⁷​

Buena parte de su obra no se puede entender sin los efectos de la Segunda Guerra Mundial en Japón y la modernización de este.⁸​

En agosto de 1994, se convirtió en el segundo japonés en recibir el Premio Nobel por el conjunto de su obra literaria.⁹​

Más tarde, fue galardonado con la medalla a la Legión de Honor francesa el 22 de mayo de 2002.¹⁰​

Influencia de Hikari

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Ōe atribuyó a su hijo Hikari la influencia en su carrera literaria. Ōe intentó dar a su hijo una "voz" a través de su escritura. Varios de los libros de Ōe incluyen un personaje basado en su hijo.¹¹​

En el libro de Ōe de 1964, A Personal Matter, el escritor describe el trauma psicológico que supuso aceptar en su vida a su hijo con daño cerebral.¹²​ Hikari ocupa un lugar destacado en muchos de los libros seleccionados para ser elogiados por el comité del Nobel, y su vida es el núcleo del primer libro publicado después de que Ōe recibiera el Premio Nobel. El libro de 1996, Una familia que se cura, es un libro de memorias escrito como una colección de ensayos.¹³​

Hikari ejerció una gran influencia en Padre, ¿adónde vas?, Enséñanos a superar nuestra locura y El día en que él mismo borre mis lágrimas, tres novelas que retoman la misma premisa: el padre de un hijo discapacitado intenta recrear la vida de su propio padre, que se encerró en sí mismo y murió. La ignorancia del protagonista sobre su padre se compara con la incapacidad de su hijo para comprenderle; la falta de información sobre la historia de su padre hace que la tarea sea imposible de completar, pero capaz de una repetición interminable, y, "la repetición se convierte en el tejido de las historias".¹⁴​^: 61

2006 a 2008

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En 2005, dos militares japoneses retirados demandaron a Ōe por difamación por su libro de ensayos de 1970, Okinawa Notes, en el que había escrito que miembros del ejército japonés habían coaccionado a masas de civiles de Okinawa para que se suicidaran durante la Invasión aliada de la isla en 1945. En marzo de 2008, el Tribunal de Distrito de Osaka Tribunal de Distrito desestimó todos los cargos contra Ōe. En esta sentencia, el juez Toshimasa Fukami declaró: "Los militares estuvieron profundamente implicados en los suicidios en masa". En una rueda de prensa posterior al juicio, Ōe declaró: "El juez leyó con precisión mis escritos" ¹⁵​

Ōe no escribió mucho durante los casi dos años (2006-2008) que duró su proceso por difamación. Empezó a escribir una nueva novela que, según The New York Times, contaría con un personaje "basado en su padre", un firme partidario del sistema imperial que murió ahogado en una inundación durante la Segunda Guerra Mundial.¹⁶​ Muerte por agua se publicó en 2009.

2013

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Bannen Yoshikishu, su última novela, es la sexta de una serie protagonizada por Kogito Choko, que puede considerarse el alter ego literario de Ōe. La novela es también, en cierto sentido, la culminación de las novelas del yo que Ōe siguió escribiendo desde que su hijo nació con discapacidad mental en 1963. En la novela, Choko pierde el interés por la novela que había estado escribiendo cuando el terremoto y tsunami de Japón de 2011 y el tsunami asolaron la región de Tohoku el 11 de marzo de 2011. En su lugar, comienza a escribir sobre una época de catástrofes, así como sobre el hecho de que él mismo se acercaba a los 70 años.¹⁷​

Activismo

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Ōe criticó abiertamente el tratado de seguridad entre Estados Unidos y Japón, que permitía a la nación norteamericana instalar bases militares en terreno nipón, entre otros aspectos. Por un tiempo, se le relacionó con el dirigente chino Mao Zedong, hasta que rompió lazos con él debido a su política militar.⁴​

En el 2004 participó en la fundación de la Asociación pro Artículo 9, grupo pacifista que defiende la vigencia del artículo de la constitución de Japón por el que el país renuncia explícitamente a la guerra.¹⁸​

En el 2011, luego del accidente nuclear de Fukushima, Ōe solicitó al entonces primer ministro Yoshihiko Noda la interrupción de todas las actividades nucleares en el país. De la misma forma, se manifestó en público contra el uso de esta fuente de energía.⁵​

Vida personal y muerte

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Ōe se casó en febrero de 1960. Su esposa, Yukari, era hija del director de cine Mansaku Itami y hermana del director de cine Juzo Itami. Ese mismo año conoció a Mao Zedong en un viaje a China. Al año siguiente también viajó a Rusia y Europa, donde visitó a Sartre en París.¹⁹​²⁰​

Ōe vivió en Tokio y tuvo tres hijos.²¹​ En 1963, su hijo mayor, Hikari, nació con una Hernia cerebral.²²​ Ōe luchó inicialmente por aceptar la condición de su hijo, que requería una cirugía que le dejaría con problemas de aprendizaje de por vida. ²¹​ Hikari vivió con Kenzaburō y Yukari hasta la mediana edad, y a menudo componía música en la misma habitación donde su padre escribía.²¹​

Ōe falleció el 3 de marzo de 2023, a la edad de 88 años.²¹​²³​²²​²⁴​

1940:

Muere

Emilio González del Castillo y López (* Madrid, 4 de abril de 1882 - 31 de enero de 1940) fue un poeta, comediógrafo y libretista de zarzuela y de revistas musicales.

Biografía[editar]

Nacido en el seno de una familia de clase media, y educado en un ambiente de gran inquietud intelectual y artística, desde muy temprana edad se inclinó por la vocación literaria. Sus primeros poemas (inéditos), de temática metafísica, humorística o incidental, exhiben una profunda huella modernista, así como algunas de las características que marcarán toda su obra: el ingenio vivo, la fluidez del verso y una prodigiosa "vis cómica".

Siendo muy joven, ganó una plaza como Interventor de los Ferrocarriles del Estado, pero dedicó la mayor parte de su tiempo a su gran pasión: el teatro. Cultivó los géneros más variados: comedia, drama, melodrama, juguete cómico y género lírico. Se granjeó una sólida reputación en el oficio, siendo pronto considerado como uno de los mejores libretistas de Zarzuela y revista musical de su tiempo.

Aunque trabajó con casi todos los grandes compositores del momento, le unió una íntima amistad con el maestro Francisco Alonso, con quien estrenó más de quince títulos a partir de 1911. El primer gran éxito conjunto llegó con La Calesera, obra estrenada en el Teatro de la Zarzuela el 12 de diciembre de 1925; la pieza cobró rápidamente una popularidad enorme, especialmente el "Pasacalles de los Chisperos", hasta el punto de que en las representaciones se bajaba durante dicho número un telón con los versos escritos en grandes letras de imprenta, para que el público lo cantase a la vez que el coro. Ambos cosecharon un nuevo triunfo con La Picarona, Zarzuela de ambiente segoviano estrenada en el Teatro Eslava en 1929.

Los años treinta fueron especialmente productivos para Alonso y González del Castillo, comenzando por el estreno de la revista musical Las Leandras (1931). Algunos de sus números ("Los nardos", "El Pichi", "Las Viudas", etc) siguen figurando entre las creaciones más célebres del género. En la misma década vieron la luz La de los ojos en blanco, ¡Que se diga por la radio!, Mujeres de fuego, Las guapas, Las de Villadiego, Los Laureanos y La suerte negra; durante esos años, González del Castillo firmó casi todos sus libretos junto a José Muñoz Román, uno de sus más asiduos colaboradores.

Además de la música escénica, Alonso y González del Castillo compusieron la popular canción Maitechu mía, versionada en múltiples ocasiones. Alfredo Kraus, Plácido Domingo y "Mocedades" han sido sus más famosos intérpretes.

Otros compositores que pusieron música a sus libretos fueron Rafael Calleja (Fenisa la Comedianta y La reina del Albaicín); Tomás López Torregrosa (Las Bandoleras, Sol y Alegría); Vicente Lleó (La maja de los claveles); Jacinto Guerrero (Cómo se hace un hombre, Teodoro y Compañía, Los Bullangueros) y Pablo Luna (Sangre y arena, Sybill, Jack, Los calabreses, La joven Turquía, ¡Dios salve al Rey, El caballero del guante rojo). La lista de sus piezas líricas registra más de ochenta títulos.

Sin embargo, su obra más aclamada fue Katiuska, la mujer rusa, escrita en colaboración con Martí Alonso, con música de Pablo Sorozábal y estrenada en el Teatro Victoria de Barcelona el 27 de enero de 1931. La noche del estreno, según relata Sorozábal en sus memorias, fue más que accidentada, pues, tras un clamoroso éxito en el primer acto, el público acogió el segundo con suma frialdad, hasta el punto de que se temió que retirasen la pieza del cartel; para evitar el desastre, Sorozábal y González del Castillo tuvieron que rehacer el acto en una sola noche.

El maestro Sorozábal, al relatar la noche maratoniana, describe al veterano libretista con unas líneas llenas de admiración y gratitud: "Era un hombre de gran sensibilidad y un gran poeta. Todos los cantables y versos de la obra eran suyos. No sabía música, pero tenía una noción del ritmo asombrosa. En pocos libretistas he encontrado yo unas cualidades tan magistrales. (...)". Describe su respiración dificultosa y asmática, su infinita paciencia con las exigencias del músico, su artística caligrafía. Cuenta cómo, a eso de las cuatro de la mañana, encerrados ambos en la habitación de trabajo y tras haber agotado el termo de café, los versos empezaron a salirle "a borbotones", y escribió de un tirón el bellísimo diálogo final, en romance. Luego, se lo leyó al compositor, que lo abrazó emocionado.

La obra, tras su revisión, obtuvo un triunfo resonante, confirmado al año siguiente en Madrid, con Marcos Redondo y Conchita Panadés en los papeles protagónicos.

Emilio González del Castillo falleció prematuramente en Madrid, en 1940, dejando una abundante producción inédita y un gran número de bosquejos de comedias y revistas.

En la actualidad, sus obras siguen reponiéndose con frecuencia y, aunque su nombre sea escasamente recordado por el gran público, algunas de sus piezas ("El Pichi", "Los Nardos", "El Pasacalles de los Chisperos", "el Canto a Segovia"...)han adquirido tal celebridad que trascienden, con mucho, el círculo de los aficionados al género lírico, y son conocidas por gran parte de la comunidad hispanohablante.

"Maitechu mía"

https://www.youtube.com/watch?v=JPU2reag1Zg

1945: Nace Jairo Alonso , periodista colombiano

Jairo Alonso Vargas Prieto (Bucaramanga, Santander, 31 de enero de 1945-Bogotá, 31 de mayo de 2019) fue un periodista de la asociación colombiana de locutores, locutor, presentador de televisión colombiano. Fue unos de los primeros presentadores del Concurso Nacional de Belleza entre 1980 y 1992.²​

Biografía[editar]

Se interesó por hacer periodismo en la radiodifusión y en 1969 entró al programa Buenos días viejo sol en la cadena Radio Tequendama, con contenido caracterizado por presentar segmentos a la juventud y niñez. Se incorporó a RCN Radio, donde fue la voz comercial y dirigió noticias. Incursió en la televisión como voz de Teletigre y más tarde en RCN Televisión, cuando este era programadora. Asimismo dirigió el programa Noches de conciertos. Entre 1980 y 1992 animó el Concurso Nacional de Belleza con Gloria Valencia de Castaño, Fernando González Pacheco y Pilar Castaño.³​

Fue la voz oficial de Jorge Barón Televisión desde 1996 hasta el 30 de abril de 2017 fecha en la que desaparece como programadora y que también, fue la voz oficial del noticiero Telepaís, dirigido por Jorge Barón presentando la sección de noticias.

Tras unos años de retiro en los medios, reapareció en 2004 hasta 2017.

En 2017 fue hospitalizado tras contraer una bacteria después de una intervención quirúrgica.⁴​ El 31 de mayo de 2019 falleció a consecuencia del cáncer en la médula espinal en una clínica de Bogotá.⁵​

1947:

Nace Jonathan Banks, actor estadounidense.

Jonathan Ray Banks (Washington D. C., 31 de enero de 1947) es un actor estadounidense. Es más conocido por su papel como Mike Ehrmantraut en Breaking Bad, su spin-off Better Call Saul y en la película El Camino: A Breaking Bad Movie, además de haber participado como invitado en diversas series de televisión.

Índice

• 1Biografía
• 2Filmografía
  • 2.1Cine
  • 2.2Televisión
  • 2.3Videojuegos
• 3Premios y nominaciones
  • 3.1Premios Primetime Emmy
  • 3.2Premios del Sindicato de Actores
• 4Referencias
• 5Enlaces externos

Biografía[editar]

Banks nació y se crio en Washington D. C. y asistió a la Universidad de Indiana Bloomington, pero finalmente abandonó sus estudios, aunque en abril de 2016 le fue otorgado el título de doctor honoris causa. Es hijo de Elena Adams, que estudió en dicha institución y fue profesora en la Indiana State University de Terre Haute.¹​²​ Está casado con Gennera González Cebian, una mujer oriunda de Priego, España, y a la que conoció en 1989 mientras rodaba For Better or For Worse, en Madrid, y con la que tiene dos hijas, Ruth y Rebecca, y un hijo.²​³​

1950:

Muere AlfonsoEsparza Oteo, compositor mexicano.

Alfonso Esparza Oteo nació el 2 de agosto de 1894 en la ciudad de Aguascalientes, Aguascalientes. Fue el segundo de los 10 hijos de los señores Luis R. Esparza y Concepción Oteo. Su talento musical fue heredado de su padre, músico distinguido y reconocido por su versatilidad —sabía tocar varios instrumentos— quien en la época en que nace Alfonso se desempeñaba como director de bandas y de una escuela de música.

Desde temprana edad Alfonso muestra su inclinación por actividades relacionadas con el arte como organizar funciones de títeres y cantar. A los siete años aseguraba que había heredado de su papá la afición por la música y tocaba el piano ante audiencias pequeñas que lo aplaudían y motivaban.

Del señor Luis Esparza recibe las primeras lecciones de solfeo y piano. Más adelante asiste a la academia del presbítero Fermín Ramírez, en donde tiene la oportunidad de instruirse con maestros como Juan María Cisneros, Arnulfo Miramontes y Manuel M. Ponce, de quienes recibe clases de piano, órgano y canto, y composición, respectivamente. Es el maestro Ponce a quien Alfonso reconoce como principal apoyo en su formación musical.

En 1912 trabajó como pianista en el Teatro Actualidades, en donde improvisaba temas para las películas que ahí se exhibían y, al mismo tiempo, se desempeñaba como organista.

En 1914 llegan a Aguascalientes los efectos de la Revolución Mexicana y Alfonso, partidario de dichos ideales, se enlista en las filas del general Francisco Villa; tras dos años de campaña es distinguido con el grado de Mayor.

Una vez calmados los ánimos, en 1917 Alfonso Esparza Oteo regresa a la vida artística con su primera obra musical, el foxtrot Plenitud, escrita en la Escuela de Artes y Oficios de Aguascalientes. Dos años después viaja a la Ciudad de México en busca del triunfo que le permitiera, además de alcanzar sus metas, apoyar a sus padres; su único equipaje eran sus composiciones, una mente plena de inspiración y un ánimo avasallador.

Ya en la capital del país se instala en una casa de huéspedes y decide buscar oportunidades, consiguiendo así un empleo en Casa Wagner, una de las más reconocidas de la época en la que, poco tiempo después, es distinguido por su capacidad, sentido de responsabilidad y don de gente.

Como en aquellos días no había radio ni sinfonolas, sus amigos y él se valían de medios ingeniosos para difundir su trabajo; publica por cuenta propia las partituras de sus composiciones. Entregaba personalmente sus obras a los distribuidores del interior de la República, concediéndoles el 33 por ciento de comisión y obteniendo buenos resultados económicos.

Como inicio de este proyecto, en 1919 imprime y lanza a la venta Plenitud, más adelante Flores de tentación,Stambul, La indita bonita y Vals galante, entre otras. En 1920 estrena en el Teatro Lírico su obra de mayor proyección internacional: Un viejo amor, en coautoría con el Güero Adolfo Fernández.

A finales de ese año viaja a su tierra natal, Aguascalientes, por el triste fallecimiento de su padre. Poco después regresa a la Ciudad de México, ahora con la responsabilidad económica de su madre y hermanos.

En la época del gobierno del general Álvaro Obregón (1920-1924), Alfonso Esparza Oteo se convierte en el compositor de moda en nuestro país, gracias a ello conoce al entonces Presidente de la República quien lo nombra Director de la Orquesta Típica Presidencial, disuelta posteriormente por Plutarco Elías Calles.

Por tal motivo, Alfonso forma una nueva agrupación que lleva su nombre y con la que emprende una serie de giras artísticas por toda la República, presentándose como compositor y pianista. En una de sus actuaciones en Acámbaro, Guanajuato (1925), conoce a Blanca Torres Portillo, con quien contrae nupcias un año después.

El 17 de julio de 1928, en atención a la invitación de Álvaro Obregón, asiste al restaurante La Bombilla con la antigua Orquesta Típica para amenizar una comida en honor al presidente electo. Mientras interpretaban Limoncito se acerca a la mesa del general el caricaturista José de León Toral; inmediatamente después se escuchan varios disparos y Obregón cae sin vida sobre la mesa.

De los cargos que desempeñó el maestro Esparza Oteo destacan los de director artístico de la Casa Wagner y de la radiodifusora XEB —en su época de oro—, director de la Southern Music Co., jefe del Departamento de Recopilación de Música Folklórica de la Secretaría de Educación Pública y director de Notables Programas de la XEW.

Asimismo, formó parte del cuarteto Los Ases de la Canción junto con los maestros Ignacio Fernández EsperónTata Nacho, Mario Talavera y Miguel Lerdo de Tejada, quien desafortunadamente fallece y por lo que el grupo toma el nuevo nombre de Trío Veneno.

Alfonso Esparza Oteo estaba consciente de la problemática y las necesidades de los compositores mexicanos de esa época y anhelaba mejorar su situación económica; se rehusaba a vender los derechos de sus obras, iniciando así un cambio importante. Así, después de convocar a diversos autores y vencer incontables obstáculos, fundan el Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM), ubicado en República de El Salvador número 31, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

Como primer secretario general del SMACEM Esparza Oteo trabajó con dedicación por la causa y sin escatimar esfuerzos, dejando a un lado su empleo, contratos personales y hasta sus composiciones. Poco tiempo después fue fundada la Sociedad de Autores y Compositores de México, institución de la que fue primer presidente del Consejo Directivo.

El maestro Alfonso retoma su actividad como compositor, sus presentaciones, sus conciertos, los programas en la XEW y produce Así es mi tierra, proyecto al que imprime su personalidad y por el que recibe la Medalla al Mérito como reconocimiento a su labor en favor de la música mexicana.

Entre sus canciones más populares están Un viejo amor (en coautoría con Adolfo Fernández), La Rondalla, Dime que sí (con letra de Alfonso Espriú), Te he de querer, Albur de amor, Déjame llorar, No vuelvo a amar, El quelite, Mi gusto es y Por esa calle vive (Su mamá tuvo la culpa), entre muchas otras.

Alfonso Esparza Oteo falleció el martes 31 de enero de 1950 cuando ponía en marcha su automóvil para dirigirse a un homenaje que le rendiría la Casa Madero. Su nombre ha sido inmortalizado en numerosas calles de las principales ciudades de la República Mexicana, en bustos y estatuas de bronce, en un parque de la Colonia Nápoles del Distrito Federal y, principalmente, a través de su obra, patrimonio de la cultura popular mexicana.

En 2009 la Sociedad de Autores y Compositores de México lo galardona con el Reconocimiento Póstumo Juventino Rosas, una presea post mortem instituida para honrar a los autores mexicanos cuya obra ha trascendido las fronteras lingüísticas y culturales para gloria de México en el mundo, permaneciendo vigente hasta nuestros días.

Por su parte, el Ferial Aguascalientes 2011, máximo evento cultural de la tradicional Feria de San Marcos, estuvo dedicado al maestro Esparza Oteo con más de 25 presentaciones, incluida una en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México.

https://www.youtube.com/watch?v=6ZR3raOrpXQ

https://www.youtube.com/watch?v=K81vpzbYXts

https://www.youtube.com/watch?v=k9l98fXZNr4

1951:

Nace Harry Wayne Casey, solista, pianista, cantautor y productor estadounidense.

Harry Wayne "K.C." Casey (Opa Locka, Miami; 31 de enero de 1951) es un solista, pianista, cantautor y productor estadounidense, conocido en todo el mundo por ser el vocalista, tecladista y fundador de la banda KC & The Sunshine Band -KC por su apellido Casey- Es de ascendencia irlandesa por parte de padre e italiana por parte de madre.

Biografía[editar]

Harry Wayne Casey y su banda triunfaron en todo el mundo en la década de los años 70 gracias a sus pegadizos y bailables temas.

Ha producido muchos éxitos para otros artistas.

A principios de los años ochenta, como resultado de la creciente popularidad de New Wave y el Synthpop, Casey disolvió KC and The Sunshine Band y grabó varios discos como solista.

En enero de 1982, sobrevivió a un grave accidente de coche - el coche que conducía fue impactado de frente - Sufrió parálisis y tuvo que volver a aprender a caminar, bailar y tocar el piano. Al final del año estaba de vuelta en el estudio de grabación. "Give It Up", fue lanzado como un éxito en solitario y lo disparó al número uno en el Reino Unido y fue ascendió hasta el Top 20 en los Estados Unidos (1984).

En 1985 decide retirarse del negocio de la música.

A mediados de la década de 1990, debido al renovado interés por la música y la moda de la década de 1970, Casey refunda the Sunshine Band. Hace unas 200 conciertos al año en todo Estados Unidos, Canadá y el Caribe. También hace giras por Inglaterra, Italia, Australia y América del Sur.

Hoy Casey continúa produciendo a otros artistas y se dedica a obras benéficas en su adorada ciudad natal, Miami.

https://www.youtube.com/watch?v=UBsIGF-KZZw

1953: 

Nace Silvestre, actor y cantante argentino.

https://www.youtube.com/watch?v=DvsODDBELmk

José Luis Rodríguez (Buenos Aires, 31 de enero de 1953) ―conocido artísticamente como Silvestre― es un cantante y actor de cine y televisión argentino.¹​

1954: 

Muere Edwin Armstrong, ingeniero e inventor estadounidense (n. 1890).

Edwin Howard Armstrong Nueva York 18 de diciembre de 1890 - Nueva York 31 de enero de 1954, mayor, ingeniero e inventor estadounidense.¹​ Graduado en 1913 en la Universidad de Columbia.

Edwin Armstrong fue uno de los inventores más prolíficos de la era de la radio, con una visión que se anticipó a su tiempo.

Biografía[editar]

Armstrong inventó la radio en Frecuencia modulada (FM). También inventó el circuito regenerativo (mientras que era un joven estudiante en la Universidad de Columbia, y patentado en 1914), el circuito Súper-regenerativo (patentado en 1922), y el receptor superheterodino (patentado en 1918).¹​

Muchas de las invenciones de Armstrong fueron reclamadas por otros en última instancia en pleitos de patente. La vida de Armstrong es tanto una historia sobre los grandes inventos que él realizó como una tragedia acerca de los derechos reclamados por otros sobre esos mismos inventos.²​

En particular, el circuito regenerador, que Armstrong patentó en 1914 fue posteriormente patentado por Lee De Foresten 1916. De Forest vendió entonces los derechos de su patente a AT&T. Entre 1922 y 1934, Armstrong se encontró envuelto en una guerra por las patentes, entre él, RCA, y Westinghouse por un lado, y De Forest y AT&T en el otro. Este pleito de patentes fue el litigio más largo hasta la fecha, 12 años. Armstrong ganó el primer "round" del pleito, perdió el segundo, y quedó "en tablas" en un tercero.
El Tribunal Supremo de los Estados Unidos, concedió a De Forest la patente de la regeneración en lo que hoy se cree que fue un malentendido de los hechos técnicos por el Tribunal Supremo.

Incluso mientras que el pleito del circuito de regeneración continuaba, Armstrong creó otra invención significativa: la modulación de la frecuencia (FM), que fue patentada en 1933. En vez de variar la amplitud de una onda de radio para crear un sonido, el método de Armstrong variaba la frecuencia de la onda portadora.¹​

Los receptores de radio de FM demostraron generar un sonido mucho más claro y libre de parásitos atmosféricos que los de amplitud modulada (AM), dominante de la radio en ese momento.

Para probar la utilidad de la tecnología de FM, Armstrong movió influencias con éxito ante la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC) para crear una banda de radio en FM, entre 42 y 49 MHz.

A principios de los años 40, poco antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial, Armstrong entonces ayudó a poner en marcha un número pequeño de potentes estaciones de radio en FM en los estados de Nueva Inglaterra, conocido como la red Yankee. Armstrong había comenzado un camino para convencer a los Estados Unidos de que la radio en FM era superior a la de AM y esperaba recoger derechos de patente por cada radio con tecnología FM vendida.

Alrededor de junio de 1945, la Corporación de Radio de América, (RCA) había presionado fuerte a la FCC sobre la asignación de las frecuencias para la nueva industria de la televisión. Aunque ellos negaron malas artes, David Sarnoffy RCA maniobraron para conseguir que la FCC moviera el espectro de radio FM desde la banda de 42 a 49 MHz, a la de 88 a 108 MHz, mientras que conseguían que los nuevos canales de televisión fueran asignados en el rango de los 40 MHz.

Consecuentemente, esto dejó a todos los sistemas FM de la era de Armstrong sin uso, mientras que protegía el amplio mercado de radio en AM de RCA. La red de radio de Armstrong no sobrevivió al cambio de frecuencia a la banda las altas frecuencias; la mayoría de los expertos creen que la tecnología de FM fue retrasada décadas por la decisión de la FCC.

Además, RCA reclamó y consiguió su propia patente en tecnología FM, y ganó, en última instancia, el pleito por la patente que subsistía entre ellos y Edwin Armstrong, dejando a Armstrong sin capacidad para demandar derechos por las radios de FM vendidas en los Estados Unidos. El constante debilitamiento de la Yankee Network (Red Yankee) y la lucha por las patentes que lo dejaron sin un centavo destruyeron a Armstrong emocionalmente.

En este estado, Armstrong se suicidó el 31 de enero de 1954 saltando por la ventana de su apartamento, en el piso 13, deprimido por lo que él vio como el fracaso de su invención de la radio en FM. En su nota de suicidio decía a su esposa: "Que Dios te ayude y tenga piedad de mi alma".²​

Su segunda esposa y viuda Marion continuó la lucha por la patente contra RCA, y finalmente la obtuvo en 1967. Después de la muerte de Armstrong transcurrieron décadas para que la radio FM se igualara y sobrepasara la saturación de la AM, y todavía le falta para hacerse lo suficientemente económica para sus radiodifusores. Edwin Armstrong fue definitivamente el creador de la tecnología FM y por esa razón no debe ser olvidado. Por ello fue póstumamente elegido para figurar en la lista de los "grandes" de la electricidad junto a figuras tales como Alexander Graham Bell, Nikola Tesla, Marconi y Michael Pupin, por la Unión Internacional de Telecomunicaciones(UIT) en Ginebra.

1956: 

Muere Alan Alexander Milne, escritor británico (n. 1882).

Alan Alexander Milne (Londres, 18 de enero de 1882 – Sussex, 31 de enero de 1956) fue un escritor británico, conocido por ser el creador de Winnie the Pooh.

Escritor de cuentos infantiles, Milne escribió varias obras de teatro de fantasía que fueron famosas durante los años veinte y parte de los treinta, cuando la gente empezó a conocerle como escritor infantil. Aunque no se inició como tal, ya que escribió varias novelas de su época y una policíaca en 1922.

Intentó abarcar el teatro con una obra basada en el libro de "El viento en los sauces" de Kenneth Grahame, pero se decantó por el estilo que le marcaría como un gran maestro: poesías y relatos.

Fue por querer escribir cuentos para su hijo Christopher (1920-1996), cuando en 1926 nació un oso llamado Winnie the Pooh. Era un osito de trapo que tenía su hijo y, utilizando ese oso de peluche como protagonista, le contaba a su hijo Christopher cuentos sobre el maravilloso mundo de fantasía de Pooh y sus amigos. Después de cautivar la atención de todo el mundo, Winnie de Pooh y sus amigos Kanga y Roo, Eeyore el burro, el travieso Tigger, Rabbit y Owl y el compañero inseparable cerdito Piglet fueron llevados al cine de la mano de Walt Disney.

Obras[editar]

·         1919, El señor Pim pasa.

·         1920, La carretera de Dover.

·         1922, El misterio de la casa roja.

·         1924, Cuando éramos muy jóvenes.

·         1926, Winnie de Pooh.

·         1927, Ahora somos seis.

·         1928, El rincón de Pooh.

·         1929, El sapo de Toad Hall.

1959: 

Nace Anthony LaPaglia, actor australiano.

Anthony LaPaglia (31 de enero de 1959) es un actor australiano. LaPaglia es más conocido por interpretar al agente del FBI Jack Malone en la serie de televisión estadounidense Without a Trace. También ha aparecido en ocho episodios de Frasier, incluyendo el último de la serie, como Simon, el hermano de Daphne Moon. Este papel le hizo ganar un premio Emmy.

Primeros años[editar]

LaPaglia nació en Adelaida, Australia, hijo de Maria Johannes Brendel, una secretaria, y Gedio "Eddie" LaPaglia, un mecánico y vendedor de automóviles.¹​²​ Su madre era neerlandesa y su padre italiano, inmigró desde Bovalino, Calabria, a los 18 años de edad.²​ Su hermano menor, Jonathan LaPaglia, también es actor, y su hermano mayor, Michael, es vendedor mayorista de autos en Los Angeles. LaPaglia asistió al Rostrevor College en Adelaida.

LaPaglia comenzó a formarse como actor durante los últimos años de su adolescencia, cuando se unió a un curso de actuación de una agencia de casting (SA Castings) en Adelaida. Después de completar un año y medio (el curso duraba dos años y medio con tres meses suplementarios), LaPaglia dejó Adelaida para viajar a Los Ángeles.

Carrera[editar]

Su primer trabajo fue un papel en 1985 en un episodio de la serie de televisión Cuentos asombrosos de Steven Spielberg. Su primer trabajo en el cine fue Cold Steel, en 1987, seguido ese mismo año por su interpretación de Frank Nitti en el telefilm Nitti: The Enforcer. Interpretó a un gangster en Betsy's Wedding (1990) y continuó con papeles en Innocent Blood (1992), So I Married an Axe Murderer (1993), The Client (1994), Empire Records (1995) y Trees Lounge. En 1996 hizo el papel de Jimmy Wyler, el personaje principal de la serie Murder One, durante su segunda y última temporada.

Durante los años 1997 y '98, LaPaglia participó de la producción de Broadway de Panorama desde el puente de Arthur Miller, y recibió el premio Tony por su papel de Eddie Carbone, el protagonista. Antes de que se estrenada la obra, LaPaglia recibió el guion para el piloto de la serie Los Soprano y se reunió con su creador, David Chase, para hablar sobre el papel protagónico, Tony Soprano. Sin embargo, varios factores, incluido su rol en Broadway, impidieron que LaPaglia consiguiese el papel. "Lo de Los Soprano no funcionó... y sí funcionó perfectamente, porque la persona indicada terminó en el papel. No puedes imaginar esa serie sin James Gandolfini", declaró LaPaglia. Más tarde, en 2002, La Paglia haría un cameo como un actor al estilo Los Soprano en una serie dentro de la película Analyze That.

1967: 

Nace Chad Channing, baterista estadounidense, de la banda Nirvana.

Chad Channing (Santa Rosa, 31 de enero de 1967) es un músico estadounidense, especialmente conocido por haber sido baterista del grupo Nirvana hasta 1990 (fue sustituido por Dan Peters y luego por Dave Grohl).

Hoy, lidera el grupo Before Cars.

Biografía[editar]

En su infancia sus padres cambiaban constantemente de hogar, pues su padre era un DJ de radio, frecuentemente redirigido a diferentes ciudades, finalmente se instalaron en Bainbridge Island, Washington. Tras un intento por dedicarse al fútbol, Chad se decidió finalmente por la música, empezando a tocar la guitarra y la batería. Comenzó trabajando de chef en un restaurante de mariscos (en inglés "seafood", de ahí el nombre de la canción de Incesticide "Mexican Seafood"). Channing acudió a un concierto en Malfunkshun una tarde de 1988, donde conoció a Kurt Cobain y a Krist Novoselic. Por aquel entonces Chad tocaba en un grupo llamado Tic-Dolly-Row, (formado por componentes del futuro grupo de grunge Soundgarden) pero pronto accedió a unirse a Cobain y a Novoselic en Nirvana. Con Nirvana colaboró en el álbum Bleach y en "Polly" de Nevermind a la batería.

Además Channing participó en algunas rarezas que se incluyen en compilaciones como Incesticide ("Dive", "Stain", "Big Long Now") y With the Lights Out.

https://www.youtube.com/watch?v=hTWKbfoikeg

1974:

Muere  Samuel Goldwyn, productor estadounidense de cine (n. 1882).

Samuel Goldwyn, nacido como Schmuel Gelbfisz (Varsovia, 17 de agosto de 1879¹​ – Los Ángeles, 31 de enero de 1974) fue un productor de cine estadounidense de origen polaco, ganador del Óscar de la Academia y del Globo de Oro, fundador de varias productoras. Cofundador de la Metro-Goldwyn-Mayer.

Dotado de gran talento e inventiva, en su casi medio siglo de actividad produjo numerosas películas de calidad, especialmente en el género del melodrama y de la comedia musical, siendo a su vez descubridor de grandes talentos, tanto en el mundo de la dirección, como Cecil B. DeMille y William Wyler, como en el de la interpretación, con actores como Gary Cooper, David Niven, Danny Kaye, Lili Damita y Eddie Cantor.

1981:

Nace Justin Timberlake, cantante, compositor, productor discográfico, actor, bailarín y empresario estadounidense.

Justin Randall Timberlake (Memphis; 31 de enero de 1981) es un cantante, compositor, productor discográfico, actor, bailarín y empresario estadounidense. Cri

ado en la comunidad de Shelby Forest, ubicada entre Memphis y Millington, comenzó su carrera como cantante en los programas de televisión Star Search y Mickey Mouse Club. A finales de los años 1990 adquirió fama internacional al pertenecer a la boy band 'N Sync, cuyos dos primeros álbumes fueron certificados con disco de diamante tras vender más de 10 millones de copias solo en los Estados Unidos, además de haber alcanzado la cima de numerosos listados alrededor del mundo.¹​²​

Tras anunciar que 'N Sync se separaría temporalmente, Timberlake comenzó una carrera como solista con la publicación de Justified (2002), que incluyó los temas «Cry Me a River» y «Rock Your Body», que alcanzaron un puesto entre los cinco primeros del Billboard Hot 100.¹​ El álbum obtuvo reseñas positivas por parte de los críticos y fue certificado multiplatino en Norteamérica y varios países de Europa.³​ Años después, lanzó su segundo álbum FutureSex/LoveSounds (2006), que fue elogiado por la crítica y estuvo caracterizado por su diversidad de géneros musicales. Llegó al número uno del Billboard 200 y en las listas de otros países, además de contener los éxitos «SexyBack», «My Love» y «What Goes Around... Comes Around», que alcanzaron el primer lugar del Billboard Hot 100.⁴​¹​ Tras ello, anunció un hiato musical para dedicarse a la actuación, donde participó en películas taquilleras como Shrek tercero (2007), The social network (2010), Bad Teacher (2011), Friends with Benefits (2011) e In Time (2011).⁵​

En 2013, regresó a la música con el lanzamiento de The 20/20 Experience y su secuela The 20/20 Experience (2 of 2), ambos número uno en el Billboard 200 y certificados de platino.³​ El primero se convirtió en el álbum más vendido de 2013 en Estados Unidos e incluyó los éxitos «Suit & Tie» y «Mirrors», mientras que del segundo se desprendió «Not a Bad Thing». Los tres sencillos entraron a los diez primeros puestos en el Billboard Hot 100 y en otros listados del mundo.⁴​¹​ Para promocionarlos, se embarcó en su The 20/20 Experience World Tour, que fue la segunda gira más exitosa de 2014 tras recaudar 231.6 millones de dólares.⁶​ En 2016 lanzó «Can't Stop the Feeling!» como sencillo de la banda sonora de Trolls, en la que le dio voz al personaje principal; la canción llegó al primer puesto de numerosos conteos musicales alrededor del mundo, entre estos el Billboard Hot 100.¹​⁷​ Su quinto álbum, Man of the Woods (2018), también llegó al número uno en el Billboard 200 e incluyó los sencillos «Filthy» y «Say Something», que alcanzaron los diez primeros puestos en el Billboard Hot 100. Fue promocionado con una actuación en el Super Bowl LII y la gira Man of the Woods Tour, que recaudó 226.3 millones de dólares.⁸​

A lo largo de su carrera, Timberlake ha sido reconocido con diez Premios Grammy, siete Premios American Music, tres Premios Brit, cuatro Premios Emmy, once MTV Video Music Awards y diez Billboard Music Awards, así como una nominación a los Premios Óscar y dos a los Globos de Oro.⁹​¹⁰​¹¹​¹²​¹³​¹⁴​¹⁵​ Asimismo, ha sido nombrado uno de los cantantes más influyentes de la historia por numerosos medios, como las revistas Billboard y Time, y es considerado también como el Príncipe del Pop y Presidente del Pop.¹⁶​¹⁷​¹⁸​ Por otra parte, posee su propio sello discográfico, Tennman Records, además de ser copropietario de la marca de ropa William Rast y el restaurante Southern Hospitality.¹

https://www.youtube.com/watch?v=DksSPZTZES0

1981:

"The tide is high", # 1 en el Billboard Hot 100 de USA

https://www.youtube.com/watch?v=ppYgrdJ0pWk

«The Tide Is High» es el primer sencillo, publicado en octubre de 1980, de la banda estadounidense de new wave Blondie. Fue el primer sencillo del quinto álbum de estudio del grupo, Autoamerican.

Es una versión del tema de mediados de los años 60, del mismo título y de estilo rocksteady, compuesto por John Holt, miembro de la banda jamaicana The Paragons. Esta versión es de estilo reggae/new wave.

1982:

Nace Helena Paparizou, cantante greco-sueca.

Helena Paparizou, en griego, Έλενα Παπαρίζου,¹​ (Borås, Suecia, 31 de enero de 1982) es una cantante greco-sueca. Fue miembro del dúo de música dance-folk Antique antes de comenzar su carrera como solista en 2004. Como tal, ganó Festival de la Canción de Eurovisión 2005 representando a Grecia con el tema My Number One. Con Antique había obtenido el tercer puesto en 2001.

Desde su victoria en el festival se ha convertido en la cantante más exitosa de Grecia, entrando también en las lista de éxitos de numerosos países europeos, especialmente en Chipre y Suecia gracias a temas como Opa Opa (con Antique), Mambo, Heores o Survivor, con la que compitió en el Melodifestivalen en 2014.

https://www.youtube.com/watch?v=rcOwvZ26KFQ

1987:

Nace Tyler Hubbard, cantautor y músico estadounidense.

Tyler Reed Hubbard (nacido el 31 de enero de 1987) es un cantautor y músico estadounidense, mejor conocido como ex miembro del dúo Florida Georgia Line con sede en Nashville . ^[1] Después de que ese dúo hizo una pausa en 2021, Hubbard comenzó a grabar como solista en EMI Nashville . Su primera entrada en las listas como solista fue como vocalista invitado en " Undivided " de Tim McGraw , seguido de su primer sencillo en solitario " 5 Foot 9 ", que encabezó las listas Billboard Country Airplay en 2022.

https://www.youtube.com/watch?v=RK9rT1ck90E

1988

Primera emisión de la serie  " The Wonder Years", Los Años maravillosos.

https://www.youtube.com/watch?v=b0bK-vUlw6M

The Wonder Years (Los años maravillosos en Hispanoamérica, Aquellos maravillosos años en España) es una serie de televisión estadounidense creada por Carol Black¹​ y Neal Marlens.

Estuvo seis temporadas en antena, en la cadena estadounidense de televisión ABC, de 1988 a 1993. TV Guide nombró al programa como uno de los 20 mejores de la década de 1980. Después de sólo seis episodios emitidos, ganó un Emmy por mejor serie de comedia en 1988. Además, a los 13 años, Fred Savage se convirtió en el actor más joven jamás nominado como Mejor Actor Principal en una Serie de Comedia. La serie también fue galardonada con un premio Peabody en 1989. En total, la serie ganó 22 premios y fue nominada para 54 más.

The Wonder Years presentaba algunos de los problemas sociales y acontecimientos históricos de 1968 a 1973, vistos a través del personaje principal, Kevin "Kev" Arnold, quien también afrontaba conflictos sociales de adolescentes (principalmente con su mejor amigo Paul, y Winnie Cooper, de quien estaba enamorado) problemas familiares y otros temas.

Mientras las historias se desarrollaban, la serie era narrada por un Kevin adulto (cuya voz es la de Daniel Stern en la versión original, la de Mario Castañeda en el doblaje al español americano y la de Armando Carreras en español europeo) que describía lo que iba pasando y lo que había aprendido de sus experiencias. En Hispanoamérica se televisó a principios de los noventa.²​³​⁴​

El tema musical de la serie fue la versión de Joe Cocker de la canción de los Beatles "With a Little Help from My Friends". La canción fue incluida, junto con otras en la banda sonora del programa.

1999

Muere Gabriel  Ruiz Galindo, compositor mexicano.

Nació el 18 de Marzo de 1908, en Guadalajara, Jalisco. Hijo de Rosalío Ruiz y Aurelia Galindo de Ruiz. Radicó en Guadalajara hasta 1930 y posteriormente en la ciudad de México.

Realizó estudios musicales en Guadalajara y más adelante estudió dos años en la Facultad de Medicina. En 1930, ganó una beca para estudiar en el Conservatorio Nacional de Música. Cuatro años después se presentó en el teatro Abreu, con la Sinfónica Nacional, bajo la dirección del Mtro. Carlos Chávez.

Sus primeras obras fueron las canciones Inútil y Reto, ambas en coautoría con Ricardo López Méndez.

Los temas que le brindaron las mayores satisfacciones son Amor, Desesperadamente y Mar, que también realizó en coautoría con Ricardo López Méndez; Usted y Perdóname mi vida, con José Antonio Zorrilla Monís; Despierta, en mancuerna con Gabriel Luna de la Fuente; Soberbia, en coautoría con Rodolfo Sandoval; Mazatlán, La Parranda, y La Cita, principalmente porque son las que lograron mayor internacionalización y gusto del público hasta la fecha.

También realizó obras en coautoría con Mario Molina Montes, Rodolfo Chamaco Sandoval, Teddy Fregoso y Elías Nandino, entre otros.

De los reconocimientos que le hicieron por su obra y su brillante trayectoria destacan la Medalla José Clemente Orozco, otorgada por el Congreso del Estado de Jalisco, cuando Agustín Yáñez era Gobernador, en 1956.

En 1978, una calle del Puerto de Mazatlán recibió su nombre. El H. Ayuntamiento del Puerto le entregó las llaves de la cuidad y lo nombraron Hijo Predilecto de Mazatlán, por sus melodías Mazatlán y Noches de Mazatlán (ésta última en coautoría con Gabriel Luna de la Fuente).

En 1962 fue nombrado Delegado Internacional para la Conferencia de Roma, Italia, de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC), en representación de la Sociedad de Autores y Compositores de Música (SACM).

En 1967 recibió tres diplomas y medallas de oro, de la Broadcast Music Inc. (BMI), de Nueva York, otra en el teatro de las Bellas Artes, por haber llegado al millón de ejecuciones de las canciones Amor, Mar y La Parranda.

En 1980 fue merecedor del premio Jalisco, que se convirtió en una de sus mayores satisfacciones, ya que le fue otorgado precisamente por el gran número de reconocimientos que recibió a través de su muy brillante trayectoria y su aportación al patrimonio artístico de México.

En un gran homenaje en el Teatro Degollado, recibió una presea que le entregó personalmente el Gobernador Flavio Romero de Velasco.

En esa misma oportunidad fue nombrado El melodista de América. Fue para él un homenaje inolvidable en el que un elenco multiestelar interpretó sus canciones.

Y otro de los galardones más relevantes a los que el Mtro. Gabriel Ruiz se hizo acreedor, fue el Premio Nacional de Ciencias y Artes 1989, en el campo de Artes y Tradiciones Populares, que es el reconocimiento más importante que otorga el gobierno mexicano para enaltecer a aquellas personas cuyas destacadas aportaciones contribuyen al desarrollo nacional. En esa ocasión, el Mtro. Ruiz lo recibió de manos del Presidente de la República, Carlos Salinas de Gortari, junto al Mtro. Manuel Esperón y la Mtra. Consuelito Velázquez, quienes asimismo fueron honrados con este importante premio.

A manera de anécdota, narraba que en su juventud, en pleno ascenso de su popularidad, en una Feria del Libro, vio al Maestro Carlos Chávez; Gabriel trató de que no lo viera, pero el director se acercó preguntándole por qué se escondía. Gabriel Ruiz contestó que le apenaba haber dejado la música seria por la romántica popular, a lo que el Maestro Chávez le respondió que había escuchado algunas de sus canciones y las consideraba muy bonitas y musicales, asegurándole que iba por buen camino.

Pensaba que las canciones deben ser aceptadas por el público, lo que no es fácil, pero una vez que se logra, la música popular se convierte en un extraordinario reflejo de creatividad, sensibilidad y arte, donde es igual de válido el éxito y muy meritorio el triunfo.

El Mtro. Gabriel Ruiz formó parte del grupo de compositores que fundaron la Sociedad de Autores y Compositores de México que luchaba por la unión del gremio y la defensa de los derechos autorales.

Gabriel Ruiz Galindo falleció el 31 de enero de 1999.

https://www.youtube.com/watch?v=yaDa2RP_vCg

https://www.youtube.com/watch?v=FNHOfXHd97A

1999

Primera emisión de la serie de tv Family Guy, "Padre de familia".

Family Guy (conocida en español como Padre de familia) es una serie de televisión animada estadounidense para adolescentes y adultos creada por el director, guionista y cantante Seth MacFarlane en 1999. La serie se centra en los Griffin, una familia disfuncional cuyos componentes son: los padres Peter y Lois; sus hijos Meg, Chris, y Stewie; y su perro antropomorfo Brian. La serie está situada en la ciudad ficticia de Quahog, Rhode Island. La clasificación varía en TV PG y TV 14.

La serie fue creada por MacFarlane tras haber hecho dos cortometrajes The Life of Larry y Larry & Steve. MacFarlane rediseñó los protagonistas de los cortos hechos por él; Larry y su perro Steve, llamándolos Peter y Brian, respectivamente. MacFarlane entregó un piloto de 15 minutos a la FOX que lo emitió el 20 de diciembre de 1998. Después de la emisión del piloto la serie recibió luz verde y comenzó su producción. Poco después de terminar la tercera temporada de Padre de familia en 2001, FOX canceló la serie, pero debido a la demanda del público y el incremento de las ventas de los DVD¹​ más las reposiciones en Adult Swim, la serie volvió en 2004 convenciendo a la cadena de que reemitieran la serie.

https://www.youtube.com/watch?v=fX-jDoqxKAA

2004:

Muere José Pepito Maduro, compositor e integrante del "Trío Vegabajeño".

A Pepito Maduro se le recuerda y se le reconoce no sólo por haber sido uno de los pilares de Fernandito Álvarez y su Trío Vegabajeño – calificado como nuestro Trío Nacional – durante su época esplendorosa (1945-1967), sino también como uno de los más finos melodistas románticos puertorriqueños del Siglo 20. También, como un extraordinario vocalista, a quien cierta noche de 1956 – luego de haber sostenido junto a sus compañeros un “mano a mano” con el Trío Los Panchos en el Teatro Matienzo – el virtuoso requintista de este grupo mexicano, Alfredo «El Güero» Gil, le expresara admirado: “¡muchacho, tú sabes segunda voz para enseñarle a nosotros!”.

Por la línea paterna, este gran músico provenía de una familia de misioneros protestantes holandeses. Su abuelo fue predicador en Palestina y su padre, el reverendo Julio Maduro Godet, llegó a Puerto Rico en 1897 también como evangelizador, estableciéndose en el municipio oriental de Humacao. Como era muy buen organista y poseía amplios conocimientos musicales, llegó a dirigir la Banda de este pueblo. Hacia 1903 se casó con la joven junqueña Florentina Rivera Sanabria. Más tarde, don Julio se dedicó al oficio de contable, el cual ejerció para las empresas Rocafort, Bustelo y Roig. La infancia de Pepito transcurrió en la barriada Pueblo Nuevo Otero, de Humacao. Contaba nueve años cuando su progenitor lo matriculó en la academia dirigida por el insigne maestro Juan Peña Reyes. Éste le enseñó lo básico en la lectura del pentagrama y lo inició en el estudio formal de la guitarra. Para entonces, ya cantaba, haciéndole segunda voz a su tío materno, Cecilio Rivera, a quien se le promocionaba en su región natal como «El Gran Cantor de Juncos».

Desafortunadamente, en 1921, poco después de que llegara a la adolescencia, nuestro biografiado quedó huérfano de padre. Entonces, su madre y él quedaron en el desamparo económico. Luego de padecer grandes penurias, ambos se trasladaron, a pie, hasta Santurce. Primero se radicaron en la barriada Trastalleres, Y, mientras doña Florentina se dedicó al oficio de planchadora, Pepito – que, a la sazón, contaba 15 años – comenzó a trabajar como obrero de la construcción. Más adelante, fue empleado de un taller de recauchamiento de gomas en Puerta de Tierra, a donde se mudó con su progenitora. Después laboró en la marmolería de los hermanos José y Víctor Cott, especializada en la fabricación de lápidas. Durante aquellas fechas, en la Ferretería Millón del Viejo San Juan, compró una guitarra española marca Telesforo Julbe – por la cual pagó $4.50 – y un ejemplar del Método de Guitarra Ríos con el cual reanudó su aprendizaje del instrumento. Ya cercana la década de 1930 se hizo plomero.

Mientras tanto, en 1927 emprendió su trayectoria artística formando dueto con el catañés Santiago «Chago» Miranda. Ambos imitaban al Trío Borinquen, de Rafael Hernández, cuyo repertorio interpretaban. Luego (1928-1929), al tiempo que ejercía su oficio de plomero a domicilio, formó otro dúo con Federico Aybar. Junto a éste debutó en la radio, específicamente en WKAQ. En 1929 se incorporó al Cuarteto San Luis, del guitarrista José «Diplomacia» Díaz, en calidad de tercera voz y guitarra acompañante. Esta formación era completada por Luis Seccolo (voz prima); Blas Hernández – padre del que llegaría a ser famoso bolerista, del mismo nombre – (segunda voz). Con este grupo, cuya vigencia resultó efímera, actuó en programas radiales y en festejos sociales celebrados en salones del Condado y Miramar. En 1930 integró el Cuarteto Estrellas Boricuas, de Johnny Rodríguez, cuya plantilla original completaron Miguel Ángel Torres – más adelante reemplazado por Chencho Moraza – (segunda voz); Pellín Boria (segunda guitarra) y Fernando Pizarro (bongosero).

En 1932 se unió al Grupo Puerta de Tierra, dirigido por el clarinetista y saxofonista José «Jossie» Henríquez. Ejercía las funciones de primera voz y acompañante, formando dueto con Ramón «Moncho» Vías. Con esta formación grabó por primera vez el 16 de septiembre de 1932. Fueron tres composiciones originales de Vías: los boleros “Ausencia” y “Lejos de ti” y la criolla “En mi canoa”, editadas por la etiqueta Brunswick.

En 1934, junto a Avilés (primera voz) y Libertad Alfaro (guitarrista acompañante) completó el Los Gauchos, cuyo repertorio se nutría de tangos, milongas y valses argentinos. Entonces hacía la segunda voz y ejecutaba la primera guitarra. Además de recorrer todo el país presentándose en teatros, fue atracción fija del programa “La Correspondencia”, que Rafael Quiñones Vidal mantenía en WKAQ. Crónicas de la época dan fe que este grupo llegó a ser elogiado por el propio Carlos Gardel. Incluso, éste quiso tenerlo como telonero del espectáculo que presentaría en el Teatro Paramount el 3 de abril de 1935. Su deseo no se materializó debido a la oposición de Alfredo Lepera, el más cercano colaborador del mítico «Zorzal Criollo». Luego de la desintegración de aquella trilogía en 1937, se empleó como carpintero en la compañía de vapores Bull Lines, que tenía como sede el muelle de Puerta de Tierra. Permanecería ocho años alejado de las lides artísticas.

En 1945, el locutor Mariano Artau fue a buscarlo para convencerlo de que dejara su trabajo permanente en aquella empresa y se uniera a Fernandito Álvarez y su Trío Vegabajeño como sustituto de Octavio «El Colorao» González (segunda voz y acompañante), quien había sido reclutado por el Ejército. A partir de 1952, con la incorporación a este trío del requintista Jorge Hernández, pasó de ser la segunda guitarra a ejercer la función de acompañante. Por otro lado, es importante recalcar el dato de que, hasta aquellas fechas, fue el principal compositor del grupo, habiendo aportado a su repertorio, entre muchas selecciones más, las tituladas “Lucerito de plata” (RCA Victor, 1946); “Luto en el alma” (Seeco, 1949); “Negra visión” (Verne, 1950) y, editadas bajo la etiqueta Mar-Vela, las siempre recordadas “Fatal desilusión” (1952); “Ave sin rumbo” y “Triste camino”, rancheras (1953); “Cosas de ayer”, vals (1954); “Corazoncito de papel” y “No la celes de mí” (1955). Claro: ninguna generó tanto impacto como “Lindo querubín”, un jitazo de 1957. Después, tal mérito recayó en su compañero Benito De Jesús, segunda guitarra y tercera voz. A lo largo de su pasantía de 22 años por el Trío Vegabajeño de Fernandito Álvarez se presentó en los más exclusivos escenarios de Puerto Rico y plazas hispanas del este norteamericano. También desarrolló una valiosa discografía que confirma a cabalidad sus quilates como autor musical y su calidad como segunda voz.

A raíz de la desintegración del grupo original en 1967, Pepito Maduro – ya con 59 años de edad – intentó proseguir su carrera musical formando parte del Cuarteto Borinquen, encabezado por el legendario Pedro Ortiz Dávila «Davilita» en la primera voz, con Nito Rivera en la primera guitarra y Miguelito Carrillo en la trompeta. Con estos compañeros llegó a grabar cuatro canciones: dos originales de Davilita y dos de sus autoría: “Hoy es tu día” y “Madre mía”. Desafortunadamente, tales registros no se editaron. Tras la pronta desaparición de dicho colectivo, se vio forzado a emplearse en otro menester ajeno a la música. Consiguió empleo como guardia de seguridad en Telemundo / Canal 2, empresa que tantas veces visitó en calidad de artista estelar. Allí laboró hasta 1981 cuando un infarto cardíaco lo obligó al retiro definitivo. Irónicamente, a pesar de que desde entonces padeció constantes quebrantos de salud e, incluso, estrecheces económicas, fallecería casi centenario – faltándole cuatro meses para cumplir 96 años – en el Centro de Envejecientes La Margarita, en Fajardo.

Además de las melodías que estrenó como miembro del Trío Vegabajeño, es preciso destacar otras de sus obras que, en determinadas etapas, recibieron intensa difusión a nivel internacional. : Por ejemplo, el tango “Cita en la iglesia”, cuyo título original fue “Agua bendita”, fue estrenado por el argentino Roberto Quiroga bajo la etiqueta Odeón en 1942. Dos décadas más tarde, esta misma pieza recobró vigencia en voz del boricua Blas Hernández, quien la incluyó en el álbum de igual título (ALP-1267), editado por el sello neoyorquino Ansonia en 1961. En 1953, Felipe Rodríguez «La Voz» le estrenó, frente a su Trío Los Antares y bajo el sello Mar-Vela, el bolero “La canción de mis recuerdos”, que nunca ha perdido vigencia. Durante las mismas fechas, otro compatriota, Tommy Figueroa, se anotó uno de los máximos jitazos de su carrera con el ya conocido bolero “Lindo querubín” – que dedicó a Gladys, la esposa de su compañero Jorge Hernández – mismo que aparece en su álbum “Sonámbulo” (Mar-Vela, MVLP-100).

En ritmo más guapachoso, su “Bomba navideña” fue perpetuada por El Gran Combo en voz de Andy Montañez en el álbum “El Gran Combo en Navidad” (Gema, LPG-3021), lanzado en 1965. Una de sus guarachas, “Meleque”, fue grabada por Willie Rodríguez y Su Trío Voces de San Juan (Bohio, 1967); Danny Rivera (DNA, 1986) y Harry Fraticelli (EMI, 1988). Por su parte, el dúo Quique y Tomás le grabó “Pobre corazón” (Ritmo y Sonido, 1993).

Pepito Maduro falleció el 31 de enero de 2004 en Fajardo, Puerto Rico. Sus restos reposan en el Cementerio Nuevo de Río Grande.

Autor:

Miguel López Ortiz para la Fundación Nacional para la Cultura Popular

https://www.youtube.com/watch?v=zQGb3qYBbUg&list=PLU-14Wza7MdjLaU386VF1ULozJFJDleSg

2005:

El compositor Demetrio Guarin Mercado, famoso por ser el autor del fandango "20 de enero" murió en Sincelejo, su ciudad natal, a los 91 años de edad, víctima de una afección cardiovascular.

El destacado músico deja cinco hijos entre ellos dos herederos de su arte, jorge y el "Pipe" Guarin, quienes trabajan con destacadas agrupaciones del país.

La composición "20 de enero" es el tema que obligatoriamente deben bailar las candidatas al Reinado Nacional del Fandango que se realizan en el marco de las fiestas de enero o del Dulce Nombre de Jesús en Sincelejo.

https://www.youtube.com/watch?v=rwYPkMP-USw

2010: 

Muere Tomás Eloy Martínez, escritor argentino (n. 1934).

Tomás Eloy Martínez (Tucumán, 16 de julio de 1934 - Buenos Aires, 31 de enero de 2010)¹​ fue un escritor y periodista argentino, guionista de cine y ensayista.

Fue el primer director periodístico del noticiero Telenoche. Como editor de revistas, puso por primera vez en su país a un escritor en portada, el caso de Jorge Luis Borges en Primera Plana.²​

Biografía[editar]

Nació en San Miguel de Tucumán, Argentina. Estudio en el Gymnasium de la UNT y se graduó como licenciado en Literatura española y latinoamericana en la Universidad Nacional de Tucumán y, en 1970, obtuvo una Maestría en Literatura en la Universidad de París VII.

En Buenos Aires, ocupó los cargos de:

·         Crítico de cine para el diario La Nación (1957-1961)

·         Jefe de redacción del semanario Primera Plana (1962-1969).

·         Entre 1969 y 1970 fue corresponsal de la editorial Abril en Europa, con sede en París,

·         Director del semanario Panorama (1970-1972).

·         Dirigió el suplemento cultural del diario La Opinión (1972-1975).

2012:

Muere Rosendo Montiel, compositor mexicano.

Rosendo Montiel Álvarez (Guaymas, 1 de marzo de 1941-Ciudad Obregón,31 de enero de 2012) fue un cantautor y músico mexicano.²​

Índice

• 1Biografía
  • 1.1Vida profesional
  • 1.2Distinciones y premios
• 2Referencias

Biografía[editar]

Nació en el barrio de Punta Arena, en la ciudad de Guaymas (estado de Sonora), hijo de don José María Montiel Álvarez, nativo de Cananea, y doña Chanita Álvarez Talamante, oriunda de Los Mochis (Sinaloa). Fueron ocho hermanos, Rosendo fue el cuatro de la familia.¹​

Estudió la primaria y la secundaria en Guaymas, y a los 13 años comenzó a escribir de manera lírica, sus primeras canciones. Como nació a la orilla del mar, aprendió primero a nadar que a caminar, y así también su inspiración siempre fue, desde muy joven, el amor y la naturaleza.¹​

Al ir creciendo, y por razones primordialmente económicas que le dificultaban estudiar una carrera, tuvo que combinar los estudios con el mar, trabajando como pescador durante varios años.

Cuando cumplió 17 años se trasladó a la ciudad de México. Como equipaje llevaba tan sólo un poco de ropa y varias canciones que tenía compuestas con letra y música.¹​

Vida profesional[editar]

La primera canción de Rosendo Montiel llevada al acetato fue «Mejor me quedo», producida por Rubén Fuentes, con un cantante que se hacía llamar El Charro del Misterio, originario de Lagos de Moreno (estado de Jalisco); el mismo que al inicio de su carrera se hacía llamar José Martín, y grababa para discos Eco-Peerless. Posterior a la muerte de Javier Solís, se dio cuenta de que su timbre de voz era parecido a este y se enmascaró presentándose como el Charro del Misterio, haciendo temporadas en la desaparecida Taberna del Greco, en la Ciudad de México. Con el seudónimo José Martín grabó para Discos Tambora, Falcon Récords y Eco. Ya como El Charro del Misterio, grabó para discos Sono Mex.

La siguiente grabación, «Para que seas feliz», con la Sonora Santanera, se constituyó en su primer éxito. Esta canción hasta la fecha se sigue programando en las estaciones de radio que tocan ese género musical.

En 1965 pudo dejar de trabajar en el mar, porque ya tenía más de 20 canciones grabadas que eran muy populares, entre ellas «Mi silencio» con Sonia López, y «Quiero» con Yolanda y su Trío Perla Negra.¹​

Pero quizá el mayor éxito lo obtuvo con la canción «Hambre», en la voz de Magda Franco, que con este tema logró una gran proyección como cantante dentro y fuera de México; posteriormente la grabó la intérprete cubana, Blanca Rosa Gil, quién la convirtió en un éxito mundial.

Otro de los intérpretes de la obra del maestro Rosendo Montiel es Vicente Fernández (el Charro de Huentitán). Precisamente de las cuatro primeras canciones que grabó, una era suya, «Quién te preguntó», y algún tiempo después «Yo quiero ser», tema imprescindible en el repertorio del Vicente Fernández desde hace más de 30 años.

Posteriormente siguieron muchos temas que el pueblo hizo suyos, como «Cállate», «Un minuto de silencio», «Por qué no fui tu amigo», «Yo quiero ser tu amante» y «Porque fuiste tú».¹​Bajo el seudónimo de Roberto Monna, el maestro Montiel, en coautoría con Homero Aguilar, compuso las canciones «Si acaso vuelves», «El cariño que perdí» y «Es mejor decir adiós» que fueron grandes éxitos grabado por el grupo Los Freddy's. También en coautoria con Homero Aguilar compusieron las canciones «Ya no viene» y «No nos vamos a olvidar» que juntas fueron grabadas por el grupo Bronco en el primer disco de esta agrupación que vendió un millón de copias.¹​

Distinciones y premios[editar]

Rosendo Montiel ha sido objeto de múltiples reconocimientos y homenajes. En 1996 pusieron su nombre a una calle de Ciudad Obregón. En 2009, el Ayuntamiento de Guaymas le rindió un homenaje por su aportación a la música durante más de 50 años, en el que asimismo su nombre quedó inmortalizado en la antigua Calle 11, de esa su ciudad natal.

También en 2009, el maestro Montiel fue distinguido con la Medalla al Orgullo Sonorense, galardón instituido por el gobierno de Sonora, para reconocer a personajes destacados en diferentes campos y áreas de la actividad humana, nacidos en ese estado. Y por otra parte, la Sociedad de Autores y Compositores de México lo reconoció con la presea Trayectoria, por 50 años como socio activo de esa institución.

En sus propias palabras, las satisfacciones más grandes las recibe de los artistas que escogen sus canciones para grabarlas y del público que las convierte en éxitos al adquirir los discos y solicitarlas en la radio.

Otro motivo de satisfacción del maestro Rosendo Montiel es haber pertenecido al Consejo Directivo de la Sociedad de Autores y Compositores de México durante 15 años, donde tuvo la oportunidad de contribuir a favor de los autores y compositores mexicanos.

En septiembre de 2011 fue hospitalizado en el hospital IMSS, en Ciudad Obregón.²​Allí falleció el 31 de enero de 2012.²​

En coautoría con Homero Aguilar "Si acaso vuelves"

https://www.youtube.com/watch?v=FWO31mEYPZM

https://www.youtube.com/watch?v=jFsa_bBstFY

https://www.youtube.com/watch?v=STL8bkwYaVo

2020:

Muere Mary Higgins Clark , escritora de novelas de misterio estadounidense.

Mary Theresa Eleanor Higgins Clark Ploetz Conheeney, más conocida como Mary Higgins Clark (El Bronx, Nueva York, 24 de diciembre de 1927-Naples, Florida, 31 de enero de 2020),^[1]​^[2]​ fue una escritora de novelas de misterio estadounidense. Cada una de sus novelas de misterio se ha convertido en un éxito de venta en los Estados Unidos y en varios países europeos y continúan en imprenta. Su primera obra, ¿Dónde están los niños?, ha sido reimpresa hasta en setenta y cinco ocasiones.^[3]​^[4]​

Clark comenzó a escribir de muy joven. Después de un largo período trabajando como secretaria y editora, trabajó durante un año como auxiliar de vuelo en Pan-American Airlines; poco después, abandonó su empleo para casarse y formar una familia. Para contribuir a los ingresos familiares, se dedicó a escribir cuentos cortos. En 1959, tras el fallecimiento de su esposo, Clark trabajó durante años escribiendo diálogos rdadiofónicos de cuatro minutos, hasta que su representante la convenció de intentar escribir novelas. Su primera novela, un relato ficticio de la vida de George Washington, no fue un éxito de ventas, por lo que decidió dedicarse al género de las novelas de misterio y suspense. Estas obras lograron una enorme popularidad: en 2018 sus libros habían vendido más de cien millones de copias solo en los Estados Unidos.^[5]​ Su hija, Carol Higgins Clark y su nuera, Mary Jane Clark, también escriben novelas de suspense.

Falleció por una meningitis en Naples (Florida) a los noventa y dos años el 31 de enero de 2020.^[6]​^[7]​

Primeros años

Mary Theresa Eleanor Higgins nació el 24 de diciembre de 1927,^[8]​ hija del inmigrante irlandés Luke Higgins y su esposa Nora, quien era descendiente de irlandeses.^[9]​ Su hermano mayor, Joseph, era diecinueve meses mayor que ella, y su hermano menor, Johnny, tres años menor.^[10]​ Desde que era una niña, Higgins se interesó por la escritura: a los seis años de edad, compuso su primer poema y varias obras de teatro cortas para que las representasen sus amigos.^[11]​ Comenzó a llevar un diario cuando tenía siete años; en su primera inscripción, escribió «Hoy no pasó nada interesante».^[12]​

La familia vivía de los ingresos de su bar irlandés, que les permitían tener una casa en el El Bronx y pasar los veranos en Long Island Sound.^[13]​^[14]​ Aunque cuando comenzó la Gran Depresión Higgins todavía era bebé, su familia no se vio afectada al principio, e incluso alimentaban a los hombres que llamaban a su puerta pidiendo trabajo.^[15]​ Cuando Higgins cumplió diez años, sin embargo, la familia comenzó a tener problemas financieros, ya que muchos de sus clientes no podían pagar sus deudas.^[12]​ Su padre se vio obligado a despedir a varios empleados y trabajar durante largas jornadas, pasando muy pocas horas por día en su hogar. La familia pasó su peor época en 1939, cuando Mary regresó a su casa después de misa para descubrir que su padre había muerto mientras dormía.^[9]​

Nora Higgins, quien era ahora una viuda con tres hijos que mantener, pronto descubrió que muy pocos empleadores contratarían a una mujer de 52 años de edad que no había trabajado en catorce años.^[16]​ Para pagar las cuentas, Mary se vio obligada a dejar libre su habitación para que su madre pudiera alquilársela por algunos dólares a sus huéspedes.^[17]​ Seis meses después de la muerte de su padre, el hermano mayor de Higgins se hizo un corte en el pie con una barra de metal y contrajo osteomielitis severa. Higgins y su madre oraban constantemente por él, y sus vecinos se acercaron en masa a donar sangre para las transfusiones que necesitaría el joven. A pesar de las terribles predicciones de los médicos, Joseph Higgins sobrevivió. Mary relacionó su recuperación con el poder de sus oraciones.^[18]​

Escuela secundaria

Tras graduarse de la Escuela de Gramática Saint Francis Xavier, Higgins recibió una beca para continuar sus estudios en la Academia Villa María, una escuela administrada por las monjas de la Congregación de Notre Dame de Montreal.^[19]​ Allí, la directora y otras profesoras la animaron a que perfeccione su escritura, aunque no se alegraron mucho cuando empezó a escribir cuentos durante las horas de clase en lugar de prestar atención a las lecciones.^[20]​ A los dieciséis años, Higgins intentó publicar su obra por primera vez: envió un relato a la revista True Confessions, pero fue rechazado.^[21]​

Para ayudar a pagar las cuentas, trabajó como operadora del conmutador del Hotel Shelton, en donde a menudo escuchaba las conversaciones de los clientes. Uno de los huéspedes famosos que Higgins espió fue Tennessee Williams, pero se quejó de que nunca dijo algo interesante. En sus días libres, Higgins salía a recorrer tiendas, y elegía mentalmente las prendas que usaría cuando fuese una escritora famosa.^[22]​

A pesar de las contribuciones de Higgins a las finanzas familiares, el dinero que su madre ganaba como niñera no era suficiente,^[23]​ por lo que la familia perdió su casa y debió mudarse a un pequeño departamento de tres habitaciones. Cuando Joseph se graduó de la escuela secundaria en 1944, se alistó inmediatamente en la Marina de los Estados Unidos, tanto para servir a su país durante la guerra como para ayudar a su madre a pagar las cuentas. Seis meses después de su alistamiento, contrajo meningitis espinal y murió.^[24]​ A pesar de que la familia lloró profundamente la muerte de Joseph, Nora Higgins, al ser su madre, obtuvo una pensión de por vida, y ya no necesitó la ayuda de su hija para sobrevivir económicamente.^[25]​

Principios de su carrera

Poco después de la muerte de Joseph, Higgins se graduó de la escuela secundaria e ingresó a la Escuela para Secretarias Wood con media beca. Al año siguiente, una vez que completó el curso, aceptó un trabajo como secretaria del jefe del departamento creativo en la división interna de publicidad de Remington-Rand.^[26]​ Pronto comenzó a tomar clases nocturnas para aprender más sobre publicidad y promoción. Su jefe notó su creciente talento, además de su belleza natural, por lo que decidió ampliar sus tareas y le encomendó la escritura de los catálogos (junto con el futuro novelista Joseph Heller) y el modelaje para los folletos de la compañía junto con la en ese entonces desconocida Grace Kelly.^[27]​

Aunque Clark disfrutaba de su trabajo, un comentario casual de una conocida, «Dios, hace demasiado calor en Calcuta», encendió su imaginación y la inspiró a buscar nuevos horizontes.^[28]​ Decidida a ser auxiliar de vuelo como su conocida, se sometió a una serie de rigurosas entrevistas para obtener un puesto como tripulante de cabina en Pan American Airlines, donde ganaría cinco dólares menos por semana que cuando era secretaria.^[29]​ Su supervisor en Remington-Rand organizó una cena de despedida para ella, y Higgins invitó a su vecino, Warren Clark, por quien había sentido admiración durante muchos años, para que fuera su compañero durante la celebración. Sobre el final de la noche, Clark le informó que pensaba que debía trabajar como auxiliar de vuelo durante un año, y que después deberían casarse, en la Navidad siguiente. Higgins aceptó la propuesta, muy poco ortodoxa.^[30]​

Durante la mayor parte de 1949, Higgins trabajó como tripulante de cabina internacional para Pan American, y recorrió Europa, África y Asia. Uno de sus vuelos fue el último permitido a Checoslovaquia antes de la caída de la Cortina de Hierro.^[31]​ En otro de sus vuelos, Higgins acompañó a un niño huérfano de cuatro años por las escaleras del avión hacia el encuentro con su madre adoptiva, una escena que recibió una amplia cobertura por parte de los medios de comunicación.^[32]​

Matrimonio y primeros intentos de publicación

Al final de su año como auxiliar de vuelo, el 26 de diciembre de 1949, Higgins abandonó su carrera y contrajo matrimonio con Warren Clark. Una vez casada, cambió su nombre a Mary Higgins Clark.^[33]​ Para mantenerse ocupada, comenzó a tomar cursos de escritura en la Universidad de Nueva York y,^[34]​ junto a algunos de sus compañeros, formó un taller literario en el cual los miembros criticarían los trabajos en progreso de los demás. Los integrantes del taller, el cual persistió durante casi cuarenta años, se reunían una vez por semana, y en cada encuentro dos de ellos tenían veinte minutos cada uno para presentar su último trabajo. Los otros miembros tendrían tres minutos cada uno para aportar una crítica constructiva.^[35]​

En la universidad, uno de los profesores de Clark mencionó que una manera de obtener ideas para desarrollar argumentos es leer periódicos y preguntarse «Imagina que...» y «¿Qué sucedería si...?» Clark reveló que muchos años después, todavía se le seguían ocurriendo multitud ideas preguntándose eso, junto con «¿Por qué?»^[36]​ Utilizó este método para realizar su primer trabajo de escritura en la universidad, y resumió sus experiencias personales en un cuento corto titulado Polizón, el cual trata sobre una auxiliar de vuelo que encuentra un polizón de Checoslovaquia en su avión.^[37]​ A pesar de que su profesor elogió mucho su historia, Clark, al principio, no lograba conseguir un editor. Finalmente, en 1956, después de seis años y cuarenta rechazos, Extension Magazine aceptó comprar la historia por cien dólares.^[8]​

Durante esos seis años, además de dedicarse a su carrera profesional, Clark y su esposo tuvieron una hija, Marilyn, que nació nueve meses después de su boda; trece meses después, Clark dio a luz a Warren Jr., su primer hijo varón. Dos años después, nació David, su tercer hijo. Dos meses después de que Clark logró vender su cuento, nació su cuarto hijo, una niña llamada Carol, como la heroína de la historia de su madre.^[38]​

Después de vender su primer cuento corto, Clark comenzó a encontrar editores para sus trabajos de forma regular. A través del taller de escritura conoció a una representante, Patricia Schartle Myrer, quien estuvo de acuerdo en trabajar con ella. Myrer, que representaría a Clark durante veinte años, hasta su propio retiro, se convirtió en una amiga tan cercana que Clark llamó a su quinta hija como ella.^[39]​

Durante su infancia, los cinco hijos de Warren y Mary trabajaron como actores y modelos profesionales. Patricia fue modelo de Gerber, mientras que David apareció en una publicidad de United Way. Clark misma filmó un comercial de televisión para el detergente de lavandería Fab. El comercial, que se emitía durante el programa I Love Lucy, le hizo ganar suficiente dinero como para ir con Warren de vacaciones a Hawái.^[40]​

En 1959, Warren Clark fue diagnosticado con angina de pecho severa, y, aunque hizo caso a las órdenes del médico y redujo sus actividades, sufrió tres ataques cardíacos durante los siguientes cinco años; en cada ocasión, regresaba del hospital en un estado peor. Después del último ataque cardíaco en 1964, el matrimonio se dio cuenta de que Warren no podría volver a trabajar, por lo que Mary llamó a una amiga que escribía diálogos radiales para ver si tenía alguna oportunidad de trabajar allí. El día en que Mary aceptó el trabajo como escritora del segmento de radio Retrato de un patriota, Warren sufrió un ataque cardíaco fatal. Su madre, que estaba de visita, se desplomó a su lado en la cama después de descubrir que su hijo había muerto. En una sola noche, Clark perdió a su esposo y a su suegra.^[41]​

Primera novela

La primera novela de Clark se basó en la vida de George Washington.

En su primer trabajo como escritora de diálogos radiales, las tareas de Clark consistían en escribir programas de cuatro minutos para la serie Retrato de un patriota. Su desempeño fue tan bueno que pronto recibió dos ofertas más de trabajo en otras series de radio. Esta experiencia le enseñó a Clark a escribir sin agregar datos superfluos, lo cual es muy importante para una novela de suspense, que debe insinuar el argumento en cada párrafo.^[42]​ A pesar de la seguridad ofrecida por su nuevo trabajo, el dinero era poco al comienzo, dado que tenía que mantener por sí sola a cinco niños de entre cinco y trece años. En la primera Navidad sin Warren, los regalos de Clark para sus hijos fueron poemas personalizados, en los que la autora describía las cosas que le hubiera gustado comprarles.^[43]​

A finales de la década de 1960, el mercado de cuentos cortos había colapsado. The Saturday Evening Post, que en 1960 había seleccionado el cuento corto de Clark «Concurso de belleza en Buckingham» como uno de los diez mejores del año, tenía serios problemas financieros y había decidido dejar de publicar ficción, y muchas de las revistas populares para mujeres habían comenzado a enfocarse en artículos de autoayuda.^[44]​ Dado que era imposible hallar un editor para publicar sus cuentos, la representante de Clark le sugirió escribir una novela.^[21]​ Con base en sus investigaciones y su experiencia adquirida en la serie Retrato de un patriota, Clark pasó los tres años siguientes escribiendo una historia ficticia de la relación entre George y Martha Washington.^[23]​ Aunque el anticipo por el que vendió el libro era pequeño, Clark sintió que el hecho de haber podido venderlo significaba que podría terminar un libro más extenso y hallar un editor.^[11]​ La novela pasó a la sección de saldos apenas salió de imprenta,^[45]​ y, para empeorar las cosas, cuatro meses después de la publicación, la madre de Clark, Nora Higgins, falleció.^[46]​

Comienzos en el género de suspenso

Para asegurar la estabilidad financiera de sus hijos, Clark estaba decidida a brindarles una buena educación. Con el objetivo de dar un buen ejemplo, ingresó en la Universidad Fordham, en Lincoln Center, en 1971, y se graduó cum laude en 1979, con un título en filosofía.^[8]​ Sus hijos siguieron su ejemplo. Los dos mayores, Marilyn y Warren, se convirtieron en jueces, y Patty trabaja en el Cambio Mercantil en la ciudad de Nueva York. David es el presidente de la empresa Marketing Enterprises, Inc, y Carol ha escrito numerosas novelas populares de suspense.^[47]​

Durante este período, la relación entre Clark y su empleador fue empeorando cada vez más, y, aunque dos de sus hijos dependían en cierta medida de ella para pagar su carrera universitaria, renunció a su empleo y se asoció con dos excolegas para crear su propia compañía y escribir y vender diálogos para series de radio. Para reunir los cinco mil dólares que necesitaría para empezar el negocio, Clark se vio obligada a empeñar su anillo de compromiso, y, durante los ocho meses en que la compañía tardó en ser rentable, no recibió un salario, debilitando así la economía familiar.^[48]​

Clark continuó escribiendo incluso durante estos tiempos difíciles. Alentada por su representante para que intentase escribir otro libro, volvió a las historias de suspense que amaba cuando era niña y que le habían permitido tener un éxito moderado como escritora de cuentos cortos. Mientras estaba escribiendo la novela, su hermano menor, Johnny, murió, dejándola como la única sobreviviente de la familia. Para aliviar el dolor, Clark se dedicó totalmente a la escritura, y pronto terminó su libro.^[49]​ Poco tiempo después, Simon & Schuster aceptó comprar la novela, titulada ¿Dónde están los niños?, por la modesta suma de tres mil dólares. Tres meses después, en julio de 1974, Clark se enteró de que los derechos de publicación de su novela se habían vendido en cien mil dólares. Por primera vez en muchos años, no tenía más preocupaciones financieras a corto plazo.^[50]​ ¿Dónde están los niños? se convirtió en un éxito de venta y recibió críticas favorables.^[8]​ Dos años después de su publicación, Clark vendió los derechos de publicación de su segunda novela por 1,5 millones de dólares.^[43]​

Otras actividades

En 1981, Clark estuvo en Washington D. C. el día en que le dispararon al presidente Ronald Reagan. Ya que tenía un pase de prensa, fue autorizada a unirse a los medios para escuchar el diagnóstico del presidente. Cuando el médico finalmente llegó a la conferencia de prensa, Clark fue una de las pocas personas elegidas para hacer una pregunta.^[51]​

Segundo matrimonio

Una vez viuda, Clark contrajo matrimonio con el abogado Raymond Ploetz en 1978. El matrimonio, al que la escritora describió como «desastroso», fue anulado en 1986.^[43]​ Años después, su hija Patty le presentó a John J. Conheeney, presidente retirado de Merrill Lynch Futures, con quien se casó en 1996.^[8]​^[35]​ Conheeney falleció el 8 de octubre de 2018, a los 89 años de edad.^[52]​

Otros géneros literarios

La primera novela de Clark sobre George Washington, Aspira llegar al Cielo, fue retitulada Historia de amor de Monte Vernon y relanzada en 2002, el mismo año que su autobiografía, Kitchen Privileges, la cual se basó en gran parte de los diarios que ha llevado durante toda su vida.^[53]​^[23]​ En 2006, Clark anunció que cumpliría uno de sus sueños al publicar su primer libro para niños, Barco Fantasma; el libro fue publicado por Simon & Schuster, la misma editorial que posee los derechos de sus novelas de suspense.^[21]​^[54]​

Éxito literario

Mary Higgins Clark en 2018.

Hasta 2015, Clark escribió más de cincuenta novelas, y vendió millones de ejemplares.^[5]​ Todas sus novelas de suspense han sido éxitos de ventas y siguen en imprenta, entre ellas ¿Dónde están los niños?, que ha tenido más de 75 reimpresiones.^[21]​ En 2001, la edición en tapa dura de Camino hacia el pasado fue el número uno en la lista de libros más vendidos en tapa dura de The New York Times, mientras que la versión en tapa blanda de su novela El último adiós alcanzó el primer puesto en la lista del New York Times de superventas en tapa blanda.^[55]​ Sus libros también se encuentran en los primeros puestos de los más vendidos en Francia,^[35]​ y en el año 2000 Clark obtuvo la distinción de Chevalier des Arts et des Lettres. También fue honrada en Francia con el Gran Premio de Literatura Policial (1980) y el Premio de Festival de Cine Literario de Deauville (1999).^[56]​

Conocida como «la reina del suspense», Clark ha sido descrita como una «maestra de la intriga» que tiene la habilidad de crear una tensión creciente mientras hace que el lector piense que todos son culpables.^[57]​ En sus novelas las protagonistas son mujeres jóvenes fuertes e independientes, que se encuentran en el medio de un problema que deben resolver con su propio coraje e inteligencia.^[58]​ Las heroínas son representadas como personas reales, que toman decisiones sensatas, y que hacen pensar a los lectores «esto podría haberme pasado a mí, o a mi hija».^[59]​ Los libros de Clark son escritos para adultos, pero debido a su decisión de no incluir sexo explícito o violencia en sus historias, se han vuelto populares en niños de doce años en adelante.^[8]​

Muchos de los libros incluyen crímenes relacionados con niños o telepatía.^[60]​ Aunque Clark sabía que hay personas que dicen ser psíquicos y en realidad son farsantes, creía que conoció personas que tenían verdaderos poderes sobrenaturales. La madre de Clark, mientras miraba una foto de su hijo de dieciocho años vestido con su ropa nueva de la Marina, le dijo a su hija «Tiene la muerte en sus ojos», y el joven murió poco después. Una psíquica que Clark visitó mientras escribía su segunda novela, ¿Dónde están los niños?, le dijo que sería muy famosa y ganaría mucho dinero. A pesar de que en el momento no creyó en la predicción, la semana siguiente su novela alcanzó la lista de los libros más vendidos y poco después Clark vendió los derechos para la película, lo que impulsó verdaderamente su carrera.^[35]​

Reconocimientos

Clark ganó numerosos premios por su trabajo. Además de los ya nombrados, obtuvo el premio Horatio Alger (1997) y el premio Passionists' Ethics in Literature (2002), además del premio Espíritu del Logro de la Facultad de Medicina Albert Einstein de la Universidad Yeshiva (1994) y la Medalla de Oro de Educación del National Arts Club (1994). Recibió dieciocho doctorados honorarios, incluyendo uno de su alma mater, la Universidad Fordham.^[56]​ Su éxito también fue reconocido por grupos étnicos irlandeses. La sociedad histórica estadounidense-irlandesa le concedió la Medalla de Oro de Honor en 1993, y en 2001 ganó la Medalla de Honor Ellis Island. Además, fue nombrada Leyenda de El Bronx en 1999.^[56]​

Clark fue presidente del Congreso Internacional del Crimen en 1988 y, durante 1987, fue presidente de la Asociación de Escritores de Misterio de los Estados Unidos. Por muchos años también formó parte del panel de directores de la asociación.^[35]​ Simon & Schuster, la firma que publicó todas sus novelas y que al final de la década de 1990 le dio un contrato de 64 millones de dólares por cuatro libros,^[35]​ creó el premio Mary Higgins Clark, otorgado a escritores de misterio y suspense de ficción estadounidenses destacados.^[5]​^[58]​ El anuncio de que se daría un premio en su honor se llevó a cabo en la quincuagésima quinta entrega anual de los premios Edgar Allan Poe, en donde Clark fue presentada como una «gran maestra del suspense».^[58]​

Clark fue nombrada Dama de la Orden de San Gregorio Magno, y también fue honrada como Dama de Malta y Dama del Santo Sepulcro de Jerusalén.^[61]​ Los frailes franciscanos le otorgaron un premio Graymoor en 1999. Clark formó parte de la administración de la Fundación Católica Comunal y fue integrante de la Administración del Hospital Hackensack.^[62]​

2022:

Muere

Dora Cadavid (Medellín, 23 de noviembre de 1937-Bogotá, 31 de enero de 2022)¹​²​ fue una actriz colombiana.

Entre sus trabajos más recordados se encuentran sus participaciones en las telenovelas Café con aroma de mujer (1994), y Yo soy Betty, la fea (1999).³​⁴​

Índice

• 1Biografía y carrera
  • 1.1Inicios
  • 1.2Yo soy Betty, la fea y producciones posteriores
• 2Vida personal y muerte
• 3Filmografía
  • 3.1Telenovelas
  • 3.2Películas
• 4Referencias
• 5Enlaces externos

Biografía y carrera[editar]

Inicios[editar]

Inició su carrera como declamadora de La voz de Antioquia, un programa de radio local. Mientras trabajaba en dicho programa, fue descubierta por el productor Fausto Cabrera, quien la vinculó en la obra teatral Doña Inés vuelve al convento. Más adelante montó su propia emisora en Medellín, llamada Ondas Femeninas. También es reconocida por ser la primera mujer en realizar un comercial televisivo en vivo, el cual fue hecho para la marca de postres Royal.⁵​

Es tía, por línea materna, de María Cecilia Botero. Fue dirigida, también, por Jaime Botero Gómez.

En 1954 tuvo su primer papel en una telenovela, en una producción titulada Espectros. Sin embargo, continuó con su labor radial, vinculándose profesionalmente a RCN Radio. Sus primeras interpretaciones importantes fueron El club de la cocina y Bavaria invita. En 1958 grabó su primer álbum musical con la discográfica Sonolux.⁵​

Tras registrar apariciones en las series de televisión Candó y Una vida para amarte, en 1970 se fue a México a estudiar teatro.⁶​ Aprovechando su estadía grabó su segundo disco con la musicóloga Tongi Cambell. En 1980 regresó a Colombia, radicándose en Bogotá y vinculándose inmediatamente al elenco de la serie Rasputín. En la década de 1980 figuró en otras producciones para televisión como Hato Canaguay, Señora Bonita, Heroínas, Romeo y Buseta y Bodas de sangre.⁷​

Yo soy Betty, la fea y producciones posteriores[editar]

Luego de aparecer en telenovelas como Café con aroma de mujer,⁸​ Amores como el nuestro, Francisco el matemático y Victoria, se vinculó al elenco de la telenovela Yo soy Betty, la fea, escrita por Fernando Gaitán y dirigida por Mario Ribero.²​⁹​ La producción, en la que interpretó el papel de Inés Ramírez, se convirtió con el paso del tiempo en la telenovela colombiana más exitosa de todos los tiempos,¹⁰​ dándole una mayor repercusión internacional a su carrera.¹¹​¹²​ Tras su participación en la serie, que se emitió por el canal RCN entre 1999 y 2001, la actriz repitió su papel en un spin-off titulado Ecomoda, que no tuvo la misma acogida que la producción original.¹³​

En la década de 2010 actuó en series como La Teacher de inglés, A corazón abierto, El man es Germán, Los graduados y La niña, registrando su última aparición en la televisión colombiana en la telenovela La ley del corazón en 2017.²​

Vida personal y muerte[editar]

Estuvo casada con José Luis Córdova, el cual murió en 1993. Su hijo Moisés, actor y director teatral, falleció en el año 2012.¹⁴​¹⁵​¹⁶​ Durante sus últimos años de vida, Cadavid residió en un hogar de ancianos.¹⁷​¹⁸​¹⁹​

Falleció en la Clínica Shaio de Bogotá el 31 de enero de 2022 a los 84 años de edad, a causa de problemas respiratorios.²⁰​