Blas significa: "arma
de la divinidad".(año 316)
San Blas fue obispo de Sebaste, Armenia (al sur de Rusia).
Al principio ejercía la
medicina, y aprovechaba de la gran influencia que le daba su calidad de
excelente médico, para hablarles a sus pacientes en favor de Jesucristo y de su
santa religión, y conseguir así muchos adeptos para el cristianismo.
Al conocer su gran santidad,
el pueblo lo eligió obispo.
Cuando estalló la
persecución de Diocleciano, se fue San Blas a esconderse en una cueva de la
montaña, y desde allí dirigía y animaba a los cristianos perseguidos y por la
noche bajaba a escondidas a la ciudad a ayudarles y a socorrer y consolar a los
que estaban en las cárceles, y a llevarles la Sagrada Eucaristía.
Cuenta la tradición que a la
cueva donde estaba escondido el santo, llegaban las fieras heridas o enfermas y
él las curaba. Y que estos animales venían en gran cantidad a visitarlo
cariñosamente. Pero un día él vio que por la cuesta arriba llegaban los
cazadores del gobierno y entonces espantó a las fieras y las alejó y así las
libró de ser víctimas de la cacería.
Entonces los cazadores, en
venganza, se lo llevaron preso. Su llegada a la ciudad fue una verdadera
apoteosis, o paseo triunfal, pues todas las gentes, aun las que no pertenecían
a nuestra religión, salieron a aclamarlo como un verdadero santo y un gran
benefactor y amigo de todos.
El gobernador le ofreció
muchos regalos y ventajas temporales si dejaba la religión de Jesucristo y si
se pasaba a la religión pagana, pero San Blas proclamó que él sería amigo de
Jesús y de su santa religión hasta el último momento de su vida.
Entonces
fue apaleado brutalmente y le desgarraron con garfios su espalda. Pero durante
todo este feroz martirio, el santo no profirió ni una sola queja. El rezaba por
sus verdugos y para que todos los cristianos perseveraran en la fe.
El gobernador, al ver que el
santo no dejaba de proclamar su fe en Dios, decretó que le cortaran la cabeza.
Y cuando lo llevaban hacia el sitio de su martirio iba bendiciendo por el
camino a la inmensa multitud que lo miraba llena de admiración y su bendición
obtenía la curación de muchos.
Pero hubo una curación que
entusiasmó mucho a todos. Una pobre mujer tenía a su hijito agonizando porque
se le había atravesado una espina de pescado en la garganta. Corrió hacia un
sitio por donde debía pasar el santo. Se arrodilló y le presentó al enfermito que
se ahogaba. San Blas le colocó sus manos sobre la cabeza al niño y rezó por él.
Inmediatamente la espina desapareció y el niñito recobró su salud. El pueblo lo
aclamó entusiasmado.
Le cortaron la cabeza (era
el año 316). Y después de su muerte empezó a obtener muchos milagros de Dios en
favor de los que le rezaban. Se hizo tan popular que en sólo Italia llegó a
tener 35 templos dedicados a él. Su país, Armenia, se hizo cristiano pocos años
después de su martirio.
En la Edad Antigua era
invocado como Patrono de los cazadores, y las gentes le tenían gran fe como
eficaz protector contra las enfermedades de la garganta. El 3 de febrero
bendecían dos velas en honor de San Blas y las colocaban en la garganta de las
personas diciendo: "Por intercesión de San Blas, te libre Dios de los
males de garganta". Cuando los niños se enfermaban de la garganta, las
mamás repetían: "San Blas bendito, que se ahoga el angelito".
A San Blas, tan amable
y generoso, pidámosle que nos consiga de Dios la curación de las enfermedades
corporales de la garganta, pero sobre todo que nos cure de aquella enfermedad
espiritual de la garganta que consiste en hablar de todo lo que no se debe de
hablar y en sentir miedo de hablar de nuestra santa religión y de nuestro
amable Redentor, Jesucristo.
Gutenberg
nació en Maguncia alrededor de 1400 en la casa paterna
llamada zum Gutenberg. Su apellido verdadero es Gensfleisch (en
dialecto alemán renano este apellido tiene semejanza, si es que no significa,
«carne de ganso», por lo que el inventor de la imprenta en Occidente prefirió
usar el apellido por el cual es conocido). Hijo del comerciante Federico
Gensfleisch, que adoptaría posteriormente hacia 1410 el
apellido zum Gutenberg, y de Else Wyrich, hija de un tendero.
Conocedor
del arte de la fundición del oro, se destacó como herrero
para el obispado de su ciudad. La familia se trasladó a Eltville am Rhein, ahora en el Estado de
Hesse, donde Else había heredado una finca. Debió haber estudiado en la
Universidad de Erfurt, en donde está registrado en 1419 el
nombre de Johannes de Alta Villa (Eltvilla). Ese año murió su padre. Nada más
se conoce de Gutenberg hasta que en 1434 residió
como platero en Estrasburgo, donde
cinco años después se vio envuelto en un proceso, que demuestra de forma
indudable, que Gutenberg había formado una sociedad con Hanz Riffe para
desarrollar ciertos procedimientos secretos. En 1438 entraron
como asociados Andrés
Heilman y Andreas
Dritzehen (sus herederos fueron los reclamantes), y en el
expediente judicial se mencionan los términos de prensa, formas e impresión.
De
regreso a Maguncia, formó una nueva sociedad con Johann Fust, quien le da un préstamo y con el
que, en 1449, publicó el Misal de Constanza,
primer libro tipográfico del mundo occidental. Recientes publicaciones, en
cambio, aseguran que este misal no pudo imprimirse antes de 1473 debido a la
confección de su papel, y por tanto no debió ser obra de Gutenberg.[cita requerida] En
1452, Gutenberg da comienzo a la edición de la Biblia de 42 líneas (también
conocida como Biblia de Gutenberg). En 1455, Gutenberg carecía de solvencia
económica para devolver el préstamo que le había concedido Fust, por lo que se
disolvió la unión y Gutenberg se vio en la penuria (incluso tuvo que difundir
el secreto de montar imprentas para poder subsistir). Por su parte, Fust se
asoció con su yerno Peter Schöffer y publicaron en Maguncia,
en 1456, la Biblia. Si bien la edición es conocida como
«la biblia de Gutenberg» sus reales editores fueron Fust y Schöffer. Al año
siguiente editaron El Salterio o Psalmorum Codex.
Johannes
Gutenberg murió arruinado en Maguncia, Alemania el 3 de febrero de 1468.
A pesar de la oscuridad de sus últimos años de vida, siempre será reconocido
como el inventor de la imprenta moderna.
Nace Antonio
José de Sucre, político, estadista y militar venezolano y presidente
boliviano entre 1825 y 1828 (f. 1830).
Antonio José Francisco de Sucre y Alcalá (Cumaná, Capitanía General de Venezuela, Monarquía Católica; actual estado Sucre, Venezuela; 3 de febrero de 1795-Montañas de Berruecos, La Unión, Nueva Granada, actual Colombia; 4 de junio de 1830), conocido como El Gran Mariscal de Ayacucho, fue un político y militar venezolano, prócer de la independencia americana, así como un diplomático y estadista,
presidente de Bolivia, Gobernador del Perú, General en Jefe del Ejército de la Gran
Colombia, Comandante del
Ejército del Sur y Gran Mariscal de Ayacucho. Era hijo de una familia acomodada
de tradición militar, siendo su padre coronel del Ejército Patriota. Es
considerado como uno de los militares más completos entre los próceres de la
independencia sudamericana.12345
Era
nieto del filósofo Moses Mendelssohn y nació en el seno de
una destacada familia judía que más tarde se convirtió al protestantismo, adoptando el apellido
Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no
trataron de sacar partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la
oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que
tenía la firme intención de dedicarse seriamente a ella.1
Al
temprano éxito en Alemania, le siguió un viaje a través de toda Europa; Mendelssohn fue recibido
particularmente bien en Inglaterra como
compositor, director y solista, y sus diez visitas allí, durante las
que estrenó la mayoría de sus obras, formaron una parte importante de su
carrera adulta. Fundó el Conservatorio de Leipzig, un bastión de su
lucha contra las perspectivas musicales radicales de algunos de sus
contemporáneos.
Las obras de
Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas, música para piano y música de cámara.
También tuvo un importante papel en el resurgimiento del interés en la obra
de Johann Sebastian Bach.
Sus gustos musicales esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus
contemporáneos más aventurados, como Franz Liszt, Richard Wagner o Hector Berlioz. Después de un largo periodo de
denigración debido al cambio de los gustos musicales y el antisemitismo a finales del siglo XIX y comienzos del XX, su originalidad creativa tiene un buen
reconocimiento,2 ha sido evaluada de nuevo y se ha
convertido en uno de los compositores más populares del periodo romántico.
Sus padres fueron Josephine Nilsson y Jens Christian Torp. Su madre servía en la granja de Jens Christian Torp, en Suecia. Él la repudió al saber que estaba embarazada, basándose en las diferencias de clase y económicas existentes entre ambos.
Nació, por tanto, como hijo ilegítimo, en Copenhague. Además, su madre le abandonó de inmediato en Dinamarca, y ella regresó a Suecia. A consecuencia de lo cual el niño terminó en un orfanato, aunque pronto, en 1891, fue acogido por la familia Dreyer (y su madre biológica murió a los pocos meses de ser adoptado). Recibió además el nombre de su padre de adopción, Carl Theodor Dreyer.
Sus padres adoptivos eran rígidos luteranos y sus enseñanzas probablemente influyeron en la severidad de sus filmes. Desde muy joven le señalaron su privilegiada situación y la idea de que tendría que valerse por sí mismo.
Enseguida Dreyer trabajó como periodista y en este tiempo, según ha dicho, pudo ir perfilando su vocación de cineasta (su "única pasión", diría luego) al escribir los intertítulos de varias películas de cine mudo y posteriormente al redactar guiones (1912-1918). Luego, en 1936, hizo crítica cinematográfica para luego ser cronista judicial de 1936 a 1941.
Por añadidura, Dreyer aunque no vio ni vería mucho cine, señaló que los pioneros D. W. Griffith y antes de este dos suecos, Mauritz Stiller y, sobre todo, Victor Sjöström le influyeron decisivamente, como ya indicó en 1920.1
Sus inicios como director, desde 1918, tuvieron un éxito limitado. Pero rodó todos los años en esa década, así la fallida Érase una vez (Der Var Engang, 1922), y dos veces en Alemania con la UFA, como Mikaël (1924), basada en una obra de Herman Bang, de gran calidad visual y psicológica.
Así que rodó allí una intensa La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne d'Arc) —en cuyo montaje trabajó además—, que apareció en las salas en 1928 y fue su primer gran «clásico», aunque no fue un éxito en taquilla. Para Dreyer supuso su verdadero inicio cinematográfico.2 Con la ayuda de Pierre Champion, él había escrito el guion, que se basó en estudios directos sobre las transcripciones originales del proceso padecido por Juana de Arco. La película tenía influencias tanto del realismo como del expresionismo cinematográfico, pero sin maquillar a los personajes (entre ellos, estaba Antonin Artaud).
Los decorados eran blancos y toda la película estaba rodada a base de primeros planos. El responsable del decorado fue el berlinés Hermann Warm, que había elaborado los fondos expresionistas de El estudiante de Praga (1913), El gabinete del doctor Caligari (1919) y Las tres luces (1921). La actriz, Maria Falconetti, que encontró Dreyer rebuscando en teatros de París, fue trabajada meticulosamente por él; su genial interpretación, desde muy dentro, la condujo luego a abandonar el teatro; no hizo más cine, pese a un intento en Hollywood, y acabó en Buenos Aires, convertida al budismo.3
Dreyer no quería ser encasillado como místico, y su siguiente película, rodada esta vez por completo en decorados naturales, trató de una «bruja vampiro» (Vampyr – Der Traum des Allan Grey) (1932). En los créditos del film señala el origen en Carmilla de Sheridan Le Fanu, pero él más bien partió de una idea original suya y de su amigo Christen Jul, jugando con elementos preexistentes.4 Vampyr es una meditación surrealista sobre el miedo, que hoy se considera maestra. La lógica cede el paso a las emociones y a la atmósfera en esta historia, en la que un hombre protege a dos hermanas de un vampiro. El film contiene muchas imágenes inolvidables, como la del héroe que sueña con su propio enterramiento, y aquella otra del animal sediento de sangre sobre el rostro de una de las hermanas, mientras ésta se encuentra secuestrada bajo el encantamiento del vampiro. La película era originariamente muda, pero le fueron añadidos diálogos hablados mediante doblaje.
La película fue un fracaso económico, y Dreyer estuvo más de un decenio sin rodar más que documentales, que no apreciaba. En 1943 hace al fin Dies irae (Día de ira), una severa crítica a las creencias en la brujería y sobre todo a su represión brutal mediante el fuego. Con este film Dreyer fijó el estilo que habría de distinguir sus posteriores obras sonoras: composiciones muy cuidadas, cruda fotografía en blanco y negro y tomas muy largas.
Hizo en Suecia Dos personas (1944), con actores impuestos y no deseados, que para él fue fallida, si bien es una historia de interés dramático. Pasó un largo período sin rodar. Su oposición al nazismo, con sus secuelas raciales, le condujeron a un violento rechazo. Para él, la expulsión de tantos artistas y escritores, desde 1933, convirtió una gran cinematografía en puro serrín. Entonces fue perfilando un proyecto sobre la Vida de Jesús, no realizado finalmente, que tenía como una de las metas esenciales mostrar el carácter claramente judío de este, y mostrar con la mejor bibliografía que su condena fue un asunto del poder romano, que le criminalizó, pero que delegaba poderes locales en asuntos de justicia.5 Otros dos proyectos, tampoco realizados, fueron Luz de agosto, sobre texto de Faulkner, y Medea, un guion que fue llevado finalmente al cine por Lars Von Trier.
En 1955 rodó Ordet (La palabra), basada en la obra de teatro homónima de Kaj Munk, y que había tenido gran éxito en los países escandinavos (Munk fue asesinado en 1944 como resistente). El proyecto se remontaba a 1920. En ella, combina una fervorosa historia de amor en el medio campesino con un examen acerca del destino. El personaje central, un teólogo enloquecido por sus lecturas de Soren Kierkegaard que se cree Jesús, pone en entredicho la presunta fe religiosa de su familia ante la muerte. Esta película le valió el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia en 1955. En ella, destaca el ritmo pausado, la práctica ausencia de montaje por corte entre escenas, en las que Dreyer deja que los actores entren y salgan de encuadre al estilo del montaje teatral. Es una obra cargada de preocupaciones religiosas, pero asimismo exaltadora de la vida: «pero yo quería su cuerpo», dice el marido cuando ella muere.
Su vida profesional se estabilizó al encargarle la dirección del cine en su país, pero como siempre siguió con sus proyectos, que a veces se prolongaban diez o más años.
La última obra de Dreyer fue Gertrud (1965), basada en la pieza homónima de Söderberg. Si bien es muy distinta a las precedentes, resulta una especie de testamento artístico del autor, en la medida en que trata de una mujer que al separarse de su marido se mantiene fiel a su ideal de amor: amar al otro por encima de todo, incluso, de uno mismo. Ella, con gran vitalidad, no se arrepiente nunca de las elecciones tomadas como dice al final, pasados muchos años.
Dreyer, con cierto halo cristiano, reconoció que mucho de su cine se había preocupado por la intolerancia, como obsesión personal; y contando con la impresión que le causó Intolerancia de Griffith. En Dies irae estaba «la intolerancia de que hicieron gala los cristianos ante todos aquellos que seguían aún atados a las supersticiones y todo lo que aún sobrevivía. Incluso en Gertrud también se siente dicha intolerancia, pero aquí aparece en la propia Gertrud, que nunca aceptará nada que no sienta ella misma y que exige, en cierto modo, que todos se inclinen ante ella».6
Nació
el 3 de febrero de 1929 en Bogotá. Sus padres, el médico Calixto Torres Umaña e
Isabel Restrepo Gaviria provenían de acomodadas familias de la burguesía
liberal. Sus padres lo llevaron a Europa cuando apenas tenía dos años.4 Regresó al país en 1934. Tres años
después, en 1937, la pareja se separó, quedando Camilo y su hermano Fernando al
lado de la madre. Expulsado, por sus críticas contra los profesores del
tradicional Colegio
Mayor de Nuestra Señora del Rosario, terminó su bachillerato en
el Liceo de Cervantes en
1946.
Ingresó
a la Facultad de Derecho en la Universidad
Nacional de Colombia, pero sólo estudió allí el primer semestre,
influenciado por las ideas sociales de dos sacerdotes franceses dominicos a
quienes conoció por medio del padre de su novia. La idea de convertirse en
sacerdote comenzó a calar en Camilo y para tomar esta decisión se retiró a
meditarlo en los llanos orientales. Camilo ingresó al Seminario Conciliar de
Bogotá donde permaneció siete años, tiempo durante el cual comenzó a
interesarse por las realidades sociales.
Dennis Edwards Jr. (3 de febrero de 1943-1 de febrero de 2018) fue un cantante estadounidense de soul y R&B que fue mejor conocido como el líder de The Temptations , en Motown Records . Edwards se unió a The Temptations en 1968, reemplazando a David Ruffin y cantó con el grupo de 1968 a 1976, de 1980 a 1984 y de 1987 a 1989. A mediados de la década de 1980, intentó una carrera en solitario, logrando un éxito en 1984 con " Don't Mira más lejos "(con Siedah Garrett ). Hasta su muerte, Edwards fue el cantante principal de The Temptations Review, un grupo disidente de Temptations.
1947:
Nace Dave Davies, músico británico, de la banda The Kinks.
Aunque no tenía el mismo protagonismo que su hermano dentro de la banda, también compuso y cantó sus propias canciones. Temas notables como "Death of a Clown", "Susannah's Still Alive" y "Living on a Thin Line". Y como guitarrista se destaca su trabajo en el riff característico de la canción "You Really Got Me", canción de sólo dos acordes que según lo dicho por él y por su hermano, se consiguió casualmente cuando Dave conectó agujas de coser a su amplificador. [cita requerida]
Era
hija de la profesora de instituto Martha Jane Hartt McClenny y tiene una
hermana que también es actriz llamada Cathryn Hartt.23
Desde niña su madre la apuntó en clases de interpretación y a los 10 años
comenzó a actuar en funciones de teatro infantiles, prolongando su trayectoria
posterior con diversas obras en cafés-teatros. Como dato curioso, vale decir
que su primera experiencia cinematográfica la llevó a cabo como doble de Faye Dunaway en
algunas escenas de Bonnie y Clyde (1967) de Arthur Penn.
Óscar Eduardo Athié Furlong (Acapulco de Juárez, México, 3 de febrero de 1958)
es un cantante mexicano de música romántica, muy popular en la década de los
80s.
Óscar
Athié nació un 3 de febrero de 1958 en la ciudad y puerto de Acapulco de Juárez, Estado de Guerrero,
hijo de César Athié Romo e Iliana Esthela Furlong Talavera, y es el cuarto de
cinco hermanos.
Desde
pequeño le gustaba la música, según su madre, desde que empezó a hablar ya
cantaba y le fascinaba tener en sus brazos una guitarra, aunque apenas podía
cargarla. Cantando siempre por todos los rincones de la casa, le inventaba
letras a las canciones conocidas.
Ya
en la escuela, nunca dejó de pertenecer al coro y de participar en los diversos
concursos que siempre se organizaban en los centros educativos.
Su
primera canción la compuso a una chica que le encantaba, pero no le creía que
estaba enamorado de ella; la tituló Incrédula. Contaba con apenas 14 años de
edad. La chica en cuestión se llama Mayte, y hasta la fecha es un lindo
recuerdo que Oscar conserva: "al final me creyó…".
Su
formación musical es totalmente lírica, y sus estudios profesionales fueron de
Medicina, carrera que concluyó en la Universidad Autónoma de Guadalajara, con
el título de Médico Cirujano y Partero.
Oscar
Athié incursionó profesionalmente en el mundo de la música y el espectáculo al
ganar el concurso La Voz, del periódico El
Heraldo de México, en 1981, en el que fue amadrinado por Verónica Castro en
que por primera vez se repartió el premio como voz masculina y femenina ante
una dura contienda, compartiendo dicho premio con Paloma una cantante cuyo
verdadero nombre era María Luisa Redmond García Procedente de Veracruz, y su
tema había sido obra original de Felipe Gil grabado en discos Orfeón.
A
raíz de ese triunfo, Discos Gamma le ofreció un contrato discográfico. La
primera canción grabada de su autoría fue Perdóname por no poder quererte más,
en 1982, interpretada por él mismo, que formó parte de su primer disco de larga
duración, titulado Conóceme.
A
partir de entonces su carrera musical se desarrolló exitosamente, y sus interpretaciones
fueron ampliamente difundidas en la radio y la televisión. Su producción
discográfica abarca 8 discos, de 1982 a 1990, de los que se desprendieron
éxitos de su inspiración como Quiero llenarme de ti, Ruinas, Pregúntale, Amigos
míos, Cada vez que te acercas, El muchacho de los ojos tristes, Tengo que
empezar a amarme un poco más (con esta canción fue finalista en el Festival
OTI, en 1984), Piénsalo bien y muchas más.
Mención
especial merece su tema Fotografía, con la que el público se identificó
plenamente por el romanticismo e inspiración que Oscar le imprimió y que lo
convirtió en un clásico de la balada mexicana, con su inolvidable frase
"flaco, ojeroso, cansado y sin ilusiones…"
También
ha creado algunos temas en coautoría con compositores como Aleks Syntek, Omar Alfano y varios más,
destacando Y ahora juntos, escrita con Lorena Tassinari, que fue otro éxito en
la interpretación de Oscar a dueto con la cantante Yuri.
Durante
su trayectoria Oscar Athié ha obtenido numerosos premios y reconocimientos, sin
embargo, según sus propias palabras, lo que más atesora es el cariño del
público.
Alejado
de las candilejas desde hace algunos años, Oscar Athié no ha dejado de componer
canciones y comenta: "canto y escribo por convicción, placer y necesidad
espiritual, nunca lo hice buscando los reflectores y convencionalismos del
´show business´, por lo que el hermoso oropel que me rodeó algún tiempo lo
recuerdo con mucho gusto y cariño, pero no lo extraño ni me hace falta. Lo que
sí extraño es el contacto directo con la gente en mis conciertos, desde luego
que los aplausos, pero mucho más el contacto visual y la sensación de tocar el
alma del público con mis canciones".
En
octubre de 2010, Oscar Athié fue homenajeado por la Sociedad de Autores y
Compositores de México, con el reconocimiento por su trayectoria de 25 años.1
En
el 2012 se le vio aparecer por última vez en un video que circula por las redes sociales de internet, donde convoca
a los empresarios a que hagan nuevas inversiones en su ciudad natal de Acapulco de Juárez, Guerrero. En
la actualidad, Athié es empresario hotelero en esa localidad portuaria y vive
totalmente retirado del medio musical.
https://www.youtube.com/watch?v=NWFmRAZDvuQ
https://www.youtube.com/watch?v=ube7hStC6n0
https://www.youtube.com/watch?v=UvzUVNSIgq4
1959:
Muere Ritchie Valens, músico, cantante y guitarristaestadounidense.
Ritchie Valens, seudónimo de Richard Steven Valenzuela Reyes (Pacoima, Los Ángeles, California, 13 de mayo de 1941-Clear Lake, Iowa, 3 de febrero de 1959) fue un músico, cantante y guitarrista estadounidense. Aunque la carrera de Valens solo duró ocho meses, se convirtió en un pionero del rock and roll y un precursor del movimiento de rock, tanto así que fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 2001.1 Se anotó varios éxitos que hoy en día son hits recordados, en particular «La bamba», que originalmente es una canción popular mexicana de son jarocho originaria del estado de Veracruz, México a la cual Valens transformó con un ritmo de rock and roll y convirtió en un éxito en 1958, haciendo de Valens un pionero del movimiento de rock and roll en español.2
En 1987, se estrena La Bamba, película dirigida por Luis Valdez, en el que narra la vida de Ritchie Valens (interpretado por el actor Lou Diamond Phillips), desde su ascenso musical, hasta el día de su fatídica muerte. Con esta película, se volvió a retomar las canciones de Ritchie, interpretadas por el grupo Los Lobos (mismos que realizaron y dirigieron la banda sonora del filme).
Charles Hardin Holley, más conocido como Buddy Holly (Lubbock, Texas; 7 de septiembre de 1936–Clear Lake, Iowa; 3 de febrero de 1959),32 fue un compositor y cantante estadounidense de mediados de la década de 1950, considerado hoy en día como uno de los pioneros y creadores del Rock and Roll. Holly fue descrito por el crítico Bruce Eder como: «la fuerza creativa más influyente del rock and roll primigenio».4
Inició su carrera como autora en 1980 cuando escribió con Paolo Barabani y Pupo la canción Su di noi , [1] cuyo texto está inspirado en la relación entre Milani y este último [2] , quien también es intérprete de la canción.
Al año siguiente vuelve a participar en el Festival de San Remo , esta vez en la sección "Grande", con la canción Libera [1] , quedando decimotercero.
En 1985 grabó las 45 rpm Me gustaría hacerte entender y sufrió un grave problema con sus cuerdas vocales, que la mantuvo alejada de cantar durante algunos años. Luego desaparecida de la escena, se dedicó a la actividad de autora y cazatalentos.
En 1988 dirigió el programa FM Musica junto con Myriam Fecchi en RaiStereoDue , cantando el tema principal, titulado Ci stai? .
Una gran oportunidad como autora llegó en 1993 cuando Caterina Caselli quiso que colaborara en Sugar en el proyecto de Gerardina Trova , para el que Donatella escribió, entre otros, Pero ya no tengo mi ciudad [1] .
En junio de 2018 participó en la primera edición del programa Ora o mai più en Rai 1 como competidor, pero se retiró tras el primer episodio por motivos familiares graves [3] . A partir del 19 de enero del año siguiente participó en la nueva edición del programa , junto a la entrenadora Donatella Rettore [4] , donde durante el último episodio presentó el single Non cry , escrito conjuntamente con Luigi Mosello [5] .
De esta experiencia nacieron diversas participaciones en programas de televisión, entre ellos Come to me , dirigido por Caterina Balivo en Rai 1.
Es
muy conocido por los trabajos hechos con el Pato Donald, aunque en sus comienzos participó
en las tiras humorísticas de Mickey Mouse que se publicaban en
los diarios.
Entre
1932 y 1939, se ocupó de la serie Sinfonías tontas. En 1934, dibujó su primera
historieta del Pato Donald: El patito sabio.
Taliaferro
creó un gran número de personajes, incluyendo a Hugo, Paco y Luis, Bolívar, Pascual y la Abuela Pato. Muchos de esos personajes
estuvieron inspirados de miembros de su familia o entorno. Así por ejemplo sus
amigos contaban que no podían ver a Daisy, la novia de Donald sin pensar en
Lucy, la esposa de Taliaferro; la Abuela Pato era también el retrato de la
madre de Lucy.
Dibujó
las historietas de Pato Donald desde el año 1934 hasta
su fallecimiento, en el año 1969.
Su más reciente trabajo es en la serie británica Life's Too Short, donde interpreta a una versión distorsionada de sí mismo. Está casado desde 1991 con la actriz Samantha Davis.
Diversos sectores de la crítica
le consideran «El rey del reguetón»,1314151617 por
ser uno de los responsables de haber popularizado ese género musical en América Latina y
haberse consolidado como uno de los artistas más respetados e influyentes del
circuito urbano latino.18 De la
misma manera, el portal estadounidenseAllmusic afirma que el
puertorriqueño «ayudó a establecer el reguetón como un estilo de música durante
el siglo XXI».19
Luego de haber establecido una
carrera musical en su natal Puerto Rico, en
julio de 2004 Daddy Yankee lanzó internacionalmente su tercer álbum de estudio, Barrio fino, que
logró ubicarse en la primera posición en ventas de la lista Top Latin Albums de Billboard,20 la
lista de álbumes latinos más importante de los Estados Unidos. El
álbum vendió más de dos millones de unidades a nivel global,21 y se
convirtió en el disco latino más vendido de la década en los Estados Unidos,
siendo además catalogado como el «álbum de la década» en la categoría de Latin
Albums por la revista Billboard22 y uno
de los mejores cuarenta álbumes de los años 2000 por
el portal web About.com;23 por
lo que fue la producción que logró proyectarlo definitivamente a nivel
internacional.2124 En
total, cuatro de sus álbumes de estudio han liderado la lista Top Latin Albums,20 por
lo que desde su debut, Daddy Yankee ha vendido más de 18 millones de álbumes a
nivel mundial.252627
Parte de su éxito reside en
haber dado a conocer el reguetón en particular y la música urbana latina en
general fuera del mercado latinoamericano, logrando establecer varios éxitos en
mercados musicales importantes como Europa.28 Ha obtenido
diversos reconocimientos, entre los que se encuentran, once premios Billboard
de la Música Latina en las categorías de artista y álbum latino
del año en 2005,29 álbum
y canción reguetón del año y artista del año en 2006,30 álbum
latino y reguetón del año en 2008,31 un
premio Spirit of Hope en 200932 y
otros tres premios en 2011.33
También fue ganador de dos Premios MTV Latinoamérica en 200634 y
2007.35 Fue
reconocido por la prestigiosa revista estadounidense Time como una de las 100
personas más influyentes del mundo en 200621
mientras que la cadena de noticias por cable CNN también lo nombró una de
las celebridades hispanas más importantes e influyentes del mundo en 2009.3637
John Cassavetes nació en Nueva York de
padres inmigrantes griegos; su
padre, Nicholas, llegó en 1908 y se casó en 1926, con una griega quince años más
joven. Eran muy humildes, pero el padre se dedicó a ayudar a los inmigrantes de
su país. John creció en Long Island, y
estudió en el instituto en Nueva Jersey antes
de ingresar a la Academia de Artes Dramáticas (American Academy of Dramatic Arts), que
eligió antes de hacer cualquier otro trabajo. Tras su graduación en 1950, actuó
en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de
televisión.
En 1954, Cassavetes se casó con
la actriz Gena
Rowlands, nacida en 1930, con la que trabajaría toda su vida, a poco de
conocerla. Como señala su gran biógrafo, R. Carney, eran dos personas de
carácter y de orígenes sociales muy diferentes (ella procedía de familia
adinerada); ambos eran conflictivos y de valía; parte de sus vidas se reflejará
en los filmes de John. Hacia 1956, comenzó a enseñar el "método" en
talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le
dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, Shadows (1959).
Cassavetes obtuvo los fondos de su familia y de sus amigos, así como del
programa de radio Night People.
Cassavetes fue incapaz de
conseguir que ninguna distribuidora norteamericana lanzase Shadows,
así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en
el Festival de Venecia. Los
distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a los Estados
Unidos como si se tratara de una importación.
A pesar de que su distribución
en los Estados Unidos no fue muy amplia, consiguió llamar la atención de los
estudios de Hollywood.
Cassavetes dirigió dos largometrajes en Hollywood a comienzos de los años 1960: Too
Late Blues y A Child is Waiting (1963), que trata en
profundidad el tema del retraso mental. En ella Jean Hansen (Judy Garland),
profesora de música en un colegio de niños deficientes mentales, conoce a
Reuben, un niño con problemas al que sus padres no visitan desde hace años;
Jean lo colmará de atenciones y mimos a pesar de que el director del centro
(Burt Lancaster) considera que su actitud es contraproducente.
Su siguiente película como
director (la segunda de forma independiente a los estudios) fue Faces (1968), protagonizada por su mujer y
por John
Marley, Seymour Cassely Val Avery. La película muestra la desintegración de
un matrimonio moderno, y fue candidata a tres Premios Oscar en las categorías
de mejor guion original, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto.
Maridos (1970)
está protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara.
Interpretan a un trío de hombres casados y con hijos viajando por Nueva York
y Londres tras
el funeral de uno de sus mejores amigos, que les obliga a replantearse su vida
y dejar todo atrás para recobrar una ansiada -y falsa- libertad.
Minnie and Moskowitz,
película que trata de una pareja formada por dos amantes muy diferentes, es
interpretada por Rowlands y Seymour Cassel.
A los 17 años, en el verano de 2007, lanzó el sencillo «Beautiful Girls», el cual está basado en el tema «Stand by Me» de Ben E. King. Sean Kingston es conocido por combinar el dialecto estadounidenseurban y el jamaiquino en sus letras. Fue descubierto a los 16 años en el estudio de grabación de su padre, mientras mezclaba un éxito de los años 1960 con R&B y reggae.
En 2010, lanzó junto a Justin Bieber la canción «Eenie Meenie», que está incluida en el álbum de Bieber y cuyo video musical se publicó en el mes abril de ese año2. Ese mismo año, participó en la canción oficial de los Juegos Olímpicos Juveniles de Singapur 2010 (Singapur 2010 Youth Olympic Games), junto con otros cuatro artistas que representan a cada continente; la sudafricana Jody Williams en representación de África, el británico Steve Appleton en representación de Europa, desde Singapur Tabitha Nauser en representación de Asia, la australiana Jessica Mauboy en representación de Oceanía y Sean Kingston que representa a América. Sin embargo, Kingston no pudo asistir a la ceremonia de apertura de este evento debido a una confusión de su pasaporte por parte del aeropuerto.
En el año 2011 participó en la serie de televisión The Suite Life on Deck (en España conocida como Zack y Cody: Todos a bordo y en Hispanoamérica como Zack y Cody, gemelos a bordo). Actuó como el mismo e interpretó el tema «Dumb Love».4
A temprana edad dio comienzo a
su carrera actoral, siendo educado artísticamente para su integración a la
compañía teatral que su padre, Juan B. Padilla, creó.3
Empezó a trabajar en el teatro el 3 de septiembre de 1923, y desde ese momento, según
sus propias declaraciones, "no ha sido más que teatro, teatro y teatro",
diciendo también que, su vida había sido aburrida, que no tuvo hogar y que su
vida no fue normal.4 La
compañía de Juan Padilla recorrió todo México, a principios de la década
de 1920.5 Sus
hermanos Juan, Lupe, Ricardo y José Luis también se dedicaron a la actuación
teatral impulsada por su padre.6
Padilla empezó a trabajar en el
teatro el 3 de septiembre de 1923, un día después del nacimiento de Ramón Valdés, con
quien actuó en un solo proyecto de Chespirito, la película El Chanfle, de
1978.
Anteriormente, había trabajado
con Carlos Villagrán, Quico, en 1968 en una obra de
teatro. Al menos, este sería su primer contacto con alguien del elenco de Chespirito y sus proyectos. Al
igual que Valdez, solo volvió a actuar con él en la cinta El Chanfle.
En 1975, Padilla trabajó con el
internacionalmente famoso actor mexicano Mario Moreno "Cantinflas" en
el film El ministro y yo donde hizo el papel de
"El licenciado", un funcionario público de alto rango, feroz y
gruñón, que no se llevaba muy bien con Cantinflas.
Posteriormente trabajó en la
televisión y en el cine en
los años '60 hasta los '90s. La parte fundamental de su trayectoria la cubrió
trabajando en la televisión, en
programas cómicos y telenovelas, trabajando por más de quince años en los
episodios del programa de Chespirito, El Chavo del 8 y
el Chapulín Colorado. Alcanzó gran popularidad con
sus personajes Jaimito el cartero, del Chavo del 8, y el
"Licenciado Raúl Morales", de Los Caquitos, trabajando al lado del
comediante Roberto Gómez Bolaños desde 1978, en la película El Chanfle,
hasta 1994, poco
antes de su deceso. También trabajó durante dos años en el programa
cómico El mundo de Luis de Alba.
A lo largo de su carrera
Padilla participó en más de 40 películas.
Se casó con la actriz Lili Inclán, con quien tuvo dos
hijos: Raúl Padilla "Chóforo", quien
después seguiría los pasos de sus padres, y Aurelia "Maye"
Padilla, escritora, profesora, directora de escena y jefa de producción
para obras de teatro y televisión. Raúl "Chato" Padilla también
inculcó a su hijo Raúl, aunque no de manera tan directa, el deseo de ser actor,
ya que, al igual que su padre Juan, viajó y recorrió México y también el extranjero
con su familia, actuando junto a su esposa en las caravanas estelares. Esto
influenció en la niñez de su hijo Raúl "Chóforo".7
Falleció el 3 de febrero de
1994 de diabetes a la edad de 75 años. Esto enlutó al elenco, por lo que por
respeto a su memoria, en el sketch de "Los caquitos" fue retirado el
escenario de la Jefatura de Policía.
El 25 de julio de 2012,
en Tangamandapio, Michoacán, el
pueblo natal de Jaimito, el cartero, se develó una estatua de
bronce de 1.70 cm. de alto en su honor que tuvo un costo superior a los dos
millones de pesos.8 A su
vez, al pueblo de Tangamandapio se le referencia de manera humorística en
varios medios mexicanos, como la TV y el doblaje.
1997:
Muere Johnny Rodríguez,cantante y compositor puertorriqueño.
Cantante y compositor puertorriqueño, nacido en Camuy el 10 de octubre de 1912 y fallecido en Nueva York el 3 de febrero de 1997, hermano de Tito Rodríguez y uno de los primeros cantantes de la isla en triunfar en la metrópoli neoyorquina, a lo largo de una prolongada trayectoria artística de más de medio siglo. Su verdadero nombre era Juan de Capadocia Rodríguez Losada.
Nacido en el seno de una familia de seis hermanos de los que él era el mayor, Johnny se formó en la Escuela Luchetti del Barrio Obrero de San Juan, donde comenzó a desarrollar sus cualidades artísticas. Tras darse a conocer a través de las ondas de la emisora WKAQ y en anuncios de la empresa West Indies Advertising, pasó a ser vocalista en diversas formaciones de su isla natal, entre otras las orquestas de Mario Dumont, Ralph Sánchez, Armando Valdespí, Rafael Muñoz y Noro Morales, y en 1930 organizó el Cuarteto de Estrellas Boricuas, cuyas actuaciones eran radiadas por aquella emisora.
En 1935, un contrato con la importante firma RCA le llevó a Nueva York, ciudad donde desarrolló una prolífica carrera artística como compositor e intérprete. En 1940 formó su célebre Trío de Johnny Rodríguez, integrado por él mismo, el primer guitarra Lalo Martínez y el vocalista Manuel Jiménez. El Trío alcanzó celebridad durante los años de la Segunda Guerra Mundial, una época en la que sus canciones eran radiadas por la cadena CBS a todo el continente americano: de hecho, el programa recibió el elocuente nombre de Música para las Américas. En 1957 regresó a Puerto Rico donde posteriormente fundó un club nocturno, El Cotorrito,que alcanzó fama internacional por lo selecto del público que lo frecuentaba y la calidad de sus actuaciones. Entre las canciones más conocidas de Johnny Rodríguez destacan Fichas Negras, tema con el que triunfó en toda Latinoamérica, y dos piezas compuestas por él mismo: la rumba Campana gancho y el bolero Divino amor. Se mantuvo en activo hasta el mismo momento de su muerte.
MAH
Autor
FUENTE: Texto extraído de http://www.mcnbiografias.com
Al Lewis tuvo una diversa
carrera, comenzando como payaso de circo a finales de 1920, obteniendo luego un PhD
en psicología infantil tras lo cual se dedicó a
dar clases y escribió inclusive un par de libros, antes de trabajar como ojeador de baloncesto para
varios equipos de la NBA y retornar al mundo del entretenimiento, actuando en
varias obras de Broadway y
dando el usual brinco a la televisión. Más tarde, fue también propietario de un
restaurante, candidato político y locutor de radio.
Sus papeles más notorios en la
pequeña pantalla fueron en las series "Car 54, where are you?", donde
interpretó al agente Leo Schnauzer (transmitida originalmente entre 1961 y
1963) y "The
Munsters", la cual a pesar de transmitirse sólo durante un par
de años (originalmente en Estados Unidos entre
1964 y 1966) lo lanzó al estrellato; tal fue su apego al papel del Abuelo
Munster que tras cancelarse la serie, abrió un restaurante en la históricamente
bohemia zona neoyorquina de Greenwich Village que
se llamaba "Grampa's" y, cuando se lanzó para la gobernación de Nueva York,
entabló un juicio para poder aparecer en las boletas electorales como Grandpa
Al Lewis.3 En el
documental Goodbye America dirigido por Sergio Oksman, el actor ya octogenario,
relata su pasado como activista de izquierdas. Lewis perdió la demanda y las
elecciones, tras lo cual se dedicó a conducir un programa de radio de corte
político hasta su muerte. Falleció el 3 de febrero de 2006 en su hogar, a los 95
años.4
2006:
Muere Isidro Coronel Mendoza, compositor mexicano.
Nació en la hacienda
Techahue, Municipio de Atoyac, Jal., el 15 de Mayo de 1935, hijo de Pedro
Coronel y Celsa Mendoza.
Cuando contaba con apenas siete años de edad, asesinaron a su padre; poco
después, su madre se volvió a casar y él fue a vivir con un tío a Gómez Farías,
Jal., donde trabajó en el campo, labrando la tierra.
Ahí vivió de 1948 a 1952. En este lugar inició su carrera artística, al hacerle
una composición, siendo aún niño, a un conejo. Esta fue grabada posteriormente.
Después compuso "Dos caminos".
En 1952, va a Sayula, Jal., donde se integra a un mariachi local, del que llegó
a ser representante. Se inscribió en la primaria en una escuela nocturna. Al
terminarla, estudió una carrera corta de Comercio, la cual no ejerció, por la
vocación y gusto tan definido por su carrera artística y la composición.
En 1961 viaja a la ciudad de México, donde logró el puesto de Director
Artístico de CBS Internacional.
De 1964 a 1967 vivió en California, EUA, por así requerirlo su empleo. Una vez
terminado este periodo, volvió a la ciudad de México, donde permaneció hasta
que la empresa fue vendida a un consorcio japonés, para convertirse en Sony
Internacional.
En 1987 decidió regresar a su tierra natal, pero va a vivir a Guadalajara,
donde radicó hasta el día de su muerte, dedicado a la carrera artística, como
cantante, interpretando principalmente sus canciones. Sus temas han sido
grabados por cantantes como Vicente Fernández, Tony Aguilar, Piporro, Chelo,
Valentina Leyva, Felipe Arriaga, Chelo Silva, Pedro Yerena, Los Barones de
Apodaca, Los Troqueros, Gerardo Reyes, Valeria Trujano, Los Broncos de Reynosa,
etc.
Fue buen ejecutante de guitarra, guitarrón y vihuela. En su juventud jugaba
fútbol, de personalidad normal y carácter fuerte. Aficionado a todo tipo de
música mexicana y la folklórica extranjera.
La obra que le dio mayores satisfacciones es "La Misma", porque ha
tenido éxito internacional, principalmente en España, Argentina, Brasil, Centro
y Sudamérica.
Compuso algunos temas en coautorìa con el Sr. José Vaca Flores y con el maestro
Federico Méndez.
Recibió un trofeo de la editora Mundo Musical, por el éxito de "La
Misma", en 1073. Fue nombrado Hijo Predilecto de Gómez Farías, Jal., el 21
de Mayo de 1983. Diversas dependencias de Gómez Farías y de la región lo
distinguieron con varios reconocimientos; él, en agradecimiento, compuso una
canción.
Recibió también diplomas de la editora Grever International, Mundo Musical, del
Municipio de Atizapán de Zaragoza, Estado de México, y de la Sociedad de
Compositores de Jalisco.
Su vida se configuró por marcadas circunstancias y su gran vocación y gusto por
su carrera artística. De ello da cuenta la siguiente anécdota, que explica cómo
por una eventualidad, se desempeñó como cantante en Guadalajara, desde 1987.
A raíz de su separación de CBS Internacional, había decidido volver a su tierra
natal. Pero a su paso por la ciudad de Guadalajara, pasó a un centro nocturno
para escuchar a unos amigos, quiénes lo invitaron a interpretar algunas
canciones. Él aceptó, y al público pareció haberle gustado.
Al volver a su mesa, el empresario se dirigió a él para invitarlo a firmar un
contrato por una temporada en ese lugar.
Él no se dedicaba a cantar, e intentó dar varias razones por las que no podía
aceptar el contrato. Pero ante la insistencia del empresario, terminó firmando.
El empresario, entonces, le dio una semana para que regresara a la ciudad de
México, a comprarse algunos trajes de charro.
Al poco tiempo, los contratos aumentaron, compró su casa y se quedó a vivir en
Guadalajara.
La mayor satisfacción que ha tenido como compositor, fue en una ocasión, cuando
estaba en CBS, que su secretaria le comunicó que estaba una persona esperando
para ver si lo podía recibir. Al hacerlo pasar, resultó ser un admirador suyo
que había viajado desde España para conocerlo.
Al entrar y platicar con él, el señor se veía muy emocionado. Explicó que no
había sido fácil localizarlo, había comenzado por buscarlo en Garibaldi, en
restaurantes, centros nocturnos, etc., hasta que alguien le informó los datos
de su oficina.
El Mtro. Isidro Coronel Mendoza falleció el 3 de febrero del 2006.
Knight, ingresó como segundo
trompetista de la afamada agrupación cubana, Sonora Matancera,
el 6 de
enero de 1944, y
junto al trompetista Calixto Leicea,
hicieron vibrar a muchas generaciones y dieron el sonido original e
inconfundible de las trompetas en la agrupación.
No es hasta el 3 de agosto de 1950, cuando conoce en los ensayos
en Radio Progreso a Celia Cruz, que a
la vez se integraba como voz femenina invitada por la radiodifusora de la
agrupación. También era invitado el puertorriqueño Daniel Santos y
compartían con Bienvenido Granda cantante
de planta de la Sonora. La pareja con el paso del tiempo luego de
una sólida amistad, comenzó una relación que duró hasta el fallecimiento de
Celia el 16 de
julio de 2003.
El 15 de julio de 1960, los miembros de la Sonora
Matancera se trasladaron a México donde fueron contratados para diversas
presentaciones, de ahí se trasladaron a Florida. En 1961, comenzaron a cantar
en el prestigioso salón de baile Palladium en la ciudad de Nueva York.
Celia y Pedro se casaron
el 14 de
julio de 1962 en Connecticut.
Seguían los contratos y las giras por Estados Unidos, pero él siempre dejó a su
esposa tomar toda las riendas de su vida artística profesional. Había contratos
individuales, aunque él continuó viajando como uno de sus músicos. Cuando llegó
el momento de tomar una decisión irrevocable, conversó con Rogelio Martínez y
le dijo: "Rogelio, tengo un problema. O dejo a Celia viajar sola por
todos lados y sigo con la Sonora, o dejo la Sonora y me voy con Celia. Pero el
problema es que yo me casé con Celia... Rogelio... no con la Sonora Matancera.
Así que tengo que irme con ella. Y si tengo que escoger entre Celia y la
trompeta, yo escojo a Celia". No obstante, Rogelio le dio la venia
correspondiente y le dijo que si él decidía volver, su puesto estaría siempre
disponible. Luego se convirtió en su mánager y representante exclusivo, dejando
a la Sonora Matancera y su trompeta el 30 de abril de 1966.
Pedro tomó medidas para ayudar
a la carrera de su esposa y también se hizo famoso y muy respetado a través de
América Latina. Él sería entrevistado en múltiples ocasiones en programas de
televisión e hizo muchas amistades en el mundo del espectáculo, incluyendo
a Maria
Celeste Arrarás, quien expresó sus respetos hacia él casi tres meses
después de la muerte de Celia Cruz, diciendo en la televisión “recordar (que) a
todos (nosotros) nos gustas”.
La muerte de Celia Cruz devastó
a Knight. Celia Cruz lo llamaba "Cabecita de Algodón", y
"Perucho". Él estuvo a su lado mientras ella sufrió de cáncer,
y en más de una ocasión expresó su esperanza de que ella se recuperara.
Un hecho que no es bien
conocido por el público es que Pedro Knight luchó contra el cáncer; apenas un
día después de que su esposa experimentó cirugía para quitar un tumor canceroso
mamario, él pasó por la misma cirugía, ya que tenía un tumor canceroso también.
Aunque él pudo asistir a varias
actividades dedicadas a su difunta esposa (tal como una firma del libro de
la autobiografía de Celia Cruz), su salud se vio seriamente afectada por su
muerte. El 7 de julio de 2004 él se desmayó durante un evento para recaudar
fondos para el cáncer en Miami, debiendo ser hospitalizado. Los doctores allí
le diagnosticaron hipoglucemia,
causada por su diabetes y
por un quiebre emocional durante la ceremonia.
Knight participó en varios
proyectos póstumos dedicados a su esposa, incluyendo libros, discos compactos y
una película biográfica. Algunos de los familiares de Cruz lo acusaron de usar
la fortuna que ella dejó para su propio beneficio (febrero de 2007).
El 16 de febrero de 2006 volvió a ser
hospitalizado, después de sufrir de dolores en su brazo izquierdo, siendo
internado en la unidad de cuidados intensivos, al parecer a causa de una
afección al miocardio (ataque cardíaco).
Le sobreviven a Knight una hija
de su primer matrimonio con Santa Díaz Reinero, Ernestina Knight,
quien vive en Tampa, y
seis hijos más que viven en La Habana: Pedro
Jr., Roberto, Emilia y Gladys, habidos con Esther González.
Nació en Cali, Valle
del Cauca, en 1945 y terminó el
bachillerato en Bogotá. Más tarde estudió dos años de Derecho en la Universidad
Santiago de Cali.
Militó en el Partido
Comunista Colombiano. Inició su carrera en 1968 como director de
cine documental y argumental y ocasionalmente como actor. Hizo parte del
llamado grupo
de Cali que también integraban Luis Ospina, Andrés Caicedo, Ramiro Arbeláez y Sandro Romero Rey,
todos ellos aficionados al cine, con quienes fundó el Cine Club de Cali
en 1971 y la revista Ojo
al Cine, en 1974, y en ese mismo año produjo, junto a Jaime Osorio, el documental ¡Chile no se
rinde, carajo!, que muestra imágenes de los [[Anexo:Centros de detención
política y tortura en Chile (1973 - 1990)|campos de
concentración]] de Augusto Pinochet y las marchas de repudio
internacional hacia su dictadura. De formación autodidacta, alternó la realización de sus primeros
trabajos audiovisuales con cineforos en fábricas y sindicatos de la ciudad de
Cali.
A finales de la década
de 1980 se vinculó a la televisión como director de documentales y
seriados. Dirigió dos largometrajes argumentales: La
mansión de Araucaima, una cinta basada en la novela homónima de Álvaro Mutis que recibió el premio especial del
Festival de Río de Janeiro y Carne de tu carne que contó con la actuación
de Adriana
Herrán, David
Guerrero, Vicky Hernández, Santiago García, Sebastián Ospina y el mismo
Mayolo; Además, participó como director asistente en el largometraje Fuga
dirigido por Nello Rossati y dirigió las series de televisión Cuentas
claras, Chocolate espeso, Cuentos de espanto, Suspenso
7:30 PM, Laura por favor, Litoral, La otra
raya del tigre, Hombres, Brujeres y la ganadora
de diecisiete premios Simón Bolívar y 6 nominaciones
en el Festival de
cine de Cartagena en 1991Azúcar (1989), una serie sobre la
sociedad vallecaucana tradicional que vive alrededor de los ingenios azucareros, la cual alcanzó altos niveles de
sintonía y rompió con los cánones tradicionales de producción en televisión.
Ganó diferentes
premios inicialmente con cortometrajes entre los que se destacan La
Hamaca, Asunción, Bienvenida a Londres y Agarrando pueblo, codirigido con Luis Ospina como crítica a la Pornomiseria, galardonado en 1976 en el Festival
Novaix Taixeira de Francia y Oberhausen en Alemania. Los mediometrajesCali Calidoscopio y Aquel
19 fueron merecedores de la mejor propuesta documental y argumental
de Focine.
Además de su larga
carrera como realizador, Mayolo actuó en películas como En busca de
María de Luis Ospina y Jorge Nieto, interpretando al
director español Máximo Calvo; Agarrando pueblo, codirigida con
Luis Ospina, en la que realiza el primer desnudo masculino del cine
colombiano; Pura sangre de Luis Ospina; Cobra
verde de Werner Herzog, compartiendo escena
con el efervescente y explosivo Klaus Kinski1 y los seriados de televisión Mi
alma ser la dejó al diablo y Los pecados de Inés de Hinojosa.
Se define por el
empleo de una estética de corte “gótico tropical”, que en palabras de Mayolo es
“una versión de esas historias donde hay casas en que se siente el miedo, casas
vacías que amenazan (… del gótico inglés o del sur
de Estados Unidos) que existen en todo
el mundo y que al ser trasladadas a América Latina, se convierten en una especie de
parodia”.[cita requerida]
Hija de la
modelo rumana Maria Cristina Schneider y del actor Daniel Gélin,
quien nunca la reconoció como hija. En ese sentido María dijo: «Estoy
cansada de que me presenten como la hija de Daniel Gelin, cuando él nunca me ha
reconocido. Lo he visto tres veces en mi vida». [cita requerida]
María Schneider
hizo su debut en el escenario con sólo 15 años, sin haber recibido clases de
interpretación. Dos años más tarde, obtuvo su primer papel de protagonista en
el cine, con la película El árbol de Navidad (1969) de Terence Young,
junto a William Holden y Virna Lisi.
Poco después realizó una pequeña aparición en la película Madly,
junto a Alain Delon.
Rápidamente,
Maria multiplicó sus interpretaciones en producciones francesas,
así como alemanas e italianas,
por lo que se presentó a un casting para un proyecto de Bernardo Bertolucci. Seleccionada entre cientos
de candidatas, la actriz protagonizó junto a Marlon Brando la
película que le llevó a la consagración: El último tango en París. En esta
película, dijo años después, haberse sentido engañada y «humillada y para ser
honesta un poco violada por ambos, por Marlon y por Bertolucci»2
en la célebre escena de la mantequilla, concebida en secreto por Bertolucci
junto con el mismo Brando, sin informar a María del uso de la mantequilla,
aunque ella sabía perfectamente que habría una escena de violación.3
Años más tarde Bertolucci lo confesó en una entrevista diciendo que se sentía
culpable, «no quería que fingiese la humillación, quería que la sintiese» pero
que no se arrepentía.4
En el 2016, con motivo de la celebración del Día
Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, las
declaraciones de Bertolucci en 2013 volvieron al primer plano de la actualidad,
generando algunas polémicas y pidiendo que la acción del cineasta no quedara
impune.5
Durante los
años 70 goza de prestigiosos compañeros en sus películas, como Jack Nicholson en Profesión
reportero, David Bowie y Marlene Dietrich en Just
a gigoló, o Gérard Depardieu en Violante.
Abandonó el rodaje de Calígula para ingresar en una clínica
psiquiátrica.
Fue nominada
para el premio César a la mejor actriz secundaria
en 1980 por
su papel como prostituta violenta y malsana en la película La
Dérobade (Memorias de una puta francesa).
Continuó su
carrera en Europa durante
los años 80, pero en interpretaciones menos significativas y principalmente
para televisión. Durante los años 90 hizo algunas apariciones en el cine, en Les Nuits
Fauves y Jane Eyre. En Les Acteurs (año 2000) aparece con un papel
semi-autobiográfico de actriz maldita.
Su última
aparición en el cine fue en el año 2009, cuando tuvo un papel
en la película La cliente, de Josiane Balasko.6
Comenzó su carrera artística en el célebre Teatro Goodman de Chicago. Pese a que su trayectoria se forja sobre los escenarios, su presencia posterior fue más destacada en cine y, sobre todo en televisión.
Su popularidad comenzó con la serie de televisión Viaje al fondo del mar (1964-1968), en la que interpretó el personaje de Doc. Sin embargo, el papel que le lanzó a la fama fue el del honesto y sufrido Nels Oleson casado con la insufrible Harriet (Katherine MacGregor) en la popular serie de la cadena NBCLa casa de la pradera, conocida en México como "Los Pioneros". Bull interpretó el personaje durante los nueve años que la serie se mantuvo en pantalla, entre 1974 y 1983, compartiendo créditos con Michael Landon protagonista y productor de la serie.
En 1994 abandonó la ciudad de Los Ángeles para instalarse definitivamente en Chicago. Falleció el 3 de febrero de 2014 en Calabasas (California) a los 89 años de edad.
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