Un día como hoy 8 de febrero ~ Las efemérides de Gus

El 8 de febrero es el 39.º (trigésimo noveno) día del año en el calendario gregoriano. Quedan 326 días para finalizar el año y 327 en los años bisiestos.

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1828:

Nace Julio Verne, novelista francés de ciencia ficción (f. 1905).

Jules Gabriel Verne, conocido en los países hispanohablantes como Julio Verne (Nantes, 8 de febrero de 1828-Amiens, 24 de marzo de 1905), fue un escritor, poeta y dramaturgo francés célebre por sus novelas de aventuras y por su profunda influencia en el género literario de la ciencia ficción.

Nacido de una familia burguesa en la ciudad portuaria de Nantes, Verne estudió para continuar los pasos de su padre como abogado, pero muy joven decidió abandonar ese camino para dedicarse a la literatura. Su colaboración con el editor Pierre-Jules Hetzel dio como fruto la creación de Viajes extraordinarios, una popular serie de novelas de aventuras escrupulosamente documentadas y visionarias entre las que se incluían las famosas Cinco semanas en globo (1863), Viaje al centro de la Tierra (1864),De la Tierra a la Luna(1865),Veinte mil leguas de viaje submarino(1870), La vuelta al mundo en ochenta días (1872) y La isla misteriosa(1874)

Julio Verne es uno de los escritores más importantes de Francia y de toda Europa gracias a la evidente influencia de sus libros en la literatura vanguardista y el surrealismo,¹ y desde 1979 es el segundo autor más traducido en el mundo, después de Agatha Christie.² Se le considera, junto con H. G. Wells, el «padre de la ciencia ficción».³ Fue condecorado con la Legión de Honor por sus aportes a la educación y a la ciencia.⁴

Biografía[editar]

Infancia y juventud[editar]

Nació en el barrio Île Feydeau de Nantes, Francia, el 8 de febrero de 1828. Era el mayor de los cinco hijos que tuvo el matrimonio formado por Pierre Verne, que procedía de una familia vinculada a la jurisprudencia (su abuelo fue consejero notario de Luis XV y presidente del Colegio de Abogados de Nantes), y de Sophie Allotte de la Fuÿe, perteneciente a una familia de militares. Su hermano Paul nació un año después de él, y sus tres hermanas, años más tarde: Anna, en 1837; Mathilde, en 1839, y Marie, en 1842. En 1839 ingresa en el colegio Saint-Stanislas donde demuestra su talento en geografía, griego, latín y canto. Cuando terminó su primer ciclo de estudios su padre, Pierre Verne, le regaló a él y a su hermano, Paul, un foque de vela con el que planearon descender por el Loira hasta el mar; sin embargo, Julio declinó al momento de emprender la aventura ya que no había sido suficiente la planificación del viaje.

Muchos biógrafos afirman que en 1839, a los once años, se escapó de casa para ser grumete en un mercante que viajaba a India llamado Coralie, con la intención de comprar un collar de perlas para su prima Caroline (de quien estaba enamorado), pero su padre alcanzó el barco y bajó a Julio. Y desde allí empezó a escribir historias, pero realmente el interés por escribir se le da cuando una maestra le cuenta anécdotas de su marido marinero. Verne estaba interesado en la poesía y la ciencia. Leía y coleccionaba artículos científicos, demostrando una curiosidad casi enfermiza que le duraría toda la vida. En 1846 regresa del Liceo Real de Nantes con un alto promedio; probablemente gana un premio de geografía.

En 1847 comenzó sus estudios de derecho en París. Su prima Caroline se compromete. Escribe una obra de teatro: Alejandro VI. En 1848 fue introducido por su tío Francisque de Chatêaubourg en los círculos literarios, donde conoció a los Dumas, padre e hijo; el primero tendrá gran influencia personal y literaria en Verne. En 1849 obtiene el título de abogado y su padre le permite permanecer en París. Sigue escribiendo teatro. Su padre quiso que se dedicara a su carrera en la abogacía, pero él no estaba por esa labor y su padre, enfadado con él, dejó de financiarle. Además, todos sus ahorros los gastó en libros, mientras pasaba largas horas en las bibliotecas de París queriendo saberlo todo. Verne apenas tenía dinero para poder alimentarse, lo que le ocasionó tantos trastornos digestivos ,ocasionándole desarreglos estomacales e incontinencia fecal,así como trastornos nerviosos que acabarían por desfigurarle la cara y le ocasionarían parálisis facial

:Trabajo de la mañana a la noche sin parar, y así todos los días (...) El estómago sigue bien, pero los tirones de la cara me molestan mucho; además, como tengo que tomar siempre algo, ya no duermo absolutamente nada. (...) Todas estas molestias proceden de los nervios que tengo siempre en extrema tensión.

Mayor Orguillés, David, Grandes Biografías: Jules Verne

Así escribe, pues, una carta a su madre, hablando de los problemas surgidos por la falta de alimentación:

:Una vida que limita al norte con el estreñimiento, al sur con la descomposición, al este con las lavativas exageradas, al oeste con las lavativas astringentes (...) Es probable que estés enterada, mi querida madre, de que existe un hiato que separa a ambas posaderas y no es sino el remate del intestino. (...) Ahora bien, en mi caso el recto, presa de una impaciencia muy natural, tiene tendencia a salirse y, por consiguiente, a no retener tan herméticamente como sería deseable su gratísimo contenido. (...) graves inconvenientes para un joven cuya intención es alternar en sociedad y no en suciedad. ¿Por qué por decirlo de una vez?

Mayor Orguillés, David, 'Grandes Biografías: Jules Verne'

En 1850, a los veintidós años de edad, escribe una comedia ligera, Las pajas rotas que logra estrenar en París gracias a Dumas, con modesto éxito. Al año siguiente publica en la revista ilustrada El museo de las Familias dos relatos: «Martín Paz» (una fantasía inspirada en las pinturas del artista peruano Ignacio Merino) y «Un drama en México» (un cuento histórico inspirado por el Viaje al equinoccio americano, del naturalista y explorador alemán Alexander von Humboldt) y varias obras teatrales, libretos para operetas de moda y novelas cortas. Durante esta época es secretario del Teatro Nacional de París, recomendado por Dumas. Pero el poco dinero que puede reunir lo invierte en un piano.

En mayo de 1856 conoce a quien será su futura esposa, una mujer llamada Honorine Deviane Morel, que es viuda de Morel y madre de dos hijas (Valentine y Suzanne). Se casa (traicionando la causa de su misógino grupo de amigos Los once sin mujer) con Honorine el 10 de enero de 1857, creyendo que encontrará la estabilidad emocional que le falta. Le pide a su padre 50 000 francos para invertir en la bolsa; tras una larga discusión su padre accede.

El matrimonio, en vez de ayudarle, le desespera rápidamente. Cada vez que se le presenta la oportunidad, escapa de sus deberes de cónyuge. En una ocasión en la que el matrimonio viaja a Esomes para pasar una temporada con la hermana de Honorine, Julio toma un barco rumbo a Escocia, obligando a su mujer, que no sabía nada de él, a regresar sola a París (ésa es la primera vez que Verne viaja en barco). Después decide emprender otro viaje a Noruega y Dinamarca.

Cuatro años después de contraer matrimonio, Julio planea un viaje, que se traduciría después en dejar sola a Honorine mientras ésta daba a luz al único hijo fruto del matrimonio, Michel Verne.

1862:

Nace Federico Barrreto, poeta peruano.

Federico Barreto Bustíos (n. Tacna, Perú, 8 de febrero de 1862 - f. Marsella, 30 de octubre de 1929) fue un poeta peruano conocido como «El cantor del cautiverio».

Índice

· 1Biografía

· 2La poesía de Federico Barreto

· 312345

o 3.1Cultura popular

· 4Notas

· 5Enlaces externos

Biografía[editar]

Su padre, Federico María Barreto, fue coronel de infantería del ejército peruano.

Federico Barreto vivió en Tacna durante la ocupación chilena que siguió a la Guerra del Pacífico. En esta ciudad llevó a cabo una intensa vida intelectual y periodística, abogando por la peruanidad de los territorios ocupados por Chile y oponiéndose a la chilenización.

Fue miembro fundador del semanario El Progresista (1886) y del Círculo Vigil (1888). Con su hermano José María, integró el grupo literario llamado "La Bohemia Tacneña", en cuya revista literaria Letras colaboraron, entre 1896 y 1898, escritores como Rubén Darío, Clemente Palma, José Enrique Rodó y José Santos Chocano.

En 1911, ante la indiferencia de las autoridades, una turba asaltó y destruyó, durante más de cuatro horas, las imprentas que publicaban los dos diarios peruanos de Tacna: La Voz del Sur y El Tacora (dirigido por Andrés Freyre Fernández).

En 1912, publicó el poemario Algo mío, el cual le ganó gran popularidad en el público, que agotó la edición. En 1924 se publicó una segunda edición, igualmente agotada.

En 1921, publicó el relato La Procesión de la Bandera.- Episodio histórico del cautiverio de Tacna.

En 1925, habiéndose planteado la realización de un plebiscito (que nunca se llevó a cabo) para que las ciudades de Tacna y Arica decidan a qué país integrarse, integró la Comisión de Propaganda de la Delegación Peruana. Basado en esta experiencia, escribió Frente al morro, un diario de la vida a bordo del navío "Ucayali", en el cual se estableció la delegación peruana frente al puerto de Arica.

En 1927, publicó el poemario Aroma de mujer.

Federico Barreto murió en Marsella, Francia, el 30 de octubre de 1929, el mismo año en que Tacna volvió a suelo peruano.

En 1968, sus restos fueron repatriados desde Marsella e inhumados en el Cementerio General de Tacna.

https://www.youtube.com/watch?v=3kvEKW6bSwI

1878:

Nace Martin Buber, filósofo y escritor israelí (f. 1965).

Martin Buber (Viena, 8 de febrero de 1878 - Jerusalén, 13 de junio de 1965) fue un filósofo y escritor judío austríaco-israelí. Es conocido por su filosofía de diálogo y por sus obras de carácter existencialista. Sionista cultural, anarquista filosófico, existencialista y partidario de "una tierra para dos pueblos" buscando el diálogo entre judíos y árabes en Palestina.

Biografía[editar]

Martin (en hebreo: Mordechai) Buber nació el 8 de febrero en Viena en el seno de una familia de eruditos judía. Sus padres se divorciaron y no tuvo otra salida que pasar gran parte de su niñez en la casa de sus abuelos Salomon Bubery Adela Buber, situada en Leópolis (en la actualidad Ucrania). Buber era multilingüe: en su casa se hablaba yidis y alemán, en su infancia aprendió el francés y el hebreo, y en la escuela secundaria aprendió polaco.

En 1896, Buber se fue a estudiar a la Universidad de Viena, y en 1898 se unió al movimiento sionista, participando en diversos congresos. En 1899 asistió al Tercer Congreso Sionista, tomando influencias de Ahad Haam, y se fue a estudiar a Zúrich. Allí, Buber conoció a Paula Winkler, de Múnich, la que pronto se convertiría en su esposa, y dos años más tarde, tendría dos hijos: Rafael y Eva.

En 1901 empezó a editar una revista de clara tendencia sionista: "Die Welt" (El Mundo), pero a Theodor Herzl no le agradaban para nada las ideas políticas y sociales de Buber, por lo que éste tuvo que abandonar la revista.

En 1904, Buber se dedicó plenamente al estudio y a la escritura, y dio a conocer al público su tesis: Beiträge zur Geschichte des Individuationsproblems. Un par de años más tarde, tradujo una serie de textos y cuentos del autor Rebe Nachman de Breslov al alemán, y tuvo una buena aceptación.

En la época entre 1910 y 1914, Buber estudió y escribió sobre textos místicos. Durante la Primera Guerra Mundial, ayudó a establecer la Comisión Nacional Judía para mejorar la condición de los judíos que vivían en la Europa del Este. En 1916 fundó un periódico: Der Jude ("El Judío"), aquel mensual sólo duró hasta 1924.

En la época que transcurre desde 1923 hasta 1933, Buber fue un profesor reconocido en la Universidad de Francfort. También trabajó conjuntamente con Franz Rosenzweig para traducir la Biblia hebrea (Antiguo Testamento) al alemán. Entre los años 1926 y 1928 edita una publicación titulada Die Kreatur (La Criatura).

En 1933, después del ascenso de Hitler al poder, fundó la Oficina Central para la Educación Judía Adulta, que fue de mucha importancia y de gran ayuda después de la prohibición de asistencia de los judíos a las escuelas públicas, a pesar de que el partido nazi obstruyó todo lo posible esta organización.

En 1938 emigró a Jerusalén, donde enseñó filosofía social en la Universidad Hebrea de Jerusalén, llegando a ser jefe del Ihud, un movimiento que apoyaba la cooperación entre árabes y judíos. En 1946 publicó su trabajo Paths in Utopia, en el que detalló sus puntos de vista y, sobre todo, su teoría de la Comunidad de Diálogo.

En 1951 recibe el Premio Goethe de la Universidad de Hamburgo, y en 1953 es obsequiado con el Premio Paz de la Cámara del Libro alemana. En 1963 recibe el Premio Erasmus.

1885:

Nace Juan Viladomat, compositor español.

Este músico nace en Manlleu, Cataluña (España), un pueblo de raigambre industrial. Hijo de un barbero y hermano mayor del escultor Josep Viladomat; con quince años toca en la banda municipal.

Es autor de "Fumando espero", estrenado en 1923 y publicado en Buenos Aires en 1928, en la revista El Alma Que Canta. Se trata del primer tango que viaja inusualmente de Europa a Sudamérica, pero no el único del compositor, puesto que entre su dilatada producción destacan "Celos no!", "Julieta (Mi primer tango)", con el que gana un premio en el concurso que convoca la revista Vida Gráfica en 1925, "Tango prohibido", "El tango de la mandra", con letra de Amichatis, "Al Sena", éxito de Pilar Alonso, "Nubes de opio", "Vuelve a mí", "La canción de Margot", "Mina divina", "Vuelve", "Por ti", "Mi locura".

Viladomat cursa estudios en el seminario de Vic, el conservatorio del Liceo de Barcelona y, según cita la enciclopedia Espasa, perfecciona estudios en París.

Se casa con una vendedora de tabaco del pueblo (toda una premonición para el compositor que dedicaría su tango más famoso al cigarrillo) y se instala en el Paralelo de Barcelona donde abre una Academia de Varietés. Se rodea de un entramado de músicos, copistas, letristas, tonadilleras y empresarios con los cuales nace una auténtica industria del cuplé, bajo la etiqueta irónica de “género ínfimo”. Así es autor y coautor de unos treinta títulos entre zarzuelas y revistas.

El "Fox-trot de las campanas", publicado por la editorial alemana Bote & Bock, triunfa en los cabarets alemanes de entreguerras, éxito que se repite con el cuplé "El Regreso" en los bulevares del Sena en los años veinte, tras ser publicado por Editions Francis Salabert en París. La sardana "Catalunya plora", dedicada a la muerte del poeta Ángel Guimerá, no ha dejado de sonar en Cataluña hasta la actualidad, tal como el popularísimo "El vestir de Pasqual".

En 1926, se hacen más de 500 funciones del cuadro lírico “El tango de la cocaína”, en el teatro Victoria de Barcelona. El legado de Viladomat contiene centenares de títulos, manuscritos e impresos, y unas veinte grabaciones en discos de pizarra.

Pero sin duda "Fumando espero", con letra de Félix Garzo, es su mayor éxito en el género y ha sido objeto de decenas y decenas de versiones.

Se estrena en 1923 dentro de la revista La Nueva España, con música de Viladomat y Vicente Pastallé. En 1926 lo graba por primera vez, en disco de piedra, Ramoncita Rovira. Está presente también en discos de Rosita Quiroga, Ignacio Corsini, Argentino Ledesma, Roberto Firpo, Carlos Dante con Alfredo De Angelis, Libertad Lamarque con Víctor Buchino, Héctor Varela, Carlos Acuña, La Bella Dorita, Imperio Argentina, Pilar Arcos y Mary Santpere, entre otros.

Donde adquiere mayor relieve es en la película El último cuplé, récord de recaudación en 1957, cantada por Sara Montiel que la incorpora a su repertorio. En Argentina lo introduce el grupo Los Mexicanos. El tango sigue acumulando versiones por Europa, América y Asia. Así, donde sigue siendo más aclamado es en Argentina, pero su eco, según la recaudación de la Sociedad de Autores, se repite año tras año en países tan distintos como Chile, Francia, Colombia, Estados Unidos, Brasil, Canadá, Reino Unido, Serbia, Holanda, Portugal, Ecuador, Bélgica, Suiza, Dinamarca, Venezuela, Finlandia, Uruguay, México, Alemania, Bolivia, Turquía y Japón, entre otros.

Fuentes:
- Archivo familiar del compositor.
- Testimonio oral de Maria Rosa Viladomat, nieta del músico.
- Grané, Marta. Joan Viladomat, del carrer del pont al Paral·lel. Collell, Jaume. Viladomat, Buenos Aires, Berlín. Manlleu, músics del XX, Museu de Manlleu 1992.
- Collell, Jaume. Viladomat o la indústria del cuplet. Revista l’Avenç enero 2011, pàg 64-67.

https://www.youtube.com/watch?v=mA9t6TC9jo4

1914:

Nace Bill Finger, escritor estadounidense, famoso por ser el co-creador¹ del personaje Batman junto a Bob Kane.

Bill Finger(8 de febrero de 1914 - 18 de enero de 1974) fue un escritor estadounidense, famoso por ser el co-creador¹ del personaje Batman junto a Bob Kane. Su labor no fue debidamente reconocida en un principio, pero años más tarde Kane admitió que Finger fue "una fuerza que contribuye" en la creación del personaje, y el historiador de cómics Ron Goulart se ha referido a Batman como la "creación del artista Bob Kane y del escritor Bill Finger".

Finger adicionalmente ayudó a crear enemigos de Batman como The Joker, El Pingüino, Catwoman, Dos Caras, Enigma, entre otros. También escribió muchas de las historias originales de Linterna Verde en los Años 1940 y pasaría a contribuir en el desarrollo de numerosas series de cómics.

1921:

Nace Lana Turner, actriz estadounidense (f. 1995).

Julia Jean Mildred Frances Turner (Wallace, Idaho, 8 de febrero de 1921 - Los Ángeles, 29 de junio de 1995), conocida como Lana Turner, fue una actriz estadounidense, símbolo sexual de los años 40.

Biografía[editar]

Lana Turner nació el 8 de febrero de 1921, en Wallace, Idaho (Estados Unidos), pero pronto se trasladó con su familia a las costas de California. En Stockton, vivian en una casa compartida por un grupo. Poco tiempo después, su madre, Mildred Frances Cowen, la envió a una familia de Stockton, los Hislop. Los domingos, Lana acudia con ellos a misa. "El rito me emocionaba tanto que me quise convertir. Y mi madre accedió", cuenta en sus memorias. Su padre estaba furioso por su conversión, sin embargo siempre quiso satisfacer las necesidades materiales de su hija¹.

Con apenas 16 años ya era una mujer de gran belleza y físico rotundo; pero no era buena estudiante y no acudía a muchas clases. Así fue descubierta para el mundo del espectáculo. Un día en que se ausentó de una clase de mecanografía, fue vista por un cazatalentos mientras tomaba una bebida en un local público, y en poco tiempo fue puesta en contacto con el cómico Zeppo Marx, quien gestionaba una agencia de actores.

Primeros papeles[editar]

Su primera aparición en la pantalla grande consistió en un breve papel en la película Ha nacido una estrella (1937) de William A. Wellman. Ese mismo año consiguió mejores papeles en dos clásicos imprescindibles como The Great Garrick de James Whale y They won´t forget de Mervyn LeRoy. Otras películas como Andy Hardy se enamora(1938), junto a Mickey Rooney, o la comedia fantástica La pareja invisible (Topper, 1937) de Norman Z. MacLeod, junto a Cary Grant y Constance Bennett, hicieron que Lana Turner fuera más conocida debido a su imponente físico. Pero cuando verdaderamente saltó al estrellato fue en la década de 1940.

1925:

Nace Jack Lemmon, actor estadounidense (f. 2001).

John Uhler Lemmon III (Newton, Massachusetts, 8 de febrero de 1925-Los Ángeles, California, 27 de junio de 2001), más conocido como Jack Lemmon, fue un actor estadounidense. Ganó dos Premios Óscar de ocho nominaciones: el primero en 1955, por la película Escala en Hawaii como mejor actor de reparto; y el segundo, en 1974, por Salvad al tigre como mejor actor.

Biografía[editar]

Años 1950[editar]

Empezó interpretando a personajes secundarios en películas como el musical cómico-dramático Marino al agua(1953), La rubia fenómeno (1954), Pfhht! (1954), Mi hermana Elena (1955), Fuego escondido (1957) o Cowboy (1958). Por su trabajo en Escala en Hawaii (1955) gana su primer premio Óscar, en este caso al mejor actor secundario.

En Operación Gran baile (1957) obtuvo su primer papel coprotagonista y en Me enamoré de una bruja (1958) compartió cartel con Kim Novak y James Stewart. Pero, fue con Con faldas y a lo loco (1959) cuando empezó su éxito y también su primera película con el que sería su director fetiche: Billy Wilder. En ella se travestía de cantante junto con Tony Curtis para esconderse de unos gánsteres que querían asesinarles. Una vez en sus nuevas identidades conocen a una ingenua cantante, interpretada por Marilyn Monroe, y el personaje de Curtis se enamora de ella.

Años 1960[editar]

Supuso su gran momento, en cuanto a popularidad y a reconocimiento por parte de la crítica. El apartamento (1960), junto a Shirley MacLaine y Fred MacMurray, puso de relieve la maestría de este actor para dominar los matices de un personaje tan sencillo, pero rico en matices. La película ganó varios Oscar y Jack Lemmon ya era conocido por todos.

Su siguiente película importante fue Días de vino y rosas (1962), dirigida por Blake Edwards. Un melodrama sobre el alcoholismo que protagoniza junto a Lee Remick y Charles Bickford. Después interpretó al protagonista de la comedia La misteriosa dama de negro (1962), nuevamente con el director Richard Quine y Kim Novak. En 1963, tres años después repite papel protagonista junto a Shirley MacLaine en Irma la dulce.

Pero, su carrera cambió en 1966. Lemmon y Walter Matthau llevaron al cine En bandeja de plata (1966), y todo cambió. La película fue un éxito rotundo y se convirtieron en una pareja de cine inseparable. Billy Wilder volvió a dirigirles en Primera plana (1974) y Aquí un amigo (1981).

Años 1970 y 1980[editar]

Por su actuación en Salvad al tigre (1973) ganó su único premio Óscar como mejor actor principal; en realidad este galardón hay que considerarlo tardío o de consolación porque Lemmon había tenido papeles muy superiores en la década anterior.

En esta época inició su madurez interpretativa como actor, con incursiones en un cine más comprometido y dramático que antaño. A modo de ejemplos: El prisionero de la segunda avenida (1975) y El síndrome de China (1979).

Volvió a estar nominado al Oscar por su papel en Desaparecido (1982), basado en la historia real del periodista estadounidense Charles Horman. También actuó en la obra de teatro Long Day's Journey into Night (1986) y de televisión El asesinato de Mary Phagan (1988).

Años 1990[editar]

En su última etapa redujo su actividad, aunque participó en filmes de prestigio, como JFK (1991) de Oliver Stone, Éxito a cualquier precio (Glengarry Glen Ross) de James Foley, Short Cuts (1993) de Robert Altman y Hamlet de Kenneth Branagh.

En 1996 le fue otorgado el Oso de oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en agradecimiento a toda su carrera.

En 1998, durante la ceremonia de los Globo de Oro, el actor Ving Rhames resultó vencedor frente a su gran ídolo, Jack Lemmon, y decidió entregarle su premio como reconocimiento a su gran carrera. Acto seguido, todos los asistentes a la gala se pusieron en pie para aplaudir tan noble gesto.

Muerte[editar]

Murió el 27 de junio de 2001, en Los Ángeles, tras haber luchado en privado durante dos años con un cáncer de vejigametastásico (que algunas fuentes citan erróneamente como colorrectal, aunque efectivamente se extendió a este órgano).¹ Está inhumado en el Westwood Village Memorial Park en Westwood, muy cerca de las tumbas de sus amigos Walter Matthau (que murió un año casi exacto antes) y Billy Wilder^{[cita requerida]}. Su epitafio simplemente reza:

«JACK LEMMON

in»

, es decir, «JACK LEMMON en»; como si de los créditos de una película se tratase.²

1931:

Nace James Dean, actor estadounidense (f. 1955).

James Byron Dean (Marion, Indiana; 8 de febrero de 1931-Cholame, California; 30 de septiembre de 1955) fue un actor estadounidense de cine, teatro y televisión. Después de realizar papeles menores en programas de televisión y obras de teatro durante comienzos de la década de 1950, se mudó a Los Ángeles (California).

Dean es un icono cultural de desilusión adolescente, tal como se expresa en el título de su película más célebre: Rebelde sin causa (1955), en la que interpretó el papel del problemático adolescente de Los Ángeles, Jim Stark. Los otros papeles que definieron su estrellato fueron el del solitario Cal Trask en East of Eden (1954) y el del peón Jett Rink en Gigante (1955). Su duradera fama y popularidad se basan en sus actuaciones en estas tres películas, donde en cada una de ellas encarnó a su protagonista.¹

Su muerte prematura en un accidente automovilístico cimentó su estatus de leyenda.² Fue el primer actor en recibir una nominación póstuma al Óscar como mejor actor y aún se mantiene como el único actor que ha tenido dos nominaciones póstumas.³ En 1999, el American Film Institute lo colocó en el 18.º puesto como mejor estrella de cine masculina en su lista AFI's 100 años... 100 estrellas.⁴

Primeros años[editar]

Nació como James Byron Dean en Marion, en el estado de Indiana. Sus padres fueron Mildred Winslow y Winton Dean. Seis años después de que su padre hubiese dejado de ser agricultor para ser técnico dental, James y su familia se mudaron a Santa Mónica, California, donde la familia pasó varios años. Se cuenta que el joven Dean fue un hijo muy apegado a su madre; según Michael DeAngelis, ella fue «la única persona capaz de comprenderle». Se matriculó en la escuela pública de primaria Brentwood, en el vecindario del mismo nombre de la ciudad de Los Ángeles hasta que su madre murió de cáncer (Dean tenía nueve años en ese entonces).

Sin opción de poder cuidar a su hijo, Winton Dean mandó a James con su hermana, Ortense, y su marido, Marcus Winslow a una granja en Fairmount, Indiana, donde fue educado en un entorno de influencia Cuáquera. Dean se guio por los consejos y la amistad del pastor metodista Reverendo James DeWeerd. A DeWeerd se le supone haber tenido una influencia formativa sobre Dean, especialmente en haber creado un interés en los toros, las carreras de coches y el teatro. Según Billy J. Harbin, «Dean mantuvo una relación muy cercana con su pastor... la cual comenzó en su último año de escuela secundaria y duró muchos años». En la escuela secundaria, las representaciones teatrales hechas por Dean pueden considerarse como pobres. Sin embargo, llegó a ser un atleta popular, ya que jugó en los equipos de baloncesto y de béisbol y además estudió dramatización.

Años después se supo que Dean se llevó un secreto a la tumba que fue desvelado gracias a Elizabeth Taylor. La actriz se lo contó a un periodista y le pidió que no lo sacara a la luz hasta que ella hubiese muerto. En 1997, Taylor fue entrevistada por Kevin Sessums para la revista POZ de activismo contra el SIDA. En aquella entrevista, la actriz reveló un dato no conocido sobre Dean:

«Amaba a Jimmy (James Dean). Te voy a decir una cosa, pero es off the record hasta que muera, ¿de acuerdo? Cuando Jimmy tenía 11 años y su madre murió, empezó a sufrir abusos sexuales por parte del pastor de su iglesia», desveló entonces la actriz, según recoge The Daily Beast. «Creo que aquello le atormentó por el resto de su vida. En realidad, sé que fue así. Hablábamos mucho sobre ello. Durante el rodaje de “Gigante” pasábamos noches en vela hablando y hablando, y esa fue una de las cosas que me confesó», afirmó Taylor.⁵⁶

Amaba el teatro, comenzó a estudiarlo y a practicarlo desde muy joven. Antes de salir de su pueblo ya había representado varias obras. A los 18 años viajó a Los Ángelesdonde cursó sus estudios en la Universidad de California, (UCLA). En diciembre de 1949 empezó a conseguir pequeños papeles en cine y televisión, también hizo un famoso anuncio de Pepsi (ese día conoció a su representante Isabelle Dreasemer). Pronto se trasladó a Nueva York para estudiar interpretación en el famoso Actor's Studio.

1932:

Nace John Williams, compositor estadounidense.

John Towner Williams (n. Floral Park, Nueva York; 8 de febrero de 1932) es un compositor y director de orquesta estadounidense. En una carrera que se ha extendido por más de seis décadas, Williams ha compuesto varias de las más famosas y reconocibles bandas sonoras de la historia del cine, muchas de ellas pertenecientes a las cintas más exitosas de todos los tiempos como: Tiburón, E.T., el extraterrestre, Superman, Star Wars, Indiana Jones, Parque Jurásico, La lista de Schindler, Home Alone y Harry Potter.

Ha trabajado con el célebre director Steven Spielberg desde 1974 y ha compuesto la música de toda su obra, a excepción de tres películas. También ha realizado composiciones musicales para diversos Juegos Olímpicos, numerosas series de televisión, noticieros y varias piezas de concierto.¹

Williams ha ganado el Óscar en cinco ocasiones y tiene en su haber 51 nominaciones, consagrándolo como el segundo hombre con más nominaciones al máximo galardón del séptimo arte después de Walt Disney.² También posee cuatro Globos de Oro, siete BAFTA y veintitrés Grammy. En 2005, su obra en la banda sonora de Star Wars fue seleccionada por el American Film Institute como la obra musical más grande del cine estadounidense. Es uno de los compositores más reconocidos de música de cine; ha realizado la banda sonora de más de cien películas, sin contar la música para series de televisión.³

Biografía[editar]

Nació el 8 de febrero de 1932 en Floral Park,Nueva York. Es el primogénito de Esther y John Williams, y tiene dos hermanos y una hermana.⁴⁵ Su padre fue un percusionista de jazz que tocó con el legendario quinteto de Raymond Scott.⁶ En 1948, la familia Williams se mudó a Los Ángeles; allí, John Williams asistió a la escuela secundaria North Hollywood High School, institución en la que se graduó en 1950. Luego se trasladó a la Universidad de California, donde estudió piano y composición, y tomó clases particulares con el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco⁷ y con el pianista-arreglista Bobby Van Eps.⁸En 1952, fue reclutado para la Fuerza aérea de los Estados Unidos, donde arregló y dirigió música para la banda de la fuerza aérea, como parte de sus deberes.⁹

Cuando su servicio militar terminó en 1955, Williams se trasladó a la ciudad de Nueva York y entró en la Escuela Juilliard, donde estudió piano con Rosina Lhévinne.⁷ En aquel período trabajó como pianista de jazz en varios estudios y clubes de Nueva York. También tocó para el compositor Henry Mancini en las bandas sonoras de Peter Gunn (1959), Días de vino y rosas (1962) y Charade (1963). A principios de la década de 1950 trabajó como arreglista y líder de banda para Frankie Laine y Vic Damone.¹⁰ En 1960 fue contratado por Columbia Records como pianista y compositor, donde realizó numerosos álbumes junto al compositor de origen alemán André Previn.¹¹

Williams estuvo casado con la actriz Barbara Ruick desde 1956 hasta la muerte de ella por hemorragia intracraneal, el 3 de marzo de 1974. Juntos, tuvieron tres hijos: Joseph Williams (cantante y compositor), Mark Towner Williams (percusionista) y Jennifer Williams (médico). Se casó por segunda vez el 21 de julio de 1980 con Samantha Winslow, su actual esposa, con quien vive en la ciudad de Boston.¹² Mantiene una estrecha amistad con los músicos Itzhak Perlman, Yo-Yo Ma y Seiji Ozawa; incluso les ha dedicado algunas obras.¹³⁴

Bandas sonoras[editar]

Artículo principal: Bandas sonoras compuestas por John Williams

Después de estudiar en la Escuela Juilliard, regresó a Los Ángeles y comenzó a trabajar de orquestador en estudios de películas. Trabajó, entre otros, con compositores como Bernard Herrmann, Morris Stoloff, Adolph Deutsch, Miklós Rózsa, Alfred Newman y Franz Waxman.¹⁴ También interpretó la parte de piano en varias bandas sonoras de Jerry Goldsmith, Elmer Bernstein y Henry Mancini.¹⁵¹⁶ A fines la década de 1950, comenzó a componer bandas sonoras para series de televisión.¹⁷ Las primeras composiciones musicales que realizó en el cine fueron para películas pertenecientes al género de la comedia, como es el caso del filme How to Steal a Million, protagonizado por Audrey Hepburn y Peter O'Toole. Sin embargo luego de alcanzar el éxito en 1972 con la banda sonora de La aventura del Poseidón, fue encasillado por las empresas cinematográficas como especialista en la composición de música para películas del género cine catástrofe.¹¹

John Williams ganó fama por su versatilidad a la hora de componer tanto jazz, música para piano, así como música sinfónica. Recibió su primera nominación a los premios Óscar por la banda sonora de la película Valley of the Dolls, de 1967. Ganó su primer premio, un Óscar a la mejor banda sonora, por El violinista en el tejado, en 1971.¹⁸

En 1974, recibió la propuesta de Steven Spielberg para componer la música de The Sugarland Express, película en la que Spielberg debutaría como director. Spielberg confió en Williams para proveer a sus películas los sonidos que deseaba, por lo que, un año después, volvieron a reunirse, esta vez con motivo de la película Tiburón. Esta exitosa película y su memorable banda sonora le valieron a Williams su segundo Óscar (el primero para Mejor banda sonora original) y sus primeros BAFTA, Globo de Oro y Grammy.¹⁹

En el mismo período, Spielberg le recomendó a John Williams a su amigo y colega George Lucas, que necesitaba un compositor para su ambiciosa película épica espacial, Star Wars. Williams utilizó una gran orquesta sinfónica (la Orquesta Sinfónica de Londres), a la manera de compositores de la edad de oro de Hollywood, como Erich Wolfgang Korngold y Max Steiner. El tema principal se convirtió en uno de los más popularmente conocidos en la historia de las películas de cine, y temas como el de la princesa Leia y el de la Fuerza son ejemplos del uso de leitmotiv. La película y la banda sonora fueron muy populares; de hecho, la banda sonora vendió más de 4 millones de copias, haciéndolo uno de los álbumes no-pop más exitosos en la historia de la grabación,²⁰ y la banda sonora sinfónica más vendida de la historia.⁵ Con su composición, Williams ganó su tercer Óscar.

Durante los siguientes años, compuso las bandas sonoras de películas como Encuentros en la tercera fase (1977), Superman, 1941 y Tiburón 2, y luego fue llamado para componer la banda sonora de El Imperio contraataca, segunda parte de la saga original de Star Wars, donde introdujo la famosa Marcha Imperial como tema para el Imperio Galáctico y, principalmente, para Darth Vader. La trilogía concluyó en 1983, con El retorno del Jedi, siendo composiciones destacadas de la banda sonora el Tema del Emperador (Emperor's Theme) y Celebración Ewok y Finale.

La llamada Colaboración Williams-Spielberg regresó con Raiders of the Lost Ark (1981), lo que le reportó a Williams otra nominación al Óscar con una banda sonora que cuenta con temas tan famosos como Raiders March, tema principal de Indiana Jones. La colaboración con Spielberg continuó con otra obra maestra del cine: E.T., el extraterrestre (1982), con la cual Williams ganó su cuarto Óscar. Posteriormente realizaron juntos El imperio del Sol, de 1987, y continuó hasta el presente, abarcando desde éxitos de taquilla (Jurassic Park y Saving Private Ryan), y tragedias sombrías (La lista de Schindler, Múnich) hasta melodramas (Memorias de una geisha). Con La lista de Schindler, John Williams consiguió su, hasta ahora, último Óscar. Spielberg dijo: "Para mí es todo un privilegio poder considerar a John Williams como amigo".²¹

En el nuevo milenio, Williams fue llamado para componer la banda sonora de la adaptación al cine de la serie de libros de Harry Potter. Se encargó de la composición en las tres primeras películas de la franquicia. Compuso Hedwig's Theme, pieza característica de la saga que se empleó en todas las cintas. Williams no pudo aceptar el encargo de componer la música para Harry Potter y el cáliz de fuego debido a que ya tenía otras cinco bandas sonoras que desarrollar en ese año: Múnich, Memorias de una geisha, La venganza de los Sith, La guerra de los mundos y Superman Returns(en colaboracion de John Ottman). Por ello, la banda sonora de dicha película fue escrita por Patrick Doyle. La banda sonora de Harry Potter y la Orden del Fénix quedó a cargo de Nicholas Hooper, como también la de Harry Potter y el misterio del príncipe. A pesar de que Williams expresó su interés en componer la música de las dos partes de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte,²² dicha tarea finalmente quedó en manos de Alexandre Desplat.

1941:

Nace Nick Nolte, actor, modelo y productor estadounidense.

Nicholas King "Nick" Nolte (Omaha, Nebraska, 8 de febrero de 1941) es actor, modelo, y productor estadounidense.

Biografía[editar]

En la universidad jugaba al fútbol americano, pero tuvo que dejarlo debido a sus bajas notas. Más tarde descubriría su pasión por la interpretación.

Por su buena presencia, realizó algunos trabajos como modelo fotográfico. Su primer papel protagonista en el cine sería Return to Macon County (1975), compartiendo cartel con Don Johnson. Con la serie Hombre rico hombre pobre(encarnando al protagonista «pobre») se convirtió en estrella televisiva y «sex symbol». Pero la película Abismo, basada en una novela de Peter Benchley, autor de Tiburón, junto a Jaqueline Bisset y Robert Shaw lo catapultó a la fama.

En el año 1991 fue nominado al Oscar por su papel en El príncipe de las mareas, película dirigida por Barbra Streisand. Entre sus trabajos posteriores, destacan El cabo del miedo de Martin Scorsese, El juego de Hollywood de Robert Altman, El aceite de la vida junto a Susan Sarandon, Jefferson en París de James Ivory, Affliction de Paul Schrader (su segunda nominación al Oscar) y La delgada línea roja de Terrence Malick. En 2008 participó en la comedia Tropic Thunder, donde realiza una breve aparición.

En 1966 estuvo casado con Sheila Page. Posteriormente en 1978 contrajo matrimonio con Sharyn Haddad. Con su última mujer, Rebecca Linger, estuvo casado 10 años y tiene un hijo.

En octubre de 2008, saltó a los titulares a raíz de un incendio en su casa, causado por un cortocircuito. Nolte intentó atajar el fuego y sufrió inhalación de humo, aunque no fue hospitalizado. Los daños en su casa se valoraron en 3 millones de dólares y el actor perdió obras de arte y demás objetos que coleccionaba.

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1945:

Nace Miquel Brown

Miquel Brown (nacido como Michael Brown el 8 de febrero de 1949) es una actriz canadiense, cantante de música disco / soul , ex bailarina y directora de vídeos musicales de los años 70 y 80, más popular por las canciones "Close to Perfection" y las canciones de Hi-NRG " Tantos hombres - Tan poco tiempo " y "Es un santo, es un pecador", producida en Londres por Ian Levine . Originalmente llamado Michael, sus padres cambiaron la ortografía (pero conservaron la pronunciación) para no confundirla con un productor masculino y autor infantil de la época ( Michael Brown ).

Miquel es la madre de la cantante Sinitta y la hermanastra de la cantante Amii Stewart . ^[1]

Vida temprana [ editar ]

Nació en Montreal y se crió en Vancouver , Columbia Británica, Canadá, ^[2] Miquel dio a luz a las gemelas Sinitta y Greta cuando solo tenía 14 años. ^[3]^[4]

Se le pidió que dejara la universidad después de que audicionó para la compañía de gira estadounidense del musical Hair y consiguió el papel de Sheila. ^[2] Al final de la gira Hair , visitó Australia.

En 1973, fue elegida como protagonista de Decameron '73 en el Roadhouse de Londres. Luego fue entrevistado en el Michael Parkinson Mostrar . En 1975 apareció en la película Rollerball con James Caan , ^[5] así como en el papel de Miriam en la película para televisión Regan en 1974 para la rama Armchair Cinema ITV , ^[6] que fue efectivamente el piloto de la serie de televisión The Sweeney. . También mantuvo una asociación de dos años con el grupo de canto y baile 'Second Generation'.

Durante los dos años siguientes actuó en varios papeles en Bubbling Brown Sugar y apariciones en televisión en Seaside Special (el sábado 25 de junio de 1977), Supersonic (el sábado 5 de marzo de 1977 - programa 40), The Ronnie Corbett Show , Jack Parnell's Show , La máquina del tiempo musical de Vince Hill y Bring on the Girls de Bruce Forsyth . ^[7]

Carrera musical [ editar ]

En 1976, interpretó a la hermana Anna en el musical Mardi Gras (que se inauguró el 18 de marzo en el Prince of Wales Theatre , Londres). Fue a través de esto que fue descubierta y firmó para su primer lanzamiento discográfico , "First Time Around". Esto la llevó al músico Alan Hawkshaw (de Emile Ford and the Checkmates, The Shadows y Love De-Luxe), quien la contrató para un álbum. El álbum Symphony of Love (1978) incluía la canción principal, "Dancin 'with the Lights Down Low", "This is Something New to Me", "The Day They Got Disco in Brazil", "Do It" y "Something Made de amor".

También en 1978, apareció en la película estadounidense Superman , como la octava reportera que no habla en una escena después del primer avistamiento de Superman.

Necesitando un nuevo productor a principios de la década de 1980, Brown cruzó los caminos de Ian Levine y Fiachra Trench en 1983. Junto con Record Shack Records, crearon el álbum Manpower , un lanzamiento de Hi-NRG . El primer sencillo lanzado del álbum, " So Many Men - So Little Time " alcanzó el número 88 en la lista de singles del Reino Unido el 11 de junio de 1983. ^[8] y alcanzó el número 2 en la lista de clubes.

En los dos años siguientes a Manpower , apareció en producciones teatrales de Only in America, Leiber y Stoller Musical ; The Best Little Whorehouse in Texas y One Mo 'Time , así como en numerosos clubes internacionales, pero no lanzó más álbumes hasta 1985. Close to Perfection (también producido por Levine) no pudo competir con su primer éxito. El álbum contó con dos éxitos de la radio dance estadounidense y de las listas de baile, con "Black Leather" y "Close to Perfection", la última de las cuales le dio su posición más alta en la lista de singles del Reino Unido (# 63) durante siete semanas. ^[8]

En 1986, reemplazó a la cantante de The Three Degrees , Helen Scott, mientras Scott estaba embarazada. Brown ayudó a los Degrees ya que tenían un single llamado "This Is The House" para promocionar en Europa. ^[9]

Las canciones posteriores incluyen "On the Radio", "Footprints in the Sand" y "This Time It's Real", todas con Nightmare Records.

En 1989, fue vista como Jill en el segundo episodio de la cuarta temporada, "Accidents Happen", del programa británico Casualty .

La década de 1990 [ editar ]

En 1990, lanzó las canciones "I Was Strong (My Moment)" y "Which Way Is Up" en Hansa . En 1995, interpretó a Housekeeper en Solomon and Sheba , con Halle Berry . También en 1995, interpretó a Sgt. Patton en French Kiss , con Meg Ryan y Kevin Kline . Se la puede escuchar en las grabaciones del elenco de Londres de Elegies for Angels, Punks and Raging Queens (1993) y Fame (1995) (como Miss Sherman, la profesora de inglés).

2000 al presente [ editar ]

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Brown interpretó a la mujer negra en la obra de 2001 A Streetcar Named Desire en el Royal National Theatre (Lyttelton), en Londres, dirigida por Trevor Nunn y protagonizada por Glenn Close como Blanche DuBois.

También apareció en la película Wit de 2001 , donde tiene un breve intercambio con Emma Thompson (quien interpreta a Vivian Bearing), como segunda técnica.

En 2004, Brown apareció como Idella en la producción londinense de Purlie en el Bridewell Theatre de Londres (un papel originalmente interpretado por Helen Martin , de la comedia estadounidense 227 ). Miquel Brown: The Lady, Her Loves and Her Lord se presentó en el Bullion Room Theatre de Londres en 2005.

En 2005, Brown apareció como Chloe, la solterona en An American Haunting con Sissy Spacek . Al año siguiente, 2006, actuó junto a Robert Ashe en la película dramática 9/11: The Twin Towers .

En 2006, Brown apareció en la película London Successor como Lolo. En 2007, protagonizó la producción londinense original de Menopause The Musical . En marzo de 2008, se vio a Brown cuando su hija Sinitta apareció en Celebrity Wife Swap del Reino Unido , intercambiando socios con el ex actor de Coronation Street Bruce Jones . En 2008, apareció en la película How To Lose Friends & Alienate People como asistente de Harding, junto a Jeff Bridges .

1949:

Nace Florinda Meza, actriz y comediante mexicana.

Florinda Meza García (Juchipila, Zacatecas, 8 de febrero de 1949), es una actriz, cantante, guionista, directora, productora, y locutora mexicana. Más conocida por interpretar a Doña Florinda y la Popis en la comedia televisiva El Chavo del 8, a Cándida en La Chicharra, a La Chimoltrufia en Los Caquitos y Doña María Expectación del Macho, La Vecina en Los Chifladitos del programa Chespirito, transmitidos en las décadas de 1970 y 1980 y principios de los años 1990 junto a Roberto Gómez Bolaños y un gran elenco, pero en los 70's, Meza era ejecutiva de Televisión Independiente de México, donde realizó demos o aperturas para ver quien se quedaba con el programa luego de la salida de María Antonieta de las Nieves de la locución, especialmente en la serie El Chavo del Ocho.

Es la viuda de Roberto Gómez Bolaños, comediante conocido artísticamente como Chespirito, fallecido el 28 de noviembre de 2014; con quien contrajo matrimonio en 2004.²

1953:

Nace Mary Steenburgen, actriz británica.

Mary Nell Steenburgen (Newport, Arkansas, 8 de febrero de 1953) es una actriz estadounidense, ganadora del Premio Oscar en 1980 por el papel de Linda Duman en la película Melvin y Howard. Es más conocida por su participación en filmes de éxito como Back to the Future Part III y Philadelphia.

Biografía[editar]

Steenburgen nació en Arkansas, ciudad que abandonó para trasladarse a Nueva York donde tomó clases de interpretación en 1972.

En 1978 Jack Nicholson le ofreció un papel en Camino al sur, su debut como realizador y que le supuso a Mary una candidatura a los Globos de Oro a raíz de la cual se disparó su carrera. Sólo dos años después su interpretación de Linda Duman en Melvin y Howard, fue recompensada con el Óscar a la mejor actriz de reparto. Mary transmitía una imagen de cierta accesibilidad tanto afectiva como sexual cara al público, dando el tipo de treintañera con ganas de asentar su vida, pero a su vez con cierta capacidad para cuestionar su propio status quo y tomar decisiones al respecto. En su vida privada ella se acababa de casar con el actor Malcolm McDowell, de quien esperaba su primera hija: Lily, quien nació en 1981.

Ese año Mary rodó Ragtime, bajo las órdenes de Miloš Forman, en la que interpretó a una mujer plácidamente acomodada que acogía en su casa a una mujer negra embarazada y cuya muerte a cargo de la policía le causaría tal convulsión que acabaría abandonando a su marido por un realizador de cine.

Al año siguiente Mary Steenburgen se sumó al elenco de La comedia sexual de una noche de verano (1982), en la que Woody Allen le ofreció el papel de Adrian, una mujer que padece una creciente frigidez a causa de haber ocultado a su marido una infidelidad que le causaba fuertes remordimientos.

En 1983 nació su segundo hijo Charles. De esta manera en pleno éxito, Mary se alejó de la gran pantalla para cuidar de sus retoños y a la que no volvería hasta 1990, año en el que se divorció de Malcolm. Para entonces empezaba a dar la imagen de mujer madura ya ligeramente desencantada de la vida, más o menos independiente. En pleno proceso de separación, estrenó ¡Dulce hogar... a veces!, donde encarnó a una mujer que para revitalizar su matrimonio estaba dispuesta a cualquier cosa... incluso a tener más hijos y por qué no dedicarle una felación a su marido en un coche con consecuencias un poco funestas...

Muy poco tiempo después se la empezó a ver con relativa mayor frecuencia en películas como Back to the Future Part III o Philadelphia, en la que interpretó a una implacable abogada que defendía a un bufete homófobo que había despedido a uno de sus letrados por contraer sida. La película suponía su reencuentro con Jonathan Demme, el mismo realizador que la había catapultado hacia la fama con Melvin y Howard.

En 1993 Lasse Hallström le ofreció una de sus mejores oportunidades en ¿A quién ama Gilbert Grape?, en la que se puso en la piel de Betty Carver, una cuarentona hastiada de su mediocre vida y de su matrimonio y que mantenía una relación sexual con un joven de un pueblo llamado Endora, al cual había atrapado al asegurarse que nunca abandonaría tal triste lugar al tener las manos atadas por una madre cuyo sobrepeso la hacía permanecer anclada en un sofá y un hermano menor deficiente, Arnie (Leonardo DiCaprio).

En 1995 rodó tres películas. En la primera, Powder, defendía a un muchacho con poderes de una comunidad cruel. En la segunda, El arpa de hierba, se encargaba de dar vida a la Hermana Ida, una predicadora que vivía con sus hijos y que defendía la tolerancia y la libertad en una comunidad opulenta. En Nixon, Mary se puso en la piel de Hannah Nixon, una mujer enferma cuyo recuerdo traumatizaría a su hijo Richard.

Ese año Mary se casó con Ted Danson, al que conoció en la filmación de la película para televisión Los viajes de Gulliver, en la que interpretó a la sufrida mujer del susodicho Gulliver, condenada a cuidar de los hijos mientras su marido realizaba fantásticos viajes.

Con ese papel se abría de alguna manera una nueva etapa en la carrera de la actriz que alternó personajes similares a la Betty Carver de la cinta de Lasse Hallström con la de madres comprensivas y cariñosas. Entre las primeras destaca Colleen de La casa de mi vida, en la que repetía el rol de divorciada cuya vida sexual dependía de un adolescente.

Entre las segundas figuran tres trabajos con derecho propio, dos de ellos bajo las órdenes de John Sayles, quien la dirigió en La tierra prometida —en la que dio algo de dignidad a una mujer que falseaba la historia local en pro de una masificación cultural y la aprobación de un plan urbanístico— y Casa de los Baby, donde encarnó a una ex-alcohólica dispuesta a adoptar un niño en Latinoamérica, a pesar de un sistema plenamente corrupto interesado en explotar a los extranjeros que venían al lugar con esas intenciones y extraerle todo el dinero posible en hoteles de lujo y restaurantes. Rita Moreno, Marcia Gay Harden, Maggie Gyllenhaal y Daryl Hannah fueron sus compañeras de reparto.

El tercero de dichos trabajos lo llevó a cabo en la serie Joan de Arcadia, en la que interpretó a Helen Gerardi, la mujer del jefe de policía del pueblo, profesora de arte y preocupada por sacar adelante a un hijo paralítico (Jason Ritter). La serie ofreció una imagen serena de una actriz que había alcanzado la madurez, mostrándose comprensiva, luchadora, paciente, dispuesta a darlo todo por la familia.

En 2007 interpretó a la directora de una emisora de radio neoyorquina en La extraña que hay en ti; y que se convertía en testigo de la transformación de Erica (Jodie Foster) después de haber recibido una paliza.

En 2008 participó en la comedia navideña Como en casa en ningún sitio protagonizada por Reese Witherspoon y Vince Vaughn que fue un gran éxito de taquilla en EE. UU.

En 2009 estrenó la comedia romántica The Proposal protagonizada por Sandra Bullock y Ryan Reynolds, interpretando a la madre de este último. Se estrenó el 9 de julio de 2009. Ese mismo año toma parte en The Electric Mist, dirigida por Bertrand Tavernier.

En 2010 participó en otra comedia romántica Did You Hear About the Morgans? que fue protagonizada por Hugh Grant y Sarah Jessica Parker. Se estrenó el 8 de enero de 2010 con no muy buenas críticas. Finalmente consiguió recaudar 74 millones de dólares en todo el mundo superando su presupuesto (58 millones de dólares).

1955:

Nace John Grisham, escritor estadounidense.

John Ray Grisham (Jonesboro, Arkansas, Estados Unidos, 8 de febrero de 1955) es un escritor estadounidense conocido por sus suspensos judiciales, de cuyas obras se han vendido más de 250 millones de ejemplares en todo el mundo. En el pasado se dedicó a la abogacía y a la política, figurando en las filas demócratas.

Biografía y carrera[editar]

El segundo de cinco hermanos, Grisham nació en Jonesboro, Arkansas, en una modesta familia bautista. Su padre trabajaba como empleado de construcciones y cultivaba algodón. Después de varias mudanzas, la familia se estableció, en 1967, en la pequeña ciudad de Southaven en Misisipi. Alentado por su madre, el joven Grisham era un ávido lector, especialmente influenciado por el trabajo de John Steinbeck, cuya escritura clara admiraba. En 1977, Grisham obtuvo un bachillerato en contabilidad en la Universidad de Misisipi. Mientras estudiaba allí, el autor llevó un diario, una práctica que más tarde lo ayudaría en su trabajo creativo. Tras obtener su título de Doctor en Derecho de la Escuela de Derecho de la Universidad de Misisipi en 1981, se dedicó al Derecho general alrededor de una década en Southaven, donde se cansó del Derecho penal y cambió al Derecho civil.

En 1983, fue elegido para la Cámara de Representantes de Misisipi, sirviendo hasta 1990.

En 1984 en la corte de Hernando, Misisipi, Grisham presenció el terrible testimonio de una víctima de violación de sólo 12 años. En su tiempo libre y como afición, Grisham empezó a trabajar en su primera novela, en la que exploraba qué hubiese sucedido si el padre de la víctima hubiese asesinado a sus agresores. Ocupó tres años en la escritura de Tiempo de matar terminándolo en 1987. Inicialmente rechazado por varias editoriales, fue comprado por Wynwood Press, que realizó una modesta impresión de 5.000 ejemplares y lo publicó en junio de 1988.

Al día siguiente de terminar Tiempo de matar, empezó a trabajar en otra novela, la historia de un joven abogado atraído a un aparentemente perfecto bufete que no era lo que parecía. Esa segunda novela, La Firma, se convirtió en el libro más vendido de 1991. Grisham continuó produciendo al menos un libro por año, muchos de los cuales fueron superventas. A partir de La granja de 2001, el autor cambió su enfoque del Derecho a temáticas más generales del campo sureño.

Publishers Weekly declaró a Grisham "el novelista más vendido de los años 1990." Es también el novelista norteamericano más vendido de la historia. Durante los años 1990 vendió un total de 60.742.288 copias. Es también uno de los dos únicos autores en vender dos millones de copias de una primera edición. Su novela El Informe Pelícano, de 1992, vendió 11.232.480 sólo en los EE. UU., convirtiéndose en la novela más vendida de la década y en la única en vender más de diez millones de copias.

En 1996 Grisham retornó brevemente a la práctica del Derecho cuando representó con éxito a la familia de un hombre muerto en un accidente de tren. Actualmente es miembro de "The Innocence Proyect", una organización estadounidense que se dedica a revisar los casos de personas condenadas injustamente para intentar lograr su liberación, así como a propugnar modificaciones en las leyes que eviten esos errores judiciales.

En 2013 las autoridades militares de Guantánamo prohibieron que se entregaran libros de este autor (en los que se repasan muchos de los principios básicos del derecho estadounidense) a los presos retenidos en esta instalación militar, por ser "problemáticos".¹

La Biblioteca de la Universidad Estatal de Misisipi, División de Manuscritos, mantiene el "John Grisham Papers", un archivo que contiene material generado durante el ejercicio del autor en la Cámara de Representantes de Mississippi relativo a sus obras.

La pasión de Grisham por el béisbol es evidente en su novela La granja y en su apoyo a las actividades de las Ligas Menores tanto en Oxford, Misisipi como en Charlottesville, Virginia. También ha realizado misiones de servicio para su iglesia en Brasil. Grisham se describe a sí mismo como un "bautista moderado". Vive con su esposa Renee Jones y sus dos hijos, Ty y Shea. La familia reparte su tiempo entre su casa victoriana en una granja en las afueras de Oxford, Misisipi y una plantación cercana a Charlottesville.

1953:

Nace Fernando Ubiergo, cantautor y músico chileno.

Fernando Antonio Ubiergo Orellana (Valparaíso, Región de Valparaíso, 8 de febrero de 1953) es un cantautor y músico chileno. Destacado por su carrera musical de más de cuarenta años, Ubiergo se ha adjudicado triunfos en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (1978),¹² el Festival Internacional de la Canción de Benidorm(1982)³ y el Festival OTI de la Canción (1984),²⁴ entre otros logros.

La crítica ha premiado sus líricas sencillas y profundas, ganándose la admiración de diversas generaciones de chilenos y latinoamericanos por su estilo de narración musical.⁵

Renunció a ser presidente de la SCD, dedicándose completamente a su carrera. Logró un triunfo más en el L Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar de febrero de 2009, cuando presidiendo el panel de jueces el público lo premió con antorchas y gaviota de plata y oro.

Biografía[editar]

Los inicios[editar]

Ubiergo nació en Valparaíso y se trasladó posteriormente a Santiago, donde estudió periodismo en la Universidad de Chile. Ubiergo había desarrollado una carrera musical incipiente, presentándose en diversos festivales en la escena santiaguina. Pretendía continuar con sus estudios en el extranjero cuando presentó el que luego sería uno de sus grandes clásicos, «Un café para Platón», a una competencia musical llamada Festival de la Primavera, transmitida a todo el país por Televisión Nacional, obteniendo el primer premio. La canción se convirtió en un clásico de la música popular chilena, hablando en términos poéticamente sencillos de una amistad fraguada en la universidad. Fue su primer single.

El despegue[editar]

El impacto de Ubiergo, además de su imagen de estudiante universitario de baja estatura que siempre vestía de blanco, caló muy hondo en la época y llegó a límites insospechados de fanatismo cuando en febrero de 1978 su canción «El tiempo en las bastillas»^{n 1} ganó el XIX Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar,¹² el primero transmitido en colores. Toda esta fama le permitió recorrer el país e iniciar su carrera internacional. Posteriormente, con la canción «Pasajero de la luz», homenaje a John Lennon, obtuvo el segundo lugar de la competencia en el XXII Festival de Viña del Mar en febrero de 1981.

Etapa internacional[editar]

En septiembre de 1982, ganó el XXIII Festival Internacional de la Canción de Benidorm con «Yo pienso en ti»³^{n 2} y grabó tres álbumes para la compañía Hispavox. Más tarde, en noviembre de 1984, con «Agualuna», logró el primer lugar en el XIII Festival OTI de la Canción, celebrado en el Auditorio Nacional de Ciudad de México.²⁴ En ese periodo, comenzó a realizar giras y presentaciones por toda América.

Vuelta a Chile[editar]

A su retorno a Chile, sus discos no recibieron la atención acostumbrada: Tarde o temprano (1987) y Relatos (1991), grabados con EMI Odeon, no obtuvieron buenos resultados en ventas, aunque la crítica habló bien de ambos. En febrero de 1992 regresó al Festival de Viña del Mar con «Diosa del Sur», cuya letra abordaba la dramática realidad de las drogas. El tema no fue considerado por el jurado entre los tres ganadores, aunque Ubiergo recibió el premio al artista más popular entregado por el público.

Siempre radicado en la costa, en las afueras de Santiago, a mediados de la década de 1990 Ubiergo decidió alejarse temporalmente de los escenarios y entregarse a una vida familiar y anónima, negándose por años a realizar conciertos y a aparecer en la televisión.

Regreso a los escenarios[editar]

Su regreso se produjo en 1999, con un álbum introspectivo, muy bien recibido por la crítica y el público, de once canciones inéditas, Los ojos del mar. De la mano del exitoso single «Los ojos de Rodrigo», tema que aborda la separación matrimonial desde los ojos de un niño, este álbum logró buenos resultados en ventas y consiguió reposicionar a Ubiergo, que ciertamente había dejado una profunda huella en los chilenos. Bastó este nuevo grupo de canciones para que Fernando se reencontrara con un público que lo esperó por años. Al igual que su disco anterior obtuvo premios de la crítica y nuevo disco de oro.

En 1999 grabó su primer videoclip.

Entre las canciones más importantes grabadas por Ubiergo en estos treinta años se encuentran: «Un café para Platón», «El tiempo en las bastillas», «En algún lugar del mundo», «Yo pienso en ti», «Agualuna», «Un velero en la botella», «Los ojos de Rodrigo», y, muy especialmente, «Cuando agosto era 21», con más de una decena de versiones registradas desde México a la Argentina.^{n 3}

Actividad actual[editar]

Actualmente compone las canciones para un nuevo trabajo, el decimosexto de su historia. Ubiergo presidió desde 2004, cuando ocurrió la muerte de su presidente anterior, Luis Advis, hasta 2009 el consejo directivo de la Sociedad Chilena del Derecho de Autor (SCD). Allí desarrolló una intensa labor gremial de apoyo a la música chilena⁶ sin postergar su carrera. Periódicamente realizó conciertos en Chile y el exterior. En octubre y noviembre de 2008, realizó una extensa gira por Suecia, Noruega, Alemania, Perú y Centroamérica acompañado de sus músicos Felipe Llanos y Óscar Véliz, en formato de trío, justo a treinta años de «Un café para Platón», su primera composición conocida por el público y que marcó la historia de un cantautor que, con el correr de los años, haría de su producción una de las más sólidas y coherentes del medio chileno.^{[cita requerida]}

El 18 de octubre de 2015, realizó un concierto en el teatro Baquedano para celebrar sus 40 años de trayectoria, logrando un lleno total en un concierto que se extendió por más de tres horas. En 2016 realizó una serie de conciertos a lo largo del país, destacando los conciertos realizados el 12 y el 13 de agosto en el Teatro Nescafé de Las Artes, donde vendió todas las localidades y deleitó a sus incondicionales con tres horas de concierto, presentando además tres canciones nuevas. Actualmente, realiza cerca de cincuenta conciertos por año a lo largo de Chile y también en el extranjero.

https://www.youtube.com/watch?v=Rr0AbzFVfSY

https://www.youtube.com/watch?v=Al6Sr1KPVws

1965:

‘Stop in the name of love’, nº 1 de Billboard

https://www.youtube.com/watch?v=UGJQPkfwlAc

Empezaron trabajando juntas en los años 50 y firmaron un contrato con Tamla Motown en 1961, pero hasta 1964 no consiguieron su primer éxito a gran escala. Las canciones Where did our love go, Come see about me y Baby love se hicieron muy famosas. En 1965, continuaron la racha con Stop in the name of love, incluida en el álbum At the copa.

1968:

Nace Gary Coleman, actor estadounidense (f. 2010)

Gary Wayne Coleman (Zion, Illinois, Estados Unidos, 8 de febrero de 1968 - Provo, Utah, Estados Unidos, 28 de mayo de 2010) fue un actor estadounidense de televisión y cine.

Nació con una enfermedad congénita del riñón causándole nefritis (una destrucción autoinmune del riñón), que detuvo su crecimiento a una edad temprana, llevándolo a desarrollar una estatura pequeña: 1,42 m (4 ft 8 in)³ lo que se convirtió en su característica más distintiva. Coleman tuvo dos trasplantes de riñón, uno en 1973 y otro en 1984, y además requirió diálisis.

Durante los ocho años de emisión el sitcom estadounidense Diff'rent Strokes (Arnold en España, Blanco y negro en América Latina) fue visto por millones de televidentes en todo el mundo en la década de los 80, siendo uno de los más vistos en la historia de la televisión. Su personaje se caracterizaba por su famosa línea que era "¿De qué estás hablando, Willis?" o "Kimberly" según el caso de quien se tratase ("what'chu talkin' 'bout, Willis?"). Gracias a esa simpatía, Coleman fue una figura popular, protagonizando varios largometrajes y películas de televisión incluyendo On the Right Track, y The Kid With the Broken Halo. Esta última película finalmente sirvió como la base para que Hanna-Barbera produjera la serie animada The Gary Coleman Show de 1982.

En el punto más alto de su fama con Diff'rent Strokes, Coleman ganaba $100,000 USD por episodio. Como envejeció, no obstante, perdió el favor del público. Después de la cancelación de la serie, su carrera artística decayó repentinamente.

Falleció el 28 de mayo de 2010 tras una caída que le provocó una hemorragia intracraneal.¹

1973:

Nace Fanny Lu, actriz y cantante colombiana.

Fanny Lucía Martínez Buenaventura (Cali, 8 de febrero de 1973), conocida como Fanny Lu, es una actriz, cantantey modelo colombiana. Ha participado como juez en diferentes reality shows como Pequeños gigantes, La Voz Colombia y La Voz Kids. Además, estuvo en el doblaje de "Beth", en la película Open Season.

En 2013 salió a la venta su nuevo álbum Voz y éxitos, en Estados Unidos, España y Latinoamérica. Además, Fanny Lu lanzó su primer sencillo de su cuarto álbum, el 6 de noviembre de 2013 llamado «Mujeres» dando inicio a una nueva etapa de su carrera artística con su cuarto álbum cuyo nombre no se sabe hasta el momento.

https://www.youtube.com/watch?v=ZepwVXqiewo

https://www.youtube.com/watch?v=4fjaBAp359Q

1974:

Nace

Guy-Manuel de Homem-Christo (Neuilly-sur-Seine, Altos del Sena, Francia, 8 de febrero de 1974) es un músico francés de música electrónica y miembro del dúo Daft Punk junto a Thomas Bangalter. Además es cofundador del grupo Le Knight Club, formado por él y Eric Chedeville, quienes también son fundadores del sello discográfico Crydamoure.

Vida personal[editar]

Guy-Manuel de Homem Christo nació en Neuilly-sur-Seine, un suburbio de París. Es de ascendencia portuguesa, y ha señalado que su bisabuelo fue el escritor Homem Christo Filho. En una entrevista en vídeo, declaró que en torno a los 7 años le regalaron una guitarra y un teclado de juguete. Finalmente, a los 14 años le regalaron una guitarra eléctrica. Asimismo, expresó que por lo general utiliza una guitarra para escribir música. De Homem-Christo es también cofundador del grupo Le Knight Club, junto con Éric Chedeville de Pumpking Records. Ellos son los fundadores de la compañía discográfica Crydamoure, cuyo nombre viene de una variación de la frase francesa 'cri d'amour o 'grito de amor' en español. Crydamoure también publicó el trabajo del hermano de Homem-Christo, Paul de Homem-Christo, bajo el nombre de Play Paul. En lo que respecta a Crydamoure, declaró:

Thomas y yo tenemos los mismos gustos musicales. Cuando hago discos para Crydamoure son de un estilo diferente a lo que puede acabar como música de Daft Punk. Yo sé lo que le gusta Thomas, y él sabe lo que me gusta. Crydamoure no está tan orientada a la producción, incluso si no está demasiado lejos de Daft Punk. El material de Daft Punk es más orquestado y ligeramente diferente. Yo podría estar trabajando en una muestra para Crydamoure, y tal vez nadie más puede oír la diferencia, sólo nosotros.

En cuanto a su vida personal, tanto él como Thomas Bangalter han expresado su poco interés en ser una celebridad. El dúo muy raramente concede entrevistas, de Homem-Christo se puede citar como el más callado y más introvertido ya que rara vez habla en una entrevista. En cuanto a trabajar y colaborar con otros artistas, lo ve como una cuestión de tiempo y creatividad, más que la fama y la oportunidad.

1975:

Nace Ricardo Orrego, periodista deportivo colombiano.

Ricardo Orrego Arboleda (Manizales, Caldas, 8 de febrero de 1975) es un comentarista y periodista deportivo colombiano, actualmente es presentador de Noticias Caracol y comentarista del Gol Caracol y Blu Radio.¹²

Trayectoria[editar]

Graduado del Colegio Mayor de Nuestra Señora, Ricardo Orrego inició su carrera como comentarista deportivo en 1992 primero para el canal regional Telecafé donde presentaba el Noticiero TVA, después en 1998 se trasladó a Bogotá para presentar la sección deportiva del Noticiero Nacional y de En Vivo 9:30 (ambos informativos del Canal A), y posteriormente en el 2000 pasó a ser parte del equipo deportivo de Noticias Caracol. Actualmente es comentarista deportivo del Gol Caracol y en radio hace parte de Blu Radio.

Estilo[editar]

Su estilo periodístico es ágil ya que gracias a su voz puede alcanzar a tener un buen comentario sobre los partidos de fútbol.

Es el mayor acuñador de lugares comunes en la historia del periodismo deportivo colombiano. Entre los más conocidos están: Entra a aportar su granito de arena, Una Golondrina no hace verano, Tiene el toque del Rey Midas, Es un viejo conocido, Las primeras de cambio, Al otro lado del charco, Dechado de virtudes, El que no los hace los ve hacer.

La gran cantidad de lugares comunes y frases de relleno empleadas por Ricardo, ha hecho escuela entre algunos periodistas deportivos de nuevas generaciones. Ricardo apela a sus recursos estilísticos para compensar las falencias conceptuales que en ocasiones quedan en evidencia en diversas transmisiones, especialmente en los deportes diferentes al fútbol.

Filmografía[editar]

En 2016 Ricardo participó en la Teletón 2016 siendo como Telefonista para beneficiar a la comunidad con discapacidad del país y la creación y manutención de una red de centros de rehabilitación en Colombia.

1974:

Nace Guy-Manuel de Homem-Christo, músico francés de música electrónica y miembro del dúo Daft Punk junto a Thomas Bangalter.

(Neuilly-sur-Seine, Altos del Sena, Francia, 8 de febrero de 1974) es un músico francés de música electrónica y miembro del dúo Daft Punk junto a Thomas Bangalter. Además es cofundador del grupo Le Knight Club, formado por él y Eric Chedeville, quienes también son fundadores del sello discográfico Crydamoure.

Vida personal[editar]

Guy-Manuel de Homem Christo nació en Neuilly-sur-Seine, un suburbio de París. Es de ascendencia portuguesa, y ha señalado que su bisabuelo fue el escritor Homem Christo Filho. En una entrevista en vídeo, declaró que en torno a los 7 años le regalaron una guitarra y un teclado de juguete. Finalmente, a los 14 años le regalaron una guitarra eléctrica. Asimismo, expresó que por lo general utiliza una guitarra para escribir música. De Homem-Christo es también co-fundador del grupo Le Knight Club, junto con Éric Chedeville de Pumpking Records. Ellos son los fundadores de la compañía discográfica Crydamoure, cuyo nombre viene de una variación de la frase francesa 'cri d'amour o 'grito de amor' en español. Crydamoure también publicó el trabajo del hermano de Homem-Christo, Paul de Homem-Christo, bajo el nombre de Play Paul. En lo que respecta a Crydamoure, declaró:

Thomas y yo tenemos los mismos gustos musicales. Cuando hago discos para Crydamoure son de un estilo diferente a lo que puede acabar como música de Daft Punk. Yo sé lo que le gusta Thomas, y él sabe lo que me gusta. Crydamoure no está tan orientada a la producción, incluso si no está demasiado lejos de Daft Punk. El material de Daft Punk es más orquestado y ligeramente diferente. Yo podría estar trabajando en una muestra para Crydamoure, y tal vez nadie más puede oír la diferencia, sólo nosotros.

https://www.youtube.com/watch?v=5NV6Rdv1a3I&list=PLDGvrCyjfEau0spRkUDVKh5JlVbsZ-Kke

1990:

Muere Del Shannon, cantante estadounidense (f. 1990).

Charles Weedon Westover (30 de diciembre de 1934, Coppersville Míchigan - 8 de febrero de 1990, Sta. Clarita California), fue un cantante de rock and rollestadounidense. Con el nombre artístico de Del Shannon, colocó en las listas de popularidad en el sitio número 1 su tema "Runaway". El tema fue en si novedoso dada la inclusión de un solo dentro de la canción interpretado por un primigenio sintetizador que fue llamado musitrón, que fue tocado por Max Crook, quien a la vez fue co-autor de muchas canciones de Shannon.

https://www.youtube.com/watch?v=0S13mP_pfEc

1998:

Muere Halldór Laxness, escritor islandés, premio nobel de literatura (n. 1902)

Halldór Kiljan Laxness /ˈhaltour ˈcʰɪljan ˈlaxsnɛs/ (Reikiavik, Islandia, 23 de abril de 1902 - 8 de febrero de 1998) (nacido Halldór Guðjónsson) fue un escritor, poeta y ensayista islandés, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1955.

Primeros años[editar]

Hijo de Sigríður Halldórsdóttir (nacida en 1872) y Guðjón Helgason (en 1870), se trasladó a Laxnes (Mosfellsbær) en 1905, un área más rural al norte de la capital. Pronto empezó a leer libros y escribir historias.

Con 14 años publicó un artículo en el diario Morgunblaðið. Su primer libro, la novela Hijos de la Naturaleza, fue escrito a los 17 años. Viajó mucho, vivió en Europa tras la Primera Guerra Mundial, visitó Rusia en su periodo stalinista, Estados Unidos justo antes de la Gran Depresión e India bajo Nehru.

Catolicismo y desarrollo[editar]

En 1922, Laxness se unió a la abadía de San Mauricio en Clervaux, Luxemburgo. Los monjes seguían las reglas de San Benito de Nursia. Laxness se bautizó y confirmó en la Iglesia católica en 1923. Fue entonces cuando adoptó el apellido de Laxness y añadió el nombre de Kiljan (por el mártir islandés San Kilian).

Entre los muros de la abadía practicaba el estudio personal, leía libros y estudiaba francés, latín, teología y filosofía. Mientras estuvo allí, escribió la historia Undir Helgahnjúk, publicada en 1924. Poco después de su bautizo se hizo miembro de un grupo que predicaba por la conversión de los países nórdicos.

Pero la religiosidad de Laxness no duró mucho. Durante una visita a Estados Unidos, se sintió atraído por el socialismo. En parte por la influencia de Upton Sinclair, de quien se hizo amigo en California, Laxness se subió al carro socialista, escribiendo ensayos burlescos y satíricos sobre sus impresiones en viajes por Rusia, Europa y Sudamérica. Fue a Islandia, Canadá y California (1927-1930) para fortalecerse en la idea del comunismo.

En los años 30 se convirtió en el "apóstol de la nueva generación" y atacaba fuertemente a Einar Hjörleifsson Kvaran, un escritor influyente que también estaba siendo considerado para el Premio Nobel.

La desmoralización del periodo de ocupación nunca se describió tan dramáticamente como Hallodr Laxness en La estación atómica (1948), donde se describe una sociedad de postguerra en Reikiavik completamente trastornada por la avalancha de oro extranjero.

En 1968 publicó la novela Bajo el glaciar, que se desarrolla en el glaciar de Snæfellsjökull.

2012:

Muere Luis Alberto Spinetta, músico argentino, poeta (n. 1950).

Luis Alberto Spinetta (Buenos Aires, 23 de enero de 1950 - Ibídem, 8 de febrero de 2012), conocido como El Flaco o simplemente por su apellido, fue un cantante, guitarrista, poeta, escritor y compositor argentino de rock, considerado uno de los más importantes y respetados músicos en Hispanoamérica. La complejidad instrumental, lírica y poética de sus obras le valió el reconocimiento en muchas partes del mundo. En 1997 la revista Billboard lo definió como «ícono del rock argentino»,¹ y en 2001 el diario Página/12 lo consideró el artista más influyente en la historia del rock argentino, tras hacer una encuesta con celebridades del rock local.² En 2014 se estableció por ley que el día de su nacimiento fuera el Día Nacional del Músico en Argentina.³⁴

Spinetta fundó diversos grupos, como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto. En su obra hay influencia de escritores, filósofos, pensadores, psicólogos y artistas plásticos como Rimbaud, Van Gogh, Dalí, Escher, Lü Dongbin, Jung, Freud, Nietzsche, Foucault, Deleuze, Sartre, Castaneda y Artaud, así como de las culturas de los pueblos originarios americanos y de Oriente.

En 2005 obtuvo el Premio Konex de Platino como el más destacado solista masculino de rock de la década en la Argentina, mismo galardón que ganó en 1985 y 1995, como autor/compositor de rock y cantante masculino de rock respectivamente. En 2009 ganó el Gardel de Oro, el más importante del país en lo musical, mismo premio que recibió su disco póstumo Spinetta Los Amigo. Su álbum Artaud (1973), fue considerado por la revista Rolling Stone como el mejor de la historia del rock argentino.⁵ Además, otros ocho de sus discos fueron incluidos también en dicha lista: Almendra I, Pescado 2, Kamikaze, El jardín de los presentes, Almendra II, La la la, Invisible y Bajo Belgrano.⁵ Los álbumes Téster de violencia, Don Lucero, Pelusón of milk, Spinetta y los Socios del Desierto, Un mañana y Los Amigo, fueron premiados como los mejores de su año de publicación.⁶⁷

Su canción «Muchacha (ojos de papel)» fue considerada en 2002 por la revista Rolling Stone y la cadena MTV como la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock argentino y la vigésimo octava del rock hispanoamericano, por el sitio web Rock en las Américas.⁸⁹ Las siguientes canciones de su autoría también han sido consideradas entre las 100 mejores del rock argentino: «El anillo del Capitán Beto», «Maribel se durmió», «Me gusta ese tajo», «Cantata de puentes amarillos», «Rutas argentinas», «El monstruo de la laguna», «Canción para los días de la vida», «Resumen porteño» y «Seguir viviendo sin tu amor» (Rolling Stone-MTV y Rock.com.ar).⁸¹⁰ El tema «La bengala perdida» fue votado como el mejor de la década de 1980,¹¹ mientras que «Fina ropa blanca» y «Mi elemento» fueron reconocidas como las mejores del año de su publicación.⁶ En total, Spinetta editó 376 canciones propias durante su vida.¹²

En 2009 festejó sus cuarenta años de trayectoria con un mega recital titulado Spinetta y las Bandas Eternas, durante cinco horas y media de concierto ante cuarenta mil personas en el Estadio José Amalfitani. Allí reunió a las bandas de toda su carrera y a los más grandes y principales músicos de rock de la Argentina. Un año más tarde, fue considerado el recital de la década.

Falleció a los sesenta y dos años a causa de un cáncer de pulmón causado por su adicción al cigarrillo.¹³ Sus cenizas fueron arrojadas al Río de la Plata, siguiendo la última voluntad del músico, al lado del Parque de la Memoria de Buenos Aires construido para recordar a los desaparecidos en la última dictadura militar.¹⁴

https://www.youtube.com/watch?v=Egj4PSgMAfA&list=PLUPKMSRZ8q-TaC_H517ZxaHkKpNLc-m63

2016:

Muere Alejandro Nieto Molina, periodista colombiano (n. 1968).

Alejandro Nieto Molina (Bogotá, 1968 – Miami, 8 de febrero de 2016) fue un periodista, locutor y productor radial colombiano. Era reconocido por trabajar en las cadenas RCN Radio y Caracol Radio.¹

Biografía[editar]

Alejandro Nieto Molina era hijo del locutor Julio Nieto Bernal, donde estudió comunicación social e ingeniería industrial en la Universidad Externado de Colombia. En 1988 debutó en la emisora ‘Superestación, posicionada como la más importante alternativa juvenil en la radio capitalina, lo que le valió, años después, el hacer parte de las más grandes cadenas radiales del país, como Caracol y RCN.²

En 1993 asumió el reto de crear y dirigir el sistema La Mega, emisora juvenil de RCN Radio que con el tiempo se posicionó y cuenta con una cobertura de 16 ciudades en el país. En Caracol Radio también fue responsable de programas musicales e informativos, además de presentar el Noticiero del mediodía y colaborar con el programa Hoy por Hoydel Darío Arizmendi, hasta que en el 2003 fue nombrado gerente adjunto de programación de Caracol Radio.³

En 2005 se radicó en Estados Unidos para trabajar en el proceso de expansión de Prisa Radio en este país como vicepresidente de Programación. Durante cinco años se concentró en crear y consolidar diferentes productos radiofónicos para así gestar un modelo de radio que caracterizara a todas las emisoras habladas del Grupo Prisa. En el 2010 decidió aceptar la propuesta de la Cadena Ser, para hacer una reingeniería de sus emisoras, por lo que se radicó en España, permaneció hasta el 2015. En 2016 fue nombrado como vicepresidente y gerente de comunicaciones radiales de Univisión.

Murió en Miami de un infarto de miocardio a la edad de 48 años el 8 de febrero de 2016.

https://www.youtube.com/watch?v=lP7_qMRIXTg

2020:

Muere Robert Conrad, actor de televisión, cine, cantante y director estadounidense.

Robert Conrad, registrado al nacer como Conrad Robert Falk (Chicago, Illinois, 1 de marzo de 1935-Malibú, California, 8 de febrero de 2020),¹ fue un actor de televisión, cine, cantante y director estadounidense. ²

Fue famoso por su estampa y apostura, recordado por interpretar el papel en televisión de Jim West en la serie de culto The Wild Wild West, junto a Ross Martin, en el periodo 1965-1969, como el sofisticado agente del servicio secreto James T. West, y por ser una estrella de televisión de la década de 1960 que ejecutaba sin dobles las escenas de acción peligrosas. Interpretó al as de la aviación de la Segunda Guerra Mundial en el teatro del Pacífico Gregory Boyington, en la serie de televisión Baa Baa Black Sheep. Fue también cantante, y grabó varias canciones pop/rock a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 como Bob Conrad, aunque también utilizó el nombre de Tom Loopaka. Tenía un programa de espectáculo por radio a nivel nacional de dos horas de duración semanal, The Show con Robert Conrad, en CRN Digital Talk Radio, desde 2008.^{[cita requerida]}

Datos biográficos[editar]

Primeros años[editar]

Konrad Robert Falkowsky nació en 1935, de orígenes familiares alemán, polaco y británico, su familia se trasladó a Canaryville, un sector de los barrios irlandeses de Chicago. Creció en los barrios «rudos» y «duros» de Chicago y fue un atleta muy alabado en baloncesto y fútbol americano en la secundaria.^{[cita requerida]}

Antes de ser actor y ante la resistencia de sus suegros por ser un chico de poca educación y de escasos medios económicos y sin trabajo, se fugó con la hija de un abogado, Joan Kenlay, con quien se casó en 1952, se casó días antes de cumplir los 17 años y fue padre por primera vez de una niña a la que llamó Nancy cumplidos los 19 años el 5 de marzo de 1954. Desempeñó varios oficios para mantener a su familia, llegando a ser boxeador y conductor de camión lechero e incluso cantante de jazz en cabaret. Como boxeador, Conrad obtuvo cierta fama al derrotar a Ed Hickman en 1962.^{[cita requerida]}

Comienzos en la actuación[editar]

Su inclinación a la actuación se produjo al ver una mediocre actuación, de la que dijo «hasta yo lo haría mejor». Esto hizo que recibiese un breve curso de arte dramático en la Universidad Northwestern. Conrad era además admirador de Humphrey Bogart, James Cagney y John Garfield.

Empezó a trabajar por las noches como cantante y conoció al actor Nick Adams, con quién entabló amistad. Este le ayudó para aparecer como extra en series de televisión como Seahunt, posteriormente también trabajaría como doble de alto riesgo en películas de acción.

En 1958, cambió el orden de sus nombres y firmó un contrato con la Warner Bros. Studios, impresionados por su extraordinario físico y apariencia.

A Conrad le molestaba el trato que le querían dar de «niño bonito» que contrastaba con su carácter marcadamente viril y directo por el que después sería reconocido y famoso. Conrad quedó encasillado de este modo en roles de hombres varoniles, fuertes, duros; y por lo mismo no tuvo mucho éxito al interpretar personajes de perfiles más dramáticos, románticos, vulnerables y emocionales.

Participó en el casting para interpretar al Mayor Nelson en la serie Mi bella genio, pero no obtuvo el papel.

Su primer papel importante lo tuvo con la interpretación del detective Tom Loopaka en la serie de televisión Intriga en Hawái, la cual fue un éxito durante cuatro años y compartía créditos con Connie Stevens. En esta serie, Conrad ejecutaba sus propias escenas de acción, incluso también las de otros protagonistas y tomó clases de artes marciales en la rama de karate. La serie se canceló en 1963 y viajó a España para actuar en productoras españolas.

En 1964 filmó la película española La nueva Cenicienta al lado de Marisol. Conrad grabó discos cantando en español (idioma que dominó a la perfección), teniendo récords de ventas en España, vendiendo más discos que los Beatles en aquella época, siendo muy famosa la canción Me conformo y se presentó en centros nocturnos, en España, Australia y México. Incluso vivió varios años en España.

Jim West[editar]

Ross Martin y Robert Conrad en la serie Jim West.

Posteriormente en 1965, vino la gran oportunidad que buscaba, un papel principal como Jim West que le encajaba a la perfección, y que le fue ofrecido, trabajó en la serie The Wild Wild West, junto a Ross Martin como Artemio Gordon con quien se complementaba a la perfección, además era una serie innovadora ya que mezclaba el western con la ciencia ficción y el espionaje.

Conrad que había cultivado su físico llegando a ser un atleta muy completo pese a su mediana estatura (1,73 m), decidió no usar dobles en la serie. Se arriesgó en las escenas de peligro, estando a punto de morir cuando en una de ellas se cayó de un candelabro estrellándose contra un piso de hormigón. Pese a eso, una vez recuperado de la lesión siguió arriesgándose, aunque no por ello dejó de lastimarse.

Conrad, que contaba con habilidades para el boxeo y las artes marciales, interpretó coreografías de peleas nunca antes vistas en la televisión, razón por la cual en 1969 cancelaron la serie, porque pese a su éxito consideraron que era muy violenta y precisamente en aquellos años tras el asesinato de Martin Luther King había una campaña anti-violencia en la televisión. Gracias a esta serie Conrad fue reconocido y se lo incluyó en el salón de la fama de los dobles (especialistas), siendo el único actor con este reconocimiento. Desde su cancelación la serie no ha dejado de reponerse en algún lugar del planeta, y actualmente se la considera una serie de culto.

Después de la cancelación de la serie, Conrad vio decaer su estrella lentamente a pesar de realizar series de televisión menores que fueron canceladas con pocos episodios. Intentó sin éxito interpretar papeles de corte dramático, un género para el que no estaba del todo bien preparado y además estaba encasillado en el colectivo en roles más duros.

Actuó en películas hechas en México como Bandidos y Ven a cantar conmigo.

Baa, Baa Black Sheep[editar]

Robert Conrad, en la serie Baa Baa Black Sheep.

En 1976, personificó a Gregory Boyington en la serie Baa, Baa Black Sheep. Aquí, actuó al lado de su medio hermano Larry Manetti. La serie competía en el horario con otras que tenían mucha audiencia como Happy Days (Días felices), por lo que no le fue bien en índices de audiencia, pero se decidió darle otra oportunidad con el título Black Sheep Squadron (Escuadrón Ovejas Negras), para evitar que el título fuera confundido con algún programa infantil. Le tocó competir contra las bellezas de Los ángeles de Charlie, por lo que en el programa incorporaron a las ovejitas de Pappy. Pese a todo, la serie se retransmitió con buenos niveles de audiencia.^{[cita requerida]}

Centenario[editar]

También actuó en Centennial, una monumental serie épica que relataba la colonización de los Estados Unidos y donde aparecían grandes estrellas como Richard Chamberlain, Raymond Burr y Robert Vaughn, entre otros. Conrad interpretó magistralmente al explorador francés Pasquinel, un papel hecho a su medida y gracias a su acostumbrada asertividad logró que le pagaran más que a los demás actores. Conrad estaría orgulloso de su papel considerándolo como el mejor y más logrado de su carrera, como efectivamente así lo fue.

En 1979 obtendría el papel de Thomas Sloane en la serie A Man Called Sloane, en esta serie también interpretaba a un espía, similar en muchos aspectos a "su" Jim West de The Wild Wild West y también al papel que interpretó en la serie Assignment Viena en 1971. Conrad dejó de ser visible a partir de esa fecha para reaparecer en 1982 como un locutor comercial en el telefilm Will: The Autobiography of G. Gordon Liddy.

Desde 1985, apareció en producciones para televisión como High Mountain Rangers (1988) junto a sus hijos Chris y Sean, Anything to Survive (1991), Cowboy Samurái (1993) o High Sierra Search and Rescue (1995).

En 1997 interpretó a un policía motorizado en la película Jingle All the Way (traducida como Un padre en apuros o El regalo prometido), siendo esta una de las últimas apariciones. En 2002 anunció su retiro de la actuación.

Muerte[editar]

Murió la mañana del sábado, 8 de febrero de 2020 en Malibú, California, a los 84 años debido a una insuficiencia cardíaca.³

2021:

Muere

Mary Wilson (Greenville, Misisipi; 6 de marzo de 1944-Henderson, Nevada; 8 de febrero de 2021) fue una cantante de soul estadounidense conocida principalmente por ser una integrante del trío musical The Supremes.¹

Biografía[editar]

Como componente de The Supremes siempre llevó a sus espaldas la pérdida de un posible éxito mucho mayor, debido a la determinación del productor musical Berry Gordy de dar sólo notoriedad a Diana Ross, discriminando a Mary Wilson y Florence Ballard. Comenzaron muy jóvenes con el nombre de The Primettes. Wilson fue componente de The Supremes desde 1960 hasta 1976. Tras esto continuó su carrera en solitario en la Motown, con el LP "Red hot" en 1979. Co-escribió el libro "Dreamgirl, My Life as a Supreme" en el que reflejaba los abusos de la era Motown, motivo por el que en 1987 recorrió numerosas radios y televisiones. En 1987 grabó un sencillo para la compañía británica Motorcity, "Don't Get Mad, Get Even". En 1989 grabó otro sencillo "Oooh Child", una versión de The Five Stairsteps. En 1992 grabó el sencillo "One Night With You" y en 1995 "U".

Falleció el 8 de febrero de 2021 en su casa de Henderson, Nevada.²³ Se desconocen las causas de su fallecimiento.¹

https://www.youtube.com/watch?v=DlgHudEv_VA&list=PLEdeYTlZjDy7o6J0waCti49ZjHEI2Eosq

https://www.youtube.com/watch?v=UGJQPkfwlAc

https://www.youtube.com/watch?v=fQ7uXX9K7Sk

2023:

Muere

Burt Freeman Bacharach (Kansas City, 12 de mayo de 1928-Los Ángeles, 8 de febrero de 2023)¹ fue un compositor, productor y cantante estadounidense. Cientos de sus canciones, muchas de ellas en colaboración con el letrista Hal David, fueron populares en las listas de éxito entre la década de los cincuenta y los ochenta y han sido regrabadas por más de mil artistas desde entonces.² Obtuvo los galardones más importantes de la industria del entretenimiento, entre ellos: seis premios Grammy, dos Globos de Oro, un premio BAFTA, un premio Emmy y tres premios Óscar.³

Muchos de sus éxitos fueron interpretados por Dionne Warwick, pero también sobresalen sus colaboraciones con Perry Como, Dusty Springfield, Jackie DeShannon, Bobbie Gentry, Tom Jones y The Carpenters, entre muchos otros. Algunas de sus canciones más conocidas son: «Alfie» de 1965, «What the World Needs Now Is Love» de 1965, «The Look of Love» de 1967, «This Guy's in Love with You» de 1968, «Raindrops Keep Fallin' on My Head» de 1969, «I'll Never Fall in Love Again» de 1969, «(They Long to Be) Close to You» de 1970, «Arthur's Theme (Best That You Can Do)» de 1981, «That's What Friends Are For» de 1986 y «On My Own» de 1986.

Su música es de fácil escucha y él mismo fue descrito como «un compositor cuyo venerable nombre puede estar conectado a cualquier otro prominente artista de su época».⁴ En los últimos años, algunas de sus canciones han hecho parte de bandas sonoras de películas de gran calado, por lo que diversos «tributos, recopilaciones o relanzamientos son fáciles de encontrar actualmente».⁴ Es denotado como una influencia importante para el pop orquestal y el género shibuya-kei y junto con Hal David, fue incluido por la revista Rolling Stone en su lista de «los 100 compositores más grandes de todos los tiempos».⁵⁶⁷⁸ En 2012, ambos fueron condecorados con el premio Gershwin por el presidente Barack Obama por el legado de sus composiciones en la música.⁹

Biografía[editar]

Sus padres fueron Irma Freeman y Bert Bacharach, un periodista. Bacharach estudió música en la Universidad de McGill, el Colegio de Música de Mannes y la Academia de Música del Oeste en Santa Bárbara, California. Durante los años 50 y comienzos de los 60 fue el pianista, arreglista y músico principal de Marlene Dietrich con quien hizo giras.

Primeros trabajos[editar]

En 1957, junto al letrista Hal David comenzaron a trabajar en Nueva York. Casi un año más tarde su canción "The Story of My Life" fue grabada por Marty Robbins para Columbia Records convirtiéndose en la número uno de las listas country a fines de ese año, a continuación "Magic Moments" fue grabada por Perry Como para RCA Records llegando al número 4 en febrero de 1958. Estas dos grabaciones llegaron al número uno consecutivamente en Reino Unido, dándoles a ambos el honor de ser los primeros autores en la historia de Reino Unido en haber escrito dos números uno consecutivos. Después vendrían éxitos como "Heavenly" y "Faithfully" en la voz de Johnny Mathis ambos merecedores de disco de oro.

A inicios de los 1960, Bacharach escribió más de cien canciones con David, que incluyen un tesoro de éxitos populares a lo largo de los 60 y 70, muchos de los cuales aún gozan de popularidad. Durante los 60 ambos estuvieron ligados a Dionne Warwick, una vocalista formada en conservatorio que los conoció en 1961. Ella comenzó a trabajar con el dúo cuando necesitaron una buena cantante para hacer demostraciones apropiadas de sus canciones para otros artistas. Bacharach y David notaron que la calidad de los demos de Warwick a menudo superaban la de las interpretaciones que otros grababan. Comenzaron a escribir parte de sus obras específicamente con Warwick en mente y esto condujo a la formación de uno de los equipos más exitosos en la historia de la música popular. En un lapso de veinte años desde los inicios de los 60, Warwick llevó a las listas treinta y ocho sencillos coescritos o producidos por Bacharach, incluyendo veintidós éxitos dentro de los primeros 40 de las listas de los 100 más populares del American Billboard. Entre estas canciones figuran "Walk on By", "Anyone Who Had a Heart", "Alfie", "I Say a Little Prayer", "I'll Never Fall in Love Again", "What the World Needs Now Is Love", y "Do You Know the Way to San Jose?". A principios de los 60s, Bacharach colaboró además con Bob Hiliard en varias canciones como "Mexican Divorce" para The Drifters y "Any Day Now" para Chuck Jackson.

Durante los años 60 y 70 las canciones de Bacharach se hicieron famosas en las voces de artistas como The Beatles ("Baby It's You"), The Carpenters ("Close to You", la que primeramente fue grabada por Warwick, aunque sin el éxito que tuvo esta nueva versión), Barbra Streisand, Aretha Franklin ("I Say a Little Prayer"), B.J. Thomas ("Raindrops Keep Falling on my Head"), Tom Jones ("What's New, Pussycat"), The Stranglers, Dusty Springfield, The Drifters, Jack Jones, Jackie DeShannon y Luther Vandross.

Muchos temas de Bacharach fueron adaptados por músicos de jazz como Stan Getz y Wes Montgomery. Adicionalmente fue compositor y arreglista de exitosas películas como Alfie de 1966 y de 1967 Casino Royale. Bacharach y David también trabajaron en Broadway con el productor David Merrick en el musical de 1968 Promises, Promises. En 1969 la canción interpretada por BJ Thomas "Raindrops Keep Falling on My Head" de la película Butch Cassidy and the Sundance Kid ganó el premio Óscar como mejor canción de Banda Sonora.

Setenta y ochenta[editar]

Burt Bacharach en 2009.

En 1973, Bacharach y David intentaron revivir la película clásica de 1937 Lost Horizon convirtiéndola en un musical. El resultado fue un fracaso comercial y de crítica que resultó en demandas tanto entre ellos dos como de parte de Warwick.

A inicios de los años 80, Bacharach se separó de la actriz Angie Dickinson y creó una nueva sociedad de composición con Carole Bayer Sager, con quien finalmente se casó. Entre sus composiciones más notables están "Arthur’s Theme (Best That You Can Do)" (Christopher Cross), "Heartlight" (Neil Diamond), "Making Love", "On My Own" y la conocida "That's What Friends Are For" de 1985 cuyas ganancias van directamente a fundaciones en la lucha contra el sida.

En cuanto a nuevas versiones de sus temas clásicos, en 1983 contó con la exitosa versión pop de su canción "(There's) Always Something There to Remind Me" por la banda new wave inglesa "Naked Eyes".

En los años 90 Bacharach apareció en películas de Hollywood como en los tres filmes de Austin Powers.

Influencia[editar]

El compositor Jimmy Webb ha reconocido la influencia de Bacharach en su trabajo.
En el álbum de Status Quo Heavy Traffic, la pista 8 se llama "Diggin' Burt Bacharach."
En la portada del álbum de Oasis Definitely Maybe, se ve una foto de Bacharach.
El dúo británico Swing Out Sister cita a Bacharach como una gran influencia.
En 1997 la banda norteamericana Faith No More incluyó en su disco de grandes éxitos "Who cares a lot?" una versión en vivo de la canción de Burt Bacharach "This guy´s in love with you". También durante los años noventa, Noel Gallagher compositor y guitarrista de la famosa banda inglesa Oasis, cantó a dúo esta canción con el mismo Bacharach.

Familia[editar]

Estuvo casado cuatro veces, primero con Paula Stewart (1953-1958), luego con la actriz Angie Dickinson (1965-1980), posteriormente con la letrista Carole Bayer Sager (1982-1991) y desde 1993 con Jane Hanson. Tuvo cuatro hijos, dos mujeres y dos varones. Nikki Bacharach murió de asfixia usando una bolsa plástica y helio el 4 de enero de 2007 a los cuarenta años. Nikki había sufrido de problemas mentales.

Fallecimiento[editar]

Falleció en su casa en Los Ángeles, producto de una larga enfermedad, rodeado de su familia.¹⁰¹¹

Las efemérides de Gus

Evocando a los personajes de la Iglesia, de la Literatura, del Cine, de la música y la tv que nacieron y o murieron un día como hoy...

miércoles, 7 de febrero de 2024

Biografía[editar]

Infancia y juventud[editar]

Índice

Biografía[editar]

Biografía[editar]

Primeros papeles[editar]

Biografía[editar]

Años 1950[editar]

Años 1960[editar]

Años 1970 y 1980[editar]

Años 1990[editar]

Muerte[editar]

Biografía[editar]

Vida temprana [ editar ]

Carrera musical [ editar ]

La década de 1990 [ editar ]

2000 al presente [ editar ]

Biografía[editar]

Los inicios[editar]

El despegue[editar]

Etapa internacional[editar]

Vuelta a Chile[editar]

Regreso a los escenarios[editar]

Actividad actual[editar]

‘Stop in the name of love’, nº 1 de Billboard

Vida personal[editar]

Vida personal[editar]

Datos biográficos[editar]

Primeros años[editar]

Comienzos en la actuación[editar]

Jim West[editar]

Baa, Baa Black Sheep[editar]

Centenario[editar]

Muerte[editar]

Biografía[editar]

Biografía[editar]

Primeros trabajos[editar]

Setenta y ochenta[editar]

Influencia[editar]

Familia[editar]

Fallecimiento[editar]

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