El 16 de marzo es el 75.º (septuagésimo quinto) día del año en el calendario gregoriano y el 76.º en los años bisiestos. Quedan 290 días para finalizar el año.
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Santoral de la Iglesia
Católica:
San José Gabriel Brochero, sacerdote argentino.
San José
Gabriel del Rosario Brochero (Villa Santa Rosa, 16 de marzo de 1840–Villa del Tránsito, 26 de enero de 1914)
fue un presbítero católico argentino, llamado popularmente el cura gaucho.4
El 4 de noviembre de
1866 fue ordenado sacerdote. Primero desempeñó su ministerio sacerdotal en
la catedral de Córdoba y
fue prefecto de estudios del colegio seminario Nuestra Señora de Loreto. Ya en
1867, Brochero se destacó por su entrega en la asistencia de los enfermos y
moribundos de la epidemia de cólera que azotó a la ciudad de Córdoba. El 19 de
noviembre de 1869 fue elegido vicario del departamento San
Alberto, conocido hoy como el valle de Traslasierra,
con sede en la localidad de Villa del Tránsito que
a partir de 1916 llevaría su nombre. El valle de Traslasierra contaba entonces
con unos 10 mil habitantes. El 24 de diciembre de 1869 partió de la ciudad de
Córdoba para hacerse cargo del curato. Allí, asumió como propias las
necesidades de la gente. Con sus manos construyó iglesias y capillas, levantó
escuelas y abrió caminos entre las montañas, animando a los pobladores a
acompañarlo. En su vejez el padre Brochero enfermó de lepra como
resultado de convivir con enfermos que padecían esa enfermedad, compartiendo
inclusive el mate con ellos. Por
esa razón quedó sordo y ciego antes de morir, en 1914.
El proceso de canonización se inició en la década de 1960. Brochero fue
declarado venerable por el papa Juan Pablo IIen 2004, y beatificado en una
ceremonia presidida por el cardenal Angelo Amato en la pequeña localidad
cordobesa de Villa Cura Brochero el 14 de septiembre de 2013, durante el
pontificado del papa Francisco.
Fue canonizado el 16 de octubre de 2016, en una celebración
presidida por el propio Francisco.5
La gracia de Dios es como la lluvia, que a todos moja.6
Cura Brochero
37
D.C
Muere Tiberio,
emperador romano (n. 42 a. C.).
Tiberio Julio César,
nacido con el nombre de Tiberio Claudio Nerón (en latín, Tiberius Claudius Nero; 16 de noviembre de 42 a. C.-16 de marzo del 37 d. C.),
fue emperador del Imperio romano desde el 18 de septiembre del año 14 hasta
su muerte, el 16 de marzo del
año 37. Fue el segundo emperador de Roma y perteneció a
la dinastía Julio-Claudia.
Era hijo de Tiberio
Claudio Nerón y Livia Drusila, miembro por tanto de la gens Claudia.
Su
familia emparentó con la familia imperial cuando su madre se divorció de su
padre y contrajo matrimonio con Octavio Augusto (39 a. C.). Tras este matrimonio, Tiberio se
casó con la hija de Augusto, Julia la Mayor. Fue adoptado formalmente por Augusto
el 26 de junio del año 4,
entrando a formar parte de la gens Julia.
Tras la adopción, se le concedieron poderes tribunicios por diez años.
Como
tribuno, reorganizó de nuevo el ejército,
reformando la ley militar y creando nuevas legiones. El tiempo en filas ascendió a veinte años
(16 años para un pretoriano o guardia imperial).
Tras cumplir el tiempo de servicio, los soldados recibían una paga cuyo importe
provenía de un impuesto del 5 % sobre las herencias.
Posteriormente
Tiberio se enemistó con el emperador Augusto, y se vio obligado a exiliarse
en Rodas. Sin embargo, tras la muerte de los nietos
mayores de Augusto y previsibles herederos del Imperio, Cayo César y Lucio Julio César, unidos al destierro por traición
de su nieto menor, Agripa Póstumo, fue llamado por el emperador y
nombrado sucesor.
En
el año 13 los poderes de Augusto y de Tiberio fueron
prorrogados por diez años. Sin embargo Augusto murió poco después (19 de agosto de 14),
dejando a Tiberio como único heredero. Tiberio sucedió al emperador Augusto el
19 de agosto del año 767 desde la fundación de Roma, correspondiente al año 14
del calendario cristiano actual.
Tras su entronización, todos los poderes fueron transferidos a Tiberio sin
ningún plazo.
Tiberio
fue en su juventud uno de los más grandes generales de Roma. En sus campañas
en Panonia, Ilírico, Recia y Germania, sentó las bases de lo que posteriormente se
convertiría en la frontera norte del Imperio. Sin embargo, se le llegó a
recordar luego como un oscuro, recluido y sombrío gobernante, que realmente
nunca quiso ser emperador; Plinio el Viejo lo llamó tristissimus
hominum («el más triste de los hombres»).1 Tras la muerte en el año 23 de
su querido hijo y sucesor, Julio César Druso,
la calidad de su gobierno declinó y su reinado terminó en terror. En 26 Tiberio
se autoexilió de Roma y dejó la administración en manos de sus dos prefectos pretorianos Sejano y Quinto Nevio Cordo Sutorio
Macro. Tiberio adoptó a su nieto Calígula para que le sucediera en el trono
imperial.
1478:
Nace Francisco
Pizarro, explorador, militar y conquistador español (f. 1541).
Francisco Pizarro González (Trujillo, 16 de marzo de 1478-Lima, 26 de junio de 1541)1 fue un conquistador españolque,
a principios del siglo XVI, lideró la expedición que inició la Conquista del Perú.aPosteriormente sería nombrado gobernador de Nueva
Castilla, con sede de gobierno en la Ciudad de
los Reyes.
Se
le recuerda por haber logrado imponerse sobre el Imperio incaico con ayuda de diversos cacicazgos
locales, conquistando el mencionado
Estado imperial cuyo centro de gobierno se ubicaba en el
actual Perú, además de establecer una dependencia española
sobre él. Si bien tuvo el título de marqués, fue realmente «marqués sin marquesado». Tras
la emancipación de la Corona de Su Majestad el Rey,2 sus descendientes tuvieron el título
de marqueses de la Conquista,
pero con el nombre de Atavillos.3 Sin embargo, es muy posible que en razón de
su lealtad a la Corona le fuera como honra concedido el título de marqués de
los Atavillos, siendo este el título utilizado por el cronista don Francisco
López de Gomara en su Historia
General de las Indias, capítulo CXXXII. También fue referido
como marqués por Pedro Cieza de León en
su libro Chrónica del Perú. Para sus huestes indígenas era conocido
como Apu (‘jefe’, ‘señor’, ‘general’) o Machu Capitán (‘viejo
capitán’).4
1839:
Nace Sully
Prudhomme, poeta francés, premio Nobel de Literatura en 1901 (f. 1907).
René François
Armand «Sully» Prudhomme (París, 16 de marzo de 1839 - Châtenay-Malabry, Francia, 6 de septiembre de 1907) fue un poeta y ensayista francés, ganador del
primer Premio Nobel de Literatura en 1901.
Biografía[editar]
Prudhomme comenzó a
estudiar originalmente ingeniería, pero
decidió cambiarla por la filosofía para
consagrarse posteriormente a la poesía. En los comienzos de su carrera, se unió
al parnasianismo,
escuela literaria encabezada por el también poeta Leconte de Lisle, y
contribuyó a las tres antologías de Le Parnasse contemporain: con 4 poemas en
la primera (1866), 5 poemas en la segunda (1869-71) y uno solo en la última
(1876). No obstante, su intención era crear una lírica científica e impersonal
para los tiempos modernos: cantar las emociones y los sentimientos, pero sin
personalizarlos jamás. Desbordaba arte y pesimismo, componiendo estructuras de
grandes pretensiones, aunque un poco frías, como en las Stances et
Poèmes, las Épreuves, las Solitudes ("Soledades",
1869), La vie intérieure, Les Vaines tendresses o Le
Bonheur (1888). A partir de este último libro, fue postergando la
filosofía para centrarse en la estética y la filosofía. Obtuvo el primer premio
Nobel de literatura, concedido en 1901.
En 1902, fundó
la Sociedad de Poetas Franceses, junto a José María de Heredia (de origen cubano, con
quien tuvo una gran amistad) y Léon Dierx.
Fue uno de los primeros
valedores del capitán Alfred Dreyfus,
participando en su defensa pública durante el polémico caso (véase: Caso Dreyfus)
que agitó a la sociedad francesa entre 1894 y 1906.
También se distinguió
como uno de los pocos artistas que se manifestó abiertamente a favor del
proyecto de la Torre
Eiffel en 1889 (modificando su opinión inicial contraria a la
obra).
Sully Prudhomme ocupó
el sillón 24 de la Academia Francesa, en el que también se han sentado
personalidades destacadas como el escritor y ensayista Jean
de la Fontaine y el matemático y físico Henri Poincaré.
1892:
Nace César
Vallejo, poeta peruano (f. 1938).
César Abraham Vallejo Mendoza (Santiago de Chuco, 16 de marzo de 1892-París, 15 de abril de 1938)
fue un poeta y escritor peruano. Es considerado uno de los
mayores innovadores de la poesía del siglo XX y el máximo exponente de las letras en
su país.1 Es, en opinión del crítico Thomas Merton, «el más grande poeta católico
desde Dante, y por
católico entiendo universal»2 y según Martin Seymour-Smith,
«el más grande poeta del siglo XX en todos los idiomas».3
Publicó
en Lima sus dos primeros poemarios: Los heraldos negros (1918),
con poesías que si bien en el aspecto formal son todavía de filiación
modernista, constituyen a la vez el comienzo de la búsqueda de una
diferenciación expresiva; y Trilce (1922), obra que significa ya la
creación de un lenguaje poético muy personal, coincidiendo con la irrupción
del vanguardismo a
nivel mundial. En 1923 dio a la prensa su primera obra narrativa: Escalas,
colección de estampas y relatos, algunos ya vanguardistas. Ese mismo año partió
hacia Europa, para no volver más a su patria. Hasta su
muerte residió mayormente en París, con algunas breves estancias en Madrid y en otras ciudades europeas en las que
estuvo de paso. Vivió del periodismo4 complementado con trabajos de traducción y docencia.
En
la última etapa de su vida no publicó libros de poesía, aunque escribió una
serie de poemas que aparecerían póstumamente. Sacó en cambio, libros en prosa:
la novela proletaria o indigenista El tungsteno (Madrid, 1931) y el libro de crónicas Rusia en
1931 (Madrid, 1931). Por entonces escribió también su
cuento más famoso, Paco Yunque,
que saldría a luz años después de su muerte. Sus poemas póstumos fueron
agrupados en dos poemarios: Poemas humanos y España,
aparta de mí este cáliz, publicados en 1939 gracias al empeño de
su viuda, Georgette Vallejo.
La poesía reunida en estos últimos volúmenes es de corte social, con
esporádicos temas de posición ideológica y profundamente humanos. Para muchos
críticos, los Poemas humanos constituyen lo mejor de su
producción poética, que lo han hecho merecedor del calificativo de «poeta
universal».
1908:
Nace Robert Rossen,
cineasta estadounidense (f. 1966).
Robert Rossen (16 de marzo de 1908 - 18
de febrero de 1966) fue un director,
productor y guionista de cine estadounidense que fue
incluido en la lista negra de Hollywood de finales de
los años 1950.
Índice
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Robert Rossen nació en Nueva York en el seno de una humilde
familia judía de emigrantes, provenientes del Imperio Ruso. Robert Rossen fue
educado en la fe judía porque su padre era rabino.12 . Creció en el
Lower East Side neoyorquino. En su juventud, Rossen practicaría el boxeo pero
después dejaría esta ocupación y sus estudios universitarios para trabajar como
escritor y director teatral en los años 30, en los que se preocupó
principalmente en representar obras de contenido social y político a la vez que
ingresaba en el Partido Comunista americano. A partir de ahí,
escribiría los guiones de grandes películas de la época. Así su intervención se
vería reflejada en La mujer marcada (1937) de Lloyd Bacon, They
won’t forget (1937) de Mervyn LeRoy, Los violentos años 20 (1939),
de Raoul Walsh o El extraño amor de Martha Ivers y Un paseo bajo el sol, de Lewis
Milestone.
Después de estas experiencias, Rossen debuta como director. Lo
haría con dos películas en 1947: Johnny O’Clock (1947) y Cuerpo y alma (1947), una cinta
que ambienta el último combate de un boxeador (John Gardifeld). La película
estaba escrita por Abraham Polonsky, un simpatizante
comunista. Eso hizo que Rossen comenzara a ser visto como un peligroso
personaje de la órbita izquierdista en Hollywood, a pesar de que Rossen ya
había abandonado la afiliación comunista en 1945.
En 1949 y en plena época de testificación en las sesiones
del Comité de Actividades Antinorteamericanas, Rossen deasafía
a todo el mundo, consiguiendo una de sus películas más extraordinarias. El
político, basada en la novela de Robert Pen Warren, narra el ascenso y la
caída de un hombre no muy inteligente (Broderick Crawford)
pero con una capacidad oratoria descomunal, cualidad que le lleva a ser elegido
gobernador de Louisiana. El político
se autodenomina el luchador contra la corrupción, pero acabaría implicado en
numerosos escándalos.
A pesar del escándalo que supuso en su día, la calidad de la
cinta no le dio más remedio a sus compañeros para considerar El
políticocomo el mejor film del año. Rossen consigue el Óscar como
productor, una nominaciones como mejor director y otra como mejor guion
adaptado. Broderick Crawford y Mercedes McCambridge lograrían también
sendas estatuillas como mejor actor y mejor actriz secundaria respectivamente.
1916:
Nace Mercedes McCambridge,
actriz estadounidense (f. 2004).
Mercedes Agnes Carlotta McCambridge (Joliet, 16 de marzo de 1916 – La Jolla, 2 de marzo de 2004), apodada
coloquialmente Mercy, fue una actriz norteamericana de cine,
televisión y radio ganadora de un Premio Óscar.
Índice
Biografía[editar]
McCambridge nació en Joliet (Illinois) en el seno de
una familia inmigrante irlandesa.1 Mercedes se
graduaría en el Mundelein College de Chicago antes de
empezar su carrera como actriz.1 Empezaría su
carrera como actriz radiofónica durante la década de los 40, aunque también
alternaría con papeles en Broadway. Su trabajo más
destacado en el período radiofónico sería el de Rosemary Levy en el
serial Abie's
Irish Rose, así como en las series I Love A Mystery, The
Thing That Cries in the Night, Bury Your Dead, Arizona, The
Million Dollar Curse, The Temple of Vampires o The
Battle of the Century). Casi todas ellas se realizaron en la sintonía de
la CBS.
Entrada en el mundo del cine[editar]
Su introducción en el mundo del cine llegaría por la puerta
grande. McCambridge se convertiría en el antagonista de Broderick Crawford en
la película de 1949 El político. Por este papel,
ganaría el Óscar a la mejor actriz de reparto, así como el Globo
de Orocomo mejor actriz de reparto .
En 1954, la actriz coprotagonizaría junto a Joan
Crawford y Sterling Hayden la película Johnny Guitar, en la que encarna el
papel de malvada de la película. Tanto McCambridge como Hayden declararon su
disgusto de trabajar con Crawford; ella llegó a declarar en su memorias que
Crawford «era un huevo podrido».
Poco después, en 1955 McCambridge trabajaría en el reparto del
gran clásico de George Stevens, Gigante. Volvería a ser nominada en la categoría de
mejor actriz de reparto aunque esta vez el galardón se lo llevaría Dorothy Malone por Escrito en el viento. En 1959,
McCambridge volvería a aparecer como malvada. En esta ocasión junto a Katharine Hepburn, Montgomery Clift y Elizabeth Taylor en el film de Joseph L. Mankiewicz De repente, el último verano.
De todas maneras, una de la aportaciones más importantes de
McCambridge fue una actuación en la que no aparece su rostro. La veterana
actriz fue la voz (en la versión original en inglés) de la diabólica posesión
de la actriz Linda Blair en El exorcista. Se le prometió a
McCambridge un lugar en los títulos de crédito pero descubrió en la premier que
su nombre había sido suprimido. Su disputa con el director William Friedkin y con la Warner
Bros. llegó hasta los tribunales. Finalmente con la ayuda
del Sindicato de Actores, hizo que finalmente se
incluyera su nombre en los créditos del filme. Se cuenta que para conseguir la
voz diabólica, McCambridge dejó de dormir, fumó más y consumió licor y yemas de
huevo crudas.
McCambridge tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood: como actriz situada en
el 1722 de Vine Street, y otra en la televisión situada en
el 6243 de Hollywood Boulevard. Ella escribió sus memorias bajo el nombre The
Quality of Mercy: An Autobiography (Times Books, 1981), ISBN 0-8129-0945-3. McCambridge
murió el 2 de marzo de 2004 en La Jolla (California), por causas
naturales a la edad de 87 años.1
1920:
Nace John
Addison, compositor británico (f. 1998).
Mervyn John Addison (Surrey, 16 de marzo de 1920 - Bennington, 7
de diciembre de 1998)1 fue un compositor británico conocido por
sus partituras cinematográficas.
Addison nació en el pueblo de Chobham (Surrey).1 Su padre era
coronel en el ejército británico, y esto influyó en la decisión de enviarlo al
Wellington College (en Berkshire). Sin embargo,
a la edad de dieciséis años ingresó en el Royal College of Music,2 donde estudió
composición con Gordon Jacob, oboe con Léon
Goossens, y clarinete con Frederick Thurston.1 Tres años
después (en 1939) su educación se vio interrumpida porque fue reclutado para ir
a la guerra en Europa, en el marco de la segunda guerra mundial. Addison sirvió en el
regimiento 23.º de húsares, del Cuerpo
Británico XXX. Fue oficial de tanques en la batalla de Normandía y fue herido
en Caen (Baja Normandía). Más tarde participó en
la operación Market Garden.
Al final de la guerra, regresó a Londres para enseñar composición en el Royal
College of Music.
Addison es conocido por sus partituras cinematográficas. Ganó
un premio Óscar y un premio
Grammy a la mejor banda sonora original de una película o un
programa de televisión, por su música para la película Tom Jones, de 1963.2 También ganó
un premio Bafta por la
música de la película A bridge too far (Un puente lejano, 1977).
Sus bandas sonoras incluyen:
·
That lady (La
princesa de Éboli, 1955)
·
A taste of honey (1961)
·
La chica de los ojos verdes (1964)
·
Smashing time (1967)
·
Mujeres en Venecia (1967)3
·
Swashbuckler (Espadachín,
1976) y
·
La serie de televisión Centennial (1978).
Compuso el tema musical de la serie de televisión Murder, she wrote, por la que ganó
un premio
Emmy. Addison también será recordado como el compositor al que
recurrió el cineasta Alfred Hitchcock cuando puso
fin a su larga relación con el compositor Bernard Herrmann, y le hizo
componer la música para su película Torn curtain (1966).2
Tenía una conexión personal con la película Reach
for the sky (1956), a la que le puso música, ya que el
personaje central de la película, el piloto británico Douglas Bader (1910-1982) era el esposo de su hermana
Thelma Addison Edwards. (Addison tenía al menos otra hermana, llamada Jill
Addison).
Para el teatro, Addison escribió la música de The
Entertainer (1957), de John Osborne4 y Lutero (1961).5 Colaboró con
John Cranko en Cranks (bielas), en 1956.6
Aunque escribió numerosas composiciones clásicas, Addison decía:
«Si descubres que eres bueno en algo ―y yo lo era como compositor de cine―, es
estúpido hacer otra cosa». Sus obras clásicas incluyen un concierto para
trompeta, descrito por The Timescomo
«buoyant» (‘optimista’) y «gershwinesca»,7 un trío para
oboe, clarinete y fagot,8 Carte
Blanche, un ballet para los pozos de Sadler's Wells,9 del que la suite
orquestal ―«de sofisticado buen humor»― se estrenó en los Proms,10 un septeto para
vientos y arpa,11 un concertante
para oboe, clarinete, trompa y orquesta;12 y una partita
para cuerdas, que fue elogiada calurosamente.13
Marlene Dietrich grabó «If he swing by the string» y «Such
trying times» de la música de la película Tom Jones (1963).
En 1994, Addison donó su colección de partituras,
correspondencia y grabaciones de estudio al Archivo de Música de Cine en
la Universidad Brigham Young.
Le sobrevivieron su esposa Pamela, sus dos hijos varones
Jonathan y Daniel, su hija Lucinda, su hijastro Birchenough Rex, y su hijastra
Sandra Stapleton.
https://www.youtube.com/watch?v=xqTDOsGWLCY
1929:
Nace Celina González,
cantante cubana de "Celina y
Reutilio".
Celina González. Fue una exitosa cantante y compositora.
Considerada la reina del punto cubano. El secreto de su popularidad durante su
carrera artística, es haber sido siempre fiel a sus orígenes y al pueblo. Se
convirtió en una de las voces más reconocidas en la isla en el ámbito musical,
en cuya obra destacó las raíces campesinas y la influencia de las religiones
africanas.
Síntesis biográfica
Nació el 16 de marzo de 1929, en el caserío La Luisa,
entre Pedro Betancourt y Jovellanos en
la provincia de Matanzas, Cuba.
A los cuatro años fue trasladada por su familia a la
provincia de Santiago de Cuba. Su casa siempre fue como un “guateque”
o alegre canturía; sus padres cantaban tonadas campesinas
con voces muy bellas, y dos de sus hermanas —una hembra y un varón— tocaban
el tres y el laúd.
Desde muy joven fue simpatizante de la religión afrocubana
Regla de Osha o Santería. Según sus propias palabras, en la noche del año 1948se le apareció la Virgen
católica de Santa Bárbara, conocida por estar sincretizada por la
deidad africana y gran guerrero Changó, dueño del fuego, del trueno, el rayo y de los alegres
tambores asegurándole a ella un triunfo artístico total si le dedicaba un canto
de alabanza. Según esta versión de la propia Celina, surgió el famoso canto a
Santa Bárbara o “¡Que viva Changó!”.
En 1958,
sintió la necesidad de tener su santo de cabecera, en su ceremonia de Kari Osha
o de Santo en busca de su verdadero Ángel de la Guardia, que estaría posado
sobre su orí (cabeza) como futura iyawo (santera), le salió en los caracoles
ser hija de Yemayá sincretizada
por la diosa Virgen de Regla, dueña del mar y todo lo que existe
en él y donde vive Olokún en lo más profundo del
océano.
Poco después, Celina y Reutilio compusieron “Yo soy el punto
cubano”, que junto a “Santa Bárbara”, los hicieron famosos en Cuba y en toda Hispanoamérica con
numerosas grabaciones.
Trayectoria artística
Desde pequeña, siempre tuvo una voz clara, potente y rítmica.
A mediados de los años 40 del siglo pasado conoció Celina al guantanamero Reutilio Domínguez Terrero, un
guitarrista espectacular y notable, segunda voz, formando con él en 1947 el famoso dúo
de Celina y Reutilio.
Cuando actuaban en el programa Atalaya Campesina, de la
emisora Cadena Oriental de Radio de Santiago
de Cuba, fueron descubiertos y llevados a la ciudad de La Habana por
el ya afamado compositor de guarachas y también oriental Ñico
Saquito, autor de las famosas guarachas-sones “María Cristina”, y “Camina
como Chencha, la Gambá”, entre otras muchas. De él no solo recibieron esa gran
ayuda, sino también musical y la influencia de su estilo peculiar.
Viajaron varias veces a República Dominicana y New York y
participaron en las filmaciones de las películas cubanas Rincón
Criollo y Bella la Salvaje, junto a la
vedette Blanquita Amaro, los cantantes Celia Cruz,
Olga, Tony y Ñico Saquito.
Lamentablemente en 1964, el dúo se separó y Celina González comenzó su futura
carrera como solista. Algunos años después (1981), formó dúo con su hijo Reutilio Domínguez con el objetivo de
rescatar parte del repertorio del antiguo dúo con Reutilio su esposo. Con él
grabó en 1999 el
disco "50 años como una reina", nominado en el 2001 al Grammy Latino.
Bajo el acompañamiento de los excelentes conjuntos
típicos Campo Alegre, Los Montunos, Los Pinares, y del popular
programa de televisión Palmas y Cañas, bajo la dirección del notable
laudista Miguel
Ojeda, la carrera de Celina González como solista cada día fue en ascenso.
Se presentó con gran éxito en teatros, cabaret, radio, televisión, y graba
numerosos discos en su país, los cuales se reproducen en el extranjero.
Los más importantes escenarios de distintas partes del
continente la reclamaron: Colombia, Ecuador, Argentina, México, Islas Canarias, España, EE.UU., África e Inglaterra donde
triunfaron por ser sus grabaciones muy conocidas.
Para Celina González, el secreto de su popularidad en todos
estos largos años, fue haber sido siempre fiel a sus orígenes y al pueblo que
la vio nacer y sobre todo vivir.
Fue ovacionada en los mejores teatros y estadios del mundo.
Cantó junto a Benny Moré, Barbarito
Diez, Nat King Cole, Pedro Vargas entre
otros.
La escritora Mireya Reyes Fanjul después
de nueve años de investigaciones acerca de su vida presentó el libro
"Celina González, una historia de amor", editado por Letras
Cubanas. En el libro se habla de la unión con Reutilio Domínguez, su
compañero en la vida y en el arte, el padre de sus cinco hijos, y también del
amor que ha profesado a la música cubana, a la que ha permanecido fiel por más
de 50 años.
https://www.youtube.com/watch?v=YLJzEEYlr2Q
Índice
[ocultar]Biografía[editar]
Sus padres fueron: Alejandro Acosta Flores y de María Luisa Ojeda Cutimbo. Se educó en la ciudad de Lima, siguiendo sus estudios primarios en el Centro Escolar N° 446 en Miraflores en 1937, y en el Colegio Salesiano de Breña entre 1938 a 1942; sus estudios secundarios entre 1943 a 1947 en el Colegio Emblemático José María Eguren de Barranco. Empezó a componer e interpretar música criolla desde muy joven.
Vena Criolla[editar]
Integró diversos grupos criollos, como el Trío Surquillo (1948 a 1950), y el dúo Los Dones en 1951 a 1954, destacando en festivales y emisiones radiofónicas; encontrando la fama al ganar amplia popularidad dos composiciones suyas interpretadas por el Trío Los Chamas en 1955, los valses: "En un Atardecer" y "Madre". Es autor de numerosas canciones populares, es el caso de los valses "Cariño", "Ya se Muere la Tarde", "Si tú me Quisieras", "Puedes Irte" y la extraordinaria marinera limeña "Bajo la loza", popularizada en 1957 por Los Troveros Criollos.
Sus composiciones posteriores a 1960 han incursionado en temas de crítica social. Destacan en su obra de cantautor las grabaciones: "Javier viven en el Aire" (1963), cancionero en homenaje al poeta Javier Heraud; "Cantan los Autores" (1965), realizado en colaboración con Eduardo Márquez Talledo, Pablo Casas y Luis Abelardo Núñez; "Canción Protesta" (1966), "El Nuevo día" (1974), álbum dedicado íntegramente a las luchas sociales y a los trabajadores, y "El Poeta de la Canción Peruana" (1978).
Sus composiciones han sido grabadas por artistas de la talla de Bartola, Los Chamas, Cecilia Bracamonte, Pedrito Otiniano, Alicia Maguiña, Eva Ayllón, Roberto Silva, Rafael Matallana, El "Cholo" Berrocal, Tania Libertad, Los Hermanos Zañartu, Óscar Avilés y su conjunto Fiesta Criolla, El trío Los Troveros Criollos, María Obregón y Luz Melva, entre otros de grata recordación.
Promotor del Cancionero Peruano[editar]
Se desempeñó como secretario de defensa del Sindicato de Artistas Folklóricos (1961-[[1964 y presidente de la Sociedad de Autores y Compositores Peruanos SAYCOPE(1970), institución local de la cual ha sido su presidente y que se convirtió en una trinchera de la difusión del buen arte.
Incursionó en cine actuando en "Harawi" (1970), "La Familia Orozco" (1976) y "Gregorio" (1981). Como periodista ha sido redactor principal de "Ricchay" (1961), director de la revista de arte popular "Coliseo" (1972-1975), conductor del programa radial "Música del Pueblo" (1966-1968) y colaborador en El Peruano, La Crónica, El Comercio, La Prensa, La República, Revista Oiga, Semanario Caretas.
https://www.youtube.com/watch?v=i2jsZsRuDL4
1940:
Muere Selma Lagerlöf, escritora sueca, premio Nobel de
Literatura en 1909 (n. 1858).
Selma Ottilia Lovisa Lagerlöf /ˈsɛlma ʊˈtiːlɪa lʊˈviːsa ˈlɑːgərˌløːv/, también escrito como Selma Lagerlof o Selma Lagerloef (Mårbacka, provincia de
Värmland, Suecia meridional, 20 de noviembre de 1858-Mårbacka, 16 de marzo de 1940), fue
una escritora sueca de fama universal y la primera mujer en obtener
un Premio Nobel de Literatura (1909).
1941:
Nace Bernardo Bertolucci, director de cine y guionista italiano.
Bernardo Bertolucci (Parma, Reino de Italia, 16 de marzo de 1941 - Roma, Italia, 26 de noviembre de 20181) fue un director de cine y guionista italiano. Su película El último emperador (The Last Emperor) ganó nueve premios Óscar en 1988. También dirigió Novecento y El último tango en París y escribió el guion de Hasta que llegó su hora, considerado uno de los mejores spaghetti western de la historia.[cita requerida]
Índice
· 2Estilo
· 4Premios
Biografía[editar]
Su padre, Attilio, era poeta. Bernardo estudió en la Universidad de Roma La Sapienza, donde se ganó una cierta fama como poeta. Se inició en el mundo del cine realizando cortometrajes en 16 mm con su hermano Giuseppe. En 1961 hizo de ayudante de dirección en Accattone, primer largometraje de Pier Paolo Pasolini. Un año después se estrenaba como director con La commare secca. En 1968 estrenaba Hasta que llegó su hora, dirigida por director italiano Sergio Leone.
En 1972 su película El conformista fue candidata a los Óscar por el mejor guion adaptado. Dos años después él mismo era nominado para el Óscar a la mejor dirección, en esta ocasión para Último tango a Parigi (El último tango en París) que causó controversia por una escena de violación.23 En una entrevista en la Cinémathèque française, en 2013, Bertolucci reconoce que pactó con Marlon Brando engañar a Maria Schneider en el rodaje de la escena de violación ocultándole información a Schneider sobre la escena para generar una verdadera «reacción de frustración y rabia».45 En 1976 dirigió Novecento, una superproducción sobre la historia de Italia con la colaboración de actores de la talla de Robert De Niro y Gerard Depardieu. Su obra más premiada en los Estados Unidos fue El último emperador (The Last Emperor), que ganó nueve estatuillas en 1988, además de otros premios internacionales.
El trabajo con Pasolini es una influencia que ha marcado toda su obra posterior, junto con la obra de otros directores como Godard, Kurosawa o los neorrealistas.
El suyo es un cine de autor. Sus principales características son un esmerado uso de la cámara y del montaje y el trabajo de la fotografía con finalidades simbólicas.
Falleció el 26 de noviembre de 2018 a los 77 años.
Estilo[editar]
La mayoría de sus películas transcurren en escenarios aparentemente intrascendentes —grises, si se quiere— para el espectador occidental estándar, con la importante excepción de un grupo de películas ambientadas en lugares más exóticos como en El último emperador, The Sheltering Sky y Pequeño Buda (Little Buddha).
Pero es destacable el hecho de que la contextualización de la acción en escenarios europeos rehúye el recurso a los tópicos. El lugar de la acción parece, pues, un tanto accesorio a su devenir, insistiendo en las importantes excepciones antes mencionadas. Podríamos decir que las narraciones de Bertolucci parten de la cotidianidad para descubrir el surgimiento de la historia.
1949:
Nace Sergio Denis,
cantautor argentino.
Héctor Omar Hoffmann Fenzel, más conocido como Sergio Denis (Coronel Suárez, 16 de marzo de 1949 - Buenos Aires, 15 de mayo de 2020),1 fue un cantante, cantautor y actor argentino.23
Biografía[editar]
Hijo de Feliciano Hoffmann y María Esther Fenzel,2 nació en el seno de una familia descendiente de alemanes del Volga, con la única excepción de su abuela materna, cuyo origen era español. Comenzó a cantar de muy pequeño en fiestas de la escuela y reuniones familiares y a los 16 años integró el grupo musical Los Jokers, con el cual recorrió durante cuatro años las localidades vecinas a su ciudad.
En el mes de marzo de 1969 se radicó en la ciudad de Buenos Aires e ingresó al conjunto Los Bambis, con el que grabó por primera vez para un sello discográfico: CBS. El disco se llamó Los Bambis también cantan. Los productores de CBS vieron su potencial, y le dieron la oportunidad de comenzar su carrera como solista, y en noviembre de 1969 grabó los temas "Fui un soñador" y "Te llamo para despedirme", escrito y producido por Francis Smith.4
Este disco comenzó a difundirse en el mes de diciembre, y el 1 de enero de 1970 hizo su primera actuación en televisión, en el programa Casino Philips, conducido por Andrés Percivale y emitido por Canal 13 de Buenos Aires. Durante ese mes fue contratado por el mismo canal para el ciclo Sábados Circulares de Pipo Mancera. En marzo de aquel año (1970) viajó a la ciudad de México para participar en el Primer Festival de la Canción Latina, donde ocupó el 5.º lugar con el tema "Yo te amo como entonces", que nunca se editó. A su regreso fue incorporado al Batallón de Comunicaciones de Comando 181 de Bahía Blanca, para cumplir con el servicio militar obligatorio, actividad que alternaba con sus actuaciones en público y presentaciones en diferentes programas de televisión.
En el año 1972, y merced al éxito obtenido por un tema de su autoría, protagonizó la película Me enamoré sin darme cuenta, junto a Alicia Bruzzo y Luis Brandoni. El 31 de julio de 1974 actuó en el Teatro Ópera, siendo el primer cantante melódico argentino en realizar su espectáculo en esta prestigiosa sala porteña. Cantó acompañado por una orquesta de 36 músicos dirigida por Jorge Calandrelli.
En 1975 se desvinculó del sello CBS Columbia y grabó, a mediados de 1976, para una compañía nueva denominada TK. En esta firma solo editó un álbum, ya que al año siguiente firmó un contrato con la discográfica PolyGram, con la que estuvo ligado hasta julio de 1990 y con la que grabó la mayoría de sus grandes éxitos.
En 1991 pasó a integrar el plantel artístico de EMI Odeón y realizó, hasta 1995, 4 discos más. En 1995 recibió un Diploma al Mérito de los Premios Konex en la disciplina Cantante Masculino de Pop / Balada.
Ha grabado varios temas en compañía de otros artistas como Walter Esposito, Julia Zenko, el Cuarteto Zupay, entre otros; fue invitado a participar de un disco del conjunto folclórico Los Cantores de Quilla-Huasi, con los que, junto a Eduardo Falú, grabó "Río de Tigre". También realizó, para un disco navideño, una versión propia de dos temas de la Misa Criolla de Ariel Ramírez.
Sergio Denis siempre se caracterizó por su estilo para componer o interpretar el pop melódico y la balada romántica. Entre sus canciones más famosas y populares se encuentran: "Nunca supe más de ti" del álbum homónimo de 1973, "Cada vez que sale el sol" del álbum del mismo nombre de 1977, "Cómo estás, querida" incluida en el álbum Afectos (1985), "Te quiero tanto" del álbum Imágenes (1986), y "Un poco loco" del álbum homónimo de 1991. Su repertorio también incluye versiones en español de canciones originalmente grabadas en inglés, tales como "California somnolienta" ("California Dreamin'" de The Mamas and the Papas) incluida en su álbum Al Estilo de... Sergio Denis II (1981), "Pipas de la paz" ("Pipes of peace", de Paul McCartney) del álbum La humanidad (1984), "Nada cambiará mi amor por ti" ("Nothing's gonna change my love for you" de Glenn Medeiros) y "Así fue nuestro amor" ("Annie's song", de John Denver), estas dos últimas incluidas en su álbum Afectos. Ha ganado muchos premios, siendo el cantautor argentino que más unidades vendió entre 1985 y 1994.[cita requerida]
El 6 de junio de 2017, Sergio Denis recibe el premio Gardel al Mejor Álbum Artista Romántico Melódico. El 30 de mayo de 2018, recibió de la mano del Presidente de CAPIF el premio Gardel a la Trayectoria. Momento emotivo lo cual es merecedor de tan distinguida estatuilla por su destacada carrera discográfica en estos 49 años.
En marzo de 2019 sufrió una fuerte caída del escenario durante un concierto en Tucumán, motivo por el que permaneció catorce meses en estado vegetativo, falleciendo el 15 de mayo de 2020. La causa de su muerte fue reportada como accidente cerebrovascular.5
1949:
Nace Erik Estrada,
actor estadounidense.
Erik Estrada (n. Nueva York, Nueva York; 16 de marzo de 1949)
es un actor y productor
cinematográfico estadounidense de
ascendencia puertorriqueña.
Su salto a la fama se produjo
con motivo de su participación en la serie de televisión policíaca
de los años 1970, CHiPs,
patrulla motorizada. Con posterioridad ha rodado una larga serie
de películas, telefilmes y series de televisión.
Fue muy conocido en México por protagonizar la
telenovela Dos mujeres, un
camino al lado de Laura León y Biby Gaytán en 1993.
1949:
Nace Victor
Garber, actor canadiense.
Victor Joseph Garber (London, Ontario, Canadá, 16 de marzo de 1949) es un cantante y
actor de cine, teatro y televisión canadiense; ha sido nominado
seis veces al Emmy.
Índice
·
1Carrera
Carrera[editar]
Victor Garber tiene orígenes ruso-judíos. Tiene un hermano y una hermana. Su
madre, Hope Garber, falleció en 2005; su padre murió en 1993.
Actor de teatro durante más de dos décadas, Victor Garber ha
aparecido en comedias y musicales en Broadway (Nueva York)
que le han llevado a ganar varias nominaciones a los premios Tony ―por Deathtrap (como
actor principal), Little Me (como actor en musical), Lend
Me a Tenor (como actor), y Damn Yankees (como actor
en musical)―. Su carrera televisiva y cinematográfica se ha mantenido siempre
en un segundo plano con la realización de papeles secundarios.
El primer éxito en teatro de Garber se dio en Toronto (Canadá),
donde se representó la obra de teatro Godspell (1972), obra de
teatro en la que Garber interpretó a Jesús. Otros actores famosos de aquella
obra son Martin Short y Andrea
Martin.
Un año después, Garber interpreta a este personaje en la versión
cinematográfica del musical pero decide volver al teatro y dejar el mundo del
cine. En Broadway ha
interpretado, entre otras, Noises Off (1983), de Michael
Frayn. Después de veinte años, regresó al cine con papeles como
el de un agente que roba los clientes a Michael J. Foxy Nathan Lane en la película La vida con Mickey (1993) del director
James Lapine; un amigo de Tom Hanks en la
película Algo para recordar (1993), de Nora Ephron; y el exmarido
de Goldie Hawn en The First Wives Club (1996).
No obstante, el papel cinematográfico más importante de Garber
fue en la película Titanic (1997),
de James Cameron, en la que
representa al diseñador del Titanic, Thomas Andrews, quien espera
tranquilamente el inexorable hundimiento del enorme transatlántico.
Desde 2001 y hasta 2006 comenzó a ser una cara conocida en la
pequeña pantalla al interpretar a Jack Bristow, junto a Ron Rifkin (interpretaba
a Arvin Sloane, enemigo y amigo), Jennifer
Garner (interpretaba a Sydney Bristow, su hija) y Lena Olin (interpretaba
a Irina Derevko, su mujer) en la
aclamada serie creada por J. J. Abrams, Alias. También interpretò al líder de un bufette
de abogados y docente de Harvard, el profesor Callahan en Una rubia muy legal (2001) junto a Reese Witherspoon.
Tras el final de Alias, en 2006 participó en la
serie del canal FOX sobre abogados Justice.
En 2008 caracterizó a Jordan Wethersby, uno de los socios
principales y fundadores de una firma de abogados en la serie Eli Stone.
Desde 2014 aparece en la serie The Flash encarnando al profesor
Martin Stein en la primera y segunda temporada, y en 2016 repite este papel
como parte del elenco principal de DC's Legends of
Tomorrow. En 2016 regreso a The Flash como invitado especial. En
2017 participó del crossover Crisis en Tierra-X, interpretando a
Stein en las series Supergirl, Arrow, The
Flash y Legends of Tomorrow.
1953:
Nace Isabelle Huppert,
actriz francesa.
Isabelle Anne Madeleine Huppert, conocida
como Isabelle Huppert (París, Francia; 16 de marzo de 1953) es una actriz francesa. Es ampliamente
considerada una de las intérpretes más finas y prolíficas del cine europeo,
quien ha aparecido en más de 100 películas y producciones televisivas desde su
debut en 1971.1
Es reconocida como la actriz con más películas seleccionadas
para la sección competitiva del Festival de Cine de Cannes, y dos veces reconocida
como mejor intérprete por: Violette Nozière de Claude
Chabrol en 1978 y La pianista de Michael
Haneke en 2001. Es la actriz con más nominaciones al Premio
César, con 17 menciones en total, la primera como actriz de reparto
en la cinta Aloïse de
1976 y la más reciente, en 2017, por su participación en Elle.
Fue condecorada con la Orden Nacional del Mérito en el grado de
«Caballero» en 1994 y fue elevada al grado de «Oficial» en 2005, y con la Legión
de Honor como «Caballero» en 1999 y ascendida a «Oficial» en 2009.
De igual manera, ha sido homenajeada en dos ocasiones en el
marco de Festival de Cine de Venecia por su destacada
participación en las cintas: Une affaire de femmes de 1988 y La
ceremonia de 1995. Su rol protagónico en Madame Bovary de 1991, le
dio un galardón en el Festival Internacional de Cine de Moscú.2 Algunas de sus
principales cintas de origen francés son: Loulou de 1980, La separación de 1994, 8 mujeres de
2002, Gabrielle de 2005 y Amor de 2012; de igual forma, su trabajo se ha expandido en
filmes de Italia, Rusia, Europa Central y Asia. Algunos de sus principales
filmes en idioma inglés son: La puerta del cielo de 1980, Extrañas coincidencias de 2004 y La desaparición de Eleanor Rigby de 2013.
En 2016, Huppert ganó nuevamente el aplauso de la crítica
especializada por las películas Elle y El porvenir, ganando el reconocimiento de la Sociedad Nacional de Críticos Cinematográficos, del Círculo de Críticos de Nueva York y de
la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles. Por su elogiada
interpretación en Elle, la actriz recibió el Globo
de Oro y su primera nominación al Óscar.
1954:
Nancy Lamoureaux Wilson, más conocida como Nancy
Wilson (San Francisco, California; 16 de
marzo de 1954),
es una guitarrista estadounidense.
Es conocida, junto con su hermana Ann Wilson,
como las principales integrantes del grupo Heart.
Biografía[editar]
Asistió a la Pacific University en Oregón y
al Cornish College of the Arts en Seattle. El 27
de julio de 1986 se casó con el exescritor de la revista Rolling Stone y cineasta Cameron
Crowe. Tienen dos hijos gemelos, cuyos nombres son William James Crowe y
Curtis Wilson Crowe (23 de enero de 2000).1
Mientras que Ann fue la cantante en casi todas las
grabaciones hechas por el grupo Heart, Nancy participó como la cantante de las
canciones «Treat Me Well», «These Dreams», «Stranded», «There's The Girl» y «Will
You Be There (In The Morning)». Es la guitarrista principal de Heart. En 1999
puso a la venta un álbum en vivo como solista llamado Live at McCabe's
Guitar Shop.
Ha participado al componer la música de la mayoría de las películas
de Cameron Crowe, entre ellas: Jerry
Maguire, Almost Famous, Vanilla
Sky y Elizabethtown. También ha hecho varios cameos en las películas
de Crowe The Wild Life (1984)
y Fast Times at Ridgemont High (1982).
En Acapulco estudió la preparatoria y un año de la carrera de Medicina, pero descubrió su verdadera vocación en la música y la poesía.
En 1972 el Grupo Caribe grabó su primera canción: Silencio, iniciando así su trayectoria como autor y compositor, teniendo proyección a nivel internacional con la agrupación Los Yonic’s al realizar una mancuerna de la que surgieron varios éxitos. Asimismo, fue invitado por Rafael González, entonces director artístico de Discos PolyGram, para integrarse como compositor exclusivo del elenco.
Su obra forma parte de la discografía de artistas como Los Yonic’s, que ha interpretado sus canciones Así te quiero yo, Volveré porque te quiero, Inolvidable amor, Quinceañera, Que sea lo que será y Lástima de amor, entre otras; Grupo Yndio con No llores amigo y Secreto amor; El Súper Show de los Váskez con Si ya no te intereso; Los Freddy’s con No me da pena llorar (nominada a los Premios Grammy), Estoy llorando, Amor de barro y Amor no quiero, por mencionar algunas; Marisela con O me quieres o me dejas, Yo sé que tú, Si alguna vez y A escondidas, tema que ha sido popularizado en otras versiones como la de Jenni Rivera, Los Reyes Locos, Grupo Firme, La Adictiva, Jorge Medina y muchas más.
Por su parte, Bronco inmortalizó No es tan fácil perdonar, No quiero volver, Tu recuerdo me lastima, Sonámbulo y la primera versión de Nunca voy a olvidarte, que a la fecha cuenta con más de cuatrocientas interpretaciones entre las que destacan la de Cristian Castro y de La India y Marc Anthony.
Otros intérpretes que han dado voz a sus composiciones son Lorenzo de Monteclaro, Graciela Beltrán, Los Mier, Impacto de Montemorelos, María Sorté, Nadia, Ana Bárbara, Los Ángeles Negros, Ángeles Ochoa, Los Fugitivos, Los Súper Olímpicos, La Original Banda El Limón, La Arrolladora, Los Chicanos, Verónica Castro y Los Barón de Apodaca.
Por su trabajo en la música ha sido acreedor a distinciones como el Premio Lo Nuestro, el Heraldo de México y el reconocimiento Trayectoria 25 y Más… (2009) otorgado por la Sociedad de Autores y Compositores de México (sacm) por su carrera como autor. En 2019 las autoridades su pueblo natal, Arenal de Gómez, le rindieron un memorable homenaje al erigir una escultura con su figura —de cuerpo completo y sentado en una banca del Zócalo simbolizando sus inicios— en la que se le aprecia pulsando una guitarra, su eterna compañera.
Actualmente, el maestro Roberto Belester se desempeña como Vocal del Consejo Directivo de la sacm. Su lema es: «Soy y seguiré siendo de mi pueblo».
https://www.youtube.com/watch?v=i-cEiElEYhA
https://www.youtube.com/watch?v=3luNiJCsNsQ
https://www.youtube.com/watch?v=39cPzwoNibA
1956:
Nace José Carmen
Frayle, compositor mexicano, autor de la ranchera "No se me
rajar".
José Carmen Frayle Castañón, hijo de Feliciano Frayle y María
Reyes Castañón, nació un 16 de marzo de 1956 en Chichimequillas del Marqués,
Qro.
Aunque siempre se ha dedicado al trabajo del campo, desde
niño se sintió irresistiblemente atraído hacia la música…, a partir de los 13 años
de edad empezó a componer canciones, inspirado por las aves y la naturaleza en
general, y aprendió a tocar la guitarra para acompañarse cuando las cantaba.
Su primer éxito lo obtuvo con la canción “No Me Sé Rajar”, en
1981, que grabó Vicente Fernández y, gracias a su aceptación, le siguieron
varias grabaciones más con intérpretes de la talla de Banda El Recodo, Gerardo
Reyes, El Morro, Banda La Ribereña y Banda Sinaloense, entre muchos otros.
Ocasionalmente trabaja como guitarrista en un mariachi, y cuando
el público les pide que canten “No Me Sé Rajar”, a José lo embarga una gran
emoción, y más aún cuando la corean en su presencia, sin saber que se
encuentran frente al autor.
De su obra, la canción que más satisfacciones le ha dado es,
precisamente, “No Me Sé Rajar”, aunque también le tiene un cariño especial a su
tema “Olvídame”, que fue grabado por Sonia López.
La Sociedad de Autores y Compositores de Música, organizó una
ceremonia el 26 de octubre del 2005, en las instalaciones de la SACM, en la que
el Consejo Directivo, encabezado por el Mtro. Roberto Cantoral, rindió homenaje
a socios con una trayectoria de 25 y 50 años en el difícil quehacer de la
inspiración, entre ellos, José Carmen Frayle, por sus 25 años como compositor.
Falleció el 14 de octubre de 2015.
https://www.youtube.com/watch?v=mfu_YnuI5rQ
Inició su carrera como cantante de la banda Eva 2000 , con la que también grabó un disco y con la que participó en el Festival de San Remo de 1975 [1] .
Posteriormente como solista utilizó el seudónimo de Daniel Danieli [2] , y en 1979 ganó el Festival Castrocaro [3] .
En 1980 publicó el sencillo Freddo diamante / Tu violencia , cuyo lado B, con el texto de Gianni Greco y la música de Marco Zoccheddu y Gianfranco Reverberi , destaca más por la originalidad y profundidad del texto, en el que un joven directamente a violencia, cuyos impulsos lo asaltan. La canción de Greco-Zoccheddu-Reverberi fue enviada luego por la discográfica de Daniel Danielì, Sandro Coppola, Delta y Atlas Record, al autor Domenico Politanò, conocido como Mimmo, con la petición específica de escribir un texto para el mercado español que no tomara en cuenta el original, demasiado ocupado, de Gianni Greco. Politanò lo cambió titulándolo más ordinariamente "Sin ti (vivir no sè)" ("No sé cómo vivir sin ti"). La canción, también grabada por Daniel Danieli, fue elegida como tema principal de la telenovela argentina "Tengo calle".
De la colaboración con el músico y productor Davide Corradi nace LA COLLINA el EP, editado por Level49 y distribuido en todas las plataformas digitales, será la base del repertorio de la gira homónima que arrancará en Buenos Aires en 2017
En 1982 se lanzó el single Ok ok / Eres todo lo que quiero .
En 1985 participó en el Festival de San Remo con la canción Black Eyes , que ocupa el quinto lugar en la sección "Nuevas propuestas".
En 1992 fue cofundador del grupo Animali Rari , que lanzó su álbum debut homónimo en el mismo año, seguido en 2006 por Stagioni y en 2009 por "Sottosopra".
Desde enero de 2009 ha sido subdirector del coro nacional de gospel , llamado Nicolini Gospel Choribus .
La pieza Los motivos de la tierra es el tema principal del I Festival "Un Bosco per Kyoto". En diciembre de 2010 se ofrece en versión digital en italiano, inglés y español.
En 2013 nació la banda 'Shout' de la unión de cinco músicos. Marco Rancati vuelve al escenario como vocalista de Shout.
En 2017 participó en el talent show de Canale 5, The Winner Is .
1963:
Jerome Patrick Flynn (Kent, 16 de marzo de 1963)
es un actor
y cantante inglés.
Más conocido por sus papeles en las series Soldier Soldier y Ripper Street,1
alcanzó mucha popularidad interpretando a Bronn en la serie de
la HBO Game of Thrones.2
También interpretó a "Hector" en el capítulo llamado "Shut Up and Dance (Black Mirror) de
la serie original de Netflix Black Mirror.
Viniendo
de una familia de actores (su padre Eric Flynn fue un actor y cantante,
mientras que su hermano mayor Daniel Flynntambién es actor), Flynn hizo
su debut en pantalla en la serie American Playhouse en
1985. Poco a poco, consiguió más papeles como invitado antes de interpretar a
Freddie en la serie, The Fear (1988). En 2010, fue
confirmado para el papel de Bronn en la serie de la HBO, Game of
Thrones, basada en la serie de libros Canción de hielo y fuego escrita
por George R.R. Martin.
1964:
Nace Gore Verbinski, cineasta estadounidense.
Gore Verbinski (nacido el 16 de marzo de 1964 en Oak Ridge) es un director y productor de cine estadounidense ganador del Óscar por la película Rango (2011).
Verbinski es el creador de grandes éxitos de taquilla, como la trilogía de Piratas del Caribe (2003 - 2007), la película de terror The Ring (2002), la cinta animada Rango(2011) y el western El llanero solitario (2013), entre otras.
Índice
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Verbinski nació en Oak Ridge (Tennessee). Hijo de Víctor y Laurette Verbinski fue el tercero de cinco hermanos: Janine, Claire, Diane y Steven. Su padre era de ascendencia polaca y trabajó como físico nuclear en el laboratorio de Oak Ridge. En 1967, la familia Verbinski se mudó al sur de California, donde creció el joven Gore Verbinski.
Carrera[editar]
Verbinski se licenció en la Universidad de UCLA en 1987, donde estudió Cinematografía y Televisión. Antes de dedicarse al cine, dirigió numerosos anuncios, con los que consiguió diversos premios. Se estrenó como director con la comedia MouseHunt. Tras este trabajo, dirigió The Mexican y la película de terror The Ring. Pero su salto a la fama se dio con la trilogía Piratas del Caribe, de la cual se estrenó en 2011 la cuarta parte en 3-D que no dirigió él.
En el 2011 ganó el Oscar a la Mejor película animada por Rango.
En 2013 realizó la película El Llanero Solitario en la que volvió a trabajar junto a Johnny Depp que interpretó al personaje de Toro.
1965:
Nace Belén
Rueda, actriz española.
María Belén Rueda García-Porrero (Madrid, 16 de marzo de 1965) es una actriz y presentadora
de televisiónespañola. Después de una extensa carrera televisiva en series y programas
durante más de diez años, Belén Rueda debutó en el cine en 2004 con Mar adentro, dirigida por Alejandro
Amenábar, protagonizó El orfanato en 2007 y Los ojos de Julia en 2010. Compartió
reparto con actores como Javier Bardem o Lola Dueñas y ganó además el premio como mejor actriz revelación en
la XIX edición de los Premios Goya.
1967:
Nace Lauren
Graham, actriz estadounidense.
Lauren Helen Graham (16 de marzo de
1967) es una actriz estadounidense conocida por
su papel de Lorelai Gilmore en
la aclamada serie Gilmore Girls.
Índice
Biografía[editar]
Lauren nació en Honolulu, Hawái. Cuando tenía 5
años, sus padres se divorciaron. Su madre, Donna Grant, se mudó a Londres para
tomar parte una banda de rock, mientras que Lauren y su padre, Lawrence, se
mudaron a Washington D.C. donde él se convirtió en empleado del Congreso
mientras cuidaba de su hija como padre soltero. En la escuela, Lauren descubrió
que le gustaba la interpretación, y comenzó apareciendo en comunidades
teatrales y en otras producciones que ella encontraba. Viajó continuamente con
su padre mientras se hacía mayor. Se licenció en Literatura en el Colegio
Barnard de la ciudad de Nueva York. Más adelante, Lauren se mudó a Texas donde
comenzó a estudiar interpretación en la Universidad Southern Methodist.
Entonces volvió a Nueva York y trabajó como camarera de cocktails y aspirante a
actriz.
En 1995, se mudó a Hollywood, y rápidamente consiguió un papel
como Shelly (la novia de Richard, Malcolm Gets), en la primera temporada
de Caroline in the City,
papeles que se repiten cuando Graham interpretó a una experta en eficacia que
debía reducir del personal de NewsRadio, y una ejecutiva de un estudio
de Los Ángeles que persigue a Benjamín Bratt cuando su matrimonio estaba mal
en Law & Order.
También tuvo apariciones regulares en las comedias "Conrad Bloom" y
"Townies". También puede verse sus créditos en Seinfeld y Third
Rock From the Sun.
En el cine, Graham protagonizó una película independiente llamada Dill
Scallion. La película es un documental sobre el mundo de la música country
en la que Graham tenía el pelo muy alborotado. También se la puede ver en Sweet November, donde hizo una pequeña
participación como la novia de Keanu Reeves. Su primera película fue la de
Miramax, un triller llamado Nightwatch, junto a Patricia Arquette y
Ewan McGregor. También fue la mejor amiga de Renee Zellweger en la película de
Meryl Streep One True Thing.
Después de muchos papeles como invitada finalmente llega su
oportunidad para protagonizar una de las series más vistas de la televisión, su
papel de Lorelai Gilmore para
la comedia-drama de Warner Bros Gilmore Girls. Este papel le ha traído
nominaciones para los Premios del Sindicato de Actores a la mejor Actriz en una
serie dramática, y por los espectadores para los premios "Quality
Television Award" por mejor actriz por la representación de su personaje
Lorelai Gilmore.
Lauren es tan espontánea y simpática en la vida real como en su
personaje de Gilmore Girls; ha sido la artista más invitada al
programa de Ellen DeGeneres (un total de
9 veces) y fue la última artista invitada a The Rosie O'Donnell Show.
En cuanto a su vida personal, ha salido con actores como Matthew Perry, Tate Donovan, James Marsters y Marc Blucas. Actualmente
mantiene una relación con su excompañero de reparto Peter Krause, quien
interpretó el papel de su hermano en la serie Parenthood.
1971:
El Lp “Bridge Over Troubled Water” de Simon
& Garfunkel y el single del mismo título ganan seis Grammys, entre
ellos a la Grabación del Año, Canción y Album del Año.
https://www.youtube.com/watch?v=GYKJuDxYr3I
FECHA DE NACIMIENTO: 31 de diciembre de 1909
LUGAR DE NACIMIENTO: Arecibo, Puerto Rico
FALLECIMIENTO: 16 de marzo de 1986 en San Juan, Puerto Rico
A diferencia de la mayoría de los inmortales del cancionero popular puertorriqueño, Esteban Taronjí no fue un compositor prolífico. Su legado musical es un tanto reducido al ser comparado con los que aportaron Rafael Hernández, Pedro Flores, Bobby Capó, Tite Curet Alonso y otros nombres insignes del pentagrama nacional. Se estima en algunas 80 piezas, la mayoría boleros. Pero, su caso constituye el típico ejemplo de que, tarde o temprano, la calidad se impone ante la cantidad. Porque este talentoso arecibeño no necesitó crear una obra vasta para merecer un sitial de honor, no sólo entre los grandes melodistas de su país, sino a nivel latinoamericano. Su nombre estuvo muy vinculado al de Felipe Rodríguez «La Voz» – el cantante más exitoso en Puerto Rico y Nueva York durante la década de 1950 y primer lustro de 1960 –, a quien cedió buen número de selecciones que, no sólo serían determinantes en la consagración de éste, sino que se perpetuarían como clásicas.
Naturalmente, por consecuencia, Esteban Taronjí se convirtió en uno de los compositores cimeros de nuestro país durante aquel período, perteneciente a la considerada “época de oro” de la canción popular puertorriqueña. Basta recordar algunos títulos: “Los Reyes no llegaron” (1952); “Amor robado” (1953); “Beso borracho” y “Perderte y morir” (1954); “Me salvas o me hundes” (1955); “Te voy a hacer llorar” (1956); “Insaciable” (1957); “Debo y pagaré” (1959); “Marejada” (1961) y “Cataclismo” (1963). Claro que, también, compuso para muchos otros intérpretes estelares. Fernandito Álvarez y su Trío Vegabajeño le estrenaron, entre otras, “Y me haces pensar” (1951). El Trío San Juan fue el intérprete original de “Delirium tremens” (Verne, 1956) y la célebre mexicana Toña La Negra dio a conocer, a nivel continental, “De mujer a mujer” (RCA Víctor, 1960). Todas esas melodías han acumulado numerosas versiones discográficas a través de los años.
Esteban Taronjí González era miembro de una familia acomodada, de cinco hermanos, cuyo padre, mallorquín, era un rico comerciante. Cursó sus grados académicos regulares en la Escuela Jefferson de su natal Arecibo. Durante su niñez evidenció talento musical, habiendo realizado sus primeras presentaciones artísticas en funciones estudiantiles a la edad de doce años. Pronto su agraciada voz de atrajo a empresarios de espectáculos, quienes muchas veces lo incluyeron “como relleno” en espectáculos encabezados por artistas famosos en los teatros de su pueblo, así como en Hatillo y Lares.
Sin embargo, creyendo entonces que su verdadera vocación era la religiosa, a los 14 ingresó al Seminario Conciliar San Ildefonso, en San Juan, con miras a convertirse en sacerdote. Durante los cuatro años (1924-1928) que pasó en aquel recinto aprovechó para estudiar Piano bajo la tutela del profesor Ramón Orlá y del Padre Gaude. Igualmente tomó clases de Canto, primero con un cura vasco apellidado Berrazategui, convirtiéndose luego en discípulo del eminente tenor Antonio Paoli Marcano. Jamás olvidaría que éste acostumbraba decirle: “tu voz es la más maravillosa que he escuchado... después de la mía”. Al cabo de aquel cuatrienio, nuestro biografiado comprendió que lo suyo no era el sacerdocio, ya que sentía una gran debilidad por las mujeres. Abandonó el Seminario y, de vuelta a Arecibo, se desempeñó en diversos oficios. Entre otros empleos, se desempeñó como supervisor del Departamento de Servicios Sociales. Paralelamente, reanudó sus andanzas musicales.
En 1934 se estrenó en la faceta autoral. Su primera obra – que se convertiría en su segundo éxito casi dos décadas más tarde – fue “Los Reyes no llegaron”, escrita especialmente para interpretarla en una actividad de la Iglesia Evangélica, entonces situada al lado de la Clínica Doctor Sulsoni, en Arecibo. Esta emotiva canción fue inspirada en una experiencia vivida en su propio hogar, cuando él contaba 13 años de edad. Inexplicablemente, luego de aquel acertado debut, no volvió a componer otra pieza durante los próximos 13 años. Vino a ser en 1947 cuando, acompañado por su primera esposa en el cabaret neoyorkino Club Cubanacán (ubicado entre la Calle 47 y la Avenida Broadway), escribió el bolero “De boca a boca”, inspirándose en la escena que se había suscitado entre la pareja que ocupaba la mesa contigua a la suya. Resulta que el hombre intentaba besar constantemente a su compañera, pero ella lo rechazaba por el fuerte olor a alcohol que despedía de su boca. Incluso, terminó dejándolo solo al no soportar su estado de embriaguez. Posteriormente, entregó esta obra a César Concepción, quien la llevaría al disco con el cantante Joe Valle, aunque bajo el título de “Beso borracho”.
Es preciso señalar que Esteban Taronjí había llegado a Nueva York en 1946, huyendo junto a la muchacha con quien poco después se casó, ya que el padre y un pretendiente de ella lo amenazaron de muerte, acusándolo de ser sumamente mujeriego y protagonista de muy comentadas aventuras donjuanescas en Arecibo y pueblos vecinos. Su primer empleo aquí fue preparando emparedados y realizando labores de limpieza en la cafetería de una farmacia.
Su vinculación a la carrera de Felipe Rodríguez «La Voz» en 1950 surgió gracias a la amistad que éste había entablado desde hacía algún tiempo con su hermano Jaime Taronjí González, también compositor y, a la sazón, ejecutivo de la compañía Discos Verne. Por tanto, Jaime sirvió de enlace entre ambos, dando paso a una de las sociedades artísticas más fructíferas que se recuerdan en la historia del cancionero popular boricua. Felipe se había incorporado al elenco artístico de Discos Mardi y, de inmediato, se interesó en sus composiciones. Sin embargo, antes de que estampara en el acetato “Los Reyes no llegaron” (1952) y “Amor robado” (1953), otro consagrado intérprete nacional le brindó el primer éxito autoral de su carrera registrando “Y me haces pensar” bajo la etiqueta Mar-Vela (1951).
Hombre de personalidad algo pintoresca, solía presumir que ningún compositor boricua había ganado tanto dinero como él durante la década de 1950, gracias a que “conocía bien el negocio”. No pocas veces aseguró a los periodistas que “Amor robado” fue la canción que mayores regalías le granjeó.
Esteban Taronjí González falleció en San Juan, el 16 de marzo de 1986. Por alguna razón, le había hecho prometer – como última voluntad – a su cuarta esposa, familiares y allegados que no revelaran a los medios de comunicación la noticia de su muerte y que mantuvieran la misma en secreto. Providencialmente, uno de sus vecinos se enteró al otro día y lo informó al autor de esta reseña biográfica, a quien conocía. Éste, a su vez, se lo comunicó a otro amigo, el periodista Pedro Zervigón, quien rápido le dedicó la página que escribía en el diario El Reportero. Por mi parte, le dediqué un reportaje en la revista Artistas, que entonces dirigía.
Sólo dejó inéditos los boleros “Adivínalo”, “Amor desesperado”, “Desajuste lírico”, “Despojo de amor”, “Devuélveme la vida”, “Lo mejor de la Navidad” y “Llanto de estrellas”. También la danza “Sueño de Dios” y el tango “7 x 7 x 3", cuyo título alude a las medidas de la fosa en que habría de ser sepultado. Varias de estas canciones se grabarían posteriormente. Sus restos reposan en el Cementerio Municipal de Arecibo. Su tumba, a pocos pasos de la del venerado cantante Cheíto González (1935-1962), es la única pintada de negro.
Sus boleros consagratorios y sus respectivos intérpretes:
• “Y me haces pensar”, estrenado por Fernandito Álvarez y su Trío Vegabajeño (Mar-Vela, 1951). Otras grabaciones: Lino Borges (Modiner, 1962); Víctor Manuel Pazos y Su Orquesta (RCA Victor, 1965); Marco Antonio Muñiz (RCA Victor, 1966); Olga Lara (CBS, 1989), etc.
• “Los Reyes no llegaron”, estrenado por Felipe Rodríguez «La Voz» y su Trío Los Antares (Mar-Vela, 1952). Otras grabaciones: Fernandito Álvarez y su Trío Vegabajeño (Mar-Vela, 1953); Willie Rodríguez y Su Trío Ponceño (Jari, 1960); Trío Los Briseños (Cima, 1965); (Koki, 1967); Marimbas de Puerto Rico (Borinquen, 1973); Yolandita Monge (Sony Latin, 1992); Shary y Sus Amigas (Sharisas, 1999); Edwin Colón Zayas & Taller Campesino con Luis Daniel Colón (Disco Hit, 2000); Andrés Jiménez «El Jíbaro» (Nuevo Arte, 2003); Felito Félix (FEFELUC Music, 2003), etc.
• “Amor robado”, estrenado por Felipe Rodríguez «La Voz» y su Trío Los Antares (Mar-Vela, 1953). Otras grabaciones: Danny Rivera (TH, 1980); Leonel Vaccaro (Marianne AVL, 1991); Elvis Crespo (BPPR, 1999); Orfeón San Juan Bautista (OSJB, 2002); Nydia Caro (FNCP, 2003); Dúo Alma Con Alma (ACA, 2004), etc.
• “Beso borracho”, titulado originalmente “De boca a boca” y estrenado por César Concepción y Su Orquesta en voz de Joe Valle (Seeco, 1954). Otras grabaciones:
Trío Los Panchos (Columbia, 1954); Julio Ángel (The Music Stamp, 1988), etc.
• “Perderte y morir”, estrenado por Felipe Rodríguez «La Voz» y su Trío Los Antares (Mar-Vela, 1954). Otras grabaciones: Los Tres Caballeros, mexicanos (Musart, 1956); Trío Los Gentiles (CGM, 1969); Armando Torres y Su Trío (Ariel, 1975); Judith Salcedo (Camino, 1981), etc.
• “De mujer a mujer”, estrenado por Toña La Negra (RCA Victor, 1960). Otras grabaciones: Luz Elena Márquez, mexicana (ECO, 1966); Dúo Las Amatistas, mexicana (Victoria, 1972); Clara María (Klary, 1979); Rebecca (Alix, 1982); Lucecita Benítez (Lobo, 1986), etc.
• “Cataclismo”, estrenado por Felipe Rodríguez «La Voz» y su Trío Los Antares (Mar-Vela, 1963 / Utar, 1988). Otras grabaciones: Javier Solís, mexicano – le mereció Disco de Oro – (Columbia, 1965); María Elena Sandoval (RCA Victor, 1965); Rey Reyes, dominicano (J&N, 1991), etc.
https://www.youtube.com/watch?v=sNXQ36JqCiU
1998:
En la Ciudad
del Vaticano, el papa Juan
Pablo II pide perdón por la inactividad y
silencio de muchos católicos durante el Holocausto judío.
2002:
Muere asesinado Monseñor
Isaías Duarte Cancino, arzobispo de la diócesis de Cali, Colombia.
Monseñor Isaías Duarte Cancino (San Gil, Santander, 15 de febrero de 1939 - Cali, Valle del Cauca, 16 de marzo de 2002) fue un
sacerdote católico colombiano, que desde 1995 hasta
el día de su muerte fue arzobispo de la Arquidiócesis
de Cali.1.
Este 16 de marzo se
cumplen 16 años del asesinato de monseñor Isaías Duarte Cancino. Su crimen,
atribuido a las Farc, aún deja cabos sueltos.
Vida
El padre Efraín Montoya Flórez está sentado en uno de los patios del convento de La Milagrosa, ubicado sobre la Avenida Roosevelt de Cali. En sus manos sostiene el libro que escribió sobre monseñor: ‘Isaías Duarte Cancino, sangre de profeta’. Ahora sonríe. Recuerda cómo era él en vida. Entonces menciona la palabra tigre. Así parecía Monseñor, de lejos. Un tigre enjaulado, uno de cara muy adusta, muy seria, como de un mal genio perpetuo. Pero quien lo conociera de verdad, quien entraba en su círculo íntimo, agrega Efraín, descubría otra cara, la de un hombre sensible, dulce incluso. El dato lo corrobora el sacerdote José González: “Monseñor se describía a sí mismo como una fruta dura por fuera, pero blanda, madura, por dentro”. Como una piña. Isaías Duarte podía, entonces, estallar de un momento a otro, regañar con vehemencia a sus subalternos. Pero enseguida pasaba de la furia a la calma, casi siempre arrepentido. Muchas veces se disculpó llorando por sus reacciones. Monseñor Darío de Jesús Monsalve recuerda el día en que Isaías le dio tremenda reprimenda a un sacerdote. Después se le apareció en la parroquia sin avisar. El padre se asustó. Era la madrugada. Pensó que Monseñor seguía enfadado, que el sermón que le daría a esa hora debía ser más terrorífico aún. No. Isaías Duarte Cancino fue a disculparse. Era así, un hombre impulsivo en sus reacciones, podía ocurrírsele ir hasta una iglesia en la madrugada a ofrecer excusas o incluso lo siguiente: una vez, recuerda el padre Efraín, después de que el 30 de mayo de 1999 el ELN secuestrara a más de 200 personas que asistían a una misa en la iglesia La María de Cali, Monseñor propuso que sacerdotes y ciudadanos encabezados por él mismo fueran hasta las montañas, buscaran a los guerrilleros en sus propios campamentos, les exigieran sí o sí la liberación de los cautivos. Literalmente lo atajaron. Le pidieron calma, mesura, pensar otra vía, ¡Por Dios Monseñor! Isaías Duarte Cancino estaba decidido a hacerlo. Tenía, de sobra, el carácter. La periodista Adriana Santacruz, en una columna publicada en El País después de su muerte, escribió: “tenía la habilidad de decir lo que la mayoría quería decir, pero no se atrevía por miedo”. Con ese impulso también actuaba cuando se le ocurría una obra social. No importa que no tuviera el dinero, Monseñor se lanzó a construir universidades, colegios, parroquias, centros de atención al anciano, al indigente. Y a la larga se salía con la suya. Era un hombre de acción, de realizaciones, de proyectos cumplidos. También se le recuerda como generoso al extremo. Su clave bancaria eran cuatro ceros. Si un sacerdote necesitaba recursos, cuentan, Isaías Duarte le pasaba la tarjeta débito para que sacara lo que necesitara. No pensaba en ahorros ni tenía ambiciones de comprar un carro, una casa, no. Sus bienes eran los libros, la ropa, cuenta el padre Efraín. Es decir que era un hombre sin ataduras materiales y de gustos sencillos: no le podía faltar un postre después del almuerzo. Le gustaba sobremanera comer helado. Y en sus bolsillos siempre tenía dulces.Isaías Duarte Cancino nació el 15 de febrero de 1939 en San Gil, departamento de Santander. Tal vez eso explique su temperamento. Los nacidos en esa zona del país, es el mito, suelen ser de genios telúricos. Su familia fue numerosa. Isaías fue el menor de los siete hijos del matrimonio de Crisanto Duarte Pilonieta y Elisa Cancino Arenas. A los 8 años ya había definido su destino, el sacerdocio. Estudió en el Liceo San Luis de San Gil, y después en el Colegio Santander de Bucaramanga. A los 17 años ingresó al seminario de Pamplona y desde 1961 hasta 1964 estudió teología en la Universidad Gregoriana de Roma. Fue el primero de diciembre de 1963 cuando se ordenó sacerdote. Siete años después ya era párroco de la parroquia del Espíritu Santo; después de la Catedral de la Sagrada Familia de Bucaramanga y de las parroquias de los municipios de Girón y Málaga. En Girón fundó dos colegios: el gimnasio José Alejandro Peralta y el San Juan Bautista; gestionó la creación del hogar geriátrico Señor de Los Milagros y la Casa de Retiros El Corregidor. En 1985 ya era obispo; en 1988 llega en esa condición al Urabá, en donde ya se empezaba a librar una guerra terrorífica entre guerrillas y grupos de autodefensas. Fue allí donde su historia y su manera de ejercer el sacerdocio cambió para siempre. (La historia continúa en la siguiente página).
Vida
El padre Efraín Montoya Flórez está sentado en uno de los patios del convento de La Milagrosa, ubicado sobre la Avenida Roosevelt de Cali. En sus manos sostiene el libro que escribió sobre monseñor: ‘Isaías Duarte Cancino, sangre de profeta’. Ahora sonríe. Recuerda cómo era él en vida. Entonces menciona la palabra tigre. Así parecía Monseñor, de lejos. Un tigre enjaulado, uno de cara muy adusta, muy seria, como de un mal genio perpetuo. Pero quien lo conociera de verdad, quien entraba en su círculo íntimo, agrega Efraín, descubría otra cara, la de un hombre sensible, dulce incluso. El dato lo corrobora el sacerdote José González: “Monseñor se describía a sí mismo como una fruta dura por fuera, pero blanda, madura, por dentro”. Como una piña. Isaías Duarte podía, entonces, estallar de un momento a otro, regañar con vehemencia a sus subalternos. Pero enseguida pasaba de la furia a la calma, casi siempre arrepentido. Muchas veces se disculpó llorando por sus reacciones. Monseñor Darío de Jesús Monsalve recuerda el día en que Isaías le dio tremenda reprimenda a un sacerdote. Después se le apareció en la parroquia sin avisar. El padre se asustó. Era la madrugada. Pensó que Monseñor seguía enfadado, que el sermón que le daría a esa hora debía ser más terrorífico aún. No. Isaías Duarte Cancino fue a disculparse. Era así, un hombre impulsivo en sus reacciones, podía ocurrírsele ir hasta una iglesia en la madrugada a ofrecer excusas o incluso lo siguiente: una vez, recuerda el padre Efraín, después de que el 30 de mayo de 1999 el ELN secuestrara a más de 200 personas que asistían a una misa en la iglesia La María de Cali, Monseñor propuso que sacerdotes y ciudadanos encabezados por él mismo fueran hasta las montañas, buscaran a los guerrilleros en sus propios campamentos, les exigieran sí o sí la liberación de los cautivos. Literalmente lo atajaron. Le pidieron calma, mesura, pensar otra vía, ¡Por Dios Monseñor! Isaías Duarte Cancino estaba decidido a hacerlo. Tenía, de sobra, el carácter. La periodista Adriana Santacruz, en una columna publicada en El País después de su muerte, escribió: “tenía la habilidad de decir lo que la mayoría quería decir, pero no se atrevía por miedo”. Con ese impulso también actuaba cuando se le ocurría una obra social. No importa que no tuviera el dinero, Monseñor se lanzó a construir universidades, colegios, parroquias, centros de atención al anciano, al indigente. Y a la larga se salía con la suya. Era un hombre de acción, de realizaciones, de proyectos cumplidos. También se le recuerda como generoso al extremo. Su clave bancaria eran cuatro ceros. Si un sacerdote necesitaba recursos, cuentan, Isaías Duarte le pasaba la tarjeta débito para que sacara lo que necesitara. No pensaba en ahorros ni tenía ambiciones de comprar un carro, una casa, no. Sus bienes eran los libros, la ropa, cuenta el padre Efraín. Es decir que era un hombre sin ataduras materiales y de gustos sencillos: no le podía faltar un postre después del almuerzo. Le gustaba sobremanera comer helado. Y en sus bolsillos siempre tenía dulces.Isaías Duarte Cancino nació el 15 de febrero de 1939 en San Gil, departamento de Santander. Tal vez eso explique su temperamento. Los nacidos en esa zona del país, es el mito, suelen ser de genios telúricos. Su familia fue numerosa. Isaías fue el menor de los siete hijos del matrimonio de Crisanto Duarte Pilonieta y Elisa Cancino Arenas. A los 8 años ya había definido su destino, el sacerdocio. Estudió en el Liceo San Luis de San Gil, y después en el Colegio Santander de Bucaramanga. A los 17 años ingresó al seminario de Pamplona y desde 1961 hasta 1964 estudió teología en la Universidad Gregoriana de Roma. Fue el primero de diciembre de 1963 cuando se ordenó sacerdote. Siete años después ya era párroco de la parroquia del Espíritu Santo; después de la Catedral de la Sagrada Familia de Bucaramanga y de las parroquias de los municipios de Girón y Málaga. En Girón fundó dos colegios: el gimnasio José Alejandro Peralta y el San Juan Bautista; gestionó la creación del hogar geriátrico Señor de Los Milagros y la Casa de Retiros El Corregidor. En 1985 ya era obispo; en 1988 llega en esa condición al Urabá, en donde ya se empezaba a librar una guerra terrorífica entre guerrillas y grupos de autodefensas. Fue allí donde su historia y su manera de ejercer el sacerdocio cambió para siempre. (La historia continúa en la siguiente página).
2020:
Muere Stuart Whitman,
Stuart Maxwell Whitman (San Francisco, California, 1 de febrero de 1928-Montecito, California, 16 de marzo de 2020)1 fue un actor de televisión y cine estadounidense, conocido por su legendaria carrera en ambos medios.
Interpretó muchos papeles importantes en una gran variedad de géneros. Algunos de estos créditos incluyen películas como Bombers B-52 (1957) o el drama The Mark, papel por el cual fue nominado como mejor actor para los premios Óscar en 1961, la película del Oeste Los comancheros (1961) con John Wayne, la lujosa comedia sobre aviación Those Magnificent Men in their Flying Machines (1965) o la película de terror Night of the Lepus (1972). En televisión, fue conocido por sus papeles en las series Highway Patrol (1955-1957) (Policía de tráfico), el western semanal con duración de noventa minutos Cimarron Strip (1967) (Cimarrón), Superboy (1988-1992), Knight Rider (1984) o The A Team, entre otras.
Carrera artística[editar]
Creció en Nueva York hasta la edad de doce años. Su familia se ubicó en Los Ángeles, California. Terminó sus estudios secundarios en 1945 y se retiró con honores del Cuerpo de Ingenieros del Ejército de los Estados Unidos en 1948.
Después de esto, comenzó a estudiar actuación y apareció en papeles pequeños en películas como When Worlds Collide (1951), de Rudolph Maté y The Day the Earth Stood Still (1951), de Robert Wise. Hasta 1957, tuvo una racha de trabajo participando en películas dirigidas por directores notables. En la televisión fue un invitado frecuente en series como Dr Christian, The Roy Rogers Show, Death Valley Days y también tuvo un papel recurrente en Highway Patrol. Esto lo llevó al papel en John H. Trouble, protagonizada por la actriz Ethel Barrymore.
A fines de los años 1950, el estudio 20th Century Fox comenzó al desarrollo de nuevo talento. El principal productor Buddy Adler eligió a Whitman para ser uno de los nuevos nombres que firmaron con Fox como parte de construcción de programas de estrellas de 3-4 millones de dólares. Durante los dos años siguientes, continuó trabajando con directores prominentes, en el reparto principal. Estos son William A. Wellman con Darby Rangers, (1958), con James Garner, Frank Borzage con China Doll (1958), Don Siegel con Hound-Dog Man (1959), Richard Fleischer con These Thousand Hills (1958), Andrew L. Stone con The Decks Ran Red (1958), Henry Koster con The Story of Ruth (1960), y Guy Green con The Mark (1961), una interpretación por la que fue nominado como mejor actor. En la película de Henry Koster The Story of Ruth, Stuart Rosenberg tuvo crédito con Burt Balaban para Murder, Inc. con Peter Falk, Michael Curtiz en The Comancheros (1961).
Establecido ya como actor, siguió apareciendo tanto en películas como en la televisión desde 1962 hasta 1972. Continuó con notables directores en películas que tuvieron varios grados de éxito. Sus papeles destacados en ese tiempo fue en la película épica de la Segunda Guerra Mundial con la participación de estrellas mundiales The Longest Day (1962) y la película de Ken Annakin Those Magnificent Men in their Flying Machines (1965). Al final tuvo un período en películas de la comedia británica, que trata de los primeros días de la aviación, la cual tuvo en éxito formidable en la taquilla. Tomó el papel principal en la serie del oeste llamada Cimarron Strip, la cual salió al aire en 1967. El espectáculo no llenó las expectativas a pesar de tener una gran producción con grandes costos pero no elevó el índice de audiencia por lo cual la serie no fue renovada. En 1973, Whitman actuó en la película de terror Night of the Lepus. De acuerdo al actor, la pobre calidad de la película afectó su reputación profesional. Desde este punto hasta 1987, regularmente apareció en series de televisión importantes de ese tiempo, algunas de ellas incluyen The Streets of San Francisco, Love, American Style, Quincy, M.E., The A-Team, S.W.A.T., Fantasy Island, y Murder, She Wrote, entre las más importantes.
Apareció en películas para la televisión y en mini-series como The Pirate, Condominium, Once Upon a Texas Train, etc. Durante este tiempo apareció en varios géneros de películas incluyendo protagonismos con Fred Williamson en Mean Johnny Barrow, Crazy Mama de Jonathan Demme y en varias colaboraciones con el director René Cardona Jr. etc. En 1988, representó a Superboy, una adaptación del libro de cómics el cual interpretó hasta 1992. Al final interpretó a Jonathan Kent, el padre adoptivo del superhéroe. En 1990, tuvo un papel recurrente en Knots Landing. En ese tiempo, actuó dos veces en dos horas en western especiales. Primero fue en 1993 en el debut de Bruce Campbell en The Adventures of Brisco County, Jr. La segunda ocasión en 1994 con Chuck Norris en la serie Walker, Texas Ranger en el episodio "La reunión". Apareció en varias series de televisión y en series con gran proyección así como otros proyectos hasta 2000. Se retiró como actor después de estas actuaciones.
Fallecimiento[editar]
Falleció a consecuencia del cáncer de piel que padecía; a los noventa y dos años en su domicilio de Montecito, el 16 de marzo de 2020.12
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