El 20 de marzo es el 79.º (septuagésimo noveno) día del año en el calendario gregoriano y el 80.º (octogésimo) en los años bisiestos. Quedan 286 días para finalizar el año.
Día Internacional de la Felicidad, 20 de marzo[editar]
Gracias
a una iniciativa del Reino de Bután, que considera la Felicidad Nacional Bruta más importante
que el Producto Interior Bruto,1 el 28 de junio de 2012 la Asamblea
General de las Naciones Unidas en la Resolución 66/281,2 publicada el 12 de julio, decide
proclamar el 20 de marzo Día
Internacional de la Felicidad.3 Esto para reconocer la relevancia de
la felicidad y el bienestar como aspiraciones universales de los seres humanos
y la importancia de su inclusión en las políticas de gobierno.
La
resolución invita a todos los Estados Miembros, a los organizaciones
nacionales, regionales e internacionales, a la sociedad civil y a las personas
a celebrar este Día, y promover actividades concretas, especialmente en el
ámbito de la educación.
Día Internacional de la Felicidad, 20 de marzo
¿Qué es el Día de la Internacional de la Felicidad?
¡Es un día para ser feliz, naturalmente! Desde 2013, las Naciones Unidas han
celebrado el Día Internacional de la Felicidad como reconocimiento del
importante papel que desempeña la felicidad en la vida de las personas de todo
el mundo. En 2015, las Naciones Unidas lanzaron los 17
Objetivos de Desarrollo Sostenible que pretenden poner fin a la
pobreza, reducir la desigualdad y proteger nuestro planeta —tres aspectos
primordiales que contribuyen a garantizar el bienestar y la felicidad—. El
pasado año, las Naciones Unidas invitaron a todas las personas de cualquier
edad, así como a las escuelas, los negocios y los gobiernos, a celebrar el Día
Internacional de la Felicidad y alcanzar los 17 objetivos con los Pitufos.
Informe sobre la felicidad mundial
El Informe es una encuesta sobre el estado de la
felicidad mundial. Hace una clasificación de países, entre 156, por su nivel de
felicidad, y otra clasificación (177 países) por la felicidad de sus
inmigrantes.
Este año el informe gira entorno, además de su clasificación habitual de los
niveles y los cambios en la felicidad en todo el mundo, a la migración, tanto
dentro de los países como entre ellos.
Publio Ovidio Nasón (latín: Publius
Ovidius Naso; Sulmona, 20 de marzo del 43 a. C. - Tomis,
actual Constanza, 17
d. C.) fue un poeta romano. Sus obras más conocidas son Arte de amar y Las metamorfosis, ambas en verso; la
segunda recoge relatos mitológicos procedentes del mundo griego adaptados a la
cultura latina de su época; también gozaron de cierta fama las Heroidas, cartas de grandes enamoradas, y
sus Tristia, poemas elegíacos en que lamenta
su destierro.
Ovidio
nació el 20 de marzo del año 43 a. C. en Sulmona, como él mismo decía, en el país de
los pelignos. Era caballero de rancia estirpe, de
cuya antigüedad se sentía orgulloso.
El
padre de Ovidio era propietario de fincas, y murió a los 90 años, poco antes
que la madre. El hermano del poeta había nacido exactamente un año antes que
él, y fue su compañero en los estudios que realizaba en Roma sobre retórica, en un principio para dedicarse
al derecho, pero Ovidio fue dando muestras de
sensibilidad poética en detrimento de la elocuencia prosaica requerida en el
foro. Su padre le reprochaba inclinarse a unos estudios que no daban ningún
provecho, puesto que el mismo Homero había muerto en la pobreza. Ovidio
le contestaba procurando enmendarse, pero, involuntariamente, en verso:
Parce mihi, nunquam versificabo, pater!
¡Perdóname, padre!, puedo jurar / que nunca volveré a versificar.1
Aunque
se esforzaba por escribir en prosa por satisfacer a su padre, las palabras le
venían siempre con ritmo y cadencia de verso «y era verso al final cuanto
intentaba escribir»:
Tuvo
como maestros de elocuencia a Higino, Arelio
Fusco (originario de Asia Menor) y Porcio Latrón (de Hispania). Compartió con su hermano la vida
política hasta los 20 años, edad a la que éste falleció. A la muerte de su
padre, Ovidio se convirtió en heredero de todas las posesiones, por lo que pudo
vivir sin preocupaciones y viajar a diferentes lugares como Atenas, Asia Menor y Sicilia, donde completó sus estudios,
dedicándose ya plenamente a la poesía.
A
los 18 años, influido por Tibulo y Propercio, escribió el poemario Amores, libro de elegías dedicadas a
una muchacha llamada Corina, que probablemente nunca existió, aunque reúne
características de varios amores del poeta. Compuso también Medea,
una tragedia que no se conserva, y las Heroidas o Cartas de las
heroínas(Epistulae Heroidum), que presenta cartas escritas por
varios personajes míticos femeninos, como Ariadna o Medea,
a sus amantes. A esta obra le siguió una trilogíaformada por tres poemas didácticos de
tema erótico: Arte de amar (Ars
Amandi o Ars Amatoria), Remedios de amor (Remedia Amoris)
y Cosméticos para el rostro femenino (Medicamina faciei
feminae).3
Tuvo
tres esposas. Con la primera se casó muy joven, pero finalmente fue tachada
de nec digna nec utilis ("ni digna ni útil"), lo que
hace pensar que no pertenecía a su mismo rango social y que no le dio hijos en
su corto matrimonio. No se sabe a ciencia cierta a cuál de sus dos primeras
esposas se refiere como natural del país de los faliscos. Su segundo matrimonio fue corto
también, pero en éste tuvo una hija de la que tuvo dos nietos. Las noticias
sobre su tercera esposa, Fabia, son mucho mayores. Con ella tuvo otra hija, y
por ella Ovidio sintió gran cariño: fue con ella una mezcla entre padre y
maestro literario.
En
esta época de su vida escribió Las metamorfosis, epopeya en quince volúmenes que recoge
gran parte de la mitología grecorromana,
poniendo énfasis en las transformaciones sufridas por al menos
uno de los personajes de cada historia, desde el origen del cosmos hasta la
muerte y apoteosis de Cayo Julio César. La obra, que se conserva
casi íntegra, no sólo fue una gran fuente de inspiración para autores
posteriores, sino que dio a los estudiosos un material único sobre mitología
clásica. Otra de sus obras de madurez fue los Fastos, inconclusa, en la que Ovidio
explica el origen de los nombres de los meses y las fiestas del calendario romano.4
No
obstante su gran fama en la época, un enfrentamiento con el emperador César Augusto en el año 8 d. C. lo llevó a un exilio obligado
a Tomis (hoy la ciudad de Constanza,
en la actual Rumanía), una ciudad
ubicada en la costa oeste del Mar Negro, donde pasó el resto de sus días. No
se sabe a ciencia cierta por qué lo exilió. Unos dicen que porque estaba
presente en ceremonias de adivinación donde se hablaba del destino del
emperador; otros, que por el tono erótico de sus poemas; la última explicación
y tal vez la más ajustada a la realidad es que Ovidio tenía conocimiento de los
devaneos amorosos de la hija del emperador, Julia.5 Durante este período de exilio, Ovidio escribió
otras dos colecciones de poemas: Tristes y Pónticas o Cartas
del Ponto.6
Las
llamadas Tristes comprenden cinco libros en los que Ovidio
explica lo que le ha sucedido, defiende su inocencia y hace una llamada de
clemencia al emperador Augusto. En las Cartas del Ponto o Pónticas se
dirige a varios amigos para pedirles que aboguen por su causa ante el César.
De
la época final del poeta se conservan también estas obras:
·Ibis, breve poema en el que maldice
a un enemigo que anteriormente había sido su amigo.7
·Haliéutica, poema
de atribución dudosa del que se conserva solo una parte y que trata sobre la
pesca.8
Los
múltiples intentos del poeta para que le perdonasen la pena fueron en vano, y
murió en Tomis en el año 17 d. C., a la edad de 60 años.
Henrik Johan Ibsen /ˈhɛnɾɪk ˈjoːhɑn ˈɪpsən/ (Skien, 20 de marzo de 1828-Cristianía, 23 de mayo de 1906)
fue un dramaturgo y poetanoruego. Es considerado el más importante
dramaturgo noruego y uno de los autores que más han influido en la dramaturgia
moderna, padre del drama realista moderno y antecedente del teatro simbólico.
En
su época, sus obras fueron consideradas escandalosas por una sociedad dominada
por los valores victorianos, al cuestionar el modelo de familia y de sociedad
dominantes. Sus obras no han perdido vigencia y es uno de los autores no
contemporáneos más representados en la actualidad.
Su
padre, un próspero comerciante, se arruina cuando Henrik cuenta con la edad de
ocho años y la familia debe trasladarse a una granja en las afueras de Gjerpen,
única propiedad que logra salvar de la quiebra. Allí el pequeño Henrik deberá
recorrer cinco kilómetros para asistir a la escuela y se convierte en un niño
introvertido y solitario.
En
1842 regresan a Skien y Henrik, con 14 años, ingresa en un colegio religioso,
sin embargo, años después, y en su edad madura, se declaraba ateo. Permanecerá
en él hasta los 16 años, cuando las necesidades económicas le obligan a
desplazarse a la pequeña ciudad de Grimstad para trabajar durante seis años
como aprendiz de farmacia. Durante su estancia en Grimstad apenas se relaciona,
acentuándose su carácter introvertido. Termina los estudios de secundaria y
comienza estudios de medicina (que nunca terminará), se interesa por la
literatura y escribe sus primeros poemas y obras dramáticas. De esta época son
los poemas Resignación y En otoño y los
dramas de carácter romántico Catilina y La tumba del
guerrero (o El túmulo del héroe).
En
1850 se traslada a Cristianía, donde, después de intentar retomar los estudios,
a pesar de llevar una existencia de penurias económicas decide vivir de sus
obras. Publica Catilina bajo el seudónimo de «Brynjolf Bjarme»
que es mal acogida por la crítica y no consigue que sea representada. Colabora
con el periódico de la Sociedad de Estudiantes Samfundsbladet y
con la revista satírica de literatura y política Andhrimner. El 26
de septiembre de 1851 se representa por primera vez una de sus obras, La
tumba del guerrero, en el Cristianía Theater.
En
1852 consigue trabajo en el recientemente establecido Det norske Theater
de Bergen, con el compromiso de estrenar una de
sus obras al año. Estrena cuatro obras: La noche de San Juan (1853),
una nueva versión de La tumba del guerrero (1854), La
señora Inga de Ostraad (1855) y La fiesta en Solhaug (1856).
En Bergen conoce a Susannah Thoresen, la hija de un clérigo protestante, con la
que contraerá matrimonio el 18 de junio de 1858. En 1857 realiza viajes de
estudios a Dresde y Copenhague.
En
septiembre de 1857 regresa a Cristianía para hacerse cargo de la dirección
artística del Cristianía Norske Theater hasta su quiebra en 1862. En 1858
estrena: Los vikingos de Helgeland. Ese mismo año nace su hijo
Sigurd y en años siguientes publica sus poemas Paa Viddeme (En
las planicies) y I billedgalleriet (En la galería de
arte) y escribe el drama La comedia del amor. A la quiebra del
teatro le siguen meses de penuria económica; solicita a la Universidad una beca
para viaje de estudios, le es concedida y viaja al oeste de Noruega recopilando
datos sobre sus expresiones folclóricas. Escribe y publica el drama Los
pretendientes de la corona (1863, según un tema concebido en 1858).
En
1864 abandona Noruega y se dirige a Roma donde un año después se reunirá con su
familia. Ibsen consideró no vivir en el ambiente luterano y conservador de
Cristianía e inició un exilio voluntario de 27 años. En Roma residirá 4 años.
En
1868 se traslada a Alemania donde
residirá primero en Dresde (1868-75) y más tarde en Múnich (1875-78). Ibsen es ya un
dramaturgo con reconocimiento internacional y sus obras se representan en
diversos países de Europa. En 1869 viaja a Egipto invitado como representante
noruego a la inauguración del Canal de Suez. En 1873 es elegido miembro del
jurado de arte internacional en la Exposición
Universal de Viena. En 1878 vuelve a Roma, esta vez para residir
durante siete años. Es en todo este tiempo de exilio voluntario cuando escribe
su principal obra dramática, sus dramas realistas y simbolistas.
En
1891, a los 63 años de edad, regresa definitivamente a Noruega y en 1895 fija
su residencia en Cristianía. En 1898 Cristianía, Copenhague y Estocolmo (las
tres capitales escandinavas) celebran solemnemente el septuagésimo aniversario
de Ibsen. Sigue escribiendo, de esta época es su drama Juan Gabriel Borkman (1896)
entre otras. En 1900 sufre un primer ataque de apoplejía al que le sucederán otros y que
irán minando su salud hasta dejarlo postrado en cama totalmente paralítico.
Muere el 23 de mayo de 1906 a los 78 años de edad.
Corey inició su carrera en el teatro, haciendo numerosas
representaciones de temporada veraniega. Mientras trabajaba con una compañía de
teatro de la Works Progress Administration a finales de los años treinta,
conoció a su futura esposa, Alice Wiley, con la que tuvo cuatro hijos:
Jonathan, Jennifer, Bonnie Alice, y Robin.
Su debut en Broadway fue
en Comes the Revelation (1942).
Tras hacer diversos papeles secundarios, tuvo su primer éxito en la comedia
de Elmer RiceDream Girl (1945).
Mientras trabajaba en el teatro, Corey fue visto por el productor Hal B. Wallis, quien le persuadió para que
firmara un contrato con Paramount Pictures e
iniciara una carrera cinematográfica en Hollywood.
Sus primeros años transcurrieron viajando por el océano Pacífico, donde su padre dirigía una compañía de inversiones. Cuando el matrimonio se divorció, su madre se mudó con William y sus dos hermanos a Nueva York.
A los diez años de edad, fue enviado a un internado en Inglaterra cuando su madre se volvió a casar.
Por recomendación de su padrastro, Hurt estudió teología en Londres y en Boston. Posteriormente se interesó por la interpretación y estudió artes dramáticas en la prestigiosa Juilliard School de Nueva York.
Se inició en el mundo de la actuación trabajando durante un periodo dilatado en teatros regionales, primero en el estado de Oregón y más adelante en Nueva York, donde participó en un festival de teatro de William Shakespeare.
Su debut en el cine ocurrió en 1980, interpretando a un científico que realiza experimentos consigo mismo en Estados alterados (Un viaje alucinante). Al año siguiente se convirtió en una estrella al actuar junto a Kathleen Turner en la película de suspense Fuego en el cuerpo. Con sus siguientes películas, Reencuentro y Gorky Park, de 1983, Hurt consolidó su prestigio como actor de carácter, capaz de interpretar muy diversos personajes de forma convincente.
Después de otras interpretaciones en películas de gran presupuesto, es con El doctor, de 1991, que Hurt inició una etapa en la que se dedicó a filmes más exigentes desde lo actoral y menos vistos por el gran público. Por ello los críticos vieron en esos años un cierto ocaso de Hurt como estrella de cine, si bien reconocían su prestigio como actor. Sin embargo, era el mismo Hurt quien se definía a sí mismo como actor de carácter, sin importarle la condición de estrella. Más adelante siguió la misma trayectoria, eligiendo papeles que significasen un reto para su capacidad interpretativa. Hurt también ha ido actuando regularmente en películas y miniseries de televisión.
En 1993 se le ofreció el papel del Dr. Grant en Parque Jurásico, película que dirigió Steven Spielberg. Hurt rechazó el trabajo sin haber leído el guion y su lugar fue ocupado por Sam Neill. Para 1998 sí aceptó ponerse en la piel del profesor John Robinson en el blockbusterPerdidos en el espacio.
Dieciocho años después de su tercera candidatura al Óscar, de nuevo fue nominado por su breve pero intensa aparición en Una historia de violencia (2005), de David Cronenberg, en la que da vida a un jefe de la mafia de Boston.
Una confusión muy difundida se relaciona con el trabajo de
Palmer en la banda The Crazy World of Arthur Brown. Él fue el
baterista que realizó una gira con el grupo, pero no fue el baterista que grabó
el álbumThe Crazy World of Arthur Brown.
Drachen Theaker fue el baterista del álbum, pero su miedo a volar no le
permitió hacer la gira con el grupo, y así Palmer pasó a formar parte de la
banda.
Después de su salida de The Crazy World of Arthur Brown,
Palmer se reunió con Vincent
Crane para formar Atomic Rooster. Palmer tocó apenas un álbum
antes de dejar el grupo para formar Emerson, Lake and
Palmer. Palmer permaneció con ELP hasta su disolución en 1978.
Posteriormente continuó con un grupo llamado P.M. y abandonó ese proyecto en
favor de la formación de Asia un grupo con integrantes de Yes, King Crimson, y Buggles.
Palmer después se reunió nuevamente con el reformado ELP
en 1992para grabar los álbumes Black Moon, In
the Hot Seat, como así también grabar varios DVD y sus correspondientes
giras. Después de la separación final de ELP en 1998,
Palmer realizó giras de vez en cuando con su Carl Palmer band.
Además de estas giras, editó cuatro álbumes nuevos, el más notable Works, Vol. 1 y Works, Vol. 2 como así también un
álbum de antologías.
Russell nació en San Diego (California) con el nombre de
Theresa Paup, hija de Carol Platt (de soltera Mall) y Jerry Russell Paup.1
Asistió a la escuela secundaria Burbank High School, pero no se recibió.2
En 1982 se casó con el cineasta inglés Nicolas Roeg (1928–)
con el que tuvo dos hijos, Max(actualmente actor) y
Statten Roeg. Luego se divorciaron.
Pete Townshend (del grupo The Who)
dijo que Russell fue la inspiración de su canción Athena, cuyo primer
nombre había sido Theresa.
Actualmente Russell (de 61 años de edad) vive en California.
Theresa Russell comenzó a modelar a los 12 años e hizo su debut en el
cine en 1976 en El último magnate, protagonizada por Robert De Niro.
Desde entonces, Russell ha aparecido en películas como Straight Time (1978)
y Bad Timing (1980) —que fue la primera de cinco películas
protagonizadas por Russell y dirigidas por Nicolas Roeg.3
1957:
Nace Chris Wedge,
actor y cineasta estadounidense.
Su
debut en la dirección cinematográfica fue con las adaptaciones de Las aventuras de Huckleberry Finn (The
Adventures of Huckleberry Finn, 1993) y El Libro de la Selva(Rudyard Kipling's
The Jungle Book, 1994), que realizó para los estudios Disney, y con las que comenzó a ser
considerado en Hollywood.
Después
de dirigir el filme de aventuras Misterio en las
profundidades (Deep Rising, 1998), realizó una
exitosa y aclamada versión de La momia (The Mummy,
1999), que protagonizaron Brendan Fraser y Rachel Weisz,
y que, con mucha acción, efectos especiales y un toque clásico, más un ligero
toque de humor, renovó convincentemente el filme de 1932 que había hecho
famoso a Boris Karloff.
Después
de esto, estrenó su secuela, The Mummy
Returns, en 2001. En 2002 formó parte de la película El rey Escorpión (The Scorpion King)
como guionista. Después trabajó en Van Helsing en el 2004, película
protagonizada por Hugh Jackman y Kate Beckinsale.
En el 2009 estrena su trabajo más reciente, G. I. Joe: The Rise of Cobra, una
adaptación al cine de los famosos juguetes G. I. Joe. Fue una de las grandes
películas del verano de ese año.
También
ha sido realizador de un puñado de filmes de aventuras, que lo convirtieron en
uno de los nombres fuertes de Hollywood en
ese género.
Se
dio a conocer al público en el Miss Venezuela 1985,
mientras representaba a su natal estado Estado Anzoátegui,
en donde se convierte en la primera venezolana en ostentar el título de
"Miss Mundo Venezuela". Participa en el Miss Mundo ese año, donde obtiene la
máxima puntuación en traje de baño, figurando como tercera finalista. Su
excelente participación le ayudaría a conseguir un pequeño papel en la
película The Living
Daylights (titulada en español Su nombre es peligro)
del personaje del Agente 007, James Bond protagonizada por Timothy Dalton.
En
1986, inicia su carrera como actriz al participar en las telenovelas del
canal VenevisiónEnamorada, Inmensamente tuya e Y la luna también,
al año siguiente obtiene su primer papel protagónico en la telenovela Niña bonita, del escritor César Miguel Rondón,
en la que interpreta a una muchacha de alta sociedad que se enamora de un
humilde doctor interpretado por el actor venezolano Luis José Santander.
En
1989, Ruddy estelariza varias producciones fuera de Venezuela. Su debut internacional lo realiza
en la miniserie Las Ibáñez producida
por la Cadena Caracol de Colombia en (1989). Le siguen la película para la Tv
Puertorriqueña En aquella playa al lado del actor Osvaldo
Ríos, luego protagoniza la telenovela El magnate rodada en Miami,
donde comparte rol protagónico junto a los actores Andrés García y el mexicano
Salvador Pineda. En España se dio a conocer en 1992 en la teleserie Brigada
Central II protagonizada por Imanol Arias y la actriz, presentadora y
cantante Margarita Rosa
De Francisco.
En
1990, Ruddy Rodríguez también inició una corta carrera como cantante, firmando
su único contrato discográfico con la empresa venezolana Sonográfica para la cual grabó el
álbum Espejismo, con temas de autoría del compositor Rudy La Scala, dos de cuyos temas "Me
enamoré" y "Yo no quiero caminar sobre fuego" fueron los temas
de entrada de las telenovelas "Alcanzar una Estrella I y II",
respectivamente.1 Ruddy grabó 4 video clips
promocionales de los 4 sencillos que editó: "Es un Sueño", rodado en
Caracas. "Me Enamoré", filmado en París, donde participa la actriz
colombiana Margarita Rosa De Francisco, "Yo no Quiero Caminar Sobre
Fuego", en Los Ángeles, y "Sembrándome Amor", en la isla griega
de Mykonos, donde la acompañó Daniel Lugo, quien
para el momento protagonizaba junto con Ruddy la telenovela peruana Mala
mujer.
Ha
sido imagen en comerciales para distintas marcas de productos para varios
medios publicitarios, entre ellos Calcibon D y Keops de Venezuela, pantalones
Ferrucci, Minelli, Lux, entre muchos otros.
El 25 de septiembre de 2009 se estrenó la
cinta venezolana2 Venezzia2 que protagonizó junto al
mexicano Alfonso Herrera. Venezzia marca
el primer trabajo cinematográfico de Ruddy Rodríguez como productora.
En
2013 se estrena la película de suspenso venezolana La casa del
fin de los tiempos, en la que Ruddy Rodríguez lleva a cabo el
papel protagónico.
La
actriz estuvo involucrada en 2016 en una polémica, tras las denuncias en la que
se le acusa de estar involucrada en despilfarro y fallas que han demorado la
producción del largometraje "El Vuelo del Turpial", una cinta
venezolana que exaltará las raíces indígenas en Venezuela.3
Una
vez promovió una línea de trajes de baño y su propia línea de cosméticos
llamada "Ruddy Rodríguez Cosméticos". Recientemente desarrolló unos
productos anti-edad para el cuidado facial que se distribuyen en su natal
Venezuela. Además posee varios centros de estética bajo su nombre en varias
ciudades del país.
En
julio de 1995, Ruddy Rodríguez se casó con el abogado venezolano Rodolfo
Pisani. Sin embargo, la pareja se separó en 2005 y finalmente se divorció el 3
de julio de 2006. En noviembre de ese mismo año Rodríguez anunció que estaba
viviendo un romance con un viejo amigo suyo, el rejoneador y odontólogo
colombiano Juan Rafael Restrepo Bello, con quien finalmente terminaría
casándose el 1 de octubre de 2011 en la Hacienda Riofrio, ubicada en el
municipio Gachancipá,
departamento de Cundinamarca, Colombia.4 El 18 de febrero de 2015 Rodríguez
publicó en su cuenta personal de la red social Instagram un comunicado en donde reveló
que la pareja decidió separarse de mutuo acuerdo el 1 de septiembre de 2014 y
que, finalmente, se divorció el 23 de enero de 2015.5 De ambos matrimonios Ruddy Rodríguez
no ha tenido hijos.
Sus
padres fueron Josephine Nilsson y Jens Christian Torp. Su madre servía en la
granja de Jens Christian Torp, en Suecia. Él la repudió al saber que estaba
embarazada, basándose en las diferencias de clase y económicas existentes entre
ambos.
Nació,
por tanto, como hijo ilegítimo, en Copenhague. Además, su madre le abandonó de
inmediato en Dinamarca, y ella regresó a Suecia. A consecuencia de lo cual el
niño terminó en un orfanato, aunque pronto, en 1891, fue acogido por la familia
Dreyer (y su madre biológica murió a los pocos meses de ser adoptado). Recibió
además el nombre de su padre de adopción, Carl Theodor Dreyer.
Sus
padres adoptivos eran rígidos luteranos y
sus enseñanzas probablemente influyeron en la severidad de sus filmes. Desde
muy joven le señalaron su privilegiada situación y la idea de que tendría que
valerse por sí mismo.
Enseguida
Dreyer trabajó como periodista y en este tiempo, según ha dicho, pudo ir
perfilando su vocación de cineasta (su "única pasión", diría luego)
al escribir los intertítulos de varias películas de cine mudo y posteriormente
al redactar guiones(1912-1918). Luego, en 1936, hizo
crítica cinematográfica para luego ser cronista judicial de 1936 a 1941.
Por
añadidura, Dreyer aunque no vio ni vería mucho cine, señaló que los
pioneros D. W. Griffith y antes de este dos
suecos, Mauritz Stiller y, sobre todo, Victor Sjöström le influyeron
decisivamente, como ya indicó en 1920.1
Sus
inicios como director, desde 1918, tuvieron un éxito limitado. Pero rodó todos
los años en esa década, así la fallida Érase una vez (Der
Var Engang, 1922), y dos veces en Alemania con la UFA, como Mikaël (1924),
basada en una obra de Herman Bang, de gran calidad visual y psicológica.
Así que
rodó allí una intensa La pasión de Juana de Arco (La
passion de Jeanne d'Arc) —en cuyo montajetrabajó
además—, que apareció en las salas en 1928 y fue su primer
gran «clásico», aunque no fue un éxito en taquilla. Para Dreyer supuso su
verdadero inicio cinematográfico.2
Con la ayuda de Pierre Champion, él había
escrito el guion, que se basó en estudios directos sobre las transcripciones
originales del proceso padecido por Juana de Arco. La película tenía
influencias tanto del realismo como
del expresionismo cinematográfico, pero sin maquillar a los
personajes (entre ellos, estaba Antonin Artaud).
Los
decorados eran blancos y toda la película estaba rodada a base de primeros
planos. El responsable del decorado fue el berlinés Hermann Warm, que había
elaborado los fondos expresionistas de El estudiante de Praga (1913), El
gabinete del doctor Caligari (1919) y Las tres luces (1921).
La actriz, Maria Falconetti, que encontró Dreyer
rebuscando en teatros de París, fue trabajada meticulosamente por él; su genial
interpretación, desde muy dentro, la condujo luego a abandonar el teatro; no
hizo más cine, pese a un intento en Hollywood, y acabó en Buenos Aires,
convertida al budismo.3
Dreyer
no quería ser encasillado como místico, y su siguiente película, rodada esta
vez por completo en decorados naturales, trató de una «bruja vampiro» (Vampyr
– Der Traum des Allan Grey) (1932). En los créditos del film señala el
origen en Camilla de Sheridan Le Fanu,
pero él más bien partió de una idea original suya y de su amigo Christen Jul,
jugando con elementos preexistentes.4 Vampyr es
una meditación surrealista sobre el miedo, que hoy se considera maestra. La
lógica cede el paso a las emociones y a la atmósfera en esta historia, en la
que un hombre protege a dos hermanas de un vampiro.
El film contiene muchas imágenes inolvidables, como la del héroe que sueña con
su propio enterramiento, y aquella otra del animal sediento de sangre sobre el
rostro de una de las hermanas, mientras ésta se encuentra secuestrada bajo el
encantamiento del vampiro. La película era originariamente muda, pero le fueron
añadidos diálogos hablados mediante doblaje.
La
película fue un fracaso económico, y Dreyer estuvo más de un decenio sin rodar
más que documentales, que no apreciaba. En 1943 hace al
fin Dies irae (Día
de ira), una severa crítica a las creencias en la brujería y sobre todo a
su represión brutal mediante el fuego. Con este film Dreyer fijó el estilo que
habría de distinguir sus posteriores obras sonoras: composiciones muy cuidadas,
cruda fotografía en blanco y negro y tomas muy largas.
Hizo en
Suecia Dos personas (1944), con actores impuestos y no
deseados, que para él fue fallida, si bien es una historia de interés
dramático. Pasó un largo período sin rodar. Su oposición al nazismo, con sus
secuelas raciales, le condujeron a un violento rechazo. Para él, la expulsión
de tantos artistas y escritores, desde 1933, convirtió una gran cinematografía
en puro serrín. Entonces fue perfilando un proyecto sobre la Vida de
Jesús, no realizado finalmente, que tenía como una de las metas esenciales
mostrar el carácter claramente judío de éste, y mostrar con la mejor
bibliografía que su condena fue un asunto del poder romano, que le criminalizó,
pero que delegaba poderes locales en asuntos de justicia.5
Otros dos proyectos, tampoco realizados, fueron Luz de agosto,
sobre texto de Faulkner, y Medea, un guion que fue llevado finalmente
al cine por Lars Von Trier.
En 1955 rodó Ordet (La palabra), basada en
la obra de teatro homónima de Kaj Munk,
y que había tenido gran éxito en los países escandinavos (Munk fue asesinado en
1944 como resistente). El proyecto se remontaba a 1920. En ella, combina una
fervorosa historia de amor en el medio campesino con un examen acerca del
destino. El personaje central, un teólogo enloquecido por sus lecturas de Soren
Kierkegaard que se cree Jesús, pone en entredicho la presunta
fe religiosa de su familia ante la muerte. Esta película le valió el León de Oro en
el Festival Internacional de Cine de
Venecia en 1955.
En ella, destaca el ritmo pausado, la práctica ausencia de montaje por corte
entre escenas, en las que Dreyer deja que los actores entren y salgan de
encuadre al estilo del montaje teatral. Es una obra cargada de preocupaciones
religiosas, pero asimismo exaltadora de la vida: «pero yo quería su cuerpo»,
dice el marido cuando ella muere.
Su vida
profesional se estabilizó al encargarle la dirección del cine en su país, pero
como siempre siguió con sus proyectos, que a veces se prolongaban diez o más
años.
La
última obra de Dreyer fue Gertrud (1965), basada en la pieza
homónima de Söderberg. Si bien es muy distinta a las
precedentes, resulta una especie de testamento artístico del autor, en la
medida en que trata de una mujer que al separarse de su marido se mantiene fiel
a su ideal de amor: amar al otro por encima de todo, incluso, de uno mismo.
Ella, con gran vitalidad, no se arrepiente nunca de las elecciones tomadas como
dice al final, pasados muchos años.
Dreyer,
con cierto halo cristiano, reconoció que mucho de su cine se había preocupado
por la intolerancia, como obsesión personal; y contando con la impresión que le
causó Intolerancia de Griffith.
En Dies irae estaba «la intolerancia de que hicieron gala los
cristianos ante todos aquellos que seguían aún atados a las supersticiones y
todo lo que aún sobrevivía. Incluso en Gertrud también se
siente dicha intolerancia, pero aquí aparece en la propia Gertrud, que nunca
aceptará nada que no sienta ella misma y que exige, en cierto modo, que todos
se inclinen ante ella».6
Es un
director muy encerrado en sus ideas y proyectos (pero con preocupaciones
políticas esenciales), de hecho no fue a ver películas en general. De los
nuevos, nada vio de Bresson, alabó Jules et Jim de Truffaut y la segunda parte de Hiroshima mon amour de Resnais,
asimismo El silencio de Bergman («una
obra maestra»), del que no conoció mucho más.7
Si bien
su carrera duró cincuenta años, desde los años 1910 hasta los años 1960, su
concentración, sus métodos tan rigurosos, la idiosincrasia de su estilo y la
obstinada devoción por su propio arte hicieron que su producción resultase
menos prolífica de lo que hubiese podido esperarse.
De
hecho prefirió la calidad a la cantidad, lo que le llevó a producir algunos de
los mayores clásicos del cine internacional. Su honestidad consigo mismo y su
trabajo; así como, su fidelidad a su vocación y gran pasión, el cine como
expresión artística, hizo que sólo hiciera las películas que pensaba debía
hacer y tal como debía hacerlas. Su perfeccionismo, por ejemplo, le hizo
suspender un rodaje porque las nubes no iban en la dirección esperada o
elaborar costosos decorados sólo para que los actores se sintieran más
inspirados.
En Apuntes
sobre el estilo Dreyer escribe que su cine busca las experiencias
íntimas del hombre y trata de adentrarse en el misterio y en los conflictos
interiores de los humanos. Por otra parte, teorizó sobre el color naciente en
el cine, sobre la oscuridad como valor, sobre el cine sonoro, sobre el
realismo, a la vez necesario y superable, sobre la ausencia de maquillaje como
depuración.
Juan Carlos Hurtado, "El Andariego", cantante colombiano de música popular.
Nació en la vereda Alto de San Francisco, jurisdicción del municipio de Santander de Quilichao, en el departamento del Cauca, el 20 marzo de 1968 y vivió desde niño en el ambiente musical heredado de su padre. Muy joven aún, Juan Carlos formó un dueto para cantar en diferentes emisoras, con lo que fue adquiriendo experiencia y madurez.
Dadas sus capacidades artísticas, empezó a componer temas con mucho contenido que fue dando a conocer al público en presentaciones, al tiempo que se afianzaba hasta llegar a realizar la grabación de la ranchera Yo también tengo corazón. Con este tema impactó en una espectacular actuación consagratoria en la plaza de toros de Cali.
Juan Carlos está dedicado de tiempo completo a su profesión de compositor e intérprete. Ha creado más de 30 obras y se destaca en la ejecución de la guitarra, el requinto y el bajo. Además ha cosechado nutridos aplausos en giras a Bogotá, Pasto, Manizales y Cali.
En su vida profesional, la cual inició en 1989, se ha codeado con los más fieles representantes del despecho y la música popular de Colombia, con presentaciones en Armenia, Cali, Medellín, Villavicencio y Pasto.
Sus creaciones como El venenito, Yo también tengo corazón y Triángulo de amor, surgen cuando está triste o cuando está muy alegre, son cosas de la vida cotidiana. Y fueron ellas, principalmente Yo también tengo corazón y El venenito, las que le permitieron el ingreso a Discos Fuentes. Este joven y talentoso artista, tuvo el privilegio de realizar estas grabaciones, en 1995, para el naciente sello Fonda, una División Fuentes dedicada a exaltar los valores dentro del género de la música de despecho, con enorme arraigo entre el público.
Desde que publicó su álbum Entre copas, contó con la colaboración en la dirección y los arreglos del maestro Julio Pulgarín, reconocido en el medio por sus trabajos con Las Hermanas Calle y otras glorias de la música de despecho. En este álbum se destacaron temas de gran valor como Lucharé por ti, del compositor risaraldense José Antonio Hernández; Todo es traición del paisa Germán Giraldo y quien es reconocido por ser la primera voz del connotado dueto Revelación; también aparece el ecuatoriano Ismael Jorge con El amor vagabundo y La infiel; el vallecaucano John Jairo López con Qué feliz tú eras, y del propio Juan Carlos Hurtado con Corazón angustiado.
También con la dirección del maestro Julio Pulgarín, en el 2007 publicó su cuarto trabajo musical con el título de Amor oculto.
Estudió
Administración de empresas y trabajó como encargado de relaciones públicas en
varias discotecas, poco a poco se acercó al mundo del espectáculo, dejó su
carrera y empezó a estudiar actuación en la Casa del Teatro Nacional. Su primer
trabajo en televisión fue
en Padres
e Hijos.2
Gerly Hassam Gómez Parra (Bogotá; 20 de marzo de 1977),
conocido como Hassam, es un humorista y actorcolombiano y docente de inglés. Hassam es conocido por su papel de
comediante por interpretar a personajes como Rogelio Pataquiva, Güevardo, Rafaela y Próculo
Rico en canales como Caracol y Humor
Channel de la televisión colombiana. En 2006 participó como
Director y creativo de “A reír” programa de TRT Televisora Regional del Tachira
(Venezuela)
Comenzó
su aparición en la televisión en el programa Sábados Felices (al
igual que cientos de colombianos). Su personaje más conocido es Rogelio
Pataquiva. Es docente de inglés (graduado de Universidad Distrital
Francisco José de Caldas) Artista bogotano que se ha dedicado cerca de 14 años
a la labor de entretener y divertir al público. pero principalmente entretener.
A
sus 24 años inició estudios y talleres de teatro en la Escuela Superior de Artes Escénicas y
paralelamente trabajó en el montaje y actuación de obras teatrales del Grupo
Experimental de Formación Nuevo Pregón, sin embargo no hay registro de dicha
actividad.
Obtuvo
importantes resultados en sus actuaciones en el programa colombiano Sábados
Felices como: finalista, subcampeón, campeón y declarado fuera de concurso
hasta el 2008 donde ganó 11 programas consecutivos siendo el único participante
que ha logrado este récord en la historia del programa, con actuaciones que
tienden a encarnar a personajes cotidianos.
El 5 de mayo de 2012 en
el especial de los 40 años del programa Sábados Felices el actor
colombiano Robinson Diaz encarnó
al personaje de Rogelio Pataquiva. En el 2015 produce y actuaciones
en una película de bajo presupuesto, con éxito en taquilla, “Güelcom tu
Colombia” y en 2016 Produce, escribe y protagoniza “agente "ñero ñero
siete” siendo la segunda película colombiana más vista de ese año. Alternamente
a sus apariciones en cine y televisión Hassam realiza los shows en vivo “What
ever father” “I am Hassam” “High School Distrital” y “Oh My Dog” con los cuales
ha recorrido Colombia, EEUU, Canadá, España, Argentina, Chile, Costa Rica,
Inglaterra, Entre otros.
En
2018, participa como jurado en el Reality show Colombia Ríe.
https://www.youtube.com/watch?v=miH1L8UTyWw
1990:
Muere Lev
Yashin, futbolista ruso, uno de los mejores arqueros de fútbol
de la historia: "La Araña
Negra".
Lev Ivánovich Yashin (en ruso: Лев Ива́нович Я́шин; Moscú; 22 de octubre de 1929-ibídem, 20 de marzo de 1990)
fue un futbolistasoviético.
Considerado como el «mejor portero en
la historia del fútbol según Alberto Garza,45 era conocido popularmente como la
Araña Negra (Чёрный паук) en referencia a los colores oscuros que
siempre vestía y a la impresión de tener ocho brazos para atrapar la pelota.
Yashin es el único guardameta que ha conseguido el Balón de Oro (1963).
Fue
ganador de muchos premios y reconocimientos, entre los más reconocidos figura
el haber sido galardonado con la Orden Olímpica por el COI,6 elegido el mejor portero del Siglo XX por la IFFHS,7 portero del Siglo XX por la FIFA,8 galardonado con la Orden del
Mérito de la FIFA,3 incluido en el Dream
Team de la FIFA (equipo de ensueños) de la historia de los
Mundiales por la FIFA,9 galardonado con la Orden de Lenin10 y ganador del Balón de Oro por France Football,11 siendo el único portero en ganarlo
hasta ahora, que lo acredita como el mejor del mundo en 1963 y hasta hoy, de la
historia, entre muchas otras distinciones, se podría decir que su arco era
"impenetrable". Un crack del fútbol
James Herbert, OBE (Londres,
8 de abril de 1943 - Sussex, 20 de marzo de 2013)1 fue un escritor best-seller de terror inglés que en un principio trabajó
como director de arte de
una agencia de publicidad. Un escritor a tiempo completo, él también diseñó sus
propias portadas de libros y publicidad. Sus libros han vendido 54 millones de
copias en todo el mundo y han sido traducidos a 34 idiomas.2
Vendió más de 100 millones de discos en Estados Unidos, de los cuales obtuvo veinticuatro números uno, y más de cincuenta canciones en el Top 40 Country y tres Premios Grammy.234
Kenny Rogers fue el cuarto de los siete hijos concebidos por Edward Floyd Rogers, un carpintero, y su esposa Lucille, enfermera. Rogers se graduó en la Jefferson Davis High School, en Houston. Según su acta de nacimiento, su segundo nombre era Ray y a veces aparece en los créditos como Kenneth Ray Rogers.
Se crio en uno de los sectores más pobres de la ciudad de Houston, y comenzó en el mundo de la música con veinte años, tocando temas de otros cantantes de la época. Tuvo la influencia de varios músicos de la música country y soul, tales como Nat King Cole, Charlie Daniels, Arthur Alexander y Chuck Berry. Fue miembro del grupo de jazz The Bobby Doyle Three con los que realizó diferentes actuaciones nocturnas en clubs de jazz; junto a The Doyle Three realizó algunas grabaciones hasta su disolución en 1965. Un años después. en 1966, se unió al grupo New Christy Minstrels como vocalista, y realizó colaboraciones con otros artistas. El grupo se disolvió en 1967 para crear The First Edition, que fue renombrado como Kenny Rogers and The First Edition, con el que Rogers creó varios éxitos pop y country. El grupo Kenny Rogers and The First Edition se disolvió en 1976, año en el que inició su carrera en solitario.5
En 1977, logró un gran éxito en todo Estados Unidos con su sencillo Lucille, que arrasó en las listas de country siendo el número 1 y también en las listas de música pop. Otro de sus grandes éxitos en el country es el tema Coward of the County. La canción El Jugador (The Gambler) creada en 1976 por Don Schlitz, inspiró y fue el tema principal de la película El Jugador en la que el cantante fue el protagonista en 1978, ha sido además tema central de numerosas películas y anuncios promocionales de televisión. Dicho tema ha sido interpretado por Bobby Bare y Johnny Cash, sin embargo, fue Rogers quien en 1978 la convirtió en uno de los temas más conocidos de su repertorio musical, en 1980 obtuvo el Grammy al mejor vocalista por la interpretación de aquel tema.32
En 1979, su balada romántica She believes in me lo consagra ya no solo como un cantante country, sino como un sólido intérprete romántico en las listas del mundo entero. En 1980 con Lady, canción escrita por Lionel Richie, no solo obtiene la fama mundial, sino la confirmación de ser una gran estrella de la música ocupando los primeros puestos de las listas del Billboard Magazine, Hot 100, Adulto Contemporáneo y Top Soul25 además ganó un premio Grammy.
Con la canción Islands in the stream (1983) compuesta por los Bee Gees, dirigida inicialmente para el cantante Marvin Gaye, fue adaptada al country que interpretaron Rogers y Dolly Parton en los años 80. Se han vendido más de ochocientos mil copias digitales en los Estados Unidos, más las versiones realizadas por los dúos Barry Manilow y Reba McEntire, Kylie Minogue y Jake Shears, o Shawn Mendes y Miley Cyrus entre otros intérpretes incluida la conocida versión de los Bee Gees.2
Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Country en 2013 por su característica voz ronca.3
Aquejado de diferentes problemas de salud que le afectaron a la movilidad, en el año 2015 anunció su retiro de los escenarios, tras seis décadas dedicadas a la música, para dedicar más tiempo a su familia. Tras el anuncio de la retirada el 21 de julio de 2017, inició una gira de despedida por Estados Unidos compuesta por dieciocho conciertos.367
Falleció por causas naturales a los ochenta y un años el viernes 20 de marzo de 2020 por la noche en su domicilio de Sandy Springs (Georgia) donde recibía cuidados paliativos. La noticia fue dada a conocer por su agente Keith Hagan.614
En 1980 con "Lady" no solo obtiene la fama mundial sino la confirmación de ser una gran estrella de la música, además ganó un premio Grammy. Formó parte del grupo "USA for Africa", que cantó la famosa canción "We Are The World" en el año 1985.
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