Nace
Benito
de Nursia, religioso
y santo italiano, fundador de los benedictinos (n. 480).
San Benito de Nursia (Nursia, Umbría; 480-Montecasino, Lacio; 21 de marzo de 547) fue un presbítero y
religioso cristiano, considerado el iniciador de la vida monástica en
Occidente. Fundó la orden de los benedictinos cuyo fin era establecer monasterios basados en la autarquía, es decir, autosuficientes; comúnmente estaban organizados
en torno a la iglesia de planta basilical y el claustro. Es considerado patrón de
Europa y patriarca
del monacato occidental. Benito escribió una regla para sus monjes, conocida luego como la «Santa Regla», que fue
inspiración para muchas de las otras comunidades religiosas.
Princesa india, célebre
en la historia colonial de Virginia, nacida en 1595 y muerta en 1617, hija del
jefe indio Powhatan.
En el año 1607, el país
de Pocahontas sufrió disturbios con la llegada de los europeos. Hidalgos
arruinados, truhanes y buscadores de oro desembarcaron en las orillas del
Potomac y levantaron allí un poblado de chozas que llamaron Jamestown. Así se
fundó la primera colonia estable de los ingleses en América, que recibió el
nombre de Virginia. Durante esos años, Virginia no fue más que un fuerte
miserable en la bahía de Chesapeake, en medio de los territorios del rey
Powhatan. Los colonos nombraron jefe al capitán John Smith, que vivió allí durante
dos años y medio, y contribuyó de modo muy importante a que la colonia
sobreviviera.
Al principio los
ingleses fueron recibidos amistosamente y con gran ceremonia, pero ocurrió que
un día, el capitán Smith, que había salido con su canoa a explorar el río, fue
asaltado y hecho prisionero por los indios que, maniatado, lo condujeron ante
el rey Powhatan. Éste, levantando la mano sobre dos piedras colocadas a sus
pies, le dio a entender que había sido condenado a muerte. Pocahontas, que sólo
tenía doce años, apoyó su cabeza en el tajo junto a la de John Smith y salvó su
vida en el momento que éste iba a ser decapitado. Un año más tarde, cuando el
capitán Smith estaba acampado con su tropa en mitad del bosque, Pocahontas le
avisó de que su padre quería atacar a los ingleses, y le suplicó que huyera
para salvar su vida.
Al año siguiente, en
1609, los colonos disputaron con John Smith y se entabló una contienda en la
que éste resultó herido, de tal forma que tuvo que embarcarse para Inglaterra.
Allí, aparte de hacer desesperados esfuerzos por volver de nuevo a América,
compuso varios libros sobre Virginia, en los que explicaba la situación de los
colonos y narraba las aventuras que había vivido. De las nueve obras escritas
por John Smith, la más conocida es su Historia general de Virginia, Nueva
Inglaterra y las Islas del Verano (conocidas en la actualidad como
Bermudas), que apareció en 1624. Su publicación original fue un volumen muy
hermoso, con cuatro mapas doblados, versos elogiosos, algunos retratos de indios,
y un grabado de aquel famoso acontecimiento, su rescate por parte de
Pocahontas, aunque, curiosamente, el relato de Smith sobre este hecho ocupa
menos de una frase en su historia. Cuando escribió esto estaba profundamente
marcado por los dolorosos acontecimientos de 1622, cuando los indios atacaron y
mataron a trescientos cincuenta colonos. Para Smith, aquellos indios eran
fuertes, ágiles y audaces; conocían su propia tierra, sabían los lugares en que
había mayor abundancia de ciervos, caza, peces, aves, raíces y bayas. Intentaba
explicar que la horrible masacre pudo haber sido evitada, pero que muy pocos le
creyeron, y que por eso habían tenido que pagar tan alto precio. Refleja cómo
los europeos intentaban hacerse sitio en aquellas inhóspitas tierras, pero las
imágenes más fascinantes son las que se refieren a sí mismo. Fue el prototipo
del héroe americano; individualista y soñador, agobiado por el hecho de tener
un nombre casi anónimo, este hijo de un granjero acomodado de Lincolnshire supo
abrirse camino en el continente americano.
Hacia 1612, cierto
capitán Argall, que había ido a comerciar con los potomacs (el pueblo del rey
Powhatan), raptó por sorpresa a la princesa Pocahontas y la encerró en su buque
como rehén. Aunque su padre intentó el trueque de los prisioneros ingleses por
su hija, y dos hermanos de ésta fueron a visitarla, Pocahontas nunca fue
devuelta. Quedó prisionera en poder de los ingleses hasta que un gentilhombre,
John Rolfe, se casó con ella en abril de 1613 y la hizo bautizar con el nombre
de Rebeca. Juntos llegaron a Inglaterra en el mes de junio de 1616 y la
princesa india despertó entre las personas de la alta sociedad una enorme
curiosidad. Fue acogida con simpatía, incluso la misma reina Ana ordenó que se
grabara su retrato. El capitán John Smith, que se disponía a volver a Virginia,
le rindió pleitesía antes de embarcarse. No se habían visto desde 1608, cuando
ella tenía veintidós años. A comienzos del año siguiente ella cayó enferma en
Gravesend, perdió el color y murió.
Benito Juárez vivió una época crucial en la formación del estado mexicano, considerada por muchos
historiadores como la consolidación de la nación como república. Juárez marcó
un parteaguas en la historia nacional, y fue protagonista de primer nivel de
esta época. Su biografía durante los años que ocupó la presidencia es una parte
sobresaliente de la historia de México.
Nació José Benito Barros Palomino, el 21 de Marzo de 1915, hijo
de una mujer indígena llamada Eustasia Palomino, con José Maria Barros; cuyo
padre, era un inmigante portugués llamado Joao Do Barros. En su Biografía José
Barros dice que: sus amigos tenían una empresa de emboladores, cobraban 5
centavos al cura, al alcalde o al telegrafista del pueblo, y cuando los tenían
se iban a chicanear al teatro a hacer sonar las monedas en los bolsillos. En el
libro Diez Juglares en su patio, escrito por Alberto Salcedo Ramos, se afirma
que ya los diez años, José Barros, su hermano y un grupo de amigos, se
encontraban organizados para tocar en parrandas y cobraban 20 centavos por
intervención en tiple y guitarra.
Entrado diciembre, en la región de El Banco se realizaban
cumbiones, en los cuales “Benito”, como era llamado por sus amigos más cercanos,
hacía parte con sus colegas de estos tradicionales encuentros, acompañando a
grupos de tambora y de chandé. En estas ocasiones, también se retomaban las
danzas rituales de los indígenas de la región.
Cómo el mismo José Barros veía su propia formación musical:
La verdad es que yo me hice compositor mamando gallo, lo único
que me interesaba era gozar yo solo, cuando creaba una canción. Después, la
mandaba a la porra. Se me olvidaba. Mis primeras canciones surgieron cuando
tenía doce años, pero yo ya no las recuerdo, se que una se llama Corazón
sangrante y la otra Nena.
En su infancia, José Barros también fue acólito; se dice que era
muy flojo para el estudio y que las únicas tareas que hacía eran las de
gramática: en la clase de aritmética se la pasaba leyendo a Amado Nervo. Al
parecer le importaba más aprender la estructura de los versos que los demás
quehaceres escolares, motivo por el cual dejó la escuela en quinto de primaria.
Entrada su adolescencia, Benito era motivo de preocupación de
sus hermanos mayores, debido a que este se mostraba indiferente al trabajo.
Oscar Barros su hermano mayor, preocupado por esta situación, financió a su
hermano para que este iniciara un negocio: hizo que un hotel de la región le
comprara gallinas además de otros bienes, creyendo que, como José no quería
estudiar ni trabajar, tal vez podría ser un gran negociante. Pero con la
llegada de su primera novia, todo su capital fue derrochado y su negocio quedó
atrás.
El no poder encontrar su propio lugar en El Banco hizo que José
se aventurara a partir lejos de su pueblo natal; ese día, sus hermanos mayores
lo buscaban con afán. Sin embargo él nunca pensó en comunicarse con su familia.
Por esta razón algunos años después de su partida, cuando en El Banco se
referían a él, lo llamaban “el difunto” hecho que producía gran dolor a su
madre;su primer destino fue Santa Marta, y allí nació su deseo de viajar a
Argentina el cual no pudo cumplir, debido a que no poseía libreta militar
motivo por el cual se enlistó en el ejército.
Aún viviendo en un régimen disciplinario, Benito se las
arreglaba para aprender a tocar guitarra con un nuevo amigo: el soldado Jaime
Gutiérrez; en las noches el silencio del cuartel fue su compañero cuando
escribía letras de boleros. Por ese entonces el vallenato era un ritmo
proscrito y el bolero era el ritmo en furor. Por este motivo esta etapa de su
producción se dedicó casi por completo a este ritmo.
De su carrera militar sobresale que alcanzó el grado de sargento
segundo y durante su estancia de servicio se llevó a cabo la guerra con el
Perú. Barros no fue al frente de batalla debido a que cuando ya estaba listo
para viajar, un amigo y coterráneo suyo fue muerto en el Amazonas, hecho que lo
hizo retractarse de ir al combate. Al salir del cuartel, solo se llevó la
guitarra de su amigo, el soldado Gutiérrez, el cual se la dejó como recuerdo.
Su aventura apenas comenzaba, la siguiente parada fue
Barrancabermeja, desde su llegada conoció a músicos de la región e hizo su
primer grupo musical. Seguidamente, tomo la decisión de viajar a Segovia,
atraído por la llamada fiebre del oro, lugar que llamaba a todos los
aventureros en busca de fortuna procedentes de muchas partes del país. Benito
también acudió a este llamado; fue en estas minas donde compuso una canción con
esta melancólica letra: “Que será lo que busca el minero/ en la oscuridad de la
mina/ La muerte rápida o lenta/ o su esperanza perdida/ acaso solo busca
ilusiones y solo encuentra quimeras… ” .
Luego su espíritu aventurero lo llevó a Medellín.En esta ciudad
tuvo que soportar varias penurias, de las cuales surgen relatos como el que
narra que para poder sobrellevar el hambre, tuvo que robar una papa en la
calle: “para que no me sorprendieran, me la eche al bolsillo del saco comprado
de segunda mano, con tan mala suerte que el bolsillo estaba roto y la papa cayó
al suelo” . De este penoso capítulo de su vida surgieron canciones como: Mala
suerte, Cantinero sirva tanda, El suicida, entre otras, esta vez en ritmo de
tango. Barros había escuchado a Gardel a cuyo sepelio asistió y cuya música fue
de gran influencia para él. Los tangos fueron las piezas que lo hicieron sonar
en la radio.
En 1942 regresó a su natal El Banco, lugar en donde se le daba
por muerto, razón por la cual su madre prohibió que se hablase de él. Ella aun
guardaba la esperanza de su regreso, habitualmente sacaba la ropa de su hijo de
un escaparate, la lavaba y la planchaba. Ese día, se formó una parranda por su
regreso que se terminó hasta el amanecer. En su viaje a Cali creó una canción a
su madre: Dos claveles.
Su alma aventurera estaba intacta y por esto comenzó una gira
por el continente americano Argentina, Chile, Brasil, Ecuador y Perú fueron los
lugares donde escuchó, vio trabajar músicos. fue en Perú donde grabó su primer
disco, cantinero sirva tanda en 1944. Fue hasta 1946 que Don Jack Glottmman le
brindó la oportunidad de recibir sus primeras regalías por sus primeros dos
tangos grabados fueron dos mil dólares. luego de su gira sur americana, José
Barros regresó a Colombia durante un periodo muy corto y luego continuó con su
viaje a México, país en donde más tarde algunas de sus canciones llegaron a
hacer parte de películas como Novia a la medida y Del Can can al mambo. De
México fue deportado hacia Colombia pues era indocumentado. Esta vez su destino
fue Bogotá donde se encontró con músicos de la talla de Lucho Bermúdez y Pacho
Galán. Oquendo cita a Veruchka Barros en este sentido:
A mi papá le daba muy duro porque ellos eran personas estudiadas
y él, empírico. Aprendió de viejo a escribir música, por necesidad, porque
aunque ellos eran amigos y le ayudaban a escribir la música, también eran
competidores.
De Bogotá se traslada a Cartagena, por contrato con Antonio
Fuentes dueño de discos Fuentes y así comienza un nuevo capítulo con Los Trovadores
de Barú.
Los Trovadores de Barú comenzaron como una estrategia meramente
empresarial. Toño Fuentes pensó que una orquesta era menos rentable que un
conjunto sobre todo para presentaciones y giras. Fue así como desapareció la
orquesta Emisoras Fuentes y se creó en su lugar a los Trovadores de Barú. Este
grupo con el aporte de José Barros, se hizo muy polifacético. Con estos grabó
canciones como Carnaval, Dos claveles, Amor y llanto, Eres tú y Mala mujer;
también el maestro Barros encuentra una nueva faceta musical, la tropical, y
así surgieron Ta tanga chata, Juanita Maicera, El Chupa flor entre otros.(fotos
y audios con los trovadores) Los Trovadores de Barú tuvieron mucho éxito,
hicieron algunas presentaciones y apariciones radiales en Venezuela, centrándose
en Caracas y Maracaibo, también fueron a Panamá.
Dentro de la polifuncionalidad de este grupo vemos como
interpretaron pasillos y bambucos, también grabaron con Bovea y sus Vallenatos
y Alberto Fernández. Fueron contratados para grabar en diferentes formatos con
duetos y tríos y acompañaban a diversos solistas, entre ellos a Guillermo
Buitrago y Tito Cortés con su Víspera de año nuevo y también Ron de Vinola,
estos siendo record en ventas. También grabaron otros éxitos como El clavelito
Rojo de José Barros además de sus más afamados boleros, entre ellos carnaval,
del cual se han hecho diversas y bien logradas versiones internacionales.
entrevista con el maestro José Barros nos muestra lo que pensaba sobre la cumbia:
“Esa pregunta me la hago yo mismo, todos los días, y la verdad
es que si, con palabras, no sé qué diablos es la cumbia. Yo siento la cumbia,
vivo a través de ella. Me da fuerzas cuando estoy vencido y a veces hace que se
me olvide que tengo hambre o sed”.
Luego se fue a Barranquilla, donde intentó crear su propio sello
discográfico “Jobar”. De regreso en Bogotá, José se reunía con sus amigos
compositores y en donde según el mismo decía comenzaba a componer La Piragua,
justo en ese momento, cuando su fama alcanzaba a todas las esferas de la
sociedad colombiana decidió regresar a su natal El banco en donde dedico sus
esfuerzos a crear el Festival Nacional de la Cumbia. Su vida de regreso en el
banco era escribir, silbar, escribir y luego se iba a visitar a sus amigos y
amigas y así transcurrió hasta el final de sus días.
Nació el 21 de marzo de 1946 en
la maternidad del hospital Tornú de la ciudad de Buenos Aires, hijo de Virginia Peralta, mujer
llegada a Buenos Aires del interior del país, madre soltera y pobre. Nunca
conoció a su padre. El pequeño Miguel pasó su primera infancia viviendo en
un orfanato hasta los cinco años, cuando
finalmente el director del establecimiento lo acogió en su propia casa.
En 1966 conoce al escritor y periodista Pipo Lernoud, a Mauricio Moris Birabent y
a Pajarito Zaguri en
la Pensión Norte, donde ensayaban Los Beatniks, una de las bandas fundacionales
del rock argentino.
Miguel vivía cantando bagualas y
escribiendo poemas. Se une a la gente de La Cueva,
un bar-teatro de la calle Pueyrredón de Buenos Aires, en los largos «divagues»
nocturnos que dieron origen al rock argentino, con Litto Nebbia (Los Gatos), Javier Martínez (Manal),
«Moris», Pajarito Zaguri, Pipo Lernoud, Tanguito y otros, intercambiando poemas e
ideas musicales.
Pasa un tiempo viviendo en esa pensión, compartiendo el cuarto
con su amigo Pipo Lernoud, y luego se mudan a la casa de la madre de este,
Mabel Lernoud.
En 1967 Miguel formó Los Abuelos de la
Nada, inspirado en una frase del libro de Leopoldo Marechal, El Banquete de
Severo Arcángelo que decía: "Padre de los piojos, abuelo de la
nada".
Nace Roger
Hodgson, cantante británico, de la banda Supertramp.
Charles Roger Pomfret Hodgson (Portsmouth, Hampshire, England, 21 de marzo de 1950), más conocido
como Roger Hodgson, es un músico y compositorbritánico, fundador junto
a Rick
Davies de la banda de rock progresivoSupertramp y compositor de gran parte del
catálogo musical del grupo hasta su marcha en 1983.12 Es también
reconocido por su voz aguda, marca distintiva de la música de Supertramp, así
como por la temática de sus canciones, que habitualmente relatan temas
espirituales y filosóficos.3
Tras abandonar Supertramp en 1983, Hodgson inició una carrera en
solitario con la publicación del álbum In the Eye of the Storm, grabando hasta la fecha
tres álbumes de estudio.4 A pesar de
varios intentos por retomar la colaboración con Rick Davies,5 su antiguo
compañero en Supertramp, Hodgson centró desde 1997 su carrera artística en
ofrecer conciertos periódicos durante extensas giras anuales, en las que
combina actuaciones en solitario con conciertos respaldados por una banda de
apoyo.6
En 2012, fue nominado a un Óscar en la categoría de mejor actor por Tinker
Tailor Soldier Spy. Además de haber participado en
películas hollywoodenses de gran presupuesto, ha actuado
frecuentemente en películas independientes.
En los premios Empire,
fue galardonado con el premio honorífico a toda su carrera cinematográfica.
En el aspecto sentimental, está casado con la actriz Sarah Jessica Parker desde el 19 de mayo
de 1997. De su matrimonio tiene tres hijos.
En 1987 Matthew Broderick y Jennifer Grey se montaron en un BMW
alquilado rumbo al norte de Irlanda. Un choque frontal contra otro vehículo
mató instantáneamente a Margareth Doherty, de 63 años, y Anna Gallagher, su
hija de 30. Broderick sufrió heridas de consideración, Grey corrió mejor suerte
y fueron de menor importancia. Se determinó que no estaba borracho, pero la
razón del accidente nunca fue determinada. La ausencia de testigos, marcas y
otras pruebas hicieron que Broderick sólo se enfrentase finalmente al cargo de
conducción indebida. Fue acusado de “conducción temeraria”, con una multa de $
175.
La composición de Gilberto Rojas traspasó las fronteras del país. En la mayoría de los casos con gran admiración y respeto, pero en otras como, sucede con el folklor boliviano con la apropiación indebida. Este es el caso del taquirari y la composición Ojos azules, que en Perú se le atribuye al autor cuzqueño Manuel Casazola Huanco.
El prolífico autor orureño, como ningún otro, dedicó una pieza a cada departamento de Bolivia. Además, formó a diferentes generaciones de músicos que ahora interpretan sus composiciones. Se considera a este virtuoso compositor como el verdadero embajador de la música boliviana en el exterior.
Quién no ha cantado alguna vez el taquirari “Viva Santa Cruz”, considerada como el segundo himno del departamento de Santa Cruz, quién no conoce la cueca “Flor de Chuquisaca”, considerada también como el segundo himno del departamento que alberga a la Ciudad Blanca de América, quién no conoce “Potosí de mi amor”, la que fue escrita en homenaje a la Villa Imperial de Carlos V y como no mencionar la canción “Oh mi Oruro”, la canción que a más de uno hace sentir nostalgia y aprecio por ese bello Departamento?
También sobresalen los huayños "Boquita de cereza" composición suya originalmene en ritmo de Huayño, luego arreglada por Oscar del Valle en ritmo de taquirari. Entre otras obras de este Gran Maestro de la Música boliviana.
Son sin duda bellas canciones de las más de 400 que dejó como legado el profesor y compositor orureño Gilberto Rojas Enríquez.
Muere Darío
Garzón, cantante y compositor colombiano del dúo "Garzón y Collazos".
Dueto
de musica folclorica colombiana que cuenta con mucha popularidad entre el
público de su país por sus hermosas letras, llenas de autenticidad y
romantisismo bucólico. Su producción artística se desarrolló entre los años 38
y 77, con gran acogida hasta hoy, aún después de 32 y 41 años del fallecimiento
de cada uno de sus integrantes: Darío Garzón y Eduardo Collazos,
respectivamente.
En 1938 un dueto integrado por Darío Garzón Charry, oriundo de
Girardot, nacido el 9 de enero de 1915 pero formado en Ibagué en el
Conservatorio del Tolima y Eduardo Collazos Varón, ibaguereño, nacido el 13 de
octubre de 1.916, se impuso en la capital del Tolima.
Darío compuso la música que resultaría el más preciado legado del pentagrama
tradicional de la región, dando como resultado canciones como Soy Tolimense,
Las lavanderas, La subienda, A ti madre del alma, Cariño eterno, y Tu, entre
otras
Alberto Castilla, director del Conservatorio, había llevado a
Darío a trabajar con él y le sugirió conseguir un tiplista para formar un
dueto, el cual se consolidó con Darío en la guitarra y la primera voz y Eduardo
en el tiple y la segunda voz.. Así, comenzaron cantando hasta que en el año
1938 decidieron lanzarse profesionalmente en una presentación en el Casino de
Oficiales del Batallón de Ibagué con la canción Hurí, resultado de los
recorridos de Darío Garzón por los pueblos y veredas del Tolima.
Surgieron después: Te juré mi amor, El vaquero, El pescador, El
boga, etc., obras que darían al dueto la fama que conserva aún hoy, después de
muertos sus dos integrantes.
Con estas canciones nacidas en Ibagué, y otras de compositores
de provincia emprendieron una gira, recorriendo la geografía nacional, y en
1947 grabaron su primera serie de discos, que sería un éxito histórico.
Renacieron con ellos los aires andinos colombianos en las décadas de 1940 y
1950. Fue su primera época de oro.
En 1950 se radicaron en la capital, Bogotá, e iniciaron sus primeras
grabaciones con SONOLUX en Medellín, disquera de la cual fueron exclusivos
durante 20 años, grabando más de 250 canciones de diferentes compositores
nacionales e incluyendo algunas melodías extranjeras que popularizaron en
Colombia, tales como: "Los Cisnes", "Rondalla","El
Limonar" y."Un Rayito de Sol".
Se vincularon a importantes emisoras como La Voz de Bogotá, la
Radio Nacional, Radio Santa Fe y La Nueva granada.
Viajaron a Venezuela, Cuba y Estados Unidos obteniendo enorme éxito y
realizaron una histórica presentación en Corea, llevando un mensaje
nacionalista a los soldados colombianos que luchaban valerosamente en esas
lejanas tierras.
En 1954 grabaron con Sonolux canciones de José A. Morales y Rafael Godoy y de
ahí en adelante continuaron cosechando triunfos en giras, presentaciones y
venta de discos, volviendo famosas entre otras, canciones como "Negrita de
Luis Dueñas Perilla, "Pueblito Viejo" de José A. Morales, "Espumas"
de Jorge Villamil y "Soy Colombiano" de Rafael Godoy , en la década
de los 60s.
Realizaron otras giras internacionales a Estados Unidos haciendo
presentaciones memorables como la del Carnegie Hall de Nueva York, Los Ángeles,
Chicago y Miami. Además, visitaron Ecuador, Perú, Chile y Argentina, liderando
la representación del interior del país en el exterior y difundiendo nuestros
aires autóctonos: bambucos, pasillos, guabinas, valses, bundes, danzas,
sanjuaneros y rajaleñas.
Esto durante los años 60s y 70s.
Buena parte de su producción discográfica de SONOLUX la hicieron con el
respaldo orquestal de Luis Uribe Bueno y posteriormente, acompañados por el
excelente organista Jaime LLano González, hasta el año de 1.975.
Todo lo que grabaron Garzón y Collazos se convirtió en éxito, obteniendo ventas
millonarias que los hicieron acreedores a discos de oro y platino en muchas
ocasiones.
Darío Garzón Ch., además de compositor, arreglista, folclorista e intérprete,
fue docente durante gran parte de su vida, labor de la cual se enorgullecía,
creando y dirigiendo conjuntos y grupos musicales en diferentes organizaciones
como la Universidad Pedagógica nacional, el Colegio la Enseñanza, el Mayor de
Cundinamarca, el Hospital Militar Central, la Universidad Libre y el Banco
Cafetero.
Dirigió su propia Academia Musical en Bogotá, e invitó a su compañero Eduardo a
dictar clases como él y se desempeñó también como director de la Academia
Distrital Luis A. Calvo.
El dueto se terminó con la prematura muerte de Eduardo Collazos,
el 23 de noviembre de 1977, truncando la gira de despedida que habían planeado
realizar por todas las ciudades de Colombia.
Darío Garzón volvió a radicarse en Ibagué y fundó allí su
Academia Musical, desarrollando una amplia labor docente, presentándose en
actos especiales, como artista o haciendo de jurado en festivales y
presidiendo la Sociedad de Autores y Compositores de Colombia SAYCO en el
Tolima.
Antes de su muerte, y para celebrar sus 50 años de vida
artística, el Maestro Darío Garzón fue condecorado en la inauguración de la
Concha Acústica GARZÓN Y COLLAZOS en Ibagué, adonde acuden anualmente artistas
y músicos de todo el país invitados por la Fundación Musical de Colombia, antes
Fundación Garzón y Collazos, principal organización promotora y difusora de
nuestros aires autóctonos.
El 21 de marzo de 1986, la primera voz de Darío y su inigualable
guitarra se unió a la segunda voz y al singular tiple de Eduardo en el
Cementerio San Bonifacio de Ibagué. Como su compañero Collazos, su sepelio fue
calificado de apoteósico por el enorme desfile de colombianos que se acercaron
a darle el último adios en su féretro, por los innumerables mensajes de condolencia
a sus familiares y por el sentido homenaje de artistas provenientes de todos
los rincones del país quienes entonaron las canciones del dueto del cual se
sentían discípulos.
El legado del Mestro Darío, además de sus hermosas
composiciones, fue haber formado tanto en la ejecución de la guitarra, el tiple
y la bandola, como en el canto y aún en el baile, a niños, jóvenes y adultos a
quienes transmitió su gran amor por la música y el respeto por nuestro folclor.
GARZÓN Y COLLAZOS se constituyeron en el DUETO NÚMERO UNO DE LA
CANCIÓN COLOMBIANA y fueron reconocidos como el dueto semilla por su estilo
interpretativo y la mezcla de dos voces, el tiple y la guitarra. Dedicaron 40
años de su vida dando a conocer, permaneciendo fieles y divulgando nuestra
música del interior, perseverando para mantenerla vigente, no obstante la
popularidad de la música foránea de entonces, tangos, rancheras y rock.
Como muestra de ello, se leyeron en sus tumbas mensajes como
éstos : Maestros GARZÓN Y COLLAZOS: Su tumba es ahora un lecho de murmullos
donde todas las melodías callan pero que nosotros avivaremos con las voces del
pueblo para inmortalizar su memoria, con las canciones y melodías que ustedes
exaltaron para prestigio y gloria de nuestro folclor y de nuestras tradiciones
musicales.
Garzón y Collazos, dos tolimenses raizales hechos en la Capital Musical de
Colombia, le enseñaron al país a cantar, y al mundo le mostraron cómo cantan
los Andes colombianos.
Cabe anotar que tanto Darío Garzón como Eduardo Collazos
tuvieron hijos que se han constituido en sus herederos musicales directos:
Darío Garzón Jr., Carlos Garzón; Alfredo Collazos, Oswaldo Collazos y Enrique
Collazos.
Ellos conformaron duetos que continúan con la labor artística de sus padres y
han grabado discos que se consiguen en el mercado colombiano.
Recopilado de diferentes
publicaciones escritas (periódicos y revistas colombianos) y redactado por
María Cristina Garzón Durán. Febrero 4 de 2011.
El sexto álbum en la carrera de la Reina del
Pop, fue sin duda un claro intento de superar etapas pasadas para entrar en una
más asentada y madura, musicalmente hablando. De hecho, la crítica lo consideró
un punto de inflexión en su trayectoria donde la ambiciosa rubia de los 80 dejaba
de lado su época de sex-symbol. El disco incluía temas como el que le dio
título, y otros como “Cherish”, “Express yourself”, o “Dear Jessie”.
Tras un año y medio sin sacar nada nuevo al mercado, el primer sencillo de este
trabajo, “Like a prayer”, se alzó hasta los puestos más altos de las listas de
ventas, a pesar de levantar las iras del Vaticano, por su temática religiosa, y
de ser censurado en varios países.
Sus guitarras eléctricas, bajos y amplificadores diseñados desde 1950 continúan dominando la música popular más de medio siglo después. Leo Fender y el guitarrista Les Paul son citados, frecuentemente, como las dos personas más influyentes en el desarrollo de los instrumentos eléctricos del siglo XX. Tradicionalmente se menciona que la marca Gibson, fabricante del modelo Les Paul, ha sido el más serio competidor de Fender en la fabricación de guitarras eléctricas, tratándose, en realidad, de diseños y filosofías de construcción muy diferentes, y con éxito alternante a lo largo de la historia.
Clarence Leonidas Fender ("Leo") nació el 10 de agosto de 1909, hijo de Clarence Monte Fender y Harriet Elvira Wood, propietarios de un exitoso naranjal situado entre Anaheim y Fullerton, California, Estados Unidos.
A la edad de 8 años, Leo desarrolló un tumor en su ojo izquierdo, que derivó en la extirpación del ojo y su sustitución por un ojo de cristal, lo cual le hizo inelegible para el reclutamiento en la Segunda Guerra Mundial más tarde en la vida.1
Cuando era joven tocaba el piano, y luego se pasó al saxofón. Sin embargo, su interés por el saxofón no duró mucho, ya que se centró cada vez más en la electrónica.1
Desde una edad temprana, Fender mostró interés por los juegos electrónicos. Cuando tenía 13 años, su tío, que tenía un taller de electricidad para automóviles, le envió una caja llena de piezas de radio de coche desechadas, y una batería. Al año siguiente, Leo visitó la tienda de su tío en Santa María, California, y quedó fascinado por una radio que su tío había construido con piezas de recambio y que había colocado en la fachada de la tienda. Más tarde, Leo afirmó que la fuerte música que salía del altavoz de esa radio le causó una impresión duradera. Poco después, Leo comenzó a reparar radios en un pequeño taller en la casa de sus padres.
En la primavera de 1928, Fender se graduó en el Fullerton Union High School, y entró en el Fullerton Junior College ese otoño, como estudiante de contabilidad. Mientras estudiaba para ser contable, continuó enseñándose a sí mismo electrónica, y jugueteando con radios y otros artículos eléctricos, pero nunca tomó ningún tipo de curso de electrónica.
Después de la universidad, Fender aceptó un trabajo como repartidor en la empresa Consolidated Ice and Cold Storage Company de Anaheim, donde más tarde fue nombrado contable. Fue en esta época cuando un líder de una banda local se puso en contacto con él, preguntándole si podía construir un sistema de megafonía (PA) para que la banda lo utilizara en los bailes de Hollywood. Fender fue contratado para construir seis de estos sistemas de PA.
En 1933, Fender conoció a Esther Klosky, y se casaron en 1934. Por esa época, aceptó un trabajo como contable para el Departamento de Carreteras de California en San Luis Obispo. En un cambio de gobierno de la depresión, su trabajo fue eliminado, y entonces aceptó un empleo en el departamento de contabilidad de una empresa de neumáticos. Después de trabajar allí durante seis meses, Fender perdió su empleo junto con los demás contables de la empresa.
En 1938, con un préstamo de 600 dólares, Leo y Esther volvieron a Fullerton, y Leo abrió su propio taller de reparación de radios, "Fender Radio Service". Pronto, los músicos y los directores de bandas empezaron a acudir a él en busca de sistemas de megafonía, que él construía, alquilaba y vendía. También acudían a su tienda en busca de amplificación para las guitarras acústicas amplificadas que empezaban a aparecer en la escena musical del sur de California, en la música de big band y jazz, y para las guitarras eléctricas "hawaianas" o "lap steel" que se estaban haciendo populares en la música country.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Fender conoció a Clayton Orr "Doc" Kauffman,2 un inventor e intérprete de lap steel que había trabajado para Rickenbacker, que había estado construyendo y vendiendo guitarras lap steel durante una década. Mientras trabajaba en Rickenbacker, Kauffman había inventado el cordal "Vibrola", un precursor del posterior cordal de vibrato. Fender le convenció de que debían asociarse, y fundaron la "K&F Manufacturing Corporation" para diseñar y construir guitarras hawaianas amplificadas y amplificadores. En 1944, Fender y Kauffman patentaron una guitarra lap steel con una pastilla eléctrica ya patentada por Fender. En 1945, comenzaron a vender la guitarra en un kit con un amplificador diseñado por K&F. En 1946, Doc se retiró de K&F y Fender revisó la empresa y la rebautizó como "Fender Manufacturing", y posteriormente como "Fender Electric Instrument Co." a finales de 19473 y cedió las riendas de su tienda de radio a Dale Hyatt.4
Desarrollo de la guitarra eléctrica: Esquire/Broadcaster/Telecaster
A medida que las Big Band se fueron poniendo de moda hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, se formaron por todo Estados Unidos pequeños combos que tocaban boogie-woogie, rhythm and blues, western swing y honky-tonk. Muchos de estos grupos adoptaron la guitarra eléctrica porque podía dar a unos pocos músicos la potencia de toda una sección de vientos. Las guitarras equipadas con pastillas eran las preferidas en las bandas de baile de finales de los años 40, pero la creciente popularidad de los bares de carretera y los salones de baile creó una necesidad cada vez mayor de instrumentos más ruidosos, baratos y duraderos. Los músicos también necesitaban cuellos más "rápidos" y una mejor entonación para tocar lo que los músicos de country llamaban "take-off lead guitar". A finales de la década de 1940, las guitarras eléctricas de cuerpo sólido empezaron a aumentar su popularidad, aunque todavía se consideraban artículos novedosos, siendo la Rickenbacker Spanish Electro, la guitarra de cuerpo sólido más comercializada, y la "Log" casera de Les Paul y la guitarra Bigsby Travis, fabricada por Paul Bigsby para Merle Travis, los primeros ejemplos más visibles.
Fender reconoció el potencial de una guitarra eléctrica que fuera fácil de sostener, afinar y tocar, y que no se retroalimentara a volúmenes de salón de baile como lo haría la típica archtop. En 1948, terminó el prototipo de una guitarra eléctrica delgada de cuerpo sólido;2 fue lanzada por primera vez en 1950 como la Fender Esquire (con un cuerpo sólido y una pastilla), y rebautizada primero como Broadcaster y luego como Telecaster (con dos pastillas) el año siguiente.5 La Telecaster, originalmente equipada con dos pastillas de bobina simple y muy utilizada entre los músicos de country y western, se convirtió en una de las guitarras eléctricas más populares de la historia.2
En lugar de actualizar la Telecaster, Fender decidió, basándose en los comentarios de los clientes, dejar la Telecaster como estaba y diseñar una nueva guitarra de cuerpo sólido de alto nivel para venderla junto a la Telecaster básica. El guitarrista de western swing Bill Carson fue uno de los principales críticos de la Telecaster, afirmando que el nuevo diseño debería tener selletas de puente ajustables individualmente, cuatro o cinco pastillas, una unidad de vibrato que pudiera usarse en cualquier dirección y volver a la afinación adecuada, y un cuerpo contorneado para mejorar la comodidad frente a los bordes ásperos de la Telecaster de cuerpo plano. Fender, con la ayuda del dibujante Freddie Tavares, comenzó a diseñar la Stratocaster a finales de 1953.2 Incluía un mástil más redondo, menos "parecido a un palo" (al menos durante el primer año de emisión) y un doble cutaway para llegar más fácilmente a los registros superiores.6
Otra novedad en el diseño de la Stratocaster era el uso de tres pastillas conectadas para ofrecer tres sonidos diferentes, dos de los cuales podían ser adaptados por el músico ajustando los dos controles de tono. Fue la primera guitarra eléctrica del mercado en ofrecer tres pastillas y un brazo de trémolo (que en realidad se utilizaba para el vibrato, no para el trémolo), que llegó a ser muy utilizado por los guitarristas.7 Las tres pastillas podían seleccionarse mediante el interruptor estándar de tres vías para dar a la guitarra diferentes sonidos y opciones utilizando las pastillas del "mástil", del "medio" o del "puente". Aunque Leo Fender prefería el sonido de las pastillas simples, los guitarristas descubrieron que podían hacer que el interruptor se mantuviera entre las posiciones de retención y activar dos pastillas a la vez. El conmutador de cinco vías se implementó finalmente como opción de fábrica a finales de 1976, añadiendo las combinaciones de detente de mástil+medio o puente+medio que los músicos habían estado utilizando durante años.8
Más tarde, le seguirían otros éxitos de diseño, entre los que destaca la Stratocaster, modelo ampliamente imitado desde su puesta en el mercado en 1954, o el Precision Bass, el primer bajo eléctrico comercialmente viable.
En 1965, Leo Fender vendió su compañía a la Columbia Broadcasting System (CBS).
En 1970, Leo Fender diseñó guitarras, bajos y amplificadores para la compañía Music Man. En 1979, en compañía de sus viejos amigos George Fullerton y Dale Hyatt, fundó una nueva empresa llamada G&L (de George & Leo, aunque durante un tiempo fue muy popular la creencia de que el acrónimo significaba ‘Guitars by Leo’) Musical Products. En los siguientes años, Fender continuó produciendo guitarras y bajos eléctricos, mejorando sus propios diseños de décadas atrás y registrando nuevas patentes en diseños innovadores de pastillas magnéticas, sistemas de vibrato, construcción de mástiles, etc.
Twitter (pronunciación AFI [ˈtwɪtər])
(NYSE: TWTR)
es un servicio de microblogging,
con sede en San Francisco, California, con filiales en San Antonio (Texas)
y Boston (Massachusetts) en Estados Unidos. Twitter, Inc. fue creado
originalmente en California, pero está bajo la jurisdicción de Delaware desde
2007.5 Desde que Jack Dorsey lo creó en marzo de 2006,
y lo lanzó en julio del mismo año, la red ha ganado popularidad mundial y se
estima que tiene más de 500 millones de usuarios, generando 65 millones de
tuits al día y maneja más de 800 000 peticiones de búsqueda diarias.6 Ha sido denominado como el «SMS de Internet».7
La red permite enviar mensajes de texto plano de corta longitud, con un
máximo de 280 caracteres (originalmente
140), llamados tuits89 o tweets, que se muestran
en la página principal del usuario. Los usuarios pueden suscribirse a los tweets de
otros usuarios – a esto se le llama "seguir" y a los usuarios
abonados se les llama seguidores,10 followers y a
veces tweeps11 (Twitter + peeps, seguidores novatos que aún no han
hecho muchos tuits). Por defecto, los mensajes son públicos, pudiendo
difundirse privadamente mostrándolos únicamente a unos seguidores determinados.
Los usuarios pueden twitear desde la web del servicio, con aplicaciones
oficiales externas (como para teléfonos
inteligentes), o mediante el Servicio de
mensajes cortos (SMS) disponible en ciertos países.12 Si bien el servicio es gratis,
acceder a él vía SMS comporta soportar tarifas fijadas por el proveedor
de telefonía móvil.
A fecha de 27 de abril de 2015, es conocido que el dominio fue
registrado hace 15 años y 99 días,13 pero tres aspectos todavía no están
claros: la fecha exacta de presentación pública del proyecto, si los tuits
pueden ser o no redirigidos y si Twitter comparte los mensajes internos entre
usuarios con la NSA.
En la actualidad, Twitter factura más de 2.500 millones de
dólares anuales y tiene un valor en bolsa superior a los 10.000 millones de
dólares.
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