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Carlos Vicente Geroni Flores (Buenos Aires Argentina, 22 de marzo de 1895 – Madrid o Lisboa[1] 22 de junio de 1953 ) fue un pianista, violinista, compositor y director de orquesta dedicado al género del tango.
Estudios iniciales
[editar]Nació en una casa ubicada en la intersección de Corrientes} y Esmeralda. Tenía 5 años cuando empezó a estudiar piano y violín y luego siguió haciéndolo con el maestro Ernesto Drangosch, pasó becado por el Conservatorio Williams y estudió armonía con el maestro Cayetano Troiani. A los once años, viajó a Río de Janeiro invitado por Juan Ramzcola, director del Conservatorio Real de Lisboa, que funcionaba en esa ciudad, para estudiar en el mismo, y se graduó de profesor de piano y violín.[2][3]
Comienzo de su actividad profesional y viaje a Europa
[editar]De regreso, en 1912, dio conciertos en los salones La Argentina y Príncipe George’s Hall y comenzó a desempeñarse como primer violín concertino en la Compañía de Operetas Cittá di Milano dirigida por el maestro Mancinelli.[2][3]
En 1913 Enrique Saborido, el pianista autor de los tangos Felicia y La morocha y uno de los mejores bailarines de Argentina, lo llevó a Europa como pianista cuando Geroni Flores ya estaba atraído por la música popular. Actuaron con gran suceso en los más distinguidos salones de París, Amberes, Bruselas y otras ciudades, abrió un salón para enseñar tango en París y luego otro en Londres pero debió dejarlos al estallar la guerra en agosto de 1914,[4] regresando en 1915 a Buenos Aires en el vapor Tubantia.[2]
Regreso a Buenos Aires
[editar]Ese año formó una orquesta para grabar para el sello RCA Victor y trabajó tanto en Buenos Aires como en localidades de las provincias como solista de piano. Más adelante integró un pequeño conjunto dirigido por Arturo Bernstein (El Alemán), pasó brevemente por la orquesta de Agesilao Ferrazzano y en 1919 formó su primera orquesta, con la que debutó en el Bar Castilla —Corrientes al 1200—, integrada por él mismo al piano, Luis Petruccelli y Carlos Marcucci en bandoneón y Emilio Ferrer y Esteban Rovati en violín.[2]
Cuando en 1920 Enrique Pedro Delfino viajó a Estados Unidos con el bandoneonista Osvaldo Fresedo y el violinista Tito Rocatagliatta para integrar la "Orquesta Típica Select" contratada por la grabadora Victor Talking Machine Co. (luego RCA Victor) en el marco de la lucha con su competidora Nacional-Odeon que poco antes había comenzado a grabar discos de tango en ese país y estaba batiendo récords de ventas en la Argentina, Geroni Flores lo sustituye formando dúo con Agesilao Ferrazzano para actuar en el foyer del Teatro Ópera de Buenos Aires, en tanto en el escenario de la sala tenía un extraordinario éxito el tango Milonguita de Delfino, cantado por Raquel Meller acompañada por la orquesta de Roberto Firpo. El dúo también realiza algunas grabaciones.[2][3]
Más adelante Flores trabajó como solista en la Confitería Colón ubicada en la Avenida de Mayo y Bernardo de Irigoyen, y a mediados de 1922 graba para RCA Victor en un conjunto en el que acompaña desde el piano a los violinistas Emilio Ferrer y Bernardo Germino, los bandoneonistas Carlos Marcucci y Pascual Mazzeo y a Salvador Ibáñez en pistón. También participaron en la etapa final los violinistas Arturo Bettoni y Fausto Frontera. Ese mismo año la orquesta de Flores animó en el Teatro Nacional la escena de cabaret del sainete Milonguita en el cual Manolita Poli estrenó el 25 de agosto el tango de Flores y Linnig Melenita de oro.[2]
En 1924, creó con versos de Benjamín Tagle Lara la zamba Por el camino que en España fue conocida como La canción del boyero y se constituyó en un éxito del trío Irusta-Fugazot-Demare.[2]
Actuó en el Café Colón del barrio de Flores y el 10 de junio de 1925 en el Teatro Nacional, Manolita Poli estrenó su tango Campana de plata, en el sainete Puente Alsina, escrito por Samuel Linnig quien falleció el 16 de octubre de ese año, tango que fue grabado por la orquesta de Roberto Firpo y por el cantor Ignacio Corsini.[2]
Hasta 1929, la Orquesta Típica Flores actuó en los cafés Germinal y Nacional, en el cabaré Follies Bergere y en el cine San Martín de Flores. El 21 de junio de ese añose estrenó en el Teatro Nacional la pieza La sangre de las guitarras, escrita por Vicente Retta y Carlos Max Viale Paz con música de Geroni Flores que incluía el hermoso vals La virgen del perdón.[2]
En 1930 al frente del sexteto integrado también por Antonio Rodio y Alberto Mercy (violines); Gabriel Clausi y Pascual Storti (bandoneones) y Luis Bernstein (contrabajo) grabó para RCA Victor Melenita de oro y Muchachita callejera de Salvador Granata. Al año siguiente inicia una gira por distintos puntos de América del Sur, Europa y África acompañado Luis Moresco, Héctor Presas y César Ginzo bandoneones); Alberto Mercy y Víctor Canfrange (violines); Alfredo Marino y Héctor Farrell (cantores), a los que se unieron en Europa otros músicos, entre los que estaban Alberto Celenza, Tito Landó, Joaquín Mora y Alberto Romano. Su representante se fugó con el dinero recaudado, por lo que el conjunto se disolvió; Flores, muy afectado, se radicó en Lisboa, dedicado a la enseñanza de piano y violín, expuso pinturas de su autoría e intervino como actor en el filme portugués Pan nuestro, que también musicalizó.[2]
En 1950 el letrista Lito Bayardo le propuso regresar a Buenos Aires pero Flores no aceptó y le pidió que pusiera letra a un tango cuya partitura le entregó. La obra con el título de Flor de pena se publicó luego de su muerte y fue grabada en Buenos Aires por la orquesta de Eduardo Del Piano con la voz de Roberto Bayot.[2][3]
Murió en casa del conde de Arcentales, donde residía,[1] siendo sus restos sepultados en el cementerio de San Isidro.
Labor como compositor
[editar]Fue un “extraordinario valor de nuestra música popular, no muy bien ponderado, que desde su niñez mostró grandes cualidades escribiéndole los primeros tangos a Vicente Greco y otros famosos compositores”. Por entonces, Flores había escrito Soñador su primer tango, que no se editó y luego El compromiso y La cautiva. Este último, de original melodía y alto valor musical es uno de sus mejores tangos.[2]
En su labor autoral se destacan nítidamente la zamba Por el camino (Zamba del boyero) y los tangos con letra de Samuel Linning, Melenita de oro y Campana de plata, de las que hizo creaciones la cantante Manolita Poli en el teatro Nacional.
Las obras de Geroni Flores que grabó Carlos Gardel fueron La cautiva, que compusiera con Pedro Numa Córdoba; Maniquí, con Enrique Dizeo; A la luz del candil, con Julio Navarrine; Sólo se quiere una vez, con Claudio Frollo y La virgen del perdón, con Retta y Paz Viale.[3]
Ignacio Corsini le registró Acordes, Andate con la otra, Como lloran los zorzales, Huella... huella!, Melancólica casita, con Enrique Dizeo; Mi cabaio baio, Pillería, Por el camino (Zamba del boyero), Siempre amigos, La tardecita, La traición, La tropilla y La virgen del perdón, el dúo Acuña-Ruiz le grabó Facón viejo y puntiagudo, Agustín Magaldi con Pedro Noda registraron Canción tucumana, Siguiendo las estrellas y Azucena Maizani grabó Andate con la otra y la hizo famosa.
Diversas orquestas le grabaron Acordes, Alhambra, Buena mano, Cadetes chilenos, Cardillo, El enigma, Humberto de Saboya, Mascarón de proa, Melancólica casita, Pomona, Pura pinta, ¡Ríase!, Serpentinas, La tardecita, Triste visión, Viejo poncho y el vals Marisabel.
Otras de sus obras que se recuerdan son Álzame en tus brazos, con Francisco García Jiménez, Muchachos me voy, con Agustín Magaldi y Pedro Noda, la canción criolla Mientras lloran los zorzales, con Benjamín Tagle Lara; La preguntona, Mi ha gayeteao, La güeya 'e los porrasos, Oros, espadas, copas y bastos, Gualicho di amor, El porfiao, El bolsaso, El craido y Unas qui otras.
Julián Porteño escribió de Geroni Flores:
«Bohemio errante, Flores paseó su talento musical por el orbe, difundiendo tangos y música folklórica en un estilo personal y sutil. Y si como autor logró obtener un prestigio nada común, como intérprete del piano alcanzó tal suceso, que quienes tuvieron el privilegio de escucharlo, no podrán olvidarlo jamás».[2]
Biografía[editar]
Stephen Joshua Sondheim (Nueva York, 22 de marzo de 1930-Roxbury, Connecticut, 26 de noviembre de 2021)1 fue un compositor y letrista estadounidense especializado en el género de teatro musical.
Primeros años[editar]
De niño vivió en Manhattan y más tarde en una granja en Pensilvania. Sus padres, Herbert y Janet (Foxy) Sondheim, se dedicaban a la industria textil. Su madre era diseñadora de vestidos y su padre, el que los producía. Según la biografía Stephen Sondheim: A Life, escrita por Meryle Secrest, la niñez de Stephen fue descuidada y desolada.
Despertó su interés por el teatro al ver la obra de teatro musical Very Warm for May, cuando tenía nueve años: «La cortina se levantó, revelando un piano ―explica Sondheim―. Un mayordomo tomó un trapo y lo limpió, haciendo sonar las teclas. Fue emocionante».2
Cuando tenía diez años, su padre (que ya era una figura distante) los abandonó a él y a su madre. Aunque Herbert trató de conseguir la custodia de Stephen ―porque dejó a Foxy por otra mujer (Alicia, con la que tuvo dos hijos)― no tuvo éxito. Sondheim era «lo que se llama un “niño institucionalizado”, lo que significa que no tiene contacto con ningún tipo de familia. Te encuentras en un entorno lujoso que te provee de todo, excepto contacto humano. No hay hermanos ni hermanas, no hay padres, aunque sí hay mucho que comer, y amigos con quienes jugar, y una cama caliente».
Sondheim detestaba a su madre,3 quien era psicológicamente abusiva4 y proyectaba en su hijo su ira contra su matrimonio fallido:5«Cuando mi padre la abandonó, ella lo sustituyó por mí, y me trataba de la misma manera con que lo trataba a él: me torturaba psicológicamente, se me insinuaba sexualmente, me pegaba, me regañaba. Durante cinco años lo que ella hizo fue tratarme como basura, pero al mismo tiempo se me insinuaba».6En una ocasión, ella le escribió una carta en la que le decía que «lo único que lamentaba en toda su vida era haberlo dado a luz».7Cuando su madre murió, el 15 de septiembre de 1992, Sondheim no asistió a su funeral.8
Carrera[editar]
Tutoría bajo Oscar Hammerstein II[editar]
Aproximadamente a los diez años de edad, cerca del tiempo en que sus padres se divorciaron, Sondheim comenzó una amistad con Jimmy Hammerstein, hijo del reconocido Oscar Hammerstein II (1895-1960), quien ocuparía un lugar cercano al de un padre para Sondheim. Hammerstein tuvo una gran influencia en el joven Sondheim, especialmente en lo que se refiere al teatro y a la música. De hecho, asistió al estreno de la obra South Pacific en donde conoció a Harold Prince, quien luego dirigiría varias de las obras de Sondheim.9
Durante la secundaria, asistió a la George School, una escuela privada de Pensilvania. Allí tuvo la oportunidad de escribir un musical basado en los hechos de la escuela, llamado By George. Sondheim mostró su trabajo a su tutor, pidiéndole que lo evaluara como si no conociera al autor. Hammerstein (de 52 años) le dijo que era lo peor que había leído, pero si quería saber por qué, él se lo diría. El resto del día Sondheim y Hammerstein lo ocuparon trabajando sobre el musical. Más tarde, Sondheim diría que «en esa tarde, aprendí más sobre la escritura de canciones y del teatro musical que lo que la mayoría de la gente aprende en toda su vida».10
Hammerstein diseñó una especie de curso para que Sondheim aprendiera cómo construir un musical. Este entrenamiento se centró en cuatro asignaturas, en donde Sondheim debía escribir:
- un musical basado en una obra de teatro que él admirase (el cual terminó siendo All That Glitters);
- un musical basado en una obra de teatro que considerase defectuosa (que se transformó en High Tor);
- un musical basado en una novela existente o en un cuento corto que no hubiera sido dramatizado previamente (lo que dio como resultado el musical incompleto Mary Poppins, que no guarda relación alguna con la película ni con la posterior obra musical), y
- un musical original (Climb High).11[cita requerida]
Ninguna de estas obras se produjo oficialmente. High Tor y Mary Poppins nunca se estrenaron porque los titulares de los derechos de autor se negaron a permitir la realización de los musicales.12
En 1950, Sondheim se graduó magna cum laude en la Universidad Williams en Williamstown, Massachusetts, donde fue miembro de la fraternidad Beta Theta Pi. Luego, continuó estudiando composición con el músico Milton Babbitt.12
El traslado a Broadway y su trabajo como letrista[editar]
Los siguientes años encontraron a Sondheim viviendo en el comedor de su padre, escribiendo canciones. También pasó un tiempo viviendo en Hollywood, escribiendo para la serie de televisión Topper. A pesar de su gusto por el cine, Sondheim afirma que le desagradan las películas musicales.[cita requerida]
En 1954, Sondheim escribió la música y la letra de Saturday Night, aunque el musical nunca se estrenó en Broadway y se mostraría por primera vez en la producción de 1997 del Teatro Bridewell de Londres. En 1998, Saturday Night recibió una grabación profesional, seguida de una revisión con dos nuevas canciones. En el 2000, se estrenó en el Teatro Second Stage del Off-Broadway, y en el 2009 se realizaría una nueva puesta en el Teatro Jeremyn Street de Londres.9
Su gran oportunidad llegó cuando lo llamaron para poner letra al musical del que Leonard Bernstein estaba escribiendo la música, basado en el libreto de Arthur Laurents y que llevaría por título West Side Story. A Sondheim lo presentaron con Bernstein, quien había escuchado Saturday Night y rápidamente lo contrató para escribir las letras del que sería después un musical mítico. Su estreno en 1957, de la mano de Jerome Robbins en la dirección, estuvo en escena durante 732 funciones.
En 1959, escribió la letra de la comedia musical Gypsy. A Sondheim le hubiera gustado escribir también la música, pero Ethel Merman, la actriz estrella que lo iba a protagonizar, insistió en que necesitaban un compositor más reconocido. Por ello, encargaron la música a Jule Styne. Sondheim pensó en declinar la propuesta, poniendo en duda el figurar solamente como letrista en otro espectáculo, pero Hammerstein le dijo por escrito que trabajar con una estrella como Merman sería una valiosa experiencia. Sondheim trabajó en estrecha colaboración con Arthur Laurents, quien escribía el libreto para crear el espectáculo. Gypsy estuvo en cartel durante 702 representaciones.9
Escribió letra y música de A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (Golfus de Roma), que se estrenó en 1962. El libreto, escrito por Burt Shevelove y Larry Gelbart, se basó en las farsas de Plauto, y la partitura de Sondheim fue muy bien recibida en el momento, pero aunque el espectáculo fue todo un éxito (se mantuvo en escena por 964 representaciones), y ganó varios Premios Tony, inclusive el de mejor musical, Sondheim no fue ni siquiera nominado.9
Por aquel entonces, Sondheim había participado en tres grandes éxitos, pero su siguiente espectáculo fracasó, y llegó a tan solo 9 representaciones. Se trató de Anyone Can Whistle, y a pesar del fracaso se convirtió más tarde en un musical de culto, además de que dio a conocer al mundo de los musicales de Broadway a Angela Lansbury.[cita requerida]
Do I Hear a Waltz? (1965), para el que escribió las letras, tuvo música de Richard Rodgers y libreto de Arthur Laurents. Originalmente las letras las iba a escribir Oscar Hammerstein, pero si muerte hizo que tanto Laurents como la hija de Rodgers, Mary Rodgers, pidieran a Sondheim hacer el trabajo. Aunque sentía que el libreto no era adecuado para ser musicalizado, Sondheim accedió. El resultado fue tal que, según ha comentado, es el único trabajo del que asegura haberse arrepentido hacer.9
The Boy From…, de 1966, una parodia de la canción "Garota de Ipanema" ("La chica de Ipanema"), fue su siguiente trabajo, aunque lo firmó con el seudónimo de Esteban Río Nido en los créditos originales y Nom De Plume en los teatrales.9
En 1970, se estrenó Company, el primero de una serie de arriesgados musicales para los que colaboraría con el director Harold Prince. Este es un “concept musical” compuesto por una serie de viñetas presentadas de forma no cronológica que estuvo en escena por 705 representaciones.
Esta época fue la que marcó la plenitud de Sondheim como compositor y creó su sello personal a través de complejas polifonías e intrincadas melodías, principalmente en las partes vocales. Destaca su tratamiento de los coros, utilizando tanto el elenco como los personajes secundarios para crear una especie de coro griego que usa para narrar la historia.9
A Little Night Music, de 1973, con letra y música de Sondheim y libreto de Hugh Wheeler, está inspirado en la película de Ingmar Bergman Sonrisas de una noche de verano. La partitura de este musical está escrita en su mayor parte a ritmos de vals, incluye la canción más famosa escrita por Sondheim, "Send in the Clowns", y estuvo en escena durante 601 representaciones protagonizada por Glynis Johns y posteriormente Jean Simmons, Dorothy Tutin, Judi Dench y Catherine Zeta-Jones . El papel de Madame Armfeldt, la anciana aristócrata a cargo de la canción "Liasons" fue interpretado por famosas veteranas como Hermione Gingold que la estrenó, Regina Resnik, Angela Lansbury,Zarah Leander en Viena, Leslie Caron en Paris, Elaine Stritch, Claire Bloom y otras primeras damas del teatro. Este musical fue llevado al cine en 1977, sin mucho éxito (Dulce Viena), por Harold Prince, con Elizabeth Taylor.9
Pacific Overtures es, como poco, un musical nada convencional. Escrito en escalas pentatónicas con armonías casi japonesas, su montaje original presentaba una estética Kabuki, con los papeles femeninos interpretados por hombres y cambios escénicos a la vista hechos por personas vestidas de negro. Aunque fue nominado a los Premios Tony, estuvo en escena solo seis meses.9
Sweeney Todd es la partitura más operística de Sondheim. Estrenado en 1979, ha sido calificado en cuanto a su música como «las disonancias más rentables de Broadway» y ha sido llevado a muchos teatros de ópera de todo el mundo. Todo ello a pesar de explorar temas como el asesinato por venganza, el incesto y el canibalismo. Es una obra negra que entremezcla todo ello con un fino sentido del humor. El libreto de Hugh Wheeler se basó en la obra de Christopher Bond sobre el clásico victoriano inglés. Este musical dio a Angela Lansbury uno de los mejores papeles de su carrera y se mantuvo en cartel por 557 funciones. Fue llevado al cine en 2007 por Tim Burton.9
Merrily We Roll Along, de 1981, es, por el contrario, quizá su partitura más tradicional, concebido en este caso, para generar “hits” más allá del escenario (por ejemplo, Carly Simon y Frank Sinatra grabaron algunas de ellas). Pero a pesar de ello, el espectáculo fue un fracaso que solo se mantuvo en cartel por 16 representaciones. Este fracaso afectó profundamente a Sondheim, que se planteó abandonar el teatro para dedicarse al cine o a la creación de videojuegos, una de sus aficiones favoritas, especialmente los de terror.9
A pesar de ello, en 1984 estrenó Sunday in the Park with George, un espectáculo nacido de la colaboración con el autor y director avant-garde James Lapine. Un musical Off-Broadway sobre el mundo puntillista del pintor Georges Seurat que les llevó a ganar el premiPulitzer de drama. Curiosamente en las 25 representaciones que se llevaron a escena, durante 22 de ella solo se escenificó el primer acto (y este aún en desarrollo) y solo en las tres últimas se pudo ver la obra entera.9
En 1987, Sondheim y Lapine estrenaron Into the Woods, un divertido ejercicio que hacía coincidir en un bosque a toda una serie de personajes de cuentos clásicos. Un musical rompedor que ganó diversos Premios Tony, entre ellos, mejor partitura original, mejor libreto y mejor actriz en un musical. Estuvo en escena 764 representaciones.9
En 1990, estrenó Assassins, con letra y música de Sondheim y libreto de John Weidman. Era un espectáculo extraño, Off-Broadway, que se mantuvo en escena durante las 73 representaciones que tenía programadas, y todas las entradas se vendieron desde antes de su estreno. También en clave de humor, se basaba en la idea que el derecho a la libertad en Estados Unidos incluía el derecho de atentar contra los presidentes y que trataba a los asesinos de una forma un tanto distinta a la imagen pública que se tenía de ellos.9Passion, estrenado en 1994, tiene el curioso honor de ser el espectáculo musical de Broadway más corto en llevarse el Premio Tony al mejor musical tras sus 280 representaciones. Se trata de una adaptación de la película Passione d’amore, de Ettore Scola y fue el resultado de una nueva colaboración con Lapine.9
Lapine también creó un espectáculo que terminó llamándose Sondheim on Sondheim, que tuvo programada una muy corta duración (solo 55 representaciones), producida por Roundabout Theatre Company y que se presentó en el famoso Studio 54 de Broadway en 2010.9
Obras fuera de Broadway[editar]
La carrera de Sondheim ha tenido algo más que su vinculación al mundo de los musicales de Broadway, y caben destacar sus andanzas por otros campos creativos.
Como fan que es de todo tipo de juegos, especialmente puzles y de misterio, entre 1968 y 1969 publicó toda una serie de crucigramas crípticos en la revista New York Magazine.
Partiendo de los intrincados juegos de misterio y búsqueda del tesoro que él y su amigo Anthony Perkins creaban y organizaban para sus amigos, entre los que se incluían Lee Remick y George Segal, Sondheim y Perkins escribieron el guion de la película de 1973 El fin de Sheila, ganando con ella el Premio Edgar al Mejor Guion otorgado por la asociación Mystery Writers of America. La película fue luego llevada al mundo de la literatura por Alexander Edwards.
También probó como guionista en 1996, coescribiendo junto a George Furth el libreto de Getting Away with Murder. La obra no fue precisamente un éxito y echó telón tras 29 preestrenos y 17 representaciones.
Su trabajo de composición le ha llevado, además, al mundo del cine, con un notable abanico de canciones como las de la película Dick Tracy de Warren Beatty (1990), cuya canción "Sooner or Later (I Always Get My Man)", cantada por Madonna, le dio a Sondhein el Oscar por Mejor Canción Original de 1991.
También escribió un libro de anotaciones sobre sus letras, Finishing the Hat (2010) que abarca desde 1954 a 1981. Cuenta muchas e interesantes anécdotas detalles sobre su relación con Oscar Hammerstein II e incluye letras nunca antes publicadas de West Side Story, Company y Follies además de interesantes momentos de su carrera. El libro llegó al número 11 en la lista de los más vendidos de The New York Times de ese año.
El libro que le siguió, Look, I Made a Hat: Collected Lyrics (1981-2011) with Attendant Comments, Amplifications, Dogmas, Harangues, Digressions, Anecdotes and Miscellany se publicó en noviembre de 2011 y comienza donde dejó el anterior, incluyendo sus trabajos en cine y televisión.
Muerte[editar]
Sondheim falleció el 26 de noviembre de 2021 en Roxbury, Connecticut, a los 91 años.13
Angelo Badalamenti (Brooklyn, Nueva York; 22 de marzo de 1937-Lincoln Park, Nueva Jersey; 11 de diciembre de 2022)1 fue un músico y compositor estadounidense de origen italiano.
Biografía[editar]
Tras trabajar como pianista y acompañante de cantantes como Shirley Bassey y en alguna que otra película, se puede considerar que su auténtica entrada en el mundo del cine es gracias a David Lynch y su Terciopelo azul, iniciando así una larga colaboración que se prolonga hasta hoy. Su mayor éxito lo obtuvieron con la serie Twin Peaks, cuya banda sonora se convirtíó en todo un éxito de ventas.
Posteriormente Badalamenti ha trabajado en diversos proyectos de cine independiente y series de televisión. También ha compuesto numerosas canciones para la cantante Julee Cruise, quien también interpretó varios temas en Twin Peaks, así como con la vocalista Marianne Faithfull.
Fue el compositor de varias de las fanfarrias olímpicas de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.
También ha sido el responsable a cargo de componer la banda sonora para el videojuego Fahrenheit (conocido en América como Indigo Prophecy), cuyas piezas se caracterizan por ser melodías melancólicas y desoladoras.
La música de Badalamenti se caracteriza por sus lánguidas y sinuosas melodías así como sus múltiples aproximaciones al jazz.
Por su partitura para The Straight Story (Una historia verdadera/Una historia sencilla) fue nominado al Globo de Oro a la mejor banda sonora en 1999. También en 2002 se repitió la nominación en los Globos de Oro por la banda sonora de la película Mulholland Drive.2
Leopoldo Dante Tévez (Estación Atamisqui, 22 de marzo de 1942-Miami, 1 de enero de 2025),[1][2] conocido como Leo Dan, fue un cantante, compositor y actor argentino.[3][4]
Apodado como el León de las Pampas, desarrolló una exitosa carrera musical entre Argentina y México, desde mediados de los años sesenta.[5] A la par de su exitosa carrera musical, y al igual que otros colegas suyos en Latinoamérica[6] (como Leonardo Favio,[7] Sandro y Palito Ortega,[8] inspirados en la carrera de Elvis Presley[9] y Los Beatles) inició una carrera en el cine, y ya con su popularidad consolidada, también se convirtió en una celebridad de la televisión.[10] Si bien su estilo musical se asocia a la nueva ola y luego al pop rock y la balada romántica con canciones de los años 60 como «Celia», «Cómo te extraño mi amor», «Siempre estoy pensando en ella» y «Mary es mi amor», a partir de los años 70 incursionó en la ranchera, cosechando gran éxito, especialmente en México, con canciones como «Esa pared», y «Cuando un amor se va».[11][12][13]
A partir de los años 80, comenzó a trabajar alternadamente entre Argentina, México y los Estados Unidos, país donde se radicó. En los años 90, incursionó en la política de la mano del peronismo, y a pesar de su éxito y apoyo popular, no logró llegar al gobierno local de su región, Santiago del Estero.[10] Aunado a lo anterior, el artista comenzó a componer canciones evangélicas a raíz de su conversión al cristianismo a finales de los años 70.[14][15]
Varias de sus canciones hace parte de la escena cultural latinoamericana, española y estadounidense,[16][17] siendo varias veces versionadas por artistas populares como la banda mexicana Café Tacvba («Cómo te extraño mi amor»)[18][19] Sus canciones, que abarcan varios géneros musicales, también han sido traducidas y adaptadas a otros idiomas[10] y contextos como los cánticos de fútbol en Argentina.[20]
Luego de escribir 1500 canciones y vender 40 millones de álbumes,[21] ganó un Premio Grammy Latino a la excelencia musical en 2012,[21] y una de sus canciones fue seleccionada para la película Roma, ganadora de un Óscar y el León de Oro entre 2018 y 2019, con lo cual su carrera gozó de un importante pico de popularidad en Latinoamérica, sumándose Hollywood.[22][23][24][25]
Falleció el 1 de enero de 2025, cuando estaba en su gira de despedida por Estados Unidos, teniendo programada una residencia en Las Vegas durante ese año.[26]
Biografía y carrera
[editar]Primeros años
[editar]Leopoldo Dante Téve nació el 22 de marzo de 1942 en Estación Atamisqui, Santiago del Estero, en el seno de una familia humilde de origen gaucho dedicada al comercio.[27][28] Con apenas 5 años de edad, aprendió a tocar la armónica y la flauta, sus primeros instrumentos; a los 16 años aprendió guitarra y comenzó a componer sus primeras canciones.[29]
Inicios profesionales
[editar]A los veinte años, viajó a Buenos Aires, donde se presentó en CBS (Sony discos) e inmediatamente firmó su primer contrato discográfico. Su sencillo, «Celia», llegó a los primeros puestos de popularidad a la semana de haber sido lanzado.[30] Le siguieron éxitos como «Fanny», «Cómo te extraño mi amor», «Estelita», «Libre solterito y sin nadie», «Santiago querido», «Qué tiene la niña»', «Por un caminito», «Solo una vez», entre otros.[31] En 1964, fue contratado para el nuevo programa de Canal 9, Sábados Continuados.[32] Realizó su propio programa de televisión titulado, Bajo el signo de Leo, transmitido en el mismo canal.[33]
Éxito internacional
[editar]
Cerca de 1966, él y su esposa, Marietta Tevez, decidieron emigrar a España, donde continuó grabando y produciendo canciones de éxito comercial, como «Mary es mi amor», «Con los brazos cruzados», «Siempre estoy pensando en ella», «Cómo poder saber si te amo» y «Será posible amor», entre otros.[34]
En 1970, gracias al gran éxito de sus composiciones, emigró nuevamente, esta vez a México, donde radicó por diez años.[35] Allí publicó temas como «Te he prometido», «Esa pared», «Toquen mariachis canten», «Mi última serenata», «El radio está tocando tu canción», «Pareces una nena», «Yo sé que no es feliz», «Con nadie me compares», «Mary es mi amor», y otros tantos.[36]
Finalmente en 1980, regresó a Argentina junto a su familia, donde incursionó como político, presentándose como candidato a gobernador de Santiago del Estero aunque sin abandonar la música, llegando a componer éxitos como «Más que un loco», «Pídeme la luna», «Fue una noche de verano», y «Ojos azules».[37]
En 1990, como parte de su álbum Leo Rap, escribió una canción dedicada a Guatemala destacando una conexión especial entre el artista y el país centroamericano.[38]
Se estima que vendió más 40 millones de copias discográficas en todo el mundo.[39] Además de la música, también incursiono como actor participó en cuatro películas: Santiago querido (1965), Cómo te extraño mi amor (1966), La muchachada de a bordo (1967), y La novela de un joven pobre (1968). En adición, en 1987, publicó un libro de tema religioso titulado, Un pequeño grito de fe, donde reflejó sus pensamientos sobre la vida.[40]
Vida posterior
[editar]En 2018, lanzó Celebrando una leyenda, un álbum en vivo que llegó a multiplatino en México, logró los primeros lugares en ventas y supero los 180 millones de streams.[41]
En 2024, tras la celebración de una gira internacional, anunció su retiro del mundo artístico.[42]
Vida personal y muerte
[editar]Desde 1966, estuvo casado con Marietta Tevez, con quien procreó tres hijos: Mariana, Vanessa y Nicolás Lazlo Tévez.[43][44]
El 1 de enero de 2025, falleció en Miami, Estados Unidos, a los 82 años de edad.[1][45][46]
Emmanuel Mounier (Grenoble, 1 de abril de 1905 - París, 22 de marzo de 1950) fue un filósofo francés atento sobre todo a la problemática social y política. Fundador del personalismo comunitario y de la revista Esprit.
Biografía
[editar]Nacido en una familia de clase media, se complace Mounier en señalar que sus cuatro abuelos eran campesinos, curtidos por el trabajo y con el contacto con la Naturaleza, personas de alma sencilla, con sentimientos tan nobles como profundos. Se siente vinculado a esa trayectoria hereditaria, y anudará siempre Mounier vida y pensamiento, escritos y acción social en su propia persona, considerándose militante de ideas trasformadoras como el labrador que siembra y cultiva. «Ante el espantoso espíritu de los serios, siento que un abuelo reacciona en mí, su salud circula por mis arterias, el aire de los campos me purifica los pulmones, y doy gracias», escribió, antes de su muerte, a un amigo. Un tono triste invadió su personalidad desde niño. Pudiera atribuirse a su casi ceguera total de un ojo, ya de nacimiento, pero agravada posteriormente. Debe añadirse su deficiente audición, que ha contribuido a su tendencia a la introversión y a un cierto aislamiento. Sin embargo, fue siempre un compañero generoso y cordial.
Terminado su bachillerato en Grenoble, se marcha a París a estudiar medicina, por iniciativa de sus padres. Después de dos años, abandona la carrera para seguir su vocación auténtica de filósofo. Su maestro primordial fue el pensador católico Jacques Chevalier. Terminada la carrera de filosofía, Mounier fue encargado de cátedra en la Universidad. Como influencia decisiva cuenta Péguy y figuran como amigos entrañables Georges Barthélemy, Jean Guitton y Maritain. El proyecto de tesis doctoral apuntó primero al tema de la mística española e hizo un viaje a España en la primavera de 1930; y, por último, la proyectó sobre el Pensamiento de Charles Péguy (1931). Para realizar una acción intelectual de la máxima eficacia, se propone crear una revista de largo alcance. Esta idea madura en colaboración con Georges Izard y André Déléage. En 1930 tiene en la mente el título de «Matiere», pero se decide por «Esprit». El primer número de «Esprit» se publica en octubre de 1932. Es un momento dilemático, porque supone un cierto progresismo cristiano, que suscita algunas oposiciones. En su causa militan pensadores de distinta ideología: Izard, Déléage, Jean Lacroix, Berdiaeff, etc. Maritain y François Mauriac se distancian en cambio de ella. El arzobispo de París exige un informe sobre el contenido de la revista. En 1936 se habla de una condena de Roma, pero ésta no se produce. Se había casado en 1938. El régimen de Vichy le prohíbe publicar la revista el 25 de agosto de 1941. Es encarcelado el 21 de enero de 1942; consigue la libertad provisional, el 21 de febrero; de julio a octubre, de nuevo en prisión. Tras una huelga de hambre se celebró el proceso contra él del 19 al 26 de octubre, en el que fue absuelto. En diciembre de 1945 reanuda una nueva etapa de «Esprit». Su muerte fue debida a una crisis cardiaca, a los 44 años de edad.
Obras
[editar]Sus obras reflejan cada una de ellas un momento de su trayectoria filosófica y de su compromiso vital: La pensée de Charles Péguy, 1941; Révolution personnaliste et communautaire, 1935; De la propriété capitaliste á la propriété humaine, 1936; Manifeste au service du personnalisme, 1936 (Manifiesto al servicio del personalismo, Buenos Aires 1965); L'affrontement chrétien, 1944 (El afrontamiento cristiano, México 1964); Montalembert (1945); Pacifistes ou bellicistes? 1946; Liberté sous conditions, 1946 (una parte traducida como Personalismo católico), México 1940; Traité du caractére, 1946; Introducción aux existentialismes, 1946 (Introducción a los existencialismos), Madrid 1949; Qu'est-ce que le personnalisme? (¿Qué es el personalismo?, 1947, Buenos Aires 1956); L'éveil de l'Afrique noir (El despertar de África negra), 1948; La petite peur du XXe siécle, 1948 (El miedo del siglo XX, Madrid 1957); Le personnalisme (El personalismo), 1949; Feu la Chrétienté, 1951 (Fe cristiana y civilización, Madrid 1958); El compromiso de la acción (extractos), Madrid 1967. Una edición completa de sus obras, con amplias notas e índices, es Oeuvres complétes, 4 vol., París 1961-63.
Mounier difundió en sus obras el personalismo comunitario. Esa filosofía de la vida pone a la persona en comunidad como centro de todo. Las siguientes afirmaciones dan una idea de su pensamiento:
- La vida personal comienza con la capacidad de romper el contacto con el medio, de recuperarse para unificarse.
- Actuaremos, por lo menos, por lo que somos más que por lo que haremos o diremos.
- Nuestra acción no está esencialmente orientada al éxito sino al testimonio.
Dimensiones de la persona: personalismo y transpersonalismo
[editar]Siempre distinguió Mounier entre filosofía y sistema: el personalismo es una filosofía, pero no es un sistema, porque siempre está abierto a la penetración en la intimidad y misterio de la persona humana. Su autodefinición es esta: «su afirmación central es la existencia de personas libres y creadoras; introduce en el corazón de estas estructuras un principio de imprevisibilidad que disloca toda voluntad de sistematización definitiva» (El personalismo). En el personalismo de Mounier está implícita una metafísica de la persona, de los valores, de la historia, del conocimiento y del ser (Paul Ricoeur); es una postura eticometafísica: rehusar el modernismo y desprenderse del integrismo; superar el materialismo exteriorizante y el espiritualismo cerrado. Estudia a la persona en escorzo: 1) como vocación (dimensión espiritual hacia lo universal), 2) encarnación (dimensión espiritual hacia abajo), 3) comunión (dimensión espiritual hacia lo ancho). La persona trasciende mi individualidad, mi conciencia y mi personalidad: persona y comunidad son complementarios dentro de la dialéctica del amor («existir es amar»).
El personalismo de Mounier, también llamado personalismo comunitario, no es un sistema ni una doctrina. Es una «matriz filosófica» sugiere Domenach, exdirector de Esprit . Es, propone Guy Coq, «un lugar de encuentro en torno a algunos puntos de apoyo, donde cristianos, musulmanes, agnósticos, judíos e incrédulos se pueden encontrar en una reflexión sobre el mundo que tenemos que construir». A pesar de que es su fe cristiana que lo inspira él no tiene intención de hacer un trabajo confesional. Esprit por lo tanto no será una revista católica, pero sí una revista donde creyentes y no creyentes se frecuentan, discuten y se expresan. Quiere crear una fraternidad basada en un conjunto de valores comunes y en un método que favorezca la discusión y la pluralidad de puntos de vista.
Índice
Primeros años[editar]
Carrera en el cine[editar]
Luis Espinal Camps, conocido también como Lucho Espinal (San Fruitós de Bages, 2 de febrero de 1932-La Paz, 21 de marzo de 1980), fue un poeta, periodista, cineasta y religioso jesuita español nacionalizado boliviano.[1]
Camps, con una relevante actividad en cine y medios de comunicación, denunció de la injusticia social y los abusos de poder y del sistema en el mundo. Su labor profesional estuvo siempre orientada a abogar por espacios de justicia, libertad e igualdad. Desarrolló gran parte de su actividad en Bolivia, donde adquirió relevancia y fue asesinado por la misma.
En junio de 2015 la Asamblea Nacional de Bolivia creó la condecoración Orden al Mérito "Padre Luis Espinal Camps" en reconocimiento a quien profese fe religiosa y destaque por defender a gente enferma, marginada y pobre.[2]
La Asamblea Permanente de Derechos Humanos de Bolivia ha abierto un proceso de beatificación de Luis Espinal. Durante la visita del papa Francisco en 2015 a Bolivia se le pidió apoyo para el mismo.[3]
Biografía
[editar]Luis Espinal Camps (Lucho Espinal) nació el 2 de febrero de 1932 en la ciudad de San Fructuoso de Bages, cerca de Manresa, en la provincia de Barcelona, Cataluña (España).
Entre los años 1944 y 1949 estudia secundaria en el colegio y seminario menor de San José en Roquetas (Tarragona). El 17 de agosto de 1949: ingresa al noviciado jesuita (de la Compañía de Jesús) en Veruela en Zaragoza. Emite los primeros votos como jesuita el 15 de agosto de 1951.
Estudia Humanidades y Literatura Clásica Grecolatina entre los años 1951 y 1953. Es profesor de Literatura Griega y Poesía Latina en el colegio de San Pedro Claver para estudiantes jesuitas. También obtiene la licenciatura de Filosofía en la Universidad Civil de Barcelona, con la tesis La Antropología de Lucrecio.
En 1959 comienza los estudios de teología en la Facultad Eclesiástica de San Cugat del Vallés (provincia de Barcelona) que acabaría en el año 1963 con la tesis Teología y simbología. En julio de 1962 es ordenado sacerdote en la ciudad de Barcelona.
En 1964 se traslada a Italia para estudiar cine y televisión en Scuola Superiore de Giornalismo e Mezzi Audiovisuali de la Universidad del Sacro Cuore de Milán en Bérgamo. Allí comenzó la redacción de las Oraciones a quemarropa, muy conocidas en Bolivia.
Una vez finalizados los estudios de cine y televisión vuelve a España y comienza a realizar sus primeros trabajos en medios de comunicación. Trabaja en Televisión Española donde le censuran un programa llamado Cuestión urgente lo que le hace dimitir.
En Bolivia
[editar]En 1968 es destinado como misionero a Bolivia. Llega el 6 de agosto de 1968 a La Paz. Entre 1969 y 1979 trabaja como crítico cinematográfico en el matutino.
En 1970 adquiere la nacionalidad boliviana y produce el programa de televisión: En carne viva en el canal estatal. Al año siguiente empieza a trabajar en radio Fides donde permanecería hasta su asesinato en 1980.
En 1976 funda, junto a otros, la Asamblea Permanente de Derechos Humanos de Bolivia (APDHB) y colabora en la película Chuquiago. En diciembre de año siguiente participa activamente en la huelga de hambre de 19 días protagonizada por de las mujeres mineras para pedir amnistía para los presos políticos de la dictadura de Hugo Banzer Suárez. Ese mismo año entra como director en el semanario Aquí.
Se desempeñó como sacerdote jesuita, cineasta, comunicador social y radialista en su labor pastoral en Bolivia. Sus posturas contrarias a las dictaduras y su apoyo a los movimientos mineros, especialmente a las huelgas antidictatoriales de trabajadores y sus esposas, encabezadas por Domitila Barrios de Chungara (1937-2012), le valieron enemistades en líderes militares como Luis García Meza Tejada.
Asesinato
[editar]En enero de 1980, según pruebas documentales, el narcotraficante y militar Luis Arce Gómez (n. 1938), junto al futuro dictador Luis García Meza, confeccionaron una lista negra con 115 personas que debían ser eliminadas antes del golpe de Estado que perpetrarían el 17 de julio de 1980 contra la presidenta Lidia Guéiler (1921-2011). En ella figuraban dirigentes políticos y sindicales, militares, intelectuales, periodistas y sacerdotes.[4]
Espinal fue elegido porque como director del semanario Aquí «iba a hacer una denuncia por un negociado, corrupción en la compra de unos aviones Hércules» por un monto de 0.7 millones de dólares estadounidenses (2.1 millones de dólares en 2016) cada uno.[5]
En la noche del 21 de marzo de 1980, Luis Espinal fue detenido por militares y paramilitares[6] del Ministerio del Interior.[7]Su cuerpo fue hallado con marcas de tortura en la tarde del día siguiente en el kilómetro 8 del camino a Chacaltaya, junto al río Choqueyapu.[8] A su entierro asistieron unas 80.000 personas. Tres días después fue asesinado en El Salvador, monseñor Romero.[9]
Beatificación
[editar]En mayo de 2015 la Asamblea Permanente de Derechos Humanos de Bolivia (APDHB), de la que espinal fue cofundador, emitió una resolución para conseguir la beatificación de Espinal. A dicha resolución se sumaron cinco entidades más entre las que destaca la Universidad Mayor de San Andrés y cuenta con el apoyo de la Compañía de Jesús.
Osvaldo Chirveches, responsable de los jesuitas en Bolivia en el año 2015 manifestó:
Si a Lucho Espinal se le considera mártir por la fe, es decir, que ha muerto por su fe, entonces ya después vienen los pasos siguientes de llamarle Siervo de Dios, beato y después santo.
[3]
Visita del papa Francisco de julio de 2015
[editar]En la visita realizada por el papa Francisco en julio de 2015 a Bolivia, este homenajeó a Luis Espinal orando en el lugar donde fue hallado el cadáver en el barrio Villa de las Nieves, cerca de Achachicala. La Asamblea Permanente de Derechos Humanos de Bolivia[3]
El miércoles 8 de julio de 2015, el papa Francisco oró por el padre Espinal frente a las montañas en las que fue hallado su cadáver.[6][10]Al día siguiente, el presidente de Bolivia, Evo Morales, le regaló al papa Francisco una réplica del «crucifijo comunista» que el sacerdote jesuita Luis Espinal Camps realizó en los años setenta para expresar la unión del mundo cristiano con las ideas marxistas.[10]
La condecoración Orden al Mérito "Padre Luis Espinal Camps"
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En junio de 2015 la Asamblea Legislativa de Bolivia creó condecoración especial "Luis Espinal" para otorgársela al papa Francisco en la visita que este iba a realizar en julio a Bolivia. El martes 30 de junio de 2015 el pleno de la Cámara de Senadores sancionó el proyecto de ley que instituye la Condecoración de la Orden al Mérito "Padre Luis Espinal Camps". Esta condecoración es atribución del Presidente del Estado, mediante una Resolución Suprema. Será conferida previa decisión unánime del Consejo de la Orden que deberá estudiar todos los requisitos y méritos de la persona propuesta. El Ministerio de Relaciones Exteriores será quien elabore un expediente en el que se haga constar todos los antecedentes del candidato, los méritos y servicios prestados. El primer condecorado por la Orden al Mérito "Padre Luis Espinal Camps" fue el papa Francisco.[11]
Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro, más conocido como Bebo Valdés (Quivicán, Cuba; 9 de octubre de 1918-Estocolmo, Suecia; 22 de marzo de 2013),1 fue un músico de música cubana y jazz afrocubano, considerado como una de las figuras centrales de la época dorada de la música cubana. Además de pianista, su faceta más conocida, ha sido compositor, arreglista y director de orquesta.
Fue padre del también pianista de jazz afrocubano Chucho Valdés (n. 1941). Ambos nacieron un 9 de octubre en la misma ciudad, Quivicán.
Primeros pasos[editar]
De 1931 a 1935 estudia el piano en su pueblo natal con Moraima González; en 1936 se traslada con su familia para La Habana, donde fue alumno de solfeo, armonía y composición con Oscar Bofartigue. En 1938 hizo su debut profesional con la orquesta de Happy D’Ulacia. Tocó en La Habana, desde los años cuarenta, en las orquestas Ulacia, García Curbelo, Julio Cueva y Orquesta Tropicana, y grabó discos con grupos dedicados a interpretar jazz afrocubano.2
Conocido entre sus familiares y amigos con el apelativo cariñoso de Caballón por su considerable estatura, compuso mambos, como La rareza del siglo, que reviste el género recién introducido por Pérez Prado y que cambiaría el curso de la música cubana.
A partir de 1948, y hasta 1957, trabaja en el cabaret Tropicana como pianista y arreglista de Rita Montaner. La orquesta Sabor de Cuba, de Bebo Valdés, y la de Armando Romeu, hacían el show de este centro nocturno, en el cual Valdés deja de actuar en 1957, al ser contratado por Ernesto Roca, de la Peer Internationtal Music Publishers, para hacer arreglos a Xiomara Alfaro y Pío Leyva; a la vez, se une a Guillermo Álvarez Guedez, de la Panart y a Rolando Laserie en Radio Progreso. Con su orquesta Sabor de Cuba, acompañó a los cantantes Reinaldo Henríquez, Orlando Guerra (Cascarita), Pío Leyva y Ada Rex; también cantó con esta agrupación Beny Moré, y debutó Chucho Valdés.
Sobre la descarga o jam sesión, existen múltiples versiones, esta es la de Bebo Valdés que, por la concreción de datos, fechas y casas disqueras que hicieron las grabaciones, es la más objetiva: “Una noche del mes de octubre de 1952, descansaba en un cabaret de La Habana con miembros de la orquesta del Tropicana. Hay que saber que desde 1948, músicos cubanos, mexicanos o hasta estadounidenses se reunían los domingos por las tardes en el Tropicana para hacer descargas, en el curso de las cuales mezclábamos jazz y ritmos cubanos. A veces las descargas se celebraban a las cuatro de la mañana, al terminar la función [de Tropicana]. El que las animaba era el percusionista Guillermo Barreto; habíamos recibido a Roy Haynes, Kenny Drew, Sarah Vaughan, Richard Davis y muchos otros músicos de paso; de hecho, todos los grandes nombres del jazz desfilaron por el Tropicana. Todo eso habría podido grabarse, pero nadie se interesó. Así, esa noche Irving Price, el propietario de una tienda de discos de la calle Galiano, me anuncia que el productor Norman Granz está en la ciudad y que no puede creer que los músicos cubanos sean capaces de tocas jazz […]. Granz y Price me piden ir al estudio para grabar. Era el 16 de septiembre de 1952. Así, convoqué a unos músicos, pero yo mismo llegué retrasado a la sesión, pues por la mañana tenía otra grabación para la RCA: ¡Iba yo a acompañar a una cantante! Cuando finalmente llegué al estudio de Panart, Granz ya se había ido a los Estados Unidos. A la orquesta la llamamos The Andre’s All Star, por el nombre de la tienda de discos de Irving Price. Habíamos decidido tocar temas de jazz clásico, como Desconfianza, Tabú, Duerme y Blues for André. Al término de la sesión, como aún quedaban algunos minutos disponibles para el disco, me puse a tocar un riff, a partir del cual improvisamos […]. A ese tema le llamamos "Con poco coco”.
El disco se tituló Cubano!, y los músicos participantes eran todos del cabaret Tropicana: Gustavo Más, saxofón tenor; Alejandro Vivar (El Negro Vivar), trompeta; Kiki Hernández, contrabajo; Guillermo Barreto, timbal; Rolando Alfonso, tumbadora y Bebo Valdés, piano. Las obras que contiene son las mismas que menciona Bebo Valdés, y el sello, Mercury. En 1955, Bebo Valdés graba, en los estudios de Radio Progreso, Holiday Habana y She Adores the Latin Type, para el sello Decca, que contenía mambo, chachachá, bolero, descarga de jazz, incluso, jazz con tendencia al bebop.
Según Luc Delannoy, en 1956 la Panart graba Cuban Jam Session, con Julio Gutiérrez y Pedro Jústiz (Peruchín), como directores, y los músicos Alejandro Vivar (El Negro Vivar), Edilberto Escrich, Osvaldo Urrutia (Mosquifin), Emilio Peñalver, José Silva (CHombo), Juan Pablo Miranda, Salvador Vivar, Jesús Esquijarrosa (Chucho), Oscar Valdés, padre, Marcelino Valdés, Walfredo de los Reyes y José Antonio Méndez. La participación de Israel López (Cachao) en una descarga, no ocurre hasta 1957, cuando la Panart graba Descargas cubanas, con la participación del propio Cachao, Guillermo Barreto, Gustavo Tamayo, Rogelio Iglesias, Richard Egües, Andrés Hechavarría (El Niño Rivera), Rolito Pérez, Alfredo León, Arístides Soto (Tata Güines), Alejandro vivar (El Negro Vivar), Generoso Jiménez, Orestes López (Macho), Emilio Peñalver y Virgilio Vixama. Se sucedieron, en otros años, grabaciones de descargas, y algunas no grabadas, como las que recuerda Leonardo Acosta en el Club Cubano de Jazz, celebrada entre 1958 y 1960, con la participación de Pedro Jústiz (Peruchín), piano; Guillermo Barreto, batería y pailas, y Arístides Soto (Tata Güines), tumbadora. Esto viene a demostrar –o al menos mostrar otra cara de la moneda-, que fue Bebo Valdés uno de los iniciadores de la descarga en Cuba, recurso que utilizaron músicos cubanos en los más diversos formatos instrumentales, géneros y estilos de nuestra música popular, como, por ejemplo, lo hicieron los compositores del movimiento filin.
El 8 de junio de 1952, con una banda de veinte músicos, Bebo da a conocer, en los estudios de RHC Cadena Azul, el ritmo batanga; entre los tres cantantes que integran la orquesta, se encuentra Beny Moré. Ese mismo año viaja a México con el objeto de grabar un disco con esta nueva modalidad de la música cubana, que incluía además, una nueva coreografía; no tuvieron éxito, y, según, Bebo Valdés, “la batanga murió de muerte natural”.
Al abandonar Cuba en 1960 por discrepancias con el gobierno cubano Bebo también abandonó a su familia, a su esposa Pilar Valdés y a sus cinco hijos (entre ellos a Chucho). Bebo Valdés marcha a México, posteriormente se traslada a Los Ángeles, California, donde trabaja con el cantante Miguelito Valdés; de ahí viaja a España, y allí graba dos álbumes como director de la orquesta que acompaña al cantante chileno Lucho Gatica. Más tarde realiza una gira con la Lecuona Cuban Boys por Inglaterra, Francia, Holanda, Alemania y Finlandia. En 1963 se establece en Suecia, y trabaja con la orquesta Hatuey, agrupación sueca que toca música cubana. En Suecia formó una nueva familia al casarse en 1963.
Carrera internacional[editar]
Tras treinta años de relativo anonimato, el 25 de noviembre de 1994, Valdés recibió una llamada de Paquito D'Rivera, quien le invita a grabar un nuevo disco en Alemania por el sello Messidor. Se produce un nuevo inicio en su carrera a los 76 años con la grabación de Bebo Rides Again.
Participó en el film de Fernando Trueba Calle 54, junto a, entre otros, el pianista y compositor Chucho Valdés, Paquito D’Rivera, Elaine Elías, Chano Domínguez, Jerry González, Michel Camilo, Leandro J. Barbieri (Gato Barbieri), Ernesto Antonio Puente (Tito Puente), Arturo O’Farrill (Chico), Israel López (Cachao), Orlando Ríos (Puntilla) y Carlos Valdés (Patato). En el 2004 viaja a Salvador de Bahía, Brasil, para participar en el filme de Trueba El milagro de Candeal, junto a Carlinhos Brown, Marisa Monte, Mateus Aleluia y César Méndes.
Músico integral capaz de abordar los más diversos géneros y estilos de la música, no solo como pianista y compositor, sino también como orquestador y director de orquesta de subidos valores; de sólida formación técnica, tanto teórica como pianística, Bebo Valdés es uno de los grandes de la música cubana de todos los tiempos. Fue, con Israel López (Cachao) y Patato Valdés, nominado al Premio Grammy Latino por El arte del sabor, mejor álbum tropical tradicional 2002.
En 2002, Fernando Trueba produjo Lágrimas negras, disco que une al cantaor flamenco Diego el Cigala con Bebo Valdés al piano. Tras su publicación en 2003 se convirtió en un éxito internacional reconocido con un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas, cinco Premios Amigo, tres Discos de Platino en España y uno en Argentina, México y Venezuela. El diario The New York Times lo alaba como Mejor disco del año en el apartado de música latina y les abre las puertas a una gira por, entre otras, París, Nueva York, Londres, La Habana, Buenos Aires, Tokio, México DF, Madrid y Barcelona. A finales de 2004 el disco había vendido más de 700 000 copias en todo el mundo.3
Se retiró a Benalmádena, un pueblo de la provincia de Málaga (España), hasta que falleció en Estocolmo (Suecia) el 22 de marzo de 2013.4
https://www.youtube.com/watch?v=LfdwBDo2jqA
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