El 23 de marzo es el 82.º (octogésimo
segundo) día del año en el calendario
gregoriano y el
83.º en los años bisiestos. Quedan 283 días para finalizar
el año.
Santoral de la Iglesia Católica:
Santo Toribio de Mogrovejo
Nació en
Mayorga, España, en 1538.
Los datos
acerca de este Arzobispo, personaje excepcional en la historia de Sur América,
producen asombro y maravilla.
Los
historiadores dicen que Santo Toribio fue uno de los regalos más valiosos que
España le envió a América. Las gentes lo llamaban un nuevo San Ambrosio, y el
Papa Benedicto XIV dijo de él que era sumamente parecido en sus actuaciones
a San
Carlos Borromeo, el famoso Arzobispo de Milán.
Toribio era
graduado en derecho, y había sido nombrado Presidente del Tribunal de Granada
(España) cuando el emperador Felipe II al conocer sus grandes cualidades le
propuso al Sumo Pontífice para que lo nombrara Arzobispo de Lima. Roma aceptó y
envió en nombramiento, pero Toribio tenía mucho temor a aceptar. Después de
tres meses de dudas y vacilaciones aceptó.
El Arzobispo
que lo iba a ordenar de sacerdote le propuso darle todas las órdenes menores en
un solo día, pero él prefirió que le fueran confiriendo una orden cada semana,
para así irse preparando debidamente a recibirlas.
En 1581
llegó Toribio a Lima como Arzobispo. su arquidiócesis tenía dominio sobre Perú,
Ecuador, Colombia, Venezuela, Bolivia, Chile y parte de Argentina. Medía cinco
mil kilómetros de longitud, y en ella había toda clase de climas y altitudes.
Abarcaba más de seis millones de kilómetros cuadrados.
Al llegar a
Lima Santo Toribio tenía 42 años y se dedicó con todas sus energías a lograr el
progreso espiritual de sus súbditos. La ciudad estaba en una grave situación de
decadencia espiritual. Los conquistadores cometían muchos abusos y los
sacerdotes no se atrevían a corregirlos. Muchos para excusarse del mal que
estaban haciendo, decían que esa era la costumbre. El arzobispo les respondió
que Cristo es verdad y no costumbre. Y empezó a atacar fuertemente todos los
vicios y escándalos. A los pecadores públicos los reprendía fuertemente, aunque
estuvieran en altísimos puestos.
Las medidas
enérgica que tomó contra los abusos que se cometían, le atrajeron muchos
persecuciones y atroces calumnias. El callaba y ofrecía todo por amor a Dios,
exclamando, "Al único que es necesario siempre tener contento es a Nuestro
Señor".
Tres veces
visitó completamente su inmensa arquidiócesis de Lima. En la primera vez gastó
siete años recorriéndola. En la segunda vez duró cinco años y en la tercera
empleó cuatro años. La mayor parte del recorrido era a pie. A veces en mula,
por caminos casi intransitables, pasando de climas terriblemente fríos a climas
ardientes. Eran viajes para destruir la salud del más fuerte. Muchísimas noches
tuvo que pasar a la intemperie o en ranchos miserabilísmos, durmiendo en el
puro suelo. Los preferidos de sus visitas eran los indios y los negros,
especialmente los más pobres, los más ignorantes y los enfermos.
Logró la
conversión de un enorme número de indios. Cuando iba de visita pastoral viajaba
siempre rezando. Al llegar a cualquier sitio su primera visita era al templo.
Reunía a los indios y les hablaba por horas y horas en el idioma de ellos que
se había preocupado por aprender muy bien. Aunque en la mayor parte de los
sitios que visitaba no había ni siquiera las más elementales comodidades, en
cada pueblo se quedaba varios días instruyendo a los nativos, bautizando y
confirmando.
Celebraba la
misa con gran fervor, y varias veces vieron los acompañantes que mientras
rezaba se le llenaba el rostro de resplandores.
Santo
Toribio recorrió unos 40,000 kilómetros visitando y ayudando a sus fieles. Pasó
por caminos jamás transitados, llegando hasta tribus que nunca habían visto un
hombre blanco.
Al final de
su vida envió una relación al rey contándole que había administrado el
sacramento de la confirmación a más de 800,000 personas.
Una vez una
tribu muy guerrera salió a su encuentro en son de batalla, pero al ver al
arzobispo tan venerable y tan amable cayeron todos de rodillas ante él y le
atendieron con gran respeto las enseñanzas que les daba.
Santo
Toribio se propuso reunir a los sacerdotes y obispos de América en Sínodos o
reuniones generales para dar leyes acerca del comportamiento que deben tener
los católicos. Cada dos años reunía a todo el clero de la diócesis para un
Sínodo y cada siete años a los de las diócesis vecinas. Y en estas reuniones se
daban leyes severas y a diferencia de otras veces en que se hacían leyes pero no
se cumplían, en los Sínodos dirigidos por Santo Toribio, las leyes se hacían y
se cumplían, porque él estaba siempre vigilante para hacerlas cumplir.
Nuestro
santo era un gran trabajador. Desde muy de madrugada ya estaba levantado y
repetía frecuentemente: "Nuestro gran tesoro es el momento presente.
Tenemos que aprovecharlo para ganarnos con él la vida eterna. El Señor Dios nos
tomará estricta cuenta del modo como hemos empleado nuestro tiempo".
Fundó el
primer seminario de América. Insistió y obtuvo que los religiosos aceptaran
parroquias en sitios supremamente pobres. Casi duplicó el número de parroquias
o centros de evangelización en su arquidiócesis. Cuando él llegó había 150 y
cuando murió ya existían 250 parroquias en su territorio.
Su
generosidad lo llevaba a repartir a los pobres todo lo que poseía. Un día al
regalarle sus camisas a un necesitado le recomendó: "Váyase rapidito, no
sea que llegue mi hermana y no permita que Ud. se lleve la ropa que tengo para
cambiarme".
Cuando llegó
una terrible epidemia gastó sus bienes en socorrer a los enfermos, y él mismo
recorrió las calles acompañado de una gran multitud llevando en sus manos un
gran crucifijo y rezándole con los ojos fijos en la cruz, pidiendo a Dios
misericordia y salud para todos.
El 23 de
marzo de 1606, un Jueves Santo, murió en una capillita de los indios, en una
lejana región, donde estaba predicando y confirmando a los indígenas.
Estaba a 440
kilómetros de Lima. Cuando se sintió enfermo prometió a sus acompañantes que le
daría un premio al primero que le trajera la noticia de que ya se iba a morir.
Y repetía aquellas palabras de San Pablo: "Deseo verme libre de las
ataduras de este cuerpo y quedar en libertad para ir a encontrarme con
Jesucristo".
Ya moribundo
pidió a los que rodeaban su lecho que entonaran el salmo que dice: "De
gozo se llenó mi corazón cuando escuché una voz: iremos a la Casa del Señor.
Que alegría cuando me dijeron: vamos a la Casa del Señor".
Las últimas
palabras que dijo antes de morir fueron las del salmo 30: "En tus manos
encomiendo mi espíritu".
Su cuerpo,
cuando fue llevado a Lima, un año después de su muerte, todavía se hallaba
incorrupto, como si estuviera recién muerto.
Después de
su muerte se consiguieron muchos milagros por su intercesión. Santo Toribio
tuvo el gusto de administrarle el sacramento de la confirmación a tres
santos: Santa
Rosa de Lima, San Francisco
Solano y San Martín
de Porres.
El Papa
Benedicto XIII lo declaró santo en 1726.
Y toda
América del Sur espera que este gran santo e infatigable apóstol, quizás el más
grande obispo que ha vivido en este continente, siga rogando para que nuestra
santa religión se mantenga fervorosa y creciente en todos estos países.
George Segal, Jr. (Nueva York, 13 de febrero de 1934-Santa Rosa, 23 de marzo de 2021)1 fue un actor estadounidense, ganador del Globo de Oro.
Biografía[editar]
Nació en Great Neck, Long Island, en el estado de Nueva York. Mientras estudiaba en el colegio organizó un conjunto de música que cosechó muchos éxitos. Después estudió artes dramáticas en la Universidad de Columbia, en Nueva York, donde organizó nuevamente un grupo musical. Una vez terminados sus estudios se ganó la vida limpiando lavabos en un teatro de Nueva York, esperando que llegase su oportunidad.
En 1955 Segal debutó en el teatro con la obra Don Juan, de Molière. Al año siguiente actuó en otra obra, esta vez de Eugene O'Neill. A continuación tuvo que cumplir el servicio militar. A su regreso, consiguió participar en el festival Shakespeare de Nueva York, hasta que en 1960 tuvo su primer éxito importante en The Premise, una obra con características de revista, que estuvo en cartel durante un plazo prolongado.
En 1961, Segal actuó en su primera película. En los años siguientes hizo varias películas más, aunque en todos los casos en papeles pequeños. En la película de Stanley Kramer de 1965 Ship of Fools ya comenzó a ser conocido. Sin embargo, fue con la película de ese mismo año King Rat, una historia sobre la Segunda Guerra Mundial, con el que saltó a la fama como actor de cine. Mientras rodaba esas películas, Segal continuó actuando en el teatro, donde trabajó también con el director Mike Nichols, con quien coincidió en 1966 en el rodaje de Quién teme a Virginia Woolf, película que cosechó varios Oscar.
En los años siguientes Segal intervino en multitud de películas, generalmente en papeles principales o secundarios importantes. Sus dotes de interpretación fueron extensos, y era capaz de actuar en papeles cómicos con la misma facilidad que en papeles dramáticos. Su aspecto risueño le hizo ganar la simpatía de las audiencias.
Segal fue introduciéndose también en la televisión, aunque hasta la década de los años 90 no comenzó a trabajar en serio en este medio. Desde entonces intervino regularmente en una o dos producciones de películas o mini-series para la televisión cada año, hasta el extremo de que parecía sentirse más a gusto en este medio que en el cine. Con sus intervenciones en televisión cosechó también notable éxito.
Segal se casó en tres ocasiones. Con su primera esposa tuvo dos hijas. Su segundo matrimonio duró hasta 1996, año en que falleció su esposa. En ese mismo año se volvió a casar por tercera vez.
En el año 1974, se publica el LP A Touch of Ragtime, figurando como George Segal and the Imperial Jazzband. En la portada del disco se lo ve sonriente con un banjo. Entre otros, participa en este disco Harry Nilsson.
Muerte[editar]
Segal falleció el 23 de marzo del 2021, a sus 87 años debido a complicaciones por una cirugía de ‘baipás’. Lo confirmó su esposa. 1
2011:
Muere Elizabeth Taylor, actriz británica (n. 1932).
Elizabeth Rosemond Taylor DBE (Hampstead, Londres, Reino Unido; 27 de febrero de 1932-Los Ángeles, California, Estados Unidos; 23 de marzo de 2011), también conocida
como Liz Taylor, fue una actriz británica-estadounidense de cine, teatro y televisión.
Desarrolló en Estados Unidos una carrera artística que se extendió por más de
sesenta años, en la que adquirió popularidad principalmente como actriz en
películas de Hollywood.2
Su
primer papel en el cine fue en There's One Born Every Minute (1942)
—para los estudios Universal Pictures—, junto a Hugh Herbert.
Sin embargo, su período de mayor popularidad ocurriría a mediados de los años
1940, con largometrajes juveniles como National Velvet,
de 1944. Desde la década de 1950, sus roles en cine fueron cada vez más
importantes y fue reconocida por sus condiciones actorales para el drama,
consagrándose con películas como Father of the Bride (1950), A Place in the Sun (1951), Giant (1956), Cat on a Hot Tin Roof (1958), Suddenly, Last Summer (1959) y BUtterfield 8 (1960),
por las cuales recibió una gran cantidad de premios y distinciones. Fue dirigida
por prestigiosos directores como Vincente
Minnelli o Richard Brooks,
y actuó junto a actores como Spencer Tracy, Montgomery Clift, James Dean, Rock Hudson o Paul Newman.
Su
papel como Cleopatra en la accidentada y
polémica película homónima de 1963 fue muy
elogiado, al igual que su colaboración con Mike Nichols en Who's Afraid of Virginia Woolf? (1966),
dirigida por Mike Nichols. En 1981 debutó en Broadway con The
Little Foxes, por la cual recibió críticas favorables. A mediados de la
década de 1980, se convirtió en activista a
favor de causas humanitarias, especialmente la lucha contra el sida. El resto de su
carrera estuvo ligado principalmente al medio televisivo, participando en
telenovelas como General Hospital y All My Children,
y en comedias como The Nanny. Su retiro de las pantallas se produjo en 2001
con la película para televisión These Old Broads.3
Entre
sus múltiples premios ganó tres Premios Óscar (uno
de ellos honorífico), cinco Globos de Oro,
tres premios BAFTA británicos
y el David de Donatello. Fue nombrada dama comendadora
de la Orden del Imperio Británico, por lo que recibió el título
de Dame, equivalente del masculino Sir.
Reconocida
por su espectacular y deslumbrante belleza, con ojos de un raro color violeta,4desde
la década de 1950se erigió como uno de los mitos del Séptimo Arte.
Fue también sumamente popular por su tormentosa vida privada y su pasión por
las joyas.
En 1999 el American Film Institute la nombró
como la séptima mejor estrella femenina de
los primeros cien años del cine norteamericano.5
1998:
En Estados Unidos, la película Titanic recibe 11 Premios Óscar.
Titanic es una película estadounidense dramática de catástrofe de 1997 dirigida y escrita
por James Cameron y protagonizada por Leonardo
DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Gloria Stuart y Bill Paxton.23
La trama, una epopeya romántica,34
relata la relación de Jack Dawson y Rose DeWitt Bukater, dos jóvenes que se conocen
y se enamoran a bordo del transatlántico RMS Titanic en
su viaje inaugural desde Southampton, Inglaterra,
a Nueva York,
EE. UU., en abril de 1912. Pertenecientes a diferentes clases sociales,
intentan salir adelante pese a las adversidades que los separarían de forma
definitiva, entre ellas el prometido de Rose, Caledon «Cal» Hockley (un
adinerado del cual ella no está enamorada, pero su madre la ha obligado a
permanecer con él para garantizar un futuro económico próspero) y el hundimiento del lujoso barco tras
chocar con un iceberg.
Si
bien Jack y Rose son personajes ficticios, varios otros secundarios como Margaret «Molly»
Brown (pasajera de primera clase), Thomas Andrews (diseñador
del barco) y Edward John Smith (capitán del buque) son
personas que realmente vivieron los acontecimientos históricos del 1912.567
También son reales las tomas del verdadero Titanichundido en el
fondo del océano Atlántico que figuran en las escenas iniciales, para las
cuales se destinaron tres millones de dólares estadounidenses del presupuesto
total de la producción.8
Cameron
estaba fascinado por el naufragio del Titanic y su interés en
él aumentó al reunirse con Robert Ballard,9
quien descubrió los restos del barco en la década de 1980,10
durante la producción de The Abyss.9
El cineasta buscó patrocinadores en Hollywood para
llevar a cabo una expedición al sitio del naufragio, sin todavía tener la
intención de hacer una película en torno a los sucesos.11
Tiempo después escribió un boceto para una cinta sobre el Titanic12
y se lo presentó a los ejecutivos de 20th Century Fox,13
quienes le dieron «luz verde» al proyecto, a pesar de que no estaban muy
convencidos sobre el éxito que pudiera llegar a tener.14
Cameron no comenzó a escribir el guion sino hasta después de realizar las tomas
del verdadero Titanic y de estudiar detenidamente a cada uno
de los personajes y pasajes históricos del barco, ya que quería honrar a todos
los que habían muerto en el naufragio.121513
Fox
invirtió 57 millones de dólares estadounidenses16
en la adquisición de 161 874 m² de la costa sur de Playas de Rosarito, Baja California,
en México,
donde comenzó a construir el Fox Baja Studios diseñado especialmente para la
filmación del proyecto en mayo de 1996.171819
En ese estudio se edificó a escala completa el barco.19
El rodaje principal comenzó en septiembre de ese mismo año, duró 160 días y se
concretó en marzo de 1997.1620
A su vez, la composición de la banda sonora recayó en James Horner y
contó con la participación de la cantante noruega Sissel.21
Al igual que la cinta, gozó de un éxito comercial y crítico; vendió más de
treinta millones de copias,22
once millones de ellas en EE. UU., lo que le valió ser certificada «11 x
Platinum» por la RIAA.23
Un segundo álbum titulado Back to Titanic se distribuyó a
partir del 25 de agosto de 1998, una semana antes del lanzamiento de la
película en VHS.2425
Tras
su estreno el 19 de diciembre de 1997 en los Estados Unidos,1
a pesar de que varios analistas y expertos de la industria vaticinaban un
fracaso en taquillas ya que en su momento era considerada como «la producción más costosa del cine de todos los
tiempos»,26
la película se convirtió en un éxito tanto en el aspecto comercial como en
cuanto a la evaluación de la crítica: obtuvo un 83% de aceptación en Rotten Tomatoes y
un puntaje de 74 sobre 100 en el Metascore.2728
Tan sólo en su primer día en EE. UU. y Canadá recaudó 8 658 814
de dólares estadounidenses.29
En su primera semana en carteleras, logró obtener ganancias de 52,9 millones de
dólares.30
Se mantuvo con una recaudación parecida por varias semanas, y permaneció en el
primer lugar en EE. UU. y Canadá por dieciséis semanas consecutivas y en
el top 10 hasta la semana número 26.30
Finalmente cerró con más de 600 millones USD en EE. UU. y Canadá y más de
1800 millones de dólares a nivel internacional.313233
Con estos números, se convirtió en la película más taquillera de la
historia a nivel mundial, título que retuvo por más de una
década hasta ser desplazada por Avatar (dirigida también por Cameron),
que recaudó más de 2700 millones de dólares, tras lo cual Titanic pasó
a ocupar el segundo lugar del listado.3435
La película ganó 89 premios, entre los que se encuentran once premios de la
Academia (cifra solamente igualada por Ben-Hur y El Señor de los Anillos: el retorno
del Rey),36
cuatro Globos de Oro, ocho galardones Satellite, un par de premios People's
Choice, dos más de MTV Movie, un reconocimiento SAG y una estatuilla Annie.37
La
película se reestrenó en formato 3D el 4 de abril de 2012,38
seis días antes de la fecha en que el Titanic partió de
Inglaterra en 1912 y un mes antes del centésimo aniversario de Paramount Pictures, la otra casa productora de
la película.39
Junto con la recaudación del reestreno, la recaudación total de la película
suma 2 185 372 302 USD.1
1996:
Muere Fernando Z.
Maldonado, compositor mexicano de "volver,volver".
Fernando Zenaido Maldonado Rivera (Cárdenas, 20 de agosto de 1917 - Cuernavaca, 23 de marzo de 1996), conocido por Fernando
Z. Maldonado; y, en composiciones extranjeras, firmante con el
seudónimo Fred McDonald; fue un compositor mexicano, reconocido por
sus canciones de estilo ranchero, de las que destaca el clásico Volver, Volver (interpretado,
en la versión más reconocida, por Vicente Fernández).
Índice
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Fernando
Zenaido Maldonado Rivera nació el 20 de agosto de 1917, en Cárdenas. Era hijo de Moisés Maldonado
Rivera y Catarina Rivera.
Desde
su infancia se interesó en la música y la composición. A los siete años de
edad, compuso el vals Catarina, dedicado a su madre. También
estudió flautín, piano y armónico bajo la maestría de su tío Evodio Rivera
Torres y su abuelo don Tristán Rivera, también músicos.
Con
el paso del tiempo, sobresalió como buen estudiante y músico ejecutante
en San Luis Potosí. Luego, viajó a Monterrey,
N.L. donde integró un conjunto musical; fue en esa ciudad donde se desenvolvió
profesionalmente en el ámbito musical e incursionó en los espectáculos y en la
radio.
En 1942, contrajo matrimonio
con la compositora María Luisa Basurto, mejor conocida como María Alma,
creadora de populares canciones como Compréndeme, Tuya soy (tema
de la película La mujer sin alma, protagonizada por María Félix); Perdí
el Corazón y otras más.
En 1945, llegó a México, D.F.
con el propósito de ingresar al elenco artístico de la XEW; consiguió
entrevistarse con su entonces propietario, don Emilio Azcárraga Vidaurreta, quien,
después de escucharlo, le dio la oportunidad de participar en los programas
como pianista, compositor o arreglista. Todo eso se daba en la época de oro de
la radio, cuando los autores, pianistas y compositores eran Agustín Lara, Gabriel Ruiz Galindo, Gonzalo Curiel, Alberto Domínguez y muchos más.
Entre
los intérpretes que inicialmente alcanzaron la fama con sus canciones,
estuvieron Genaro Salinas, que hizo impacto popular
con Corazón dormido. Después vinieron: Qué fácil, con
el tenor Julio Flores; Momento divino,
con Lupita Palomera; todas de gran fama.
Amor de la calle y Voy gritando
por la calle fueron boleros de gran impacto; el primero, en la voz
de Fernando Fernández, alcanzando gran
popularidad: recibió el Premio de la Mejor Canción de 1950 y fue llevada al
cine con gran éxito, con la película del mismo nombre, para, después, ser
grabada por varios intérpretes, entre ellos, el Trío Los Panchos. Voy gritando por la
calle fue gran éxito de los Hermanos Martínez Gil y Vicente Fernández, entre otros.
Como
director artístico y arreglista hizo notables éxitos como Mi cafetal,
porro venezolano con las Hermanas Lima; luego, las reconocidas
cumbias colombianas en versiones instrumentales y grupos como Carmen
Rivero, con Linda Vera, poniendo de moda La
pollera colorá.
El
lanzamiento de Sonia López, La Chamaca de Oro, con la Sonora Santanera,
hizo éxito su composición y arreglo de Ya no vuelvas conmigo; Chelo Silva y
posteriormente Paquita la del Barrio tuvieron gran éxito
con Amor venturero. Aunque, sin duda, la composición que más logros
y repercusión ha tenido de su amplio repertorio es Volver, Volver,
grabada por intérpretes de diversos países, tales como Luis Miguel, Lucero, Camilo Sesto, Rocío Jurado, Raphael, Dolores Pradera, Lindomar, Ray Conniff, Linda Ronstadt,
y, en la versión más reconocida, Vicente Fernández. La canción pasó, así, de ser
un emblema mexicano a una interpretación de nivel internacional.
También
trabajó como arreglista y director artístico con las Hermanas Huerta, Trio Los Panchos, Prieta Linda, Fernando Fernández, Enrique Guzmán, Andy Russell, Gerardo Reyes, Jorge Valente y Javier Solís,
para el cual escribió varios temas, tales como Payaso y Qué
va, entre otros.
En
1973 fue considerado por segunda ocasión como el compositor del año con su
canción Volver, Volver.
En
las décadas posteriores de 1980 y 1990, siguió componiendo, tocando el piano y
dirigiendo la orquesta, hasta avanzada edad.
Son
innumerables los homenajes, trofeos y reconocimientos que tuvo por su
trayectoria artística como compositor, pianista, arreglista y director de
orquesta.
Falleció
el 23 de marzo de 1996, en la ciudad
mexicana de Cuernavaca (en el estado de Morelos).
1983:
Llega al nº1 del Billboard Michael Jackson –“Billie Jean”. Este tema fue el primer nº1 del álbum “Thriller”, el álbum más vendido en la historia de la música.
László Löwenstein (Rózsahegy, Imperio austrohúngaro; 26 de junio de 1904nota 1 - Hollywood, California; 23 de marzo de 1964), de nombre artístico Peter Lorre, fue un actor de cine y teatro austríaco de origen húngaro.
Trayectoria[editar]
László Löwenstein, judío húngaro, en cuya familia se hablaba yídish y húngaro, estudió en un colegio de habla alemana y posteriormente en Viena cuando su familia se trasladó allí. Por expreso deseo de su padre, buscó trabajo en el ambiente bancario. Tras trabajar un tiempo en este sector, ingresó en el "Teatro de la Improvisación" del psiquiatra Jacob Levi Moreno, quien cambió su nombre por el de "Peter Lorre". Allí estudió el método de la improvisación, y comenzó su interés por el psicoanálisis, el cual no le abandonará nunca y se hará patente en su única película como director, Der Verlorene.
Posteriormente actuó en el teatro Lobe, en el Thalia Theater en Breslau, en el Züricher Schauspielhaus, de 1926 a 1927 en el Kammerspiele y en 1928 en el Karl-Theater de Viena.
En la primavera de 1929 Bertolt Brecht le contrata para el papel de "Fabian" en Pioneros en Ingolstadt de Marieluise Fleisser, en un teatro de Berlín. Allí y en el Volksbühne interpreta obras como La muerte de Dantón, de Georg Büchner, o El despertar de la primavera, de Frank Wedekind. Poco a poco se va haciendo un nombre en la escena berlinesa.
Es precisamente en el teatro donde lo descubre Fritz Lang, dándole el papel que lo lanzaría a la fama en M, el vampiro de Düsseldorf (1931), donde realiza la interpretación, ya clásica, de un psicópata asesino de niñas.
El historiador cinematográfico Fernando Méndez-Leite, en su obra Fritz Lang, cuenta que Lang se presentó en su camerino del teatro para felicitarle por su trabajo en escena, y proponerle el papel de protagonista de la película, con la sola condición de que no participase en ningún otro filme sonoro, la cual, naturalmente, fue aceptada por Lorre.
En cualquier caso, Lorre interpretó su papel en M, el vampiro de Düsseldorf con poco entusiasmo —según Méndez-Leite. Las disputas con Lang eran continuas, puesto que Lorre consideraba que su papel en una obra de Brecht era mucho más importante que en el cine, del cual desconfiaba, al igual que otras personalidades del teatro de aquella época. Sin embargo, poco tuvo que esperar para salir de su error: M, el vampiro de Düsseldorf fue un éxito y la obra que por aquel entonces interpretaba Lorre en el teatro, un rotundo fracaso.
Lotte H. Eisner destaca Der Verlorene (El hombre perdido, 1951) entre las pocas películas alemanas que intentaron recoger las ideas del cine expresionista.
Exilio[editar]
Debido a su origen judío, huyó de Alemania tras las elecciones de 1933, que dieron el triunfo a los nazis, y viajó primero a París y luego a Londres, donde llegaría su siguiente éxito. De la mano de Alfred Hitchcock, de quien se hizo amigo personal, participó en la primera versión que hizo el director de El hombre que sabía demasiado, en 1934, rodada en inglés, a pesar de las limitaciones de Lorre con este idioma. Durante el rodaje de El hombre que sabía demasiado conoció a la actriz Celia Lovsky, con quien se casó.
Mientras, en la Alemania nazi, el régimen utilizó su imagen promocional de M, el vampiro de Düsseldorf, para un cartel de propaganda incitando al odio antisemita.
Tuvo sus primeros escarceos en Hollywood, donde interpretó una serie de películas muy populares, las de Mr. Moto, un detective japonés que resolvía misterios en el exótico Oriente, basadas en las novelas del escritor John P. Marquand.
En julio de 1934 es contratado por la productora Columbia Pictures para quien hace el papel del científico loco en el filme Las manos de Orlac (1935), pero se pasa a la productora 20th Century Fox porque se siente encasillado en sus roles, sentimiento que le perseguiría durante toda su carrera como actor. Su peculiar físico, de corta estatura y enormes ojos saltones, era un arma de doble filo, y tampoco logró sentirse cómodo con los personajes que había de interpretar para la 20th Century Fox. Al terminar con esta última, trabaja durante un tiempo sin contrato fijo.
En 1939 emigró definitivamente a Estados Unidos junto al director austríaco Billy Wilder y se convirtió en actor de reparto de la productora Warner Bros., haciéndose famoso por sus apariciones en El halcón maltés (1941), como Joel Cairo y en Casablanca, donde interpretó al malhadado Ugarte, personaje clave en la trama. En el año 1941 se nacionalizó estadounidense.
Divorciado de Celia Lovksy en 1945, se casó con Kaaren Verne, de quien se divorció en 1950.
Desde este año, su relación con Bertolt Brecht —quien se había exiliado en los Estados Unidos— se hace más estrecha. El dramaturgo alemán, que conocía muy bien sus posibilidades desde los comienzos berlineses del actor, escribió varios borradores de guion para él, pero los socios de Lorre en la productora Lorre Incorporated los rechazan. La productora se hunde definitivamente en 1949 y en junio de ese año Lorre regresa a Europa para trabajar en campos de refugiados, leer textos literarios en diversas giras por el Reino Unido y Alemania, y realizar otra de sus interpretaciones magistrales: el personaje principal de Der Verlorene o El desaparecido (rodada entre 1950 y 1951). El desaparecido es su única película como director, amén de coautor del guion.
La suerte no pareció acompañarle. La película resultó un fracaso y regresó a Estados Unidos con Annemarie Brenning, con quien se casó en 1953, y con quien tendría su única hija, Catharine. Debió volver al teatro por un tiempo, hasta que las productoras se acuerdan de él.
Años más tarde la crítica reconocería la originalidad y el valor de Der Verlorene, donde se puede seguir el rastro de la influencia de ese cine alemán de entreguerras, a cuyo prestigio contribuyese durante la República de Weimar y, en especial, de quien le lanzó al estrellato, Fritz Lang, casi tan poco afortunado como él, tras su regreso a Alemania.
Siempre ligado a las producciones de la Warner Bros., Lorre se convirtió en una personalidad muy popular en los Estados Unidos de las décadas de 1950 y 1960, donde surgieron incluso imitadores de su marcado acento alemán y su entonación grimosa y aguda. Los dibujantes de la Warner Bros. crearon una caricatura-personaje inspirado en su peculiar fisonomía, que protagonizó algunas películas animadas junto a Bugs Bunny. Junto a otros actores clásicos de filmes de terror como Vincent Price y Basil Rathbone participó en Tales of Terror (1962), película basada en relatos de Edgar Allan Poe, dirigida por Roger Corman.
Otros filmes suyos muy populares fueron Arsénico por compasión (1944), 20.000 leguas de viaje submarino (1954) y La vuelta al mundo en ochenta días (1956). Su última película fue The Patsy (1964), una comedia de Jerry Lewis.
Murió el 23 de marzo de 1964, en Hollywood, de un accidente cerebrovascular a los 59 años de edad. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6619 de Hollywood Boulevard.
Richard Theodore Otcasek (Baltimore, Maryland; 23 de marzo de 1944-Manhattan, Nueva York; 15 de septiembre de 2019), más conocido como Ric Ocasek, fue un cantante, compositor y productor estadounidense, conocido por ser el vocalista y líder de la banda de rock The Cars, además de productor para varios grupos, entre los que destacan Weezer, Nada Surf y No Doubt.1
Índice
Carrera[editar]
No se sabe mucho de su historia personal, hasta que formó el grupo musical que lo llevaría a ser conocido en la escena mundial. Derivados de la escena punk de los años setenta, The Cars fue una banda new wave fundada en la ciudad de Boston, Estados Unidos, y cuya cara más visible fue Ocasek. The Cars fueron una de las primeras bandas en incursionar en la corriente pop de finales de los años setenta e inicios de los ochenta que fundía la guitarra con el incipiente sintetizador. Aunque Ocasek era la cara visible en los videos, Benjamin Orr era la presencia del grupo en los escenarios.12
Inicios[editar]
Ocasek tenía 16 años cuando se interesó en la música a través de músicos como Buddy Holly y The Crickets. A principios de los años 1970 se trasladó a Boston y comenzó a tocar en una popular banda llamada Milkwood con su amigo Ben Orzechowski (quien posteriormente cambió su nombre a "Benjamin Orr"). Lanzaron un álbum en 1973, el cual pasó completamente desapercibido, lo que llevó al grupo a separarse. Inspirados por el proto-punk, Velvet Underground y Roxy Music, formaron Richard and the Rabbits y cambiaron sus apellidos de Orzechowski a Orr y de Otcasek a Ocasek.
The Cars[editar]
A mediados de los años 1970, la nueva banda incluye a los miembros adicionales Greg Hawkes (teclados y sintetizadores), Elliot Easton (guitarra) y el ex miembro de The Modern Lovers Dave Robinson (batería). Poco después, el quinteto cambia su nombre por el de The Cars (con Ocasek siendo el líder indiscutible, componiendo todas sus canciones), lo que resultó en un sonido que encajaba perfectamente con la nueva ola creciente. Firmando con Elektra, el grupo llegó vertiginosamente al estrellato con su álbum homónimo de 1978. Paralelamente Ocasek se desempeñó como productor de los artistas Suicide, Bad Brains, Romeovoid e Iggy Pop, además de publicar su primer álbum solista en 1982, llamado Beatitude.1
En 1988 el grupo se separó, y desde entonces hasta su muerte, Ocasek se siguió presentando como solista luego de haber producido siete discos. Aunque él es más conocido como el líder, cantante, guitarrista rítmico, y el compositor de The Cars, Ric Ocasek trabajó también para una amplia variedad de artistas a través de los años.1
Vida personal y fallecimiento[editar]
Ocasek se casó tres veces. Luego de divorciarse de su primera esposa, se casó con Suzanne Ocasek, en 1972.3 Ocasek seguía casado con Suzanne cuando conoció a la modelo Paulina Porizkova durante la filmación del video musical de la canción «Drive» en 1984. En 1989, Ocasek y Porizkova se casaron.
Ocasek tenía seis hijos, dos de cada uno de sus tres matrimonios. Uno de sus hijos, Christopher, formó el grupo de rock Glamour Camp. Adam nació en 1970, Eron en 1973 y Derek en 1982.3
Él y el co-fundador de la banda The Cars Benjamin Orr fueron amigos cercanos. Su amistad fue recordada en una canción que Ocasek escribió a Orr después de su muerte en 2000 («Silver», del álbum Nexterday).45
Ocasek murió en Manhattan el 15 de septiembre de 2019; tenía 75 años. Según la autopsia que se dio a conocer dos días después, falleció por una enfermedad cardiovascular.678
1943:
Nace Winston F. Groom (Washington, D.C., 23 de marzo de 1943-Fairhope, Alabama; 17 de septiembre de 2020)1 fue un escritor, novelista e historiador estadounidense, conocido por ser el autor de la novela Forrest Gump en la que se basa la famosa película del mismo título, Forrest Gump. 23
1917:
Nace Víctor Alcocer, actor de reparto y de voz y doblaje mexicano.
Víctor Alcocer Gómez (Mérida, Yucatán, 23 de marzo de 1917 - Ciudad de México, 2 de octubre de 1984), fue un actor mexicano.
La suya fue quizá una de las voces más recordadas durante toda una época en el cine y la televisión de México, en las décadas de 1960 y 1970.
Índice
Biografía[editar]
Víctor Alcocer fue protagonista de innumerables películas durante la llamada Época de Oro del Cine Nacional, donde interpretó actuaciones secundarias y de reparto, por lo regular asociado a villanos. Fue también actor de doblaje en cine y series de televisión. En más de una ocasión prestó su voz para doblar al actor John Carradine, y en televisión se le recuerda por haber interpretado dando su voz al actor Telly Savalas, entre otros, en el personaje Kojak en la serie del mismo nombre y a John Cannon en El Gran Chaparral, en dibujos animados se le recuerda como el Oficial Matute en Don Gato y su Pandilla.
También realizó un memorable doblaje a César Romero, del "Guasón" en la serie Batman de 1966.
Dobló, asimismo, a El Santo y a Blue Demon, en varias de sus películas.
También tuvo participación durante los años que duró el programa cómico "Enrique el Polivoz" alrededor de los años 77-79, su personaje más recordado es el papá de "Henruchito".
Filmografía (doblaje)[editar]
Series de TV[editar]
- Kojak - Kojak
- Los Munsters - Herman Munster
- Superagente 86 - Jefe
- Batman (1966) - Guasón
- Hechizada - Maurice
- El gran chaparral - John Cannon
- Viaje al Fondo del Mar - Chief Sharkey
- Mi Bella Genio - Director de Cine
- Daktari - Dr. Marsh Tracy
- El Planeta de los Simios - General Urko
- La voz del Aguila Serfin
1916:
Nace Ben Roberts,
cocreador de la serie de tv "Los
Angeles de Charlie".
Benjamin Eisenberg Roberts (23 de marzo de
1916 - 12 de mayo de 1984) fue un escritor y productor de cine y televisión, y
uno de los creadores de las series de televisión Charlie's Angels y Time Express '. En
1958 fue nominado para un Premio de la
Academia por escribir la película biográfica
de Lon Chaney
El hombre de las mil caras . También
ha sido nominado para dos premios Emmy y un Premio Edgar . En
1972, Roberts ganó un Globo de Oro a la mejor serie de
televisión, drama para Mannix .
Ben
Roberts ingresó a la Universidad de Nueva York a los 16
años y se graduó tres años después. [ cita
requerida ] Cuando tenía 22 años,
Roberts dirigía con éxito su propia firma independiente de asesoramiento en
relaciones públicas y contribuía material de comedia en varios musicales de
Broadway. [ cita
requerida ] En 1941, colaboró con
otro joven escritor, Ivan Goff , en el thriller de suspense teatral Portrait
in Black. Trabajó brevemente en películas a principios de la década de
1940, regresó al escenario durante seis años y luego se estableció
definitivamente en Hollywood en 1949. Todos sus esfuerzos cinematográficos
posteriores, como guionista y productor, fueron en colaboración con su viejo amigo Ivan Goff.. La
pareja contribuyó al éxito de proyectos tan variados como White Heat (1949),
el Capitán Horatio Hornblower (1951), Shake Hands with the Devil (1959)
y Midnight Lace (1960); y en 1957,
compartieron una nominación al Premio de la Academia por su escritura en El hombre
de las mil caras (1957). Ben Roberts e Ivan Goff también fueron
productores ejecutivos de la serie semanal de televisión Mannix y Nero Wolfe . [1]
1910:
Nace Akira Kurosawa, cineasta japonés (f. 1998).
Akira Kurosawa (黒澤 明 Kurosawa Akira?, Shinagawa, Tokio, 23 de marzo de 1910-Setagaya,
Tokio, 6 de septiembrede 1998) fue uno de los
más célebres directores de cine de Japón.
Comenzó
su carrera en 1943, con Sugata Sanshiro (La leyenda del
gran Judo), llegando a dirigir más de 30 películas, entre ellas algunas tan
conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon1
o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscarhonorífico
por su trayectoria.
Lucille Fay Le Sueur (San Antonio, Texas; 23 de marzo de 1908-Nueva York; 10 de mayo de 1977), conocida como Joan Crawford, fue una actriz de cine y televisión estadounidense ganadora de un Oscar de la Academia en 1945. En 1999 el American Film Institute la situó como la décima estrella femenina del cine de todos los tiempos.
Comenzó su carrera como bailarina de segunda en varias compañías teatrales antes de debutar como corista en Broadway, luego gracias a su carisma, personalidad y competitividad, Crawford ganó un contrato cinematográfico con la Metro Goldwyn Mayer en 1925 y se convirtió a finales de esta década en una de sus actrices más admiradas.
Durante la década de los años 1930, 1940 y 1950, Joan Crawford se convirtió en una de las actrices más aclamadas del cine de Hollywood y en una de las mejores pagadas de su tiempo junto con otras colegas de su mismo estudio cinematográfico al igual que de otros estudios como Greta Garbo, Marlene Dietrich, Myrna Loy, Bette Davis o Katharine Hepburn entre otras. A menudo interpretaba papeles de jóvenes emprendedoras y luchadoras que al final encontraban el amor; estas historias fueron bien recibidas por la crítica y el público (especialmente el femenino) en la época de la gran depresión. Después de un periodo infructuoso a finales de los años 1930 donde fue catalogada como "veneno para la taquilla", ella regresó triunfante a mediados de los años 1940 ganando el Oscar a la mejor actriz en 1945 por la película Mildred Pierce (Alma en suplicio en español). Contrajo matrimonio con el presidente de la compañía Pepsi Cola Alfred Steele e incluso después de la muerte de este, fue directora durante un tiempo de la compañía. Continuó trabajando regularmente durante los años 1960 en papeles relativamene de terror y, después de protagonizar Trog en 1970, se retiró definitivamente de la gran pantalla.
Crawford se casó 4 veces, los tres primeros acabaron en divorcio y del último, enviudó. Falleció el 10 de mayo de 1977 víctima de un cáncer de páncreas (otras fuentes citan infarto agudo de miocardio). No tuvo hijos biológicos pero si adoptó a cuatro (Christina, Christopher, Cathy y Cyndi) siendo muy famosas y polémicas las declaraciones de su hija mayor Christina Crawford, la cual retrató su supuestamente dura infancia al lado de su famosa madre en un libro convertido inmediatamente después de su publicación en un best-seller: Mamita querida, en donde la acusaba de ser una madre cruel, egoísta y manipuladora; un verdadero escándalo en ese tiempo ya que era la primera vez que la vida de un famoso se contaba de una manera tan dura por uno de sus hijos.
1900:
Nace Erich Fromm, psicoanalista germano-estadounidense (f.
1980).
Erich Seligmann Fromm (23 de marzo de 1900 en Fráncfort del Meno, Hesse, Alemania-18 de marzo de 1980 en Muralto, Cantón del Tesino, Suiza) fue un
destacado psicoanalista, psicólogo social y filósofo humanista de
origen judío alemán. Durante una parte de su
trayectoria se posicionó políticamente defendiendo la variante marxista del socialismo democrático.
Miembro
del Instituto de Investigación Social de
la Universidad de Fráncfort, Fromm participó activamente en la
primera fase de las investigaciones interdisciplinarias de la Escuela de Fráncfort, hasta que a fines de
los años 40rompió con ellos debido a la heterodoxa
interpretación de la teoría freudiana que desarrolló dicha escuela, la cual intentó
sintetizar en una sola disciplina el psicoanálisis y
los postulados del marxismo (freudomarxismo).
Fue uno de los principales renovadores de la teoría y práctica psicoanalítica a
mediados del siglo XX.1
1881:
Nace Roger Martin du Gard,
novelista francés, premio nobel de literatura en 1937 (f. 1958).
Roger Martin Du
Gard (Neuilly-sur-Seine, Francia, 23 de marzo de 1881 - Bellême, Orne, 22 de agosto de 1958). Novelista francés.
Nacido
en una familia acomodada, de abogados y magistrados, su situación le permitió
dedicarse a la literatura.
Estudió
en el Lycée Janson de Sailly de París.
De
vocación literaria precoz, fue consciente de ella tras leer la novela de Lev Tolstoi, Guerra y Paz.
Para intentar consolidar su vocación de novelista, inicia estudios de Letras,
pero no consigue licenciarse. Se presenta entonces a la oposición de la École des chartes y obtuvo la plaza
de archivero-paleógrafo, con una tesis sobre la abadía de Jumièges.
En 1908 publica su
primera novela Devenir. Tras la publicación en 1913 de Jean
Barois, en la que Martin du Gard aborda el caso Dreyfus le
permite trabar amistad con André Gide y Jacques Copeau.
Participó
como soldado en la Primera Guerra Mundial. Cuando esta terminó,
empieza la redacción de la que será su obra magna: la saga de Los
Thibault. En ella no trata de demostrar nada. No juzga, no condena: muestra
a veces de modo demasiado fragmentario la evolución de la religión
contemporánea, como el hecho de la separación entre la Iglesia y el Estado Francés en 1905.
Recibe
el Premio Nobel de Literatura en 1937. A partir de ese
momento su obra deja de ser considerada relevante por parte de la crítica,
hasta el momento en el que Albert Camus la
vuelve a reivindicar.
Puede
considerarse un heredero de la novela realista tradicional del siglo XIX; sin
embargo, la certeza de sus descripciones, sus detalles narrativos y la
penetración psicológica que hace de sus personajes, hacen que no se le pueda
calificar como un escritor falto de innovación y fuerza.
Pasará
la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial en Niza. Allí empezará a
elaborar una novela que permanecerá inconclusa el Diario del coronel de
Maumort, que se publicará a título póstumo. Esta publicación, al igual que
otras que también fueron póstumas (correspondencia, diario, relatos cortos)
hace más compleja la figura de un escritor que se reivindicó a sí mismo como
novelista.
1842:
Henri Beyle (Grenoble, 23 de enero de 1783-París, 23 de marzo de 1842), más conocido por su
seudónimo Stendhal, fue un escritor francés.
Valorado
por su agudo análisis de la psicología de sus personajes y la concisión de su
estilo, es considerado como uno de los primeros y más importantes
representantes literarios del realismo. Es conocido sobre todo por sus
novelas Rojo y negro (Le Rouge et le noir,
1830) y La cartuja de Parma (La chartreuse
de Parme, 1839).
1749:
Nace Pierre Simon Laplace, matemático y astrónomo francés (f. 1827).
Pierre-Simon Laplace (francés: /pjɛʁ simõ laplas/; Beaumont-en-Auge, Normandía, Francia, 23 de marzo de 17491-París, 5 de marzo de 1827) fue un astrónomo, físico y matemático francés. Continuador de la mecánica newtoniana, descubrió y desarrolló la transformada de Laplace y la ecuación de Laplace; como estadístico sentó las bases de la teoría analítica de la probabilidad; y como astrónomo planteó la teoría nebular sobre la formación del sistema solar. Compartió la doctrina filosófica del determinismo científico.
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