sábado, 22 de marzo de 2025

Un día como hoy 23 de marzo



El 23 de marzo es el 82.º (octogésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 83.º en los años bisiestos. Quedan 283 días para finalizar el año.





Santoral de la Iglesia Católica:

Santo Toribio de Mogrovejo





Nació en Mayorga, España, en 1538.
Los datos acerca de este Arzobispo, personaje excepcional en la historia de Sur América, producen asombro y maravilla.
Los historiadores dicen que Santo Toribio fue uno de los regalos más valiosos que España le envió a América. Las gentes lo llamaban un nuevo San Ambrosio, y el Papa Benedicto XIV dijo de él que era sumamente parecido en sus actuaciones a San Carlos Borromeo, el famoso Arzobispo de Milán.
Toribio era graduado en derecho, y había sido nombrado Presidente del Tribunal de Granada (España) cuando el emperador Felipe II al conocer sus grandes cualidades le propuso al Sumo Pontífice para que lo nombrara Arzobispo de Lima. Roma aceptó y envió en nombramiento, pero Toribio tenía mucho temor a aceptar. Después de tres meses de dudas y vacilaciones aceptó.
El Arzobispo que lo iba a ordenar de sacerdote le propuso darle todas las órdenes menores en un solo día, pero él prefirió que le fueran confiriendo una orden cada semana, para así irse preparando debidamente a recibirlas.
En 1581 llegó Toribio a Lima como Arzobispo. su arquidiócesis tenía dominio sobre Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, Bolivia, Chile y parte de Argentina. Medía cinco mil kilómetros de longitud, y en ella había toda clase de climas y altitudes. Abarcaba más de seis millones de kilómetros cuadrados.
Al llegar a Lima Santo Toribio tenía 42 años y se dedicó con todas sus energías a lograr el progreso espiritual de sus súbditos. La ciudad estaba en una grave situación de decadencia espiritual. Los conquistadores cometían muchos abusos y los sacerdotes no se atrevían a corregirlos. Muchos para excusarse del mal que estaban haciendo, decían que esa era la costumbre. El arzobispo les respondió que Cristo es verdad y no costumbre. Y empezó a atacar fuertemente todos los vicios y escándalos. A los pecadores públicos los reprendía fuertemente, aunque estuvieran en altísimos puestos.
Las medidas enérgica que tomó contra los abusos que se cometían, le atrajeron muchos persecuciones y atroces calumnias. El callaba y ofrecía todo por amor a Dios, exclamando, "Al único que es necesario siempre tener contento es a Nuestro Señor".
Tres veces visitó completamente su inmensa arquidiócesis de Lima. En la primera vez gastó siete años recorriéndola. En la segunda vez duró cinco años y en la tercera empleó cuatro años. La mayor parte del recorrido era a pie. A veces en mula, por caminos casi intransitables, pasando de climas terriblemente fríos a climas ardientes. Eran viajes para destruir la salud del más fuerte. Muchísimas noches tuvo que pasar a la intemperie o en ranchos miserabilísmos, durmiendo en el puro suelo. Los preferidos de sus visitas eran los indios y los negros, especialmente los más pobres, los más ignorantes y los enfermos.
Logró la conversión de un enorme número de indios. Cuando iba de visita pastoral viajaba siempre rezando. Al llegar a cualquier sitio su primera visita era al templo. Reunía a los indios y les hablaba por horas y horas en el idioma de ellos que se había preocupado por aprender muy bien. Aunque en la mayor parte de los sitios que visitaba no había ni siquiera las más elementales comodidades, en cada pueblo se quedaba varios días instruyendo a los nativos, bautizando y confirmando.
Celebraba la misa con gran fervor, y varias veces vieron los acompañantes que mientras rezaba se le llenaba el rostro de resplandores.
Santo Toribio recorrió unos 40,000 kilómetros visitando y ayudando a sus fieles. Pasó por caminos jamás transitados, llegando hasta tribus que nunca habían visto un hombre blanco.
Al final de su vida envió una relación al rey contándole que había administrado el sacramento de la confirmación a más de 800,000 personas.
Una vez una tribu muy guerrera salió a su encuentro en son de batalla, pero al ver al arzobispo tan venerable y tan amable cayeron todos de rodillas ante él y le atendieron con gran respeto las enseñanzas que les daba.
Santo Toribio se propuso reunir a los sacerdotes y obispos de América en Sínodos o reuniones generales para dar leyes acerca del comportamiento que deben tener los católicos. Cada dos años reunía a todo el clero de la diócesis para un Sínodo y cada siete años a los de las diócesis vecinas. Y en estas reuniones se daban leyes severas y a diferencia de otras veces en que se hacían leyes pero no se cumplían, en los Sínodos dirigidos por Santo Toribio, las leyes se hacían y se cumplían, porque él estaba siempre vigilante para hacerlas cumplir.
Nuestro santo era un gran trabajador. Desde muy de madrugada ya estaba levantado y repetía frecuentemente: "Nuestro gran tesoro es el momento presente. Tenemos que aprovecharlo para ganarnos con él la vida eterna. El Señor Dios nos tomará estricta cuenta del modo como hemos empleado nuestro tiempo".
Fundó el primer seminario de América. Insistió y obtuvo que los religiosos aceptaran parroquias en sitios supremamente pobres. Casi duplicó el número de parroquias o centros de evangelización en su arquidiócesis. Cuando él llegó había 150 y cuando murió ya existían 250 parroquias en su territorio.
Su generosidad lo llevaba a repartir a los pobres todo lo que poseía. Un día al regalarle sus camisas a un necesitado le recomendó: "Váyase rapidito, no sea que llegue mi hermana y no permita que Ud. se lleve la ropa que tengo para cambiarme".
Cuando llegó una terrible epidemia gastó sus bienes en socorrer a los enfermos, y él mismo recorrió las calles acompañado de una gran multitud llevando en sus manos un gran crucifijo y rezándole con los ojos fijos en la cruz, pidiendo a Dios misericordia y salud para todos.
El 23 de marzo de 1606, un Jueves Santo, murió en una capillita de los indios, en una lejana región, donde estaba predicando y confirmando a los indígenas.
Estaba a 440 kilómetros de Lima. Cuando se sintió enfermo prometió a sus acompañantes que le daría un premio al primero que le trajera la noticia de que ya se iba a morir. Y repetía aquellas palabras de San Pablo: "Deseo verme libre de las ataduras de este cuerpo y quedar en libertad para ir a encontrarme con Jesucristo".
Ya moribundo pidió a los que rodeaban su lecho que entonaran el salmo que dice: "De gozo se llenó mi corazón cuando escuché una voz: iremos a la Casa del Señor. Que alegría cuando me dijeron: vamos a la Casa del Señor".
Las últimas palabras que dijo antes de morir fueron las del salmo 30: "En tus manos encomiendo mi espíritu".
Su cuerpo, cuando fue llevado a Lima, un año después de su muerte, todavía se hallaba incorrupto, como si estuviera recién muerto.
Después de su muerte se consiguieron muchos milagros por su intercesión. Santo Toribio tuvo el gusto de administrarle el sacramento de la confirmación a tres santos: Santa Rosa de Lima, San Francisco Solano y San Martín de Porres.
El Papa Benedicto XIII lo declaró santo en 1726.
Y toda América del Sur espera que este gran santo e infatigable apóstol, quizás el más grande obispo que ha vivido en este continente, siga rogando para que nuestra santa religión se mantenga fervorosa y creciente en todos estos países.




2021:

Muere
George Segal, Jr. (Nueva York, 13 de febrero de 1934-Santa Rosa, 23 de marzo de 2021)1​ fue un actor estadounidense, ganador del Globo de Oro.

Biografía[editar]

Nació en Great Neck, Long Island, en el estado de Nueva York. Mientras estudiaba en el colegio organizó un conjunto de música que cosechó muchos éxitos. Después estudió artes dramáticas en la Universidad de Columbia, en Nueva York, donde organizó nuevamente un grupo musical. Una vez terminados sus estudios se ganó la vida limpiando lavabos en un teatro de Nueva York, esperando que llegase su oportunidad.

En 1955 Segal debutó en el teatro con la obra Don Juan, de Molière. Al año siguiente actuó en otra obra, esta vez de Eugene O'Neill. A continuación tuvo que cumplir el servicio militar. A su regreso, consiguió participar en el festival Shakespeare de Nueva York, hasta que en 1960 tuvo su primer éxito importante en The Premise, una obra con características de revista, que estuvo en cartel durante un plazo prolongado.

En 1961, Segal actuó en su primera película. En los años siguientes hizo varias películas más, aunque en todos los casos en papeles pequeños. En la película de Stanley Kramer de 1965 Ship of Fools ya comenzó a ser conocido. Sin embargo, fue con la película de ese mismo año King Rat, una historia sobre la Segunda Guerra Mundial, con el que saltó a la fama como actor de cine. Mientras rodaba esas películas, Segal continuó actuando en el teatro, donde trabajó también con el director Mike Nichols, con quien coincidió en 1966 en el rodaje de Quién teme a Virginia Woolf, película que cosechó varios Oscar.

En los años siguientes Segal intervino en multitud de películas, generalmente en papeles principales o secundarios importantes. Sus dotes de interpretación fueron extensos, y era capaz de actuar en papeles cómicos con la misma facilidad que en papeles dramáticos. Su aspecto risueño le hizo ganar la simpatía de las audiencias.

Segal fue introduciéndose también en la televisión, aunque hasta la década de los años 90 no comenzó a trabajar en serio en este medio. Desde entonces intervino regularmente en una o dos producciones de películas o mini-series para la televisión cada año, hasta el extremo de que parecía sentirse más a gusto en este medio que en el cine. Con sus intervenciones en televisión cosechó también notable éxito.

Segal se casó en tres ocasiones. Con su primera esposa tuvo dos hijas. Su segundo matrimonio duró hasta 1996, año en que falleció su esposa. En ese mismo año se volvió a casar por tercera vez.

En el año 1974, se publica el LP A Touch of Ragtime, figurando como George Segal and the Imperial Jazzband. En la portada del disco se lo ve sonriente con un banjo. Entre otros, participa en este disco Harry Nilsson.

Muerte[editar]

Segal falleció el 23 de marzo del 2021, a sus 87 años debido a complicaciones por una cirugía de ‘baipás’. Lo confirmó su esposa. 1






2020:
Muere Lucía Bosé


Lucia Borloni Bosè (Milán, 28 de enero de 1931-Segovia, 23 de marzo de 2020) fue una actriz y modelo italiana nacionalizada española. Desde sus comienzos como Miss Italia 1947, musa del neorrealismo italiano, Bosé actuó en diferentes películas italianas y en algunas españolas. Fue la matriarca de una conocida saga de artistas, como el cantante Miguel Bosé, la actriz Paola Dominguín y la abuela de la modelo y cantante Bimba Bosé.

Biografía

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Comienzos

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Nacida en Milán el 28 de enero de 1931,[1]​ sobre el nombre de sus padres existen informaciones contradictorias. Hija, según diversas fuentes, de Domenico Borloni y Francesca Bosè;[2]​[3]​[4]​ Roberto Liberatori en Vi racconto Lucia Bosè afirma que, al contrario, el apellido del padre era Bosè y Borloni el de la madre.[5]​[6]​ Empezó su carrera artística llamándose Borloni, pero tras llegar a España acabó decantándose por Bosè[2]​ (o, castellanizado, Bosé). Tuvo dos hermanos: Aldo y Giovanni.

Dependienta de una pastelería milanesa, Pasticceria Galli,[7]​ en 1947 participó en la octava edición del concurso Miss Italia,[4]​ donde resultó ganadora, lo que le abrió las puertas del mundo del cine. Interpretó un cortometraje de Dino Risi sobre las Cinco jornadas de Milán (1848, realizado en 1948-1949, con el asesoramiento artístico de Alberto Lattuada y Giorgio Strehler). Lucia Bosè debutó como protagonista de un largometraje en Non c'è pace tra gli ulivi (1950), de Giuseppe de Santis, último capítulo de la trilogía campesina del maestro neorrealista, en el cual tuvo el papel de una pastora de la Ciociaría, al lado de actores tan prestigiosos como Raf Vallone y Folco Lulli. En el mismo año, la actriz ofreció una significativa muestra de su talento en Cronaca di un amore, espléndida ópera prima de Michelangelo Antonioni en la cual Bosè interpreta con convicción a la protagonista, Paola Molon, en una historia en la que se analizan con minuciosidad los sentimientos de la alta burguesía milanesa en un trasfondo policial.[4]​

Bosè en Era lei che lo voleva! (1953).

Al cabo de poco tiempo, Bosè colaboró con de Santis otra vez: la actriz interpretó, en 1951, el papel de Simona en Roma ore 11, película que trata el tema del desempleo femenino y que ofrece una característica galería de retratos de mujeres magistralmente trazados (entre las intérpretes, cabe citar también a Carla del Poggio, Lea Padovani y Delia Scala). Antonioni, en 1953, ofrece a Bosè el papel de Clara Manni, en una película que narra la historia de una empleada que se convierte en actriz, se hace inmediatamente famosa y, luego, sufre un doble fracaso, sentimental y profesional: se trata del amargo La signora senza camelie, película sobre la dimensión poco auténtica del mundo cinematográfico, fiel espejo de la aridez que caracteriza las relaciones entre los seres humanos.[4]​

En el mismo periodo, también fue la protagonista de numerosas películas que confirmaron su facilidad de adaptarse con excelentes resultados a cualquier exigencia expresiva. La actriz se dedicó a la comedia rosa tardo-neorrealista, interpretando dos de los títulos más famosos de la filmografía de Luciano Emmer: el divertido París, siempre París (1951), con Aldo Fabrizi y, sobre todo, Tres enamoradas (1952), en la cual personificó a una modista que, tras convertirse en maniquí, no olvida sus orígenes modestos ni el amor por su novio, simple pero simpático.[4]​

Junto a Walter Chiari, Bosè también participó en numerosas películas de carácter cómico y burlesco, entre las cuales cabe señalar E' l'amor che mi rovina… (1951), donde interpretó a una joven profesora de esquí en la localidad de Sestriere, con la dirección de Mario Soldati.[4]​

Éxitos y matrimonio en España

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Lucía Bosé en La Settimana, 9 de septiembre de 1950

El año 1955 fue fundamental para la actriz; en efecto, fue la protagonista de tres importantes títulos que representaron todo un éxito profesional para una carrera que todavía estaba a los inicios. En Gli sbandati, de Francesco Maselli, trazó con extrema sensibilidad a la graciosa y alocada Lucia, de la cual se enamora el joven conde Andrea (Jean-Pierre Mocky). En Muerte de un ciclista, dirigida por Juan Antonio Bardem, ofreció una buena interpretación en una de las obras más interesantes. En Así es la aurora, dirigida por Luis Buñuel al volver a Francia tras su estancia en México, interpretó a Clara, una joven viuda italiana que reside en Córcega y vive una purísima historia de amor con el médico Valerio (George Marchal); cabe recordar que esta película es la única del genial cineasta aragonés con un final feliz.[cita requerida]

Fotografiada en la década de 1960 en Roma con Luis Miguel «Dominguín».

El 1 de marzo de 1955, contrajo matrimonio por lo civil en Las Vegas con el célebre torero español Luis Miguel «Dominguín» —a quien había conocido en una fiesta en la embajada de Cuba en 1954,[8]​ durante la estancia de Bosè en España para el rodaje de Muerte de un ciclista—;[9]​ y el 16 de octubre del mismo año lo hicieron por la iglesia, en la capilla de la finca familiar de Dominguín «Villa Paz», en la localidad de Saelices.[8]​ El torero y la actriz tuvieron cuatro hijos y diez nietos:

  • Lucía González Bosé (artísticamente Lucía Dominguín, 19 de agosto de 1957).
    • Eleonora Salvatore (artísticamente Bimba Bosé, 1975-2017, y madre de Dora Postigo (2004) y June Postigo (2011)), Rodolfo Salvatore (artísticamente Olfo Bosé) (1980), Jara Tristancho (1994) y Lucía Tristancho (artísticamente Palito Dominguín) (1996).
  • Juan Lucas González Bosé, nacido y fallecido en 1962.

Por un tiempo se retiró de la carrera cinematográfica, que solo reemprendió tras separarse de su marido en 1967.[cita requerida] Se divorciaron en 1968.[9]​

Retorno al cine

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Entre 1968 y 1976, Lucía Bosé volvió a trabajar, solicitada en Italia y en el extranjero, tanto por maestros famosos como Federico Fellini, los Taviani, Bolognini, como también por directores más jóvenes. También fue protagonista de Nathalie Granger, película dirigida por la escritora y directora Marguerite Duras y coprotagonizada por Jeanne Moreau.[cita requerida]

Sin embargo, cabe recordar que el retorno al cine lo hizo bajo la dirección de Pere Portabella, exponente destacado de la Escuela de Barcelona, con Nocturno 29 (1968), película interpretada junto a Gabriele Ferzetti. En España, Bosé también participó en otras películas, entre las cuales cabe señalar Jutrzenka, un invierno en Mallorca (1970), de Jaime Camino, y Ceremonia sangrienta (1972), una película de género horror-erótico dirigida por Jorge Grau.[cita requerida] En el Satiricón (1969), de Federico Fellini, Bosè aparece en una sola y memorable escena, pero en Sotto il segno dello Scorpione, el lúcido apólogo abierto a muchas claves de lectura que los hermanos Paolo y Vittorio Taviani dirigen en el mismo año, Bosè fue la protagonista, al lado de Gian Maria Volonté y Giulio Brogi.[cita requerida]

La colaboración de la actriz milanesa con Mauro Bolognini fue más articulada, y empezó con Metello (1970), siguió con Por las antiguas escaleras (1975), con Marcello Mastroianni y Françoise Fabian, y con la serie televisiva La cartuja de Parma (1982), en la que interpretó a la marquesa del Dongo.[cita requerida]

En el mismo periodo, siempre en Italia, Lucía Bosè participó en títulos interesantes que la estimularon a dar lo mejor de sí: en 1971, como una enferma mental, en L'ospite, de Liliana Cavani, al lado de Glauco Mauri; en 1972, participa en el extraño Arcana, de Giulio Questi, en el papel de una viuda que se dedica a la magia, y en La colonna infame, de Nelo Risi, basada en la obra de Alessandro Manzoni. La actriz mostró su madurez artística y su capacidad de introspección psicológica en Nathalie Granger (1972), película dirigida por Marguerite Duras en la cual es Isabel, la madre de la niña que da el nombre a la película.[cita requerida]

En 1976, tras su participación en Violanta, de Donald Schmid, y en La señora García se confiesa, para televisión, junto a Adolfo Marsillach, la carrera de Lucía Bosè sufrió una segunda interrupción; volvería al cine solo a finales de los años ochenta, interpretando a dos figuras maternas, en Crónica de una muerte anunciada (1987), de Francesco Rosi (basada en la famosa novela de Gabriel García Márquez); en Volevo i pantaloni (1990), de Maurizio Ponzi, una adaptación del best-seller homónimo de Lara Cardella, y en El avaro, versión cinematográfica de la obra maestra de Molière, dirigida por Tonino Cervi, con Alberto Sordi y Laura Antonelli.[cita requerida]

Años 1990-2018

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Fotografiada en el 2010.

En los años 1990, poco a poco fue espaciando cada vez más sus participaciones en el cine, sin dejar del todo de lado su profesión. Vivía en Brieva, España, país al que se había ligado sentimentalmente desde muchos años atrás.

En 2000, decidió hacer realidad un sueño de su juventud: abrir el primer Museo de Ángeles del mundo. Creó, en el pueblo segoviano de Turégano, un museo dedicado a las representaciones de los ángeles, con más de ochenta obras de artistas contemporáneos procedentes de diversos países, así como diversas esculturas angelicales. En 2007 anunció el cierre temporal del museo, argumentando falta de apoyo de la Junta de Castilla y León.[10]​

En 2018 participó en el largometraje documental titulado La última toma, dirigido por Jesús Ponce y dedicado a la figura de Claudio Guerin-Hill, donde ofreció su testimonio como actriz a las órdenes del director.[11]​

Fallecimiento

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Falleció el 23 de marzo de 2020 a los 89 años en el Hospital General de Segovia a causa de una neumonía por COVID-19.[12]​Más adelante, su hija Lucía Dominguín declaró en una entrevista en el programa Sábado Deluxe que su madre murió de una neumonía no relacionada con el coronavirus, "ya que desde hace años tenía achaques, iba al hospital y le ponían oxígeno". Pero que no pudo recibir ese tratamiento debido a la pandemia.[13]​

Varios medios certificaron que el fallecimiento sí se debió al COVID-19 y desmintieron a la familia en su acusación por inacción al personal del hospital.[14]​

La noticia del fallecimiento fue difundida por la Sociedad de gestión de actores y confirmada en el Diario de Castilla y León tras saberse que había sido ingresada el 19 de marzo en estado grave.[15]​

Está enterrada en el Cementerio de Brieva, provincia de Segovia.




2020:
Muere

Santiago García Pinzón (Bogotá, 20 de diciembre de 1928- ib, 23 de marzo de 2020)[1]​ fue un actor, director y dramaturgo colombiano. Director del teatro La Candelaria, de Bogotá, Colombia. Militante activo del Partido Comunista colombiano durante muchos años. Participó también en varias producciones de cine y televisión.

Biografía

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Santiago García se graduó como arquitecto en la Universidad Nacionalde Colombia. También realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de París y en el Instituto Universitario de Venecia. Fue alumno del director de teatro japonés Seki Sano (1957). Asistió al Berliner Ensemble en Alemania, bajo la dirección de Helene Weigel. Estudió también en la Universidad Carolina de Praga, en Actors Studio de Nueva York y en la Universidad de Teatro de las Naciones en Vincennes, Francia..

García junto a Patricia Ariza frente al Teatro La Candelaria en 2017.

Santiago García fue fundador del teatro El Búho en 1958 y luego, junto a otros artistas como Fernando Mendoza, Gustavo Angarita, Vicky Hernández, Patricia Ariza, Francisco Martínez, Carlos José Reyes y otros amigos del arte fundaron el 6 de junio de 1966,[2]​ la Casa de la Cultura, que posteriormente se llamará teatro La Candelaria.[3]​ Escribió varias obras teatrales de forma individual y colectiva. Participó en el montaje de obras de teatro como Guadalupe, años sin cuenta, Diez días que estremecieron al mundo, Diálogo del rebusque entre otras.[4]​ Fue director invitado en México, Estados Unidos, Cuba y Costa Rica. Actuó en la película Milagro en Roma, con argumentos del escritor Gabriel García Márquez.

Legado

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Santiago García a lo largo de su carrera, estuvo vinculado con al menos 45 grandes producciones teatrales. Retirado de las tablas, se dedicó a la pintura. En marzo de 2012, fue declarado embajador mundial del Teatro por parte del Instituto Internacional del Teatro (ITI) de la Unesco.[5]​ En 2019 Santiago García recibe la Medalla al Mérito Cultural por sus aportes y legado al teatro colombiano.[6]​

Su salud se deterioró a causa del alzheimer que padecía.[7]​ Falleció el 23 de marzo de 2020 en Bogotá, Colombia, a los noventa y un años.[8]




2011: 

Muere Elizabeth Taylor, actriz británica (n. 1932).





Elizabeth Rosemond Taylor DBE (Hampstead, Londres, Reino Unido; 27 de febrero de 1932-Los Ángeles, California, Estados Unidos; 23 de marzo de 2011), también conocida como Liz Taylor, fue una actriz británica-estadounidense de cine, teatro y televisión. Desarrolló en Estados Unidos una carrera artística que se extendió por más de sesenta años, en la que adquirió popularidad principalmente como actriz en películas de Hollywood.2​
Su primer papel en el cine fue en There's One Born Every Minute (1942) —para los estudios Universal Pictures—, junto a Hugh Herbert. Sin embargo, su período de mayor popularidad ocurriría a mediados de los años 1940, con largometrajes juveniles como National Velvet, de 1944. Desde la década de 1950, sus roles en cine fueron cada vez más importantes y fue reconocida por sus condiciones actorales para el drama, consagrándose con películas como Father of the Bride (1950), A Place in the Sun (1951), Giant (1956), Cat on a Hot Tin Roof (1958), Suddenly, Last Summer (1959) y BUtterfield 8 (1960), por las cuales recibió una gran cantidad de premios y distinciones. Fue dirigida por prestigiosos directores como Vincente Minnelli o Richard Brooks, y actuó junto a actores como Spencer Tracy, Montgomery Clift, James Dean, Rock Hudson o Paul Newman.
Su papel como Cleopatra en la accidentada y polémica película homónima de 1963 fue muy elogiado, al igual que su colaboración con Mike Nichols en Who's Afraid of Virginia Woolf? (1966), dirigida por Mike Nichols. En 1981 debutó en Broadway con The Little Foxes, por la cual recibió críticas favorables. A mediados de la década de 1980, se convirtió en activista a favor de causas humanitarias, especialmente la lucha contra el sida. El resto de su carrera estuvo ligado principalmente al medio televisivo, participando en telenovelas como General Hospital y All My Children, y en comedias como The Nanny. Su retiro de las pantallas se produjo en 2001 con la película para televisión These Old Broads.3​
Entre sus múltiples premios ganó tres Premios Óscar (uno de ellos honorífico), cinco Globos de Oro, tres premios BAFTA británicos y el David de Donatello. Fue nombrada dama comendadora de la Orden del Imperio Británico, por lo que recibió el título de Dame, equivalente del masculino Sir.
Reconocida por su espectacular y deslumbrante belleza, con ojos de un raro color violeta,4​desde la década de 1950se erigió como uno de los mitos del Séptimo Arte. Fue también sumamente popular por su tormentosa vida privada y su pasión por las joyas.
En 1999 el American Film Institute la nombró como la séptima mejor estrella femenina de los primeros cien años del cine norteamericano.5​













1998:

En Estados Unidos, la película Titanic recibe 11 Premios Óscar.



Titanic es una película estadounidense dramática de catástrofe de 1997 dirigida y escrita por James Cameron y protagonizada por Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Gloria Stuart y Bill Paxton.2​3​ La trama, una epopeya romántica,3​4​ relata la relación de Jack Dawson y Rose DeWitt Bukater, dos jóvenes que se conocen y se enamoran a bordo del transatlántico RMS Titanic en su viaje inaugural desde Southampton, Inglaterra, a Nueva York, EE. UU., en abril de 1912. Pertenecientes a diferentes clases sociales, intentan salir adelante pese a las adversidades que los separarían de forma definitiva, entre ellas el prometido de Rose, Caledon «Cal» Hockley (un adinerado del cual ella no está enamorada, pero su madre la ha obligado a permanecer con él para garantizar un futuro económico próspero) y el hundimiento del lujoso barco tras chocar con un iceberg.
Si bien Jack y Rose son personajes ficticios, varios otros secundarios como Margaret «Molly» Brown (pasajera de primera clase), Thomas Andrews (diseñador del barco) y Edward John Smith (capitán del buque) son personas que realmente vivieron los acontecimientos históricos del 1912.5​6​7​ También son reales las tomas del verdadero Titanichundido en el fondo del océano Atlántico que figuran en las escenas iniciales, para las cuales se destinaron tres millones de dólares estadounidenses del presupuesto total de la producción.8​
Cameron estaba fascinado por el naufragio del Titanic y su interés en él aumentó al reunirse con Robert Ballard,9​ quien descubrió los restos del barco en la década de 1980,10​ durante la producción de The Abyss.9​ El cineasta buscó patrocinadores en Hollywood para llevar a cabo una expedición al sitio del naufragio, sin todavía tener la intención de hacer una película en torno a los sucesos.11​ Tiempo después escribió un boceto para una cinta sobre el Titanic12​ y se lo presentó a los ejecutivos de 20th Century Fox,13​ quienes le dieron «luz verde» al proyecto, a pesar de que no estaban muy convencidos sobre el éxito que pudiera llegar a tener.14​ Cameron no comenzó a escribir el guion sino hasta después de realizar las tomas del verdadero Titanic y de estudiar detenidamente a cada uno de los personajes y pasajes históricos del barco, ya que quería honrar a todos los que habían muerto en el naufragio.12​15​13​
Fox invirtió 57 millones de dólares estadounidenses16​ en la adquisición de 161 874 m² de la costa sur de Playas de Rosarito, Baja California, en México, donde comenzó a construir el Fox Baja Studios diseñado especialmente para la filmación del proyecto en mayo de 1996.17​18​19​ En ese estudio se edificó a escala completa el barco.19​ El rodaje principal comenzó en septiembre de ese mismo año, duró 160 días y se concretó en marzo de 1997.16​20​ A su vez, la composición de la banda sonora recayó en James Horner y contó con la participación de la cantante noruega Sissel.21​ Al igual que la cinta, gozó de un éxito comercial y crítico; vendió más de treinta millones de copias,22​ once millones de ellas en EE. UU., lo que le valió ser certificada «11 x Platinum» por la RIAA.23​ Un segundo álbum titulado Back to Titanic se distribuyó a partir del 25 de agosto de 1998, una semana antes del lanzamiento de la película en VHS.24​25​
Tras su estreno el 19 de diciembre de 1997 en los Estados Unidos,1​ a pesar de que varios analistas y expertos de la industria vaticinaban un fracaso en taquillas ya que en su momento era considerada como «la producción más costosa del cine de todos los tiempos»,26​ la película se convirtió en un éxito tanto en el aspecto comercial como en cuanto a la evaluación de la crítica: obtuvo un 83% de aceptación en Rotten Tomatoes y un puntaje de 74 sobre 100 en el Metascore.27​28​ Tan sólo en su primer día en EE. UU. y Canadá recaudó 8 658 814 de dólares estadounidenses.29​ En su primera semana en carteleras, logró obtener ganancias de 52,9 millones de dólares.30​ Se mantuvo con una recaudación parecida por varias semanas, y permaneció en el primer lugar en EE. UU. y Canadá por dieciséis semanas consecutivas y en el top 10 hasta la semana número 26.30​ Finalmente cerró con más de 600 millones USD en EE. UU. y Canadá y más de 1800 millones de dólares a nivel internacional.31​32​33​ Con estos números, se convirtió en la película más taquillera de la historia a nivel mundial, título que retuvo por más de una década hasta ser desplazada por Avatar (dirigida también por Cameron), que recaudó más de 2700 millones de dólares, tras lo cual Titanic pasó a ocupar el segundo lugar del listado.34​35​ La película ganó 89 premios, entre los que se encuentran once premios de la Academia (cifra solamente igualada por Ben-Hur y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey),36​ cuatro Globos de Oro, ocho galardones Satellite, un par de premios People's Choice, dos más de MTV Movie, un reconocimiento SAG y una estatuilla Annie.37​
La película se reestrenó en formato 3D el 4 de abril de 2012,38​ seis días antes de la fecha en que el Titanic partió de Inglaterra en 1912 y un mes antes del centésimo aniversario de Paramount Pictures, la otra casa productora de la película.39​ Junto con la recaudación del reestreno, la recaudación total de la película suma 2 185 372 302 USD.1​





1996:

Muere Fernando Z. Maldonado, compositor mexicano de "volver,volver".


Fernando Zenaido Maldonado Rivera (Cárdenas, 20 de agosto de 1917 - Cuernavaca, 23 de marzo de 1996), conocido por Fernando Z. Maldonado; y, en composiciones extranjeras, firmante con el seudónimo Fred McDonald; fue un compositor mexicano, reconocido por sus canciones de estilo ranchero, de las que destaca el clásico Volver, Volver (interpretado, en la versión más reconocida, por Vicente Fernández).

Índice

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·         
1Biografía[1]​

·         
2Fred McDonald

·         
3Lista de canciones (parcial)

·         
4Referencias

·         
5Enlaces externos

Biografía1​[editar]

Fernando Zenaido Maldonado Rivera nació el 20 de agosto de 1917, en Cárdenas. Era hijo de Moisés Maldonado Rivera y Catarina Rivera.
Desde su infancia se interesó en la música y la composición. A los siete años de edad, compuso el vals Catarina, dedicado a su madre. También estudió flautín, piano y armónico bajo la maestría de su tío Evodio Rivera Torres y su abuelo don Tristán Rivera, también músicos.
Con el paso del tiempo, sobresalió como buen estudiante y músico ejecutante en San Luis Potosí. Luego, viajó a Monterrey, N.L. donde integró un conjunto musical; fue en esa ciudad donde se desenvolvió profesionalmente en el ámbito musical e incursionó en los espectáculos y en la radio.
En 1942, contrajo matrimonio con la compositora María Luisa Basurto, mejor conocida como María Alma, creadora de populares canciones como Compréndeme, Tuya soy (tema de la película La mujer sin alma, protagonizada por María Félix); Perdí el Corazón y otras más.
En 1945, llegó a México, D.F. con el propósito de ingresar al elenco artístico de la XEW; consiguió entrevistarse con su entonces propietario, don Emilio Azcárraga Vidaurreta, quien, después de escucharlo, le dio la oportunidad de participar en los programas como pianista, compositor o arreglista. Todo eso se daba en la época de oro de la radio, cuando los autores, pianistas y compositores eran Agustín Lara, Gabriel Ruiz Galindo, Gonzalo Curiel, Alberto Domínguez y muchos más.
Entre los intérpretes que inicialmente alcanzaron la fama con sus canciones, estuvieron Genaro Salinas, que hizo impacto popular con Corazón dormido. Después vinieron: Qué fácil, con el tenor Julio Flores; Momento divino, con Lupita Palomera; todas de gran fama.
Amor de la calle y Voy gritando por la calle fueron boleros de gran impacto; el primero, en la voz de Fernando Fernández, alcanzando gran popularidad: recibió el Premio de la Mejor Canción de 1950 y fue llevada al cine con gran éxito, con la película del mismo nombre, para, después, ser grabada por varios intérpretes, entre ellos, el Trío Los Panchos. Voy gritando por la calle fue gran éxito de los Hermanos Martínez Gil y Vicente Fernández, entre otros.
Como director artístico y arreglista hizo notables éxitos como Mi cafetal, porro venezolano con las Hermanas Lima; luego, las reconocidas cumbias colombianas en versiones instrumentales y grupos como Carmen Rivero, con Linda Vera, poniendo de moda La pollera colorá.
El lanzamiento de Sonia López, La Chamaca de Oro, con la Sonora Santanera, hizo éxito su composición y arreglo de Ya no vuelvas conmigo; Chelo Silva y posteriormente Paquita la del Barrio tuvieron gran éxito con Amor venturero. Aunque, sin duda, la composición que más logros y repercusión ha tenido de su amplio repertorio es Volver, Volver, grabada por intérpretes de diversos países, tales como Luis Miguel, Lucero, Camilo Sesto, Rocío Jurado, Raphael, Dolores Pradera, Lindomar, Ray Conniff, Linda Ronstadt, y, en la versión más reconocida, Vicente Fernández. La canción pasó, así, de ser un emblema mexicano a una interpretación de nivel internacional.
También trabajó como arreglista y director artístico con las Hermanas Huerta, Trio Los Panchos, Prieta Linda, Fernando Fernández, Enrique Guzmán, Andy Russell, Gerardo Reyes, Jorge Valente y Javier Solís, para el cual escribió varios temas, tales como Payaso y Qué va, entre otros.
En 1973 fue considerado por segunda ocasión como el compositor del año con su canción Volver, Volver.
En las décadas posteriores de 1980 y 1990, siguió componiendo, tocando el piano y dirigiendo la orquesta, hasta avanzada edad.
Son innumerables los homenajes, trofeos y reconocimientos que tuvo por su trayectoria artística como compositor, pianista, arreglista y director de orquesta.
Falleció el 23 de marzo de 1996, en la ciudad mexicana de Cuernavaca (en el estado de Morelos).


 https://www.youtube.com/watch?v=0peANtDLVdI




1983:

Llega al nº1 del Billboard Michael Jackson con “Billie Jean”




Llega al nº1 del Billboard Michael Jackson –“Billie Jean”. Este tema fue el primer nº1 del álbum “Thriller”, el álbum más vendido en la historia de la música.



1964: 

Muere Peter Lorre, actor húngaro-estadounidense (f. 1964).


László Löwenstein (Rózsahegy, Imperio austrohúngaro; 26 de junio de 1904nota 1​ - Hollywood, California; 23 de marzo de 1964), de nombre artístico Peter Lorre, fue un actor de cine y teatro austríaco de origen húngaro.

Trayectoria[editar]

László Löwenstein, judío húngaro, en cuya familia se hablaba yídish y húngaro, estudió en un colegio de habla alemana y posteriormente en Viena cuando su familia se trasladó allí. Por expreso deseo de su padre, buscó trabajo en el ambiente bancario. Tras trabajar un tiempo en este sector, ingresó en el "Teatro de la Improvisación" del psiquiatra Jacob Levi Moreno, quien cambió su nombre por el de "Peter Lorre". Allí estudió el método de la improvisación, y comenzó su interés por el psicoanálisis, el cual no le abandonará nunca y se hará patente en su única película como director, Der Verlorene.
Posteriormente actuó en el teatro Lobe, en el Thalia Theater en Breslau, en el Züricher Schauspielhaus, de 1926 a 1927 en el Kammerspiele y en 1928 en el Karl-Theater de Viena.
En la primavera de 1929 Bertolt Brecht le contrata para el papel de "Fabian" en Pioneros en Ingolstadt de Marieluise Fleisser, en un teatro de Berlín. Allí y en el Volksbühne interpreta obras como La muerte de Dantón, de Georg Büchner, o El despertar de la primavera, de Frank Wedekind. Poco a poco se va haciendo un nombre en la escena berlinesa.
Es precisamente en el teatro donde lo descubre Fritz Lang, dándole el papel que lo lanzaría a la fama en M, el vampiro de Düsseldorf (1931), donde realiza la interpretación, ya clásica, de un psicópata asesino de niñas.
El historiador cinematográfico Fernando Méndez-Leite, en su obra Fritz Lang, cuenta que Lang se presentó en su camerino del teatro para felicitarle por su trabajo en escena, y proponerle el papel de protagonista de la película, con la sola condición de que no participase en ningún otro filme sonoro, la cual, naturalmente, fue aceptada por Lorre.
En cualquier caso, Lorre interpretó su papel en M, el vampiro de Düsseldorf con poco entusiasmo —según Méndez-Leite. Las disputas con Lang eran continuas, puesto que Lorre consideraba que su papel en una obra de Brecht era mucho más importante que en el cine, del cual desconfiaba, al igual que otras personalidades del teatro de aquella época. Sin embargo, poco tuvo que esperar para salir de su error: M, el vampiro de Düsseldorf fue un éxito y la obra que por aquel entonces interpretaba Lorre en el teatro, un rotundo fracaso.
Lotte H. Eisner destaca Der Verlorene (El hombre perdido, 1951) entre las pocas películas alemanas que intentaron recoger las ideas del cine expresionista.

Exilio[editar]

Debido a su origen judío, huyó de Alemania tras las elecciones de 1933, que dieron el triunfo a los nazis, y viajó primero a París y luego a Londres, donde llegaría su siguiente éxito. De la mano de Alfred Hitchcock, de quien se hizo amigo personal, participó en la primera versión que hizo el director de El hombre que sabía demasiado, en 1934, rodada en inglés, a pesar de las limitaciones de Lorre con este idioma. Durante el rodaje de El hombre que sabía demasiado conoció a la actriz Celia Lovsky, con quien se casó.
Mientras, en la Alemania nazi, el régimen utilizó su imagen promocional de M, el vampiro de Düsseldorf, para un cartel de propaganda incitando al odio antisemita.
Tuvo sus primeros escarceos en Hollywood, donde interpretó una serie de películas muy populares, las de Mr. Moto, un detective japonés que resolvía misterios en el exótico Oriente, basadas en las novelas del escritor John P. Marquand.
En julio de 1934 es contratado por la productora Columbia Pictures para quien hace el papel del científico loco en el filme Las manos de Orlac (1935), pero se pasa a la productora 20th Century Fox porque se siente encasillado en sus roles, sentimiento que le perseguiría durante toda su carrera como actor. Su peculiar físico, de corta estatura y enormes ojos saltones, era un arma de doble filo, y tampoco logró sentirse cómodo con los personajes que había de interpretar para la 20th Century Fox. Al terminar con esta última, trabaja durante un tiempo sin contrato fijo.
En 1939 emigró definitivamente a Estados Unidos junto al director austríaco Billy Wilder y se convirtió en actor de reparto de la productora Warner Bros., haciéndose famoso por sus apariciones en El halcón maltés (1941), como Joel Cairo y en Casablanca, donde interpretó al malhadado Ugarte, personaje clave en la trama. En el año 1941 se nacionalizó estadounidense.
Divorciado de Celia Lovksy en 1945, se casó con Kaaren Verne, de quien se divorció en 1950.
Desde este año, su relación con Bertolt Brecht —quien se había exiliado en los Estados Unidos— se hace más estrecha. El dramaturgo alemán, que conocía muy bien sus posibilidades desde los comienzos berlineses del actor, escribió varios borradores de guion para él, pero los socios de Lorre en la productora Lorre Incorporated los rechazan. La productora se hunde definitivamente en 1949 y en junio de ese año Lorre regresa a Europa para trabajar en campos de refugiados, leer textos literarios en diversas giras por el Reino Unido y Alemania, y realizar otra de sus interpretaciones magistrales: el personaje principal de Der Verlorene o El desaparecido (rodada entre 1950 y 1951). El desaparecido es su única película como director, amén de coautor del guion.
La suerte no pareció acompañarle. La película resultó un fracaso y regresó a Estados Unidos con Annemarie Brenning, con quien se casó en 1953, y con quien tendría su única hija, Catharine. Debió volver al teatro por un tiempo, hasta que las productoras se acuerdan de él.
Años más tarde la crítica reconocería la originalidad y el valor de Der Verlorene, donde se puede seguir el rastro de la influencia de ese cine alemán de entreguerras, a cuyo prestigio contribuyese durante la República de Weimar y, en especial, de quien le lanzó al estrellato, Fritz Lang, casi tan poco afortunado como él, tras su regreso a Alemania.
Siempre ligado a las producciones de la Warner Bros., Lorre se convirtió en una personalidad muy popular en los Estados Unidos de las décadas de 1950 y 1960, donde surgieron incluso imitadores de su marcado acento alemán y su entonación grimosa y aguda. Los dibujantes de la Warner Bros. crearon una caricatura-personaje inspirado en su peculiar fisonomía, que protagonizó algunas películas animadas junto a Bugs Bunny. Junto a otros actores clásicos de filmes de terror como Vincent Price y Basil Rathbone participó en Tales of Terror (1962), película basada en relatos de Edgar Allan Poe, dirigida por Roger Corman.
Otros filmes suyos muy populares fueron Arsénico por compasión (1944), 20.000 leguas de viaje submarino (1954) y La vuelta al mundo en ochenta días (1956). Su última película fue The Patsy (1964), una comedia de Jerry Lewis.

Murió el 23 de marzo de 1964, en Hollywood, de un accidente cerebrovascular a los 59 años de edad. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6619 de Hollywood Boulevard.
1944:

 Nace  Ric Ocasek, cantante estadounidense, de la banda The Cars.


Richard Theodore Otcasek (Baltimore, Maryland; 23 de marzo de 1944-Manhattan, Nueva York; 15 de septiembre de 2019), más conocido como Ric Ocasek, fue un cantante, compositor y productor estadounidense, conocido por ser el vocalista y líder de la banda de rock The Cars, además de productor para varios grupos, entre los que destacan Weezer, Nada Surf y No Doubt.1​

Carrera[editar]

No se sabe mucho de su historia personal, hasta que formó el grupo musical que lo llevaría a ser conocido en la escena mundial. Derivados de la escena punk de los años setenta, The Cars fue una banda new wave fundada en la ciudad de Boston, Estados Unidos, y cuya cara más visible fue Ocasek. The Cars fueron una de las primeras bandas en incursionar en la corriente pop de finales de los años setenta e inicios de los ochenta que fundía la guitarra con el incipiente sintetizador. Aunque Ocasek era la cara visible en los videos, Benjamin Orr era la presencia del grupo en los escenarios.1​2​

Inicios[editar]

Ocasek tenía 16 años cuando se interesó en la música a través de músicos como Buddy Holly y The Crickets. A principios de los años 1970 se trasladó a Boston y comenzó a tocar en una popular banda llamada Milkwood con su amigo Ben Orzechowski (quien posteriormente cambió su nombre a "Benjamin Orr"). Lanzaron un álbum en 1973, el cual pasó completamente desapercibido, lo que llevó al grupo a separarse. Inspirados por el proto-punk, Velvet Underground y Roxy Music, formaron Richard and the Rabbits y cambiaron sus apellidos de Orzechowski a Orr y de Otcasek a Ocasek.

The Cars[editar]

A mediados de los años 1970, la nueva banda incluye a los miembros adicionales Greg Hawkes (teclados y sintetizadores), Elliot Easton (guitarra) y el ex miembro de The Modern Lovers Dave Robinson (batería). Poco después, el quinteto cambia su nombre por el de The Cars (con Ocasek siendo el líder indiscutible, componiendo todas sus canciones), lo que resultó en un sonido que encajaba perfectamente con la nueva ola creciente. Firmando con Elektra, el grupo llegó vertiginosamente al estrellato con su álbum homónimo de 1978. Paralelamente Ocasek se desempeñó como productor de los artistas Suicide, Bad Brains, Romeovoid e Iggy Pop, además de publicar su primer álbum solista en 1982, llamado Beatitude.1​
En 1988 el grupo se separó, y desde entonces hasta su muerte, Ocasek se siguió presentando como solista luego de haber producido siete discos. Aunque él es más conocido como el líder, cantante, guitarrista rítmico, y el compositor de The Cars, Ric Ocasek trabajó también para una amplia variedad de artistas a través de los años.1​

Vida personal y fallecimiento[editar]

Ocasek se casó tres veces. Luego de divorciarse de su primera esposa, se casó con Suzanne Ocasek, en 1972.3​ Ocasek seguía casado con Suzanne cuando conoció a la modelo Paulina Porizkova durante la filmación del video musical de la canción «Drive» en 1984. En 1989, Ocasek y Porizkova se casaron.
Ocasek tenía seis hijos, dos de cada uno de sus tres matrimonios. Uno de sus hijos, Christopher, formó el grupo de rock Glamour Camp. Adam nació en 1970, Eron en 1973 y Derek en 1982.3​
Él y el co-fundador de la banda The Cars Benjamin Orr fueron amigos cercanos. Su amistad fue recordada en una canción que Ocasek escribió a Orr después de su muerte en 2000 («Silver», del álbum Nexterday).4​5​

Ocasek murió en Manhattan el 15 de septiembre de 2019; tenía 75 años. Según la autopsia que se dio a conocer dos días después, falleció por una enfermedad cardiovascular.6​7​8​



 https://www.youtube.com/watch?v=xuZA6qiJVfU




1943:

Nace Winston F. Groom (Washington, D.C., 23 de marzo de 1943-Fairhope, Alabama; 17 de septiembre de 2020)1​ fue un escritor, novelista e historiador estadounidense, conocido por ser el autor de la novela Forrest Gump en la que se basa la famosa película del mismo título, Forrest Gump. 2​3​






1917:

Nace Víctor Alcocer, actor de reparto y de voz y  doblaje mexicano.


Víctor Alcocer Gómez (Mérida, Yucatán, 23 de marzo de 1917 - Ciudad de México, 2 de octubre de 1984), fue un actor mexicano.
La suya fue quizá una de las voces más recordadas durante toda una época en el cine y la televisión de México, en las décadas de 1960 y 1970.

Biografía[editar]

Víctor Alcocer fue protagonista de innumerables películas durante la llamada Época de Oro del Cine Nacional, donde interpretó actuaciones secundarias y de reparto, por lo regular asociado a villanos. Fue también actor de doblaje en cine y series de televisión. En más de una ocasión prestó su voz para doblar al actor John Carradine, y en televisión se le recuerda por haber interpretado dando su voz al actor Telly Savalas, entre otros, en el personaje Kojak en la serie del mismo nombre y a John Cannon en El Gran Chaparral, en dibujos animados se le recuerda como el Oficial Matute en Don Gato y su Pandilla.
También realizó un memorable doblaje a César Romero, del "Guasón" en la serie Batman de 1966.
Dobló, asimismo, a El Santo y a Blue Demon, en varias de sus películas.
También tuvo participación durante los años que duró el programa cómico "Enrique el Polivoz" alrededor de los años 77-79, su personaje más recordado es el papá de "Henruchito".

Filmografía (doblaje)[editar]

Series de TV[editar]





1916:

Nace Ben Roberts, cocreador de la serie de tv "Los Angeles de Charlie".


Benjamin Eisenberg Roberts (23 de marzo de 1916 - 12 de mayo de 1984) fue un escritor y productor de cine y televisión, y uno de los creadores de las series de televisión Charlie's Angels y Time Express '. En 1958 fue nominado para un Premio de la Academia por escribir la película biográfica de Lon Chaney El hombre de las mil caras . También ha sido nominado para dos premios Emmy y un Premio Edgar . En 1972, Roberts ganó un Globo de Oro a la mejor serie de televisión, drama para Mannix .
Ben Roberts ingresó a la Universidad de Nueva York a los 16 años y se graduó tres años después. [ cita requerida ] Cuando tenía 22 años, Roberts dirigía con éxito su propia firma independiente de asesoramiento en relaciones públicas y contribuía material de comedia en varios musicales de Broadway. [ cita requerida ] En 1941, colaboró ​​con otro joven escritor, Ivan Goff , en el thriller de suspense teatral Portrait in Black. Trabajó brevemente en películas a principios de la década de 1940, regresó al escenario durante seis años y luego se estableció definitivamente en Hollywood en 1949. Todos sus esfuerzos cinematográficos posteriores, como guionista y productor, fueron en colaboración con su viejo amigo Ivan Goff.. La pareja contribuyó al éxito de proyectos tan variados como White Heat (1949), el Capitán Horatio Hornblower (1951), Shake Hands with the Devil (1959) y Midnight Lace (1960); y en 1957, compartieron una nominación al Premio de la Academia por su escritura en El hombre de las mil caras (1957). Ben Roberts e Ivan Goff también fueron productores ejecutivos de la serie semanal de televisión Mannix y Nero Wolfe . [1]






1910: 

Nace Akira Kurosawa, cineasta japonés (f. 1998).


Akira Kurosawa (黒澤 明 Kurosawa Akira?, Shinagawa, Tokio, 23 de marzo de 1910-Setagaya, Tokio, 6 de septiembrede 1998) fue uno de los más célebres directores de cine de Japón.
Comenzó su carrera en 1943, con Sugata Sanshiro (La leyenda del gran Judo), llegando a dirigir más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon1​ o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscarhonorífico por su trayectoria.


1908: 

 Nace Joan Crawford, actriz estadounidense (f. 1977).



Lucille Fay Le Sueur (San Antonio, Texas; 23 de marzo de 1908-Nueva York; 10 de mayo de 1977), conocida como Joan Crawford, fue una actriz de cine y televisión estadounidense ganadora de un Oscar de la Academia en 1945. En 1999 el American Film Institute la situó como la décima estrella femenina del cine de todos los tiempos.
Comenzó su carrera como bailarina de segunda en varias compañías teatrales antes de debutar como corista en Broadway, luego gracias a su carisma, personalidad y competitividad, Crawford ganó un contrato cinematográfico con la Metro Goldwyn Mayer en 1925 y se convirtió a finales de esta década en una de sus actrices más admiradas.
Durante la década de los años 1930, 1940 y 1950, Joan Crawford se convirtió en una de las actrices más aclamadas del cine de Hollywood y en una de las mejores pagadas de su tiempo junto con otras colegas de su mismo estudio cinematográfico al igual que de otros estudios como Greta Garbo, Marlene Dietrich, Myrna Loy, Bette Davis o Katharine Hepburn entre otras. A menudo interpretaba papeles de jóvenes emprendedoras y luchadoras que al final encontraban el amor; estas historias fueron bien recibidas por la crítica y el público (especialmente el femenino) en la época de la gran depresión. Después de un periodo infructuoso a finales de los años 1930 donde fue catalogada como "veneno para la taquilla", ella regresó triunfante a mediados de los años 1940 ganando el Oscar a la mejor actriz en 1945 por la película Mildred Pierce (Alma en suplicio en español). Contrajo matrimonio con el presidente de la compañía Pepsi Cola Alfred Steele e incluso después de la muerte de este, fue directora durante un tiempo de la compañía. Continuó trabajando regularmente durante los años 1960 en papeles relativamene de terror y, después de protagonizar Trog en 1970, se retiró definitivamente de la gran pantalla.

Crawford se casó 4 veces, los tres primeros acabaron en divorcio y del último, enviudó. Falleció el 10 de mayo de 1977 víctima de un cáncer de páncreas (otras fuentes citan infarto agudo de miocardio). No tuvo hijos biológicos pero si adoptó a cuatro (Christina, Christopher, Cathy y Cyndi) siendo muy famosas y polémicas las declaraciones de su hija mayor Christina Crawford, la cual retrató su supuestamente dura infancia al lado de su famosa madre en un libro convertido inmediatamente después de su publicación en un best-seller: Mamita querida, en donde la acusaba de ser una madre cruel, egoísta y manipuladora; un verdadero escándalo en ese tiempo ya que era la primera vez que la vida de un famoso se contaba de una manera tan dura por uno de sus hijos.






1903:

Nace Alejandro Casona, dramaturgo y maestro español de la generación del 27.


Alejandro Rodríguez Álvarez (Besullo, Cangas del Narcea, Asturias, 23 de marzo de 1903-Madrid, 17 de septiembre de 1965), conocido como Alejandro Casona, fue un dramaturgo y maestro español de la generación del 27.[1]​

Su producción dramática, emparentada con el «teatro poético» surgido del modernismo de Rubén Darío, guarda cierto paralelismo con la de Federico García Lorca, si bien su poética tiene el regusto amargo de la supervivencia.[2]​

En sus propias palabras:

Tenía que escribir el teatro del amor, del odio, de la venganza (....) Se me puede acusar, con razón, de estar desligado del dato contingente, pero no del hombre.[3]​
Alejandro Casona

Biografía

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Alejandro Casona nació en Besullo, una aldea montañesca asturiana, nieto de un herrero, hijo de Faustina Álvarez García y Gabino Rodríguez Álvarez, ambos maestros. Su único juguete en la infancia fue un castaño (la "Castañarona").[4]​ Los traslados constantes de sus padres le llevaron a Villaviciosa y Gijón, donde descubrió el mar y empezó el bachillerato. Su adolescencia y mocedad transcurrieron en Palencia y Murcia. En Murcia, estudió en la Escuela Normal de Magisterio, en la Facultad de Filosofía y Letras y en el Conservatorio de Música y Declamación. También se inició como obrero en una carpintería y, tras una escapada con su amigo Antonio Martínez Ferrer como aprendices de cómicos de la legua, trabajó de actor en la compañía de Josefino Díaz y Manuela Collado.[5]​

En 1922 entró en la Escuela de Estudios Superiores de Magisterio de Madrid, y cuatro años después obtuvo el título de Inspector de Primera Enseñanza, ganando plaza en el Valle de Arán (1928), donde llegó a poner en marcha un grupo de teatro infantil con el nombre de El pájaro pinto.[6]​ En octubre de ese año, se casó en San Sebastián con Rosalía Martín Bravo, compañera de estudios en Madrid. El joven matrimonio se instaló en el pueblo de Lés, provincia de Lérida, donde nació, en 1930, su única hija, Marta Isabel, y permanecieron hasta febrero de 1931. En ese periodo, Casona adaptó El crimen de Lord Arturo de Wilde, que fue estrenada en 1929 en Zaragoza por la compañía de Rafael Rivelles y María Fernanda Ladrón de Guevara, y en la que por primera vez aparecía en cartel el seudónimo Alejandro Casona (en honor a la "casona del maestro" de su pueblo natal, Besullo).

Su vocación didáctica, inspirada en el ideario de la Institución Libre de Enseñanza, le valió ser nombrado por Manuel Bartolomé Cossío (presidente del Patronato de las Misiones Pedagógicas creadas durante la Segunda República Española) director, junto con el músico Eduardo Martínez Torner del Teatro ambulante o Coro y Teatro del Pueblo. Este grupo, de 1932 a 1935, recorrió gran parte de la España profunda llevando a escena piezas breves del teatro clásico español. Para este proyecto el propio Casona escribió versiones dramáticas de cuentos y relatos famosos de la literatura española como Sancho Panza en la Ínsula y Entremés del mancebo que casó con mujer brava. También adaptó al teatro obras representativas de la literatura mundial, tanto para adultos como para niños y jóvenes.

Foto del reportaje aparecido en el número 229 de la revista Crónica de Madrid, en 1934, tras el estreno en el Teatro Español de La sirena varada, en la que aparece la intérprete principal, Margarita Xirgú, y Pedro López Lagar.

En 1932, consiguió el Premio Nacional de Literatura por Flor de leyendas, una colección de lecturas para jóvenes, ilustrada por Rivero Gil. Al año siguiente se le concede el premio Lope de Vega del Ayuntamiento de Madrid. Con tal espaldarazo, consiguió poner en escena por fin una de sus principales creaciones: La sirena varada, pieza antinaturalista, definidora ya de su estilo poético a la par que misterioso ("misterioso a la asturiana", como escribió Max Aub al hablar de él).[7]​ La obra fue estrenada el 17 de marzo de 1934 en el Teatro Español por la compañía de Enrique Borrás y Margarita Xirgu.

Sin embargo, el estallido de la guerra civil española rompió toda expectativa de futuro para Casona. Su compromiso con el gobierno de la República fue firme, pero pronto se dio cuenta de que la guerra iba para largo. Estuvo en un hospital de Madrid montando representaciones para heridos de guerra con el Teatro del Pueblo y dando alguna conferencia sobre teatro en Valencia antes de dejar España en febrero de 1937, con la compañía de Pepita Díaz y Manuel Collado Montes.[8]​

1937-1962

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Exiliado en un principio en México, tras un éxodo por Costa Rica, Venezuela, Perú, Colombia y Cuba, se estableció finalmente en Buenos Aires, Argentina, en 1939. Fuera de España estrenó el cuerpo central de su obra, en el que Casona desarrolló en profundidad su estilo teatral, movido siempre por lo que en palabras de Genoveva Dieterich podría definirse como «... el conflicto entre la realidad y la fantasía, la evasión a un mundo poético mejor, la búsqueda de la felicidad, la fuerza redentora del amor, la realidad del sueño...».[9]​ De ese periodo son, entre otras: Prohibido suicidarse en primavera, La dama del alba, La barca sin pescador, Los árboles mueren de pie, La tercera palabra o La casa de los siete balcones.

1962-1965

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Regresó a España en 1962, donde estrenó con éxito de público y gran alboroto crítico lo mejor de su producción. Aceptado y en cierto modo utilizado por la política aperturista del último franquismo, Casona fue, sin embargo, rechazado por la crítica más joven que lo tildó de trasnochado y conservador. Uno de sus grandes verdugos fue la revista Primer Acto; entre las demoledoras críticas, quizá las más reflexivas fueron las de su director José Monleón, recogidas y revisadas años después en Treinta años de teatro de la derecha (1971).[nota 1]​

Discutido por unos y consagrado por otros, Casona puso en escena su última obra, un retrato de Francisco de Quevedo, titulada El caballero de las espuelas de oro en 1964, con una excelente interpretación de José María Rodero. Murió el 17 de septiembre de 1965 en Madrid.




1900: 

Nace Erich Fromm, psicoanalista germano-estadounidense (f. 1980).


Erich Seligmann Fromm (23 de marzo de 1900 en Fráncfort del Meno, Hesse, Alemania-18 de marzo de 1980 en Muralto, Cantón del Tesino, Suiza) fue un destacado psicoanalista, psicólogo social y filósofo humanista de origen judío alemán. Durante una parte de su trayectoria se posicionó políticamente defendiendo la variante marxista del socialismo democrático.
Miembro del Instituto de Investigación Social de la Universidad de Fráncfort, Fromm participó activamente en la primera fase de las investigaciones interdisciplinarias de la Escuela de Fráncfort, hasta que a fines de los años 40rompió con ellos debido a la heterodoxa interpretación de la teoría freudiana que desarrolló dicha escuela, la cual intentó sintetizar en una sola disciplina el psicoanálisis y los postulados del marxismo (freudomarxismo). Fue uno de los principales renovadores de la teoría y práctica psicoanalítica a mediados del siglo XX.1​







1881: 

Nace Roger Martin du Gard, novelista francés, premio nobel de literatura en 1937 (f. 1958).


Roger Martin Du Gard (Neuilly-sur-Seine, Francia, 23 de marzo de 1881 - Bellême, Orne, 22 de agosto de 1958). Novelista francés.
Nacido en una familia acomodada, de abogados y magistrados, su situación le permitió dedicarse a la literatura.
Estudió en el Lycée Janson de Sailly de París.
De vocación literaria precoz, fue consciente de ella tras leer la novela de Lev Tolstoi, Guerra y Paz. Para intentar consolidar su vocación de novelista, inicia estudios de Letras, pero no consigue licenciarse. Se presenta entonces a la oposición de la École des chartes y obtuvo la plaza de archivero-paleógrafo, con una tesis sobre la abadía de Jumièges.
En 1908 publica su primera novela Devenir. Tras la publicación en 1913 de Jean Barois, en la que Martin du Gard aborda el caso Dreyfus le permite trabar amistad con André Gide y Jacques Copeau.
Participó como soldado en la Primera Guerra Mundial. Cuando esta terminó, empieza la redacción de la que será su obra magna: la saga de Los Thibault. En ella no trata de demostrar nada. No juzga, no condena: muestra a veces de modo demasiado fragmentario la evolución de la religión contemporánea, como el hecho de la separación entre la Iglesia y el Estado Francés en 1905.
Recibe el Premio Nobel de Literatura en 1937. A partir de ese momento su obra deja de ser considerada relevante por parte de la crítica, hasta el momento en el que Albert Camus la vuelve a reivindicar.
Puede considerarse un heredero de la novela realista tradicional del siglo XIX; sin embargo, la certeza de sus descripciones, sus detalles narrativos y la penetración psicológica que hace de sus personajes, hacen que no se le pueda calificar como un escritor falto de innovación y fuerza.
Pasará la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial en Niza. Allí empezará a elaborar una novela que permanecerá inconclusa el Diario del coronel de Maumort, que se publicará a título póstumo. Esta publicación, al igual que otras que también fueron póstumas (correspondencia, diario, relatos cortos) hace más compleja la figura de un escritor que se reivindicó a sí mismo como novelista.






1842: 

Muere Stendhal (Henrí Beyle), escritor francés (n. 1783).


Henri Beyle (Grenoble, 23 de enero de 1783-París, 23 de marzo de 1842), más conocido por su seudónimo Stendhal, fue un escritor francés.
Valorado por su agudo análisis de la psicología de sus personajes y la concisión de su estilo, es considerado como uno de los primeros y más importantes representantes literarios del realismo. Es conocido sobre todo por sus novelas Rojo y negro (Le Rouge et le noir, 1830) y La cartuja de Parma (La chartreuse de Parme, 1839).
1749: 

 Nace Pierre Simon Laplace, matemático y astrónomo francés (f. 1827).



Pierre-Simon Laplace (francés: /pjɛʁ simõ laplas/; Beaumont-en-Auge, Normandía, Francia, 23 de marzo de 17491​-París, 5 de marzo de 1827) fue un astrónomo, físico y matemático francés. Continuador de la mecánica newtoniana, descubrió y desarrolló la transformada de Laplace y la ecuación de Laplace; como estadístico sentó las bases de la teoría analítica de la probabilidad; y como astrónomo planteó la teoría nebular sobre la formación del sistema solar. Compartió la doctrina filosófica del determinismo científico.
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