El 16 de abril es el 106.º (centésimo sexto) día del año del calendario gregoriano y el 107.º en los años bisiestos. Quedan 259 días para finalizar el año.
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Luis Sepúlveda Calfucura (Ovalle, Chile; 4 de octubre de 1949-Oviedo, Asturias, España; 16 de abril de 2020)[1] fue un escritor, periodista y cineasta chileno, autor de cuentos y novelas. Residió en Gijón (España) las últimas décadas de su vida.
Primeros años
[editar]Nació en el Hotel Chile de Ovalle, durante «la fuga de amor bajo mandato de captura», porque, como explicaba su madre, «era menor de edad y habían escapado porque el padre de ella, que había al novio por rapto, se oponía tenazmente al romance».[2] Su padre, Luis Sepúlveda, militante del Partido Comunista (PC), era dueño de un restaurante y su madre, Irma Calfucura, enfermera de origen mapuche.
Creció en el barrio San Miguel de Santiago y estudió en el Instituto Nacional, donde comenzó a escribir inspirado por una profesora de Historia.[2]
Estudios y militancia política
[editar]Manifestaba haber nacido «rojo, profundamente rojo». A los quince años ingresó en la Jota, las Juventudes Comunistas de Chile, pero fue expulsado en 1968 y después militó en una fracción del Partido Socialista llamada Ejército de Liberación Nacional.[2] Hizo los estudios primarios en la escuela Francisco Andrés Olea (Santiago) y los secundarios en el Instituto Nacional. Después ingresó en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile de la que se tituló como director. Años más tarde hizo una licenciatura en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Heidelberg, Alemania.
Actividad profesional y exilio
[editar]A los diecisiete años publicó su primer libro, un poemario, y un periodista que frecuentaba el restaurante paterno le consiguió trabajo como redactor policial en el diario Clarín. A los veinte años ya tenía bastantes relatos, que «un buen amigo» ordenó, dando nacimiento a su primera recopilación de cuentos: Crónicas de Pedro Nadie.[3]
Reconoció la gran influencia que tuvo Francisco Coloane en sus primeros cuentos.[3] Después de leer a este escritor, Sepúlveda llegó a emplearse como pinche de cocina en un barco ballenero.
Consideraba que sus años más felices fueron los de la Unidad Popular (UP). En 1971 se casó con la poetisa chilena Carmen Yáñez Hidalgo, a quien había conocido cuatro años antes; en 1973 nació su hijo Carlos Lenin, pero el matrimonio se deshizo pronto. Se reencontraron veinte años después en Alemania y volvieron a formar pareja.
Después del golpe militar encabezado por Augusto Pinochet, Sepúlveda estuvo detenido en el Regimiento Tucapel de Temuco y encarcelado casi tres años por la dictadura de Pinochet que le conmutó 28 años de prisión por ocho de exilio.
En 1977 abandonó Chile, estuvo en Buenos Aires, luego pasó a Montevideo y después a Brasil. Más tarde cruzó a Paraguay, Bolivia, Perú y Ecuador, donde trabajó un tiempo y conoció a los indios shuar. En ese país ingresó en la Brigada Internacional Simón Bolívar, con la que partió a Nicaragua a principios de 1979 para participar en la Revolución Sandinista.
Poco después del triunfo de la revolución, se fue a Alemania y se instaló en Hamburgo, ciudad en la que trabajó como corresponsal de prensa y escribió relatos, teatro y alguna novela. Allí vivió catorce años, se casó con Margarita Seven, con quien tuvo tres hijos, se incorporó al movimiento ecologista, y, como corresponsal de Greenpeace, atravesó los mares del mundo entre 1983 y 1988.[2]
Para Luis Sepúlveda la única obligación del escritor era «contar bien una buena historia y no cambiar la realidad, porque los libros no cambian el mundo. Lo hacen los ciudadanos». Así lo repetía el narrador, guionista y cineasta chileno.
Había narrado Sepúlveda su azarosa vida a través de su alter ego, Juan Belmonte, exguerrillero y escolta de Allende creado en 1994 para la novela Nombre de torero. Recurrió a él para «hacer memoria» y combatir «a quienes defienden la amnesia como razón de Estado, como se quiso hacer en Chile».
Belmonte fue el protagonista de uno de sus últimas novelas El fin de la historia, una intriga policíaca que atraviesa el siglo XX, de la Rusia de Trotski al Chile de Pinochet, e indaga en las terribles consecuencias de la tortura recorriendo las alcantarillas del poder, la política y la diplomacia o a 1000 años de cárcel por crímenes durante la dictadura. Tras la negativa del gobierno chileno a esta petición, los cosacos amenazaron con "lesionar" las relaciones entre Rusia y Chile. Sepúlveda, que se negaba a olvidar, regresó con él a la realidad chilena que marcó su vida y su generación narrando el rescate de Verónica, víctima de las torturas pinochetistas, «desconectada de la realidad, e incapaz de superar los traumas de la tortura y la violación». Dedicó aquella novela a su compañera de entonces Carmen Yáñez, poetisa a quien convirtió en Sonia, la prisionera 824, «y a quienes pasaron por el infierno de Villa Grimaldi, uno de los más terribles campos de exterminio y tortura de la "dictadura" de Pinochet».
Como escritor, saltó a la fama internacional después de publicar, en 1989, su novela inspirada por su experiencia de convivencia con los shuar Un viejo que leía novelas de amor, que se convirtió en un superventas con numerosas ediciones. Vendió más de 18 millones de copias de este canto de amor a la literatura, la lectura y la conservación de la naturaleza. Traducido a una veintena de idiomas, fue texto de lectura en institutos y universidades.
Desde entonces, el éxito acompañó sus libros —novelas, cuentos, viajes, artículos—, que han sido traducidos a muchos idiomas y han recibido numerosos premios, como el Premio de La Felguera a relato breve en 1990.
Residió desde 1997 en Gijón, (Asturias), España, donde fue fundador y director del Salón del Libro Iberoamericano de Gijón, que se celebra todos los años durante la segunda semana de mayo.
Sepúlveda y el cine
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El italiano Enzo D'Alò filmó Historia de una gaviota y del gato que le enseñó a volar, película de animación basada en la obra homónima y estrenada en 1998.[4] Sepúlveda mismo dobla al personaje del Poeta en italiano y en español. En 2000 apareció en la película italiana Bibo per sempre. En 2001 el director australiano Rolf de Herr dirigió la adaptación cinematográfica de su novela Un viejo que leía novelas de amor.[5]
Su relato Café ha sido objeto de adaptaciones para cortometrajes en Grecia, Italia y Francia, y Cuando no tengas un lugar donde llorar fue llevada a la pantalla grande por la Escuela de Cine de Londres en 2010.
Sepúlveda escribió el guion y dirigió el largometraje Nowhere, premio del público en el Festival de Marsella 2002,[6] y del cortometraje Corazón verde, galardonado como el mejor documental en el Festival de Venecia 2003.[7] Es autor junto a Tonino Guerra y Miguel Littín del guion de Tierra del Fuego, película dirigida por Littín.
En 2011 Sylvie Deluele filmó para el canal de televisión francoalemán Arte una película de aproximadamente una hora sobre su vida y obra titulada Luis Sepúlveda, el escritor del fin del mundo.[8]
Fallecimiento
[editar]El 16 de febrero de 2020, fue el primer paciente de COVID-19 en Asturias, tras regresar de una visita al festival literario Correntes d'Escritas, en Póvoa de Varzim, Portugal,[9] y el segundo chileno contagiado con esta enfermedad,[10] y lo ingresaron en el Hospital Universitario Central de Asturias (HUCA), en cuya unidad de cuidados intensivos (UCI) permaneció 48 días en coma y con respiración asistida[11] hasta su fallecimiento, el 16 de abril de 2020.
Carmen Yáñez, esposa del escritor, estuvo también aquejada de COVID-19 y permaneció ingresada en el mismo centro hospitalario hasta el 18 de marzo, con síntomas asociados al coronavirus que no revistieron gravedad.[12][13
2016:
Muere Guillermo González, compositor, arreglista y director musical colombiano.
Biografía[editar]
Arreglos[editar]
Composiciones[editar]
Fallecimiento[editar]
Contenido
Vida y carrera [ editar ]
Muerte [ editar ]
Entre 1982 y 1983 protagonizó la serie de aventuras de una temporada Gavilan. En 1984 fue John Darcy en la miniserie La hija de Mistral y realizó su único papel protagonista cinematográfico con la película de ciencia ficción con elementos de comedia Guerreros del espacio, donde fue el aventurero intergaláctico Jason.
En 1985 secundó a Timothy Hutton en el film ambientado en el mundo de los bomberos Turk 182: el rebelde de Bob Clark. En 1986 protagonizó y produjo el telefilm The Defiant Ones, donde compartió reparto con Carl Weathers. Entre 1985 y 1988 consiguió uno de sus mayores éxitos televisivos con la serie policíaca Spenser, detective privado, en la que encarnó al detective Spenser, un duro expolicía y exboxeador, que vive en una vieja estación de bomberos y tiene como colaborador a Hawk (Avery Brooks), un afroamericano que opera a ambos lados de la ley. Para contrastar con la rudeza de su profesión, en su tiempo libre, Spenser es un exquisito cocinero y tiene una novia más o menos oficial llamada Susan Silverman (Barbara Stock).
La serie permaneció en antena durante 3 temporadas y en los años noventa dio origen a cuatro telefilms también protagonizados por Robert Urich y Avery Brooks titulados Spenser: ceremony (1993), Spenser: Pale Kings and Princes (1994), Spenser: the Judas goat (1994) y Spenser: a savage place (1995). Para el recuerdo, el estupendo tema central de la serie a ritmo de saxofón.
A finales de los años ochenta participó en las miniseries Amerika (1987) y Lonesome Dove (1989), esta última un aclamado western en el que coincidió con Robert Duvall, Tommy Lee Jones, Danny Glover y Diane Lane. A principios de los años noventa actuó en tres series de una sola temporada tituladas American dreamer (1990-1991), Crossroads (1992-1993) y Tenías que ser tú'' (1993), en esta última compartiendo reparto con Faye Dunaway.
En 1996 le diagnosticaron un cáncer y a partir de ese momento compaginó su tratamiento para combatir la enfermedad con su carrera artística. Ese año protagonizó la serie de una temporada ambientada en el oeste americano The Lazarus Man. Posteriormente fue el presentador de los programas Boatworks y Vital sings, ambos emitidos en 1997, una labor que ya había llevado a cabo en la serie documental National Geographic Explorer (1988-1995). A partir de 1998 comenzó a colaborar como conferenciante en la American Cancer Society y obtuvo el premio Gilda Radner Courage por su labor humanitaria en la lucha contra esta enfermedad.
En 1998 prestó su voz a la serie animada Invasion to America. Su siguiente trabajo como protagonista fue la serie Vacaciones en el mar: la nueva tripulación, una secuela de Vacaciones en el mar de sólo dos temporadas, en la que interpretó a Jim Kennedy, el Capitán del nuevo transatlántico de lujo.
Durante esta década participó con frecuencia en telefilms como 83 hours 'til dawn (1990), Stranger at my door (1991), Blind man's bluff (1992), Deadly relations (1993), A perfect stranger (1994), A horse for Danny (1995), Capitanes intrépidos (1996), Descenso final (1997) o Final Run (1999).
A principios del siglo XXI realizó sus últimos trabajos interpretativos en los telefilms Aftermath (2001), For love of Olivia (2001), Justicia infinita (2002) y Night of the wolf (2002).
Aunque en los últimos años había luchado contra su cáncer con resultados favorables, falleció a consecuencia de esta enfermedad el 16 de abril de 2002 en California, a la edad de 55 años.
Vida personal
[editar]En lo personal estuvo casado en dos ocasiones, en ambos casos con actrices: entre 1968 y 1974 estuvo unido a Barbara Rucker y, desde 1974 hasta su fallecimiento, estuvo casado con Heather Menzies, con quien tuvo 3 hijos: Ryan, Emily y Allison.[cita requerida]
Juventud
[editar]Nació en el seno de una familia de ideología progresista. Tras graduarse en Derecho en la Universidad de La Habana en 1951, estudió cine en el Centro Sperimentale di Cinematographia en Roma, graduándose en 1953. Tuvo una importante influencia del neorrealismo italiano, y grabó su primera película en Roma con su futuro colega cubano Julio García Espinosa, con el que codirigió la película documental El Mégano.
Con el triunfo de la Revolución cubana comandada por Fidel Castro en 1959, Gutiérrez Alea, Espinosa, y otros jóvenes cineastas fundaron el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico (ICAIC). Como partidarios convencidos de la Revolución, el ICAIC era un colectivo de cineastas que creía que la película podía ser la forma de arte moderna más importante y el mejor medio para difundir el pensamiento revolucionario entre las masas.
La película Esta Tierra Nuestra fue el primer documental realizado tras el triunfo revolucionario. El ICAIC se centró sobre todo en los documentales y los noticieros en sus años iniciales, pero se dedicó eventualmente en la producción de las películas narrativas, incluyendo Historias de la revolución (1960) primera película de ficción del ICAIC, y Doce sillas (1962).
Titón fue, además, un pianista excepcional. Alumno predilecto de César Pérez Sentenat, solía interpretar con brillantez a los románticos, especialmente, Federico Chopin y Claude Debussy.
Trabajos más conocidos
[editar]La primera película trascendente de Gutiérrez Alea, Muerte de un burócrata (1966) es una especie de homenaje a la historia de la comedia cinematográfica, e incluye alusiones directas al trabajo de Buster Keaton, Laurel & Hardy, Luis Buñuel, y de muchos otros.
La historia sigue una trama basada en la confusión de un hombre joven vagando por oficinas burocráticas para intentar exhumar el cadáver de su tío que había sido enterrado con su carnet laboral, sin el cual su viuda no puede tener derecho a una pensión, de la que es legalmente beneficiaria del causante. La película se convierte en una sátira penetrante contra la burocracia del Estado.
Su siguiente película, Memorias del Subdesarrollo (1968), es indudablemente su obra maestra. Fue también la primera película cubana que se exhibirá en los Estados Unidos desde la Revolución. De acuerdo con la novela de Edmundo Desnoes, la película muestra la vida intelectual de un burgués de moral ambigua en La Habana en el período de tiempo entre la invasión de Bahía de Cochinos y la Crisis de los Misiles. El protagonista está poco dispuesto a tomar una postura política unidireccional, y con todo continúa desdeñando el país que le rodea que se está volviendo al revés y subdesarrollado. Su vida se descolora en el nihilismo, convirtiéndose en una personalidad que no tiene ningún papel en la nueva Cuba.
En sus propias palabras, Gutiérrez define la película un “collage… con un poco de todo”. Gutiérrez utiliza una rica variedad de estilos fílmicos en la película, pasando de las secuencias narrativas de estética documental que utilizan enfoques fijos tomados de cámaras de mano a las secuencias del montaje de agitación evocadoras de las películas de los cineastas soviéticos tempranos tales como Sergéi Eisenstein.
Hace uso de varios tipos de medios, incluyendo fotos inmóviles, imágenes de archivo y gran cantidad de noticieros, los clips de las películas de Hollywood, y los discursos grabados de Fidel Castro y John F. Kennedy, creando una apariencia de desorden en el lenguaje de la película que está en claro contraste con el estilo de Hollywood.
Aunque la crítica de la sociedad revolucionaria y del individuo cubano estaba en el fondo no sólo de Memorias del subdesarrollo, sino de todos sus trabajos, Gutiérrez Alea no deja de ser un partidario dedicado del socialismo cubano. Pero sus trabajos no se podían describir como mera propaganda. Gutiérrez describió la motivación para su posición contradictoria diciendo: “… el cine proporciona un elemento activo y de movilización, que estimula la participación en el proceso revolucionario. Entonces, no es suficiente tener un cine moralizante basado en el arangue y la exhortación. Necesitamos un cine que promueva y desarrolle una actitud crítica. Pero ¿cómo criticar y al mismo tiempo consolidar la realidad en la cual nos sumergen?”.
Últimos trabajos
[editar]En las décadas siguientes, Gutiérrez dividió su tiempo entre la creación de sus propias películas y enseñando a jóvenes promesas del cine en el ICAIC.
En 1972 y 1976, respectivamente, Gutiérrez terminó dos películas históricas, Una pelea cubana contra los demonios y La última cena. Ambas ambientadas en la Cuba colonial española, las películas analizan las contradicciones y la hipocresía en la sociedad cubana más allá del imperialismo, de la religión, y de la esclavitud.
Hasta cierto punto (1984) era el siguiente trabajo acertado de Gutiérrez. En un acercamiento similar a las Memorias del subdesarrollo, narra un cuento semi autobiográfico sobre el amor entre un documentalista y una obrera (interpretada por la esposa de Gutiérrez Alea, Mirtha Ibarra).
En los primeros años 90, Gutiérrez enfermó, viéndose obligado a codirigir sus dos películas siguientes con su amigo Juan Carlos Tabío. La primera, Fresa y chocolate (1993) se convirtió en la primera película cubana nominada para los Óscar de la academia para la mejor película extranjera.
La historia de la película se centra en la relación conflictiva entre un estudiante marxista convencido y un artista gay. La última película del cineasta cubano, Guantanamera, (1995) emplea elementos ya tradicionales, tales como una trama interrelacional y una comedia romántica para llegar a un acercamiento más sutil hacia los viejos blancos de Gutiérrez: el subdesarrollo y la burocracia.
Murió a la edad 68 años el 16 de abril de 1996 y fue enterrado en el Cementerio de Colón, en La Habana.
Índice
Trayectoria[editar]
En la industria hollywoodiense[editar]
1972:
Yasunari Kawabata (川端 康成 Kawabata Yasunari, Osaka, 11 de junio de 1899-Zushi, 16 de abril de 1972)[1] fue un escritor japonés,[2] destacado junto a otros maestros nipones[3] del siglo XX,[4] como Ryūnosuke Akutagawa, Jun'ichirō Tanizaki, Osamu Dazai o Yukio Mishima, de quien fue amigo y mentor.[5] Kawabata fue el primer japonés que obtuvo el Premio Nobel de Literatura 1968[6] y el segundo asiático tras Rabindranath Tagore.[7]
Biografía
[editar]Kawabata nació en Osaka, el 11 de junio de 1899, en el seno de una familia acomodada (su padre era médico). A los cuatro años de edad quedó huérfano, por lo cual fue enviado a vivir con sus abuelos paternos. Su hermana mayor fue adoptada por una tía y la volvería a ver tan solo una vez más, cuando la niña tenía diez años (su hermana murió a los once años). Su abuela murió en 1906 y su abuelo en 1914, cuando Yasunari contaba con aproximadamente quince años.
Tras la muerte de sus abuelos paternos, Kawabata se fue a vivir con sus abuelos maternos (los Kuroda). Sin embargo, en enero de 1916 se trasladó a una pensión, cerca de una escuela a la cual se llegaba en tren y se graduó en 1917. En 1920 ingresó a la Universidad de Tokio en la carrera de literatura en lengua inglesa, y un año después se cambió a la de literatura japonesa.[8] Mientras cursaba la Universidad, revivió la revista literaria Shinjichō (新思潮? literalmente, la nueva tendencia del pensamiento) donde publicó algunos de sus trabajos, con lo que se abrió camino en el mundo literario.
Primer amor y ambición de convertirse en novelista
[editar]En marzo de 1915, ingresó en un internado de una escuela secundaria,[9][10] recogido en Volumen suplementario 1, Diario, 1984, pp. 141-142, donde Yasunari comenzó su vida, y en su pupitre del dormitorio exhibía una de las fotografías más bellas de su difunto padre Eikichi, un niño hermoso,[11][12] Dos alumnos de cursos inferiores, Souichi Oyake y Youmasa Ogata, también estaban en la escuela[12]. Oyake y Yasunari nunca intercambiaron palabras en aquella época, pero Oyake era una estrella entre los chicos como famoso colaborador de revistas como Middle School World y Boys' World[12]. Yasunari fue miembro de la Escuela Shirakaba, entre los que se encontraban Mushanokoji Saneatsu, Boss Shoken, Osamu Ema, Torusei Horikoshi, Junichiro Tanizaki, Yayoko Nogami, Akiyoshi Tokuda, Dostoievski, Chéjov Antón Chéjov, El cuento de Genji, El libro de la almohada, etc.[12][13],[14] se obsesionó con la literatura de Gion y Río Kamo Hanayagi representada por Mikihiko Osada, yendo a veces solo a Kioto y paseando hasta altas horas de la noche[12].
Cuando una obra de su compañero de clase Masamitsu Shimizu se publicó en el semanario local Keihan Shimpo, el deseo de Yasunari de ver sus escritos en letra impresa comenzó a crecer, y empezó a enviar tankas al Mundo de la escritura y a otras publicaciones, pero todas ellas fueron infructuosas y recibieron poca respuesta, lo que le llevó a la decepción y a la desesperación.[13] En su diario de esta época, escribió: "Los estudios de inglés se han vuelto muy desorganizados. No debería ser así. Estoy decidido a escribir novelas en lenguas extranjeras libremente en inglés, francés, ruso, alemán y otros idiomas, y sigo pensando en el Premio Nobel.".[15]
Decidido, Yasunari visitó el Keihan Shimpo el 18 de febrero de 1916 (Taisho 5) y conoció a un amable joven reportero literario juvenil llamado Kobayashi, que le ayudó a conseguir que se publicaran su pequeña obra "Al teniente H", relatos cortos y poemas breves[13]. En abril, se convirtió en el jefe del dormitorio. Durante esta vida en el dormitorio, Yasunari desarrolló un inocente afecto por Seino (cuyo nombre real era Yoshito Ogasawara), un estudiante de segundo año de la misma habitación, y tuvieron una relación amorosa homosexual (sin intimidad física)[16][17] (Take Hayashi, 1976, pp. 55-96), y escribió en su diario que "Ogasawara es un chico realmente puro y tan tierno que estaría encantado de tener a una mujer así como esposa".[18] Este amor juvenil sería luego narrado por Kawabata en su obra Shōnen (1952), en la que incluyó fragmentos de su diario y correspondencia entre ambos.
Kawabata recuerda que "cuando era estudiante, todavía me tentaban más los chicos que las chicas"[16]. Él y Yoshito Ogasawara mantuvieron correspondencia después de que Yasunari se graduara en la escuela secundaria y se trasladara a Tokio, y continuó visitando la casa familiar de Ogasawara tras ingresar en el Ichiko y en la Universidad Imperial[16]. Yasunari escribió en la última mitad de una carta que se quedó para enviar a Ogasawara que "amaba tus dedos, manos, brazos, pecho, mejillas, párpados, lengua, dientes y piernas" (esta última parte de la carta fue presentada como composición en una clase en Ichiko)[16]
La familia de Ogasawara Yoshito vivía en la prefectura de Kioto ciudad de Kioto Shimogyo-ku, aldea de Kamisaga (actual Ukyo-kuSagano), y la familia era seguidora del Oomoto-kyo[16].[19] Yoshito Ogasawara nació el 11 de noviembre de 1900. Era el tercero de cinco hijos y tres hijas y el hijo mayor. Su abuelo, Yataro Yoshinobu, era un guerrero del clan Kii (familia Takatenjin Ogasawara[20]). El gran antepasado fue Shinra Saburo Yoshimitsu, hermano menor de Seiwa Genji Minamoto no Yoshie, y la nariz del familia Ogasawara fue Nagakiyo[17]. El padre de Yoshito, Yoshiyuki, era el segundo hijo de Gisaburo Mori, un guerrero del clan Kii, e hijo adoptivo de Yoshinobu. Su madre, Hisa, era la hija mayor del guerrero del clan Kaga y gonadoyaku Kaoru Iimori[17]
En su experiencia con Yoshito Ogasawara, Yasunari experimentó "una sensación de paz que nunca antes había sentido en su vida", y pudo "ver la luz del camino de la aspiración para escapar de aquello a lo que se había apegado", habiendo sido prisionero de "sentimientos de orfandad". Kawabata describió su relación con Seino (Ogasawara Yoshito) como "el primer amor que conocí en mi vida" y "mi primer amor",[13] y dijo. {Ella dice: [13] "Este amor me calentó, me purificó, me salvó. Seino era un niño puro e inocente que no pertenecía a este mundo. Desde entonces hasta la edad de cincuenta años, parece que nunca he encontrado este tipo de amor. |Kawabata Yasunari, "Dokage Jimei" [13]
En septiembre de ese mismo año, Nakajo Yuriko, que tenía la misma edad que Yasunari, publicó su primera novela en Chūō Kōron por recomendación de Tsubouchi Shōyō, sorprendiendo a Yasunari, que era un "yo de provincias", y fue por entonces cuando empezó a moverse poco a poco en su interior el deseo de establecer conexiones con los círculos literarios centrales[13]. Ese mismo año, a través de la presentación de su primo materno, Yoshiai Akioka, que había apoyado las aspiraciones de Yasunari de convertirse en escritor, inició correspondencia con Shutaro Nanbu, un escritor en ascenso en Sanda Bungaku que era amigo de Yoshiai[13][21].[22] En otoño de ese año, la finca familiar en Pueblo ToyokawaOaza Shukukusho, donde vivía con su abuelo, fue vendida a un miembro de la rama familiar, Kawabata Iwajiro (yerno de la hermana de Kawabata Matsutaro)[13].
Desarrollo
[editar]En 1924 terminó la Universidad, y apareció el primer número de Bungei-jidai (文芸時代, Época del Arte Literario), una revista de un grupo de intelectuales al que pertenecía.[23] Esta publicación reunía a nuevos y prometedores literatos que al escribir utilizaban un estilo (el "Shinkankaku-ha" 新感覚派, la nueva escuela de las sensaciones) donde la composición constaba en la aprehensión sensitiva de la realidad a la manera de los intelectuales. Debutó como escritor al publicarse La bailarina de Izu en 1927, alcanzando la consagración en Japón diez años más tarde con País de nieve.
Además de escritor, trabajó como reportero, sobre todo para el Manichi Shimbun. A pesar de que se apartó del fervor que acompañó a la Segunda Guerra Mundial, tampoco mostró mucho interés en las reformas políticas de la postguerra. Y junto con la muerte de sus familiares durante su juventud, Kawabata señalaba que la guerra fue una de sus mayores influencias, expresando que solo podía escribir elegías en el Japón de la postguerra; aun así, muchos críticos no detectaron un gran cambio en los escritos de Kawabata antes y después de la guerra.
Recibió la medalla Goethe en Fráncfort en 1959.[24] Ganó el Nobel de literatura en 1968, y dio el discurso llamado "Yo, del bello Japón" (美しい日本の私 Utsukushii Nihon no watashi?). El 16 de abril de 1972, enfermo y deprimido, dolido sin duda por la muerte de su amigo Yukio Mishima, que lo había definido como un "viajero perpetuo", se suicidó en un pequeño apartamento a orillas del mar, se cree que inhalando gas. Ese mismo año se publicó póstumamente la biografía ficticia El maestro de Go.
Sus libros más conocidos en Occidente son País de nieve (雪国 Yukiguni?),[25] El maestro de Go,[26] El sonido de la montaña,[27] y La bailarina de Izu.[28]
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Alisha Ann Itkin (nacida el 16 de abril de 1968) es una cantante de freestyle, pop y dance de Brooklyn, Nueva York, que tuvo varios éxitos en la década de 1980 y 1990.[1]
Carrera musical
[editar]Su primer álbum homónimo, producido por Mark Berry y lanzado en Vanguard Records, incluía los éxitos "All Night Passion" (#4 en Hot Dance US), "Baby Talk" (#1 en Hot Dance US), y "Too Turned On" (#6 en Hot Dance US), y vendió más de dos millones de copias. Su segundo álbum, Nightwalkin', fue lanzado en RCA Records en 1987 e incluía las canciones "Do You Dream About Me?" (para la película Mannequin) y "Into My Secret" (que llegó a #9 en Hot Dance US). Su tercer álbum, Bounce Back, fue producido por Michael Jay y fue lanzado en MCA Records en 1990. Incluía el sencillo "Wrong Number", como también de fondo las voces de Martika y Donna De Lory.
En 1996, Alisha lanzó el sencillo "Wherever The Rhythm Takes Me" (producido por Critique/Fever Records), y en 1999 fue elegida para cantar "You Wanna Be A Star", la canción para la película de Will Ferrell y Molly Shannon Superstar. Recientemente Alisha ha grabado nuevamente su primer sencillo "All Night Passion" y lanzado como sencillo Hi-NRG. Después de un tiempo con su familia, Alisha ha decidod regresar a cantar.
1953:
Kurt Maloo (nacido como Kurt Meier el 16 de abril de 1953 en Zúrich , Suiza) es un cantautor, compositor y productor discográfico suizo. Alcanzó el éxito internacional en 1986 como cantante y líder del dúo Double con el exitoso sencillo « The Captain of Her Heart ».
Biografía
[ editar ]Kurt Meier nació en Zúrich, Suiza, hijo único de Arnold y Babette Meier. La familia de su padre emigró a Francia cuando Arnold tenía cuatro años. Durante la Segunda Guerra Mundial , su padre regresó a Suiza, donde conoció a Babette, hija de un maquinista, y se casó con ella. Su familia era muy musical; cada uno tocaba un instrumento y daba conciertos en casas particulares. Cuando nació Meier, Babette solía tocar la mandolina, cantar y bailar para él, y más tarde, cuando él empezó a tocar la guitarra, improvisaba con ella.
Los primeros días
[ editar ]En la escuela, Meier formó parte de varias bandas que se presentaban en festivales locales, interpretando versiones de artistas desde The Beatles hasta Cream . De 1969 a 1972, asistió a la Swiss Business School , pero, tras graduarse, optó por una carrera como artista conceptual y pintor. Expuso sus obras en galerías locales de Zúrich y fundó, junto con tres amigos artistas, el grupo de performance MAEZ.
En las inauguraciones de su propia galería, Kurt Meier, quien cambió su nombre a Kurt Maloo en 1975, siempre tocaba la guitarra eléctrica. Sus actuaciones en solitario se transformaron en una banda, que incluía a otros dos miembros de MAEZ. Pero Troppo, fiel a su nombre, se convirtió en una banda de nueve integrantes de fusión art-punk, influenciada principalmente por los New York Dolls y Funkadelic . Tras su primer concierto en la Rote Fabrik en 1976, Troppo se convirtió en un artista de culto en Suiza a mediados y finales de la década de 1970. [ 1 ]
En 1979, Kurt Maloo lanzó su primer sencillo de 7", "Giant Lady/Kontiki", con el sello de new wave Forum Records. Un año después, se asoció con el editor Peter Zumsteg y publicó un disco de vinilo híbrido titulado Luna, Luna + 7 Notorious Maloo Homeworks . En la cara A había una canción girando a 45 rpm y en la cara B, siete más a 33 rpm. La canción de la cara A fue grabada en estudio, mientras que la cara B se grabó en casa con su Revox B-77, utilizando la técnica de ping-pong para simular una grabación multipista.
Ping-pong
[ editar ]Continuó dando conciertos en solitario hasta que conoció a Felix Haug , quien posteriormente se convertiría en la otra mitad de Double . Haug solía tocar la batería con la banda suiza de techno Yello . Se unió a Maloo y, con la incorporación de un bajista, formaron el trío Ping Pong. Con la ayuda del editor Peter Zumsteg, tuvieron la oportunidad de grabar cuatro canciones en el estudio Roxy Music con el guitarrista Phil Manzanera como productor, pero los temas nunca se publicaron. Cuando firmaron con el sello Big Mouth de Teldec , regrabaron las canciones junto con material nuevo para su álbum From Exile (1982). La banda tocó en numerosos festivales europeos, incluido el renombrado Festival de Jazz de Montreux .
Doble
[ editar ]En 1983, Kurt Maloo y Felix Haug decidieron lanzarse como dúo. Como Double , lanzaron tres maxi sencillos de 12 pulgadas: "Naningo" (1983), "Rangoon Moon" y "Woman of the World" (1984), antes de tener la oportunidad de grabar su primer álbum. El video musical en blanco y negro de "Rangoon Moon" se convirtió en un clip de culto en Europa y se emitió en VH1 en Estados Unidos. Dos años más tarde, Double se dio a conocer mundialmente con su primer sencillo de éxito, " The Captain of Her Heart ", de su primer álbum, Blue , un éxito de ventas que se ha publicado en más de cincuenta países.
En 1987, Kurt Maloo y Felix Haug grabaron su segundo y último álbum, Dou3le , visualizado mejor en la actuación del legendario grupo de mimo suizo Mummenschanz en el galardonado video musical de su canción " Devils Ball ", con Herb Alpert en la trompeta.
Double comenzó a trabajar en un tercer álbum a finales de 1988, pero, debido a diferencias artísticas, se disolvió unos meses después.
Carrera en solitario
[ editar ]Maloo continuó su carrera en solitario y lanzó, bajo su propio nombre, Single (1990), Soul & Echo (1995), Loopy Avenue (2006), Summer of Better Times (2009) y " What About " (2014). Desde 2007, ha estado tocando con su propia banda y ha participado en varios conciertos y festivales, incluyendo el NuNote Lounge Fest en Moscú.
Vida personal
[ editar ]En 1986, Maloo conoció a su futura esposa, Anja Müller, una modelo de Hamburgo , Alemania. Juntos se mudaron a París, Francia, donde vivieron siete años y donde nació su hija en 1991. Después se mudaron a Hamburgo, la ciudad natal de Müller, donde nació su hijo en 1994 y donde aún viven.
https://www.youtube.com/watch?v=XNPYHwZwb5I
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Peter Robert Garrett (Sídney, 16 de abril de 1953) es un músico, activista y político australiano; miembro de la Orden de Australia y Miembro del Parlamento.
Ha sido miembro del Partido Laborista de la Cámara de Representantes australiana para la sede de Kingsford Smith, Nueva Gales del Sur, desde octubre de 2004. Después de que el Partido Laborista ganó las elecciones de noviembre de 2007, Garrett fue nombrado ministro de Medio Ambiente, Patrimonio y las Artes por el primer ministro Kevin Rudd. Fue vocalista de la banda de rock australiana Midnight Oil desde 1973 hasta su disolución en 2002. Se desempeñó como Presidente de la Australian Conservation Foundation durante diez años y, en 2003, fue nombrado miembro de la Orden de Australia por su contribución al medio ambiente y a la industria de la música.
Música y activismo
[editar]Nacido en Sídney, New South Wales, Australia, Garrett asistió a la Barker College en Hornsby, antes de estudiar Bellas Artes en la Universidad Nacional de Australia y, posteriormente, Derecho en la Universidad de Nueva Gales del Sur. En 1973 se convirtió en cantante con el grupo de rock australiano Midnight Oil, después de responder a un anuncio de uno de los miembros fundadores de la banda, Rob Hirst. Paralelamente a su éxito musical y comercial, la banda fue relacionada durante mucho tiempo con las causas ambientalistas. Fue particularmente crítica con las políticas exterior y militar de los Estados Unidos durante la década de 1980. Se le conoce por sus característicos movimientos "rígidos y repentinos" de danza en las presentaciones.
Garrett fue presidente de la Australian Conservation Foundation (1989-1993, 1998-2004). Se unió a la junta internacional de Greenpeace en 1993 por un período de dos años, que desempeñó como consejero y patrono de varias organizaciones de la comunidad cultural y de alivio de la deuda como Jubileo, y fue un miembro fundador de la Surfrider Foundation.
En la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de 2000 en Sídney, Midnight Oil toca antes del primer ministro John Howard ante una audiencia televisiva de cientos de millones, vistiendo mandiles negros con la frase "lo siento", en alusión a la negativa del Gobierno de Howard a pedir disculpas a los aborígenes australianos para su política anterior de separar a los niños aborígenes de sus familias.
En 2000, Garrett fue galardonado con el Premio Humanitario de la Fundación de Australia en la categoría de Medio Ambiente y en 2001 recibió un doctorado Honorario en Letras de la Universidad de Nueva Gales del Sur.
Fue nombrado miembro de la Orden de Australia en 2003 por sus servicios tanto en la defensa del medio ambiente como en la industria de la música.
A raíz del Tsunami en Asia del Día de San Esteban de 2004, Garrett y los demás miembros de Midnight Oil se reunieron para dos conciertos como parte de la recaudación de fondos WaveAid.
El 7 de julio de 2007 Garrett presentó a Crowded House en el Australian leg de Live Earth.
El 14 de marzo de 2009 Garrett también actuó en vivo en el Melbourne Cricket Ground como parte de Midnight Oil en el Sound Relief para recaudar dinero para el Victorian Bushfire Appeal, fundación destinada a las comunidades afectadas por los incendios forestales de 2009.
Política federal de Australia
[editar]El primer intento de Garrett de entrar en la política fue en 1984, cuando se quedó a un escaño al Senado de Australia en Nueva Gales del Sur en las elecciones de diciembre. Necesitaba un 12,5% de los votos para ganar un asiento en la representación sistema de votación del Senado, pero la votación primaria de más del 9% es insuficiente cuando Trabajo dio sus preferencias para el conservador Partido Nacional antes del PND.
En junio de 2004 Mark Latham anunció que Garrett sería candidato por parte del Partido Laborista Australiano a la Cámara de Representantes en las elecciones federales de 2004, en la segura División de Kingsford Smith en Nueva Gales del Sur, que dejó vacante el exministro Laurie Brereton. Hubo algunas críticas iniciales de los miembros laboristas en el electorado, ya que se hizo caso omiso de los deseos de la sección local. Obtuvo una fácil victoria el 9 de octubre, incrementando así la mayoría de laboristas en la zona.
En junio de 2005, Garrett fue nombrado Secretario Parlamentario para la Reconciliación y las Artes en la oposición.
Garrett ha modificado muchos de sus anteriores puntos de vista y dice que ahora es un "jugador de equipo" en el Partido Laborista. Ahora apoya la alianza Estados Unidos-Australia, y ya no se opone al conjunto estadounidense-Fondo de Defensa de Australia en Pine Gap. Dice ya no argumentar a favor de las causas ambientales en el interior del Partido Laborista, sino observar las decisiones de la asamblea ALP, incluyendo la aceptación de cualquier decisión de cambio política. Su cambio de postura provocó críticas de los periodistas y seguidores de Midnight Oil, que contrasta con pronunciamientos sobre cuestiones ambientales y políticas que hizo antes de unirse al Partido Laborista Australiano.
Si bien los medios de comunicación en general han respondido negativamente por la supuesta traición de Garrett a sus creencias anteriores con el etiquetado de ser un "renegado", algunos comentaristas, como el columnista John Warhurst del Camberra Times, han defendido su necesidad de ser un "jugador de equipo" si iba a jugar el juego político "del interior".
Durante la campaña de las elecciones estatales de Victoria de 2006, Garrett instó a los electores a no votar por el partido Verdes de Australia, pero sí por su propio Partido Laborista. Esto provocó la ira del líder de los Verdes y ex aliado de Garrett Bob Brown, quien le acusó de haberse "vendido" y de ir en contra del movimiento verde desde que se unió al Partido Laborista.
Peter Garrett es un cristiano comprometido. A pesar de que apoya firmemente la separación de iglesia y estado, Garrett ha comentado extensamente durante su tiempo en el Parlamento sobre la aplicación de los valores cristianos y cómo "los valores personales y que deben informar a uno de día a día los procesos de pensamiento y toma de decisiones".
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En diciembre de 2006, Kevin Rudd, el líder electo del Partido Laborista, anunció que tenía previsto nombrar a Garrett a su banco principal. Garrett fue nombrado como ministro de sombra para el Cambio Climático, Medio Ambiente, Patrimonio y Artes. Garrett ha sido criticado por dar apoyo al Gunns plan de construir la Bell Bay Pulp Mill en el medio ambiente sensible Tamar Valley, en Tasmania.
En las elecciones federales del 2007, Garrett fue reelegido a su asiento con un swing 4,56% hacia él. Sin embargo, su campaña estuvo llena de una serie de errores tácticos, incluyendo la declaración del periodista Steve Price alegando que Garrett le había dicho que el Partido Laborista simplemente cambiaría todas sus políticas una vez que llegaran al poder. Esto fue contradicho por Garrett como una "conversación corta y jocosa".
El 29 de noviembre de 2007, el El primer ministro electo Kevin Rudd nombró a Garrett Ministro de Medio Ambiente, Patrimonio y Artes.
El 20 de diciembre de 2007, Garrett aprobó un controvertido plan para dragar Melbourne Port Phillip de la Bahía. Este movimiento ha atraído fuertes críticas de grupos ambientalistas que están preocupados de que los 23 millones de metros cúbicos de arena, rocas y sedimentos contaminados dragados de los canales de navegación de la bahía afectará a la pesca y el turismo en la zona.
Garrett aprobó una importante expansión de las minas del sur de Australia Beverley el 28 de agosto de 2008, diciendo que en las minas de uranio del mundo se utilizan las mejores prácticas para la protección del medio ambiente. La decisión de Garrett fue elogiada por la industria del uranio, pero fue criticada por la Fundación Australia de Conservación, que dijo que la decisión daría lugar a la propagación de las minas de ácidos y la contaminación radiactiva de más de 100 kilómetros cuadrados. Garrett anunció el 24 de octubre de 2008 que el gobierno iba a retirar toda la financiación de 2,6 millones de dólares a la Australian National Academy of Music (ANAM). La ANAM, que es responsable de la formación clásica de los instrumentistas más prometedores de Australia, se verá obligada a cerrar si no puede atraer fondos de otras fuentes.
Vida personal
[editar]Garrett está casado y tiene tres hijas. En 2007, el artista Michael Mucci entró en un retrato de Garrett en el Premio Archibald.
Garrett es el tío de Maude Garrett (Nickelodeon Australia).
https://www.youtube.com/watch?v=ejorQVy3m8E
Índice
Comienzos[editar]
Carrera[editar]
Fallecimiento y funeral[editar]
Gerald Rafferty (Paisley, Escocia, 16 de abril de 1947[1] - Stroud, Gloucestershire, Inglaterra, 4 de enero de 2011),[2]
conocido artísticamente como Gerry Rafferty, fue un músico británico.[3] Su tema más popular es "Baker Street", famoso por su melodía para saxofón.
Vida musical
[editar]Empezó su carrera como músico callejero. Tocó con el grupo folk de Billy Connolly. Su primer grupo fue los Humblebums, para después sacar un disco en solitario, y en 1972 cofundó el grupo Stealers Wheel, junto a Joe Egan. Desde 1975, año en que este último grupo se disolvió, ha sacado todos sus discos en solitario, disfrutando de una exitosa carrera en solitario. Su canción más conocida es «Baker Street», incluida en el disco City to city, de 1978. «Right Down The Line» es otra de sus canciones más conocidas, al igual que la que compuso para Stealers Wheel, «Stuck In The Middle With You», y que formó parte de la banda sonora de la película de Quentin Tarantino Reservoir Dogs.
Aunque estaba seguro de sus propias capacidades, Rafferty tenía miedo de trabajar con estrellas como Eric Clapton y Paul McCartney. Rafferty soportó batallas con la industria de la música (en una ocasión le llevó tres años deshacer contratos) y un problema con el alcohol.[4]
Su último álbum, Another World, fue lanzado en 2000. 'Baker Street', con su solo de saxofón, estrenada en 1978, todavía le generaba 80.000 libras esterlinas al año (unos 93.700 euros, al cambio), más de 30 años después.
Vida familiar
[editar]Se divorció de su esposa Carla, a quien conoció en un salón de baile cuando ella tenía 15 años y se casó cinco años después, en 1970. Ella dijo: "No había esperanza. Nunca lo habría dejado si hubiera habido un atisbo de amor". En ocasiones, su forma de beber le llevaba a romper cajas de vino caro.
Rafferty, que alguna vez fue propietario de una granja en Kent y una casa en Hampstead, se mudó a California para estar cerca de su hija Martha, antes de mudarse a Irlanda en 2008 y más tarde a Dorset.
En los últimos años, era más conocido por incidentes provocados por el alcohol, aparentes desapariciones y mala salud que por su música.
Murió a los 63 años después de una larga enfermedad. Su familia dijo que murió pacíficamente la mañana del martes 4 de enero de 2011, en su casa, con su hija Martha, según informó a la BBC Paul Charles, su agente.
https://www.youtube.com/watch?v=Fo6aKnRnBxM
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Mary Isobel Catherine Bernadette O'Brien (Hampstead, Londres; 16 de abril de 1939–Henley-on-Thames, Oxfordshire; 2 de marzo de 1999), conocida artísticamente Dusty Springfield, fue una cantante de pop y soul británica.
Springfield gozó de una gran popularidad durante los años 1960, representando el lado más sofisticado del Swinging London[1] así como en Estados Unidos y siendo considerada un icono por el movimiento mod. Primero como miembro del trío The Springfields, comenzó una exitosa carrera como solista a mediados de los años 60, convirtiéndose en la contraparte blanca del soul negro estadounidense.
Entre sus canciones más populares se encuentran You Don't Have To Say You Love Me (1966), y Son of a Preacher Man (1968), que fue lanzada como sencillo de su álbum Dusty in Memphis, que si bien no gozó de éxito comercial en su momento,[2] es considerado su trabajo más exitoso, influyente e importante a la fecha, gozando de un status de culto en la actualidad.
A comienzos de los años 1970 se convirtió en un símbolo para la cultura lesbiana tras hacer pública su bisexualidad, aunque años después confirmaría su identidad como lesbiana. Su relación sentimental más famosa fue con la tenista Billie Jean King. Adicionalmente fue segregada de la industria de la música por su preferencia sexual.
Tras una etapa de menor relevancia, recobró notoriedad a finales de los años 1980 gracias a sus colaboraciones con el dúo Pet Shop Boys, gracias a los cuales regresó a los listados de éxitos internacionales, aunque ya no con el mismo ímpetu de los años 60.
A mediados de los años 90 gozó de un último período de éxito con la inclusión de su canción Son of a Preacher Man en la película de culto de Quentin Tarantino, Pulp Fiction, que estuvo nominada al Oscar en 1995. Fue reconocida como miembro de la Orden del Imperio Británico de manera póstuma, ya que falleció prematuramente en 1999.
Biografía
[editar]Springfield nació el 16 de abril de 1939 en West Hampstead, la segunda hija de Gerard Anthony "OB" O'Brien (1904-1979) y Catherine Anne "Kay" O'Brien (de soltera Ryle; 1900-1974), ambos inmigrantes irlandeses.[3] Springfield aprendió a cantar en casa, su padre, admirador de la música clásica y el jazz, le transmitió su pasión por la música, y ya desde una edad muy temprana Dusty comenzó a mostrar interés por el jazz, el blues y en especial por la artista norteamericana Peggy Lee, a quien tomó como referencia para su carrera como cantante.[4] Tras dejar la escuela, Springfield cantó con su hermano Tom en clubes folclóricos locales. En 1957, la pareja trabajó junta en campamentos de vacaciones.[5]
Trayectoria
[editar]Inicios
[editar]Sus primeros pasos en la música los inició en 1959 cuando formó un grupo vocal femenino llamado The Lana Sisters.[6] Tras su disolución en ese mismo año, creó un grupo de folk llamado The Springfields junto a su hermano Dion y a Tim Field, momento tras el cual los dos hermanos cambiarían sus nombres artísticos por los de Tom Springfield y Dusty Springfield. El grupo obtuvo un gran éxito tanto en su país como en EE. UU. con canciones como "Silver Threads and Golden Needless", "Island of Dreams" o "Bambino".[7]
La época dorada
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Tras la separación de The Springfields, inició su carrera en solitario en 1963 con el sencillo "I Only Want To Be With You", canción con claras influencias de los grupos femeninos de soul de la Motown o los producidos por Phil Spector. En este tema, además de cantar, se involucró en la producción y los arreglos, algo que a partir de entonces sería una constante a lo largo de su carrera. El sencillo logró un destacado éxito, llevándola a ser la cantante más conocida en su país y una referencia para muchas jóvenes británicas, quienes imitaban su peinado y su maquillaje.[8]
El éxito le siguió acompañando durante el año siguiente con su primer álbum A Girl Called Dusty y con singles como "Wishin' and Hopin", "I Just Don't Know How to do with Myself" o "All Cried Out". En el mismo año protagonizó un sonado incidente tras negarse a actuar en Sudáfrica si no se permitía que a su concierto asistieran personas de raza negra, motivando su salida del país africano y la demanda al gobierno tras las presiones recibidas para que actuara.[8]
Dusty mantuvo su notoriedad durante los siguientes años, colocando en los primeros puestos de las listas de éxitos canciones como "You Don't Have to Say You Love Me" (versión de la canción «Io che non vivo (senza te)», de Vito Pallavicini y Pino Donaggio, interpretada por este último en el Festival de San Remo 1965, adaptada al inglés por Vicki Wickham y Simon Napier-Bell), que alcanzó el número uno en el Reino Unido y que se mantuvo en el top ten durante trece semanas seguidas. Otros singles emblemáticos de este periodo fueron "Sunny", "Losing You" o "The Look of Love", canción compuesta por Burt Bacharach y Hal David y que fue el tema principal de la banda sonora de la película Casino Royale. También presentó un programa en la televisión británica dedicado al soul llamado The Sound of Motown.[9]
Hacia 1967 comenzó a perder popularidad a causa del auge del rock psicodélico y la cultura hippie, planteándose un nuevo enfoque a su música para adecuarse a la nueva situación. Así, dos años más tarde grabaría su álbum más emblemático, Dusty in Memphis. Con este disco, no consiguió recuperar el éxito masivo, pero obtuvo el reconocimiento de los críticos, quienes lo señalaron como su mejor trabajo, llegando a menudo a figurar en las listas de los mejores álbumes de la historia del rock. El tema más conocido del disco, "Son of a Preacher Man" fue versionado por Aretha Franklin poco después.[10]
El declive
[editar]
A principios de los años 1970 grabó discos como A Brand New Me o Cameo, que fueron aclamados por la crítica pero no por el público, comenzando una crisis personal que le llevaría a una fuerte adicción a la cocaína.[11][12][13] A pesar de todo ello seguía siendo una figura popular y no se libraba del acoso de la prensa, por lo que decidió proclamar abiertamente su bisexualidad,[14][13] aunque biografías posteriores han revelado que en realidad era lesbiana.[15]
En esta época se instaló en Estados Unidos y mantuvo una relación amorosa con la tenista Billie Jean King. Durante el resto de los años 1970 y la primera mitad de los 80, siguió grabando algunos discos, aunque sin la calidad de sus mejores tiempos.[16]
Segunda juventud
[editar]En 1987 aceptó una invitación de Pet Shop Boys, uno de los grupos más populares de entonces y que la admiraban incondicionalmente, para intervenir en la canción «What Have I Done to Deserve This?», incluida en Actually, el segundo disco del dúo británico. La canción llegó al 2.º puesto en las listas de éxitos británicas.[17]
Su colaboración con el dúo pop continuó con el álbum Reputation (1990), que Pet Shop Boys escribieron y produjeron para ella; en él estaba presente el sonido tecno pop característico del dúo y sirvió para relanzar la carrera de Dusty.[18]
Últimos años
[editar]En 1994 Quentin Tarantino rescató el clásico "Son of a Preacher Man" para incluirlo en la banda sonora de su película Pulp Fiction, y en el mismo año se editó un documental sobre su vida titulado Full Circle.[19]
Muerte
[editar]En enero de 1994, mientras grababa su penúltimo álbum, A Very Fine Love, en Nashville, Tennessee, Springfield comenzó a sentirse enferma. Cuando regresó a Inglaterra unos meses después, sus médicos le diagnosticaron cáncer de mama. Recibió meses de quimioterapia y radioterapia y se descubrió que el cáncer estaba en remisión.[20] En 1995, aparentemente con buena salud, Springfield se dedicó a promocionar el álbum, que se publicó ese año. A mediados de 1996 el cáncer había vuelto, y a pesar de los intensos tratamientos murió en Henley-on-Thames, Oxfordshire el 2 de marzo de 1999.[5]
Su incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll se produjo dos semanas después de su muerte. Su amigo Elton John ayudó a incluirla en el Salón de la Fama y declaró: «Soy parcial, pero creo que fue la mejor cantante blanca que jamás haya existido... cada canción que cantó, la afirmó como propia».[21]
Al funeral asistieron cientos de fanáticos y personas del negocio de la música, incluidos Elvis Costello, Lulu y los Pet Shop Boys. Fue un funeral católico, que tuvo lugar en la iglesia de Santa María la Virgen en Henley-on-Thames, donde Springfield había vivido durante sus últimos años. En el cementerio de la iglesia se colocó un marcador dedicado a su memoria. De acuerdo con los deseos de Springfield, fue incinerada y algunas de sus cenizas fueron enterradas en los jardines de su casa de Henley, mientras que el resto fue esparcido por su hermano, Tom Springfield, en los acantilados de Moher en Irlanda.[20]
Durante el mismo año, la reina Isabel II del Reino Unido le concedió la Orden del Imperio Británico.[22
https://www.youtube.com/watch?v=CL7t22rypew
Stanley Robert Vinton, Jr. (Canonsburg, Pensilvania, 16 de abril de 1935), conocido profesionalmente como Bobby Vinton, es un cantante y compositor retirado estadounidense que también hizo algunas incursiones como actor de cine. Es de ascendencia polaca y lituana. En los círculos musicales es conocido como «El príncipe polaco» y su música rinde homenaje a su herencia polaca. Su canción más popular fue «Blue Velvet» (versión de la canción de 1951 de Tony Bennett), que alcanzó el puesto n.º 1 en el Billboard Pop Singles Chart en 1963 y número 2 en el Reino Unido en 1990. La canción también sirvió como inspiración para la película del mismo nombre. También tuvo otros tres número uno: "Roses Are Red" en 1962, "He Said It Again" en 1963 siendo este el último éxito previo a la llegada de The Beatles y "Mr Lonely" en diciembre de 1964 siendo una de las pocas canciones que llegaron al número uno durante la invasión inglesa encabezada por The Beatles.
Biografía
[editar]Vinton es el único hijo de un director de orquesta popular a nivel local, Stan Vinton y Dorothy Studzinski Vinton. El apellido de la familia era originalmente Vintula pero su padre lo cambió por el de Vinton. Los padres de Vinton apoyaron el interés de su hijo por la música, dándole un subsidio diario de 25 centavos después de haber practicado el clarinete. A los 16 años, Vinton formó su primera banda, que tocó en los clubes de toda el área de Pittsburgh. Con el dinero que ganó ayudó a financiar su educación universitaria en la Universidad de Duquesne, donde se graduó con una licenciatura en composición musical. Durante su estadía en Duquesne se convirtió en experto en todos los instrumentos de la banda: piano, clarinete, saxofón, trompetas, percusión y oboe. Cuando Vinton se convirtió en un músico profesional, era común que las personas se confundiesen entre las bandas de padre e hijo, ya que ambos fueron nombrados Stanley. El padre de Vinton sugirió a su hijo usar su segundo nombre de Robert profesionalmente para aclarar la confusión.
El lugar de nacimiento de Vinton, Canonsburg en Pennsylvania, es también el lugar de nacimiento de Perry Como y de Joey Powers (famoso por "Midnight Mary" (1963-1964)). Su ciudad natal nombró a dos calles, Bobby Vinton Boulevard y el más corto contigua Bobby Vinton Drive, en su honor. Estas calles fueron construidas a finales del decenio de 1970; intentos anteriores para nombrar una calle residencial no tuvieron éxito. A los residentes no les importaba que el cantante siempre nombrara a Pittsburgh como su ciudad natal en entrevistas de televisión. Perry Como siempre nombró a Canonsburg como su ciudad natal y así cientos de personas cambiaron su dirección cuando la ciudad llamó una calle en el extremo oriental como Perry Como. Las autoridades de la ciudad de Canonsburg tenían planes para erigir una estatua en honor a él, pero el propio Vinton vetó la idea señalando que el costo planificado, US$ 100.000 podría dedicarse a necesidades más importantes de la ciudad.
Carrera
[editar]1960
[editar]Después de dos años de servicio en el Ejército de los Estados Unidos, donde se desempeñó como asistente de un capellán, Vinton firmó con el sello Epic Records en 1960 como director de orquesta: "un hombre joven con una Big Band ".. La ruptura del contrato con Epic Records se produjo después de que Vinton y su banda aparecieran en el programa Talent Scouts TV de Guy Lombardo. Sin embargo, dos álbumes y varios singles no tuvieron éxito, y con la Epic lista para despedirlo, Vinton encontró su primer single exitoso, literalmente, sentado en un montón de rechazo. La canción se titulaba " Las rosas son rojas (My Love)" . Vinton tenía que hacer su propia promoción para la canción, que compró mil ejemplares y contrató a una joven para entregar una copia del registro y una docena de rosas rojas a cada discjockey local, Estuvo por cuatro semanas en No.1 en el Billboard Hot 100. Posiblemente, su canción más famosa es de 1963s "Blue Velvet", originalmente un éxito menor para Tony Bennett en 1951, que también fue un No.1 . Veintitrés años después, David Lynch nombró su película Blue Velvet después de la canción. En 1990 , "Blue Velvet" subió a la cima de las listas de música en Gran Bretaña después de ser ofrecido en un anuncio de Nivea .
En 1964, Vinton tuvo dos hits N 1 "No !He Said It Again" (un hit N° 1 en el año 1945 por Vaughn Monroe) y "Mr. Lonely" . La versión de Vinton de "No ! Ya lo he dicho otra vez" es notable por ser la última Estados Unidos. Billboard número uno de la era pre- Beatles , depuesto de la cumbre del Hot 100 con "I Wanna Hold Your Hand" . También digno de mención es el hecho de que Vinton sigue teniendo grandes discos de éxito durante la invasión británica, teniendo 16 diez grandes éxitos, mientras que Connie Francis,Ricky Nelson, las Shirelles y otros artistas importantes de la década de 1960s se esforzaron para alcanzar incluso el Top 30 .
Vinton escribió "Mr. Lonely" durante el servicio de asistente de su capellán en el ejército de EE.UU. a finales de 1950 . La canción fue grabada durante la misma sesión de 1962 que produjeron " Roses Are Red ", y lanzó la carrera de canto de Vinton . El tema Mr Lonely fue lanzado como pista en el álbum de 1962 “Roses Are Red” (And other songs for the young & sentimental) a pesar de la presión de Bobby para lanzarla como single en un sencillo de vinilo, Buddy Greco, su productor lo hizo, y la venta fue un fracaso. Dos años y millones de discos vendidos después, Bobby prevalecieron en Epic para incluir " Mr. Lonely " en "Bobby Vinton Greatest Hits". Pronto, los DJ difundieron la canción y eso hizo generar una demanda para el lanzamiento de un sencillo. "Mr. Lonely" trepó en los charts (Billboard, Cashbox etc) a finales del otoño de 1964 para alcanzar el número 1 en los “Hot 100” el 12 de diciembre de 1964. Luego, Epic lanzó el LP “Bobby Vinton Mr. Lonely”, dándole a la canción un impulso único de ventas ya que ahora aparecía simultáneamente en tres álbumes de Bobby Vinton lanzados en dos años. La canción continuó generando dinero para Vinton, su autor y compositor, en los más de 50 años transcurridos desde que alcanzó el número 1; Harmony Korine nombró a su película de 2007 “Mister Lonely” en honor a esta última y presenta la canción al comienzo de la película, y también fue la base para el éxito del rapero Akon en 2005, "Lonely". Vinton actuando en The Ed Sullivan Show en 1969.
En 1965, Vinton continuó su racha de éxitos con "Lonely" (canción escrita por él mismo). "Long Lonely Nights" trepó rápidamente al puesto 17 y generó un álbum, “Bobby Vinton Sings for Lonely Nights”. El éxito de su autoría de 1966, "Coming Home Soldier", alcanzó el puesto número 11 en el Hot 100 y fue a pedido en uno de los programas favoritos “American Forces Network Tv” durante la Guerra Fría y la era de Vietnam, difundido para alentar a los soldados que estaban a punto de abordar el avión que los llevaría de regreso a la tierra natal (U.S.A.). La hermosa nueva versión de Vinton de 1967 de " Please Love Me Forever ", que alcanzó el número 6 y vendió más de un millón de copias, inició una serie de doce éxitos “Hot 100 Hits”, todos remakes, en poco menos de cinco años y medio. Su éxito de 1968 "I Love How You Love Me" saltó al número 9, vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA.
1970
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En la década de 1970, el "príncipe polaco" continuó entrando en el Top 40, en particular con "Cada día de mi vida", producido por Jimmy "The Wiz" Wizner y el ingeniero de grabación de CBS Jim Reeves, que alcanzó el #24 en enero de 1970, y "Sellado con un beso", SEALED WITH A KISS✔, Una de las canciones más importantes de la música, que alcanzó el #19 en junio de 1972. [5] A pesar del éxito de los dos hits, Epic Records decidió liberar a Vinton de su contrato el próximo año, alegando que sus días de registros de venta se habían acabado.
Sin inmutarse, Vinton gastó $50,000 de su propio dinero en "My Melody of Love", parcialmente auto-escrita y en parte cantada en polaco. La sugerencia para la canción vino de la madre de Vinton. Después de que Vinton fue rechazado por seis grandes sellos, ABC Records aceptó la propuesta de Vinton, y el resultado fue un éxito de venta de varios millones de copias que alcanzó el número 3 en el Hot 100, #2 en la lista Cashbox Top 100 y #1 en la lista de CA en 1974. Un álbum de oro, "Melodías de Amor", siguió así como éxitos Top 40 más pop ("Beer Barrel Polka" y "Dick y Jane" en 1975), una exitosa serie de media hora "The Bobby Vinton Show" (que se emitió desde 1975 hasta 1978), que utiliza "My Melody of Love" como su tema; ABC Records, posteriormente, lanzó un álbum de canciones realizado en el programa.
En 1978, CBS TV transmitió el episodio "Bobby Vinton Rocks". especial de una hora en que logra la máxima calificación. A principios de la década, también actuó en dos películas de John Wayne: El gran Jack y Ladrones de trenes.
Honores y reconocimientos
[editar]Era dueño de, y actuó en el Bobby Vinton Blue Velvet Theatre en Branson, Missouri, hasta 2002, cuando el teatro fue vendido a David King, creador y productor de Spirit of the Dance. Vinton vuelve a Branson anualmente para compromisos limitados en el teatro.
Billboard Magazine llamó a Bobby Vinton "el cantante del amor de la 'Era del Rock' de mayor éxito de todos los tiempos. Desde 1962 hasta 1972, Vinton tenía más hits N°1 de Billboard que cualquier otro vocalista masculino, incluyendo Elvis Presley y Frank Sinatra. En reconocimiento a su carrera discográfica, Bobby Vinton tiene una estrella en el Hollywood Walk of Fame en el 6916 de Hollywood Boulevard .
Su Alma mater de Vinton, Duquesne University, le otorgó un doctorado honorario en música en 1978.
En 2011, el ganador del premio Grammy Jimmy Sturr y su orquesta grabaron la canción "Príncipe polaco " y la incluyeron en su CD nominado al Grammy " Not Just Another Polka ". La canción fue escrita por Johnny prill y se basó en la autobiografía de 1978 El príncipe polaco - . Bobby Vinton.
Carrera como actor
[editar]Vinton apareció en siete papeles temporales durante su carrera como cantante. Su última aparición en la pantalla tuvo lugar en 1983 cuando interpretó a Bobby Gaines en el episodio "Chance of a Lifetime" en el drama familiar de la NBC Boone, protagonizado por Barry Corbin, Tom Byrd, y Ronnie Claire Edwards. Años antes, en 1965, interpretó a George Reynolds en el episodio "Patty y el Juego de periódicos" en la comedia de ABC The Patty Duke Show. En 1971 también interpretó a Jeff McCandles en la película de John Wayne Big Jake.
Vida personal
[editar]Vinton y su esposa, Dolores "Dolly" Dobbins Vinton, han estado casados desde el 17 de diciembre de 1962 y tienen cinco hijos: Robert, Kristin, Christopher, Jennifer (que más tarde cambió su nombre legalmente a Hannah), y Rebecca. Los Vintons tienen su hogar en la Costa del Golfo en Englewood, Florida.
En 2015, después de contraer un caso de grave de Herpes zóster, Vinton se retiró de los escenarios y grabaciones en vivo.
Habló con sus fanáticos y amigos en febrero de 2018 en The Cousin Brucie Show en la Radio Sirius XM y alentó a todos a vacunarse contra la Herpes zóster. Dijo que estaba muy feliz viviendo en Florida.
Primeros años de vida
[ editar ]Vincent Hill nació en Holbrooks , Coventry , el 16 de abril de 1934. [ 5 ] Cantó por primera vez profesionalmente en un bar público llamado The Prospect en Margate , Kent, cuando tenía 17 años. [ 6 ] [ 7 ] Decidió convertirse en músico a tiempo completo después de trabajar como panadero, camionero y minero de carbón. [ 7 ]
Su primera oportunidad como cantante llegó cuando leyó un anuncio en la revista Melody Maker , que decía que la Banda del Real Cuerpo de Señales necesitaba un vocalista. Viajó al campamento de Catterick en Yorkshire, donde estaba la banda, hizo la audición y consiguió el trabajo. Esto le ofreció a Hill una manera de hacer su Servicio Nacional , así como la experiencia de actuar por todo el mundo. [ 3 ] Después de completar su servicio militar , realizó una gira con el musical Florodora , y luego se convirtió en cantante de la Teddy Foster's Band, una gran banda con sede en Londres. [ 6 ] A principios de la década de 1960, Hill se unió a un grupo vocal británico aclamado por la crítica, los Raindrops, que le dieron su primera oportunidad de actuar en programas de televisión y radio, especialmente en el programa de radio de la BBC Parade of the Pops . [ 6 ] Los Raindrops también tenían en sus filas a Jackie Lee , Len Beadle y Johnny Worth . [ 6 ]
A finales de 1961, Hill dejó The Raindrops para iniciar una incipiente carrera en solitario. [ 6 ] [ 7 ] Su primera entrada en la lista de singles del Reino Unido fue "The River's Run Dry", escrita por Les Vandyke , que llegó al número 41 en junio de 1962. [ 6 ] [ 8 ] En 1963, participó en A Song for Europe , la ronda británica del Festival de la Canción de Eurovisión , con otra canción escrita por Vandyke, "A Day at the Seaside". [ 6 ] Los siguientes años resultaron infructuosos, ya que una sucesión de lanzamientos de sencillos no lograron llegar a la lista. [ 6 ]
Carrera en solitario
[ editar ]En enero de 1965, a Hill le ofrecieron un contrato de grabación internacional con el grupo EMI , que lo contrató para su sello Columbia . [ 3 ] Su primer éxito en el Top 20 con su nuevo sello llegó un año después con "Take Me to Your Heart Again", la versión de Hill del éxito de Édith Piaf " La Vie En Rose ", que subió al puesto número 13 en la lista de sencillos del Reino Unido en 1966 [ 6 ] [ 8 ] y al número 18 en la lista RPM en Canadá. [ 9 ] « Roses of Picardy », compuesta durante la Primera Guerra Mundial , fue otro éxito Top 20, alcanzando el puesto número 13 a mediados de 1967. [ 6 ] [ 8 ] Otras canciones notables que grabó incluyen « Heartaches » (n.º 28, 1966), « Merci Cherie » (escrita por el cantante austríaco Udo Jürgens ), que fue la canción ganadora en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1966 , (n.º 36, 1966), « Love Letters in the Sand » (n.º 23, 1967), «The Importance of Your Love» (música de Gilbert Bécaud , letra en inglés de Norman Newell ) y «Look Around (And You'll Find Me There)». [ 6 ] [ 8 ] La última canción, extraída de la banda sonora de la película Love Story , fue otro éxito Top 20, pero resultó ser su canto del cisne en las listas, alcanzando el puesto número 12 en la segunda mitad de 1971. [ 6 ] [ 8 ]
Su mayor éxito fue su versión de la canción de Rodgers y Hammerstein " Edelweiss ", [ 6 ] de su musical de 1959 The Sound of Music . La grabación fue un éxito número 2 en la lista de singles del Reino Unido en marzo de 1967. [ 6 ] [ 8 ] Se convertiría en su melodía característica durante el resto de su carrera, que lo vio encabezar la lista en el London Palladium y Talk of the Town . [ 7 ] Su álbum Edelweiss también fue un éxito para EMI Columbia . [ 8 ]
Aunque es conocido principalmente por su voz, Hill también fue compositor y compuso muchas canciones con su director musical Ernie Dunstall. Estas fueron utilizadas en sus álbumes de estudio y en las caras opuestas de sus sencillos de la época. La composición de Dunstall-Hill "Why Or Where Or When" también fue grabada por el Sr. Lee Grant y encabezó la lista de Nueva Zelanda en 1968, mientras que "I Never Did As I Was Told" fue versionada por la estrella de Broadway Robert Goulet en 1971. [ 3 ] La canción de Hill "I'm Gonna Make It", cantada por Joe Cuddy , fue la ganadora general del Festival de la Canción de Castlebar de 1973. [ 10 ]
El contrato de grabación a largo plazo de Hill con EMI Columbia llegó a su fin en 1974, momento en el que había lanzado 14 álbumes de estudio e innumerables sencillos. [ 3 ] Al año siguiente, firmó un nuevo contrato de grabación con CBS Records , para quien lanzó otros tres álbumes de estudio de material de canciones contemporáneas. [ 6 ] Hill también continuó actuando regularmente en clubes, cabaret y varias producciones teatrales.
En 1976, la vida y la carrera de Hill fueron celebradas cuando fue el tema de un episodio de This Is Your Life (presentado por Eamonn Andrews ). Durante la década de 1970, Hill también hizo su debut como presentador de televisión; su primera serie fue para la televisión de la BBC, They Sold A Million (1973). La siguiente fue la exitosa The Musical Time Machine , que comenzó en 1975. Ambas series fueron coprotagonizadas por The Young Generation. Hill también presentó su propio programa de televisión en horario de máxima audiencia en Canadá llamado Vince Hill At The Club , que también se emitió en los EE. UU. [ 3 ]
Década de 1980 y 1990
[ editar ]A partir de la década de 1980, Hill se concentró principalmente en sus presentaciones en vivo y continuó tocando en todos los lugares más importantes del mundo, incluido el London Palladium, el Royal Albert Hall, la Ópera de Sídney y Talk of the Town, además de aparecer en cruceros . [ 3 ] También continuaría haciendo apariciones especiales en programas de televisión populares de la época, como The Golden Shot , Seaside Special , Rainbow , The Good Old Days , 3-2-1 , Blankety Blank y Cash in the Attic . [ 11 ]
En 1982, Hill añadió la actuación a su CV, en el drama radiofónico de la BBC , Tolpuddle (que también escribió). [ 3 ] En 1983, escribió e interpretó la canción, "It's Maggie for Me", como parte de la campaña electoral general de 1983 , en apoyo de la primera ministra conservadora Margaret Thatcher , quien fue reelegida. [ 12 ] En 1988, ITV le dio a Hill su propio programa de entretenimiento de mediodía, Gas Street , en el que hizo su debut como presentador de televisión y entrevistador; el programa también fue coprotagonizado por Suzi Quatro . [ 3 ]
En 1990, Hill subió al escenario para interpretar a Ivor Novello en la obra de teatro My Dearest Ivor . [ 7 ] Hill también escribió el musical de teatro , Zodiac . [ 7 ] Su actuación teatral continuó, incluido un papel protagónico como El león cobarde en una adaptación de la producción de la Royal Shakespeare Company de El mago de Oz . [ 3 ]
Años posteriores
[ editar ]En 2004, a Hill le diagnosticaron cáncer de próstata y se sometió a una exitosa cirugía laparoscópica. Un año después, tras un análisis de sangre de rutina, se descubrió que también tenía leucemia mieloide crónica . Tras un tratamiento extenso, la enfermedad se controló. [ 13 ] Su autobiografía, Another Hill to Climb (Bank House Books), escrita en colaboración con Nick Charles , se publicó en 2010.
Hill salió de su semi-retiro en abril de 2012 para regresar con éxito a los escenarios por una sola noche, en la que actuó en una noche de big band en el Ronnie Scott's Jazz Club . Hill dijo: "Fue un éxito absoluto: agotamos las entradas y me dieron una ovación de pie. En ese momento, pensé: "Ya terminé, con eso me conformo". [ 14 ]
Athol, el único hijo de Hill, fue encontrado muerto, a los 42 años, en enero de 2014. [ 15 ] Hill y su esposa Annie, que murió en septiembre de 2016, [ 16 ] vivían en su casa de Oxfordshire , cerca del río Támesis . [ 3 ]
Hill salió de su retiro nuevamente en marzo de 2018, cuando regresó al escenario en The Good Old Days of Variety en el Cast en Doncaster. [ 17 ] Más tarde ese año, en septiembre, Hill apareció en su 'Final Farewell Show' en el Kenton Theatre en Henley-on-Thames . [ 18 ] En diciembre de 2018, Hill fue contratado para presentar un evento celebrando Missing Believed Wiped at 25 del BFI en BFI Southbank . [ 19 ]
En diciembre de 2019, se informó que Hill iba a interpretar a Baron Hard-Up en Cinderella 2 - The Mrs Charming Years en el Kenton Theatre en Henley-on-Thames. [ 20 ] Hill se convirtió en patrocinador de la Macular Society en octubre de 2010. Hill sufrió DMAE desde 2011; esta fue una de las principales razones por las que se retiró a regañadientes de las presentaciones en vivo. [ 21 ] En apoyo a la sociedad, Hill donó todas las ganancias de las ventas de su CD de grandes éxitos Legacy a la Sociedad para ayudar a vencer la enfermedad macular. [ 22 ] Hill también lanzó un calendario benéfico de edición limitada de 2021, cuyas ganancias se destinaron a la Macular Society. [ 23 ] En agosto de 2021, se reveló a través de Twitter que Hill había sufrido recientemente un derrame cerebral . [ 24 ]
Hill murió en su casa de Henley-on-Thames el 22 de julio de 2023, a la edad de 89 años. [ 2 ] [ 25 ]
https://www.youtube.com/watch?v=H_xQR1A4Ikc
Benedicto XVI (en latín: Benedictus PP. XVI), de nombre secular Joseph Aloisius Ratzinger (Marktl, Baviera, 16 de abril de 1927-Ciudad del Vaticano, 31 de diciembre de 2022),1 fue el 265.º papa de la Iglesia católicanota 2 y el séptimo soberano de la Ciudad del Vaticano, desde el 19 de abril de 2005 hasta su renuncia el 28 de febrero de 2013.
Comenzó a ser conocido en su competencia intelectual al participar en el Concilio Vaticano II como asesor teológico del cardenal Josef Frings. Posteriormente fue nombrado arzobispo de Múnich y Frisinga y luego cardenal por el papa Pablo VI en 1977. En 1981 fue llamado a Roma para ser prefecto de la Congregación para la Doctrina de la Fe por el papa Juan Pablo II, quien años más tarde lo nombró decano del Colegio Cardenalicio y, como tal, cardenal-obispo de Ostia en 2002.3
Como cardenal de la Iglesia, estuvo presente en tres cónclaves: el de agosto de 1978, el de octubre del mismo año y el de 2005, que resultó en su elección como papa.nota 3
El 28 de febrero de 2013, renunció al papado asumiendo el título de papa emérito, con la intención de dedicarse a la oración y al retiro espiritual.4 Su renuncia fue anunciada por él mismo el 11 de febrero, y supuso una decisión excepcional en la historia de la Iglesia,5 ya que, si bien el sumo pontífice más próximo que renunció al papado fue Gregorio XII (1415), el precedente de Celestino V (1294) es el único del que puede asegurarse que fue de forma libre y voluntaria.6
Tras su renuncia, se celebró el cónclave de 2013, en el que resultó elegido el cardenal Jorge Mario Bergoglio, arzobispo de Buenos Aires, como romano pontífice, que tomó el nombre de Francisco.
Hablaba diez idiomas,7 de los que dominó por lo menos seis: alemán, italiano, francés, latín, inglés y español. Además, leía el griego antiguo y el hebreo. Fue miembro de varias academias científicas de Europa y recibió ocho doctorados honoris causa de diferentes universidades, así como numerosos premios y distinciones a lo largo de su vida. Fue un experto pianista y su compositor favorito era Mozart. Fue el sexto papa alemánnota 4 desde Víctor II y el más longevo de la historia.nota 5 La revista Time llegó a incluirlo en la lista de las cien personas más influyentes del mundo.
Falleció la mañana del 31 de diciembre de 2022, a los 95 años de edad, en el monasterio Mater Ecclesiae, situado en la Ciudad del Vaticano, del que había hecho su residencia tras su renuncia al papado.9 Su funeral tuvo lugar el 5 de enero de 2023 en la plaza de San Pedro, tras el cual fue enterrado en las grutas vaticanas.
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Trayectoria[editar]
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